Primeira Impressão, Segunda Opinião

Piso Jogos (36) - Ragdoll Rooftops

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 21 Jan 2012 16:00:00 +0000

Este jogo é no mínimo curioso. Ragdoll Rooftops te desafia por quanto tempo você consegue levar o boneco entre os telhados. Clicando em qualquer parte próximo o boneco, você o impulsiona e não poderá deixar ele cair. Quero ver qual será o seu tempo.

Bom desafio.

Volume Máximo (10) – Com os pés no chão

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 15 Jan 2012 18:00:00 +0000

Estava assistindo o programa Agora é Tarde, quando tive a oportunidade de conhecer, através de uma entrevista com Lenine, seu recente trabalho denominado Chão.

O projeto que foi idealizado depois da invasão de um pássaro na gravação, surgindo a ideia de usar seu canto como base para uma das músicas, ouvido na canção “Amor é Pra Quem Ama”. Seguindo esta lógica, todas as faixas levam em sua parte rítmica um som orgânico, sem nenhum tipo de pós-edição. O brilhantismo do álbum pode ser conferido também em “Se Não For Amor, Eu Cegue”, onde a batida do coração de seu neto foi usado no lugar da bateria. O mesmo neto que estampa a capa. Um álbum que transborda criatividade em sua composição.

Tracklist:

1. Chão
2. Se Não For Amor Eu Cegue
3. Amor E Pra Quem Ama
4. Seres Estranhos
5. Uma Canção E Só
6. Envergo Mas Não Quebro
7. Malvadeza
8. Tudo Que Me Falta, Nada Que Me Sobra
9. De Onde Vem A Canção
10. Isso E Só O Começo

Nota: Ótimo

Talvez poucos conheçam (e agora irão conhecer) o pseudônimo do guitarrista Tom Morello: The Nightwatchman.

Como o próprio já declarou: “The Nightwatchman é o Robin Hood Negro da música do século 21”. Uma oportunidade para Tom, que na época da criação ainda estava no Audioslave, cantar para quem quisesse (ou não) ouvir seu lado ativista, contra tudo que não concordava em questões, principalmente, políticas.

World Wide Rebel Songs traz ao mesmo tempo o Folk popularizado com Bob Dylan que inspirou seus primeiros álbuns com o peso de sua guitarra em tempos de banda. Além de uma inesquecível participação de Ben Harper em “Save The Hammer For The Man”. Um álbum para ouvir e pensar no caminho que estamos construindo para o nosso mundo.

Tracklist:

1. Black Spartacus Heart Attack Machine
2. The Dogs Of Tijuana
3. It Begins Tonight
4. Save The Hammer For The Man (Feat. Ben Harper)
5. The Fifth Horseman Of The Apocalypse
6. Speak And Make Lightning
7. Facing Mount Kenya
8. The Whirlwind
9. Stray Bullets
10. Branding Iron
11. World Wide Rebel Songs
12. God Help Us All
13. Union Town

Nota: Foda

Locadora (21) – 3 – Enfim… Férias

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 08 Jan 2012 17:00:00 +0000

Terminando a trilogia do 21º post da coluna Locadora, alguns filmes que assisti recentemente e que podem ser opções para suas férias. Não esqueça de ver mais dicas em outras edições.

Um dos concorrentes ao Oscar de 2011, O Vencedor, dirigido por David O. Russell, rendeu a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante à Christian Bale, o eterno Batman.

Ao ler a sinopse, imaginaria um filme motivacional que usa o esporte para mostrar às pessoas que tudo pode dar certo, o tipo que a academia adora premiar, mas irá se enganar quem pensa assim.

O Vencedor, acima de tudo, é uma história sobre família. Focando nas atitudes egoístas que cada um tem dentro de si quando o assunto é financeiro. Interessante que apesar de subtemas pesadas como drogas e muitas brigas, Russell não joga seu filme num melodrama sem fim. Equilibrando num humor invejável, realiza certos momentos para uma lágrima cair do meu olho apesar do sorriso de admiração.

Nota: Ótimo

Alejandro Gonzalez-Inarritu já é um diretor que adora tragédias para seus personagens e constrói um arco para ver como se comportam diante tal desafio. Em Biutiful esta característica é elevada ao máximo, tudo que pode acontecer de ruim a uma pessoa, acontece com Uxbal (um show de atuação de Javier Bardem), um homem que pode falar com os mortos e tem facilidade em comandar seus negócios ilegais. Mas quando descobre que tem poucos meses de vida, Uxbal começa a preparar uma vida mais suportável para seus filhos, além de lidar com vários problemas que vão surgindo em seu caminho.

Biutiful é uma prova de um amor que um pai pode ter para seus filhos. E no caso de Inarritu, ao contrário.

Nota: Ótimo

O sexto e sétimo filme estão sendo gravados em conjunto. Velozes e Furiosos ainda terá muitas histórias para contar quando o dinheiro ainda estiver entrando nos cofres dos envolvidos. Mas não há como negar que a franquia é no mínimo divertida.

O quinto filme chamado em nossa terrinha de Operação Rio, renova a história abraçando o gênero de assalto. Justin Lin, responsável deste o terceiro, se preocupa mais com seus personagens do que a ação em si, deixando três grandes momentos para os carros detonarem.

Se não é apaixonado pela franquia, Velozes e Furiosos é interessante para dar boas risadas de como eles retratam o nosso Rio de Janeiro. Nenhum filme de comédia consegue superar. Pois como Vin Diesel celebra: “Aqui é Brasil”.

Nota: Legal

Saindo direto para locação, o recente trabalho de David Gordon Green (do ótimo Segurando as Pontas), se joga na Idade Média.

Sua Alteza não pode ser levado a sério como um filme de aventura recheado de cavaleiros corajosos, donzelas virgens e bravas batalhas. É ao contrário, uma comédia que admite ser uma paródia do gênero deste a entonação nas vozes dos personagens até as situações constrangedoras que nunca seriam mostradas num filme mais “épico”.

Mesmo assim, David não mantém o nível de seus trabalhos anteriores e suas piadas acabam sendo um mero Déjà vu de outras comédias. A diversão está garantida se você curtir uma desconstrução de gênero totalmente insana com insinuações pornográficas.

Nota: Legal

Recomendação:

Cansado de assistir filmes de zumbis que pesam a mão em arcos dramáticos, onde tudo é rodeado por pessimismo, em que as pessoas são os verdadeiros inimigos com sua loucura e medo? Zumbilândia é uma ótima opção para sair fora da rotina.

