O processo de produção do disco começou ainda na pandemia, em 2020, e remete ao rock noventista de nomes como Cake ou Beck, contando até com doses de psicodelia, como na “Intro de End of the moon”.

“Esse disco é como uma volta no tempo, uma espécie de retorno ao período quando eu me formei musicalmente, que, no caso, foi na minha adolescência, nos anos 90″, conta o artista, que, por trás do pseudônimo, atende pelo nome de Pedro Dias Carneiro. “Na verdade, é um recorte bem específico de uma época: Rádio Cidade, grunge, Gugu, Spice Girls, bandas gringas e o rock nacional com suas misturas inusitadas.”

O resultado de todas essas miscelâneas distintas é mais que uma sensação estética. “Eu me permiti revisitar essas referências e usá-las como guia na hora da produção, depois de mais de 20 anos. Ou seja: é outra coisa!”, conceitua.

Já o nome “Bad English” brinca com as traduções abrasileiradas que, ainda assim, têm seu charme. É, também, uma forma de mostrar que cabem ao som e à palavra múltiplas interpretações, a critério do ouvinte. O álbum foi gravado no estúdio 304, em Nova Lima (MG) e lançado pelo mesmo selo, com capa assinada por Maria Cau.

Confira Bad English faixa a faixa:

“INTRO / END OF THE MOON“: É a faixa de introdução. Tem duas músicas nela, a primeira é curtinha e simples, uma espécie de apresentação quase formal. Gravei umas flautas que foram processadas e editadas pela Rafa Prestes, sempre com o filtro e acabamento do Chico. Explica um pouco o procedimento do disco, de recorrer a outra língua que a gente mal sabe pra expressar algo que a gente mal entende, que talvez não se tenha palavras pra dizer, e que vira outra coisa quando dita. Na sequência começa “End of the Moon”, uma música que tem ares de sonho, a ideia de viajar pelo próprio corpo e a volta pra chamada realidade, é ida e vinda, viagem. Lembra um pouco rock inglês do final dos anos 60, com delays e vozes dobradas.

“STAR SMOKE SUCKER“: Única música não inédita do disco, uma parceria-homenagem-brincadeira com Dede Teicher. Vai narrando um dia ocioso na vida de um personagem praiano, com brincadeiras poéticas e mudanças de sentido permitidas pelas traduções literais e irresponsáveis. Expressões como ˜ make up your mind ˜ e o próprio título da música, que pode significar ˜ chupa fumo da estrela ˜ são bons exemplos disso. Tinha sido gravada no EP da Dedê ˜ Vôngole ˜ numa versão voz e violão, e aqui a Ana Frango deu a ideia na hora da gravação de fazer ela meio disco. Foi o que fizemos, não sei se soa exatamente isso, tem uma guitarra um pouco fora desse contexto, mas foi um pouco o norte. A bateria do Biel e os baixos do Gui ajudam a deixar essa sensação, além dos synths que a Ana gravou. 

“FOREST BABY“: Musiquinha safada, meio rock balada, fala de um jeito bem indireto e genérico sobre a formação de uma cidade, uma selva de pedra qualquer, e sobre a sensação de um personagem atual porém enterrado junto com a história por baixo do asfalto, onde antes corria um rio que não há mais, e agora só queria ser uma plantinha num canto. Uma curiosidade é que esse vocal PAPAPA quem inventou foi o Biel baterista. Não sei se de propósito, quando eu mandei as músicas voz e violão pra ele conhecer e já ir pensando em idéias, ele me mandou um áudio tocando um groove e cantando a música sem letra, só com PAPAPA. Aí convencidos pelo enorme carisma de Bielzinho do Bielzinho Bielzinho colocamos esses vocais na música. Outra coisa digna de nota é a participação do grande Marcelo Costa nessa faixa, que estava no estúdio gravando outro disco e no final da sessão ouviu a música e tocou lindamente.

