ángela clúa

GLETSCHER

2013-05-06T23:31:00.002+02:00

WASSERNGRAT

2013-04-10T21:17:00.003+02:00

OJO DE PLATA

2013-01-08T19:59:00.002+01:00

OYSTER

2012-04-17T09:32:00.002+02:00

HIELO

2012-01-08T10:46:00.001+01:00

MANGADO

2011-11-12T13:43:00.001+01:00

LEÇA DE PALMEIRA

2011-09-23T18:33:00.001+02:00

MAIZ

2011-09-23T17:51:00.002+02:00

PALÉO

2011-07-24T18:01:00.002+02:00

AGUA Y LUZ

2011-07-19T15:01:00.001+02:00

2011-06-07T15:43:00.003+02:00

FIORE

2011-04-18T22:43:00.001+02:00

PIOGGIA

2011-03-16T13:53:00.002+01:00

HOLA

2011-02-24T20:16:00.005+01:00

AGUA Y SAL

2011-02-07T21:34:00.004+01:00

NIEBLA

2011-01-16T12:12:00.001+01:00

2010-12-11T08:34:00.003+01:00

PEQUEÑO VISITANTE

2010-11-28T17:32:00.001+01:00

JUAN RODRIGUEZ

2010-11-23T11:00:00.010+01:00

A CORUÑA 1975 foto Pablo Uriel

" Juan Rodriguez es un detective. Se apodera de lo que vemos, de lo que ve a primera vista, y extrae de ello lo que nosotros no vemos. Escudriña, aísla, altera, mueve tonalidades. Despierta otro lado de la realidad, aquel que no descifran ojos menos eficaces, empañados por el hábito, por la rutina"

Álvaro Siza

Juan Rodriguez, comenzó su actividad fotográfica muy joven, a los 14 años ganó un concurso de fotografía entre colegios de Galicia, más tarde compaginó su pasión por la fotografía con estudios de arquitectura y desde 1984 la fotografía se convierte en su única dedicación. "Es lo único que sé hacer. Creo que es mi vida" J.R.

Especializado en fotografía de Arquitectura, realiza también numerosos trabajos profesionales en los campos de la moda y la publicidad. Ha realizado una intensa labor de investigación que ha plasmado en distintas exposiciones en Europa, Norte y Suramérica, al tiempo que sus imágenes se editan en múltiples publicaciones.

Juan Rodriguez cita a Adolf Loos, Otto Wagner, Aalto, Mies o Palladio como sus primeras referencias cuando se le pregunta por las influencias en su obra, llama la atención que estas referencias vengan del mundo de la arquitectura, no del mundo de la fotografía.

Este interés por estos arquitectos viene acompañado de todo el arte de una época definida en la historia, arquitectura, arte y música; en los años 80 tuvo la oportunidad de viajar por Europa, fotografiando estas arquitecturas y teniendo la oportunidad de ver obras originales de Kokoscha, Klimt, Klee, Kandinski...asistir a conciertos de Bruckner, Shoenberg, Berg o Mahler. Él mismo dice que sus primeras fotografías eran abstracciones formales de arquitecturas.

La arquitectura está siempre presente en su trabajo, es la parte profesional de su trabajo puesto que casi todos los encargos vienen de este campo. En lo que a su obra personal se refiere, la arquitectura de una manera directa no es lo que fotografía, ni el tema de su trabajo -si es que hay un tema, dice él- pero está ahí escondida, ejerciendo su influencia.

Juan cita la suerte como un factor importante a la hora de hacer fotografía, pero reconoce, que suerte y experiencia están separadas por una fina línea: "Con la experiencia a veces la suerte la ves venir y te da tiempo a coger la cámara"

Juan Rodriguez define la fotografía como un proceso mental y físico que va desde la toma hasta el laboratorio: "El hecho fotográfico no dura 1/60 s o lo que sea, empieza antes de la toma. Cualquier fotógrafo con experiencia, antes de -apretar el disparador- tiene la imagen clara en la cabeza, no disparas a ver que sale, disparas para conseguir algo que buscas y sabes que se hace así, es previsualización, otra cosa es que lo consigas o no"

El dibujo forma parte de su método para positivar los negativos, ve mejor un encuadre, un corte u otro si lo dibuja primero. " El dibujo es una herramienta genial, conservo este vicio desde mi paso por la escuela de Arquitectura".

Su obra siempre ha sido en blanco y negro, él cuenta que había una gran parte del proceso que no podía controlar y fue por esto que empezó a positivar diapositivas en color por el procedimiento de cibacrhome, pero no le gustaba, salvando algunas excepciones, sólo trabaja en blanco y negro.

Juan nos cuenta con sus fotografías la existencia de un mundo interior que todos tenemos, que nos acompaña y que al fotógrafo puede parecerle más abstracto.

Este mundo interior da la sensación que lo refleja en miradas rápidas "vistazos". Recorriendo su obra podemos tener la sensación de viajar a través de distintos escenarios, en los que reparamos en detalles escondidos.

