O Homo hypocritus

A insignificância do ser (ou monólogo de um corcunda)

2010-01-31T17:07:00.010-02:00

Artista: Radiohead
Álbum: The Bends
Ano: 13 de março de 1995
Gênero: down rock
Gravadora: Parlophone Records
Produtor: John Leckie
Número de discos: 1
Número de faixas: 12
Duração: 48:37
Formatos: LP, K7, CD, download digital
Onde comprar: Amazon l iTunes Music Store

Ao contrário do que se costuma dizer sobre o Radiohead, não considero Ok Computer, apesar do sucesso de crítica e o tão divulgado e aclamado pelo público, In Rainbows, os melhores álbuns do grupo. Pode soar previsível, mas The Bends, dito como o álbum mais pop, é o que me enche de nostalgia com suas músicas repletas de um inconformismo que se desvairessem num grito de revolta entoado por Thom Yorke.
O álbum pode parecer, aos ouvintes de primeira viagem, hermético, esdrúxulo e até um pouco prolixo, dando a impressão de uma obra incompleta e fragmentada, devido talvez ao fato de que as composições do grupo visam, muita das vezes, abordar, através de uma intencional desordem ou embaralhamento de informações subjetivas, questões de cunho puramente existencialista. Mas o que aparentemente parecia ser um circunlóquio de informações, se mostra como uma construção meticulosa que tenta aludir ao turbilhão caótico do fluxo mental de pensamentos, sentimentos, sensações, impressões e flashes que se desencadeiam, sem lógica aparente, na nossa consciência, ou de maneira mais concisa, o monólogo interior.
Uma das temáticas recorrentes do álbum é sobre a insignificância do ser, discorrendo-a de modo a reconhecer (para não dizer cultuar) a consciência da própria fragilidade perante à vida, e de tanto remoer tal condição, passasse a conhecer-se integralmente (seria, talvez, alguma alusão ao "homem subterrâneo" de Fiódor Dostoiévski?). E é justamente isto que me atrai nesse álbum; a construção meticulosa de músicas que funcionam como projeção labiríntica do universo psíquico, e que de tal modo, conseguem exteriorizar a intimidade do homem oprimido pela existência e não necessariamente pelas condições sociais ao qual ele concerne ou qualquer outra explicação que se queira dar.
Acho que não existe nenhuma terminologia humana que explique essa sensação que o álbum nos causa (talvez a explicação mais palpável que posso ser dita, seja a inevitável sensação que o alcoólotra inveterado sente ao despertar, com a amarga volta à vida cotidiana e a atroz descida do véu). É uma sensação que ao mesmo tempo nos causa um abatimento, uma avidez no coração, mas também, uma emoção meio que agradável (para não dizer poética).
E assim, à medida que uma intimidade cada vez maior se tem com o álbum, mais amargamente (ou não), uma sensação de inutilidade de qualquer tentativa de se alegrar o espírito toma conta do nosso ser, como se fosse uma irradiação incessante de uma profunda e irremissível tristeza que se esparzia por todos os objetos do campo físico e moral.
Durante a sua audição, podemos perceber, ao longo das melodiosas e lúgubres canções, a variação no modo de cantar de Thom Yorke, passando desde uma vocalização trêmula e indecisa (quando seu ardor parece cair em completa inação) à uma espécie de concisão enérgica (uma enunciação abrupta, pesada e lenta, lembrando a maneira gutural e perfeitamente modulada que se pode observar na fala de um bêbado perdido ou no incorrigível fumante de narcóticos, durante os períodos de sua mais intensa agitação) criando assim, a sensação de estarmos respirando uma pesada e cinzenta atmosfera de tristeza e nos despertando para a noção de que toda essa apatia, que de repente, nos deparamos, fosse algo bom, uma qualidade inerente aos poucos "párias existências" que possuem a compreensão da inutilidade das relações humanas diante de uma sociedade tão transtornada e de que se tornar impassível à ela, de modo a não reconhecer em seus atos e nos dos outros o que é certo ou errado, é a melhor maneira de ainda se encontrar um pouco de ventura (não sei... mas talvez esteja incluso, nesse contexto, a visão doentia ou salutar, depende do seu ponto de vista, do misantropo).
Além disso, os soturnos riffs e distorções da guitarra de Jonny Greenwood e Ed O'Brien, ditas destoantes e fastidiosas por aqueles que não estão acostumados com o som do Radiohead, ajudam à criar essa noção de uma atmosfera degradada e um tom depressivo ao imaginário de quem ouve The Bends, e mais uma vez, ajudam a projetar uma visão intimista de uma mente desolada e atormentada por frustações familiares, sociais, emotivas e sexuais que se exterioriza ou esteriotipa na forma do corcunda que se curva sobre si mesmo como forma de abster-se de uma sociedade que o enoja mas que ao mesmo tempo o subjuga.
A quebra da linearidade na narrativa das letras das músicas parece que intercepta presente-passado de modo que já não é mais possível distinguir entre realidade e os delírios de um solipsista alucinado que extravasa seus pensamentos mais profundos como forma de autoconhecimento, de desabafo, de confissão (para não dizer expiação ou catarse) de traumas que marcaram o passado e irremediavelmente determinam o presente, condicionando-o a uma visão de mundo obscurecida por subjetivismos de acentuado cunho pessimista que complicam a relação com o presente e deformam a apreensão do passado como uma maneira de obter absolvição para uma realidade inerte e dilaceradora.
A música Street spirit (Fade out), que desfecha o álbum com grande eloquência musical, nos transmite de maneira bem clara essa noção de uma atmosfera niilista que domina boa parte do álbum.

