Quand je dis Homer Simpson, on me répond généralement « D’oh », « Wouhou », ou l’on se lance parfois même dans une imitation déplorable du « Ouh pinaise ». Il faudra que je revienne un jour sur ces tristes sires qui sont persuadés de savoir reproduire la voix unique de Philippe Peythieu ou cette speakerine de Canal Plus qui s’humilie entre chaque épisode des marathons de l’après-midi. Le pire reste encore l’exploitation financière de ce non-talent : vous avez peut-être déjà entendu des voix customisées de GPS ou des sonneries de portable grossièrement contrefaites prétendant vous vendre la « voi d Omer kikoo lol », pour découvrir avec dépit qu’un vague quidam benêt avait fait l’affaire pour la besogne. Mais je m’éloigne du sujet. Je cherche à dire que peu importe votre goût pour les Simpson, l’évocation de cette figure mythique de l’histoire de la télévision allumera une petite diode de reconnaissance dans votre interface neuronale.

Maintenant, je vais vous dire Jay Sherman… Et bien sûr, c’est le silence gêné. Qu’est-ce que cet ahuri est encore allé pêcher comme référence obscure ? Et bien, je vous propose aujourd’hui de découvrir l’essence même des années 90. Une série animée conçue, entre autres, par Al Jean, l’un des scénaristes-vedettes de l’âge d’or des Simpson. Elle met également en scène la voix de Nancy Cartwright, la célèbre doubleuse américaine de Bart Simpson (aujourd’hui zombie et femme-sandwich de l’Eglise de Scientologie). Le protagoniste de ce show est un Américain obèse qui a l’habitude de tenir des conversations avec son estomac. Ça a le goût des Simpson, la couleur des Simpson, mais, ma bonne dame, c’est pas Les Simpson ! Peu de Français se souviennent de Profession Critique (The Critic dans sa version originale). A vrai dire, une rapide recherche sur le Net francophone permet de voir que les rédacteurs du site Choucroute Web s’étaient même demandés avec ironie si cette série avait réellement existé, tentant de recueillir les témoignages d’internautes se souvenant du pauvre été où le programme avait été diffusé sur Canal Plus. Les rares Frenchies répondant par l’affirmative se rappellent d’un épisode cross-over des Simpson (où, étrangement, Jay Sherman est un winner à qui tout sourit), et de la médiocre catchphrase du héros : « C’est nul ! ». A l’inverse, la série n’a pas du tout été oubliée outre-Atlantique : sur Internet, elle est toujours l’objet d’un culte, un vrai totem de la décennie Fukuyama. Il faut dire qu’elle réunit quelques considérables catalyseurs de nostalgie : sa courte durée de vie et son chaotique parcours (trois chaînes, deux saisons et une vingtaine d’épisodes) lui permettent de remplir les critères du programme « trop bon pour durer ». Ajoutez à cela la performance de Jon Lovitz, comédien sans série fixe emblématique de l’époque (Seinfeld, Friends…), qui donne ici sa voix à Jay, et les réminiscences de quelques proto-mèmes que l’émission a pu engendrer (comme l’insupportable présentoir publicitaire parlant « Buy my book ! Buy my book ! Buy my book ! »)… Good ol’ days pour les Yankees de la génération Y.

Profession Critique mérite cette réputation. Moins déjantée qu’un Futurama mais plus réaliste que Les Simpson, la série est très attachante, et les personnages s’avèrent assez profonds. Nous avons donc Jay, critique de film new-yorkais cynique et bobo (mais pourrait-il en être autrement ?). Il a sa propre émission, Coming Attractions, où il descend en flammes la machine hollywoodienne en permanence. Malgré son adoration pour le septième art, Jay doit se farcir les pires nanars – prétexte à de délirantes scènes non-sequitur ultra-référentielles qui font partie intégrante de la légende du show. Contrairement aux fastidieux flashbacks des Griffin, ces séquences sont justifiées et pleinement récréatives, et bien sûr, elles ne vampirisent pas la substantifique moelle du scénario principal des épisodes tel un monstrueux parasite dissolvant méthodiquement tout infinitésimal miasme de comique. Mais je digresse. Malgré cette brillante carrière télévisuelle, l’existence de Jay est une longue succession d’échecs : père divorcé boulimique, son physique ingrat l’empêche de refaire sa vie, et les quelques femmes croisant sa route sont toujours des actrices en quête d’un bon papier ou de totales frappadingues. Jay semble être un homme seul, amer mais appelant la compassion. Il n’est pas la version esthétique du loser, c’est un vrai loser : lorsqu’il prend un rendez-vous, il consulte son agenda où ses phases de manie et de dépression sont programmées alternativement chaque jour de la semaine. Mais après tout, tout n’est pas si sombre pour Jay,  notre homme est même plutôt bien entouré. Entre des parents adoptifs un peu fêlés mais aimants, une gentille petite sœur et Marty, un fils modèle (unidimensionnel, diront certains), ça pourrait être pire. En revanche, dans le milieu du cinéma, Jay est entouré de mégalomanes et de je-m’en-foutistes : son meilleur ami, Jeremy est un sex-symbol australien qui lui étale sa vie réussie sous le nez à la première occasion. Son boss, Duke Philips, est un businessman imbus de sa personne qui n’hésite pas à déprogrammer sa chronique quand les audiences de sa vache à lait se mettent à diminuer. Quant à Doris, sa vieille maquilleuse à l’éternelle cigarette au coin du bec, il n’est pas un jour sans qu’elle ne lui fasse une crasse comme lui écrire des vannes au pinceau à l’arrière de son crâne dégarni.

L’ambiance de la série est équivalente à celle des premières saisons des Simpson, avec un surplus considérable en gags et un humour quelque peu affranchi des contraintes du tout-public. La touche simpsonienne de la « réalité élastique » permet d’obtenir un comique de situation inventif et sans cesse surprenant. Si vous êtes lassés de certaines ficelles humoristiques de la famille jaune, essayez Profession Critique !  L’œuvre fait partie de ces séries animées pleines de peps qui savaient exploiter des intrigues vraisemblables avec mordant : à partir de South Park, les cartoons adultes utiliseront des ressorts différents, plus surréalistes. Ici, les principaux vecteurs de marrade semblent demeurer le personnage de Jay, son papa, sa maquilleuse et les apparitions éphémères de célébrités ou de pastiches très appuyés… Globalement, c’est l’industrie du cinéma elle-même qui supporte une grande partie de l’humour. Cultivez-vous en délirant, voilà l’objectif. Evidemment, certains clins d’oeil rico-ricains peuvent paraître obscurs au premier coup d’œil, mais le rythme est tellement bien négocié que le gag suivant vous ramène sur les contrées de la rigolade fédératrice en moins de deux. Les épisodes utilisent parfois quelques idées un peu faciles : on retrouve la sempiternelle candidature à la présidence ou le premier rendez-vous amoureux du fiston, mais cette originalité relativement inégale ne nuit pas au divertissement. Quelques éléments un peu lourdauds permettent de dater le travail, entre un running-gag facile sur une prétendue homosexualité de Jay (vous savez, le milieu des années 90, quand dire « gay » faisait pouffer de rire) et les stéréotypes faciles sur les populations étrangères (la participation de Marty au club des Nations Unies est à ce titre un réservoir, que dis-je, un silo à gags).

Mais j’oserais dire que rarement le mélo n’a aussi bien fonctionné dans une série que dans Profession Critique. Les sentiments sont remarquablement dosés, et Jay demeure assez fidèle à lui-même d’épisode en épisode. On découvre qu’il a des idéaux, qu’il apprend de ses échecs : c’est un brave type. Même si l’univers reste bordélique et cruel, et qu’on ne dégage pas toujours une morale des épisodes (c’est souvent pour notre plus grand plaisir), on dénote une grande constance des caractères. La crédibilité des personnages provoque une identification et donne un aspect chaleureux à l’ensemble. C’est une atmosphère de « préparation à l’épique rigolade » qu’on ressent pendant le générique, caractéristique des grands rendez-vous cultes, avec ses gags qui changent à tous les épisodes. Le thème musical, qui est une composition du célébrissime Hans Zimmer, y est pour beaucoup : un excellent petit jazz qui colle tout à fait avec un début de journée guilleret. Non, décidément, cette série est véritablement charmante.

