Orquestrando | literatura e música erudita

Nem eles resistem

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Mon, 09 Nov 2009 11:39:52 PST

What are you doing? Possivelmente você já viu essa famosa perguntinha que requer uma resposta que contenha, no máximo, 140 caracteres. E se você a viu, provavelmente foi no Twitter, o serviço de microblogging mais popular do planeta, que inclusive tornou-se uma febre da era digital. E por causa dele a Internet já pode ser dividida em duas fases. A pró e a pós-Twitter. Ainda assim, os mais conservadores, e até mesmo aqueles que ainda não “twittaram” nenhuma vez, discutem intensamente em fóruns, sites e blogs a real utilidade dessa ferramenta. No entanto, profissionais de diversas áreas tem feito uso dela para compartilhar ideias, conquistar clientes e informar. Seguindo a mesma linha, músicos, compositores, jornalistas e críticos musicais não resistiram ao fenômeno. Eles encontraram uma forma eficiente de se relacionar com o público, seja para divulgar suas análises, reportagens, artigos ou comentar sobre o último concerto.

Aproveitando a dica postada no Twitter pelo crítico britânico Norman Lebrecht (@NLebrecht), autor de Maestros, Obras primas e Loucuras, um dos livros já discutidos nesse blog, coloco abaixo a relação de pessoas e entidades ligadas ao cenário da música clássica mundial que podem ser encontradas na rede. Os créditos da lista vão para o relações públicas Marc Bree, que disponibilizou as informações em seu site pessoal. Sua compilação foi inspirada em uma postagem de Amanda Ameer no Arts Journal.

Embora esteja em inglês, a lista traz inicialmente mais de 150 contas, mas a ideia é que ela aumente. Este post será atualizado de acordo com as atualizações de Marc. No entanto, não há nenhuma instituição ou músico brasileiro contido nela. Se você segue alguém do cenário nacional, por favor, deixe um comentário indicando as informações para que ele seja adicionado à relação.

Pessoas

Jornalistas / Críticos musicais

@anastasiat: Anastasia Tsioulcas, Gramophone, Billboard
@andrewpatner: Andrew Patner, Chicago Sun-Times, WFMT
@classicalbeat: Anne Midgette, Washington Post
@davidsrebnik, David Srebnik, Virtuoso Voices
@harryfiddler: Harriet Cunningham, Sydney Morning Herald
@jessicaduchen: Jessica Duchen, The Independent
@nightafternight: Steve Smith, New York Times, Time Out New York
@gailwein, Gail Wein
@gsandow: Greg Sandow, Wall Street Journal, ArtsJournal
@sethcolterwalls: Seth Colter Walls, Newsweek, Huffington Post
@kozinn: Allan Kozinn, New York Times
@NLebrecht: Norman Lebrecht
@operalastnight: Andrew Mellor
@pholland, Peter Holland, Edith Cowan University
@pierreruhe: Pierre Ruhe, Atlanta
@WFMTweetie: Louise Frank, WFMT

Blogueiros

@adaptistration: Drew McManus, arts consultant, Adaptistration, http://www.adaptistration.com
@AJDoug: Douglas McLennan, Diacritical, http://www.artsjournal.com/diacritical/
@arkrausehardie: Rebecca Krause-Hardie, http://arts.typepad.com
@artfulmanager: Andrew Taylor, The Artful Manager, http://www.artsjournal.com/artfulmanager/
@bobopera: Bob Kingston, Dramma Per Musica, http://drammapermusica.wordpress.com
@frindley: Yvonne Frindle, Thomasina’s Last Waltz, http://frindley.typepad.com/
@galenbrown: Galen Brown, Sequenza21, http://www.galenbrown.com/
@gaspsiagore: Jennifer Peterson, http://operamission.org/
@handelopera: Jennifer Peterson, http://operamission.org/
@helenobrien: Helen O’Brien, Piano Pedagogy, http://www.pianopedagogy.wordpress.com
@kulturmanager: Christian Henner-Fehr, Kultur Management, http://kulturmanagement.wordpress.com/
@mcmvanbree: Marc van Bree, Dutch Perspective, http://mcmvanbree.com/dutchperspective
@missmussel: Marcia Adair, The Omniscient Mussel, http://theomniscientmussel.com
@musicbizkid: James Harrington
@ogiovetti: Olivia Giovetti, http://oliviagiovetti.wordpress.com/
@operachic: anonymous, Opera Chic, http://www.operachic.typepad.com/
@otterhouse: Rolf den Otter
@pattyoboe: Patty Mitchell, http://oboeinsight.com/

Músicos

@asie: Arlene Sierra, composer
@AyseDenizGokcin: AyseDeniz Gokcin, pianist
@codycomposer: Cody Wright, composer
@composerjsh: James Holt, composer
@conductorphx: Michael Christie, conductor
@danielgilliam, Daniel Gilliam, composer
@Danielledeniese, Danielle Deniese, soprano
@davidbruce: David Bruce, composer
@davidlittle: David T. Little, composer
@donrobertson, Don Robertson, composer
@eoutwater: Edwin Outwater, conductor
@galenbrown, Galen Brown, composer
@hallmancomposer, Joseph Hallman, composer
@jasonweinberger: Jason Weinberger, conductor
@marlissahudson: Marlissa Hudson, soprano
@mhindson2000: Matthew Hindson, composer
@nic_ren: Nicola Renshaw, composer, bassoonist, pianist
@nicomuhly: Nico Muhly, composer
@rgolightly: Randy Gibson, composer
@soloflute: Joshua Smith, flutist
@tanyatheviolist: Tanya S, violist
@valentinacuden: Valentina Cuden, soprano
@violincase: Hilary Hahn, violinist
@YujaWang: Yuja Wang, pianist

Diretores / Administradores / Indústrias

@8bbadvocate: Christopher Richardson, Eight Blackbird
@amandaameer: Amanda Ameer, First Chair Promotion
@artsgroupsales: Ceci Dadisman
@artsmandyment: Amanda Loerch, Fairfax Symphony
@audiencedevspec: Shoshana Fanizza, Audience Development Specialists
@bean: Jean Shirk, San Francisco Symphony Orchestra
@cjpr: Christina Jensen, Christina Jensen PR
@curzonproduct: Sebastian Petit
@dotdotdottweet: Steven Swartz, DotDotDot Music
@hollychickman: Holly Hickman, Owner, Uptempo Marketing
@frank_tentler: Frank Tentler, Germany
@GBayliss, Gavin Bayliss, London Symphony Orchestra
@glennpetry: Glenn Petry, 21C Media Group
@LaceyH: Lacey Huszcza, Los Angeles Chamber Orchestra
@PhilipWilder:Philip Wilder, 21C Media Group
@mlaffs: Maura Lafferty, New Century Chamber Orchestra
@baroquedaniel: Marketing Associate, Chicago Opera Theater
@rachelrossos: Rachel Rossos, New Century Chamber Orchestra
@rollit98: Jeff Collier: Bismarck-Mandan Symphony Orchestra
@SarahBaird: Sarah Baird, Boosey and Hawkes
@BklsweetMedia: Amanda Sweet, Bucklesweet Media
@CarnegieMatt: Matt Carlson, Carnegie Hall
@mollyblock: Molly Block, Artsmarketing Services, Inc.
@seanmgross: Sean Gross, 21C Media Group
@TSOLaura: Laura Quinn, Toronto Symphony
@welzkauffman: Welz Kauffman, Ravinia Festival

Organizações Orquestras

@ARSymphony: Arkansas Symphony Orchestra
@atlantasymphony: Atlanta Symphony
@BaltSymphony : Baltimore Symphony Orchestra
@BerlinPhil: Berlin Philharmonic
@bostonsymphony: Boston Symphony Orchestra
@BPOrchestra: Buffalo Philharmonic Orchestra
@chi_sinfonietta: Chicago Sinfonietta
@ChicagoPhilharm: Chicago Philharmonic
@chicagosymphony: Chicago Symphony Orchestra
@CleveOrchestra: Cleveland Orchestra
@CO_Symphony: Colorado Symphony
@coronasymphony: Corona Symphony, California
@DallasSymphony: Dallas Symphony Orchestra
@fairfaxsymphony: Fairfax Symphony
@flagsymphony: Flagstaff Symphony Orchestra
@gcsymphony : Gulf Coast Symphony Orchestra
@gjso: Grand Junction Symphony Orchestra, Colorado
@gvillesymphony : Greenville Symphony
@HouSymphony : Houston Symphony Orchestra
@LAPhil: Los Angeles Philharmonic
@liverpoolphil: Liverpool Philharmonic
@LondonSymphony: London Symphony Orchestra
@louorchestra: Louisville Orchestra
@mn_orchestra : Minnesota Orchestra
@nashvillesymph: Nashville Symphony Orchestra
@nwsymphony: New World Symphony
@nyphil : New York Philharmonic
@pghsymphony: Pittsburgh Symphony
@PhilaOrchestra : Philadelphia Orchestra
@philharmoniker: Duisburg Philharmoniker
@PortsSymphOrch: Portsmouth Symphony Orchestra
@RSNO : Royal Scottish National Orchestra
@SanDiegoSymph: San Diego Symphony
@SanFranSymphony: San Francisco Symphony
@SBSymphony: Santa Barbara Symphony
@seattlesymphony: Seattle Symphony Orchestra
@slso: Saint Louis Symphony Orchestra
@sso_notes: Sydney Symphony Orchestra
@TorontoSymphony: Toronto Symphony Orchestra
@usuo: Utah Symphony
@wcfsymphony: Waterloo-CF Symphony
@WstmrlndSymphny : Westmoreland Symphony, Pennsylvania

Conjuntos

@eightblackbird: Eight Blackbird
@fearnomusic, fEARnoMUSIC
@HandelChoir: Handel Choir, Baltimore
@kronosquartet: Kronos Quartet, San Francisco
@LACOtweets: Los Angeles Chamber Orchestra
@musicFabrik: musikFabrik, Cologne, Germany
@MusicofBaroque: Music of the Baroque, Chicago
@newspeakmusic: Newspeak Music, New York
@philly_camerata: Philadelphia Camerata
@silkroadproject: Silk Road Project
@violaduo: Slapin-Solomon Viola Duo
@virtuosi: Virtuosi of Houston
Apresentações, espaços e festivais
@aspenmusic: Aspen Music Festival
@Bimhuis: Bim Huise, Amsterdam, the Netherlands
@BuehnenHalle: Buehnen Halle
@carnegiehall: Carnegie Hall, New York
@chambermusicnw: Chamber Music Northwest
@DaCameraSociety: The Da Camera Society
@Gewandhaus: Gewandhaus Leipzig
@Lincoln_Center: Lincoln Center, Washington, New York
@muziekgebouw: Muziekgebouw, Amsterdam, the Netherlands
@RaviniaFestival: Ravinia Festival
@SegerstromArts: Segerstrom Arts Center, Costa Mesa, California

Companhias de Ópera

@AustinOpera: Austin Opera, Texas
@CanadianOpera: Canadian Opera Company, Toronto
@ChicagoOpera: Chicago Opera Theater
@chicagovanguard: Chicago Opera Vanguard
@cincinnatiopera: Cincinnati Opera
@DivergenceDiva: Divergence Vocal Theater
@E_N_O: English National Opera
@HouGrandOpera: Houston Grand Opera
@LondonLyric: London Lyric Opera
@lyricopera: Lyric Opera Chicago
@MetOpera: The Metropolitan Opera, New York
@pacificoperavic: Pacific Opera, Victoria, BC, Canada
@palmbeachopera: Palm Beach Opera, Florida
@RoyalOperaHouse: Covent Garden, London
@SacramentoOpera: Sacramento Opera
@usuo: Utah Opera
@VancouverOpera: Vancouver Opera

Mídia

@ArtsJournalNews: Arts Journal
@BBCMusicMag: BBC Music Magazine
@culturemonster: LA Times Culture blog
@nytimesmusic: New York Times music section
@sequenza21: Sequenza21, blog
@virtuosovoices: Virtuoso Voices
@WFMTclassical: WFMT Radio, Chicago
@wuol: Classical 90.5
@wvclassical: West Virginia Public Radio

Outros

@21cmediagroup: 21C Media, Public Relations firm
@ArtistManagr: ArtistManager.Net
@AspenInstitute: Aspen Institute
@bachtrack: Alison Karlin, classical music listings
@dilettantemusic: Dilettante Music, online hub
@naxosrecords: Naxos Records
@NonesuchRecords: Nonesuch Records
@OrchCanada: Orchestra Canada, association
@peabodytweets: Peabody, Baltimore

Filarmônica de Israel realiza concerto gratuito em Paulínia

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 21 Oct 2009 05:37:37 PDT

A Orquestra Filarmônica de Israel, sob a batuta do lendário maestro indiano Zubin Mehta, realiza no próximo domingo, 16, um concerto gratuito na cidade de Paulínia (SP) com obras de J. Strauss, Haydn e Beethoven. Em turnê pela América do Sul durante este mês, além de outros dois concertos que acontecem no município, nos dias 8 e 12, também estão no roteiro São Paulo, Ribeirão Preto (SP), Curitiba e Rio de Janeiro. Fora do Brasil, as apresentações se estendem à Argentina, Uruguai e Chile.

O segundo concerto realizado na cidade de Paulínia, há 120 km da capital paulista, está com os ingressos praticamente esgotados. No entanto, conforme anunciou na última sexta-feira 7 durante entrevista coletiva, o maestro Zubin Mehta escolheu o município para realizar um terceiro programa gratuito e ao ar livre. Patrocinado pela EPTV em parceria com a CPFL, este ocorre no dia 16, às 16 horas, no Parque Brasil 500. Não será necessário a retirada de ingressos, já que o local tem capacidade para mais de 60 mil pessoas. Esta é uma oportunidade para prestigiar a sonoridade e performance da orquestra, já que para assisti-la nas salas de concerto os ingressos variam de R$ 40 a R$ 300 reais.

As apresentações integram o programa Concertos Paulínia 2009, uma série de nove concertos internacionais sediados pela cidade entre julho e novembro, dos quais participam a Orquestra de Câmara de Berlim, a Filarmônica de Israel, o quarteto de cordas de Leipzig, a Orquestra da Academia de Viena e a Filarmônica de Buenos Aires, além de solistas de países como França e Alemanha.

Paralelamente, apresentam-se na cidade em outras ocasiões, e também com convidados internacionais, os Solistas de Paulínia, formado por Pablo de León (violino), Horácio Schaefer (viola) e Roberto Ring (violoncelo). Todos possuem passagens por renomadas orquestras brasileiras, incluindo a Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp). Os investimentos da Prefeitura Municipal no projeto visam inserir a cidade no cenário erudito nacional, geralmente restrito a São Paulo e Rio de Janeiro.

