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Javier Tolentino

“Mar rojo”

Ahora, siguiendo su estela de director y guionista, Javier Tolentino está realizando su nueva película documental bajo el título de “Mar rojo” y con el ya conocido sistema Crowdfunding, con el que ya pudo realizar “Un blues para Teherán”. No se trata de un proyecto sino de una verdadera realidad que está buscando completar el importe total de lo que se tiene que invertir para terminar la película. Como creo que es de interés como funciona el sistema copio fielmente lo editado en internet y con permiso de su responsable Javier Torentino:

“MAR ROJO”, una película documental de Javier Tolentino

A través de la música iniciamos un viaje hacia la memoria, ¿qué saben las nuevas generaciones de músicos de la canción de autor?

Hemos alcanzado el primer objetivo de 10.000 € gracias a todas las personas que habéis creído en la película. Pero esto no termina aquí. Nos quedan días de campaña aún y vamos a por el segundo objetivo: 15.000 €.

Cada nueva aportación nos permitirá terminar el diseño de sonido y mejorar la postproducción, terminar la película con más libertad y hacer que llegue más lejos. Ahora ya no es solo un proyecto nuestro. Es una película levantada entre muchas personas.

Hace unas semanas esto parecía muy difícil. Hoy podemos decir que el primer objetivo ya es una realidad. Y sinceramente, todavía estamos emocionados. Porque detrás de cada aportación hay alguien diciendo: “Sí, quiero que esta película exista.”

Ahora empieza la recta final. Y queremos soñar un poco más alto. Nos quedan días para intentar alcanzar los 15.000 €.

Introducción

A través de la música iniciamos un viaje hacia la memoria, ¿Qué saben las nuevas generaciones de músicos de la canción de autor?, ¿Qué cantan los poetas de hoy? Preguntas que lanza a las ondas de radio, una emisora bajo el nombre de Radio Atlántica que emite desde Barcelona con la cantante Soleá Morente y desde la ciudad de León, (Guanajuato, México), la periodista, Rocío Salas, ellas se preguntan ¿qué es lo que saben los músicos de hoy al respecto?, ¿a quién cantan?, ¿por qué cantan? y si ¿la música de hoy cree en las utopías que marcaron la música tiempo atrás?

MOTIVACIONES

Al analizar el tipo de música que hacemos, analizamos la sociedad que estamos construyendo.

A partir de la creación de diferentes versiones de una legendaria canción, Al Vent, de Raimon, por parte de nuevas generaciones de músicos y diferentes estilos, la película reflexiona sobre el papel de la música en la sociedad actual y la función de la memoria, el reconocimiento de los que nos precedieron. El origen de la música es el origen de la sociedad humana, pensar y reflexionar sobre la música es asomarnos a la sociedad que estamos construyendo.

Javier Tolentino lleva seis años desarrollando y realizando este segundo largometraje, Mar Rojo, premiado en el Festival de Málaga como uno de los mejores proyectos presentados en su foro de Industria y está previsto que se estrene en 2027.

Últimas informaciones facilitadas por el propio Javier Tolentino anuncian que ya se han alcanzado los 11.000 euros y el objetivo es llegar a los 15.000  para poder terminarla. El pasado martes día 9 de junio con Soleá Morente y Clara Peya, Premio Nacional de Música de Catalunya, se ha terminado prácticamente el rodaje. Tan sólo queda un último rodaje en Madrid, con Niño de Elche y hace ya un mes se entró en el montaje de la película que está previsto acabe en septiembre para ya entrar en la postproducción y acabar la película antes de Navidad, para su estreno en 2027 tal como estaba previsto desde los inicios del proyecto

En la misma página de Internet donde está lo transcrito también se puede consultar las atenciones que la producción de la película tiene con los cooperantes. Para los que quieran y puedan apoyar el proyecto ya en marcha, de una forma material o haciendo promoción del mismo, aquí está el crowdfunding al que pueden dirigirse: https://vkm.is/marrojo

Desde ese lugar privilegiado de los que aman el cine, el arte y la cultura, Javier Tolentino sigue haciendo camino…

Sobre Miguel-Fernando Ruiz de Villalobos

Periodista cultural,Crítico de Cine

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Programa 307 de No Solo Cine en las Ondas

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En «Cántale a la vida» Lolita y Albita demuestran que son grandes cantantes. Este tema escrito por Albita, tiene una gran letra.