“WRONG TICKET“: Um blues com uma estética mais rock, tem um baixo synth somando ao baixo e uma drum machine com a bateria, o que talvez leve pra uma vertente de um rock mais eletrônico que eu não sei nomear (mas deve ter um nome). No final, tem um solo que pode parecer guitarra, mas é voz cantando no kazoo com distorção. A letra é um pouco apocalíptica, como se a gente tivesse nascido no lugar ou na hora errada, com o ingresso errado da vida. Ou sobre inadequação, talvez exclusão. Na hora da festa, com ingresso ou não, você está fora. 

“LITTLE SUN”: Começa remetendo ao grunge dos anos 90, com guitarra distorcida e harmonia intuitiva. Porém, mais para o final, a música fica um pouco mais swingada e tem uns vocais em coro e efeitos criados pelo Chico que levam a música para outro lugar, menos rock, mais sombrio. A letra é quase autoajuda ou uma ode à confiança no caminho, sobre a necessidade de se continuar seguindo a vida até o seu final, o último e pequeno sol apagando no horizonte. 

“NIGHT AWAY“: Retoma, de uma forma um pouco mais leve e esperançosa, a ideia de confiança no caminho, dessa vez refletindo sobre as possíveis perspectivas de um mesmo fato, e questionando a diferença entre o que chamamos de realidade e aquilo que está ˜apenas˜ na cabeça de alguém. Talvez a composição mais complexa do disco, com mais variação harmônica, mas o arranjo e o jeito que o Chico conduziu as coisas acaba compensando um pouco. Acho que ficou leve. Gosto muito da solução do groove do Biel na bateria. O Guilherme foi fundamental nas ideias de piano e metalofone, além de ter colocado a sua já clássica máquina de bateria Maestro a partir da segunda metade, e a Ana arrematou nos teminhas de synth.

“BRAZIL COMMODITY“: Essa reverbera um pouco aquela onda ska das bandas de pop rock nacional. Tem achados sonoros muito legais que o Chico arrumou, como no final, as flautas processadas com uma viola e voz num midi alucinado, e também a bateria, que passou pelo seu velho e bom Moog – e fez umas coisas ali que eu nem entendo direito – chegando num som que gosto muito. Tem um especial no meio com uma guitarrinha bem característica de uma época da Ana, além da participação especialíssima do Theo, filho do Chico e da Marcia. A letra tenta uma comunicação vã com alguém de fora, para contar um pouco sobre o Brasil e seus clichês, mas cai na própria contradição já exposta no disco, dos diferentes pontos de vista, aqui as realidades são muitas. 

“LEFT FOR DEAD“: Eu fiz essa música pra um jogo de sobrevivência em um apocalipse zumbi que jogava na internet, que tem esse mesmo nome. A letra rouba várias expressões e jargões encontrados no jogo e talvez – o que seja mais engraçado – é que faziam sentido no momento, mesmo sem nenhum zumbi. Tem um banjo muito bem mandado pelo Guilherme, e o Danton da banda El efeito faz uma breve participação com seu trompetinho. 

“OFFBOOK EFFORT“: Essa eu imagino como uma viagem de ônibus, de carro pela estrada, ou mesmo de trem, e acho que retoma um pouco o assunto do disco sobre o caminho e sobre a perspectiva de fim. Apesar da introdução esquisita que gravei com uma sobreposição de violas e violões desafinados, e o começo com métrica um pouco truncada, eu vejo ela como um rock simples. Tem uns vocais que aparecem durante quase todo o disco e que voltam nessa música. E tem uns synths que eu amo que a Rafa gravou.

“DAILY BASIS”: É a música quase romântica do disco, que valoriza a companhia, mesmo que de uma forma um pouco questionável. Acho também uma das músicas mais pops, com um groove sem muitas invenções, bem direto e simples.

“VINHETA / UNSAID / OUTRO“: A vinheta é a Ana no piano e synth e o Biel na bateria. Pedi pra ela fazer algo no piano meio repetitivo, que remetesse à música “unsaid” e ela se saiu com essa maravilha. Tudo passando pela leslie do Chico, por isso esse som ondulante. A letra tem um pouco de uma resiliência e aceitação das coisas, não sem uma certa melancolia. No final, entra a bateria e banda começa a OUTRO, que nada mais é que a intro com a estética de END OF THE MOON, dando uma sensação de ciclo que se encerra.

