Difficile pour certains de s’imaginer que passer 8 ou 10 heures derrière un piano quotidiennement soit un travail sérieux. Difficile pour certains d’imaginer qu’il s’agisse d’une recherche esthétique et intellectuelle et pas simplement d’enfoncer des touches au bon endroit… Je vous rassure notre métier est un métier comportant de multiples facettes, mais un métier nous prenant 100% de notre temps et demandant énormément de travail.

Dans le même registre, imaginez un instant : dans le salon de la maîtresse de maison ou vous êtes invité se profile ce qui semble être un piano… Soudain c’est le drame, quelqu’un s’écrie: “Vous allez bien nous jouer quelque chose!”. Et bien non, il n’en est pas question. Le piano est bien souvent désaccordé ou dans un état tellement lamentable qu’il en est presque injouable et de toute façon est-il bien poli de faire travailler quelqu’un lorsqu’on l’invite à dîner? Il ne me viendrait pas à l’esprit d’inviter un ami chirurgien et de lui demander de me retirer tout de suite un mélanome disgracieux, avec comme seul instrument un couteau de cuisine.

Ces petites phrases ou situations qui ont le don d’énerver les musiciens sont légion… Si aujourd’hui je ne les entends (presque?) plus, c’est que je n’ai pas beaucoup le temps de sortir de mon bocal, à l’intérieur duquel tout le monde sait ce que je fais. Mais il y a quelques années, j’ai dû y faire face également et ce n’est pas toujours facile. Pitié pour nous, simples musiciens, réfléchissez avant de trop parler, et courage à vous les bizuts ça finira par cesser!

Le premier choc lorsqu’on enregistre ressemble un peu à celui qu’on ressent quand on entend pour la première fois sa propre voix. Des années après, j’ai toujours du mal à la supporter. En effet même si on a passé des années entières à travailler les œuvres prévues, on ne les a jamais entendues selon la perspective des microphones. Bref, on ne sait pas vraiment à quoi elles ressemblent en tant que spectateur. Nous en avons une idée, nous travaillons pour que ça sonne dans la salle comme nous le voulons, mais le microphone, c’est le moment de vérité! Personne n’est vraiment objectif comme lui l’est.

Le montage c’est formidable, mais ça tue l’unité musicale. Techniquement on peut monter presque partout, mais c’est musicalement que ça ne colle pas toujours: tempi différents, dynamiques différentes, intentions différentes, bruit extérieur, ambiance… Le montage peut aider sur certains petits accidents mais dans l’ensemble, j’évite d’y avoir recours. J’irais plutôt dans le sens de Samson François: “laissez les fausses notes, ça fait joli”. Pas toujours facile de trouver un compromis satisfaisant entre perfection technique et musicale quand on a un être imparfait comme intermédiaire.

Enregistrer c’est énormément de travail: si certaines imperfections sont tolérées en concert, le disque ou l’enregistrement peut s’écouter plusieurs fois: on peut donc bien s’assurer qu’il y a eu à tel ou tel moment un accident. Il faut donc rendre un travail parfait, donc pas humain. Un petit exemple: les disques de Pollini. J’ai cherché longtemps d’où venait cette froideur: c’est celle de l’absolue perfection. On ne peut pas critiquer les disques de Pollini, il n’y a rien à dire, c’est parfait. Mais pas très humain. Le public lui s’est habitué à cette perfection surhumaine, et cette perfection surhumaine est devenue un standard, au disque ou sur scène. Dommage j’aimais bien ces pianistes qui étaient des hommes avant d’être des machines à jouer, avec leurs faiblesses, leurs points de vue et leur propre style…

Je m’égare. Lundi je me suis assis au piano avec pour seul public 4 microphones. Corriger, écouter, refaire, améliorer, discuter, essayer d’avoir quelques moments de détente, nous avons vécu avec un seul but final: produire un enregistrement de qualité sur quelques minutes de musique sans avoir de grosse pression puisque qu’il n’y a pas de sortie de disque de prévue. J’avais aussi d’autres objectifs: peu ou pas de montage, pas d’assistance ni de correction du son. Nous verrons bien ce que ça donne après le montage! Je partagerai ici avec vous quelques-unes des prises quand je les aurai.

