Pipoca dos Outros

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2

2011-07-15T03:20:00.011-03:00

(Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 2, Reino Unido/EUA, 2011)

Direção: David Yates

Roteiro: Steve Kloves, baseado na obra de J. K. Rowling

Com: Daniel Radcliffe, Ralph Fiennes, Emma Watson, Rupert Grint, Alan Rickman, Maggie Smith, Warwick Davis, Matthew Lewis, Tom Felton, Michael Gambon, Evanna Lynch, Jason Isaacs, Helena Bonham Carter, David Thewlis, Julie Walters, Kelly Macdonald, John Hurt, Ciarán Hinds, Jessie Cave, Robbie Coltrane e Gary Oldman.

Estreia no Brasil: 15/07/2011

por João Marcos Flores

Por maior exagero que haja na divulgação em que os publicitários da Warner (que novidade!) anunciavam o capítulo final da saga Harry Potter como “o evento cinematográfico de uma geração”, uma coisa é inegável: a série baseada nos livros de J. K. Rowling conquistou o seu espaço na história da Sétima Arte. Afinal, durante os últimos dez anos, acompanhamos o desenrolar de uma mesma história que, dividida entre oito filmes e vista através das lentes de quatro cineastas completamente diferentes, nos inseriu de forma sempre imaginativa no mundo mágico concebido pela escritora britânica, além de permitir que testemunhássemos o amadurecimento gradativo não apenas da saga em si, mas também de seus personagens principais e, consequentemente, dos jovens atores que lhes emprestaram os rostos durante toda uma fase repleta de transformações físicas, mentais e, neste caso, profissionais – um feito verdadeiramente notável que completa o seu ciclo de forma impecável com este Relíquias da Morte – Parte 2.

Retomando a trama no exato ponto em que a abandonara ao final da Parte 1, o roteiro do bom e velho Steve Kloves tem início no meio da busca de Harry (Radcliffe) pelas horcruxes – para quem não se lembra, objetos que contém fragmentos da alma de Voldemort (Fiennes) -, a fim de destruí-las e, assim, enfraquecer o seu arqui-inimigo para o cada vez mais iminente confronto final. Sempre acompanhado pelos amigos Hermione (Watson) e Ron (Grint), o protagonista continua tendo inexplicáveis visões acerca dos próximos passos do vilão, o que o leva a descobrir que as últimas horcruxes não são mais objetos como taças e candelabros, mas elementos muito mais perigosos (e que não revelarei aqui, podem ficar tranquilos) que certamente anteciparão seu encontro com você-sabe-quem, que, por sua vez, já possui um gigantesco exército de mortos-vivos marchando em direção a Hogwarts, onde pretende imprimir um ataque devastador e que, agora presidida pelo velho conhecido Professor Snape (Rickman), encontra-se mergulhada em um clima lúgubre que nada mais faz que refletir a natureza sombria de seu mais novo reitor.

A transformação do universo da série de um mundo de fantasia e descobertas infantis a uma atmosfera caótica e sem esperança, aliás, não apenas representa a maior contribuição do diretor David Yates à franquia, como surge como consequência natural dos eventos que temos testemunhado desde o já distante A Pedra Filosofal: ao vermos os jovens alunos de Hogwarts marchando em fila indiana e em silêncio absoluto pelos mesmos corredores em que outrora os pequenos aprendizes eram encorajados a explorar sua criatividade e espírito empreendedor mesmo que, aqui e ali, acabassem desobedecendo alguma das regras estabelecidas pela instituição, estamos testemunhando os resultados de um governo autoritário e fundamentalista que, ao se opor diametralmente à infinita sabedoria do falecido Professor Dumbledore, certamente levaria muita gente a relacioná-lo com grandes regimes totalitários da história da humanidade caso não estivéssemos falando de um filme de fantasia – assim como os ideais de Voldemort e Lucius Malfoy (Isaacs) em relação à total aniquilação dos “trouxas” certamente levariam muitos a usar palavras como “arianização” e “holocausto”.

Fotografado pelo experiente Eduardo Serra, o longa é eficaz em inserir-nos nesse clima de angústia e desolação desde os seus primeiros minutos, mergulhando-nos em um universo dominado pelo cinza que, em alguns dos seus momentos mais sombrios, não hesita em permitir que a total escuridão domine o quadro (o que me leva a aconselhar que o longa seja visto em sua versão 2D, ainda mais por ter sido rodado neste formato e convertido para as três dimensões apenas durante a pós-produção). Da mesma maneira, o brilhante design de produção de Stuart Craig mostra-se um fator determinante para estabelecer o tom da produção, investindo em cenários apocalípticos que, calcados no realismo (ainda que através de uma estética medieval), ainda assim não deixam de apresentar elementos mágicos que não nos permitem esquecer que, afinal e contas, estamos em um mundo habitado por homens e mulheres dotados de poderes sobrenaturais – e o fato de Craig estar presente na série desde o seu princípio demonstra sua inteligência ao promover uma transformação gradual na composição visual dos arredores de Hogwarts ao longo dos anos. Da mesma maneira, o cineasta David Yates direciona o brilhante compositor Alexandre Desplat a criar uma trilha triste e discreta que jamais cai na tentação de embalar os pontos altos da trama com notas altíssimas na tentativa de sublinhar a grandiosidade da trama.

O que nos leva àquela que, sem dúvida alguma, revela-se a grande virtude de Yates neste capítulo derradeiro da série: compreender com perfeição as necessidades narrativas do longa e, optando pelo caminho oposto da maioria dos diretores das grandes produções de Hollywood, tomar as suas decisões baseadas nelas, ainda que estas não sejam as melhores do ponto de vista do espetáculo e correndo o risco de desagradar os espectadores mais preguiçosos. Empregando um ritmo mais pausado e silencioso em diversos momentos da projeção, o cineasta permite não somente que compreendamos as motivações dos seus personagens, como que testemunhemos suas reações diante do que acontece ao seu redor (além, é claro, de demonstrar que confia na força de seus personagens e da história que está contando); ao contrário do que estamos acostumados a ver em produções deste porte, as pessoas morrem ao redor de Harry, Ron e Hermione e nós podemos vê-los simplesmente parar e assimilar aquilo que seus olhos estão vendo, reorganizar os pensamentos e, enfim, partir para sua próxima missão – algo que aumenta o peso dramático das cenas por percebermos a vulnerabilidade dos protagonistas dentro de uma guerra com consequências palpáveis e mortais.

Repetindo sua estratégia simples porém eficaz de contrastar a ameaça representada pela figura de Voldemort com a insegurança do trio principal através do posicionamento de sua câmera, que pontualmente se alterna entre enquadramentos de ângulos baixos para o primeiro (aumentando-o) e altos para os segundos (diminuindo-os), Yates também cria uma dinâmica eficiente através do revezamento entre os grandes travellings aéreos – que, em um momento específico, surpreendem por revelar a imensidão do exército de você-sabe-quem -, uma enérgica câmera na mão – que confere um realismo muito bem-vindo a algumas sequências de batalha – e uma predileção mais do que apropriada por primeiros planos que, se ainda deixa alguma dúvida em relação à prioridade dada pelo diretor aos seus personagens, acaba comprovando sua inteligência no plano final da projeção, quando, ao invés de se afastar deles em um grande plano aéreo com o objetivo de comprovar a proporção épica da jornada que acaba de se encerrar (como a grande maioria dos diretores faria), surpreende mais uma vez ao optar pelo inesperado, se aproximando de seus rostos e demonstrando, assim, ter compreendido que o sucesso da saga não se deve apenas à grandiosidade de suas aventuras, mas também ao envolvimento estabelecido com aqueles três jovens.

Outra boa sacada de Yates, vale dizer, é pontuar a narrativa com planos gêmeos em que Harry Potter e Voldemort reagem simultaneamente à aproximação de seu encontro, salientando de forma visual a conexão existente entre os dois antagonistas além de explicá-la através de uma espécie de interlúdio em flashback que, se não demonstra a mesma inspiração da sequência animada vista no meio da Parte 1, consegue ao menos oferecer soluções coerentes para alguns questionamentos apresentados durante a série, como as motivações por trás do comportamento sempre ambíguo do Professor Snape e a própria inclinação de Harry para o “lado negro” da Sonserina desde a declaração, ainda em A Câmara Secreta, de que o protagonista fora escolhido para integrar a equipe da Grifinória apenas por ele ter pedido para que isto acontecesse – e, nesse sentido, é apenas neste Relíquias da Morte – Parte 2 que o conflito moral do personagem fica realmente claro, levantando, ainda que de forma tímida, uma interessante reflexão em relação ao velho dilema “destino versus livre arbítrio”.

Até porque, é somente agora que Daniel Radcliffe atingiu a maturidade como ator para encarnar conflitos como este, fazendo-o de forma contida e minimalista sem jamais deixar de convencer acerca da angústia e do peso da responsabilidade que pesam o tempo todo sobre os ombros de Harry. Da mesma maneira, Emma Watson em nenhum momento lembra a menina de frases de efeito e entonação empostada dos primeiros episódios da série, encantando ao lançar uma risada tímida após dar um beijo em seu melhor amigo que, interpretado por Rupert Grint, volta a oferecer alguns momentos de alívio cômico à produção, ainda que estes não definam mais a sua função dentro da narrativa – e eu tenho certeza que Radcliffe, Watson e Grint serão eternamente gratos à franquia por ter-lhes servido como verdadeira escola dramática ao lhes oferecer a oportunidade de trabalhar ao lado de vários dos grandes atores e atrizes do Cinema britânico, dos já mencionados Ralph Fiennes e Alan Rickman a Kenneth Branagh, passando por Richard Harris, John Hurt, Michael Gambon, Helena Bonham Carter, Robbie Coltrane e Maggie Smith, que, neste último longa da saga, volta a ter uma participação significativa, tanto como protetora de Hogwarts durante o duelo final, como em algumas das piadas mais divertidas da projeção (“Eu sempre quis usar esse feitiço!”).

Pecando apenas por conter algumas frases um tanto expositivas como: “Deve haver uma horcrux lá - um fragmento da alma de Voldemort!”; ou: “Você é... Irmão de Dumbledore!”, que, ainda assim, fazem-se necessárias para que o filme se sustente sozinho, Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 funciona também em suas excelentes sequências de ação, com destaque para aquela ambientada dentro de um grande cofre cheio de objetos de ouro e para o “bombardeio” imprimido a Hogwarts, além da poderosa cena da morte de um personagem importante que, desintegrando-se em frente aos nossos olhos, confirma, como não poderia deixar de ser, a qualidade inquestionável das equipes de maquiagem e efeitos especiais.

Em tempos em que Transformers se transformou no símbolo maior da cultura dos blockbusters, iniciada lá atrás com novos clássicos como (imaginem!) O Poderoso Chefão, O Exorcista, Tubarão e Star Wars, é triste constatar que é tão difícil encontrarmos o cuidado com a trama e com os personagens que marcou a franquia Harry Potter desde o seu início. E se é amargo o gosto de nos despedirmos de Harry, Ron e Hermione, resta-nos o consolo de que, para todo o sempre, eles permanecerão intactos no coração e na memória de cinéfilos ao redor do mundo.

Ao lado de Don Vito, Regan MacNeil e Luke Skywalker - e, ao contrário do que Michael Bay vem surpreendentemente convencendo alguns a acreditar, não de Megatron.

15 de Julho de 2011.

Cilada.com

2011-07-08T19:41:00.011-03:00

(Idem, Brasil, 2011)

Direção: José Alvarenga Jr.

Roteiro: Bruno Mazzeo e Rosana Ferrão

Com: Bruno Mazzeo, Fernanda Paes Leme, Carol Castro, Serjão Loroza, Fúlvio Stefanini, Fabíula Nascimento, Luis Miranda, Augusto Madeira, Karla Karenina, Thalmo Fernandes e Dani Calabreza.

Estreia no Brasil: 07/07/2011

por João Marcos Flores

Comédia Romântica é um gênero cada vez mais condenado ao clichê e à falta de imaginação. Nem é preciso ter assistido a muitas delas para começar a reconhecer certas convenções que, funcionando mais como uma necessidade artificial por parte de seus roteiristas preguiçosos do que como consequência das ações dos personagens, insistem em dar o tom dos longas desse tipo seja qual for a premissa à qual elas estejam servindo: é a menina que pega o buquê no casamento da amiga, prenunciando que um grande amor está por vir em sua vida; o herói que, arrependido, corre para pedir perdão debaixo de um temporal; a declaração final diante de um grande público que leva a mocinha a perdoá-lo, e por aí afora. E se situações formulaicas como essas já são suficientes para testificar o fracasso de uma produção, imaginem elas somadas à típica ignorância cinematográfica das adaptações de séries da Rede Globo, cujos realizadores simplesmente costumam ignorar as diferenças óbvias de linguagem entre TV e Cinema, criando meras versões de suas sitcoms de 30 minutos a fim de arrecadar uns trocados a mais com as bilheterias ao redor do país. Imaginou? Pois bem, você já sabe o que irá encontrar ao assistir a Cilada.com.

Escrito e protagonizado por Bruno Mazzeo a partir da máxima – compartilhada com seus colegas de stand-up comedy Danilo Gentilli e Rafinha Bastos – que diz que o número de palavrões contidos em um texto é proporcional à intensidade das risadas que ele pode causar, o longa gira em torno de Bruno, um publicitário maduro e sensato que, ao ser pego transando com uma outra mulher em frente à sua namorada Fernanda (Paes Leme, também dividindo o primeiro nome com a personagem), imediatamente passa a noite bebendo whisky no gargalo e, ao acordar no dia seguinte para trabalhar, vai tomar banho ainda vestido – afinal de contas, isso é a primeira coisa que qualquer ser humano normal faria em seu lugar. Furiosa e decidida a pôr um fim no relacionamento, ela, por sua vez, publica um vídeo de poucos segundos no Youtube que imediatamente se transforma em um viral, no qual o ex demonstra ter um sério problema de ejaculação precoce. Humilhado pelos colegas de trabalho e disposto a resgatar sua reputação viril, Bruno decide então contratar o cineasta de terceira “Marconha” (Loroza), um personagem plenamente verossímil que acorda pela manhã gritando: “corta!”, a fim de ajuda-lo a produzir um vídeo que consiga obter o resultado oposto ao daquele que, a essa altura, já virou hit nacional.

Sem a menor vergonha de abraçar sem reservas o surradíssimo conflito do homem que não consegue dizer “Eu te amo” para a sua parceira, Cilada.com poderia até ser parcialmente perdoado pela estrutura quase inexistente de seu roteiro, que salta de uma esquete para a outra de forma abrupta e gratuita, constantemente justificando uma sequência inteira com coincidências absurdas como remédios trocados e empregadas que são confundidas com prostitutas – algo que só não se torna mesmo possível graças à insistência de Mazzeo e sua colaboradora Rosana Ferrão em resolver todas as situações da trama da forma mais esquemática possível, enchendo seu roteiro de clichês que vão do insuportável (a personagem coadjuvante ensinando o protagonista a “dizer o que deve ser dito e fazer o que deve ser feito”) ao automático (o “tic-tac” do relógio transmitindo a impaciência na sala de reunião), passando pelo cansativo (quantas vezes você já viu a cena em que a declaração de amor parece ser para a mocinha mas é para o melhor amigo?) e pelo meramente inesgotável (não, empregadas falando “Youtube” errado já não é mais algo original).

Abusando de piadas rasteiras (após ouvirmos Fernanda dizer que Bruno deve ter ido comer alguma coisa, somos imediatamente lançados à cena em que ele... bem, “faz amor” com sua amante) e de gags fáceis envolvendo negros nus, bonecas infláveis e travestis não assumidos com o objetivo de atingir o grande público, o projeto encontra algum fôlego apenas em algumas cenas em que seu roteiro desastrado não consegue atrapalhar o inegável talento cômico de Mazzeo, que, transformando até mesmo a piada clichê (não consigo evitar o termo) do orgasmo falso em um momento divertido apenas por reproduzi-lo de forma hilária logo em seguida, consegue arrancar algumas risadas do espectador ao apoiar-se em um personagem que já vem interpretando há tanto tempo na televisão, com seus monólogos cheios de descrições inesperadas e inúteis e seu peculiar sorriso amarelo diante de situações constrangedoras (“Bebi, dirigi, fui.”). Da mesma forma, Paes Leme está convincente como uma moça magoada ainda que precise se render à pieguice de um terceiro ato cheio de açúcar, ao passo que a função de Carol Castro na narrativa fica mais do que evidente logo em sua primeira aparição em cena, na qual surge como uma imediata mulher-fetiche ao preencher uma roupinha de executiva com toda a sua beleza e olhar lascivo – e por mais que sua personagem realmente seja a pessoa que ajuda Bruno a cumprir sua missão, o longa é covarde ao não se manter fiel às suas próprias regras internas, fazendo-o através de um discursinho de auto-ajuda ao invés do vídeo-revanche que seu protagonista promete desde o primeiro ato.

Mas o que torna Cilada.com um longa verdadeiramente desprezível é a sua qualidade técnica absolutamente pedestre. Acostumado com a televisão mas absolutamente ignorante em relação à linguagem cinematográfica, o diretor José Alvarenga Jr. (cuja experiência com a telona se limita a – adivinhem? – filmes como Os Normais e Divã) não mostra-se capaz sequer de conduzir uma sequência de plano e contraplano com eficiência, além de organizar, ao lado do montador Marcelo Moraes, algumas cenas com uma deselegância visual amadora, com “destaque” para aquela em que diversas ex-namoradas de Bruno falam sobre ele em direção à câmera e na qual os planos que se intercalam não seguem lógica visual alguma: planos médios sucedem planos gerais e a organização dos personagens dentro do quadro varia a todo momento, como se Alvarenga tivesse rodado todos aqueles pedaços de filme sem essa sequência definida em sua mente e a adicionado ao longa apenas durante a pós-produção. E isso sem se aprofundar muito na cena da reunião do grupo de auto-ajuda, na qual o diretor e o fotógrafo Nonato Estrela criam toda uma concepção estética diferente através de cores frias e de uma câmera instável apenas para – acreditem – levar-nos a acompanhar seus participantes ejaculando em seus próprios rostos.

Imaturo em alguns momentos e descrente quanto à inteligência do público em todos os outros, Cilada.com é uma mistura de Zorra Total com as comédias românticas interpretadas por Kate Hudson e que ainda tem a pretensão de copiar descaradamente elementos de obras infinitamente superiores como Simplesmente Amor, provando mais uma vez que a empresa fundada por Roberto Marinho precisa urgentemente ficar longe das telas de Cinema.

Em determinado momento do longa, Bruno exclama para Fernanda: “Eu não sou o canalha que você está querendo acreditar que eu sou, não!”; ao que ela retruca: “E eu não sou a trouxa que você imaginava que eu fosse!”. Nesse momento, minha vontade era a de romper a quarta parede apenas para dizer: “Ah, mas vocês são exatamente isso, sim!”.

07 de Julho de 2011.

Transformers: O Lado Oculto da Lua

2011-07-05T20:47:00.007-03:00

(Transformers: Dark of the Moon, EUA, 2011)

Direção: Michael Bay

Roteiro: Ehren Kruger

Com: Shia LaBeouf, Josh Duhamel, John Turturro, Rosie Huntington-Whiteley, Tyrese Gibson, Patrick Dempsey, Frances McDormand, Kevin Dunn, John Malkovich, Julie White, Alan Tudyk, Ken Jeong, Glenn Morshower, Buzz Aldrin e Lester Speight.