Os personagens de Ruben Fleischer não se lamentam do mundo apocalíptico que vivem. Eles apenas sobrevivem de sua maneira. Os zumbis não são vistos apenas como ameaça, mas como uma forma de diversão. Tendo outras preocupações do que só fugir dos mortos-vivos. Por exemplo, comer bolinhos e conversar bastante com Bill Murray em sua mansão.

Se tornando um dos melhores filmes do gênero dos últimos anos, Zumbilândia mostra como um mundo morto ainda pode ser bem vivo.

Nota: Foda

Piso Jogos (35) – Epic Rail

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 07 Jan 2012 16:48:00 +0000

Epic Rail pode parecer um jogo bobo no começo, mas revela ser um desafio para o raciocínio. Então não entre se não tiver uma paciência ótima.

O objetivo é deixar todos os trens apenas com a cor branca. Fazendo eles passarem por pontos de cores correspondentes. Para isso, deve, com o mouse, clicar em certos pontos do trilho para mudar a rota dos trens. Cuidado apenas para eles não colidirem.

Bom trabalho.

Mercado Velho (10) – Os 10 em 2012

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 01 Jan 2012 18:00:00 +0000

Para começar bem este ano de 2012, selecionamos 10 filmes que prometem de alguma forma fazer bastante barulho neste ano. Seja como campeões de bilheteria, de prêmios ou como decepções, pois nunca se sabe o que pode acontecer. Mas uma coisa é certa, estes filmes estarão sendo muito aguardados até a data de sua estreia.

10. Motoqueiro Fantasma 2: Espírito da Vingança

O primeiro foi um desastre, nem o demônio passaria para torturar os pecadores no Inferno. Mas aposto muito nesta nova chance, principalmente com a dupla da franquia Adrenalina no comando. Brian Taylor e Mark Neveldine são alucinados o bastante para levar um ótimo motoqueiro fantasma para as telas.

9. Os Vingadores

Mais uma adaptação dos quadrinhos na lista, algo recorrente a cada ano que passa. Enquanto estiver dando dinheiro, Hollywood não vê o porquê de mudar. Mesmo não tendo ótimas histórias, exceto a franquia Homem de Ferro, os heróis da Marvel irão se reunir neste filme que está sendo projetado deste a inauguração da Marvel Studios. Certeza que trará um aumento na conta dos produtores e muita diversão ao público.

8. O Espetacular Homem-Aranha

Depois da overdose que houve no terceiro capítulo de Sam Raimi, o Homem-Aranha precisava de um reboot. Infelizmente a história de origem será recontada para os fãs que sabem de cor e para o público que já assistiu os filmes de Raimi. O ponto positivo é que Marc Webb (500 Dias com Ela) irá focar na relação de Peter com seus pais, criando um interessante arco dramático para o reinício.

7. Gravity

"O modo como eles estão fazendo o filme vai mudar as outras produções. As máquinas que eles criaram para filmar desse jeito são absolutamente fantásticas" – Guillermo del Toro. Se não bastasse esse elogio, Gravity é o próximo filme do talentoso diretor Alfonso Cuarón. Precisa de mais para ser um dos favoritos do ano?

6. Prometheus

É a volta de Ridley Scott as suas origens. E ainda será a história que antecede Alien – O 8º Passageiro. O filme está cheio de mistérios e o visual está belíssimo, será que o tio Ridley irá nos presentear com mais um clássico da ficção científica? Prometheus promete.

5. Millennium: Os Homens Que Não Amavam As Mulheres

Responsável, na minha opinião, pelo melhor trailer de 2011, o novo filme de David Fincher (A Rede Social) promete ser um dos melhores em 2012. Com uma história de investigação, um ritmo frenético e cenas impactantes, além de seu diretor tendo na filmografia Se7en e Zodíaco, não tem como sair coisa ruim da tela.

4. O Hobbit: Uma Jornada Inesperada

Qual a história por trás de Bilbo Bolseiro? Como ele conseguiu O Anel? Toda a trama que desencadeou a fantástica aventura em O Senhor dos Anéis, será contada novamente pelas lentes de Peter Jackson. A Terra Média retornou.

3. Django Unchained

Depois de namorar o western spaghetti em filmes como Bastardos Inglórios, Kill Bill e Cães de Aluguel, Quentin Tarantino mergulha de vez neste universo popularizado por Sergio Leone. Quem conhece a paixão de Tarantino pelo gênero sabe que pode esperar, quem sabe, o melhor trabalho do diretor. O único problema é que a estreia no Brasil pode ser em 2013.

2. Hugo

A primeira aventura de Scorsese (Ilha do Medo) ao público infantil e filmado em 3D. Uma aventura que já rendeu o prêmio de melhor diretor pela National Board of Review. O diretor promete uma viagem memorável e uma homenagem ao cinema, tornando Hugo uma aposta certa em 2012.

1. Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge

O fim de uma visão que trouxe mudanças de como encaramos os heróis no cinema. O Batman de Christopher Nolan é sombrio, tenso, explosivo e humano. E tudo será elevado em sua última aventura com o morcego. Pois a escolha de Bane como vilão não foi apenas para dar uma boa surra no cavaleiro das trevas. Um momento grandioso nos espera em Julho. Em IMAX.

E você? Qual são seus filmes mais aguardados para 2012? Deixe sua lista em nosso espaço de comentários.

Piso Jogos (34) – Gibbets 3

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 31 Dec 2011 03:28:00 +0000

Depois do sucesso de Gibbets aqui no blog, a terceira versão do jogo já está disponível para ser completada.

Gibbets 3 funciona da mesma forma que o primeiro: acertar as cordas com sua flecha antes que os habitantes morram. Mas para isso, você terá que correr contra o tempo e ter uma mira de mestre.

Boa pontaria.

21 – Adele

noreply@blogger.com (Renata Barbosa) — Sat, 24 Dec 2011 02:43:00 +0000

Impossível terminar o ano sem citar um dos maiores destaques de 2011: Adele. Com o mundo “dominado” por Lady Gaga cuja musicalidade está em conjuntura com o cenário atual, pessoalmente, achava difícil Adele superá-la como fez quando ouvi o álbum 21 antes do lançamento, pelo site da gravadora.