En attendant, au travail!

À part quelques pièces, Chopin a écrit presque exclusivement pour le piano et a su repousser les limites de son instrument. Les Études, op. 10 et 25, restent aujourd’hui encore la référence numéro un en matière de difficulté surtout lorsqu’il s’agit d’en faire l’intégrale sur scène. Tout l’intérêt de ces études est leur indéniable valeur musicale: Chopin, tout en insistant sur une difficulté technique, exprime une véritable idée musicale. Se démarquant de ses prédécesseurs (Clementi par exemple), le compositeur polonais a donné ses lettres de noblesse à la forme “étude”, la considérant comme une pièce sérieuse et présentable en concert, et sera suivi ensuite par Liszt, Scriabine ou Rachmaninov, entre autres.

Chopin, amoureux du bel canto surtout bellinien, ne considéra jamais le piano comme un orchestre mais comme une voix. Dans ses études, pas d’accords fracassants, pas d’octaves tonitruantes comme chez Liszt, mais sa voix, couplée à des difficultés bien plus profondes et moins démonstratives: rien de facile, rien de gratuit en somme. Les Études de Chopin sont essentielles: elles permettent d’acquérir une technique solide et libre, mais aussi de maîtriser la complexité d’un discours musical raffiné comme celui de leur compositeur.

Plus jeune, rien que leur nom me faisait frémir. J’ai lutté CONTRE elles tellement d’heures! Avec le recul, j’ai l’impression que j’essayais plus de faire rentrer l’étude dans mes doigts que de faire rentrer le pianiste dans l’étude. Avec un peu plus d’expérience, je me rends compte que mon approche était bien mauvaise et que ces études sont tellement agréables à jouer que je me demande pourquoi je n’ai pas compris tout de suite ce qu’il fallait y faire… Le principal est finalement que j’aie réglé (ou que je sois en train de régler) mes comptes avec elles! Je peux désormais dormir en paix, études de Chopin je n’ai plus peur de vous!

Comme vous pouvez le voir, la salle 74, classe de mon professeur František Maxián, a une vue imprenable sur le château de Prague, la Vltava ainsi que Malá Strana. Quel bonheur de pouvoir travailler dans un si joli cadre! Un peu de spleen pianistique et je tourne la tête pour me plonger dans les beautés d’une ville que tous admirent. Parfois, en regardant par la fenêtre, j’imagine les pas qu’ont fait à cet endroit Kafka, Mozart ou Smetana. Cette vue dégagée et si belle est un miracle pour pouvoir travailler sereinement!

J’aime cette classe parce que c’est là que je peux me réfugier. Les deux pianos ne sont pas vraiment bons, elle n’est pas particulièrement jolie, mais j’y ai gagné beaucoup de batailles et beaucoup réfléchi. C’est mon petit laboratoire: ma vie de pianiste s’est développée entre ses murs. J’aime y travailler car je me sens hors du monde, personne ne vient jamais m’interrompre. Elle est pleine de souvenirs, chargée des immenses pianistes qu’elle a vus jouer: Richter, Indjic, Maxián pour n’en citer que quelques-uns.

Sur le mur du fond, il y a cet immense portrait de Rafael Kubelik, grand chef d’orchestre tchèque, qui nous observe. Parfois je l’entends me dire qu’un pianiste c’est comme un chef d’orchestre, il doit comprendre la complexité de la musique, mais n’a que dix doigts et doit les diriger comme si ils étaient un orchestre complet. “Chaque doigt est comme une voix qui chante” disait Samson François…

Il nous reste le fameux couloir du département piano. Sur le mur de gauche, les portraits des anciens directeurs du Conservatoire. Au fond la porte entrouverte des secrétaires de direction, antichambre du bureau du directeur. Juste avant la porte sur la droite, vous pourrez apercevoir le buste d’Antonín Dvořák, lui aussi ancien directeur du conservatoire de Prague.

