O Melômano - crítica musical na internet

Mensagem a prováveis leitores: este blog acabou!

noreply@blogger.com (André Egg) — Mon, 16 Mar 2009 13:09:00 +0000

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Isso mesmo.

O Melômano cumpriu sua missão.

Doravante este que vos escreve terá apenas um único blog: Página de Cultura. Lá os assuntos referentes à música aparecerâo em meio a outros. Este blog fica aqui mais um tempo, enquanto transfiro os arquivos e, quiçá, os leitores para o outro blog.

Depois será deletado.

Porque faço isso? A explicação está aqui, tim-tim por tim-tim.

P.S. (de 6/9/09) - agora o meu único blog é outro: Um drible nas certezas. Estão todos convidados a visitar.

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Sobre o aprendizado da execução musical

noreply@blogger.com (André Egg) — Mon, 02 Mar 2009 11:00:00 +0000

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"Não surpreende, portanto, que pareça ter sido escrito muito mais sobre performance musical de um ponto de vista histórico do que de qualquer outro. Os músicos que trabalham segundo a tradição "viva" não necessitam escrever - ou falar - sobre música; eles são os executores, não os faladores, e assim é preciso dizer que eles têm todo o direito de encarar a musicologia, a teoria ou qualquer outra espécie de intelecção sobre música com certo desprendimento. (Esse despreendimento pode situar-se em algum outro lugar, entre a curiosidade diletante moderada e a mais declarada zombaria.) Uma tradição musical não mantém sua "vida" ou continuidade por meio de livros e sabedoria livresca. Ela é transmitida em lições privadas, não tanto por palavras quanto pela linguagem corporal, e não tanto pelo preceito quanto pelo exemplo. Só excepcionalmente esse processo é divulgado numa arena semi-pública, usualmente numa forma não muito satisfatória, em classes onde curiosos e ouvintes se esforçam por captar alguma coisa da comunicação entre mestre e aluno. O esotérico sistema sinal-gesto-resmungo, pelo qual os profissionais se comunicam a respeito da interpretação nos ensaios, é ainda menos redutível a palavras ou textos. Portanto, não é que exista qualquer falta de pensamento acerca da peformance por parte dos músicos na tradição central. Na verdade, ele existe e é abundante mas não é a espécie de pensamento que seja facilmente articulado em palavras."

KERMAN, Joseph. Musicologia. São Paulo: Martins Fontes, 1987. p. 275-276.

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Serenata para violão e orquestra de Malcolm Arnold

noreply@blogger.com (André Egg) — Wed, 25 Feb 2009 02:54:00 +0000

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Uma das mais belas peças do repertório do violão, com perfeito equilíbrio entre solista e orquestra.

Execução do grande Mário da Silva, orquestra da PUC-PR sob regência de Paulo Torres.

Pena que não vi isso ao vivo...

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Quinta Essentia na Oficina de Música

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 13 Jan 2009 11:38:00 +0000

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Sábado na hora do almoço fui lá conferir o concerto do quarteto de flautas Quinta Essentia. E estava certo o palpite que dei aqui - realmente o concerto foi muito interessante.

Antes de falar do grupo, é preciso falar um pouco desse instrumento. A flauta doce é, provavelmente, mais conhecida no Brasil como um instrumento usado como opção de iniciação musical. É muito comum algum pai querer colocar o filho numa escola de música para estudar, por exemplo, piano, e receber de alguém a recomendação de que o filho comece pela flauta doce. Assim, o instrumento ficou um pouco estigmatizado. É visto como instrumento limitado, de poucos recursos e voltado para o uso em aulas para crianças, quase como um brinquedo.

Mas a flauta doce é muito mais do que isso. É sim uma ótima opção de iniciação musical mas, como aconteceu comigo, muitos que começam na flauta perdem o interesse e passam para outro instrumento supostamente com mais recursos - no meu caso o violão. Acontece que a flauta doce foi um dos principais instrumentos musicais da Idade Média a fins do século XVIII. Quando a cultura e a música passaram a submeter-se aos ditames da modernidade capitalista ocidental, os instrumentos que destinavam-se à riqueza da fruição privativa da música foram abandonados por aqueles mais adequados às grandes salas de concerto. O piano tornou-se o instrumento doméstico por excelência, capaz de solar ou acompanhar a voz e a dança - além de ser um belo móvel de sala (acaba sendo este o principal uso que lhe destinam as famílias que possuem um exemplar).

A recuperação da flauta doce no século XX foi, talvez, em parte devido às novas preocupações com a educação musical das crianças e em parte devido ao movimento pela recuperação da música antiga - aquela dos tempos pré-capitalistas na qual a flauta doce teve importância capital.

Mas acontece que a flauta doce não é apenas um instrumento, mas uma família deles. A soprano é a que mais conhecemos. Costuma ser a mais aguda em um conjunto, que pode incluir também a contralto, a tenor, a baixo, a grande-baixo e a sub-baixo (citando em ordem do agudo para o grave).

