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De óxido y hueso

Sun, 09 Jun 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Diana Ospina Obando

(* * * ½)

La última película de Jacques Audiard es, ante todo, el relato del encuentro de dos almas solitarias y de cómo, las segundas oportunidades pueden confundirse, a veces, con la tragedia.

La historia inicia en el momento en que Alain (Matthias Schoenaerts) deambula sin un destino fijo junto a su pequeño hijo de 5 años de quien acaba de quedar a cargo. La escena no podría ser más simbólica, ahí está el grandote y fuerte de Alain, medio perdido, sin saber muy bien qué hacer, sin norte, sin brújula, sin rumbo, como parece ser que ha estado viviendo.

Llegará hasta la casa de la hermana, con la que no ha tenido ningún tipo de contacto desde hace varios años buscando un lugar para estar, un lugar, más bien, donde poder dejar a ese hijo que no termina de cuadrarle en la vida. Ese hijo que no sabe tratar, que no sabe cuidar y al que no ha aprendido a querer.

El destino lo llevará a conocer a Stéphanie (interpretada por una creíble Marion Cotillard)en una noche de fiesta en la que ella ha sido golpeada. Así son las cosas en ese momento para los dos: el uno fuerte, endurecido, guiado por una fuerza bruta casi animal, gobernado por una rabia que lo consume y que no consigue sacar del todo de sí; la otra, entrenadora de orcas, consigue domar estos seres gigantescos y hermosos pero poco o nada domina en una vida en la que se aburre, en la que termina apaleada o junto a un novio que intenta dominarla.

La tragedia no tardará en cernirse sobre Stéphanie cambiando el rumbo de sus planes, enfrentándola a una nueva realidad desconocida en la que necesita asistencia y está más sola que nunca. Sorpresivamente parece ser que es Alain, ese hombre casi animal el que no parece temerle a su nuevo estado, el que más fácil se acerca a ella tratándola como si nada hubiera cambiado como si fuera la misma que antes y la mira sin compasión, sin consideraciones especiales.

De una u otra manera, empezarán acercarse pero los caminos no siempre son rectos, muchas veces son sinuosos y enrevesados.

Audiard cuenta esta historia con una cámara que da la sensación de ser rápida y brusca en concordancia con los personajes que retrata. El agua y su particular simbolismo recorre toda la película, es el lugar de la tragedia, el elemento que posibilita limpiar lo sucio, lo que ejerce como ente liberador, es, también, el hielo frío y blanco del final; es, finalmente, circulación y movimiento como la sangre que aparece en varios momentos.

Sin duda no es esta la obra más contundente de este interesante realizador francés pero no deja de ser una película llena de resonancias, de escenas magnéticas y bien narradas acompañadas por una potente banda sonora. Una película sobre redefinirse a sí mismo en la que una mujer que está en el piso, golpeada, hará un recorrido inesperado para levantarse y caminar como nunca lo ha hecho, y un hombre, violento e iracundo, descubrirá la fuerza de sus sentimientos sepultados tras la rabia y el desprendimiento.

www.elgatoquepesca.com

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¡El control!

Tue, 23 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Iván Gallo

( ½)

Hacer películas es algo muy difícil y si alguien encontró la fórmula, felicitaciones. Dago García cuando se sienta frente a su portátil oprime el piloto automático y ahí se deja llevar adonde el capricho del mercado se lo indique. Usualmente el público que sigue este tipo de producciones es el mismo que no va a cine en todo el año y que espera fervientemente que vuelva un tipo como Uribe a alimentarles ese patriotismo que muchos creen, es el motor que mueve a los países desarrollados.

Leo los comentarios de las personas que asistieron a la sala y todos salen felices. La mayoría indica que El control les hizo evocar la época en que la televisión colombiana tenía contenido “sano” y era pensada “para toda la familia”. Para Dago, un televisor se debe ver como un tótem, el objeto sagrado que une a las personas, que nos hace una sola persona. El control como la mayoría de sus películas es una invitación a la alienación total.

Por eso para él los intelectuales y todos esos tipos aburridos que critican sus producciones no son más que unos resentidos que en el fondo lo único que quieren es aparecer en televisión, pero su fealdad absoluta les impide hacerlo. Es más valioso un papá ignorante que invita a sus hijos a la sana diversión de resetearles el cerebro mientras ven una telenovela que un profesor que trata desesperadamente de hacer que sus alumnos se diviertan leyendo.

Con esto no quiero decir que El control sea una película peligrosa en el sentido de que nos va a alienar y nos va a hacer creer que no existe nada más hermoso que una familia reunida en torno a un televisor. Colombia es una de las sociedades más reaccionarias y conservadoras del continente, así que cuando el mal está instaurado ya no corremos ningún peligro. Tampoco voy a recalcar en lo obvio, en lo insoportable que es César Mora, en el desperdicio de Christian Tappan, en lo mal que actúan los niños de nuestro cine y televisión, que seguramente están ahí por puro nepotismo, en lo terriblemente escritos que están esos guiones donde no se cuenta una historia sino que se pegan sketches, chistes malos contados por el tío borracho de la familia, que posiblemente se parezca físicamente a César Mora.

No, ya el año pasado tuvimos suficiente y hablamos ampliamente de esto a raíz de El paseo 2. Lo que me llamó la atención de la primera Dago Movie del año es que la indecisión del escritor de telenovelas por tratar de contar algo personal y conmovedor y a la vez hacer una de sus chabacanas comedias confundió a sus fieles seguidores (la mayoría de ellos ni siquiera saben cómo se llama el autor de estas películas y está convencido de que César Mora es el que las hace) y los terminó aburriendo. Nadie reía, el hecho trágico que ocurre en la mitad los abrumó, eso de que alguien vuelve de la muerte al mejor estilo de Bergman confundió al mismo público ingenuo y cinematográficamente analfabeta que aplaudió a rabiar Mi gente linda, mi gente bella.

A pesar de que en esta ocasión el piloto automático no le funcionó a Dago, la película va a meter seguro más de 200 mil personas a las salas de cine. El impresionante despliegue publicitario asegura que el producto se va a vender y se va a vender bien. La gente, decepcionada, se consuela al final en el pasillo diciendo que igual había que venir a apoyar el cine colombiano. Ojalá ese mismo entusiasmo hubiera existido para apoyar Estrella del sur, La playa D.C. o Crónicas del fin del mundo.

El gran problema de la formulita de Dago es que está obligando a jóvenes realizadores a optar por este tipo de géneros si pretenden seguir haciendo películas. El sistema los ha arrinconado y la gente quiere ver más colombianadas en la gran pantalla, si es posible adaptar La pelota de letras y repetir los chistes imbéciles de Deje así y Hombre con hombre, mujer con mujer, pues bienvenidos. Las fórmulas no dan ningún resquicio para el riesgo, para la imaginación. No reímos siempre de lo mismo, como autómatas.