Albita que vive en Miami, está considerada una de las grandes de la Salsa y de la música cubana.

Alba Mirna Rodríguez Herrera nació en La Habana, el 6 de junio de 1962. Sus padres fueron conocidos en Cuba como intérpretes de música tradicional y guajira, lo que le aseguró a Albita un lanzamiento como cantante desde edad temprana. Comenzó a trabajar profesionalmente desde su adolescencia, consiguiendo reconocimiento entre los intérpretes nacionales de música folklórica.

Lanza en 1988 su primer álbum Habrá Música Guajira («There Will Be Guajira Music»). A comienzos de los años 1990 firma contratos de trabajo en Colombia, desde donde viaja a los Estados Unidos, haciendo de la ciudad de Miami su residencia permanente.

En 1994 publicó su primer álbum en Estados Unidos «No Se Parece a Nada»,  producido por el empresario y artista Emilio Estefan (marido de Gloria Estefan).

José López Pérez

Cineasta, escritor. Director y creador de www.nosolocine.net

@JLPnosolocine

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Entre la ciencia ficción, la fe y el espectáculo, Spielberg plantea preguntas fascinantes sobre Dios y la vida extraterrestre, aunque la acción termina imponiéndose a la reflexión

Steven Spielberg regresa a uno de los territorios que mejor conoce: el encuentro con lo desconocido. Desde «Encuentros en la tercera fase» hasta «E.T.» o «A.I»., buena parte de su filmografía ha girado alrededor de aquello que desafía nuestra comprensión del mundo. «Disclosure Day» vuelve a situarse en ese territorio y plantea algunas preguntas genuinamente estimulantes sobre la fe, la identidad y nuestro lugar en el universo.

La película arranca como un thriller de ciencia ficción de gran escala. Tensiones militares, conflictos internacionales, amenazas procedentes de Rusia y Corea, persecuciones, operaciones secretas y una humanidad atrapada en sus viejos miedos. Spielberg sigue demostrando una capacidad extraordinaria para construir espectáculo. La puesta en escena es impecable y el ritmo apenas concede respiro.

Sin embargo, bajo toda esa maquinaria narrativa aparece una película mucho más interesante.

La cuestión central de «Disclosure Day» no es si existen seres inteligentes más allá de la Tierra. La verdadera pregunta es qué ocurrirá con nuestras certezas cuando descubramos que existen.

Y es aquí donde entra uno de los aspectos más sugerentes del film: la presencia del catolicismo. Lejos de presentar la religión como una fuerza enfrentada a la ciencia, Spielberg introduce un debate teológico sorprendentemente poco habitual en el cine comercial contemporáneo. En una de las escenas más reveladoras, una monja recuerda que el Génesis describe la creación de la vida «on the Earth». La frase parece sencilla, pero contiene una enorme carga filosófica.

La observación no niega la existencia de vida extraterrestre. Tampoco entra en conflicto con ella. Lo que plantea es otra posibilidad: que el relato bíblico se refiera específicamente a la experiencia humana y terrestre sin excluir necesariamente otras formas de vida dentro de la creación. Si Dios creó el universo, ¿por qué limitar su obra a un único planeta? ¿Qué lugar ocuparían otras inteligencias dentro de una visión religiosa del cosmos? ¿Cómo afectaría su existencia a nuestra comprensión de la fe, de la creación y de nosotros mismos?

La pregunta resulta fascinante porque conecta con debates reales que la Iglesia católica lleva décadas planteándose. Spielberg convierte así una película de extraterrestres en una reflexión sobre los límites de nuestras creencias y nuestra capacidad para ampliar la idea misma de humanidad.

Precisamente porque la película se atreve a formular preguntas tan estimulantes, resulta inevitable sentir cierta frustración ante la manera en que termina desarrollándolas.