Este é um dos concertos mais esperados no Brasil para este ano. Fundada em 1936, hoje a Filarmônica de Israel é considerada pelos críticos como uma das melhores do mundo. Ela já foi regida pelos maiores maestros nos últimos 70 anos, além de contar com as participações dos mais renomados solistas do cenário erudito internacional. Zubin Mehta, à frente da Orquestra desde 1968, é tido como um dos mais influentes e importantes regentes operísticos e orquestrais da atualidade, atuando, inclusive, como convidado de orquestras como a Filarmônica de Munique, Viena, Berlin, Los Angeles e Nova York. Também possui um extenso histórico de gravações das mais variadas obras do gênero.

O concerto do dia 16 terá as seguintes obras:

J. Strauss
Overture to Fledermaus "O Morcego"

J. Haydn (1732 - 1809)
Concerto para Trompete

J. Strauss
Kaiser Waltz
Tritsch Tratsch, Polka
Unter Donner und Blitz, Polka

L. van Beethoven (1770 - 1827)
Sinfonia nº 7 em lá maior op. 92

Serviço:
Orquestra Filarmônica de Israel
Regência: Zubin Mehta
Dia 16 de Agosto, domingo, às 16 horas
Parque Brasil 500, Paulínia, SP
Av. Prefeito José Lozano de Araújo, 2255 (atrás do Theatro Municipal de Paulínia)

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Martins: uma paixão perpétua

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Mon, 10 Aug 2009 05:41:28 PDT

O pianista e maestro João Carlos Martins, considerado um dos maiores intérpretes de Johann Sebastian Bach, fala sobre sua carreira, perspectivas e o trabalho que desenvolve à frente das orquestras Bachiana Filarmônica e Bachiana Jovem. Em 2004, o documentário alemão intitulado Martins-passion, Die, (A paixão segundo Martins), contou a história do músico que, no auge de sua carreira, precisou abandonar os palcos em decorrência de um acidente. A solução encontrada para viver novamente as frequências musicais veio mais de 10 anos depois, quando, mesmo com dificuldades, encontrou na regência uma forma de realização artística.

Parte 2

Parte 3

Um tríplice a quatro

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 29 Jul 2009 06:47:34 PDT

A pianista argentina Martha Argerich e os irmãos Capuçon interpretam o Concerto Tríplice de Beethoven sob a regência do maestro venezuelano Gustavo Dudamel.

Maestros, obras primas e loucura: um relato

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 07 Jul 2009 09:59:03 PDT

O estudo musical pode ser considerado como um dos campos mais vastos do conhecimento humano. Não apenas pela quantidade de gêneros e obras que concentra, nem por aquelas que inevitavelmente surgirão, mas pelo grau de perfeição com que esta precisa ser concebida e interpretada. Além disso, uma classe de músicos, que não necessariamente arrancam sons dos instrumentos, mas gerenciam todos eles nas salas de concerto, devem estar com os ouvidos aguçados. Porém, nesse cenário nem todos os compositores, intérpretes e regentes conseguem conviver com tais exigências.

Esse é um dos elementos que o crítico e escritor britânico Norman Lebrecht, um dos mais respeitados comentaristas da música erudita da atualidade, aponta em seu último livro, Maestros, Obras Primas e Loucura: a vida secreta e a morte vergonha da indústria da música clássica.

Publicado na Inglaterra em 2007 e lançado recentemente no Brasil, sua obra apresenta os bastidores da brilhante e lucrativa indústria da gravação, as disputas por poder que caminharam junto ao desenvolvimento das tecnologias de captação sonora, seus personagens e como estes conseguiram adoecer os órgãos que compõem a música erudita.

Lebrecht faz um resgate histórico focalizando o início da era da gravação e como ela se tornou um desejo para homens ousados que alcançaram poder após sucessivos fracassos. Recheado de datas históricas envolvendo os principais músicos que se entregaram a esse “pecado”, seja na intenção de eternizar suas interpretações ou de faturar milhões com um contrato com os selos de gravação, ele não deixa de destacar ao longo de todo o livro como o interesse econômico superou a intenção de expandir esse gênero musical.

Os historiadores e estudiosos são harmônicos quanto ao fato de a primeira gravação ter ocorrido em 1877, um feito realizado pelo inventor Thomas Alvas Edison, que conseguiu capturar a própria voz em um fonógrafo ao entoar a canção Mary had a little Lamb (Maria tinha um carneirinho). A primeira gravação profissional que viria ser a propulsora desse reinado aconteceu em 1902, quando o tenor napolitano Enrico Caruso aceitou receber um cachê para contribuir com o início do processo que, como descrito por Lebrecht, ocasionou o declínio da música erudita.

O autor não descarta a contribuição que a indústria deu à difusão desse conhecimento, que até 1920, quando a novidade deslanchou, só poderia ser conferida nas salas de concerto, frequentadas em sua maioria pela burguesia. Para os mentores desse projeto e seus colaboradores, os próprios músicos, essa seria a chance de eternizar uma obra sem falhas e próxima à perfeição.

Sua redação prende o leitor e, em alguns utilizando certo ironismo, Lebrecht consegue plantar um sentimento duplo em quem acompanha seu relato. No livro, o autor resgata a visão do conservador Artur Schnabel, pianista do século passado que alegou aos sedutores que “o ato de gravar vai contra a própria natureza da execução musical”, porque isso elimina o contato visual entre executante e ouvinte, ato que desumaniza a arte. Para ele, a execução musical é um momento único no tempo. Uma mesma obra jamais terá o mesmo brilho duas vezes.

Outros, como o renomado e aclamado maestro Hebert Von Karajan, deviam tudo o que tinham graças aos estúdios. Karajan tornou-se conhecido por dirigir a Filarmônica de Berlim, uma das mais tradicionais e respeitadas do mundo. Seu reinado durou cerca de meio século, e suas gravações com essa e outras orquestras totalizaram mais de 200 milhões de discos vendidos, o elevando ao grau de artista clássico mais consumido.

Karajan foi um mixto de estrela e de ditador. Considerado como um dos maiores regentes que o mundo já viu, as coisas deveriam acontecer da forma como ele queria, e fazia de tudo para que sua opinião sobre os mais variados temas prevalecessem. Sua influência foi mais política do que musical, embora fosse considerado uma lenda viva. Mas isso era esquecido quando lembravam-se de seu forte temperamento. E foi com essa "garra" que se tornou um dos maiores milionários da indústria da música erudita.

Apenas um desabafo

Maestros, obras primas e loucura é divido em três sessões. A primeira, que se restringe ao desenrolar da história da gravação de música clássica, ainda leva o leitor a entender o contexto em que surgiram os principais selos do gênero e como estes seduziram os mais renomados músicos desse cenário. Obras primas eleva, com conceitos convincentes, os 100 melhores registros feitos ao longo desse primeiro século de gravação e loucura sintetiza as 20 piores, que nunca deveriam ter nascido.

Para chegar a tal resultado, Lebrecht, que é temido por produtores, intérpretes e regentes, criou uma enquete para verificar quais obras, na opinião do público, poderiam ou não ser consideradas uma raridade na produção e execução musical. Porém, ele destaca que fazer esse tipo de seleção é como catalogar os clássicos da literatura, que falam por si se devem ser eleitos ou não um marco nessa esfera.

Ele esclarece que não queria que a análise fosse realizada mediante critérios que, para alguns, poderiam ser referentes à intensidade da execução ou qualidade de gravação. E alerta que essa ainda pode não ser a lista ideal quando se trata das melhores obras, mas que a proximidade é similar.

A título de informação, entre as piores está registrado o disco Moment of Glory, gravado em 2000 pela Orquestra Filarmônica de Berlim e a banda de Rock Scorpions. Lebrecht aponta que isso ocorreu em um momento desesperador para a orquestra, que como tantas outras buscam um meio de gerar lucros para não morrer de fome. O maestro Simon Rattle, que não participou dessa “loucura”, considerou o feito como uma ideia horrível, e avisou aos músicos que aquilo não deveria se repetir. Para o autor do livro, as canções eram uma mistura de trilhas sonoras dos filmes de James Bond e velhos sucessos dos Rolling Stones.

Entre as melhores encontra-se a versão de 1955 das Variações Goldberg, de Johann Sebastian Bach, interpretadas por um pianista canadense de 23 anos que era definido como maluco, que murmurava enquanto tocava, se vestia inversamente às condições climáticas e que carregava sua própria banqueta de piano. Mais tarde, o mundo soube quem era Glenn Gould, que se tornou um dos maiores intérpretes da música do Bach. Gould se enamorou tanto pelos estúdios que, nove anos depois desta que foi sua primeira experiência de registro fonográfico, não quis mais saber de apresentações públicas, dedicando o resto de sua vida às gravações, que foram interrompidas quando faleceu, aos 50 anos.

Dentre as 100 melhores selecionadas pelo autor, a obra mais vendida de todos os tempos no campo erudito foi o Anel dos Nibelungos, de Richard Wagner, com 18 milhões de cópias. Os méritos são da Orquestra Filarmônica de Viena sob a regência do maestro George Solti.

Muito mais que um relato, a obra de Lebrecht pode ser considerada como um desabafo de alguém que viveu entre essa realidade e que agora denuncia a arma utilizada para tirar a música clássica de cena. O autor projeta que a compra de CDs, que em alguns casos já representou tiragens altíssimas para o setor, não sobreviverá aos próximos anos. É a Internet quem se carregará de continuar a difundir essa tradição, já que ela contribui para derrubar a indústria e está rumo a ocupar o seu trono.

Esse sobe e desce da indústria fonográfica, nas mãos de Lebrecht, pode ser definido do mesmo modo apontado pelo jornal The Economist: “um relato formidável.”

Norman Lebrecht é editor assistente do Evening Standard e apresentador do “levrecht.live” na Rádio BBC3. Ele escreveu 11 livros sobre música, traduzidos para 15 idiomas e é considerado um dos principais comentaristas culturas do nosso tempo. Lebrecht ganhou o prêmio Whitbread First Novel de 2003 com seu romance The Songs

of Names. É autor de O mito do maestro, publicado pela Civilização Brasileira.

Google comemora aniversário de Stravinski

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 17 Jun 2009 06:02:33 PDT

O Google, maior portal de buscas da internet, presenteou os amantes da música erudita ao relembrar em sua página o nascimento de um dos maiores compositores do século XX: Ígor Stravinski. Se vivo, o pianista e regente russo completaria hoje, 17 de junho, 127 anos. Famoso por suas composições, dentre elas os balés O pássaro de Fogo (1910), Petrushka (1911) e a Sagração da Primavera (1913), Stravinski ganhou notabilidade no cenário musical por seu estilo diversificado.

Nascido em Oranienbaum, cidade situada na costa sul do golfo da Finlândia e que em 1948 passou a chamar-se Lomonosov, Stravinski cresceu não muito longe dali, em São Petesburgo. Suas influências musicais começaram em casa. Seu pai foi baixo da Ópera Imperial e sua mãe era pianista. No entanto, apesar de seu envolvimento com a música já nos primeiros anos de vida, seus pais esperavam que este se tornasse advogado. Em 1901 ingressou na Universidade de São Petesburgo para estudar Direito, curso que não concluiu devidamente e que jamais chegaria a exercer.

Paralelo aos estudos jurídicos, ele passou a dedicar mais tempo à música. Conheceu o então influente compositor russo Nilolai Rimsky-Korsakov, com quem passo a ter aulas. Ao longo de sua trajetória, compôs obras que lhe renderam prestígio tanto na Rússia, Europa e nos Estados Unidos.

Durante sua jornada estabeleceu-se em diversos países, conheceu músicos e pensadores de sua época e aventurou-se pela literatura, campo pelo qual sempre demonstrou interesse. Nessa caminhada recebeu auxílio por parte de variados colaboradores e em 1936 publicou sua autobiografia, intitulada Chronicles of my life.

Ao final de sua carreira, Stravinski estabeleceu-se nos Estados Unidos, onde teve contato mais próximo com a obra de Arnold Schoenberg. Em 1969 fixa-se em Nova Iork, onde falece dois anos depois. Seus trabalhos ainda são executados nas salas de concerto de todo o mundo. O compositor foi considerado pela revista Time como uma das 100 personalidades mais influentes do século XX.

Um concerto muito além do esperado

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 09 Jun 2009 17:25:07 PDT

Nos dias 30 e 31 de maio a Orquestra Sinfônica Municipal de Campinas mudou seu cronograma. Devido à greve dos servidores da Prefeitura, o concerto agendado previamente foi cancelado. No entanto, aqueles que ficaram chateados ao chegarem e repararem que havia apena um piano no meio do palco, ao final se surpreenderam.

Este foi o meu caso. Fazia algum tempo que queria assistir um concerto da Sinfônica. Já havia ido outras vezes e assistido alguns concertos, mas desta vez o que encontrei ao adentrar o Centro de Convivência Cultural Carlos Gomes, na sala Luís Otávio Brunier, foi inédito. Não havia a maestrina Ligia Amadio e seus talentosos músicos, mas uma pianista brasileira e radicada na Alemanha.

Fany Solter simplesmente surpreendeu. É claro que se tivesse uma orquestra ao fundo o impacto seria muito diferente. Mas ao contrário de passar 1h30 minutos ouvindo apenas uma seleção de músicas clássicas, Solter investiu criatividade em seu recital. O que, inicialmente, aparentava cansativo (já que o nome recital já remete a algo maçante) resultou num aprendizado significativo para os ouvintes.

Antes de cada música Solter analisava ou contava algum dado interessante sobre o músico e sua obra. A pianista resolveu começar pelo mais pesado: uma peça de Wolfgang Amadeus Mozart - “Variações em Sol maior sobre um tema da Ópera ‘Os peregrinos de Meca’, de Gluck.

Um gênio entre nós

A apresentação de Mozart revelou a grande virtuosidade e musicalidade de Solter, mas ao mesmo tempo cansou os ouvintes. A seguir, antes da peça “Sonata, op.13, em dó menor”, a pianista contou um pouco sobre o compositor e autor da obra Ludwig Van Beethoven. Entre os diversos aspectos, a senhora lembrou o enorme talento de Beethoven, que infelizmente não conseguiu ouvir suas últimas composições por ficar surdo. O grande nome da música acompanhava suas composições apenas através de vibrações.

Uma das melhores partes do recital foi quando Fréderic Chopin entrou em cena. Solter apresentou as peças “Estudo op.10, n.9”, “Noturno op.15, n.3” e “Scherzo n.2, op.31, em si bemol menor”. O Noturno foi algo simplesmente encantador. Solter conseguiu unir a virtuosidade, expressividade a leveza de Chopin.
A pianista enfatizou que, para ela, as obras de Chopin servem muito mais para educar e ensinar conceitos musicais.

