Paradoxo

O Canhoneiro de Yang-Tsé

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Thu, 11 Apr 2013 02:44:00 +0000

Encouraçado McQueen

Em 1966, quando dirigiu O Canhoneiro de Yang-Tsé, Robert Wise já havia ganhado por duas vezes o Oscar de Melhor Filme e Diretor – com Amor, Sublime Amor e A Noviça Rebelde – além de ter assinado produções memoráveis como Marcado pela Sarjeta e O Dia em que a Terra Parou. Apesar de tantos louros para estas demais produções, o cineasta confessou certa vez que o título que mais o orgulhava em sua filmografia era O Canhoneiro de Yang-Tsé, indicado a oito Oscar, mas sem receber estatueta alguma. O porquê de sua predileção foi explicada pelo fato de ter sido dificílimo contar aquela história. E o resultado final foi tão recompensador que Wise dava festas anuais para os membros daquela produção – talvez se desculpando pelo inferno durante as filmagens. Com uma trama ambientada boa parte em um encouraçado, com gravações feitas em locação e demorando meses para encerrar a fotografia principal (quando os planos originais eram apenas algumas semanas), o longa-metragem que deu a única indicação ao Oscar para Steve McQueen foi traumática para o ator, que ficou de molho durante dois anos até voltar à frente das câmeras. Ao menos, todo o trabalho valeu a pena.

Na trama, baseada em obra de Richard McKenna e assinada por Robert Anderson, o engenheiro Jake Holman (McQueen) é transferido para o U.S.S. San Pablo em plena revolução chinesa e logo começa a perceber que a tripulação de marinheiros do encouraçado não é nada amistosa. Sem precisar trabalhar arduamente por causa da mão de obra barata dos chineses, a equipe vê em Holman uma figura perigosa, visto que ele demanda ficar perto dos motores do navio e fazer sua função, não deixando que outros o façam por ele. Seu comportamento arredio logo chama a atenção do capitão Collins (Richard Crenna), que não permite que ele mude o status quo dentro do Sand Pebbles (como os tripulantes chamam o San Pablo). Fazendo amizade apenas com um companheiro da marinha, o simpático Frenchy (Richard Attenborough), Holman enfrentará diversos problemas enquanto navega pelas águas agitadas da China revolucionária.

Filmado em Taiwan e Hong Kong, O Canhoneiro de Yang-Tsé ficou notório pelas incríveis tomadas capturadas in loco e pela atmosfera de tensão que Robert Wise consegue imprimir em boa parte da película. O clima de animosidade dentro do San Pablo é palpável e algumas fortes sequências (como o terrível destino do ajudante chinês de Holman) impressionam pela crueza – para uma produção da década de 60, ao menos. E se Steve McQueen nunca chegou a ser um ator multifacetado, ao menos consegue convencer como poucos na figura do rude, porém íntegro, Jake Holman. Sua amizade com Frenchy, bem como o senso de responsabilidade para com o trabalho, fazem do personagem uma figura interessante – visto que parece desconfortável com qualquer outro detalhe de suas funções, seja acatar ordens ou viver em comunidade.

O problema de O Canhoneiro de Yang-Tsé, além de sua quilométrica metragem, é a falta de uma linha mestra a ser seguida. Robert Wise parece atirar para todos os lados, sem conseguir manter a história nos trilhos. Existe tanta coisa acontecendo no filme que, por vezes, o próprio protagonista é esquecido. Mesmo que seja tocante a subtrama entre Frenchy e a indefesa Maily (Emmanuelle Arsan), é realmente necessário este desvio da trama principal? Parece-me que uma narrativa mais econômica faria bem para este drama de guerra.

Apresentando uma novata e bela Candice Bergen, fazendo um par romântico um tanto esquisito com Steve McQueen, O Canhoneiro de Yang-Tsé acaba sendo uma produção irregular, porém válida quando pensamos nos talentos envolvidos. Ainda que não tenha levado prêmio algum da Academia naquele ano (foi indicado inclusive a Melhor Filme), Robert Wise acabou levando uma estatueta especial, o Irving G. Thalberg Award, em 1967, pelo conjunto de sua obra. Mal os votantes do Oscar sabiam que o veterano cineasta estava longe de se aposentar e ainda faria muitos outros filmes interessantes no futuro. Mas isso é assunto para outra crítica.

O Canhoneiro de Yang-tsé (The Sand Pebbles)

1966 – 182 minutos – Drama

Dir.: Robert Wise

Com Steve McQueen, Richard Attenborough, Candice Bergen, Richard Crenna, Mako, Emmanuelle Arsan, Simon Oakland

Cotação Paradoxo: 3 estrelas e ½

O Dia em que a Terra Parou (1951)

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Tue, 09 Apr 2013 02:46:00 +0000

Klaatu Barada Nikto

Em 1946, o Globo de Ouro, o hoje tradicional prêmio da Imprensa Estrangeira de Hollywood, estava apenas em sua quarta edição. Dentre suas várias categorias convencionais, uma criada naquele ano chamava a atenção: Best Film Promoting International Understanding (algo como Melhor Filme Promovendo o Entendimento Internacional). Depois de várias produções sobre guerra e um western terem vencido este diferenciado prêmio, uma ficção científica nada corriqueira levou a estatueta para casa, em 1951. Este filme era O Dia em que a Terra Parou, um dos grandes trabalhos do saudoso Robert Wise. A mensagem do longa-metragem, ainda que alegórica na questão alienígena, era bastante clara: as grandes nações da Terra precisavam chegar a um consenso e evitar novos conflitos, do contrário, não existiria mais planeta para ser habitado. O mais curioso é o fato do personagem que nos abre os olhos em relação a isso ser de outro planeta – e sua mensagem ainda é tão atual quanto nos longínquos anos 50 do século passado.

Com roteiro de Edmund H. North, baseado em história de Harry Bates, acompanhamos a chegada de um disco voador em plena capital norte-americana sob os olhares atônitos de toda a população. Não demoram a sair daquele estranho veículo espacial dois seres: um robusto robô e um sujeito empunhando um objeto com formato bizarro. O exército, pronto para uma resposta bélica, parte para cima dos visitantes e destrói tal instrumento – para logo descobrir ser um presente do espaço, que permitiria enxergar vidas em outros planetas. Gort, o robô, destrói as armas do exército, mas é impedido por Klaatu (Michael Rennie), seu parceiro de viagem interplanetária, a atacar mais humanos. Levado pelas autoridades, Klaatu revela que precisa falar com os líderes mundiais, para transmitir-lhes uma importante mensagem. Seu pedido é logo rechaçado como impossível – muitos países não sentariam ao lado de outros para uma conversa, quanto mais para receber um recado do espaço. Observando estar em uma jornada difícil, Klaatu foge do local onde estava confinado e decide arranjar esse encontro por conta própria. Em seu caminho, conhece o jovem Bobby (Billy Gray) e sua bela mãe, Helen (Patricia Neal), duas figuras que lhe dão um pouco de esperança em relação à raça humana.

O Dia em que a Terra Parou é um marco na ficção científica por conseguir fazer do gênero algo a ser levado a sério. Poucas foram as produções até então que iam além do divertimento puro e simples, geralmente de orçamento rasteiro e ideias, ainda que inspiradas, de execução duvidosa. Robert Wise conseguiu fazer da sci-fi uma vertente cinematográfica historicamente relevante, colocando os alienígenas como um grito de alerta para as nações do planeta, uma alegoria ao terror do desconhecido, um paralelo com o medo dos Estados Unidos em relação à ameaça comunista. Tudo isso em um filme que pode ser lido de forma rasa – apenas uma força extraterrestre em ação na Terra – ou com estes outros subtemas em uma segunda camada.

Robert Wise foi inteligente ao escalar para o papel de Klaatu um ator até então desconhecido do grande público, o talentoso Michael Rennie. Diz-se que um dos postulantes ao papel era Spencer Tracy, mas Wise teria barrado o nome do astro por temer que, se Tracy saísse daquele disco voador, as plateias nunca acreditariam que aquele sujeito seria um extraterrestre. Além de ter ganho o papel pela pouca fama, Rennie conquistou o cineasta – e os espectadores, posteriormente – com uma intepretação curiosa como o alienígena. Apesar de ser bastante clínico em suas intenções, Klaatu se mostra uma pessoa calorosa e receptiva ao criar um laço de amizade com o garoto Bobby. A ameaça do espaço é seríssima, mas ao criar tempo para conhecer nossos costumes e a vida na Terra, Klaatu começa a entender algumas de nossas idiossincrasias. Rennie consegue transmitir essa peculiar característica do personagem, mantendo-se afável para a plateia, ainda que traga péssimas notícias para nós, humanos. Patricia Neal está igualmente cativante, ainda que perca espaço na trama para seu filho na tela, o jovem talentoso Billy Gray.

Os efeitos especiais envelheceram, obviamente, mas não atrapalham de forma alguma a mensagem do filme. A se destacar também a seminal trilha sonora de Bernard Herrmann para O Dia em que a Terra Parou. O uso do Theremin para representar o lado alienígena da história virou um grande marco, sendo utilizado desde então nas mais variadas produções de ficção científica. Ao ouvir o som do instrumento, você sabe que está vendo um filme com alienígenas. Isso sem mencionar na inesquecível palavra-chave repetida por Klaatu a Helen, para evitar um apocalipse pelas mãos de Gort: Klaatu Barada Nikto.

O Dia em que a Terra Parou mantém-se completamente atual através de seu esmero técnico, os talentos envolvidos e pela mensagem antibelicista que tão eloquentemente transmite em seus pouco mais de 90 minutos de duração. A bela fotografia em preto e branco esconde um pouco os efeitos visuais limitados e não deve ser, de forma alguma, empecilho para se conferir esta bela ficção científica. Até porque, o remake em cores produzido em 2008 tem ótimos efeitos visuais e nunca consegue alcançar o charme do filme de Robert Wise.

O Dia em que a Terra Parou (The Day the Earth Stood Still)

1951 – 92 minutos – Ficção Científica

Dir.: Robert Wise

Com Michael Rennie, Patricia Neal, Billy Gray, Hugh Marlowe, Sam Jaffe

Cotação Paradoxo: 5 estrelas

Anna Karenina

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Fri, 29 Mar 2013 13:25:00 +0000

No Palco

Em seu terceiro filme de época, Joe Wright faz sua terceira parceria com a atriz Keira Knightley, adaptando mais uma obra clássica da literatura. Em um primeiro momento, pode-se pensar que o cineasta não tem medo (ou vergonha) de se repetir. No entanto, Anna Karenina, seu trabalho mais recente, é bem diferente dos seus esforços anteriores. A protagonista pode ser a mesma e a narrativa, sim, é ambientada no passado. Essas, no entanto, são as poucas similaridades entre Orgulho e Preconceito, Desejo e Reparação e Anna Karenina. Adaptando a clássica obra do escritor russo Lev Tolstoy, Joe Wright capricha no visual, criando uma maneira diferente e belíssima de contar a história da personagem título, uma mulher que desafiou os costumes da época para viver seu grande amor. Infelizmente, o esmero visual não se estende à narrativa.

Na trama, a personagem título, vivida com ímpeto por Keira Knightley, visita o irmão, Oblonsky (Matthew Macfadyen), para tentar ajuda-lo em um caso espinhoso. Ele traiu sua esposa, Dolly (Kelly Macdonald), e precisa de uma mãozinha da irmã para garantir que seu casamento não sucumba. Durante essa visita, Anna conhece o oficial Vronsky (Aaron Taylor-Johnson), pretendente da irmã de sua cunhada, a jovem Kitty (Alicia Vikander) que, por sua vez, é objeto de afeição de Levin (Domhnall Gleeson). Anna e Vronsky não escondem atração um pelo outro e, durante um baile, dançam em frente a estupefatos membros da sociedade russa. Este ato de indiscrição é só o começo de um caso de amor que transformará a vida daquele casal – e do marido de Anna, o austero Alexei Karenin (Jude Law).

Tom Stoppard ficou responsável por adaptar a obra de Tolstoy e transformar o extenso livro em um longa-metragem de pouco mais de duas horas. Grande desafio, realizado de forma não muito competente pelo roteirista e por Joe Wright. Por vezes, a história anda rápido demais, passando por situações e personagens em velocidade supersônica. Em outras, inexplicavelmente, a narrativa empaca. Se não bastasse isso, a temática do adultério é repetida à exaustão, com cenas que apenas martelam o que já foi dito anteriormente. A traição de Anna Karenina é um dos principais temas do livro, mas não é o único. Ainda que a falsidade e a hipocrisia da sociedade russa sejam também endereçadas no longa-metragem, parecem eclipsadas pela vontade de criar um romance palatável para plateias atuais.

Se nas temáticas trabalhadas o longa de Joe Wright deixa um tanto a desejar, compensa completamente com seu visual diferenciado. A trama é toda ambientada em um palco, com cenários construídos meticulosamente e com direção de arte que impressiona pela inventividade. A escolha de contar a história de Anna Karenina em um viés teatral não é gratuita. Como os personagens estão sempre representando para os demais, a teatralidade daquela gente é traduzida em um palco italiano. As transições de cena acontecem de forma dinâmica, com a montagem sendo um destaque desta produção. Isso, atrelado a música sempre inventiva de Dario Marianelli, deixa Anna Karenina um programa sublime no que tange a técnica. O único personagem que se livra das amarras do palco e aparece em locação, em paisagem campestre, é Levin – um dos poucos que é verdadeiro em suas intenções.

O trabalho do elenco é consistente, com destaque para Keira Knigthley e Matthew Macfadyen. O casal de Orgulho e Preconceito, aqui irmãos, forma uma interessante dobradinha. Karenina é o lado sério, amoroso, apaixonado, sofredor. Oblonsky serve como um alívio cômico em certos momentos, com um estilo bonachão que cai bem no ator. Jude Law, ainda que muito correto, ganha pouco o que fazer, ficando ofuscado. Já Aaron Taylor-Johnson precisa comer muito feijão com arroz para convencer como um amante apaixonante.

Indicado a quatro Oscar e vencedor na categoria Direção de Arte, Anna Karenina é um exercício incrível da técnica de Joe Wright, mas poderia ser um filme superior caso fosse concebido de forma a dar o devido destaque à história criada por Lev Tolstoy.