Il serait inutile de pondre un autre article-fleuve disséquant les qualités de Profession Critique. Non seulement l’aspect « one-shot » de cette série ne justifie pas une analyse en profondeur, mais de plus, ce serait démonter tout ce qui fait l’aspect drolatique de la chose : déterrer une œuvre du fond des âges pour constater sa part de génie et de poésie. Nous sommes face à quelque chose d’intelligent et de bien construit, un projet dans lequel se sont pleinement investis des maîtres de la guilde des scénaristes. Lors de son passage sur la Fox pour la deuxième saison, Jay Sherman a subi un lifting : une tronche se rapprochant plus des standards du kawaii, et une fiancée fixe, histoire de rendre sa vie plus joyeuse. Un remaniement qui sent effectivement très fort la recette démago de la Fox, mais qui n’a cependant pas dénaturé la série. Alors, comment expliquer la déprogrammation prématurée de cette petite perle, alors que les audiences étaient définitivement au rendez-vous ? Certains avancent la théorie d’une « jalousie » indécrottable de Matt Groening, qui craignait que le critique rondouillard n’aspire l’énergie vitale des Simpson. Son influence en tant que grand manitou de l’animation aurait fait le reste pour couler le show. D’autres émettent des hypothèses sur une éventuelle « peur » de la Fox de se faire dérober une licence juteuse qui ne leur appartenait pas, d’où sabordement du navire. Profession Critique a ressurgi au début des années 2000, sur Internet, pour une poignée de capsules de trois à cinq minutes que je n’ai pas réussi à me procurer. Les fans ont accueilli ces « webisodes » à bras ouverts, mais ont déploré l’absence de l’intégralité des personnages secondaires. Depuis, plus rien. Le coffret DVD de l’intégrale de la série s’est très bien vendu aux States, mais n’a jamais connu de sortie française. A vrai dire, la VF semble avoir complètement disparu : aucune vidéo, aucun son… Mes amis, si par miracle vous trouvez du matériel francophone provenant de cette série, n’attendez pas et faites-le moi savoir ! En attendant, et pour perpétuer la tradition instaurée par François, je vous laisse avec un très bon épisode, malheureusement intégralement en anglais. Prenez ça comme un exercice ! Il s’agit d’ « Eyes on the Prize » (“Arrête ton cinéma” dans la VF) : il contient l’un des meilleurs moments de la série, le travail d’étudiant en cinéma complètement pourri du jeune Jay, « L’Artiste Est Morte ». Bon visionnage !

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Le rêve. Cet artifice apparemment inutile de l’esprit, cette étincelle de vie au cœur des abysses  du sommeil. Ce foutu hippocampe, cette boîte noire, cette nausée sartrienne qui trouve le moyen de nous poursuivre jusque dans l’oblivion délicieux de la ronflette afin de nous tirer du néant auquel nous aspirons. Cette obsession de l’existence au prix de la réalité. Il faut qu’il y ait quelque chose, il faut qu’il se passe quelque chose. Le rêve est la fonction la plus constante de notre métabolisme. Sain, malade, heureux, malheureux, anesthésié, évanoui, comateux, il ne nous quitte jamais vraiment, malgré sa tendance à s’évaporer dès le fatal réveil. Nos neurones raclent les fonds de tiroirs, y délogeant les plus sombres angoisses, les pires abominations lovecraftiennes, ou, à défaut, les malaises du quotidien pour les projeter sur grand écran. D’après le « Grand Miam » Wikipédia, trois quarts des émotions engendrées par les rêves sont négatives. Et pourtant, qu’est-ce qu’on aime en parler. Bien au-delà de la météo, de l’amour, de la politique ou même de la mort, le rêve semble être l’aspirateur de conversation numéro un : les délires de maniaque que nous vivons chaque nuit génèrent une fascination sans bornes, bien souvent narcissique, il faut l’admettre. Samedi soir : vous voilà entre amis, autour d’un verre, à trois heures du matin. Un triste individu a le malheur d’évoquer le thème du rêve et vous voilà fichus : vous ne pourrez vous empêcher de raconter les divagations les plus absurdes de vos subconscients respectifs, saupoudrées de moult rires nerveux et de regards dans le vide. Il y a fort à parier que la conversation s’achèvera sur l’épuisement physique et mental des protagonistes. La copine capricieuse va avoir envie de dormir. Les fêtards resteront éveillés quelques instants de plus avant de céder à leur tour à l’appel de la couette, pour –ô comique de répétition- retrouver le cinéma-concept de Morphée, fidèle au poste, comme depuis toutes les nuits, depuis leur naissance… Ah, non, attendez. On rêve aussi avant notre propre naissance, pendant le stade fœtal. Saloperie. Ironique n’est pas l’anagramme d’onirique pour rien.

CE QUI NOUS AMENE A NOTRE CRITIQUE DU DERNIER CHRISTOPHER NOLAN ! INCEPTION ! ET C’EST SUR LES RÊVES ! HO-HOOOO ! « Avec Di Caprio, Marion Cotillard, Ellen Page ! » « Des rêves ! » « Oh regardez, Paris s’enroule sur elle-même comme une fajita de troisième choix ! » « Ca pète de partout ! » « Roll up, roll up for the Magical Mystery Tour ! » « Les mecs, j’espère qu’on va voir les trips psychédéliques les plus arrache-gueule de l’histoire du cinéma ! » « Moi je veux que Di Caprio vole ! Qu’il veu-hole ! ». J’exagère à peine le comportement et les attentes pré-visionnage d’un certain nombre de spectateurs d’Inception, qui s’attendaient fébrilement à voir une projection de leurs propres rêves dans les salles obscures.

Aujourd’hui, nous retrouvons les mêmes individus massés sur les sites Allociné et Première, descendant l’œuvre de Nolan en flammes pour son austérité et son absence de folie. Et pourtant, ils semblaient bien avoir pris en compte les multiples avertissements du papa du Dark Knight, qui a conçu très tôt Inception comme un thriller d’un réalisme dérangeant, malgré les multiples licences poétiques qui rendent le scénario viable. L’argument, vous le connaissez certainement déjà : nous avons d’une part Cobb, un malandrin vaguement scientifique incarné par Di Caprio, passé maître dans l’art de dérober les idées des puissants en entrant par la porte de derrière de leur subconscient. Une piquouze sauvage, une mallette bourrée de sédatifs, et la partie peut commencer : Cobb et son équipe s’infiltrent dans les rêves de la cible pour mettre la main sur tel secret convoité. L’intrigue commence alors que Cobb est appelé à travailler pour un industriel japonais, qui lui demande d’effectuer le processus inverse : implanter une idée dans la tête de Fischer (Cillian Murphy), le fils de son concurrent à l’article de la mort. Et pas n’importe laquelle : abandonner purement et simplement l’héritage familial. Cobb et ses comparses rétorquent que l’inception (le nom dudit processus) n’a jamais réussi une seule fois dans l’histoire du piratage de rêve. Mais, bien évidemment, vous pouvez vous douter que notre ami Cobb a plus ou moins les gonades prises dans un étau, ayant l’opportunité d’être lavé des charges qui pèsent contre lui. Awesomeness ensues.

Loin de moi l’idée de nier en bloc les critiques parfois constructives des détracteurs du film. Inception ne remplit effectivement pas une partie de son contrat. A charge, une bande-annonce tape-à-l’œil qui présente les effets spéciaux les plus éblouissants des deux heures et demie du produit final, avec –vous l’avez sûrement déjà vu aussi- notre gargantuesque taco citadin à la parisienne. L’idée de la recréation perpétuelle du monde, du rêve lucide omnipotent, de cette mécanique quantique du fantasme, Inception la développe de manière prometteuse pendant les premières vingt minutes, lorsque Cobb se voit forcé de faire appel à une apprentie « architecte de rêves » (Ellen Page, dont nous étions tous tombés amoureux depuis Juno), formée aux Escaliers de Penrose et autres rubans de Moebius, pour construire le décor du rêve king size destiné au fils à papa milliardaire. Lors de cette séquence, Paris en prend plein la tronche, mais c’est pour de faux bien sûr. Mais on assiste véritablement à une volée de claques esthético-techniques qui laissent déjà pantois, la bouche entr’ouverte et un sourire niais aux lèvres. C’est au-delà du cosmétique, une réelle puissance se dégage de ces explosions et de ces gerbes de couleurs qui jaillissent dans tous les sens. On s’attend à une révolution en termes de réalisation, peut-être même à une nouvelle ère de l’image. Mais Inception, à l’image d’une console de jeu dernier cri, délaisse rapidement l’impressionnant mode « démo » pour proposer un fond plus étoffé, parfois au prix de la forme. Le point de tension, le diviseur de fanbase, c’est justement ce principe entièrement défendable qu’un rêve doit être crédible pour être cru. Concrètement, ce parti pris implique des « troupes de défense du subconscient » qui se ramènent pour vous faire la peau si vous commencez à vous prendre pour Dieu. Le risque : faire capoter la fameuse inception. Par le fait d’une consigne scénaristique stricte, le petit grain de folie semé au début du film ne pourra jamais germer. Exit l’univers en chewing-gum. Infiltrer une base secrète en rêve est peu ou prou la même chose que dans la vraie vie (ou que dans James Bond), et les sbires du subconscient sont aussi interchangeables que dans un banal film d’action. Rédhibitoire pour les uns, secondaire pour les autres.