Conto tudo isso porque o quarteto Quinta Essentia, que executou o concerto de sábado, tem um compromisso profundo com toda esta história. É mais do que um grupo musical - é parte de um movimento em prol da flauta doce e da divulgação do potencial deste instrumento. Isto pode ser percebido na excelente página que o grupo tem na internet. Lá tem explicações sobre o grupo, os instrumentos, o repertório, além de muitos links úteis para quem quiser saber mais sobre flauta doce. E, é claro, divulgação do CD que o grupo gravou e para o qual o concerto também serviu como evento de lançamento.

E o movimento em prol da flauta doce inclui basicamente de dois tipos de iniciativa em relação ao repertório: primeiro, descobrir, recuperar ou transcrever música antiga; segundo, incentivar a produção contemporânea pois é isso que faz o instrumento vivo.

Neste sentido, o repertório do concerto teve relação com as duas iniciativas. Da música antiga o grupo executou uma Sonata composta por Boismortier em 1731, uma Chaconne de Purcell (século XVII) e canzoni italianas da virada dos séculos XVI e XVII (Tarquinio Merula e Adriano Banchieri). Não sei informar com precisão se essa primeira parte do repertório do concerto consistiu de peças "originais" ou "transcrições". Na verdade pouco importa, pois trata-se de uma época em que a música era feita para ser executada a gosto - podendo ser um órgão ou um grupo vocal ou um grupo instrumental. Era pouco comum a prática de discriminar o instrumento responsável pela execução e até mesmo a música que certamente era vocal (por possuir texto) era muitas vezes executada com qualquer instrumento capaz de substituir as vozes - a não ser para a música litúrgica que continuava sendo sempre vocal.

O grupo executou ainda duas peças que seguramente são transcrições: Mein junges Leben hat ein End é uma peça para órgão de Sweelinck (1562-1621), talvez o mais importante compositor holandês, ativo no exato momento das lutas de independência do país; Immutemur Habitu um moteto de semana santa para coro à cappela composto no Brasil por José Maurício Nunes Garcia. Ambas as peças soaram perfeitamente no conjunto de flautas, visto que a qualidade sonora das flautas permite emular com grande riqueza o órgão e o conjunto vocal. Afinal tratam-se de instrumentos que produzem som da mesma forma, através da vibração de uma coluna ar.

E finalmente o concerto teve o repertório contemporâneo. Um arranjo magistral do Um a zero de Pixinguinha, feito por Hélcio Müller. Uma peça jazzística de Paul Leenhouts (que não descobri se é original ou arranjo) e duas composições feitas especialmente para o grupo: Sonho Novo de Julio Bellodi e Descascando Uva de Cláudio Menandro. O bis foi um sensacional e surpreendente arranjo da trilha da Pantera Cor-de-Rosa.

O concerto todo foi uma maravilhosa sensação auditiva. A intimidade da Capela Santa Maria parece perfeita para a sonoridade do quarteto de flautas. O repertório escolhido demonstrou com maestria a riqueza de possibilidades sonoras deste tipo de conjunto. E nos faz lamentar o quanto a música do classicismo/romantismo nos fez perder em poesia sonora com a homogeneização de timbres patrocinada pelo sistema temperado e seus asseclas piano e família dos violinos.

O único comentário negativo que eu faria é para a peça de Bellodi. Me parece que o compositor está acostumado a trabalhar com outros tipos de formação instrumental e teve dificuldade em explorar as características da flauta. A rítmica derivada do samba soou pesada e ineficiente, bem como o tipo de harmonia normalmente usada para escrita em naipes de big-band. Ficou mais claro isso quando se ouviu na seqüência a peça de Cláudio Menandro, que parece ter todo o métier necessário para escrever para flauta. Menandro é gambista, com grande conhecimento de música antiga. E também cavaquinista e violonista com grande habilidade na tradição do choro. Foi nessa tradição, que tem muito a ver com as origens antigas da flauta, que Menandro buscou a escrita instrumental e harmônica que funcionou tão perfeitamente bem para o quarteto de flautas.

Para quem não viu o concerto, resta o consolo de comprar o CD. É ótimo, muito bem gravado, mas não chega nem perto da experiência de ver o grupo ao vivo. Afinal, um instrumento como a flauta, que tem na riqueza de possibilidades tímbricas sua principal qualidade, fica imensamente prejudicado quando ouvido através de alto-falantes.

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Terra Sonora na Oficina de Música

noreply@blogger.com (André Egg) — Fri, 09 Jan 2009 09:38:00 +0000

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Bons apreciadores deliciam-se em experimentar sabores oriundos de diversas regiões do mundo. Assim é que temos hoje uma grande diversidade de restaurantes especializados em gastronomia japonesa, chinesa, italiana, indiana, coreana, espanhola, americana, libanesa. Não há nada mais chique. E quem não se presta a experiências gustativas merece a pecha de "enjoado".

Mas e os sons?