Nela, podemos perceber a escolha criteriosa de harmonias, melodias e letras que geram uma impressão da inutilidade de uma existência exígua, decadente e insignificante. Uma existência fácil de ser corrompida pelos caminhos furtuitos que a vida enseja. E quase que como um mecanismo de fuga, busca, quase sempre, refúgio no passado, na inocência dos primórdios da vida; como se a ignorância fosse algo bom (como o louco que não consegue perceber a própria sandice), mas logo que sobrevê que não encontra mais a tranquilidade de outrora e não adianta se esconder por de trás de tal "placebo psicotrópico", pois não é mais como era "naquele tempo" e que se encontra, impreterivelmente, como o molambo que mendiga desvairado pela cidade que o puiu e sujou, rogando por uma caridade que lhe garanta a vida hoje, mesmo sabendo que ela irá prolongar sua miséria para amanhã.
Conservarei para sempre a lembrança das muitas horas solenes que me peguei em companhia de The Bends. Mas mesmo depois de toda essa enfadonha divagação, ainda considero que qualquer tentativa de procurar extrair as sensações tão vívidas, que ainda se acham presentes em meu espírito e me fazem estremecer, para contê-las no simples âmbito das palavras, seria em vão. Mas de uma maneira um tanto que singela, posso dizer que além da excentricidade e experimentalismo harmônico que culminou num dos grandes marcos na cultura musical contemporânea, representando um estilo de vanguarda do down rock que iria influenciar toda uma geração de músicos do porvir, mas que ao mesmo tempo foi motivo de crítica pelos ditos "entendidos do assunto" na época; The Bends conta, acima de tudo, com a hipnotizante interpretação, que detêm e subjuga a atenção, de Thom Yorke; um dos poucos mortais que conseguiu musicar um sentimento... a insuportável melancolia.

Como fazer scrobbling das suas músicas ouvidas no Foobar2000 para o seu perfil do Last.fm

2009-12-09T18:35:00.112-02:00

Dados técnicos: Nesse tutorial irei explicar como fazer o scrobbling das suas músicas ouvidas no Foobar2000 para o seu perfil do Last.fm
Componente: audioscrobber (foo_audioscrobbler)
Desenvolvido por: Florian Heidenreich
Versão: 1.4.6 (compatível com Foobar2000 v1.0)
Lançado: 7 de fevereiro de 2010
Página oficial: Florian's Foobar2000 Stuff (em inglês)
Grupo de discussão: Hydrogenaudio Forums (em inglês)

ATUALIZAÇÃO: Usuários da versão 1.1.1 do Foobar2000 utilizem as explicações desse comentário.

Inicialmente, precisamos baixar o componente foo_audioscrobbler (clique aqui para baixar). Depois de baixar o arquivo, descompacte-o usando qualquer programa de compactação/descompactação de sua preferência (recomendo o WinRAR ou 7-Zip).

