Tom Pohl es un fotógrafo y artista digital alemán, experto en crear un contenido visual bastante particular, en el que con ironía critica la sociedad, la religión, las redes sociales y todo lo que nos rodea.

Su estilo es arte contemporáneo de la nueva era digital, en donde el humor y el sarcasmo son el eje.

Pohl toma escenas de películas famosas, programas de televisión, estatuas, personajes icónicos de la cultura popular y pinturas, para crear sus propias versiones de manera tonta, divertida y a veces extraña.

Su imaginación no tiene límite y su creatividad es infinita, por lo que sus creaciones son siempre únicas, originales, no paran de sorprendernos y hacernos reír, lo que es clave en estos tiempos difíciles por los que pasamos como humanidad, que mejor que reírnos de nosotros mismos.

Tom Pohl no solo tiene este tipo de trabajo, también se especializa en fotografía de retrato, cuerpo y movimiento, paisaje y arquitectura y arte digital entre otros, para conocer más de su trabajo podéis entrar en la (web) y visitar sus redes sociales: (Instagram) y (Facebook).

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Hessa Al Ajmani es una artista visual y ceramista, nacida en Abu Dhabi, quien muestra una gran influencia y curiosidad por la psicología humana y el mundo natural; la idea de observar cosas que no son tan perceptibles, pero que a menudo están presentes las interacciones atrapan su atención.

En esta colección de cerámica, Hessa estampa cuidadosamente flores, hojas y frondas en su vajilla de cerámica, después de construir cada pieza a mano.

La artista reúne pequeñas plantas autóctonas de los Emiratos Árabes Unidos y las presiona en la cerámica para estamparlas y crear un diseño botánico inspirado directamente desde la planta y después las pinta. “Mi trabajo tarda naturalmente toda una temporada en prepararse y/o depende de las lluvias ocasionales del invierno”, dice. “Dejo que crezca orgánicamente y lo veo como una colaboración con la naturaleza. Al fin y al cabo, la propia arcilla es un material de la tierra”.

Su trabajo actual con la cerámica representa su pasión por la exploración y la observación y sirve de investigación para comprender mejor la flora autóctona.

Además de ser una gran artista, Al Ajmani imparte talleres virtuales y presenciales en Clay Corner Studio, que fundó en Ajmán en 2019, Podéis seguirla en (Instagram) y visitar su (web) para estar al tanto de sus creaciones.

El trabajo en cerámica es muy diverso y nos encanta, os dejamos otra obra en cerámica: “Cuencos de cerámica cosidos con hilo y dibujados a lápiz por Yurim Gough” (link) que os va a gustar

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El diseñador multidisciplinar y filipino John Ed De Vera construye mundos ilustrados a través de su habilidad especial con el corte de papel que hacen de estos un espectáculo visual, invitándonos a zambullirnos en alta mar, a creer ser un astronauta o un corredor de larga distancia. Para dar esta sensación tan divertida,  John crea profundidad y sombras con los cortes en el papel y para finalizar va apilando las capas para dar con el resultado. Podéis encontrar más de sus ilustraciones/manualidades, en Instagram y Web.

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La pasión por el skate es tan grande y poderosa que es capaz de arrastrar a millones de personas por todo el mundo, como consecuencia de ellos la industria que existe detrás de este deporte patrocina a patinadores, crea competiciones e infraestructuras para que se pueda desarrollar el skate en perfectas condiciones.

El fotógrafo Richard Gilligan trabajaba en un empresa relacionada con el sector, cansado de ver tanto hedonismo y “postureo” dentro de la industria decidió volver a los orígenes y captar la esencia y la pasión auténtica del skate. 

Viajó por todo el mundo en busca de “skaters” que patinaba simplemente por puro placer, en busca de skateparks construidos sin medios, construidos solamente por la constancia y el deseo de los jóvenes.

El resultado de estos viajes es “DIY” un libro donde se recogen algunos de estos lugares esparcidos por el mundo donde la esencia del skate sigue por encima de cualquier otra cosa.

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Arte popular y lleno de color pintado por Maria Prymachenko (1908-1997), una artista folclórica autodidacta reconocida por sus representaciones de la vida en el campo ucraniano. María era una campesina que nació y pasó toda su vida en el pueblo de Bolotnya, en el raion de Ivankiv, en el óblast de Kiev, situado a sólo 30 km de Chernóbil.