Por isso, ela o denominou como um grande mestre. Ficou evidente o talento de Solter para apresentar obras de Chopin, já que ela já gravou em CD as obras de Câmara de Chopin.

Ao final, veio a surpresa. Solter convidou um violoncelista da Sinfônica para fazerem um dueto em uma peça com cinco movimentos de música popular brasileira. Essa parte animou a platéia que se embalava junto e aplaudia ao final do concerto em pé. A ideia de Solter não poderia ser melhor para terminar o recital de piano. Quem não foi perdeu... o evento foi completamente diferente do planejado.

Breve Biografia:

Premiada em vários concursos internacionais, como o de Munique e Vercelli. Atua como solista em concertos com várias orquestras, como a Sinfônica de Praga. Desde 1976 é Fany Solter catedrática na Hochschule fuer Musik (University of Music) de Karlsruhe, Alemanha, da qual foi reitora de 1984 até 2001.

O governo brasileiro condecorou Fany Solter com a « Medalha Villa-Lobos » pelos grandes serviços que ela tem prestado à música brasileira na Europa. No ano de 1994 recebeu do governo alemão a « Gran Cruz do Merito », a condecoração mais alta daquele pais. Em 2003 foi agraciada com a “Medalha do Mérito” do Estado de Baden-Württemberg.

Para mais dados acesse: http://www.osmc.com.br/secao.asp?i=34&c=679

Suellen Timm

Bocelli faz apresentação única em SP

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 22 Apr 2009 16:09:11 PDT

De volta ao Brasil, o tenor italiano Andrea Bocelli faz apresentação única na cidade de São Paulo nesta terça-feira, 21.O evento acontece no Parque da Independência, às 16. A entrada é gratuita.
Acompanham o tenor a Orquestra Sinfônica do Paraná e o Coro Nova Philarmônica, que se apresentam com ele desde o último sábado, no concerto que ocorreu no Rio de Janeiro. Bocelli apresentará músicas de seu último álbum, intitulado "Incanto" e as canções que marcaram sua carreira, como "Con te pártiro". (Veja trecho no vídeo abaixo)
A regência ficará sob a batuta do maestro Eugene Kohn, que retorna à cidade, onde já realizou óperas e concertos.

Considerado um cantor de óperas, Bocelli já gravou quatro delas completas: La behème, de Puccini; Il Trovatore, de Verdi; Werther, de Massenet, baseado no livro de mesmo nome do escritor alemão Johann Wolfgang Von Goethe; e Tosca, de Puccini.

O cantor ganhou popularidade na decada de 90 e desde então tem se apresentado nos mais diferentes países, inclusive no Brasil. Além disso, suas gravações não se limitam apenas ao campo erudito. Como compositor Bocelli já escreveu diversas obras de cunho popular, retratando inclusive a cultura italiana. Detentor de diversos premios por sua performance, gravou com músicos renomados dos mais diferentes gêneros, entre eles o tenor italiano Luciano Pavarotti e a canadense Céline Dion.

Constantemente participa de eventos beneficentes que buscam levantar fundos para vítimas atingidas pelos mais diversos tipos catastrofes.

Visite o site oficial: www.andreabocelli.com

Saiba como chegar ao Parque da Independência, localizado na Av. Nazareth, s/n, no Ipiranga.

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Tenor discute carreira e cenário erudito nacional

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Thu, 21 May 2009 15:48:50 PDT

Bacharel em canto pela Faculdade de Música Carlos Gomes, o tenor Wilian Dolfini foi integrante do Coro da Osesp por sete anos. Trabalhou com diversos maestros, dentre eles Eleazar de Carvalho, John Neschiling, Roberto Minczuk, Ciro Pereira, Nelson Ayres e Abel Rocha. Teve aulas na Alemanha e Estados Unidos, trabalhou como solista em diversas obras e atua como regente e instrutor vocal. Tem se apresentado regularmente em recitais e em produções operísticas no Brasil e na Europa, além de dirigir a cooperativa Músicos Independentes, recém fundada em Sorocaba, SP.
Nesta entrevista Dolfini fala dos momentos que marcaram sua trajetória artistica e a atual comenta o crescente cenário erudito nacional.

Orquestrando - Como você teve o primeiro contato com a música?

Wilian Dolfini – Em casa todo mundo estudou música. Meu pai, meus tios. Nós temos uma tradição musical muito grande em nossa família.

Orquestrando - Você se lembra com quantos anos você começou?

W D - Eu me lembro que com sete anos eu comecei a tocar flauta. Eu fiquei onze anos tocando flauta ininterruptamente. Eu gostava muito de flauta, cantava juntamente no coro da igreja, pois que eu sou de origem presbiteriana.

Orquestrando - Como você começou a cantar?

W D - Bom, eu era flautista e, na verdade, sentia que algo faltava para mim. Musicalmente eu estava realizado pela metade. Eu tenho um primo que canta na Orquestra da Filadélfia e ele veio para o Brasil fazer um recital. E então eu falei: é isso que eu quero fazer. Foi nesse dia que eu me encontrei.

Orquestrando – Depois disso você abandonou a flauta de vez ou continuou paralelamente com ela e o canto?

W D – Durante muito tempo eu fiz as duas coisas. Mas devagarzinho o canto foi tomando um lugar de importância maior. Eu realmente encostei a flauta.

Orquestrando - E nessa época quais foram as maiores dificuldades que você encontrou?

W D – Encontrar um bom professor em quem eu pudesse confiar a educação da minha voz. E também o custo. Estudar canto é um negócio muito caro, você tem que pagar professor de canto, pagar pianista, tem que assistir espetáculo. A formação do músico no Brasil é um negócio muito dispendioso. Então isso foi uma dificuldade também.

Orquestrando - Ao longo desses anos você estudou com diversos professores, muitos aqui no Brasil e alguns no exterior. Você tem alguma lembrança marcante dessa época?

W D – Na verdade sim. Eu tenho muitos bons momentos na minha memória das coisas que fazíamos em sala de aula. Especialmente com o falecido Edilson Costa, que foi meu padrinho de casamento e inclusive era o meu pai artístico. Ele e a Jocelene Galo, sua esposa, que também era minha professora. Com eles eu passei grandes momentos na sala de aula que marcaram minha vida técnica, artística, pessoal e emocional.

Orquestrando – Entre 1994 e 2001 você integrou o coro da Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp). Como se deu essa oportunidade? Como tudo isso aconteceu?

W D – Bom, foi muito legal. Eu prestei um concurso em 94 e passei em primeiro lugar. Depois ingressei no coro. Era algo que eu queria muito fazer. Eu já fazia faculdade de canto na época, estava no segundo ou terceiro ano, não me lembro, mas foi uma oportunidade incrível de fazer um repertório sinfônico muito interessante. Coisas que eventualmente a gente não teria chances de fazer se não fosse naquela instituição, com aquela estrutura. Por exemplo, peças como a Missa em Si Menor, Paixão Segundo São Mateus, de Bach, são coisas que são tão grandiosas e tão difíceis de fazer que se não for numa estrutura muito organizada como é a do Estado, teria pouca chance de fazer, então valeu demais, foi uma experiência muito bacana.

Orquestrando – Durante os sete anos que você esteve no coro da Osesp você trabalhou com os mais importantes regentes do País. Como isso te ajudou a crescer profissionalmente?

W D - Observando, prestando atenção, com carinho, com atenção mesmo, fazendo nota das coisas que eles diziam. Escrevia ali na partitura mesmo para que essas coisas se perpetuassem de alguma maneira. Eu sempre gostei muito do que faço, então eu sempre encarava cada ensaio como uma aula. Foi fantástico, foi um super curso. (risos)

Orquestrando - Existe alguma experiência marcante dessa época que você queira compartilhar?

W D - Uma vez fizemos uma peça chamada Belshazzar's Feast, de um compositor inglês chamado Willian Walton. É uma peça nova, de 1944. Fizemos com o coro da Osesp, o coro Paulistano do Teatro Municipal e a orquestra do Teatro Municipal de São Paulo. Fizemos esse concerto, que é uma das coisas mais difíceis que eu cantei na vida, mas uma das mais lindas também. E quem veio nos reger foi um maestro inglês chamado Sir David Wilcop. Esse sujeito foi pra mim um marco de que a sabedoria e a humildade andam juntas, porque cada observação, cada pedido que ele fazia para a orquestra, para o coro, era objetivo e era envolto em respeito, em carinho e musicalidade. Isso marcou.

Orquestrando - Qual é a maior dificuldade para o solista da música erudita na atualidade?

W D - O mercado de trabalho. É inexistente no Brasil. Fundamentalmente é isso. Porque é até difícil o músico se manter motivado na profissão, porque não tem mercado. Essa é a maior dificuldade.

Orquestrando – Mas nós temos visto que de alguns anos pra cá as salas de concertos tem tido um número maior de ouvintes e uma quantidade enorme de músicos internacionais tem estado aqui, talvez como um reflexo disso. Como você enxerga isso? Ainda existe muita coisa que precisa ser melhorada no cenário musical brasileiro?

W D - Acho que certamente tem muita coisa que a gente pode melhorar, mas realmente você fez uma observação muito verídica, verdadeira mesmo. Os nossos concertos estão aumentando em número, em qualidade, em espectadores. Isso é fantástico. Eu vejo nisso uma evolução mesmo. Eu acho isso, mas tem muita coisa que melhorar.

Orquestrando - E o que falta no cenário erudito no Brasil?

W D - Eu acho que falta mercado mesmo, sabe? Eu acho que nós temos músicos incríveis, nós somos grandes exportadores de músicos para o mundo inteiro. Até é um momento que eu acho interessante. Nós estamos organizando uma cooperativa de músicos em Sorocaba justamente na intenção de prover ao músico uma chance de ter uma independência profissional, porque a vida do músico ou ela está ligada a uma instituição como um corpo instável do Estado, ou uma universidade, uma igreja ou a uma escola ou a tudo isso junto. Tem muito músico que toca em cinco, seis lugares ao mesmo tempo, é uma loucura, é quase uma insanidade. Então estamos pensando numa cooperativa de músicos, um celeiro onde iremos reunir o maior número de músicos que conseguirmos, na intenção de reunir diversos tipos de trabalhos musicais, criar produtos musicais que vão desde coisas simples, como casamentos, festas, batizados, até concertos de música, ópera. A ideia é essa, trabalhar em todos os segmentos, e não só na música erudita, mas também na música popular.

Orquestrando - Que diferença você vê no cenário erudito e popular em termos de condições de trabalho?

W D - Eu não vejo muita diferença para o músico popular. Ele também sofre muito. O mercado nos compra, porque ele consome música de diversas maneiras. Na indústria tem uma série de eventos que acontecem durante o ano inteiro que as pessoas consomem música. Só que as o pessoal não tem onde buscar esse negócio. A cooperativa, na verdade, busca isso, ser um ponto onde as pessoas possam ter a sua necessidade musical satisfeita. Unimos dois pontos importantes: a necessidade do músico e a necessidade da indústria. Então acho que dessa maneira vamos criar uma oportunidade de trabalho a mais para esses músicos. Acho que é isso que falta para o mercado.

Orquestrando - Essa cooperativa estaria aberta a todos os músicos do País? Vocês também têm apoio de mais alguma entidade, de mais pessoas?

W D – Por lei sim. A cooperativa está aberta a todas as pessoas que moram no território nacional, brasileiros ou não, desde que devidamente inscritos na Ordem dos Músicos do Brasil. Nós temos o nosso escritório central e estamos fazendo uma estratégia para trabalhar com células. Nós vamos criar a célula de Sorocaba, vamos criar a célula de Piracicaba e estamos estudando a possibilidade de criar uma célula já em Curitiba para unir os músicos desses pólos e congregar essa necessidade e essa vontade de fazer música juntos e poder levar isso para o mercado.

Orquestrando - Qual o papel da Ordem dos Músicos do Brasil nesse cenário? Como ele tem contribuído para a expansão do mercado e também para melhores condições de trabalho para o músico?

W D - Essa pergunta é muito difícil. Eu sou filiado a Ordem dos Músicos desde 1987 e, sinceramente, eu encontrei tantas dificuldades no meu relacionamento com eles que acabei tornando ela na minha vida um órgão sem proveito. Eu não consigo me relacionar, realmente eles não têm nada que possa vir a me interessar, infelizmente. Eu vejo que existe uma diferença da dos Advogados, por exemplo, que falam com um determinado respeito e orgulho da ordem deles. Com os músicos é o contrário. A relação com a Ordem dos Músicos do Brasil é sempre complicada, ela é sempre parcial e isso desmotiva, sabe? A todos os músicos, não só a mim. Eu posso dizer por muita gente.

Orquestrando – Você falou em relação ao trabalho do músico tanto erudito quanto popular. O seu gênero é só erudito ou também popular?

W D - Eu estudei música erudita. Especificamente eu gosto de mexer com ópera. É isso que eu gosto. Mas eu, enquanto regente, tive que me envolver com outros trabalhos, tive que me envolver com música popular e vou ser bastante franco que pra mim foi um grande prazer. Foi um grande prazer trabalhar com música popular e fazer arranjos de coisas para coral e para grupos instrumentais. Eu tenho o foco e o coração voltado para música erudita, mas especificamente para a música sinfônica e de ópera. Mas eu acho não cantaria música popular, apesar de gostar muito. (risos)

Orquestrando - Você que já está há alguns anos no mercado como solista e também como regente. Como você avalia o preparo dos estudantes hoje?

W D - Existe uma pluralidade de informação disso que chamamos de escola de música, de ensino, tanto de canto quanto de regência, até de instrumental. Acho que a nossa cultura deixa algumas lacunas no crescimento musical, algumas coisas que são voltadas a educação mesmo. Por exemplo, o músico precisa de disciplina. O brasileiro não tem muito o hábito de ser disciplinado. O músico precisa ter disciplina, ele precisa estudar todos os dias. Eu vejo que nós temos faculdades, professores e músicos excelentes na condução dos nossos alunos. Acho que certamente nós teremos músicos incríveis daqui pra frente. Já temos e daqui pra frente ainda mais, mas, eu acho que a nossa cultura brasileira peca um pouco nisso, sabe? E o músico muitas vezes se percebe disso tardiamente. Às vezes é uma pena. O cara patina um tempão aí porque não tem disciplina. Isso é um problema.

Orquestrando - Há pouco tempo foi aprovada uma lei que garante o ensino da música nas escolas. Isso é bom para o Brasil?