Isso porque, 21, começa num estilo folk animado com backing vocals seiscentistas nas duas primeiras faixas “Rolling in the Deep” e “Humor Has It”. Depois o ritmo desacelera e se torna dramático, fortemente acompanhado de piano e voz em “Turning Tables”, se transformando em uma canção melancólica, acompanhada de violão daquelas que você ouve despretensiosamente numa rádio. Mas a raiva e a tristeza da desilusão amorosa tomam conta em “Set Fire to the Rain”. Piano e bateria são sons claramente marcantes nesse álbum, porém o baixo fará companhia expressiva em “He Won’t Go” como sempre fez no R&B dos anos 70/80. Aliás, essa música é uma emulação de canções do estilo, por isso, com certeza, você terá certeza que já a ouviu antes.

Em seguida, voltamos para o piano e voz dramáticos em “Take it All”. Quando estamos prestes a cortar os pulsos, eis que surge “I’ll Be Waiting” canção plenamente Soul Music para dar uma agitada no clima. Apesar da tentativa de ensaiar uma animação, 21 está em harmonia com os corações partidos, voltando ao R&B com “One and Only”, dessa vez, com uma interpretação visceral do blues por Adele. Em contraponto, surge a elegância e os violões chorosos de “Lovesong”.

E, para fechar, a música que é tema de novela: “Someone Like You”. Em termos de arranjo, nada demais – piano e voz – mas a letra é dual. Ao mesmo tempo em que a personagem faz um discurso amigável de que superou o término do relacionamento, ela não disfarça a tristeza e a vontade de voltar para seu amado. Enfim, 21 é um álbum de canções românticas que, por vezes, retoma a musicalidade da Black Music dos anos 60 e 70 e também à simplicidade que um pianista e uma cantora proporcionam com belíssimas canções, o que é atemporal. Talvez a atemporalidade, a retomada de estilo (introduzida no cenário por Amy Winehouse) e a dor-de-cotovelo sejam ingredientes bem eficazes para superar o estilo “life is a dancefloor” de Gaga.

Tracklist:

01. Rolling In The Deep
02. Rumour Has It
03. Turning Tables
04. Don’t You Remember
05. Set Fire To The Rain
06. He Won’t Go
07. Take It All
08. I’ll Be Waiting
09. One And Only
10. Lovesong
11. Someone Like You

Comunicado Urgente… nem tanto – Parte 2

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 18 Dec 2011 02:00:00 +0000

2012 está próximo e o blog caminha para seu terceiro ano, mas antes de comemorar seu aniversário, vem as férias. E repetindo o que acontece em Janeiro, Primeira Impressão Segunda Opinião estará descansando. Apenas se atualizando com alguns posts já programados com jogos e dicas. Mas não se preocupe, Fevereiro começará uma temporada de novidades por aqui.

Neste ano, o que já estava avisado, criei um espaço para textos opinativos chamado Bastidores, mostrando minha opinião para outros assuntos gerando muita discussão. Houve também outra novidade, meu amigo e colaborador Rafael Silva criou a coluna Na Estante, onde comenta sobre clássicos do cinema.

Algumas mudanças surgiram com o tempo, além do visual que deverá mudar com menos frequência, as notas atribuídas em nossas resenhas estão diferentes. E as novidades não irão parar durante este ano, pretendo escrever sobre séries (agora que me tornei um viciado) e games (algo que já engatinhei com a coluna Mercado Velho aqui e aqui).

É claro que com mais diversidade, algumas colunas ficarão mais de lado, outras mais ativas, mas isso vai variar independendo do meu tempo, pois em 2012 termino minha pós em Cinema, e terei muito trabalho na minha mesa. Por isso, tentarei trazer ao menos dois colaboradores para o blog. E animar minha amiga Renata Barbosa que sempre tem ótimas opiniões sobre música.

Pronto, por enquanto é só isso. E desejo um ótimo 2012 para todos meus leitores. Encerro com este vídeo bem experimental que editei, onde deixo para as pessoas pensarem e discutirem sobre o que realmente significa Harmonia:

Bastidores (8) – Marcha da Vergonha

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 11 Dec 2011 23:16:00 +0000

Quando pessoas protestam por algo que não trará benefício nenhum a sociedade, não me causa mais espanto. Principalmente por causa desses jovens infantilizados com discursos vazios e ideias egoístas para suas vidas. O desejo de fumar seu baseado em paz, enquanto crianças morrem no inferno do tráfico. Argumentos não faltam para a defesa. Eles falam: “mas a liberação da maconha vai acabar com tráfico”, “vamos acabar com essa hipocrisia” e “cada um é dono do próprio nariz”. É engraçado quando comparam nosso país com a Holanda, por exemplo. Como se tivéssemos o mesmo número de habitantes, a mesma cultura, a mesma história, a mesma política. Não vou entrar na questão se eles estão certos ou errados, mas pode ter certeza que não quero ver meu filho ir num bar para usar droga em vez de praticar algo que melhore sua saúde física e mental. Podem me chamar de cafona, trágico ou pessimista, mas nunca de drogado. Minha vida agradece.

A liberação do cigarro e da bebida alcoólica só trouxe benefícios para a sociedade? O câncer e os acidentes de trânsito agradecem. A imprudência nunca saiu de moda. Nenhuma droga sem fins medicinais pode trazer benefícios, então porque essa luta para liberar? Cadê os protestos contra a corrupção no país? Cadê a marcha da educação? Cadê a marcha da saúde? Cadê a marcha da segurança pública? Cadê ex-governantes realizando documentários mostrando o mal que as drogas podem fazer na saúde das pessoas? Daqui alguns anos vão ter pessoas tentando a liberação da cocaína, heroína, crack, suicídio, homicídio, holocausto. Se bobear, num futuro próximo, a merenda das crianças será uma roda de fumo. A cada dia, os valores vão sendo desvirtuados. Não sabemos mais o que é certo ou errado. O errado está se tornando cada vez mais certo. Por uma liberdade que não dá para entender. Assim caminha a humanidade. Assim caminha o Brasil.

Atualmente, jovens preferem reunir para fumar um narguilé, mas acham uma chatice discutir a leitura de um livro ou filme. O que me espanta de verdade é essa perda da valorização da vida. Ninguém está interessado em viver bem. Será que o mundo está tão insuportável assim? Será que as escolas são inúteis? Será que a televisão é quem cria os seus filhos? Será que o amor é tão cruel como dizem as músicas sertanejas e a única solução é beber, cair e levantar? Ou enrolar, fumar e viajar? O efeito das drogas é passageiro, porém suas consequências podem ser eternas.

Vivemos numa sociedade com escolhas em sua maioria individuais. Um bang-bang brasileiro, onde quem tiver a melhor arma, quem for mais rápido no gatilho, quem for mais convincente, sobrevive nessa guerra de discursos. Quem me dera se isso fosse exclusivo nosso. Esta crise o mundo já se rendeu. Mas quem sabe no final de tudo acontecerá uma marcha da vergonha? Vergonha dos outros. Vergonha da gente.