Anna Karenina

2012 – 127 minutos – Drama

Dir.: Joe Wright

Com Keira Knightley, Aaron Taylor-Johnson, Matthew Macfadyen, Jude Law, Kelly Macdonald, Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Emily Watson, Olivia Williams, Ruth Wilson

Cotação Paradoxo: 3 estrelas e ½

Desejo e Reparação

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Wed, 27 Mar 2013 22:56:00 +0000

Olhos Inocentes

Depois de Orgulho e Preconceito, Joe Wright e Keira Knightley resolveram repetir a parceria bem sucedida em mais uma adaptação literária para o cinema. Desta vez, sai Jane Austen, entra Ian McEwan. Diretor e atriz embarcam em mais uma trama de época em Desejo e Reparação, uma parceria bastante festejada pela crítica internacional, vencedora de prêmios como o Globo de Ouro (no qual foi eleito o Melhor Drama) e Oscar (emplacando uma estatueta dourada e mais seis indicações). Ainda que esta obra tenha recebido mais louros, empalidece frente ao trabalho anterior de ambos.

Na trama, assinada por Christopher Hampton, estamos no ano de 1935. Briony Tallis (Saoirse Ronan) é uma talentosa jovem que passa seus dias em frente à máquina de escrever. Imaginativa, a garota acaba por presenciar fatos da vida de sua irmã Cecila (Keira Knightley) junto ao filho da governanta da casa, Robbie (James McAvoy) que, tirados do contexto, poderiam criar problemas para a dupla. A chegada do irmão das garotas junto a um amigo almofadinha mudaria bastante o destino daquele trio. Acusado por Briony de um crime que não cometeu, Robbie acaba sendo levado a prisão e, posteriormente, à Segunda Grande Guerra. O desenrolar dessa história faz jus ao título do filme.

Joe Wright acerta ao colocar o ponto de vista da narrativa primeiramente nos olhos de Briony, que é a personagem mais inocente da trama. Ao vermos os acontecimentos através da ótica da pequena garota, ficamos nos questionando o que está havendo na história. Depois, ao sabermos de todas as informações, tudo acaba fazendo sentido, mantendo um bom ritmo inicial para a narrativa. O problema é que esse recurso precisa ser abandonado lá pela metade da história, fazendo com que o filme perca seu brilho inicial. Quando a trama dá lugar ao que está acontecendo com Robbie durante a guerra, o ritmo da narrativa mergulha em um estado de hibernação, transformando o drama interessante em um enfadonho registro da participação britânica na guerra. Mesmo que o diretor tenha feito um belo plano seqüência, revelando os horrores do combate, isso não ameniza o fato de que o filme se torna maçante quando abandona o ano de 1935.

E isso deve-se muito ao fato de a boa surpresa do longa-metragem – que atende pelo nome de Saoirse Ronan – acabar “cortada” da trama no meio da projeção. Ela sim possui uma atuação destacada, roubando a cena da dupla principal de adultos. Acertadamente, a Academia premiou (de certa forma) a bela performance da então menina com uma merecida indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Ainda que McAvoy e Knightley tenham boas atuações, as indicações ao Globo de Ouro e ao Bafta pareceram um tanto exageradas.

E não digo isso apenas em relação às atuações. A grande antecipação que acompanhou a chegada de Desejo e Reparação aos cinemas acabou jogando contra o filme, que não consegue responder à altura das expectativas. O que salva este drama da enfadonha segunda parte da história é o seu ato final, brilhante. Com ótimas atuações do trio principal, com Romola Garai no papel de Briony, e com o twist do desfecho, o longa-metragem acaba subindo bastante no conceito. Para finalizar, chama a atenção também, logo nos primeiros minutos do filme, sua inspirada trilha sonora, composta por Dario Marianelli, vencedora do Oscar daquele ano, que usa o barulho da máquina de escrever para criar um interessante tema sonoro para a personagem escritora. Se todo o resto do filme fosse tão satisfatório quanto a trilha sonora e o último ato, teríamos um novo clássico em mãos. Não é o caso, no entanto.

Desejo e Reparação (Atonement)

2007 – 127 minutos – Drama

Dir.: Joe Wright

Com Keira Knightley, James McAvoy, Saoirse Ronan, Juno Temple, Benedict Cumberbatch, Romola Garai e Vanessa Redgrave

Cotação Paradoxo: 3 estrelas

Orgulho e Preconceito

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Mon, 25 Mar 2013 23:38:00 +0000

Bennett & Darcy

Jane Austen escreveu "Orgulho e Preconceito" entre o final do século XVIII e início do século XIX. Época de casamentos arranjados, de se cortejar a futura esposa e, principalmente, em que o nível social poderia começar ou acabar um relacionamento. Fazer uma história escrita há cerca de duzentos anos funcionar para as plateias jovens atuais é uma tarefa complicada. Joe Wright, o cineasta que se incumbiu da função, provavelmente sabia disso. Por essa razão, o diretor escolheu um elenco jovem e bonito, uma narrativa rápida e ágil e um clima bem humorado para recontar a história de Elizabeth Bennet e Mr. Darcy, um casal que enfrenta orgulhos e preconceitos até perceberem que foram feitos um para o outro. A escolha do cineasta não poderia ser mais satisfatória.

Na trama, adaptada para a telona por Deborah Moggach, a matriarca dos Bennett não pensa em outra coisa a não ser fazer com que suas cinco filhas tenham um bom casamento. Como a família não tem muitos recursos, o matrimônio com um pretendente rico salvaria as garotas de um futuro não muito promissor. Quando chegam à região dois jovens rapazes de famílias abastadas, as senhoritas Bennett logo vão ao seu encontro. A química entre Jane (Rosamund Pike) e Mr. Bingley (Simon Woods) nasce tão logo os dois colocam os olhos um no outro. O mesmo não pode ser dito entre Elizabeth (Keira Knightley) e Mr. Darcy (Matthew Macfadyen). Com uma atitude esnobe no começo, Darcy consegue apenas conquistar o ódio da moça. O decorrer da história mostra como as primeiras impressões podem ser enganosas.

Orgulho e Preconceito conquista o espectador essencialmente pelos personagens. Todos são interessantes à sua própria maneira. Temos a Senhora Bennet (Brenda Blethyn, em ótima atuação), que não consegue ser outra coisa que não irritante durante todas as suas aparições. Temos o conformado Mr. Bennet (Donald Sutherland), o patriarca da família que sempre parece estar cansado demais para falar ou agir. Tom Hollander interpreta o engraçado Mr. Collins, sempre inoportuno e sem jeito. E ainda temos Judi Dench, que empresta sua figura austera para criar uma personagem opressora, a poderosa Lady Catherine de Bourg. A junção de tantas figuras interessantes com uma boa trama só poderia render um belo filme.

Mas os donos da história são quem realmente ganham a plateia. Keira Knightley interpreta Liz Bennet com uma energia tão grande e uma certeza em cada uma de suas decisões que fica impossível não torcer para a bela garota de sorriso juvenil. Já Matthew Macfadyen interpreta um soturno Mr. Darcy, um homem que apenas sai da sua casca quando descobre que está apaixonado. É engraçado ver a força que aquele rapaz retraído faz para travar uma conversa trivial com uma garota. Sua falta de jeito e sua bondade conquistam as espectadoras, enquanto os homens ficam divididos entre a decidida Liz ou a sonhadora Jane Bennet.

À época de seu lançamento, Orgulho e Preconceito recebeu quatro indicações ao prêmio da Academia. A bela atuação de Keira Knightley lhe rendeu uma indicação não só ao Oscar como ao Globo de Ouro – em ambas premiações, acabou perdendo para Reese Whiterspoon, por Johnny e June. De qualquer forma, nada mal para uma garota que começou sua carreira sendo sósia de Natalie Portman em Star Wars - Episódio I – A Ameaça Fantasma. Ainda que o filme tenha levado nenhuma estatueta para casa, colocou o nome de Joe Wright no radar de Hollywood. Tanto que o próximo trabalho do cineasta, o arrojado Desejo e Reparação, teria mais sorte nas premiações, em mais uma bela parceria entre o diretor e sua bela Liz Bennet.

Orgulho e Preconceito (Pride and Prejudice)

2005 – 127 minutos – Romance

Dir.: Joe Wright

Com Keira Knightley, Matthew Macfadyen, Rosamund Pike, Jena Malone, Carey Mulligan, Donald Sutherland, Brenda Blethyn, Kelly Reilly, Rupert Friend, Tom Hollander, Jay Simpson e Judi Dench

Cotação Paradoxo: Vale 4 estrelas e 1/2

...E O Vento Levou

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Sat, 23 Mar 2013 02:40:00 +0000

Frankly, My Dear...

Tudo em ...E O Vento Levou é superlativo. Desde sua temática grandiosa, passando pelo seu tempo de duração, seus prêmios, sua polpuda bilheteria e os milhões de espectadores que carregou para os cinemas. Mas o que fez com que essa produção assinada pelo visionário David O. Selznick e dirigida por Victor Fleming fosse esse sucesso retumbante? Claro que não existe apenas uma resposta. O fato do livro de Margaret Mitchell ter sido um best seller e gerar bastante expectativa sobre sua adaptação foi um dos pontos, certamente. Na época, todos queriam saber quem interpretaria Scarlett O’Hara e Rhett Butler, os amados protagonistas da trama, e como seria transportada a quilométrica história do casal, com a guerra civil norte-americana como pano de fundo. O resultado foi uma produção complicada, porém primorosa, que até hoje mantém seus status de clássico absoluto.

Adaptado para o cinema por Sidney Howard, ...E O Vento Levou conta a história da mimada Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), filha de ricos proprietários de terra no Sul dos Estados Unidos, dona de beleza e esperteza ímpares. Todos os homens do local desejam aquela jovem – porém, ela tem olhos apenas para Ashley Wilkes (Leslie Howard), corajoso e certinho bom partido. O problema é que seu amado já está com casamento arranjado com a bela e bondosa Melanie (Olivia de Havilland), o que não impedirá Scarlett de investir em um relacionamento com Ashley. Nem a presença do aventureiro Rhett Butler (Clark Gable) faz com que a moça esqueça o seu objeto de afeto. Com o estouro da Guerra Civil norte-americana, os homens partem para a guerra deixando suas mulheres para trás. Casada às pressas com um pretendente sem importância, Scarlett logo se vê viúva e nada pronta para viver seus dias de luto. O encontro com Rhett em uma festa beneficente reacende a chama naquele homem, que pretende ganhar o coração da jovem O’Hara. No entanto, a tarefa não será nada fácil devido ao gênio forte daquela mulher.

George Cukor foi o cineasta que começou a rodar ...E o Vento Levou, mas acabou sendo demitido após desavenças inúmeras com o produtor David O. Selznick e com o astro Clark Gable. Com isso, Victor Fleming foi chamado às pressas para assumir a cadeira de direção – o que o fez abandonar O Mágico de Oz na reta final das filmagens – mudando completamente os rumos daquela produção. Sua primeira ação foi mandar reescrever todo o roteiro – pedido aceito e realizado em cinco dias. Vivien Leigh notoriamente não gostou da mudança na direção, visto que Cukor a treinava de forma pacienciosa enquanto Fleming era conhecido como um sujeito rude. Este fato, no entanto, fez com que o cineasta e Gable fechassem completamente. Aceito ou não pela protagonista, Fleming a dirigiu no que seria sua atuação premiada pelo Oscar. Os louros, claro, são divididos com George Cukor, que mesmo fora da cadeira de direção ainda ajudava Leigh em suas falas.

Ainda que o romance seja o principal motor do longa-metragem, existem outros pontos a serem destacados nesta produção. A escravidão e a guerra civil são temáticas importantes, ainda que a primeira seja apresentada de forma simplista. Os escravos que observamos comportam-se como empregados felizes, nunca sofrendo a mão pesada da sua condição. Esta glorificação da escravidão é uma mácula de ...E O Vento Levou. Ao menos com isso, ironicamente, os atores negros da produção ganharam personagens de destaque – e a boquirrota Mammy, interpretada por Hattie McDaniel, deu a atriz o Oscar na categoria Coadjuvante, o primeiro dado a um artista negro. Não deixa de ser curioso que o lado que acompanhamos – e, por serem os mocinhos da história, acabamos torcendo – é exatamente os norte-americanos que defendiam a escravidão. Felizmente para a História real, esta parcela foi vencida (e, a partir daí, começa a segunda parte da trama).

Os cenários grandiosos (muitos deles pintados à mão e inseridos em pós-produção), a fotografia muito bem concebida e os figurinos bufantes até hoje chamam a atenção, mas não são páreo para o real chamariz deste épico: o trio principal. Não fosse por Scarlett O’Hara, Rhett Butler e Melanie Wilkes, a tarefa de acompanhar as quase quatro horas de duração do filme não seria tão recompensadora. A começar pela heroína, uma mulher completamente à frente do seu tempo. Longe de ser uma mocinha insossa, sonhadora, certinha, Scarlett sempre busca pelos seus interesses e usa dos artifícios mais escusos para alcança-los. Sua teimosia e arrogância só são vencidos pelo charme rústico de Rhett Butler, um galão também pouco convencional para a época. Dono de seu próprio nariz, apreciador de jogos e de mulheres fáceis, o mocinho de ...E O Vento Levou gosta das coisas à sua maneira e não tem problemas em usar seu dinheiro para consegui-los. O que fica ainda melhor é que essas características de ambos – e que os tornam praticamente almas gêmeas – são também carapaças que escondem seu lado bom. Scarlett aprende a se preocupar com o próximo e se mostra responsável e trabalhadora quando necessário. Da mesma forma, Rhett mostra um amor incondicional por sua filha e demonstra ter uma verdadeira queda por Scarlett (e vice-versa), mesmo que ambos não consigam admitir.

Fechando o trio principal, ganha menção honrosa a personagem de coração mais puro de toda a história de Hollywood: Melanie Wilkes. Casada com a grande paixão da protagonista e sem nunca falar mal de qualquer pessoa, Melanie pode soar como inverossímil naquele universo. Porém, Olivia de Havilland consegue transformar uma personagem que, em um primeiro momento poderia soar totalmente desinteressante, em uma grata surpresa da produção.

Vencedor de 10 Oscar (dois deles especiais) e dono de uma das maiores bilheterias de todos os tempos, ...E o Vento Levou é um clássico que deve ser visitado (e revisitado) por qualquer cinéfilo que se preze. É verdade que a duração do filme pode assustar e que a segunda parte do longa é bem menos interessante que a primeira. No entanto, a força dos personagens e a beleza das imagens – atrelada a inesquecível música de Max Steiner – fazem com que a tarefa seja nada ingrata.