«Disclosure Day» acaba convirtiéndose con frecuencia en una película de acción bastante convencional que recurre a mecanismos narrativos familiares para abordar cuestiones que merecerían una exploración más profunda. El relato avanza a base de persecuciones, explosiones y conflictos internacionales planteados de forma simplista. Las referencias a Rusia, Corea y a una humanidad permanentemente al borde del colapso funcionan sobre todo como herramientas para generar tensión dramática más que como una reflexión seria sobre la situación geopolítica contemporánea.

Spielberg mantiene intacta su capacidad para dirigir secuencias espectaculares, pero la película depende demasiado de fórmulas conocidas y pierde parte de su fuerza cuando intenta desarrollar sus ideas más ambiciosas. Algo parecido ocurre con la representación de la sociedad estadounidense. El film adopta con frecuencia una mirada idealizada de determinados valores nacionales y ofrece respuestas relativamente sencillas a conflictos que merecerían una exploración más incómoda y compleja.

Esa misma tensión afecta al componente religioso. Las preguntas sobre Dios, la creación y la existencia de otras inteligencias aparecen formuladas de manera mucho más sugerente que las respuestas que la película acaba ofreciendo. Spielberg abre puertas fascinantes, pero rara vez permanece el tiempo suficiente en ellas para explorar todas sus consecuencias.

Aun así, entre los elementos más logrados de la película destacan varios momentos donde Spielberg demuestra que sigue siendo uno de los grandes narradores visuales del cine contemporáneo.

La película también está atravesada por una imaginería propia de los cuentos infantiles. A lo largo del relato aparecen ciervos, zorros y otros animales que funcionan como mediadores entre los niños y aquello que todavía no comprenden. La elección no parece casual. Spielberg lleva décadas utilizando la mirada infantil como vía de acceso al misterio y aquí vuelve a recurrir a símbolos que remiten tanto a Disney como a la tradición europea del cuento maravilloso.

La presencia recurrente de un ciervo evoca inevitablemente la iconografía de Bambi, mientras que una canción de La Bella Durmiente asociada a la infancia de la protagonista introduce la idea de una memoria emocional que permanece oculta hasta el momento de la revelación. Del mismo modo, algunos espacios recuerdan a la lógica de Hansel y Gretel: lugares aparentemente familiares que esconden una realidad desconocida y transformadora.

Resulta especialmente sugerente que los extraterrestres adopten formas animales para acercarse a los niños. Como ocurre en los cuentos tradicionales, el conocimiento llega disfrazado. La verdad no aparece bajo una forma aterradora sino mediante figuras reconocibles capaces de generar confianza. El zorro, el ciervo o los pájaros funcionan como guías entre dos mundos, igual que los animales parlantes o los mensajeros mágicos de las viejas fábulas.

Esta dimensión simbólica conecta además con una de las grandes narraciones del Génesis: el Arca de Noé. La presencia constante de animales remite a una visión de la creación entendida como comunidad de seres vivos y no exclusivamente como experiencia humana. La pregunta planteada por la monja acerca de la vida creada “on the Earth” adquiere entonces una dimensión más amplia. Si la creación incluye toda la diversidad de formas vivas, la aparición de nuevas inteligencias en el universo deja de representar una amenaza para el relato bíblico y pasa a convertirse en una ampliación de sus límites. La película parece sugerir que el problema no reside en la existencia de otros seres, sino en nuestra capacidad para reconocerlos como parte de una realidad mucho más vasta de la que imaginamos.

Especialmente significativa resulta una secuencia que parece dialogar directamente con el cine de Alfred Hitchcock. En ella, un personaje contempla la sangre que brota de su mano después de evitar un acto irreversible. La imagen posee una enorme fuerza simbólica. Como ocurría en Hitchcock, la mano deja de ser un simple detalle físico para convertirse en la representación visible de un conflicto moral. La herida funciona como prueba de una elección, de una conciencia que todavía conserva la capacidad de decidir. La culpa, la responsabilidad y el libre albedrío quedan concentrados en un único gesto.