Copie a dll foo_audioscrobbler e cole na pasta Components do Foobar2000 que se encontra em C:\Arquivos de programas\foobar2000\components.

Agora abra o Foobar2000 normalmente e clique em File e, em seguida, em Preferences (ou simplesmente, use o atalho: Ctrl + P).

Você notará que irá abrir uma tela com várias opções de configuração do Foobar2000 (como mostrado na imagem à baixo), mas nos restringiremos aos sub-menus da opção Tools.
Clique no sinal de + que se encontra à frente da opção Tools, e em seguida, em Audioscrobbler.

Marque a opção Enable Audioscrobbler e preencha os campos Name e Password, com o seu nome de usuário e senha do Last.fm, respectivamente.
Na sessão Submissions, marque a opção Only submit tracks from the Media Library se você quiser que o Last.fm faça scrobbling somente das músicas que se encontram na sua biblioteca do Foobar2000 ou marque a opção Submit tracks from dynamic sources se você quiser que o Last.fm faça scrobbling de qualquer fonte de música que se encontra em seu computador, incluindo streams online (recomendo que marque somente esta última opção). O resto deixe de acordo com a imagem à baixo.

Finalmente, clique em Close no canto inferior direito da tela.
Pronto, seu Foobar2000 está configurando para enviar as músicas que você ouve para o seu perfil do Last.fm.
Faça um teste ouvindo alguma música em seu computador (é normal que o scrobbling das primeiras músicas que você ouvir demore um pouco para acontecer).
Se caso o scrobbling não acontecer, repita os passos de configuração já explicados aqui e reinicie o Foobar2000 (essa etapa é fundamental para o bom funcionamento deste como de qualquer outro componente adicionado ao Foobar2000).
Se mesmo assim o problema persistir, envie um comentário com a sua dúvida aqui para o blog.

O meu "last goodbye" a Jeff Buckley

2008-11-06T21:21:00.053-02:00

Artista: Jeff Buckley
Álbum: Grace
Ano: 23 de agosto de 1994
Gênero: rock alternativo
Gravadora: Columbia Records
Produtor: Andy Wallace
Número de discos: 1
Número de faixas: 10
Duração: 51:44
Formato: LP, K7, CD, download digital
Onde comprar: Amazon l Submarino