Oh, ben. Les uns passent simplement à côté de l’essentiel du film. Sur le plan du mélo et des sentiments, il y a ce savoureux personnage de Cobb, au passé d’un sombre bien plus poisseux et retors que ce que le cliché de la formule peut laisser entendre. Un type déjà presque mort dans sa tête, épuisé par des années d’allers-retours oniriques et de casse-tête existentiels. Harcelé par les projections impromptues de Mall, son épouse française disparue (interprétée sobrement par Marion Cotillard, qui rappelle qu’elle sait aussi jouer, entre deux pubs désolantes où elle se colle des seins en plastique sur le front), Cobb ne désire qu’une seule chose : revoir ses deux enfants, qui sont tout ce qui lui reste. Ce n’est pas un scoop, Di Caprio a réussi il y a de cela quelques années à s’extirper de la machine hollywoodienne du bankable-express et est un acteur-référence. Dans Inception, il déroule, tout en retenue. Cobb est un personnage déchirant, qui n’arrive plus à rêver sans son soma en valisette. Les dernières onces de « mec stylé » qui lui restent le rebutent. La découverte de son passé avec Mall est l’un des principaux moteurs du film et, fait notable, réussit à accrocher le spectateur sans jamais paraître lourdingue ou redondant. Comme cette phrase, d’ailleurs. Alors qui porte le badge de l’ultimerie dans ce film ? J’irais chercher du côté de Saito, l’industriel japonais philosophe (Ken Watanabe) ou Earnes, le Solid Snake du subconscient (Tom Hardy). Ces personnages secondaires, malgré leur modeste temps d’écran, apportent un peu d’air au spectateur par quelques petits traits d’humour bien sentis, entre deux ingurgitations d’axiomes essentiels à la compréhension de l’intrigue.

Car non, Inception n’est pas du genre à prendre l’aléatoire pour de l’absurde. Le projet de Nolan a mûri pendant une petite dizaine d’années pour obtenir l’aspect carré qu’il possède maintenant. Si complexité il y a, c’est une complexité rationnelle, un jeu équitable où le spectateur dispose de toutes les informations pour suivre le raisonnement tout en savourant les appréciables scènes d’action, par ailleurs correctement tournées et échappant au syndrome insupportable du changement de plan continuel. Inception n’est pas un film alambiqué. On ne compte plus ces demi-films qui se comptent par trillions : pétards mouillés qui passent une heure à ouvrir des pistes dans tous les sens, pour se retrouver à bredouiller une fin en queue de poisson, sans jamais avoir expliqué quoi que ce soit. A ce titre, le concept du rêve est un terreau fertile pour écrire un non-scénario qui ne respecte pas les règles les plus élémentaires de la continuité, un excellent alibi pour balancer des idées en l’air, et laisser le misérable spectateur tenter de débroussailler le tout sous le prétexte fumeux de l’interactivité. Inception n’est pas de ces films. Ainsi, il gagne en clarté, en crédibilité, et finalement, il devient très attachant. Nolan avait quelque chose à raconter. Il voulait un début, un développement, une fin. L’aspect décalé du rêve est toujours là, quelque part : dans une incroyable scène de sauvetage en apesanteur, dans ce ralentissement du temps au fil de l’enfoncement dans les méandres de l’esprit, ou dans les échos glauques d’une chanson d’Edith Piaf –référence à La Môme, bien sûr- d’une importance fondamentale dans le scénario. Pas, ou si peu, d’impasses scénaristiques, pas de mots en l’air, pas de fioritures : chaque réplique soutient la structure de la narration. Vous allez boire les paroles de Mall. Vous allez paniquer à chaque nouvel imprévu dramatique. Vous aurez les yeux rivés sur l’écran jusqu’au dénouement.  Vous vous gratterez la tête jusqu’au sang en vous demandant comment nos héros vont se tirer du formidable merdier métaphysique dans lequel ils se trouvent. Vous comprendrez que piégé dans votre boîte crânienne, il existe des destins bien plus atroces que la mort. Vous allez hurler de rage, aussi. Mmmh, motus sur ce point.

A la manière d’un Minority Report en son temps, Inception ressuscite encore une fois la véritable science-fiction avec brio. Je parle de LA science-fiction, ce genre fantastique transcendé, celle qui est fascinée par la nature humaine et le comportement de Messieurs-Dames Tout Le Monde face à une technologie qui  a progressé trop vite pour eux. Celle qui évite soigneusement le bip-bip du matos ultrasophistiqué pour renvoyer le spectateur à une bonne vieille torture psychologique. Le blockbuster, il est là : c’est un délice évènementiel. Le film d’auteur, il est encore là lui aussi. Chez Nolan, il y a eu du chemin depuis le casse-tête infernal de Memento. Ceci ne l’empêche pas de faire de l’œil à ce vieux Descartes ou à y aller de sa symbolique multidegrés. Alors, à froid, on peut décomposer le bidule, chercher les ficelles (ou les tropes), constater l’application (sensée) d’une certaine recette. On peut comparer à Matrix (holala y’a une confusion entre rêve et réalité donc c’est Matrix, kikoo lol) ou à un « film de casse » (si ne faire fonctionner que votre hémisphère gauche est votre truc). Pour ma part, je suis sorti avec un goût d’Eternal Sunshine of The Spotless Mind. Mais cette relative standardisation n’est que l’honorable clé dont a usé l’auteur pour nous faire entrer dans son rêve. Et il ne me semble pas en être sorti au jour d’aujourd’hui. Peut-être bien que c’est culte, écoutez.

Articles complémentaires :

1. Dream Theater : un rêve progressif
2. Dream Theater – Systematic Chaos
3. Dream Theater – Black Clouds and Silver Linings

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Lourde tâche que cet album, après un Octavarium composé pour eux-mêmes (les membres du groupe ne s’en cachent pas, album concept autour du chiffre 8, etc …) et un Systematic Chaos très controversé (je suis toujours sidéré devant les critiques dithyrambiques de certains …) il était temps pour Portnoy & Co de montrer qu’ils méritaient encore leur statut de leader mondial du metal progressif. Et leur album Black Clouds and Silver Linings les y aidera sûrement.

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Il n’est pas possible de parler de la sphère doom metal sans évoquer le nom ô combien révéré dans ce milieu de Candlemass. Ce groupe, mené par le bassiste Leif Eidling, est l’un des pères fondateurs du genre. Et même 25 ans après leurs débuts et un changement de chanteur (ils sont passé de Messiiah Marcolin à robert Lowe, ex-Solitude Aeternus), il faut dire que les Suédois défendent toujours très bien leur trône.

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Il est un peu tard pour publier une critique de cet album, vu qu’il a créé un buzz impressionnant l’été dernier, mais après tout, “mieux vaut tard que jamais”, comme dirait l’autre. Pourquoi un buzz ? Parce que le groupe s’annonçait comme un véritable “supergroupe” : Sammy Hagar au chant (ex-Montrose, ex-Van Halen), Michael Anthony (ex-Van Halen), Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) et surtout Joe Satriani à la guitare. Du bien beau monde, en vérité, et qui en a fait baver plus d’un à l’annonce de la sortie du premier album éponyme du groupe, moi parmi les premiers.
Etant donné que Satriani a annoncé avoir déjà commencé à composer pour le second album de la formation, il était plus que temps de se pencher sur cette première galette de onze titres.

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Ah, le rétro … De plus en plus de groupes de rock  succombent au charme hypnotique des années 70  : Wolfmother, Airbourne, Glyder, et parmi eux, un groupe de Los Angeles : Bigelf. Bigelf est un groupe qui monte, qui monte, surtout depuis qu’un certain Mike Portnoy s’est mis à chanter leur louanges en interview. Joignant l’acte à la parole, il a invité le groupe à se produire sur le mini-festival itinérant “Progressive Nation” mis en place par Dream Theater. Portnoy décrit Bigelf comme le mélange de toutes les influences du rock progressif : les Beatles, Black Sabbath, Pink Floyd … Alors, cover band déguisé ou vrai groupe ? Passage au crible de Cheat the Gallows, le quatrième album du gang sorti en 2008.

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J’ai déjà eu le loisir de vous exposer ma croûtonnerie rétro-analytique dans mon précédent article sur le nostalgia business : d’où venons-nous, que sommes-nous, quelles œuvres de fiction nous ont construits… Ces réflexions pataudes valent ce qu’elles valent, et il constituerait un prodigieux hors-sujet de les poursuivre dans cette présente critique du dernier rejeton des studios Rockstar. Cependant, j’aimerais attirer votre attention sur le thème qui va nous intéresser : le Far West. Vaste programme, même si nous sommes en terrain archi-connu. Je vous avais déjà fait part du caractère usé du pastiche de film d’espionnage, qui avait régné en maître sur l’univers de la parodie et perdu progressivement de sa force du fait d’un trop grand nombre d’œuvres médiocres. Persistons dans le bric-à-brac de la jeunesse : pourquoi connaissons-nous tous tout sur l’univers du cirque sans y être forcément allés dans notre enfance ? Qui a bien pu nous nourrir à base de ces maxi-best-of de clichés avec supplément de nostalgie artificielle pour que nous arborions aujourd’hui une expression blasée à chaque allusion à ces grands topos ?