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Em seguida, a DLRE Tour passa por Porto Alegre, dia 25, no Auditório Araújo Vianna, por fim, BK’ finaliza o mês de apresentações em Salvador, dia 27, no espaço Concha Acústica. O rapper também já confirmou shows no dia 8 e 28 de agosto, sem anunciar as cidades.

O álbum Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer (2025) é a quinta produção do rapper. Em apenas 24 horas após o lançamento, atingiu a marca de 5,6 milhões de streams. O disco não se limita ao rap e hip-hop, mas passeia por outros gêneros musicais.

Gigantes Fest

Em abril, BK’ fez sua estreia na produção de festivais, lançando o Gigantes Fest. O evento reuniu mais de 30 mil fãs de rap na Praça da Apoteose, no Rio de Janeiro. Além de BK, outros nomes da cena do hip-hop integraram o line up.

O Gigantes trouxe shows da nova geração até de artistas já consagrados, mostrando a diversidade da música brasileira, dos DJ’ sets de abertura até os headliners do evento. O público curtiu Djonga, com direito a roda punk em “Olho de Tigre”.

Fye e Ebony levaram a mistura do rap com pop, enquanto MC Luanna comandou o baile com o funke Black Alien apresentou o show comemorativo de 20 anos de Babylon by Gus (2004). Depois, rolou a apresentação de BK’ do Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer (2025).

Para fechar bem a noite, BK’ trouxe convidados para performance, como Evinha Borges, Fat Family, Luccas Carlos, Melly, MC Maneirinho, LEALL e Maui.

Veja como foi o festival Gigantes, que levou o rap para a Praça da Apoteose (RJ)

BK – DLRE TOUR

12.07 – São Paulo/SP – Espaço Unimed – Ingressos (Ticket 360)

25.07 – Auditório Araújo Vianna – Porto Alegre/RS

27.07 – Concha Acústica – Salvador/BA

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Flanela de microfibra

Na hora de limpar seus discos, pode surgir a dúvida sobre qual material não vai causar nenhum tipo de dano a eles.

A flanela de microfibra é uma ótima opção nesses casos. Isso porque ela não arranha o vinil, não deixa resíduos e ajuda na redução de estática, algo que atrai poeira para o LP. Lembre-se de limpar sempre de forma circular, sem pressionar muito o disco.  Reservar uma flanela apenas para esse fim também é importante.

O guia do bolachão: confira formatos, tendências e diferenças entre os vinis

Esponja mágica

A agulha do toca-discos é uma peça fundamental para a qualidade do som e, por isso, merece atenção especial. Como ela retém sujidades, de tempos em tempos vale limpá-la.

A esponja mágica é uma opção em conta e eficaz. Não é necessário esfregá-la na agulha, isso poderia danificá-la. Basta colocar a esponja sob a agulha. 

Caixote

Pode ser que há tempos um caixote esteja parado no cantinho da bagunça na sua casa. Que tal aproveitar esse item para guardar os seus LPs?

Seja de madeira crua ou de plástico colorido, na próxima vez que você for escolher um disco para ouvir, vai ficar com aquela sensação boa de estar numa feira vasculhando pelos vinis para garimpar uma raridade para a sua coleção.

Capas internas

Já notou como todos os discos da Noize vão embalados num saquinho? É por um bom motivo! Fazer isso ajuda a proteger o vinil de sujeiras e avarias.

Então se alguns dos seus LPs não estão armazenados assim, capas internas são baratas e fáceis de encontrar não só em lojas especializadas de discos, mas também na internet. 

Prateleira para quadro

Por que não unir praticidade e decoração? Em prateleiras, você pode deixar tanto a capa do disco que está tocando na vitrola ou uma seleção dos seus preferidos do momento. É uma ótima maneira de deixar a casa ainda mais do seu jeito.

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Os headliners ficaram com Gloria Groove, que já é um dos shows mais aguardados pelo público, no domingo. O repertório será por conta do seu novo álbum, Serenata da GG (2024), em uma pegada mais romântica com o pagode. Junto com Gloria, entra o grupo Raça Negra, celebrando os mais de 40 anos de carreira com grandes sucessos.