...E O Vento Levou (Gone With the Wind)

1939 – 238 minutos – Drama

Dir.: Victor Fleming

Com Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel

Cotação Paradoxo: 4 estrelas

O Mágico de Oz

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Wed, 20 Mar 2013 22:45:00 +0000

Over the Rainbow

“Totó, acho que não estamos mais no Kansas”; “Não há lugar como o lar”; “Não preste atenção naquele homem atrás da cortina”; Estas frases memoráveis, atreladas aos números musicais inesquecíveis de (Somewhere) Over the Rainbow, We’re off to see the Wizard e Ding-Dong! The Witch is Dead fazem de O Mágico de Oz, dirigido por Victor Fleming, um clássico imortal. Voltado para as crianças, mas apreciável em qualquer idade, o longa-metragem baseado nos livros de L. Frank Baum caminha para completar seu 75º aniversário com o mesmo charme e encantamento de sua estreia, em 1939. Mas o que o preserva tão adorável em nossas memórias afetivas?

Provavelmente, culpa disso está na história, que mostra uma garotinha do sul dos Estados Unidos, Dorothy (Judy Garland), que em meio a um tornado se vê não mais no Kansas, mas em uma terra mágica onde um Espantalho (Ray Bolger) conversa como humano, mesmo não tendo um cérebro; um Leão (Bert Lahr) não possui a coragem para abater suas presas; e um Homem de Lata (Jack Haley) sonha com um coração que pulse em seu peito oco. Este quarteto tão diferente se unirá para procurar o Mágico de Oz, figura extraordinária daquelas paragens que pode conceder desejos para os desafortunados. Dorothy, acompanhada sempre do seu fiel cãozinho Totó, quer apenas voltar para a casa. Com a ajuda da bruxa boa Glinda (Billie Burke), a menina descobrirá que precisa apenas percorrer o caminho dos tijolos amarelos para chegar ao castelo do Mágico. Mas a detestável Bruxa Má do Oeste (Margaret Hamilton) não deixará que esta tarefa seja realizada de forma tão fácil.

Produzido por Mervyn Leroy, O Mágico de Oz teve um longo caminho para sair do papel até os cinemas, em 1939. Para começar, foram cinco diretores envolvidos. Richard Thorpe chegou a gravar algumas cenas – que não entraram no filme – sendo substituído por não agradar aos engravatados da MGM. George Cukor entrou na produção, mudou alguns pontos na caracterização de Dorothy e do Espantalho, mas não ligou as câmeras, passando o trabalho para Victor Fleming, diretor creditado e quem gravou boa parte do musical. Quando convidado para comandar …E O Vento Levou (1939), Fleming abandonou a produção, que foi seguida por King Vidor (quem comandou as cenas no Kansas e a memorável canção (Somewhere) Over the Rainbow). Por fim, algumas poucas cenas foram dirigidas pelo produtor Mervyn Leroy, fechando o exagerado número de cineastas responsáveis pelo longa.

No elenco, não foi diferente. O Homem de Lata original, que seria vivido por Buddy Ebsen (conhecido posteriormente pelo seriado Barnaby Jones, 1973), teve de ser substituído por intoxicação decorrente da maquiagem. Não bastasse isso, Margaret Hamilton também teve problemas, mas com queimaduras, devido aos químicos da maquiagem e a fumaça que servia de saída e entrada para sua personagem. Até o cãozinho teve de ser substituído por algum tempo, após ter sido pisado por um extra. A frase “nenhum animal foi machucado durante as filmagens deste longa-metragem” não poderia ser usada nesta produção – ainda que não existisse na época.

O que chama a atenção em O Mágico de Oz é o apuro da produção. Mesmo que aos olhos da plateia de hoje os cenários sejam bastante artificias e os efeitos especiais um tanto ingênuos, é impressionante ver o que foi feito em um longa-metragem rodado no final dos anos 30 do século passado. A maquiagem, ainda que prejudicial à saúde dos atores, é de uma qualidade incrível, transformando intérpretes talentosos em espantalhos, homens de lata, leões e bruxas medonhas. A direção de arte é um show à parte, com cenários criados com muita atenção, nos mostrando de forma sublime o quão mágico e colorido é aquele lugar. Ajuda muito o fato de as primeiras cenas do filme apresentarem um belo sépia, marcando a diferença entre Kansas e Oz.

Judy Garland está simplesmente adorável como a jovem Dorothy, mesmo com idade avançada para o papel – a atriz tinha 16 anos quando gravou sua participação, interpretando uma personagem infantil. Sua doçura no olhar e em suas palavras facilmente convenceram o público que aquela poderia ser a Dorothy perfeita, ainda mais com uma performance tão notável em (Somewhere) Over the Rainbow logo no início do filme. Para que O Mágico de Oz conquiste o espectador, é necessário que ele acredite na jornada dos personagens e Garland faz um trabalho magnífico como a pequena Dorothy à frente do elenco, que conta ainda com ótimas atuações – com destaque para o afetado Leão interpretado por Bert Lahr.

Divulgando uma mensagem de ternura e de bondade, lembrando a todos que não há lugar como o nosso lar, bem como a ideia de que, às vezes, nossos desejos estão mais perto do que imaginávamos (não raro, dentro de nós mesmos), O Mágico de Oz é uma daquelas produções que nunca perderão o interesse do público, conquistando espectadores de todas as idades pela sua ingenuidade e carisma ao contar uma história de apelo universal.

O Mágico de Oz (The Wizard of Oz)*

1939 - 101 minutos - Musical

Dir.: Victor Fleming

Com Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billie Burke, Margaret Hamilton

Cotação Paradoxo: 5 estrelas

* Crítica publicada originalmente em Papo de Cinema.

Marujo Intrépido

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Mon, 18 Mar 2013 23:18:00 +0000

Little Fish

Lançado em 1937, Marujo Intrépido pode não ser tão badalado nos dias de hoje como O Mágico de Oz ou E O Vento Levou, trabalhos reverenciados como clássicos e dirigidos por Victor Fleming em 1939. No entanto, o que falta em fama a Marujo Intrépido, sobra em emoção. Com uma belíssima atuação de Spencer Tracy (vencedor do Oscar de Melhor Ator em 1938) e uma comovente performance do ator mirim Freddie Bartholomew, o longa-metragem apresenta uma incrível transformação e uma história de amizade forjada em pleno mar bravio.

Com roteiro de John Lee Mahin, Marc Connelly e Dale Van Every, baseado no romance de Rudyard Kipling, Marujo Intrépido nos apresenta ao mimado e arrogante Harvey (Bartholomew), um menino de família rica que se aproveita de sua posição social para cobrar favores e humilhar seus colegas de aula. Quando uma de suas tramoias não dá certo e ele é pego pela diretoria da instituição em que estuda, seu pai, o magnata Frank Cheyne (Melvyn Douglas), percebe que é preciso dar mais atenção ao garoto. Os dois partem, então, para um cruzeiro, na tentativa de criar um laço mais forte entre pai e filho. No entanto, em meio a mais uma traquinagem de Harvey, o menino acaba caindo do navio onde estava, sendo resgatado pelo pescador Manuel (Tracy). A bordo do barco pesqueiro We’re Here, sem qualquer chance de contatar seu pai para busca-lo, o mimado riquinho precisará trabalhar para garantir seu lugar na embarcação. Às rusgas de início, Harvey começa a aprender o real significado da responsabilidade e da amizade.

Indicado ao Oscar de Melhor Filme, Marujo Intrépido tem dois momentos distintos. O primeiro apresenta o menino protagonista e é o menos interessante de todo o longa-metragem. Ainda que seja necessário destacar as atitudes repreensíveis de Harvey, este primeiro ato demora muito para deslanchar – o que era normal no cinema daquela época, quando não tínhamos que saber do que o filme se tratava nos primeiros dez minutos. De qualquer forma, acompanhar o mimado Harvey e suas tramoias por meia hora é bastante desagradável – o que talvez seja explicável pela ótima atuação de Freddie Bartholomew, que precisa ser um tanto asqueroso para convencer. A história ganha em brilho quando Spencer Tracy aparece com seu cativante Manuel. Dono de um humor contagiante, o pescador serve como um padrinho para Harvey dentro do barco. Recebido com pouco entusiasmo pelos demais tripulantes do We’re Here, visto que não é de bom agouro carregar um visitante em barco pesqueiro, Manuel precisa ensinar a Harvey como trabalhar. E, assim, pouco a pouco, começa a surgir uma forte amizade entre aquelas duas pessoas tão diferentes.

É notável que Harvey nunca teve uma figura paterna presente, que lhe impusesse limites ou aplicasse castigos. Manuel acaba servindo como esse pai postiço, já que não tem nenhum pudor em mandar, xingar ou disciplinar aquela criança para que ela faça o que é necessário. Em um momento ímpar do longa-metragem, Manuel e Harvey precisam vencer uma aposta tola que o pescador fez com outro companheiro. O garoto não tem dúvidas e arranja uma forma desonesta para que eles vençam a disputa. Ao saber disso, Manuel não só paga a aposta para seu parceiro de barco como se mostra completamente insatisfeito com as atitudes de Harvey, cortando relações – de alguma forma, passando uma mensagem importante para aquele desorientado marujo.

O desfecho da história, ainda que emocionante, surge de forma abrupta, como se os roteiristas (ou o autor do romance) não conseguissem criar nada melhor para eliminar um dos personagens da trama. De qualquer forma, Marujo Intrépido é mais uma obra inesquecível de Victor Fleming, filmado em um belo preto e branco e convencendo o espectador que aqueles pescadores estão em pleno mar. Mais uma das artimanhas mágicas do cinema, visto que os atores nunca saíram do tanque construído no estúdio.

Marujo Intrépido (Captains Courageous)

1937 – Drama – 115 minutos

Dir.: Victor Fleming

Com Freddie Bartholomew, Spencer Tracy, Lionel Barrymore, Melvyn Douglas

Cotação Paradoxo: 4 estrelas

Oz - Mágico e Poderoso

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Sat, 16 Mar 2013 02:45:00 +0000

Not in Kansas

Vendido como um novo Alice no País das Maravilhas, Oz – Mágico e Poderoso consegue ser muito mais interessante do que a tentativa de Tim Burton em recontar as aventuras da personagem título atrás do coelho branco. Ainda que guarde algumas semelhanças com aquele longa-metragem (pelos cenários criados por computador, pela necessidade de impressionar o espectador com cores e formas diversas e por ser uma produção Disney) este novo trabalho de Sam Raimi consegue se desvencilhar mais facilmente do seu original, no caso O Mágico de Oz, de 1939, dirigido por Victor Fleming, o tornando um programa muito mais divertido.

Na trama, assinada por Mitchell Kapner e David Lindsay-Abaire, vemos o que acontece em Oz muito antes de Dorothy ser levada por um tornado e bater os calcanhares de seus sapatinhos vermelhos. Conhecemos, logo de início, o mágico fajuto Oz (James Franco) e suas tramoias para conquistar mulheres. Durante confusão com uma de suas pretendentes em meio ao circo em que trabalha, o mago embarca em um balão e foge do local, sendo pego por uma tempestade e acabando num lugar espetacular coincidentemente chamado Oz. Lá, ele descobre que uma profecia aponta a chegada de um mágico poderoso naquelas paragens, uma pessoa que governará a todos dali. Percebendo uma oportunidade, Oz resolve viver aquele papel, conquistando primeiramente a afeição da bruxa Theodora (Mila Kunis), irmã da pouco confiável Evanora (Rachel Weisz), feiticeiras que vivem às rusgas com a bela Glinda (Michelle Williams). Mas será que Oz conseguirá enganar a todos por muito tempo?

Quando as primeiras notícias sobre Oz – Mágico e Poderoso começaram a circular pela web, a empolgação foi grande. Reencontrar o onírico local onde Dorothy e seu cãozinho Totó foram parar depois de uma grande tempestade em O Mágico de Oz parecia uma boa ideia. A tecnologia que temos em mãos atualmente poderia criar uma Oz impressionante. Sem contar com o elenco que estava sendo montado – com destaque para Robert Downey Jr. como o mago do título. Com seu estilo de atuação inteligente e sempre bem humorada, o ator parecia uma escolha perfeita para viver o mago picareta. O tempo passou, a agenda de Downey Jr. ficou espremida entre Sherlock Holmes e os filmes da Marvel, fazendo com que o papel tivesse de ficar com outra pessoa – neste caso, James Franco. Pequena frustração, que logo é esquecida assim que o longa-metragem engrena. Ainda que Franco não tenha o carisma de Downey Jr., seu approach para com o personagem é bastante acertado, exagerando onde é necessário e apresentando uma certa vulnerabilidade que conquista o espectador. Ainda que seja irresponsável de início, com seus relacionamentos e com sua cobiça, Oz descobre em si uma figura mais honesta e poderosa do que imaginava ao entrar em contato com as figuras daquele local riquíssimo. Dentre estes amigos, destaque para o hilário macaco Finley (Zach Braff).

O trio feminino também merece louros. Michelle Williams e Mila Kunis ganham personagens que foram icônicas no filme original e parecem à vontade em seus papéis. A primeira não tem grandes desafios, mantendo-se sorridente e bela durante toda a projeção. Já Kunis passa por um arco mais interessante, dando sentido àquela frase: “o inferno não conhece fúria como a de uma mulher rejeitada”. Enquanto isso, Rachel Weisz tem maior espaço para brincar com sua personagem, já que dentro do original sua bruxa era apenas mencionada.

Em O Mágico de Oz, Dorothy vivia em um Kansas sépia até ser transportada para um colorido Oz depois de uma tempestade. Sam Raimi reverencia este passado trazendo para aquela cidade do Texas um entristecido preto e branco, filmando-a em 4x3, mesma proporção de imagem do longa-metragem original. Quando o mágico chega a Oz, não só o lugar é colorido como a imagem aparece em um belo wide, expandindo nosso campo de visão. Uma pena que o cineasta fique preso demais aos efeitos especiais, criando uma Oz intensa, mas bastante artificial. O 3D não ajuda muito, até porque acaba escurecendo algumas passagens que talvez fossem mais interessantes vistas sem os óculos.

