Osake Anime | Blog no kawaii sobre anime

Charlotte: Crítica

noreply@blogger.com (Osake Anime) — Tue, 17 Nov 2015 22:51:00 -0500

Hace unos días recordé y busqué la acogedora escena de Angel Beats! en la que el despistado Hinata, en una acción que generó sentimientos encontrados, jura a Yui que se casará con ella “cuando regresen a su vida normal” siendo esto muy improbable. La buscará y con una excusa tan tonta como inocente, se acercará a ella para cuidarla sin importar la situación en la que ella se encuentra (y quienes hemos visto la serie sabemos cual es esa situación). Es verdad que me gusta contradecir las opiniones establecidas por los “otakus” que califican, por ejemplo, a dicha escena como hermosa, pero esta vez mis lágrimas y el lloriqueo que brotan cada vez que la miro hace que también defienda esa posición. El trabajo que realiza Seiji Kishi con el dramatismo en la serie me pareció buena. Desde el inicio los personajes fueron simpáticos a pesar de que no conocimos bien a todos y la historia se construye de tal manera que logra un clímax final que a más de uno hizo llorar si no por lo menos generar un nudo en la garganta. Es de las pocas series que si bien no podrían tener una continuación, era necesario que tengan más capítulos.

Cuando salió Charlotte muchos pensamos que este sería un Angel Beats! Vol. 2 y habían distintos elementos no menores que daban a pensar eso: este es el segundo proyecto de la empresa Key realizadora de novelas visuales; también es realizado por los estudios P.A. Works y Aniplex; y que (sobretodo) contaba con la participación del joven maestro Jun Maeda (el mismo de Angel Beats! y otros animes dramáticos muy conocidos como Kanon y Clannad) pero esta vez en la creación del guión.

Si bien Angel Beats! no es la última chupada del mango, Charlotte no se asoma a su calidad. Es en este momento cuando nos preguntamos si fue un error hacernos la idea de que si esta intentaba acercársele. Para comenzar a ver Charlotte debemos desterrarnos de la cabeza a Angel Beats! aunque a lo largo la serie intente empujarnos al dramatismo y escuchemos un opening genial con la misma voz de Lia, la misma de Angel Beats!

Yuu Otosaka es el protagonista del anime. Un chico de instituto que tiene el poder de controlar las mentes de otras personas pero por 5 segundos y que mientras lo hace pierde el control de su propio cuerpo. Gracias a ese poder consigue algunos beneficios, se divierte generando grescas entre otras personas, logra destacar en los estudios y hasta le sirve para intentar afanar a la chica que le gusta. Cualquiera diría que está haciendo un uso negativo de sus poderes y así también lo piensa la presidenta del consejo estudiantil, Nao Tomori (que tiene la habilidad de volverse invisible ante los ojos de una persona específica) y de Joujirou Takajou (su ayudante y con el poder de moverse a super velocidad pero sin poder controlar el como parar) de la academia Hinomori que alberga a muchos jóvenes con poderes especiales igual que ellos. Luego de desbaratar los actos de Yuu, lo invitan a formar parte del consejo que se encarga de buscar a los chicos con poderes especiales y advertirles que son un arma de doble filo ya que estos solo duran en la pubertad y que existen diversas organizaciones que se encargan de secuestrarlos para fines científicos y de lucro.

Sí, el planteamiento de la serie parece interesante. El tema de los poderes y de organizaciones de trata de personas son aspectos que me llaman la atención y sobretodo que lo segundo se presta (y debería) para ser una serie interesante y de temática reflexiva pero no, Charlotte me deja la sensación de ser una serie demasiado infantil para los temas que toca por su forma en como los toca. La serie, gracias a eso, creo que empezó bien, me gustaban los protagonistas y solo esperaba que se muestre al fin en que iba a consistir la serie pero hubo un problema en la medición de los tiempos. Me explico...