Et alors, le western, sa musique à l’harmonica, ses duels, ses attaques de diligence, ses affiches « Wanted »… Vous n’avez jamais eu l’impression de connaître tout ça par cœur ? D’avoir fait le tour de la question à l’âge de huit ans ? Ces grands thèmes ont régné dans l’inconscient collectif des générations précédentes, et, sans renier l’immense héritage de Sergio Leone, de Sean Connery ou de… D’Achille Zavatta, je sais pas, ils ont semblé montrer leurs limites après un certain temps, glissant lentement vers la ringardise. A propos du Far West, n’était-ce pas l’intrigue principale du mythique Toy Story ? Le cow-boy stéréotypé, sa ficelle dans le dos et son sempiternel « Y’a un serpent dans ma botte ! » dépassé par le ranger galactique multicolore et multifonctions qui vend plus de rêve qu’il est possible d’imaginer ? Chaque génération est encline à construire des titans culturels irrémédiablement destinés à se ratatiner et à descendre l’échelle des degrés jusqu’à leur estompement dans l’indifférence générale. Vous vous souvenez du début des années 2000, quand Matrix était le truc le plus stylé du monde ? Encore une fois, je généralise énormément et il est parfois difficile de distinguer ces phénomènes de saturation référentielle de simples effets de mode passagers. Et notez bien, je parle d’estompement, pas de disparition. Car il finit par arriver un jour béni où un individu, une boîte de production ou un studio s’empare d’un sujet épuisé jusqu’à la moelle et parvient à le revitaliser pour le rendre in à nouveau. Et je pense bien que nous tenons là quelque chose avec ce Red Dead Redemption.

Rockstar … On ne les présente plus. Ils sont devenus les rois du pétrole le jour où ils ont eu l’idée géniale de transposer leur anecdotique série Grand Theft Auto, initialement toute moche, répétitive et en vue de dessus, en une « wide open sandbox », autrement dit une simulation de malfaiteur placée dans un immense environnement en 3D. GTA III a institué le « GTA-Like », ce système jubilatoire qui laisse le choix au joueur de visiter l’immense map grouillante de vie et de détails pendant des heures plutôt que de faire avancer la trame scénaristique du jeu. Par ailleurs, les développeurs ont toujours eu un goût prononcé pour la provocation et l’aléa moral, laissant la liberté au joueur d’être cruel et d’abattre froidement les centaines de piétons mis à sa disposition. N’oublions pas que Rockstar est également à l’origine du sanglant Manhunt, une bourrinade photoréaliste (pour les standards de l’époque) qui a fait hurler les cohortes des gardiens de la morale des quatre coins de l’Occident. Malgré quelques échecs critiques, les productions du développeur américain ont souvent remporté un franc succès, la réputation et le système inusable aidant beaucoup. Chaque épisode de GTA est attendu avec impatience par les joueurs et fait l’objet de spéculations et de légendes urbaines avant et après sa sortie. Dernièrement, Canis Canem Edit a réussi l’alléchant pari de transposer GTA (en un poil plus édulcoré, juste un poil) dans un univers scolaire. Si elle est servie par une réalisation correcte, la recette miracle de la wide open sandbox semble changer en fun addictif tout ce qu’elle touche.

Après GTA IV, voilà donc Red Dead Redemption, qui s’avère être la suite de Red Dead Revolver, sorti quelques années plutôt sur la génération précédente de consoles. Le diptyque est assez représentatif, puisque nous sommes passés d’un basique jeu d’action avec missions scriptées à un GTA-Like. Red Dead Redemption vous place donc dans la peau de John Marston, un hors-la-loi nihiliste qui a commis quelques crimes abominables durant sa jeunesse. Pour lui trouver une excuse freudienne, John n’a jamais vraiment connu ses parents et s’est très vite échappé de l’orphelinat où il avait été placé. Il a alors été élevé par une bande de criminels désaxés, lui inculquant une morale tordue vaguement dérivée de Robin des Bois. Seulement, notre anti-héros a fini par tourner la page sur cette vie de pécheur pour diriger sa propre ferme avec son épouse Abigail et son fils Jack. Mais c’était sans compter sur le gouvernement américain, qui au début du jeu kidnappe la famille de John et force ce dernier à traquer ses anciens frères d’armes. C’est assurément un personnage contrasté, torturé même. Le scénario joue constamment avec la présence ou l’absence d’un « bon fond » chez John. Il a sa petite famille chérie qu’il cherche à revoir par tous les moyens, mais il montre également un certain mépris face à la mort d’autrui. A vrai dire, c’est plutôt au joueur de décider si John Marston tient du pourri gentil ou du gentil pourri. Dans le jeu, les multiples évènements aléatoires ont une influence sur la réputation du joueur. Au bord des routes, dans les grandes plaines, devant une rivière : ces petites saynètes de la vie au Far West sont extrêmement nombreuses et constituent la principale distraction du scénario principal. Un exemple parmi tant d’autres : on peut croiser un « chasseur de trésor » planqué derrière une diligence, en train de se faire canarder par des bandits en voulant à son magot. Si le gamer veut jouer les chevaliers blancs, il plombera les crapules en question et se contentera de quelques dollars, plus la gratitude du PNJ sauvé. En revanche, s’il se fiche des principes de l’éthique dans ce qui reste un stupide jeu vidéo, il descendra tout le monde et se tirera avec le trésor, mais aussi avec un malus sur son compteur d’ « honneur ». Oh, et puis, si vous n’avez pas « géré » la présence des témoins oculaires, les marshalls pourront également se lancer à votre poursuite. Fini le système d’étoiles à la GTA : on récupère l’idée du périmètre de recherche et la possibilité de se terrer efficacement. Et on dit bonjour au système de primes « Wanted », qui seront mises sur votre tête au moindre forfait, encourageant la flicaille et les pauvres du coin à vous faire la peau dès que possible au coin d’une ruelle ou au détour d’un rocher. Brave type ou salopard, chaque alternative a ses avantages et ses inconvénients face aux multiples citoyens de Red Dead. Vous êtes libre de choisir…

En réalité, à part certaines reliques comme Shenmue ou quelques inévitables Meuporgs™, on a rarement ressenti une pareille sensation de liberté dans un jeu vidéo. L’environnement ouvert est immense, constitué à 90 % de nature purement sauvage avec son lot de vautours, de coyotes, de couguars ou de grizzlys. Des villages fantômes du fin fond des States aux sols brûlants des casas du Mexique, en passant par les sommets enneigés de West Elizabeth, on n’a jamais fini de découvrir les myriades de détails et les petites merveilles de réalisation que les développeurs de Rockstar ont glissé dans cette map. Comment définir cette impression que le climat est presque palpable… Qu’on peut passer des heures à faire le tour du pays sans jamais s’ennuyer, et que le tout donne une furieuse envie de voyager ? Uncharted m’avait fait exactement le même effet (la faune réaliste en moins). Nous vivons peut-être une période vidéoludique où les jeux deviennent plus faciles, mais pour ma part, pas un jour de jeu ne passe sans que je ne me réjouisse des avancées techniques qui ont été produites en l’espace de dix ans par les développeurs. Où est le problème dans la course à la beauté graphique si celle-ci est servie par un fond de jeu haletant et original ? Et c’est le cas ici : cette gargantuesque map n’a pas été programmée par un simple souci d’immersion maladroite, mais bien parce qu’elle fournit des opportunités de fun considérables. A court d’argent ? Une petite partie de chasse. Armé de votre fidèle couteau, dépecez les animaux tués pendant que John y va de ses petites vannes pourries sur la basse besogne du dépiotage des carcasses trouées. Votre fidèle destrier vient de rendre l’âme lors d’une terrible fusillade ? No problémo, équipez-vous de votre lasso et partez dresser les fiers mustangs de l’Ouest sauvage. D’humeur meurtrière ? Nettoyez l’un des nombreux repaires de bandits pour une poignée de dollars et toute l’estime des fédéraux. Après avoir échoué à plusieurs reprises sur la même mission, il n’y a rien de plus jubilatoire que d’attraper au lasso le dernier ennemi, de le ligoter, et de l’abandonner sur les rails de l’express régional. Comme dans GTA, les quêtes annexes font la richesse du jeu et la joie des gamers fondus de digression récréative : elles s’offrent au joueur dès qu’il décide de faire un tour par la campagne. Malgré la présence de diligences et d’un système de trajet instantané, le cheval reste le moyen de transport le plus divertissant. Votre monture dispose d’une physique assez réaliste et n’est assurément pas une sorte de 4×4 organique omnipotent : les canassons refusent systématiquement de descendre les pentes trop extrêmes et n’hésitent pas à vous jeter au sol si vous épuisez leurs réserves d’endurance. Ils ont leur caractère. Mais la beauté de leur modélisation et leurs caractéristiques hétérogènes poussent le joueur à vouloir tous les posséder. Attrapez-les tous !  Alors, cheval de Red Dead ou voiture de GTA IV ? Définitivement cheval, quand on se souvient de la maniabilité assez rigide des caisses des aventures de Niko Bellic.