Estreia no Brasil: 01/07/2011

por João Marcos Flores

Desde o seu início, em 2007, a série Transformers tem condensado de maneira orgânica alguns dos elementos mais comuns nos blockbusters de verão do novo século: grandes explosões a cada três minutos de projeção; movimentação de câmera ininterrupta e planos minúsculos que não duram mais de três segundos na tela, não permitindo que o espectador tenha tempo de pensar no que está assistindo; máquinas possantes criadas 100% em CGI e; é claro, mulheres gostosas que desfilam com suas roupas minúsculas e lábios carnudos semi-abertos enquanto são protegidas por seu herói nerd e desajeitado. Dirigidos obviamente para o público masculino e adolescente, os longas comandados pelo medíocre Michael Bay levantam uma questão que eu, particularmente, tenho dificuldades em responder: o que veio primeiro; a preguiça intelectual das plateias mundiais ou obras oportunistas e exploradoras como estas que, ancoradas no argumento da despretensão, arrastam centenas de milhões de pessoas aos Cinemas ao redor do mundo sem contar sequer com uma história minimamente interessante e plausível para contar?

Chegando ao seu terceiro longa-metragem - o que, por si só, já seria capaz de suscitar dúvidas quanto a sua qualidade narrativa, considerando que todo o seu argumento tem como origem uma linha de bonecos da Hasbro - a franquia aposta agora em eventos da história recente do nosso planeta na tentativa de conferir uma certa verossimilhança ao seu argumento: tendo início com um prólogo no qual os Decepticons (os robôs do mau, lembram?) são enviados para a Lua após sairem derrotados de uma batalha contra seus eternos rivais Autobots (os robôs bonzinhos), o roteiro escrito pelo mesmo Ehren Kruger dos filmes anteriores estabelece a visita do homem à superfície lunar em 1969 como uma tentativa de investigar uma misteriosa explosão avistada em nosso satélite natural mais próximo nos anos anteriores. Após alguns minutos de indecisão entre fingir ser um filme sério ou remeter a Forrest Gump, porém, Transformers: O Lado Oculto da Lua reassume a velha postura da série, utilizando uma batalha entre os dois clãs robóticos, na qual os vilões regressam de seu exílio de 40 anos a fim de assumir o controle da Terra enquanto seus adversários se mantém fiéis aos seus princípios de proteção aos humanos, como mera desculpa para intermináveis duas horas e meia de muita pancadaria, barulho e sexismo.

A falta de um arco dramático bem definido e de foco por parte do roteiro, aliás, pode ser percebida logo durante os primeiros minutos de projeção, quando percebemos que a narração em off com a voz de um robô ex-machina se encarregará de surgir apenas nos momentos em que a ligação entre uma sequência e outra não fizer muito sentido, sendo imediatamente abandonada assim que máquinas e edificações voltarem a explodir freneticamente. Da mesma maneira, o novo modo de vida de Sam (LaBeouf), desempregado e vivendo às custas de sua nova namorada Carly, não apenas funciona como uma necessidade frágil de se adicionar algum conflito a ser enfrentado pelo protagonista, como surge incompreensível e incoerente - afinal de contas, por mais que já entre em cena em um plano em que é enfocada por trás enquanto caminha apenas de calcinha pela casa, a personagem de Rosie Huntington-Whiteley em nada se assemelha àquela interpretada por Megan Fox nos dois capítulos anteriores, substituindo a figura da cheerleader-fetiche pela da patricinha esnobe e demonstrando que, no universo das fantasias sexuais secretas de Bay, não basta conquistar a garota mais cobiçada da classe; é preciso ser dominado por ela como um cachorrinho.

A coisa não fica pior, é verdade, graças ao carisma de Shia LaBeouf, que, por mais sabotado que seja por um roteiro acéfalo e incapaz de criar alguma frase menos clichê que: "Na hora certa você vai ver só" ou: "Isso ainda não acabou!", consegue carregar com relativa segurança tanto as cenas de ação como aquelas em que Bay permite que a câmera permaneça nele por alguns segundos (o que para o diretor, é uma eternidade) - com um certo destaque para a sequência (batida, sim) em que o jovem recebe uma série de "nãos" em suas entrevistas de emprego. E se John Malkovich e Frances McDormand até conseguem divertir (mais uma vez, de forma bastante moderada) justamente por representarem sua própria persona cinematográfica (o primeiro, a do sujeito neurótico e excêntrico; a segunda, a da mulher durona e irredutível), Patrick Dempsey cria um vilão unidimensional que nada mais faz que expor a total incompetência dos realizadores em criar personagens que ajam por motivações coerentes - ou o seu Dylam realmente acreditava que conspirar a favor dos Decepticons seria a alternativa mais conveniente? -, enquanto John Turturro é desperdiçado em um papel absolutamente dispensável.

Qual é o objetivo, porém, de analisar as atuações do longa se o seu foco é claramente a ação interpretada pelos robôs? Começando pelo agente-andróide Lennox (Duhamel), que, caso não fosse conhecido por ser o namorado da Fergie ou pela medíocre comédia romântica Juntos Pelo Acaso, certamente seria confundido com as dezenas de criaturas construidas por computador, os "protagonistas" da série não dão um passo à frente sequer em sua composição visual, repetindo as mesmas virtudes e os mesmos defeitos vistos, principalmente, em A Vingança dos Derrotados: enquanto se movimentam de forma fluída e apresentam pontuais características humanas que lhes conferem uma certa autenticidade estética diante dos demais, a diferenciação entre os Autobots e os Decapticons continua sendo feita através do contraste entre cores básicas e tons enferrujados e a velocidade exagerada com a qual as criaturas deixam a forma de carros para assumir suas versões "antropomorfizadas" continua impedindo que acompanhemos o processo de forma minimamente compreensível - algo impossível devido à própria lógica absurda de automóveis de três metros se transformarem em monstros gigantescos em uma questão de segundos.

Mas essa poluição visual não se limita apenas às mutações dos robôs, se estendendo para as sequências de ação que, trazendo criaturas formadas por milhares de pequenos objetos metálicos, se movimentando rapidamente, e filmadas pela já habitual cãmera epilética de Michael Bay, invariavelmente deixam o espectador confuso em relação ao que exatamente está acontecendo na tela. Para piorar, o diretor demonstra não ter evoluído nada desde os tempos de Armageddon e Bad Boys 2, trazendo para este Transformers 3 todos os seus antigos - e desagradáveis - vícios, como o uso incontrolado da câmera lenta e os repetitivos travellings que buscam desesperadamente conferir, respectivamente, estilo e agilidade ao projeto, funcionando, ao invés disso, em uma grande auto-masturbação feita para adolescentes com défcit de atenção e hiperatividade.

Pior do que todas as falhas citadas acima, entretanto, é o fato de O Lado Oculto da Lua ser um filme tão aborrecido e desagradável. Passando todos os seus 157 minutos inserido em um verdadeiro vácuo emocional, o longa não consegue estabelecer uma atmosfera de tensão (já que, entre outras coisas, nós sabemos que nada irá acontecer aos seus personagens principais, ainda que os figurantes sejam vistos sendo incinerados com um único disparo); criar momentos dramáticos que soem razoavelmente naturais (uma boa prova do desespero dos realizadores nesse sentido é o número absurdo de vezes em que uma falsa despedida entre Sam e Bee é encenada ao som de uma trilha piegas e melodramática); ou arrancar do público uma risada sequer (o que não resulta de falta de esforço, já que os dois robôzinhos de estimação de Sam e o personagem de Ken Jeong existem unicamente com esse propósito), merecendo elogios apenas por utilizar de forma eficiente o 3D, que serve para inserir-nos nas cenas através da profundidade de campo grande potencializada pela nova tecnologia.

Se é a acomodação dos espectadores que tem tornado as produções de massa tão detestáveis a medida que o tempo passa, não é possível afirmar com certeza. Mas enquanto existirem cineastas como Michael Bay, uma coisa parece inevitável: a tendência certamente é piorar.

03 de Julho de 2011.

Casa, A

2011-06-29T00:59:00.006-03:00

(La Casa Muda, Uruguai, 2010)

Direção: Gustavo Hernández

Roteiro: Gustavo Hernández, Oscar Estévez e Gustavo Rojo

Com: Florencia Colucci, Abel Tripaldi, Gustavo Alonso e Maria Salazar.

Estreia no Brasil: 24/06/2011

por João Marcos Flores

Desde que o longa-metragem se estabeleceu como o formato padrão das produções cinematográficas, o plano-sequência tem fascinado cineastas ao redor de todo o mundo. Devido a sua capacidade de conferir realismo aos filmes, é absolutamente compreensível que logo os diretores passaram a idealizar com a possibilidade de rodar um longa inteiro em apenas uma tomada – algo que, tecnicamente impossível para produções realizadas em película, levou Alfred Hitchcock a filmar seu Festim Diabólico, em 1948, através de dez grandes planos que variavam de quatro a dez minutos cada, disfarçando os cortes entre eles ao passar a câmera por objetos ou ambientes escuros e criando, dessa maneira, a ilusão da continuidade.

O sonho de Hitchcock, no entanto, só seria realizado de fato cinquenta e três anos depois, quando, auxiliado pelas facilidades oferecidas pela tecnologia digital, o russo Aleksandr Sokurov contaria a história de seu país através de um único e legítimo plano de 99 minutos no maravilhoso Arca Russa, abrindo o caminho para que outros cineastas, como o brasileiro Gustavo Spolidoro (em seu inteligente Ainda Orangotangos), pudessem fazer o mesmo. O que nos traz a este uruguaio A Casa, que, curiosamente, utiliza a mesma tática usada em Festim Diabólico a fim de disfarçar o fato de que foi, sim, rodado em alguns longos planos e montado durante a pós-produção. Mas o problema é que, ao contrário dos três longas citados até aqui, o projeto de Gustavo Hernández falha terrivelmente ao usar a técnica como um fim em si mesma, contando uma história fraca cujas revelações finais não sobrevivem a uma segunda conferida.

Roteirizado pelo próprio diretor ao lado de Oscar Estévez e Gustavo Rojo (isso mesmo, por três pessoas) a partir de um argumento supostamente baseado em fatos reais, A Casa se passa durante uma única noite em que a jovem Laura (Colucci) e seu pai Néstor (Tripaldi) pernoitam em um sobrado de madeira em uma fazenda no interior do Uruguai. Contratados por um amigo para reformar a residência, os dois planejam iniciar o serviço no dia seguinte, porém uma série de incidentes – que não revelarei aqui, apesar de não serem nem um pouco originais –, que têm início com os barulhos no andar de cima que não deixam Laura dormir, acabam transformando aquela noite em um verdadeiro pesadelo.

Mergulhando-nos em uma atmosfera inquietante desde os primeiros segundos da projeção, o longa funciona bem no primeiro ato graças ao clima macabro que a falta de recursos dos chamados mockumentaries (o que A Casa não é, apesar de compartilhar algumas de suas características) costuma proporcionar, além de se beneficiar de nossa tendência de preencher as lacunas do desconhecido com nossos temores mais profundos. Da mesma forma, a competência técnica da produção pode ser vista desde já em seus pequenos detalhes, como na tentativa de Hernández de buscar os melhores enquadramentos mesmo em meio à sua proposta naturalista (o que o coloca, neste sentido, acima de filmes como A Bruxa de Blair e Atividade Paranormal): note, por exemplo, como o diretor consegue captar o exato momento em que um carro se aproxima da casa ou enquadrar dois homens conversando através do retrovisor de um carro mesmo após vários minutos de projeção – e ainda que o longa não seja rodado em um verdadeiro plano sequência (algo que não me incomoda), alguns de seus planos são grandes o suficiente para exigir um ensaio rigoroso por parte de toda a equipe.

Lamentavelmente, porém, a boa impressão inicial é rapidamente substituída pela frustração ao constatarmos que, contando com uma trama frágil e sem imaginação, os realizadores passam a tentar prender a atenção do espectador através de longos minutos em que Laura simplesmente caminha a esmo tateando o escuro. E por mais que não consigamos evitar a tensão em alguns momentos (afinal de contas, em meio à escuridão, qualquer coisa pode acontecer), vamos ficando cada vez mais decepcionados ao encontrar todos os velhos clichês dos filmes sobre casas amaldiçoadas; de animais relacionados à morte (ratos, morcegos ou urubus) a fotos misteriosas de polaroid, passando por caveiras, vultos, espelhos quebrados e manchas de sangue na parede.

Mas nada se compara ao desastre da revelação final do longa (e caso você ainda não o tenha assistido, já sabe o que deve fazer, certo?), que, ainda que responda alguns questionamentos de forma satisfatória (como, por exemplo, o fato de Laura jamais abandonar a casa), abre uma série de buracos no roteiro, que perde todo o sentido se pensado em retrospecto: ora, se a protagonista é a autora daqueles crimes, o que explica o fato de seu pai ser assassinado no exato momento em que a câmera mostra ela, assustada, no andar debaixo do acontecido? Assim, o projeto se vê sabotado pelo seu próprio formato, pois, ao manter-nos cientes de tudo o que está ocorrendo com a (anti)heroína ao longo da projeção, impede que sua reviravolta funcione de forma coerente, levando-nos a perguntar também em que momento o homem que a oferece ajuda é executado, já que que em nenhum momento testemunhamos o confronto entre os dois.

Apresentando ainda diversas falhas típicas de filmes que trapaceiam o espectador a fim de surpreendê-lo no final (como a mudança drástica de postura por parte de Laura a partir do momento em que descobrimos a sua real função na narrativa), A Casa desperdiça as boas intenções de seus realizadores com a sua própria incompetência, tirando-nos na sala de exibição com uma série de questionamentos na cabeça (o que aconteceu com a filha do “casal”?), resultantes de sua própria incapacidade de responde-los, além de não deixar bem claro a real situação da protagonista: estaria Laura esquizofrênica, atormentada por assombrações ou tramando conscientemente seu massacre desde o início?

25 de Junho de 2011.

Carros 2

2011-06-28T19:13:00.010-03:00

(Cars 2, EUA, 2011)

Direção: John Lasseter

Roteiro: John Lasseter, Brad Lewis e Dan Fogelman

Vozes de: Owen Wilson, Larry the Cable Guy, Michael Caine, Emily Mortimer, Eddie Izzard, John Turturro, Brent Musburger, Joe Mantegna, Thomas Kretschmann, Peter Jacobson, Bonnie Hunt, Darrell Waltrip, Franco Nero, David Hobbs, Patrick Walker, Tony Shalhoub, Cheech Marin e Vanessa Redgrave.

Estreia no Brasil: 24/06/2011

por João Marcos Flores

Toy Story 1, 2 e 3, Monstros S/A, Os Incríveis, Ratatouille, Wall.E e Up: em um período de apenas quinze anos, a Pixar Animation Studios produziu nada menos que oito verdadeiras obras-primas que, acompanhadas pelos menos relevantes - porém charmosos - Vida de Inseto, Procurando Nemo e Carros, formam uma filmografia que parecia infalível até então. Portanto, sim, o estúdio de John Lasseter merece todo o perdão do mundo por seu primeiro grande tropeço; mas não, não dá para entender como ninguém conseguiu prever o fracasso da continuação de um longa que já não era dos mais fortes e cuja trama não tinha motivo absolutamente algum para continuar – eu estou falando, naturalmente, deste Carros 2.

Promovido ao estrelato após a vitória na Copa Pistão ao final do primeiro filme, Relâmpago McQueen (Wilson) está de volta a Radiator Springs com a intenção de descansar e permanecer um tempo afastado das pistas de corrida, aproveitando para visitar seus velhos amigos, como o caminhão de guincho Mate (Larry “The Cable Guy”). As tão desejadas férias, porém, acabam não durando muito, já que, desafiado publicamente pelo arrogante carro de Fórmula 1 italiano Francesco Bernoulli (Turturro), McQueen decide se inscrever em um torneio que envolverá três corridas nas principais cidades europeias. Enquanto isso, um misterioso carro-agente britânico (Caine) passa a rondar os bastidrores do campeonato a fim de desmascarar um suposto espião americano, que eles acreditam ser McQueen.

E se não me alongo na descrição da história, é porque nem há muito o que ser dito sobre ela. Afinal de contas, a decisão irrelevante do protagonista de entrar para o torneio apenas porque seu futuro adversário parece impressionar sua namorada (sem perceber que isto poderia apenas direcionar suas atenções ainda mais para ele) serve apenas como pretexto para o escritor/diretor/produtor John Lasseter e seus outros dois roteiristas lançarem seus personagens em uma série de corridas e perseguições que possam preencher o maior tempo possível da projeção, além de usarem a competência técnica de seus animadores para reproduzir alguns dos maiores pontos turísticos do nosso planeta. E talvez esteja aí a grande motivação para que o projeto tenha saído da gaveta: a facilidade de distrair as crianças com seu show de cores e barulho enquanto encantam os pais com suas belas paisagens – algo bastante comum em Hollywood nos dias de hoje, mas triste por estarmos falando do estúdio de Lasseter.

Não que Carros 2 não seja um verdadeiro espetáculo visual – pelo contrário: continuando sua constante evolução técnica, os animadores da Pixar jamais deixam de se preocupar com os detalhes, povoando, por exemplo, as arquibancadas dos autódromos com centenas de carrinhos que podem ser facilmente distinguidos entre si, enquanto qualquer outro estúdio se contentaria em focar suas atenções apenas na ação principal. Da mesma maneira, os realizadores constantemente divertem o espectador com a forma criativa com que transformam elementos do “mundo real” em correspondentes alternativos para aquele universo dominado por automóveis, mostrando carrinhos bidimensionais que saltam e comem cogumelos em um jogo de vídeo game, máquinas de refrigerante nas quais a bebida é substituída por pneus e lojas que vendem miniaturas em pelúcia do próprio protagonista. E enquanto a animação de fluídos dá mais um passo rumo à perfeição, a “antropomorfização” dos automóveis volta a ser um dos destaques do projeto, transformando seus pequenos detalhes em características “faciais” que lhes conferem aparências e expressões únicas – na divertida lógica visual do longa, grades viram bigode, placas viram gravatas e até mesmo os detalhes em ferro de um velho Bentley se transformam na coroa da Rainha da Inglaterra.

É uma pena, portanto, que todo o primor visual do longa sirva para uma trama tão frágil, que apela para lições de moral artificiais como o batido “seja você mesmo” a fim de tentar estabelecer algum conflito para uma narrativa frouxa que em nenhum momento desperta a nossa atenção. Além disso, os roteiristas do filme não conseguem sequer deixar sua historinha muito clara, e não é de se admirar que, em vários momentos da projeção (como durante uma longa perseguição no hangar de um aeroporto) o espectador se pegue pensando em que diabos aqueles personagens estão fazendo ali. Para piorar, Carros 2 ainda tenta desajeitadamente levantar uma discussão acerca da confiabilidade dos biocombustíveis, conseguindo, ao invés disso, comprovar a incompetência de seus escritores por não perceberem que sua pequena reviravolta final funciona justamente contra seu suposto argumento.

Contendo raros momentos inspirados que nos fazem lembrar o humor certeiro dos melhores trabalhos do estúdio, como em uma piada envolvendo o elogio: “Você tem uma ótima experiência de campo”; ou na divertida sacada de fazer os espiões acharem que Mate está interpretando um personagem o tempo todo - ainda que, neste caso, a gag acabe servindo como estopim para uma crise de identidade piegas e clichê -, a produção prefere, na maior parte do tempo, investir em um humor mais raso (até mesmo piadas com pum e xixi são utilizadas aqui, fugindo do padrão Pixar em mais um quesito) e na confiança que seus personagens (especialmente Mate) se tornaram verdadeiros ícones pop e, portanto, são capazes de arrancar risos do espectador por falarem errado, atrapalharem inconscientemente seus companheiros ou simplesmente pelo excesso de vezes em que cruzam a tela fazendo o que quer que seja (algo que me fez lembrar bastante do medíocre Piratas do Caribe 4 e de muita porcaria que a Dreamworks tem lançado ultimamente, como o insuportável Kung Fu Panda 2).