W D - Eu acho isso fantástico porque a música no Brasil é uma coisa fantástica. Os nossos músicos são criativos. A nossa cultura, no consumo e na criatividade da arte é extremamente valorosa, rica. Eu acho que prover, desde a infância, uma orientação para esses que mais cedo ou mais tarde vão se despontar como músicos é fantástico. Você já vai plantar ali no sujeito a vontade de conhecer, vai plantar nele o desejo de desenvolver a curiosidade, o deslumbre, todas essas coisas que fazem parte da motivação. Sem contar os benefícios que a música traz na vida das pessoas.

Orquestrando - Hoje o músico, o cantor da música erudita, precisa dominar algumas línguas para poder trabalhar com seu repertório. Como foi isso para você? Você estudou quais línguas? Quais as dificuldades quando você é contratado para um trabalho novo cuja língua você desconhece?

W D – Excelente pergunta. Na verdade, o músico erudito tem que dominá-las mesmo, principalmente as línguas européias, o italiano, o inglês britânico, o francês, o espanhol, o alemão, sobretudo, são línguas que o cantor precisa estudar. Eu estudei todas essas línguas na intenção mesmo de poder ajustar minha profissão. Eu tenho fluência em algumas delas, por exemplo, o italiano, o inglês, eu já tive do alemão, mas o alemão você perde, porque é muito difícil. Mas eu estudei a fundo essa coisa de pronúncia, nisso eu caprichei mesmo. Não necessariamente você precisa ter domínio da língua, mas você precisa ser capaz de pegar um texto, um dicionário e saber o que é que você vai cantar, o que é que você vai interpretar, isso você precisa ser capaz de traduzir. Até porque na vida do cantor o mais importante da arte que ele pratica é justamente o texto, é a mensagem que você leva. Então isso é uma preocupação realmente muito grande que o cantor tem de ter.

Orquestrando - E como você vê o retorno de todo esse esforço?

W D – Na verdade eu não penso nisso. Eu penso que pra mim é um prazer toda vez que eu deparo com a necessidade de usar uma dessas coisas que eu estudei e ela estar lá. Eu posso, portanto, desfrutar. Então, na verdade, eu penso nessas coisas como ferramentas e eu eventualmente tenho a chance de usá-las. Então é um pouquinho cara essa coisa. Para ser cantor você tem que se aparelhar de uma série de coisas e de conhecimentos. É uma atividade difícil, mas muito prazerosa. Então é bom saber que quando você precisa de determinada coisa, você já passou por isso.

Orquestrando - Você já pensou em fazer alguma outra coisa da vida a não ser cantar?

W D - Fotografar. Fotografar e cozinhar são duas coisas que eu gosto muito. (risos)

Orquestrando - Hoje você tem isso como hobby?

W D - Eu tenho como hobby. Mas se não fosse músico acho que seria fotógrafo, talvez. (risos)

Orquestrando - Qual a obra do seu repertório que você considera mais difícil?

W D - Poxa, rapaz, eu já cantei tanta coisa muito difícil. Eu considero tudo difícil, a verdade é essa. Eu tenho humildade em dizer, porque todas as peças apresentam uma dificuldade peculiar. Eu não costumo graduar a dificuldade, eu costumo graduar os passos para atingir até a execução que me agrada e eu nunca estou satisfeito. (risos) Eu costumo pensar assim: isso é difícil? É. Ok. Então qual é a estratégia que vou ter para estudar essa peça a ponto de conquistá-la?

Orquestrando - Atualmente você desenvolve algum projeto ou está ligado a alguma instituição?

W D - Não, eu estou sem contrato, sem trabalho fixo, mas eu estou muito voltado para a cooperativa. Isso tem tomado quase todo o meu tempo. E eu acho isso bom porque no fim das contas eu quero que a cooperativa seja um sucesso.

Orquestrando - E quais seus planos para o futuro? Você pretende continuar estudando?

W D - Eu quero voltar para a escola. Quero voltar e fazer mestrado e seguir o quanto eu puder. Quero estudar mais regência, quero estudar mais canto. Eu estudo qualquer coisa, você põe na minha mão é só estudar. (risos) Mas eu quero voltar sim e fazer mais uma graduação, talvez, um mestrado ou sei lá, enfim.

Orquestrando - Você pensa em lecionar futuramente?

W D - Eu já dei aula durante muitos anos, mas eu gosto de ser músico de palco. A minha vontade é essa. Eu também gosto de lecionar. Eu tenho amor por essa atividade, mas ela nunca está nos meus planos. Se precisar ou se houver um convite ou qualquer coisa eu me disponho porque eu acho interessante, eu acho que eu voltaria a fazer, mas eu me sinto um músico de palco.

Neschiling, a Osesp e o futuro

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 21 Apr 2009 07:50:56 PDT

Nos últimos meses, muitas coisas aconteceram no cenário musical e literário. Dentre elas, talvez a mais polêmica foi a demissão do maestro John Neschiling, via e-mail, da direção artística e regência da Osesp. A história já se arrastava há algum tempo e a relação do maestro com o governo paulista não andava lá aquelas coisas. Depois de anunciar, ainda no ano passado, que não renovaria seu contrato com a orquestra, que venceria no final de 2010, Neschiling se mostrou um tanto incomodado com o fato de especularem quem assumiria seu cargo.

Sua relação com a direção tornou-se cada vez mais complicada e distante, atributos que contribuíram para que a sua demissão viesse à tona antes do combinado. Quem assumiu seu posto foi o maestro francês Yan Pascal Tortelier, filho do lendário violoncelista Paul Tortelier. Sua estréia com a Osesp aconteceu no dia 5 de abril, na Sala São Paulo. O repertório continuou com a cara de Neschiling. Foram executadas as Variações Enigma, Op. 36, de Elgar e a Sinfonia nº 2 em mi menor, Op. 27, de Rachmaninov.

Música para tupiniquins

A crítica ficou dividida em relação ao maestro. Para alguns ele vai se dar bem com a orquestra devido à grande experiência que já tem na condução de barcos sinfônicos, mas outros, no entanto, acham que ele ainda vai enfrentar um pouco de dificuldades. Um dos pontos diz respeito à música brasileira, que ele mesmo alegou conhecer pouco. Mas sua “intimidade” com a Osesp já não é de hoje. No ano passado ele esteve a frente da Orquestra em duas ocasiões, e tanto a crítica quanto o público apreciaram sua condução, fato que contou bastante na questão de sua contratação.

Tortelier tem uma carreira sólida como regente. Aos 4 anos de idade iniciou os estudos musicais em piano e violino. Com 14 venceu o primeiro Concurso de violino no Conservatório de Paris. Foi aluno de Nadia Boulanger, e posteriormente estudou regência com Franco Ferrara em Siena, na Itália. A partir disso ascendeu na carreira. Conduziu diversas orquestras, incluindo a Sinfônica e a Filarmônica de Londres. Além disso, como regente convidado esteve à frente das principais do mundo.

No entanto, os laços com a Osesp ainda não estão totalmente desfeitos. Neschiling entrou com pedido de verificação na Delegacia Regional do Trabalho em São Paulo para saber se o maestro francês tem autorização para trabalhar no País. A direção da Orquestra respondeu que Tortelier está com a situação regularizada no Brasil. Além disso, a Folha de S. Paulo apurou que o novo regente possui um salário superior ao de Neschiling, que recebia R$ 120 mil/mês.

E o futuro?

Como Tortelier está à frente da Osesp como “quebra-galho”, a decisão do novo regente a partir da temporada 2012 se aproxima. Nomes como o do superstar argentino Daniel Baremboin já foram referidos. Existe, também, a possibilidade de o próprio francês continuar com a batuta em mãos. No entanto, o Osesp precisa de um regente que, além de conduzir e continuar elevando seu grau de popularidade no mundo sinfônico, caiba no seu orçamento, ou melhor dizendo, no bolso.

YouTube cria primeira orquestra sinfônica colaborativa online

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Fri, 10 Apr 2009 05:16:15 PDT

O YouTube, o maior portal de vídeos da internet, lançou recentemente o projeto "YouTube Symphony Orchestra", a primeira orquestra colaborativa online, que pretende reunir músicos dos quatro cantos do globo.

O Google, proprietário do YouTube, contratou o compositor chinês Tan Dun para criar uma obra exclusiva para o projeto. Dun ficou conhecido pela composição da trilha sonora do filme O tigre e o dragão, que em 2 000 recebeu o Oscar de melhor trilha sonora, e por compor a trilha das Olimpíadas de Pequim.

Intitulada A symphony for YouTube (Uma sinfonia para o YouTube), ela foi originalmente gravada pela Orquestra Sinfônica de Londres no dia 6 de outubro deste ano, sob a regência do próprio Dun.

Entre os colaboradores do projeto estão a Sinfônica de Londres, o Carnegie Hall, o atual regente da Sinfônica de São Francisco e vencedor do Grammy, Michael Tilson Thomas, e o renomado pianista Lang Lang.

Proposta do projeto

A obra, gravada pela Sinfônica de Londres, está disponível no canal do projeto (www.youtube.com.br/symphony). O objetivo é que os eles se inscrevam, baixem a partitura para seu instrumento, estudem, gravem um vídeo de sua performance em relação à música e o envie para avaliação.

Além disso, quando o músico faz a inscrição e escolhe seu instrumento para fazer o download da partitura, existe um vídeo com a regência de Tan Dun para cada instrumento isoladamente, método empregado para auxiliar no estudo individual de cada instrumentista.

Os finalistas serão selecionados por um júri e por usuários do YouTube para participar da estréia da Orquestra Sinfônica do YouTube no Carnegie Hall, em Nova York, no dia 15 de abril de 2009, sob a regência de Thomas. As despesas de acomodação e viagem estão inclusas.

Os músicos podem ainda encontrar no canal do programa uma série de masterclasses ministradas por integrantes da Sinfônica de Londres. Nos vídeos, são explicadas as dificuldades da obra para cada instrumento.

A obra

Em entrevista ao YouTube, Tan Dun explica que a idéia da obra surgiu durante as Olimpíadas de Pequim. “Ouvi os barulhos das ruas de Nova Iorque, Londres, Pequim, Xangai junto com a enorme torcida, a beleza de todas aquelas pessoas ao redor. Eu estava passando por uma garagem e descobri na rua os tambores de freios de automóveis. Essas peças produziam um som bonito, basicamente dó, lá, mi. Aí comecei a batucar, tocando um belo som. Foi então que pensei: Meu Deus, isso é algo que vai além, esta é a essência da atualidade”, explica, referindo se ao estilo contemporâneo em que ela foi composta.

Com duração de aproximadamente cinco minutos, ela utiliza desde os tradicionais instrumentos orquestrais até rodas de carros, que Dan chama de tambores de freios. Segundo ele, a idéia é usar elementos da atualidade para produzir sons da atualidade, mas ainda ter um pouco das características dos compositores eruditos.

“Dá pra ver que somos todos contemporâneos, mas estamos baseados nos trabalhos dos mestres”, explica referindo-se à Beethoven e Tchaikovsky.

Dividido em quatro movimentos, o primeiro procura passar o som dos carros nas ruas das grandes cidades. O segundo, de acordo com Dun, é um reflexo de seus “ecos olímpicos”. Nele encontra se presente a famosa melodia da Sinfonia nº 3 de Beethoven, a Heróica. O terceiro lembra obras que são conhecidas dos ouvintes da música erudita, fazendo uso de elementos que estiveram presentes, por exemplo, em O lago dos cisnes, de Tchaikovsky. E por último, um movimento vivo e alegre fecha a obra.

Os vídeos devem ser enviados entre 1º de dezembro de 2008 e 28 de janeiro de 2009. A data para divulgação dos aprovados ainda não foi informada. Para saber mais sobre as regras oficiais do programa, consulte o canal YouTube Symphony Orchestra Channel (www.youtube.com.br/symphony).

Cem anos sem Machado

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 04 Nov 2009 02:52:44 PST

No dia 29 de setembro de 1908 o mundo perdia um dos mais renomados nomes da literatura brasileira. Joaquim Maria rompeu o cordão literário com o mundo há exatos cem anos. No entanto, a maioria dos leitores não o conhecem por essas iniciais, mas quando se trata de Machado de Assis, a lembrança de suas produções apontam para o autor de vários clássicos da produção literária nacional. E para falar sobre ele convidamos o professor Davi Oliveira, mestre em Literatura e Crítica Literária pela PUC-SP, para explicar alguns aspectos da vida e obra de Joaquim Maria Machado de Assis, este que é considerado um dos mais importantes escritores da nossa língua.

Orquestrando - Neste ano comemora-se cem anos do falecimento de Machado de Assis. Qual a importância desse escritor para a literatura brasileira nos dias de hoje?

Davi Oliveira - Machado de Assis foi a linha divisória na literatura brasileira. Até Machado nós tínhamos uma literatura e de Machado de Assis pra frente nós tivemos, ou temos outra literatura. O estilo Machadiano é um estilo inconfundível, especialmente na segunda fase de produção dele, porque nessa segunda fase ele trabalha já com o chamado romance e poesia, em que ele condensa o máximo possível as palavras. Ficam frases curtas, capítulos curtos, e uma característica marcante em Machado de Assis é o fato dele sair da periferia da personagem e entrar na personagem. Ele analisa muito isso. Por exemplo, se você pegar um conto de Machado de Assis, no caso O enfermeiro ou Causas secretas, vemos que o objetivo do narrador, é desmascarar a personagem. Você encontra a personagem, mas pouco a pouco o narrador vai tirando a máscara dessa personagem e dizendo quem realmente ele é. Machado de Assis se preocupou muito com essa questão de esmiuçar. Ele é praticamente o escritor do laboratório que pega o seu microscópio e olha nas pessoas e vê lá dentro os mínimos detalhes do comportamento psíquico das pessoas, desse personagem, no caso.

Orquestrando - Nascido em família humilde e com pais pobres, ele não freqüentou escola. No entanto, viria a dominar o português e o francês. Como se deu todo esse processo?

Oliveira – Na realidade, ele é oriundo de uma família de escravos, mas foi criado por uma família que tinha recursos. Ele não tinha dinheiro para estudar. O que sabemos é que ele aprendeu muita coisa ali onde a mãe dele vendia algumas coisas, algumas guloseimas e ele por certo assistia algumas aulas ali, algum curso. Agora, há um detalhe na vida de Machado de Assis, a de que ele não era bom em língua portuguesa. Sabia, evidentemente, trabalhar com a língua portuguesa com respeito a literatura, mas não tinha a questão da habilidade em trabalhar a língua em si. Agora, o francês era algo que fazia parte na época, assim como nós temos o inglês hoje, naquela época era o francês, que chegava no final do século dezenove aqui no Brasil. Acrescentando a tudo isso, da pobreza de Machado de Assis, ele também era um homem de cor, era epilético e tinha problema com gagueira. Por outro lado, Machado de Assis procurou superar isso. Ele se aproximou muito das classes elitizadas na época, fugiu um pouco da sua origem e casou com uma mulher de cor branca. Então foi uma boa aquisição que Machado de Assis fez e por isso ele é um pouco criticado por esse lado que ele se perdeu um pouco da raiz. É assim que alguns olham.