Si quieres seguir haciendo cine debes esperar, buscar el éxito con una película de putas y enanos y luego sí, intentar con la plata que recibiste hacer tu propia película, la que te impulsó a meterte en el cine, la película que justificaría tu vida, tus propias obsesiones. Una para ellos y una para mí. Eso es lo que esperamos de un cinéfilo confeso como Dago, un comprador compulsivo de clásicos, un hombre que dice amar la profundidad de Tarkovski y el humor de Lubitsch.

Aunque no sé si con El control quiso hacer su propio Amarcord. El éxito nunca es buen consejero.

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La cacería

Mon, 22 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * ½)

¿Qué hay en ese rostro que al final de La cacería mira hacia el horizonte con una expresión demasiado compleja para ser bien descrita? ¿Es miedo lo que vemos?, ¿O desconcierto, cansancio, decepción, odio y angustia, todo mezclado? Lograr expresar eso con un gesto no es algo que pueda hacer un actor cualquiera. Por fortuna, el encargado de exteriorizar tantas emociones unidas es Mads Mikkelsen, tal vez el actor danés más conocido en el mundo (fue villano en una película de Bond y eso siempre ayuda), que ganó con este papel en 2012 el premio al mejor actor en el Festival de Cannes y que saca de su manga todos los recursos actorales disponibles para bordar a Lucas, el personaje central de esta muy buena película.

Lucas es un hombre bueno. Lo sabemos porque el guión lo enfatiza en las escenas iniciales: lo vemos divirtiéndose y disfrutando con sinceridad su trabajo como maestro de un kínder en algún pueblo danés cubierto por la bruma; lo escuchamos discutir con su exesposa porque realmente quiere compartir más tiempo con su hijo Marcus, que lo adora; nos sorprendemos con su timidez cuando intenta conquistar a Nadja, una colega de la escuela que se acerca a él atraída por la mezcla de confianza en sí mismo y honradez que transmite su presencia. Pero los hombres buenos siempre están expuestos a la calumnia, así la fuente de la misma, en este caso, sea totalmente inocente.

Klara, la hija de Theo, el mejor amigo de Lucas, cuenta un día, influenciada por las imágenes pornográficas que le muestra su hermano en un Ipad (también sin maldad, como una de esas cosas que haría cualquier adolescente), que ha visto los genitales de Lucas. ¿Por qué lo hizo? Tal vez porque Lucas no aceptó un regalo que ella le había entregado o porque los niños también hacen cosas malas sin querer o simplemente porque la vida no es lógica. Eso es lo de menos. Lo que quiere recordarnos esta fábula, —no se dejen engañar por la luz natural, la escasez de música incidental o el recurso constante de la cámara en mano, esta no es una película que pretenda dar una visión “realista” de la vida— es que si uno mira el mundo en blanco y negro, si uno cree en verdades absolutas como aquella de que “los niños nunca mienten”, corre el riesgo de que sean los prejuicios y no la razón la que guíe sus acciones.

La actuación de Mikkelsen es memorable porque consigue que su Lucas no se parezca demasiado a otros “falsos culpables” del cine que ya conocemos. Nunca es la víctima desvalida, pero tampoco es el vengador errante. Thomas Vinterberg le imprime a La cacería, que escribe y dirige, la misma intensidad que lo había hecho famoso con su película de 1998, Celebración, con una historia que funciona como su reverso: si una atrocidad que se esconde, puede generar una vida de mentiras, una mentira en la que todos terminan creyendo, genera crueldades imperdonables. O, como nos lo muestra al final esta película, sospechas que jamás se borran del todo.

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El reino secreto

Sun, 21 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Iván Gallo

(* * * ½)

Entre las espesura del bosque se mueven, imperceptibles, los minúsculos seres que lo habitan. Los niños tienen la mirada afilada y los ven con más facilidad de lo que lo podemos hacer nosotros; algunos consumidores de sustancias sicoactivas también los pueden ver pero su alterado testimonio no es completamente fiable. Un científico está obsesionado con descubrir ese reino escondido. Ha encontrado un par de vestigios: una sillita de montar pájaros diminutas, un palito que parece una flecha. La obsesión que ha tenido con ese mundo diminuto lo ha alejado del mundo y de su hija, MK, que ha venido justamente a pasar unos días con él.

Si miras con detenimiento el bosque podrás ver que este se mantiene en una batalla constante. La visita de MK a su padre coincide con la temible ofensiva que prepara Mandrake, el amo del reino del mal y la erosión. Este oscuro villano, que viste un asqueroso abrigo de piel de murciélago pretende matar a la reina Tara y sin el poder de ella destruir en un solo día el hermoso bosque que ha tardado siglos en construirse.

Por fin los estudios Blue Sky nos entregan un producto digno, hermoso, lejos del amaneramiento insulso de las Eras de Hielo y demás productos hechos a la medida de los acostumbrados valores familiares. Acá sus guionistas apelan a la imaginación, a crear un mundo que todos desde muy chicos pensamos que podía existir, el reino que se esconde detrás de cada hoja, del verde y espeso follaje. Los hombres hoja, admirables guerreros, defienden con tesón cada árbol, cada gota de agua que mantiene el equilibrio entre nosotros, porque tal y como le dice la reina Tara a MK: “La destrucción de nuestro mundo es la destrucción del mundo de ustedes”.

A pesar del mensaje claramente ecologista, Epic es de las mejores películas animadas de los últimos tiempos. La tecnología ha permitido que cada uno de sus personajes haya sido construido con una técnica que bordea la perfección. El magnífico 3D (¡por fin!) te permite estar dentro de la película, contemplar de cerca los pájaros que sirven de transporte a los hombres pájaros, ver la inmundicia en la que viven Mandrake y su tenebroso reino, apreciar la belleza del bosque.

No me pregunten por la trama, ya es bien sabido que hay una crisis en las historias. Nadie se arriesga y ésta no es la excepción. Hay un héroe que tiene la pericia de un Douglas Fairbanks y la soledad característica de los guerreros interpretados por John Wayne, hay una princesa que necesita ser defendida, un reino atacado, un villano que quiere acabar con todo (es una lástima que el maldito doblaje nos haya privado del placer de escuchar la voz de Cristhopher Waltz, nuestro villano favorito), una heroína que ha llegado a salvar el reino casi por accidente. A pesar de todos esos tópicos manoseados hasta el hartazgo, a Epic la convierte en una experiencia diferente la impresionante técnica con que le han dado vida a este universo y su maravilloso 3D.

Está lejos de tener la poesía que encontramos en La princesa Mononoke, la que hasta ahora es la obra maestra entre la animación ecologista, pero al menos gracias a Epic veremos el bosque de otra manera y seguramente en un estado mental particular, trataremos de identificar entre el profundo verdor, los ágiles pasos de los hombres hoja.