En su infancia, María enfermó de poliomielitis, y esta dolorosa enfermedad influyó en su vida, se convirtió en una persona reflexiva y considerada, que sentía compasión por la naturaleza y por todos los seres vivos. Sus obras en gouache y acuarela son vibrantes e imaginativas, representan la colorida flora y los animales fantásticos llenos de color.

Arte popular que defiende la paz en medio de la guerra

Las pinturas expresivas y constantemente defensoras de la paz, de Prymachenko, son ampliamente conocidas en toda Ucrania y a nivel internacional: recibió una medalla de oro en la Feria Mundial de París de 1937, cuando se dice que Pablo Picasso la llamó “un milagro artístico”.

A principios de esta semana, en medio de los ataques rusos al noroeste de Kiev destruyeron el Museo Histórico y de Historia Local de Ivankiv, donde se encontraban aproximadamente 25 de sus obras. Sin embargo, según el Instituto Ucraniano, los residentes locales pudieron recuperar las piezas del museo en llamas antes de que se perdieran por completo. 

Increíble ver como el arte se convierte en la memoria y en la expresión de un pueblo, se convierte en un testigo de vida y en un actor fundamental en el proceso pacifista dentro de una guerra.

Hoy recordamos a Maria Prymachenko (enlace) quien con su arte popular de pueblo, representa el arte naif y nos recuerda que debemos luchar por la vida y ayudar a os demás, que así como ella lucho por la empatía hoy sus coloridas obras siguen haciéndolo en medio de esta guerra.

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Fares Micue es una fotógrafa autodidacta española de autorretrato nacida en Lanzarote (Islas Canarias, España) en 1987, quien suele ser muy profunda en sus conceptos.

“Como autorretratista, utilizo la observación de mi entorno, las experiencias personales y mi propio crecimiento personal para crear imágenes conceptuales. Soy una persona muy positiva y esta positividad se refleja a menudo en mi trabajo, ofreciendo imágenes con un fuerte mensaje de crecimiento personal, amor propio y empoderamiento”. Dice Fares Micue

 ¿Pero qué hay detrás de este concepto? Los globos representan para la artista mucho más algo estético, los globos se derivan de los elementos más fundamentales y constantes del universo, como el sol, la luna y los planetas.

“Para mí, la forma redonda representa la perfección, los sentimientos, la energía y el flujo natural de las cosas… (Tiene la capacidad de moverse fácilmente como una pelota y nos ayuda a avanzar como una rueda. Son delicados y suaves” Explica.

“No se puede ocultar nada alrededor de un círculo porque no tiene bordes ni esquinas puntiagudas, y eso es lo que representan en mi obra: la pureza y la naturalidad de nuestros sentimientos y cómo nos ayudan a avanzar, la energía que compartimos con el mundo, y cómo siempre nos rodean dando forma a nuestra vida cotidiana” Confiesa Micue

En las exquisitas imágenes vemos como los globos marcan el uso del color de la artista, notándose un marcado contraste con su ropa y el telón de fondo o mezclándose con la paleta arquitectónica.

Las impresiones de edición limitada de estas fotografías están disponibles en Saatchi Art (web). Tambien podéis disfrutar de un extenso archivo de retratos compuestos por Micue en (Instagram).

Si os ha gustado este artículo no os perdáis: “Los camuflados autorretratos de la fotógrafa Cecilia Paredes”

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La carrera de Jerome Liebling como fotógrafo, cineasta y profesor abarca casi cincuenta años. En la década de 1940, estudió fotografía con Walter Rosenblum y Paul Strand, y estuvo unida a la famosa Liga de fotografía de Nueva York.

Mientras que ejercía de profesor de cine y fotografía en la Universidad de Minnesota en Minneapolis, Liebling comenzó lo que sería una relación de colaboración con el cineasta Allen Downs , durante las dos décadas siguientes , se producirían varios documentales premiados.