Voici donc une partie de mon univers. Dans cette salle 74, j’ai construit une bonne partie de mon avenir musical, et je la remercie de toujours m’accepter même si je l’ai parfois un peu maltraitée…

Ils sont tous aussi importants et je ne veux pas les classer. J’ai un rapport particulier avec eux car ils m’ont fait découvrir ou aimer quelque chose.

Pendant que j’écris ces quelques lignes, j’écoute un des élus: il s’agit de Joshua Bell, Esa-Pekka Salonen et le Los Angeles Philharmonic interprétant les concertos pour violon de Sibelius et Goldmark. Ma première rencontre avec le concerto de Sibelius…

Mais “pianistiquement” parlant il y a deux disques fondamentaux que j’ai beaucoup écoutés et que j’écoute encore beaucoup: l’un m’a donné l’amour de Maurice Ravel et c’est Samson François, André Cluytens et l’Orchestre de la société des conservatoires interprétant les deux concertos de Ravel, plus Gaspard de la nuit par Samson. L’autre disque c’est encore Samson François mais cette fois-ci avec Louis Frémiaux et l’Orchestre de l’opéra de Monte-Carlo dans les deux concertos de Chopin. Si je trouve d’autres versions parfois magnifiques, je finis toujours par revenir à celles-ci: j’aime ce jeu libre et décomplexé!

Il y a dans ma sélection un disque qui m’a fait découvrir le quatuor à corde et la musique de chambre: Les Quatuors de Schumann par le quatuor Via Nova. Rien que cette magnifique cornemuse du finale du quatuor en la mineur suffit à justifier mon choix.

Pour ma dernière selection, ce sera du piano encore, mais celui d’Ivo Pogorelich et ce fameux disque, Chopin sonate en si bémol mineur, Ravel Gaspard de la nuit et sixième sonate de Prokofiev. C’est avec lui que j’ai compris qu’il pouvait toujours y avoir quelque chose de nouveau à trouver dans une œuvre.

Et vous, connaissez-vous ces disques? Vous ont-ils touché?

Après cette première écoute, j’ai ressenti une irrésistible attraction pour la musique de chambre de Brahms, qui m’a menée vers l’œuvre pour piano de l’illustre barbu. J’en ai très peu joué mais j’aime écouter sa musique. Aimez-vous Brahms? Oui, et je l’ai aussi détesté avant de l’aimer.

J’espère, si vous ne connaissez pas cette version et vous n’aimez pas Brahms, que Richter et Oistrakh vous feront changer d’avis!

L’espace presse a été simplifié pour tenir sur deux pages: le dossier de presse et les news, que l’on peut suivre également par rss. Disparition complète de l’espace réservé aux professionnels de la culture, cet espace était devenu inutile et obsolète.

Pas de changement pour l’agenda ou les extraits audio (de nouveaux enregistrements sont bientôt prévus), une nouvelle page dédiée aux vidéos fait son apparition. La galerie photo a été complétée et modifiée, et tout le reste du site actualisé.

J’espère que vous trouverez cette version agréable, si vous avez des remarques n’hésitez pas à nous en faire part sur cette page!

Quand j’ai commencé à écouter beaucoup de disques, je ne connaissais pas du tout, ou très peu le répertoire pour piano. J’ai donc en priorité écouté des pianistes. Grâce à eux, j’ai pu avoir rapidement une connaissance assez étendue du répertoire de mon instrument et j’ai pu commencer à m’intéresser au reste. J’ai également acquis un jugement critique sur ces interprétations, en essayant de comprendre pourquoi tel ou tel disque ne me plaisait pas. Ils m’ont apporté parfois des idées nouvelles, et ouvert mon monde musical.