Traçando um paralelo com a gastronomia, onde há o glamour da "cozinha internacional", existe uma febre também da world music ou música étnica. Neste selo do mercado fonográfico incluem-se os grupos musicais não tão ligados à tradição européia - cujos sons se fundam numa cultura musical tradicional, de raízes não ocidentais.

Curitiba tem, há 15 anos, um grupo musical especialmente dedicado à pesquisa deste universo sonoro que escapa à tradição da modernidade européia. É o grupo Terra Sonora, que fez seu concerto ontem à noite como parte da programação da Oficina de Música de Curitiba.

Dirigido por Liane Guariente e Plínio Silva, o grupo se dedica à pesquisa de repertório musical de várias regiões do mundo. Aliás, dizer que pesquisam repertório é pouco. Pode dar a entender que a pesquisa se resume a colher composições musicais para execução. Não é apenas isso. A pesquisa envolve instrumentos musicais e técnicas de execução. E envolve as especificidades da pronúncia da língua e do tipo de emissão vocal característica do canto em cada região escolhida.

Assim, o grupo nos proporcionou ontem uma viagem musical muito peculiar. Polônia e Sri Lanka. Chile e Moldávia. Brasil e Macedônia. Posso estar equivocado em alguma coisa porque não consegui pegar o programa - fui com duas crianças ao concerto, cheguei em cima da hora, peguei fila na bilheteria (que não permitia compra de ingresso antecipada). Mas acho que tudo bem, porque eles mudaram bastante o programa, como já é tradição. O que importa é dizer que o concerto seguiu a lógica de executar sempre sequencias (será que é assim que se escreve agora?) de duas músicas de regiões distintas. O par inusitado permitiu observar semelhanças incríveis.

Aliás, o grande interesse que o trabalho do grupo desperta vem dessa possibilidade de conhecer o mundo. Não é um conhecer turístico, aquela coisa de viajar com pacote e guia, hospedar-se em resort e passear em shopping, além de comer fast food. É um conhecer mais profundo. As ligações íntimas e inusitadas entre os modalismos de muitas regiões do mundo. O pensamento, o sentimento e a cultura pré-capitalistas que unem todos os povos num extrato submerso de tradição oral - condenada ao desaparecimento pelo mercado.

Instrumentos modernos como flauta, violão e violino, conjugam-se à instrumentos esquecidos há séculos, como o cromorne. Instrumentos ocidentais misturam-se aos de outras procedências. Essas combinações nos mostram a possibilidade de convivência. Está um outro sentido para o termo "buscar novas harmonias". Tecnicamente, significa a pesquisa de acordes, bem como de combinações e relações entre eles. Num sentido mais amplo, mais etimológico, as harmonias envolvem combinações de timbres, de mundos sonoros, de jeitos de tocar e cantar - bem como de conceber música.

( a imagem veio daqui)

Bem, não adianta eu ficar falando muito aqui. Você tem que ouvir os discos do grupo ou assistir um concerto para entender melhor do que se trata.

O Plínio e a Liane são meus colegas de departamento na FAP. E lá fazem um trabalho fantástico com os alunos em grupos como o Baiaka e o Omundô. Aliás, a formação do Terra Sonora ontem foi diferente da que está no sítio do grupo. Inclui hoje alguns ex-alunos do Plínio e da Liane na FAP, como o Gustavo Proença, o Tiago Portela, a Carla Zago. Destaque para Daniel Farah, um cantor especialíssimo, capaz de absorver os ensino da Liane a ponto de conseguir reproduzir o canto bi-fônico da Moldávia. A própria Liane não o faz por ser algo possível apenas ao aparelho vocal masculino.

Outra coisa que está diferente no sítio do grupo é que já são 4 CD's gravados. Aliás, o Plínio contou no concerto que já há um quinto em projeto, como parte do Projeto Pixinguinha da FUNARTE, para o qual o grupo foi selecionado. O projeto incluirá o novo CD e uma turnê do grupo pelo estado do Paraná.

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Bitches Brew - o jazz contra a corrente

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 04 Nov 2008 13:26:00 +0000

Nos anos 1930, em parte como reação à crise econômica, em parte impulsionado pela política cultural do governo Roosevelt, em parte beneficiado pela explosão da radiodifusão, o jazz passou a ser a música popular dos Estados Unidos. Mais do que uma expressão de uma minoria, destinada a um público específico, o jazz torna-se a música que faz dançar a América.

Na voz de Louis Armstrong ou no som da orquestra de Benny Goodman, o jazz passa a ser conhecido-reconhecido pelo grande público.

A partir do fim da 2ª guerra, uma nova geração "desviou" o jazz para caminhos inusitados. Monk, Parker, Gillespie e outros músicos fizeram o jazz transformar-se. De entretenimento passou a obra de arte. De oportunidade de trabalho passou a um discurso racial e político. O solícito e sorridente Sachmo (Armstrong), sempre disposto a mesuras para agradar seu público, parecia um escravo aprazível. Os jovens do Bebop tocavam de cara amarrada, de costas para o público, no fundo de boates onde os não inciados em sua linguagem não se atreviam a entrar.