Sus imágenes han sido el tema de muchos libros y monografías, su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones, y muchas de ellas se encuentran en las colecciones permanentes de varios museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Jerome Liebling murió el 27 de Julio, 2011 en Northampton, Massachusetts

Jerome Liebling: The Minnesota Photographs, 1949-1969

• Liebling, Jerome (Author)

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Las detalladísimas ilustraciones en acuarela creadas por Rain Szeto se caracterizan por mostrar personas que trabajan y pasan el tiempo entre montones de libros, tentempiés, mercaderías y recuerdos. Las  ilustraciones de la artista, representan el caos cotidiano organizado en espacios domésticos, tiendas, cafés y terrazas. Sus escenas, habitualmente protagonizadas por un único personaje, por un pastelero detrás de un mostrador o un hombre con una maceta de flores, están llenas de objetos cotidianos que crean una atmósfera de vida que desborda color y energía.

Rain, que vive en San Francisco, se inició en el mundo del cómic en la escuela de arte, donde afianzó su interés por los diseños narrativos. Los detalles específicos, como los envases de los alimentos, el montaje de una sofisticada mesa de mezclas de audio o la repostería en una vitrina, reflejan distintas aficiones, trabajos y personalidades que podrían ser confundidos con lugares reales.

El caos de la cotidianidad en las ilustraciones en acuarela creadas por Rain Szeto

Entre las introspectivas imágenes de Rain Szeto, conviven cocinas desordenadas, estanterías de mercado saturadas y un desorden completamente mecánico. La ilustradora descubre la magia en el desorden y el caos de la vida diaria, mientras imagina otras actividades cotidianas como tender la ropa en el tendedero o buscar discos en las papeleras.

Estas coloridas escenas caóticas, amontonadas y con mucho detalle, son el estilo característico de Rain  “Estos detalles van desde detalles técnicos, como mecanismos eléctricos o el diseño de una lámpara, hasta rarezas más personales, como la forma en que alguien puede organizar su jardín o un taburete de plástico concreto que puede utilizar. Intento darles un sentido de especificidad que haga sentir que esos lugares podrían existir de verdad”. Comenta la artista. No le perdáis el rastro a esta artista, podéis seguirla en Instagram y visitar su web.

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En la fotografía documental de Roberto de la Torre, los rituales anuales se conmemoran con “boteiros” para celebrar el cambio de las estaciones. Se conocen como “boteiros” a las representaciones más vivas, con vestidos y todo tipo de máscaras, con grandes tocados y prendas milenarias asociadas a místicas celebraciones.

Las antiguas religiones de toda Europa celebraban los solsticios y equinoccios confeccionando trajes elaborados para evocar diversos momentos del ciclo agrícola. Voluminosos trajes de piel y cuero hacían referencia a los movimientos tranquilos del letargo invernal, mientras los trajes de paja invocaban la fertilidad en el año venidero.

La interesante fotografía documental de Roberto de la Torre

Los rituales tradicionales se celebran en la fotografía documental de este fotógrafo Gallego nacido en la ciudad de Vigo, quien centra su trabajo de fotografía documental, de género y social con el fin de reivindicar la historia del folclore y las culturas antiguas. De la Torre  trabaja a nivel nacional como fotógrafo freelance y su trabajo visual que ha sido finalista y seleccionado en premios y festivales nacionales e internacionales y sus fotos han sido expuestas en diferentes galerías de Galicia.

Para crear sus series más místicas, De la Torre investiga a profundidad, como podemos ver en su serie “Microcosmos” en donde retrata a quienes participan realmente en estos rituales anuales, busca capturar los vestigios de estas celebraciones estacionales “Hay poca información sobre ellos, así que suelo viajar por estas regiones y preguntar a la gente de los pueblos, también es un trabajo de investigación. Ir a los sitios para poder fotografiar las máscaras también significa ir en una fecha determinada. Muchos de estos rituales se hacen sólo un día al año”.

Roberto de la Torre (web) asegura que su trabajo es un juego visual entre lo tangible y lo intangible en un entorno físico y natural, con el fin de preservar un patrimonio y una memoria cultural que ha sido atesorada por su singularidad a lo largo de los siglos.

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Las historias que hay detrás de las pinturas de la joven artista estadounidense Andrea Kowch (web) cuentan emociones y experiencias, nos ilustra los paralelismos entre la experiencia humana y los misterios del mundo natural de la vida.