Creo que la serie tiene tres partes: 1) El hueveo que consistía en buscar a chicos con poderes, 2) a partir de la muerte de Ayumi y 3) a partir del encuentro con el hermano mayor. Estaba bien el ritmo como se presentaba la serie al inicio hasta el momento en el que comenzó la tercera parte y como se resolvió el conflicto. Simplemente las cosas sucedieron demasiado rápido a partir del capítulo 9 y en eso se fundamenta mi principal crítica. Los capítulos anteriores no mostraron nada trascendente a diferencia de la muerte de Ayumi (que también sucedió de la nada). Luego de eso sucedieron muchas cosas, intentaron resolver los grandes conflictos de la historia y lo hicieron en tiempo record malgastando en cosas inútiles capítulos anteriores. Ya no había tiempo ¡quedaban 3 capítulos!

La aparición del hermano mayor, la forzada muerte de Kumagami, los viajes en el tiempo y sobretodo, la realización de la titánica tarea de encontrar a todos los jóvenes con poderes de todo el mundo solo son muchas cosas que no me generaron el impacto que debían generarme por la apresurada manera en que sucedieron. Lo del hermano simplemente me pareció una especie de deus ex machina ¿Cómo terminar de digerir algo tan importante como todo lo que significaba Shusuke con tan poco? Lo del viaje a todo el mundo fue tan irreal.

La serie terminó teniendo argumentos pobres para los temas que tenía. Los personajes caían bien al inició pero uno siempre busca una evolución de ellos y sobretodo cuando supuestamente el robar tantos poderes te da una fuerte carga de inestabilidad mental y física. Se crea un seudo-romance también muy forzado del cual resulta una promesa que se convierte en un fundamento poco creíble para mantener un viaje por todos los países del puto planeta y solo, de hecho nada que ver con Hinata y Yui o de Tenshi y Otonashi en la descrita Angel Beats! Sí, Charlotte es un anime con conceptos buenos, buenos dibujos, buen opening pero que se va a la mierda por una mala dirección y guión. No tengo bien claro que tipo de anime es ya que todo lo deja a medias.

Mi querido Jun Maeda, no vuelvas a hacer guiones, de hecho no es tu fuerte. Se lo hubieras dejado otra vez al gringo Steven Foster. ¡Hey! Pero Charlotte es una serie decente en el sentido de que no te da nada extraordinario, es exactamente una serie promedio de cualquier temporada y mala para personas cansadas de eso. No podemos dejar de mencionar al lindo opening cantada por Lia: “Bravely You”, la misma de “My Soul, Your Beats” y su calidad en la animación o por lo menos a mí no me desagrada.

Para terminar, no te recomendaría a ver Charlotte. La serie tenía de donde agarrarse, ideas buenas para profundizarse pero fueron abordadas de una manera mediocre. Todo lo que he dicho es cierto si consideramos que tenía expectativas sobre esa serie, por lo contrario, no se cumple si consideramos que Charlotte es un anime promedio. Saludos :D

Esta crítica marca mi regreso a escribir en el blog. No sé cuando saque otra entrada ya que esta la hice porque no se me dio la gana de hacer nada en el trabajo. Gracias por leer y a toda la gente que le ha puesto like a la página de FB a pesar de la inactividad. Feliz navidad!!!

Crítica: Prison School

noreply@blogger.com (Osake Anime) — Sun, 4 Oct 2015 20:01:00 -0500

FICHA:

Estudio: J.F. Staff

Director: Tsutomu Misushima (Another, Shirobako, XXX HOLiC)

Episodios: 12

Géneros: Comedia, ecchi, romance, seinen, escolar

Me había olvidado que sabía escribir y más aún que tenía un blog donde opino sobre anime. Luego de un buen tiempo, vuelvo a coger el teclado de la computadora que reemplaza a mi laptop quemada por tanto hentai y juego pesado que tenía para otra vez escribir sobre dibujitos ponjas. Cuando inició la temporada, había dejado bien en claro que animes iba a seguir y así lo he hecho. Hubiera querido ver más pero reinicié mis prácticas pre-profesionales y los cursos de la universidad hicieron algo imposible ese deseo, sin embargo, con las pocas de series que vi, no me siento tan mal. Una de esas series fue Prison School, un anime que quizás puede ser ignorado para muchos quienes tal vez no somos muy apegados al desnudo ridículo como medio para generar risa. Pero no voy a mentir que, desde que leí algunas sinopsis, la historia me llamó la atención.