"Todo se revela un poco diferente, sorprende, se convierte en aparición inesperada. Desde un fondo nebuloso, compacto y oscuro, desenfocado a veces, saltan a la nitidez desenfrenadas cosas, personas, animales: un caballo blanco, una bola de no sé qué, un chorro de luz que atraviesa la puerta entreabierta, lámparas de fuego o surcos deslumbrantes, reflejos lineales de una copa de cristal.

Una imágen negra se confunde con el suelo, y emerge recortada sobre una pared clara. Rayas pintadas sobre el piso de la carretera se aproximan a un punto. ¿En qué lugar?

Un mar sin horizonte, un mar petrificado, un suelo de cuadros negros y blancos, mesas y sillas abandonadas, rascacielos que desaparecen en el cielo o que en él se recortan, una servilleta blanca bajo la pata corta de una mesa- todo en blanco y negro y ceniza, mil grises. La realidad a un tiempo nítidia y desfigurada "

Alvaro Siza

He tenido la magnifica oportunidad de poderle preguntar algunas dudas, inquietudes y consejos desde mi personal situación de estudiante de Arquitectura.

La primera pregunta parece obvia, ¿cómo comienza su trabajo al enfrentarse a la obra de Arquitectura?

JR- El trabajo comienza antes de estar en el edificio, suelo estudiar el proyecto, para ir conociéndolo. Esto puede ser tras una conversación con el arquitecto o a través de los planos. Una vez allí, y en función del recorrido del sol, organizo el orden de las fotografías. Dependiendo del tamaño del edificio puedo tardar uno, dos o tres días en realizar el trabajo.

AC- ¿Qué aspectos son los que priman a la hora de fotografiar un edificio?

JR- Los aspectos que tengo en cuenta son, una vez que creo haber entendido lo que el arquitecto quiso decir con su proyecto, yo lo intento contar con mis imágenes, es una reinterpretación del edificio con motivo del cambio de lenguaje, ahora fotográfico.

AC- ¿Cuál es tu relación con los arquitectos, te acompañan a la obra o prefieres hacerlo solo?

JR- Mi relación con los arquitectos es, naturalmente, necesaria. Es un privilegio para mi poder contar con la perspectiva del creador de la obra antes de hacer mi trabajo. Claro que, no siempre es posible. Una vez superado este punto, el trabajo tengo que hacerlo solo. No puedo trabajar acompañado de nadie, respondiendo preguntas, oyendo sugerencias, en fin; manteniendo una conversación, me despisto. Todo esto he de hacerlo antes.

AC- En la escuela suele salir a debate el tema de fotografía de arquitectura con o sin gente; comentábamos si el edificio debe fotografiarse como un objeto bello, o como un espacio para ser vivido, yo creo que pueden conseguirse ambos, pero si que es cierto que cuando aparece un elemento reconocible, dando escala se habla más de arquitectura, mientras que si no hay nadie, podríamos hablar de escultura. ¿Qué opinas?

JR- Efectivamente, una obra puede ser un objeto bello y vivido; y tenga personas o no, siempre podremos hablar de Arquitectura. Depende de muchas cosas, no es tan fácil, la presencia de gente o no, no debería influir en el discurso de hablar de arte, belleza, arquitectura...en realidad, todo es uno.

AC- ¿Cómo relacionarías personalmente arquitectura y fotografía?

JR - Yo he conocido mas arquitectura a través del objetivo de la cámara que a través de los libros. La fotografía y la arquitectura están vinculadas. Es una manera especial de verlo, pero yo he estudiado la carrera de arquitectura con una cámara y un lápiz

Sus fotografías del centro ecuestre en el Valle de la Ultzama del arquitecto Patxi Mangado cuentan el proyecto de manera espectacular. Esa reinterpretación del edificio con motivo del cambio de lenguaje que nos hablaba en la entrevista queda patente.

Sus fotografías nos hablan de texturas, esos materiales característicos del edificio, los detalles de un diseño y construcción esquisitos. Nos hablan del uso del edificio. Nos hablan de volumetría... Pero Juan no se limita a presentarnos el edificio, nos cuenta como el centro ecuestre convive en armonía con el paisaje que le rodea, el Valle de la Ultzama, su silencio, su tranquilidad.

Búsqueda de contrastes y perspectivas interesantes.

Son un ejemplo claro de la posibilidad, a la hora de hacer fotografía de arquitectura, una obra de arte que cuenta el edificio.

Señorío de Otazu II

2010-11-17T22:16:00.007+01:00

Vino color de día,

vino color de noche,

vino con pies de púrpura

o sangre de topacio,

vino,

estrellado hijo

de la tierra

vino, liso

como una espada de oro,

suave

como un desordenado terciopelo,

vino encaracolado

y suspendido,

amoroso,

marino,

nunca has cabido en una copa,

en un canto, en un hombre,

coral, gregario eres,

y cuando menos, mutuo.

