Ópera y Humor

No aplauda, que no se escuchan mis gorjeos....

2017-04-18T17:36:00.001+02:00

En los conciertos de música clásica (o música culta), existe la norma de que entre números o movimientos de una misma obra, no se debe aplaudir, para no romper el clima, la atmósfera, la concentración de los músicos, etc, etc… Esa convención ha llegado a un nivel tal que incluso puede estar la obra recortada sin incluir todos los números que la componen, o sólo unos pocos de la misma que no tienen ni por qué ser consecutivos, que la norma prevalece. Se ha llegado a casos de conciertos que si incluyen varias piezas agrupadas o tabuladas en el programa de mano bajo un mismo compositor o estilo o cualquier otro criterio, se mantenga esta norma para todas las piezas de ese grupo. Todo lo que va junto no se interrumpe.

Vale, bien, sin problema... Pero mi experiencia me demuestra que esto se ha convertido más en un cliché social para intentar demostrar un supuesto mayor nivel cultural, que en un acto de respeto a la música, la atmósfera o los músicos, por dos razones principalmente. Si algún incauto comete el ademán de aplaudir, será inmediatamente increpado por unos chistidos incluso comentarios en voz alta, muchísimo más molestos e impertinentes con la música que unos agradecidos aplausos, dónde va a parar.

Pero la peor de las alternativas, hasta el punto de sonrojo y hasta la risa, es el aluvión de estentóreas y contagiosas toses, carraspeos y demás gruñidos guturales que hasta parecen hacerse con regodeo y afán de protagonismo. “Es el momento de las toses y lo sé. Y observen cómo domino la técnica…. Huahf, hauahff….. ejjjjjeeemmmmm”. Y no es posible que tanta gente esté de acuerdo en que aplaudir es pecado capital, pero tenga la necesidad imperiosa de rellenar el aburrido silencio con tal gama de bramidos y percusiones de mucosas varias en sus tractos respiratorios, sinceramente, mejor aplaudan.

Esta convención que se empezó a imponer en las salas de concierto del siglo XX, no ha llegado a inocularse en los teatros de ópera, por ejemplo, donde es habitual que tras un número emocionante y bien interpretado se ovacione, sobre todo a los solistas. Incluso perviven las peticiones de bis (repetición de un número), convirtiéndose en todo un acontecimiento cuando esto sucede. En las salas de concierto se conserva el bis como propina fuera de programa o repetición de alguna de las obras para agradecer o corresponder a los aplausos finales, llegando incluso a darse por descontado y como norma con independencia de la duración o fuerza de la ovación. Un bis de un movimiento en medio de una obra de concierto, como pasa con la ópera, hoy en día sería impensable.

Por el contrario, sí que es habitual y mucho más irrespetuoso desde mi punto de vista, el comenzar ese aplauso antes de que el número o la pieza finalice, con la orquesta (o el piano) aún sonando. Rara vez se protesta y sin embargo es mucho más habitual este aplaudidor precoz, que el que se atreve a hacerlo entre movimientos.

En cualquier caso, si tanto preocupa el respeto a las obras, a las atmósferas y climas (o clímax), a los intérpretes, el aplauso, como muestra espontanea de agradecimiento y reconocimiento, me parece el último de los problemas. Y mucho más placentero que los mencionados redobles de quejumbrosas y curtidas tráqueas, en mi humilde opinión, y si se trata de una cuestión de respeto, rara vez ganará el del índice en los labios. Aunque no creo que sea una costumbre fácil de cambiar, parecen muy satisfechos los chistadores en su actitud, no vendría nada mal un poquito más de naturalidad y sentido común en estas cuestiones. Para el postureo ya tenemos las redes.

Y nos pusimos estupendos con la música clásica

2017-03-31T16:02:00.000+02:00

Se ha difundido por varios medios una noticia según la cual

"En España se escucha un 30,84% más música clásica que en el resto del mundo"

y todos nos ponemos estupendos y sacamos pecho orgullosos.

A mí el dato me resultó bastante llamativo, como a cualquiera, y quise "verificar" la información.

Efectivamente, sólo leyendo la noticia te das cuenta de que el titular ya es bastante engañoso, pues es una estadística de la plataforma Spotify sobre el consumo de música de sus usuarios, no tienen una representatividad demoscópica per se. Por lo tanto debería decir algo parecido a

"Los usuarios españoles de Spotify escuchan un 30% más de música clásica que resto del mundo."

Pero esto da la impresión de que lo hacen un 30% más que cualquier otro país, afinemos otro poquito el dato:

"Los usuarios españoles de Spotify escuchan un 30% de música clásica por encima de la media del resto de usuarios."

Ahora sí parece que el titular ya no es una verdad a medias. Y ahora me pregunto: ¿Cómo se contabilizan la cantidad de música? ¿por tiempo? ¿por comparación con el resto de música? Pues parece ser que por el número de "canciones", o sea, de pistas, y cualquiera que conozca un poquito este género, sabe que esta manera de ponderar puede ser un poco injusta. ¿Es equivalente pinchar una vez en "Symphony No. 3 - Gustav Mahler" que en "Toma pepinaso - Letisia Sabatel"? ¿Empate? Al hilo de esto, algo que se utiliza mucho en la estadística web y aquí se ignora es el concepto de la visita única, o sea, cuenta igual un sólo usuario escuchando la misma canción 30 veces que 30 usuarios distintos escuchando esa misma canción una vez. Lo segundo llega a mucho más público y lo primero es un solo usuario recreándose en lo que ha encontrado.

Pero rebuscando más aún, veo que en el top de compositores de esta lista, tras el Maestro J. S. Bach se encuentra en el segundo puesto Ludovico Einaudi, el mismo que encabeza además la lista de intérpretes. Yo, que me considero un melómano, tuve que ir a buscarlo a google porque no lo conocía en ninguna de las dos facetas, cosa que me extrañaba. Y aquí lo tenemos:

https://www.youtube.com/watch?v=kcihcYEOeic

Tras escucharlo sigo atando cabos y veo que falta otro factor por considerar: se contabilizan las pistas que Spotify ha catalogado como música clásica según su criterio, pero lo único que tiene de clásica esta música, si somos serios, es que utiliza un piano acústico, pero yo a esto siempre lo he llamado música ambiental (para que no se me confunda con lo de "de ambiente"), o dicho más vulgarmente y con todos mis respetos, sí, "música de ascensor". Visto lo cual podríamos retorcer aún más el titular si no queremos faltar a la verdad:

"Los usuarios españoles de Spotify consumen un 30% de pistas catalogadas como clásica por la plataforma, (respiración asmática), por encima de la media del resto de usuarios."

Y tras colocar los datos en lo que son y en la realidad de la sociedad española, alguien que se considere periodista y más aún experto en música o cultura, si decidiera darle rango de noticia a esta estadística, debería de hacer un mínimo de análisis y no plantar el teletípo de manera que pueda vender más. Yo concluiría con que en España, aparentemente, existe una acusada utilización de la plataforma de Spotify para el consumo de música ambiental por encima de la media del resto de usuarios en número de reproducciones, explicando en qué me baso para llegar a esa conclusión. Pero colegir que en nuestro país se escucha más música clásica que en el resto del mundo por este estudio (estadística más bien), no se ajusta para nada a la realidad. Y ya de ahí colegir que somos más cultos por este dato, es una preciosa manera de engañarnos a nosotros mismos.

Y esto es solo una nimiedad dentro de las medias verdades que habitualmente nos ofrecen los medios (de ahí vendrá su nombre). Qué será con el resto de asuntos...

P.D. Ojalá y fuera cierto.

XLIII Certamen Coral Ejea 2013

2013-04-08T16:13:00.005+02:00

Crónicas personales del XLIII Certamen Coral de Ejea de los Caballeros, 2013:

- Festival de coros infantiles (6/04)

- 1ª Sesión de Concurso (6/04)

- 2ª Sesión de Concurso (7/04)

- 3ª Sesión de Concurso (7/04)

- Fallo del jurado y comentarios finales

Iré editando, corrigiendo y añadiendo fotos.

Crónica XLIII Certamen Coral Ejea (Despedida y cierre)

2013-04-08T16:06:00.001+02:00

Antes de acabar esta serie de "crónicas" me gustaría aclarar que todo lo que he desgranado y desgrano en este último mensaje son mis impresiones absolutamente personales, faltas de objetividad y basadas en mis sensaciones arbitrarias como uno más del público de un concurso. Ni tengo las partituras, ni un diapasón ni oído absoluto, y a veces ni relativo tampoco... Y soy muy consciente de que en el público existirá desde mi opinión a la totalmente contraria, toda la gama de distintas versiones posibles sobre lo ocurrido, y sé que la mía no tiene porqué ser más válida que la de ningún otro (ni menos, todo sea dicho). Si en alguna afirmación he sido muy categórico, es un intento de ser escueto, no que mis opiniones sean así de radicales ni piense que estoy en posesión de la verdad. He intentado hacer un ejercicio de sinceridad, siento mucho si alguien puede llegar a sentirse molesto con alguna de mis expresiones, pero creo que flaco favor hago a propios y extraños (y a mí mismo) si me dedico a ser condescendiente y por las dudas de mi objetividad dejo de decir lo que realmente yo he percibido, sentido. Espero que todos los que me lean sepan comprender el espíritu constructivo con el que hago este ejercicio y lo agradecido que le estoy tanto a los coros como a la organización por haberme hecho disfrutar tanto de la música vocal. Espero que aclarado este asunto, voy a narrar el fin de fiesta:

Tras bastante tiempo de espera (¿cual fue el problema?) se da lectura al acta del jurado donde se hace constar que es el primer año en el que las puntuaciones de todos los coros participantes tienen en valores absolutos nivel de coro premiado, esto es, que las diferencias han sido mínimas y el nivel ha sido brutal. El palmarés quedó de la siguiente manera:

Categoría ADULTO:

1er. premio: Oñati Ganbara Abesbatza

2° premio: Gaudeamus Korala (Gernika)

3er. premio: Coro "Ángel Barja" (León)

Categoría JUVENIL:

1er. premio: La Kantoria (Leioa)

2° premio: Orfeoi Gazte (S. Sebastián)

3er. premio: Antara Korai (Alcorcón)

Premio público: Antara Korai (Alcorcón)

¿Es justo este veredicto? Pues seguramente sí, pero injusto también. Dado el estrecho margen de calidad entre los distintos coros, en muchos casos las diferencias las habrá marcado la manera de ponderar cada uno de los aspectos técnicos de la ejecución, pero es el que es, para todos el mismo, y este ha sido el resultado de esa ponderación de los distintos elementos ¿Debe pesar más la afinación o la expresividad? ¿La fidelidad a la partitura o la dificultad técnica? El conjunto final no coincide exactamente con lo que más me gustó escuchar a mí, pero es lo más lógico ya que yo soy un aficionado que se mueve por sensaciones y que conoce las obras que conoce, pero la mayoría no y el jurado son profesionales de la música, con las partituras en sus manos... Hay mil cosas que no soy capaz de valorar en su justa medida.

El hacer una valoración por suma de puntos (desechando la mayor y menor) sin reuniones de deliberación (al menos eso es lo que yo tengo entendido) le otorga al fallo una gran garantía de objetividad e imparcialidad, pero impide que se hagan cosas extraordinarias como habrían sido necesarias en mi opinión si se quiere esa "justicia" del fallo y que sí existen en otros certámenes. Ha sido una edición para una abundancia de ex-aequos considerable, que así es imposible conceder (como si hubiese que declarar desierto alguno, imagino). Así la equiparación entre el palmarés de un año y otro tampoco tiene porqué ajustarse a unos estándares fijos. Bueno, cada certamen opta por un camino y el de Ejea es éste, eso se sabe antes de participar...

Algo parecido pasa con el premio del público. No tiene porqué ganarlo el que más ha gustado, sino que lo ganará el que más ha gustado en una sesión en comparación con los otros tres participantes de su misma sesión, no tiene porqué coincidir (no creo que sea el caso de este año, sinceramente creo que ha sido el que más ha gustado al público en su conjunto el acreedor).

Por cierto, gran polémica y con razón con el cambio de jurado. A lo mejor me estoy pasando y en lo personal no me convendría meterme en este lío y expresarlo públicamente, pero me llevé tal chasco con este asunto que no lo puedo dejar pasar por alto. Se cambiaron a dos miembros del jurado porque a la organización le llegó una queja anónima debido al trabajo de un miembro del jurado con uno de los coros participantes. Eso llevó a que otro miembro más advirtiese haber hecho lo propio con otro participante. Al sustituir a estos dos jurados se pone en tela de juicio la confianza y profesionalidad de dos personas que tienen sobradamente demostrada su capacidad, profesionalidad y honorabilidad más allá de toda duda. Además se mancha también a los coros implicados al sembrar la duda de que estaban intentando obtener mejores resultados de forma "desleal" o "ilícita". Esta norma no escrita que se ha aplicado me parece arbitraria y con la que no se ha conseguido nada positivo. Seguramente el veredicto habría sido el mismo o muy parecido, igual de justo o injusto, según se mire, que el que finalmente ha sido. Creo que ha sido un trago muy amargo y desagradable para muchas personas y este episodio tiene pinta de acabar pasándole factura al concurso por un tiempo considerable porque: ¿Ahora qué? ¿Se acabará escribiendo esa norma no escrita? ¿Qué se considera "haber trabajado" con un coro y qué no? ¿Se debe cambiar al jurado o descalificar al coro? Porque es que además ¿Qué profesional de la élite del canto coral no tiene relaciones profesiones y personales con las agrupaciones más elitistas y competitivas? Todo concurso nacional que quiera tener al mejor jurado y los mejores competidores tiene que aceptar que la mayoría de ellos habrán trabajado juntos y habrá grandes amigos, conocidos, colaboradores comunes... ¿O no los había en esta edición pese al cambio? Y no se me ocurre dudar de la limpieza, validez e imparcialidad del jurado. Si además se trabaja con un sistema de puntuaciones como el de Ejea, quien venga con dudas hay que mandarlo al cuerno, directamente, porque cuando se le da pábulo a este tipo de quejas, se da rienda suelta y cabida a injustas y arbitrarias cazas de brujas de las que sólo se recogen experiencias negativas para todos. No ha salido ganando nadie y se ha hecho mucho daño, como digo, a los implicados y al propio certamen y responsables.

Conste que no escribo ningún nombre propio de afectados e implicados en este asunto para que cuando alguien busque sus nombres en google, por ejemplo, no le acabe saltando en algún momento esta página con un capítulo tan impropio de todos ellos y nada me desagradaría más que eso, pero creo que todos sabemos a qué personas y coros me estoy refiriendo, ha sido muy comentado dentro y fuera del concurso y además, tampoco hace falta para dejar patente mi opinión sobre el asunto.