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Por los viejos tiempos

Sat, 20 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * ½)

Con los viejos grandes actores pasa lo mismo que con los expresidentes: nadie sabe qué hacer con ellos. A partir de cierto momento, por más premios que tengan, los únicos papeles que les ofrecen son los de abuelito sabio o villano de la función, porque por desgracia el cine comercial siempre ha sido y será el reino de la juventud eterna.

La injusticia es mayúscula, porque los viejos grandes actores, a diferencia de los expresidentes, mejoran con los años. Son como los músicos: la edad les da herramientas para que su interpretación sea mejor. Y por eso mismo hay que celebrar (aunque no sea una gran película, aunque en su guión abunden los pasos en falso) que tengamos la oportunidad de ver a Christopher Walken, Alan Arkin y Al Pacino (que suman entre los tres 14 nominaciones y tres premios Oscar, uno para cada uno) en una película escrita y pensada para su lucimiento, que tiene un título mejor en español que en inglés: Por los viejos tiempos.

Pacino es Val, un antiguo matón de la mafia que ha pasado 28 años de su vida en la cárcel, cumpliendo con la norma de honor de no delatar a ninguno de sus compañeros involucrados en la muerte del hijo de un jefe gánster. Walken es su mejor amigo, Doc, que aparte de recibirlo a la salida de la prisión tiene el difícil encargo de acabar con él antes de que llegue la mañana. Y Arkin hace de Hirsch, el cómplice de ambos que conducía el auto cuando necesitaban escapar treinta años antes, quien ahora pasa los días en un hogar de ancianos. Val, que presiente desde el comienzo que a su amigo lo han contratado para que sea su verdugo, y entiende que son gajes del oficio, le propone que pasen juntos esa noche, haciendo las cosas que él no ha podido en el último cuarto de siglo: irse de juerga, probar algunas placeres prohibidos, sentir la emoción de la velocidad y la libertad.

Hay que aguantar la primera media hora, verdaderamente floja. Como si necesitaran más tiempo para entrar en calor por los años, durante esos primeros treinta minutos Walken y Pacino lucen sin brío, desajustados, cojos. Pero a partir del momento en que sacan a Arkin del ancianato, Por los viejos tiempos toma vuelo, y le permite a sus intérpretes mostrar todo lo que pueden hacer con su instrumento: con sus gestos y su mirada, con su voz y su postura. A pesar de que el guión no sea nada del otro mundo y que los personajes secundarios desaparezcan tan gratuitamente como llegan, tiene el suficiente tino para darle a cada uno su momento de lucimiento: un número de baile, una escena de acción, unos minutos de seducción.

En cierto momento de la película, entendemos que no importa demasiado la trama o el destino de los personajes (sabiamente la cinta escoge un final abierto). Lo que vale es tenerlos frente a frente en la pantalla, con sus tics y sus mañas acumuladas, tocando para nosotros, sus admiradores, un repertorio del que nos sabemos de memoria la melodía y la letra, y que nos gusta precisamente por eso.

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El gran Gatsby

Wed, 17 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Iván Gallo

(* * * ½)

Cada fin de semana la mansión de Gatsby se abarrota de gente. Viene todo el que puede llegar desde Nueva York. El champán y el whisky fluyen como dos cascadas donde se sumergen los que nunca están sobrios. Todos quieren olvidar los horrores de la gran guerra, convencerse de que los malos tiempos nunca volverán. Son los años veinte y la economía del mundo cabalga imponente. Hay suficiente dinero como para llenar una piscina a punta de licor. Si te gusta la fiesta en esta década serás feliz.

Nadie sabe con certeza quien es Gatsby; algunos afirman que es sobrino del Káiser, otros apuntan a que es un espía alemán, unos pocos están seguros de que ha matado a un hombre. El propio Gatsby cuenta su propia historia: héroe en la primera guerra mundial, heredero de una incalculable fortuna familiar, estudiante de Oxford, un tipo preparado para ser el rey de la arribista sociedad neoyorquina.

A pesar de sus estruendosas fiestas, Gatsby nunca aparece en ellas. Siempre está viéndolo todo desde la ventana de su despacho, esperando que Daisy algún día aparezca entre sus bulliciosos y abusivos invitados. Ella es la razón por la cual ha amasado una fortuna, por ella es que él hace esas interminables celebraciones, es por esa mujer que ha comprado una mansión al lado de la bahía, justo al frente del muelle donde vive ella y Tom Buchanan, su déspota, racista, mujeriego y multimillonario esposo.

Francis Scott Fitzgerald fue de los primeros grandes escritores que se dejó influenciar por el cine. En ésta, su novela más famosa, se ve el interés de su pluma por convertirse en una cámara. Toda descripción apunta a crear un plano; al describir la acción Fitzgerald impone una imagen. Esta es la razón por la cual es tan atractivo adaptar El gran Gatsby (esta es su cuarta adaptación); por esto y por la incapacidad absoluta de los nuevos guionistas de Hollywood de crear una historia contundente, redonda… original.

Cuando se anunció que el proyecto estaba en manos de Baz Luhrmann se prendieron las alarmas. Sabíamos de entrada que al director australiano no le iba a temblar la mano a la hora de adaptar la novela como a él le diera la gana, ya habíamos visto lo que hizo con Romeo y Julieta y lo que había sacado de su cabeza en Moulin Rouge, por eso lo visto ayer no me sorprendió en lo absoluto.

La mayoría de críticos están indignados porque Luhrmann no ha respetado la célebre novela de Scott Fitzgerald. Con sus afiladas uñas se rasgan el rostro por que en vez de poner a sonar a Cole Porter o a King Oliver ambientó las fiestas del millonario con canciones de Beyoncé o Jay- Z. Al insípido cine de nuestros días le hacen falta propuestas arriesgadas, directores que no le tengan miedo al fracaso y se esfuercen por ver en la pantalla sus propias obsesiones. Necesitamos un cine que vuelva a ser de los artistas y no de los mercachifles de turno.

El aire kitsch que caracteriza las películas de Luhrmann a veces sofoca, pero al menos estás siendo testigo de algo diferente, único. Mostrar la Nueva York de los 20 en 3D es otra propuesta osada que acá funciona muy bien. Claro, uno puede achacarle a la película errores graves, como por ejemplo la pésima Daisy que escogieron, esa poquita cosa que es Carey Mulligan o el exceso de efectos especiales en los que cae la película o la última parte en donde el ritmo decrece y te empiezas a inquietar en la butaca pensando en que afuera hay una ciudad esperando por ti y que la vida es demasiado corta como para que la malgastes en una sala de cine.