Tampoco resulta difícil encontrar ecos de «Encuentros en la tercera fase» a lo largo de toda la película. Spielberg vuelve a plantear el contacto con inteligencias desconocidas como una experiencia cercana a la revelación espiritual. El asombro, el miedo y la fascinación conviven constantemente. La diferencia es que, en esta ocasión, el director introduce explícitamente la cuestión religiosa y la sitúa en el centro de la conversación. Como en «Encuentros en la tercera fase», el verdadero tema nunca son los extraterrestres. Lo que interesa a Spielberg es la reacción humana ante lo incomprensible. La diferencia es que en 1977 el misterio generaba asombro, mientras que en «Disclosure Day» genera ansiedad, polarización política y crisis de fe.

Emily Blunt firma uno de los grandes trabajos de la película. Su interpretación aporta humanidad a un relato dominado por acontecimientos extraordinarios y consigue dotar de profundidad emocional a algunas de las escenas más complejas. Allí donde el guion se aproxima a cuestiones relacionadas con la fe, la pérdida o el miedo, Blunt encuentra matices que elevan considerablemente el material.

La banda sonora de John Williams merece un capítulo aparte. A sus 94 años, el compositor vuelve a demostrar por qué su nombre forma parte inseparable del imaginario cinematográfico de Spielberg. Allí donde el guion simplifica algunos de los grandes interrogantes que plantea la película, la música aporta la emoción, el misterio y la trascendencia que las imágenes solo alcanzan parcialmente. Hay momentos en los que Williams parece dialogar directamente con Encuentros en la tercera fase, recuperando esa mezcla de asombro cósmico, espiritualidad y fascinación infantil que ha acompañado al cineasta durante décadas. Más que acompañar la acción, la partitura la eleva y la conecta con una dimensión emocional mucho más profunda. En muchos sentidos, es la música la que recuerda constantemente la gran película que «Disclosure Day» aspira a ser

«Disclosure Day» quizá no alcance la profundidad filosófica que sus mejores ideas parecen prometer, pero sigue siendo una obra interesante precisamente por las preguntas que deja abiertas. Más allá de las persecuciones, de los conflictos militares y del espectáculo visual, la película plantea una cuestión profundamente contemporánea: si algún día descubrimos que existen otras inteligencias en el universo, ¿estaremos preparados para compartir con ellas no solo el espacio, sino también nuestras ideas sobre Dios, la creación y lo que significa ser humano?

Laia Marsal

Licenciada en Bellas Artes. Activista Cultural

@LaiaMF

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Hace aproximadamente un año realicé la ruta Cervantes-Quijote por Barcelona.

La primera parada fue en el Passeig de Colom, número 2, donde se encuentra la casa en la que, según la tradición, vivió Miguel de Cervantes durante sus estancias en Barcelona. La primera habría sido hacia 1571, antes de enrolarse en la armada de Juan de Austria, y una segunda entre 1609 y 1611.

La segunda parada fue la calle de Perot lo Lladre. En los capítulos 60 al 66 de la segunda parte del Quijote (1615), don Quijote y Sancho, ya camino de Barcelona, se encuentran con Roque Guinart, personaje inspirado en el bandolero catalán Perot Rocaguinarda. Se le suele comparar con un Robin Hood por su fama legendaria, aunque su actividad fue mucho más violenta. Roque les promete acompañarlos hasta las puertas de la ciudad y les recomienda hospedarse en casa de su amigo Antonio Moreno.

La tercera parada fue el entorno de la calle Ample, donde se cree que residía Antonio Moreno, un rico caballero aficionado a las diversiones y a las bromas. Algunas fuentes sitúan su casa en esta calle, mientras que otras la ubican en la calle Montcada. Ya en Barcelona, don Quijote y Sancho Panza quedan maravillados al contemplar el mar por primera vez.

La cuarta parada fue la calle Cervantes, cerca del Ayuntamiento. Barcelona fue la ciudad donde se imprimió por primera vez una edición completa del Quijote, en 1617. La primera traducción catalana de la obra se publicó en 1882.

Finalmente, visitamos la calle del Call, número 14, donde se encontraba la imprenta de Sebastià Comellas. En la novela, Cervantes hace referencia al disgusto que le produjo la aparición del Quijote apócrifo de Avellaneda, que estaban imprimiendo, en realidad aquella obra se imprimió en Tarragona.

En el capítulo 64, don Quijote es derrotado por el Caballero de la Blanca Luna. Tradicionalmente, este episodio se sitúa en la pequeña península de Maians, hoy desaparecida tras la construcción del barrio de la Barceloneta.