Lo que de verdad me parece una alegría, además del nivelón general, de lo fuerte que vienen pisando los jóvenes, dando lecciones a más de un adulto de lo bien que se puede llegar a cantar, es que miras el repertorio que los coros eligen para competir y lo ves plagado de grandes compositores españoles contemporáneos. Hay cosas que se hacen muy mal y vamos con mucho retraso con respecto a otros países, pero hay otras que se están haciendo muy bien. Pero que muy bien y lo de este fin de semana ha sido una nutrida muestra. La labor docente y la de los músicos compositores que han apostado por este género y tan altruistamente han hecho un repertorio tan valioso como el que pudimos disfrutar.... Eso ya empieza a dar sus visibles frutos. Y además casi todos grandes amigos, todos grandes pedazo de cachopanes con patas y enorme talento que tanto bueno nos han regalado y han dejado plagado el repertorio de nuestros coros tan hábilmente. Por aquí y por allá raro era el que no llevaba a uno o varios de ellos: Josu Elberdin, Javier Busto, Albert Alcaraz, Eva Ugalde, Xabier Sarasola... Y tantos otros. Es un lujo.

Pues esto ha sido todo. Muchas gracias a quienes me habéis prestado algo de atención, perdonad mis errores y espero que estos escritos sirvan a quienes no estuvieron para tener una referencia más sobre lo acontecido y a los participantes para tener otro punto de vista más a los que ya habrán recibido tanto en Ejea como a su regreso a sus lugares de origen, nada me gustaría más que esto sirviese de alguna manera como elemento de partida para reflexionar sobre el trabajo realizado, asentarlo, explotarlo y seguir recogiendo éxitos.

Crónica XLIII Certamen Coral Ejea (3ª Sesión)

2013-04-08T12:54:00.000+02:00

Ya con el cansancio a cuestas de unas maratonianas jornadas, vamos con la última de las sesiones.

-Gaudeamus Korala, (Gernika):
Hasta hubo revuelo en el público ¿Categoría adultos? Muchas cantores están en edad de coro infantil, no ya juvenil. Abren la boca y a ti se te abren los ojos como platos. Dulce, limpio, generoso, sincero, una tercera voz de tal seguridad y afinación que el coro se sostiene sólo, brillo y armónicos everywhere ¡Brutal! Cuando empiezan con la exhibición de glisandos imposibles de una disonancia perfecta no das crédito. Tal vez excesivo "ruido" en los ritmos de la obra de Alcaraz, en la de Stokes estaban más contenidos y no se "tapaban", mejor.

-Orfeoi Gazte (San Sebastián) Categoría Juvenil:
Pues sí, parecía el mundo al revés. Los peques de Gernika como coro de voces blancas a tres voces en categoría de adultos y en la categoría juvenil nos encontramos con un coro de voces mixtas con unos bajos que ya los quisieran muchos adultos. A ver, con esas edades no se puede ser un gran bajo, pero la cuerda en su conjunto tiene unas prestaciones inusuales para la categoría. Los matices impecables, a veces buena dicción en los hombres, tal vez en empaste flojeaban más. El mezclar las voces en una sola fila para el O Magnum mysterium de Victoria no sé si fue una buena idea. No creo que se ganase mucho más empaste con ello y se perdió algo de seguridad en tenores sobre todo. El fiato funcionaba peor en Victoria, pero en la última obra no se escuchó ni una respiración, muy bien hecho. Las dinámicas estaban muy bien calibradas en todo el repertorio. Demostraron tener fortes con poderío cuando hicieron falta. Después de la fiesta de glisando de Gernika, los de Gazte parecían peor controlados. El arreglo de "Funiculi-Funicula y Angelina" era muy bueno y complicado, pero daba la sensación de "facilón" desde fuera.

-Canticum (Alicante):
Parece un coro con poco bagaje aún, pareció que arrancaron un pelo bajos en la obligada. Lo que más me gustó fueron sus altos, mucha seguridad y redondez de sonido. Los tenores a veces se "escondían", muy tímidos y los bajos quizás un poco forzados en las partes más graves. Las sopranos siendo buenas no le hacían sombra a las altos. A ratos estaban algo machacones, como dicen por mi coro, "salchichón" (una nota, otra, otra, otra...). Es un coro pequeño y no pudieron hacer un despliegue de matices muy amplio. Algún portamento en hombres. Digan lo que digan, llevar carpeta a un concurso de este calibre es perder muchas opciones de entrada.

-La Kantoria (Leioa) Categoría Juvenil.
Basilio Astulez y sus coros son una referencia, y eso se nota y pesa. Entre que era el coro número 17 en unas 30 horas que algunos escuchábamos (o nº 13 en 22), la gran expectación-expectativa y el nivelón del resto de coros, el público se quedó un poquito "a medias". A eso añadir que los tres coros vascos de la sesión tenían un estilo y repertorio con muchas similitudes, con líneas en común, la variedad de otras sesiones se perdió un poco y la hizo menos amena. El repertorio era absolutamente de concurso, de exhibición de capacidades para salir airosos de pasajes que no están al alcance de casi ningún coro, pero eso les restó en empatía con el publico que estuvo bastante más frío que con otros coros. El sonido... ¡Qué decir del sonido de la Kantoria! Está en lo más alto por todo. Con Lojze Lebic algunos acabamos un poco saturados, pidiendo a gritos un acorde mayor, una consonancia.... Aún sabiendo a poco su actuación, impecables.

Siguiente y último post: Palmares y conclusiones. A ver si para la tarde lo tengo...

Crónica XLIII Certamen Coral Ejea (2ª Sesión)

2013-04-08T11:40:00.001+02:00

Nuevo "vuelapluma"con mis personales impresiones sobre la actuación de los coros en Ejea. Segunda Sesión de Concurso:

Siempre he pensado que cantar antes de la tarde debería estar prohibido, ser pecado o contener muchas calorías, dicho lo cual, vamos al lío.

-Oñatiko Ganbara abesbatza (Oñati, Guipuzcoa) :

Su gran baza es el empaste, aunque según mi punto de vista con esto se resiente el color es algo más oscuro, tiene menos personalidad y la dicción, que sigue siendo un hándicap. Mucha magia y musicalidad con Busto, Whitacre gustó mucho aunque a mi me dieron la sensación de estar por un lado los graves un poco forzados y por el otro los agudos con alguna fijeza, algo punzante de más. Sin llegar a oírse golpes de glotis, sí que percibo ciertos bloqueos/ataques con la garganta. La afición me sonó perfecta.

-Coro Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, (Las Palmas de Gran Canaria) Categoría Juvenil:

La primera impresión es que estamos ante un estilo de canto totalmente distinto al que estamos acostumbrados. Más sincero, más declamado, menos cubierto, más desenfadado. Para mí muy de agradecer, especialmente en la zona media. Para mi sus principales desventajas competitivas eran por un lado una puesta en escena/coreografía demasiado exigente, en su primera intervención era directamente un baile, el canto parecía relegado a un segundo plano. La adaptación gospel del hallelujah de Haendel fue una mala decisión para el concurso, por más que fuese una buena manera de que solistas se exhibieran en un canto lleno de energía, sobreagudos y ritmo más desenfadado. Si eso mismo se hace sin que Haendel estuviese debajo, habría menos recelos a la hora de valorarlo y aplaudirlo, sinceramente.

-Coro Gaos, (A Coruña):

Una de sus grandes bazas las grandeza de sonido, unos fortes realmente poderosos. Muy "valientes", especialmente tenores, me dió la impresión de que los bajos calaban algo la afinación. Las estampas de Aragon no se entendía bien, tiranron de "atrezzo" para explicarlas, muy gracioso y currado, pero debería ser innecesario: agacharse, levantarse... el canto se resiente. Mendelssohn y Gjeilo fueron una fuerte apuesta que tal vez se les fue de las manos. Es un diamante de coro pero necesita pulirse para mantenerse a nivel de "élite nacional", seguro que si siguen así acabarán lográndolo.

(foto accidentalmente eliminada)

-Coro Juvenil de la Escuela Coral Municipal de Torrevieja (Alicante) Categoría Juvenil:

Siento tener que decir que lo primero que llamaba la atención era la directora, debería cuidar esos detalles porque aunque pueda no creerlo, pasan factura. Empezaron con disonancias bastante complejas y bien resuelta, el color del coro es magnífico, muy redondo y lleno de armónicos, casi un coro adulto de voces blancas por su color y lirismo, con algún sobreagudo de exhibición bien colocado aunque percutido. Con la obra de Alcaraz demasiada puesta en escena, se perdía la estabilidad, se pierden las referencias... aunque por supuesto que el trabajo es MUY meritorio, demasiados aspectos musicales se resentían.

Y hasta aquí puedo leer. En general me gustó menos que la primera sesión.

Crónica XLIII Certamen Coral Ejea (1ª Sesión)

2013-04-07T11:00:00.000+02:00

Muy esquemáticamente mis impresiones, que tengo que salir del hotel ya:

-Arte Vocal (Villanueva de la Serena):
Color de sonido muy bonito, tenores especialmente bien, en la obligada máxima expresividad y fraseo. Problemas con la dicción y programa con ciertos riesgos. Muchos nervios les pasan factura a los solistas en "O salutaris hostias". Deben estar muy orgullosos de su trabajo, raro sería que no pincharan premio.

-Antara Korai (Alcorcón) Categoría Juvenil
Ovación de lujo para una actuación de lujo. Fue impresionante! Afinación, color, emisión, empaste, dicción. Estaba TODO y estaba PERFECTO.Nunc Dimitis de Alcaraz de quitar el hipo. Tal vez abusaban de los silencios, más propicio para la exhibición que para un concurso, pero chapeau! El Beatles Medley de Martín J. Rodríguez, fue toda una sorpresa para mí. Todo un "berenjenal" de arreglo del que salieron muy airosos. En su conjunto una actuación de disco, de cine, de lujo, probablemente lo mejor de la noche.

-Coro de Cámara de Extremadura:
Los coros de voces iguales suelen partir con desventaja en los concursos, ya que su paleta de colores es por definición menos holgada que un coro de voces mixtas. Sonido bello y elegante, les falta uniformidad y expresión. Disfrutando de los pianos y las disonancias, solistas muy bien, con voz muy abierta (sanamente abierta, está fuera) por contra el coro se pasa cubriendo y suena un poco a gola (especialmente graves) y, todo va de la mano, la dicción en castellano es imposible. Demasiada dramatización en su última intervención.

-Ángel Barja (León):
Buena disposición, bien de sonido, menos homogéneo en los bajos que le hacían perder algo de empaste al coro (tal vez menos círculo en la colocación habría fastidiado a los cantores y satisfecho al auditorio). Se podría decir que demasiado correctos en lo musical, falta expresividad y evidenciar/exagerar los matices, a veces un poco monótono, buscándole tres pies al gato, no acababan de destacarse las frases en su totalidad... Por lo demás, estupendos, sonidos de muchos quilates con T. L. de Victoria. La mejor dicción de la sección de adultos.

Vamos a seguir con la segunda sesión...

Crónica XLIII Certamen Coral Ejea (La previa)

2013-04-06T18:27:00.002+02:00

Pues aquí voy a desgranar mis opiniones (personales y totalmente subjetivas) sobre este certamen cuyo cartel de coros participantes es realmente apetecible. Me guardo para el último post mis opiniones sobre la organización y otras circunstancias.

Para abrir boca, Festival de coros infantiles, fuera de concurso. Muy bien el único coro no ejeano, el Griseras de Tudela. Chicos serios, con buena actitud y disposición. El sonido y la emisión tenían un empaque muy considerable para esas edades, cosa muy de agradecer. En las ocasiones que han intervenido voces solistas, muy pero que muy bien timbradas, un sonido realmente bello aunque el apago-enciendo micro les haya jugado alguna mala pasada, pero todos con la voz muy fuera (casi no habría hecho falta micro) y por lo general con muy buena afinación y calidad de sonido. También bravo por el percusionista, muy eficaz.
En general muy buen trabajo musical y vocal de su director, Pedro Pablo Garijo. Los peros:
En la versión de "Every breath you take" se escuchan portamentos a los que los chicos no deberían acostumbrarse. Precisamente en esa obra muy bien la segunda voz, pero en el resto había mucha imaginación, deberían pulirlas un poco más. Me ha parecido un coro con un grandísimo potencial, pero uno de sus grandes hándicaps es que el director es a la vez el pianista y así.... demasiado bien les salen las cosas. Con un pianista acompañante y el director dedicado en exclusiva a dirigir creo que este grupo ganaría muchos enteros, pero muchos, muchos, será como siempre una cuestión de recursos, una pena. Hasta la última obra no hicieron coreografía, pero con el director en el piano, es lo lógico. Otro punto flaco son los chicos que cantan en octava grave. Seguramente sean "exigencias del guión" y le estén haciendo un gran favor a esos chicos, pero si pudieran estar en una agrupación juvenil o usar su registro de cabeza, el grupo volvería a ganar en lo musical. Pero lo dicho, muy muy buen coro. En la última obra (Kuku ué de Eva Ugalde) un forte que a más de uno le hizo dar un respingo en su asiento... Bravo.

Los ejeanos comenzaron por el colegio PÚBLICO "Cervantes". La friolera de 96 voces (dividido en dos coros por edades, lo que le permite funcionar como 3 coros diferentes, el 1, el 2 y el 1+2). Aquí hay poco que criticar, porque el trabajo y la apuesta por formar en el canto y la música a los niños desde muy pequeños, merece de entrada un aplauso interminable. Muy, muy, pero que muy graciosos y tiernos los más pequeños, con una marcha de aúpa, se estaban divirtiendo a lo grande y esa diversión era contagiosa, imposible no sonreír viéndolos actuar. Cuando se añadieron los mayores más charanga, muy vistoso y complejo/completo, pero tal vez había demasiada coreografía. Los chavales parecían mucho más pendientes de ésta que de cantar, eso no me gusta nada. Eran muchos en el escenario y con los los movimientos de brazos se molestaban unos a otros.... Tal vez no era el sitio para hacer algo así, pero divertido, muy divertido. Después los "menos pequeños" hicieron muy buen papel, aunque en general sí que volvía a dar la impresión de que las coreografías requerían demasiada atención. También incluyeron en la última obra una dramatización por alumnos no cantantes que era muy graciosa y tiene su mérito por lo bien trabajada que estaba, pero sí, también distraía de la música y esas cosas a mi no me convencen normalmente.

Luego vino el del colegio PÚBLICO "Mamés Esperabé". Lo mismo que con el anterior, la crítica no cabe salvo algunos peros que creo que debo decir. Muy bien organizados, muy trabajados los detalles, el saber estar en el escenario, estupendo. PERO resulta que entre el acompañamiento hay una base rítmica de teclado MIDI. En mi humilde opinión, desmerece mucho el trabajo musical, de verdad, que es muy valioso y de muchos quilates. En la segunda obra, por ejemplo, hacen una introducción rítmica imitando a la lluvia (ACIERTO!). Cuando tiene que entrar la base musical primero suena la base rítmica del teclado y se va toda la magia (ERROR!). No quiero desmerecer el trabajo de las músicos acompañantes, que estuvieron correctas, pero un ritmo enlatado... desluce. Vocalmente impresionante, los tres solistas de la primera obra cantando desenfadados y a pleno pulmón, daba gusto verlo (y oírlos). Para la tercera obra la directora se puso un atril con la partitura con el mismo efecto... Están los chavales sin partitura, la obra no es complicada ¡Sigue dirigiendo de memoria! Para marcar a 2, no la necesitaba, un estorbo innecesario.

