Em tempos em que muitos destinos turísticos parecem cenários cuidadosamente montados para fotografias perfeitas, São Bento do Sapucaí segue um caminho diferente. Encravada na Serra da Mantiqueira, a cidade preserva algo cada vez mais raro: autenticidade.

Ali os produtores continuam produzindo, os moradores continuam vivendo suas rotinas, os violeiros continuam tocando suas modas e as montanhas continuam ditando o ritmo dos dias. E o turismo acontece justamente porque tudo isso existe — e não o contrário.

É essa visão que a secretária de Turismo, Cultura e Desenvolvimento Econômico, CÍNTIA TOMIE SUGUINO, defende ao falar sobre a cidade na entrevista que você pode assistir AQUI ou no final dessa matéria. Em São Bento, valorizar os produtores locais, preservar tradições e incentivar novos empreendedores não são ações separadas, mas partes de um mesmo projeto de desenvolvimento.

Sabores que nascem da montanha

A vocação rural da cidade aparece em cada estrada de terra pelas quais é ótimo se perder. Ao longo desses caminhos, pequenas propriedades recebem visitantes interessados em conhecer de perto a produção de azeites, vinhos artesanais, cogumelos especiais, cervejas, mel, queijos e uma variedade crescente de produtos ligados à culinãria local.

Um dos exemplos é o azeite extravirgem, cuja qualidade já chama atenção de especialistas e chefs de cozinha. Mas a cidade também integra o movimento crescente dos vinhos de inverno da Mantiqueira. Vinhedos instalados em áreas de altitude vêm demonstrando que a região possui condições ideais para produzir rótulos cada vez mais premiados.

Entre os produtores que merecem atenção estão fazendas de oliveiras, vinhedos de altitude, produtores de cogumelos artesanais, apicultores, pequenas cervejarias e agroindústrias familiares que transformam ingredientes locais em experiências gastronômicas genuínas.

Cultura que não virou peça de museu

Se a gastronomia conecta o visitante ao território, a cultura ajuda a compreender sua alma. Em São Bento do Sapucaí, as tradições sobrevivem no cotidiano, e não apenas em livros ou apresentações ocasionais.

O Museu da Viola celebra um instrumento que ajudou a contar a história do interior brasileiro. O Museu do Carro de Boi preserva um dos símbolos mais marcantes da vida rural brasileira. O Museu do Zé Pereira guarda a história de uma das manifestações populares mais tradicionais da cidade – com bonecões mais antigos até que os de Olinda – e que atravessa gerações e continua mobilizando a comunidade local.

Mas talvez a melhor forma de conhecer essa herança cultural seja fora dos museus. Em rodas de conversa, festas populares, encontros de violeiros e apresentações espontâneas, o visitante percebe que a cultura local continua viva e em constante transformação.

Arte feita devagar e com muito talento

Outro aspecto que diferencia São Bento é a presença de artistas e artesãos que encontraram na Mantiqueira um ambiente propício para criar. Ateliês espalhados pela zona rural e pelo centro da cidade abrem suas portas para visitantes interessados em processos criativos, arte têxtil, cerâmica, mosaicos, pintura e design.

Mais do que espaços de exposição, muitos desses ateliês funcionam como locais de encontro, onde o artista conversa diretamente com quem chega. A experiência de compra deixa de ser uma simples transação e se transforma em uma troca de histórias.

Natureza grandiosa, experiências humanas

Mas é impossível falar de São Bento do Sapucaí sem mencionar a natureza. O principal cartão-postal da cidade é a Pedra do Baú, um dos conjuntos rochosos mais impressionantes do Brasil – e cujas lembranças e traumas já contei AQUI mesmo, no Lugarzinho. Com suas paredes verticais emergindo da paisagem da Mantiqueira, ela atrai praticantes de escalada, montanhismo, trekking e amantes da fotografia.

Além da Pedra do Baú, a cidade abriga dezenas de trilhas, cachoeiras e percursos para ciclistas e aventureiros. Há opções para quem busca adrenalina, mas também para quem deseja apenas caminhar em silêncio entre araucárias e riachos cristalinos.

O interessante é que, mesmo diante de paisagens grandiosas, a experiência raramente se resume à contemplação da natureza. Em São Bento, quase toda trilha termina em uma conversa, uma propriedade rural, um café caseiro ou uma história contada por alguém que nasceu ali.

O turismo como ferramenta de desenvolvimento

Talvez seja justamente essa combinação que explique o momento vivido pela cidade.

Ao invés de apostar apenas em grandes atrações, São Bento do Sapucaí vem fortalecendo uma rede formada por produtores rurais, artistas, cozinheiros, empreendedores, guias e moradores. O visitante consome produtos locais, conhece histórias e ajuda a manter vivas atividades que fazem parte da identidade do município.

O resultado é um modelo de turismo que gera renda sem descaracterizar o território. Um turismo que valoriza a cultura em vez de substituí-la. Que protege a paisagem porque depende dela. E que entende que desenvolvimento econômico não precisa significar perda de identidade.