O calendário marca dia 29 de maio de 1997, Jeff Buckley, um promissor cantor, compositor e guitarrista, e seu amigo e roadie, Keith Foti, caminham em direção a um estúdio na cidade de Memphis, onde Jeff tem encontro marcado com a sua banda, para gravação de seu segundo álbum, intitulado My sweetheart the drunk. Mas antes decidem descansar ao pé do rio Wolf, afluente do rio Mississipi. Jeff Buckley, sempre desafiante, entra nas águas do rio com a roupa vestida e as botas calçadas, apesar dos receios e avisos de Keith Foti.
Num rádio portátil, Foti pode ouvir Jeff Buckley entoar em voz alta Whole lotta love do Led Zeppelin, brincando com a forma própria de Robert Plant cantar. Keith Foti tenta afastar o rádio para evitar que este seja danificado pelas ondas provocadas pelos barcos que por ali passam. Quando se vira, já não vê Jeff. Naquela altura, só as luzes da cidade iluminam as tristes águas do rio Wolf (é... a natureza tem estranhas formas de mostrar a sua raiva).
O corpo de Jeff Buckley só foi encontrado seis dias mais tarde, perto da nascente do rio Mississippi. "O homem que sabia demasiado acerca da vida e do amor havia sucumbido prematuramente e de forma trágica", era o que, amarguradamente, noticiava os jornais na manhã do dia 4 de junho de 1997.
Em plena década de noventa, época em qual o grunge reinava soberano (com as suas camisas de flanela), surge Jeff Buckley, um rapaz de voz intensa e poderosa, que se consagrou como um dos maiores cantores (para mim, de todos os tempos) e é considerado pelos críticos como umas das mais promissoras revelações musicais de sua época.
Jeffrey Scott Buckley nasceu em 17 de novembro de 1966, em Anaheim, Califórnia; filho de Mary Guilbert, uma pianista e violoncelista com formação clássica, e Tim Buckley, uma lenda do folk.
Jeff, desde cedo, buscava de todo modo fugir da sombra do pai, através de uma vasta influência sonora, passando por estilos, muitas vezes, díspares (para se ter uma idéia da miríade de sonoridades que Jeff repassava para suas composições: no seu primeiro EP, intitulado "Live at Sin-é", ele gravou versões covers do irlandês Van Morrisson, da francesa Edith Piaf, do paquistanês Nusrat Fateh Ali Khan entre outros músicos de peso no cenário mundial, como Bob Dylan, Billie Holiday, Johnny Mathis), o que (pelo menos em sua cabeça) não lhe dava margem a qualquer comparação, apesar das gritantes semelhanças físicas, dos gestos (do talento).
Talvez o que tenha determinado com que Jeff apresentasse certa resistência em trilhar os passos do pai e buscasse, exaustivamente, escrever seu próprio caminho, seja por ele, não concordar com a forma com que seu pai tinha de encarar a vida. Primeiramente, Tim preferiu abrir os braços à música e o abandonou quando tinha ainda poucos meses. Posteriormente, quando Jeff havia completado oito anos e os laços entre pai e filho começavam a se estreitar, Tim Buckley morre de overdose com heroína e morfina (não sei explicar o que de fato passava na sua cabeça, mas talvez o conceito de mártir não o seduzisse).
Após graduar-se na Loara High School em 1984, Jeff decide que a música seria o caminho certo a seguir e, mais uma vez, tentando evitar qualquer comparação paterna, inicia um estudo meticuloso de guitarra no Guitar Institute of Technology, mas restringe o canto a raros momentos entre família. É também nesse momento que, por influência de sua mãe e padrasto, que Jeff tem contado com o trabalho de Joni Mitchell, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Pink Floyd e The Who.
Após terminar o curso, diversas oportunidades surgem na vida do recém-formado músico. Este começa a trabalhar num hotel e nas horas vagas incursiona-se como guitarrista (e em raros momentos como backing vocal) em várias bandas com estilos um tanto que díspares (desde jazz, rhythm and blues, funk, reggae, heavy metal até dancehall que é um estilo musical jamaicano que mistura rap e reggae). A essa altura, Jeff começa buscar a sua própria personalidade musical, e com isso, conhece o trabalho do paquistanês Nusrat Fateh Ali Khan o qual passar a ter um grande prestígio, fazendo sempre versões covers em suas apresentações.
Nesse meio de tempo, o ex-produtor de seu pai, Herb Cohen, oferece-lhe uma ajuda, a qual resulta na gravação de sua primeira fita demo, chamada Babylon dungeon sessions que conta com quatro músicas apenas: Radio, Strawberry street (que posteriormente foi compilada para o álbum Grace: legacy edition) e a primeira versão de Eternal life e Last goodbye (que na época se chamava Unforgiven). O principal objetivo de Cohen e Jeff com a fita demo era atrair a atenção da indústria fonográfica, mas Babylon dungeon sessions não rendeu muito frutos (pelo menos momentaneamente).
Apesar de sempre querer distanciar-se profissionalmente da memória paterna, foi num tributo ao seu falecido pai, chamado Greetings from Tim Buckley na igreja de St. Ann's Church no Brooklyn, que Jeff começou a chamar a atenção. Jeff, inicialmente, rejeitou o convite, pois não gostava da idéia do tributo ser um trampolim para a sua carreira, mas no fim, acabou cedendo às pressões do organizador do evento, Hal Willner (mais tarde, Jeff declarou que a sua participação no tributo foi uma maneira de prestar seus últimos pêsames ao pai, pois ele não havia ido ao seu funeral e nunca tinha se esforçado para conversar com ele; fatos que o incomodavam muito). Mas o mais importante disso tudo, é que foi, justamente, nesse evento, que Jeff resolveu cantar pela primeira vez em público, mostrando todo esplendor de sua voz ao mundo. Sua apresentação (que foi realizada em parceria pelo então, guitarrista experimental, Gary Lucas) incluiu versões de I never asked to be your mountain, Sefronia: the king's chain, Phantasmagoria in two e uma performace acústica e em à capela de Once I was a qual deixou todos boquiabertos.