O radicalismo da improvisação e da re-armonização levaram o jazz a novos caminhos.

Talvez o melhor exemplo disso seja esta música de Miles Davis, onde um grupo formado pelo trompetista, mais o sax de Wayne Shorter, o teclado de Chic Korea, o baixo de Dave Holland e a bateria de Jack DeJohanette afronta o público com seus improvisos intermináveis, que destroem a melodia ou a discursividade. O jazz passa do entretenimento à vanguarda, aproximando-se das experiências radicais que os compositores europeus vinham fazendo desde a virada dos séculos XIX-XX.

No vídeo abaixo, um trecho da música:

Música coral de Villa-Lobos em excursão pelo Brasil

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 28 Oct 2008 13:44:00 +0000

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Já está aí do lado o link para um blog onde está sendo acompanhada a turnê do Madrigal Paidéia no projeto Sonora Brasil do SESC.

O projeto já acontece há alguns anos, sempre selecionando grupos para turnês pelos auditórios do SESC espalhados pelo Brasil (ou em outros auditórios conveniados). Este ano os projetos estão sendo direcionados para a música de Villa-Lobos, e um dos grupos participantes é este madrigal, de 8 vozes, com um repertório todo composto de música coral do compositor.

Lá no blog, crônicas das viagens e apresentações do grupo, e muitas fotos dos belos teatros onde são realizadas as apresentações.

Infelizmente, já perdi a apresentação do grupo em Curitiba, e, portanto, não fiz a crítica do concerto aqui no blog. Quem sabe, quando terminar a turnê eles não resolvem dar mais uma canja por aqui...

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Um acervo virtual

noreply@blogger.com (André Egg) — Sun, 05 Oct 2008 13:02:00 +0000

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Entre as coisas fabulosas da internet, estão os caras que disponibilizam material digitalizado, como gravações, partituras, textos e etc.

Um acervo muito bom é publicado no blog Aula Contemporânea (em espanhol), que adicionei aí na barra lateral. Dedicado à música do século XX, dá pra achar muita coisa boa por lá...

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Sobre um pioneiro

noreply@blogger.com (André Egg) — Thu, 25 Sep 2008 18:09:00 +0000

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Na década de 1970 iniciou-se no Brasil um movimento de executantes de música antiga. Costuma-se denominar assim a música composta antes do século XIX, quando a construção dos instrumentos, suas técnicas de execução, a teoria musical, e o lugar social da música eram tão diferentes do mundo moderno que convém pensar em outra categoria de música.

Os primeiros executantes brasileiros eram flautistas, cravistas ou gambistas que estudavam na Europa e vinham tocando o repertório europeu do início do barroco, ou ainda mais antigo. Desfrutavam de uma consolidada na Europa havia várias décadas, com publicação de partituras e tratados, além da disponibilidade de vários especialistas para se fazer aulas ou cursos.

Mais recentemente surgiram alguns outros curiosos que pensaram em executar não apenas música antiga, mas música antiga feita no Brasil, ou melhor, na América Portuguesa. Entre os que nadaram contra a corrente tentando recuperar o que foi a sonoridade do nosso passado histórico, estava um jovem estudante da Escola de Música e Belas Artes do Paraná.

Lá pelos idos de 1996 ele resolveu começar um grupo musical com vários estudantes. Coro e orquestra. O mentor do grupo seria também o regente (e esse era seu primeiro trabalho como maestro, por volta dos 20 anos de idade). As partituras vinham do trabalho musicológico de um professor do curso - Harry Crowl, resultado do período em que trabalhou como pesquisador da Universidade Federal de Ouro Preto.

O nome o grupo era Americantiga. O nome do regente Ricardo Bernardes. Este blogueiro que vos escreve participou do coro e também executou baixo contínuo ao violão.

O grupo chegou a gravar um CD (do qual não participei). Fez vários concertos. Mas se acabou quando o regente mudou-se para São Paulo a fim de buscar maiores oportunidades profissionais.

Depois de longo tempo sem contato, descubro que meu colega Ricardo Bernardes já defendeu dissertação de mestrado em musicologia na USP, sobre uma obra de José Maurício Nunes Garcia. É agora doutorando em Austin (Texas), e o grupo Americantiga continua ativo.

Executou recentemente um concerto em Washington, a convite da embaixada brasileira e como parte das comemorações dos 200 anos da corte portuguesa no Rio de Janeiro.

Assisto aos vídeos do concerto, e percebo o quanto evoluiu o nosso maestro e seu grupo. Extremo profissionalismo. Instrumentos de época. Execução precisa e cuidadosa. Interpretação com autenticidade tanto no que toca ao período joanino como ao atual (um grande dilema para quem trabalha com música antiga).

A obra executada é de Marcos Portugal, preferido de D. João VI e que passou o fim de sua gloriosa carreira no Rio de Janeiro.