Pero estos errores se terminan aceptando porque acabas de ver no una adaptación de una gran novela norteamericana, sino la lectura que hace un director de cine de un clásico. El debate no debe abrirse en el hecho de si la película es fiel al libro o no, si no determinar que son dos lenguajes completamente diferentes. En ese sentido el Gatsby de Jack Clayton es recordado con cariño por cierto sector de la crítica ya que fue fiel a la idea de Scott Fitzgerald, mientras que a mí me parece un ejercicio académico respetable, pero absolutamente estéril y aburrido

Lo importante de este Gatsby es que Baz Luhrmann está de vuelta y que el estruendoso fracaso de Australia no ha modificado su personalísima visión que tiene del cine. Con el tiempo esta película sin duda ganará adeptos y se convertirá, por qué no, en un clásico absoluto. Sales de la sala de cine con la garganta reseca, esperando que te llegue el rumor de una fiesta apoteósica ofrecida por un excéntrico y despilfarrador millonario. Lamentablemente para nosotros, los ricos son cada vez más tacaños.

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Star Trek: en la oscuridad

Tue, 16 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * ½)

Desde su trabajo como escritor en la serie Felicity a comienzos de siglo, J.J. Abrams ha demostrado que tiene claro cómo se cuenta una historia siguiendo el modelo de escritura audiovisual estadounidense: primero se presenta a los personajes, luego se crean los vínculos entre ellos que darán vida al resto de la trama y finalmente se los pone frente a situaciones en las que nosotros, como espectadores presentes desde el comienzo, creemos saber cómo reaccionarán. Lo ha hecho así, con sus correspondientes variaciones, durante su ascendente carrera (que incluye éxitos como Alias o Lost), hasta convertirse en el heredero de su ídolo: Steven Spielberg.

Al asumir la difícil tarea de revivir la serie Star Trek en el cine, debiendo conquistar nuevas audiencias para justificar su presupuesto pero teniendo también que complacer a los seguidores de la saga, Abrams decidió aplicar la misma lógica. De esta manera, la película de 2009, se arriesgaba al escoger a los jóvenes actores que asumirían los icónicos papeles del Capitán Kirk y de Spock, mientras los presentaba junto a otros personajes relevantes como Uhura, Scotty o el doctor Bones. En esa primera entrega Abrams gastó mucho tiempo en explicarnos qué tipo de trabajo realizaban los tripulantes del Enterprise y en asegurarse el beneplácito de los puristas, utilizando el recurso de la línea de tiempo alterna, para no tener que lidiar con la mitología ya creada por la serie y poder hacer algo nuevo.

Ahora, con Star trek: en la oscuridad da el segundo paso en el proceso: establecer las relaciones que nos ayudarán a comprender lo que venga de aquí en adelante. No estamos ante una película autónoma. Estamos, y así debemos entenderlo, ante el prólogo a una saga que puede extenderse hasta el infinito (por eso en los créditos finales hay una especie de presentación de planetas, a lo mejor escenarios de las próximas entregas). Y tal vez sea esa una de las fallas que podríamos achacarle a la cinta y que, sin embargo, no afecta el emocionante resultado final: es demasiado consciente de sí misma, demasiado calculadora. Sabiendo que es un capítulo de una serie, Abrams utiliza la estrategia de que todo gire en torno a un par de temas que seguramente aparecerán en próximas entregas: la dualidad entre lo moralmente correcto y lo legalmente permitido, la diferencia entre la amistad y la lealtad.

Kirk y Spock deberán enfrentarse a John Harrison, un antiguo miembro de la Flota, que se ha revelado contra la autoridad de la Federación y lleva a cabo un ingenioso plan para acabar con ella. En el camino protagonizarán las previsibles escenas de acción que Abrams sabe planear muy bien, combinando belleza de imagen con intensidad en la edición (lo gracioso es que las mejores no son las de naves espaciales, sino aquellas donde la gente corre), mientras que las pequeñas tramas paralelas se desenvuelven con precisión, para establecer futuros conflictos dramáticos. Porque habrá más viajes: J.J. Abrams ha sabido asegurarse de ello

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Tesis sobre un homicidio

Mon, 15 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * )

El cine argentino, a pesar de los naturales problemas económicos que trae consigo ser parte del Tercer Mundo, es uno de los pocos países de Latinoamérica que puede hablar de una industria del cine nacional sin estar mintiendo. Cuando hablamos de industria queremos decir tener la capacidad suficiente para producir decenas de películas al año (buenas, malas, regulares), de hacer de tanto en tanto éxitos de taquilla arrolladores (como El hijo de la novia o Un novio para mi mujer) e incluso de contar con sus propias estrellas de cine, de las cuales la más reconocida, de lejos, es Ricardo Darín.

Nunca hay que dejarse engañar cuando la publicidad de una película dice “de los mismos productores de”. Porque los productores no son los que ponen las ideas, sino la plata. Por tanto, que alguien haya financiado una película excelente, no garantiza que el siguiente título que produzca no sea una bazofia. En el caso particular de Tesis sobre un homicidio uno cae en la trampa porque está Darín, cuya presencia nos hace esperar un thriller bien hecho, si no del nivel de El secreto de sus ojos (sus productores financiaron también esta cinta), al menos tan atractivo y valioso como Carancho o El aura. Y al principio de la película, gracias a sus planos cuidados, sus diálogos afilados y las miradas de sus protagonistas, alcanzamos a creerlo. Pero poco después de la mitad, todo irá como canta el tango: cuesta abajo.

Darín encarna con la solvencia de siempre, a Roberto Bermúdez, un experimentado y perspicaz abogado, reconocido por dictar un curso de ocho semanas en el que pretende que sus alumnos entiendan que no hay crímenes perfectos sino fiscales incapaces. Uno de ellos es Gonzalo, a quien conoció cuando era un niño, y que viene de vivir en Europa sólo para tomar el curso. Gonzalo se convertirá en la obsesión de Roberto, pues cree identificar en él al autor de un asesinato que se comete prácticamente bajo la ventana de su aula y cuya víctima es la hermana de una joven que se convertirá (como lo dictan las leyes del género) en el tercer vértice de este triángulo narrativo.

Aunque la película muestra una indudable belleza fílmica al comienzo y está planeada para que, como hacía algunas veces Hitchcock, todo se resuelva en una secuencia final que quite el aliento, son tantos los pasos en falso que da el guión (no hay thrillers imperfectos sino guionistas incapaces), tantos los cabos sueltos (¿qué le aporta a la historia, salvo un diálogo algo afectado, que Bermúdez practique boxeo?), tan regular la actuación de la protagonista femenina, que después de la primera hora y cuando los giros de la historia se tornan absurdos, sólo queremos que alguien explique todo rápidamente frente a un jurado y dejemos de dar vueltas sin sentido.

No hay duda de que el cine argentino es una verdadera industria. Ahora también se da el lujo de que sus películas más taquilleras, sean historias mediocres protagonizadas por sus estrellas. Como hacen en el Primer Mundo.

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Iron man 3

Fri, 12 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Iván Gallo

(* * )

Sin duda Iron Man 3 se constituía en uno de los estrenos más esperados del año. Lo que habíamos visto el año pasado con Los vengadores hacía pensar en que todos los productos que saldrían de la casa Marvel iban a tener un nivel superlativo. Lamentablemente y a pesar de todos los comentarios favorables que he leído, a mí me decepcionó enormemente.