Já no sábado tem Seu Jorge, apresentando o Baile à la Baiana (2025). O show promete celebrar a carreira do cantor, com elementos da cena musical carioca e baiana.

Ao lado de Seu Jorge, o público acompanha a volta aos palcos de Alexandre Pires ao lado do Só Pra Contrariar, com o show SPC Acústico 2 – O Último Encontro (2025). No passeio por diferentes regiões do país, a pluralidade da música brasileira se reflete nas atrações.

O evento também traz o samba, com Pretinho da Serrinha em roda com Criolo e Leci Brandão; axé music, de Saulo e Luiz Caldas; ao funk dos anos 90, nostálgico, com o Bonde do Tigrão, passando pelo pop e hip hop de Samuel Rosa e Gabriel, o Pensador, respectivamente.

Por fim, como é costume nas edições, o Festival Turá busca abrir espaço para artistas que estão florescendo na indústria. É o caso do grupo Samba de Dandara, coletivo exclusivo de mulheres que luta pelo empoderamento das sambistas, e do Forró das Minas, que busca celebrar os clássicos do forró, através das vozes femininas e LGBTQI+.

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Festival Turá São Paulo 2025

Datas: 28 e 29 de junho

Abertura dos Portões: 13h

Local: Parque do Ibirapuera – Auditório Ibirapuera – Av. Pedro Álvares Cabral, 0 – Ibirapuera, São Paulo – SP, 04094-050

Vendas: Tickets For Fun

Valor dos ingressos: passaporte TURÁ, com acesso aos 2 dias de festival: R$ 550 (inteira) e R$ 275 (meia-entrada). Ingresso para 1 dia de evento: R$ 380 (inteira) e R$ 190 (meia-entrada). O valor não inclui taxa de conveniência.

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Pensando nisso, o projeto Women’s Music Event relança o Banco de Profissionais. A plataforma gratuita busca promover conexões profissionais e ampliar a visibilidade das mulheres no mercado da música. Para candidatar-se, acesse o site do WME, clique em “Cadastro de Profissionais” e preencha os dados solicitados.

O relatório “Por Elas que Fazem Música”, com dados da União Brasileira de Compositores (UBC), mostra que, desde 2018, quando foi publicada a 1ª edição do material, o processo de superação da disparidade de gênero no mercado musical ainda é lento.

Criada em 2016, por Monique Dardenne e Claudia Assef, o Banco de Profissionais foi relançado em abril deste ano. Por lá, mulheres de todo país podem cadastrar seu perfil, de funções artísticas a técnicas e de produção, e encontrar novas oportunidades na música.

Hoje, são mais de mil profissionais inscritas. Com interface semelhante a de uma rede social, a cadastrada pode editar o perfil e buscar cargos, filtrando por cidade e/ou habilidades. As mesmas ferramentas de busca estão disponíveis para os contratantes.

Musicistas são a maioria no Banco de Profissionais do WME, nos cargos de cantoras e/ou instrumentista, porém, os cargos mais procurados são para os bastidores, de produtoras e técnicas de som a jornalistas e assessoras de imprensa.

WOMENS MUSIC EVENT 2025

A edição do Women’s Music Event deste ano já tem data marcada. Entre os dias 12 a 15 de junho a conferência sobre mulheres na música brasileira acontece na Heavy House, Biblioteca Mário de Andrade, Praça Dom José Gaspar e Cine Joia.

A organização divulgou as selecionadas para o Pitch WME 2025. Os nomes incluem: Akila, Crime Caqui, Dani-Vie, Dandarona, Djuena Tikuna, Gabrelú, Kristal Werner, Lubo, Luli, M.a.r.ia, Marieh, MUM, Natália Carreira, Nic Dias, Regiane Araújo, Renata Lopes, Sandyalê, Sofia Gayoso, Viridiana e YPU.

O restante da programação, com painéis, oficinas e shows, será divulgada em breve. Para ingressos, clique aqui.

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No novo disco, a artista propõe diálogos entre a MPB e a música latino-americana. Sua sonoridade pop alternativa bebe do samba, funk, rock, bachata e reggae. Com percussões, beats, guitarras, violões e sintetizadores, Marina remete às suas influências – como Gal Costa e Marku Ribas, que estão na capa do álbum –, criando uma identidade sonora autêntica e fresca.