Vida longa ao Americantiga, que, aliás, tem um excelente canal no Youtube...

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Para Dorival Caymmi

noreply@blogger.com (André Egg) — Thu, 18 Sep 2008 12:17:00 +0000

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Dizem por aí que Dorival Caymmi já morreu. É mentira. Ele não morre nunca.

Pode ser que esteja morto para aqueles amigos e parentes que conviviam com ele no dia-a-dia. Para nós, que o conhecermos por suas músicas, é e será sempre imortal.

De qualquer forma, sempre que morre alguém tão importante, começa o desfile de homenagens.

Saiu a notícia de que o acervo do compositor está sendo organizado por Paulo Jobim, e que será disponibilizado na internet. O projeto é possível graças a um patrocínio cultural.

Alguns blogueiros também fizeram notáveis homenagens. Idelber Avelar explica porque Caymmi é Caymmi, e o que tem de tão especial neste compositor que virou sinônimo de canção no Brasil.

Sandra Leite, no Isso é Bossa Nova fez outra bela homenagem, elencando frases de gente importante que a dão a dimensão do significado de Caymmi para a cultura brasileira.

E um dos seus mais notáveis discípulos - Caetano Veloso (sim, ele tem um blog!), escreveu no seu estilo neo-barroco um texto belo (e confuso) sobre o pai de todos os músicos baianos. Interessante que Caetano (sempre com idéias inusitadas) considera Caymmi muito mais do que um grande compositor ou um excelente cantor. Ele é o único intérprete ideal de sua própria obra. Um misto de Sinatra e Cole Porter.

Mas, todas as homenagens escritas são muito parciais para o que é a obra musical deste baiano. Não tenho dúvidas de que a maior homenagem feita a Caymmi foi antes de sua morte, por ocasião de seus 90 anos. Neste disco, gravado pelos seus filhos.

E é deste disco que tiro esta gravação, como um pequeno exemplo do que pode esperar quem ouvir o disco inteiro. Aliás, esta música é a que Caetano considera o mais perfeito jingle turístico, apesar de não pretender sê-lo. Com uma divulgação como essa, a Bahia não precisa de mais nada...

Charlie Parker e a Folha

noreply@blogger.com (André Egg) — Thu, 04 Sep 2008 20:40:00 +0000

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A Folha de São Paulo está lançando mais uma de suas coleções. É uma homenagem aos 50 anos da Bossa Nova, mas, acima de tudo uma ótima estratégia para vender jornal. Aliás, a Folha está precisando recorrer ad nauseam a este expediente, visto que vem perdendo leitores. Por um duplo motivo. Concorrência sofrida com o crescimento do uso da internet como fonte de informação (geralmente gratuita e muito mais adaptável à demanda do freguês). Mas principalmente uma terrível decadência no nível jornalístico - o que é muito claro para quem acostumou a ler a Folha nos anos 1980/1990.

Mas não é sobre isso que quero falar. Ainda não ouvi nenhuma das gravações da Bossa Nova, mas tenho motivos para crer que terá uma qualidade semelhante à da última colação fonográfica lançada como apêndice do jornal. Trata-se da Coleção Clássicos do Jazz.

Ouvi esses dias o volume dedicado a Charlie Parker:

O texto que acompanha o disco é muito bom, escrito por um especialista: Carlos Callado. Pela leitura ficamos sabendo que a cidade de Parker, Kansas City, foi o paraíso dos bebuns durante a lei seca. Um político corrupto, manda-chuva na cidade, fazia vistas grossas para os bares venderem bebida, o que atraía escroques e malandros de estados vizinhos, e, junto com essa corja, muito jazz. Como indica o autor, este mundo da época (e sua música) foi recriado por Robert Altman, no filme que leva o nome da cidade. Veja o Trailler aqui.

Tem muito mais coisa interessante lá no texto - leia, que eu não vou contar tudo aqui. É uma ótima biografia, com o mérito de ser bem sucinta. Tem também ricas indicações bibliográficas, discografia, e ótimas fotografias.

Mas a escolha das gravações para o disco é pobre. São músicas escolhidas de duas apresentações de Parker no Storyville de Boston, em setembro de 1953. As duas sessões foram transmitidas via rádio e também gravadas. Foram lançadas no disco Charlie Parker at Storyville.

Será que a Folha não tinha condições de pagar os direitos para reproduzir gravações melhores, de temas clássicos, captadas em seções de estúdio?

De qualquer forma fica a dica para quem quiser conhecer um dos grandes mestres do saxofone, um dos gandes renovadores do jazz e, para os fãs mais entuisasmados, um dos grande músicos do século.