"Peros" a parte, es muy MUY meritorio un trabajo de COLEGIO PÚBLICO como estos dos han demostrado. Deben ser todo un orgullo para Ejea, por la implicación de sus profesoras, por las horazas de trabajo altruista que llevará todo esto, por mil cosas que significa el esfuerzo por inculcar una cultura musical y canora en los chiquitos; impagable. Impresionante. Te devuelve la fe. Si colegios así abundasen más...

Y bueno, con mucho orgullo por parte de la organización se presenta en su primer concierto Vocal Exea, la primera agrupación juvenil de la población. 20 chicas con voces algo tímidas (especialmente las primeras) pero MUY afinadas. Las segundas con voces más redondas y mejor sacadas, pero tal vez más calantes (a veces por arriba), pero muy bien, la verdad, el sonido no es muy grande pero es muy bonito. Tan bonito quieren cantar que alguna disonancia parecía que querían evitarla. De las tres obras hebreas (sin traducir, muy bien por ellas), las dos primeras con carpetas, si hubiera dado tiempo a memorizarlas habrían estado de capricho, los "intentos" de coreografía con la carpeta en las manos, no posible es... Tienen muy buena base y suena más a coro de cámara de voces blancas que a coro juvenil, sinceramente. A penas si llevan 3 meses de trabajo, por lo que enhorabuena, el proyecto tiene muy buena pinta.

¡Yo quiero un cachirulo!

Vamos a seguir que esta tarde es la primera sesión de concurso, seguiremos informando...

Cómo acabar con el director/a de tu coro (Reloaded)

2012-09-18T12:21:00.002+02:00

Hay malas y buenas prácticas en el canto coral, pero sólo unas pocas están especialmente indicadas para acabar con la paciencia del director/a más curtido. A continuación hago un recuento de las más efectivas:

1. Repetir el tono depués de que lo haya dado, si puede ser, ligeramente desafinado o con la nota de otra cuerda.

2. La partitura es tu trinchera, escóndete tras ella justo antes de las entredas, aunque si puedes permanecer en ella toda la obra, mejor que mejor.

3. Pídele permanentemente un cambio de voz o de sitio, aun cuando ya te haya cambiado.

4. Si quieres que te tenga una mejor consideración, lo mejor es dar la impresión de estar a punto de dimitir. Hacerle creer que le estás haciendo un favor personal también sube muchos puntos.

5. Durante el concierto, carraspea y aclara fuertemente tu portentosa voz en los silencios o interludios musicales, sobre todo los más delicados. Es la mejor manera de demostrar lo que te preocupa estar en perfectas condiciones para tu próxima entrada.

6. Después de haber hecho un pasaje largo, preguntar al director si tu Do grave estuvo afinado. Esto es especialmente efectivo si no tenías un Do grave.

7. Siempre que sea posible, canta tu parte una octava más aguda o grave de lo que está escrito. Esto es una excelente prueba auditiva para el director. Si se da cuenta, niégalo y asegura que debe ser un efecto armónico.

8. Cuando algo no salga bien, tu frase debe ser: "si es que el pulso no está claro".

9. Cuando cantes algo en otro idioma escoje de vez en cuando una palabra al azar y pregunta qué pronunciación de las dos que vas a hacer es mejor, teniendo especial cuidado en decir exactamente lo mismo las dos veces.

10. Un gran ejercio musical es intentar frasear un pasaje de forma diferente cada vez que lo cantes. Al director no le preguntes cuál es la forma correcta hasta cinco minutos antes del concierto, aunque ya te lo haya indicado él antes y hayas perjurado que lo entendiste.

11. Recuerda: apianar implica bajar el tempo. Para los mejores cantores incluso la afinación.

12. Si quieres realizar frases más expresivas, la mejor técnica es el portamentar entre una nota y la siguiente. En los ataques mejor empiézalos en una nota cómoda que te permita colocar la voz (a tu manera) y luego busca este recurso hasta lo más cerca posible de la nota correcta.

13. La expresividad que otorgan los portamentos es más que suficiente. Respira cuando lo necesites, si lo haces en medio de una palabra se notará menos que si lo haces entre dos palabras. El efecto que se consigue continuando con tu nota mientras los demás respiran, es impresionante. Si además la bajas un poco, puede ser de traca.

14. El que se va sin que lo echen, vuelve sin que lo inviten. Tu membresía es tan vitalicia como opcional.

¿Cual sería la número 15?

Algoritmo para elegir instrumento

2012-01-12T12:17:00.008+01:00

¿Quieres tocar algún instrumento musical y no sabes cual? Con este asistente podrás averiguar en pocos pasos cual es el que más te conviene.

Este documento es una traducción "aproximada". Espero en un futuro cercano hacer una versión más legible, mientras tanto, creo que esta puede valer. El original en inglés es el siguiente:

Espero que os sean de ayuda ;-).

Una buena traducción de los Carmina Burana

2011-09-29T11:06:00.003+02:00

De los Carmina Burana de C. Orff existen una gran diversidad de traducciones, pero todas ellas me resultaban en ciertos momentos poco comprensibles y con bastantes incoherencias, falta de rigor o con un exceso de licencias literarias poco documentadas o justificadas, al menos en apariencia.

Hace poco descubrí una traducción hecha por José García Illa al catalán y castellano. Esta traducción me pareció muy completa y documentada, mucho más comprensible, fiable y textual, explicando en todo momento el porqué de las licencias que se permite.

Así que nada, os dejo el enlace de la traducción que os explico y además de una edición propia de esa traducción pensada para cantantes de coros (bueno, realmente pensada para mí, pero supongo que os puede servir también a otros), donde he repartido el texto y sus notas por números, diferenciado entre partes de solistas o coro ragazzi de las partes de coro o coro piccolo.

Traducción original

Adaptación para coros

Espero que os sean de ayuda.

Carta Abierta al Teatro Real

2011-03-17T14:51:00.007+01:00

Anteriormente estimados señores del Teatro Real,

Soy un humilde (humildísimo) aficionado a la ópera, hasta la fecha habitual espectador de su teatro. De muy joven, aún con problemas para pagar el alquiler, siempre sacaba de algún sitio para hacer una escapada a Madrid para escuchar (que no ver) un par de óperas. Amo el género con locura, como casi toda la música. Hace unos 6 años años tuve ocasión de trabajar en Madrid y la proximidad con el teatro fue una de las razones de más peso para aceptar ese trabajo. Las penurias económicas se acentuaron, pero mis visitas al Real mucho más. No sólo eso: promoví la creación de una asociación de aficionados a nivel nacional que hasta hace poco presidí, con la que creamos una página web operística con un vivo foro, además de otorgar premios anualmente y en definitiva difundir este género de forma gratuita, con muchas horas de nuestro día a día dedicadas a esto por puro amor al género.

Con el pasar de los años tengo un armario lleno de los más diversos programas de mano, el 95% del teatro real, además de un montón de arrugadas entradas como resumen de mis continuas visitas. Y no sólo eso, conmigo he hecho que viniesen mis amigos, mi pareja, conocidos, familiares... cuando había un cumpleaños, unas navidades, mi regalo habitual (junto a un libro, película o disco) era una entrada para alguna ópera o concierto en el teatro. El regalo emocionaba doblemente: cuando se recibía y cuando se hacía uso de él. Llegué a conseguir un abono para mí y otro para unos amigos. Tampoco me pesaban las matrículas en los cursos sobre historia de la ópera y demás monográficos que desde el teatro se organizaban (y por suerte se siguen organizando).

El anuncio de que Antonio Moral sería sustituido por Gérard Mortier ya me preocupó, primero, porque Moral llegaba justo a su momento de mayor estabilidad de programa en un año que auguraba grandes éxitos que acabaron por ser grandísimos. No es que su programación estuviese exenta de baches, pero se acercaba bastante a un equilibrio estilístico, como también podía presumir de unos repartos en general muy apropiados y, habitualmente, de indiscutible renombre. Eso por no mencionar los ciclos de recitales, todo un lujo para poder escuchar a esos cantantes que por un motivo u otro, no se les haya podido encontrar sitio en las funciones de ópera.

Lo que más me preocupaba en sus numerosas intervenciones en la prensa tras ser nombrado (y antes de ser oficialmente el director artístico) es que empezó deshaciendo hasta donde pudo la temporada 2010/11, echando abajo el trabajo ya realizado por su antecesor, todavía oficialmente en el cargo en aquel momento. Además de esto surgían oficial y extraoficialmente los adioses de muchos famosos y queridos cantantes en Madrid, algunos por propia voluntad, otros sabedores de que el nuevo programador nunca contaría con ellos.

Muchos decían: “no critiquéis aún, que todavía no ha podido hacer nada”. Sin embargo sí que había hecho ya: prescindió de un director musical residente, dejando a una orquesta con algunos problemas en manos de directores itinerantes. Según el mismo intendente defendía, esto reduce costes –dato que ignoro pero me resulta, al menos, sorprendente – y aumentaría la calidad de la orquesta –discutible – . También decidió que la mejor manera de solucionar los problemas con el coro era echándolos impunemente y contratando un coro privado, operación que desde mi punto de vista, raya la ilegalidad.

El anuncio oficial de la temporada 2010/11 ya presagiaba grandes fracasos, pero otra vez se oía la cantinela de que “estáis juzgando antes de ver nada de su trabajo”. La página web del teatro cambió, borrándose todo el histórico de las anteriores temporadas del teatro, no sé todavía con qué intención. Yo decidí vender las entradas de mi abono, todavía confiado que en posteriores temporadas tal vez podría aprovecharlo. Poco a poco se fueron conociendo más cambios como el del personal de sala, una lástima y una injusticia igualmente, los programas de mano...

Abrió la temporada con una producción totalmente ajena al teatro. Orquesta, coro, cantantes, escenografía.... todo era del Bolshoi. No llegué a asistir, pero por lo oído y leído fue una gran decepción, una oportunidad de disfrutar de una ópera de repertorio, echada a perder por la calidad de la producción y los cantantes. Tras esto se siguió con un supuesto buque insignia. No sabemos qué se tuvo que “desprogramar” para este capricho/saludo inicial del nuevo director. Evidentemente la carísima producción de la fura fue un éxito muy celebrado, pero la calidad musical no hacía justicia a la partitura de Weill ni estuvieron a la altura, ni mucho menos, de la producción.

Podemos seguir desgranando los desatinos y fracasos de la presente temporada donde algunos pequeños reflejos de Moral la han adecentado. No seguiré porque no quiero que mi opinión personal sobre la calidad musical de unos instantes en concreto distraiga sobre lo realmente importante de todo este asunto que es el conjunto. En cualquier caso lo que sí que es indiscutible es que los recitales se han convertido un “regalo” del intendente a sus cantantes favoritos/amigos en lugar de ser lo que era, llegando en alguno hasta necesitar de amplificación electrónica (micrófono), el mayor enemigo de la técnica canora conocido.

Se ha intentado todo. Se promociona más que nunca el teatro: en prensa, televisión, Internet, se ofrecen charlas, conferencias (también on-line), los cursos siguen impartiéndose a gente muy interesada por el género, se hacen descuentos del 90% a gente con 30 años (antes 26), válgame el cielo, un precio simbólico, un “casi entra gratis” y aun así hay entradas sin vender. Me gustaría saber cuanto dinero se ha recaudado por venta de entradas (abonos incluidos) comparado con el año anterior, pese al aumento de precios estoy seguro de que es muy menor. Con sólo introducir algunos cambios, el público ha pasado de pelearse por las entradas, a intentar venderlas o regalarlas. Y lo que nos queda de temporada...

El caso es que desde el primer día de la temporada hasta hoy, sólo cuento con dos entradas arrugadas en mi montón (una de ellas con el sello de “último minuto”). La otra es del concierto-homenaje a Plácido Domingo. Si no hubiese sido por Teresa Berganza y alguna fugaz genial intervención, toda la expectación que generó aquel recital habría sido una de las mayores decepciones que recuerdo. Bueno, no quiero volver a despistar. El caso es que las entradas para ese concierto eran especialmente caras (carísimas) y fue una odisea conseguirlas. Como justificación constaba una nota (ya desaparecida) que rezaba más o menos: “los beneficios obtenidos por este recital serán destinados a fines benéficos”. Si ha sido así me gustaría saber, primero, cuánto se ha gastado y en qué, cuántos han sido los beneficios y, de haberlos, a qué fines benéficos se han destinado, porque hasta la fecha no me consta ninguna información al respecto. En el apartado de ingresos debería aparecer, además de las entradas, la parte proporcional de subvención pública y patrocinios privados que recibe el teatro y, si los hubiera, específicamente para ese recital, además de los derechos de emisión y grabación del recital (había planeado un DVD y las retrasmisiones en directo y diferido fueron excepcionales).

Si después de todo eso no hubo beneficios, me reservo el derecho de denunciar al teatro por estafa, pues el presupuesto estaba claro antes de ser organizado y habiendo vendido el 100% de las entradas se debería saber con antelación si cabía la posibilidad de beneficios o no. Si no se podía preveer beneficios, la nota es un burdo engaño. De existir y no haberlos destinado a ningún fin evidentemente benéfico, también se tratará de una clara estafa que pienso denunciar como víctima de la misma. Dios no lo quiera.

Ahora se anuncia la temporada 2011/12, ya calificada como 100% Mortier. Algún compromiso más se ha tenido que cancelar, las agendas se prevén con varios años vista. Por cierto, otro dato que sería muy valioso para ponderar la gestión de Mortier sería saber si por las cancelaciones de compromisos realizadas desde su entrada, se ha perdido dinero en indemnizar a los contratados.

La temporada, con unos mínimos conocimientos del repertorio y de los cantantes sí que puede prejuzgarse, al menos, de lo buena o mala idea que son algunas cosas. No voy a opinar, como se suele decir, “a toro pasao” de si son buenas o malas ideas, para mí lo serán o no independientemente de los resultados. Luego juzgaremos los resultados cuando los tengamos, cosa en la que no voy a entrar, no voy de pitoniso.

Como bien dice J. Fdez. Guerra en la revista docenotas (http://www.docenotas.com/noticia/7549/opini), la idea de que el público de Madrid somos intolerantes con la ópera posterior al XIX y que si nos sacan de las óperas tradicionalmente de repertorio protestamos porque somos obtusos y casposos aficionados, es una falacia sin fundamento que los defensores de esta temporada esgrimen sin conocimiento de causa. Óperas tradicionales de repertorio no habrán llegado a la decena en mis años como espectador del teatro. Como indica el artículo, se ha podido disfrutar de casi todo (¿o todo?) Janácek, todo Berg, Britten, Henze... La mayoría con notabilísimo éxito cuando se han hecho bien, por cierto. La Elektra con que se abre la próxima temporada es la tercera vez que se programa en las 14 temporadas de teatro, mientras que Traviata (supuesto paradigma de la ópera tradicional), una sola vez. Hay otros títulos que pueden ilustrar esta tendencia hacia programar con comedimiento el gran repertorio, pero gracias al borrado del histórico de temporadas de la web del Real, me cuesta en exceso recopilar los datos concretos.