Parlons-en, de cette jouabilité. John Marston se dirige sans problème, pas grand-chose à signaler. La principale trouvaille du gameplay réside dans le système de Sang Froid, un mode « ralenti » qui permet de prendre tout son temps pour ajuster sa visée et dégommer jusqu’à une demi-douzaine d’ennemis avant même que ces derniers aient pu dégainer leurs pétoires. D’un simple verrouillage automatique, le Sang Froid passe en milieu d’aventure à un bullet-time surpuissant qui vous permet de dégommer sadiquement votre partie du corps favorite chez l’ennemi. Evidemment, pour faire au plus court, viser la tête paraît judicieux. Mais la physique est encore une fois poussée jusque dans les moindres détails et chaque tir provoque une réaction différente. Un accès de mansuétude de votre part et vous pouvez à tout moment désarmer votre adversaire en lui tirant astucieusement dans le bras droit. Et si vous êtes d’humeur plus cruelle, il y a tout le reste de l’anatomie humaine à votre disposition, si vous voyez ce que je veux dire. Alors, vous me direz que Rockstar ne propose rien de bien neuf avec cet énième bullet-time.  Mais, ce mode Sang Froid, ben… Il est vraiment délectable. Une pression sur le joystick droit et c’est un véritable God Mode qui s’offre à vous : l’écran s’illumine, se fige, les ennemis deviennent ridiculement lents et vous devenez le maître de l’hyperespace et des dimensions infinies le temps de quelques secondes. Blam. Of course, les réserves de Sang Froid doivent être utilisées à bon escient. Dans une fusillade, le joueur a principalement les yeux rivés sur cette capitale jauge rouge. Le point positif, c’est que pour la première fois, on n’a plus à se préoccuper d’une barre de santé : les développeurs ont opté pour un système de régénération automatique à la Uncharted : il suffit de se mettre à couvert un moment pour recouvrer son énergie. Du tout bon pour ce gameplay, alors ? Ben, non : deux lacunes importantes sont à signaler. Tout d’abord, l’absence d’un CQC (corps-à-corps) véritablement plaisant et utilisable. Je n’exagère pas en disant qu’aucune mission ne vous permettra de faire appel à vos petits poings ou même au couteau de combat. Quelle utilité lorsqu’on se fait arroser par des Mexicains enragés sur les berges du Rio Bravo ? A quoi ça sert de savoir boxer quand les truands de la bande de Williamson viennent vous régler votre compte à cheval et à grands coups de carabine Winchester ? Encore une fois, Rockstar a fait l’impasse sur la finesse et sur ce point, Red Dead ne tient pas la longueur face à un Metal Gear Solid 4 ou un Uncharted 2. La deuxième lacune est assez ridicule : tout charismatique, manipulateur du temps et légende de l’Ouest qu’il est, John Marston ne sait pas nager. Historiquement pertinent ? Peut-être (il paraît que vraiment peu de cow-boys s’intéressaient à la natation à l’époque). Physiquement logique ? Sûrement (vu l’arsenal qu’il se trimballe, il devrait couler immédiatement). Amusant ? HELL NO ! Mais regardez cette fiotte ! De l’eau jusqu’aux narines et c’est la MORT IMMEDIATE ! Hey, Mattéo, 5 ans, tu fais tes premières brasses dans le petit bain et tu as réussi à faire une longueur sans les brassières ? Félicitations, p’tit mec, tu fous une branlée à John Marston. Je chipote ? Pas vraiment. Le soft nous nargue en permanence avec de superbes cascades, de somptueuses rivières et même – comble du ridicule – des missions sur des pontons. Un pas à côté et c’est le reset, John claque brutalement comme s’il était tombé dans une cuve de plasma. Au passage, ces moments absurdes permettent de profiter d’un des meilleurs Game Over de l’histoire du jeu vidéo : un écran qui se couvre de noir et qui affiche soudainement un énorme « MORT » en lettres rouges, humiliant à souhait. Ca paraît rien comme ça, mais j’ai mis plusieurs minutes à m’en remettre. Y’aurait eu « FAIL » affiché que ç’aurait été pareil.

Puisque j’en suis à évacuer la liste des défauts gênants du jeu, j’y ajoute quelques bugs d’affichage (léger clipping) et de technique, y compris des « faux » freezes intempestifs qui bloquent l’action. « Faux » puisque qu’assez bizarrement, il suffit parfois d’attendre une bonne minute pour que le jeu ait l’envie soudaine de fonctionner à nouveau. Enfin, un bug de contenu assez pénible empêche encore de nombreux acheteurs de l’édition limitée d’accéder à certains bonus qui leur reviennent de droit. Heureusement, Rockstar travaille à un patch pour réparer ces menus problèmes. Ayé, j’ai fini avec les défauts et les micro-coups de gueule.

Parce que maintenant, j’aimerais revenir à ma thèse de départ sur le ré-enchantement du western, et vous faire comprendre que ce soft suinte le charisme par tous les pores. Les maîtres du genre peuvent reposer en paix : Red Dead Redemption réussit le tour de force de renouveler un style tombé en désuétude depuis pas mal de temps. En vérité, je vous le dis dans ce test : ce jeu est une œuvre-clé, et va certainement relancer la mode Far West chez les jeunes générations. Après une décennie de tâtonnements, Rockstar prouve enfin une véritable ambition artistique. Ce jeu va probablement rendre service aux œuvres de Sergio Leone, aux vieux albums de Lucky Luke ou même à la musique country. Les clichés les plus usés du genre se trouvent miraculeusement ressuscités. Et ça gère salement. John Marston s’impose simplement comme l’un des personnages de jeu vidéo les plus stylés des dix dernières années, pulvérisant ce loqueteux de Niko Bellic. Clint Eastwood, nous voici : chaque scène cinématique est illuminée par l’attitude blasée et l’aura cradingue qui se dégage de ce protagoniste exceptionnel. Il se fiche pas mal des motivations des gusses qui lui filent ses missions, ils sont souvent encore plus vils et crapoteux que lui, mais lui ne peut s’empêcher de souligner l’hypocrisie ou le manque de logique de ces derniers. Le jeu d’acteur du comédien le doublant est un régal, cocasse et nuancé. Mais de toute manière, tout le monde est au diapason dans ce soft, les acteurs semblent vraiment s’amuser avec ce scénario riche en rebondissements. Bonnie McFarlane, la fermière qui recueille un John grièvement blessé au début du jeu, est éminemment sympathique lorsqu’elle cherche à trouver du bon chez le bonhomme. Seth, le détraqué pilleur de tombes, garde une certaine dignité touchante, même pouilleux et parlant tout seul à ses amis macchabées, les mains dans la charogne. Le señor Reyes, le chef des rebelles mexicains, est une caricature du « révolutionnaire » aux dents longues, manipulateur et fantoche. Mais on ne peut s’empêcher de prendre son parti face à un gouvernement local encore plus abject et méprisable. La « modernité » et le progrès de manière générale ont une image assez piteuse dans le jeu, entre les premières automobiles qui se traînent, explosant au moindre choc et les pseudo-scientifiques des grandes villes de l’Est, charlatans, cocaïnomanes et racistes. L’action se passe en 1911, et le choix de la date relève d’une pertinence maximale : John a l’occasion de rencontrer un vieil as de la gâchette qui lui tient un discours sur les temps modernes et lui explique qu’ils font tous deux partie du passé, traînant les stéréotypes d’une époque désuète, mais où le rêve américain voulait encore dire quelque chose. Et regardez les Indiens : ils sont vaincus depuis des années et n’ont plus leur mot à dire. Ils vivent déjà dans les quelques réserves qu’on leur a laissé et rongent leur frein. La puissance de l’ambiance de Red Dead Redemption réside en le fait qu’elle joue déjà à fond la carte de la désillusion et du second degré. Alors, évidemment, les grands poncifs du Wild West demeurent présents : on ramasse des primes quand on ramène les brigands au shérif morts ou vifs, on peut même faire des duels particulièrement stressants, bien souvent après une triche loupée au poker. Tout le monde chique du tabac, on crève encore du choléra, les femmes s’occupent du bétail et les hommes se bourrent la gueule dans les saloons. Mais ce n’est qu’une question d’années, que dis-je, de mois, avant que le vingtième siècle ne prenne le relais et que cette période sauvage ne rejoigne à son tour les livres d’histoire. La fête est finie, les enfants.