Com produção musical de Janluska, o trabalho inclui colaborações com André Oliva e Matheus Bragança, parceiros de Marina n’A Outra Banda da Lua. Há ainda a participação da banda espanhola e colombo-venezuelana Çantamarta, em “Doçura”, além da cantora ítalo-brasileira Gaia e da rapper portuguesa Nenny, em “TOKITÔ”.

Em uma estreia viral, Coisas Naturais alcançou o sexto lugar no Top 10 do Spotify global, além de emplacar três músicas na lista das cinquenta mais ouvidas da plataforma. O single “Numa Ilha” foi citado pelo crítico musical Jon Pareles, do jornal The New York Times, como um dos destaques recentes da música.

Assine o NOIZE Record Club e garanta Coisas Naturais em disco de vinil amarelo opaco, acompanhado pela revista Noize #162. Tenha o terceiro disco de Marina Sena na sua coleção!

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No ano seguinte, a dupla conquistou um público maior com “Playground Love”, faixa que embalou cenas em tom pastel do filme Virgens Suicidas, de Sofia Coppola. 

Formado por Nicolas Godin e Jean-Benoît Dunckel, o Air logo virou referência em uma música eletrônica minimalista, mas com tempero suficiente para circular na MTV.

“Nós não imaginávamos esse sucesso”, conta Dunckel, durante coletiva com jornalistas brasileiros neste mês. “Não ambicionamos o mainstream, mas, sim, produzir um álbum com qualidade artística”. 

No ambicionaram, mas o sucesso veio. Desde então, lançaram álbuns com boa recepção, como 10,000 Hz Legend  (2001) e Talkie Walkie (2004). Também seguiram no flerte com o cinema: continuaram colaborando com Sofia Coppola (como na trilha de Maria Antonieta) e, em 2012, lançaram o disco Le voyage dans la lune, inspirado no filme de mesmo nome de Georges Méliès.

O processo criativo do Air envolve muita lapidação sonora, o que nem sempre se reflete nos lançamentos mais hypados do momento, ao contrário do que foi com o primeiro disco. Mas isso não preocupa os integrantes. “Estamos buscando uma espécie de novo espírito para nossas músicas, uma nova maneira de compor os instrumentos. Não nos importávamos muito em fazer músicas, mas em fazer a música certa”, revela Nicolas Godin.

De volta ao passado

25 anos após o debut, o Air aproveitou a efeméride para revisitar a própria obra: além de terem se apresentado nos Jogos Olímpicos de Paris no ano passado, cantando “Playground Love” ao lado de Thomas Mars, do Phoenix, deram o pontapé na tour do Moon Safari, tocando o álbum de estreia na íntegra.

É esse celebrado show que chega por aqui no dia 24 de maio, em São Paulo, durante o C6 Fest. O festival ainda apresenta Nile Rodgers e Chic, Gossip, Pretenders, Wilco e Perfume Genius, entre outras atrações entre os dias 22 a 25 de maio. Os ingressos estão disponíveis no site oficial do evento.

Veja o line up completo do C6 Fest

Eles garantem que os fãs podem esperar por um Moon Safari fiel à versão de estúdio. “É ótimo chegar a esse estágio, de poder tocar um disco de 1998 aceitando-o do jeito que ele é. Não queremos ajustá-lo ao jeito que somos e tocamos hoje, porque se tornou um álbum cult”, conta.

Ao contrário de músicos que temem virar um tributo de si mesmos, o Air reconhece que fizeram um bom trabalho no passado. “Ouvindo o Moon Safari, acho que ele continua atual, fresco. Sabe, tínhamos medo de fazer uma música que envelhecesse mal”, conta Dunckel.

Já para Nicolas Godin, o melhor é poder tocar o Moon Safari com a tecnologia e a maturidade musical que angariaram nas últimas décadas. “É como pegar um ônibus espacial, uma máquina do tempo. E, de repente, acordamos em 1998. É como voltar para o futuro, sabe?”, conta. “Autografamos discos do ‘Moon Safari’ para os fãs, usamos os mesmos instrumentos… Vem sendo uma experiência maravilhosa”, comenta. O público brasileiro não vê a hora de embarcar nesta viagem no tempo.

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Aproveite e dê o play na nossa playlist no Spotify para receber, todo mês, uma curadoria especial com o melhor da música brasileira atual.

Ana Gabriela – “Quanto Tempo Tem o Tempo”

Alaíde Costa – Uma Estrela para Dalva

Ananda – “Nós”

Candy Mel – “Corpo Nu”

Day Limns – “acidente”

Heisen – “Blackout”

Julia Mestre – Maravilhosamente Bem

Mateus Aleluia – Mateus Aleluia

Mia Badgyal e Ms Nina – “Motor”

Mc’s Tasha & Tracie, Jah Rule, Traplaudo, Rio Santana – “Bate a Onda”

Nego Joca – EP Geração Vapor

Pedro Mizutani – “Canal”

Sérgio Britto – Mango Dragon Fruit

Selvagens à Procura de Lei – Y

Thaíde, Djonga e NegraVat – “Pega a Visão”

Tyra Doh – “Gasta o Relógio Comigo (Pra Voar)”

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A exposição “Andy Warhol: Pop Art!” acontece no MAB FAAP entre os dias 1º de maio a 30 de junho de 2025. Por lá, o público poderá ver mais de 600 obras, vindas diretamente do The Andy Warhol Museum —algumas delas estão pela primeira vez no Brasil.

Irônico, criativo e revolucionário, o trabalho de Andy Warhol marcou o século XX com obras icônicas, como Campbell´s Soup, Elvis, Mao, Marilyn e Pelé, disponíveis para visitação no “Andy Warhol: Pop Art!”.

Música e cultura pop

Os trabalhos de Andy Warhol e o talento do artista em transformar o comum em algo memorável chegou ao mundo da moda, cinema e a música, chamando atenção de artistas do mundo inteiro. Suas capas de disco marcaram a indústria cultural.

Para além de Velvet Underground & Nico, Andy Warhol desenhou a capa de Love You Live (1977), da banda The Rolling Stones e, nos retratos, o clássico de Michael Jackson, na época de Thriller (1982).

Ao longo da mostra, é possível adentrar nas multifacetas de Andy Warhol,com pinturas, serigrafias, esculturas, fotografias, instalações de grande porte e filmes experimentais do artista.

Andy Warhol: Pop Art!

Ingressos: www.AWBR25.com.br

Bilheteria (sem cobrança de taxa de conveniência): MAB FAAP – Rua Alagoas, 903 – Higienópolis, São Paulo | Prédio 1 – Subsolo Todos os dias das 9h às 20h

Valores

3ª a 6ª feira: R$ 50 inteira | R$ 25 meia-entrada

Sábados, Domingos e Feriados: R$ 70 inteira | R$ 35 meia-entrada – fechado às segundas-feiras

Período da exposição: 01 de maio a 30 de junho de 2025

Horário: 9h às 20h (última entrada às 19h)

Localização: MAB FAAP – Rua Alagoas, 903 – Higienópolis

Classificação etária: livre para todas as idades

Estacionamento: disponível no local mediante pagamento

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Conheça mais sobre elas:

Afreekassia

Nascida e criada em Santos, no litoral paulista, a artista traz influência do hip hop e do afrobeat para seu som, que versa sobre coletividade, autoestima e confiança. O primeiro contato com o rap aconteceu pela música com lente gospel de Ao Cubo e FLG. No ensino médio, encontrou nas rimas uma forma de acolhimento. 

“Eu era bolsista em escola particular, então, quando entendi melhor as coisas que passei durante a infância e adolescência, quis encontrar um lugar de acalanto, já que não conseguia conversar com as pessoas do meu convívio. Buscava algo que me ajudasse nessa fase.  Na época, todo mundo ouvia sertanejo e grupos de rap como Costa Gold e Haikaiss, mas sentia que não era isso que eu buscava. Nesse momento, aprofundei a minha pesquisa e busquei músicas que falavam sobre o que eu estava sentindo – foi quando encontrei Pentágono, Sabotage e Racionais”. 

Seguir a carreira artística nunca foi o seu objetivo, mas durante a faculdade de relações públicas, em 2016, começou a discotecar em festas com foco nas vozes femininas. “Entendi como eu poderia fazer parte desse movimento. Sendo sincera, no início, eu não tinha noção da onde eu estava entrando”, comenta sobre a fase. 

Em 2023, lança o single “Sou + As Negras”, que marca o início da fase autoral. A faixa exalta a estética e parceria das mulheres negras, além de saudar figuras históricas importantes. No mesmo ano, lançou o EP Sou + Eu com letras energéticas sobre sua origem e trajetória. Atualmente, ela trabalha no primeiro álbum: “Quero ter estrutura para conseguir colocar todas as minhas coisas na rua e poder materializar e realizar as coisas. O meu próximo plano é ser grande”.

Ajuliacosta

Rapper e empresária, AJC é fundadora da marca AJC$hop, e é dona de um flow singular. A artista de Mogi das Cruzes começou a construir a sua relação com o hip-hop na adolescência, a partir da arte de rua e da pichação. Mas foi nas batalhas de rima que a rapper deu os primeiros passos: “Sempre escrevi letras, então comecei a participar das batalhas e fui muito incentivada pelas minhas amigas. Aos 14 anos, elas me apresentaram para alguns MCs e eles me convidaram para participar do grupo Mistura de Fatos”.

Desde então, viveu algumas pausas na carreira por conta das mudanças do início da vida adulta, como a mudança de cidade e o início da faculdade. No entanto, desde 2020, a artista engatou a primeira marcha com o lançamento de singles, o EP AJU (2022) e o álbum Brutas Amam, Choram e Sentem Raiva (2023). “O rap é um estilo de vida, algo que gera identificação. Com ele, consigo perceber que faço parte de algo”, ressalta AJC. 

No disco, ela mostra as suas diversas facetas e destaca seu lado sensível e vulnerável, sem deixar de lado as rimas sagazes e combativas. Visando fortalecer a cena feminina, a artista organiza o projeto SET AJC com participações de outras rappers: a primeira edição, em 2021, contou com Mac Júlia, N.I.N.A, Alt Niss, NandaTsunami e MC Luanna. Já em 2024, convidou Duquesa, LAI$ROSA, MC Luanna e iamlope$$. 

“As minhas músicas surgem de reflexões pessoais. Sinto que elas sempre geram debates no público. ‘Você Parece com Vergonha’ surgiu de relatos de amigas, que também passaram por relacionamentos abusivos. As minhas fãs sempre me relatam situações semelhantes às contadas na música”. Além de ecoar na vida de outras mulheres, a faixa venceu o prêmio de Melhor Música Alternativa no Women’s Music Event em 2024. 

Alra Alves

Nascida em Cubatão, mas criada em São José dos Campos, Alra Alves ressalta a importância da região do Vale do Paraíba na sua arte. “O rap é o meu refúgio, meu combustível, através dele encontrei a minha voz e o meu propósito”. A artista destaca como a vivência periférica a aproximou do estilo musical, mas foi nas rodas de freestyle que ela deu os primeiros passos. 

“Tudo começou nas rodas da minha cidade, onde eu via a força das palavras e o rap como expressão artística. A partir dali, a música deixou de ser só algo ao meu redor e virou a paixão que me guia. Eu frequentava a calçada do Sesc, ponto de encontro para quem curte pichação e outras manifestações culturais urbanas. Depois de alguns meses, tive a oportunidade de assistir a um show do grupo de rap D’Origem. Foi a primeira vez que vi mulheres no palco. Ver Meire D’Origem e Preta Ary se expressando com tanta força me fez ver que o palco também era o meu lugar”. 

Com influências do boombap, a artista versa sobre protagonismo feminino, reflete sobre a desigualdade social e a indústria do rap.“A minha caneta é o meu principal instrumento de expressão, pois me permite transformar pensamentos, sentimentos e vivências em algo concreto. Ao mesmo tempo, é um ato de coragem, pois sei que cada palavra tem o poder de provocar reflexão, incomodar e alcançar quem se identifica com a minha realidade. Ela me ajuda a ampliar a minha voz, traduzindo as contradições que vejo na sociedade e no hip-hop, enquanto trago histórias da quebrada, das lutas e vitórias do nosso dia a dia”.   

A discografia da rapper conta com as obras Ruera (2019) e Nosso Lugar (2025). Alra Alves também é fundadora do Estúdio Ruera, primeiro estúdio de rap fundado uma mulher no Vale do Paraíba. Neste ano, deseja rodar o país com a música e abrir portas.”Apesar de ser MC há nove anos, sinto que agora é o momento certo de mostrar tudo o que tenho para o mundo”.

Mc Luanna

A artista ficou conhecida na periferia da Raposo Tavares, na Zona Oeste paulistana, como Luana do 44. O número era usado para lhe diferenciar da vizinha do mesmo nome, mas tornou-se a sua marca registrada. Nascida na Bahia, mas criada em São Paulo, ela afirma como a cidade foi decisiva na sua trajetória: “A minha essência é baiana, mas encontrei aqui o terreno fértil para crescer no rap, conviver com a galera que já estava fazendo história e me fez acreditar que eu também podia. São Paulo me ensinou a ter postura, entender o jogo e a me posicionar”.

Apesar de anotar ideias desde a adolescência, foi em 2020 que ela decidiu colocar as primeiras músicas na rua. “O rap sempre fez parte da minha vida, mas apenas entendi a sua potência quando lancei as minhas letras, entendi o rap para além da música, o enxergo como um ato de resistência. O rap me deu coragem para falar a minha verdade e transformar a minha vivência em arte”. 

A conexão com o público vem sendo construída desde o debute “Kit Rosa”, single lançado em 2020. “Vi o quanto as pessoas se identificam com a minha imagem e a minha música. Comecei a me enxergar dentro do rap e da música nacional”. Mc Luanna já colaborou com Clara Lima, Drik Barbosa, Coruja BC1 e Tasha & Tracie. 

A sua discografia conta com os EPs Maldita (2022) e Fração 3/4 (2023) e os álbuns 44 (2022) e Sexto Sentido (2023). Os temas que permeiam os trabalhos giram em torno das vivências das mulheres negras na periferia. “As músicas são como terapia, é onde coloco as minhas vivências, dores e conquistas. É a minha maneira de me conectar com minha história e com a de quem me escuta. O rap me deu liberdade pra ser quem eu sou sem precisar pedir permissão”.

Monna Brutal

O flow ligeiro da artista é inconfundível. A postura e atitude dão amplitude para as letras que retratam vivências negras e LGBTQIAPN+ da rapper paulistana de Jova Rural, bairro da Zona Norte da cidade. O território foi essencial para o desenvolvimento da sua conexão com o hip hop pois ela se aproximou da música através do trabalho nos coletivos comunitários. 

“A arte de cantar sempre esteve presente na minha vida. Só que eu nunca senti que poderia me encaixar em algum espaço artístico. No hip-hop, senti que teria a possibilidade de existir, muito pelo contexto sociopolítico abordado nas letras”. O início nas batalhas de rap aconteceu aos 13 anos, mas foi aos 17 em que começou a cantar as próprias composições. 

“Não tinha nenhuma música escrita porque queria ser MC de batalha. Então eu não conhecia o rap como um lugar onde possivelmente eu poderia fazer uma carreira. Sempre esteve nesse lugar do amor e da necessidade de me expressar”.

Ao longo dos anos, Monna Brutal colaborou com nomes como Tássia Reis, Ebony e Brasil Grime Show. A sua discografia conta com os discos 9/11 (2018), 2.0.2.1 (2021) e Vista Grossa (2024) e os EPs La Janta (2021) e Limonada (2023). Com versos impactantes que conectam críticas à indústria da música e denúncias de problemas sociais, como a transfobia, a artista se estabelece como referência de rima e de compromisso com o movimento. 

No entanto, a arte ainda dá vazão para o seu lado sensível e romântico. No trabalho mais recente, conseguiu testar novas possibilidades: ”Eu fui muito sincera em vários aspectos. Eu acho que esse é o meu melhor disco. As minhas músicas são como um remédio para mim e é isso que salva o meu rap. Eu ainda faço para mim mesma, não apenas para o público”.

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