Voltando a assumir o posto de diretor depois de cinco anos (a última vez havia sido justamente no primeiro Carros), o genial John Lasseter até consegue nos entreter com a forma ágil e inventiva que comanda suas cenas de ação, não apenas variando na composição de seus planos, que se alternam entre travellings na direção oposta da ação, enquadramentos em ângulos baixos e tremidas na câmera para ressaltar a velocidade com a qual os carros acabaram de atravessar o campo, como utilizando recursos que tornam as corridas ainda mais “realistas” (note, por exemplo, as pistas “embaçadas” pelo calor do asfalto, ou ainda, os gráficos inventivos que simulam com perfeição as transmissões para a TV), mas, lamentavelmente, até mesmo as sequências de corrida aborrecem após algum tempo, quando percebemos que suas coreografias jamais saem do lugar comum.

Com uma fotografia impecável, que acerta em estabelecer paletas de cores diferentes para as principais cidades retratadas (do cinza nublado de Londres ao alaranjado barroco das ruazinhas italianas, passando pelos tons áridos e empoeirados de Radiator Springs), Carros 2 jamais poderia ser criticado por sua estética e apuro técnico, algo que já virou lugar comum quando o assunto são os filmes da Pixar. Por outro lado, porém, o longa é um verdadeiro desastre como narrativa, em nenhum momento fazendo jus à história invejável de seu estúdio. Espero que este seja apenas um acidente de percurso, e não uma mudança de foco dentro dos muros da empresa.

Até porque, Monstros S/A 2 vem aí.

28 de Junho de 2011.

Meia-Noite em Paris

2011-06-20T23:45:00.014-03:00

(Midnight in Paris, EUA, 2011)

Direção: Woody Allen
Roteiro: Woody Allen
Com: Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Marion Cotillard, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Nina Arianda, Corey Stoll, Tom Hiddleston, Alison Pill, Yves Heck, Kathy Bates, Adrien Brody, Adrien de Van, David Lowe e Carla Bruni.
Estreia no Brasil: 17/06/2011

por João Marcos Flores

Observação: Esta crítica discute elementos importantes do filme que, caso lidos com antecedência, certamente prejudicarão a experiência cinematográfica.

“Não se fazem mais filmes como antigamente” ou “Eu nasci na época errada” são frases que ouvimos repetidamente em nosso dia-a-dia e que resultam, entre outras coisas, de algo que Woody Allen utiliza como inspiração central para seu mais novo projeto, este Meia-Noite em Paris: a chamada “síndrome da era de ouro”, ou seja, aquela sensação que todo mundo já teve pelo menos uma vez na vida de que tudo era muito melhor na época de seus pais ou avós.

O roteirista de Hollywood Gil (Wilson) ainda vai além: para ele, não há nada mais romântico que a Paris dos anos 20, quando seus escritores e músicos favoritos podiam ser facilmente encontrados perambulando pelas ruas à noite ou bebendo uma taça de champanhe em um dos cabarés da cidade. Em visita à Cidade Luz acompanhado por sua esposa Inez (McAdams), ele tenta convencê-la a abandonar sua vida confortável na Califórnia a fim de começarem tudo de novo na capital francesa, onde ele enfim poderá lutar por seu sonho de concluir seu primeiro romance. Longe de compartilhar as mesmas ilusões do marido, ela não apenas rejeita a ideia, como não perde uma oportunidade para ridicularizá-lo em público ao lado dos pais (Fuller e Kennedy), além de se ver cada vez mais atraída pelo intelectualizado e pedante Paul (Sheen), um amigo do casal e seu namorado dos tempos de juventude que, coincidentemente, também se encontra em Paris para uma série de palestras.

Certa noite, Gil está andando por uma ruela estreita quando, logo depois de o sino da catedral soar doze badaladas, um carro antigo cruza seu caminho. Dele, um grupo de jovens o convida para entrar, levando-o diretamente para o recinto da boemia parisiense da segunda década do século XX. É o gancho para Allen criar uma série de situações e gags que ora se ancoram na persona que aqueles ilustres personagens desenvolveram no imaginário popular ao longo dos anos e ora a subvertem, sempre de forma criativa e orgânica. E ainda que em alguns momentos o alto número de personalidades cruzando a tela soe como se o cineasta acreditasse que o simples reconhecimento de seus nomes pelo público fosse o suficiente para segurar o longa, como não se divertir com piadas como aquela que envolve a incompreensão de Buñuel acerca da premissa de O Anjo Exterminador? Além disso, eu consigo ver várias pessoas saindo do Cinema redescobrindo a discussão acerca da natureza do relacionamento de Scott e Zelda Fitzgerald – o que, para mim, já é um feito admirável.

Mas mesmo que você saiba pouca coisa sobre a vida de Modigliani, T. S. Eliot, Salvador Dalí ou Ernest Hemingway, não há com o que se preocupar, já que, ainda que você perca uma boa parte das piadas escritas por Allen, Meia-Noite em Paris trata, em seu cerne, de um tema sempre interessante e – é claro – universal: a tendência humana de fantasiar com o impossível, o inalcançável, que o diretor já havia começado a abordar, ainda que de forma menos relevante, em Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos. Afinal de contas, quem nunca projetou uma grande expectativa em algo (seja aquela menina com quem todos queriam ficar na época do colegial, aquele carro cheio de opcionais ou simplesmente aquele par de sapatos que são a cara da nova estação) apenas para constatar que, na verdade, tudo era muito melhor enquanto fazia parte apenas dos seus próprios sonhos?

Ainda assim, nossa identificação com os anseios juvenis do protagonista só se torna realmente possível graças à boa decisão de Allen de escalar Owen Wilson para o papel principal. Acostumado a interpretar adolescentes tardios com uma certa cafajestice doce que praticamente nos impede de condená-lo por sua irresponsabilidade e falta de bom senso, o ator nos conquista desde os primeiros minutos da projeção, quando, transbordando carisma e serenidade (como sempre), sua paixão pelas coisas simples da vida se contrapõe diametralmente ao elitismo burocrático de Paul e Inez, que, por suas vezes, são interpretados por Michael Sheen e Rachel McAdams de forma esnobe e quase caricata, tornando difícil entendermos como Gil aguentou a segunda como esposa por tanto tempo até ali. E enquanto Marion Cotillard esbanja charme e doçura mais uma vez (em um papel que tem uma rima temática curiosa com sua própria personagem em A Origem), a primeira-dama francesa Carla Bruni não está tão desastrosa como parte da imprensa vinha dizendo, interpretando de forma eficiente uma personagem que, caso não fosse interpretado por ela, certamente não mereceria ser mencionada nesta crítica.

Fotografado de forma brilhante pelo experiente Darius Khondji (responsável pelas fotografias de obras visualmente impecáveis como O Quarto do Pânico, de David Fincher, Violência Gratuita, de Michael Haneke, e Um Beijo Roubado, de Won Kar Wai), o longa não deixa de funcionar como uma reverente homenagem a Paris, que, surgindo sempre acalorada e aconchegante através de uma paleta de cores dominada por tons pastéis e de uma iluminação levemente alaranjada, ganha ares cada vez mais nostálgicos e glamourozos a medida em que o roteiro a faz voltar no tempo, atingindo o ápice de sua beleza na sequência em que Gil e Adriana (Cotillard) visitam um típico bistrô da Belle Epoque, escurecido por Khondji através de uma eficiente noite americana (ou seja, digitalmente durante a pós-produção) e ganhando um aspecto romântico de jantar à luz de velas. Para isso, o trabalho de direção de arte de Anne Seibel desempenha um papel igualmente importante, substituindo, em seu melhor momento, a art déco vista nos cenários dos anos 20 pelos candelabros e lustres renascentistas que ainda dominavam os saloons de uma cidade que era considerada inovadora e vanguardista diante das outras grandes capitais da Europa no final do século XIX.

Apresentando problemas de montagem que vêm se arrastando (pelo menos) desde Melinda e Melinda, já que Alisa Lepselter, antiga colaboradora de Allen, parece não saber criar transições que não sejam através de cortes secos ou fusões (além de insistir nas mesmas fontes sobrepostas ao fundo preto para os créditos do longa, dando-lhe a mesma aparência de diversos outros longas da filmografia de Allen independentemente das diferenças entre as histórias que estão sendo contadas), Meia-Noite em Paris tem, sim, as suas falhas (também é preciso comentar as pausas que Allen faz para que o público tenha tempo para rir, pontualmente o fazendo em momentos que nem são tão engraçados assim), o que não quer dizer que não seja suficientemente divertido para representar o primeiro passo à frente de seu velho diretor desde o eficiente Vicky Cristina Barcelona.

Misto de A Rosa Púrpura do Cairo, Foi Apenas um Sonho e A Origem, o projeto também marca a volta de Allen ao universo das fantasias sonhadoras que, entre as décadas de 70 e 80, o colocaram na lista dos grandes cineastas do planeta.

Ao que parece, eu estava errado quando sugeri que estava na hora do diretor se aposentar.

Que bom.

20 de Junho de 2011.

Namorados Para Sempre

2011-06-14T00:27:00.010-03:00

(Blue Valentine, EUA, 2010)

Direção: Derek Cianfrance
Roteiro: Cami Delavigne, Joey Curtis e Derek Cianfrance
Com: Michelle Williams, Ryan Gosling, John Doman, Faith Wladyka, Mike Vogel, e Jen Jones.
Estreia no Brasil: 10/06/2011

por João Marcos Flores

Vendido pela Paris Filmes como “o filme perfeito para o dia dos namorados, mesmo se você não tiver um(a)”, Namorados Para Sempre é, na realidade, um drama tristemente realista que não apenas aborda com sobriedade o delicado tema das crises de relacionamento, como nos insere no dia-a-dia de seu casal principal a fim de revelar as manias e imperfeições de seus protagonistas, levando-nos a compreender, durante o processo, tanto os motivos que os atraíram um ao outro quanto aqueles que agora os repelem. É lamentável, portanto, que a distribuidora brasileira tenha conseguido prestar um desserviço tão grande a um filme tão eficiente, preferindo um ataque kamikaze ao bolso dos desavisados em seu fim-de-semana de estreia (mesmo que isso fosse resultar em uma grande rejeição ao filme) do que permitir que suas próprias qualidades se encarregassem de encontrar o seu público – que, definitivamente, não é formado pelos casais apaixonados que habitavam os shoppings centers do país no último dia 12.

Co-escrito por Cami Delavigne e Joey Curtis em parceria com o diretor Derek Cianfrance, o longa retrata a rotina de Dean (Gosling) e Cindy (Williams), um pintor de paredes e uma enfermeira cujo casamento parece estar prestes a desabar. Enquanto o primeiro luta para se reaproximar da esposa e não permitir que o clima hostil entre eles afete o convívio com sua pequena filha Frankie (Wladyka), a segunda parece cada dia mais distante e arredia, se recusando a falar diretamente com o marido e rejeitando todas as suas investidas afetivas e sexuais. Através de uma montagem paralela, nós também acompanhamos os primeiros passos do romance dados alguns anos atrás (não posso chamar tais sequências de flashbacks, já que elas ocupam praticamente o mesmo tempo na tela que aquelas ambientadas no “presente”), e, dessa forma, somos levados a compreender o processo que levou a relação daqueles jovens ao estado atual.

Resultado de um longo processo experimental conduzido por Cianfrance, que incluiu meses de laboratório nos quais Ryan Gosling e Michelle Williams realmente dividiram um apartamento e uma interessante estratégia de revelar aos atores apenas sua parte no roteiro, incentivando-os a encarnar as motivações de seus personagens sem ter ideia das possíveis reações do parceiro, Namorados Para Sempre assume, desde o seu início, um tom quase documental que torna-se fundamental para que acreditemos naquela história que está sendo contada. Assim, é natural que os sons diegéticos assumam um papel fundamental não apenas na construção da atmosfera de cada cena, como igualmente na interpretação de seus protagonistas, que utilizam expressões contidas e elementos sutis como o ritmo da respiração para expressar suas emoções.

Gosling e Williams (que foi inclusive indicada ao Oscar de melhor atriz por sua atuação), aliás, demonstram um entrosamento admirável em cena, permitindo que os enxerguemos sem dificuldades como um verdadeiro casal que vive junto há anos. Além disso, a dupla constrói personagens complexos que, ainda que tropecem aqui e ali, levando-nos a odiá-los por alguns instantes, jamais deixam de soar como pessoas de carne e osso que só estão tentando fazer o melhor com suas vidas: dono de um sorriso tímido e um olhar manso, Dean é um sujeito simples cujo propósito de vida se reflete nos pequenos gestos do dia-a-dia, como na delicada cena em que o jovem pai inventa uma brincadeira para que a filha coma seus cereais sem reclamar. Bem humorado e com uma forte tendência ao comodismo, sua personalidade se contrapõe drasticamente à da impaciente e constantemente insatisfeita Cindy, cuja falta de entusiasmo com a vida e a expressão invariavelmente aborrecida tornam difícil a tarefa de simpatizarmos com ela, ainda que seja plenamente compreensível o fato de uma menina tão linda ter conquistado com tamanha facilidade o coração de um jovem humilde e sonhador.

E é justamente quando procura explorar as motivações que levaram aqueles dois jovens a iniciar uma nova vida juntos que o longa demonstra uma maturidade mais que bem-vinda, ainda que revestida de um realismo que beira o pessimismo e certamente incomodará os mais românticos (como eu). Note, por exemplo, que, por mais que Cindy se esforce em enfatizar que a relação dos dois foi se desgastando ao longo do tempo, em nenhum momento da projeção é possível vê-la genuinamente apaixonada por Dean – ao invés disso, ela só decide assumir um compromisso com ele devido a sua disposição incondicional de permanecer ao seu lado e assumir sua filha mesmo depois de todos os problemas com o verdadeiro pai da criança. Dessa maneira, por mais que nos sintamos tentados a julgá-la por seu egocentrismo e por usar seu parceiro para suprir suas carências e necessidades sociais, não há como não compreender suas razões, que, por mais que não queiramos admitir, refletem nossas próprias motivações por trás de diversas decisões que já tomamos em nossas vidas amorosas. Afinal de contas, é a imaturidade e a falta de preparo daqueles dois jovens que os impede de viver uma vida feliz e plena um ao lado do outro, entrando, ao invés disso, em um casamento que parece mais uma punição por suas irresponsabilidades adolescentes.

Do ponto de vista de linguagem, o longa também se mostra impecável, jamais utilizando a desculpa do naturalismo para não criar uma lógica visual coerente e que contribua narrativamente com o projeto. A começar pela eficiente montagem de Jim Helton e Don Patane, que, sem seguir uma ordem coerente de eventos, os intercala de forma que atinjam seus ápices no mesmo instante da projeção; passando por uma direção de câmera precisa, que acompanha os personagens de perto, na maior parte do tempo evitando enquadrar Cindy de frente, como se ela tentasse desviar o olhar do espectador assim como faz com seu parceiro; e, por fim, culminando em uma decisão inteligente tomada por Cianfrance ao lado do fotógrafo Andrij Parekh que, rodando as cenas do início do relacionamento em 16 mm e as de sua destruição em câmera digital, enchem a primeira “fase” de nostalgia através de suas imagens granuladas, enquanto apresentam a segunda com frieza e esterilidade – algo que é ainda reforçado por algumas soluções mecânicas encontradas pelo cineasta, como a de levar o casal para um quarto de motel cujas paredes prateadas e sem janelas e os fortes reflexos azulados transmitem uma constante sensação de opressão e distanciamento.

Repleto de momentos doces (como o “dueto” que Cindy e Dean fazem na calçada) e de outros bastante amargos (como seu plano final, que, obviamente, não irei revelar aqui), Namorados Para Sempre é o último filme do mundo que deve ser visto em um dia dos namorados. Ainda assim, é uma produção competente tanto como Cinema quanto como análise do comportamento humano.

11 de Junho de 2011.

X-Men: Primeira Classe

2011-06-04T01:16:00.009-03:00

(X-Men: First Class, EUA, 2011)

Direção: Matthew Vaughn

Roteiro: Ashley Miller, Zack Stentz, Jane Goldman e Matthew Vaughn

Com: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, Rode Byrne, Jennifer Lawrence, January Jones, Jason Flemyng, Nicholas Hoult, Zoë Kravitz, Lucas Till, Glenn Morshower, Caleb Landry Jones, Edi Gathegi, Alex González, Oliver Platt, Matt Craven, James Remar, Rade Serbedzija, Ray Wise e Michael Irinside.

Estreia no Brasil: 03/06/2011

por João Marcos Flores

O grande diferencial da franquia X-Men sempre foi sua metáfora madura e pertinente em relação à forma com que tratamos aqueles seres humanos que julgamos diferentes de nós. Utilizando os mutantes que habitam seu universo como indivíduos complexos e ambíguos que poderiam facilmente ser substituídos por qualquer outra minoria social, como negros, evangélicos ou homossexuais, a saga já apresentou, em seus três excelentes filmes anteriores (estou intencionalmente ignorando o irrelevante Wolverine), uma série de dramas existenciais que, por si sós, são suficientemente tocantes para garantir nossa total identificação com aqueles personagens (afinal de contas, como não se compadecer de uma adolescente que mal pode tocar as pessoas que ama, correndo o risco até mesmo de levá-las imediatamente à morte? Ou ainda, de homens e mulheres que cresceram ouvindo de todos – inclusive dos próprios pais – que não passam de aberrações que precisam urgentemente de uma cura?).

Mas o mais fascinante mesmo é perceber que os realizadores da série jamais se acomodaram em explorar somente este aspecto da série de HQs originais, abrindo, ao invés disso, um leque de subtramas intrigantes que constantemente nos desafiam a questionar nossos próprios temores e preconceitos, levando-nos invariavelmente à conclusão de que teríamos razões suficientes para abraçar qualquer uma das causas apresentadas pelo roteiro; seja a de Xavier, Magneto, ou até mesmo a do governo norte-americano. Afinal, enquanto por um lado nos sentimos impelidos a defender Xavier, Wolverine, Tempestade e companhia, nos identificando com sua vulnerabilidade (notem a ironia) diante de um mundo que os rejeita, por outro, não há como ignorar a compreensível preocupação de homens que temem por sua segurança ao se verem diante de seres capazes de ultrapassar paredes, dominar os principais elementos da natureza ou manipular a mente humana. E isso sem esquecer o melhor personagem da saga, Magneto, cujo ódio pelos “homo sapiens” jamais soa como mera necessidade do roteiro de estabelecer um antagonista, mas como uma resposta natural a anos de perseguição e intolerância.

Contando com uma vasta galeria de personagens desde o seu princípio, é natural que diversas informações importantes sobre a maioria deles precisassem ficar um pouco de lado a fim de que o ritmo narrativo dos longas não fosse comprometido, e preencher estas lacunas é justamente a função deste Primeira Classe, que traz Charles Xavier (McAvoy) em seus primeiros passos como pesquisador das novas mutações genéticas apresentadas pelo DNA humano. Acompanhado por Mística (Lawrence), o jovem acaba naturalmente atraindo uma série de outros mutantes para a sua órbita, entre eles o amargurado Erik (Fassbender, o futuro Magneto), que testemunhara o assassinato da própria mãe, em um campo de concentração nazista, pelo sádico Sebastian Shaw (Bacon), que agora investe em uma campanha pesada para botar fogo na Guerra Fria – algo que, a convite da agente da CIA Moira MacTaggert (Byrne), o grupo liderado por Xavier precisa tentar impedir.