Le revers de la médaille est que toutes ces interprétations ont formaté mon oreille. Si certains ont été de bons substrats, beaucoup d’autres m’ont empêché de développer mon imagination sonore en me mettant dans la tête un son déjà prêt. Au lieu de chercher, j’ai longtemps utilisé les solutions “toutes prêtes” offertes par le disque. Le problème est là: j’ai longtemps cru que connaitre par cœur un enregistrement, c’était connaitre l’œuvre à fond et plutôt que de chercher à apprendre de l’œuvre et à en tirer une interprétation, je tentais de reproduire avec plus ou moins de succès ce que j’avais déjà entendu sans vraiment en comprendre les tenants et aboutissants. Sans m’en rendre compte, je standardisais grandement mon jeu, et je perdais mon imagination.

Bien sûr qu’il faut écouter des disques, ne serait-ce que pour les avantages que j’ai cités, mais dans mon approche, il m’a manqué du recul, et j’ai été un peintre contemplant un Velasquez et voulant reproduire la même chose. Aujourd’hui, j’ai suffisamment évolué pour chercher mon propre style et comprendre que même si Velasquez me fascine, je ne dois pas copier Velasquez, mais plutôt essayer de trouver ce qui fait sa force.

© Romain Guy

Après une longue conversation avec un étudiant au sujet de l’analyse musicale, j’ai eu besoin d’écrire un peu sur le sujet. Pourquoi l’analyse musicale est-elle si utile pour l’interprète? Pourquoi il ne faut pas nier sa nécessité? Analyse musicale: la stratégie au piano, oui, car c’est bien ce que me permet de faire ce travail d’analyse: élaborer une stratégie pour chaque œuvre, pour chaque concert.

Entrer sur scène sans réel plan est un petit suicide public. En plus du travail que vous connaissez bien, c’est-à-dire celui de l’artisan, le pianiste se doit également d’être un bon stratège. Ménager sa monture, porter l’estocade, prendre à revers le public, tout ça se réfléchit un peu, et l’analyse nous aide grandement à réaliser notre plan. Savoir où est le point culminant d’une œuvre, comment elle se découpe, nous ne laissons pas tout ceci au hasard, notre stratégie sonore en dépend. Nous faisons ce travail à toutes les échelles: un mouvement, une œuvre complète, et un programme et parfois même une saison ou une carrière complète. Peu de place pour l’inspiration, je sais que ça déçoit certains, mais comprenez que l’inspiration joue un rôle important, mais sur d’autres paramètres.

On parle également très souvent de l’unité d’une œuvre. L’analyse nous permet de découvrir comment le compositeur réalise l’unité de son œuvre, et donc de comprendre la logique intégrant les mouvements dans le tout de l’œuvre, pour finalement retransmettre cette logique vers le spectateur ou l’auditeur.

Le compositeur pense en termes de structures et de formes (entre autres) pour donner une colonne vertébrale à son œuvre. L’interprète se doit de comprendre cette colonne vertébrale pour ne pas faire de l’œuvre un tissu musical informe, et il doit pouvoir retransmettre toute l’intelligence de la structure au public.

Et vous, amis musiciens qui me lisez, comment intervient l’analyse dans votre travail?

Je pensais que la vie du pianiste était une vie faite d’instabilité et de surprise permanente: j’ai plus tard expérimenté ce sentiment d’instabilité pour finalement en arriver à la conclusion que celle-ci bloque mon travail. J’ai besoin de me sentir parfaitement à l’aise pour pouvoir mener à bien ma tâche, et seul un parfait et fragile équilibre me permet de me mettre tout entier dans mon travail sans avoir à penser à autre chose.

Sur un point au moins, je ne m’étais pas trompé: la musique est toujours pour moi une amie, une confidente et jamais je n’ai regretté de lui consacrer, même offrir ma vie. Je sais que mon métier est difficile, éprouvant et contraignant, mais c’est toujours avec le même plaisir que je monte sur scène, que je fais découvrir une œuvre, que je travaille seul face à mon instrument.