Orquestrando - Em que ocasião ele começou a escrever, qual foi o contexto?

Oliveira – A primeira fase da escrita de Machado de Assis é uma escrita que ele levou dos 15 aos 39 anos, mais ou menos, tentando aprender escrever. Essa primeira fase é a fase em que ele imita bastante José de Alencar. O romance dele não tem tanta novidade assim, mas o forte de Machado de Assis é exatamente a segunda fase dele. É nessa segunda fase que aparecem Memórias póstumas de Brás Cubas, Quincas Borba e Dom Casmurro. Aí explodia Machado de Assis conforme conhecemos hoje.

Orquestrando – Quais eram as influências que ele teve na época em que começou a escrever, principalmente na primeira fase?

Oliveira – Ele já estava no período da escola realista, mas foi muito influenciado por José de Alencar, que era um autor da literatura da época, do período romântico, que era tipo um padrinho para Machado de Assis. Quando José de Alencar morreu, com 48 anos, Machado de Assis praticamente assumiu a literatura brasileira. Mas ele recebeu muitas influências. Nesse período, e mais ainda no próximo, pelo menos no mundo da filosofia, Schopenhauer influenciou o pensamento de Machado de Assis. Não somente Schopenhauer, mas aquelas idéias iluministas, positivistas do mundo racionalista, os pensamentos de Freud. Pelo menos dois livros influenciaram muito Machado de Assis. Um deles foi Pensamento, de Paschoal, e outro foi Eclesiastes, de Salomão. Então é dito o seguinte, que Machado de Assis escreve de forma reduzida, como se fossem adágios ou máximas influenciados por esses dois livros. Ele lista a maneira como Salomão escreve, no caso, como do tipo adágios, frases curtas, mas que dizem muita coisa.

Orquestrando – E quanto ao realismo, que foi retratado na sua segunda fase? Que influências ele teve?

Oliveira – Ele e os escritores do mundo inteiro, na realidade, foram influenciados por Flaubert. A literatura brasileira teve essa influência. Flaubert foi um escritor francês e lançou Madame Buvary. Então, todos eles foram influenciados. Mas Machado de Assis teve a sua realidade voltada para o Brasil. Havia o estilo que era da época, no caso o realismo, e havia as influências que vinham de fora, mas ele se concentrou aqui, na nossa realidade.

Orquestrando - E como foi a aceitação das obras de Machado depois que elas começaram a ser publicadas? Como as pessoas o viam?

Oliveira – Logo no início, Machado de Assis publicava mais em jornais e revistas. Por exemplo, o conto Na Arca, que é um conto bastante conhecido no nosso meio, em que ele refaz uma história bíblica, ou reconta uma história bíblica, a de Noé e seus filhos na arca. Esse conto foi lançado inicialmente na revista Cruzeiro. Então, inicialmente, Machado de Assis foi lançando esses contos dentro dessas revistas e o pessoal foi tomando conhecimento, e pouco a pouco ele foi adquirindo essa imagem de um escritor que já era diferente, com declarações, por exemplo, de Carlos Drummond de Andrade.

Orquestrando – Ele era cristão?

Oliveira – Não. Machado de Assis inicialmente foi coroinha de igreja. Ele é o autor mais bíblico da nossa literatura, mas era uma pessoa que dizia abertamente que não acreditava em Deus. Nos últimos dias da sua vida, quiseram chamar um padre para ir a casa dele para conversar, e ele não aceitou. Para ele Deus era um elemento da cultura, tipo uma personagem da literatura, era uma estética. Isso era Deus para ele. Mas apesar de que alguns livros dele tratam muito de coisas da Bíblia, ele não tinha vinculação cristã.

Orquestrando - Além dos romances, Machado foi contista, poeta, crítico literário e teatrólogo. Por que ele é conhecido pela grande maioria apenas como escritor? Faltou divulgação das outras obras ou não tiveram tanto sucesso como os romances?

Oliveira – É porque o romance sempre atrai. O romance tem uma história, tem uma empolgação, tem um triângulo amoroso, então isso chama mais atenção. Mas Machado de Assis teve a sua fase até de tradutor. Ele tem poesias também, mas o que chamou mais atenção mesmo foram os contos. [Ele foi] um dos maiores contistas da literatura brasileira e do mundo em sua época. Claro que havia outros renomes pela Europa, mas o que chamou mais atenção foi exatamente a questão dos contos e dos romances dele. Quem sabe mais cedo ou mais tarde a crítica literária pode até explorar. Talvez alguém nunca tenha lido uma poesia de Machado de Assis, ou um conto, mas tenha lido ou assistido alguma coisa de Dom Casmurro, Memórias póstumas de Brás Cubas ou Quincas Borbas. O romance sempre chama mais atenção.

Orquestrando - Pouco se sabe sobre a infância dele. Em relação à fase adulta, o que ele apreciava fazer que foi refletido em sua obra?

Oliveira – O espírito de observação dele. Ele retrata, por exemplo, a cidade do Rio de Janeiro. Como ele morava ali, ele retratava exatamente isso. É claro, ele retratava na visão ficcional de um literário. Ele não era um camarada que registrava, porque se ele apenas registrasse, o livro deixaria de ser uma ficção e passaria a ser um documento. Apesar de que em alguns casos uma ficção pode entrar como documento também. Mas o que Machado retratava era sua realidade. O mundo em que ele vivia.

Orquestrando – Hoje ele ainda mantém a posição de um dos autores mais lidos do País?

Oliveira – Com certeza. Muito mais ainda. Esse ano, por exemplo, em que está sendo ainda comemorado o centenário de sua morte, onde você se vira no mundo acadêmico é Machado de Assis. Inúmeros livros foram lançados. Agora mesmo estou lendo um livro só de contos dele, de Gladstone, que foi lançado no ano passado. Várias pessoas lançaram livros sobre Machado de Assis. O museu da Língua Portuguesa, no Rio de Janeiro, há pouco tempo estava com uma exposição sobre Machado de Assis na Estação da Luz, em São Paulo.

Orquestrando – O que tem na obra de Machado de Assis que desperta interesse em públicos tão diversificados?

Oliveira – Primeiramente, a gente conhece muito Machado de Assis, talvez, pela questão acadêmica, que é exigida. Mas o que chama a atenção nele é a maneira com que ele prende o leitor. Como ele vai construindo o texto e vai fazendo com que o leitor entre na obra. Outra coisa que chama atenção é a questão da ironia. Ele trabalha com a ironia. Trabalha também com o humor. O texto de Machado de Assis tem um humor refinado. Ele trabalha também com a paródia, que é uma leitura contestadora de um texto anterior, nesse caso, como já falei, A arca. Na Bíblia, ele retrata nesta arca, Noé, Cam, Sem e Jafé de um ponto de vista totalmente avesso àquilo que está na Bíblia, a famosa paródia Machadiana. E o que chama atenção nele é esta maneira como ele visa a psique do ser humano, a valorização que ele dá ao comportamento do ser humano, mais ainda essa questão dos distúrbios, da loucura, do adultério. Isso são coisas hoje em dia que todo ser humano tem interesse em saber.

Orquestrando – Com o avanço da internet e das novas tecnologias, o senhor acha que Machado tem perdido leitores?

Oliveira – Eu acho que não. Acho que ele tem ganhado mais ainda. Por exemplo, o site Domínio Público ficou de lançar no dia 29 de setembro todas as obras de Machado de Assis na internet. Qualquer pessoa pode fazer o download. Algumas editoras têm explorado Machado de Assis em quadrinhos. Eu tenho alguns textos em quadrinhos, em CD, porque isto esta sendo passado para crianças, mesmo sendo um material clássico. E também a parte da linguagem visual está sendo bastante explorada. Eu tenho um romance, Dom, que é baseado em Dom Casmurro, em DVD. Tenho O enfermeiro, que é um conto dele e recentemente comprei três contos que vem em DVD, entre eles O alienista. Ele circula em todos os gêneros, quer na linguagem escrita, quer na visual.

Orquestrando – Essas obras correm o risco de ficar esquecidas com o passar do tempo e até mesmo pelo desinteresse pela literatura?

Oliveira – Eu acho que não. Acho que a tendência agora, com essas novas linguagens da mídia, a tendência é uni versificar mais ainda. Por exemplo, uma criança que talvez não pudesse ler um livro de Machado de Assis, hoje compra uma revista em quadrinhos e fica mais fácil para ler. E se alguém não quiser ler, compra o DVD e assiste, com todo o requinte da linguagem visual.

Orquestrando – Que incentivo se tem dado à literatura hoje no Brasil?

Oliveira – O Brasil é um país que lê muito pouco. Um país que lê pouquíssimo. Os homens lêem menos que as mulheres e os pobres lêem menos que os ricos e os das cidades pequenas lêem menos que os das cidades grandes. A média que um brasileiro lê por ano é de cerca de 4,7 livros. É claro, coloque aí pessoas que nunca leram um livro, que chega a 47% da população. É um problema muito complexo, que é a questão da cultura. Então alega-se a questão do dinheiro. Muitos dizem que não lêem porque não têm dinheiro para comprar livros, outros porque dizem que não tem biblioteca, outros que nunca tiveram contato com um livro, nunca viram os pais ler um livro, outros que nunca receberam um livro de presente, então há uma conjuntura toda para isso. Quem arrasta tudo isso para o mundo da leitura é a escola, o ensino médio ou a própria faculdade.

O incentivo maior, querendo ou não, no mundo acadêmico do ensino médio, é o vestibular. Quando, por exemplo, o vestibular exige, então todos tem que ler. Se todos têm que ler, então realmente o ensino médio tem se colocado que os alunos leiam. Esse é o lado da obrigatoriedade. Mas há o lado prazeroso também. São aqueles leitores que gostam mesmo de ler a obra Machadiana. Aqueles que lêem compulsivamente, lêem tudo. Lê o romance, lê o conto, lê a poesia, lê a crônica, lê a crítica sobre Machado de Assis. Uma das provas da obra de arte é ela atravessar o tempo, e nós estamos com cem anos da morte dele e a obra está crescendo cada vez mais.

Orquestrando – Há algumas semanas a Secretaria de Estado da Educação divulgou uma nota dizendo que vai doar livros para alunos da rede pública. Desses livros, os alunos do ensino médio receberão três obras anualmente e durante os três anos do curso eles ganharão pelo menos uma obra de Machado de Assis. Como o senhor vê essa iniciativa do Estado?

Oliveira – Muito boa. Bom seria, ou melhorar seria se o aluno dissesse assim: Não preciso, eu já tenho, porque a doação do livro não garante a sua leitura, mas já é uma boa atitude.

Orquestrando – Machado ficou conhecido também por ser um dos fundadores da Academia Brasileira de Letras. Na sua fundação, em 1887, qual era o objetivo desses fundadores?

Oliveira – Geralmente essas academias reuniam os intelectuais das letras para trocar idéias. Naquele tempo não se tinha tantos veículos de comunicação como se tem hoje, então, um dos objetivos era a manutenção da língua. As próprias reuniões que eles faziam de troca de informações que se passava de um para o outro.

Orquestrando – Em sua opinião, depois de mais de cem anos que a Academia foi fundada, os objetivos deles continuam os mesmos?

Oliveira – Podem ser os mesmos, mas no mundo acadêmico não vemos a Academia como uma instituição com trabalho eficaz para nós, os acadêmicos. É claro que tem todo o seu glamour em pertencer a Academia Brasileira de Letras, mas trocando em miúdos, para nós, que ficamos na ponta de linha, não vejo muita utilidade.

Obtenha aqui a obra completa de Machado de Assis.

Domínio Público disponibiliza gratuitamente obras literárias e acadêmicas

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 22 Apr 2009 07:50:38 PDT

Dentre os diversos projetos de incentivo à leitura no País, alguns deles acabam não se tornando conhecidos por restrições geográficas. Com o intuito de reunir obras de diversos autores, o Governo Federal e o Ministério da Educação criaram o portal Domínio Público, onde é possível encontrar desde trabalhos científicos até literatura infantil.

A iniciativa começou em 2004 com um acervo de 500 obras e hoje conta com mais 3.600 entre arquivos de imagem, áudio, vídeo e texto. Seu conteúdo é totalmente gratuito, visto que algumas das obras excederam o tempo permitido de detenção de direitos autorais, que é de 70 anos após o falecimento do autor. Produções mais recentes, como teses e dissertações de mestrado e doutorado, são disponibilizadas mediante envio do autor, que autoriza o compartilhamento de seu trabalho no intuito de disseminar o conteúdo produzido.

De acordo com Fernando Haddad, ministro do Estado da Educação, o objetivo do portal é expandir o acesso à informação para a sociedade e torná-lo uma referência em pesquisa. “[O portal] propõe o compartilhamento de conhecimentos de forma equânime, colocando à disposição de todos os usuários da rede mundial de computadores - Internet - uma biblioteca virtual que deverá se constituir em referência para professores, alunos, pesquisadores e para a população em geral”, explica em texto publicado no portal.

“Este portal constitui-se em um ambiente virtual que permite a coleta, a integração, a preservação e o compartilhamento de conhecimentos, sendo seu principal objetivo o de promover o amplo acesso às obras literárias, artísticas e científicas (na forma de textos, sons, imagens e vídeos), já em domínio público ou que tenham a sua divulgação devidamente autorizada, que constituem o patrimônio cultural brasileiro e universal”, completa.

Tratando-se de trabalhos acadêmicos, estão disponíveis pesquisas em diversas áreas, que vão desde administrativa até aturistica. Ainda é possível encontrar obras completas de autores conhecidos, como por exemplo, a do escritor Machado de Assis, falecido há 100 anos. Além deles, encontram se arquivadas versões originais e traduções de livros de consagrados nomes da literatura mundial como Homero, Platão e William Shakespeare.

O projeto já possui mais de 16 milhões de downloads efetuados desde sua fundação. Desenvolvido em software livre, o portal tornou-se uma verdadeira biblioteca colaborativa. Parte das obras ali reunidas são do acervo de universidades, entidades e usuários que acrescentam o material.

Ainda é possível colaborar com o projeto de diversas maneiras, como por exemplo, por meio da digitalização de materiais de domínio público e envio para o site, ceder obras de sua autoria, seja ela música, fotos, ilustrações ou trabalhos audiovisuais, ceder direitos autorais das quais é detentor ou traduzir aquelas encontradas no portal.