Lo mejor de todo es que no creo que nadie se queje por tener otra vez más a Elektra en la temporada, podría ser un “mal menor” si hubiese alguna justificación de peso que motivase la programación de esta y otras obras además de la voluntad del director artístico. La programación no parece llevar ningún otro hilo conductor que le dé coherencia a la propuesta más que convertir al teatro en un teatro de rarezas.

Una de las justificaciones que el mismo programador da, es la de “dar un carácter europeo” al teatro. ¿Alguien me podría decir qué significa esto? ¿Es menos europeo Bizet, Gounod, Verdi, Offenbach o Donizetti? Por poner unos ejemplos. Por supuesto el barroco debe haberse desarrollado en la civilización Maya. ¿O con europeo se quiere decir anglosajón? ¿O no latino, directamente, que hay que ver lo poco europeos que somos? Yo, la verdad, no lo entiendo. Una de las imágenes que me vienen a la mente cuando oigo hablar de la cultura centroeuropea es la de un señor vestido de pingüino aplaudiendo aproximadamente al compás de la Marcha Radetzky. O los recitales de high-lights con amplificación electrónica. No creo que nos vaya a aportar culturalmente mucho este “carácter”, la verdad sea dicha. A parte de esto habría que plantearse si los teatros de París y Londres (por ejemplo) son europeos, porque según sus programaciones, comparadas con esta, no lo son en absoluto.

El mismo programador define su temporada como “exigente”. Por favor, explíquese: ¿exigente para quién? ¿Qué sentido tiene? ¿Cómo puede serlo? Tampoco lo entiendo del todo. O mejor dicho, no quiero entenderlo para su propio beneficio.

También defiende que se trata de una temporada “de calidad” y que atraiga a “nuevos públicos”. La primera premisa está por demostrar. No sé si se refiere a la calidad de los títulos (que la hay) a la de las producciones (que lo ignoro) o a la de los intérpretes (que en su gran mayoría lo dudo). Desde luego que como conjunto, sin independizar cada título, es inestable, sesgada, corta de miras y focalizada en un repertorio poco variado, además de apostar por ciertos espectáculos que directamente no son óperas ni ballets, experimentos a parte. La calidad de los intérpretes ha bajado muchos enteros si comparamos estos elencos con los del 2009/10, no creo que ganemos en este aspecto nada y sí se pierde bastante. Lo de los recitales no tiene ni punto de comparación posible. La segunda premisa también es una constante media verdad. La mayoría del repertorio es directamente posterior al “fin de siècle” o de las tendencias más vanguardistas del mismo, donde se crean nuevos lenguajes como respuesta a los preexistentes o incluso a las distintas ramificaciones que les son contemporáneas. Éstos leguajes, en su mayoría de gran complejidad, y el diálogo que se produce entre ellos y sus antecedentes, son ininteligibles si no se tiene un algo más que somero conocimiento del devenir de la música en los 300 años anteriores (incluso más). Lejos de abrir a nuevos públicos, el efecto lógico es que se reduzca a una minoría aún más acusada que el público de la ópera más tradicional, por no hablar de aquel que se acerca por primera vez al género, para el que le podemos crear anticuerpos si empezamos la casa por el tejado. Esto no significa que sólo haya que programar ópera para “no iniciados”, pero sí que habrá que saber guardar un equilibrio si de verdad nos interesa abrir la cultura musical europea a nuevos públicos.

Otra de las justificaciones que usó el director en la presentación es que “no se puede malgastar el dinero (un 44% público y un 56% de las actividades del Teatro) en costosas puestas en escena”. ¿Esta premisa justifica un acercamiento al repertorio menos tradicional? Pues creo que más bien es al contrario. Empezando por los derechos de autor, muchas óperas del siglo XX aún hay que pagar y no poco, por cada función a su autor o herederos. Igualmente el loable rescate de obras que han desaparecido del repertorio conlleva unos grandes gastos como fácilmente puede deducirse. Si hablamos de costosas puestas en escena, el mejor ejemplo es ese Saint François d’Assise que el director se empeñó en realizar en su primer año en teatro y cuyos costes harán que se replanté el escenario planeado (la Caja Mágica) por el Madrid Arena, como mínimo. Deberemos comparar el déficit que va generar este capricho con la más cara producción de cualquier ópera de repertorio hasta la fecha y ver si está justificado. Creo que el ahorro no es una razón que pueda justificar la elección del repertorio. Tal vez sí la de cantantes (no lo sé, no tengo datos), pero si lo que ahorras en contratos, lo pierdes por taquilla ¿tiene sentido?

Pero lo que definitivamente casi me lleva al delirio ha sido escuchar este snobismo de que “el patrimonio español no existe”. Sólo por esta declaración no merece ninguna responsabilidad cultural en nuestro país, para luego justificar que está presente a través de Mercadante (que la escribió estando en España) y Ainadamar que su protagonista es Lorca. Entonces ¿existe o no existe? Siguiendo esa simplista justificación (y como decía una conocida mía) podemos reclamar como óperas españolas integrantes de nuestro patrimonio Le Nozze di Figaro, Fidelio, Don Giovanni, El Rapto en el Serrallo (qué, hombre, la protagonista es española y su novio también), Don Carlo, Ernani, La Favorita y La Forza del Destino, para comenzar. Pero es que resulta que el patrimonio español no sólo existe, sino que además nada tiene que ver con estas zarandajas y en él los teatros españoles deberían ser referentes internacionales. Nada más lejos de las declaradas intenciones de éste director.

Cuando pensaba que la cuenta de despropósitos, desprecios y snobismos no era matemáticamente capaz de aumentar, me doy de bruces con la realidad.

Respecto a la escasez de artistas españoles en la programación, el intendente belga no ha dudado en afirmar que "ningún director de ópera ha hecho tanto" por los artistas españoles como él y ha criticado que, a pesar de las "buenas voces" que hay en España "falta estilo". "Cantan Verdi como Puccini y el estilo mozartiano es muy malo", señala. "Necesitamos crear una escuela lírica. Ese es mi sueño", ha añadido.

Vamos a ver: ¿cuánto es ese tanto y cómo lo demuestra? Porque se me ocurren varios directores que sí han hecho más que Mortier, directores de temporadas españolas y extrajeras, para más inri. La excusa para no contar a penas con ellos es que “cantan Verdi como Puccini” en una temporada sin ningún Verdi, qué más dará como canten Verdi los españoles, a pesar de que este tipo de generalizaciones no debería enunciarlas ningún responsable cultural que se llame “culto”. En cuanto al “y el estilo mozartiano es malo” tres cuartos de lo mismo. No creo que los cantantes de nuestro país se merezcan tal desprecio y tan falto de análisis como este gratuito ataque simple y llanamente para defender su fallida elección. Habría sido infinitamente más fácil, inteligente y constructivo (ojo, aunque no lo pensase), soltar un diplomático “por diversas causas ha sido imposible contar con todos los cantantes que me gustaría, agendas, repertorio, condiciones (...), pero conforme avancen las temporadas se irán incorporando pues existen cantantes españoles con grandes carreras con los que nos gustaría contar”. Pero no, lo ha dejado bien claro. Pero es más, añade que la solución pasa por crear “una escuela lírica”. O sea, no sólo nos tiene que decir qué escuchar y qué no, sino que además se permite el lujo de decir que los cantantes españoles tienen que reeducar su estilo según sus criterios canoros. Arreglados estamos, donde no basta con crear un público nuevo sino que además también hay que crear unos cantantes nuevos.

Las palabras del director del INAEM prefiero no comentarlas, porque, o están escritas antes de conocer la temporada, o ha mentido consciente, descarada y gratuitamente.

Todo esto ha hecho que un fiel y joven aficionado se dé por vencido. Ya no traeré a más amigos o familiares, ni pregonaré en mis escuetos desiertos las bondades del arte y la cultura que puedes llegar a albergar. Adiós abono, adiós teatro. Adiós lágrimas de felicidad, adiós cultura. Espero que esos “nuevos públicos” disfruten en tus imposibles butacas sin visibilidad lo que yo he disfrutado, a mí, últimamente, sólo me hacen sufrir y llorar de pena y nostalgia (y no han pasado sino unos meses).

Por todo esto, he creado un grupo en Facebook, para todos aquellos, que como yo, quieren que el teatro de la ópera de Madrid vuelva a intentar ser lo que fue y no un corralito donde unos cuantos campan a sus anchas, para todos aquellos que piensen que la cultura madrileña ganará con la dimisión de Mortier pero, especialmente, de quienes decidieron contratarle:

Por la supervivencia de la Ópera: Mortier dimisión

¡Que les vaya bonito!

El libro dorado de los Coros Aficionados

2011-02-08T13:46:00.007+01:00

Todas las frases que a continuación aparecen las he ido recopilando después del trabajo y/o conversaciones con varios maestros compositores y directores corales. Precisamente Ester Bonal suele decir antes de hacer una recomendación: “apuntad en vuestro libro dorado sobre los coros la siguiente frase bien grande...”, así que éste podría ser el resultado de hacerle caso. Las coincidencias en los conceptos de varios de ellos y la imposibilidad de ser todo lo textual que me gustaría, me ha impedido asignar cada frase a sus autor/es exactos. Entre otros, esta recopilación está inspirada y construida con las enseñanzas de maestros como:

Basilio Astúlez,
David Azurza,
Ester Bonal,
Javier Busto,
César Alejandro Carrillo,
Johan Duijck,
Josu Elberdin,
Ana María Raga

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El libro dorado de los Coros Amateurs

-Cantar en un coro no consiste cantar a la vez, sino en cantar juntos

-Participa en los ensayos y el trabajo de tu coro con una actitud de dar, no de recibir, acabarás recibiendo mucho más.

-Un nuevo compañero es la mejor noticia para un coro. Acógelo y ayúdale a integrarse y aprender lo más rápidamente posible, nunca lo apartes ni lo aísles en ningún sentido.

-Cantar no es una cuestión de edad, sino de actitud y energía

-La actitud con la que atender los problemas que puedan tener nuestros compañeros debe ser la de entender, no la de juzgar.

-Estás en un coro porque es una actividad que te gusta y te realiza, es una suerte contar con un grupo con el que poder hacerla, así que practícala como tal.

-Eres parte de un grupo, de un equipo, sólo será necesario destacar como individuo cuando el equipo (el entrenador) te lo pida.

-La “equipación”, la estética, tu colocación, la manera de salir y entrar al escenario o los movimientos durante el canto también son aspectos importantes e identificativos de los grupos, no faltes a éstos ni los consideres secundarios.

-Si tu director te pide que aprendas algo de memoria, es porque es realmente necesario, continuar con partituras significa que aún no conoces la pieza y, por lo tanto, no podrás interpretarla en el escenario.

-Tómate en serio los calentamientos. Aunque no lo llegues a notar inmediatamente, tu salud vocal y tu calidad como cantante están en juego.

-"El cantor no debe deslumbrar: debe alumbrar" Atahualpa Yupanqui.

-Si quieres ser un buen cantor, cuídate como tal. Los deportistas amateurs también cuidan su físico y tienen cuidado de no dañarse su cuerpo para poder realizar su actividad lo mejor posible.

-Los ensayos son la cocina donde se prepara el plato final que es la actuación: hasta la ensalada más sencilla debe prepararla el cocinero con todos sus ingredientes.

-Siempre se puede aprender y mejorar. Participa con ese ánimo en todas las actividades formativas que organice tu coro, incluso procúrate tu propia formación musical y canora fuera del grupo, aportando después tu experiencia y conocimientos adquiridos a tu grupo.

-Lo mejor es evitarlo siempre, porque si faltas a un ensayo obligarás a tu director a repetir su trabajo cuando vuelvas. Procura para entonces haberte informado de qué se ha trabajado en tu ausencia y qué indicaciones ha dado el director para facilitar su trabajo, el tuyo y el del grupo. Si no tienes responsabilidad al respecto, no deberías preocuparte por las razones de las ausencias de tus compañeros sino en ayudarles a ponerse al día.

-El lápiz es el mejor amigo del músico. "Más vale un lápiz corto que una memoria larga". Las partituras plastificadas son un engorro para las anotaciones durante los ensayos, para el concierto llévalas según la norma de tu coro o las instrucciones de tu director.

-Cuanto más estudies las obras antes y después de ensayarlas, mejor te irá a ti y a tu grupo. Serás además de gran valor para el compañero que no haya podido hacerlo. El ensayo no es el momento de estudiar las obras, es el de trabajarlas; además de entrenar la voz y el sonido.

-Si limitamos nuestro nivel de exigencia al que percibamos del resto de compañeros, el nivel de exigencia del coro tenderá siempre a la baja (seguramente por un problema de percepción). Exígete siempre lo mejor de ti mismo y el nivel del grupo siempre irá en alza.

-La actitud en los ensayos también puede verse y modificarse en tu postura corporal. Una cosa es estar sentado y otra inclinado en el respaldo. Una cosa es mirar la partitura y otra agachar la cabeza, el atril es una magnifica herramienta pero tampoco para esconderte tras de él. [Johan Duijck decía: “recostarse es el primer paso para morirse”]

-Es una suerte estar en más de un coro si el trabajo que haces en uno no torpedea el que haces en el resto. Admira y valora a los compañeros que han sido capaces de conseguirlo.

-Tu antigüedad como miembro del coro no te da más derechos que a los que llevan menos tiempo, ni te arma de razón. Tu grado de experiencia servirá para compararte contigo mismo, pero no con el resto de compañeros.

-¡Vamos a pasarlo bien!

J. Ángel Treviño

Diccionario Tomellosero-Español. V2.0

2009-05-08T15:29:00.053+02:00

DICCIONARIO TOMELLOSERO - ESPAÑOL v2.0
DECIONARIO DEL PUEBLO PA QUE NOS ENTIENDAN LOS FORASTEROS (corregío)
(Actualizado a la v2.9 ya na menos)

Objetivo Cumplido. Todas las definiciones están cargadas y actualizadas en LA TOMEPEDIA

También puedes estar al tanto de todas las novedades en el Feisbu de La Tomepedia

Misa de la coronación de Mozart

2008-07-30T09:36:00.001+02:00

El 25 de Agosto toca volver a cantar esta maravillosa obra, y para darle un repaso como es debido he encontrado unos vídeos donde la partitura está sincronizada con la interpretación, ideal para repasarlo y asegurar cosas.