Em seguida, vídeos (bem realistas) dirigidos por Darren Aronofsky para uma campanha contra a metanfetamina, a droga do momento, mais forte que o crack. É esse o nosso futuro? Não. É o nosso presente.

Desperate

Deep End

Losing Control

Na Estante (6) - Pânico (1996)

noreply@blogger.com (Rafael Silva) — Wed, 07 Dec 2011 01:45:00 +0000

Cecília Meireles já dizia que "a vida só é possível reinventada". Wes Craven soube disso ao ver o quão fraco estava o mercado de suspense na década de 90, foi então que, mais uma vez, em sua trajetória, marcaria uma geração de jovens através do suspense Pânico (Scream).

Escrito por Kevin Williamson, que posteriormente escreveu outro filme do gênero (Eu Sei o Que Vocês Fizeram no Verão Passado) e atualmente trabalha com produções adolescentes, Pânico foi um sucesso absurdo de crítica e público.

Era óbvia o quão bem sucedida poderia ser a mistura de filme adolescente com serial killers, tendo em vista os antigos sucessos do gênero. A forma proposta por Craven foi ainda mais inovadora.

Deixou de lado qualquer fantasia, e povoou a mente de todos com uma história palpável, e perturbadora a respeito de um maníaco que assassina suas vítimas após um jogo misterioso a respeito de filmes de terror pelo telefone. Uma delas, Sidney Prescott, consegue sair de um dos ataques, o que faz com que ela se torne o principal alvo daquele que usa uma faca e uma fantasia com máscara de fantasma (Ghostface) para matar.

A ligação entre a morte de sua mãe um ano antes, e os assassinatos que acontecem em Woodsboro, levam Sidney a caminhar cada vez mais para saber qual mistério se esconde por trás de tudo. Com cenas clássicas e exaustivamente parodiadas, o filme se tornou um clássico cult. Como muito filmes campeões em bilheterias, ganhou continuações desnecessárias e totalmente sem o clima do primeiro filme, embora esse gere em todos uma sensação de "quero-mais".

Devido a nova fórmula de sucesso, até hoje se encontram filmes que utilizam da mesma estrutura para tentar fisgar mais público. Tudo muito cansativo e previsível depois que um grande clássico se predomina. O que vale nesse tipo de bilheteria, é qual filme irá surpreender pelo novo.

Trailer:

Piso Jogos (33) - Angry Birds Hunting

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 03 Dec 2011 19:26:00 +0000

Angry Birds Hunting não é o original que faz tanto sucesso pela Google. Apesar disso, essa versão dos pássaros mais famosos da rede, conta com muita diversão e simplicidade. Você só precisará ter uma boa mira e clicar no momento certo para o pássaro não escapar. E se ele escapar, aí já é outra história.

Ótima semana a todos.

A Pele que Habito

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Thu, 24 Nov 2011 23:48:00 +0000

“Não pode ser” - uma senhora, ao meu lado no cinema, solta esta frase não acreditando no que a história poderia lhe revelar. Já sabendo de todo o enredo, pensei comigo, “claro que pode e isto é apenas um das provocações de Almodóvar”.

Pedro Almodóvar (Kika) é um dos diretores que ainda faz parte do cinema autoral. Quando anunciou seu novo trabalho, uma obra mais sombria do que costume em sua filmografia, a curiosidade e a expectativa se uniram em um só sentimento. Principalmente quando disse que iria fazer um filme de terror sem gritos e sustos. A Pele que Habito é assustador por se aproximar do mundo insano em que vivemos. Onde as aparências enganam e o lobo estar na pele de um cordeiro não é mais um sábio provérbio.

Adaptado do livro Tarantula do escritor francês Thierry Jonquet, conhecemos a história do cirurgião plástico Robert Ledgard (Antonio Banderas) que, após a morte de sua esposa, não se entrega a dor para ajudar sua filha (Blanca Suárez) a se curar do sofrimento. Mas sua vida desmorona e, sua sanidade é colocada em prova, quando a menina é violentada e, posteriormente, comete suicídio. A vingança se torna seu principal objetivo, mas não o único. Ao sequestrar o jovem Vicente (Jan Cornet), Robert enxerga uma maneira de ter seu amor de volta.

A história não segue uma estrutura linear, desenvolvendo a personalidade dos personagens aos poucos, guardando as surpresas para o final. Mas sinceramente? As revelações são o de menos em A Pele que Habito. O objeto de estudo e de provocação de Almodóvar é a sexualidade. Ele brinca com os gêneros do ser humano, em que masculino e feminino não importam se você acreditar nas decisões dos personagens, ou em suas obsessões. Remetendo a uma reflexão sobre o que define um homem ou uma mulher. O preconceito do público é voltado contra ele mesmo, provocando um estranhamento e mal-estar que torna o filme brilhante.

Amor, tragédia, sofrimento e redenção. Pedro Almodóvar propõe uma história com personagens carregados dos mais diversos problemas de conduta, mas, acima de tudo, são dedicados no que fazem e levam as consequências até o fim. Mesmo se for para sobreviver num mundo tão louco e cruel como este.

Trailer:

La Piel que Habito
Espanha , 2011 - 117 minutos
Terror

Direção:
Pedro Almodóvar

Roteiro:
Pedro Almodóvar, Thierry Jonquet (romance)

Elenco:
Antonio Banderas, Elena Anaya, Blanca Suárez, Jan Cornet, Marisa Paredes

O Palhaço – Um sorriso por trás de uma lágrima

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Wed, 16 Nov 2011 22:58:00 +0000

“O homem foi ao médico e disse estar deprimido. Disse que a vida parecia dura e cruel. Disse que se sentia sozinho e ameaçado diante do mundo vago e incerto. O médico diz que o tratamento é simples: o grande palhaço Pagliacci estará na cidade esta noite, vá vê-lo. Isso deve anima-lo. O Homem explode em lágrimas e diz: mas doutor, eu sou o Pagliacci.”

“Eu faço o povo ri, mas quem é que vai me fazer ri?” – desabafa o personagem de Selton Mello em seu novo filme como diretor e roteirista ao lado de Marcelo Vindicato. A piada do palhaço Pagliacci foi apenas para mostrar a tristeza recorrente que Selton adota na história. Um homem que apesar de ser a alegria de muitas pessoas, vive uma crise existencial e procura uma maneira de resgatar a paixão pela profissão. O Palhaço, acima de tudo, é uma homenagem ao humor brasileiro. Um humor perdido em programas que privilegiam a baixaria e a piada pronta. Se prepare, pois ao assistir este filme, a tela será o palco de um belo espetáculo.