Hice esta ruta con mi amiga Elena Losada, a quien agradezco sus comentarios y su compañía durante la visita.

El Ayuntamiento de Barcelona dispone de un folleto con una ruta más amplia, aquí os adjunto el link.

La entrada Ruta de Cervantes-Quijote por Barcelona. Por Dolors Parramón Codina se publicó primero en nosolocine.

En el programa 20 de La Tierra de los mil cines, Miguel-Fernando Ruiz de Villalobos analiza 5 películas. Un estreno de la semana pasada, «Rebuilding» y 4 de esta: «Un talento único», «Eleonora Duse, la divina», «Una pistola, una bala y un oso panda» y «Un hombre de verdad»

Suenas bandas sonoras de Alexandre Desplat.

Las voces en las sintonías son las de Bianca Baust y Helena García Castaño

Continuará…

José López Pérez

Cineasta, escritor. Director y creador de www.nosolocine.net

@JLPnosolocine

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 Hoy no es un día cualquiera. Se cumplen exactamente cien años de la muerte de Antoni Gaudí (1852-1926), el arquitecto que transformó la piedra en oración, la geometría en símbolo y la luz en una experiencia espiritual. Un siglo después de su desaparición, su obra continúa interpelándonos, no solo por su extraordinaria belleza, sino porque sigue planteando preguntas esenciales sobre la relación entre el ser humano, la naturaleza, la trascendencia y el sentido de la vida.

Hoy, 10 de junio, día del fallecimiento del arquitecto, el interior de la Basílica de la Sagrada Familia acogerá una misa solemne en homenaje a Gaudí, presidida por el papa León XIV y concelebrada por cardenales, obispos y presbíteros. Músicos y coros llegados de toda Catalunya llenarán el templo con sus voces. Más allá de los debates sobre una hipotética beatificación del arquitecto —cuestión que hoy dejaremos al margen—, la celebración adquiere un significado histórico innegable: coincide con el momento en que podemos afirmar que hemos visto culminar el gran sueño de Gaudí.

Lejos de las polémicas que han rodeado las últimas fases de construcción, la Sagrada Familia se impone como una de las grandes creaciones humanas de nuestro tiempo. Es difícil encontrar un edificio contemporáneo capaz de provocar una sensación tan cercana a lo sublime. Cuando el visitante atraviesa sus puertas, la primera reacción no es intelectual, sino emocional. La mirada se eleva instintivamente. Las columnas se convierten en árboles. La piedra parece perder peso. La luz, filtrada por las vidrieras, transforma el espacio en una especie de bosque metafísico.

Gaudí comprendió, como pocos arquitectos, que la verticalidad no es solo una cuestión constructiva. Es una aspiración humana. Quizá por eso muchos han visto en su obra una intuición semejante a la de los castellers. En un castillo humano, como en la Sagrada Familia, hay toda una comunidad empujando hacia arriba. Cada persona sostiene a la otra. La fuerza nace de la base, pero el objetivo es tocar el cielo. Las torres del templo parecen reproducir ese mismo impulso colectivo: una arquitectura que se eleva gracias al esfuerzo compartido y que convierte la gravedad en esperanza.

No es casualidad que esta conmemoración coincida con los primeros meses del pontificado de León XIV. Un papa que, para muchos observadores, representa una síntesis singular entre dos figuras que parecían difíciles de conciliar: la profundidad intelectual de Benedicto XVI y la sensibilidad pastoral del papa Francisco. Si Joseph Ratzinger recordó a Occidente la importancia de la verdad y Francisco la necesidad de la misericordia, León XIV parece decidido a unir ambas dimensiones en un mismo discurso.

Sus palabras dirigidas a los jóvenes durante estos últimos meses son una muestra elocuente de ello. En una época dominada por la obsesión por el rendimiento, la productividad y la exhibición permanente, el pontífice ha denunciado con lucidez una de las grandes enfermedades espirituales de nuestro tiempo:

«Cuando el ser humano se reduce a un rendimiento, una mercancía o un dato estadístico, surgirá inevitablemente un profundo sufrimiento interior. Muchos jóvenes viven hoy bajo el yugo de las expectativas y del rendimiento, inmersos en una competitividad exacerbada que genera ansiedad, miedo a no estar a la altura y desorientación».