Se neste quesito Raimi não é muito feliz, ao menos o cineasta acaba acertando ao tentar se desvencilhar o máximo possível da história do original. Notem que ele faz diversas homenagens ao longa de Victor Fleming, mas consegue criar uma história que seja totalmente sua. As peças estão ali para serem encaixadas – e existe um espaço enorme para continuações que se situem entre este Oz e o clássico de 1939. Tanto que o sucesso deste primeiro prequel parece ter dado o pontapé inicial para outros filmes. Sam Raimi já afirmou que não pretende retornar à Oz, o que é uma lástima, visto que o seu trabalho é uma das razões pelas quais o longa-metragem tenha saído tão divertido. Oz – Mágico e Poderoso desafia as probabilidades e acaba sendo uma grata surpresa.

Oz – Mágico e Poderoso (Oz – Great and Powerful)

2013 – Aventura – 130 minutos

Dir.: Sam Raimi

Com James Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz, Michelle Williams, Zach Braff, Bill Cobbs

Cotação Paradoxo: Vale 80% do ingresso

Um Plano Simples

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Thu, 14 Mar 2013 01:15:00 +0000

Cobiça

O que você faria caso encontrasse uma quantia absurda de dinheiro e não soubesse a quem a pertence? Ficaria com tudo ou entregaria o montante às autoridades? Em Um Plano Simples, Hank (Bill Paxton) cogitou a segunda alternativa quando esbarrou com milhões de dólares dentro de um avião, caído e perdido em meio à neve, com seu piloto morto e não identificável. Isso até seu irmão Jacob (Billy Bob Thornton) e o seu respectivo parceiro de pileques Lou (Brent Briscoe), dupla que fez a descoberta junto de Hank, despertarem a cobiça daquele homem. Sabendo que a grande quantia chamaria a atenção caso fosse esbanjada, Hank resolve reter o dinheiro e esperar a poeira baixar, só depois o dividindo em três partes iguais. Um plano bastante simples, como pressupõe o título do filme, mas é apenas o começo de um suspense de erros, desconfianças e muita falta de sorte.

Dirigido por Sam Raimi e roteirizado por Scott B. Smith, baseado em sua própria novela, Um Plano Simples conta com uma atmosfera de suspense muito bem trabalhada pelo cineasta. Em uma história na qual a cobiça é um dos principais motores dos personagens, qualquer coisa pode acontecer – e acontece. Fargo, de Ethan e Joel Coen, foi acertadamente rotulada como uma comédia de erros assim que foi lançada. Raimi, amigo de longa data dos irmãos cineastas, fez sua própria trama na neve, mas com ares de mistério – um suspense de erros. O trio principal toma decisões bastante duvidosas e as consequências de seus atos acabam ricocheteando contra toda a vez. Quando entendemos a situação que se desenrolará na trama, fica difícil não sentir pena daqueles três pobres diabos que acabam, de alguma forma, ganhando na loteria, mas que são pouco inteligentes para tomarem decisões corretas. Hank pensa ser o mais esperto, o mais safo, mas não consegue pensar em medidas que ajudem o trio a ficar com o dinheiro. Isso, claro, antes de cogitar ficar com todo o montante para si.

Ainda que seja uma trama na qual o espectador fique se perguntando o que será feito com aqueles milhões, Raimi e Smith não esquecem de criar um alicerce forte para sustentar este plot. Alicerce este que atende pelos nomes Hank e Jacob. A dupla de protagonistas segura o interesse do público até o fim, muito por causa da relação conturbada entre os dois. Jacob parece admirar – e até invejar – a vida que Hank leva com sua esposa, Sarah (Bridget Fonda). Nunca alvo de interesse feminino, Jacob acabou virando um pária do vilarejo, um sujeito que bebe demais e pensa de menos. Este complexo de vira-lata daquele homem o fez se aproximar de Lou, outra figura triste, que passa seus dias bebendo nos bares da cidade. Hank, por outro lado, é um sujeito responsável, correto, casado e com um filho às vésperas de nascer. Quando este trio se vê com uma colossal soma em dinheiro, Hank prontamente se oferece a guardar o dinheiro, por não confiar na ganância de Lou e na inteligência do irmão. Esta falta de confiança acabará traindo aquele trio.

Com duas indicações ao Oscar (Ator Coadjuvante para Bob Thornton e Roteiro Adaptado), Um Plano Simples é um dos bons filmes da carreira de Sam Raimi, mais sóbrio e sério que o habitual. O desenrolar da história é sempre interessante, apesar dos 120 minutos de duração parecerem um tanto inchados lá pelo meio do segundo ato. Nada que atrapalhe o final irônico e bem costurado, com altas doses de suspense, sangue e neve.

Um Plano Simples (A Simple Plan)

1998 – Suspense – 121 minutos

Dir.: Sam Raimi

Com Bill Paxton, Bridget Fonda, Billy Bob Thornton, Brent Briscoe, Chelcie Ross, Gary Cole

Cotação Paradoxo: 4 Estrelas e 1/2

A Morte do Demônio

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Tue, 12 Mar 2013 01:45:00 +0000

Ashes to Ash

Um filme pequeno, sem muitas pretensões, mas divertido e, para os mais suscetíveis, amedrontador. Este é A Morte do Demônio, primeiro longa-metragem dirigido por Sam Raimi, lançado em 1981. Um exemplo para cineastas iniciantes, o filme teve início como uma produção entre amigos – Raimi e o protagonista, Bruce Campbell, se conheceram no colégio e começaram a fazer curtas juntos desde muito jovens, até chegarem à primeira produção em longa, no começo da década de 80. Quantos não começaram desta forma? A diferença está no talento e na resposta do público. A Morte do Demônio foi visto por Stephen King, que gostou tanto do resultado que acabou falando bem sobre a produção, gerando atenção dos seus fãs – que não são poucos. Depois de ter virado sucesso no Reino Unido, A Morte do Demônio teve chances de chegar a outros mercados. E o resto é história. Com duas continuações, lançadas em 1987 e 1992, e um remake a caminho, a ser lançado em 2013, tudo indica que o demônio do filme está longe de ser vencido.

Com roteiro de Sam Raimi, A Morte do Demônio conta a história básica de cinco amigos que pretendem passar à noite em uma antiga cabana. O que nenhum deles sabe é que existe uma força maligna no local que não deixará com que o quinteto saia com vida dali. Tomando posse primeiramente da jovem Shelly (Theresa Tilly), este demônio infernizará a noite dos outros quatro, restando à Ash (Bruce Campbell) a tarefa ingrata de terminar com aquela maldição.

O que primeiramente chama a atenção nesta produção de baixo orçamento é a criatividade. Sem recursos para bons efeitos especiais ou maquiagem de primeira, Sam Raimi e seus comparsas acabaram apelando para soluções mais baratas – que, aos olhos de hoje, mostram-se canhestras, mas para a época, passavam como horripilantes. Sem um elenco de rostos conhecidos, Raimi apelou para um amigo que, como ele mesmo dizia “atraia os olhos femininos”, para protagonizar sua produção. Assim nasceu Ash, pelas mãos de Bruce Campbell. É necessário destacar que não é nada usual que um filme de terror tenha um herói masculino. Esse é outro diferencial de A Morte do Demônio, que possui as donzelas em perigo, mas não como as principais heroínas. Muito antes pelo contrário. São elas que são possuídas pelas forças do mal primeiramente e servem como as vilãs por boa parte do filme.

Sem poupar em cenas fortes, Sam Raimi apresenta algumas boas sequências de terror, como o nervoso estupro de Shelly dentro da floresta, tomada pelos demônios através de galhos de árvores, assim como todo o terceiro ato, quando Ash precisa resolver o dilema entre salvar sua namorada ou matar o demônio que a possui.

Ainda que curto, com apenas 85 minutos de duração, A Morte do Demônio poderia ser ainda mais enxuto, visto que não gasta tempo algum desenvolvendo personagens. Quando tenta, cria momentos desnecessários, como o amuleto que é dado de presente por Ash. Com isso, o segundo ato fica um tanto à deriva. Felizmente, o longa acaba engrenando logo depois, chegando a um final apoteótico – e sangrento.

Com uma boa atmosfera de suspense e demônios asquerosos na medida, A Morte do Demônio é um programa sob medida para quem curte produções de terror e não se importa em se deparar com uma direção de arte um pouco mais artesanal do que o costume. As continuações acabaram optando mais para o humor, como é o caso de Uma Noite Alucinante 3 – que, acreditem, é a terceira parte de A Morte do Demônio, mas com outro título. Aliás, o segundo filme desta trilogia chama-se Uma Noite Alucinante (sem o “2”) aqui no país. Isso era o mercado de home vídeo brasileiro nos anos 80. Um verdadeiro terror, no pior sentido possível.

A Morte do Demônio (The Evil Dead)

1981 – Terror – 85 minutos

Dir.: Sam Raimi

Com Bruce Campbell, Ellen Sandweiss, Richard DeManincor, Betsy Baker, Theresa Tilly

Cotação Paradoxo: 4 estrelas

Norma Rae

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Fri, 08 Mar 2013 14:59:00 +0000

Union!

Não foi proposital, mas vem a calhar escrever sobre Norma Rae justamente no Dia Internacional da Mulher. Personagem forte, interpretada com vigor por Sally Field no filme de 1979, Norma é um amálgama da mulher daquela década. Trabalhadora, apaixonada, filha, mãe, esposa, incompreendida, correndo atrás do que acha certo. A personagem de Sally Field é isso e mais um pouco. Apesar dessas características, o longa-metragem dirigido por Martin Ritt não deve ser apontado como uma obra feminista, necessariamente. É, sim, uma história sobre luta, de buscar os direitos que lhe são devidos, seja você um homem ou uma mulher.

Na trama, assinada por Irving Ravetch e Harriet Frank Jr., Norma (Field) é uma mãe solteira, que mora com seus pais, e trabalha na grande e única firma têxtil daquela cidade sulista. A economia do local depende totalmente da mão de obra gerada pela empresa que, sabendo disso, explora seus empregados com salários baixos, longas horas e condições de trabalho risíveis. Eis que surge, vindo de Nova York, o idealista Reuben (Ron Leibman), representando o sindicato dos trabalhadores têxteis, inexistente até então naquele lugar. Tentando buscar apoio da categoria, passando panfletos e criando reuniões para esclarecer o que o sindicato faz, Reuben chama a atenção de Norma, que resolve ajuda-lo na tarefa. Isso, no entanto, causará a fúria de seus chefes e uma onda de inimizades dentro da fábrica.

É importante observar Norma Rae com certa perspectiva, visto que os sindicatos atualmente não tem a mesma força de revolução como tinham em décadas passadas. Portanto, se em alguns momentos o filme pode aparentar certa ingenuidade, isso se deve muito à época em que foi realizado. Interessante lembrar que Martin Ritt foi um cineasta bastante engajado e, portanto, um filme de temática sindicalista era totalmente condizente com sua filmografia.

Ainda que a história prenda a atenção e que a luta de Norma pelos seus novos ideais seja contagiante, o que de melhor Norma Rae oferece são as atuações da dupla principal. Sally Field venceu o Oscar por sua performance no longa-metragem, criando uma personagem que ousou ir contra todos pelo o que acreditava. Para os olhos de hoje, é difícil compreender os empecilhos que faziam com que os trabalhadores não quisessem a sindicalização. Ao conferir o filme, nota-se um medo de mudar o status quo dos próprios empregados e Norma, com grande ímpeto, mesmo mal falada na cidade pelos seus namoros, tenta colocar na cabeça de seus companheiros a importância daquela novidade. A dobradinha de Sally Field com Ron Leibman é cativante e o ator poderia ter sido lembrado em premiações, assim como sua parceira de elenco.

Beau Bridges recebeu o ingrato papel de novo marido de Norma e, ainda que tenha uma boa performance, acaba sendo prejudicado pelo roteiro, que claramente não dá muita importância para aquele relacionamento. Aliás, o filme sempre perde ritmo quando se concentra no casamento de Norma, o ponto baixo da trama. Felizmente, não demora muito para que a protagonista retorne à sua luta e encabece algumas cenas memoráveis, como o já clássico levante contra seus patrões, com a placa UNION (sindicato, em inglês) sendo mostrada para seus companheiros, em plena fábrica.

Para plateias mais novas, que conferiram produções como Erin Brockovich e Terra Fria, saibam que as personagens de Julia Roberts e Charlize Theron são praticamente filhotes de Norma Rae. Aliás, esta aí uma boa dica para uma trinca de filme engajados, com personagens femininas fortes e ótimas atuações.

Norma Rae

1979 – 115 minutos – Drama

Dir.: Martin Ritt

Com Sally Field, Ron Leibman, Beau Bridges, Pat Hingle, Barbara Baxley

Cotação Paradoxo: 4 estrelas

Testa-de-Ferro por Acaso

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Wed, 06 Mar 2013 19:34:00 +0000

Na lista negra

Assim como muitos profissionais da indústria do entretenimento na década de 50, o cineasta Martin Ritt foi pego pela caça às bruxas macartista e colocado na lista negra, uma forma que o senador norte-americano Joseph McCarthy encontrou para tirar os “vermelhos” de seus empregos. O clima de paranoia em relação ao comunismo era tão grande que qualquer pessoa que tivesse alguma inclinação esquerdista, ou alguma simpatia com as ideias da foice e do martelo eram perseguidas. Neste cenário desolador, onde acusar amigos e parceiros de trabalho era prática encorajada pelas autoridades, Martin Ritt, um talentoso roteirista e diretor de tevê, se viu obrigado a abandonar seu emprego e buscar oportunidades no teatro, visto que seu nome na lista negra o impedia de conseguir outras funções. Com o fim da caça aos comunistas, em 1956, Ritt começou seus trabalhos no cinema. Mas foi apenas 20 anos depois que ele conseguiu colocar algumas de suas experiências em filme, com o ótimo Testa-de-Ferro por Acaso, roteirizado pelo também listado Walter Bernstein.