E aqui uma das gravações, do que seria um dos grandes clássicos de Parker, mas numa gravação que certamente não é clássica:

Ouvidos maricas

noreply@blogger.com (André Egg) — Sun, 31 Aug 2008 13:42:00 +0000

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Quanto à música tradicional, tudo indica que Ives pouco apreciava além da sua própria e de alguns outros norte-americanos não menos independentes com os quais só entraria em contato depois de praticamente deixar de compor, em 1918. Ele considerava Beethoven "um grande homem - mas que pena que não tivesse pelo menos um belo acorde independente de qualquer tonalidade". Para Ives, a música fora emasculada pela necessidade de agradar seu público; era preciso oferecer um alimento mais sólido aos ouvidos e ao espírito: ritmos complexos, texturas complicadas e acima de tudo acordes dissonantes. Sua reação às vaias durante a execução de uma obra de seu amigo Carl Ruggles é típica: "Seus maricas de uma figa", vociferou, "quando ouvirem música forte e máscula como esta, levantem-se e usem seus ouvidos como homens!"

GRIFFITHS, Paul. A música moderna. Uma história concisa e ilustrada de Debussy a Boulez. Rio de Janeiro: Zahar, 1998. p. 50-51.

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Esperanza Spalding

noreply@blogger.com (André Egg) — Thu, 28 Aug 2008 19:37:00 +0000

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Uma nova estrela aprecendo por aí.

Não sei como consegue cantar e tocar contrabaixo, ambos tão bem e ao mesmo tempo...

Percebo muito de Flor Purim no jeito de fazer o improviso vocal. Vou tentar comprar o disco dela e fazer um comentário um dia aqui no blog. Fica por enquanto o gostinho nesse vídeo:

Esta é mais uma dica quento do Isso é Bossa Nova, e tem muito mais coisa lá...

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Um sucesso de Villa-Lobos

noreply@blogger.com (André Egg) — Mon, 25 Aug 2008 11:29:00 +0000

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Villa-Lobos começou a se tornar um compositor de renome após suas duas temporadas em Paris, na década de 1920. Foi quando compôs a parte mais inovadora e instigante de sua obra, especialmente a série dos Choros, as Cirandas e as Cirandinhas, e os Estudos para violão.

De volta ao Brasil, em 1930, sem possibilidades de viver da composição, conseguiu implantar o projeto de Canto Orfeônico, primeiro através da prefeitura do Distrito Federal (Rio de Janeiro), depois nacionalmente, através do presidente Vargas. O projeto é bastante questionável como pedagogia musical, mas Villa-Lobos tornou-se um exemplo de artista engajado, que consagra seu talento a serviço da nação.

E foi nessa fase que compôs suas obras mais nacionalistas, mais próximas do povo. Principalmente o ciclo das Bachianas Brasileiras, entre as quais há pelo menos dois trechos que quase todo mundo conhece: a Tocatta da Bachiana nº 2, trecho conhecido como O Trenzinho do Caipira, e a Cantilena da Bachiana nº 5. Essa última é a que aparece no vídeo abaixo:

A execução tem entre seus méritos o de respeitar a instrumentação original. Existem muitas transcrições: uma bem comum para violão e soprano, mas também já vi outra mais inusitada para violão, cello e flauta. Villa-Lobos compôs esta obra para soprano e octeto de violoncelos. Violoncelo era o instrumento de ofício do compositor, que também dominava o violão.

A cantora do vídeo é Marília Vargas, daqui de Curitiba, mas já com longa carreira européia. Marília foi minha colega aqui na EMBAP, em meados da década de 1990. Depois partiu para estudar canto em Basel, onde foi construindo uma grande carreira. Felizmente para nós, volta freqüentemente ao Brasil para recitais. Este da filmagem parece que foi no Rio de Janeiro, pois o conjunto de violoncelos é dirigido por David Chew.

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Mignone e Nazareth

noreply@blogger.com (André Egg) — Thu, 21 Aug 2008 10:19:00 +0000

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Ernesto Nazareth é um nome fundamental da história da música brasileira. São algumas personalidades que conseguiram sintetizar os dilemas de ser compositor numa longínqua periferia européia: José Maurício Nunes Garcia, no período da corte portuguesa; Carlos Gomes no 2º império; Ernesto Nazareth na 1ª república.

Ernesto Nazareth foi a síntese contraditória do erudito e do popular, do nacional e do estrangeiro, de Chopin e do maxixe. Mediador entre mundos culturais distintos que se juntaram na formação da música mais criativa do mundo.

Muito disso está discutido neste fabuloso texto de José Miguel Wisnik:

Machado maxixe

O que talvez seja pouco sabido, é que Nazareth foi uma influência importantíssima para nomes como Radamés Gnattali, Villa-Lobos e Francisco Mignone. Villa-Lobos era orgulhoso demais para assumir influência de quem quer que fosse. Mas é sabido que tocou violoncelo na mesma orquestra de cinema em que Nazareth tocava piano.

Já Francisco Mignone assume essa influência abertamente. Não vê motivo do que se envergonhar. Aliás, suas famosas Valsas de esquina devem tanto a Nazareth quanto à prática de seresta pelas ruas de São Paulo durante a adolescência de Mignone (na década de 1910).