Confira aqui a lista com as obras mais adquiridas pelos internautas.

O esperado invisível

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 22 Apr 2009 11:18:38 PDT

Minha primeira visita à Sala São Paulo me reservou surpresas invisíveis. A sinfonia soava belamente lá dentro. Naquela quinta, como de costume, a Osesp realizava mais um concerto.... BELO... Lilya Zilberstein mostrou a experiência de quem já tocou com a Filarmônica de Berlim [sob a batuta do lendário Claudio Abbado], de Chicago, de Praga e outras mais. Ah! As Músicas....

Lá fora, enquanto isso, sozinho ele ficava em sua cadeira. Admirado com o local, pois os dois meses como segurança ainda não eram suficientes para tornar aquele lugar por normal. Mas para ele não era mesmo. O terno e a gravata apenas escondiam suas raízes bem diferentes daqueles que lá dentro da Sala São Paulo assistiam em seus ternos e vestidos longos que escondiam outra coisa. Esses não se admiravam pelo local, e sim pela música.

O salão, apesar de impressionar pela beleza, não comovia mais aquele séqüito de aposentados e empresários da alta sociedade paulistana. Era normal para eles todas as semanas se encontrarem ali. Antes, no intervalo e após o concerto, regado no vinho e na boa música, trocavam idéias, fechavam negócios. Mas esse não era o lugar de um Silva.

Bruno Silva era da Vila Madalena. Afastado do salão nobre, pobre, e sem educação musical, estava naquela noite ali não para aplaudir Lilya, nem para beber vinho e fechar negócios, mas dependia dos trocados da segurança para ter o pão com café no dia seguinte.

No salão escuro e silencioso, os dedos da russa corriam pelo Steinway como uma criança que brincava com o presente do pai. A velocidade e precisão dos movimentos eram de encantar a multidão. Lá fora, ao som de funk, alguns corriam para se sustentar a troco da carteira dos outros. Na escuridão da noite da Luz, quem tem coragem de perambular pelas ruas tem que correr no ritmo da sinfonia.

Mas Bruno estava tranqüilo, já garantira seu pão fora dessa corrida. E ainda havia outras benesses de seu novo emprego. “Sabe aquela magrela da TV, Cristiane, aquela da novela? (Torloni?) Essa mesmo. Com maquiagem ela fica muito bonita. Eu vi aqui, eu mesmo.” Ele se sentia mais perto da fama e fora da plebe. Iludido pela imagem encantada dos concertos e suas apresentações semanais.

Não muito diferente da “massa”, as senhoras com seus colares de brilhante, extasiadas pela apresentação da outra senhora, a russa, aplaudiam por minutos após o encerramento de sinfonia. A performance musical elevava os ouvintes à outra realidade. A queda da bolsa e o Alzheimer do companheiro eram momentaneamente esquecidas.

Ao terminar, todos vão embora. Silva pega o circular, enquanto os Corolas e Vectras saem do estacionamento. Vidas opostas, com muitas similaridades. Na minha primeira visita a um concerto da Osesp, na Sala São Paulo, vi o retrato oculto do nosso Brasil. Brunos e executivos. Aposentados e marginalizados. Intocáveis, apesar de misturados.

Rodrigo Galiza, enviado especial.

Concerto comemora 150 anos do nascimento de Giacomo Puccini

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 01 Oct 2008 15:03:21 PDT

Em comemoração aos 150 anos do nascimento do compositor italiano Giacomo Puccini (1858-1924), o Coral de Licenciatura em Música do Centro Universitário Adventista de São Paulo (Unasp) e o coro de câmara Officina Vocalis realizaram duas apresentações da obra “Messa di Gloria” em parceria com a Orquestra Sinfônica de Americana. A apresentação, que teve como solistas o tenor Wilian Dolfini e o barítono Alexandre Trovon, faz parte do programa Sinfônica Convida, promovido pela Secretaria de Cultura e Turismo de Americana. A regência foi realizada pelo maestro convidado Jetro de Oliveira.

Puccini veio de uma família de músicos, que na sua maioria trabalhavam em igrejas. Começou a estudar órgão com o pai aos cinco anos e aos 14 ocupava o cargo de organista de igreja, antes de se apaixonar pela ópera. A Messa di Gloria, ou simplesmente Missa a quatro vozes, como ele próprio a chamou, foi escrita como trabalho de formatura do compositor no Instituto Musicale Pacini em 1880. A obra, que possui o texto cantado em latim, reúne a herança musical sacra de Puccini e sua paixão pela ópera.

Depois de aproximadamente seis meses de ensaios, na quinta-feira, 11, os músicos apresentaram a obra pela primeira vez na igreja Nossa Senhora do Carmo, em Americana. O segundo concerto, que ocorreu no domingo, 14, na igreja do Unasp, em Engenheiro Coelho, teve início às 19h30, mas, assim como em Americana, por volta das 18h os primeiros bancos da igreja começavam a ser ocupados.

A apresentação teve duração de aproximadamente 50 minutos. Em Americana, qualquer som que não fosse o das vozes dos coristas ou dos instrumentos era motivo para incomodar os ouvintes. Já no Unasp o público composto por mais de mil pessoas não demonstrou a mesma atenção e apreciação pela obra. Durante a apresentação era comum ouvir pessoas conversando, rindo e fazendo outra atividade durante o concerto.

A atenção foi direcionada aos músicos quando houve um silêncio repentino, que inicialmente deveria dar-se em função da transição entre uma música e outra, mas que permaneceu por um período superior ao normal. O motivo da extensão ocorreu por um fato incomum. Três alunas, que estavam atrasadas, subiram e integraram o coro. Ao perceber o movimento, o maestro pediu que elas se retirassem e então o concerto prosseguiu. Em entrevista ao ABJ Notícias, Oliveira explicou que a música precisa ser levada a sério. “Existe uma etiqueta musical que deve ser respeitada”, esclarece. O ABJ Notícias conversou também com uma das alunas, que concordou com a atitude do maestro. “A atitude estava correta, pois ele já havia avisado antes. Não vimos isso como um ponto negativo. No mundo da música isso [o atraso] é falta de respeito.”

Resultados do trabalho

O tenor Wilian Dolfini destacou a qualidade da obra desenvolvida pelos alunos da instituição. “O trabalho é realmente incrível e eu estou impressionado. É incrível a seriedade com que eles fazem o trabalho, como eles prestam atenção no que o maestro fala e o respeito que eles têm por ele. A impressão que tenho [destes alunos] é a melhor possível”, elogia.

Para o barítono Alexandre Trovon, um trabalho como esse é uma experiência única para os alunos. “Esse tipo de apresentação no Brasil é escassa e talvez eles não teriam essa oportunidade em outro lugar”, aponta.

“Nenhuma universidade tem feito um projeto como esse”, destaca o maestro Jetro de Oliveira, que ficou satisfeito com o resultado obtido. De acordo com ele, a obra foi bem apresentada e novas parcerias como essa já estão sendo estudadas na intenção de oferecer um ensino de qualidade aos alunos da instituição.

Coristas do Unasp apresentam Puccini com a Sinfônica de Americana

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 01 Oct 2008 14:58:51 PDT

Em parceria com a Orquestra Sinfônica de Americana, o curso de Educação Artística do Centro Universitário Adventista de São Paulo (Unasp) e o coro de câmara Officina Vocalis apresentam nesta semana a obra Missa de Glória (Messa di Gloria), de Giacomo Puccini (1858-1924).

Ontem, 07, os coristas realizaram o primeiro ensaio com a orquestra. Enquanto os instrumentistas se preparavam, os cantores fizeram um aquecimento da obra acompanhados por um piano e, após, o ensaio foi a capela. Durante estes momentos, eles tropeçaram em alguns compassos, notas e dinâmicas. Com a inserção da orquestra, a impressão foi de que sentiram-se mais seguros quando apoiados pela suave melodia de Puccini.

A harmonia produzida pela união das quase 130 vozes com a orquestra soou bem aos ouvidos. Após uma hora e meia de ensaios, os resultados já eram audíveis.

Na ocasião, o curso participa do programa Sinfônica Convida, promovido pela Secretaria de Cultura e Turismo da cidade, que tem por objetivo levar a música erudita aos bairros. Os coristas e instrumentistas estarão sob a regência do maestro Jetro de Oliveira, com a participação dos solistas Willian Dolfini, tenor e Alexandre Trovon de Carvalho, baixo-barítono.

É necessário ressaltar que durante o ensaio, o dueto entre o tenor e o barítono-baixo ficaram totalmente profissionais. O casamento das vozes ficou, talvez, como Puccini esperava.

De acordo com o maestro Jetro de Oliveira, essa experiência capacitará o aluno a ter um bom desempenho como profissional. “A participação no projeto representa um grande desafio musical para os alunos. Eles terão crescido muito. Para ele como profissionais isso é muito importante e por trabalharem com uma orquestra profissional, temos que ser profissionais”, aponta o maestro.

O primeiro concerto acontece na quinta-feira, 11 de setembro, às 20 horas, na igreja Nossa Senhora do Carmo, em Americana. Ela está localizada na rua Roque Faraone, 192, no bairro Cordenunce (Veja o endereço no mapa abaixo). No domingo, dia 14, a apresentação ocorre na igreja do Unasp, em Engenheiro Coelho, às 19 horas. A entreda é franca.

Exibir mapa ampliado

Confira aqui algumas fotos do ensaio.

Ouça abaixo duas partes da obra gravada pela orquestra e coro da rádio Húngara.

Professores demonstram talento musical em recital

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 01 Oct 2008 15:02:19 PDT

Uma manhã de surpresas. Foi essa a definição que alguns alunos do curso de Educação Artística do Centro Universitário Adventista de São Paulo (Unasp) atribuíram às primeiras horas do dia 26 de agosto. No denominado recital dos professores, os estudantes ficaram surpresos com a execução de obras de Debussy, Brahms, Schubert entre outros compositores da música erudita.

Evento tradicional na instituição, a Semana da Arte - que aconteceu entre os dias 24 e 30 de agosto - contou com palestras, recitais, peça teatral e uma mostra de artes plásticas.

A professora Regina Mota, - que segundo ela não tem o hábito de tocar em público - e o maestro Jetro de Oliveira, - longe do piano há 19 anos -, apresentaram peças diversificadas. Regina decidiu tocar e ao mesmo tempo cantar uma composição de um compositor gospel norte-americano, enquanto que Oliveira resgatou a música erudita nacional, escolhendo a obra “A Lenda do caboclo”, de Villa-Lobos.

Dentre eles, um “apreciador” e defensor da “verdadeira arte” integrou o programa. O professor Gerson Pires, - que há pelo menos 60 anos se relaciona com a música -, recitou uma poesia e logo após, acompanhado pela professora Ellen Stencel ao piano, cantou em alemão uma obra de Franz Schubert, intitulada Serenata.

Para ele, as artes, principalmente a poesia, estão em decadência. “A verdadeira arte – aquela regida por princípios e leis – está se deteriorando. Hoje não existem mais regras. Qualquer coisa é considerada arte”, afirma. Ele ainda lembrou aos cantores a importância de conhecer outras línguas, como o alemão, italiano e inglês, para cantarem óperas e outros gêneros musicais, em sua língua original.

O aluno 2º ano de Educação Artística Sandro Gomes, diz que apresentações como essa estimulam o aprendizado. “Os desanimados dizem que o copo está meio vazio, mas para mim está meio cheio”, filosofa ao referir-se à apresentação dos professores.

Também estiveram presentes alunos de outros cursos. “Eu aprecio a boa música. Isso já é o suficiente”, argumenta o aluno Luiz Campos, que cursa Comunicação Social, mas gosta de participar de eventos musicais.

Ao final, o aguardado professor Harley Bleck sentou-se ao piano para interpretar um estudo de Moskovsky e uma obra de Debussy. Enquanto tocava, o silêncio reinou no ambiente. Após a ação, foram os aplausos que tomaram conta do cenário. Confira abaixo a interpretação do estudo na íntegra

A ceia com os cardeais

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Wed, 04 Mar 2009 05:47:40 PST

O cenário era simples. Uma mesa com vinho, frutas, e um frango estavam expostos aguardando a ingestão. Ao lado um piano, um violino e um violoncelo. Ambiente que resgatava o Vaticano do século 18. Integrado por três cardeais - Gonzaga, Rufo e Montmorency –, provindos de Portugal, Espanha e França, respectivamente, relembravam no jantar as desilusões amorosas da juventude. O episódio, reconstituído no recém-reformado auditório do residencial masculino, ganhou vida no último dia 26 como uma das atrações da Semana da Arte.

A idéia de interpretar um personagem surgiu cedo. Kleber já havia pensado em fazer o curso de teatro. Seu primeiro e único contato com essa arte foi na primeira série, quando encenou “Chapeuzinho Vermelho”. Quando o grupo de teatro “A Trupe”, do curso de Letras e Tradutor, decidiu encenar “A ceia dos cardeais”, obra de Júlio Dantas, faltavam personagens. Kleber então se candidatou e garantiu a vaga, interpretando Montmorency.

Apesar de cursar Letras (e não Educação Artística), o jovem diz que participou apenas por diversão. Desde que chegara ao Unasp, procurou se envolver no que fosse possível, inclusive no teatro. Antes de vir para cá tudo era diferente. “Não me envolvi mais por falta de oportunidade”, explica.

Durante o diálogo dos cardeais - que carregavam um sotaque característico do respectivo país de origem -, houve dificuldade para identificar a língua proferida por eles. A expressão verbal do francês Montmorency foi possível graças a Pepe Lê Gambá, personagem do desenho animado Pernalonga, no qual Kleber se baseou.

Mesmo assim, por falta de artistas, duas jovens vestiram a camisa e interpretaram senhores com mais de 60 anos, tudo em nome da arte. A escolha do personagem foi democrática. “Na hora de receber os papéis, escolhemos de acordo com o caráter de cada um de nós”, relata Kleber. “Eu escolhi o francês por ele ser romântico e conquistador. Mas de conquistador não tenho nada”, admite.

Com duração de aproximadamente 40 minutos, a peça - estreada em Roma em março de 1902 – trouxe opiniões positivas sobre a arte da representação.

Buscando concentrar todas as formas artísticas no programa da Semana da Arte, o professor Vandir Schäffer – diretor da Escola de Artes – ressaltou a importância dessa iniciativa. “A poesia e o teatro não poderiam faltar nesta semana”, defende.

Joel Ribeiro, estudante do primeiro ano de Pedagogia, acredita que as peças teatrais, por envolverem aspectos emocionais, deveriam ser mais representadas dentro e fora da Semana da Arte. Ribeiro ainda vai além. “Os musicais também deveriam ser mais representados”, opina.