Que lo disfrutéis

Kyrie

Gloria

Credo

Sanctus

Benedictus

Agnus Dei

Nueva temporada teatro real

2008-03-13T15:16:00.013+01:00

Anunciada la temporada del Teatro Real, vamos a verla un poquito más en profundidad. Tiene grandes altibajos, si bien, en los repartos, han sido especialmente buenos, el repertorio sí que tiene momentos algo frustrantes… Vamos a verlo, pero agrupado de otra manera. Vamos a empezar por las óperas de gran repertorio.

Empieza la temporada con un gran Verdi: un “ballo in maschera”. Sólo acto para grandes cantantes a la mejor usanza del siglo XX, es difícil encontrar un buen reparto. El primero parece tener garantías de éxito, con Marcelo Álvarez como primer tenor. Para mí, este argentino es uno de los pocos líricos con el estilo y la fuerza necesaria para abarcar el gran repertorio italiano más tradicional. Ya hizo hace dos años, creo, una Luisa Miller que me dejó alucinao haciendo pasar desapercibida a la Celodins. Muy bueno. Amelia lo cantará Violeta Urmana, una soprano dramática que recientemente se llevó el gato al agua en sus Giocondas, un vozarrón tremendo que no olvida el buen gusto y el fraseo Y por último el Renato de Carlos Álvarez, barítono que tuvo un inicio espectacular y que de un tiempo a esta parte ha tenido demasiadas dudas. De muestra, unos botones:

-Marcelo Álvarez cantando el aria del Werther, “Pourquoi me reveiller?”

-El mismo en “E lucevan le stele” de Tosca….

Caaaa!!!!

-Violeta Urmana en “Suicidio” de la Gioconda,

-Carlos Álvarez en el famoso aria del Scamillo de Carmen:

Fechas del primer reparto:

28 de Septiembre, 1, 4, 7, 10, 13, 16 y 19 de Octubre

“Katia Kabanová” de Leos Janáček, es el siguiente título que podríamos calificar de repertorio, si bien un Janáček no es un Puccini, esta es una gran obra. Algo dura para neófitos pero con una orquestación rica y emocionante pero desde luego que nada clásica, que sí culta. Tiene un primer reparto que a priori es excepcional para esta obra, pero que yo conozca y que tenga ganas de escuchar, sólo una, la soprano finlandesa Karita Mattila, una de las más prestigiosas interpretes de la actualidad que viene por primera vez a Madrid y no quiero perder la oportunidad de escucharlar… La escenografía es de Carsen, del que no me suelo fiar, pero tal vez para este título sí que sea un buen director de escena.

-Karita cantando el Aria de la Luna de “Rusalca”

Caaaaaaa!!!!

Fechas del primer reparto:

2, 5, 8, 11, 14, 17, 20 y 23 de Diciembre

“Tannhäuser”, es el Wagner de la temporada, una producción de la Ópera de Los Ángeles. No conozco sino muy someramente la obra y los repartos me suenan a chino, pero me han garantizado que son high quality 100% en el repertorio wagneriano. Destacar la participación de Felipe Bou, persona que me es muy grata.

Fechas del primer reparto:

13, 17, 21, 25, 29 de Mazo y 2 de Abril

“La Damnation de Faust” de Berlioz es un operón como la copa de un pino…. Que por desgracia nos traen en versión de concierto, con escena puede ser un espectáculo inenarrable. Pero en fin, nos dejan sólo con la música que no es moco de pavo, y con un único reparto muy equilibrado, y el refuerzo del Coro Nacional de España. Olga Borodina, Piotr Beczala, Ildar Abdrazakov y Simón Orfila. No os explico nada, mejor lo vemos:

-Olga Borodina cantando con Domingo la maravillosa “Mon coeur s'ouvre a ta voix” de "Samson et Dalila" de Saint Saens (el aria no empieza hasta el minuto 4 + o -)

-El Aria de Tamino, de “La Flauta Mágica” de Mozart, por Piotr Beczala:

- Simón Orfila en “Despierta Negro” de “La tabernera del Puerto” de Sorozabal:

Sólo los días 7, 10 y 12 de Mayo.

Y llegamos al espectáculo, a la traca final, con tos los cobetes…. “Rigoletto” con tres enormes del canto para cada papel principal, increíble. Lo que más llama la atención es el enorme Juan Diego Flórez como Duque de Mantua. Es su primera incursión en el repertorio Verdiano y, no es tonto, lo hace con un papel que exige sobre todo agilidades en el agudo pero no tiene grandes momentos dramáticos de los que se encarga principalmente el Baritono y a ratos la soprano, un papel casi belcantista para lo que es Verdi y una buena idea para empezar a abrir repertorio. Pueden ser funciones históricas. El segundo Duque es José Bros, qué decir de él, es, junto a Flórez y Marcelo, de mis tenor predilectos, oirlo siempre ha sido una experiencia embaucadora de principio a fin y por sus origenes belcantistas, como Juan Diego, puede dar mucho que hablar, sólo que Bros sí que tiene experiencia en este tipo de repertorio. El tercero es Francesco Meli, a quien no conozco, pero no es ningún cualquiera, cuidadito…

Rigoletto será cantado por Roberto Frontali que se está hartando a hacer Verdis en España e Italia, con algún escarceo por Centroeuropa, Zeljko Lucic, tres cuartas de lo mismo pero al revés, hartito de barítonos Verdianos en Alemania y USA con algún escarceo latino. Y el grandísimo Leo Nucci, con 65 años ya sigue siendo la referencia en el repertorio, el más gran Verdiano de nuestro tiempo, y lo que son las cosas, al revés que otros cuanto más mayor es, mejor canta, imprescindible.

Gilda es un papel bastante pavisoso, pero que necesita a la soprano llena de matices y ligerezas para convertir la función en un éxito. Patrizia Ciofi, Mariola Cantarero e Inva Mula serán las tres gildas. Ciofi hizo un Tancredi que no puede escuchar al final, Mariola Cantarero, a pesar de su a ratos acentuado vibrato, es una de las mejores voces que jamás he escuchado por fraseo y gusto cantando y estoy totalmente enamorado de Inva Mula, la Albanesa que me atrapó hace más de dos años con una Boheme espectacular, me mató con en Los Cuentos de Hoffmann del año pasado, y dentro de poco me va a enamorar en el recital del ciclo de grandes voces de este año.

Los ”emparejamientos normales” serán: (todo en Junio)
-Flórez/Frontali/Ciofi 3, 6, 9, 12 y 18
-Bros/Lucic/Cantarero 4, 8, 11, 14, 17, 20 y 23
-Meli/Nucci/Mula 5 y 10
-Meli/Frontali/Mula 16 y 22

y…. ATIENDE!!!!!

-Flórez/Nucci/Ciofi 15 y 21

Funciones de infarto, yo me voy a gastar el sueldo de Abril enteretico, dredelaborerboso….. para las funciones del 15 y el 21 va a haber auténticas tortas….

Pero tampoco me pienso perder a Mula y Nucci juntos, ni tampoco a la Cantarero y Bros…. Y porque no hay funciones con Florez y Mula, que si no también me plantaba….

Vamos a pasar envidia…

-Leo Nucci con Luciana Serra, el dúo final del tercer acto de “Rigoletto”, “Sì, vendetta”:

-Juan Diego Flórez probando el Duca en un recital con el archiconocido “La donna è mobile”:

-José Bros cantándose el “Ah mes amis” de “La fille du regiment” (el aria de los 9 does):

-Patrizia Ciofi en el "O mio babbino caro" de “Gianni Shicchi”:

Para este tenéis que hacer click AQUÍ

-Mariola Cantarero nada más y nada menos que el “Addio del passato” de "La Traviata":

-Inva Mula en el papel:

Casi na….

Y finalizan con “Las bodas de Figaro” de Mozart, también interesante, con dirección de Emilio Sagi. Aquí destacaría a Barbara Frittoli como Condesa de Almaviva, Isabel Rey como Susana y Carlos Chausson como Dr. Bartolo, o el secundario de Enrique Viana, Don Curzio, hará reír de todas, todas. Ni al Code de Almaviva (Ludovic Tezier) ni al Figaro (Luca Pisaroni) los conozco, pero parecen ser habituales en el repertorio mozartiano. Algunos videos:

- Frittoli como Aida “Ritorna Vincitor”:

-Isabel Rey en su papel “Deh vieni non tardar”:

Días de primer reparto:

11, 13, 16, 18, 23 y 26 de Julio

Ahora están las cosas raras, que son:

"Il Trionfo del Tempo e del Disinganno", que es un oratorio de Haendel, para el que le guste el barroco puede estar bien. No es una orquesta historicista, sino la titular del Real, pero el director es una garantía, Paul McCreesh. El reparto está lleno de especialistas y para mí el atractivo son Isabel Rey y Vivica Genaux compartiendo escenario. Por cierto, quiero poner una rareza de esta última, cantando zarzuela,

-ni más ni menos que de la Tempranica, pronunciando mucho mejor que muchas españolas, eh, atiende:

Días del primer reparto:

2, 4, 6, 9, 11, 14 y 16 de Noviembre

He tenido muchas dudas sobre si poner o no a “The Rake’s Progress” de Stravinski en la parte de repertorio o en las cosas raras. Al final está aquí, porque para un neófito puede ser una salvajada, pero es de las cosas más interesantes que van a poner la próxima temporada. El pero en el reparto lo pongo con María Bayo, que a mí personalmente no me gusta, y cuando me parece que no lo está haciendo mal, me duerme. Pero para gustos colores. Toby Spence es un tío a descubrir y Ewa Podles es impresionante de buena, sólo por ella merece la pena ir.

Pero también por la obra, creo que es una música que bien merece una escapada del repertorio más habitual.

Al hilo de esto se ha hecho un programa con obras más pequeñas de Stravinski en versión de concierto, a cargo de los solistas, coro y orquesta del teatro Mariinski de San Petersburgo, con la genial batuta del ya histórico Valery Gergiev. Las obras serán “Le Rossignol” y “Oedipus Rex”.

Será los días 20 y 21 de Enero.

Después se vuelve a Haendel, con “Tolomeo, Re d’Egitto”. En versión de concierto y con especialistas en barroco y orquesta barroca. Sólo apto para barroquistas de verdad. Destacar la dirección de Alan Curtis.

Y seguimos con música barroca, “Il Ritorno d’Ulisse in Patria” de Monterverdi, sí, vamos, el tío que inventó la ópera. También plagado de especialistas, con orquesta borraca, pero esta, versión escenificada. Por cierto, es la primera vez que se interpreta en España. Hay un buen amigo que dice que bueno, que de momento nos ha ido muy bien sin esta ópera, que podíamos haber seguido así, y aunque simpatizo con el comentario, sí que para los más estudiosos y especialistas, esta es una obra clave. Allá cada cual….

Del resto de cosas ni comento…

Hay un ballet para mí destacable, “Romeo y Julieta” de Prokofiev por el Ballet de Stuttgart. Yo no le he cogido el gustillo al ballet, pero esta obra es la excusa perfecta para hacer una incursión.

Y pasamos al ciclo de Grandes Voces, este año tenemos:

Joyce DiDonato (3 de Dicembre)
Una de las Mezzosoprano más en boga del momento. Realizará un recital de Obras de Haendel con orquesta barroca. Aún no me convence, pues va muy lejos de mi repertorio, más para un recital.

Ben Heppner (23 de Enero)
Es uno de los tenores wagnerianos más valorados. En la temporada 2006/07 canceló un recital en el descanso que casi no tendría que haber empezado. Se comprometió a buscar una nueva fecha para compensar y parece que es ésta. Procurará estar al 100% en este recital con obras de Beethoven, von Weber y Wagner.

Nina Stemme (28 de Abril)
Otra wagneriana, se a consolidado como una de las grandes promesas (cumplidas) del panorama internacional, abarcando con mucha solvencia papeles de Verdi o Strauss. Precisamente este recital estará dedicado a Strauss y Wagner. Tengo muuucho interés en escucharla.

Cristina Gallardo-Domas y Marcello Giordani (21 Julio)
A Cristina la adoro, puccinia que no tiene igual, arte, potencia, emisión, emoción, dulzura…. Ains… qué cosa! Ya le escuchamos la arrolladora Butterfly donde no había quien le tosiera. Por cierto, cuando fui a saludarla después de la ópera, pasó a su camerino Antonio Moral. Yo me dije "éste le va a proponer que cante en el ciclo de grandes voces...". ¡Bingo!

A Marcello Giordani no le he escuchado, pero parece que va a merecer la pena:

Y el ciclo y la temporada acaban con un concierto de lo más popular: Placido Domingo y Rolando Villazón (30 Julio) con “Amor, vida de mi vida”, un recital de arias y dúos de Zarzuela con la orquesta del Real. Domingo nos regalará principalmente papeles baritonales y Villazón se encargará del registro agudo. Verlos juntos es curioso, pues siendo Plácido incomparable, el timbre de voz de Villazón “busca” ser el de Domingo, y es casi como escuchar al mismo cantante haciendo dos voces a la vez…. Pero en fin, que es un conciertazo seguro, a ver si se pone las pilas Rolando y está al más alto nivel.

-Domingo y Villazón cantando el Brindisi de la Traviata con Anna Netrebko:

Del resto de espectáculos, el que me llama especialmente la atención es “Rossiniana, Alta en Calorías”, de Enrique Viana, que la temporada 2006/07 ya estuvo programado y este año repite. Segunda oportunidad para verlo el 27, 28 de Febrero y 1 de Marzo.

Y esto es to, esto es to, esto es todo amigos….

Alfredo Kraus

2007-10-22T11:16:00.000+02:00

Alfredo Kraus, Alfredios que dirían algunos. Uno de los tenores más peculiares e impecables del pasado siglo XX. Profesional como él solo, una técnica absolutamente personal, pero purísima. Lo tuvimos entre nosotros desde el 24 de noviembre de 1927 hasta el 10 de septiembre de 1999, dejándonos casi con las botas puestas. Fue siempre muy precavido y mantuvo el repertorio que mejor sabia hacer, prefirió para mayor gloria de muchos papeles operísticos, la calidad a la cantidad. No obstante unos de los primeros registros sonoros (1954) registraron arias que de ningún modo formarían parte de su repertorio. A saber y a escuchar: Vesti la giubba

Y Celeste Aida:

Dentro del mundo operístico fue especialmente conocido un año después de su gran debut en el Teatro Real de El Cairo, cuando interpreta el Alfredo de La Traviata junto a María Callas en el Teatro Sao Carlos de Lisboa en 1958, funciones de las que recientemente han salido a luz unas grabaciones de bastante mayor calidad al hasta hace poco conocido como único registro. El dúo del primer acto:

En España consigue "mediatez" protagonizando la película donde interpreta al tenor navarro Julián Gayarre. El Zorcico de Ruiz de Luna en la película:

En su juventud participó en una tuna, tal vez por eso siguió popularizándose él y la canción Amapola, justo un año después del estreno de Gayarre, 1960:

Pero si destacaba en algo por encima de cualquier otro género, era en el Bel canto. García Navarro dirige la orquesta que le acompaña en el famosa aria de los 9 Does de la Fille du Regiment. Insultante facilidad, sin el menor cambio de tímbrico entre graves y agudos. Incluso en el video se puede oír el rever de su emisión en un teatro. Uno de los momentos operísticos más impresionantes que por los mundos del youtube se pueden ver:

Destacadísima fue también la actividad zarzuelística de este gran tenor, dándole al género un brillo absolutamente lujoso e incomparable, todo un privilegio para los aficionados a él. Uno de sus últimos (sino último) conciertos fue el 21 de Febrero del 98 en el Teatro Real de Madrid, a sus 70 años se canta este "No puede ser":

Cómo hemos dicho, no era normal que se saliese de su repertorio, menos aún del género lírico, pero con su clase y su voz desde luego que podía permitírselo con todas las de la ley. En 1990 graba esta versión de Alfonsina y el Mar:

Para despedirnos un momento único, quizá demasiado íntimo y no apto para personas sensibles. Me congoja hasta lo indecible y tal vez por lo personal que resulta, no estoy muy seguro de que deba ser difundido, pero da clara muestra de quién era y lo que podía llegar a hacer. Año 1992, en Santiago de Chile ofrece un recital. Uno de los bises que ofrece al entregado público es una arrebatadora versión del tango "El día que me quieras" que poco antes del final tiene que dejar de cantar por la emoción.