Oh, et… Mazette ! Cette bande-son ! C’est encore une fois un succès total. Les bruitages sont irréprochables, et on éclate même de rire à la présence du fameux cri de Wilhelm (« AAARRHHAAAAHHH ! »), l’effet sonore le plus récurrent de l’histoire du cinéma. Et ces musiques… Là, encore, on a beau être un aficionado des symphonies 8-Bit et des musiques de Sonic, sont-elles simplement comparables aux orchestrations sublimes qui gratifient les jeux d’aujourd’hui ? Red Dead ne cherche pas à vous bourrer la tête de montées chromatiques déchirantes : à vrai dire, lorsque vous vous baladez dans les contrées sauvages du Sud profond, l’ambiance sonore consiste en 80 % de nature et 20 % de notes discrètes de guitare ou de trompette. Et il n’y a rien à redire sur ce dosage. Lors d’une mission plus animée, vous constaterez le retour des excellentes mélodies punchy à la basse qui ont été la marque de fabrique de Canis Canem Edit : un choix parfait qui chez moi, allie la nostalgie d’un jeu génial à l’intensité du moment présent. Comme une superproduction américaine, le jeu se paie même le luxe de vous servir de véritables chansons avec grattouille et chanteur à l’appui, qui interviennent après certains tournants importants dans le scénario. Je vous le garantis : jamais glander sur une map n’a été aussi épique.

Le soft offre une durée de vie de 20 heures pour la quête principale, ce qui est plutôt bon pour un jeu de ce genre. Ajoutez à cela moult services, missions et quêtes annexes une fois l’histoire terminée. Je ne vous ai pas parlé du poker menteur, des attaques de diligence, des veilles de nuit… La petite vingtaine d’heures passe tout de même assez vite. Encore une fois, Rockstar a rendu les gunfights suffisamment jouissifs pour que le joueur en redemande en permanence. On peut parfois reprocher une certaine répétitivité dans les missions (c’est GTA, les gens, hein, il s’agit tout de même à peu près toujours de buter un ou plusieurs types), mais lorsqu’objectivement, on prend son pied à chaque nettoyage de l’écran à coups de Sang Froid et qu’on ne semble jamais s’en lasser, peut-on se plaindre ? Avec Red Dead Redemption, au diable le réalisme : vous ferez mordre la poussière à des ARMEES entières. La variété des situations réserve quelques moments génialissimes comme l’escorte musclée d’une locomotive contre des légions de banditos, ou la mise à sac d’un fort ennemi à la mitrailleuse Gatling. Et, après avoir bouclé le mode solo, un appréciable multijoueur est là pour doubler l’expérience de jeu. Rien de très novateur, on y retrouve les tueries défoulantes caractéristiques du jeu online et quelques modes à la noix auxquels on ne joue jamais. Le mode Exploration lui, qui vous lâche en compagnie d’inconnus aléatoires sur la map du mode histoire, a beaucoup plus de potentiel que son prédécesseur de GTA IV. On peut toujours s’amuser comme un petit fou à descendre son prochain, mais, pour gagner de l’expérience, l’entraide et la camaraderie sont hautement récompensées à travers les nettoyages de repaires de bandits. Comme d’habitude, il n’est pas impossible qu’on puisse se lasser de ce contenu online, exténué par le système de privilèges et de niveaux réclamant un important potentiel de noliferie. On retournera alors aux délices du mode solo pour réécouter la philosophie bancale de Marston et profiter du triple galop du trotteur américain.

Pour en finir, Red Dead Redemption est appelé à devenir une icône des années 2010. La fanbase est déjà gigantesque, et à chaque instant dans le monde, des centaines de joueurs écument la map pour débusquer les secrets les mieux cachés du jeu. La ville-fantôme de Tumbleweed excite déjà les hypothèses les plus folles à son sujet. Des épisodes téléchargeables sont à paraître dans les prochaines semaines. L’ambiance du soft transporte le joueur et lui offre une expérience de jeu hallucinante. Au moment où je rédige ce test, je surfe par curiosité sur Wikipédia et découvre l’histoire politique du Mexique et la vie des plus célèbres cow-boys. Et je constate que, malgré ma collection à rallonge de clichés sur l’époque et le genre, j’en connaissais finalement assez peu. Une lubie passagère ? Peut-être. Mais, année après année, j’ai tout de même le plaisir de constater qu’à chaque fois qu’il me semble que les jeux vidéo n’ont plus rien à m’offrir, un nouveau chef-d’œuvre original et maîtrisé m’accroche de nouveau à la manette et, fait nouveau, participe à l’élargissement de ma culture personnelle. Ouais, exactement, puisque l’univers est si attachant, vous cherchez à en savoir plus, et, résultat des courses, vous vous cultivez en jouant à Red Dead. Il est temps de se rendre à l’évidence et de constater, plus que jamais, que le jeu vidéo, enfant terrible des années 80, a atteint le point de sublimation qui lui donne une légitimité artistico-culturelle équivalente au cinéma et lui sécurise une place définitive dans le patrimoine de l’humanité. Red Dead participe pleinement à cette mutation historique en rameutant de nouvelles populations dans le giron du monde ludonumérique. Sacrée promotion pour Rockstar, qui est passé en quelques années d’un talentueux provocateur à une implacable machine à faire du culte. Familles De France, Nadine Morano, puritains de tout poil : vous pouvez baisser les yeux, maintenant.

(Jeu testé sur PS3 – Images sans l’aimable autorisation de jeuxvideo.com – merci, et faites pas suer les gars =D)

Articles complémentaires :

1. LEFT 4 DEAD(ICACE)
2. Le coin du jeu indé : Braid
3. Dig Out Your Bouses : Virtual Bart

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En cette période de Coupe du Monde, vous êtes saoulé d’articles commentant les déboires de l’Equipe de France, ou encore les déclarations très opportunistes de notre chère Secrétaire d’Etat aux Sports, Rama Yade ? Ben pas de bol, sur Omnizine, on aime le football – pour preuve les éloges de Matt Moussilou ou encore de Fabrice Fiorèse qu’on a fait par exemple – et on en remet une petite couche, à quelques jours du début de la Coupe du Monde. Oui, mais pas si vite, on n’est pas sur L’Equipe.fr ici. Sur Omnizine, on préfère largement Les Cahiers du Football ou encore So Foot. Et c’est en lisant un dossier paru il y a quelques mois dans So Foot sur les losers – je vous le conseille d’ailleurs, le numéro 67 de juillet 2009, avec entre autre deux interviews savoureuses de Alvaro Recoba et de Hector Cuper, ou encore un long article sur la malédiction qui touche l’Atlético Madrid – dans le football qu’il m’est venu cette idée : pourquoi ne pas faire un top 5 des équipes qui ont le plus eu la lose dans les moments décisifs ou lors d’une compétition précise ? Et attention, par lose, je ne veux pas dire « équipe qui joue mal ou qui a été ridicule » mais plutôt « équipe qui a raté à un moment décisif alors que rien ne la prédisposait à se rater ». Première indication : comme je suis sympa et comme un des rédacteurs d’Omnizine, un certain Alex G. pour ne pas le nommer, est supporter du PSG, le PSG ne fera pas partie de cette liste. Et encore une fois, cette liste n’a pas pour objectif d’être exhaustive, donc si vous avez d’autres suggestions, n’hésitez pas à en faire part dans les commentaires !

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Lire la suite de Top 5 des équipes qui ont le plus eu la lose dans les moments-clés (1,797 mots)

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Dark Tranquillity, c’est l’un des trois groupes fondateurs du melodeath version Göteborg, la ville d’où ils viennent. A côté d’eux se trouvaient In Flames, qui verse désormais dans un modern rock métallisé, et At the Gates, qui s’est reformé exclusivement pendant l’été 2008 pour une série de concerts. Ce qui signifie que le groupe a plus ou moins splitté. Ne reste donc que Dark Tranquillity dans les vieux de la scène melodeath mondiale, ou à peu près, mais je suis pas une encyclopédie du metal non plus.

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Revenons rapidement sur la discographie de Sonata Arctica. Le groupe publie son debut album, Ecliptica, en 1997, du power metal pur jus. L’album est parfait, et son successeur, Silence, n’a pas à rougir de la comparaison : avec un seul morceau faible (Sing In Silence) et l’enchaînement final de de hits incroyables (Wolf and Raven et The Power of One), Sonata apparaissait comme une nouvelle valeur sûre du power metal.

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“Ah ouais, Dream Theater, c’est d’la me … Du prog’, ouais …” Voilà ce que le fan de metal progressif  (aka pas moi, mais mettez-vous dans la peau du personnage) entend trop souvent lorsqu’il cite le nom de ce grand groupe. Systematic Chaos n’est pas là pour l’aider à défendre cette formation originaire de Boston.

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Lire la suite de Dream Theater – Systematic Chaos (888 mots)

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Parce que une image cheesy de discothèque en dit parfois plus qu’un long discours.