Em uma época de destinos cada vez mais parecidos entre si, São Bento do Sapucaí parece lembrar algo essencial: viajar continua sendo, acima de tudo, uma oportunidade de conhecer pessoas, histórias e modos de vida diferentes dos nossos.

E talvez seja justamente por isso que tanta gente chega para passar um fim de semana e volta para a vida inteira.

Assista a entrevista completa:

Segue abaixo uma lista de lugares que você não pode deixar de conhecer. Cada um deles mostra a alma da cidade, onde cultura, gastronomia, arte e produção rural se encontram de forma genuína:

Museu do Zé Pereira

Guardião de uma das tradições mais queridas da cidade, o museu celebra os famosos bonecões do bloco Zé Pereira, manifestação cultural centenária de São Bento do Sapucaí. O espaço ajuda a preservar a memória, os personagens e o espírito festivo que atravessa gerações.

Museu do Carro de Boi

Um mergulho na história rural de São Bento do Sapucaí. O museu preserva carros de boi, ferramentas e objetos que ajudam a contar como era a vida no campo antes da mecanização, valorizando o trabalho e os costumes que moldaram a identidade da região.

Museu da Viola

Dedicado ao instrumento que se tornou símbolo da cultura caipira, o museu reúne violas, documentos, fotografias e histórias de violeiros. É uma parada obrigatória para quem deseja compreender a profunda ligação entre a música sertaneja de raiz e a Mantiqueira.

OLIQ Azeites

Em meio às montanhas da Serra da Mantiqueira, a OLIQ transformou a produção de azeites extravirgens em uma experiência turística completa. Além de conhecer os olivais e o processo de fabricação, os visitantes podem participar de degustações e desfrutar de um restaurante que valoriza ingredientes da região e os próprios azeites produzidos na fazenda.

Vinícola Villa Santa Maria

Uma das pioneiras do enoturismo na Mantiqueira paulista, a vinícola impressiona pelos vinhedos, pela arquitetura e pelos vinhos produzidos em altitude. As visitas incluem degustações e permitem conhecer de perto o processo de produção dos rótulos da casa.

Vinícola Raízes do Baú

Instalada no sopé da Pedra do Baú, combina produção de vinhos, produtos artesanais e belas paisagens. As degustações acontecem em meio aos vinhedos e oferecem uma experiência intimista, conduzida pelos próprios proprietários.

Vinícola Entre Vilas

Mais do que uma vinícola, é uma propriedade dedicada à diversidade agrícola da Mantiqueira. Além dos vinhos, cultiva frutas vermelhas, castanhas e outras culturas, refletindo o espírito inovador da agricultura de montanha.

Charcutaria Espírito de Porco

Especializada em embutidos artesanais, produz presuntos, salames e outros itens inspirados na tradição europeia, mas com identidade brasileira. Uma ótima parada para quem aprecia gastronomia artesanal e produtos feitos com tempo, técnica e cuidado.

Fazenda Soares

Produtora de queijos artesanais e outros produtos rurais, a fazenda oferece ao visitante contato direto com a vida no campo e com os sabores típicos da Mantiqueira. É uma oportunidade de conhecer o trabalho de pequenos produtores que ajudam a construir a reputação gastronômica da região.

Quinta dos Cogumelos

Referência no cultivo de cogumelos especiais, a propriedade apresenta aos visitantes o fascinante universo da fungicultura. Além de conhecer a produção, é possível experimentar produtos frescos e descobrir como os cogumelos vêm ganhando espaço na alta gastronomia da Mantiqueira.

Restaurante Trincheira

Com vista privilegiada para as montanhas, o Trincheira aposta em uma gastronomia que valoriza ingredientes locais e o clima acolhedor da serra. É um lugar para saborear a culinária regional sem pressa, apreciando a paisagem da Mantiqueira.

Restaurante Pedra do Baú

Localizado aos pés do principal cartão-postal da cidade, oferece uma das vistas mais bonitas da região. O buffet e os pratos destacam sabores da Mantiqueira, tornando a refeição um complemento perfeito para quem visita a Pedra do Baú.

Ateliê Nakawe

Referência em arte têxtil contemporânea, o ateliê desenvolve peças exclusivas que unem design, tradição artesanal e técnicas de tecelagem. A visita permite conhecer de perto o processo criativo e a produção manual que tornou o espaço reconhecido na região.

Nico Ferreira Mosaicos

O artista Nico Ferreira transforma fragmentos de cerâmica, vidro e pedra em obras cheias de cor e identidade. Seu ateliê é um convite para conhecer um trabalho que mistura arte, arquitetura e inspiração na natureza exuberante da Mantiqueira.