Decían que la tercera entrega de nuestro vengador dorado sería una continuación de Los vengadores, un par de diálogos y el trastorno de ansiedad que sufre Tony Stark dan pie a esta secuela, detalles que a la hora de la verdad no son decisivos dentro de la estructura de la historia. Esta fue la primera gran decepción: la industria otra vez nos estaba manipulando con un rumor. La gran mayoría de los que, apeñuscados, entramos en la sala, esperábamos la secuela, pero de ésta solo hay un par de frases… no más.

A los diez minutos de tener las gafas puestas empiezas a pensar en que algo está mal. Las gafas están ahí pero el truco no aparece por ningún lado. Estás mareado, con ganas de vomitar, te las quitas pero la pantalla está borrosa. Otra vez has caído en la trampa de la tercera dimensión. El prólogo es demasiado largo: es algo típico en las películas de acción, la máquina está calentando motores. En las películas anteriores esto no era necesario, la acción empezaba desde el principio pero ésta como es la mejor, la más ambiciosa de todas, necesita que los personajes tengan un contexto para poder navegar a partir de allí. Así te das consuelo, así tratas de engañarte.

Entonces viene el ataque a la mansión Stark y aunque el cuento de las gafas no funcione muy bien, ahí te emocionas y piensas “Estos gringos sí que saben de montaje, de ritmo” A partir de allí piensas que la buena de Pepper va a disputarse el amor de su patrón y novio Tony con Rebeca Hall, una excelente actriz que acá luce completamente errática. Hemos llegado a la mitad de la película. La cosa promete ponerse frenética.

Pero nada de esto sucede. Tony sobrevive, va a caer muy lejos de casa, allí conoce un niño genio que en teoría debería recordarle a él mismo pero que a nosotros, el público, nos tiene sin cuidado. Pepper y Rebeca Hall apenas cruzan un par de palabras, por ese lado no hay conflicto. Con el ataque a la mansión Stark el Mandarín parece más fuerte, nadie lo detendrá y entonces se apoderará… ¿de que? ¿De Estados Unidos o del mundo, que en el cine norteamericano igual es lo mismo? Nada de eso lo sabemos. Aparece el fascismo típico en este tipo de películas que uno ha tolerado anteriormente porque las escenas de acción te han anestesiado, pero cuando éstas no funcionan definitivamente las aborreces y empieza a salir el mamerto que aún vive en ti.

Ya casi se completa el último tercio de la película y tú empiezas irremediablemente a extrañar las dos entregas anteriores. No hay nada más triste que cuando entras al cine a ver las aventuras de tu súper héroe preferido te entra el gusano de la nostalgia. Sí, hermano mío, tienes que aceptarlo… Iron Man 3 es un fiasco.

Hasta el carisma de Robert Downey Jr se ve gastado, como si las ideas dentro de la franquicia se hubieran terminado. Hasta la siempre acertada elección de casting acá falló rotundamente. No pudieron cometer el error de llamar a esa nulidad llamada Guy Pierce para que hiciera de malo… Sobre todo teniendo en cuenta que los tres últimos villanos en Iron Man fueron Sam Rockwell, Mickey Rourke y Jeff Bridges. Lo de Pierce como siempre es falso, postizo, nunca le creemos nada. Además dentro del mismo guión son incapaces de mostrarnos cómo la droga que el mismo inventó le genera los progresos genéticos que evidencia, ni la dependencia que genera esa droga. El guión es una colcha de retazos escrito a la loca, por salir del paso, porque había que capitalizar la enorme expectativa que había generado entre los fanáticos un proyecto bien pensado como Los vengadores.

La esperanza que habíamos puesto en las películas de súper héroes empieza a desinflarse. Ojalá la segunda entrega de Thor, prevista para el otoño norteamericano, nos saque definitivamente el mal sabor de boca que nos ha dejado la tercera entrega de Iron Man.

Lo siento muchachos pero me resultó insoportablemente aburridora.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Mentiras mortales

Thu, 11 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * )

¿Por qué no habríamos de llamar al servicio de emergencia o a la policía si sufrimos un accidente? Seguramente, piensa uno, porque estábamos donde no debíamos o porque tenemos algo muy turbio que ocultar. ¿Y qué tan turbio puede ser ese algo que se oculta cuando uno viste trajes de diseñador, es portada de revistas de negocios y tiene una pinta que deja sin aliento a las mujeres que lo ven? Esa es la paradoja narrativa que plantea Mentiras mortales (Arbitrage en su título original, lo que hace que esta cinta entre a la galería de los crímenes de traducción del año), un thriller dramático escrito y dirigido con buen tino por Nicholas Jarecki que, a diferencia de muchos otros títulos similares, no subestima al espectador, lo que le permite presentarnos a un puñado de personajes complejos, contradictorios... humanos.

El más importante de esos personajes es el caballero impecable tantas veces encarnado por Richard Gere, mucho menos limitado como actor que muchos otros galanes (por algo rodó una de las más bellas películas de un director tan minucioso como Terrence Malick, Days of heaven) que aquí encarna nuevamente a un hombre poderoso y rico, que nos cae bien a primera vista y que por los signos que le rodean (jet privado, transporte en limusina, amante extranjera) es lo que llamaríamos en Colombia, un "cacao".

Podría llamarse Bernard Madoff o Guido Nule, pues Richard Miller es de esa misma estirpe: arriesgado para los negocios, ahora que sus mentiras lo tienen contra las cuerdas no está dispuesto a que un error le estropeé su posibilidad de redención. Lo que veremos en Mentiras mortales entonces es la encarnación del descaro y la desfachatez: un tipo que está dispuesto a engañar sin vergüenza a su propia esposa, a enfrentarse con la hija que más ama (encarnada por Brit Marling, anoten ese nombre pues escucharemos mucho sobre ella) con tal de no quitarse la máscara que algunos llamamos "prestigio".

Aunque Jarecki revela ciertas debilidades en la escritura de las historias secundarias (el conflicto con el hijo del chofer que le sirve de testigo a Miller luce un poco metido a la fuerza) y está lejos de ser un director visualmente inspirado, demuestra gran pulso en la dirección de actores al sacar una de la mejores interpretaciones que le habíamos visto a Gere en años. Sin perder nunca su encanto ni su sonrisa, pero con la mirada asesina de tiburón cuando está frente a sus colegas de negocios (la escena en que compite con un rival por lograr el mejor precio en una transacción es de antología), Miller logra algo terrible: que nos pongamos de su parte, que desde la platea deseemos que a este granuja las cosas le salgan bien. Que el mal triunfe.