Músico desde a adolescência, André Binotti - que este ano conclui o curso de Administração - defende que o teatro é de extrema importância para o profissional que trabalha no meio artístico. “Acho que ela [a peça teatral] é de extrema importância, pois é a expressão de alguma opinião, de alguma idéia”, justifica.

O brilhantismo de Nelson Freire nas telas

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Sun, 07 Sep 2008 10:47:26 PDT

Muitos se referem aos músicos do passado, principalmente os compositores, como se fossem os únicos dignos de serem lembrados. É bem verdade que o trabalho de gênios como Bach, Mozart, Beethoven, entre outros, merece um reconhecimento especial mas, existe outra classe de músicos que precisa ser destacada: os intérpretes.

Mesmo porque estes, querendo ou não, estão mais próximos de nossa realidade. Na atualidade existem inúmeros nomes que são referência quando o assunto é interpretação. Só no Brasil temos pode-se descatar personalidades como Eudóxia de Barros, Niza Tank, João Carlos Martins, entre outros. No entanto, durante este texto vamos nos concentrar em um nome: Nelson Freire.

Freire tem uma história de menino prodígio, tal qual Mozart, que se mostrou apto à música já nos primeiros anos de vida. Aos 12 anos, em 1957, Freire garantia o sétimo lugar no Concurso Internacional de Piano do Rio de Janeiro, o que lhe proporcionou uma bolsa para estudar em Viena, Áustria.

Em 1959 já dava concertos internacionais nas principais capitais do mundo. Além de estar sob a batuta dos mais renomados regentes, dentre eles Kurt Masur e tantos outros, foi solista a frente das principais orquestras do mundo.

Imagine você, um estudante de música, fazer apenas nove lições e seu professor simplesmente dizer: “Não tenho mais nada para te ensinar”. Pois bem, foi isso que aconteceu com esse mineiro, que começou a apresentar sua habilidade musical aos três anos de idade, enquanto ouvia a irmã tocar. Por essas e muitas outras razões, em 2003 o brilhantismo desse músico foi colocado nas telas. Não nas telas de cinema, mas nas telas de seus admiradores. Dirigido pelo cineasta João Moreira Salles, o documentário mostrou Freire ao mundo que o desconhecia até então. Apresentando a vida e obra do artista, Salles procurou retratar o dia-a-dia de quem respira e vive música e não dela.

Por viajar para os mais diversos países, o músico possui uma agenda lotada. Por esse motivo, a representação cinematográfica de sua vida se passa em diversos lugares. É interessante analisar que, com esses compromissos, o artista tem a profunda necessidade de aprender outros idiomas. Isso faz toda a diferença entre sua comunicação com o mundo, mesmo tendo a linguagem musical em comum com os seus ouvintes.

Intérprete das mais belas obras para piano, seu repertório é diversificado, mas é possível notar uma grande admiração pelas obras de Chopin, Schumman e Bach. Detentor de diversos prêmios nacionais e internacionais, ele é hoje considerado um dos maiores pianistas da atualidade.O documentário em si faz um acompanhamento não apenas do pianista Freire, mas do homem Freire. Deixa claro que apesar do sucesso, ele também enfrenta algumas dificuldades na vida, vícios e tem outras paixões.

Ao lado de Martha Argerich, a grande virtuose Argentina, parte do documentário apresenta como os gênios da interpretação pianística se relacionam, chegando até mesmo a exibir algumas obras ao piano. Talvez essa seja a parte mais fantástica do documentário. Nada melhor do que ver e ouvir tanta riqueza musical e expressividade convertida em imagem e som.

Salles mostra um lado desconhecido do Brasil, ou, se conhecido, pouco apreciado. Com riqueza de detalhes, ele registra a música que o Brasil não respira. O artista que o País não conhece. A importância dessa obra tem o mesmo grau de relevância como qualquer outro problema social ou econômico que o País apresente. A diferença é que a arte transforma, enquanto os outros pontos apenas se supera.

Ouça a interpretação do estudo (12) para piano, Opus 25 - nº 24 em C menor, 'Oceano', de Chopin.

Documentário "Nelson Freire" enfoca o instrumentista mineiro

Livro denuncia crimes agrários no norte do País

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 09 Dec 2008 04:42:14 PST

As disputas agrárias nunca foram devidamente discutidas no Brasil. Por mais que a deficiência exista, apenas uma pequena parcela da população tem conhecimento do que acontece referente ao assunto no país, principalmente na região norte. Além disso, a situação se torna mais complicada no que se refere à atuação da Justiça, que deveria estar à frente na tentativa de resolver os conflitos entre trabalhadores e fazendeiros.

O jornalista Klester Cavalcanti, que durante dois anos foi correspondente da revista Veja na Amazônia escreveu uma série de reportagens sobre a situação vivida naquela região. Dentre essas, nasceu um livro investigativo com a intenção de denunciar os crimes contra a humanidade ali praticados.

Viúvas da Terra não é uma obra literária fictícia. Seus relatos são reais e capaz de despertar o senso crítico de quem o lê. Resultado de mais de 70 entrevistas com sobreviventes, órfãos, policiais, advogados, parentes das vítimas, sociólogos e acusados, o autor conta com riqueza de detalhes como essas mulheres suportaram a dor da perda de seus companheiros, não apenas por questões financeiras, mas emocionais.

A análise de mais de três mil páginas de inquéritos policiais e processos judiciais referentes aos casos narrados no livro apontam para a falta de eficácia dos órgãos (que deveriam ser) competentes na resolução da problemática.

Dentre todos os casos investigados e descritos pelo jornalista, nenhum mandante ou assassino está preso. Todos continuam em liberdade. As provas existentes, enviadas para análise pela justiça, estão estacionadas. Uma delas está em poder de especialistas há mais de oito anos, que apesar das diversas intimações para concluir o caso, rebatem afirmando que existe uma lista de materiais a serem examinados primeiramente.

O jornalista possui três livros publicados. Direto da Selva, em que conta as aventuras vividas na Amazônia durante os anos em que ali trabalhou; Viúvas da Terra e O Nome da Morte, relato da vida de Júlio Santana, um matador de aluguel que contabiliza quase 500 assassinatos em seu caderno de anotações.

Ganhador de vários prêmios de jornalismo no Brasil e no exterior, como o de melhor reportagem ambiental da América do Sul, promovido pela agência de notícias Reuters e pela IUCN, considerada uma das maiores ONGs de meio ambiente do mundo. Também recebeu o Natali Prize em 2004, o prêmio mais importante de jornalismo e direitos humanos, realizado pela União Européia e pela Federação Internacional de Jornalistas.

Em 2005 foi o vencedor do Prêmio Jabuti de Literatura na categoria reportagem e biografia, mais tradicional e importante prêmio do gênero no país.

Klester concedeu uma entrevista ao Orquestrando comentando esta obra. Confira abaixo.

Orquestrando - No livro Viúvas da Terra você descreve a realidade de senhoras que perderam seus esposos, vítimas da disputa agrária na região norte. Por que você decidiu tratar desse tema?

Klester Cavalcanti - Eu decidi escrever o livro após tomar conhecimento da gravidade da situação da violência agrária no Brasil. Em todos os Estados brasileiros, há registros de assassinatos de agricultores em conflitos agrários. E em todos os Estados do Brasil a impunidade é total: em todo o Brasil, não existe nenhum mandante de crime agrário na cadeia. Durante os dois anos em que fui correspondente da revista Veja na Amazônia (de 1998 a 2000), eu tive contato muito próximo com essa realidade e descobri que o Pará é o Estado campeão em assassinatos agrários no Brasil. Por isso, meu livro foca principalmente no Pará. Mas também conto um caso ocorrido na Paraíba. Como geralmente quem morre são os homens, que partem para o confronto com fazendeiros e madeireiros, resolvi construir a narrativa do livro a partir do ponto de vista das mulheres: as viúvas.

Orquestrando - Apesar da reflexão a que o livro leva, você acha que as pessoas, após lê-lo, estão dando a devida importância ao assunto?

Klester Cavalcanti - Acho que as pessoas têm dificuldade em perceber a gravidade do problema. Quando a violência ocorre numa grande cidade, a sociedade parece perceber a gravidade com mais facilidade. É o que ocorre em relação à violência nas favelas do Rio e de São Paulo, por exemplo. O que pouca gente entende é que a violência agrária não é um problema apenas de agricultores. É um problema de violência nacional e de impunidade geral. E é essa impunidade que leva os poderosos do Brasil a matar, roubar, extorquir e praticar todo tipo de crime, porque têm a certeza de que não serão punidos.

Orquestrando - Você acha que os leitores podem ver histórias reais no conteúdo, mas por não se manifestarem no objetivo de mudar a situação, ele pode se tornar uma ficção?

Klester Cavalcanti - Não acredito que ninguém que lê o "Viúvas da Terra" vai encarar como ficção. O livro traz os nomes reais de todos os envolvidos. Algumas pessoas citadas no livro são até bastante conhecidas, como o presidente Lula, a atriz Letícia Sabatella e o ator Paulo Betti. Acho que a forma de mudarmos essa triste realidade é a sociedade se movimentar contra a violência e a impunidade.

Orquestrando - Seu livro provavelmente foi lido por gente que conhece aquela realidade e vive na região. A denúncia trouxe alguma melhora para a situação, ou as autoridades continuam trabalhando lentamente com o assunto? Que mudança você viu depois da publicação?

Klester Cavalcanti - Eu não escrevo meus livros pensando em mudar a realidade. Seria muito bom se isso acontecesse. Mas sabemos que no Brasil a coisa não funciona assim. No livro "Viúvas da Terra", eu falo de gente do Judiciário envolvida no assassinato de agricultores e em questões igualmente sérias, como trabalho escravo e grilagem de terras. E esse tipo de coisa ocorre em todo o Brasil. Não é um problema apenas da Amazônia ou do Nordeste, como muitas pessoas pensam. Eu escrevo meus livros para mostrar à sociedade que esse tipo de coisa acontece no nosso país. Se apenas uma pessoa entender a mensagem e mudar sua postura em relação aos problemas do Brasil, acho que meu livro já terá cumprido sua missão.

Orquestrando - Com que visão você espera que as pessoas leiam seu livro?

Klester Cavalcanti - Com os olhos atentos, o coração aberto e coragem para reconhecer que essa violência extrema e absurda acontece bem debaixo dos nossos narizes, e ninguém faz nada. Gostaria que todas as pessoas que lessem o "Viúvas da Terra" terminassem de ler o livro com a alma cheia de indignação e vergonha. A culpa desses crimes que acontecerem no Brasil é de todos nós, que vemos todos os dias nos jornais as notícias de trabalhadores rurais, religiosos e advogados sendo mortos em conflitos agrários e não fazemos nada.

Orquestrando - Para quem você indica a leitura e por que?

Klester Cavalcanti - Indicaria a leitura para todas as pessoas que são contra a violência, a covardia e a impunidade. Pode ser uma dona de casa, um advogado, um jornalista, um estudante, um motorista. Mas é óbvio que um livro desses tem um impacto muito forte quando é lido por pessoas que entendem o assunto abordado de uma forma mais ampla, como jornalistas e advogados, por exemplo.

A música que mudou a história de um homem

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Fri, 24 Apr 2009 10:59:37 PDT

Estreiado em 2002, o filme O pianista, do diretor Roman Polanski, apresenta a luta pela sobrevivência do pianista polonês Wladyslaw Szpilman (1911-2002) durante a Segunda Guerra Mundial. Baseado no livro Morte de uma cidade, sua autobiografia escrita pouco depois do término do conflito, o longa retrata também a situação e o sofrimento dos judeus poloneses em Varsóvia durante o período.

Szpilman trabalhava na Rádio Nacional Polonesa quando os conflitos começaram. Na ocasião, interpretava o Noturno em C# menor, de Chopin. A partir de então, teve que abandonar o trabalho, e consequentemente o piano. Depois que os alemães invadiram a cidade e isolaram os 400 mil judeus no “Gueto de Varsóvia”, o músico tocou poucas vezes em um restaurante que ali existia. Pelo que se sabe, era um renomado pianista.

A situação a que sua família e os demais judeus foram submetidos foi motivo de humilhação e desprezo. Apesar de outros filmes tratarem sobre o tema do holocausto, como a Lista de Schindler, se concentra na luta de um homem, que conseguiu “permanecer vivo”. Não vou me deter explicando detalhes, mas o ponto chave dessa história real, é que Szpilman milagrosamente sobreviveu à guerra graças ao amor que um general nazista tinha pela música. Esse talvez seja o momento mais emocionante do filme.

Enquanto fugia de um lugar para outro na tentativa de manter-se vivo, houve ocasiões em que podia ouvir, mas não tocar. Em um dos apartamentos em que se exilou existia um piano, mas como estava escondido em bairro alemão, não poderia jamais sonhar em ferir o teclado. Apenas imaginou-se interpretando uma obra.

Em meio às ruínas da cidade, escondeu-se em uma casa. Magro, doente e faminto, enquanto tentava abrir uma lata para se alimentar, um general o olhava curioso. Depois de interrogá-lo, descobriu que Szpilman era músico e lhe pediu que tocasse algo em um piano que ali estava.

Comovido pela situação e com talento do jovem, o general o ajudou a continuar se escondendo e ainda lhe alimentou até o fim da guerra, quando os alemães foram capturados pelos russos.

Provavelmente, este foi o melhor presente que ele poderia receber em todos aqueles anos de guerra. Já havia perdido a família, o lar e tudo o que possuía. Tinha apenas a vontade de viver, e tocar. O general foi levado prisioneiro e morreu poucos anos depois. Eles não chegaram a se encontrar novamente, apesar das várias tentativas de Szpilman.

Após seis anos, aquele mesmo Noturno que foi tocado durante a última transmissão da rádio foi interpretado como um hino de vitória. O conflito acabara, mas a música não. Censurado na época, seu livro teve poucas cópias impressas. A reimpressão aconteceu em 1998, com o título “O pianista”.

Porém, alguns críticos dizem que o diretor quis retratar, baseado nessa obra, algo semelhante ao que viveu. Descendente de poloneses, Polanski nasceu em Paris e mudou-se para Varsóvia, em 1935. Lá viu a morte da mãe e da irmã. Nesse caso, ninguém melhor para dirigir o filme do que alguém que viveu aquela realidade e poderia ajudar a dar sentimento à obra.

A atuação de Adrien Brody (intérprete de Wladyslaw Szpilman) foi brilhante. É como se ele realmente tivesse vivido cada momento da tragédia. Para realizar o papel, teve que perder 14 quilos para retratar os piores momentos do pianista.