Segue um vídeo onde Mignone já idoso conta de seu encontro com Nazareth

Fazendo escola

noreply@blogger.com (André Egg) — Sun, 17 Aug 2008 15:41:00 +0000

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A guitarra jazz norte-americana já tem sua escola. Transcrições de solos, métodos de improvisação, escolas tradicionais formando grandes quantidades de guitarristas de primeira.

E o Brasil? Temos uma tradição violonística das mais respeitáveis do mundo. E guitarristas sem dúvida entre os melhores. Mas ainda somos vítimas de um nacionalismo rançoso, que acha que a música brasileira pode ser tocada no cavaquinho, mas não na guitarra elétrica.

E não temos métodos, escolas, partituras nem transcrições.

Mas nem tudo está perdido. A música brasileira já é assunto de muitas pesquisas acadêmicas. Uma delas é a que está fazendo o Oliver Pellet para seu TCC no curso de Bacharelado em Música Popular da FAP (Faculdade de Artes do Paraná).

Ele está transcrevendo e estudando solos de guitarra de Hélio Delmiro, um dos grandes nomes da Música Instrumental Brasileira.

Um deles está neste vídeo:

Mais sobre o Oliver está aqui.

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Paidéia

noreply@blogger.com (André Egg) — Sun, 17 Aug 2008 15:01:00 +0000

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Este blogueiro iniciou uma parceria com a Escola de Música Paidéia.

O nome da escola é uma alusão ao sistema educacional da Grécia Clássica, e se aplica na filosofia da escol de formar alunos que são mais do que meros tocadores de instrumento. Trata-se de usar a música como elemento de formação humana, tendo o aluno como sujeito que aprende e não como objeto de um sistema "bancário", para usar um termo de Paulo Freire, numa referência às formas de ensino que tentam "depositar" conhecimentos na cabeça do aluno.

Como é que sei disso tudo?

Fui professor da escola entre 1997 e 2005. Lá dei aulas de violão, teoria musical e harmonia. Coordenei as atividades de violão da escola, e formei grupos musicais com os alunos. Minha chegada lá se deu após uma saída turbulenta do Conservatório de MPB de Curitiba, no qual fui professor de 1995 a 1997. E minha saída foi devido a uma nova etapa da vida profissional, quando terminei o mestrado e decidi me dedicar à carreira de professor universitário.

Hoje minha filha participa do Papo de anjo, coral infantil e grupo de musicalização, trabalho belíssimo feito pela professora e regente Cristiane Alexandre.

Agora estou escrevendo textos para a página da escola, exercendo uma atividade na qual me viciei depois abri meus blogs.

Coloquei o link da escola aí do lado, com uma logo. E de vez em quando vou dar aqui a dica de algum texto meu por lá.

Os dois primeiros foram:

Concerto de violão. Carlos Siwek & convidados.

Um professor se despede.

O primeiro é uma chamada para um concerto que foi parte das atividades da escola, e o segundo é sobre a ida de Fabrício Mattos para Londres.

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Acervo Curt Lange

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 12 Aug 2008 20:30:00 +0000

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Incluí mais uma seção nova na lateral do blog: Acervos para pesquisadores.

E o primeiro link que coloquei lá é o do Acervo Curt Lange, situado na Biblioteca Central da UFMG (campus Pampulha).

Pesquisei neste acervo para minha dissertação de mestrado. Encontrei lá cartas e recortes de jornal que muito me foram úteis.

Curt Lange o principal musicólogo a pesquisar no Brasil, chegado da Alemanha no início da década de 1930. É muito conhecido por ser o primeiro a afirmar que deveria ter havido muita música em Minas gerais do século XVIII, e que provavelmente essa riqueza estaria lá em arquivos. Por mais de uma década pesquisou pela região aurífera, produzindo os trabalhos mais importantes sobre o assunto, e dando o impulso inicial para que outros pesquisadores continuassem tratando do assunto.

Depois da morte do musicólogo, seu fabuloso acervo de música colonial mineira foi comprado pelo Museu da Música de Mariana.

O que pouca gente talvez saiba, é que Curt Lange não se interessava só por música antiga. Foi ativo colaborador de várias personalidades do meio musical latino-americano. Protagonizou um movimento que ele mesmo chamava de americanismo musical, e que foi um projeto concorrente (obviamente derrotado) do pan-americanismo protagonizado pelo governo norte-americano a partir da época da guerra.

Editou o Boletim Latino-americano de música, uma das mais importantes publicações musicológicas já havidas no continente. Foi amigo de Koellreutter e correspondente de vários compositores brasileiros, sobre os quais manteve um bem organizado arquivo com pastas de recortes de jornal.

Essa parte do arquivo pessoal de Curt Lange, menos conhecida, ficou neste acervo da UFMG. E, ao que me parece, ainda é pouco pesquisada, se levarmos em conta o imenso potencial que pode sair de lá.