Na trama, Howard Prince (Woody Allen) é caixa de um bar, apostador inveterado, sempre com dinheiro curto. Seu amigo, o roteirista de tevê Alfred Miller (Michael Murphy), está na lista negra e com sérias dificuldades em conseguir emprego. Assim, surge uma ideia peculiar: Prince levaria os roteiros de Miller para o estúdio de tevê como se os trabalhos fossem seus, receberia o dinheiro do contrato e repassaria para o amigo – retendo, claro, 10% do pagamento. Em um primeiro momento, Howard aceita por amizade, dizendo não precisar da grana. Mas, logo que aquele pagamento fácil começa a chegar, o pseudo-roteirista passa a gostar da ideia, e pede para Miller arrebanhar mais escritores que estejam na lista negra. O filme retrata a situação não só dos roteiristas, mas também dos atores que foram pegos pela caça às bruxas, como mostra o personagem de Zero Mostel, o irreverente Hecky Brown. Forçado a dedurar profissionais que ele acredite serem comunistas, o ator se vê rejeitado pela emissora em que trabalhava, tendo de aceitar cachês míseros pelo seu talento.

Não se engane pela presença de Woody Allen no elenco. Ainda que existam cenas engraçadas e seu personagem tenha certa leveza, Testa-de-Ferro por Acaso puxa mais para o lado do drama do que da comédia. Martin Ritt e o roteirista Walter Bernstein acertam a mão ao tentar passar sua mensagem de uma forma menos agressiva, com momentos cômicos que contrabalançam a seriedade da situação. Isso deve ter sido possível graças ao tempo transcorrido entre o fim da caça às bruxas comunista e a produção do longa-metragem. Um pouco de perspectiva faz bem.

Allen, por sua vez, está bastante contido em sua performance, uma surpresa para a época, certamente. Até então, o ator/diretor/roteirista havia apenas feito comédias escrachadas. Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, filme pelo qual recebeu Oscar e indicação pela sua atuação, viria apenas no ano seguinte. Portanto, a ideia de ver Woody Allen como um sujeito incialmente sem escrúpulos, que acaba aprendendo com as situações postas em seu caminho, era novidade em 1976. Bem dirigido por Martin Ritt, Allen faz um dos papeis dramáticos mais interessantes de sua carreira – concorrendo fortemente com seus personagens um pouco mais sérios em Crimes e Pecados e Hannah e suas Irmãs.

Em seu último papel, Zero Mostel também mostra um lado dramático pouco praticado em sua carreira. O ator, assim como Martin Ritt e Walter Bernstein, estava na lista negra nos anos 50. Até por isso, sua escolha para o papel não é nada estranha. Todo o arco envolvendo Hecky Brown e suas dúvidas sobre entregar – ou espionar – seus amigos é muito bem orquestrada pelo roteiro, que acaba dando-lhe um final inesperado e que desperta em Howard Prince o desejo de fazer o certo.

Indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original em 1977, Testa-de-Ferro por Acaso é mais um trabalho ímpar de Martin Ritt, cineasta que conseguiu expurgar alguns demônios de seu passado em um filme igualmente dramático e irreverente. Um desafio vencido por este ótimo cineasta nova-iorquino.

Testa-de-Ferro por Acaso (The Front)

1976 – 91 min – Drama/Comédia

Dir.: Martin Ritt

Com Woody Allen, Zero Mostel, Andrea Marcovicci, Michael Murphy

Cotação Paradoxo: 5 estrelas

O Indomado

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Tue, 05 Mar 2013 01:36:00 +0000

Hud

Paul Newman interpreta um rebelde sem causa um tanto acima da idade da atitude irresponsável adolescente em O Indomado, premiado longa-metragem do diretor Martin Ritt, indicado ao Oscar por seu trabalho. O filme, aliás, foi lembrado pela Academia em sete categorias, recebendo os louros em três delas (Ator Coadjuvante, para Melvyn Douglas; Atriz Coadjuvante, para Patricia Neal; e Fotografia em Preto-e-Branco, para James Wong Howe). Newman recebeu sua terceira indicação para a estatueta como Ator Principal, mas acabou perdendo naquele ano para Sidney Poitier, por Uma Voz nas Sombras.

Na trama, assinada por Irving Ravetch e Harriet Frank Jr., baseada no livro de Larry McMurtry, Hud Bannon (Newman) é um sujeito sem moral e sem princípios. Bebe demais, se engraça com mulheres casadas e não quer nada com responsabilidades. Seu pai, Homer (Douglas), por outro lado, é um homem respeitador da lei e dos bons costumes, uma pessoa séria e sempre pronta para o trabalho. O choque entre estas duas personalidades tão diferentes é que faz o filme andar. Isso e a admiração intensa de Lonnie (Brandon de Wilde), sobrinho de Hud, pelo tio. Longe de ser um bom exemplo para o rapaz, Hud – de forma torta – acolhe o garoto em suas asas e tenta mostrar os prazeres da vida para o inexperiente Lonnie. Ele, no entanto, não se interessa muito pela farra, visto que está interessado na empregada do avô, a bela e experiente Alma (Neal).

A interação entre os personagens é o que de melhor O Indomado oferece. Temos a relação desgastada entre Hud e Homer, sem que saibamos de antemão o que aconteceu aos dois; temos a amizade entre Lonnie e o avô, em que podemos ver o respeito do rapaz e o amor do velho pelo neto; ainda contamos com as investidas de Hud e Lonnie sobre Alma, que sempre tenta sair pela tangente. Enquanto o garoto é romântico e vê a empregada como uma possível namorada, Hud à procura para uma noite de sexo apenas. O approach diferente e a forma como Alma responde às tentativas dos dois é sempre interessante, mostrando um amor escondido daquela mulher pelos dois Bannon.

Ainda que O Indomado seja um trabalho dramático de primeira de Paul Newman, o ator é ofuscado pela emocionante performance de Melvyn Douglas. Trabalhador e sempre respeitador da lei, Homer se vê em uma encruzilhada quando uma de suas vacas morre inesperadamente e surge a possibilidade de todo o seu gado estar infectado com a febre aftosa. Um baque para o fazendeiro, que levará todos os seus animais ao abate caso seja detectada a doença – mesmo contra os conselhos de Hud, que cogita vender o rebanho antes da resposta dos veterinários. Os choques éticos entre pai e filho são memoráveis, com Hud quase retirando os poderes do pai dentro da propriedade para que a questão fosse resolvida à sua maneira. Com o passar da história, entendemos que o caminho torto de Hud deve-se a um acontecimento do passado que o deixou marcado – e afetou também a relação entre pai e filho. Não era o único fator, mas ajudou a destruir a amizade entre Hud e Homer para sempre. O olhar decepcionado de Melvyn Douglas para cada uma das ações do personagem de Newman é de cortar o coração, tamanha a dor daquele senhor.

Filmado em um belo preto-e-branco, com cenas chocantes para qualquer amante de animais, O Indomado é um trabalho maiúsculo de Martin Ritt, que coloca três diferentes gerações de uma família em choque dentro de uma fazenda, transformando o filme em um interessante estudo de personagens.

O Indomado (Hud)

1963 – 111 minutos – Drama

Dir.: Martin Ritt

Com Paul Newman, Melvyn Douglas, Patricia Neal, Brandon de Wilde

Cotação Paradoxo: 5 estrelas

Apostas para o Oscar 2013

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Sun, 24 Feb 2013 15:02:00 +0000

Hoje é dia de Oscar e, claro, estarei acompanhando pelo Twitter (@RodrigoMcFly) a festa da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. Foi uma Maratona Oscar atípica neste 2013. Ainda que eu tenha conseguido assistir a quase todos os filmes indicados nas categorias principais em longa-metragem (faltaram apenas dois filmes estrangeiros e os documentários), não consegui transformar isso em críticas aqui no Paradoxo. Algumas foram escritas e enviadas para o Papo de Cinema, site no qual minhas críticas mais recentes estão sendo publicadas (já conferiu? www.papodecinema.com.br).

Dito isso, vamos a minhas apostas. Lembrando que não são os meus favoritos, mas os indicados que acredito que a Academia irá premiar nesta noite de domingo.

Canção Original:

· Skyfall – Adele, de 007 – Operação Skyfall

Essa é uma das barbadas da noite. Além da música realmente ser muito boa, Adele vive um momento incrível da carreira e um Oscar dará um brilho a mais para este período sublime da cantora.

Trilha Sonora:

· Anna Karenina, Dario Marianelli

Esta é uma das apostas difíceis. Todos os concorrentes são ótimos e fica complicado apontar um franco favorito. Ainda que As Aventuras de Pi talvez surja como um dos principais concorrentes, as inventivas orquestrações de Marianelli em Anna Karenina merecem o prêmio. Esta aposta é quase uma torcida.

Mixagem de Som:

· As Aventuras de Pi

Um barco em pleno alto mar com apenas um rapaz e um tigre? Muito mais do que isso. As Aventuras de Pi pode não abocanhar os principais prêmios da noite, mas pela técnica, tem tudo para sair um dos mais premiados. E a mixagem de som deste longa-metragem de Ang Lee te coloca junto de Pi e de Richard Parker neste estupendo drama fantástico.

Edição de Som:

· A Hora Mais Escura

O longa-metragem de Kathryn Bigelow começou como um dos favoritos para as grandes estatuetas, mas foi perdendo momentum até o dia da premiação. Mesmo sendo um prêmio de consolo, a Edição de Som de A Hora Mais Escura coloca o espectador dentro da ação – e, acredito, quando uma produção consegue fazer isso com seu som, criado especialmente para o filme, é meio caminho andado para o Oscar.

Curta-metragem:

. Curfew

Achismo, apenas. Não vi nenhum indicado a curta-metragem.

Curta de animação:

· Adam and Dog

Mais uma categoria difícil. Os cinco curtas são muito bons, mas resolvi escolher o vencedor do Annie Awards do ano passado, uma história bela sobre o primeiro encontro entre o homem e o cachorro. Não se espantem caso Paperman levar o prêmio, visto que foi o vencedor do Annie Awards (o Oscar da Animação) deste ano.

Curta Documentário:

· Mondays at Racine

Outro achismo. Não assisti aos indicados.

Documentário:

· Searching of Sugar Man

Achismo de novo. Mas este um pouco mais abalizado. O filme tem vencido vários prêmios e é um dos principais concorrentes.

Efeitos Visuais

· As Aventuras de Pi

O visual belíssimo do filme de Ang Lee, assim como alguns personagens importantes como o macaco e, principalmente, o tigre Richard Parker foram todos criados por computação gráfica, um trabalho que deve vencer na noite deste domingo.

Maquiagem:

· O Hobbit: Uma Jornada Inesperada

Depois de vencer tudo o que poderia com a trilogia Senhor dos Anéis, Peter Jackson se viu com menos chances de fazer bonito na festa da Academia com seu O Hobbit. Seu concorrente mais forte nesta categoria é Os Miseráveis, pois a maquiagem de Hitchcock realmente deixa a desejar.

Figurino:

· Anna Karenina

Difícil a Academia se conter e não dar o prêmio para uma produção de época requintada como Anna Karenina. Os vestidos bufantes, as roupas cheias de fru-fru e tudo o que os votantes do Oscar mais adoram estão todos presentes neste drama dirigido por Joe Wright. O fato de ter vencido o prêmio do sindicato da categoria pesa bastante.

Direção de Arte:

· Anna Karenina

De novo, o filme de Joe Wright – ainda que não seja uma adaptação muito empolgante do livro de Tolstoy – tem em seu desenho de produção um dos mais elogiáveis trabalhos do ano. O filme ganha pontos por ser encenado em um palco e sua direção de arte teve um trabalho dobrado com essa artimanha.

Edição:

· Argo

A história dos reféns norte-americanos no Irã deu o que falar neste ano pela ausência do diretor Ben Affleck na categoria Melhor Diretor. Mas existem outros prêmios que a produção poderá vencer, dentre eles, o belo trabalho na montagem de Argo.

Fotografia:

· As Aventuras de Pi

Este prêmio vai para a beleza de cada tomada de As Aventuras de Pi. Quem assistiu ao filme e saiu embasbacado com o visual do longa-metragem concordará comigo.

Filme Estrangeiro:

· Amor

Mais uma das barbadas do ano. Indicado ao prêmio principal, o filme de Haneke deve sair da festa com esta estatueta ao menos, nos moldes do que aconteceu com A Vida é Bela, em 1999. Mas não ficaria triste caso o chileno No levasse a estatueta.

Animação:

· Detona Ralph

Não considero Detona Ralph a melhor animação do ano, mas de acordo com os prêmios que já recebeu, deve levar a estatueta para casa. Meus favoritos, pela ordem: Piratas Pirados!, Paranorman, Frankenweenie, Detona Ralph e Valente.

Roteiro Adaptado:

· Argo

Estou apostando em Argo como Melhor Filme do Ano. Portanto, o Melhor Filme leva o Melhor Roteiro, certo? Não me espantaria caso Lincoln levasse, visto que é um dos fortes concorrentes também a categoria principal. Mas o prêmio do Sindicato praticamente segura a estatueta com Argo.

Roteiro Original:

· Django Livre

Quando saiu a premiação do Sindicato dos Roteiristas e A Hora Mais Escura foi apontado o melhor, muitos começaram a questionar o favoritismo de Tarantino na categoria. O que vários esqueceram é que o diretor/roteirista de Django Livre não é sindicalizado, portanto, nem indicado ao prêmio da categoria poderia ter sido. Dito isso, Tarantino deve levar seu segundo merecido Oscar nesta noite.

Direção:

· Steven Spielberg (Lincoln)

Steven Spielberg tem tudo para receber sua terceira estatueta de Melhor Diretor – a segunda que não terá como acompanhamento o Oscar de Melhor Filme, caso se confirme o favoritismo de Argo na categoria principal. O diretor é um Spielberg mais tímido em Lincoln, evitando sempre que pôde os arroubos de emoção pelos quais é mundialmente conhecido.

Atriz Coadjuvante:

· Anne Hathaway (Os Miseráveis)

No começo da corrida pelo Oscar, Hathaway era uma das barbadas do ano. No entanto, o tempo passou e, se vencer – como estou apostando que acontecerá – será por uma margem muito pequena. Torço por ela, pela atuação estupenda em Os Miseráveis. Só pela soberba interpretação de I dreamed a dream, já valeria a estatueta.

Ator Coadjuvante:

· Tommy Lee Jones (Lincoln)

O prêmio do Sindicato ajuda Tommy Lee Jones nesta categoria, cheia de pesos-pesados. TODOS já venceram o prêmio. Meu preferido é Robert De Niro, por O Lado Bom da Vida. Mas o prêmio seria muito bem entregue para qualquer um dos cinco indicados.

Atriz:

· Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida)

Existe uma chance grande de Emmanuelle Riva levar a melhor sobre a jovem Jennifer Lawrence neste Oscar, segundo os burburinhos que vêm lá de Hollywood. Mesmo assim, resolvi apostar em Lawrence por lembrar que a Academia adora premiar talentos iniciantes.