Selton Mello é Benjamin, um palhaço que, ao lado de seu pai (Paulo José), é responsável por uma companhia de circo considerada uma verdadeira família. Porém, tudo começa a mudar, quando Benja fica inseguro de sua responsabilidade em resolver pequenas obrigações e duvida se ainda é capaz de alegrar as pessoas. Na busca de sua identidade, decidi procurar uma nova vida fora do circo. E se encontra alguém que pode lhe fazer sorrir.

Apesar de ser uma produção Globo, mesmo a empresa tendo uma inegável qualidade, seus filmes (em sua maioria) não passam de extensões das novelas. Selton realiza uma história sensível, divertida e comovente, dando espaço para todos os atores brilharem. As participações especiais funcionam como números do espetáculo, cada convidado simplesmente dá um show de atuação e humor. Destaque para os mecânicos gêmeos (Tonico Pereira) e o discurso do delegado Justo (Moacyr Franco) sobre a tragédia de seu gato Lincon.

O preconceito de que o cinema brasileiro não presta, deve ser totalmente excluído. Não vou negar que temos muitas porcarias, mas Hollywood também produz muito lixo todo ano e as pessoas adoram bater palmas. O Palhaço é um dos melhores filmes que assisti este ano e merece os aplausos de seu público. E de pé.

Trailer:

O Palhaço

Brasil , 2011 - 88 minutos
Comédia

Direção:
Selton Mello

Roteiro:
Selton Mello, Marcelo Vindicato

Elenco:
Selton Mello, Paulo José, Larissa Manoela, Giselle Motta, Teuda Bara, Moacyr Franco, Tony Tonelada, Tonico Pereira, Danton Mello, Ferrugem

35ª Mostra Internacional de Cinema – São Paulo

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Mon, 14 Nov 2011 19:21:00 +0000

Mais uma viagem. Mais uma vez espero na rodoviária o ônibus. É madrugada. Pretendo chegar cedo em São Paulo. O curso de Cinema da Universidade do Tuiuti do Paraná (UTP) proporcionou aos alunos em seu calendário, um espaço para podermos prestigiar o evento. O hotel pago pela Universidade ficava um quarteirão da Avenida Paulista, perto da maioria dos cinemas participantes da mostra. Principalmente da sede. O táxi só foi necessário quando começou a chover. Pra variar.

Por ser novato num evento desta importância, ainda estava despreparado, conseguindo apenas garantir dois ingressos pela internet antes da viagem. A confusa organização da mostra também ajudou. Chegando lá, tentando me localizar, consegui a proeza de garantir mais dois filmes na minha agenda, tirando outro que estava com a sessão lotada. Frustrante, queria muito assistir Habemus Papam, o cinema italiano sempre é cativante. Da próxima vez, irei mais preparado e com certeza o número de filmes assistidos na minha lista será maior. Em compensação sobrou tempo para visitar o MASP e outros locais interessantes em São Paulo.

A 35ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo foi marcada pela morte de seu idealizador Leon Cakoff, mais uma vítima do câncer. Aos 63 anos, o crítico de cinema, criou a mostra em 1977 e, com certeza, deixa um legado cultural para a capital e os amantes da sétima arte. A mostra também teve a novidade de exibir apenas filmes inéditos em nosso país. Tendo um maior foco sobre as escolhas cinematográficas. Toda a realização gráfica ficou a cargo de Mauricio de Souza, que escolheu seu primeiro personagem, Piteco, para ser o símbolo do evento, evocando o fascínio do ser humano pela imagem deste os primórdios.

Muitas homenagens ocorreram durante o evento, como os filmes remasterizados Laranja Mecânica, de Stanley Kubrick e Táxi Driver, de Martin Scorsese. Entrevistas com atores, diretores, produtores, entre outros profissionais do meio, poderiam ser encontradas em diversos pontos. Porém, os meus dois dias em São Paulo, foram bem corridos, e os quatro filmes que irei falar agora, foram as surpresas que encontrei na mostra. Boas e más.

O primeiro foi o italiano A Boca do Lobo, dirigido/roteirizado por Pietro Marcello, que conta a história não linear e documental, de um homem recém-saído da prisão e volta para a esposa, uma transexual tímida. Interessante ao assistir o cotidiano do protagonista Enzo (Vincenzo Motta), é retratado um lado da Itália que não aparece nas propagandas de turismo. Uma Itália triste, pobre, antiga, mas com habitantes sobreviventes de sua desgraça. A segunda escolha daquela tarde de sábado, foi um documentário sobre a indústria de cinema indiano titulado Bollywood: A Maior História De Amor De Todos Os Tempos. Bem interessante, pois o filme mostra tanto a bela ilusão criada pelo cinema com suas empolgantes coreografias ao mesmo tempo em que mostra a consciência dos envolvidos de que todo o trabalho feito é apenas um escape para o miserável povo indiano de classe baixa. E se você acha que não existe nada pior do que as novelas brasileiras, com suas previsibilidades e uma fuga total da realidade, é porque não conhece Bollywood. Onde a estrutura da história sempre é a mesma, o que muda são as músicas e as leis da física.

Domingo, minhas escolhas foram melhores. Para fugir um pouco dos dramas e documentários, resolvi assistir um filme de ação norueguês chamado Headhunters. Um filme de gênero que demonstra ter aprendido muito com o cinema norte-americano. A trama é sobre um headhunter que rouba seus próprios clientes para manter seu status de vida alto para sua linda mulher. Tudo começa a complicar, quando num dos roubos, descobre ser alvo de um assassino profissional. A direção de Morten Tyldum é competente, nos prende do começo ao fim num ritmo que vai crescendo gradualmente. Mesmo tendo uma história bem amarrada, ela depende bastante em certos momentos de uma grande suspensão de descrença do público. Vale como um bom entretenimento.

E para fechar a noite, Frango com Ameixas. Não era a hora da janta, este é o nome do belíssimo filme de Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud. O cinema francês dificilmente decepciona e com este não foi diferente. Dos quatro filmes, considero o melhor por sua história que equilibra romance, humor negro e a música numa perfeita harmonia que mesmo quando terminou a sessão, ainda sorria pelo filme. A vida do violinista Nasser (Mathieu Amalric) esperando sua morte é tão cativante que o público é fisgado para descobrir porque sua vida não faz mais sentido sem sua alma musical. Simplesmente delicioso. Fechando com chave de ouro minha visita em São Paulo e a participação na Mostra. E estarei pronto para as próximas.