Su reflexión no se queda en el diagnóstico. También apunta hacia una posible respuesta:

«Cuando, por otro lado, una persona descubre que su vida tiene valor, que es amada, esperada y llamada a cumplir un propósito en el mundo, entonces nace la esperanza, una fuerza espiritual que sostiene la vida, incluso en los momentos más difíciles».

Este lenguaje conecta sorprendentemente con el universo gaudiniano. Porque la Sagrada Familia no es solo un monumento religioso; es también una afirmación radical del sentido. Cada detalle parece recordar que la existencia humana no es fruto del azar ni está condenada a la insignificancia.

Quizá por eso resultan también tan pertinentes estas otras palabras del papa:

«No basta con conectar a los jóvenes a las redes digitales, si después permanecen desconectados de sí mismos, de los demás y de su propio mundo interior. Es necesario ayudar a las nuevas generaciones a redescubrir el silencio, la reflexión, la capacidad de cuestionarse, la profundidad de las relaciones y la apertura a la trascendencia».

Y culmina con una frase que parece escrita para ser leída bajo las bóvedas de la basílica de Gaudí:

«Para escuchar el alma, hay que prestarle atención, porque su voz no es un grito, sino un susurro».

Cien años después de la muerte de Gaudí, su gran obra sigue siendo precisamente eso: un espacio donde el ruido del mundo parece aflojar. Un lugar que obliga a levantar la mirada. Un recordatorio de que la belleza todavía puede conducir a la verdad y de que la trascendencia no es una huida de la realidad, sino una forma más profunda de habitarla.

Quizá esta sea la gran victoria de Gaudí. Que un siglo después siga siendo capaz de hablarnos. No desde las estatuas ni desde los libros de historia, sino desde la piedra, la luz y el silencio.

Existe también una razón íntima por la que este centenario resulta especialmente sugerente para el cronista. En 1987, The Alan Parsons Project publicó Gaudí, un álbum dedicado al arquitecto catalán. Su pieza central, La Sagrada Familia, parece escrita para acompañar este momento histórico en el que contemplamos, casi culminado, el sueño que Antoni Gaudí dejó incompleto. La canción está atravesada por una pregunta recurrente:

 «Quién sabe adónde puede llevarnos el camino, solo un loco lo diría.

Quién sabe si nos encontraremos en el camino.

Sigue la estrella más brillante hasta donde se atrevan los valientes.

¿Qué encontraremos cuando lleguemos?».

La incertidumbre es el punto de partida. Nadie conoce por completo el destino de la historia. Nadie sabe dónde terminan los proyectos humanos. Nadie sabía tampoco si la Sagrada Familia llegaría algún día a completarse.

A lo largo de la letra de La Sagrada Familia aparece una segunda gran imagen: la tormenta que finalmente deja paso a la paz.

«La Sagrada Familia, rezamos para que la tormenta termine pronto.

La Sagrada Familia, el viento ha cambiado, la tormenta ha pasado.

La Sagrada Familia, hay paz en toda la tierra».

La historia del templo parece seguir este mismo itinerario. Guerras, persecuciones, incendios, dificultades económicas y décadas de incertidumbre han marcado su construcción. Pero la canción recuerda que la esperanza sigue avanzando incluso cuando el futuro parece imposible. Aún más significativa es la referencia constante al «león y el cordero»:

«La Sagrada Familia, por el león y el cordero.»

Esta expresión remite directamente a una de las profecías más bellas de la Biblia, en el capítulo 11 de Isaías, donde se describe la reconciliación definitiva entre los opuestos:

«El lobo convivirá con el cordero,

el leopardo se acostará junto al cabrito;

el ternero y el león pacerán juntos,

y un niño pequeño los guiará.

La vaca y la osa pastarán juntas,

y sus crías descansarán unidas.

El león comerá paja como el buey,

el niño de pecho jugará junto a la guarida de la serpiente,

y el niño meterá la mano en el escondrijo de la víbora.