O acervo é uma fonte muito rica de pesquisa. E é muitíssimo bem organizado. Atendido VIP a pesquisadores. Equipe de primeira, chefiada pelo musicólogo André Guerra-Cotta. Do pessoal que me atendeu em 2004 me lembro da Joicely, que ainda faz parte da equipe.

As instalações e a conservação do acervo são excelentes, graças também a uma verba do Programa Petrobrás Cultural.

Consulta obrigatória para pesquisadores de História da Música Brasileira.

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Bossa-filmes

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 12 Aug 2008 13:58:00 +0000

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Nem todos irão reparar, mas coloquei aí do lado uma nova seção: Música em vídeo.

Fiz isso só para poder incluir o link para o blog Bossa-filmes. Pelo que entendi, o Thiago Mello é produtor cinematográfico, além de grande colecionador e conhecedor da música popular brasileira (também já tenho um link aí do lado para o seu Bossa Brasileira).

O blog disponibiliza vídeos interessantíssimos, alguns garimpados no youtube, outros produzidos pelo próprio Thiago. Ele também tem um canal no youtube.

Fica aqui a dica. E de vez em quando, vou divulgar aqui um ou outro vídeo que vou encontrar por lá. Difícil saber qual é melhor...

P.S. Essa foi mais uma dica quente do Tuco.

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Mais um show interessante

noreply@blogger.com (André Egg) — Thu, 07 Aug 2008 19:03:00 +0000

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O time é de primeira. Músicos de altíssimo nível, não há dúvida.

O nome do grupo é uma alusão a um lundu de Xisto Bahia que foi um dos primeiros registros fonográficos feitos no Brasil, na voz do Bahiano.

A proposta de repertório me chama atenção. Se eu conseguir assistir, farei um comentário aqui depois. Senão fica a dica a quem quiser assistir.

Aliás, o folder não diz, mas o espetáculo é gratuito...

(clique na imagem para ampliar)

Curitiba Jazz Meeting

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 05 Aug 2008 14:44:00 +0000

No último fim de semana Curitiba foi palco de um grande evento, com nomes entre os melhores da música instrumental. O evento ocorreu no Teatro Positivo, que fica no campus da universidade de mesmo nome, e que vem agitando a programação cultural da cidade desde sua inauguração no início deste ano.

O festival contou com Zimbo Trio, Egberto Gismonti, e Scott Henderson, entre outros. Infelizmente não fui a nenhum dos shows, por diversos tipos de impossibilidade. Ainda bem que a Marília Giller esteve lá e escreveu um comentário aqui no Clube de Jazz.

O evento teve produção de André Gereissati que, além de grande músico, já se tornou um produtor de primeira desde que, na década passada, organizou a série Banco do Brasil Instrumental, de saudosa memória. Esta série teve muitas apresentações e a gravação de um CD que, se não me engano não foi distribuído comercialmente...

Vá ao cinema comemorar os 50 anos da Bossa Nova

noreply@blogger.com (André Egg) — Fri, 25 Jul 2008 18:04:00 +0000

Uma boa sugestão de comemoração dos 50 anos da Bossa Nova é ir ao cinema assistir Os desafinados, que irá estrear dia 29 de agosto.

O filme tem direção de Walter Lima Jr., e trilha sonora de Wagner Tiso. Elenco de primeira (Rodrigo Santoro, Selton Mello, Cláudia Abreu) complementado por músicos/atores (Jair Oliveira, Ãngelo Paes Leme, André Moraes).

Pelo que já se pode ver do filme - trailler e making of, vai ter música de primeira. E belas tomadas no Rio de Janeiro e em Nova York. Os personagens são fictícios, mas parece que suas histórias se entrelaçam com muito da realidade da vida musical na virada dos anos 1950/60.

A mim chama a atenção o fato de que os protagonistas do filme tocam seus instrumentos de verdade nas cenas, não apenas dublam. Jair, Ângelo e André são músicos de verdade, e Rodrigo Santoro toca piano pro gasto, o suficiente para não fazer feio nas cenas que exigem música tocada na hora. Pelo menos foi a impressão que tive assistindo ao making of. Para vê-lo, vá à página oficial do filme e clique em "multimídia". O Trailer também está lá.

Eu coloquei isso primeiro aqui no Página de cultura, após uma indicação do Pedro Doria, que por sua vez descobriu no Isso é Bossa Nova, onde complementei muitas informações que pus aqui...

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Linha de Passe

noreply@blogger.com (André Egg) — Wed, 23 Jul 2008 15:33:00 +0000

João Bosco e Hamilton de Holanda quebrando tudo na música que tem o título deste post:

Outro concerto

noreply@blogger.com (André Egg) — Wed, 23 Jul 2008 11:10:00 +0000

Disponível Online

noreply@blogger.com (André Egg) — Tue, 22 Jul 2008 11:37:00 +0000

O Oxford Music online é um portal de informações sobre música, que acaba de ser disponibilizado por convênio no Portal CAPES.

Isso soma-se a outras boas notícias no meio acadêmico.