Ator:

· Daniel Day-Lewis (Lincoln)

Só uma zebra muito grande tira o terceiro Oscar de Daniel Day-Lewis. Minha torcida é para Hugh Jackman.

Filme:

· Argo

Argo tem tudo para ser o grande vencedor da noite. Conta uma história importante, tem momentos impactantes de suspense e funciona bem quando cômico. É uma produção redondinha que merece o prêmio. Meus favoritos, pela ordem: Django Livre, Amor, Argo, As Aventuras de Pi, Indomável Sonhadora, O Lado bom da Vida, Os Miseráveis, A Hora Mais Escura, Lincoln.

No

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Tue, 15 Jan 2013 00:05:00 +0000

A Alegria está Chegando

Não tente arrumar sua televisão ou pense em pedir para que o funcionário do cinema conserte a imagem da projeção de No, longa-metragem chileno dirigido por Pablo Larraín (de Tony Manero). A fotografia é exatamente daquele jeito, com cores lavadas, sem muita definição, como se tivesse saído de um VHS empoeirado encontrado em um baú não aberto desde os anos 80. É assim que, visualmente, Larraín resolve contar a história do final de um período negro na vida dos chilenos, o desfecho da ditadura do general Augusto Pinochet, retirado do poder através de um plebiscito que poucos acreditavam que levaria a algum lugar. Dentre estes poucos, está o publicitário René Saveedra (Gael García Bernal), que com ideias diferentes e divertidas ajudou o lado do “Não” a vencer pelo voto popular (não reclame de spoilers, visto que este trecho da história chilena é conhecidíssimo).

O roteiro é assinado por Pedro Peirano, recriando muito bem o período temerário pelo qual viveram os cidadãos chilenos durante os duradouros anos de chumbo da ditadura Pinochet. Pressionado pela política externa a deixar o poder, o governo do general resolveu perguntar ao povo se deveria sair ou ficar. Acreditando piamente que o medo faria com que as pessoas votassem pelo “sim”, a situação chilena não percebeu que estava cavando sua própria cova. Um dos pontos que fez ressurgir a coragem do povo chileno foi a campanha do “não”, que se afastou ao máximo dos pontos negativos do governo Pinochet e tentou se agarrar na alegria que surgiria pós-ditadura. Pegando a cartilha básica da publicidade, René Saveedra transformou o que seria uma batalha política inglória em um sucesso estrondoso. Mas não sem antes sofrer ameaças e ter sua vida virada ao avesso pela sua coragem.

Pablo Larraín é hábil em juntar materiais de arquivo com novas gravações, fazendo de seu longa-metragem quase um documentário. O acerto da fotografia televisiva oitentista fez com que as cenas da época entrassem no filme sem nenhum estranhamento. Inclusive, muitos talvez nem perceberão que o que estamos vendo, em vários momentos, são materiais originais, exibidos na televisão chilena durante o plebiscito. A tensão palpável impressa no filme mantém o espectador grudado na poltrona, mesmo já sabendo de antemão o desfecho da trama. Esta proximidade tão grande com a realidade, mostrando um período histórico relevante, e misturando-o a expertises audiovisuais aproxima No de Argo, elogiado longa-metragem de Ben Affleck, ambos cotadíssimos para o Oscar 2013.

Gael García Bernal mostra que é um excelente ator quando trabalha em sua língua nativa. Em filmes em que precisa falar inglês, o desconforto é visível (como é o caso de Cartas para Julieta ou Pronta para Amar), o que não ocorre em No. Seu personagem tem ideias precisas sobre o que é necessário para vender um produto – mesmo que este produto seja o final da ditadura de Pinochet, e luta pelo que acredita de forma quase utópica. Bernal constrói bem os conflitos do personagem, que sabe que está entrando em uma possível barca furada e perigosa, tendo de proteger seu filho pequeno e sempre pensando na ex-esposa. Ainda que as cenas que envolvam a família de Saveedra não sejam o ponto alto da trama, este aprofundamento da vida do publicitário ajuda a entender os motivos das escolhas do personagem.

O verdadeiro ponto alto de No é acompanhar os embates entre as propagandas políticas dos lados contrários. Com a indefectível linguagem oitentista, cheia de exageros e grafismos, os produtos realizados pelo lado do “sim” e do “não” são um material riquíssimo para entender a força dos meios de comunicação de massa e, certamente, devem ter dado gênese a inúmeros trabalhos acadêmicos desde então.

Com jeitão de documentário e um argumento altamente engajador, No é um trabalho imperdível. Não só por servir como uma aula de História sobre um período nefasto da América Latina, mas também por utilizar-se de forma muito inteligente da linguagem televisiva de uma década passada, transformando desta forma a cinematografia em um elemento indivisível para contar sua história. Criativo e irrepreensível.

No
Dir.: Pablo Larraín
Com Gael Garcia Bernal, Alfredo Castro, Antonia Zegers
Cotação Paradoxo: Vale 100% do ingresso

* Crítica publicada originalmente no site Papo de Cinema

Confira logo abaixo o trailer de No:

Argo

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Sat, 12 Jan 2013 01:08:00 +0000

Argo F*ck Yourself

Ben Affleck teve sapatos grandes para calçar ao receber de George Clooney a incumbência de dirigir Argo, longa produzido por ele e seu amigo, Grant Heslov. Afinal de contas, Clooney já assinou belíssimos trabalhos – como Confissões de uma Mente Perigosa , Boa Noite e Boa Sorte, Tudo pelo Poder – e este novo trabalho se encaixaria como uma luva em sua filmografia. No entanto, o escolhido para comandar este drama histórico com pitadas bem humoradas e generosas doses de suspense foi Affleck, um cineasta em ascensão depois de ter comandado o bom Medo da Verdade, em 2007, e o ótimo Atração Perigosa, em 2010. Mostrando-se um melhor diretor do que ator, ele comanda um filme que prende o espectador do início ao fim, com elenco diferenciado e uma direção de arte caprichada.

Com roteiro de Chris Terrio, baseado em artigo de Joshuah Bearman, Argo nos transporta para o final dos anos 70, durante a famosa crise de reféns na embaixada americana no Irã. Revolucionários iranianos mantiveram em cativeiro boa parte dos trabalhadores estadunidenses, demandando que o governo de Jimmy Carter devolvesse ao país o Xá Mohammed Reza Pahlavi, que se encontrava nos Estados Unidos, recebendo tratamento médico. Durante a investida dos manifestantes, seis americanos conseguem escapar da embaixada e buscam asilo na casa de um diplomata canadense. Cabe ao agente especial da CIA Tony Mendez (Affleck) resolver a pendenga e encontrar uma forma inteligente de retirar aqueles cidadãos norte-americanos da situação. Misturando astúcia e certa imaginação, Mendez cria um plano arrojado, mas que tem tudo para dar errado: se passar por um produtor de cinema buscando paisagens exóticas para um filme de ficção científica chamado, justamente, Argo, entrando desta forma no Irã e retirando seus compatriotas do esconderijo. Para isso, no entanto, ele precisará da ajuda de profissionais de Hollywood e de muita sorte.

Argo tem três momentos bastante distintos. O primeiro, mais dramático, coloca as cartas na mesa e explica toda a situação a ser desenrolada. Sabemos do envolvimento dos Estados Unidos com o período negro iraniano, comandado pelo Xá Pahlavi, e como o povo daquele país sofreu sob o jugo do governante, bem como toda a explosão dos revolucionários e a reposta norte-americana para a situação. Este trecho é quase documental, didático na medida certa e conseguindo transportar de forma correta o espectador àquela situação. O segundo momento é mais cômico, quando Tony Mendez começa a utilizar da ajuda de profissionais do mundo do cinema para socorrê-lo na tarefa de criar um filme falso. Nestes momentos brilham a verve cômica de John Goodman, como o maquiador oscarizado John Chambers, e Alan Arkin, como o produtor flamboyant Lester Siegel. O terceiro e último momento é voltado para o suspense. Sabemos que Tony Mendez precisa tirar aqueles seis americanos do esconderijo, entendemos a dificuldade da tarefa e ficamos na beirada da cadeira esperando que tudo corra bem. Mesmo que saibamos do desfecho da história, o clima de suspense impresso na tela por Ben Affleck é tão intenso que a imersão é completa. Impossível não ficar preocupado com o desenrolar da situação daquelas seis pessoas.

Ponto negativo do longa-metragem é o segundo plano dado aos outros reféns – esses sim, vivendo em situação deplorável e próximos da morte a cada novo dia. Os seis americanos retratados no filme, ainda que estivessem sob risco caso encontrados, estavam vivendo confortavelmente na casa do embaixador canadense, alimentando-se bem e vivendo entre amigos. Os demais colegas mantidos em cativeiro na embaixada são completamente esquecidos pelo roteiro, que os relembra no desfecho, com uma linha sobre seu destino. Óbvio que a história mais curiosa – e motivo de ter virado um longa-metragem – é a presença hollywoodiana na questão, deixando tudo com cara de mais estranho que a ficção. Todavia, um maior desenvolvimento da outra metade da situação viria a calhar. Seria, ao menos, mais interessante do que toda a história paralela entre Tony Mendez e sua família distante.

Por falar em Mendez, Ben Affleck nunca foi um ator de grande calibre. Seus papéis iam do aceitável ao deplorável em filmes como Armageddon, Forças do Destino e Contato de Risco. No entanto, desde que começou a se auto-dirigir, em Atração Perigosa, tem se mostrado um intérprete mais correto. Tanto que, em Argo, ele tem uma atuação acima da média, ainda que fique devendo ao contracenar com talentos como John Goodman e Alan Arkin. Este é um grande acerto de Affleck, aliás: cercar-se de ótimos atores para preencher os papéis-chave, mantendo sempre o nível das performances o mais alto possível. Isso é verdadeiro ao olharmos o sexteto por quem torcemos, cheio de faces conhecidas (principalmente da tevê), com atuações muito convincentes.

Toda a atmosfera setentista é palpável em Argo. Desde seu início, com o logo da Warner estilizado da época (criação do mestre Saul Bass), passando pelo desenho de produção e direção de arte, muito bem elaborados, com cabelos, figurinos e cenários caprichosamente recriados, culminando com a fotografia, filmada em película e com toda a pinta de Todos os Homens do Presidente – referência inegável de Affleck ao dirigir seu longa-metragem.

Em suma, Argo é um trabalho consistente de Ben Affleck como diretor, um profissional que parece ter encontrado seu talento escondido após alguns anos à deriva em Hollywood. Um filme corajoso o suficiente para não retirar toda a culpa da situação dos reféns do governo norte-americano (afinal de contas, foram eles quem bancaram o Xá por tantos anos governando o Irã) e correto o bastante para conseguir passar toda a angústia e periculosidade daqueles anos intensos. Filmaço.

Argo
Dir.: Ben Affleck
Roteiro: Chris Terrio
Com Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman, Victor Garber, Tate Donovan, Clea DuVall, Scott McNairy, Rory Cochrane, Christopher Denham, Kerry Bishé, Kyle Chandler, Chris Messina, Zeljko Ivanek, Titus Welliver
Cotação Paradoxo: Vale 95% do ingresso

* Crítica publicada originalmente no site Papo de Cinema

Confira logo abaixo o trailer de Argo:

Indicados ao Oscar 2013

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Thu, 10 Jan 2013 22:11:00 +0000

Confira logo abaixo os indicados ao prêmio da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. A Maratona Oscar 2013 começou oficialmente. Até o dia 24 de fevereiro, data da cerimônia de entrega das estatuetas, críticas diárias sobre os filmes indicados serão publicadas no Paradoxo. Fique ligado!

Melhor Filme
Amor
Argo
Indomável sonhadora
O lado bom da vida
A hora mais escura
Lincoln
Os Miseráveis
As aventuras de Pi

Django livre

Melhor Direção
Michael Haneke, por Amor
Benh Zeitlin, por Indomável sonhadora
Ang Lee, por As aventuras de Pi
Steven Spielberg, por Lincoln
David O. Russell, por O lado bom da vida

Melhor Ator
Daniel Day-Lewis, por Lincoln
Denzel Washington, por O Vôo
Hugh Jackman, por Os Miseráveis
Bradley Cooper, por O lado bom da vida
Joaquin Phoenix, por O Mestre

Melhor Atriz
Naomi Watts, por O Impossível
Jessica Chastain, por A hora mais escura
Jennifer Lawrence, por O lado bom da vida
Emmanuelle Riva, por Amor
Quvenzhané Wallis, por Indomável sonhadora

Melhor Ator Coadjuvante
Christoph Waltz, por Django livre
Philip Seymour Hoffman, por O Mestre
Robert De Niro, por O lado bom da vida
Tommy Lee Jones, por Lincoln
Alan Arkin, por Argo

Melhor Atriz Coadjuvante
Sally Field, por Lincoln
Anne Hathaway, por Os Miseráveis
Jacki Weaver, por O lado bom da vida
Helen Hunt, por As Sessões
Amy Adams, por O Mestre

Melhor Roteiro Original
Michael Haneke, por Amor
Quentin Tarantino, por Django livre
John Gatins, por O Voo
Wes Anderson e Roman Coppola, por Moonrise kingdom
Mark Boal, por A hora mais escura

Melhor Roteiro Adaptado
Chris Terrio, por Argo
Lucy Alibar e Benh Zeitlin, por Indomável sonhadora
David Magee, por As aventuras de Pi
Tony Kushner, por Lincoln
David O. Russell, por O lado bom da vida

Melhor Filme em Língua-estrangeira
Amor (Áustria)
No (Chile)
War witch (Canadá)
O Amante da Rainha (Dinamarca)
Kon-tiki (Noruega)

Melhor Filme de Animação
Valente
Frankenweenie
ParaNorman
Piratas pirados
Detona Ralph

Melhor Filme Curta-metragem de Animação
Adam and dog
Fresh guacamole
Head over heels
Maggie Simpson in ‘The Longest Daycare’
Paperman

Melhor Documentário
5 broken cameras
The gatekeepers
How to survive a plague
The invisible war
Searching for a sugar man

Melhor Documentário em Curta-metragem
Inocente
Kings point
Mondays at Racine
Open heart
Redemption

Melhor Direção de Arte
Anna Karenina
O Hobbit: Uma jornada inesperada
Os Miseráveis
As aventuras de Pi
Lincoln

Melhor Figurino
Anna Karenina
Os Miseráveis
Lincoln
Espelho, espelho meu
Branca de Neve e o caçador

Melhor Maquiagem
Hitchcock
O Hobbit: Uma jornada inesperada
Os Miseráveis

Melhor Fotografia
Anna Karenina
Django livre
As aventuras de Pi
Lincoln
007 – Operação Skyfall

Melhor Edição
Argo
As aventuras de Pi
Lincoln
O lado bom da vida
A hora mais escura

Melhores Efeitos Visuais
O Hobbit: Uma jornada inesperada
As aventuras de Pi
Os vingadores
Prometheus
Branca de Neve e o caçador

Melhor Mixagem de Som
Argo
Os Miseráveis
As aventuras de Pi
Lincoln
007 – Operação Skyfall

Melhor Edição de Som
Argo
Django livre
As aventuras de Pi
007 – Operação Skyfall
A hora mais escura

Melhor Trilha Sonora
Dario Marianelli, por Anna Karenina
Alexandre Desplat, por Argo
Mychael Danna, por As aventuras de Pi
John Williams, por Lincoln
Thomas Newman, por 007 – Operação Skyfall

Melhor Canção Original
Before my time, de Chasing ice
Everybody needs a best friend, de Ted
Pi’s lullaby, de As aventuras de Pi
Skyfall, de 007 – Operação Skyfall
Suddenly, de Os Miseráveis

Transmissão ao vivo dos indicados ao Oscar 2013

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Thu, 10 Jan 2013 11:14:00 +0000

Está chegando a hora. Os indicados ao Oscar 2013 serão anunciados na manhã desta quinta-feira, dia 10 de janeiro, às 11h30min (horário de Brasília), com transmissão via internet. Quem estiver curioso e quiser conferir o anúncio, a ser apresentado por Seth McFarlane e Emma Stone, é só clicar no play abaixo e esperar a hora certa. Maratona Oscar se avizinha!