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Há chefs que cozinham para alimentar. Outros, para impressionar. E há aqueles que parecem usar os ingredientes como tinta, memória e linguagem. Lucas Corazza pertence a essa terceira categoria. Entre chocolates, meles, baunilhas e camadas perfeitas de bolo, ele construiu uma trajetória em que a confeitaria deixa de ser apenas técnica e passa a ocupar um espaço muito mais amplo: o da arte, da cultura e da emoção.

No sétimo episódio da série Arte Para Quê?, do Lugarzinho, cuja entrevista você confere AQUI ou no final dessa matéria – Lucas surge como nos acostumamos a vê-lo: inquieto, divertido, provocador e profundamente apaixonado pelas histórias que a comida pode contar. Conhecido do grande público como jurado do programa Que Seja Doce, do canal GNT, ele vai muito além da televisão ao refletir sobre o que um doce comunica sem precisar dizer uma única palavra.

Nossa conversa passeia por memórias afetivas, referências visuais, ingredientes brasileiros e até – ou principalmente – movimentos artísticos. Lucas aproxima a confeitaria da Pop Art — não apenas pela explosão de cores e formas, mas pela maneira como a comida ocupa o imaginário popular. Afinal, poucas coisas são tão universais quanto um brigadeiro, um bolo ou o cheiro de chocolate atravessando uma cozinha.

Para ele, doces carregam símbolos culturais tão fortes quanto músicas, pinturas ou filmes. Receitas atravessam gerações, sobrevivem ao tempo e funcionam como arquivos afetivos. Um sabor pode despertar lembranças esquecidas, transportar alguém para a infância ou reconstruir a presença de pessoas queridas. Não por acaso, Corazza defende que confeitaria também é narrativa — uma forma de expressão capaz de comunicar identidade, território e emoção.

E talvez seja justamente essa busca constante que explique sua defesa apaixonada dos ingredientes naturais e regionais. Durante nossa conversa, ele fala com entusiasmo sobre o cacau brasileiro, a complexidade aromática da baunilha e as inúmeras possibilidades do mel. Mais do que ingredientes sofisticados, eles representam biodiversidade, cultura local e respeito ao produtor.

Fala também de frutos pouco conhecidos e sabores estranhos, que magicamente ganham novas funções, acompanhamentos e sabores, “desde que as conheçamos mais profundamente”. Em um mundo dominado por fórmulas artificiais e sabores padronizados, o chef defende uma confeitaria que preserve origem, história e personalidade.

E a entrevista também encontra espaço para muitos toques pessoais. Ao comentar a relação emocional das pessoas com os doces, Lucas faz uma observação simples que dá nome a um dos capítulos de seu livro: “doce não é remédio, mas vovó diria que cura”.  Há algo profundamente acolhedor em tomar aquela xícara de leite quente com açúcar queimado. E talvez esteja aí uma das grandes forças da confeitaria: sua capacidade de criar pequenos instantes de felicidade e conforto.

Entre risadas, referências artísticas e reflexões inesperadas, o episódio revela um Lucas Corazza que enxerga a cozinha como espaço de criação, afeto e memória. Um confeiteiro que fala de açúcar como quem fala de cultura. E que prova, camada após camada, que alguns doces podem ser tão expressivos quanto uma peça selecionada pelo curador de uma galeria.

EM BREVE: Rua Marquês de Itu, 798 – Higienópolis – São Paulo/SP

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Há algo de poderoso quando uma criança descobre o som de uma guitarra distorcida pela primeira vez. Não apenas o impacto do volume ou o brilho das luzes, mas a sensação de que existe um universo inteiro pulsando atrás daquele palco.

Para muitas delas, esse encontro acontece pelas mãos de Felipe Simmons Mendes, criador do projeto Rock For Kids — uma iniciativa que transforma clássicos do rock em experiências lúdicas, afetivas e cheias de energia para o público infantil.

Conhecido há anos por “encarnar” o baixista Gene Simmons, do Kiss, Felipe – que nos concedeu a deliciosa entrevista que você confere AQUI ou no final dessa matéria – construiu uma trajetória marcada pela paixão pela música, pela literatura e pelo imaginário fantástico.

Além de músico, ele também é escritor de livros de suspense – como os eletrizantes Linha 4 Amarela e Linha 3 Vermelha – e contos premiados, como o belo “Spread Your Wings” – sem falar no apavorante  “O Lado Sombrio do Sítio” uma tenebrosa antologia envolvendo os personagens do Sítio do Picapau Amarelo, com narrativas que sempre transitam entre fantasia, emoção e mistério.

Na série “Arte Pra Quê?”, do Lugarzinho, Felipe fala sobre a criação do Rock For Kids e sobre como a música pode funcionar como porta de entrada para a sensibilidade, a criatividade e a descoberta do mundo.

Em um tempo acelerado, cercado por telas e estímulos instantâneos, o projeto aposta justamente na experiência coletiva: crianças cantando juntas, vendo instrumentos de perto, percebendo ritmos, melodias e histórias contadas através das canções.