Fragmento "oda al vino" de Pablo Neruda

Señorío de Otazu

2010-11-17T21:12:00.004+01:00

Visita al Señorío de Otazu, en una tarde gris de noviembre.

El suelo mojado y las hojas de las viñas despidiéndose del otoño complicaban es búsqueda de las fugas acentuadas por los contrastes característicos del otoño. Los colores, las luces y las sombras parecían haber decidido no acompañarnos en esta tarde.

Siguiendo el recorrido de la uva, llegamos a la sala principal de la bodega, donde descansan las barricas a que llegue su hora.

Interesante la identificación que puede hacerse entre la colocación de las barricas y las viñas al exterior, perspectivas similares, siempre enriquecidas por la maravillosa cubierta, bóvedas de hormigón armado, encofrado con madera de pino. Madera que ha marcado una fuerte textura, de la misma manera que la madera de la barrica es clave para el buen aroma del vino, la textura de las bóvedas dotan este espacio de ese "buen aroma" del vino, de la calidad.

Tecnología, Música y Movimiento

2010-11-16T21:09:00.001+01:00

Inspirada en la obra de Giacomo Balla: “Ritmo del violinista” de 1912; donde las manos de un violinista se superponen en su movimiento acariciando el instrumento dejando plasmado en las dos dimensiones el movimiento, que podría considerarse una dimensión más, relacionada con el tiempo, pues el movimiento se realiza a través del tiempo, la cuarta dimensión.

La técnica fotográfica fue muy utilizada en el movimiento futurista por ser una técnica innovadora, que pudo considerarse arte. Encuadres arriesgados, claroscuros con influencia de Caravaggio, situaciones absurdas y engañosas fueron los temas más tratados.

Etienne Jules Marey ideó un recurso fotográfico que permitió registrar los patrones de articulación y las líneas de trayectoria de los cuerpos en movimiento. Esta técnica llegó a conocerse por el nombre de cronofotografía, la cual mostraba cada fase del movimiento en su correcta posición en relación con todas las demás fases registradas en la misma placa.

Anton Giulio Bragaglia, además de ser un pionero en la fotografía italiana futurista fue un estudioso del tratamiento del movimiento en la fotografía y desarrolló la técnica llamada fotodinamismo. En el año 1911, publica el Tratado del Fotodinamismo, y años más tarde divulgó otros dos manifiestos futuristas, Fotodinámica Futurista y el Manifiesto del Cine Futurista.

Esta obra pretende mostrar dos movimientos simultáneos: el movimiento inanimado de un flexo y los movimientos concisos y exactos de los brazos de un violinista.

En la obra el movimiento se consigue a través de la sucesión de fotogramas tomados en distintos momentos del movimiento de un cuerpo, un movimiento externo o interno al elemento fotografiado.

La danza de un bailarín industrializado, un bailarín personificado, a través del movimiento que se le aplica, en un producto de la evolución de una sociedad dinámica, en la que la energía eléctrica y la máquina pasan a ser los nuevos protagonistas, representando esa tecnología en auge, esa belleza de lo nuevo, de lo industrial, de la energía.

Los movimientos del arco y los dedos de la violinista interpretan el capricho nº 24 de Paganini en una equilibrada combinación de elegancia y dinamismo.

La simultaneidad de movimientos fue un tema tratado por los futuristas a principios del S.XX, Tema que se refleja en la obra gracias a fotografías en blanco y negro, donde la luz y la sombra contrastadas definen tanto volúmenes y formas como movimiento y expresión.

La personificación del objeto inanimado se consigue a través de personificar sus movimientos, el baile, la orquesta, la música, actividades de la actividad social que consiguen dotar a una máquina, un carácter humano.

Los instrumentos de cuerda, especialmente el violín fue el protagonista de las obras de este movimiento futurista relacionadas con el mundo de la música.

La obra busca el contraste de un objeto clásico, armónico, artesano, de madera; con otro industial, metálico, que lleva la energía eléctrica a la vida cotidiana.

Tecnología, Música y Movimiento

2010-11-11T15:44:00.011+01:00

Rincones de Pamplona

2010-11-08T21:20:00.014+01:00

Paseo nocturno por el casco viejo de Pamplona, buscamos ese Rincon, esa foto que retrate Pamplona tal y como es, sin fiestas, sin San Fermines, huyendo de los tópicos nos metemos por callejones, reparamos en detalles que hasta ahora habían pasado desapercibidos.

Noche en las Murallas

2010-10-26T23:14:00.010+02:00

Ella forma parte de esta muralla, es suya, al igual esta muralla, forma parte de ella, y ella, de una manera u otra pertenece a esta muralla, a este lugar tan característico.

Con estas fotografías pretendo romper el carácter que suele asociársele a la muralla, las nuevas murallas de Pamplona, son limpias, bonitas y divertidas, configuran un espacio para el juego, el deporte, el baile y la charla. Un espacio nuevo, pero de siempre.