Paradoxo: 9 anos – A vida em 24 frames por segundo

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Mon, 31 Dec 2012 15:23:00 +0000

Ring out the old, ring in the new. No dia em que 2012 despede-se, quando muitos fazem sua tradicional retrospectiva e planos para o próximo ano, aqui no Paradoxo nunca é diferente. Também pudera. Foi neste dia, em 2003, que este blog foi criado – na época, em outro endereço, e menos profissional. É bem verdade que as atualizações do Paradoxo a partir do segundo semestre deste ano não foram tão recorrentes como deveriam. Em minha defesa, digo que o trabalho crítico nunca foi abandonado. Comecei a fazer parte da equipe do site Papo de Cinema e entre escrever críticas e produzir o Videocast do site (que você pode ver nesse link), as críticas aqui no Paradoxo acabaram ficando relegadas a segundo plano. Para 2013, pretendo retificar isso.

Vamos aos números de 2012: foram 149 idas ao cinema (número que bate os parcos 91 de 2011), 311 filmes assistidos no ano e 187 críticas escritas (168 no Paradoxo e 19 no Papo de Cinema). Em número de views, o blog nunca esteve tão bem. Neste momento, o Paradoxo registra 183.523 visitas. Isso significa que no ano de 2012, 111.629 pessoas passaram pelas páginas do blog, uma média de 305 por dia. Um número maiúsculo e que me deixa extremamente feliz.

Desejo a todos um 2013 repleto de conquistas, de muita alegria, paz e de excelentes filmes. Um grande abraço e até ano que vem.

Rodrigo de Oliveira

Busca Implacável 2

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Wed, 17 Oct 2012 22:48:00 +0000

Granadas em Istambul

É curioso que o trailer de Busca Implacável 2 comece com Liam Neeson olhando para a câmera e ameaçando os espectadores que ele os encontrará e os caçará caso não compareçam a uma sessão de seu novo filme. Surpreende pela inventividade (gasta no trailer e não utilizada no longa-metragem em si) e pela apelação (visto que só mesmo à força seria possível arrastar tanta gente aos cinemas para ver um trabalho requentado como este). Felizmente, Neeson não obriga ninguém a gostar do filme, o que deixa este crítico bastante livre para tecer comentários pouco abonadores sobre esta continuação.

Os elementos que faziam do primeiro Busca Implacável um filme de ação acima da média desapareceram completamente em sua sequência, dirigida pelo francês Olivier Megaton (de Carga Explosiva 3). Enquanto o longa-metragem original contava com um subtexto interessante – e preocupante – sobre o tráfico de meninas para prostituição na Europa, colocando um pouco mais de profundidade em toda a situação apresentada, este segundo capítulo transformou-se em uma história de vingança pura e simples. Apinhada de clichês e sem contar com o elemento surpresa do episódio anterior (a então encontrada versatilidade de Liam Neeson para viver um herói de ação, que agora já caiu no lugar comum), Busca Implacável 2 só é recomendável para os fãs ardorosos do gênero.

Na trama, assinada por Luc Besson e Robert Mark Kamen (ambos responsáveis pelo roteiro do longa original), Bryan (Neeson) se vê novamente às voltas com um grupo que deseja fazer mal à sua família. Em viagem à Istambul junto de sua ex-esposa Lenore (Famke Janssen) e de sua filha Kim (Maggie Grace), o ex-agente da CIA é perseguido por Murad (Rade Sherbedgia), pai de um dos sequestradores do primeiro filme, que teve um destino nada positivo. Agora, Bryan terá de proteger seus entes queridos de uma horda de bandidos mal encarados enquanto tenta reconquistar seu lugar naquela família.

Existem boas cenas de ação, algumas convincentes coreografias de luta e uma novidade bem-vinda neste Busca Implacável 2: a transformação da donzela em perigo do primeiro filme em uma espécie de ajudante do herói. Maggie Grace se recupera do pífio desempenho no filme original e ensaia uma coragem inédita com sua personagem. Ela obviamente não chega a matar bandidos ou empunhar armas como seu pai faz, mas acaba o ajudando em um ponto crítico no segundo ato do filme. Famke Janssen não tem tanta sorte e pouco tem a fazer nesta sequência. Enquanto isso, Liam Neeson se especializa em protagonizar produções de ação, cada vez mais distanciando-se de um passado que inclua A Lista de Schindler, Michael Collins e Os Miseráveis. Ele faz bem seu papel, sem sombra de dúvidas. Mas é de se pensar se o talento do ator não está sendo desperdiçado em personagens que não o exigem muito.

Além de ser uma história de vingança simples, sem muitas novidades, os clichês amontoam em Busca Implacável 2. Desde a pistola que dispara balas infinitas, passando pelo sujeito que entra em uma sala cheia de bandidos e sai ileso, culminando com a batidíssima cena de perseguição automobilística que se encerra em um cruzamento férreo, com um trem interpondo-se entre o carro dos heróis e o dos malfeitores. Ainda que alguns exageros consigam divertir – como o fato de Bryan conseguir ligar calmamente para sua filha enquanto está sendo sequestrado (espelhando a cena do primeiro filme) – a soma de todos os elementos hiperbólicos acaba desandando nesta sequência.

Ainda que esteja aberta a possibilidade de mais uma continuação, difícil torcer para que a história de Bryan e sua família continue. A não ser que a série dê uma guinada e invente outro tipo de desafio para o protagonista, pouco será possível espremer das situações apresentadas nestes dois longas-metragens sem correr o risco de mais uma repetição sem sentido. Os números da bilheteria, sempre eles, decidirão, logicamente, se veremos uma Busca Implacável 3. Do jeito que o Brasil está em voga ultimamente, não duvidaria se fosse rodado no Rio de Janeiro.

Busca Implacável 2 (Taken 2)*
França - 91 minutos - Ação
Dir.: Olivier Megaton
Roteiro: Luc Besson e Robert Mark Kamen
Com Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen, Rade Sherbedgia, Leland Orser, Jon Gries
Cotação Paradoxo: Vale 56% do ingresso

*Crítica publicada originalmente no site Papo de Cinema

Confira logo abaixo o trailer de Busca Implacável 2:

Busca Implacável

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Tue, 16 Oct 2012 17:50:00 +0000

Pai Herói

Um Comando para Matar com mais estofo. Acredito que em poucas palavras, é assim que se pode traduzir este Busca Implacável, filme que serve de veículo para Liam Neeson soltar seu lado até então inexplorado de John McClane, herói vivido por Bruce Willis na franquia Duro de Matar. Para quem não lembra, em Comando para Matar, Arnold Schwarzenegger passava por maus bocados para resgatar sua filha, seqüestrada por um ditador exilado. Claro que este filme oitentista – divertidíssimo e sem noção – não deve ser levado a sério em nenhum momento. Diferente de Busca Implacável, que mesmo sendo bastante exagerado, traz alguns pontos que merecem atenção.

Bryan (Neeson) é um ex-agente do governo que está tentando recuperar o tempo perdido com sua filha adolescente Kim (Maggie Grace). Este tempo perdido não o fez se afastar apenas da filha, mas da ex-mulher, Lenore (Famke Janssen), que o trata de forma fria e distante. Quando Bryan acredita estar se aproximando da filha, uma viagem a Paris é planejada por ela, junto de uma amiga. Relutante em autorizar o passeio, o pai acaba por aceitar, impondo diversas condições. A primeira delas, que ela o avisasse assim que chegasse ao aeroporto francês, não é atendida, deixando Bryan preocupado. O deslumbramento com a viagem faz com as garotas se descuidem e dêem trela para um jovem turista, aparentemente inofensivo. É ele, porém, quem dá todas as informações necessárias para um grupo de seqüestradores raptarem as garotas e tentarem vendê-las no mercado negro de prostituição. Agora, Bryan precisa voar até a França e encontrar sua filha, custe o que custar.

Liam Neeson está muito bem como o pai zeloso e especialista em combates de Busca Implacável. Geralmente, para filmes deste estilo, são escolhidos brucutus musculosos como Vin Diesel, Van Damme ou Stallone. Talvez até um Bruce Willis. Na época, a escolha de um bom ator dramático como Neeson foi salutar por mostrar a sua versatilidade. É verdade que o ator já havia brincado de Jedi em Star Wars – Episódio 1 – A Ameaça Fantasma e sacudira sua aura de mestre em Batman Begins, mas em Busca Implacável, era a primeira vez que Neeson mergulhava de cabeça em um filme de ação pura e simples. E o resultado foi muito respeitável, imprimindo em cada segundo do filme uma veracidade ímpar. Bryan é um pai que faz de tudo para agradar sua filha, tentando assim recuperar sua relação com ela, abalada pela ausência. Notamos isso nos olhos do ator e percebemos sua felicidade quando Kim apenas pega o telefone e marca um almoço. Quando um grupo de seqüestradores a tira de suas mãos, ele se torna o pior pesadelo deles. E as cenas de ação envolvendo tiros, socos e pontapés são extremamente bem executadas pela equipe do diretor Pierre Morel, em seu segundo longa-metragem.

Os exageros de algumas seqüências são inerentes ao gênero, e só deixam o programa mais divertido. Pode ser inverossímil um homem conseguir entrar em uma sala repleta de criminosos e conseguir sair de lá intacto. Mas que é divertido assistir a como ele escapa, isso é. Se Duro de Matar um dia fosse filmado em Paris, este roteiro seria um bom ponto de partida, certamente.

Quanto ao resto do elenco, Maggie Grace, a eterna Shannon de Lost, escolhe um caminho tortuoso para dar vida a uma garota de 17 anos, quando obviamente já passava dos 23. Pontuando suas cenas com pulinhos, Kim é um retrato um tanto equivocado de uma adolescente. Além disso, os figurinistas escolheram vesti-la com roupas coloridas e infantis – que dificilmente seriam usadas por qualquer garota adolescente mentalmente sadia.

Um ponto que separa Busca Implacável de dezenas de outros filmes de ação é o fato de tratar de um assunto espinhoso, que é o tráfico de garotas para prostituição. O que é mostrado no filme não deve estar muito distante da realidade de diversas meninas que viajam para o exterior à procura de emprego ou de diversão e acabam se deparando com um mundo perigoso e sem volta. O longa-metragem de Pierre Morel, além de ser um thriller bem amarrado, também serve de alerta.

Busca Implacável (Taken)
França / EUA / Reino Unido - 93 min - Ação - 2008
Dir.: Pierre Morel
Roteiro: Luc Besson e Robert Mark Kamen
Com Liam Neeson, Famke Janssen, Maggie Grace, Leland Orser, Jon Gries, Xander Berkeley
Cotação Paradoxo: Vale 75% do ingresso

Confira logo abaixo o trailer de Busca Implacável:

O Vingador do Futuro (1990)

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Wed, 10 Oct 2012 00:56:00 +0000

I am Quaid!

Ainda que os efeitos especiais de O Vingador do Futuro tenham envelhecido mal com o passar dos anos, a trama criada por Philip K. Dick, adaptada aos cinemas pelas mãos habilidosas de Paul Verhoeven, ainda mantém o charme duas décadas depois de seu lançamento. Contando com um Arnold Schwarzenegger no auge de sua fama – em uma de suas melhores atuações até então – o longa-metragem futurista é interessante por manter dúvidas na cabeça do espectador. Muito mais do que apenas um filme de ação anabolizado, O Vingador do Futuro propõe uma viagem aos meandros do cérebro, nos fazendo a seguinte pergunta: quão reais são nossas experiências? Somos capazes de distinguir o verdadeiro do imaginário? Tudo isso misturado a violência gráfica já conhecida dos trabalhos de Verhoeven, que não economiza no sangue e nas cenas de ação.

Baseado no conto We Can Remember For your Wholesale, de Phillip K. Dick, o roteiro é assinado por Ronald Shusett, Dan O’Bannon, Jon Povill e Gary Goldman. Na trama, ambientada em 2084, viagens a Marte são uma realidade, com o Planeta Vermelho servindo de colônia para os terráqueos – que sofrem com a falta de ar e as mutações provenientes da atmosfera rarefeita do local. Doug Quaid (Schwarzenegger) é um trabalhador braçal que sempre sonhou visitar Marte. Sua esposa, Lori (Sharon Stone), não dá muita atenção para as vontades do marido, rechaçando qualquer possível viagem. Desta forma, não resta outra alternativa para Quaid senão contratar os serviços da Rekall, uma empresa que implanta memórias em seus clientes e que promete as melhores férias que alguém possa querer. Quaid se interessa pelo pacote que, além de levá-lo a Marte, o transforma em um agente secreto. Durante o processo, algo dá errado e se descobre que o cliente, na verdade, já teve suas memórias esculhambadas e que é realmente um agente. Ao se ver perseguido, até pela esposa que se revela uma espiã infiltrada, Quaid decide viajar a Marte para chegar ao fundo disso. Sua missão fará com que ele conheça quem ele realmente é.