Decidí ver Prison School porque siempre me gustaron esos animes en la que sus protagonistas son un grupo de hombres. Elijo verlas ya que siempre en ellas se muestran escenas de camaradería, de amistad sincera, de patas patas que me es agradable ver. Es algo por ejemplo que no siento cuando los protagonistas son un grupo de mujeres ya que siempre obedecen a clichés donde las flaquitas tienen que ser tiernas, "femeninas" y etc. La amistad entre hombres quizás se siente distinta ya que suele prestarse más al humor negro japonés y Prison School es de este tipo.

Sin temor a las críticas, Prison School me parece la mejor serie que terminó la temporada pasada. Metafóricamente da con palo por completo a Gansta., a Ore Monogatari, Saint Seiya y demás que vi desde el mismo desarrollo de la serie... "¡Oe tarado, ya veo que te vendiste al fanservice. Y tanto que criticabas!". Eso me diría un tipo que no ha visto la serie de inicio al final. Pero no, Prison School tiene un valor mayor y es justo porque el fanservice no es lo principal. Seríamos muy injustos con el staff que realizó la serie. Miramos Prison School y desde el inició vemos uns serie bien dirigida, que cuida muy bien los detalles, se nota claramente que no hay cosas al azar ni deus ex machina; los personajes tienen un porqué y una personalidad definida que aporta al desarrollo de la serie. Las escenas relacionadas con el sexo son lo suficientemente explicitas a pesar de la censura, pero no, no es igual a una típica serie de fanservice donde tratan de venderte tetas sin sentido.

La Historia

Bueno, vayamos por partes. Prison School es un anime basado en el manga del mismo nombre escrito por Akira Hiramoto que se sigue publicando hasta la actualidad. La historia gira alrededor de 5 muchachos (Kiyoshi, el protagonista central; Gakuto, el sacrificado mejor amigo de todos los tiempos; Andre, el gordo con rostro pequeño; Joe, el famélico tuberculoso amante de las hormigas y Shingo, el pendejo que se arrepintió después) quienes son los primeros hombres en una escuela que hasta el año pasado era exclusiva para mujeres. Vale decir que el objetivo de entrar a dicho colegio o instituto (no me acuerdo), era poder conseguir una novia pero ya están un par de meses y ninguna chica les liga. Dentro de sus arranques de desesperación, deciden espiar a las mujeres en el baño. Pasan un par de cosas que no contaré para no hacer spoiler pero, para su desgraciada suerte, son descubiertos por una organización que hasta el momento se mantenía en las sombras. Esta agrupación es llamada creativamente "El consejo estudiantil clandestino" y está conformada por tres tipas misandricas: Mari, la presidenta; Meiko, la flaca con super tetas y Hana, la dulce niña experta en artes marciales.

Advertencia: Prison School no es para todos los públicos. El humor es negro y en muchos casos hasta grotesco pero en ese sentido, algo que se reconoce a la serie es convertir algo grotesco en gracioso y super digerible. Lo digo porque no soy hincha de este tipo de humor y aún así me reí mucho. Como digo siempre, hay que saber cual es el objetivo del anime. No me acuerdo haber visto comedias complejas y además toooodos sabemos en que se basa la comedia japonesa: desnudos, expresiones exageradas y gritos. Es muy difícil encontrar otros métodos en los animes. Así que, dentro lo que hay, Prison School me dejó complacido porque me hizo reír a mares en algunos capítulos; como el primero donde Hana tiene ganas de miccionar. La situaciones son chocantes pero que no llegan al asco. El sudor, la orina son algunos elementos que serán claves en la serie. Si te matas a carcajadas o te sientes incómodo al verlo, la serie ha cumplido sus objetivos, de eso se trata. Es así como descubrimos que hay una línea de carcajadas entre lo caricaturesco y lo grotesco. Lo importante de la serie es que de risa.

Ahora, qué onda con el fanservice. ¿O ya me comenzó a gustar? Es cierto, Meiko tiene las tetas demasiado grandes. Su espalda sufrirá en el futuro problemas lumbares si no se las reduce. Al principio me molestaba al igual que a las demás protagonistas pero mientras pasaban los capítulos le comencé a agarrar cariño. Además, no me molestan ver dibujos con desnudos, me molesta que intenten pensar que eso de risa y las tetas de Meiko solo están ahí. Además, sirve de contraste con las demás chicas que son casi planas. En conclusión, fanservice justificado.