O ponto positivo que destaco no longa é que, apesar de não ter lido o livro, o roteiro não foi levado para o lado sensual e romântico que algumas vezes a indústria costuma seguir. Foi retratado unicamente a luta de um homem em meio a um conflito que chocou o mundo. A vitória de um homem hoje vira lição de vida e incentivo para enfrentar as maiores dificuldades que venham a surgir.

Ouça abaixo o Noturno em C# menor, de Chopin.

Para fazer o download da partitura para piano, clique no ícone abaixo.

Controle remoto

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Thu, 02 Oct 2008 09:23:48 PDT

Já imaginou viver em um mundo onde todos são vigiados 24 horas por dia? Estar em uma sociedade em que a grande maioria, os “proles”, como são conhecidos, são “afiliados” ao partido controlador e qualquer tentativa suspeita de enganar o estado pode causar a sentença final? É nesse contexto que George Orwell, nascido nas Índias Britânicas e um ativista a favor da liberdade e da justiça apresenta seu romance, intitulado, 1984.

Orwell pode ser considerado um "profeta". O que descreve nesta obra, escrita em 1948, ilustra boa parte do que acontece hoje em nossa sociedade. A partir de 1984 suas "previsões" começaram a se tornar evidentes, como o lançamento do primeiro Machintosh e atualmente com a febre "Big Brother Brasil", que inicialmente ocorria em outros países, com base em seu livro.

Nos vários Ministérios existentes dentro do IngSoc (partido), Winston Smith, o personagem principal desse romance, trabalha para o Ministério da Verdade, responsável por alterar o passado documentalmente para que o partido sempre esteja correto em relação a qualquer dado.

As pessoas vivem uma situação tão controladora que os próprios filhos quando tem os pais por suspeitos são responsáveis por denunciá-los e entregá-los ao governo. Vigiados pela teletela, uma espécie de câmera de vigilância, seus movimentos, lugares freqüentados e assuntos discutidos são monitorados. Estão restritos ainda a Novilingua, nova língua que será adotada pelo governo está em fase de implantação, que reduzirá o vocabulário e não dará margem para que ninguém se expresse contrariamente ao partido.

O mundo da época vive a Terceira Guerra Mundial, em que a Oceania, comandada pelo partido na pessoa do Grande Irmão (Big Brother) procura conquistar a Eurásia (Europa e parte da Ásia) e a Lestásia (Leste da Ásia).

No entanto, Winston é um membro do partido que anda desiludido. É casado, mas não ama sua “esposa”, pois o amor não existe nessa sociedade. A relação sexual se dá apenas por interesse político, tornando-se uma obrigação e não prazer. Constantemente ele é lembrado por sua esposa de que tem “um compromisso” com o governo naquela noite.

Winston possuía um diário em sua casa em que escreve contra o governo, temeroso e audacioso ao mesmo tempo, pois a qualquer momento pode ser pego e condenado. Mas a sensação de liberdade era o que lhe atraía. Ao voltar novamente ao lugar onde comprara seu diário, em um bairro proletário, que membros do partido não deveriam freqüentar Winston percebeu que uma moça lhe seguia e temeu que esta fosse da Polícia do Pensamento.

No outro dia, a viu no Ministério da Verdade e imaginou que seria denunciado por estar naquele lugar na noite anterior. Mas para sua surpresa, diante dele ela fingiu ter dores nas costas na tentativa de desviar a atenção da teletela e lhe entregou um bilhete que dizia: “eu te amo.”

Surpreso, ela não saía de seus pensamentos. Depois de muito tempo conseguiram conversar e marcar um encontro. Correndo grande risco por serem descobertos, se encontravam geralmente a cada duas semanas, quando possível. Após certo período, começam a se encontrar em um pequeno quarto da loja do senhor Charrington, o homem que vendeu o diário de Winston e que acabou tornando-se seu “amigo”.

O’Brien era admirado por Winston. Um dia, convidado para visitar O’Brien, cansado de tudo, Winston desconfiava que ele estava envolvido em algum tipo de revolução. Era o que Winston queria. Liberdade. Decide levar Júlia com ele e conta seus planos para O’Brien. Este confirma que realmente havia uma revolução, mas que tudo deveria acontecer com o tempo. Então se juntam ao combate ao Grande Irmão.

Dias depois, em um encontro no mesmo esconderijo, Júlia e Winston percebem que ali havia uma teletela onde jamais imaginariam. Este era o fim. A teletela então começa a dar ordens e logo os agentes do partido chegam para prendê-los.

Detidos, não sabem qual seu destino. Winston sabe apenas que odeia o Grande Irmão.

Neschling deixará a Osesp

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 09 Dec 2008 04:42:14 PST

O maestro John Neschling anunciou na semana passada sua saída da Osesp em 2010, quando seu contrato com a mesma expira. A reportagem foi um dos destaques da revista Veja São Paulo da última semana. Em carta enviada ao ex-presidente Fernando Henrique Cardoso, que atualmente comanda o conselho da orquestra, Neschling deixou claro os motivos pelos quais deixa a batuta.

Um dos pontos apresentados por ele é de que seu salário de R$ 100.000,00 (cem mil reais) mensais é baixo. “Mas o que são 100.000 reais hoje em dia? Não se consegue um regente para vir para cá por menos de 25.000 dólares por semana. E não vai fazer nada além dos ensaiozinhos dele, dos concertos e vai embora. Isso não é um absurdo, não”, disse ele a revista.

Outro fator é em relação ao governo do Estado. A verba da orquestra quando Neschling assumiu, em 1996, sucedendo o maestro Eleazar de Carvalho, era de R$ 1,5 milhões. Hoje, 11 depois, tem um orçamento de R$ 60 milhões. O governo disponibiliza R$ 43 milhões anualmente e o restante é completado pela iniciativa privada e a venda de ingressos. No entanto, ele disse que a administração não acha necessárias as turnês internacionais.

“Isso e outras coisas. O governo não acha necessário fazermos turnês internacionais. Ou acredita que não tem de pagar por elas. Faz parte da vida de todas as orquestras do mundo se apresentar em outros lugares, outras salas, para público e crítica diferentes. Quando a Seleção Brasileira de Futebol ganha a Copa do Mundo, volta ao Brasil e desfila em carro aberto dos bombeiros. Vai a Brasília, recebe comendas e o diabo. A Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo faz uma turnê vitoriosa, triunfal na Europa, é classificada pelo jornal Le Monde como um "milagre brasileiro". Ao voltar, é apedrejada.”

O jornalista Irineu Franco Perpétuo escreveu que a maior contribuição que o maestro pode fazer pela orquestra é garantir que ela caminhe sozinha. Em contato com Perpétuo sobre o assunto, ele disse que nas próximas semanas publicará no jornal Folha de S. Paulo sua posição sobre o ocorrido.O temperamento do maestro é alvo de críticas. Suas atitudes acabaram por corromper seus contatos e aproximação com algumas pessoas.

Em entrevista a Folha de S. Paulo sobre o assunto, o maestro foi questionado quanto a influência de sua relação com o governo na decisão. Depois de um vídeo postado no You Tube que foi gravado durante um ensaio da orquestra sem que Neschling soubesse, seus contatos com o Governo Serra não foram os melhores. “Caiu o mundo pro Serra. O Serra é um menino mimado. Na verdade um autoritário. Um excelente administrador, mas uma pessoa muito complicada de se lidar.”

Não existe ainda um nome quem sucederá o maestro. Mas ele acha difícil que alguém no Brasil possa ocupar o seu lugar.“Nem acho que exista um sucessor natural. Vai ser necessário, se é que é possível, procurar muito para conseguir uma pessoa que passe onze meses por ano dedicando-se de corpo e alma não só à música, mas à administração, aos projetos, à construção de todos os departamentos da orquestra, à academia, à editora de partituras. Quem é que entende de música brasileira assim? E que, ao mesmo tempo, sabe reger, gravar e consegue uma gravadora estrangeira? Vão ver que toda essa conversa a respeito do meu salário é uma balela.”

Outras questões foram levantas pelas duas reportagens, que podem ser conferidas na Veja São Paulo e Folha de S. Paulo.

Basta esperar pelo futuro da Osesp.

Daniel Barenboim se apresenta em São Paulo

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 09 Dec 2008 04:42:14 PST

Na última segunda-feira, 19, o maestro Daniel Barenboim chegou a São Paulo para a série de concertos que dirige a partir de amanhã, 25, na Sala São Paulo. Desde o início do ano, quando foi anunciada a possível vinda de Barenboim ao País, procurei acompanhar o que a mídia diria a respeito.

A agenda circula há alguns meses pelas páginas da revista Concerto, além de uma matéria consideravelmente grande na revista Bravo! do mês de março. Na última terça-feira, o jornal O Estado de S. Paulo publicou uma interesse entrevista com o maestro, logo após seu desembarque no Brasil.

Na ocasião, o maestro discorreu sobre a música de Brukner, que comporá as obras executadas, o trabalho que realiza com a orquestra que reúne músicos árabes e palestino, a relação entre música e arte e sobre o rumor do convite oferecido a ele para ser o regente titular da Osesp.

Para quem não o conhece, Daniel Barenboim é judeu e nasceu na Argentina, onde iniciou seus estudos e carreira como pianista. Naturalizado israelense, recentemente recebeu a cidadania palestina em virtude do trabalho que vêm desenvolvendo no país, procurando unir culturalmente os dois povos. Além disso, foi casado com a violoncelista Jaqueline du Pré, com quem gravou diversas obras.

A Staatskapelle Berlin, que acompanha o maestro, foi fundada em 1570, e é considerada uma das mais antigas ainda existentes. Por ela já passaram Mendelssohn, Strauss, Karajan, entre outros. A série de concertos faz parte da temporada 2008 da Sociedade de Cultura Artística, que nos dias 06, 07 e 08 de maio iniciou suas atividades com o pianista Nelson Freire, um dos grandes mestres do instrumento na atualidade.

Além deles, a programação da Sociedade de Cultura Artística traz diversos músicos internacionais ainda neste ano, se apresentando no própria sede e na Sala São Paulo.

Em meu arquivo pessoal de vídeos não tenho nenhuma regência de Barenboim. No entanto, estou disponibilizando um pequeno trecho das Variações Goldberg tocadas por ele. A partir de então, acredito ser possível imaginar a capacidade artística e cultura que ele tem em reger.

Programa

Concerto extra-assinatura

Staatskapelle Berlin

Regência – Daniel Barenboim

Sala São Paulo

25 de maio, domingo, 19h

Richard Wagner (1813-1883)

Os mestres cantores de Nuremberg

Prelúdio ao primeiro ato

Richard Wagner

Tristão e Isolda
Prelúdio e morte do amor de Tristão e Isolda

Intervalo

Anton Bruckner (1824-1896)

Sinfonia nº7, em Mi maior

Allegro moderato

Adágio: Muito solene e lento

Scherzo: muito rápido. Trio: algo mais lento

Finale: animado, mas não rápido

Série Branca

Sala São Paulo

26 de maio, segunda, 21h

Arnold Schoenberg (1874-1951)

Cinco peças para orquestra, opus 16

I. Vorgefuhle (Pressentimentos)

II. Vergangenes (O passado)

III. Farben (Cores)

IV. Peripetie (Peripécia)

V. Das obligate recitativ (O recitativo obrigado)

Intervalo

Anton Bruckner (1824-1896)

Sinfonia nº8, em Dó menor

Allegro moderato

Scherzo: muito rápido. Trio: algo mais lento

Adágio: Muito solene e lento

Finale: animado, mas não rápido

Insatisfação cinematográfica

noreply@blogger.com (Jefferson Paradello) — Tue, 09 Dec 2008 04:42:15 PST

No dia 18/07 tive a oportunidade de assistir ao filme traduzido para o português como “O segredo de Beethoven” (que segredo é esse eu não entendi). Um filme contendo partes fictícias da vida do compositor, que eu prefiro dizer irreais.

O longa de desenrola com a chegada de Anna Holtz, uma jovem de 23 anos que tem o sonho de se tornar compositora. Chega a Viena, a então atual capital da música com o intuito de trabalhar como transcritora para um compositor do qual ela ainda desconhecia. Ao conhecer Beethoven, ela o acha arrogante, sujo e grosso. Mas ao decorrer da história, com as discussões vividas por eles, começam a se entender.

Anna o ajuda a terminar aquela que vem a ser sua nona sinfonia. Com toda a certeza, a melhor e mais emocionante cena do filme é quando Beethoven, já surdo, e quando as pessoas acreditam que iriam assistir a um fracasso por consequência de sua regência, ele rege a orquestra e o coro com grande excelência, auxiliado por Anna. Em seus últimos momentos de vida, ele teria ditado uma obra a ela, que tomara nota.

Inconformidade

Os dois principais atores, mas principalmente Ed Harris (Beethoven) atuaram brilhantemente. Mas o que me deixou e ainda deixa indignado com os filmes de hoje é simplesmente a “ficção” existentes em filmes biográficos. A indústria cinematográfica como sempre, fazendo o tipo de filme que o público realmente gosta (até que esse filme, apesar de a Sinopse dizer que era um romance vivido com sua assistente não mostrou uma cena se quer daquilo que o público gosta), acabam distorcendo totalmente a vida de pessoas importantes apenas para obter sucesso e subir o palco para receber um Oscar.

Em primeiro lugar, Beethoven não tinha uma assistente do sexo feminino. Em segundo, na execução da nona sinfonia, ele ficou ao lado do regente - diretor musical do teatro - por não estar em condições de reger por consequênca de seu estado avançado de surdez.

Aparentemente são coisas bobas, pequenos detalhes, mas para aqueles que apreciam ou até mesmo vivem por intermédio da música clássica, isso passa a ser intolerante, sem contar que muitas pessoas mal sabem quem foi Beethoven, e com toda certeza, as cenas de um filme ficam muito melhor gravados em nossa mente, do que 300 páginas da vida e obra, o que leva aquele que está tendo esse primeiro contato sobre a vida de alguém a sair dali acreditando que tudo o que viu realmente foi o que aconteceu (mesmo lendo que algumas partes, ou todo o filme se baseia em ficção).

E essa não é a primeira vez que me indigno com algum filme. Esse fato aconteceu depois que assisti ao filme ”uma mente brilhante”, que contava a vida do matemático John Nash . Maravilhado com o que vi, após o filme procurei por sua biografia e, qual não foi a minha tristeza ao ver que muito do que vi no filme era “abobrinha” da indústria cinematográfica, e por isso não deixei de escrever desta vez ao ver que a cena se repetiu.

Infelizmente esse é o mundo capitalista em que vivemos, onde nem a obra daqueles que marcaram a história tem sido contada corretamente, visando êxito econômico.