Entusiasmado com o inesperado e extraordinário sucesso, Jeff resolve retomar o processo de composição e gravação de novas músicas, contando novamente com a parceria do guitarrista Gary Lucas, o que resultou nas canções Mojo pin e Grace. Nesse meio de tempo (por volta do ano de 1991), Jeff é convidado por Gary (que ficou impressionadíssimo com a sua voz) para integrar-se a sua banda, a Gods and Monsters. Jeff, inicialmente, aceita o convite, mas, um dia após a banda estrear oficialmente, decide largá-la, alegando que a sua participação na banda poderia restringir as suas ambições musicais.
Após a sua repentina decisão (que foi tida como uma baita idiotice pelos agentes e produtores da Imago Records; a gravadora que assinou contrato com a banda de Gary), Jeff começa a se apresentar em vários clubes e cafés da baixa Manhattan, mas é no café irlandês, chamado Sin-é, que ele encontra, praticamente, a sua nova casa. Lá, apesar da pequena platéia, Jeff consegue bastante prestígio, devido ao seu imenso talento e também pelo seu repertório eclético que inclui covers de The Smiths, Judy Garland, Elton John, Bad Brains, Led Zeppelin, Robert Johnson entre outros, bem como músicas do seu álbum demo Babylon Dungeon Sessions.
Em poucos meses, Jeff atrai a admiração de multidões e a atenção de executivos de diversas gravadoras, e assim, acaba assinando, em outubro de 1992, um contrato milionário com a gravadora Columbia Records, que culminou na gravação do álbum Grace (que mais tarde, se tornaria um álbum clássico para todos afixionados por down rock).
Mas sua trajetória, infelizmente trágica, nos prova mais uma vez, que aquele antigo ditado, de que "os bons morrem cedo", é verdadeiro.
Até hoje, não se sabe, o que realmente ocorreu com Jeff, na manhã do dia 29 de maio de 1997, nas caudalosas águas do Wolf River. Tudo o que se diz, não passa de mera suposição ou especulação da mídia, tentando vender a idéia (que infelizmente, em nossos tempos, é bastante lucrativa) de que Jeff tenha cometido suicídio. A única coisa que posso dizer sobre esse acontecimento lastimável (e que considero a única verdade que obteremos, a não ser a que Keith Foti presenciou) é a que o bardo (me desculpe os "doutos" pelo arcaísmo, mas me refiro ao significado mais sublime da palavra), Jeff Scott Buckley teve que "buscar a morte para encontrar a vida".
É! Jeff se foi, mas a sua obra não, e o seu primeiro e único álbum de estúdio, lançado em 23 de agosto de 1994, intitulado Grace é a maior prova disso, sendo até hoje, reverenciado como um dos melhores álbuns, tendo influenciado músicos como Thom Yorke do Radiohead, Björk, Chris Cornell do Soundgarden e Audioslave, Chris Martin do Coldplay e até veteranos como Jimmy Page e Robert Plant do Led Zeppelin, Bod Dylan e Bono do U2, o qual, quando interpelado sobre o músico por uma uma revista americana especializada em música, fez a seguinte declaração: "Jeff Buckley é uma gota cristalina num oceano de ruídos". Para simplificar (coisa que não é tão fácil assim ao se falar da obra de Jeff), Grace é uma obra-prima do rock, ou melhor, "a perfeição audível" (mas isso tudo não passa de singelas palavras perante a grandiosidade indubitável que é "Grace").
Confesso que conheci Jeff e a sua monumental obra, assim, meio que por acaso. Na verdade, já tinha ouvido as músicas dele muitas vezes, sem saber. Mas foi, mais especificamente, na trilha sonora do filme Vanilla Sky (com a música Last goodbye) e do seriado The O.C.: um estranho no paraíso (com a música Hallelujah, tocada no último episódio da primeira temporada), que essa voz estridente, peculiar, melancólica, intensa, doce (ou melhor ainda... etérea) passou a ter nome para mim. "É! Um tal de Jeff num sei o que lá" (era o que eu dizia até então) me encantou desde a primeira vez em que eu o ouvi (acho que talvez... pela sua forma sincera e apaixonada de cantar).
Mas voltemos a falar do álbum.
Realmente não tinha a menor idéia de como faria essa resenha (a única certeza que tinha, é que queria que ela, pelo menos, chegasse aos pés da beleza adônica de Grace); então, depois de muito pensar, cheguei a conclusão de que a única maneira de conseguir isso é da forma mais sincera possível, falar da minha impressão (muitas vezes intimista) sobre cada uma das dez músicas do álbum, bem como, a da real intenção que Jeff teve ao compô-las ou mesmo em regravar algumas delas. De uma maneira um tanto que simplória poderia dizer que as dez músicas são grandiosas, imponentes e alucinantes, o que poderia parecer um pouco redundante da minha parte (para não dizer, chato mesmo), mas isso não é mais uma especulação, caro leitor, é um fato, e digo mais: as dez músicas são capazes de provocar o mais íntimo dos arrepios ou o mais discreto dos suspiros. Duvídas? Então ouça e comprove.
O álbum desperta, ou melhor, perde-se pelo sonho com a épica Mojo pin, na qual Jeff demonstra todo o seu alcance vocal, que vai crescendo pouco a pouco, ao longo de seus quase seis minutos de duração, até se explodir e transbordar com um fervor emocional como pouco se vê, acompanhada da construção meticulosa de harmonias intrigantes.