Esa es la verdadera importancia de esta película. No lo que cuenta sino lo que consigue: que nos preguntemos si peleamos contra los malos sólo cuando tienen rostro de villanos pero condescendemos con el mal cuando es atractivo. Puede que no nos guste la respuesta.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Cristiada

Wed, 10 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * )

A lo mejor recuerdan una canción de Piero, “Los americanos”, que decía: “Si conocen de historia no es por haber leído, sino de haberla visto en el cine americano, con grandes escenarios, y música grandiosa, en el sutil estilo de los americanos”. Uno no puede dejar de pensar en ella mientras aguanta, sentado frente a la pantalla, las larguísimas dos horas y media que dura Cristiada. Porque a pesar de que la película tiene suficientes méritos para que el tiempo empleado en verla no sea un desperdicio total, sufre de un gigantismo que la perjudica seriamente: quiere decir demasiadas cosas, trata de mencionar a demasiados personajes. Dura demasiado.

Cristiada relata la historia del conflicto que vivió México entre 1926 y 1929, luego de que el presidente Plutarco Elías Calles decidiera hacer efectiva la separación de Iglesia y Estado que dictaba la constitución de 1917, tomando medidas represivas y absurdas como la expulsión de todos los sacerdotes no nacidos en México o la prohibición de la celebración de los rituales católicos. Ante la crueldad con que el ejército imponía la llamada “Ley Calles”, un amplio sector de la sociedad mexicana se opuso y comenzó a apoyar, abierta o clandestinamente, al ejército de “cristeros”, que se formó para enfrentar las armas oficiales y defender sus creencias religiosas.

El principal problema de Cristiada es su exagerado ánimo didáctico. El guión se preocupa por mencionar a todos los personajes destacados del bando católico, tal vez con la buena intención de homenajear a aquellos que la Iglesia consagraría décadas después como mártires, pero ya se sabe qué camino está pavimentado de buenas intenciones. Por eso la primera hora de la película es tan confusa: el espectador, poco familiarizado con el episodio, sobre todo si no es mexicano, debe soportar que la película quiera contarle la historia particular de todos los caudillos del conflicto, que al final de cuentas terminarán siendo secundarios con poquito parlamento y escasa trascendencia. Lo mismo ocurre con el personaje de Catalina Sandino Moreno (única motivo lógico para que esta película se proyecte en Colombia): el guión lo usa para “personificar” en ella a todas las mujeres que apoyaron el movimiento cristero, pero como pasa con todo lo “políticamente correcto” al final la lógica se impone y su historia termina desvaneciéndose en el aire, sin peso ni fuerza dramática.

Por fortuna está Andy García. Si la película se hubiera centrado sólo en el personaje de Enrique Gorostieta, el general ateo contratado por el movimiento para dirigirlos, que terminará sacrificándolo todo por una lucha que no es suya, habría sido mucho más intensa y memorable. García usa su amplia experiencia para crear un personaje que emociona, aunque lo hace cuando ya es tarde, y sólo pensábamos en levantarnos de la butaca sin hacer mucho ruido. Su historia, llena de matices, es la más valiosa. Pero eso pasa con “los americanos”. La sutileza histórica, como cantaba Piero, no es su fuerte.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Oblivion

Tue, 09 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Iván Gallo

(* * ½)

Es el año 2077. Una invasión alienígena ha destrozado la luna. Los hombres se han defendido con lo que tienen y no han dudado en usar bombas nucleares. Sacrificaron la tierra para salvar a la raza humana. Los pocos que quedaron se han mudado a Titán, una de las lunas de Saturno, mientras un puñado de hombres se ha quedado vigilando unos conversores gigantes que extraen toda la energía de los océanos y mares.

Uno de los pocos que todavía deambulan por la tierra es Jack Harper (Tom Cruise) un hombre que extrañamente recuerda a la tierra antes de la invasión. Lo raro es que el nació después del 2017 y nunca conoció Nueva York, ni miró por uno de los visores a la ciudad desde la altura del Empire State. En sueños se le aparece una mujer ¿De dónde vendrán esos recuerdos? Esos enigmas se profundizarán más cuando se encuentre de frente, entre las ruinas del planeta destruido, a la mujer que aparece en sus sueños.

A pesar de su interesante argumento, de su impecable factura visual, de sus innovadores efectos y de los espectaculares diseños que tienen sus máquinas y construcciones, la esperadísima Oblivion naufraga en un conjunto de incoherencias que la convierten en una de las grandes decepciones de la temporada.

La frialdad que había desplegado Joseph Kosinski en Tron: El legado acá vuelve a aparecer con más fuerza acá. Sin duda que es un maestro para crear atmósferas y construir maquetas pero empieza a ser recurrente en su breve filmografía la incapacidad que tiene para dirigir actores, cayendo incluso en errores de casting muy graves como fue el de Olga Kurylenko. Y es que a la actriz rusa parece quedarle como anillo al dedo sus interpretaciones de chica Bond pero a la hora de encarnar un personaje con la relevancia que implicaba ser la última mujer que queda en la tierra, vuelve a demostrar sus evidentes limitaciones. Por ella no sentimos absolutamente nada, es más, por momentos su escuálida presencia resulta molesta y queremos que Kosinski nos muestre más de esas máquinas temibles que destrozan todo lo que ven. El realizador se siente más cómodo dirigiendo sus prototipos y sus maquetas que a sus actores.

Tom Cruise está ahí, en cada uno de los fotogramas, llenando con su eterna juventud y su enorme nariz las casi dos horas y media que dura la película. Cuesta trabajo encontrar un actor con 30 años estando al tope de la lista de los más cotizados. A mí en lo particular el poco respeto que se había ganado con Ojos bien cerrados o Magnolia lo ha perdido en la última década convirtiéndose en la marca oficial de cuanto éxito de taquilla salga dentro de la industria.

Como amante de las películas de ciencia ficción sigo esperando otro clásico, algo que rehabilite de una buena vez por todas un género que desde Inteligencia artificial de Spielberg parece estar sepultado entre los remakes, secuelas o precuelas que caracterizan el Hollywood de nuestros días. Creí que Oblivion iba a revertir esta tendencia, pero no fue así.

Te queremos de vuelta, querido Ridley Scott.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Jake's dead

Mon, 08 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Johanna Andrade

(* * )

En días pasados en San Francisco, California, se llevó a cabo la premier de la película Jack´s dead (Jack está muerto), ganadora del premio a la mejor banda sonora en el Action on film International film festival 2012 . Como espectador en su primera exhibición y con los personajes y el equipo de la cinta estuvo Ochoymedio.info. Con una producción que tomó cuatro años, Jack´s dead nos presenta, a través del uso creativo de efectos visuales, algunos juegos sicológicos durante toda la película.

Creada por Jack Graham, Tylor Bohlman y Zac Cooper, Jack´s Dead es la historia de Jack (Jose Bohn), el protagonista, quién se reúne con su hermano Mike (Zachary Gossett) después de la muerte de su padre. A causa del dolor, los dos hermanos deciden utilizar una droga verde y misteriosa que los lleva a tener pesadillas donde se involucran el asesinato, el amor y el engaño. Mientras tanto, el distribuidor de la droga (Jake Lyall) le muestra a los protagonistas el verdadero significado de ser adicto. Esta película independiente de horror transporta a los personajes del cielo al infierno, en un viaje de alucinación entre el alma y el más allá, hasta un final que incluye muertos vivientes.