O que mais chama a atenção em O Vingador do Futuro são as possibilidades que o roteiro dá ao espectador para criar sua própria versão dos acontecimentos. Para muitos, a história contada pelo longa-metragem é a de um agente secreto que tem sua memória apagada e, depois de descobrir a verdade, decide lutar pelo lado dos injustiçados mutantes, conseguindo salvar o dia. Outros – e me incluo neste grupo – acreditam que tudo o que vemos a partir da visita de Quaid a Rekall se passa na cabeça do sujeito. Várias dicas são colocadas durante o filme (como personagens que aparecem anteriormente, dando vazão à imaginação do protagonista, ou os desdobramentos que são citados antes que eles aconteçam) que nos levam a crer que estamos dentro da mente de Doug Quaid. E não existe certo ou errado. Ambas visões podem ser defendidas pelos espectadores, com argumentos fortes dos dois lados. Por esse motivo, O Vingador do Futuro ganha muitos pontos sobre outros filmes de ação da mesma época.

Arnold Schwarzenegger pode não ser o homem comum que funcionaria bem nesta história, mas seu carisma faz com que o longa-metragem fique muito divertido. Com suas populares frases de efeito (“Considere isso nosso divórcio“, “Eu sou Quaid!”), o ex-governador da Califórnia é um protagonista sob medida para O Vingador do Futuro. No quesito diversão, o dedo de Paul Verhoeven ajuda bastante. O cineasta capricha no humor para prender a atenção do espectador. É bem verdade que, hoje em dia, muitos dos momentos engraçados do filme são involuntários, graças à precariedade de alguns efeitos especiais. Mas muitos dos momentos bem humorados surgem da vontade de Verhoeven em entreter seu público.

Apresentando ainda uma Sharon Stone em plena forma, antes de estourar em Instinto Selvagem, O Vingador do Futuro tem um elenco acima da média, que conta com Michael Ironside e Ronny Cox como os principais vilões. Não fosse a precariedade do desenho de produção e a tosquice de alguns efeitos especiais, o longa-metragem de Paul Verhoeven teria envelhecido melhor. A aparição de Kuato, por exemplo, beira o ridículo. A transformação da mulher obesa em Schwarzenegger ainda funciona, mas com um pouco de boa vontade do espectador. E existe, claro, a tão falada prostituta de três seios, com tamanha fama que ganhou espaço até no remake, mesmo que o novo filme não inclua qualquer tipo de mutação em seu roteiro.

Lançado em 1990, mas com toda a pinta de produção oitentista, O Vingador do Futuro é um dos melhores exemplares na filmografia de Arnold Schwarzenegger, ator que sempre teve uma queda especial por produções que misturem ação e ficção científica. Assim como Paul Verhoeven, que tem, entre os melhores títulos de sua carreira, produções deste gênero, como Robocop e Tropas Estelares. Se já não bastassem todos os argumentos utilizados para convencer o leitor a assistir esta produção, vale mencionar que o filme de Verhoeven é infinitamente superior ao remake dirigido por Len Wiseman, com Colin Farrell no papel principal. Refilmagem essa que só deve funcionar para quem nunca viu o original. E olhe lá.

O Vingador do Futuro (Total Recall)*
EUA - 113 minutos - Ação - 1990
Dir.: Paul Verhoeven
Roteiro: Ronald Shusett, Dan O’Bannon, Jon Povill e Gary Goldman
Com Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone, Rachel Ticotin, Ronny Cox, Michael Ironside
Cotação Paradoxo: Vale 85% do ingresso

* Crítica publicada originalmente no site Papo de Cinema

Confira logo abaixo o trailer de O Vingador do Futuro:

Tropicália

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Mon, 08 Oct 2012 20:56:00 +0000

Divino Maravilhoso

Movimento dos mais importantes das artes brasileiras – não ficando restrito apenas à música, mas também ao teatro, às artes plásticas e até ao cinema – a Tropicália é digna de um registro documental completo, mostrando suas raízes, suas vertentes e seus ícones. Sabendo disso, o cineasta Marcelo Machado (de Ginga) gravou entrevistas interessantes com figuras centrais do movimento, como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, Arnaldo Baptista, Sérgio Dias Baptista, entre vários outros. Além disso, garimpou imagens históricas da gênese da Tropicália e montou um mosaico colorido, efervescente e emocionante sobre o período. Curto como a própria Tropicália, o documentário faz um belo passado a limpo do que mais importante foi realizado naqueles bombásticos anos de 1967, 1968 e 1969.

Com roteiro do próprio cineasta, ao lado do estreante Vaughn Glover e Di Moretti (de Nossa Vida Não Cabe num Opala, 2008), Tropicália começa com Caetano e Gil já exilados, tocando em um programa de televisão em Portugal. Depois de uma breve apresentação, é perguntado aos músicos se o Tropicalismo ainda existe no Brasil. A resposta, dada por um Caetano muito eloqüente, como de praxe, é categórica: um movimento só existe enquanto está em exercício. Como não era o caso, a Tropicália acabou. Registrando o seu final antes mesmo de contar sua história, Marcelo Machado escolhe por trabalhar o conceito do tropicalismo como um grande flashback. Um filme sobre a memória daquelas pessoas que fizeram a diferença naquele movimento.

Um dos grandes chamarizes em Tropicália é, obviamente, a música. Não é sempre que podemos conferir, com o som diferenciado das salas de cinema, músicas como Tropicália, Domingo no Parque, A Minha Menina, Baby, entre tantas outras. Machado entende a força de cada canção e trabalha de forma interessante, junto ao montador Oswaldo Santana, o momento certo para cada uma ganhar seu espaço. Portanto, logo de início, somos provocados com os primeiros acordes da música Tropicália, presente no disco de estreia de Caetano Veloso, lançado em 1967. A cada nova cena o espectador espera que ela continue, fato que só acontece depois de alguns bons minutos, quando a música explode, com cenas de filmes de Glauber Rocha, Rogério Sganzerla e outros cineastas da época. A edição e as cores utilizadas são lisérgicas, remontando muito bem a época psicodélica vivida por aqueles artistas.

Outro arrepiante momento musical do documentário é a apresentação dos Mutantes e Gilberto Gil no Festival de Música Brasileira da Record, com sua performance de Domingo no Parque. Além da bela montagem de fotos e vídeos que apresenta a banda de Rita Lee e dos irmãos Baptista, com Fuga Nº II ao fundo.

Neste primeiro momento, os depoimentos de Caetano, Gil e os demais representantes do movimento são colocados apenas em áudio, como uma informação adicional às imagens que vemos. A partir do segundo ato, quando os artistas começam a sofrer com os duros atos dos militares no poder, os remanescentes da Tropicália aparecem dando sua visão sobre os fatos. Podemos ver seus rostos envelhecidos, fazendo um grande contraste com a sua juventude um tanto inconseqüente.

Didático como os bons documentários geralmente são, Tropicália explica bem as idéias gerais do movimento, ouve as figuras mais importantes da época e consegue transmitir tudo isso de forma rápida, bem estruturada e contagiante. Feito para quem gosta de música brasileira ou para quem quer conhecer um pouco mais uma das épocas mais frutíferas da nossa MPB. É um documentário divino, maravilhoso, como Gal diria.

Tropicália*
Brasil - Documentário - 82 min
Direção: Marcelo Machado
Roteiro: Marcelo Machado, Vaughn Glover e Di Moretti
Cotação Paradoxo: Vale 98% do ingresso

*Crítica publicada originalmente no site Papo de Cinema.

Confira logo abaixo o trailer de Tropicália:

Resident Evil 5: Retribuição

noreply@blogger.com (Rodrigo de Oliveira) — Thu, 27 Sep 2012 00:29:00 +0000

Video Game

Resident Evil 5: Retribuição pode não ser um excepcional longa-metragem, carecendo de melhor desenvolvimento de personagens ou ao menos de uma história um pouco mais elaborada. Por outro lado, este novo capítulo da franquia deve satisfazer muitos fãs de vídeo games, visto que toda a estrutura narrativa do filme não esconde suas raízes. Alice, a protagonista vivida por Milla Jovovich, precisa ir do ponto A ao ponto B e, para isso, passará por diversos cenários virtuais e terá de eliminar muitos inimigos para ser bem sucedida. Parece ou não uma premissa para vídeo game?

Com roteiro e direção de Paul W.S. Anderson, Resident Evil 5: Retribuição começa exatamente onde o capítulo anterior parou. Após uma batalha sangrenta, Alice é presa pela corporação Umbrella, sendo mantida em cativeiro por Jill Valentine (Siena Guillory), sua antiga amiga, agora sendo controlada pela Rainha Vermelha, inteligência artificial que comanda aquele grupo do mal. Sem saber direito como, Alice é libertada e escapa da prisão. A protagonista não demora a descobrir que a pessoa que facilitou sua fuga foi seu arqui-inimigo Albert Wesker (Shawn Roberts), que necessita dos serviços de Alice para derrubar a Rainha. O problema é que escapar da Umbrella não será tão fácil quanto fugir da sala onde ela estava presa. A heroína terá de passar por diversos cenários criados pela corporação (que os utilizava nos testes do vírus zumbi) para sair daquele local. Para ajudar, Wesker envia reforços como os letais Ada Wong (Li Bingbing), Leon S. Kennedy (Johann Urb), Barry Burton (Kevin Durand) e Luther West (Boris Kodjoe), que pretendem facilitar a fuga de Alice e combater os zumbis e outras figuras que habitam aquele espaço – inclusive algumas figuras conhecidas do passado, como Rain (Michelle Rodriguez), Carlos (Oded Fehr) e James (Colin Salmon), em suas versões clone.

Pode se dizer muita coisa sobre Resident Evil 5, menos que se trata de um filme entediante. As cenas de ação começam já nos créditos iniciais – com uma bombástica sequência de ataque aéreo, inexplicavelmente executada em câmera lenta e de trás para frente – e não dão trégua para o expectador até o seu desfecho. São tiros, zumbis, monstros enormes, corridas e perseguições com carros, tudo em alta velocidade e barulhento como os fãs do gênero ação tanto gostam. Com isso, qualquer tipo de desenvolvimento em relação aos personagens centrais é deixado de lado para que exista maior espaço para a aventura. Ou seja, não espere compreender quem é Alice ou quem são seus amigos. Eles são apenas instrumentos para que a ação corra da melhor forma possível.

Por um lado, isso não atrapalha tanto, visto que muitos dos atores utilizados por Paul W.S. Anderson não conseguiriam atuar nem que quisessem. O melhor exemplo disso é a voluptuosa Siena Guillory, que deve ter umas dez frases no filme todo e não convence em pelo menos nove delas. Enquanto isso, o limitado Shawn Roberts continua com sua constrangedora imitação de Agente Smith – felizmente, aparecendo muito pouco para comprometer.

Por falar em imitação, Anderson não parece ter muito medo em pegar “referências” de outros filmes. Em dado momento, Resident Evil 5: Retribuição aproxima-se perigosamente do roteiro de Aliens: O Resgate, colocando Alice responsável por uma criança (uma espécie de filha postiça) enquanto ela foge de um monstro enorme, que a prende e a coloca em um tipo de casulo. Não bastasse isso, o cineasta tenta dar humanidade a Alice, mostrando um lado materno até pouco tempo desconhecido. Tenente Ripley? Certamente. Mimetizando em dado momento a elogiada trilha de A Origem e sempre com Matrix como uma referência de cabeceira, Resident Evil 5 presta, digamos assim, homenagens demais em pouco mais de 90 minutos de duração.

Novamente abandonando os zumbis por boa parte da narrativa, este novo capítulo da série Resident Evil continua o que os anteriores já vinham fazendo, cada vez mais se desvencilhando do rótulo de filme de mortos-vivos. Aqui, os vilões são a Umbrella e as aberrações criadas pela corporação. Os zumbis são uma parte pequena do todo. Curiosamente, os comedores de miolos estão na moda ultimamente e até soa estranho que os produtores de Resident Evil não aproveitem este bom momento para lotar a história com zumbis.

O que de melhor o longa-metragem de Paul W.S. Anderson oferece são as referências aos games. A narrativa é construída para parecer um jogo. Existem fases – cada uma ambientada em um país diferente, com direito a chefões e inimigos diferentes para cada uma – transições virtuais, novas armas ou poderes destravados a cada novo estágio, entre outros elementos pinçados diretamente dos vídeo games. O filme todo tem cara de um jogo de Playstation, desde a fotografia, passando pelos figurinos e pelos personagens do universo do game. Além de Alice e Jill Valentine, juntam-se à franquia velhos conhecidos dos jogos, que nunca haviam dado as caras no cinema. Ada Wong, Leon S. Kennedy e Barry Burton são exemplos disso, ganhando espaço nos filmes para a alegria dos fãs da franquia.

Apesar de ter visual de vídeo game e de se tratar de uma cinessérie em 3D, Resident Evil busca em um passado longínquo algumas referências para montar sua trama: os finais em aberto, que dão ganchos claros para a sequência. Característica marcante dos antigos seriados cinematográficos, que costumavam entreter as matinês dos jovens entre as décadas de 30 e 50, o desfecho que promete novas aventuras já virou marca dos filmes de Paul W.S. Anderson e, neste caso, parece chamar para a derradeira epopeia de Alice contra a corporação Umbrella. Ao menos, é isso que se espera depois de cinco movimentados filmes.

Resident Evil 5: Retribuição (Resident Evil: Retribution)*
Canadá / Alemanha - 96 minutos - Ficção Científica
Direção e Roteiro: Paul W.S. Anderson
Com Milla Jovovich, Sienna Guillory, Michelle Rodriguez, Aryana Engineer, Bingbing Li, Boris Kodjoe, Kevin Durand, Oded Fehr, Shawn Roberts
Cotação Paradoxo: Vale 70% do ingresso

* Crítica publicada originalmente no site Papo de Cinema.

Confira logo abaixo o trailer de Resident Evil 5: Retribuição: