Questo mese il suo nuovo album “Everything Is New” è il nostro album dell’estate. A chi potevamo chiedere la Piglist per questo numero se non a Jack Peñate?

Notorious B.I.G – Party and Bullshit
Talking Heads – Burning Down The House
Can – Vitamin C
Kate Bush – Suspended In Gaffa
Animal Collective – My Girls
Nick Drake – Poor Boy
Pinchers – Bandelero
Dirty Projector – Rise Above
Fugazi – Waiting Room
Todd Rundgren – Hello Its Me

Un’ottima soluzione per indossare le Vans anche d’estate. Questo nuovo modello traforato è stupendo, potrebbe diventare il nuovo classico. Potete trovarle in nero, marrone, verde e bianco… ma se volete un consiglio, buttatevi sul marrone che è veramente il top!

www.vans.com

Richard Melville Hall riscopre in questo disco la sua vena più intimista crogiolandosi in un soul urbano, cinematografico e autoreferenziale. Le sorti del disco vengono però risollevate da alcuni accenni glam-rock, new wave e shoegaze che aprono interessanti spiragli futuri. (Mute)

Intervista di Marco Lombardo. Foto di Piotr Niepsuj.

Scott Matthew è australiano ma vive a New York da dodici anni. Ha attirato l’attenzione della stampa e dell’industria discografica grazie a un cameo in “Shortbus”, film indipendente del 2006 di John Cameron Mitchell. Da allora ha pubblicato due dischi e girato il mondo con la sua voce vellutata e la sua insolita barba, che lo ha reso una sorta di sex symbol irresistibile. Lo abbiamo raggiunto via mail e il suo fascino gentile, e un po’ hippie, è riuscito a pervadere anche i cavi in fibra ottica sperduti nella profondità dell’oceano, annullando ogni distanza tecnologica… Mentre lo immaginavamo correre su un cavallo bianco, a piedi nudi, con la luce del mattino riflessa sul suo petto nudo…

La prima cosa che colpisce del tuo nuovo album è il titolo, lunghissimo. Qual è il significato?
Mi rendo conto di aver scelto un titolo particolarmente drammatico ma sono convinto rappresenti alla perfezione questa nuova raccolta di canzoni. Ha molti significati, sia simbolici che letterali. Ho scritto alcuni di questi brani desiderando persone che non potevo avere, irraggiungibili emozionalmente e geograficamente.
Un tipo di desiderio doppiamente intenso perché rivelarsi significherebbe un rifiuto totale e il tracollo personale. Simbolicamente è una metafora dell’essere disconnessi con se stessi, del sentirsi inadeguati sperando però di trovare al più presto il proprio posto nel mondo.

Quali sono le principali differenze tra There is an ocean that divides… e il tuo album precedente?
Le intenzioni penso siano le stesse. Questa volta però avevo le idee molto più chiare su come avrebbe dovuto suonare il disco e molta più confidenza. L’anno che ha preceduto le registrazioni di questo lavoro è stato fantastico, mi sono esposto molto e viaggiato come mai in precedenza. Tutto ciò ha contribuito a dare una visione molto più profonda di quello che sono… E’ stato importantissimo vedere così tante persone apprezzare la mia musica e il mio mondo… Questo disco è più maestoso negli arrangiamenti, ci sono più archi, più fiati, più cori. Credo abbia un peso specifico maggiore e che sia più energico, anche se alla fine si tratta sempre di ballate…

Il processo di scrittura e di registrazione è stato diverso rispetto alle tue esperienze precedenti?
Alcune canzoni esistevano già, appartenevano al passato, altre invece sono state scritte on the road. Per comporle ho usato l’ukulele perché per un certo periodo, a causa di un incidente, non ho potuto usare il dito medio della mano sinistra. Il mio approccio alla scrittura quindi è stato diverso rispetto al passato, per via di una necessità fisica.
Per quanto riguarda le registrazioni, sono riuscito a coinvolgere una squadra di musicisti straordinari, tra i quali il mio amico Kevin Devine alla chitarra. E’ la prima volta che lavoro con così tanti session man. In precedenza sono sempre stato supportato da gente che conoscevo bene… Ho anche condiviso la scrittura di tre brani dell’album… Tutte queste novità e una maggiore interazione con il mondo esterno hanno dato alle canzoni una prospettiva nuova, fresca, più ampia, anche se ancora tipicamente “Scott Matthew”…

Da cosa o da chi sei stato maggiormente influenzato durante la scrittura di questi nuovi brani?
Non faccio nomi, per proteggere il senso di colpa, visto che tutte le canzoni che scrivo sono autobiografiche. Sono influenzato puramente dalla mia vita privata e dalle persone che incontro. E’ l’unica fonte di ispirazione che mi spinge a prendere in mano uno strumento. Le idee devono nascere da un luogo intimo e personale che conosco profondamente. Ho bisogno di confrontarmi con la vita di tutti i giorni per riuscire ad essere onesto e scrivere una canzone decente. Non sono in grado di scrivere brani slegati dalle mie esperienze…

E della copertina del disco cosa mi dici?
E’ opera di un graphic designer di Berlino, nonché un mio caro amico. Si chiama Mario Lombardo… L’unica cosa di cui ero certo era che non volevo la mia foto sulla cover… Mi avrebbe fatto sentire troppo in imbarazzo… Così Mario ha deciso di lavorare sulla silhouette di alcune foto scattate da Michael Mann, un altro artista berlinese di grande talento. Lo scopo era creare un qualcosa di iconico e visivamente memorabile, pur mantenendo un forte legame con lo spirito dell’album. Mario voleva mostrare dal di dentro le mie intenzioni più profonde. La fragilità della musica. Della bellezza, della natura. Tutte entità destinate alla corruzione. Ha preparato alcune opzioni diverse e l’immagine che è poi finita in copertina è quella che mi ha colpito con la maggiore intensità. In un certo senso è riuscito a rappresentare lo sforzo che faccio nell’esporre pubblicamente, attraverso la musica, la mia vita privata.

Da dove trai ispirazione per i testi?
Come ti dicevo tutto deriva dalle mie esperienze con la gente. Dalle mie storie personali. Mi affascina la sfida di scrivere parole che abbiano un significato preciso e allo stesso tempo un suono intrigante quando vengono pronunciate. Infatti spesso è proprio il loro suono a determinarne l’utilizzo o meno, influenzando così anche la storia e l’atmosfera di una canzone. Quando canto inseguo dei temi ricorrenti come la luce, l’oscurità, il bene, il male. La linea d’ombra tra ciò che è giusto e ciò che non lo è… A volte parlo un po’ anche di Dio, ma non sono religioso… Ho una sorta di ossessione verso questo immaginario, che si è trasformata quasi in una piaga. Questi temi sono il cuore della mia scrittura. La resurrezione, la chiesa. Un dio che condona e dispensa alienazione.

Hai uno scrittore preferito?
In realtà non sono un lettore particolarmente avido ma adoro Paul Aster. Il fatto di vivere a New York poi aumenta il fascino e il coinvolgimento che i suoi libri hanno su di me. Ho letto la “New York Trilogy” mentre ero in tour negli Stati Uniti. Ha una scrittura quasi mistica…

Cosa volevi raggiungere in particolare con queste canzoni?
Come al solito volevo stabilire delle connessioni. Tra le gente, tra gli eventi… Spero che possano funzionare come una sorta di catalizzatore… Un catalizzatore in grado di dare voce e sollievo alle paure, alle pene amorose, ai sentimenti ammaccati di chi mi ascolta. Vorrei riuscire a trasmettere un senso di speranza che in seguito possa trasformarsi in sicurezza e felicità. La cosa più importante per me è l’onestà. Nei confronti di me stesso e dell’ascoltatore. Sono cresciuto facendomi guarire dalle canzoni di altre persone e spero che anche le mie possano essere altrettanto importanti per qualcuno…

Preferisci suonare dal vivo o la dimensione dello studio di registrazione?
Entrambe, anche se lo studio è una cosa completamente a se stante. E’ come un mistero che si dispiega a poco a poco, con il passare delle ore… Non si è mai sicuri del risultato finale e del valore di ciò che stai registrando mentre ad un concerto la risposta del pubblico è immediata. Nello studio il gioco si fa estremamente privato, non esiste un’interazione con il mondo esterno. Suonare dal vivo invece si basa sullo scambio di adrenalina, affetto, energia con le persone che hai davanti. A volte il potere che sprigiona un concerto è simile a quello dell’innamoramento…

Sei originario dell’Australia, dove vivi in questo momento?
Vivo a New York, da dodici anni ormai. Anche se ultimamente sto viaggiando molto e non ci sono quasi mai, il che aiuta a mantenere un certo apprezzamento nei confronti della città. Non è stato esattamente facile vivere qui per tutti questi anni. La maggior parte del tempo sono stato poverissimo, completamente senza soldi. Ho trovato però degli amici straordinari che sono diventati una seconda famiglia. Una famiglia musicale che mi supporta profondamente…

Cosa ti manca di più dell’Australia?
La mia famiglia. La scelta di vivere così lontano a volte pesa come un macigno sul cuore. Mi manca il modo di fare aperto e spontaneo, assolutamente non complicato, degli Australiani, e ovviamente mi mancano i paesaggi, lo splendore naturale della terra…

Mi racconti qualcosa della tua infanzia?
Sono cresciuto nel bush australiano. Non portavo quasi mai le scarpe e andavo in una scuola dove c’era una sola insegnante per tutte le classi. Ho avuto un’infanzia fantastica, davvero unica. A un certo punto però, inevitabilmente, ho sentito il bisogno di capire alcune parti di me stesso e la curiosità verso la cultura pop mi ha spinto a trasferirmi in città…

Raccontami dell’esperienza di Shortbus, il film che di fatto è stato il punto di svolta della tua carriera. Come hai incontrato il regista John Cameron Mitchell?
Ci siamo incontrati ad una festa nella fase di pre-produzione del film. John era alla ricerca di un singer/songwriter che recitasse un ruolo presente nella sceneggiatura che aveva scritto. Mi ha chiesto di fargli sentire alcuni brani e il resto è storia… E’ incredibile come tutto sia nato in maniera così spontanea, senza nessun calcolo. Mi ha dato lo script, ho composto di getto una manciata di canzoni e gli sono piaciute. Shortbus è stato davvero il punto di svolta per la mia carriera, dopo quel film sono stato contattato da un’agenzia di management e subito dopo da una casa discografica… Sarò eternamente grato a John per avermi dato questa opportunità…

La tua canzone preferita di tutti i tempi?
Impossibile rispondere. Ce ne sono così tante, per così tanti motivi diversi… Ascolto un sacco di musica…

Ascolti anche quella più “dance oriented”?
Si, non tanto quando sono a casa ma di sicuro quando esco. Ho alcuni amici nell’ambiente e sono sempre curioso di sentire le loro nuovo tracce… Anche un paio dei miei brani sono stati remixati… Mi affascina molto l’idea di far rivivere una canzone in una veste completamente nuova, dandole dei colori o delle sfumature inedite…

Fammi un po’ di nomi di artisti che ti piacciono in questo momento…
Kevin Devine, Holly Miranda, Sia. E poi ovviamente Antony…

Con che tipo di musica sei cresciuto? C’è qualche artista o band in particolare che ti ha cambiato la vita?
Se proprio devo fare un nome dico gli Smiths. Quando li ascolto mi sembra di non aver ancora superato la fase in cui, teenager, mi struggevo dal dolore accompagnato dalla loro musica… Mio padre era un musicista quindi sono cresciuto circondato da valanghe di dischi: Kris Kristofferson, Dylan , John Denver…
Tutti songwriter classici… Inevitabilmente quegli ascolti hanno poi influenzato il mio modo di scrivere… Non ho mai sentito l’urgenza di fare musica sperimentale…

Da quali stati d’animo trai maggiore ispirazione?
La disperazione e la solitudine in qualche modo accendono la mia creatività. Questo non vuol dire però che siano gli stati d’animo che caratterizzano la mia esistenza! Ho dei momenti di fragilità come tutti gli esseri umani… E’ forse proprio in quei frangenti riesco a liberarmi dalla zavorra della normalità per trasformarmi in un animale creativo…

Avevi qualche poster nella tua cameretta?
Ero ossessionato dai Kiss.
Come per molti altri adolescenti i muri della mia cameretta erano un autentico santuario dedicato a loro. Stranamente non mi è rimasto un ricordo preciso della loro musica, a parte le hit più scontate. Credo fossi più affascinato dal mistero che il loro immaginario riusciva ad evocare…

Come descriveresti la tua musica ai tuoi genitori?
Con un “E’ COLPA VOSTRA”. Scherzo… I miei adorano quello che faccio, ne sono orgogliosi e intrigati. Cerco di parlarne con loro come farei con qualsiasi altra persona. Sanno che la mia musica non è altro che un’onesta estensione di me stesso.

Cosa ti spaventa di più come persona?
Un mare di cose che cerco costantemente di imparare a gestire. Negli anni alcune paure sono riuscito ad eliminarle, altre sono ancora lì, da qualche parte, e ogni tanto vengono fuori…
Paura dei giudizi altrui, paura di non poter essere me stesso, di rimanere da solo, di essere abbandonato… Paura di mangiare carne per errore…

Come ti immagini tra dieci anni?
Con un lifting al viso, nel circuito dei cabaret di New York…
Non saprei… Non sono bravo nei piani a lungo termine…
Tutta l’energia che ho la sto impiegando per galleggiare nel presente… Vorrei solo riuscire a vivere con la mia musica, realizzando concretamente quel sogno che rincorro sin da quando ero ragazzino… Adesso mi sembra di averlo raggiunto ma vorrei che non si sgretolasse…

In quale film ti piacerebbe recitare?
Non sono un attore. Posso impersonare solo me stesso come in Shortbus…

Il tuo film preferito?
The Music Lovers di Ken Russell. E’ un film su Tchaikowsky. Glenda Jackson è straordinaria. Tragica, guidata dalla pazzia e dal desiderio… Un viaggio oscuro e disturbante…

Guardi le serie tv?
Adoro la televisione! Davvero! In particolare The Golden Girls e Lost… La uso come uno strumento per annullare i pensieri… E’ una zona di conforto dove mi rifugio per sfuggire dalla realtà… La gente tende sempre a giudicarmi male per questo… Ma non sono assolutamente d’accordo… Non sopporto questo distacco snob verso la televisione. A me porta sempre un sacco di gioia!

Qual è la cosa più preziosa che hai?
E’ molto personale come domanda, ci sono molte cose che letteralmente riverisco… L’amicizia è forse la cosa più importante di tutte, il privilegio di conoscere persone straordinarie e di condividere tutto con loro… Direi quindi i compagni di vita che ho incontrato in questi anni…
Quali sono gli artisti contemporanei con i quali senti di condividere un’estetica comune?
Non sono sicuro… So che la gente mi accosta spesso a Rufus Wainwright ed Antony…

Hai mai avuto un “italian affair”?
Si, non ti dico di più…

Sei innamorato in questo momento?
Non proprio. Hai qualcuno da propormi?

Ti piacciono gli sport?
Mi piace la televisione!

Se non fossi un musicista cosa ti piacerebbe essere?
Un uccello

Se potessi rinascere donna chi vorresti essere?
Blossom Deary

Se potessi viaggiare indietro nel tempo in quale epoca storica ti piacerebbe vivere?
In tutte quelle epoche caratterizzate da capolavori architettonici monumentali. Vorrei provare la sensazione di camminare dentro questi palazzi fantastici, appena costruiti…

Cosa fai di solito prima di andare a dormire?
Piango sul cuscino… Scherzo! Ringrazio per la vita straordinaria che sto vivendo…Il fatto che mi sia stata data la possibilità di essere tutto ciò che avrei sempre voluto essere…

Qual è stata la prima cosa che hai pensato questa mattina appena sveglio?
Sono ossessionato da una nuova canzone che ho scritto. E’ di due giorni fa ed è un duetto. Così ho telefonato a Sam (il mio violoncellista) per suonarla e cantarla con me ancora mezzi addormentati…

Se avessi l’opportunità di parlare con il te stesso bambino cosa gli diresti?
Gli direi di non preoccuparsi… O forse no… Potrebbe cambiare il mio destino e le mie canzoni, e non vorrei mai che questo accadesse…

Che nome sceglieresti per la tua nuova band?
“Lucy and her furs”, o forse soltanto “Lucy Fur”.
Credo potrebbe essere il mio nome da Drag Queen.
Mi sono spiegato?

Intervista di Mariacristina Bastante (kikka@pigmag.com)

Marcus Beck e Simon Macro si conoscono da quando avevano due anni. Insieme hanno giocato con i Lego, insieme, nel 2005, hanno aperto il loro studio di design. Freshwest è nato così, da una passione comune e dalle stesse idee su che cos’è e che cosa fa il design oggi. Il resto, come si dice, sono chiacchiere. Loro, invece, progettano tanto e bene. Dal tavolo piscina alla sedia che si accascia. Fino ad una lampada che è piaciuta tanto, ma proprio tanto a Marcel Wanders e Casper Vissers. Ed è finita nella collezione di Moooi. Ecco Simon e Marcus, in un’intervista a due voci.

Ciao ragazzi!
Raccontateci come siete, in quattro parole.
Giocosi, pensierosi, calmi, mutevoli.

Quanti anni avete?
34, tutti e due.

Che cos’è il design per voi?
Giocare, in modo costruttivo.

E Freshwest, che cos’è?
E’ una piattaforma per esprimersi e realizzare le nostre idee. Anche quelle poco… commerciabili!

Pensate che il design debba essere utile?
Dipende da che cosa intendi per utile!
Alcuni dei nostri lavori sono molti più vicini all’arte che al design, in questi la funzionalità è poca, o addirittura non c’è. Se dicessimo che non sono utili staremmo forse dicendo che l’arte è inutile…?

Quando vi siete incontrati
Ci conosciamo da quando eravamo piccoli. Avremmo avuto due anni forse…

E poi?
Abbiamo studiato arte e poi siamo arrivati in maniera indipendente l’uno dall’altro alla conclusione che il design poteva essere la piattaforma per esprimere le idee che ci interessava esprimere.

Quali sono i vostri designer e artisti preferiti?
Artisti come James Turrell, Bill Viola, Tom Friedman, Bridget Riley e Magritte ci piacciono molto. E poi ci piace il lavoro di designer come Frout e Maarten Baas. Quest’anno a Milano, la mostra di Baas era essenzialmente una mostra di arte contemporanea. Ed era interessante vedere che un lavoro come quello fosse mostrato nella più grande fiera del design mondiale.

Quali sono le vostre fonti di ispirazione?
Qualunque cosa che abbia a che fare con la scienza e specialmente con la fisica e l’ingegneria… parlare con le persone che sono specializzate in una particolare materia o processo meccanico.
Cerchiamo di non guardare al design per trovare ispirazione: è limitante e poi è frustrante quando vedi già realizzata un’idea che hai avuto o su cui hai appena iniziato a lavorare…

Mi sembra che vi piacciano le forme estremamente semplici. Vi sentite dei minimalisti?
Il nostro lavoro è sulle idee.
Quando cerchiamo di esprimerle attraverso qualcosa di tangibile e tridimensionale la parte più faticosa è elimare gli elementi che non sono necessari. Credo che potrebbe essere una forma di Minimalismo, ma non in termini di estetica.

Siete stati al Salone del Mobile quest’anno?
Si. Avevamo due pezzi esposti alla mostra di moooi in zona Tortona.

Avete dedicato due progetti a Francesco Borromini, che è un architetto italiano del periodo Barocco. Come mai?
Borromini ha progettato un famoso corridoio all’ingresso di Palazzo Spada che appare quattro volte più lungo di quanto effettivamente è. Noi abbiamo prodotto un tavolo e una console usando le dimensioni prese da fotografie di tavoli esistenti. Il risultato è un’illusione prospettica simile.

Quali sono i vostri prossimi progetti?
Abbiamo avuto un anno eccezionalmente impegnativo lavorando per vari clienti, così adesso stiamo cercando di prenderci del tempo per concentrarci sulla produzione di alcuni nuovi lavori che non siano vincolati da un committente.

E tra quelli che avete già realizzato, qual è l’oggetto che amate in modo particolare?
The Brave New World Lamp ha per noi un significato speciale. Ci siamo divertiti moltissimo a farla. E’ stato come tornare bambini, a giocare con il Lego. Ed è stata così complicata da fare che non sognavamo nemmeno che sarebbe potuta entrare in produzione.
E avere Casper Vissers e Marcel Wanders che la scelgono per la nuova collezione di moooi è stato fantastico…

Immaginate di non essere designer. Cosa sareste diventati?
Surfisti!

www.freshwest.co.uk

Sembrano imponenti lampadari vittoriani, nella realtà non servono a fare luce. Si tratta della riproduzione in silicone e fibre ottiche di grandi meduse, realizzate assemblandole molecola per molecola, pezzo per pezzo, tentacolo per tentacolo. Atmosfere oniriche e abissali, degne di Jules Verne e di 20.000 leghe sotto i mari, eleganza marina e tecnologia quasi spirituale sono le caratteristiche di questi monili realizzati per gli interni. Io però non ci passerei sotto, non si sa mai.

www.timothyhorn.net

Mindless Boogie 20 – Villa the Diva Edits lo trovate qui

Anuschka Hoevener è una designer emergente che vive e lavora a Berlino dal 2004. I suoi disegni sono molto strutturati per creare un effetto scultoreo, dalle linee semplici impreziosite con elementi che donano un tocco unico. Dopo aver imparato delle tecniche di ricamo molto particolari a Stoccolma, Anuschka le ha applicate alla collezione pe09, che è tutta concentrata sulla corda. I colori accesi degli abiti, vengono infatti contrastati dal beige della corda, che diventa elemento decorativo e strutturante.

www.anuschkahoevener.de

Michel Bussien ha un approccio al design quasi panteistico, con la natura al centro della sua ricerca. A ciò è arrivato dopo un percorso di studio e ricerca di nuove tecnologie. In pratica il suo design sembra più una ricerca spirituale che industriale. Da qui la sua Growing Chair, ibrido tra un piccolo giardino Zen e l’arredamento da giardino deluxe. Ai posteri capire se si tratti di un uso della natura rispettoso e se sia una forzatura.

www.bussien.net

Photographer: MACIEK POZOGA - www.maciekpozoga.com
Stylist: CHARLOTTE MOREAU
Photography Assistant: LOAN CALMONE
Models: SIDNEY GEUBELLE at FASHION
Special Thanks: ARTHUR

Questo weekend nelle sale U.S.A. esce il nuovo film con Sacha Baron Cohen: Brüno. Diretto dal solito e irriverente Larry Charles (se non avete visto Religiolus andatevelo a recuperare, anche se probabilmente sono una delle poche a cui è piaciuto), il film presenta un altro personaggio destinato a rimbalzare nelle nostre teste per un po’ di tempo: Brüno, un giornalista gay esperto di moda. Speriamo che questo film riesca a farmi rivalutare un po’ Sacha, visto che sono ancora convinta che Borat sia uno dei film più inutili e terrificanti girati negli ultimi anni. Dai, accanitevi pure…

P.S. L’uscita di questo film nelle nostre sale al momento è fissata per Ottobre e il trailer fa ben sperare.

Album del mese. Non avrei scommesso un penny su Jack Peñate. Mi era parso un acerbo e anonimo cantastorie, anello debole dell’ondata dei talentini (insieme a Lily Allen, Jamie T e Kate Nash) from outer (my)space stagione 06/07. Chi l’avrebbe detto che sarebbe stato lui a firmare uno dei dischi dell’estate 2009? Eppure… E’ l’incontro con Paul Epworth a cambiare le cose. I due si trovano a meraviglia e l’ex Phones lo volta come un guanto.Vogliono fare un disco a tinte tropicali, con i ritmi dell’Africa, i colori dei Caraibi e un’anima soul. E lo fanno. Senza dimenticare la malinconia tipica di certe canzoni britanniche. Se nessuno si scandalizza Everything Is New è un piccolo Graceland, versione 2009, fatti ovviamente i dovuti paragoni. E’ il disco da portare in vacanza, merito anche di quel sapore balearico che lo attraversa (qui in versione Robert Smith in vacanza a Ibizia) che va per la maggiore. Nove brani, all killer/no filler, (Tonight’s Today è già nella top ten di fine anno). Schiaccio play al tramonto e non lo tolgo più. (XL)

Mangiare da soli può essere un problema. Qualcuno si fa prendere dallo sconforto, altri dalla pigrizia. La soluzione arriva dal tavolo digitale di Sang Hoon Lee, di Seul. Un tavolo con il posto per una Tv o un laptop, un piano trasparente (che diventa anche opaco mentre si mangia) sotto al quale ci sono piastre per scaldare le vivande e un frigorifero. Tutto a portata di mano. Dedicato a chi mangia davanti alla Tv.

sanghoon-design.com

Non tutti sanno che di AIDS, se diagnosticato per tempo, non si muore più, basta fare i test ogni tanto (cosa comunque doverosa). Comunque non va abbassata la guardia. In Finlandia è uscita questa campagna per promuovere l’uso dei preservativi, senza dimenticare che il corpo umano va esplorato; pratica spesso davvero interessante.

www.aidstukikeskus.fi

Intervista di Gaetano Scippa. Foto di Guido Gazzilli.

E’ il Maestro della musica horror, colui che ha firmato le colonne sonore più terrificanti della nostra epoca. Le sue note di Profondo Rosso affollano tuttora gli incubi peggiori di milioni di persone. Il compositore e autore Claudio Simonetti non solo ha siglato la quasi totalità dei film di Dario Argento con e senza i leggendari Goblin, precursori del prog rock italiano, ma è stato uno dei pionieri dell’italo disco che tanto amiamo ballare di questi tempi. Ah, e vi ricordate del tormentone Gioca Jouer di Claudio Cecchetto? Indovinate chi l’ha scritto… Ne parliamo a quattr’occhi con Simonetti presso lo IED di Roma in occasione della presentazione della prossima edizione della Red Bull Music Academy (Londra 2010), workshop annuale per 60 dj, producer, musicisti e vocalist selezionati da ogni parte del mondo per condividere esperienze professionali e culturali.

In che modo ti ha condizionato essere figlio d’arte del Maestro, attore e showman Enrico Simonetti?
Da un lato è stato un handicap. All’inizio è stata dura perché tutti mi identificavano come “il figlio di Simonetti”, il raccomandato, quello che aveva più privilegi degli altri. Dall’altro lato sono stato molto fortunato ad avere un padre così, come uomo ancor prima che musicista e talento. Mi ha insegnato il mestiere a prescindere dagli studi musicali, portandomi con sé fin da piccolo dietro le quinte degli studi televisivi, teatrali, musicali e cinematografici. Sono nato e vissuto a San Paolo in Brasile fino a dodici anni. Ho studiato pianoforte dagli otto ai dieci, poi mi sono stufato. Tornato in Italia con tutta la famiglia, ho riscoperto la musica grazie al beat e al pop di fine anni ’60. Volevo diventare musicista, ma per farlo seriamente mio padre mi ha fatto studiare pianoforte e composizione al Conservatorio di Santa Cecilia a Roma. Classica e rock, visto che nel frattempo suonavo la chitarra in vari gruppi, tra cui Il Ritratto di Dorian Gray con cui ho partecipato nel ’71-’72 ai festival di Caracalla e villa Panphili.

Facevate progressive rock?
Come tutti all’epoca suonavamo cover di Yes, King Crimson, Genesis, Deep Purple, Emerson, Lake & Palmer. Man mano ci siamo costruiti una nostra identità. Poi durante il servizio militare a Roma ho conosciuto il chitarrista Massimo Morante con cui ho avviato il progetto Cherry Five diventato poi Goblin.

Ti è rimasto qualcosa di brasiliano?
Pur avendo fatto la musica dell’horror non sono una persona tenebrosa. Anzi, sono molto solare e ottimista come il Brasile. Non mi sono mai appassionato al calcio e alla musica brasiliana tipo bossanova o samba, ma alla finale mondiale del 1970 ho tifato Brasile.

Forse il lato più solare di te è uscito nella disco music.
Nel ’78 cominciava ad arrivare la vera dance, lanciata dalla Febbre del Sabato Sera, Grease ecc… Il rock era in declino, anche perché apparteneva a una corrente politica partita nel ’68 e associata a situazioni difficili, roventi. Forse le nuove generazioni, impaurite da quello che era successo il decennio prima, volevano identificarsi con una nuova epoca più felice. Per me gli anni ’80 sono stati i più belli, anni di grande positività nel lavoro e nel tempo libero. La gente usciva di casa, si divertiva, le discoteche si riempivano anche per il boom economico, i ragazzi avevano ideali che la musica seguiva pari passo. I problemi c’erano, ma non come oggi.

Però negli anni ’80 la musica non era solo “leggera”. Penso al metal per esempio.
Certo, in quel periodo ricordo grandi chitarristi come Malmsteen, i Van Halen, altri grandi gruppi. Però stranamente ascoltavo più la musica di Duran Duran e Spandau Ballet, affini a quello che facevo io. Il rock degli anni ’80 per me non era una novità, ma un rifacimento di quello che avevo già vissuto negli anni ’70.

Quanto ha pesato l’incontro con Giancarlo Meo?
E’ stato fondamentale per la mia carriera dance, anche perché quando ci siamo conosciuti nel ’78 avevo appena lascito i Goblin dopo soli 3-4 anni insieme. Morante se ne era già andato dal gruppo e con gli altri membri non avevo più nulla da dire. Giancarlo, che prima di allora vendeva capi d’abbigliamento, mi disse che voleva buttarsi come produttore in campo discografico e aveva fondato la Banana Records. Stava lavorando a una cover di Suzy Q (dei Creedence Clearwater Revival, ndr) e mi chiese di fare il lato B per un 45 giri. Non avevo mai fatto dance, ma mi intrigava perché in Italia quasi nessuno la faceva, a parte i Fratelli La Bionda (quelli di One for you one for me, ndr), Mauro Malavasi che aveva progetti come Macho, e ovviamente Moroder, trasferito in Germania. Gli portai il provino di Baby I Love You degli Easy Going. Il brano divenne il lato A e fece nascere un album contenente anche il lento Little Fairy e Do It Again. Il disco, registrato nello studio di Gianni Boncompagni, ebbe molto successo con 200mila copie vendute in due mesi, tant’è che l’anno successivo col nuovo album sbarcammo in America nonostante lo scetticismo intorno a noi. Oggi, dal 30 al 50 per cento della dance (intesa come disco music o italo disco, ndr) che trovi in giro è roba italiana.

Le copertine degli Easy Going erano piuttosto gay-friendly…
Il nome stesso arriva da una discoteca romana frequentata da gay e personaggi famosi. Sulla parete esterna c’era un mosaico che è poi diventato la nostra cover. A me e Paolo Micioni (il dj della discoteca entrato negli Easy Going) piaceva giocare con l’equivoco, ma in realtà nessuno di noi era omosessuale a parte due ballerini.

Com’è stato il tuo approccio compositivo in progetti così diversi, dal Ritratto di Dorian Gray ai Goblin fino a quelli dance?
E’ puro istinto. Ho avuto la fortuna di adeguarmi alle diverse situazioni. Se mi propongono qualcosa cerco di capire e mi adatto. I dischi di cui abbiamo parlato prima sono stati dei grandi successi, come pure Give me a break di Vivien Vee o Kasso. Ma, a parte le colonne sonore, il mio più grande successo in assoluto è stato quello nato da una richiesta del mio amico Claudio Cecchetto, conduttore di Discoring: voleva una base per un pezzo in cui lui dava comandi che la gente doveva ripetere. Andai a casa e composi una tarantella, Gioca Jouer, che ebbe un seguito clamoroso e divenne la sigla iniziale di Sanremo nel 1981. Un botto pazzesco che si protrae tuttora. Se ci pensi, è un bel salto da Profondo Rosso a Gioca Jouer!

Come mai Cecchetto non dice mai chi ha scritto quel pezzo? Sembra quasi se ne sia appropriato in toto.
Gliel’ho fatto presente dicendogli: “’mazza però, tu sta cosa qui non la dici a nessuno”. Ma è anche vero che spesso ascolti pezzi famosi e non sai chi li ha scritti, poi vai a vedere e scopri Maurizio Costanzo, Mango e così via. Cecchetto ha sempre evitato di parlare di me perché è un po’ egocentrico, anche se ogni volta che mi vede mi fa i complimenti. Ha rifatto Gioca Jouer in varie versioni, ma “nessuna come l’hai fatta tu”, mi dice. Io gli rispondo: “Hai fatto male, mi dovevi richiamare” (ride, ndr).

Come mai una reunion dei Goblin nel 2000, dopo esservi lasciati malissimo nel ’78 in seguito a divergenze professionali e caratteriali?
Perché nel ’99 incontrai Dario Argento a Sitges, Barcellona, per un festival sul Cinema Fantastico. Stava finendo di girare Non Ho Sonno e visto che era un ritorno al giallo io gli proposi di riunire i Goblin per la colonna sonora, sperando in qualcosa di duraturo. Richiamai i ragazzi, ma già dopo pochi giorni in studio riaffiorarono i problemi di 22 anni prima. Il nostro rapporto lo paragono sempre a un matrimonio. Quando due persone sposate si separano per incompatibilità non possono tornare più indietro. Noi siamo arrivati al livello che dopo quattro giorni di registrazione, a metà lavoro, ci siamo divisi: due in uno studio e due in un altro. La reunion di una settimana.

Come vivi il fatto di sempre associato al cinema horror, pur avendo un’esperienza a 360 gradi?
Ne sono molto felice perché essere “il musicista dell’horror” è qualcosa di bello e valido, non limitativo. Molti mi conoscono per il mio aspetto dance, poi ho fatto più di 60 film di vario genere tra cui commedie e serie tv come College. Però è chiaro che i più famosi sono quelli del cinema horror. Mi sento un po’ come Mike Oldfield, legato a Tubular Bells pur avendo fatto altri grandissimi pezzi. Ebbe la fortuna di vendere 15 milioni di copie e quando il regista William Friedkin decise di inserirlo nella colonna sonora de L’Esorcista, vendette altri milioni di copie.

Avresti mai immaginato che gran parte della tua carriera si sarebbe sviluppata attorno al rapporto tra musica e cinema horror?
No, anche se fin da piccolo ho amato tutti i film del terrore, quelli con dracula il vampiro e quelli della Hammer. Mi spaventavano, ma li guardavo per esorcizzare la paura. La prima colonna sonora fondamentale fu quella di Psycho di Bernard Hermann, un genio, il più grande di tutti. I suoni delle coltellate sono storia. Poi rimasi colpito da L’Uccello dalle Piume di Cristallo di Dario Argento. Era la prima volta che un regista italiano si cimentava in qualcosa di diverso. Poi Dario girò Il Gatto a Nove Code e Quattro Mosche di Velluto Grigio, diventò famoso. Per me era un mito assoluto.

Quando e come hai conosciuto Dario Argento?
Aveva appena fatto una commedia con Celentano e Cerusico, Le Cinque Giornate. Il film andò male, per cui decise di tornare al giallo. E fece il capolavoro, Profondo Rosso. Fortuna vuole che mi trovassi nel posto giusto al momento giusto. Nel ’74, dopo il servizio militare, passai un anno a Londra con Massimo Morante e i Goblin, chiamando Fabio Pignatelli al basso, Carlo Bordini alla batteria e il cantante americano Clive Haynes. Grazie a mio padre facemmo ascoltare i nostri demo al suo discografico, Carlo Bixio della Cinevox. Nello stesso momento in cui decise di farci incidere un album, Dario Argento stava cercando le musiche per Profondo Rosso, la cui colonna sonora era stata iniziata da Giorgio Gaslini. Dario voleva musica orchestrale, ma soprattutto rock. Gli piaceva il rock. Per Quattro Mosche di Velluto Grigio aveva contattato i Deep Purple, ma per problemi di “nazionalità” del film (non potevano figurare troppi stranieri) la collaborazione sfumò. Non so perché, ma alla fine fece fare la musica a Morricone. Tornando a Profondo Rosso, come gruppo rock Dario aveva pensato alla PFM e a Emerson, Lake & Palmer (Emerson lo chiamò in seguito). Bixio gli suggerì di passare in studio a sentirci mentre registravamo per l’album pezzi prog un po’ gotici alla King Crimson e Gentle Giant. Dario ci affidò subito le partiture di Gaslini, con cui nel frattempo aveva litigato. Ci trovammo in breve a dover eseguire il lato B scritto da Gaslini e a fare anche il lato A perché mancavano i temi principali. Noi, spaventati, nella famosa notte buia e tempestosa di Snoopy, ci rinchiudemmo in studio per la colonna sonora di Profondo Rosso.

Avevate visto il film prima di comporre?
Allora non si lavorava sulle immagini, più che altro si leggeva lo script per trarre ispirazione. Facemmo quattro versioni lunghe, che Dario e il montatore adattarono al film. Stessa cosa per Suspiria, anche se lì il lavoro fu più lungo.

Come sono cambiate le tecniche di registrazione dagli anni ’70 a oggi?
Sono state rivoluzionate. Di positivo c’era la creatività, bisognava inventarsi tutto. Per il loop di Profondo Rosso, registrato con clavicembalo, chitarra acustica e Moog, essendo impossibile suonarlo fisicamente per 10 minuti (non c’erano le batterie elettroniche e i campionatori), avevamo realizzato un nastro che faceva un giro completo ad anello su due piste missate con l’arpeggio, per poi essere riversato sul 24 piste. Stessa cosa per cassa e rullante degli Easy Going, dato che i pezzi duravano molto. Altro colpo di fortuna fu il luogo di registrazione, lo studio Ortophonic (oggi Forum) sotto la basilica di piazza Euclide, dove poter registrare l’organo da chiesa con un effetto e una profondità di suono senza pari.

Quel Moog è stato il tuo primo sintetizzatore?
Gli altri sono arrivati a fine anni ’70, poi i midi negli ’80. Ne ho avuti tanti, tutti. Conservo ancora 8 tastiere vintage vere, l’organo Hammond B3, il Mellotron, il PPG, l’Emulator, ognuno con il suo suono. I plug-in di adesso sono fatti molto bene, non hanno quasi più niente da invidiare agli originali. Allora dovevi essere bravo a suonare, dal vivo non c’era computer che potesse sostituirti.
Oggi si lavora più facilmente, ma anche in modo più tecnico. Si può fissare al millimetro la musica al fotogramma, mentre prima si lavorava col cronometro. Per essere a synch mettevamo una barra di segnalazione sul nastro del film proiettato, ma dovevamo ripartire decine di volte per trovare il momento esatto, con tempi dilatati e costi più alti. Rimpiango molto quel modo di lavorare tutti assieme, con creatività e passione.

Il tuo progetto più recente, Daemonia, è un ritorno al rock sinfonico. Nostalgia?
E’ la voglia di suonare quel tipo di musica che non posso più fare con i Goblin, anche se negli anni ’90 ho avviato il Simonetti Horror Project. La gente non smette mai di voler sentire quella musica. Oggi molti ragazzini di 14 anni hanno la suoneria del telefonino di Profondo Rosso senza aver visto il film, solo per il potere immaginifico della musica.

In Giappone impazziscono per i Daemonia.
Una volta una giapponese, a fine live, è entrata nel nostro camerino e appena ci ha incontrato è svenuta dall’emozione (ride, ndr). La cosa che mi entusiasma è vedere tra il pubblico molti giovani, anche in Italia. Padri e figli insieme, con i miei dischi in mano…

Per te però non è una musica particolarmente paurosa.
No, perché la facevo già da prima. Non volevo spaventare nessuno, ma evidentemente con le immagini ha funzionato.

Quanto conta il connubio orchestra-musica elettronica?
Ho studiato classica, composizione e armonia, quindi amo l’orchestra. E’ la cosa più bella e naturale che esista. Tutto il resto, a parte forse il sintetizzatore, è emulazione di strumenti veri. L’organo Hammond è nato per emulare quello da chiesa, poi è diventato blues. Perfino per la musica dance, all’inizio, utilizzavo un’orchestra vera. Andavo in America a fare i cori, a registrare i fiati ecc… Ultimamente ho utilizzato un’orchestra mischiata all’elettronica: nel 2005 per Jenifer di Dario Argento, unico europeo per la serie Masters of Horror (13 film dei più grandi registi horror al mondo, tra cui Carpenter, Landis, Romero, Hooper), che ha venduto un milione di dvd in America, e nel 2006 per Pelts, film di Dario sulle pellicce per la stessa serie. L’ultimo è stato La Terza Madre.

Guardando indietro hai rimpianti?
Mi sarebbe piaciuto andare in America e lavorare col cinema americano, ma sono rimasto legato alle mie radici. Non ho rimpianti grossi, mi sento fortunato e soddisfatto di ciò che ho fatto.

Paure?
Da bambino ero terrorizzato dalla casa dei fantasmi del luna park. Al cinema vidi Bambi con mia madre, che dovette portarmi via nella scena dell’incendio e della morte della mamma. Crescendo ho superato queste fobie. Oggi non ne ho.

Sogni?
Continuare a far musica in eterno. Certo, se mi chiamasse Spielberg…

Come vedi il cinema horror di oggi?
Ci sono molte produzioni, su 10 film 8 sono dell’horror o thriller, quindi rimane il primo genere al mondo. Alcune sono davvero buone, come Captivity, Hostel, Saw, Turistas e perfino certi remake (Non Aprite Quella Porta e Dawn of the Dead) che in genere non amo. Altri invece pessimi, tipo Il Presagio e The Fog. Ora temo per il rifacimento di Suspiria, perché qualche giorno fa con i Goblin abbiamo ceduto i diritti a una società italiana collegata alla Fox che ci ha chiesto la musica. La protagonista dovrebbe essere Natalie Portman, mentre la moglie del produttore è Jessica Harper (protagonista nell’originale).

E la musica?
A volte spettacolare, altre copiata. Hans Zimmer ha copiato senza vergogna quella di Suspiria nei titoli di coda di The Ring e, recentemente, in Angeli e Demoni.

Che consiglio daresti a un giovane che vuol fare colonne sonore oggi?
Dovrebbe legarsi a un regista. Purtroppo è una professione che non c’è più, come non ci sono più i B movie italiani che oggi insegnano nelle cineteche. Lamberto Bava, Michele Soavi, Ruggero Deodato, Enzo Castellari, lo stesso Dario Argento faticano oggi a trovare i finanziamenti. Il mercato cinematografico è in crisi, anche a causa della televisione. Come Internet ha distrutto l’industria discografica. Un buon inizio potrebbe essere proprio la Red Bull Music Academy dove, a dispetto delle tecnologie che tendono a isolare le persone, ci si può relazionare e collaborare fianco a fianco con artisti da tutto il mondo.

Progetti futuri?
Fare la musica per il primo film di un regista francese, quello dello spot Citroen dove la macchina diventa robot. Il film si chiamerà The Dark Side e sarà, manco a dirlo, ricco di streghe ed effetti speciali.

www.redbull.it/redbullmusicacademy

Album del mese. Ricordate il trenino cigolante che conduceva nel castello dei fantasmi da piccoli? Il brivido mistico, e inconsapevolmente erotico, una volta immersi nel buio profondo di quella giostra ancestrale? Il senso di vertigine alla prima discesa nel vuoto e l’esplosione di adrenalina alla vista di un fantasma dilaniato da urla tombali? Bene, questo mastodontico esordio dei Mungolian Jetset (trio norvegese dalla formazione aperta – tra i numerosi collaboratori si conta anche Lindstrøm) ne è la perfetta trasposizione sonora, aggiornata ad una versione per soli adulti. Un estatico ed esoterico tourbillon musicale che si dipana in un doppio album con le sembianze di un Frankestein psichedelico. Un viaggio cosmico nello spazio dell’anima e le sue croste lisergiche a base di techno, ambient, disco, prog e soft rock, jazz, pop, dub. Arenati sulla spiaggia di un’esotica colonia lunare, nell’universo inesplorato. Insieme a quel trenino del passato, ormai arrugginito. (Smalltown Supersound/VME)

1. Late Of The Pier – Bathroom Gurgle (Duke Dumont Remix)
2. Kenton Slash Demon – Khattabi
3. Okain – Jim Raynor
4. Gregor Salto ft. Thais – Mexer (Funkin Matt 3AM Remix)
5. KC Flightt – Voices (Riva Starr Remix)
6. Yaron Cohen – Laffy Taffy
7. Momma’s Boy – Betowe
8. Broombeck – The Clapper
9. Format:B – Boing 030
10. Lucio Aquilima – Disco Bus (Roland M. Dill Remix)
11. Rhythm Code – The Scorpion
12. Popof – High & Down
13. Tom Flynn – Blow Out
14. Paul Ritch – Nordbanhoff
15. Noob – Petite Bestiolle
16. Heiko Laux – Mirabella
17. Boy 8-Bit – Wolfen
18. Renaissance Man – Harlem
19. DJ Zinc – Blunt Edge
20. Tiga – Shoes (Djedjotronic Remix)
21. Franz & Shape ft. Motor – Melt (Sex Schön Remix)
22. Yuksek – We R Not Supermenz (Dub)
24. Iron Curtis – Solgerhood
25. Orlando Voorn – The Beholder (Marco Bernardi’s Respect To Mix)

PIG numero 74, Estate 2009 è in edicola.

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In questo numero:
Grizzly Bear, Charles Anastase, Keizo Shimizu, Claudio Simonetti, Scott Matthew e molte altre interviste.

Street Files alla Biennale di Venezia e servii di moda di Maciek Pozoga e Bella Howard.

Oggi è davvero un gran giorno del cavolo per inaugurare questa sorta di rubrica settimanale, ma se dovessi aspettare il momento più propizio probabilmente ci rivedremmo in Autunno. Pop Corn sarà il mio appuntamento fisso del venerdì con le new entries cinematografiche del weekend.
Ed ecco lo scempio della settimana… Sì, ho messo quella foto così andate avanti a leggere…

Miss Marzo di Z.Cregger e T. Moore: un film inutile per persone inutili che parla di due ragazzi inutili. Uno va in coma ad una festa e quando si sveglia quattro anni dopo, la ragazza con cui voleva consumare al party è diventata una coniglietta di Playboy. Inizia il road movie per lo svezzamento, per me solo una frittata di maroni.

Outlander – L’ultimo Vichingo di Howard McCain: è un film sui vichinghi. Può bastare? Ok, c’è James Caviezel e si sa… se c’è lui l’80% delle volte è una porcheria.

Il Superpoliziotto al Supermercato di Steve Carr: il film con il ciccione di Hitch (Kevin James) che fa il poliziotto annoiato dalla vita, ma che troverà in una rapina al supermercato in cui lavora un modo di riscatto anche agli occhi della bella di turno si cui si è innamorato e che è stata presa in ostaggio dai malviventi. Successo al botteghino U.S.A., da noi si preannuncia flop assicurato. Con un titolo così voi andreste mai a vedere questo film? (il titolo originale è: Paul Blart: Mall Cop)

Tutti Intorno a Linda di Barbara e Monica Sgambellone: più che un film sull’endometriosi (non ve la sto a spiegare, se volete andare a vedere sto film vi andate a cercare cos’è) il titolo è più adatto ad un porno con gang bang. C’è Marco Cocci che è sempre un piacere per la vista, ma la grana da spot dell’Amaro Lucano del film me lo fa passare in secondo piano e vado al bar a dimenticare i bei giorni che furono.

La Misma Luna di Patricia Riggen: ennesimo road movie estivo alla ricerca di affetti perduti. In estate sono un po’ intollerante verso i film che si investono di una qualche nota autorale, ma che rimangono insipidi. Ma se proprio volete vedere qualcosa di nuovo, andate a vedere questo.

La Rivolta delle Ex di Mark Waters: il film che ho deciso di recensire in modo più completo, sapendo che chi andrà al cinema questa settimana opterà per sta broda…

Il cognome del regista (Waters) esprime appieno il luogo in cui dovrebbero trovarsi la maggior parte dei film che ha realizzato fino ad oggi. Non ci stupisce che scorrendo qualche biografia del regista si legga che gli diano dei meriti come aver lanciato Lindsay Lohan, a cui prontamente risponderei con un “Grazie Mark, il cinema mondiale ne sentiva proprio la mancanza, come avremmo fatto senza di te e Lindsay?”. 
Coerente con la sua filosofia cinematografica del “metto qualche belloccio/a nel mio film così passa in secondo piano il fatto che non abbia nulla da raccontare”, La Rivolta Delle Ex schiera in primo piano l’idolatrato Matthew McConaughey (un altro che non ha nulla da dire) e Jennifer Garner (che ci piaceva fino a quando si è legata indissolubilmente a Ben Affleck, socio onorario dello stesso club di McConaughey e Waters). La storia: Connor Mead è un famoso fotografo di vip, scapolo tutto d’un pezzo, amante della bella vita e della poligamia. Invitato al matrimonio del fratello, più romantico, deride la sua concezione d’amore, scatenando una catastrofe per l’evento e tutte le persone invitate. Tra queste c’è anche una sua amica d’infanzia, Jenny, che sembra ormai immune al fascino di Connor. Proprio quando tutto ormai sembra distrutto, il playboy riceverà la visita rivelatrice del fantasma dello zio Wayne (Michael Douglas) che gli farà capire il perché sia diventato così offrendogli una seconda possibilità attraverso la visita dei tre spiriti di passato, presente e futuro .
Come spesso accade, anche questo film si presenta in Italia con una traduzione inappropriata del titolo: da Ghost of Girlfriends Past, che ne rievoca maggiormente la tematica dickensiana, a La Rivolta Delle Ex, scelta che farebbe presagire a una storia completamente diversa. Proprio come succedeva a Scrooge in “Canto di Natale” (sto facendo paragoni di cui mi vergogno, non abbiatemene male), Connor viene rimbalzato avanti e indietro nel tempo con continui flashback e flashforward per analizzare cosa nel suo passato l’abbia reso così disilluso e cinico nei confronti dell’amore e per mostrargli come sarà la sua vecchiaia se sceglierà di non cambiare il suo stile di vita e le sue vedute.
L’ennesima storia sull’esaltazione dell’amore, dai tratti troppo melensi per non scadere nel kitsch, che ci affascina solo perché si basa sulla struttura di una delle più belle favole, apprezzate soprattutto in clima natalizio, mai scritte. Ma visto che non è nemmeno Natale anzi, fa un caldo porco, a noi che ce ne frega di andare a vedere questo film?

Buon weekend gente!