Sin embargo, es una cruel mentira pensar que en Prison School solo te reirás y más si eres hombre. Al inició de verdad te sientes incómodo y hasta frustrado por lo que le pasa a los protagonistas (excepto a Andre, a él le encanta que lo torturen). Además, los actos de valentía de Gakuto hacían que me ponga de pie, repose mi mano en mi pecho, levante mi rostro y me ponga a llorar de orgullo. El argumento es ridículo y me gusta mucho cuando algo que podría ser considerado un defecto para muchos, en verdad es genial. Pero las escenas donde se deciden estrategias, las de sacrificio, dolor y hasta romance son pruebas de una variada manera de llegar a quienes lo ven.

Los protagonistas

Sí, hay demasiados personajes y podría ponerme a hablar sobre cada uno de ellos pero me demoraré mucho. Dentro todos ellos resaltan más desde mi parecer cuatro: Kiyoshi, Gakuto y Hana. Pero ¿por qué? Lo que pasa es que con ellos tres me reí ridículamente más que con los demás. Cada vez que Kiyoshi y Hana se juntaban era prácticamente un cague de risa. Y Gakuto es el sacrificio, la alteridad, y la valentía personificada. Durante la primera mitad de la serie sentí un profundo respeto y admiración por este personaje e hizo lo suficiente para considerarlo uno de mis personajes masculinos preferidos. Sin duda, son él y Kiyoshi gran parte del sostenimiento en cuestión de personajes y además eran los que ponían las mejores expresiones. Un mate de risa.

Sin embargo, todos cumplen su papel pero otros no fueron tan desarrollados como los demás. A veces este problema surge cuando hay muchos protagonistas. Es decir, siempre me daba risa cuando Joe tenía un hemorragia bucal pero su papel se limitó a hacer solo un poco más aparte de eso; tiene su capítulo en el cual le clava una estaca a Kiyoshi pero, y qué más. Algo muy parecido pasa con André y hasta con la presidenta. Sin embargo debo decir que, como ya sabrán, nos espera una segunda temporada así que no nos adelantemos mucho a la crítica.

El Arte

Para ser sinceros no me gusta mucho el estilo de animación que usan en la serie pero consideremos eso demasiado subjetivo de mi parte. Lo que si hay que recalcar es que si bien la animación no es perfecta la calidad se mantuvo. Es decir, el viernes al medio día veía Saint Seiya: Soul of gold con su porquería de animación y en la tarde necesitaba ver Prison School para para mi cáncer a los ojos. Con el tiempo me acostumbré.

No estoy muy seguro al recordar alguna melodía en el anime pero carajo, ¡Qué buen opening! Además, "Ai no prison" está cantada por los mismos seiyuus: Hiroshi Kamiya, Katsuyuki Konishi, Kenichi Suzumura, Daisuke Namikawa y Kazuyuki Namikawa. Y cuando lo escuchas sientes un aura de sentimiento amical. Solo imagínate a ti cantando con tus mismos patas esa canción: ese momento lo será todo. Inclusive mientras estoy escribiendo esto la estoy escuchando y por supuesto, cantando. El trabajo de los seiyuus es muy bueno también.

Para terminar, Prison School es una serie que recomendaría ver. Y te lo dice un tipo al cual no le gusta ver a cada rato tetas. Es verdad, esa parte es importante pero como dije más arriba no es lo único que te ofrece; en sí, es solo parte de todo lo que tiene: trama bien elaborada, calidad de animación, buenos seiyuus, escenas muy buenas, personajes igualmente buenos, misandria, humor negro, lágrimas, amor, estrategia, sudor. En serio, es buena. Y tu, que prefieres, ¿tetas o culo?

La Segunda Guerra Mundial y el anime: "La tumba de las luciérnagas" y "Hadashi No Gen"

noreply@blogger.com (Osake Anime) — Mon, 3 Aug 2015 14:09:00 -0500

Esta entrada presenta dos variables: una es La Segunda Guerra Mundial y la otra es la animación japonesa; pero para simplificar los términos, la llamaremos “anime” como se le suele llamar popularmente. Estas dos variables son, en sus distintos matices, fenómenos muy influyentes en la sociedad japonesa.