Utilizando o episódio dos mísseis cubanos e entrevistas gravadas do ex-presidente americano John Kennedy para estabelecer a trama no mundo real, o longa mostra-se eficaz por jamais trair a natureza dos personagens que, afinal de contas, já estão muito bem estabelecidos na mente do espectador. Assim, enquanto o jovem Xavier é retratado como um rapaz inteligente, ponderado e sempre preocupado com as pessoas ao seu redor, Erik apresenta a mesma filosofia de que “os fins justificam os meios” que um dia o levará a tentar sacrificar Vampira pela causa dos mutantes, ou ainda, treinar Jean Grey a desenvolver o seu “lado negro” com a finalidade de exterminar a raça humana. Mesmo assim, o roteiro escrito por Ashley Miller, Zack Stentz, Jane Goldman e pelo diretor Matthew Vaughn não deixa de evidenciar a imaturidade daqueles adolescentes que, após improvisar uma pequena festa mesmo em meio a um perigoso conflito, não conseguem esconder seu pavor diante de uma súbita invasão de Shaw e seus capangas.

Repleto de curiosidades que certamente agradarão muito aos fãs da série, como ao mostrar o início da construção do ‘Cérebro’ (e isso que nem irei revelar as duas divertidas participações especiais), X-Men: Primeira Classe é ainda um grande filme de ação, dirigido por Matthew Vaughn com segurança e inventividade visual. Note, por exemplo, como os planos em que Xavier “invade” a mente dos outros são economicamente identificados através da utilização da grande angular que lhes confere uma imediata aparência onírica, ou ainda, a consistente sequência em que os mutantes treinam em sua recém formada escola, na qual o cineasta aproveita um momento de maior descontração para inserir recursos como telas divididas e raccords a fim de evocar a estética dos quadrinhos, lembrando-nos, ao mesmo tempo, de seus melhores momentos no igualmente fantástico Kick-Ass.

Com exceção de alguns efeitos especiais criados através do CGI, que pontualmente soam artificiais e, assim, diminuem moderadamente o impacto das cenas de ação (em especial durante o bombardeio final em alto mar), o projeto merece aplausos em praticamente todos os seus aspectos técnicos, da montagem dinâmica de Eddie Hamilton e Lee Smith ao trabalho impecável do diretor de fotografia John Mathieson e do desenhista de produção Chris Seagers, que, alternando elementos realistas com as cores chapadas típicas do universo dos super-heróis, sintetizam de forma eficiente não somente a natureza do longa, como de toda a franquia.

Mas o filme jamais funcionaria (e confesso que este era um dos meus principais temores) caso o novo elenco não fizesse jus às marcantes atuações de atores como Patrick Stewart, Ian McKellen e Anna Paquin – algo que, felizmente, não é o que acontece aqui. Começando por James McAvoy, que encarna de forma segura e carismática o papel de protagonista da produção, passando obviamente pela doçura da brilhante Jennifer Lawrence (que dá um verdadeiro espetáculo de interpretação em Inverno da Alma) e terminando no veterano Kevin Bacon, que intimida por sua postura autoritária e cruel, os novos rostos da série jamais decepcionam na concepção de seus personegens, que se mostram sempre ambíguos e complexos, contribuindo com a mensagem de aceitação abordada pelo projeto. E se a maior decepção fica por conta de Michael Fassbender, que costuma convencer muito mais como guerreiro (seja ele espartano ou medieval), o destaque é mesmo de Nicholas Hoult, que, recebendo o personagem com o arco dramático mais fascinante do projeto, transforma seu Hank McCoy (futura “Besta”) em um rapaz atormentado e incapaz de se aceitar do jeito que é.

O que nos ajuda a não esquecer a reflexão que, desde o seu primeiro filme, lançado há mais de dez anos, a saga X-Men vem propondo de forma inventiva, sutil e absolutamente intrigante: faz mesmo sentido travarmos guerras uns contra os outros, espancarmos nossos próximos nas ruas ou organizarmos campanhas contra determinado grupo apenas porque somos levemente diferentes do que eles? São a cor da pele, a opção religiosa e a orientação sexual fatores que realmente justificam o ódio (ou mesmo a simples indiferença) em relação aos nossos conterrâneos?

Se interessa a você ou não discutir estes questionamentos, uma coisa é certa: quando um blockbuster de Hollywood decide sair do lugar comum para abraçar temas tão importantes e ambiciosos como este, é impossível não reconhecermos que estamos diante de um grande filme.

03 de Junho de 2011.

Se Beber, Não Case! Parte II

2011-05-27T22:20:00.009-03:00

(The Hangover Part II, EUA, 2011)

Direção: Todd Phillips

Roteiro: Craig Mazin, Scot Armstrong e Todd Phillips

Com: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Ken Jeong, Paul Giamatti, Mike Tyson, Jeffrey Tambor, Mason Lee, Jamie Chung, Sasha Barrese, Aroon Seeboonruang e Nick Cassavetes.

Estreia no Brasil: 27/05/2011

por João Marcos Flores

Tendo a base de seu humor calcada no absurdo e em problemas recorrentes da rotina do homem moderno e utilizando uma estrutura narrativa interessante que poderia muito bem gerar um bom thriller, Se Beber, Não Case! se tornou uma das gratas surpresas de 2009 justamente por unir de forma divertida e charmosa todas as características das chamadas comédias 'R-Rated' (ou, comédias apenas para adultos) e aquelas normalmente apresentadas no sub-gênero bromance (ou, histórias de amor e lealdade entre melhores amigos). E o sucesso do longa foi tamanho, que eu já temia que o cineasta Todd Phillips se sentisse tentado a transformar esta Parte II em uma simples repetição da mesma história contada dois anos atrás, criando uma continuação capaz de divertir (e, mesmo assim, moderadamente) apenas aqueles que já haviam se tornado fãs do "bando de lobos" em sua jornada original - temor este que, infelizmente, acabei confirmando muito antes que o esperado, logo quando o primeiro ato do longa ainda se desenrolava à minha frente.

Escrito pelo eficiente Scot Armstrong (colaborador de Phillips nos bons Dias Incríveis, Starsky e Hutch e Road Trip) e pelo frágil Craig Mazin (mais acostumado com o besteirol de Super-Heróis - O Filme e da franquia Todo Mundo em Pânico), o roteiro traz o dentista Stu (Helms) às portas de um novo casamento, dois anos depois da inesquecível madrugada em Las Vegas. Feliz por se relacionar com uma garota normal desta vez, porém desconfortável com a visão depreciativa através da qual é visto pelo novo sogro, ele convida o melhor amigo Phil (Cooper) para uma longa e cara viagem ao interor da Tailândia a fim de comparecer à cerimônia. Disposto a evitar excessos para que nada fuja novamente de controle, o sujeito se vê praticamente obrigado a convidar o excêntrico e imprevisível Alan (Galifianakis), responsável por boa parte dos infortúnios vividos pelo trio às vésperas do casamento de Doug (Bartha) nos Estados Unidos. Chegando todos lá, eles resolvem sair à noite para beber umas cervejas na praia, quando...

Bem, se você assistiu ao longa original, a descrição da sinopse se torna absolutamente desnecessária, já que o que vemos aqui está muito mais para um reboot do que para uma verdadeira continuação. E não é somente a premissa do longa que se mantém a mesma, mas, quando Phil exclama: "Oh não, está acontecendo tudo de novo!", o que Philips e seus dois colaboradores querem dizer é que tudo o que fez sucesso no longa anterior estará presente neste também, incluindo desde os elementos mais relevantes (como a participação do hilário Mr. Chow (Jeong) - desta vez bem maior, vale dizer) até os mais descartáveis (como o plano em que os amigos brindam para o céu ou aquele em que eles se vêem perdidos ao contemplarem a imensidão da cidade no topo de uma gigantesca edificação). Como se não bastasse, a resolução do "mistério da noite passada" se revela muito mais burocrática e desinteressante dessa vez, incluindo diversas reviravoltas tímidas que apenas ajudam a postergar um pouco mais sua conclusão, como ocorre com a subtrama envolvendo uma - boa, como sempre - participação de Paul Giamatti.

Acreditando incondicionalmente no fato de ter transformado aqueles personagens em verdadeiros ícones (algo que pode ser comprovado de diversas formas, inclusive pelo batido plano em que o grupo caminha em slowmotion em direção à câmera embalado por uma trilha pop), Phillips dá muito menos atenção ao seu desenvolvimento desta vez, confiando que o espectador completará as lacunas faltantes com a própria projeção que já tem a seu respeito - o que acaba funcionando relativamente bem para quem já está familiarizado com aqueles indivíduos, mas acaba os transformando em sujeitos bem menos interessantes para os iniciantes no universo do longa. Assim, as insistências de Alan em se auto-entitular "membro do grupo" ou "um dos melhores amigos do noivo" podem soar divertidamente tocantes ou aborrecidamente mimadas; ou ainda, a expressão mais contida e apreensiva de Phil tem o potencial de funcionar tanto como o conflito de um adolescente tardio quanto como mera inexpressividade.

Mas é Ed Helms quem transforma seu Stu no personagem mais complexo do projeto desta vez, interpretando-o de forma convincente como um homem dividido entre os fiéis amigos e seus sonhos de construir uma família estável ao lado de sua nova amada. Como não poderia deixar de ser, portanto, são dele as melhores oportunidades cômicas, já que, passando cada minuto da projeção no limite entre a sanidade e o completo descontrole emocional, o ator explora de forma inteligente cada gag envolvendo suas reações sempre alteradas e auto-destrutivas, que se contrapõem de forma curiosa à sua personalidade discreta e postura tradicional. Enquanto isso, vale ressaltar que o excelente Zach Galifianakis consegue extrair boas risadas mais uma vez, abusando das frases e observações nonsense que o roteiro inteligentemente depositou em suas mãos - algo que Phillips não conseguiu fazer de forma eficiente no decepcionante Um Parto de Viagem.

Apesar do talento e da boa química entre os atores principais, porém, Se Beber, Não Case! Parte II contém um número muito maior de piadas fáceis e clichês, que podem até garantir algumas risadas ("afinal, um macaco beijando um pênis é sempre algo engraçado em qualquer língua"), mas demonstram a preguiça mental dos realizadores ao construirem um longa-metragem inteiro praticamente no piloto-automático (só para constar, o longa contém três das piadas que considero mais insuportáveis em filmes de comédia: animais - e, pior ainda, macacos - que reagem aos diálogos dos humanos; personagens que reagem a situações embaraçosas tomando toda a bebida de seu copo de uma vez só; e, principalmente, a conclusão do terceiro ato em uma cena de dança cujo único objetivo é fazer o espectador abandonar a sala de exibição se sentindo bem-humorado e favorável ao que acabou de assistir).

O que só não consegue destruir o projeto por completo porque, em tempos em que o moralismo e a hipocrisia parecem flertar com um retorno ao trono de Hollywood, é impossível não se divertir com um longa anárquico que não se embaraça em apresentar um protagonista que faz sexo passivo com um travesti tailandês; não nos priva de uma violência gráfica que acaba servindo perfeitamente bem como estratégia de humor (a cena do atropelamento de um porco é hilária); e não tem a menor preocupação em evitar imagens de consumo de drogas ou bebidas alcoólicas - e isso tratando seus personagens como homens adultos que podem até ter uma dose de inconsequência acima da média, mas estão longe de meras criaturas infantilóides.

Afinal de contas, maiores de 18 anos também merecem ir ao Cinema apenas para se divertir.

27 de Maio de 2011.

Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas

2011-05-21T02:13:00.007-03:00

(Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, EUA, 2011)

Direção: Rob Marshall

Roteiro: Ted Elliot e Terry Rossio, baseado no romance 'On Stranger Tides', de Tim Powers.

Com: Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush, Ian McShane, Kevin McNally, Sam Claflin, Astrid Berges-Frisbey, Stephen Graham, Keith Richards, Richard Griffiths, Greg Ellis, Damian O'Hare, Óscar Jaenada e Richard Thomson.

Estreia no Brasil: 20/05/2011

por João Marcos Flores

Os ingredientes mais saborosos da franquia Piratas do Caribe sempre foram o descompromisso, a inventividade do cineasta Gore Verbinski na condução de qualquer tipo de cena que o roteiro exigisse e, especialmente, a consciência de que, por mais que o Capitão Jack Sparrow fosse inegavelmente sua atração principal, esta só funcionaria enquanto estivesse servindo a uma boa história, ao invés de cair na tentação de tornar-se o centro de suas atenções. Em contrapartida, os três primeiros filmes da série seriam certamente bem melhores caso tivessem 20 ou 30 minutos a menos e deixassem de lado suas dezenas de subtramas que jamais contribuíram para seu bom andamento narrativo. O que se pode dizer deste Navegando em Águas Misteriosas, portanto, é que o diretor Rob Marshall eliminou os méritos e manteve justamente as falhas da franquia, acrescentando-lhe ainda um desesperado e artificial esforço em manter a plateia rindo de tudo o que é mostrado na tela ao longo de seus 131 minutos de projeção.

Obrigados a criar uma nova história do zero devido ao fechamento da trama original em No Fim do Mundo e à ausência de personagens importantes como o casal Will Turner (Orlando Bloom) e Elizabeth Swann (Keira Knightley), os roteiristas Ted Elliot e Terry Rossio decidiram partir de uma premissa mais simples que as dos longas anteriores (também escritos por eles), colocando Sparrow (Depp) e sua antiga amante Angelica (Cruz) em uma caçada pela lendária fonte da juventude, inspirados no romance ‘On Stranger Tides’, escrito por Tim Powers. Ainda determinado a resgatar seu ‘Pérola Negra’, o primeiro se vê obrigado a embarcar em um navio comandado pelo temível Barba Negra (McShane), pai da segunda, e logo descobre que seu velho desafeto Capitão Barbosa (Rush) também encontra-se em uma missão semelhante, desta vez com o aval da coroa britânica.

Não é difícil perceber o improviso sobre o qual o enredo de Piratas 4 foi estruturado, afinal de contas, nós já podemos dizer que conhecemos Jack Sparrow suficientemente bem para questionar o fato de jamais termos sequer ouvido menção àquela que o sujeito afirma nunca ter deixado de amar. Ainda assim, o súbito surgimento do grande amor da vida do pirata não incomodaria tanto caso não significasse uma nítida mudança em sua personalidade, abandonando parte de seu mistério (que jamais impediu desconfianças acerca de sua suposta homossexualidade) e adequando-o bem mais ao arquétipo do herói de filmes de ação. O que não quer dizer, é claro, que o mau-caratismo irreverente e imprevisível criado por Depp não continue sendo decisivo para amarmos o protagonista, cuja autoconfiança aparentemente inabalável parece manter-lhe sempre indiferente não apenas aos perigos que precisa enfrentar, como também à opinião pouco lisonjeira que as pessoas ao seu redor têm ao seu respeito.

Lamentavelmente, porém, Elliot e Rossio acabam enfim cedendo ao impulso de formular toda a trama do longa ao redor de seu herói, algo que não apenas dilui a graça de seu humor, como o impede de agir com o mesmo descaso das produções anteriores. Para piorar, a dupla de roteiristas parece tão convencida acerca do ícone no qual Sparrow se transformou que se esquece de criar gags realmente engraçadas, acreditando que o espectador se divertirá com qualquer situação banal, como o pirata tentando se movimentar amarrado a uma cadeira ou tirando uma das botas cheias d’água, apenas devido às caras e bocas de Depp – e por mais que o ator continue demonstrando um timing cômico impecável, isso não é suficiente para manter a trama interessante e minimamente relevante.

O que nos leva àquilo que o projeto definitivamente tem de pior: a direção frouxa de Rob Marshall. Cineasta limitado principalmente por sua falta de imaginação (como comprovam seu apenas mediano Chicago; seu esquecível Memórias de uma Gueixa; e, principalmente, seu embaraçoso Nine), Marshall consegue terminar a projeção sem dirigir uma única cena que faça jus às grandes sequências da franquia, como a marcha da tripulação de Barbosa debaixo de feixes definidos de luz que faziam suas aparências transitarem entre o humano e o monstruoso em A Maldição do Pérola Negra ou a longa batalha finalizada dentro de uma grande roda de moinho em O Baú da Morte, só para citar dois exemplos. Limitando sua mise em scène a duelos burocraticamente coreografados e exibindo uma galeria de seres fantasiosos cuja aparência em nenhum momento foge do lugar-comum, o diretor ainda demonstra sua ingenuidade ao levar seus personagens a constantemente empunharem suas espadas em direção à câmera a fim de abusar desnecessariamente do efeito causado pelo 3D.

E isso sem falar nas cenas que, abusando da boa vontade do público em aceitar qualquer coisa apenas por estar assistindo a um filme calcado na fantasia, beiram ao ridículo por não fazerem sentido algum: logo nos minutos iniciais da projeção, Sparrow passa-se por juiz de seu próprio julgamento usando uma peruca e uma barba falsa dignas de um Papai Noel de shopping center, conseguindo, ainda assim, enganar a todos e escapar ileso de seus perseguidores; minutos depois, o monarca que liderava a tentativa de colocá-lo atrás das grades simplesmente muda de ideia, convidando-o para participar da expedição real chefiada por Barbosa; e, para finalizar, somos obrigados a aceitar sereias que em nada se parecem com aquelas estabelecidas no imaginário popular ao longo dos séculos – mesmo que sejam elas que protagonizem a sequência mais tensa e sombria do longa, na qual atacam os tripulantes de um pequeno barco.

Estabelecendo a dinâmica do casal principal através do velho e batido “se brigam mas se amam”; utilizando de forma inadequada a excelente – e já icônica – trilha do mestre Hans Zimmer tanto pelo excesso como por embalar momentos não muito interessantes da narrativa; e contando com os aborrecidos Sam Claflin e Astrid Berges-Frisbey que, ao tentarem adicionar um tempero romântico à produção, nada mais fazem que encher-nos de saudades de Keira Knightley e até mesmo do normalmente inexpressivo Orlando Bloom, Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas é o primeiro episódio realmente decepcionante de uma franquia que, após um nascimento sem grandes expectativas e uma sobrevida impressionantemente bem-sucedida enquanto trilogia, parece enfim dar indícios de um inevitável esgotamento.

21 de Maio de 2011.

Agentes do Destino, Os

2011-05-16T19:36:00.004-03:00

(The Adjustment Bureau, EUA, 2011)

Direção: George Nolfi
Roteiro: George Nolfi, baseado no conto 'Adjustment Team', escrito por Philip K. Dick
Com: Matt Damon, Emilly Blunt, Anthony Mackie, John Slattery, Michael Kelly, Donnie Keshawarz e Terence Stamp.
Estreia no Brasil: 13/05/2011

por João Marcos Flores

George Nolfi é um gênio – ou, ao menos, acredita ser: partindo de uma premissa interessante, porém não sabendo como desenvolvê-la de forma coerente, o diretor/roteirista teve uma ideia que, se por um lado consegue amarrar as dezenas de pontas soltas encontradas ao longo da trama, por outro a condena imediatamente ao fracasso ao expor de forma constrangedora a artificialidade de sua estrutura. Assim, à medida que a projeção avança e nos damos conta de que Os Agentes do Destino do título nacional não passam de Deuses Ex-Machina à paisana, tudo que nos resta é abandonar qualquer tentativa de interpretar os eventos que se desenvolvem na tela como consequências naturais uns dos outros, aceitando, ao invés disso, que os homens de chapéu podem mudar os rumos do longa para qualquer direção na hora que bem entenderem.

Baseado em um conto escrito por Philip K. Dick (normalmente, as tentativas de adaptar histórias curtas ao formato de longa-metragem decepcionam por se mostrarem dispersas e arrastadas), o filme de estreia de Nolfi narra o encontro entre o imaturo candidato ao senado David Norris (Damon), que vê sua campanha escorrer pelo ralo depois que fotos suas abaixando as calças em uma festa são publicadas no ‘New York Post’, e a bailarina Elise (Blunt), de quem pouco sabemos a não ser que foi parar em um banheiro masculino após fugir dos seguranças de uma festa à qual entrara sem ser convidada. Atraídos imediatamente um pelo outro, os dois iniciam uma série de encontros e desencontros que segue sempre o mesmo padrão: afastados intencionalmente por um grupo de funcionários do além responsáveis por manter a humanidade dentro da linha pré-estabelecida pelo destino – e que, sabe-se lá porquê, insistem que os dois não podem ficar juntos -, o casal volta a se encontrar coincidentemente alguns meses depois, quando Norris toma mais uma vez a decisão de traçar sozinho os rumos de seu próprio destino.

Falhando já em seus minutos iniciais ao revelar com extrema facilidade algo que deveria ser tratado com um pouco mais de mistério, o roteiro de Os Agentes do Destino convida-nos a aceitar com naturalidade a presença de seus Oompa-Loompas disfarçados de Homens de Preto no meio da multidão em plena luz do dia, como se a humanidade fosse tão estúpida ao ponto de testemunhar suas ações ao logo de séculos sem jamais suspeitar de sua existência. Da mesma forma, Nolfi não consegue sequer estabelecer as principais regras daqueles indivíduos, apresentando-os como seres capazes de se teletransportar apenas para mostrá-los perseguindo o protagonista a pé no momento em que uma cena de ação se mostra necessária. E mesmo que o texto contenha uma explicação risível acerca do dom que aqueles homens possuem de detectar o momento certo de agir para só então se aproximarem de determinada pessoa, eu não consegui parar de pensar onde é que estariam todos os outros agentes, já que, se considerarmos que aqueles vistos no filme são os únicos em todo o planeta, me parece complicado acreditar que eles deixariam o restante do globo à mercê apenas para impedir um pobre sujeito de ser feliz ao lado de sua amada.

O que não é de se surpreender se considerarmos o Q.I. daqueles homens que, supostamente encarregados de manter a ordem universal, são incapazes de cumprir uma tarefa simples como fazer o protagonista derrubar um copo de café apenas porque pegaram no sono no banco de uma praça enquanto esperavam a hora exata, ou ainda, pasmam diante da inteligência de seu alvo apenas porque este invadiu um restaurante perguntando se alguém já havia assistido a um espetáculo em determinada casa de shows. Mas o que mais irrita no longa é a forma esquemática usada pelo roteiro para apresentar seus conceitos ao espectador, jamais permitindo que encontremos alguma lógica que ligue todos os pontos de maneira minimamente satisfatória: em determinado momento, por exemplo, os agentes decidem contar a verdade a Norris apenas porque “o presidente não permite uma reinicialização” – e essa justificativa, aliás, é usada em todos os momentos em que o cineasta não conseguiu encontrar uma razão melhor; já em outro, os agentes observam cuidadosamente o casal e declaram que “basta um beijo para que a situação fuja de controle”. Ora, por quê? O que isso significa? Provavelmente, a resposta é: “Significa que o presidente achou melhor assim”.

Lamentavelmente, não se pode dizer que os personagens do “lado do bem” contam com um cérebro muito mais avantajado, já que somente um sócio imbecil agiria com tamanha paciência ao ver seu parceiro profissional praticamente vegetar durante uma importante reunião justificando-se apenas com um infantilóide: “é que eu perdi o telefone dela”; ou ainda, apenas um suicida em potencial brincaria de correr de costas no meio da rua mesmo sabendo que está sendo integralmente seguido por um bando que não hesita em causar acidentes automobilísticos a fim de atingir seus objetivos. E se o envolvimento romântico entre o casal principal não convence nem mesmo depois de sabermos que ele já estava “escrito nas estrelas” há alguns anos (como considerar o “amor de sua vida” uma mulher que você só viu duas vezes?), a paixão incondicional de Norris por Elise só consegue ser um pouco mais compreensível pelo fato de ela ser interpretada pela sempre charmosa Emilly Blunt – ainda que precisemos fazer um esforço tremendo para acreditar que 1) um homem com o poder do futuro senador passe anos de sua vida solteiro esperando por sua amada; e 2) que sua atração inicial pela moça não seja logo abandonada no momento em que ela atende seu celular sem permissão dizendo que ele não está e depois o mergulhe dentro de seu copo de café logo na segunda vez em que os dois se cruzam.

Adotando como lógica visual apenas as constantes tomadas aéreas da cidade de Nova York e os desnecessários estabilishing shots das fachadas dos grandes prédios nos quais a ação se desenrola (como se isso bastasse para conferir grandeza ao longa), Nolfi comanda o projeto de forma frouxa e pouco inspirada, algo que passa necessariamente pelo trabalho irregular do montadorJay Rabinowitz, que, por mais que faça relativamente bem o seu feijão-com-arroz, peca por jamais conferir ritmo ao longa, abusando de cenas desnecessárias de diálogos e explicações inúteis – além de demonstrar um desleixo incorrigível em uma cena em que David e Elise caminham na saída de uma festa, que foi nitidamente montada com sobras das imagens em que os dois caminhavam justamente em direção à boate.

Repleto de elementos absurdamente ridículos (a água e os chapéus dificultam a “sondagem” dos agentes do destino); soluções pouco inventivas (incluindo uma cópia das portas mágicas de Monstros, S/A); coincidências que desrespeitam nossa inteligência (no exato momento em que David reencontra Elise depois de três anos, ele estava justamente procurando a moça pela janela do ônibus); clichês insuportáveis (acreditam que até mesmo o do casamento interrompido no último instante dá suas caras aqui?); e diálogos tão óbvios quanto uma conta de 2+2 (“Ésta é a primeira vez que eu não me sinto sozinho em vinte e cinco anos”), Os Agentes do Destino é uma ficção científica bagunçada e prepotente, que acredita flertar com os longas paranoicos de Roman Polanski e com A Origem, enquanto, na realidade, se aproxima muito mais de bombas como Encontro Explosivo e Os Esquecidos.

Ao menos o final acaba mostrando-se coerente com todo o restante do filme, culminando em uma sequência piegas e simplista que, curiosamente, beneficia-se do fato de a maioria dos espectadores já estarem entediados o suficiente para sequer pararem para pensar no absurdo do que está sendo mostrado na tela. A essa altura, até eu já estava pensando em aonde iria jantar em seguida.

Aliás, como o filme acaba mesmo?

13 de Maio de 2011.

Velozes e Furiosos 5: Operação Rio

2011-05-11T23:34:00.010-03:00

(Fast Five, EUA, 2011)

Direção: Justin Lin
Roteiro: Chris Morgan
Com: Vin Diesel, Paul Walker, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Ludacris, Matt Schulze, Sung Kang, Gal Gadot, Tego Calderon, Don Omar, Joaquim de Almeida, Dwayne Johnson, Elsa Pataky, Michael Irby, Fernando Chien, Alimi Ballard, Yorgo Constantine e Mark Hicks.
Estreia no Brasil: 06/05/2011

por João Marcos Flores

É sempre a mesma coisa: basta uma grande produção estrear e estabelecer um bom hype ao seu redor, que qualquer crítico que publicar um texto negativo a seu respeito torna-se imediatamente o inimigo número 1 de seus seguidores, tendo seu conhecimento questionado e até mesmo sua honra pessoal ofendida apenas por não ter gostado do longa. E os argumentos desses trolls (só posso chamar assim aqueles que, ao levarem a discussão para o lado pessoal ou rejeitarem uma opinião diferente da sua, não compreendem a verdadeira função da crítica cinematográfica) também costumam ser absolutamente previsíveis: “Mas como você espera um bom roteiro de um filme despretensioso como esse?”; “Você precisa entender que era exatamente essa a intenção dos realizadores!”; ou ainda, “Você é um chato que não sabe se divertir!”. Dessa forma, já antecipo a provável reação por parte dos fãs da franquia Velozes e Furiosos ao lerem esta crítica do quinto capítulo da série, e aproveito para fazer dois convites: 1) se você, que está lendo este parágrafo neste momento, acredita que o Cinema deve ser sempre respeitado e está disposto a um debate saudável acerca do filme, leia a crítica, publique seu contra-argumento no espaço aberto para os comentários e convide amigos para participarem da discussão; agora, 2) se você é um fanático incondicional e vai usar mais uma vez as mesmas frases citadas acima, desconfio que você esteja no lugar errado.

Escrito por Chris Morgan (que também roteirizou os dois longas anteriores), Velozes e Furiosos 5: Operação Rio (a partir de agora, apenas Velozes 5) tem início com o julgamento do icônico ladrão de carros e corredor de rachas Dominic Toretto (Diesel), que havia se entregado para a polícia no final do episódio anterior. Condenado a uma longa pena, ele não chega a cumprir nem o primeiro dia, já que, no meio de uma viagem de ônibus na qual ele e outros presidiários estão sendo transportados para sua unidade definitiva, seus velhos amigos Brian O'Conner (Walker) e Roman (Gibson) e sua irmã Mia (Brewster) surgem para ajudá-lo em sua fuga, durante a qual aproveitam para roubar alguns carros tunados que estavam sendo transportados no mesmo veículo que os detentos. Considerados foragidos e com as possibilidades “profissionais” escassas em Los Angeles, os quatro viajam para o Rio de Janeiro, onde reencontram o velho parceiro Vince (Schulze), que logo lhes sugere um plano que, envolvendo uma quantia de mais de dez milhões de dólares, é capaz de “comprar” definitivamente sua liberdade: roubar as dez empresas fantasmas do miliciano Herman Reyes (Almeida, o Sherlock Holmes de O Xangô de Baker Street). Para isso, Toretto e O'Conner montam uma equipe de mercenários que precisará enfrentar a perseguição do agente durão do FBI Luke Hobbs (Dwayne “The Rock” Johnson) e da policial brasileira Elena (Pataky), com quem Toretto acaba tendo affair provavelmente inspirado naquele desenvolvido entre Sylvester Stallone e Gisele Itiê em Os Mercenários.

Descontando os evidentes remendos no roteiro que apenas confirmam a forma improvisada com a qual a franquia se desenvolveu ao longo dos anos (por que raios Toretto foge se ele mesmo havia se entregado?) e as situações absurdas que foram obviamente plantadas a partir de ideias para as cenas de ação (qual a justificativa para os carros estarem sendo transportados no mesmo ônibus dos presos?), Velozes 5 segue uma trama óbvia e pouco original que, se prolongando por muito mais tempo que o recomendável e contando com uma direção repetitiva de Justin Lin, que a entope de planos dos personagens debruçados sobre mapas ou debatendo em frente a um monitor, se julga muito mais interessante do que realmente é (ideia essa que a própria crítica americana ajudou a consolidar), obrigando-nos a suportar uma série interminável de diálogos óbvios e repletos de frases supostamente de efeito (“Você é a única pessoa no Rio que não pode ser comprada”), que vêm sempre seguidas de um aumento no volume da trilha sonora, que se esforça o tempo todo para imprimir aos acontecimentos um ar de importância e urgência.

Repleto de subtramas desinteressantes (como a que envolve a gravidez de Mia) e imprimindo um ingênuo esforço para soar relevante do ponto de vista narrativo, o roteirista Morgan parece não perceber que o público da série não está nem um pouco interessado em um enredo complexo e surpreendente, dando um tiro duplo no pé ao não conseguir agradar nem os espectadores mais sofisticados e nem mesmo aqueles que pagaram o ingresso apenas para conferir suas grandes perseguições automobilísticas, já que estas, escassas como em nenhum outro filme da franquia, acabam perdendo espaço para diálogos aborrecidos e tiroteios saídos diretamente de um filme de Arnold Schwarzenegger– e mesmo durante as poucas oportunidades de fazer aquilo que já virou marca registrada quando se pensa em Velozes e Furiosos (ou seja, colocar os personagens para disputarem rachas em carros caros e “envenenados”), os realizadores acabam frustrando o público que, acostumado a acompanhar as perseguições tentando identificar as marcas e modelos das máquinas utilizadas pelos participantes, se veem, em determinado momento, diante de uma disputa na qual todos os personagens dirigem idênticos camburões policiais, ou, em outro, são preparados para uma corrida valendo determinado carro azul apenas para que o trio (!) de montadores cortem para uma cena em que os heróis já estão em posse de tal veículo. Ainda assim, a lógica visual de Lin mostra-se a mesma de todos os outros filmes da série, abusando dos inserts nos pés que afundam seus infinitos aceleradores e nos velocímetros que parecem jamais terminar sua volta em 360 graus.

Novamente ignorando todas as regras da física (algo que, por si só, não seria algo ruim), Velozes 5 ainda conta com personagens que, caindo de grandes alturas e participando de diversas brigas e tiroteios sem jamais sofrer um arranhão (e quando isso acontece, é com um descartável coadjuvante, é claro), impedem que temamos por seus destinos justamente por sabermos que nada pode lhes ferir. E se Vin Diesel ainda consegue estabelecer certa conexão com o público graças ao seu carisma (e não às desnecessárias tentativas do roteiro de apresenta-lo como um sujeito mais sensível e “família” que nos outros longas), Paul Walker continua representando o mesmo buraco negro de sempre, sugando a energia de qualquer cena da qual esteja participando com sua inacreditável inexpressividade. Talvez seja justamente por isso que Morgan fez tanta questão de apresentar os antagonistas da dupla como vilões inescrupulosos e desprezíveis, começando pelo Machete ianque interpretado por Dwayne “The Rock” Johnson, que elimina suas vítimas de forma brutal e coreografada sem jamais tirar a expressão sisuda do rosto, e culminando no miliciano interpretado por Joaquim de Almeida, que inscreve-se no grupo de vilões que não hesitam em dar um tiro em um funcionário apenas por sentir-se entediado no momento.

Outra questão que vale a pena ser discutida é a visão distorcida que o longa lança sobre o nosso país, retratando-o como uma terra sem lei na qual todos convivem tranquilamente no meio de armas e em um constante estado de guerrilha. E ainda que eu não me inclua no grupo de regionalistas extremos que de tempos em tempos tentam promover boicotes a obras como Turistas ou a série Os Simpsons, e que considere momentos como o que culmina com a frase: “Você não está na América, isso aqui é o Brasil!” apenas constrangedores para seu roteirista, não há como não se sentir incomodado ao perceber que, por mais que já tenhamos nos estabelecido como uma das economias mais fortes do mundo e que isso só tenda a melhorar nos próximos anos, ainda sejamos vistos através das lentes reducionistas do Cinema como o povo do samba, do futebol, das mulatas (como Rio se esforça para confirmar) e das favelas dominadas pelo narcotráfico – e eu estava realmente esperando que os macacos trombadinhas do longa de Carlos Saldanha aparecessem a qualquer momento para atrapalhar ainda mais a vida dos protagonistas.

Não demonstrando a menor vergonha de abraçar uma quantidade admirável de clichês (como a incompreensível “mudança de lado” dos policiais; as cenas em que um dos heróis está prestes a ser morto quando um de seus parceiros atira em seu carrasco antes que este puxe o gatilho, e por aí afora) e culminando em um final tolo que se julga uma reviravolta muito genial, Velozes 5 é estúpido como todos os seus predecessores, entediante como toda a franquia desde o seu segundo capítulo e – pela primeira vez – embaraçosamente pretencioso, perdendo uma grande oportunidade de ser, mais uma vez, um filme ruim que sabe que é um filme ruim.

Isso o transformaria, como muitos costumam afirmar, em um bom filme? É evidente que não, mas ao menos seria mais honesto consigo mesmo e com o próprio espectador. Quanto às perguntas mencionadas no primeiro parágrafo, acredito que um longa deve – sim – ter uma boa história e bons personagens mesmo sendo um filme de gênero; não engulo qualquer lixo apenas por que este tem consciência de que é um lixo; e, por fim, é evidente que consigo me divertir – e muito – com filmes de ação como Operação França, O Exterminador do Futuro 2, Missão: Impossível 4 e A Identidade Bourne - produções estas que jamais se propuseram a ser filmes de arte e esconder sua proposta estritamente escapista e comercial.

Lamentavelmente, Velozes 5 está bem longe de se inscrever nesse grupo.

08 de Maio de 2011.

Reencontrando a Felicidade

2011-05-05T23:14:00.006-03:00

(Rabbit Hole, EUA, 2010)

Direção: John Cameron Mitchell
Roteiro: David Lindsay-Abaire, baseado em sua própria peça teatral
Com: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Miles Teller, Tammy Blanchard, Sandra Oh, Giancarlo Esposito, Jon Tenney, Stephen Mailer, Mike Doyle, Roberta Wallach, Patricia Kalember, Ali Marsh, Yetta Gottesman, Colin Mitchell, Deidre Godwin, Julie Lauren e Rob Campbell.
Estreia no Brasil: 06/05/2011

por João Marcos Flores

Todo mundo conhece a história de Alice no País das Maravilhas, na qual uma garotinha encontra uma toca de coelho por onde foge de sua rotina rígida e disciplinadora, viajando para um mundo surreal que na verdade não passa de seu próprio universo interior. É com essa mesma função que David Lindsay-Abaire utilizou o termo ‘Rabbit Hole’ para dar título à sua peça teatral e, mais tarde, ao roteiro do longa que daria a Nicole Kidman a terceira indicação ao Oscar de sua carreira, ilustrando de forma simples o método utilizado por sua protagonista na tentativa de suavizar a sua dor: isolando-se dentro de si própria. É uma pena, portanto, que a distribuidora brasileira tenha sentido a necessidade de batizar o projeto com um nome tão genérico quanto Reencontrando a Felicidade, prejudicando seus espectadores de duas formas diferentes: primeiro por privar-lhes da alusão inicialmente planejada por seus realizadores, e segundo por sugerir mais um daqueles filmes manipulativos e sentimentalóides – algo que O Buraco do Coelho (como chamarei o projeto daqui em diante) definitivamente não é.

Desde os primeiros minutos de projeção nós sabemos que uma tragédia ocorreu na vida do casal Becca (Kidman, que co-produz o projeto)/Howie (Eckhart), mas é aos poucos que recebemos as informações necessárias para compreender sua exata natureza: cerca de oito meses atrás, seu filho de apenas quatro anos estava brincando na frente de casa quando foi atropelado pelo adolescente Jason (Teller), falecendo no mesmo instante e deixando a seus pais não apenas o desafio de encarar a vida sem ele, como também de enfrentar uma crise que parece apenas ter se agravado após o acidente.

Completamente diferentes um do outro, os dois procuram lidar com a situação à sua própria maneira, possibilitando que nós, do lado de cá da quarta parede, nos beneficiemos de um estudo de personagem que se revela sempre comovente e interessante, jamais apelando para o melodrama ou buscando desesperadamente nossas lágrimas - como fazem os irmãos temáticos Gente Como A Gente (do qual gosto) e A Morte e Vida de Charlie (do qual não gosto). Dessa forma, ao invés de mostrar os personagens planejando suicídio ou bebendo whisky no gargalo, o roteiro de Lindsay-Abaire nos convida a adentrarmos no cotidiano daquela família recém-amputada, observando-os enquanto buscam encontrar algum sentido para suas novas rotinas e assimilar a ideia de que Danny não irá voltar.

Esta, aliás, é a estratégia adotada por Becca: chegando ao ponto de proibir o marido de falar sobre o filho falecido e sempre disposta a se desvencilhar de seus pertences pessoais, a personagem de Kidman passa a ocupar seu tempo com diversas atividades que possa desenvolver sozinha, entregando-se a culinária, exercícios físicos e trabalhos manuais como forma de se isolar com seus próprios pensamentos – e não é a toa que todas as suas tentativas de se re-sociabilizar acabem revelando-se terrivelmente frustradas, já que, para ela, o mundo tornou-se um lugar cruel e injusto, enquanto Deus – se é que ele existe – não passa de um “canalha sádico que poderia muito bem criar outro anjo” a fim de proteger seu filho (ou o de qualquer outro casal visto nas sessões de terapia em grupo). Da mesma maneira, não deixa de ser revelador o fato de a mulher passar a recusar qualquer tipo de aproximação sexual por parte seu marido, algo que, apesar de apenas revelar o óbvio (que sexo e maternidade são dois elementos inseparáveis na mente de uma mulher), oferece matéria suficiente para reflexão – e eu realmente gostaria de ver o filme em uma sessão dupla com o sádico (e assim, diametralmente oposto) Anticristo.

Por outro lado, Howie parece recusar a ideia de simplesmente “deletar” Danny de seu dia-a-dia. Para ele, assistir aos vídeos do garoto brincando descontraidamente ou apagar as luzes de seu quarto ainda decorado com seus brinquedos coloridos não passam de meras maneiras de mantê-lo o mais próximo possível – uma característica que gera um dos momentos mais reveladores do longa, quando o personagem de Eckhart não percebe que, ao revelar seu desejo de que seu filho “continue sempre por ali”, está apenas afastando um casal de prováveis compradores de seu imóvel. Lidando com o afastamento de Becca de forma compreensiva e amorosa, o sujeito sabe que a responsabilidade por não permitir que uma pequena faísca provoque uma explosão irremediável é sua e, assim, se esforça para conseguir, ao lado de sua amada, tratar o tema com naturalidade e sem vergonha de buscar ajuda - e o momento em que o sujeito busca sua amiga Gaby (Oh) num impulso mas logo se contém também se estabelece como um dos mais comoventes da projeção.

As lembranças mais dolorosas que trago na memória são definitivamente aquelas relacionadas à morte de meus avós maternos. Nunca vou esquecer a imagem de meu avô entubado naquela cama de hospital, ou ainda, a de minha avó definhando pouco a pouco graças à sua doença. Ainda assim, acredito que não deve haver sofrimento maior neste mundo do que a perda de um filho, e, portanto, o drama vivido pelo casal de O Buraco do Coelho torna-se imediatamente eficiente por representar o ápice do sentimento de perda, ganhando contornos universais ao permitir que o espectador projete na tela suas próprias experiências, questionando-se sobre que postura assumiria diante de tal situação. E isto só é possível graças à abordagem econômica e discreta não apenas por parte de seu roteirista, como do diretor australiano John Cameron Mitchell, que, mesmo registrando o dia-a-dia de seus personagens através de uma câmera na mão que parece apenas registrar os acontecimentos sem jamais participar deles, não deixa de compor quadros significativos como aquele que traz Becca, logo nos primeiros minutos de projeção, cultivando suas plantas de costas para sua casa, num símbolo perfeito da esperança e possibilidade de renovação que só existem mesmo longe das memórias que lhe trazem tanto sofrimento.

Demonstrando uma sensível compreensão do universo retratado, no qual a simples pergunta: “Como vai a família?” é capaz de causar um desconforto maior do que qualquer tipo de insulto, Lindsay-Abaire e Mitchell ainda vão além em sua investigação sobre as formas utilizadas pelo ser humano para canalizar a sua dor, levando-nos à conclusão de que, ajamos de forma diferente ou não, estamos todos no mesmo barco; somos todos sujeitos aos mesmos infortúnios e estamos todos à mercê do mesmo destino ou do mesmo acaso. Assim, é plenamente compreensível que a introspectiva Becca acabe encontrando um meio de purgar seus fantasmas justamente através do confronto direto (e até certo ponto fetichista) com Jason, enquanto o nostálgico e melancólico Howie encontra seus breves momentos de paz inspirando a fumaça escapista de um cigarro de maconha, capaz de fazer aquilo que ele não consegue fazer sozinho: fugir de sua triste realidade.

Contando com interpretações intensas e que jamais flertam com o exagero por parte de seu casal de protagonistas (e que são capazes de impressionar tanto em momentos mais simples como aquele em que Becca busca se conter diante da estupidez dos discursos na sessão de auto-ajuda quanto em sua catarse emocional, quando os dois discutem de forma intensa por causa de um vídeo no celular de Howie) e com um elenco secundário igualmente digno de nota (com destaque evidente para a veterana Dianne Wiest, que vive a mãe de Becca), O Buraco do Coelho é um belíssimo retrato de uma família cujos membros procuram se atacar o tempo todo, mesmo que jamais cogitem deixar a órbita um do outro.

Algo que, se pararmos um pouco para pensar, nem precisa de uma tragédia para manifestar o desafio de se viver todos os dias ao lado daqueles que compartilham o mesmo sangue que nós.

06 de Maio de 2011.

Thor

2011-04-30T00:27:00.016-03:00

(Idem, EUA, 2011)

Direção: Kenneth Branagh
Roteiro: Ashley Miller, Zack Stentz e Don Payne, baseado em história de J. Michael Straczinski e Mark Protosevich, a partir da HQ de Stan Lee, Larry Lieber e Jack Kirby
Com: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Tom Hiddleston, Stellan Skarsgard, Kat Dennings, Clark Gregg, Idris Elba, Colm Feore, Ray Stevenson, Tadanobu Asano, Josh Dallas, Jaimie Alexander, Rene Russo, Adriana Barraza e Maximiliano Hernández.
Estreia no Brasil: 29/04/2011

por João Marcos Flores

Contratar o cineasta britânico Kenneth Brannagh para dirigir Thor representou uma decisão tão arriscada quanto seria chamar John Favreau para adaptar um romance de Gabriel Garcia Márquez. Apesar de completamente longe de sua zona de conforto, porém, o diretor de Frankenstein de Mary Shelley e Hamlet conseguiu trazer boa parte de suas marcas para esta nova adaptação do universo Marvel, cujos maiores problemas residem em um roteiro genérico e maniqueísta, jamais em sua direção e composição visual. Se tivesse sido lançado dois meses antes, o longa bem que poderia servir de exemplo para o francês Michel Gondry, que dirigiu O Besoro Verde sem a menor personalidade.

Expulso de Asgard por seu pai Odin (Hopkins) após iniciar uma nova guerra contra os eternos inimigos Gigantes de Gelo sem a sua permissão, Thor (Hemsworth) vem parar na Terra, caindo do céu no meio de um deserto no Novo México no exato instante em que a astrofísica Jane Foster (Portman), acompanhada de seus ajudantes Erik (Skarsgard) e Darcy (Dennings), investiga alguns fenômenos astronômicos na região. Se auto-proclamando o rei do trovão e demonstrando hábitos pouco usuais, o sujeito logo conquista o interesse da moça, enquanto tenta burlar a segurança local a fim de voltar a erguer seu martelo, cravado da terra de tal forma que "só quem de fato merecer conseguirá levantá-lo". Enquanto isso, seu irmão adotivo Loki (Hiddleston) usurpa o trono de seu planeta aproveitando o agravamento dos problemas de saúde de seu pai, e seus amigos Volstagg (Stevenson), Hogun (Asano) e Sif (Alexander) tentam encontrar uma forma de resgatá-lo para salvar o império de seu mais novo - e cruel - comandante.

Intercalando entre as sequências ambientadas na Terra e aquelas "rodadas" em Asgard, é praticamente inevitável que uma metade de Thor acabe enfraquecendo a outra, prejudicando o andamento do longa e conferindo-lhe uma estrutura esquemática e episódica. Apesar disso, o sempre competente fotógrafo Rodrigo Pietro tem ideias interessantes na tentativa de aproximar esses dois mundos, como ao adotar uma paleta levemente alaranjada nos momentos em que a trama se desenvolve em nosso planeta, utilizando uma luz típica de fim de tarde para criar uma rima visual com o dourado intenso visto na terra natal do protagonista, reforçando a ideia de que os acontecimentos ocorridos no mundo dos deuses produzem consequências que afetam o dos mortais - algo plenamente coerente com o enredo que está sendo desenvolvido.

O que não quer dizer que o longa seja plasticamente impecável, já que Brannagh e sua equipe se mostram desconfortáveis com o intenso uso de efeitos especiais criados em CGI, lembrando-nos que estamos apenas assistindo a um filme a cada tomada aérea de Asgard e dos planetas vizinhos, que mostram cenários grandiosos e belos, mas também artificiais e inanimados. Por outro lado, o cineasta dirige sua câmera com habildade e segurança - e se diretores menos experientes (ou mesmo incompetentes, como Michael Bay) costumam sentir-se obrigados a contar suas histórias através de planos minúsculos e montagem picotada, Brannagh parece sempre preferir encontrar o melhor ângulo simplemsente movimentando a sua câmera. Da mesma maneira, o constante uso de enquadramentos com o eixo torto e de planos plongée (duas marcas presentes em toda a filmografia do diretor) ajudam, respectivamente, a mostrar que a situação fugiu do controle e que os personagens estão em um estado de total vulnerabilidade diante dela. Infelizmente, o cineasta não se sai tão bem nas cenas de batalhas, que, filmadas com uma câmera excessivamente chacoalhante, impede que compreendamos perfeitamente o que está acontecendo diante de nossos olhos.

Como eu comentei no parágrafo inicial, porém, é o roteiro escrito a seis mãos (baseado em uma história de mais quatro e na HQ de mais seis - acreditem) que impede que o longa represente um exemplar realmente bom dos filmes de super-herói. Baseado em uma lição de moral piegas que leva seu protagonista a encontrar o bem dentro de si mesmo a fim de recuperar sua força, o texto desenvolve subtramas ainda mais desgastadas que sua premissa central, como o conflito entre irmãos que almejam o trono do pai (os roteiristas estavam apenas sendo fieis à lenda, ok) e o romance entre uma reles mortal e um ser com super-poderes - e é curioso observar que, em contraste à solenidade e atmosfera sombria do "lado de lá", é nos momentos mais descontraídos da passagem de Thor pela Terra que surgem os instantes mais divertidos do projeto, como na gag em que o sujeito ameaça: "Vocês não sabem com quem estão..."; apenas para ser interrompido por uma injeção que o faz desmaiar com o rosto na janela.

Para piorar, Chris Hemsworth não é Robert Downey Jr., e todas as tentativas dos produtores de aproveitar o sucesso de Homem de Ferro 1 e 2 para estabelecer a irreverência como o diferencial das produções da Marvel em relação às de suas concorrentes são logo boicotadas por seu astro principal, que surge ora como um indivíduo arrogante, ora como um brucutu selvagem, mas jamais exibindo um terço do carisma e do charme de seu colega de estúdio. E se Anthony Hopkins parece satisfeito (a alguns anos) em apenas ligar o piloto automático toda vez que chega a um set de filmagens, o longa é largamente beneficiado pela presença de Natalie Portman, que, mesmo sem ter a oportunidade de desenvolver sua personagem com mais cuidado, funciona como uma espécie de anti-Megan Fox, encarnando uma personagem cujo cérebro e a dedicação aos estudos e ao trabalho se sobressai em detrimento aos dotes físicos e sexuais - e seu papel, que pontualmente me lembrou o de Jodie Foster em Contato, guardadas as devidas proporções, não deixa de representar um certo reflexo de sua vida fora das telas.

Rodado com um 3D competente (eu gostei particularmente da sequência da luta na lama), apesar de pecar em alguns momentos por diminuir desnecessariamente a perspectiva de sua câmera, Thor poderia ser dirigido por Alfred Hitchcock ou Robert Altman, mas em nenhuma das hipóteses conseguiria sobreviver a frases expositivas e clichê como: "Um dia farei você se orgulhar de mim" ou: "Eu nunca quis seu reino, eu só queria ser igual a você". De qualquer forma, o longa proporciona momentos de bom entretenimento, como durante a ótima sequência do duelo a la western contra um robô gigante, que é, assim como toda a produção, beneficiada por um trabalho firme e altruista do montador Paul Rubell.

E por mais um trabalho de um excelente diretor que, em um mundo mais justo - e mais sensível a qualidades artísticas - já teria se firmado no panteão dos grandes nomes do Cinema em Hollywood.

30 de Abril de 2011.

Garota da Capa Vermelha, A

2011-04-25T01:11:00.013-03:00

(Red Riding Hood, EUA, 2011)

Direção: Catherine Hardwicke
Roteiro: David Johnson
Com: Amanda Seyfried, Shiloh Fernandez, Max Irons, Billy Burke, Gary Oldman, Virginia Madsen, Lukas Haas, Julie Christie, Shauna Kain, Michael Hogan, Adrian Holmes, Cole Heppell, Christine Willes, Michael Shanks, Kacey Rohl, Carmen Lavigne, Don Thompson e Matt Ward.
Estreia no Brasil: 22/04/2011

por João Marcos Flores

As integrantes do Team Jacob já podem ficar felizes, já que, após três anos sofrendo ao ver seu ídolo deixado de lado em detrimento ao vampiro purpurinado Edward, podem ver um lobisomem assumir a posição de protagonista e ganhar o coração da mocinha neste A Garota da Capa Vermelha. E se o canino em questão não é exatamente aquele interpretado por Taylor Lautner, fiquem tranquilas, pois basta substituir o título do longa por Crepúsculo 4 que pouca gente notará a diferença.

Escrito pelo mesmo David Johnson do imbecil A Órfã (imaginem o que o sujeito fará com a continuação do já constrangedor Fúria de Titãs) e dirigido pela mesma Catherine Hardwicke de... bem, você sabe do quê, o filme busca "adaptar" o conto da Chapéuzinho Vermelho ao universo de Stephanie Meyer, colocando a jovem Valerie (Seyfried) como o centro de um triângulo amoroso que envolve o arredio e sarado Peter (Fernandez) e o educado e romântico Henry (Irons). Apaixonada pelo primeiro desde a infância, quando costumavam sair para caçar coelhos juntos na floresta, ela se vê prometida em casamento para o segundo, que mal conhece. Pressionada pela mãe (Madsen) e pela avó (Christie), Valerie começa a armar um plano de fuga ao lado de seu amado quando o lobisomem que habita as redondezas de seu povoado rompe com um trato de anos, passando a atacar seus moradores novamente. É então que o grupo decide solicitar o auxílio do experiente padre Solomon (Oldman), que também tem as suas contas a acertar com o bichano desde que este matou a sua mulher.

Ensaiando transformar sua trama em um filme de terror mas jamais conseguindo se desvencilhar dos quadros romantizados (como um que coloca, depois de um breve movimento para trás, o casal de protagonistas em uma espécie de moldura de flores) e nem mesmo fazer-nos acreditar no perigo representado por seu "vilão" (por que raios o animal mata os moradores da vila se os corpos são sempre encontrados limpinhos e sem nenhum pedaço faltando?), Hadwicke utiliza todos os seus cacoetes, como os constantes travellings sobrevoando a floresta e a utilização de uma paleta de cores frias e escuras, para aproveitar a onda criada pela "saga" protagonizada por Bella Swan e garantir uma boa aceitação por parte do público adolescente. Assim, chega a ser curioso constatar que o projeto empalideça até mesmo se comparado a seus fracos colegas de subgênero, o que se deve em boa parte ao trabalho desastroso de seu roteirista.

Apostando o tempo todo em sustos fáceis e reviravoltas bobas, Johnson serve como o perfeito contra-exemplo ao não demonstrar o mínimo de confiança na história que está contando, guiando o espectador através de pistas falsas a julgar que um personagem é o culpado somente para, minutos depois, esquecê-lo completamente e apresentar uma série de novas evidências que colocam outra pessoa como a principal suspeita. Dessa maneira, pode-se dizer que A Garota da Capa Vermelha funciona como uma espécie de A Vila piorada, já que, aqui, não são somente as ações dos personagens que tornam-se absurdas a uma segunda vista, mas também aquelas tomadas diretamente pelos próprios realizadores - o que explica, por exemplo, as constantes tomadas de Peter toda vez que se fala no lobo, ou ainda, o plano supostamente revelador em que determinado personagem foge escondido no meio de uma reunião e bate uma porta que revela a imagem de um demônio com um visual muito parecido com o de um lobisomem? E isso sem falar na avó de Valerie, que, além de apresentar os olhos praticamente iguais aos da fera (algo que a diretora convenientemente evidencia através de seus planos detalhe) e de um comportamento constantemente duvidoso, protagoniza uma cena de sonho (!) que foi nitidamente acrescentada ao roteiro apenas para enfiar na narrativa as famosas frases sobre seus olhos, boca e orelhas grandes.

Mas não é só, pois o texto de Johnson investe em uma série de subtramas desinteressantes que, indo de um novelesco caso de amor incestuoso a uma descrição dispensável acerca do passado do padre Solomon, enfraquecem ainda mais uma narrativa constantemente condenada por diálogos que ora soam repetitivos ("Se você a ama, precisa deixá-la" - você já ouviu isso em algum lugar?); ora absolutamente inverossímeis (logo após a morte da própria filha, tudo o Suzette tem a dizer para Valerie é: "Fique tranquila, Henry sempre gostou de você. Você é a irmã bonita"); e ora simplesmente risíveis ("Não se preocupe, o lobo não me quer - sou magro demais").

Incluindo efeitos especiais bizarros que me obrigaram a lembrar do igualmente pavoroso Van Helsing; cenários absolutamente artificiais que mais parecem um grande presépio em Campos do Jordão; e uma trilha sonora insistente que parece ser o único esforço dos realizadores para tentar inserir o longa em uma atmosfera de suspense (além da espectativa ao próximo ataque do lobo, claro), A Garota da Capa Vermelha é uma experiência torturante que representa um passo vergonhoso na carreira de atores respeitáveis como Julie Christie e Gary Oldman (este segundo, repetindo o mesmo papel do sujeito egoísta que usa a religião como desculpa para suas atrocidades que havia interpretado em O Livro de Eli - mais uma vez sem abordar o tema com a menor profundidade e abusando do exagero). E se Amanda Seyfried ao menos é mais expressiva que Kristen Stewart, o mesmo não pode ser dito dos jovens Shiloh Fernandez e Max Irons, que conseguiram uma façanha que eu jamais poderia prever: me enxer de saudade de Robert Pattinson (que, inclusive, faz um bom trabalho em Água Para Elefantes, que estreia semana que vem no Brasil).

Pelo menos a pregação mórmon de Stephanie Mayer mostra-se ausente aqui, já que, ao que tudo indica, Peter não hesitará em "transformar" sua parceira logo na próxima noite de lua cheia.

23 de Abril de 2011.

Eu Sou o Número Quatro

2011-04-19T16:33:00.007-03:00

(I Am Number Four, EUA, 2011)

Direção: D. J. Caruso
Roteiro: Alfred Gough, Miles Millar e Marti Noxon, baseado no livro de Jobie Hughes e James Frey
Com: Alex Pettyfer, Dianna Agron, Timothy Olyphant, Teresa Palmer, Callan McAuliffe, Kevin Durand, Jake Abel, Jeff Hochendoner, Patrick Sebes, Greg Townley, Reuben Langdon, Emily Wickersham e Brian Howe.
Estreia no Brasil: 15/04/2011

por João Marcos Flores

Imagine uma história escrita por Stephanie Meyer e Nicholas Sparks, adaptada ao Cinema por Chris Columbus e Michael Bay e estrelada por uma versão mais jovem e menos interessante de Channing Tatum. Agora pare de imaginar e, se você se sentiu interessado por essa pouco convidativa mistura fictícia, vá assistir a Eu Sou o Número Quatro, pois é exatamente ela que você irá encontrar.

Produzido por Bay, o único dos nomes citados acima realmente envolvido com o projeto, o longa nos apresenta ao adolescente John (Pettyfer), um dos nove sobreviventes entre os mogadorians, alienígenas com cara e corpo de humanos, que são capazes de movimentos e saltos absurdos, viram poeira ao serem atingidos e possuem poderes especiais - no caso do protagonista, raios azuis a la Homem de Ferro que saem de suas mãos e são capazes de paralizar objetos no ar, incendiar ambientes e qualquer outra façanha que os roteiristas achem interesante no momento. Quando a projeção tem início, somos informados que os dois primeiros membros do grupo foram brutalmente assassinados e assistimos à morte do terceiro, o que coloca John (o número 4) como o próximo da lista de caça de um grupo de aliens que parecem sósias de Voldemort com membranas no rosto e olhos negros como os dos vampiros de 30 Dias de Noite.

Protegido por Henri (Olyphant), a quem chama de pai, John passa a vida mudando de cidade toda vez que sua verdadeira natureza começa a ser revelada aos habitantes do local (já que isso seria suficiente para transformá-lo em anônimo mesmo com seus videos batendo recordes de acessos na internet, claro), até que em uma delas conhece a bela Sarah (Agron, a Quinn da série Glee), com quem imediatamente inicia um romance, para desespero de Mark (Abel), ex-namorado da garota e chefe da equipe de fortões bulinadores do colégio, cujo principal alvo é o retraído e místico Sam (McAuliffe), que afirma que seu pai foi abduzido por extra-terrestres. Está pronto o dilema de John, que, além de lidar com a dificuldade de se inserir na sociedade como uma pessoa normal e de estar constantemente fugindo, agora precisa lutar para ficar com sua amada e se livrar de seu inconveniente rival.

Se ao ler a descrição da sinopse acima uma dezena de produções voltadas para o público adolescente lhe veio imediatamente à mente, é porque é exatamente essa a estrutura de Eu Sou o Número Quatro: um amontoado de situações e recursos plageados de longas bem-sucedidos comercialmente nos últimos anos, o que indica exatamente quais são as ambições do projeto. Da trama envolvendo o romance entre um ser com super-poderes e uma mera mortal (substitua a luz azulada das mãos de John por teias de aranha ou transforme-o em um vampiro, por exemplo) ao conflito do novato que defende os mais fracos e acaba ganhando o amor da mocinha e a antipatia de todos os outros (quantas vezes no Cinema você já viu aquela cena da briga no corredor da escola?), passando ainda pelo triângulo amoroso no qual os galãs do colégio disputam à braço sua amada virginal (ainda resta alguma dúvida de que Crepúsculo é uma referência aqui?), o longa não tem absolutamente nada original - o que me leva a sinceramente questionar a capacidade mental de seus três (repito: três) roteiristas.

Afinal de contas, nem mesmo abraçando descaradamente todos os clichês dos filmes de aventura para adolescentes os indivíduos conseguem criar uma trama coesa e bem resolvida, não conseguindo responder sequer as perguntas mais básicas acerca de sua história: Quem são os mogadorians? O que eles estão fazendo aqui na Terra ao invés de voltarem para seu planeta de origem? Por que motivos eles estão caçando os nove sobreviventes e - o mais inexplicável - por que nessa ordem? E nesse ponto, o enredo ganha contornos realmente risíveis se considerarmos que, mesmo que "os nove" não passem de meros sobreviventes que nunca encontraram um ao outro, todos carregam um amuleto com um símbolo diferente, como se ao invadir seu planeta, os invasores tenham dito: "Ok, agora que só restam vocês, passem na fila dos amuletos, peguem os seus, e aí podem fugir para a Terra!".

Da mesma forma, Eu Sou o Número Quatro é daqueles filmes em que o céu é o limite para a eficiência de seus gadgets eletrônicos, como o programa que deleta todas as informações disponíveis sobre uma pessoa na rede apenas alguns segundos após sua fotografia ter sido tirada (e não me pergunte se uma foto antiga não serviria, pois me perguntei a mesma coisa no momento), e no qual os personagens mostram-se heterogeneamente estúpidos: ao chegar ao colégio em seu primeiro dia de aula, John afirma: "Eu sei como passar despercebido" e imediatamente se encolhe debaixo de um capuz que o transforma no mesmo instante em um freak esquisitão - algo que o diretor D. J. Caruso parece não perceber mesmo depois de abrir a cena para um plano geral que mostra o protagonita destacado em meio à multidão de estudantes como em uma página de 'Onde está o Wally?'. E o que dizer de Sarah, que logo em seu segundo encontro com John faz o seguinte comentário: "Nossa, você está diferente!"? Ou de Henri, que depois de dias estudando a possível localização de seus perseguidores, chega à conclusão bastante específica de que eles devem estar em algum lugar entre a Malásia e a Flórida? O consolo deve ficar mesmo por parte dos vilões, que não precisam de nada além de uma cheirada em uma placa de carro queimada para saber exatamente onde encontrar John.

Mostrando-se igualmente decepcionante em seus aspectos técnicos, que jamais saem do lugar comum, e com a montagem deficiente de Vinci Fillipone e... (isso, duas pessoas!) Jim Page (em determinado momento, Sarah pergunta a John se eles ainda vão à festa, sendo que nós sequer havíamos sido informados de que haveria uma festa), o longa ainda falha terrivelmente como entretenimento, já que torna-se praticamente impossível nos envolvermos com o que está sendo mostrado na tela se à todo momento temos plena consciência de onde os realizadores tiraram suas ideias (e a prova da fragilidade do filme é a tentativa boba de fazer humor com as trapalhadas cometidas pelo protagonista enquanto este descobre seus "novos" poderes, em uma gag claramente "inspirada" no primeiro Harry Potter, justamente o mais fraco - e infantil - de toda a saga do bruxinho).

"Estrelado" (pff) por um elenco desinteressante no qual a beleza física dos mocinhos e a persona cinematográfica dos vilões parecem ter sido seus únicos pré-requisitos de seleção (alguém já viu algum filme no qual Kevin Durand não interpreta um canalha sádico que se diverte em fazer maldades?), a exceção acaba ficando por conta de Dianna Agron, que, mais bonita, doce e sensata que Bella Swan, quase garantiu uma estrela a mais para o filme apenas por tomar a coerente decisão de não abandonar sua família, estudos e amigos a fim de fugir com seu amado mutante para uma vida de dificuldades e deslocamento social.

Se bem que ainda é muito cedo para fazer tal afirmação, já que, de acordo com o que indica o terceiro ato do longa, não demorará muito para que Eu Sou o Número Seis chegue aos cinemas.

"E o número 5?" - boa pergunta.

18 de Abril de 2011.

Pânico 4

2011-04-18T13:29:00.013-03:00

(Scre4m, EUA, 2011)

Direção: Wes Craven
Roteiro: Kevin Williamson
Com: Neve Campbell, Coutrteney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Hayden Panettiere, Marley Shelton, Nico Tortorella, Rory Culkin, Anna Paquin, Kristen Bell, Alison Brie, Anthony Anderson, Adam Brody, Mary McDonnell, Heather Graham e Roger Jackson (voz).
Estreia no Brasil: 15/04/2011

por João Marcos Flores

A longa sequência pré-créditos de Pânico 4 é hilária. Nela, o experiente diretor Wes Craven brinca com as regras do subgênero slasher (que ele mesmo ajudou a estabelecer nos anos 80 com a franquia A Hora do Pesadelo e a subverter na década seguinte com os dois primeiros longas protagonizados pelo Ghost Face), exibindo situações que apresentam todos os seus principais clichês e surpreendendo o público com a notícia de que as cenas na realidade pertencem à falsa cinessérie Stab, criada pela repórter Gale (Cox) em Pânico 2. Lamentavelmente, porém, esse é o único momento em que o cineasta parece realmente consciente acerca do desgaste que o subgênero atingiu ao longo dos anos, já que essa sua auto-ironia inicial é logo substituída por um inesperado conformismo a partir do momento em que, ao exibir o título de seu verdadeiro filme no momento que esperávamos o de mais um capítulo de seu filme-dentro-do-filme, Craven demonstra que irá seguir, mais uma vez, a veha cartilha de convenções dos filmes sobre psicopatas mascarados.

Ambientado durante as "comemorações" de quinze anos do primeiro massacre em Woodsboro (o mesmo tempo que na vida real, o que justifica a utilização dos mesmos atores que encarnaram os sobreviventes do longa original sem obrigá-los a interpretar personagens bem mais novos que eles), o roteiro escrito por Kevin Williamson (que também está na série desde o seu início) gira em torno de um novo assassino que aparentemente se sente incomodado com o retorno de Sidney Prescott (Campbell) à cidade e passa a matar as pessoas à sua volta usando a máscara que já se tornou seu principal símbolo turístico. Sidney é uma espécie de lenda local e voltou para divulgar o lançamento de seu novo livro, no qual relata os acontecimentos de uma década e meia atrás. Enquanto isso, Gale, agora casada com o policial Dewey (Arquette, ex-marido de Cox na vida real), enxerga a nova onda de crimes como uma boa oportunidade de engatar um grande sucesso jornalístico.

Falando o tempo todo sobre os clichês do gênero e muitas vezes colocando até mesmo o primeiro Pânico ao lado de outras obras ficcionais como O Massacre da Serra Elétrica, Jogos Mortais e os longas de horror japoneses, os personagens de Pânico 4 parecem ter plena consciência de que estão dentro de um filme, agindo como se apenas estivessem fazendo aquilo que o seu roteiro os ordenou a fazer, e não como se estivessem realmente lutando por suas vidas - e mesmo nos momentos em que são cruelmente trucidados eles estão sempre dispostos a soltar frases do tipo: "Fuck Bruce Willis", algo que nenhum ser humano normal diria em seus últimos segundos de vida. E ainda que o bombardeio de metalinguagem promovido pelos personagens do longa gere momentos indiscutivelmente divertidos (como o debate acerca da morte de policias negros e os diálogos nonsense do tipo: "Sabe quando a pessoa diz que sabe o que você está sentindo somente porque ela não faz ideia do que você está sentindo? Então, eu sei o que você está sentindo"), esse tom de auto-referência jamais consegue compensar o fato de que, justamente por sermos constantemente lembrados que aquilo é apenas um filme, pouco coneguimos nos importar com o destino daqueles indivíduos.

E a coisa ainda fica pior se considerarmos a total falta de inteligência dos personagens criados por Williamson e Craven, que, por mais que demonstrem um certo conhecimento sobre filmes de terror, não hesitam em organizar uma imensa festa universitária cheia de meninas com pouca roupa e rapazes mascarados mesmo sabendo que Ghost Face está atacando novamente - algo que até uma criança de 10 anos seria capaz de reconhecer como o ímã ideal para o serial killer. Da mesma maneira, o que dizer da personagem que, logo após ser demitida (tornando-se, assim, desnecessária para a trama), caminha tranquilamente em um estacionamento escuro? E o que é pior, depois de ter visto o assassino do lado de fora do carro, abre a porta e tenta fugir a pé, ao invés de apenas acelerá-lo e ir embora dali? E se eu fosse listar todos os casos semelhantes precisaria de diversos parágrafos, já que os jovens de Pânico 4 parecem animais caminhando docilmente para o abatedouro no momento em que são avisados por seu roteirista que sua hora chegou.

Manipulativo e colocando uma série de pistas falsas ao longo do percurso (e aqui a justificativa de subversão do gênero não pode ser utilizada, já que estas jamais foram características de seus principais clássicos) - e eu sugiro que você não termine este parágrafo caso ainda não tenha assistido ao filme -, o roteiro de Williamson faz questão de estabelecer Trevor (Tortorella) como seu principal suspeito, e o que é pior, o roteirista o faz da forma mais artificial possível: Note que o rapaz, além de ser um sujeito arrogante e detestável, é sempre o primeiro a chegar à cena do crime imediatamente após este ter ocorrido, além de ser o personagem favorito de Williamson para assustar seus colegas ao aparecer atrás deles em lugares inusitados. Como se não bastasse, o garoto está sempre lançando olhares maléficos para Sidney e é claro, nutre uma fixação doentia por Jill (Roberts) - um motivo vastamente usado como jutificativa para crimes na história do Cinema. Mas o recurso mais artificial acaba sendo a revelação de Charlie (Culkin) como um dos assassinos, já que esta parece ser a única forma que os realizadores encontraram para explicar o fato de Ghost Face constantemente dar a impressão de que está em dois lugares ao mesmo tempo.

Não há como negar, porém, que Pânico 4 diverte pela nostalgia, largamente beneficiada pelas presenças de Neve Campbell, Courteney Cox e David Arquette. A primeira, musa da geração na qual eu cresci, surge convincente como uma mulher mais madura e discreta (e talvez por isso mesmo, pareça pertencer a um outro filme, no qual os assassinatos são reais e não meras necessidades genéricas), ainda que não mais esbanje a sensualidade de anos atrás. Infelizmente, o mesmo não pode ser dito de Cox (também um ícone noventista, mais pela série Friends do que por Pânico em si), que surge quase irreconhecível debaixo de diversas injeções de botox e nitidamente tentando disfarçar a idade e o amadurecimento. E se Arquette diverte mais uma vez pela natureza ingênua e esforçada de seu Dewey, o elenco "novato" apresenta-se homogeneamente tipificado, com destaque apenas para Lucy Hale e Shenae Grimes, que, infelizmente, são desperdiçadas ao interpretarem apenas as duas meninas assassinadas na cena inicial de um dos longas da série Stab. Para fechar, Wes Craven ainda consegue manter o espectador preso à poltrona por conhecer os recursos do horror como a palma de sua mão, apesar de todos os problemas apresentados pelo roteiro do longa.

Abusando ainda de forma exagerada dos elementos "peculiares" da franquia (em determinada cena, há tantos personagens conversando no telefone simultanemente que é fácil ficarmos perdidos), Pânico 4 é um filme que, por mais que se assuma como um reboot (alguém conseguiu contar quantas vezes o termo é utilizado durante a projeção?), acaba funcionando como uma sequência masturbatória que, de tão fascinada com o próprio universo e - ainda mais - com a própria capacidade de referenciar o próprio universo, impede que estabeleçamos o mínimo de envolvimento com seus personegens. E se considerarmos ainda o tamanho da imbecilidade daqueles jovens, o longa ainda deixa a impressão de que qualquer um deles seria o primeiro a ir pro saco na vizinhança de Halloween ou no acampamento de férias de Sexta-Feira 13, dois filmes que, pelo menos em teoria, Wes Craven estaria apenas satirizando aqui.

18 de Abril de 2011.

Rio

2011-04-08T15:40:00.016-03:00

(Idem, EUA, 2011)

Direção: Carlos Saldanha
Roteiro: Don Rhymer
Vozes de: Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Leslie Mann, Jake T. Austin, Jamie Foxx, Will.I.Am, Rodrigo Santoro, Wanda Sykes, Jane Lynch, Bernardo de Paula, Carlos Ponce, Thomas F. Wilson, George Lopez, Bebel Gilberto, Tracy Morgan e Judah Friedlander
Estreia no Brasil: 08/04/2011

por João Marcos Flores

Com o grande sucesso comercial alcançado pela trilogia A Era do Gelo, o diretor brasileiro Carlos Saldanha conquistou uma oportunidade rara e capaz de deixar alguns dos maiores cineastas do mundo morrendo de inveja: usar o dinheiro e a estrutura de um grande estúdio de Hollywood para dirigir um blockbuster pessoal em homenagem à sua cidade natal e, consequentemente, à sua própria história como ser humano. Lamentavelmente, porém, Saldanha preferiu reunir, neste seu Rio, todos os clichês estabelecidos por uma série de animações anteriores, apenas ambientando-os em um Brasil utópico e caricatural, que vive de samba, futebol e bunda de mulata ao som das mais que batidas 'Garota de Ipanema' e 'Mas Que Nada'.

Protagonizado por Blu (Eisenberg), a última arara azul macho do planeta (e utilizando, assim, o primeiro clichê dos longas animados ao ser habitado por animais falantes - alguém ainda tem paciência?), Rio tem início narrando a forma com que seu personagem-principal fugira de traficantes na infância para ser adotado pela doce e tímida Linda (Mann), com quem viveu durante anos enquanto esta crescia nos Estados Unidos. Buscando copiar descaradamente as belíssimas elipses iniciais de Up e Toy Story 3, nas quais os anos de parceria compartilhados entre os personagens principais são mostrados através de uma sequência de fotografias embalada por uma bela canção (e não sendo muito bem sucedido nessa tentativa), o longa salta então para o momento em que, com Linda já uma jovem crescida e Blu plenamente acostumado com as mordomias de sua vida na América do Norte, a dupla recebe a inesperada visita do biólogo Tulio (Santoro), que os convida para uma viagem ao Rio de Janeiro a fim de que o pássaro azul cruze com a fêmea Jewel (Hathaway), e assim, salve sua espécia da extinção. Chegando à cidade-título, eles logo precisam enfrentar, enquanto o protagonista encara seu medo de voar, um novo grupo de contrabandistas de animais silvestres além de um bando de macaquinhos encrenqueiros.

Sim, se você pensou nos pinguins de Madagascar ou nas criaturinhas amarelas de Meu Malvado Favorito não foi por coincidência, já que as funções dos pequenos símios (que, vale lembrar, são sempre os animais preferidos de cineastas que querem provocar o riso fácil) são exatamente as mesmas de seus colegas dessas outras duas produções: provocar confusões que até Deus duvida e, é claro, vender um certo número de bonecos nas lojas de brinquedos. E se esse e os outros clichês citados no parágrafo anterior não forem suficientes, pense na própria estrutura do roteiro escrito por Don Rhymer (dos horrorosos Vovó... Zona 1, 2 e 3 e O Agente Teen 2 e do apenas mediano Tá Dando Onda): um grupo de animais que luta para sobreviver em um ambiente hostil na tentativa de voltar para seu habitat natural - você já viu isso antes, não? Ou ainda, preste atenção na forma com a qual o longa termina, com todos os personagens cantando e dançando em direção à câmera. Desde o sucesso do primeiro Shrek, quase uma década atrás, os diretores de animação têm se sentido praticamente obrigados a encerrar suas narrativas dessa forma.

O que me faz lembrar de outra grande decepção de Rio: seus números musicais, que, além de jamais saírem do lugar comum, ainda contribuem para a visão distorcida que o longa demosntra acerca de nosso país, apenas reforçando o pré-conceito que os americanos já têm de que todo brasileiro ama e é fã de Carmem Miranda - sendo que, na relaidade, 90% de meus alunos adolescentes sequer sabem quem foi a pequena notável. Além disso, os personagens brasileiros são retratados como pessoas preguiçosas e - na maioria das vezes - trambiqueiras que, quando não estão pulando carnaval ou assistindo a um jogo de futebol em um buteco de esquina, correm atrás do seu dinheiro através de golpes e atividades ilegais. Ok, existe gente sem vergonha em nosso país? Com certeza, e aos montes. A nação inteira realmente pára durante os quatro dias de carnaval? Completamente; nesses dias, ninguém trabalha e todos só pensam em beber e celebrar (ou apenas descansar, já que, ao contrário do que Saldanha parece acreditar, muita gente não gosta da folia por aqui), mas o problema é que o filme dura menos de duas horas, e, ao situá-lo todo durante o carnaval, a impressão é a de que é a isso que se resume o Brasil durante o ano todo.

Apesar de todas essas falhas, porém, o novo longa da Blue Sky apresenta um trabalho quase impecável do ponto de vista técnico, deixando para trás até mesmo os últimos trabalhos da Dreamworks/PDI, que, em outros tempos, era o único estúdio capaz de ameaçar a hegemonia da imbatível Disney/Pixar: Apresentando movimentos fluídos e uma fotografia baseada em cores vivas e vibrantes, o longa se destaca mesmo é pela perfeita compreensão do universo do 3D demonstrada por seus realizadores que, jamais deixando de empregar uma profundidade de campo grande que permite que nos sintamos cada vez mais inseridos nas paisagens retratadas, faz valer os reais a mais cobrados por sua exibição. E se diversos quadros compostos por Saldanha poderiam muito bem funcionar como cartões postais de um guia de viagens (em vários momentos durante a projeção eu me lembrei do panfletário - e, por incrível que pareça, menos ufanista - Brasil Animado 3D), sua tentativa de glamourizar as paisagens acaba saindo pontualmente pela culatra ao lembrar os velhos - e não tão bons - matte paitings toda vez que busca diminuir um pouco a perspectiva.

Mas é realmente triste constatar que todos os elogios que podem ser feitos acerca de Rio dizem respeito à qualidade de sua animação e jamais em relação à sua linguagem e narrativa. Afinal de contas, nem mesmo os personagens criados por Saldanha e Rhymer se mostram interessantes o suficiente para que torçamos e nos importemos com eles. Certo, a arara-título tagarela dublada - acertadamente - por Jesse Eisenberg pode até ser divertida, mas, ao ser jogada dentro de uma trama na qual precisa passar 90% do tempo fugindo de alguém e vivendo um típico romance "a gente se briga mas se ama" (outro recurso absolutamente irritante que, dessa vez clonado de uma centena de comédias românticas protagonizadas por Jennifer Aniston, também revela-se a base do relacionamento de Tulio e Linda), permite que as criaturas mais engraçadas do projeto se tornem aquelas com menos tempo na tela, como o hilário segurança que esconde debaixo da farda um sujeito efeminado e festeiro.

Após um início promissor (que contém, inclusive, uma de suas melhores gags ao contrastar as paisagens coloridas do Brasil com os tons acinzentados do inverno norte-americano através da debochada legenda "not Rio"), Rio acaba mostrando-se um projeto igualmente ineficaz como obra de comédia, limitando-se a situações previsíveis (quem não percebeu com vários segundos de antecedência que iria acabar a luz bem na hora do gol?); diálogos reducionistas ("olha, é uma dançarina profissinal?/Não, é a minha dentista"); e a gags físicas sem imaginação (há sempre alguém caindo e, obviamente, permitindo que seu perseguidor se aproxime ainda mais), em nenhum momento conseguindo divertir de verdade, além de jamais funcionar como uma verdadeira homenagem à cidade maravilhosa.

Demonstrando ao menos um eficiente preciosismo com os detalhes (com exceção à sequência da Marquês de Sapucaí, que passa longe de demonstrar toda a complexidade plástica do Desfile das Escolas de Samba cariocas), Rio queria muito ser uma espécie de Manhattan ou Cinema Paradiso. No final das contas, o filme está muito mais para uma versão carioca de Você Já Foi À Bahia?

10 de Abril de 2011.

Fúria Sobre Rodas

2011-04-05T17:11:00.009-03:00

(Drive Angry 3D, EUA, 2011)

Direção: Patrick Lussier
Roteiro: Todd Farmer e Patrick Lussier
Com: Nicolas Cage, Amber Heard, William Fichtner, Billy Burke, David Morse, Todd Farmer, Christa Campbell, Charlotte Ross, Tom Atkins, Jack McGee, Katy Mixon, Edrick Browne, Marc Macaulay e Pruitt Taylor Vince
Estreia no Brasil: 01/04/2011

por João Marcos Flores

Na medida do possível, tento jamais entrar em uma sala de exibição com uma espectativa previamente criada em relação ao que irei assistir - é injusto com o filme, que merece, seja ele qual for, uma chance de provar a que veio. Mas devo confessar que todas as vezes que este Fúria Sobre Rodas era divulgado, em seus trailers, como o novo trabalho "do diretor de Dia dos Namorados Macabro 3D", a dificuldade de acreditar que o longa realmente poderia me surpreender era a mesma de quando tenho que assistir à nova comédia de Adam Sandler e Rob Schneider ou ao novo capítulo da "saga" Crepúsculo. Afinal de contas, Patrick Lussier não é apenas um diretor medíocre (como provam os desastrosos Drácula 2000 e Luzes do Além), como é também o responsável por um dos usos mais porcos do 3D em todos os tempos, justamente no projeto que as distribuidoras acharam por bem utilizar como "chamariz" para esta nova produção.

Logo na primeira sequência de Fúria Sobre Rodas, porém, durante a qual Milton (Cage) persegue e executa um grupo de adversários, Lussier nos convida a acompanhar toda a ação com uma profundiade de campo grande que, beneficiando-se do 3D de forma eficiente ao colocar-nos dentro da cena (ao invés de enjoar-nos com os rack focus que nossos cérebros não estão acostumados a compreender), pouco lembra as dezenas de objetos que eram jogados na direção do público durante o último projeto do cineasta. E quanto mais eu me sentia tentado a considerar que a sequência era bem sucedida apenas por coincidência, o diretor exibia algum enquadramento interessante que ajudava a comprovar que ele realmente aprendeu os reais motivos para utilizar a tecnologia, como aquele que mostra o protagonista através do vidro quebrado de seu carro ou a visão subjetiva do próprio personagem na mesma situação. É uma pena que, a partir daí, a composição visual por parte de Lussier se mostre apenas irregular, alternando momentos como este com outros nos quais objetos desnecessariamente desfocados atrapalham nossa compreensão das cenas - o que não deixa de ser uma evolução, ja que agora, o cineasta parece ao menos tentar usar suas ferramentas técnicas em prol da história que está contando.

E por falar em sua trama, o longa narra a jornada de vingança de Milton, um fora-da-lei fugido do inferno que busca vingança pela morte de sua filha envolvida em uma espécie de seita satanista, liderada por Billy Burke (King). Dirigindo o seu Charger azul, ele atravessa o país em busca dos algozes da moça que, além disso, ainda estão com sua netinha de apenas alguns meses. Enquanto isso, um homem possuidor de estranhos poderes e que se intitula apenas como "o contador" (Fichtner) percorre a mesma região em sua busca. Após salvar a garçonete Piper (Heard) de uma briga corporal com seu namorado troglodita, Milton passa a ser auxiliado pela bela garota, que não faz ideia de onde está se metendo.

Enquadrando-se conscientemente no gênero exploitation, Fúria Sobre Rodas conta com uma premissa absurda que só acaba funcionando relativamente bem graças justamente à sua implausibilidade e falta de limites. Ambientado em um universo empoeirado no qual mulheres sensuais dominam homens machistas e imundos, tiros causam uma verdadeira explosão de sangue e arremessam membros a metros de distância, e um constante riff de guitarra heavy metal parece querer glamourizar tudo que está sendo mostrado na tela, o longa abraça todos os elementos presentes nas produções B exibidas em beira de estradas nos anos 60 e 70, como carros tunados e pubs lotados, deixando bem claro que se passa em um universo paralelo absolutamente distante do nosso e que, assim, não pode ser criticado como irreal ou ser levado minimamente a sério. Dessa maneira, quem se importa se o roteiro escrito pelo próprio Patrick Lussier ao lado de Todd Farmer parece jamais saber aonde quer chegar? Ou ainda, se o filme estabelece diversas regras ao longo de mais de uma hora somente para abandoná-las sem a menor explicação? (o que explica, por exemplo, a "mudança de lado" do contador nos minutos finais da projeção?)

Se eu fosse parar para listar todas as falhas e incoerências do longa, aliás, teria que escrever um texto de 5.000 palavras e ainda assim não seria suficiente. Mas a questão é que, ao prometer uma fantasia nonsense cheia de sexo, sangue e rock 'n roll absolutamente divertida, Fúria Sobre Rodas jamais decepciona - e ainda que não haja nada no longa relevante o suficiente para ser lembrado posteriormente, como esquecer a hilária cena em que Milton se envolve em um tiroteio em um quarto de hotel ao mesmo tempo que transa com a dona do bar? Ou, como não rir de diálogos tão imbecis como: "Me dê um motivo para não atirar em você/Eu estou dirigindo"?

Recebendo uma oportunidade única de interpretar o tipo de herói unidimensional e canastrão que tanto adora, Nicolas Cage abusa das caras, bocas e frases de efeito, além de apresentar mais um corte de cabelo ridículo parta a sua galeria. E se William Fichtner parece uma versão mais velha de Keanu Reeves ao se comunicar sem o mínimo de expressividade (o que acaba sendo ainda pior por sabermos que seu personagem é imortal e, assim, não pode ser ferido ou atingido em nenhuma das batalhas nas quais se envolve), o destaque mesmo fica por conta de Amber Heard, que, interpretando uma cowgirl que poderia muito bem integrar os grupos de mulheres de Faster, Pussycat! Kill! Kill! e À Prova de Morte (e não substituir Megan Fox no próximo Transformers, como uma cena envolvendo o motor de um carro parece sugerir), surge bela e divertida durante todo o tempo, carregando no sotaque e nos palavrões enquanto se sai admiravelmente bem nas cenas de briga (e é apenas por enxergarmos o quanto ela está se divertindo que a pieguisse da declaração: "passei minha vida inteira esperando por algo e você me deu um motivo, por isso vou com você até o fim" pode ser parcialmente perdoada).

Beneficiado por uma história que, apesar de absurda, é simples o suficiente para não comprometer as baixas ambições do projeto (ao contrário da presunção de Robert Rodriguez em Machete, por exemplo), Fúria Sobre Rodas tem inúmeras falhas de montagem (em determinada cena envolvendo uma perseguição de carro, o veículo é enquadrado se dirigindo para todas as direções possíveis e imagináveis, impedindo que compreendamos o que está realmente acontecendo) e de direção (a câmera excessivamente chacoalhante causa tontura em diversas sequências), além de apresentar situações e soluções absolutamente risíveis (o que é aquele ritual final, com as pessoas dançando com as mãos para o alto e disparando pistolas em qualquer direção?), mas acaba se transformando em um entretenimento divertido não apenas por fazer uma boa homenagem aos exploitation movies, como por ser, por natureza, trash o suficiente para causar as mesmas sensações que aquele sub-gênero costumava provocar em seus espectadores.

Ainda que a melhor forma de assistí-lo seja em um projetor ruim à beira da estrada, bebendo litros de uma cerveja quente e - principalmente - pagando um ingresso mais barato que os absurdos que vem sendo cobrados pelas sessões em 3D.

06 de Abril de 2011.

Sucker Punch - Mundo Surreal

2011-03-27T14:40:00.016-03:00

(Sucker Punch, EUA, 2011)

Direção: Zack Snyder
Roteiro: Zack Snyder e Steve Shibuya
Com: Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens, Jamie Chung, Barla Gugino, Oscar Isaac, Jon Hamm, Scott Glenn, Richard Cetrone, Gerard Plunkett, Malcolm Scott, Ron Selmour, Alan C. Peterson, Revard Dufresne, Kelora Clingwell e Frederique De Raucourt
Estreia no Brasil: 25/03/2011

por João Marcos Flores

Sempre tive o costume de organizar campeonatos de video game, fossem apenas com meu irmão ou com um grupo maior de amigos. Mas apesar de esta ser uma de minhas atividades favoritas, há momentos em que ela se torna um exercício de paciência que, dependendo de meu estado de espírito, pode até mesmo transformar-se em uma verdadeira tortura, especialmente quando temos apenas que sentar e assistir aos jogos dos outros competidores. E foi exatamente essa velha sensação que senti durante 90% deste Sucker Punch - Mundo Surreal, o novo trabalho de Zack Snyder, que, contando com um visual artificial - ainda que tecnicamente impecável - gerado completamente em CGI, representa quase o fundo do poço na carreira de um diretor talentoso que, se outrora utilizava seus invencionismos estéticos em prol de histórias narrativamente relevantes, como Madrugada dos Mortos, 300 e - principalmente - o brilhante Watchmen - O Filme, parece ter decidido, desde o entediante A Lenda dos Guardiões, ser apenas um bom animador digital, deixando, assim, a posição de cineasta digno de ser levado a sério.

Introduzido como uma grande fantasia desde seus segundos iniciais, nos quais sua única sequência ambientada no "mundo real" já é rodada com os atores interpretando em frente à green screen, filmada através de zoons e câmeras lentas e embalada por um heavy metal praticamente ininterrupto (todos elementos típicos dos filmes de Snyder), o longa narra a jornada psicológica atravessada por uma menina que, apresentada apenas como Baby Doll (Browning), vai parar em um sanatório por assassinar acidentalmente sua irmã mais nova após uma tentativa de matar seu próprio pai, enlouquecido pelo fato de sua falecida mulher não deixar-lhe um centavo de sua herança, direcionando-a, ao invés disso, integralmente para suas duas filhas. Ao chegar à instituição, ela é logo apresentada ao sádico diretor Blue Jones (Isaac) e, ao ser levada a uma mesa de cirurgia a fim de ser submetida a um exame cerebral, foge mentalmente para uma realidade alternativa na qual é explorada em uma boate ao lado das dançarinas Sweet Pea (Cornish), Rocket (Malone), Blondie (Hudgens) e Amber (Chung), que se tornarão suas parceiras na tentativa de fugir daquele local.

Repetindo a mesma viagem novamente ao ser obrigada a dançar sensualmente para uma grande plateia, ela vai parar, desta vez, em um caótico campo de batalha no qual é ameaçada por monstros mutantes e instruída a reunir um mapa, fogo, uma faca, uma chave e um quinto elemento surpresa para auxiliar-lhe em sua fuga. E se a simples busca por esses cinco objetos já revela a estrutura frágil do roteiro de Snyder e Steve Shibuya, transformando a trama em uma espécie de caça-ao-tesouro de um acampamento de férias, a dupla de roteiristas decepciona ainda mais ao tentar empregar uma estratégia narrativa parecida com a do infinitamente superior A Origem, criando uma série de camadas de realidade que, ao contrário do que acontecia no longa de Christopher Nolan, surgem completamente desconexas uma da outra, além de soarem incompreensíveis e absolutamente sem propósito (tudo bem as meninas tentarem roubar a chave amarrada no pescoço de um "cafetão" ou a faca do cozinheiro, mas o que explica o fato de, na tentativa de conseguir um dos elementos escondidos em uma espécie de Mordor, elas precisem se envolver em uma imensa batalha contra os orcs do lugar?).

Ora, a resposta é muito simples: Essa é mais uma justificativa para o diretor criar uma grande sequência de ação, cheia de efeitos especiais e abuso do CGI, ainda que a trama não dê um passo sequer à frente durante longos - e intermináveis - minutos (e essa acaba sendo a mesma razão pela qual Snyder introduz a ideia de diversos mundos paralelos, permitindo-lhe criar inúmeros cenários e possibilidades diferentes de exibir seu apuro técnico para a plateia). E é claro que esta é sua grande virtude, a vocação para o espetáculo. Afinal de contas, assim como Robert Zemeckis abriu mão dos longas em live action alguns anos atrás para mergulhar de cabeça no mundo do motion capture, transformando-se, dessa forma, em um vanguardista de uma nova tecnologia, Snyder mantém-se sem concorrentes no ramo dos filmes com atores em meio a universos construídos em computador. Mas o problema é que, se em 300 o show de testosterona ainda era divertido e em Watchmen o cineasta apenas envolvia em uma embalagem pop uma trama densa e de conteúdo, aqui os 110 minutos de projeção são cheios de sequências como a da coruja voando em meio à tempestade em A Lenda dos Guardiões; plasticamente estonteantes, mas absolutamente frias e vazias de significado.

"Mas Sucker Punch não passa de um devaneio nonsense que não deve ser levado a sério" - pode argumentar algum leitor. Em partes, eu até concordo - e quando o longa teve início com aquelas cortinas se abrindo eu imediatamente lembrei de Scott Pilgrim Contra o Mundo, no qual as pessoas sentadas no sofá em frente à TV assistindo aos créditos iniciais do longa chamavam imediatamente a nossa atenção ao fato de a trama que iríamos acompanhar a seguir ser ambientada em outro mundo particular, e não no nosso. Ao contrário do longa de Edgar Wright, entretanto, aqui esse descompromisso inicial é logo sabotado por uma narração em off piegas que, aconselhando o espectador, na primeira pessoa, a "utilizar todas as armas disponíveis para correr atrás dos seus sonhos" (sim, não estou parafraseando), demonstra uma estupidez absurda por parte de seus realizadores que, ao que parece, realmente acreditavam estar propondo algum tipo de metáfora para alguma coisa - e isso sem falar que Scott Pilgrim é um filme engraçadíssimo e desenvolve seus personagens com cuidado, permitindo, dessa forma, que nos importemos com cada um deles, enquanto aqui, as meninas são tratadas como meros ícones e jamais como seres de carne e osso (até o batidíismo plano frontal em slowmotion está presente mais uma vez).

Da mesma maneira, ao contrário do que acontece nos exploitation movies, nos quais a exploração dos atributos físicos das personagens apenas representa a forma com que os homens as vêem, não impedindo, ainda assim, que elas sejam feridas e até mesmo mortas, aqui nós não precisamos de muito mais que alguns minutos para perceber que nada acontecerá a Baby Doll e cia, o que faz com que as batalhas nas quais as personagens se envolvem se tornem ainda mais desinteressantes. E se somarmos a isso o fato de as atrizes principais não demonstrarem o mínimo de talento interpretativo e nem mesmo de sensualidade (o que compensaria parcialmente a falta do primeiro atributo), que motivos restam para apreciarmos as longas sequências nas quais, para piorar ainda mais, as coreografias de luta mostram-se mecânicas e repetitivas? - e nesse quesito, os realizadores parecem realmente dispostos a afastar-nos definitivamente do longa, fazendo com que a única atriz interessante do elenco, Jena Malone, seja a primeira a ser eliminada da trama, enquanto somos obrigados a seguir uma inexpressiva Emilly Browning que, caso fosse substituída por uma boneca inflável, o público dificilmente iria notar a diferença.

Merecendo elogios apenas por estar sempre buscando enquadramentos e movimentos de câmera inventivos (gostei particularmente do plano em que dois personagens conversam "observados" pelos olhos de Baby Doll com esta vista em primeiro plano e posicionada em um dos cantos do quadro) e por demonstrar um perfeccionismo técnico fora do comum, Zack Snyder é inegavelmente um diretor talentoso. Por esta razão, é mais triste ainda constatar que o sujeito está muito menos interessado em fazer Cinema do que em se auto bulinar em público, realmente acreditando na alcunha de "visionário" que alguns insistem em atribuir a ele.

29 de Março de 2011.