El proyecto de Jack´s Dead
La idea de hacer está película comenzó hace 8 años en medio de una conversación que Graham tenía con su amigo. Graham siempre quiso hacer una película de terror, con pocos personajes y que utilizara locaciones en el área de la bahía al norte de California. “The horror is a universal language,” expresó Graham durante la premier de la película. Los planes de la película están enfocados en participar en los diferentes festivales alrededor del mundo incluyendo Suramérica.

Ochoymedio entrevistó al protagonista de la película Joe Bohn (Jake) y esto fue lo que nos dijo:

¿Cómo se sintió interpretando Jack?
Cuando vi la película sentí que yo representé al personaje como se supone que debía haber sido representado. Para mí como actor fue un gran desafío, ya que nunca había interpretado un personaje como Jack, siempre hacia el hombre popular entre las chicas o el hombre cool, que para mí es fácil interpretar, pero nunca había hecho un personaje como Jack.

¿Cómo describe su personaje?
Jack es un buen hombre pero al tiempo es un perdedor que no habla con la gente o no sabe comunicarse. Hablé con Jack y Tylor, los creadores de la película, y les pregunté: ¿quién es ese hombre?, ¿cómo se supone que este personaje tiene que ser? Miré el guión y vi que el personaje corre; si tú ves la película él siempre corre del miedo hasta el siguiente nivel, entonces cuando él llega al pasillo no hay otro lugar donde él pueda ir, es pelear con la muerte o morir y éste es un gran momento en la película.

¿Qué le dice a la audiencia que no ha visto la película?
Yo diría que si usted quiere ver un muerto diabólico, para las nuevas generaciones, esta es su película, porque incluye elementos que otras cintas recientemente han querido incluir. Definitivamente vale la pena verla.

Si desean tener una idea de la película, pueden ver el tráiler en http://www.jakesdead.com

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Mátalos suavemente

Wed, 03 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * ½)

— ¿Has matado a alguien?
— No.
— Puede ser muy delicado.
— ¿Delicado?
— Emotivo, no divertido, muchos problemas. Lloran, suplican, se mean, llaman a su madre. Yo prefiero matarlos suavemente.

Esta conversación, que nos cuenta por qué Mátalos suavemente se llama como se llama, es sólo un fragmento de uno de los largos y farragosos diálogos que pululan en esta película. A la manera de Tarantino, Andrew Dominik, que además de dirigir escribe el libreto, adaptando una vieja novela policiaca, trata acá de crear ironía y desconcierto a partir de las conversaciones que no esperaríamos de los matones que protagonizan la historia. Unas veces le sale bien el experimento (como cuando los dos atracadores que ejecutan el golpe del comienzo nos descubren toda su estupidez y simpleza cuando hablan del sexo que no tienen) y otras no (que uno de los personajes haga una crítica a la Declaración de Independencia Norteamericana de Thomas Jefferson simplemente es demasiado).

El problema es, justamente, la sobrepoblación de experimentos a lo largo de la cinta, que si bien son muy interesantes para los cinéfilos de callo grueso, dispuestos a observar con detenimiento las propuestas estéticas y narrativas del director, entorpecen ostensiblemente la conexión con el público más casual, que se sentirá confundido ante lo que esperaba fuera “una película de acción con Brad Pitt”. Pero este es el otro lado de Brad Pitt, no el de la estrella de cine que hace publicidades de perfumes femeninos, sino el del buen actor que busca proyectos de tinte más independiente para demostrar sus, hoy en día, innegables cualidades interpretativas.

Aquí hace de Jackie Cogan, un sicario a sueldo de la mafia de New Orleans (la decadencia en sus paisajes post-Katrina es usada por el director para aumentar el ambiente depresivo de la historia) que es contratado para descubrir y castigar a quien se atrevió a asaltar una de las partidas de cartas ilegales organizadas por los delincuentes. Pero eso no es lo realmente importante en la película, pues al final la trama es tan simple como suena. Lo que desea Andrew Dominik es tomar el cine de gánsteres y modificarlo de acuerdo con sus particulares búsquedas de autor, como ya lo había hecho antes con el western en El asesinato de Jesse James. Veremos entonces una fotografía que sobreexpone algunos extremos de la imagen, para “envejecerla” a nuestros ojos y emparentarla con las películas policíacas de los setenta como Harry el sucio, un cine que tenía un fuerte componente de crítica a las fallas de la sociedad estadounidense. Dominik intenta hacer lo mismo metiendo a la fuerza discursos políticos que se ven en las pantallas de televisor encendidas, pero el recurso se ve impostado y poco creíble.

Lo que podemos concluir después de verla (y no todos terminarán en la sala al final de la función) es que en Mátalos suavemente había un director con ideas interesantes, cuyas armas esta vez sólo dispararon balas de salva.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Roa

Tue, 02 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Iván Gallo

(* * * )

El hijo menor de doña Encarnación vivía en un cuartico estrecho al lado de la cocina, cargado de pulgas y fiebre. Tenía dos trajes y uno estaba manchado de aceite. Trabajaba en la embajada alemana y le llegaba a la casa literatura nazi, que leía con fervor. Tenía una mujer con la que vivía ocasionalmente. Era mayor que él y tenía dos hijos con los que se llevaba muy mal. Juan era rosacruz y unas tardes se creía la reencarnación de Gonzalo Jiménez de Quesada y en otras era el General Santander. Por su condición social era gaitanista y hasta había asistido a una que otra conferencia del Jefe.

Ese ambiente donde se fermentó la locura no aparece por ninguna parte en Roa, al contrario, las salas son luminosas, los jardines son floridos, el ambiente es aséptico, los pobres tienen lo necesario, en sus mesas rebosa el chocolate y la fruta fresca. Al parecer en la época en que el presidente Ospina Pérez y su oscuro canciller Laureano Gómez regían los destinos de este país, no existían las condiciones para que los más necesitados hicieran una revuelta que puso en jaque la más estable e hipócrita de las democracias del continente. Uno puede traicionar la historia dentro del cine, ser un anacrónico deliberado, pero cuando esta traición te cuesta verosimilitud tu relato posiblemente esté condenado al naufragio. Nunca entendemos bien de dónde viene la locura de Roa.

Si, por ahí hay un tipo que tiene cara de chulavita encubierto, que lo sigue a todas las manifestaciones y que se ha dado cuenta de que entre la multitud hay un hombre resentido, con cara de odio que se lo quiere cargar. El chulavita puede estar contratado por una petrolera, por una bananera, por la CIA; por cualquier oligarca asustado. En el país de la impunidad nadie sabe quién perpetró el crimen del siglo así que Baiz se toma la libertad de… de no emitir ninguna teoría, de no jugársela con algo, de no mostrarnos ni siquiera la razón por la cual un hombre con pinta de indígena, dotado de una oratoria extraordinaria, se había convertido en un fenómeno de masas que amenazaba con quitarle el poder a los más ricos.