Piso Jogos (32) - Stealing The Diamond

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 05 Nov 2011 18:32:00 +0000

Stealing The Diamond é um game que te conquista pelas possibilidades diferentes em terminá-lo. Sua única preocupação é decidir a melhor opção para roubar o diamante. Logo no início já temos a escolha do teor do jogo, ação ou estratégia. Qual for a escolha, a diversão é garantida.

Obs: o jogo demora um pouco para carregar.

Volume Máximo (9) – Sonhando com o paraíso

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Wed, 02 Nov 2011 23:35:00 +0000

Ouvir o quinto ábum de estúdio desta banda britânica, Mylo Xyloto, é como ouvir apenas uma música com várias melodias representando os mais diversos sentimentos. Escrevi isso para tentar mostrar a bela unidade que o Coldplay construiu em seu novo trabalho. Uma tentativa que só pode ser comprovada se você também ouvir.

14 canções foram escolhidas para compor o álbum. Algumas funcionam como pontes para outras músicas, mas sem perder sua qualidade instrumental. “Mylo Xyloto”, a música de abertura, é uma premissa para a empolgante “Hurts Like Heaven”. Assim repete também com “Every Teardrop Is a Waterfall”, que deste sua estreia como single, estou viciado. E pode colocar na conta como mais um clássico da banda ao lado da épica “Paradise”. Até Rihanna não compromete em “Princess of China” que promete ser um dos hits mais tocados nos próximos meses.

Mylo Xyloto é dançante, melódico, suave, poético. Um álbum que ao ouvi-lo se torna visual. Realizando seu belo e velho som, Coldplay ainda consegue ser relevante.

Tracklist:

1. Mylo Xyloto
2. Hurts Like Heaven
3. Paradise
4. Charlie Brown
5. Us Against the World
6. M.M.I.X.
7. Every Teardrop Is a Waterfall
9. U.F.O.
10. Princess of China
11. Up in Flames
12. A Hopeful Transmission
13. Don't Let It Break Your Heart
14. Up with the Birds

Nota: Ótimo

de Renata Barbosa:

Reparou que o Evanescence mudou todos integrantes com exceção da vocalista? Quer saber por onde eles andam? Curtiu a sétima temporada do American Idol, principalmente uma das finalistas Carly Smithson? Seus problemas acabaram! A resposta para estas questões é só uma: We Are The Fallen.

O nome de banda se refere a todos os integrantes, pois eles têm algo em comum: todos saíram dos projetos em que estavam – Ben Moody, John LeCompt e Rocky Gray ex-Evanescence, Marty O’Brien ex-Disturbed e Carly Smithson sexto lugar no programa American Idol. Há quem diga que a banda é uma imitação descarada do Evanescence. Porém, mesmo se torcerem o nariz para o som dos “Fallen”, temos que admitir e lembrar das origens dos músicos.

Partindo deste princípio, a sonoridade dos caras não é novidade. Porém, isso não significa uma “mesmice” descabida. Atrevo-me a dizer que o álbum de estréia Tear The World Down é uma versão mais amadurecida e menos mercadológica do Evanescence no álbum Fallen (2003). Apesar de que existem as exceções como o primeiro single “Bury Me Alive” e “Sleep Well My Angel” que repetem fórmulas das canções “Going Under” e “My Immortal” respectivamente. Um diferencial importante é a voz de Carly, sua interpretação das músicas é agressiva e intensa (além de sua qualidade vocal indiscutível). Destaques para “Burn”, “St. John”, “Tear The World Down” e “Don’t Leave Me Behind” que demostram mais a personalidade da banda que os ares de outros tempos.

Tracklist:

01. Bury Me Alive
02. Burn
03. Paradigm
04. Don't Leave Me Behind
05. Sleep Well, My Angel
06. Through Hell
07. I Will Stay
08. Without You
09. St. John
10. I Am Only One
11. Tear The World Down

Nota: Legal

O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante – As cores da Gula

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 23 Oct 2011 21:52:00 +0000

Obs: Este texto é uma breve análise que fiz para a disciplina de Semiótica na minha pós de Cinema, então não leia se ainda quiser surpresas em relação a obra. Todas as imagens a seguir (contando o trailer) são recomendadas para maiores de idade.

O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante é um filme de Peter Greenaway realizado em 1989. Greenaway é conhecido por um estilo artístico inconfundível, já que o visual é muito importante em seus trabalhos, justificando seu amor pela pintura.

Os cenários de seus filmes carregam significados dos mais diversos. Então podemos afirmar que Peter Greenaway simplesmente não filma uma cena, mas elabora toda uma estrutura híbrida que vai do teatro até a literatura. Neste texto, irei analisar o filme escolhido, destacando principalmente as cores usadas em cada cenário e a crítica relacionada ao instinto animal do ser humano.

A história é de uma típica tragédia teatral, outra característica de Peter, pois seus filmes são grandes espetáculos retratados em película. Temos um restaurante, onde o dono Albert Spica (Michael Gambon) é um mafioso que administra o lugar conforme suas vaidades e ambições. O grande diferencial do lugar é o seu cozinheiro, Richard Borst (Richard Bohringer), responsável pelos deliciosos pratos franceses. Especialmente os preparados para a mulher de Spica, Georgina Spica (Helen Mirren), dona de um paladar mais refinado.

O conflito começa a surgir quando Georgina conhece Michael (Alan Howard) no restaurante e os dois iniciam um caso, acobertado pelo cozinheiro. Toda a trama é desenvolvida em poucos cenários, porém não menos importantes. Cada lugar é representado por uma cor, tendo uma grande importância, pois até os figurinos dos personagens se adaptam ao ambiente. Veja abaixo em alguns frames, como a mesma faixa de Spica muda conforme o lugar que está:

Para uma maior noção do propósito de Greenaway sobre as escolhas das cores, leia abaixo sua declaração na época do lançamento:

“A cozinha é verde porque representa a floresta de onde vem todo o alimento; o restaurante é vermelho por ser onde toda a violência ocorre; o banheiro, onde os amantes fazem amor pela primeira vez, é como o paraíso, e como tal ele tinha de ser branco; tem uma breve sequência no hospital que é iluminada com amarelo porque para mim é a cor das crianças, dos ovos, dos recém-nascidos; e finalmente a cor da biblioteca que é ouro, representando 'a época dourada do aprendizado', o idílico tempo em que tudo no Jardim do Éden era maravilhoso” – Retirado do site Imagem em Movimento.