Durante a conversa, Felipe também reflete sobre a importância de apresentar arte às crianças desde cedo — não como obrigação ou conteúdo didático, mas como experiência viva. Para ele, música, literatura e imaginação ajudam a formar repertório emocional, senso crítico e até vínculos humanos mais profundos.

E talvez seja justamente por isso que projetos como esse provoquem algo raro: a sensação de descoberta, como se cada show pudesse ser o começo de uma paixão artística que acompanhará alguém pela vida inteira.

Longa vida ao rock and roll!

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Muito antes de o grafite ocupar galerias, museus e grandes festivais internacionais, ele já pulsava nos muros da cidade como uma forma de expressão, identidade e resistência. Em São Paulo, um dos nomes fundamentais dessa história é Binho Ribeiro, artista que ajudou a construir os primeiros caminhos da arte urbana brasileira e transformou a paisagem da cidade com cores, personagens e mensagens que atravessam gerações.

Na série Arte Pra Quê?, em entrevista que você confere AQUI ou no final dessa matéria, o Lugarzinho conversa com o artista sobre os primórdios do grafite paulistano, a paixão pelos desenhos desde a infância e o encontro com a cultura de rua — um universo que mistura arte, skate, hip hop, música e ocupação dos espaços urbanos.

Para Binho, o grafite nunca foi apenas estética. Nasceu como linguagem de provocação – uma forma de existir na cidade, de ocupar territórios e de criar identidade em meio ao concreto, ao abandono e às desigualdades urbanas. Em uma época em que a arte urbana ainda era marginalizada e frequentemente confundida com vandalismo, pintar os muros também significava desafiar limites e abrir caminhos para novas formas de expressão cultural.

Ao longo da entrevista, ele relembra como São Paulo se tornou um dos grandes polos mundiais do grafite. Uma cidade onde a arte urbana ganhou força justamente pela intensidade da vida nas ruas, pela diversidade cultural e pela necessidade constante de expressão. E é aí que o grafite transforma a vida local porque cria diálogo, provoca reflexão e aproxima as pessoas da arte de forma espontânea e democrática.

Essa relação entre arte e cidade também aparece no trabalho de curadoria realizado por ele no Museu Aberto de Arte Urbana, projeto que levou obras de muitos novos artistas para os muros da capital paulista e ajudou a consolidar o reconhecimento institucional da arte urbana. O mesmo acontece com a Bienal Internacional do Graffiti Fine Art, iniciativa que conecta artistas brasileiros e internacionais e amplia o debate sobre seu papel na arte contemporânea.

Durante nossa conversa, Binho também fala sobre o momento atual da arte urbana no Brasil e no mundo. Se antes o grafite buscava reconhecimento, hoje ele ocupa galerias, exposições, marcas, festivais e espaços culturais diversos — sem perder sua essência ligada à rua, à contestação e à liberdade criativa.

Mais do que uma manifestação artística, o grafite segue sendo uma ferramenta de transformação social e cultural. E a trajetória de Binho Ribeiro ajuda a contar não apenas a história da arte urbana em São Paulo, mas também a história de uma cidade que aprendeu a enxergar seus muros como telas e suas ruas como espaços vivos de criação.

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Não é de hoje que São Pedro/SP é conhecida como um destino que combina natureza, tranquilidade e experiências autênticas. A poucos quilômetros de grandes centros, a cidade convida a explorar paisagens, sabores e histórias que carregam a identidade da região.

Quem nos conta os detalhes de tudo isso é o Secretário de Turismo Fábio Pontes, em entrevista especialíssima para o Lugarzinho, que você confere AQUI ou logo abaixo, nessa matéria.

A região ganha ainda mais força com o recém-lançado Distrito Turístico Águas e Aventuras, uma iniciativa do Estado que une São Pedro às vizinhas Brotas e Águas de São Pedro. A proposta amplia o olhar sobre o turismo local, conectando diferentes vocações em um mesmo território: das águas terapêuticas ao ecoturismo, dos esportes de aventura à contemplação. O resultado é uma experiência mais completa, que valoriza o que cada cidade tem de singular, ao mesmo tempo em que fortalece a região como um polo integrado.

Em São Pedro, a relação com a terra também é um convite, seja para o motocross ou para as delícias da chamada comida de roça, com receitas que atravessam gerações e ingredientes que vêm direto do campo.

O Turismo Rural amplia essa conexão. Sítios, fazendas e pequenas propriedades abrem suas portas para quem busca vivências mais próximas da natureza, seja em atividades do dia a dia no campo, seja na pausa necessária para respirar outros ares.

Na entrevista que acompanha este conteúdo, logo aqui abaixo, o secretário Fabio Pontes detalha como essas iniciativas se articulam e aponta os próximos passos para o desenvolvimento do setor. A conversa revela uma cidade que investe em planejamento, parcerias e valorização de suas próprias raízes para construir um turismo sustentável e cada vez mais diverso.