Homónima e messiânica, Grace, segunda faixa do álbum, nos envolve novamente em belas melodias, com uma complexa e elegante mistura de soul, gospel e rock, funcionando como uma verdadeira plataforma para um mundo paralelo. A voz de Jeff desabrocha, imensamente bela e repleta de vida, com um toque divino. Acompanhá-lo resultará numa inevitável perda de fôlego; ouvi-lo também, pois a canção tem como tema principal, a morte, um detalhe que pode passar despercebido devido à beleza harmônica que ela nos fornece.

Bem, a minha hora está chegando,
e eu não tenho medo de morrer.
Minha fraca voz entoa o amor,
mas ela chora ao estalo do tempo.

Oh tempo! aguarde no fogo.
E ela chora no meu braço,
andando ao brilho das luzes na aflição.
Oh! beba um pouco de vinho,
nós dois podemos ir amanhã.

Oh meu amor!
E a chuva está caindo,
e eu acredito que minha hora chegou.
Isto me lembra da dor que devo deixar pra trás.

E eu sinto chamarem meu nome,
Tão fácil de saber e esquecer com esse beijo.
Eu não tenho medo de ir, mas vou tão devagar...

(É Jeff! nós sabemos).
O jogo de guitarras nos leva até Last goodbye (maior sucesso comercial do álbum, talvez pela sua similariedade sonora ao grunge. Talvez! quem sabe...), uma canção ao mesmo tempo triste e bonita, amarga e consciente, pois compreende em si, a complexa e dolorosa sensação do morrer de amar, do afastamento inevitável, nos fazendo pensar no que realmente significa o amor.

Esse é nosso último adeus.
Odeio sentir que o amor entre nós morreu.
Mas está acabado.
Apenas escute e depois eu irei embora.

Você me deu mais por que viver,
mais do que você saberá.
Beije-me, por favor.
Mas me beije pelo desejo,
não pela consolação.

Sim, esse é o nosso último abraço.
Devo eu sonhar e ver sempre o seu rosto?
Por que a gente não consegue ultrapassar esse muro?
Bem, talvez seja por que eu nunca te conheci mesmo.

A guitarra inicia Lilac wine como um soprar do vento numa noite deserta é arrepiante o seu "falso" minimalismo. Numa toada quase fantasmagórica, Jeff leva-nos para um mundo entristecido, de amores perdidos e de insatisfação.

Bebo muito mais do que devo beber,
porque isso me leva de volta pra você.
Isso me faz ver o que quero ver,
e ser o que quero ser.
Quando eu penso mais do que quero pensar,
faço tantas coisas que nunca deveria fazer.

Essa canção foi escrita por James Shelton, tendo passado, inicialmente, pela voz de Nina Simone e Elkie Brooks até encontrar o encanto de Jeff.
So real foi composta por Jeff em parceria com Michael Tighe, guitarrista da banda e se constitui numa fábula romântica urbana, daquelas que nos fazem suspirar por dentro.