¿Por qué no mostrar a Roa en su buhardilla de Raskolnikov y cómo desde la radio los encendidos discursos de Laureano Gómez insuflaban su alma de odio y resentimiento? La oligarquía siempre ha usado los medios de comunicación como plataforma para armar asesinos, para manipular mentes. Ese clima, tan necesario a la hora de contar el momento en que el país decide entrar en una orgía de sangre y muerte que sesenta y cinco años después no cesa, no está por ninguna parte en Roa, la tercera película del director caleño Andy Baiz.

Es que en el cine colombiano de nuestros días es muy difícil convencer a un inversionista de que meta dinero a un proyecto si éste no se acomoda a sus preceptos. ¿Cuáles son estos? Primero evitar meterse en camisa de once varas. Nada de posiciones incómodas, de revisionismos históricos y sobre todo, cuidadito se va a meter con posturas políticas extrañas. Hay que ser neutral, recordar todo el tiempo que el cine es un entretenimiento barato donde la gente paga su entrada, come crispetas y se olvida que es pobre. Eso explica muy bien por qué se contrata a la inexpresiva y cada vez más ineficiente Catalina Sandino para que sea justamente la mujer del asesino, por qué en la mesa de la mamá del presunto magnicida siempre hay chocolatico caliente y sobre todo pan. Se nota que a Baiz le tocó hacer lo que le dejaron. A muchos realizadores no les queda de otra, si se ponen de rebeldes las empresas no ponen el billete y tienen que esperar a que un milagro desempolve los guiones que alguna vez se soñaron hacer. O de pronto ésta era la película, la segunda parte de su trilogía sobre asesinos colombianos, el primero fue el Campo Elías de Satanás, el segundo es el Juan de Roa. Una visión frívola y despolitizada de un hecho del cual todavía no alcanzamos a entender su magnitud. Baiz se sirve del bogotazo para demostrar que a él le encantan los asesinos. Esto da rabia teniendo en cuenta el inusual talento que tiene el caleño. Uno hubiera querido que se arriesgara más, que se la jugara señalando algo, que por un momento su fría genialidad rozara siquiera lo político.

Pero nada de esto sucede.

Si bien lo que más me molestó de la película fue la escogencia de Catalina Sandino, hay que resaltar el buen criterio de casting al haber escogido al desconocido Mauricio Puentes para el papel principal. A punta de talento logra rescatar un papel que desde el mismo guión estaba completamente perdido, su mirada angustiosa y algunos gestos le imprimen algo de veracidad a un personaje que estaba condenado a la caricatura odiosa.

A pesar de lo dicho atrás y de lo preocupante que me resulta el hecho de que en el nuevo cine colombiano la historia la sigan escribiendo los ganadores, a mí Roa no me disgustó del todo. Al contrario, me parece que con esta película se confirman todas las cosas buenas que se esperaba de este joven realizador. El diseño de arte es acertado, el sonido es casi perfecto y hay momentos realmente maravillosos, como cuando el hermano de Juan le está enseñando clases de conducción, la escena del salto del Tequendama y, sobre todo, los siete minutos finales, cuando con la muerte de un hombre empieza la etapa de violencia más larga y terrible que cualquier país del mundo pueda recordar. Sesenta y cinco años que a algunos les parece aún muy poquito, sesenta y cinco años que algunos quieren perpetuar.

Por mucho que nos pese Roa es el hecho cinematográfico del año y es casi que obligatorio ir al cine a verla. Una película de gran factura visual, por momentos muy bien actuada y a la que sólo le faltaron las agallas, el coraje de señalar, de tomar una postura para ser considerada uno de los mejores filmes de nuestra incipiente filmografía.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.

Bárbara

Mon, 01 Apr 2013 00:00:00 -0500

Reseña por: Samuel Castro

(* * * )

No se puede mirar con descuido el afiche de Barbara, la más reciente película del director Christian Petzold, estrenada ayer en Medellín. A simple vista parece que viéramos a una mujer que vive en el campo o en una zona rural, volviendo del trabajo en bicicleta. Eso es lo que captamos con una visión superficial de la fotografía en el póster. Pero si nos fijamos bien, veremos que el gesto de su rostro dice otra cosa. La mujer está inquieta y mira sobre el hombro porque siente que la están persiguiendo. No será una vida tranquila y apacible lo que veremos a continuación.

La mujer se llama Bárbara y la acompañamos en su primer día de labores en un hospital de pueblo. Por su expresión, sabemos que no es feliz. Algo la angustia y preferiría estar en cualquier otro lugar, a pesar de que su trabajo como médica lo realiza con profesionalismo y buen juicio. Pero esto no es Hollywood, así que tardaremos en recibir las pistas que nos ayuden a entender qué está ocurriendo. Que se estrene una película europea (alemana en este caso) en Colombia siempre es una buena noticia, porque permite acercarnos a ritmos narrativos distintos a los que nos tiene acostumbrados la factoría norteamericana. Aquí todo se insinúa, pero poco se dice. Lo que le viene perfecto a la trama, pues nos relata hechos que ocurren en la República Democrática Alemana durante los ochenta, cuando la cortina de hierro seguía en pie y sus habitantes veían coartadas sus libertades a tal punto que el gobierno podía decidir a qué lugar del país debías ir a vivir como castigo. Ese es, precisamente, el motivo de la rabia incombustible de Bárbara. Le han negado la visa para salir del país y la han trasladado a ese sitio miserable, donde deberá arriesgarse a ser descubierta cuando intente reunir lo necesario para escapar.

Si la protagonista de esta historia fuera Angelina Jolie, la película se convertiría en un juego de espías con balaceras, persecuciones y escenas de tortura. Pero Nina Hoss, la actriz que encarna a Bárbara, no está acá para correr y saltar. Está para que comprendamos a través de sus ojos, duros y fríos, lo que se siente no poder hablar con libertad porque no sabes si tu compañero te va a delatar; lo que duele que sean otros los que decidan por ti; lo que molesta que debas amar a escondidas. Su interpretación se suma a la coherencia de la producción que, para acentuar la sensación de que no hay libertad en el mundo que nos retrata, usa espacios demasiado estrechos y poco iluminados la mayor parte de la película y cede el uso de la música al sonido ambiente, para que compartamos con la protagonista la tensión que puede generar el silencio.

No será fácil aniquilar el espíritu de Bárbara. Con la ayuda de André (aunque nunca sepamos si sus intenciones son totalmente inocentes) intentará cuidar a otras víctimas del régimen, más indefensas que ella. Porque en últimas eso es “Bárbara”: un recordatorio de que en tiempos oscuros, lo único que tenemos los unos, es a los otros.

Originalmente publicada en ochoymedio.info.