Muere Lucciano Pavarotti

2007-09-06T11:48:00.000+02:00

Hoy nos ha dejado Luciano Pavarotti, uno de los más grandes tenores del pasado siglo. El sol del mediterráneo entero hecho voz y el mar océano. Se ha ido Rodolfo, dejando viuda a, entre otros muchos, su Mimi, Mirella Freni, que fíjense lo que es la vida, fueron amamantados por la misma ama de cría en Móneda.

Triste día, hoy no toca cantar en la ducha, ni en ninguna parte. Hoy sólo se puede escuchar, aplaudir y, porqué no, brindar por este genio que a tantos paletos nos ha enseñado lo que es la ÓPERA así con mayúsculas. Mil ejemplos se pueden poner de su cañón de voz, de su musicalidad, de su buen gusto, su fraseo, su “italianidad”.

Verdi, Donizetti, Puccini, Rossini, Bellini, amplísimo repertorio, pero con pocas salidas de estilo. Sirvan estos clps de ejemplo:

Tenor que tenía ganado por derecho propio un ocaso tranquilo y feliz, una dura enfermedad se lo ha arrebatado. DEP.

¡Viva la ópera!

Una de chistes

2007-08-30T14:56:00.001+02:00

Pues para amenizar esto un poco, una recopilación de chistes sobre músicos, especialmente dedicados al mundo coral.

¡Se admiten colaboraciones! ¡Ponga su chiste como comentario!

¿Cómo hace un joven para hacerse miembro del coro universitario?
Entrando, en el primer día de clase, en el aula equivocada.

¿Cuál es la diferencia entre Dios y un director?.
Dios sabe que Él no es un director.

¿Por qué un director es como un condón?
Porque con él es más seguro, pero sin él es más divertido.

¿Qué es un asistente de director?
Un ratón que aspira a ser rata.

¿Cuál es el peso ideal de un director?
Alrededor de dos kilos, incluida la urna.

Qué es una transposición: el acto de mover el tono relativo de una pieza de música desde que es demasiado bajo para los bajos hasta un punto donde es demasiado alto para las sopranos.

¿Cómo consigues que a una soprano le brillen los ojos?
Metiendo una linterna en su oreja.

¿Cual es la diferencia entre una soprano y una cobra?
Una es mortalmente venenosa, la otra es un reptil.

¿Cómo hace una soprano para cambiar una bombilla?
Sostiene la bombilla espera a que el mundo gire a su alrededor.

¿Y cuántas sopranos se necesitan para cambiar una bombilla?
Cuatro. Una para cambiar la bombilla y tres para quitarle la silla de debajo.
O Dos. Una para sostener la Coca Light y la otra para buscar a alguien que lo haga.

¿Qué es lo primero que hace una soprano después de despertarse?
Se viste y se va a su casa.

¿Cuál es la diferencia entre una soprano y un terrorista?
Con el terrorista se puede negociar

¿Cuál es la diferencia entre una soprano y una vaca?
La bisutería

Al comienzo de un ensayo, el director se dirige a la orquesta en presencia de la soprano:
-Los dos primeros compases los haremos 6/8. Los tres siguientes subiremos medio tono. A partir de ahí tocaremos "adagio" hasta el compás Nº 58; los cuatro siguientes en 3/4, y terminaremos el tema bajando un tono.
La soprano, extrañada, le indica:
-Maestro, no sé si seré capaz de hacer todo eso.
-Pues ayer, sin decir lo nada, lo clavó, japuta...

Una soprano increpa al pianista:
- Maestro, no me sigue.
- La sigo por las blancas, y no la encuentro; luego la sigo por las negras, y tampoco. Ahora la estoy buscando por los intersticios.

¿Cuántas contraltos hacen falta para cambiar una bombilla?...
Dos, una para intentar enroscarla y otra para que le diga: "¿Eso no está un poco alto para ti? ¿Eso no está un poco alto para ti?"

¿Por qué las contraltos siempre se quedan en el quicio de la puerta?
Porque no saben muy bien cuando entrar.

¿Cuál es la diferencia entre una contralto cantando una nota grave primero piano y luego forte?
Ninguna.

¿Cuántos tenores hacen falta para cambiar una bombilla?
Cuatro. Uno para cambiar la bombilla y tres que maldigan pues ellos podrían haberlo hecho si tuvieran la parte alta.

¿Cómo dirías que un tenor ha muerto?
Porque queda vino en la botella.

¿Cuál es la diferencia entre un tenor y una vaca?
El smoking.

¿Porqué no hay apenas chistes de tenores?
Porque serían muy obvios.

Cual es la definición de cuarteto masculino?.
Tres hombres y un tenor.

El público pide a un tenor una y otra vez que repita un aria, y a la cuarta vez, dice:
- Ya la he cantado tres veces; ¿cuántas más me van a pedir que la repita?
- ¡Hasta que te la aprendas, jodío!

Si tiras por la ventana desde piso 20 un acordeón, una gaita y un bajo, ¿quién cae primero?
¿A quién le importa?

¿Cuál es la diferencia entre un bajo cantando una nota grave primero piano y luego forte?
Una tercera.

¿Qué sale si cruzas un Bajo y un poste?
Un poste sin ritmo.

¿Cuántos bajos hacen falta para cambiar una bombilla?
Ninguno. Son muy machos y prefieren caminar en la oscuridad.

¿Qué hace un bajo cuando se levanta?
Le esconde la ropa a la soprano para que no se vaya :)

“Me paso el día trabajando de sol a sol”. Un barítono.

Los derechos de autor y la libertad de expresión.

2007-08-23T09:43:00.000+02:00

Les voy a contar una bonita historia. Hace prácticamente un año (el 1 de Septiembre es nuestro cumpleaños) se creó un foro de ópera independiente llamado “La Tertulia del Foyer”. Éramos un pequeño grupo de amigos, amantes de la lírica, que querían compartir experiencias y opiniones, además de camaradería, bromas y buen ambiente.

El éxito fue constantemente creciente. Poco a poco nuevos usuarios fueron llegando enriqueciendo el lugar y el grupo en definitiva, encontrándolo por casualidad o por un siempre positivo boca a boca, la mejor publicidad posible. Aunque no pretendíamos tener más éxito que existir, la verdad es que nos sentimos orgullosos de la inesperada evolución. A día de hoy estamos cerca de los 75.000 mensajes escritos (208 por día) y hay 379 usuarios registrados (aunque no todos participan activamente).

No cuento las visitas, estamos de prestado en un servidor gratuito que limita mucho la administración más allá de las características propias del foro en sí y su apariencia, pero no como sitio web, no podemos poner un contador fiable. No obstante, si tantos son los que participan, no pocos son asiduos lectores, no hay estadísticas como ya he dicho, pero en el panel principal, además del número de usuarios registrados online, siempre aparece un significativo número de visitantes sin registro.

De entre todos los usuarios, hay bastantes que mantienen su propio blog operístico (como es mi caso), con interesantísimos mensajes, video, descargas... (como no es mi caso que tengo esto en un estado lamentable). En definitiva, una maravilla para propios y extraños, muy bien mantenidos y con material que bien merece la mayor de las difusiones.

También, dentro de nuestro propio foro manteníamos una sección donde se publicaban enlaces para descargar música o vídeos. Esta sección tenía unas normas para evitar caer en ilegalidades. Sólo se podía publicar material que tras ser publicado en LP/VHS/CASSETTE no haya sido reeditado en CD/DVD, grabaciones con más de 50 años, grabaciones en vivo no comerciales, etecé, etecé.

Cierto día, al intentar entrar en el foro, éste te reenviaba a una página de error “El foro no existe o ha sido cerrado”. Al poco recibimos un correo de parte de la administración del servidor donde estamos alojados (crearforo.com) en el que nos advertían que uno de los enlaces publicados en la sección de descargas era material protegido por derechos de autor, según una “advertencia-amenaza” que habían recibido de parte de PROMUSICAE. Para más INRI era un viernes.

Nos solicitaban el cierre completo de la sección (no ya eliminar el link denunciado) para volver a tener disponible el foro. Así tuvimos que obrar en consecuencia pues eran lentejas y no queríamos renunciar a nuestro foro y todos los artículos escritos hasta la fecha. Después vinieron los blogs. Todos aquellos que publicaban descargas fueron vigilados y algunos incluso amenazados, provocando su posterior cierre.

A parte de todo esto hay ciertos problemas en youtube, plataforma que yo uso para colgar vídeos en este blog. Cualquiera, o sea, cualquiera, puede denunciar los videos como inapropiados o protegidos contra derechos de autor. Ese vídeo queda cancelado y si te cancelan más de tres vídeos directamente bloquean tu cuenta. Luego se puede reclamar y la vuelves a recuperar, pero es un coñazo, tienes que demostrar tu inocencia, que los de youtube se lo crean, etecé, etecé....

Conozco, además personalmente, a uno de los usuarios que más vídeos ha colgado. Ya va por la tercera cuenta, de impagables registros, con cantidades desorbitadas de material (¿200, 300 vídeos?). Esto sólo en youtube, si hablamos de emule, rapidshare, etecé, de todo punto incontable.

Gente como él, como los que mantienen a diario interesantísimos blogs, los que publican en un foro una grabación retransmitida por televisión o radio, hacen 1.000.000.000 de veces más por la difusión de la música y la cultura y la promoción de cantantes que a lo mejor no son tan conocidos, que las actuales gestoras de derechos de autor y discográficas, además altruístamente, no como ellos que sólo buscan dinero, el obtener sus beneficios mediante unos pocos “grandes éxitos” que tiene que oír todo el mundo previo pago, en lugar de tener un catálogo variado donde todos los estilos, las rarezas, tengan su propio espacio. "¿Porqué hacer un recopilatorio de, p.e., Miguel Fleta o Pilar Lorengar (mira, dos maños de una tirada)? Mejor hacemos dos o tres de María Callas, con las mismas grabaciones de siempre pero con distinto orden, una portada un poquito más bonita y a vender, que esta ya es famosa y es más fácil de promocionar. Las promociones las hacemos nosotros, y le vamos a decir a ese estúpido rebaño qué tiene que oír, quién es una gran diva o gran divo y quién ni siquiera existe. Todo lo que implique escuchar o distribuir música gratuitamente es competencia desleal que vamos a destruir con el beneplácito de la clase política, que necesita de culturetas como nosotros para ganar votos."

Pues con todo esto, todo sitio web está acojonado con el tema, y prefieren curarse en salud antes que tener una deuda millonaria con estos mamones que teta que ven, teta de la que chupan, que han terminado con la presunción de inocencia. Y además de todo esto ¿no se paga ya un canon digital en todo CD virgen, mp3, disco duro y demás cacharros susceptibles de guardar material protegido en contraprestación de los derechos de autor que (según ellos) vas a violar? Pues ya has pagado. Desde que existe este canon me siento totalmente legitimado a copiarme cualquier material con derechos de autor, pues todo DVD virgen tiene una cuota que los paga ¿o voy a pagar derechos de autor y además no tener música de estos autores? No han hecho sino promocionar la piratería y sacar ellos también beneficio de ella con esta doble moral. ¿La presunción de culpabilidad no es sino un atentado contra, en estos casos, la que debe ser siempre sacra libertad de expresión en un país democrático? Y mientras todos acojonaos, cerrando sitios webs por si acaso y bloqueando vídeos aun cuando son de dominio público.

Uno, como una servidora, pone estos vídeos de dominio público en sus poquitos post que hace arañando tiempo al suyo propio y por unas cosas u otras ese video acaba desapareciendo. Se te van las ganas de echarle ganas a esto. Todo un post basado en un sólo vídeo se va al garete porque ese vídeo ha desaparecido y no tienes manera de recuperarlo. Además tampoco tienes manera de saber cuando uno de los vídeos que has puesto ha desaparecido o no más que revisando todos tus mensajes cada cierto tiempo. Si ya escribir me resulta difícil, imagínense revisar todo el material, por ejemplo, semanal o quincenalmente... es una locura.

Pero sigo teniendo ánimos de mantener este minúsculo blog. Así que, señores lectores, POR FAVOR, si leyendo algún mensaje descubren que algún vídeo no funcionan, no dejen de poner un comentario o mandar un correo electrónico. Me sería de gran ayuda y el material que aquí aparece estará más o menos actualizado y disponible.

Gracias a todos. Salud y música.

Entrevista a Plácido Domingo en la Revista Ópera Actual

2007-07-12T12:20:00.000+02:00

Reproduzco aquí la entrevista que la revista Ópera Actual ha hecho al personaje de portada en este mes: Plácido Domingo

Domingo dirige Butterfly en el Real
“Sigo con el ansia del novillero”

Sigue siendo el más grande. Sigue siendo el rey, el Superman de la ópera. Afirma que tiene proyectos para rato, y no sólo en su faceta como director musical, sino también como cantante y director artístico. Plácido Domingo, que este mes regresa al Teatro Real para dirigir diez funciones de Madama Butterfly, revela en esta entrevista exclusiva varias de las claves que permiten entender la vitalidad de uno de los artistas más grandes que ha dado la ópera.

Ópera Actual: Tras su aparición en el podio del Teatro de La Maestranza de Sevilla en 1992, ahora vuelve en España a la dirección con Butterfly en el Real. ¿Cómo vive este nuevo debut?
Plácido Domingo: Con una gran ilusión, aunque antes sí que había tenido la oportunidad de dirigir en Madrid una gala con motivo de los 150 años del Teatro Real. No había vuelto por falta de tiempo, ya que tenía que haber dirigido unas funciones de La Bohème. Esta nueva posibilidad llega un poco por los pelos, ya que lo que tendría que haber hecho era unas funciones del Cyrano de Bergerac, pero cantando. La verdad es que cuando Antonio Moral estaba planificando la temporada, yo viví los peores tres meses de mi vida, en los que tuve un problema muscular a causa de un Parsifal y llegué a pensar que no podría volver a cantar. Estuve tres meses de reposo justo cuando debía de cantar Cyrano en Nueva York después del estreno. Esto sucedió en enero de 2006, y entonces le dije al Real que tenían dos posibilidades; esperar a ver cómo evolucionaba, pero les preocupaba montar el Cyrano sin mí, o hacer otra cosa. Entonces Moral me comentó lo de esta Butterfly. Y estoy encantado de dirigirla, pero también decepcionado por no cantar el Cyrano en Madrid.