« Gamin »… Vous l’avez tous connue, cette période de l’adolescence où il ne faisait pas bon s’accrocher à ses bonnes vieilles marottes culturelles : ce dessin animé, ce film, cette BD, ce jeu vidéo qui avait bercé votre enfance était maintenant l’ennemi de votre développement personnel et de votre rayonnement social au sein de la cour de récré. Ce fameux début d’adolescence iconoclaste et nihiliste où, dans l’optique de paraître adulte et fréquentable, il fallait brûler ce qu’on avait autrefois adoré. Le moment précis où vous avez fait connaissance avec le conformisme ennuyeux des grandes personnes et la liste conventionnelle des goûts et hobbies socio-compatibles. Oh, bien sûr, dès la maternelle, il y avait tous ces trucs à la mode qu’il fallait porter, regarder ou posséder impérativement pour éviter la « tehon »… Mais rien n’avait jamais égalé en cruauté cet instant-clé de votre existence où la critique entre camarades est passée de « ringard » à « immature », gagnant un cran dans l’échelle de la violence psychologique.

Ce conflit interne, certains l’ont réglé très rapidement, voir même refoulé : ils furent alors les mioches les plus populaires, les faiseurs de modes, les grands manitous de leur collège. D’autres ont en revanche refusé de renier les grandes références de leur jeunesse, celles qui les avaient construits, se repliant même parfois sur celles-ci en pure réaction à ce nouveau diktat générationnel. Alors on différencia les « normaux » des « geeks ». Dorénavant, le mal était fait. Chaque groupe allait faire son petit bonhomme de chemin, générant d’improbables subdivisions et hiérarchies saugrenues. Fi des gothiques, des fashions, des métalleux, des racailles… La fracture sociétale primordiale demeure la même : ces six mois qui changent tout, au tournant des 13-14 ans. Que restait-il à ressasser dans un monde où la nostalgie était maintenant proscrite ? Oh, bien sûr, il y avait certains éléments régressifs très photogéniques et consensuels : l’attendrissement devant ces bons vieux grands classiques Disney en 2D (« on na pa fé miieu ») ou encore le goût pour le Nutella (« tro booooon c ma drogue lolilol »). On constate d’ailleurs que ces quelques topos de l’infantilisme déifié jouissent maintenant d’une position inébranlable au sein de la génération des années 90, et on peut en retrouver une liste enrichie dans les innombrables groupes Facebook dans la veine de « Si toi aussi tu as grandi dans les années 1990, souviens-toi… ».

Une liste « enrichie », en effet. Car Internet a levé les tabous et a, en quelque sorte, permis de mettre un terme à ce schéma d’autocensure destructrice. Pour retomber en enfance, plus besoin de se briser les reins en farfouillant dans la réserve de VHS de la cave ou de racheter une console 8-Bit chez un brocanteur. La marche arrière est décomplexée, réduite à un simple clic. Avec les dérives que l’on sait : vous avez peut-être connu ces soirées gâchées sur Youtube à chercher LA vidéo du générique d’un obscur cartoon diffusé pendant quelques mois sur une chaîne du câble, ou CETTE pub glauquissime qui avait hanté vos cauchemars et que vous désiriez affronter à nouveau du haut de votre petite vingtaine. Généralement, deux écoles s’entre-déchirent à ce sujet. Internet a-t-il tué la nostalgie en rendant tous les contenus immédiatement disponibles, détruisant par la même occasion la pellicule sépia méliorative du souvenir d’enfance ? Ou la Toile n’est-elle pas plutôt une phénoménale bibliothèque du rétro, dangereuse et addictive machine à remonter le temps distillant des micro-doses de paradis artificiels à chaque lien hypertexte ? Malgré le fait qu’elle ne soit pas née dans les méandres du web comme sa petite sœur Z, la génération Y s’est directement appropriée la technologie, et par cette auto-contemplation, elle ne cesse de découvrir des sens cachés, des qualités insoupçonnées et de nouvelles dimensions aux grands classiques de son enfance. Ne niez pas, même si comme tout le monde, les dernières nouveautés vous emballent, vous l’avez tous pensé : nos dessins animés étaient bien plus fins et mieux scénarisés que ceux d’aujourd’hui, nos jeux vidéo, bien que tout moches et pixellisés, demeurent des légendes, nos BD étaient plus amusantes que les insipidités kawaii des années 2010… Bien sûr, dans un monde qui ne s’est toujours pas remis de l’explosion d’ultimerie des années 60, il serait stupide de dire que la génération des nineties a inventé la nostalgie, mais elle l’a propulsée à un niveau où, de fait, le passé et le présent se confondent totalement.

La fin du « complexe de la nostalgie » a été bien sentie par quelques pionniers, qui profitent maintenant d’une situation stable de stars du Net, qui font et défont l’opinion sur la culture pop des années 80-90. L’un des plus célèbres est l’Angry Video Game Nerd. Tout commence en 2004, lorsque James Rolfe, un geek jovial du New Jersey, se met à réaliser de brèves reviews filmées de jeux vidéo NES, qu’il fait alors tourner parmi ses amis. A l’époque, notre homme a 24 ans et cela fait déjà un petit bout de temps qu’il manie la caméra avec un certain talent. Cinéphile et fan de films d’épouvante, James a déjà réalisé quantité de courts-métrages amateur (à l’instar d’une certaine « On n’a Pas Envie Production »…). Dans ces nouvelles vidéos, il campe une caricature de lui-même, un no-life grossier et impulsif qui emploie moult métaphores scatologiques pour décrire les immondices vidéoludiques qu’il a le malheur de tester. Sans le savoir, il jette les bases de ce qui fera sa popularité mondiale… Une attitude frustrée et hargneuse, du comique de situation, et un running-gag fédérateur : « I’d rather… [insérez une torture atroce impliquant généralement des matières fécales et/ou le rectum] than playing this shitload of fuck ! » Lui n’a aucune intention de rendre ces petits sketches publics, mais ses amis, hilares, l’encouragent à mettre les vidéos en ligne. Après quelques semaines, il est repéré par un grand site de jeux vidéo qui l’encourage à réaliser d’autres épisodes. Porté par son concept novateur, un jeu de scène accrocheur et l’énorme demande de nostalgie de la génération Youtube, il gagne en popularité chaque jour. Les vidéos se font plus longues, la réalisation s’améliore et Rolfe développe son personnage. Le Nerd affronte parfois physiquement une version costumée des héros dont il teste les jeux à licence : Bugs Bunny, le Joker, Freddy Krueger s’invitent ainsi dans les épisodes, donnant lieu à des digressions récréatives où James fait preuve de ses qualités de metteur en scène. Et financièrement ? Oh, ça va pas si mal, tout ceci donne lieu à un merchandising assez faramineux : DVD, casquettes, T-Shirts… Ajoutez à cela les importants dons privés, les revenus par la publicité et les sites Internet diffusant le show… Et James peut maintenant vivre de sa passion. Actuellement, notre self-made man vient de passer la trentaine, est marié et investit les sous du Web dans une multitude de projets périphériques : courts-métrages, reviews de jeux de société ou même sketches Pérussiens sur des aspects irritants de la vie quotidienne. Et les vues ? Oh, elles se comptent en dizaines de millions, quelque chose comme ça.

James Rolfe a-t-il inventé un concept ? Ma foi non : le rétrogaming ne l’a pas attendu pour exister. D’autre part, il y a six ans de cela, certaines chaînes de télévision spécialisées mettaient déjà en scène des gamers, testant un jeu dans les conditions du direct : vous vous souvenez peut-être du précurseur Level One et de son présentateur bonhomme, Marcus, sur la chaîne Game One. Et, bien évidemment, il existe depuis vingt-cinq ans une presse spécialisée dotée de journalistes de talent qui, de temps à autre, s’autorisent une petite séquence défouloir sur un soft particulièrement mauvais. Mais dès la création de Youtube, le Nerd était là, et avec lui, un nouveau format : la review face caméra, présentée par Monsieur Tout Le Monde, pour tout le monde. Sa réussite, James la doit avant tout à des amis au nez fin et à ses talents personnels : il joue juste, manie le juron d’une manière désopilante et a ce charisme sympathique du brave type avec qui l’on aimerait boire une bière un de ces quatre. Il tient d’ailleurs souvent à remercier ses potes en les faisant apparaître dans ses vidéos : l’un d’entre eux lui a composé un thème accrocheur, qui n’a pas tardé à devenir un standard du Net. A chaque vidéo, le Nerd tient à donner quelques explications sur le contexte de sortie du jeu ou de la console qu’il critique, transformant chaque review en un petit cours d’histoire vidéoludique. La nostalgie est décomplexée, le nolifisme plus sexy : jackpot ! Depuis, le concept a été dérivé et copié à maintes reprises : l’Irate Gamer, le Happy Video Game Nerd, et tout un tas de « Let’s Play » (vidéos qu’on peut qualifier de Level One amateurs) réutilisent avec plus ou moins de talent les ficelles du show original, sans néanmoins en tirer la popularité ou les recettes équivalentes. A noter cependant, l’exception de l’AVGN français, alias le Joueur du Grenier. Ayant démarré ses activités en septembre 2009 et assumant pleinement son enthousiasme pour la série de James Rolfe, Frédéric Molas prend logiquement la place gratifiante de reviewer français numéro 1. Comme son idole, Frédéric se concentre sur les vieux jeux pourris. Comme son idole, il pique une crise de nerfs à chaque test. Comme son idole, il termine ses épisodes en détruisant l’infamie à laquelle il vient de jouer. Evidemment, le rayonnement et le budget ne sont pas les mêmes, mais après seulement 14 épisodes, le Joueur du Grenier est déjà une star de l’Internet francophone. Et il le mérite amplement : ses critiques sont assez poilantes, et ont un certain potentiel de revisionnabilité. Comme chez l’AVGN, les jeux sont si spectaculairement pourris qu’ils font l’essentiel du show.