Un paisaje americano solitario y desolado donde transforma ideas personales en metáforas universales de la condición humana, todo conservando un sentido entre arte y espectador.

Un estilo realista con la mezcla de surrealismo perfecta para que la obra de Kowch esté recibiendo numerosos premios y buenas criticas dentro de la escena artística.

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La escuela de diseño de Universidad Europea se incorpora a una comunidad internacional integrada por más de 200 organizaciones y refuerza su apuesta por la innovación, la sostenibilidad y la proyección global del talento creativo.

El Creative Campus se ha convertido en la primera escuela de diseño madrileña en formar parte de la World Design Organization, una de las organizaciones internacionales de referencia para el impulso y desarrollo del diseño.

Esta incorporación sitúa a Creative Campus dentro de una comunidad global formada por instituciones educativas, asociaciones profesionales, empresas y organizaciones vinculadas al diseño. Entre sus miembros se encuentran universidades y centros internacionales como Aalto University, Oslo School of Architecture and Design, Royal College of Art, Imperial College London y College for Creative Studies.

La adhesión refuerza el posicionamiento de Creative Campus como una escuela universitaria conectada con las principales tendencias, instituciones y profesionales que están definiendo el futuro del diseño a nivel internacional. Un centro con una marcada vocación internacional, donde cerca de la mitad de los estudiantes proceden de más de 60 países, creando un entorno multicultural que enriquece la experiencia académica y personal.

¿Qué es la World Design Organization?

La World Design Organization, también conocida por sus siglas WDO, es una organización no gubernamental de alcance internacional fundada en 1957. Su objetivo es promover el diseño industrial y poner en valor su capacidad para mejorar la calidad de vida desde una perspectiva económica, social, cultural y medioambiental.

La organización reúne a más de 200 entidades de todo el mundo y fomenta la colaboración entre diseñadores, instituciones académicas, empresas y organismos relacionados con la innovación.

Sus programas utilizan el diseño como una herramienta para identificar oportunidades, abordar retos complejos y desarrollar soluciones que generen un impacto positivo en la sociedad. La sostenibilidad y los Objetivos de Desarrollo Sostenible de Naciones Unidas forman parte de este enfoque.

¿Qué supone para Creative Campus formar parte de la WDO?

La entrada de Creative Campus en la World Design Organization reconoce su compromiso con una enseñanza del diseño conectada con la innovación, la práctica profesional y los grandes desafíos de la sociedad.

La escuela se incorpora como miembro educativo, una categoría que reúne a universidades y centros formativos que comparten una visión del diseño orientada a transformar el entorno y mejorar la vida de las personas.

Para Creative Campus, pertenecer a esta red internacional supone ampliar su conexión con instituciones de referencia y participar en una conversación global sobre el presente y el futuro de la profesión.

También permite reforzar el intercambio de conocimientos, metodologías y experiencias con otros miembros de la organización, además de impulsar posibles proyectos de colaboración académica e investigación.

Nuevas oportunidades internacionales para los estudiantes de diseño

La incorporación a la WDO abre nuevas oportunidades para que los estudiantes de Creative Campus participen en concursos, competiciones, actividades y proyectos vinculados a la comunidad internacional del diseño.

El contacto con universidades, organismos y profesionales de diferentes países permite acercar al aula nuevas perspectivas y formas de abordar los retos creativos. Esta dimensión internacional resulta especialmente relevante en un sector en el que los equipos multidisciplinares, la diversidad cultural y la capacidad de trabajar en contextos globales tienen un peso creciente.

La pertenencia a la organización también puede favorecer el desarrollo de acuerdos y experiencias académicas con algunas de las principales instituciones especializadas en diseño.

De esta manera, los estudiantes pueden ampliar su red profesional, conocer otras culturas creativas y desarrollar una visión más abierta de disciplinas como el diseño gráfico, el diseño de producto, los el diseño de interiores, la moda, la animación o los el diseño de videojuegos.

Beneficios para la investigación y el profesorado

La integración en la World Design Organization no solo representa una oportunidad para los estudiantes. También ofrece al profesorado de Creative Campus un entorno internacional desde el que desarrollar actividades de investigación, formación y colaboración multidisciplinar.