Depois de uma base sobre o trabalho artístico de Greenaway, começarei uma análise semiótica do personagem Albert Spica e sua incessável fome pela comida e pelo poder. Spica seria um personagem encantador se não fosse desprezível. A complexidade de suas ações são movidas por um senso de valores próprio. É responsável pela maior parte dos diálogos, ditando totalmente o ritmo da trama. Tanto que Georgina e Michael só conversam depois de uma intervenção de Albert, com o propósito de humilhar a esposa.

Além de ser o orador central, Spica é movido por seu apetite. Seja por comida, poder e, posteriormente, raiva. Essa escolha não é obviamente aleatória quando se trata de Peter Greenaway:

"No mundo antigo, os romanos e os gregos sempre pensaram que a alma residia no abdômen; apenas os cristãos acreditavam que ela habitava o peito. As civilizações primitivas ensinaram que a barriga é o centro do corpo e sua própria gravidade, mas o cristianismo subverteu esse princípio ao considerar o coração como o âmago do homem"- Retirado do site Imagem em Movimento.

Movido por seu estômago, Spica sempre exige de seus companheiros bons modos na hora de comer. Mas o mesmo não hesita em tratar de negócios quando em uma cena, manuseia talheres roubados e come com suas mãos, além de sempre falar de boca cheia e arrotar quando se satisfaz. Como um verdadeiro animal, o que Greenaway não cansa de comparar mostrando os cachorros fora do restaurante.

Quando descobre a traição de sua mulher, Spica mostra que a boca também pode ser uma forma de tortura ou morte. Quando quer conseguir uma informação, obriga uma criança a comer botões e, na morte de Michael, faz o amante da mulher engolir um livro sobre a Revolução Francesa. O livro que Michael sempre lia no restaurante e Spica tinha retrucado que não se come palavras. Para o azar de Michael, o ladrão estava enganado:

A relação entre o ato de comer e Spica não termina em seus meios, mas, genialmente, em seu fim. Quando Georgina descobre a morte de Michael, ela pede ao cozinheiro que o cozinhe. Assim, Abert poderia cumprir sua promessa quando disse que iria matar e comer Michael quando encontrasse. A cena final não é para quem tem estômago fraco e, contrariando o ditado “a vingança é um prato que se come frio”, o prato de Spica estava bem assado:

Depois de uma ótima refeição que é o filme O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante, nada melhor que repetir o prato.

Trailer:

Contra o Tempo – Nunca é tarde para mudar

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 16 Oct 2011 21:07:00 +0000

O que você faria se restassem apenas alguns minutos de sua vida? Você mudaria suas escolhas? Mudaria a forma de pensar? Faria valer a pena? Estas perguntas impulsionam o personagem no recente filme de Duncan Jones (para os desavisados é o filho do ator/mito/cantor David Bowie).

O que você faria se restassem apenas alguns minutos de sua vida? Você mudaria suas escolhas? Mudaria a forma de ver ao redor? Faria valer a pena? Estas perguntas impulsionam o personagem… acho que já escrevi isso. O que está acontecendo?

Diferente de Lunar, Jones não participou do roteiro (o que não impediria de alguns pitacos durante as gravações), deixando o cargo para o estreante Ben Ripley. Não decepcionando, cria uma história de ficção científica que nos remete a filmes como Matrix e Feitiço no Tempo. Contra o Tempo é uma reflexão sobre o verdadeiro significado de viver. Mais uma demonstração de como as pessoas mudam seus comportamentos quando há pouco tempo para elas.

Jake Gyllenhaal é o capitão Colter Stevens que depois de um acidente, acorda num trem em direção a Chicago. A sensação de estranheza só piora quando Christina (Michelle Monaghan) começa a trata-lo como se fossem amigos, sem nunca ter a conhecido. Depois de uma iniciada confusão, o trem explode matando todos. Stevens acorda pela segunda vez e descobre estar dentro de um programa de computador, que resgata os últimos 8 minutos de uma pessoa após sua morte. E através das orientações de sua supervisora (Vera Farmiga), terá esse tempo para descobrir quem plantou a bomba no trem e o próximo alvo do terrorista. Mas como todo código aberto de computador, Stevens descobre ser capaz de alterações naquela realidade alternativa criada pelas memórias de Sean.

O ponto forte do filme, além da ótima equipe de produção e dos atores, é a montagem de Paul Hirsch. Para quem gosta de edição (me incluo nessa), Paul repete cenas sem que elas pareçam entediantes, tornando cada momento único. Dando ritmo e deixando o público focado nas ações do protagonista. E por tudo que o envolve. Contra o Tempo só comprova o talento de Jones para o gênero. Faz valer cada segundo para quem se propôs a assistir. Repetindo a frase do terceiro parágrafo do texto: é uma reflexão sobre o verdadeiro significado de se sentir vivo, principalmente quando acordamos para a vida. Nossa… depois de um tempo melhorei a frase.

Trailer:

Source Code
EUA , 2011 - 93 min.
Ficção científica

Direção:
Duncan Jones

Roteiro:
Ben Ripley

Elenco:
Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Brent Skagford, Cas Anvar

Bastidores (7) – Eu quero sempre mais

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Fri, 14 Oct 2011 00:22:00 +0000

“Eu quero tudo que for novo. Eu quero saciar minha sede material. Quero ser atual e fazer parte desta sociedade de consumo. Não importa apenas sonhar, o importante é ter tudo que for necessário. E se ficar ultrapassado, eu quero mais tudo de novo” – Autor mais do que conhecido.

“Você não é o seu emprego. Você não é quanto dinheiro você tem no banco. Você não é o carro que você dirige. Você não é o conteúdo da sua carteira. Você não é as calças cáqui que veste. Você é toda merda ambulante do mundo.” – Clube da Luta de David Fincher.

É interessante como os objetos se tornaram uma extensão de nosso corpo, de nossa personalidade. Não podemos (sabemos) viver sem eles. Imagine um mundo sem energia. Todas as “coisas” que são importantes no cotidiano te deixarão na mão. Não teremos mais que assistir televisão ou navegar na internet (meu blog deixará de existir), teremos que reaprender a dialogar com as pessoas.

Nosso dinheiro se tornará tão inútil e os valores mudarão. Aquele seu sonho material não poderá mais ser saciado. Seu maior desejo será sua sobrevivência. Sua vida. Perceberá a verdadeira utilidade dos objetos. Quais realmente foram um avanço para o ser humano. Não aqueles que serviram para aumentar nosso próprio ego. De brinde uma sensação de poder. Que não será mais monetário, mas da adaptação. Pois até onde vai nossa necessidade? Até onde a grama do vizinho será mais verde?