« Hello, I’m the Nostalgia Critic. I’ll remember it so you don’t have to! » Tous les mardis, Doug Walker démarre ses reviews de films et de dessins animés des années 80 et 90 en fanfare, par la même phrase joyeuse de bienvenue.. Avant de sombrer dans divers types d’états psychotiques du fait des incroyables navets qu’il visionne. Lui a commencé en 2008 et a tout de suite acquis une notoriété conséquente, bien que très anglophone, je le conçois. Ah, la barrière de la langue… Originaire de Chicago, Doug travaillait à l’origine comme illustrateur. Puis, comme ça, pour s’amuser, ce cinéphile s’est mis à réaliser quelques vidéos vite torchées, les « 5 second movies », qui, comme leur nom l’indique, résumaient de grands classiques du cinéma en cinq secondes. Là, tout de suite, ça ne mange pas de pain. Mais en parallèle, le Critic avait décidé de faire quelques critiques filmées de nanars bien choisis, qu’il uploada également sur Youtube. Succès immédiat. Comme le Nerd, Doug sait se débrouiller, seul face à une caméra : les reviews sont pêchues, hilarantes, référentielles et, au fil des épisodes, on constate qu’il est plutôt bon comédien. Les vannes fusent, du comique de situation au vocabulaire ordurier, mais dans une version un poil plus complexe que les jurons de son semblable ludonumérique James Rolfe. Malheureusement, les gâche-métiers numéro 1 de l’industrie Youtube, j’ai nommé les géants du cinéma, font supprimer toutes les vidéos en vertu des sacro-saints droits d’auteur, probablement vexés par les critiques acerbes et pertinentes de Doug. Enorme coup dur pour les fans. Notre homme se découvre alors une fibre entrepreneuriale et, à l’aide d’un webmestre plus expérimenté, monte son propre site où il pourra enfin diffuser son show en paix : ThatGuyWithTheGlasses.com. Doug a su ferrer le poisson. Il possède déjà une fanbase assez importante, et, par la recette gagnante du bénéfice sur le Web (revenus de la publicité, dons privés et merchandising), commence bon gré mal gré à faire du serious business. Il s’assure même une visibilité supplémentaire auprès des fans de l’Angry Video Game Nerd en initiant une « guerre » contre James Rolfe, à qui il fut souvent comparé à ses débuts. C’est pour rire bien sûr, les deux gaillards sont amis dans la vraie vie. Mais les bénéfices financiers, eux, sont bien vrais. Comment Doug les réinvestit-il ?  Au départ, ce ne sont que quelques évolutions dans la qualité d’enregistrement de ses vidéos, mais il finira par constater que son hobby lui rapporte suffisamment pour lâcher son ancien boulot. Actuellement, son show rassemble de 100 000 à 200 000 spectateurs par semaine, et d’après Wikipédia, il assure le versement du salaire de son webmaster. Dans un récent épisode, le Critic, 29 ans cette année, a confié qu’il faisait le plus beau métier du monde, même s’il a toujours un peu honte de dire qu’actuellement il réalise une critique des Bisounours : Le Film…

Le site ThatGuyWithTheGlasses.com rassemble maintenant une vingtaine de critiques de tous types et de tous horizons, présentant chacun leur show vidéo. Parmi les plus célèbres, la « Schtroumpfette » de service, la Nostalgia Chick, et même un petit Français, Benzaie (prof d’anglais dans le civil), qui, chacun dans leur domaine d’activité, refont les années 90 à leur sauce. Comme le Nerd, le Critic a diversifié son offre, parfois au grand dam des fans de la première heure qui réclament, en substance, plus de crises de colère et moins de sketches digressifs. Mais l’inventivité comique du chef les ramène souvent à la raison. La websérie a généré de nombreux mèmes (running-gags du Net), créant une sorte de communauté comique. La différence est que, contrairement à la plupart des phénomènes Internet, ils ne sont pas faits à son détriment, et la marrade se fait au premier degré. Epic Win ? Pour revenir à notre problématique de départ, le Nostalgia Critic s’inscrit dans une prétention second-degré très affirmée, cet aspect régressif plus ou moins assumé, qui va se chercher des excuses en louant les qualités scénaristiques et les messages « adultes » des vieux cartoons, tout en sachant reconnaître la nullité effroyable de ratages comme Tom et Jerry : Le Film, Space Jam ou Batman and Robin. En effet, comme pour le Nerd, il y a cette fascination pour le mauvais sous toutes ses formes, la plupart des reviews s’apparentant à des pamphlets cyniques et cruels. Bien sûr, c’est parce que c’est plus rigolo. Mais, d’autre part, les épisodes ont une prétention analytique, identifiant des procédés marketing ou des méta-concepts diablement intéressants. Le plus emblématique de ceux-ci reste le « Big Lipped Alligator Moment » (ou BLAM), référence à une obscure scène du dessin animé de Don Bluth Charlie, mon héros (1996). Le concept désigne toute scène complètement inutile dans une œuvre, relevant souvent du délire personnel de l’auteur et n’ayant aucune incidence sur le scénario, et dont on ne reparle plus jamais par la suite.

A ce propos, un site est passé maître dans l’art d’analyser et de décortiquer les clichés de la culture pop d’hier et d’aujourd’hui : TVTropes. En somme, TVTropes est un wiki qui consiste à référencer le maximum de « tropes » (procédés scénaristiques et de mise en scène) qu’il est humainement possible de trouver dans une œuvre. La force du site, les administrateurs le reconnaissent eux-mêmes, est le fascinant mélange de reconnaissance et de nouveauté qui saisit les esprits fragiles des internautes curieux qui osent s’aventurer sur ses pages. A la manière d’une « soirée Wikipédia », en encore plus addictif, on s’amuse à entrer ses produits culturels favoris dans la barre de recherche pour obtenir la liste des clichés et informations diverses que les fans ont pu dénicher sur le sujet. Puis, comme sur Wikipédia, on clique sur un lien interne particulièrement intéressant, puis un autre, et l’on se perd dans le système tentaculaire et intellectuellement jubilatoire du site. Devant quelques articles, on ne peut réprimer un sourire d’acquiescement ou même un « Ah ouiiiiiii exactement ! » éberlué. TVTropes est diaboliquement chronophage : « It will ruin your life », disent ses adeptes. Il est l’illustration parfaite de ce qu’ont en tête les rétrogamers, les rétroviewers, les rétro-tout : « Je vais perdre mon temps en me replongeant dans les vieux trucs cultes de ma jeunesse, mais mon esprit adulte ne va pas s’empêcher d’y trouver une prétention intellectuelle ». Fascinant.

La liste des Tropes les plus célèbres.

Les « rétrovisionneurs » ont pris le contrôle du Net. Ils ont fait leur trou, développé un business lucratif et ont su capter les vibrations d’une génération en quête de sens. Le plaisir coupable du voyage dans le temps fait maintenant partie des principaux objectifs des internautes dans le monde, après le porno et la recherche d’informations pratiques.  Mmh, traitez-moi de geek si vous voulez. Mais si nous sommes appelés à continuer la belle aventure de la création culturelle et à nous forger nos propres grands classiques des années 2010, nous restons tous de grands enfants, et la Toile fait tout pour nous le rappeler. Le phénomène gagne la France, faisant l’objet de traductions et de créations originales, et dans un monde à la nostalgie globalisée, il peut être intéressant de se demander à quoi ressembleront les rétrovisionneurs du futur. “Hello, I’m the Nostalgia Android. I’ll remember everything that exists so you don’t have to. Remember this fucking Twilight phenomenon in the early twenty-first century? What a huge catastrophe of aaaaasss!”

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2. Echec critique sur trois dés ?
3. La Foule aime les geeks

© Alex pour OmniZine - L'omni-webzine des omnivores de la culture, des sports et de la geekitude !, 2010. | Permalien | 2 commentaires