Segue abaixo alguns dos atrativos da Distrito Turístico Águas e Aventuras para você aproveitar:

Aventura e Natureza (Brotas e São Pedro)

Rafting e Boia-cross
O Rio Jacaré-Pepira, em Brotas, é um dos grandes símbolos do turismo de aventura no estado. Com águas limpas, corredeiras de diferentes níveis e paisagens preservadas, ele atrai desde iniciantes até praticantes mais experientes. O rafting é conduzido por equipes especializadas e mistura adrenalina com contato intenso com a natureza. Já o boia-cross oferece uma experiência mais descontraída e divertida, permitindo descer trechos do rio em boias individuais enquanto se aprecia a mata ao redor.

Cachoeiras e Trilhas
A região reúne dezenas de cachoeiras cercadas por mata nativa, muitas delas acessíveis por trilhas leves e contemplativas. O Parque dos Saltos é um dos cartões-postais mais conhecidos, com passarelas, quedas d’água e mirantes sobre o Rio Jacaré-Pepira. Além dele, propriedades rurais e parques ecológicos oferecem trilhas por serras, vales e áreas de preservação, ideais para caminhadas, banho de cachoeira e observação da fauna e da flora.

Atividades de Aventura
O Distrito Turístico também se destaca pela variedade de esportes ao ar livre. Tirolesas atravessam vales e rios em percursos panorâmicos; o rapel aproveita paredões naturais e cachoeiras; o arvorismo leva visitantes a circuitos suspensos entre árvores; enquanto o caiaque e o canionismo exploram rios, cânions e formações rochosas da região. São experiências que unem emoção, paisagem e integração com o ambiente natural.

Ecoturismo
Além das atividades radicais, o território oferece experiências voltadas ao contato mais tranquilo com a natureza. Passeios de quadriciclo percorrem estradas rurais, áreas de mata e trechos da serra, revelando cenários pouco explorados. Há ainda opções de observação de aves, caminhadas ecológicas e roteiros voltados à contemplação das paisagens da Cuesta Paulista, marcada por formações geológicas, vegetação nativa e amplos horizontes.

Mirantes
A Serra do Itaqueri, em São Pedro, concentra alguns dos visuais mais impressionantes da região. Os mirantes naturais permitem observar vales, áreas rurais, formações montanhosas e o pôr do sol sobre a Cuesta Paulista. Em dias de céu aberto, a sensação é de amplitude e silêncio, transformando o local em um dos principais pontos de contemplação do Distrito Turístico.

Águas e Bem-Estar (Águas de São Pedro e São Pedro)

Turismo Termal
Águas de São Pedro é reconhecida nacionalmente por suas águas minerais com propriedades terapêuticas. A cidade desenvolveu sua identidade em torno do turismo de saúde e bem-estar, com balneários, fontes e tratamentos que utilizam águas sulfurosas e minerais. O clima tranquilo, as áreas arborizadas e a atmosfera acolhedora reforçam a proposta de descanso e renovação.

Relaxamento e Saúde
SPAs, massagens, banhos terapêuticos e circuitos de relaxamento fazem parte da experiência oferecida na região. Entre os pontos mais conhecidos está a Fonte Almeida Salles, famosa por suas águas sulfurosas. O turismo de bem-estar se combina ao ritmo calmo das cidades, criando um ambiente propício para desacelerar, cuidar da saúde e aproveitar momentos de tranquilidade.

Turismo Rural e Experiência

Rota da Serra do Itaqueri
A rota integra propriedades rurais, fazendas, atrativos naturais e experiências ligadas ao campo. Ao longo do percurso, visitantes encontram produtores locais, pequenas pousadas, cafés rurais, trilhas e atividades de aventura em meio à paisagem serrana. O trajeto valoriza o turismo de experiência, aproximando o visitante do cotidiano rural e das tradições da região.

Cultura e Gastronomia
A culinária regional é um dos grandes atrativos do Distrito Turístico, com forte presença da comida de roça, produtos artesanais, doces caseiros, cafés especiais e receitas ligadas à tradição do interior paulista. Em Brotas, o Museu do Café ajuda a contar a história da cultura cafeeira e sua influência no desenvolvimento econômico e cultural da região. A experiência gastronômica se mistura à memória afetiva, ao turismo rural e à valorização das identidades locais.

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A pergunta que move a série continua ecoando.. No quarto episódio de Arte Para Quê?, o Lugarzinho conversa com o ator Marcos Breda, dono de uma trajetória extensa e diversa que atravessa televisão, cinema e teatro — sempre com a mesma inquietação criativa que o levou a descobrir o palco.

Marcos tinha outros planos de vida. Mas foi diante de “Trate-me Leão”, do icônicop grupo Asdrúbal Trouxe o Trombone, que algo se acendeu. A experiência de assistir à peça marcou o início de uma relação profunda com a arte, não apenas como espectador, mas como alguém que queria fazer parte daquele universo.