Ó.A.: ¿Cómo consigue que esa Butterfly que tiene en su cabeza pueda ser comprendida por los intérpretes?
P.D.: Después de tantos años, y especialmente con Butterfly que es una de las óperas que más me apasionan, cada vez que la dirijo encuentro cosas geniales. Siempre hay algo que te sorprende de ella, y eso que es una de las obras que más he dirigido. Siendo tan popular, es una obra en la que creo haber encontrado un balance entre mi Butterfly ideal y la idea que pueden tener los cantantes. Estoy bastante conforme con lo que que la tradición ha dicho a través de las muchas funciones de este título que he cantado y dirigido. Seguro que estaremos de acuerdo.

Ó.A.: Parece que tiene un gran interés por Puccini. En diciembre dirigía La Bohème con Villazón en una matinée en el Met y, por la noche, una Butterfly en Los Ángeles. ¿Qué repertorio le interesa más como director?
P.D.: Puccini y Verdi, que también es lo que más he cantado y con lo que estoy más familiarizado. Pero también he dirigido todo tipo de obras, desde el verismo de Pagliacci o Andrea Chénier a otras más complejas como La damnation de Faust. También me interesa el bel canto de Barbero de Sevilla y dirigiré a Renée Fleming en Lucrezia Borgia. Voy extendiéndome hacia todos los repertorios. Ahora quiero hacer mi primer wagner, posiblemente una Walkyria y un Holandés errante. Lógicamente mi sueño es hacer algún día un Ring, en el cual cada vez estoy más metido, ya que ahora estoy llevando dos Tetralogías, una en Washington y otra en Los Angeles...

Mirada al pasado

Ó.A.: ¿Se hubiese imaginado cuando empezaba que podía llegar a lo más alto en el mundo de la lírica?
P.D.: Desde luego que no. Siempre empiezas con la ilusión, pero antes de haber cantado zarzuela con mis padres estuve en el mundillo de la comedia musical e hice opereta, música de cámara. En México, cuando comenzaba, justo había muerto un par de años antes Jorge Negrete y poco después Pedro Infante. Por eso estuve tentado de dedicarme al cine, ya que estos dos artistas cantaban y hacían películas y en aquellos días quedaba un gran vacío. Comencé a mover ciertos contactos, pero fue entonces cuando me entusiasmé con el mundo de la ópera. Hice una audición –entonces pensaba que era barítono–, pero me pidieron que cantase una parte de tenor, y me contrataron enseguida. Primero canté el Borsa de Rigoletto, luego el Capellán en Dialogues des carmélites, ambas en 1959. Entonces me hice una promesa: si antes de los treinta años no había debutado en el Met y en La Scala, me dedicaría al cine. Pero a los 27 años canté en el Metropolitan y a los 28 en La Scala...

Ó.A.: ¿Quiénes fueron sus maestros?
P.D.: Estudié primero con mis padres y después el que más me animó fue el maestro chileno Carlo Morelli, en México, perteneciente a una familia de cantantes. Él y su hermano mayor, Renato Zanelli, eran cantantes: Morelli un barítono que venía de haber sido tenor y Zanelli, al contrario, un barítono que se hizo tenor y que fue uno de los grandes Otellos. Empecé con él en el Conservatorio y de ahí, poco a poco, entre lo que aprendía en casa y entre lo que él me enseñó fui haciendo mi carrera.

Ó.A.: ¿Cuáles considera como los hitos de su trayectoria como cantante? ¿Cuáles fueron sus momentos cruciales?
P.D.: Se puede decir que había una época en la que todo lo que hacía era tremendamente difícil, todo era un reto, porque debutar en Viena, Munich, Milán, Nueva York o Madrid –una de las plazas más difíciles en lo personal por la emoción de volver a mi tierra como profesional– son todos recuerdos inolvidables. Casi al principio de mi carrera junto a la soprano Marta Ornelas, mi mujer, tuvimos un contrato en Israel donde estuvimos durante dos años y medio haciendo la universidad de lo que es la enseñanza de canto. Allí interpreté numerosos papeles del repertorio entre 1963 y 1965 [Don José, Don Ottavio, Faust, Nadir de Les pêcheurs de perles, Lenski, Turiddu, Samson y Hoffmann]. Luego vino el despegue definitivo: audicioné para la inauguración de la New York City Opera con el Don Rodrigo de Ginastera, con 25 años: debutar así, en Nueva York, fue el comienzo del gran cambio. Se empezó a hablar de mí y debuté en el Met tres años más tarde... En esos días siempre que hacía un título nuevo era una novedad, porque estaba formando mi repertorio. Mi debut en el Metropolitan fue sustituyendo a Franco Corelli en Adriana Lecouvreur, pero antes ya lo había sustituido en Andrea Chenier en Nueva Orleans, y en tres días tuve que aprenderme el papel. Todo eran debuts, retos: más que hitos, todo ello era una montaña de importantes pasos para consolidar mi carrera.

La clave: el entusiasmo

Ó.A.: Ud. está considerado como el Superman de la ópera: ha grabado más discos que nadie, ha superado todos los records en cuanto a personajes y títulos, ha rescatado óperas olvidadas y participado en estrenos absolutos... ¿Cómo ha podido hacerlo todo?
P.D.: Creo que lo que cuenta más es el entusiasmo. La verdad es que ahora mismo me siento al principio de mi carrera y todavía siento una especie de ansia de novillero; en el Met estrenamos El primer emperador del compositor chino Tan Dun, [asumiendo el que era su personaje operístico número 124] y tengo previsto otros debuts como la grabación de I Medici de Leoncavallo, dirigir el estreno mundial de La mosca y debutar con Ifigenea in Tauride en Nueva York o Tamerlano en Washington y el Real, además del papel de Neruda en la ópera Il postino de Daniel Catán en Los Angeles... Siempre hay algo nuevo, aunque he tenido que dejar un repertorio que ya no puedo cantar. Tengo que ofrecer algo nuevo y eso es lo que me ha mantenido todos estos años.

Ó.A.: ¿Está de acuerdo con quienes dicen que se está viviendo la época del reinado de los directores de escena?
P.D.: La verdad que la ópera es un trabajo de equipo en el que todo tiene su importancia y nada es indispensable. Se requiere que todos trabajemos de acuerdo y es difícil encontrar un director de escena que vaya tan en contra del cantante: si yo me encontrara con uno que plantease algo completamente desquiciado o que con su propuesta ofendiera al público o al compositor, desde luego que me iría, yo no lo aguantaría. A mí me gustan las producciones modernas, me gustan los cambios de época y que presenten nuevas ideas, pero que respeten la ópera.

Ó.A.: Su defensa de la zarzuela ha sido reconocida en todo el mundo. ¿Cómo cree que se podría incentivar la programación de este repertorio a nivel internacional?
P.D.: En la zarzuela todos tenemos un poco de culpa, aunque no voy a decir tenemos, porque yo no la tengo, pero sí la tienen los españoles que hablan siempre de este género de una manera despectiva. Ya la expresión género zarzuelero o éste es un zarzuelero refiriéndose a un intérprete, es un error; tampoco saben lo que dicen cuando se habla de género chico. Si a esto se le suma al hecho de que de la zarzuela ha estado mal representada durante décadas... Creo que hoy en día se le está tratando de dar la fuerza y la dignidad que realmente tiene. Yo tengo algunos planes y vamos a seguir llevándola a los teatros que dirijo, como la Luisa Fernanda que he llevado a La Scala, a Washington y a Los Angeles [ver crítica en página 62] y que el año próximo haremos en Viena. Quiero hacer más cosas por el género, como establecer un concurso que sea cada dos años para compositores de zarzuela, quiero que haya nuevos títulos. ¿Por qué no podemos tener, con todo lo que pasa en la actualidad, zarzuelas contemporáneas que expliquen historias de hoy? Por eso quiero organizar este concurso y para ello tengo que hablar con la SGAE. Es un género con tantos títulos y no puede ser que se haya acabado, no tiene por qué. La zarzuela se ha creado en todas las regiones españolas y en otros países, como en Cuba, y hoy en día también debería haber interés por este género desde el punto de vista de la creación. Hay que escribir una música que a la gente le llegue, y creo que no habría ningún problema; yo estoy dispuesto a hacerlo, porque creo en ello, y creo que le daríamos un empuje vital al género. Ya nos pondríamos de acuerdo con los teatros para que esa obra premiada no sólo fuese la de un compositor que gana, sino un título que se represente y que gire. Sin duda habría que contar con la colaboración del Teatro de La Zarzuela, como mínimo.

Ó.A.: Hace un tiempo su nombre sonó como posible director de este teatro madrileño. ¿Era real esa oferta?
P.D.: Sí, fue real, y me hacía mucha ilusión, pero mis compromisos no me lo permitían. Hay que ser responsable cuando aceptas una propuesta de esta envergadura y antes que hacer las cosas mal es mejor no hacerlas.

Ó.A.: ¿Cómo vive la experiencia de dirigir la Ópera de Los Angeles y también la Washington National Opera?
P.D.: Es una labor muy ardua, pero que me brinda muchas satisfacciones. Cuando veo con qué facilidad se manejan los teatros aquí en Europa... Ya conoces desde el principio tu presupuesto, sólo te basta un buen sentido para hacer tu programación. En Estados Unidos no siempre podemos programar lo que queremos, porque tenemos la obligación de llenar el teatro. Y para una nueva producción te tienen que ayudar. Si quieres montar un Wozzeck y sabes que no va a llenar, eso se transforma en una frustración: eso es lo malo de tener que buscar financiación para cada montaje. Pero por otra parte me parece fantástico que el dinero que se invierte en esto sea privado y que sea el propio público el que colabore. En Europa se están buscando más patrocinadores, ya que cada vez más se necesita de ese dinero privado. En mis dos teatros tengo un equipo muy bueno y vamos bien, aunque podríamos ir mejor. Es verdad que el día que anuncio la temporada se vende casi todo, pero hay dos cuestas muy importantes en las temporadas de Estados Unidos: en junio, cuando estamos terminando el curso y las arcas están vacías, y cuando inauguras la temporada en septiembre y todavía no ha entrado el dinero prometido. Es una gran, gran, responsabilidad.

Operalia y el mañana

Ó.A.: A pesar de no haber participado nunca en un concurso de canto se ha volcado con Operalia, el concurso que creó y que preside. ¿Cree todavía que los jóvenes necesitan un impulso para hacerse un nombre y una carrera?
P.D.: Desde luego. Hay que ayudar a los jóvenes, pero también hay que tener en cuenta que ahora hay muchas más posibilidades que en otros tiempos. Hoy es más difícil aguantar el ritmo de esta profesión debido a que muchas veces se construye un artista de la noche a la mañana. Existe internet y lo que pasa en un teatro lo saben en todas las partes del mundo a las pocas horas y, claro, estas nuevas tecnologías se convierten en un escaparate que le da a un artista la posibilidad de surgir con cierta rapidez, pero que también lo llena de presiones, porque lo compromete a que todo debe salirle perfecto porque hay un seguimiento continuo de su carrera. En la época en la que yo empecé grababa cuatro o cinco óperas al año, pero era un mundo tranquilo. Hoy lo primero que te pide una discográfica es promocionar ese disco y estamos hablando de 50 entrevistas, de ir de aquí para allá... El cantante, sin embargo, es una persona que debe cuidar su voz, su garganta. O sea que ahora hay que combinar ensayos en un teatro con entrevistas incluso después de la cena... Ante todo eso tienes que saber defenderte, porque es entonces cuando vienen las exigencias. Y claro, yo tengo funciones cada tres días y el público espera lo mejor, y no puedo decirles “es que tuve varias entrevistas”. Normalmente el día anterior a la función se solía respetar bastante, cuando más se aceptaba un ensayo a medio gas, pero ahora todo va demasiado rápido, aunque la experiencia te da las nociones para resolverlo lo mejor posible. En los teatros que dirijo todos saben cuando debo cantar y respetan mucho mi tiempo de descanso y preparación. Sólo si hay alguna emergencia me llaman.

Ó.A.: ¿Cree que es positivo que un jurado de un concurso de canto esté formado mayoritariamente por directores de teatros?
P.D.: Sí. Hubo una época en que pensé que lo más indicado era contar con grandes cantantes, pero la mayoría de ellos tienen un tipo de exigencias muy subjetivo y, como es lógico, no tienen nada que ofrecerle al cantante; en cambio un director artístico está conectado con el mundo de la música y pueden ayudar de una manera directa al cantante y contratarlo. De todas maneras si a Operalia vienen artistas amigos míos estoy encantado, como ha sucedido con José Carreras. Pero prefiero a artistas que, como él, estén en activo.

Ó.A.: Ahora muchos cantantes se vanaglorian de haber cantado con Plácido Domingo. ¿Con quiénes se vanagloria Domingo de haber cantado?
P.D.: Con todos los de la época que estaban allí cuando yo llegué como Tebaldi, Caballé o Freni, por quienes tengo un gran respeto, y también por cantantes como Tito Gobbi, Lily Pons o Giuseppe di Stefano, con quienes empecé haciendo partes pequeñas; estar al lado de ellos era la ilusión más grande que podía tener.

Ó.A.: Para un cantante que ha cantado 300 veces Cavaradossi, ¿tiene algún aliciente cantarla la vez 301?
P.D.: Desde luego que sí, porque siempre encuentras algo, siempre hay algo nuevo que ves en la madurez y que quizá no encontraste en la juventud, porque en el escenario todo es mágico. Yo hace poco interpreté siete funciones de Walkyria en Washington y puedo asegurar que cada una fue diferente: tiene que ser diferente, tienes que sentirlo diferente, como algo irrepetible. Eso es parte de la magia, de lo inexplicable que es el teatro en vivo si se compara con la televisión o el cine. Tener el privilegio de crear algo irrepetible cada dos o tres días brinda una sensación muy grande y nos da muchas posibilidades a los intérpretes.

Ó.A.: Se ha dicho que en 2009 cantará el papel del barítono de Simon Boccanegra en Berlín, Milán y Londres.
P.D.: Nunca he pensado en cantarlo como barítono, sino con mi voz. El papel de Boccanegra es uno de los que más me apasionan y posee frases vocales extraordinarias. Tengo también unas ganas enormes de dirigirla, pero cantarla ha sido uno de mis sueños y quizás sea una de las últimas cosas que haga en el escenario. Yo creo que en Berlín dieron la noticia demasiado pronto, porque la interpretaré en 2009 y, claro, en todo el mundo me preguntan si voy a hacerme barítono. Pero no: se es lo que se es.