Nadie hará daño ni cometerá maldad

en todo mi santo monte,

porque la tierra estará llena del conocimiento del Señor,

como las aguas cubren el mar».

No hace falta recordar que Gaudí conocía profundamente este imaginario bíblico. Sus torres, sus fachadas y sus símbolos no son simples elementos decorativos. Son una catequesis construida en piedra. Y no es casualidad que el Cordero aparezca repetidamente en la iconografía de la Sagrada Familia, evocando tanto la profecía de Isaías como el Cordero del Apocalipsis. La canción de Alan Parsons concluye con una frase aparentemente menor, pero profundamente significativa:

«Hasta la próxima vez».

Como si nos recordara que la paz nunca queda definitivamente conquistada. Cada generación debe volver a construirla. Del mismo modo que cada generación ha tenido que levantar, piedra sobre piedra, este templo extraordinario.

El próximo 25 de junio, fecha en la que está prevista una actuación de Alan Parsons en Barcelona, espero volver a contemplar la Sagrada Familia. Quizá entonces recuerde las palabras de Isaías y la música de Alan Parsons. Porque, cien años después de la muerte de Gaudí, el templo sigue invitándonos a alzar la mirada. A buscar la luz de la verdad. Y, sobre todo, a reconocer en ella al Cordero.

Oriol Pérez Treviño

Musicólogo. Ensayista

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Teniendo en cuenta que fue el fin de semana anterior a una nueva Fiesta del Cine la recaudación está muy bien, ha sido, además, un 72 % superior al anterior.

Esto se ha debido a que 4 de los estrenos han vendido muchas entradas, especialmente dos.

Aquí podéis consultar mi artículo de ayer con las primeras cifras de recaudación del pasado fin de semana de los cines españoles (del 5 al 7 de junio de 2026).

Vamos ahora con las cifras de los estrenos de la pasada semana que no comentamos en el artículo de ayer. Puesto 20 para «Rebuilding» con 11.662 € y una media de 449 € por cine.

Puesto 26 para «Mi cielo, tu infierno» con 5.196 €. Promedio por complejo de 192 €

Puesto 41 para el documental de Carolina Yuste, «Este cuerpo mío», con 2.100 € y una muy mala media por complejo de tan solo 192.

1.100 € para «La ironía del amor», 52 € tan solo de media por cine. Puesto 49

Puesto 91, con cifras testimoniales, para «Una película de miedo». Ha recaudado 141 € en 4 cines, logrando una media por cada uno de ellos de 35,25 €

Peor le ha ido todavía a «N.I.M. Inteligencia artificial». Puesto 93 con 122 € y una media por local de 24 €.

Y cerramos este artículo con 3 «seleccionados» mantenimientos. Caída del 49 %, en su segundo fin de semana, para «El drama», que protagoniza Zendaya. Ha ocupado el puesto 8 con 256.410 €, logrando una media por cine de 784 €.

No funcionó nada bien el reestreno de «Shrek» y le ha ido mucho peor, como era de esperar, en el segundo. Caída de 79 %, para recaudar 28.709 €. Media por complejo de 185 €.

También caída fuerte, del 70 %, en su segundo fin de semana para «Mallorca confidencial». Puesto 19 con 11.768 € y una media por complejo de 274 €.

Continuará…

José López Pérez

Cineasta, escritor. Director y creador de www.nosolocine.net

@JLPnosolocine

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Primeras cifras de la taquilla española de cines del pasado fin de semana (5-7 de junio de 2026)

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El pasado 1 de junio (de 2026) hubiera cumplido 100 años la mítica e icónica actriz, cantante y bailarina Marilyn Monroe.

10 cosas que quizá no sabías sobre Marilyn Monroe:

1. Su verdadero nombre era Norma Jeane Baker (Los Ángeles, 1 de junio de 1926-Los Ángeles, 4 de agosto de 1962). El apellido artístico «Monroe» lo tomó de su madre (que era su apellido de soltera), y «Marilyn» se lo sugirió un ejecutivo inspirado en la actriz Marilyn Miller

2. Su madre fue Gladys Pearl Baker Mortenson. Estaba enferma de esquizofrenia paranoide, lo que hizo que Marilyn pasara por 11 familias adoptivas. Su padre Charles Stanley Gifford, que era propietario de una empresa de revelado y que estaba casado, cuando Gladys Baker trabajó en ella y tuvieron un affaire

3. En su infancia fue tartamuda. Su icónica y famosa voz susurrante y entrecortada no era un mero recurso de seducción inicial, sino una técnica de respiración y modulación que aprendió con un logopeda para controlar su tartamudez. Cuando sufría estrés sufría episodios de tartamudez

4. Se sentía muy unida a México, país en el que había nacido su madre

5. Fue la primera mujer elegida para protagonizar la portada de la revista Playboy, en 1953. Fue fotografiada al desnudo por Tom Kelley y cobró 50 dólares. Hugh Hefner compró los derechos de autor de esa fotografía por $500 dólares.

6. Durante la segunda guerra mundial trabajó como operaria en una fábrica de aviones

7. Estudió en el prestigioso Actor´s Studio de Nueva York, donde coincidió con Paul Newman, Montgomery Clift,  Marlon Brando, Steve McQueen, Anne Bancroft, Robert Wagner y Ellen Burstyn

8. En 1954 fundó su propia compañía, Marilyn Monroe Productions, lo que fue un hecho revolucionario y poco común para una actriz en esa época, ya que buscaba tener más control sobre sus papeles y proyectos.

9. Tras divorciarse de Arthur Miller pasó 14 días ingresada en un psiquiátrico

10. Cuando murió, Marilyn dejó una herencia de 1.6 millones dólares que repartió entre Lee Satasberg, su maestro de actuación y Marianne Kris, su psicoanalista, al 75% y 25%, respectivamente. Cuando el segundo murió, en 1980, el dinero pasó al centro psiquiátrico infantil londinense Ana Freud. A su madre le dejó una pensión de 5.000 dólares al año.

José López Pérez

Cineasta, escritor. Director y creador de www.nosolocine.net

@JLPnosolocine

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«Busca la profundidad de las cosas; hasta allí nunca logra descender la ironía» Rainer Maria Rilke, escritor checo, nacido en la ciudad de Praga

Hay una tendencia actual, casi compulsiva, que obliga a ver (o consumir) series recientes. Hay que ser los primeros en verlas. También es bueno disfrutar de ficciones, que por la causa, que sea, no viste en su momento, cuando se estrenó.

Es el caso de la serie progresista británica «Collateral», de 2018 y que se puede disfrutar en Netflix. Consta de cuatro episodios (de unos 55 minutos cada uno) y destaca por sus brillantes sub tramas, su gran reparto y su empaque.

Es ideal para «maratonear», para verla del tirón

La acción arranca cuando un pizzero es asesinado por un francotirador, justo después de entregar un pedido en la ciudad de Londres. La detective Kip Glaspie (Carey Mulligan) se niega a aceptar el asesinato como un acto de violencia al azar, y está decidida a descubrir si hay una verdad más oscura detrás.

Kip es rigurosa y honesta en su trabajo, también en su vida personal. Huye del camino fácil.

Estamos ante un thriller que trata mucho temas, tanto de carácter social, como político, religioso y social.

Guión tan prodigioso, como preciso de David Hare, que muestra una sociedad convulsa, de . Muy buenos diálogos, giros muy acertados, pone el foco en una sociedad británica tan convulsa como miope. Muestra las contradicciones del sistema. Se aleja de forma lúcida de los clichés. Es profunda. Quizá lo más endeble sea la trama sobre las mafias que se lucran transportando personas de otros continentes a Europa.

Grandioso trabajo de Carey Mulligan (matizado, preciso, arriesgado), también hay que destacar a John Simm, como un político laborista con conciencia y al que le cuesta romper los vínculos con su ex mujer, con la que tuvo un hijo y se aprovecha un día sí y otro también de que él es buna persona y a Jeanie Spark, como una soldado que sufre traumas debido a su trabajo, especialmente en una misión de guerra. El casting está a un gran nivel.

Muy buena dirección de S.J. Clarkson, que consigue que todo sea armónico

«Collateral» es, claramente, una serie que ha influido a otras que llegaron después.

Puntuación:

José López Pérez

Cineasta, escritor. Director y creador de www.nosolocine.net

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