Desde então, construiu uma carreira sólida, com dezenas de trabalhos que ajudaram a moldar sua presença cênica. Na televisão, participou de novelas que alcançaram grande público, consolidando sua versatilidade em personagens de diferentes perfis. No cinema, integrou produções que dialogam com momentos importantes do audiovisual brasileiro. E no teatro — onde tudo começou — mantém uma relação contínua, explorando textos, formas e encontros.

Durante a conversa, ele destaca como a arte funciona como espaço de troca. Para além do entretenimento, ela cria pontes: entre pessoas, entre tempos, entre visões de mundo. É também um instrumento de preservação — da memória, da cultura, das histórias que ajudam a compreender quem somos.

Um dos pontos mais sensíveis da entrevista surge quando fala sobre Caio Fernando Abreu. A relação com a obra e a figura do escritor teve impacto não só artístico, mas também pessoal. Breda relembra a intensidade dos textos de Caio, a forma como abordava emoções e fragilidades, e como isso reverberou em sua própria forma de ver e fazer arte.

A conversa também passa pelo momento atual do cinema brasileiro, com a importante relação entre o filme Feliz Ano Velho – que completa 40 anos e foi marco fundamental em sua carreira – e a recente repercussão de Ainda estou Aqui e O Agente Secreto.

Ao revisitar sua trajetória, Marcos Breda fala dos papéis marcantes, das escolhas ao longo do caminho e das transformações que acompanhou no meio artístico. Há um entendimento claro de que cada etapa contribuiu para construir não apenas um repertório profissional, mas também uma visão mais ampla sobre o papel do artista.

E entre as memórias surge também um afeto especial pelo Lugarzinho, relembrando com leveza as dicas gastronômicas que compartilhou com o site anos atrás — um detalhe que revela outra camada da relação entre arte e vida cotidiana, onde cultura e experiência se misturam de forma natural.

Por fim, a resposta para “arte para quê?” não vem como definição fechada. Ela aparece nas entrelinhas: na primeira peça que transforma um espectador, nas palavras de um escritor que atravessam o tempo, nos encontros que a arte possibilita.

O post ARTE PARA QUÊ? Ep. 04 – MARCOS BREDA apareceu primeiro em Lugarzinho.

Seguimos com a provocação da série Arte Para Quê?, do Lugarzinho — um convite a perceber a arte não como algo distante, mas como presença viva, que atravessa o tempo e continua ressoando no agora.

Neste episódio, a pergunta encontra uma trajetória marcante: a de Gerson Conrad, cantor, compositor e um dos criadores do grupo Secos & Molhados. Na entrevista que você pode assistir AQUI ou logo abaixo, no final desta matéria, o artista revisita caminhos, ideias e inquietações que ajudam a entender não só uma obra, mas um momento inteiro da cultura brasileira.

Ao lado de parceiros para lá de históricos, ele participou da construção de uma linguagem que rompeu padrões misturando música, poesia, teatralidade e imagem de forma intensa e inesperada. O impacto foi imediato, mas o que permanece é mais profundo: uma maneira de pensar a arte como expressão livre, capaz de desafiar limites e abrir novas possibilidades de criação.

Sua trajetória individual também segue esse impulso. Entre composições, projetos e reflexões, há uma continuidade de pesquisa, uma busca que não se acomoda em fórmulas prontas.

Ao olhar para esse percurso, a provocação ganha novas camadas: a arte serve para marcar uma época ou para atravessá-la? Ela pertence ao seu tempo ou segue forte pelo tempo?

Talvez a resposta esteja justamente nessa permanência inquieta. A arte que não se esgota, mas como algo que segue acontecendo — sempre que alguém se dispõe a entrar em contato com ela.

Seja como for, a música de Gerson Conrad – assim como dos Secos e Molhados – é difícil de explicar, mas é daquele tipo de arte com a qual a gente se encanta logo de cara e, com o passar do tempo, gosta um pouco mais a cada vez que ouve.

O post ARTE PARA QUÊ? Ep.03 – GERSON CONRAD apareceu primeiro em Lugarzinho.

Qual a melhor lembrança que você tem de um almoço ou jantar? E a mais antiga? E se houvesse a possibilidade dessa lembrança não ser só na memória, mas algo físico, especial, para guardar e recordar aqueles momentos sempre que você quiser? Ainda bem que alguém pensou nisso.

Em um tempo em que tudo parece passageiro, a Associação da Boa Lembrança constrói, há mais de três décadas, um caminho oposto: o da permanência. Fundada em 1994, a entidade reúne restaurantes de diferentes regiões do país com um propósito tão simples quanto poderoso — transformar experiências gastronômicas em lembranças afetivas e tangíveis.

Quem nos conta mais sobre essa ação é o chef Pedro Hoffmann, proprietário do Peppo Cucina, em Porto Alegre, e presidente da Associação dos Restaurantes da Boa Lembrança, em uma saborosa entrevista que você confere AQUI ou no final dessa matéria. Ela ainda conta com a participação…..