Ó.A.: ¿Cree que tiene algo que ver el fenómeno de los Tres Tenores con la popularidad del género en los últimos años en todo el mundo?
P.D.: Sin ninguna duda. Lo hicimos al principio con una alegría inmensa de que José [Carreras] volvía a cantar. Después, viendo que al público le gustaba, lo repetirmos con entusiasmo y ganas de divertirnos. Y también, por qué no decirlo, por que nos lo pagaban muy bien, claro que sí. Esta serie de circunstancias hizo que para los tres fuese una época muy bonita y el público lo gozó siempre. A algunos no les pareció bien y supongo que no asistieron, porque se lo iban a pasar mal... Pero yo estoy muy tranquilo porque nunca dejé de lado nada de lo mío por este proyecto: lo he hecho todo: he cantado en Bayreuth, en Salzburgo o donde había que estar para hacer algo importante musicalmente. Seguro, este tipo de espectáculos ha ayudado a la difusión de la ópera.

Ó.A.: ¿Cómo ve el futuro del género? ¿Le parece demasiado grande la competencia que tiene un compositor actual al tener que enfrentarse a 400 años de historia viva y competir con Monteverdi, Mozart, Verdi o Wagner?
P.D.: Yo creo en la ópera totalmente, y que irá a más. En nuestros días hay más teatros, más festivales, más cantantes, y esto es extraordinario. En cuando al estreno de óperas nuevas, hay que hablar de un círculo perjudicial. El compositor tiene miedo de componer melódicamente, por que le tiene miedo al crítico. Yo entiendo la música atonal en lo instrumental, porque hay una manera de crear situaciones o momentos atmosféricos increíbles con esos procedimientos en lo que puede ser una obra extraña utilizando compases de siete octavos, tres quinceavos, nueve dieciseisavos... Esto lo veo y lo entiendo en la orquesta, pero la voz ha de cantar: hay que buscar la adecuada combinación; no se trata de que las melodías tengan que ser fáciles, pero armónicamente tienen que encajar. A mí me ha escrito William Bolcon unas canciones sobre poemas de García Lorca y se trata de un trabajo estupendo, como lo que me escribió sobre La casada infiel, con una orquestación extraordinaria y que no es sólo melódica, pero cuando llega la frase [se pone a cantar] “aquella noche corrí el mejor de los caminos montado sin bridas y sin estribos...”, entonces armónicamente todo funciona con fuerza. Él ha escrito A View from the Bridge, que se estrenará en Washington en noviembre, un teatro donde siempre programo óperas contemporáneas americanas. El compositor no ha de tener miedo y debería pensar más en el público, que todavía tiene derecho a oír melodía; ha de tener el valor de decir “esto se puede cantar”, tiene que ser más generoso y darse cuenta de que el cantante no puede con la música atonal... Bueno, puede, pero ¿a quién le importa el resultado si no hay la belleza? Esto tiene que entenderse y disfrutarse. No sé cuantas generaciones tendrán que pasar para que el atonalismo sea entendido y digerido por la humanidad. Tendríamos que buscar cada vez un público mayor y no menor, porque en general la gente joven tampoco puede entender este tipo de música.

Ó.A.: Confirma su reciente declaración a la BBC en la que afirma que lo más “prudente” sería dejar de interpretar ópera antes de cumplir los 70 años, en enero de 2011, y que se dedicará “a cantar otra música, como zarzuela, opereta o canción ligera”?
P.D.: A los 70 años... Quizás tenga todavía algunos compromisos de ciertas obras que me han escrito, como el ya citado Il postino de Daniel Catán o en alguna reposición de El primer emperador de Tan Dun. Aunque más que nada haré conciertos con zarzuela y canciones, pero la verdad es que para mí la voz es un misterio y entonces será ella la que me diga “Plácido, hasta aquí”. Dos y dos son cuatro y el cuerpo poco a poco empieza a dolerte por alguna parte, y con la voz debe suceder lo mismo. Hasta que el cuerpo y la voz aguanten. yo cantaré, pero me he propuesto que después de cumplidos los 70 no debería cantar ópera representada, aunque tampoco es algo rígido, porque si me crean un personaje especial, como podría ser un Fidel Castro o un Jacques Chirac, seguro que los canto.

Ciclo de Grandes Voces en el Teatro Real

2007-06-25T08:06:00.001+02:00

Hace unos días compré mi primer abono de cualquier teatro de cualquier cosa. Se trata del que el Teatro Real sacó para los recitales del "Ciclo Grandes Voces" que este año se compone de 5 recitales. Voy a hacer un repaso de los Zenomenos que (Dios mediante y las cancelaciones no) veré en la próxima temporada.

José Bros:

Tiene un gusto y una limpieza en la voz que pocos en la actualidad tienen. Siempre bien colocada la voz, proyectada, técnica impecable. Además me consta que es un tío trabajador como pocos, muy profesional, siempre sabe lo que se trae entre manos. No es (Dios quiera que llegue a serlo) Alfredo Kraus, pero yo lo pongo en la misma línea, escuela de canto. A favor de José, éste es menos frío. Uno de los buques insignia de Kraus fue el Werther. Aquí un video de Bros interpretando el aria para tenor "Pourquoi me réveiller". La calidad del video es más que escasa, sobre todo el sonido, pero da debida cuenta del carácter y la calidad de este tenor.

Del mismo recital tenemos "De este apacible rincón de Madrid" de la "Luisa Fernanda" que interpretó en Madrid este año compartiendo protagonismo nada más ni menos que con Don Plácido Domingo. En este video empieza con un pequeñísimo portamento, pecata minuta amén de poco común él.

Cecilia Bartoli:

Confieso, aunque me quede verla en directo, que no me gusta nada su forma de cantar. Pero lo cierto es que tiene fans que la persiguen por los teatros allá donde va y que hay hostias por conseguir entradas para sus recitales, luego, algo tendrá....

Está especializada, sobre todo, en el Barroco (es lo que tienen las voces pequeñas). Yo más que mezzo, creo que la Cecilia se queda en soprano corta. Eso sí, se pone a hacer coloraturas, a tirar notas como una escopeta y se queda sola. A eso hay que añadirle que hace más guiños que una mula cantando y su timbre varía casi para cada nota (depende de lo que cante y el día que la pilles, también es verdad). Las malas lenguas, a las cuales yo siempre creo, dicen que en grandes teatros puede que se ayude de cierta amplificación artificial. No digo más que me capan.

Sirva de ejemplo o contra-argumento de lo que digo el siguiente video del aria "Agitata da due venti" de Vivaldi:

Que cada cual saque sus propias conclusiones, pero a mí a ratos me recuerda un poquito a cierto antecesor del ser humano aullando porque se ve amenazado... Por ejemplo, Sumi Jo, que es soprano lírica

Natalie Dessay / Laurent Naouri

Natalie Dessay es de las mejores lírico-ligeras que hay actualmente por estos teatros de ópera, aunque se le consideraba más bien ligera o de coloratura, tras operarse de las cuerdas vocales, ha tenido que abandonar los papeles más exigentes con el agudo. Junto a Diana Damrau y tal vez Sumi Jo, era de las pocas que podía hacer una Reina de la Noche de Die Zauberflöte (La Flauta Mágica) dignamente. Aquí la vemos interpretando el segundo aria del papel, la más que conocida "Der Hölle Rache"

También pongo un video de "14° Victoires de la Musique Classique", una especie de Goyas Franceses de la música clásica, donde en este año ha arrasado. Canta "Glitter And Be Gay" un aria de la ópera "Candide" (o Cándido) de Leonard Bernstein, por cierto, ópera que me encanta y que es casi imposible ver representada, algún día hablaré de ella. Mirad qué aria y mirad qué interpretación, que aunque no tenga Fa# sobreagudo, tampoco sigue siendo una estupendísima soprano:

Laurent Naouri es un Barítono-Bajo que nos hizo en el Teatro Real una demostración de poderío cantando los tres malotes de "Los Cuentos de Hoffmann". Además está casado con su compañera en este recital así que no habrá problemas de compenetración... y si los hay, se notarán... jajaja

Está más que nada especializado en Offenbach. Aquí lo vemos pasándoselo bomba como Agamemnon en "La Belle Hélène" en el 2001, con el trío patriótico de la obra, en una más que imaginativa y divertida producción:

Y vamos a ver a los dos juntos cantando el más que divertido "Il m'a Semble sur mon Epaule" (Dúo de la Mosca) de la opereta (eso habría que discutirlo) "Orphée aux Enfers" u Orfeo en los infiernos de Offenbach.

Inva Mula:

Soprano de la que estoy perdidamente enamorado. No sé si me gusta como canta o no, creo que mucho, pero la ceguera o sordera de mi amor me inhabilita para juzgarla. Cantó junto a Nauori una maravillosa Antonia de cabo a rabo en los Cuentos de Hoffmann del Real, la triunfadora absoluta de todo el reparto, y en la Boheme con Aquiles Machado se marcó una Mimi absolutamente arrebatadora. Tiene un gusto y un fraseo por desgracia poco común, y un timbre de voz que es una preciosidad, un cristal nada frágil. Vamos a ver unos vidreos de esta señora, que por desgracia, no hay muchos colgados.

Se ha metido en el repertorio español, por ejemplo, este dúo, como la Condesa de Luisa Fernanda con Rolando Villazón, qué gusto, madre de Dios, que aunque tiene algunos problemas con la pronunciación española, se le entiende a perfección (incluso los fallos). Ya quisieran algunas españolas... Eso sí, el agudo que mete al final, me van a perdonar, pero como que sobra, no obstante, una gozada:

Más profesional, sin lugar a dudas, estas coplas de Curro Dulce de Fernando Obradors. Al piano Edelmiro Arnaltes:

En directo gana muuuuuchos enteros.

Roberto Alagna:

Seguramente que el mejor tenor lírico del momento (Juan Diego Florez es lírico-ligero y de otro mundo), aunque bien es cierto que está pasando una mala racha, sobre todo después de su espantada en la Scalla que fue noticia en los telediarios de medio mundo. ¿Lo recuerdan?

Esa historia da para mucho, mejor vamos a hablar sólo de la parte musical. He encontrado un video de las juventudes de Roberto, allá por el 92. Aun le quedaban muchas cosas por pulir, pero ahí estaba, cantando la napolitana "Tu ca nun chiagne" a su mentor Gabriel Dussurget

Y así ha cantado el "La fleur que tu m'avais jetée" bellísima aria para tenor de “Carmen”

Ahí es na.

En fin, que espero disfrutar muy mucho de éste, mi primer abono. Pinta bien, muy bien.

Previa Madama Butterfly Teatro Real

2007-06-17T20:03:00.000+02:00

El día 26 voy junto con buenos amigos a ver la Madama Butterfly del Teatro Real. La soprano, Cristina Gallardo-Domas es con seguridad la mejor soprano para este rol en la actualidad, como de otros del mismo compositor. Así que directamente vamos a verla haciendolo. Primeramente su “Un bel di vedremo” sacado de las funciones que realizó en el covent Garden de Londres:

Y este es el dúo de amor que se marca con el Marco Berti…

Regular la bicicleta... Pero su Liu (de Turandot) también es para que te dé un paraflús. ¿que no? Teatro alla Scala de Milán, 2002:

Y así se muere la joia:

¡Los pelos como escarpias! La mezzo que hará Suzuki será Marina Rodríguez-Cusí, de la cual no encuentro vidreo alguno en condiciones. Es habitual en papeles secundarios en el Real y la verdad es que curra mucho. Ya veremos como hace la Suzuki, se hace complicado un resultado, es como los partidos de segunda división en las quinielas… que a ver qué pones…

En el primer reparto se cuela el tenor del 2º para el día 26, Roberto Aronica que en principio no tiene que ser peor que el del primer reparto, Carl Tanner (un completo desconocido para mí. Aunque sea protagonista, el papel de Pikerton suele pasar sin pena ni gloria, el peso de toda la obra lo lleva la soprano. En el Real ha cantado el Rodolfo de la Boheme, pero yo vi la función Aquiles Machado, así que no sé tengo mucha idea de cómo le puede quedar el papel. Aquí un video del dúo del primer acto de la Traviata en el Teatro San Carlo de Nápoles con Mariella Devia:

También tenemos otro vidreo de Aronica, haciendo precisamente de Pikerton, el dúo de amor del primer acto con la Nitescu:

Sharpless correrá a cargo de Vladimir Stoyanov, que ha cantará un par de funciones de il Trovatore, como el conde de Luna. También estuvo en el 2º reparto de la Traviata, como Giorgo Germont allá en el 2005.

¿Y a la dirección? ¡Don Plácido Todoterreno Domingo! A ver como maneja la orquesta del Real. Así lo hizo en una Aida en Viena:

Y así la Batterfly en el festival de Puccini en Torre del Lago cantando Daniela Dessi:

El director de escena Mario Gas, que ya ha hecho por lo menos, el elixir de amor en el Real (pero seguro que más cosas que ahora no me acuerdo. La producción, por lo visto, aunque no es tradicional, está muy bien llevada. El escenógrafo es Ezio Frigerio, que hace poco se le hizo en Madrid una exposición homenaje con imágenes y maquetas de sus producciones. Un genio este señor.

El resto de papeles no merece mucho la pena comentarlos. Bueno, ya veremos qué nos encontramos, pero creo que pinta muy bien. Como broche a este post, la Butterfly de Reneè Fleming:

Jazzistas perpetrándo a Verdi

2007-02-14T14:48:00.000+01:00

Aquí un curioso video de una banda de jazz haciendo una versión de "di quella pira", famoso aria del Trovatore de Verdi por ser en la que se "inventó" el Do de pecho tenoril, pero mejor vemos primero la versión original, con, por ejemplo, la Luciano Pavarotti, me he ido al peor.... juas juas juas

Y ahora la versión de marras (un poquito transportada, por cierto...)

Magnífico Foro Operístico

2006-10-05T12:14:00.000+02:00

Se ha creado un nuevo foro de ópera "La Tertulia del Foyer". Apenas tiene un mes de vida y nació como algo temporal, pero la gente que allí se dió cita les gustó tanto el sitio que decidieron mantenerlo y ofrecer a los internautas operófilos una nueva manera de conversar sobre este delicioso vicio.

En este corto mes se han registrado unos 92 usuarios y se han publicado más de 6.000 mensajes (200 por día....)

Hay un ambiente muy distendido y es tan válido para los aficionados más entendidos en la materia, como para simples curiosos que les interesa el tema. Tiene varias secciones y se puede hablar tanto de ópera como de otros temas.

Cualquiera puede entrar y leer las distintas cadenas, pero si se quiere participar escribiendo se requiere registrar un nombre de usuario. En fin, que os invito a todos a participar. Además he puesto un link perpetuo a la derecha del blog, justo debajo del buscador de google.

Saludos, que lo disfruten.