El intercambio con otras instituciones permite compartir buenas prácticas, conocer nuevas metodologías y participar en iniciativas centradas en ámbitos como la sostenibilidad, la economía circular, la innovación tecnológica o el diseño centrado en las personas.

Esta conexión contribuye a trasladar al aula conocimientos actualizados y a mantener los programas académicos alineados con la evolución de la industria creativa.

El diseño como herramienta para transformar la sociedad

La filosofía de la World Design Organization entiende el diseño como algo que va más allá de la dimensión estética. Diseñar también implica identificar necesidades, analizar problemas y crear soluciones útiles, sostenibles y accesibles.

Esta visión coincide con el modelo educativo de Creative Campus, basado en aprender mediante la creación y el desarrollo de proyectos. Su metodología Learning by Designing sitúa al estudiante ante retos similares a los que encontrará en su futuro profesional. Además, participan en proyectos junto a estudiantes de otras disciplinas, reproduciendo entornos de trabajo multidisciplinares donde la colaboración y la integración de diferentes perspectivas son clave para desarrollar soluciones más completas e innovadoras.

El objetivo es formar profesionales que no solo dominen las herramientas propias de su disciplina, sino que también comprendan el impacto social, cultural y medioambiental de sus decisiones, y sepan trabajar de manera transversal para afrontar los desafíos complejos del mundo actual.

Una escuela de diseño conectada con la industria creativa

Creative Campus es la escuela de diseño y tecnologías creativas de Universidad Europea. Está situada en el centro de Madrid y cuenta con 5.000 metros cuadrados dedicados a la formación, la experimentación y el desarrollo de proyectos.

Sus instalaciones incluyen espacios especializados como aulas Wacom, estudios de edición, Render Farm, Art Studio, CreaLab, Games Lab, Fashion Studio, Graphic Design Lab, MediaLab y MakerSpace.

Estos entornos están diseñados para acercar a los estudiantes a las herramientas, los procesos y las dinámicas de trabajo que encontrarán en el ámbito profesional.

El campus se articula en torno al Atrio, un espacio digitalizado equipado con grandes pantallas y concebido como el corazón de la vida académica y creativa. En él tienen lugar más de 240 actividades al año, entre las que destacan presentaciones de proyectos de estudiantes, masterclasses con profesionales de referencia, ceremonias de premios, sesiones de briefing con empresas, hackatones y otras iniciativas que conectan el aprendizaje con la realidad profesional.

La escuela ofrece formación en áreas como diseño, moda, animación, videojuegos e interiores, diseño de producto o gráfico, mediante programas presenciales y online, tanto en grado como en postgrado. Su propuesta académica se completa con la participación de profesionales en activo, empresas y estudios creativos que colaboran en proyectos y experiencias integradas en los programas.

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Jon es un artista autodidacta hawaiano, fiel a la belleza natural de O’ahu, Hawai, la cual aprendió a conocer, amar, apreciar y respetar, formando los cimientos de su fascinación por el mundo natural y salvaje, que influye profundamente e impulsa su obra actual.

Su obra es una imaginación surrealista de las maravillas y combinaciones ilimitadas de la naturaleza. Nuevas criaturas y simbiosis surgen en sus óleos cuidadosamente representados, a través de la metáfora y la alegoría.

Ching logra un equilibrio entre la textura y el color en sus obras, dando como resultado, criaturas fantásticas que se confunden entre lo realista y lo surrealista proponiendo un ecosistema mágico con relaciones simbióticas entre la flora y la fauna.

“Me inspira la visión del mundo de muchas culturas indígenas que veneran el mundo natural y ven a Dios en todos los aspectos de nuestro mundo vivo”, explica . “Creo que esa perspectiva es clave para sus sociedades sostenibles y que debe volver a despertarse en nuestras sociedades colonizadas”.

“Mis criaturas más surrealistas, en las que la línea entre la flora y la fauna se difumina, son en parte mi intento de representar algo de esta magia invisible”, escribe.

“Al situarlas en un entorno realista entre especies con las que estamos familiarizados, las estoy imaginando en el mundo real. Tal vez, si miramos lo suficientemente cerca o durante el tiempo suficiente, los vislumbremos y mi obra deje de parecer surrealista”.

Si os ha gustado el trabajo de Jon Ching no os quedéis con las ganas de conocer mas de su obra visitando su web.

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