A ideia da “Boa Lembrança” nasceu inspirada em uma tradição italiana — mais especificamente da Unione Ristoranti del Buon Ricordo — e ganhou contornos brasileiros ao valorizar ingredientes, sotaques e narrativas locais. Aqui, cada restaurante participante cria um prato exclusivo, que representa sua identidade, sua história e sua relação com o território.

Mas o que torna essa experiência verdadeiramente única vai além do paladar. Ao pedir um “Prato da Boa Lembrança”, o cliente não leva apenas uma refeição memorável: ele leva para casa um prato de cerâmica pintado à mão, criado especialmente para aquela receita. Cada peça é numerada, datada e ilustrada com elementos que dialogam com o prato servido — uma verdadeira obra de arte que mistura gastronomia e expressão visual.

Curadoria, critérios e pertencimento

Fazer parte da Associação não é apenas uma chancela de qualidade, mas também um compromisso. Os restaurantes são selecionados a partir de critérios rigorosos, que envolvem consistência gastronômica, autenticidade, valorização de ingredientes regionais e, sobretudo, uma cozinha autoral.

Não se trata de premiar luxo ou sofisticação vazia, mas de reconhecer lugares que contam histórias através da comida.

Além disso, os estabelecimentos precisam manter um padrão contínuo de excelência e renovar periodicamente seus pratos, garantindo que a experiência permaneça viva e relevante ao longo dos anos.

A arte dos pratos

Os pratos de cerâmica, produzidos artesanalmente, são um capítulo à parte. Coloridos, expressivos e muitas vezes lúdicos, eles carregam traços da cultura brasileira — seja nas cores vibrantes, nos elementos regionais ou nas referências afetivas.

Há quem colecione essas peças como quem constrói um mapa emocional de viagens e descobertas. Cada prato pendurado na parede conta uma história: um almoço inesquecível, uma cidade visitada, um encontro especial. E talvez seja exatamente isso que torna o projeto tão potente: ele transforma o efêmero ato de comer em algo duradouro.

Uma memória que se saboreia

Em um país de dimensões continentais como o Brasil, a Associação da Boa Lembrança também cumpre um papel importante de valorização da diversidade gastronômica. Do litoral ao interior, do clássico ao contemporâneo, seus restaurantes associados ajudam a desenhar um panorama vivo da nossa culinária.

Mais do que uma iniciativa gastronômica, trata-se de um movimento cultural. Porque, no fim das contas, a Boa Lembrança não está apenas no prato de cerâmica — está naquilo que ele representa: o encontro entre sabor, memória e identidade.

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O post Pedro Hoffmann e os Pratos da Boa Lembrança apareceu primeiro em Lugarzinho.

Por que alguns bares fecham, mas permanecem vivos? Eles não existem mais no espaço físico, mas permanecem na memória, no afeto e nas histórias que continuam sendo contadas em mesas, encontros e reencontros.

Poucos entendem isso tão profundamente quanto os irmãos Altman — Arnaldo, Ronaldo, Ronen e Helton. Juntos, eles criaram mais do que bares: construíram territórios de convivência, espaços de pertencimento e capítulos fundamentais da vida cultural e boêmia da cidade.

Clube do Choro, Vou Vivendo, Filial, Genésio, Genial e Mundial não foram apenas endereços. Foram experiências. E, para muitos, verdadeiras extensões de casa. Foram lugares que nunca se apoiaram apenas em cardápios ou localização. O diferencial estava em algo mais difícil de definir — e impossível de replicar: a atmosfera.

Para lembrarmos um pouco de tudo isso (e aumentar a saudade), conversamos com Helton Altman em uma entrevista que você vê AQUI ou no final dessa matéria.

Clube do Choro

O Clube do Choro nasce com um propósito claro: manter vivo o espírito de um clube que até então não era bar  e celebrar a música brasileira em sua essência.

Ali, o choro era protagonista. O ambiente era simples, mas carregado de intenção. Não havia distanciamento entre palco e plateia. A música circulava como a conversa — livre, espontânea, viva.

Foi ali que começou a se formar a base do que viria depois: um entendimento de que cultura e convivência podem ocupar o mesmo espaço de forma orgânica.

Vou Vivendo

Se há um lugar que sintetiza tudo o que os irmãos Altman construíram, esse lugar é o Vou Vivendo, que se tornou o símbolo de uma época.

O nome, puxado da música de Pixinguinha, já dizia muito — uma espécie de filosofia de vida que traduzia em poucas palavras o que se encontrava ali: gente vivendo, encontrando, celebrando, atravessando fases da vida entre uma mesa e outra.

O Vou Vivendo não era apenas frequentado, era habitado. Ali, encontros viravam tradição. Mesas tinham donos informais. Histórias de amor começavam, terminavam e às vezes recomeçavam. Amizades eram construídas ao longo de anos, sempre no mesmo canto, com o mesmo pedido.

E havia a música, sempre presente, sempre de altíssimo nível. Ela criava acontecimentos únicos, fazendo de cada noite uma nova história.