Las consecuencias del paso de una guerra son de un precio muy alto y Japón lo sabe muy bien. Muchas veces las heridas que nacen con ellas tardan muchos años en sanar e inclusive décadas. El caso de Japón es especial si nos contextualizamos en la Segunda Guerra Mundial ya que como se sabe, fue la única víctima de las 2 calamitosas bombas nucleares utilizadas en 6 años de guerra. Significando esto no solo el inicio del fin de la guerra con más muertos en la historia, sino, el desmoronamiento social, político y económico del país asiático. Este intento de asumir las consecuencias de la guerra se han evidenciado en distintas políticas a los largo de los años. Dentro de esos intentos está el “Monumento de la Paz de Hiroshima” o el “Cementerio estatal para las víctima de la guerra”; siendo los ejemplos quizás más representativos. Sin embargo, no son los únicos. También se han mostrado, entre distintas maneras, en el anime.

El “anime”[1] es la palabra con la cual se le denomina a la animación realizada en Japón. Esta tiene una gran tradición y a groso modo se diferencia de la norteamericana por dos razones: el estilo de la animación y que los temas que presenta suelen ser más profundos o aborda ciertas problemáticas desde perspectivas más reflexivas por decirlo de alguna manera. El anime se ha convertido en una gran industria saliendo cada cuatro meses alrededor de 15 a 20 series distintas abordando muchos temas y dirigidas a todo tipo de público y en donde el tema de la Segunda Guerra Mundial no se ha escapado de ello.

El siguiente artículo realizará un análisis a dos de las obras más importantes de la animación japonesa que se contextualizan en el periodo de la Segunda Guerra Mundial, –Hotaru No Haka o La tumba de las luciérnagas y Hadashi No Gen o Gen de pies descalzos–. El objetivo del análisis es entender en primer lugar a la sociedad japonesa durante la guerra mirándola desde dos perspectivas distintas: el del hijo de un marino que fue a la guerra (La Tumba de las luciérnagas) como también, la mirada del hijo de un agricultor (Gen de pies descalzos). Y en segundo lugar, reconocer la importancia de este tipo de arte en la intensión de una reconstrucción social.

I. ANTECEDENTES HISTÓRICOS

· Japón durante la Segunda Guerra Mundial

Militarmente, Japón tuvo un papel muy activo en la guerra. Habían realizado distintas ocupaciones y obtenido distintas victorias que reafirmaban el poderío que tenían. El auge militar japonés claramente coincidía con el dominio que aún tenía el "EJE" durante la mayoría de años de la guerra. La gran cantidad de soldados, armas y máquinas, las invasiones a Indochina Francesa, el ataque a la base Pearl Harbor son algunos de los argumentos que justifican esa idea. Sin embargo, esa tendencia no se mantuvo.

Cuando la guerra ya estaba cerca de su final con las Potencias del Eje prácticamente derrotadas y con ello desmoralizadas; sucede un hecho trascendental para la historia de Japón y del mundo. Para los comienzos de 1945, Mac Arthur, líder de la contra ofensiva americana ya había recuperado varias islas del Pacífico Oriental. Estas son las Filipinas, Okinawa, entre otros. Pero claramente el deseo principal era la ocupación del mismo Japón que años antes había atacado por sorpresa a Pearl Harbor. Es así que el día 6 de agosto de 1945, los norteamericanos lanzaron la primera bomba atómica –apodada como Little Boy– sobre Hiroshima y tres días después, ante la negación de rendición por parte del emperador Shōwa, lanzaron la segunda bomba –Fat Man– en Nagasaki.

Luego de este hecho las fuerzas japonesas no tuvieron más opción que rendirse. Habían sufrido un duro golpe por el impacto que tuvo y la sorpresa que generó el saber que existía una arma como tal. La inevitable rendición de Japón se dio en el acorazado Misouri entre Mac Arthur y los representantes del gobierno japonés. Marcando así el inicio del fin de la guerra y un país devastado.