Oh! foi tão real,
e eu não consegui acordar do pesadelo,
que me envolveu e me pôs para baixo.

Amor, me deixe dormir esta noite no teu sofá,
e lembrar o cheiro do tecido do teu vestido de sair.

Passam-se dez segundos de silêncio e ouve-se Jeff exalar com os pulmões descontraídos, como que quase que pudéssemos senti-lo fechar os olhos para começar a sua interpretação de Hallelujah, uma versão do clássico de Leonard Cohen.
A letra da música é uma deambulação carregada da beleza do amor, da tristeza e de uma religiosidade latente que nos arranca do solo.
Dizendo em outras palavras, mas de forma mais concisa: "Hallelujah é uma lágrima em forma sonora; brilhante e emotiva".

Querida, eu já estive aqui antes,
eu vi este quarto, eu andei neste chão.
Eu vivia sozinho antes de conhecer você.

Talvez haja um Deus lá em cima,
mas tudo que eu já aprendi sobre o amor,
é que ele não é uma marcha da vitória,
é um frio e sofrido, aleluia.

Lover, you should’ve come over nos arranca do peito as palavras e nos deixa rendidos. Está nela a obra-prima da escrita e o pulsar amoroso de Jeff, de maneira simples e épica.

Olhando pela porta,
eu vejo a chuva cair sobre os seguidores do funeral.
Desfilando num velório de tristes relações,
enquanto seus sapatos,
se encharcam com a água.

Talvez eu seja jovem demais,
pra impedir um bom amor de desandar.
Mas esta noite eu só tenho você na minha cabeça
(e você nunca saberá).

Estou completamente acabado
e faminto por seu amor,
mas sem jeito de saciar essa fome.
Onde está, minha criança?
Você sabe o quanto eu preciso.

Às vezes um homem perde o rumo,
quando ele acha que o melhor que faz é se divertir.
Cego demais pra perceber as besteiras que faz.
Às vezes um homem tem que acordar pra vida,
e se mancar que ele não tem ninguém.

Então eu esperarei por você,
esperarei ansiosamente.
Terei a chance de ver o seu doce retorno?
Ah! será que aprenderei um dia?

O quarto é solitário e a cama está pronta.
A janela aberta, deixa a chuva entrar.
Ardendo no canto está o único que ainda sonha,
sonha com você por perto.

Meu corpo se contorce e implora por um descanso que nunca virá.
Ainda não acabou, dou meu reino por mais um beijo nela.
Ainda não acabou, toda minha fortuna pelos sorrisos dela quando eu dormia em seus braços.
Ainda não acabou, todo meu sangue pela doçura da gargalhada dela.
Ainda não acabou, ela é a lágrima que escorre da minha alma eternamente.

Sim, eu sinto que sou muito jovem pra suportar tudo isso,
mas velho demais pra jogar tudo pro alto.
Muito burro, surdo e cego pra perceber o estrago que causei.

Doce amor, você deveria voltar.
Oh amor, eu vou te esperar.
Amor, você deveria voltar,
porque ainda dá tempo.

Corpus christi carol é uma lenda em forma de canção e sua origem remonta ao século XVI.
Na verdade, Corpus christi carol apareceu, pela primeira vez, em um manuscrito escrito em 1504 por um aprendiz de merceeiro, chamado Richard Hill. Há uma certa controvérsia sobre o seu real significado, mas alguns acreditam que ela se refira, de maneira alegórica, à crucificação de Cristo ou a execução de Anne Boleyn, esposa de Henrique VIII Tudor, rei da Inglaterra ou que ainda esteja envolvida com a "lenda" do Santo Graal.
Eternal life se insere numa sonoridade alternativa, sem pretensão de soar como tal, num embalo entre as guitarras sujas do grunge e o olhar crítico e enraivecido de Jeff sobre o homem e os seus feitos.

O que é o amor?
Onde está a felicidade?
O que é uma vida?
Onde está a paz?

Por outro lado, Dream brother é um conselho, um aviso e uma partilha. A percussão e a guitarra, que flutua com simplicidade, ajudam a criar um ambiente ritualístico que se mantém até aos últimos segundos.