E talvez por isso tenha deixado uma saudade tão difícil de explicar — e tão fácil de sentir.

Filial: a expansão do espírito

O Filial, que há alguns anos ganhou matéria própria AQUI no Lugarzinho, surgiu como uma novidade nesse mesmo universo, com personalidade própria.

Ele trouxe o chopp de volta à Vila Madalena, e com ele um cardápio caprichado e diferente, que podíamos considerar uma espécie de “alta gastronomia de boteco”, mas mantendo o elemento essencial de seus antecessores: o vínculo com as pessoas.

Era o tipo de lugar que equilibrava movimento e acolhimento. Cheio, vibrante, mas nunca impessoal.

O Filial consolidou a capacidade dos irmãos Altman de criar espaços que dialogavam com diferentes momentos da cidade — sem perder a essência.

Genésio e: irmãos de conceito

O Filial logo ganhou um irmão quase gêmeo: o Genésio, que morava na casa em frente. Esse irmão era mesmo bem parecido, mas trazia mais uma novidade: as massas, que, que diria, viraram petisco de bar.

Dois bares que traziam ambientes despretensiosos, mas cheios de personalidade. Lugares onde o humor, a informalidade e o encontro eram parte da proposta. E que constantemente se completavam, já que tinham cardápios completamente diferentes, mas com delícias que os garçons não se recusavam a buscar na cozinha do vizinho.

Eram bares que não tentavam impressionar — e, justamente por isso, conquistavam.

Genial e Mundial

Com as mesas do Filial e do Genésio sempre lotadas, o jeito foi abrir mais espaços e acrescentar neles as poucas coisas que faltavam, como carnes e pastéis.

O Genial e o Mundial representaram uma fase mais madura, quase como uma síntese do aprendizado acumulado ao longo dos anos.

Mais amplos em proposta, mas ainda fieis à ideia central de convivência, eles mostrrama como os irmãos Altman conseguiam evoluir sem romper com sua essência.

Eram espaços que refletiam uma São Paulo já mais complexa — mas que ainda buscava, em meio ao caos, lugares de conexão verdadeira.

Muito além dos bares

Falar desses bares é, inevitavelmente, falar de uma época — mas também de um modo de viver a cidade.

Os irmãos Altman criaram lugares onde a experiência não era consumida rapidamente. Ela era construída com o tempo, com a repetição, com a presença.

Hoje, em uma realidade marcada pela pressa e pela constante renovação de espaços, a memória desses bares ganha ainda mais valor.

Eles nos lembram que um bar pode ser mais do que um ponto de encontro. Pode ser um ponto de permanência.

Esta matéria acompanha a entrevista de Helton Altman, um dos protagonistas dessa trajetória, que você vê logo aqui abaixo.

Mas, na verdade, ela é apenas uma porta de entrada.

Porque cada pessoa que passou por esses bares carrega uma versão dessa história. Um episódio. Um detalhe. Uma lembrança que não cabe inteira em nenhuma reportagem.

Talvez seja justamente isso que faça desses lugares algo tão especial: eles nunca foram apenas dos donos.

Foram de todos que viveram ali. E talvez ainda haja muito a ser dito.

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E continuamos com nossa provocação da série Arte Para Quê?, do Lugarzinho — um convite a olhar para a arte não como algo distante, mas como uma força que atravessa o cotidiano, molda experiências e transforma a maneira como ocupamos o mundo.

Nessa nova edição, a pergunta encontra eco no trabalho de Julio Callado, artista que atua tanto de forma individual quanto como parte do coletivo Opavivará! e que nos concede a deliciosa entrevista que você confere AQUI ou logo abaixo, no final dessa matéria.

Mais do que produzir objetos, o Opavivará! constrói situações: intervenções que ocupam ruas, praças, praias e instituições para provocar encontros e tensionar o uso dos espaços. Suas obras não se completam no olhar — exigem presença e participação. São dispositivos de convivência em um tempo marcado pela hiperindividualização.

Essa lógica também atravessa a produção recente de Julio. Em sua mostra no RATO, ele apresenta objetos erótico-escultóricos que tratam o corpo como território sensível e relacional. Feitos de materiais industriais como plásticos e borrachas, eles funcionam como extensões do organismo — peças que abraçam, atravessam ou repousam sobre a pele.

Em toda a produção de Julio Callado, há uma recusa clara em separar arte e vida. A obra não está apenas no objeto, nem apenas na ideia — ela acontece no encontro. No momento em que alguém interage, estranha, se envolve ou se transforma diante dela.

É justamente aí que as perguntas ganham força: para que serve a arte? Quando ela realmente acontece? E, talvez a mais provocadora, ela é difícil — ou sempre esteve ao alcance de todos?

A resposta parece menos uma definição e mais uma experiência ou um mode de vê-la. A arte não se explica completamente: ela se ativa. No contato, no uso, na troca. No instante em que deixa de ser algo para ser visto e passa a ser algo para ser vivido.

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