· El anime en la guerra y la posguerra

Para aquella época ya existía la animación en Japón y la guerra no los hacía reacios a abordar los temas de aquella coyuntura. Es así que en estos tiempos aún podemos recuperar trabajos como el de Kenzō Masaoka con la excelente pieza de Osaru no Sankichi bokusen o Sankichi el mono (1942), en donde se muestra un conflicto bélico aéreo entre los monos y osos que representan al parecer a los japoneses y a los soviéticos.[2] Entre el mismo año y el siguiente salió Momotarō no Umiwashi o Las águilas marinas de Momotarō (1942) de la mano de Geijutsu Eigasha.[3] En la cual recrean el ataque a Pearl Harbor. Posteriormente, salen algunos trabajos en las cuales hacen algún tipo de referencias bélicas. Pero las mencionadas son las más importantes de la época por la gran audiencia que tuvieron a pesar del contexto.

Osaru no Sankichi bokusen

Durante la posguerra, la industria del anime también sufrió las consecuencias de la pérdida y la presencia de este tipo de animación escaseó durante un buen tiempo a pesar de la necesidad de cerrar las heridas. La animación norteamericana alcanzó gran renombre mediante la marca de Walt Disney. De hecho, si querías olvidarte de los problemas, leer un manga o ver un anime era algo que lo permitía. Con la llegada de las décadas de los 70 y 80, Japón entra en una etapa de recuperación económica, aunque engañosa, pero que permitió que el anime evolucione y surjan una gran cantidad de series animadas que crearon las bases para que este se popularice no solo en su país, sino a nivel mundial.

El estudio de animación GHIBLI (1985) fue una de las marcas que forjaron esas bases. Sus fundadores, Hayao Miyazaki e Isao Takahata, crearon obras de gran impacto por los temas que trataban y como lo abordaban; y además, fueron personas que vivieron la guerra en carne propia. Es así que, por medio de este estudio, salen a la luz una de las fuentes que vamos a analizar y que es una de las obras más representativas del estudio: “La tumba de las luciérnagas” dirigida por Isao Takahata del año 1988. Y por el otro lado, mediante el ahora muy reconocido estudio de animación Madhouse (1970): “Hadashi No Gen”, que tiene dos partes; la primera dirigida por Mori Masaki y la segunda por Toshio Hirata.

II: ANÁLISIS: La tumba de las luciérnagas y Hadashi No Gen

Es verdad, cuando vemos las dos películas, encontramos un aspecto que resulta trascendental: el drama. Si bien los protagonistas de las dos películas son niños, el público al cual va dirigido no el mismo. Es un sello por parte de las animaciones japonesas: casi la totalidad de ellos son protagonizados por niños pero no todos son dirigidos a un público infantil. Muchos de ellos tocan temas muy profundos difíciles de entender incluso para un adulto.

Las películas te muestran de manera muy explícita el horror de la guerra. Seguramente el caso de La tumba de las luciérnagas es algo más desgarrador. La historia, que está basada en la novela homónima de Akiyuki Nosaka, se ubica meses antes de la rendición de Japón en la que las fuerzas Aliadas acosan constantemente a diversas ciudades antes del lanzamiento de la primera bomba nuclear. Se entiende que los dos protagonistas: Seita y Setsuko (hermano mayor y hermana menor), son hijos de un marino. Es por eso que tienen una posición medianamente acomodada pero no dejan de sentirse vulnerables ante los amedrentamientos de las fuerzas enemigas. Seita, posee un sentimiento nacional muy fuerte. Tiene muchas esperanzas en las fuerzas militares de su país. Esperanzas que podrían ser justificadas justamente por esa relación con el padre que es un militar. Cuando vemos Hadashi No Gen no nos encontramos con el mismo caso. El protagonista, Gen, tiene una familia sin ningún tipo de parentesco militar, más bien, viven de la agricultura y otros trabajos manuales, y en un diálogo el padre de este, reclama el desistir de la guerra de una vez. Claramente son dos sentimientos distintos. Por un lado, el estar cegado y defender una guerra perdida y por otro la mirada más realista por parte de la población común.

“Hombre 1: — Nuestro viento divino llegó después de rendirnos. Era de esperarse.
Seita: — ¿De qué habla? ¿Rendirnos? ¿A caso perdimos la guerra?
Hombre 1: — ¿A caso no lo habías escuchado?
Seita: — Es imposible, ¿Japón perdió? ¿El gran imperio japonés fue derrotado?
Hombre 2: — Si, se rindió incondicionalmente.
Seita: Pero, ¿Qué hay acerca de la flota?
Hombre 2: — ¡Ay niño! Todos destruidos, enviados al fondo del mar, no ha quedado ni uno a flote.
Seita: — ¡¿Qué?! ¿Entonces el barco de mi padre también fue hundido? ¿Por eso no ha escrito?
Hombre 2: — ¡Ah! como podría yo saberlo. La tumba de las luciérnagas (min: 1:13:00)”

“Gen: — Me gustaría saber si tendremos suficiente comida.
Padre: — SÍ, hijo, cuando la guerra acabe.
Gen: — ¿Cuándo acabará?
Padre: — No tardará mucho, Japón ya perdió la guerra.
Gen: — ¿Por qué seguimos peleando si ya perdimos la guerra?
Padre: — ¿Por qué? Porque nuestro gobierno está dirigido por locos. Son unos estúpidos locos todos ellos.
Gen: — Padre, no digas eso. Podrían acusarte de traidor o algo.
Padre: — ¿Traidor? ¿Cobarde? Esas palabras no significan nada para mí. De hecho he llegado a pensar que me sentiría orgulloso si me dijeran cosas así. Esta guerra no puede estar bien pero solo los cobardes como yo nos atrevemos a decirlo. Si al menos hubiera más como nosotros. ¿Sabes? A veces es más valiente no luchar por luchar, no matar cuando todo a tu alrededor reclama sangre. Ese es el verdadero valor a mi parecer. Hadashi No Gen (min. 23:00)”

Sobre la situación de la guerra, las dos películas nos muestran aspectos muy parecidos: la escasez de alimentos, la falta de abastecimiento en los hospitales, el miedo generado por las amenazas, los refugios, entre otros temas. Esto nos demuestra pues como la era la realidad durante los años de la guerra en Japón. Es muy interesante este enfoque que le dan las dos películas porque como lo dije anteriormente, lo que salía sobre la guerra y durante la guerra eran especies de recreaciones bélicas. Sin embargo, los temas evolucionan y ahora es meramente realista y social. La crudeza de la guerra te la muestran tajantemente. La escena del encuentro entre Seita y su madre casi muerta es simplemente impactante y es el ejemplo de cómo eran tratados los enfermos y caídos de guerra durante la coyuntura.

Sin duda, Gen de pies descalzos tiene más referencias sobre la guerra. La tumba de las luciérnagas es el caso de dos niños huérfanos que tendrán que sobrevivir solos casi la mayor parte del tiempo luego de la muerte de su madre. En un país donde escaseaban las cosas, los muchachos tendrán que batallar por sobrevivir. El dramatismo es muy intenso en la película. Si bien se utiliza mucho el contexto, las escenas y el sufrimiento giran en torno a valores personales de los distintos personajes como el de la tía egoísta, el obstinamiento de Seita o la ternura de Setsuko pero, no resultado de la guerra directamente aunque inherente.

En el caso de Hadashi No Gen todo pasa por la guerra y existen más referencias históricas. Esta película trata sobre lo que tendrá que pasar Gen y su madre luego de ser unos de los pocos sobrevivientes de la bomba en Hiroshima. Hacen referencia a la hora del lanzamiento, la declaración por radio en la cual Japón se rinde, las repercusiones de la misma bomba: los desastres físicos, los rezagos biológicos. Mucha gente muere a raíz de los efectos posteriores y lo muestran de manera cruda. Una sociedad dominada no solo por el hambre, sino la desesperación de la muerte alrededor suyo, las enfermedades, a la falta de apoyo y esta se evidencia en la misma muerte y en la locura.

Los relojes se pararon a las 8:15 hrs. Momento en la cual se lanzó el LittleBoy. (Hadashi no Gen: min. 31:44) Imagen derecha: Blog Fogonazos.

Los personajes principales en las películas son distintos ya que representan cosas distintas, casi opuestas. Mientras Seita representa al dolor, el sufrimiento; Gen, da una idea más de optimismo, tiene una actitud distinta. Aunque hay que decir que en ese aspecto Gen es más joven y tiene actitudes más infantiles. Sin embargo, muestran bastante bien las necesidades de la época, te revela una realidad y lo difícil que debió haber salido de ese hoyo.

Sin duda, te muestran una realidad cruda y despiadada. Isao Takahata representa de manera estupenda el dolor de los dos hermanos. Tanto así que se puede decir que es gracias a su propia vivencia como testigo de la guerra. El caso de Seita y Setsuko pudo haber sido el caso de miles de niños que quedaron huérfanos y tuvieron que afrontar la vida solos. No es ficción totalmente.

Recopilando. Al ver las dos películas estamos viendo lo amargo de la guerra desde dos perspectivas distintas y desde dos personalidades distintas. En Hotaru no Haka es casi imposible no ponerse en el lugar de los dos hermanos. Es increíble fijarse como la aproximación a la guerra no es suficiente para generar empatía hacia las demás personas que aparecen en la obra. Deduzco que el presenciar la muerte desde un lugar muy cercano aveces deshumaniza a las personas y eso se ve muy claramente en la que un trabajador de la estación del tren dice sin ningún tipo de pena o asombro al ver a Seita muerto: ¡Ah, otro más! Fue muy común en la época ver la muerte. Después de una época seguramente de miedo y de ponerse en el lugar del otro, viene una en la que estamos tan acostumbrado de verla que no asombra.

Hadashi No Gen utiliza una técnica distinta. En esta obra son muy utilizados los simbolismos. La muerte es retratada por calaveras y el fuego; la locura es espectacularmente montada. Es interesante no solo ver a Gen, sino a las demás personas. Es verdad que suceden hechos un poco menos creíbles como la rapidez con la que asumieron la muerte de sus familiares e inclusive la aparición de un chiquillo idéntico al hermano. Pero si analizamos el trasfondo, nos encontramos con realidades distintas. Mientras en La tumba de las luciérnagas nos muestran a una sociedad ingrata, egoísta, individualista, adolorida desde una visión del hijo de un marino; en Hadashi No Gen vemos a una sociedad más optimista, que inclusive luego de la locura puede invitar un poco de leche materna a una niña que no es la suya u hospedar a un desconocido cuando no tienen ni que comer. En Hadashi están también muy cerca de la muerte, también hay niños enfermos que no soportan las consecuencias de los ataques, ellos son los sobrevivientes de la bomba en Hiroshima pero de alguna manera representan a la esperanza; sobretodo por Gen, portador de las ideas de su padre.

Las consecuencias de la guerra. (Hotaru no Haka: min. 01:10:45) Imagen derecha: Blog Fogonazos.

CONCLUSIONES

Es innegable el papel que juegan los medios audiovisuales para formar una relación entre el pasado y el presente de manera que pueda llegar a conocerse y entenderse. La tumba de las luciérnagas y Gen de pies descalzos son un espejo. Un espejo de la sociedad, de la realidad, el sufrimiento de aquella época y que sea hecho con un estilo animado no le quita esa carga real; es un medio más para conocerla.

El caso de Japón es trascendental. Estas películas son de la década de los 80; cuando no habían pasado ni cincuenta años de los hechos. Gente que vivió dicha época lo tomaron también como un medio de reivindicación social. No de olvido, de memoria. Estas películas aportaron a conocer un pasado colectivo y reconstruir una nación partiendo también de ello. El éxito de estas películas fue importante en los años que salieron y hasta el día de hoy son considerados obras de culto y de las muestras más importantes de cine antibelicista. Son el intento de cerrar algunas heridas que aún no sanaan y que necesitan ser curadas.

[1] No se tiene muy en claro el origen de la palabra anime, pero si como era llamada anteriormente: “Japanimation”. Anime quizás derive de la abreviatura de la transcripción japonesa de la palabra animation.

[2] El corto lo podemos encontrar en el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=OTKCfyBKvhw

[3] Un fragmento del corto lo podemos encontrar en el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=TUJOVHk9mW8