Porque eles estão esperando por você,
como eu esperei pelo meu,
e ninguém nunca veio...

Quer habitem na memória, no inconsciente ou no fervor das emoções, estas são dez músicas que se infiltram no sangue, no espírito e na alma. Talvez possamos lamentar a impossibilidade de conseguirmos beber mais um trago do talento de Jeff Buckley e isso me deixa, frustradamente, sedento. Mas sempre que nos fizermos acompanhar por Grace, com os olhos semicerrados, Jeff Buckley terá conseguido encontrar, indubitavelmente, uma "eternal life".

"Um guitarrista tem uma orquestra em suas mãos."
(Jeffrey Scott Buckley)

Vencendo uma batalha, perdendo a guerra

2008-06-06T21:03:00.130-03:00

Pra ser sincero, não sabia muito bem o que escrever no meu primeiro post, já havia pensado em muita coisa, desde filmes, livros, seriados, coleções toscas, manias das pessoas (é!! ainda vou escrever sobre isso), mas depois de muito pensar (~~e algumas vezes de até em desistir~~) resolvi escrever sobre umas das coisas que mais me fascina, a minha panacéia... música. Isso mesmo, música.

Não sei muito bem explicar porque, talvez a que me pareça mais plausível ou talvez que mais se aproxima da sensação abstrata que a música nos causa é uma frase do poeta inglês Robert Browning: "Quem ouve música, sente a sua solidão de repente povoada". É, talvez seja essa a explicação ao mesmo tempo simples e complexa da música; uma expressão artística de grande amplitude, pois atinge todas as classes da sociedade, com diversas finalidades: desde manifestações culturais, passando por expressões sentimentais até críticas sociais.

Mas chega de toda essa vã filosofia, de ficar tentando explicar o que não se explica, vamos falar do que realmente interessa, o álbum Quiet is the new loud do duo folk-pop indie Kings of Convenience lançado em 2001, um dos melhores álbuns já lançado nos últimos tempos. Isso pode ter soado um pouco enfático demais, mas o álbum realmente revolucionou o mercado e até mesmo emprestou seu nome "O silêncio é o novo barulho" a um movimento pequeno de músicos pop underground que inspirados no estilo de Belle and Sebastian e Simon and Garfunkel, buscavam nas suas composições, melodias e mensagens mais sutis, e fez também com que eu engolisse, goela abaixo, o que, nos últimos tempos, tenho sempre dito: "É!! não se faz música como antigamente".

O álbum do duo norueguês, composto por Erlend Øye e Eirik Glambek Bøe, surpreende pelas suas vozes calmas e canções delicadas acompanhadas por sutis melodias de violão, muitas vezes de fácil comparação com as canções de Simon and Garfunkel.

Apesar da aparente simplicidade instrumental, a sonoridade de Erlend e Eirik se destaca ainda mais, pois é fácil identificarmos em seus violões, muitos acordes e dedilhados do jazz, da bossa nova e folk, acompanhados às vezes por um piano ou um loop de bateria, e até em alguns momentos, informações da música eletrônica.

Diversos críticos de revistas especializadas tentaram definir o som da dupla, surgindo assim diversos termos, como new acoustic movement ou easy listening do século 21, mas definições à parte, o fato é que, como disse um crítico musical certa vez à uma revista: "O som do Kings of Convenience é leve como um suspiro de primavera", o que tem atraído um fiel séquito de fãs de música pop suave e sensível.

As músicas do álbum falam de situações comuns, mas muitas vezes difíceis dependendo do jeito como as encaramos, como a aparente timidez do compositor nas músicas The weight of my words e Toxic girl ou o amor e suas conseqüências na música Winning a battle, losing the war, de uma maneira um tanto quanto idílica.

Minhas músicas preferidas do álbum são: Winning the battle, losing the war; Parallel lines; The weight of my words; I don't know what I can save you from, Summer on the westhill, Singing softly to me (mas realmente, todas faixas são ótimas).

É... acho que isso é tudo. Espero que este álbum, que me fez tanta companhia em invernos passados, lhe ceda, hoje, o seu encanto intimista num domindo de chuva qualquer.