A tecnologia nos oferece facilidades, confortos e divertimentos. Esses fatores nos seduzem e nos fazem importar muito com o dinheiro. Dinheiro que é a chave para essa porta da satisfação humana. O único perigo é não virar escravo desses objetos (e de suas dívidas) e esquecer o respeito próprio e ao próximo. É não perder a humanidade. Algo que está fora de moda atualmente. Diferente daquele aparelho que apresenta a mesma função, mas está na vitrine com uma nova versão.

A sociedade digital cresce a cada dia e deste que soubermos lidar com este crescimento não há nenhum mal. Saber que o essencial para nós nunca terá preço, nem posse, você sente, você compartilha. Nunca depositarmos nossa felicidade em uma TV de última geração para assistir a Copa do Mundo ou num carro 0 km, enquanto a família passa fome ou sempre falta condição para uma educação melhor. Dinheiro é necessário, mas acaba, saiba usar. Aprenda a pensar.

Escute Society de Eddie Vedder para uma melhor reflexão.

Piso Jogos (31) – Crazy Darts

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 08 Oct 2011 17:12:00 +0000

Para não perder o costume, mas um passatempo bem diferente do que venho postando por aqui.

Crazy Darts é um jogo simples, onde você precisa fazer o máximo possível de pontos jogando dardos com uma mira bem agitada, antes, claro, que acabe o tempo. Pude perceber que a diversão só aumenta quando jogado com mais gente, mas, mesmo sozinho, é bacana para se distrair.

Boa pontaria.

Planeta dos Macacos: A Origem

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Wed, 05 Oct 2011 00:52:00 +0000

O futuro chegou. E a tecnologia está a cada vez mais presente no cinema. Principalmente quando a empresa Weta Digital de Peter Jackson (O Senhor dos Anéis) está envolvida no projeto. Nada melhor do que a atualizar a clássica série Planeta dos Macacos (aproveitando os tempos de remakes, reboots, continuações) chegou a hora de contar sua origem.

Dirigido por Rupert Wyatt e escrito pela dupla Rick Jaffa e Amanda Silver, Planeta dos Macacos: A Origem confirma o aperfeiçoamento de ilusão, dispondo de efeitos especiais mais convincentes, nos fazendo pensar no futuro.

O papel do ator ainda é o diferencial para que nada fique tão artificial, mesmo tendo a desconfiança do público, os personagens gráficos estão cada vez mais humanos. Interessante que neste caso, os humanos não fazem nenhuma falta. O símio Cesar (Andy Serkis) consegue seu lugar merecido até no filme.

James Franco interpreta um cientista que procura a cura para o Mal de Alzheimer de seu pai (John Lithgow). Todo o drama vivido por seu personagem é tratado de uma forma bem rasa, pois o principal foco é o desenvolvimento psicológico do macaco Cesar, um símio sobrevivente da ganância humana que acaba sendo adotado pelo cientista, depois de mostrar uma grande capacidade de inteligência.

Para se ter uma ideia de como a trama dos humanos é totalmente não digna de sua atenção, o relacionamento de Franco com a personagem de Freida Pinto é tão desinteressante e forçada, como o passar dos anos em que ninguém muda. Pense em você 8 anos atrás e veja agora. Mudou bastante certo? Mas para eles parecem que só foram alguns minutos, os minutos da edição. Nem tudo é trágico, tiro meu chapéu ao ator Lithgow (o inesquecível Trinity da série Dexter) que é o ponto forte do melodrama inserido no filme, salvando a primeira parte.

Já que o segundo e o terceiro atos, são dedicados ao protagonista Cesar. Através de um belíssimo trabalho do ator Andy Serkis (Gollum, King Kong) que se entrega de corpo ao comportamento do animal, além de adicionar uma emoção humana, conquista o público e ganha o respeito de todos.

O cuidado do roteiro dedicado a ele merece aplausos, deste as cenas que remetem a uma prisão com direito a jato de água, choques, comida precária, intimidação de outros presos, solitária, aonde se desenvolve sua personalidade de líder, resultando na impactante cena que divide os dois atos. Juro que não contive a lágrima. Depois Cesar faz valer o nome do Imperador Romano e lidera os símios a uma batalha contra os humanos usando o que tem de melhor em táticas militares. Uma ação frenética que só aumenta o destaque de seu personagem mudando até sua postura diante ao seu inimigo.

Enfim, Planeta dos Macacos: A Origem é uma visão atual da antiga série, não decepcionando em seus pontos mais importantes, criando uma reflexão através do ponto de vista de uma minoria que luta pelos seus direitos. Um conceito decorrente no cinema, mas sempre serve para repensarmos nossos limites com o próximo. Pois nunca é tarde lembrar que viemos da mesma origem.

Trailer:

Rise of the Planet of the Apes
EUA , 2011 - 105 min.
Ficção científica

Direção:
Rupert Wyatt

Roteiro:
Rick Jaffa, Amanda Silver

Elenco:
Andy Serkis, James Franco, Freida Pinto, Brian Cox, Tom Felton, David Oyelowo, Tyler Labine, Jamie Harris, David Hewlett, Ty Olsson

Melancolia – Lars e o seu Apocalipse depressivo

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 25 Sep 2011 20:19:00 +0000

Melancolia é o estado da pessoa quando se depara com uma vida vazia, sem encontrar entusiasmo de sair desta situação. Uma depressão que transforma o seu mundo em pó. Então, o diretor Lars Von Trier, decidiu abraçar essa metáfora e, através de um filme, transmitir esse sofrimento.

De costume, Melancolia é dividido em dois capítulos, mostrando a história de duas irmãs com suas próprias angústias, porém com formas diferentes de aceitar o fim.

O plano de fundo é a aproximação do planeta Melancolia em direção a Terra, podendo significar a destruição. E sem pestanejar, Trier mata 6 bilhões de humanos logo na sua belíssima introdução, lembrando o recomendável Anticristo, numa visão pessimista da humanidade, mas sem esquecer de valorizar o amor que temos pelos entes queridos.

Justine:

A primeira parte é a história de Justine (Kirsten Dunst), uma personagem que, se tivermos um olhar bem artificial, vemos uma noiva feliz, uma mulher realizada em seu emprego, amada por sua família e, ao seu lado, um homem apaixonado. Mas aos poucos, percebemos que o sorriso de Justine é falso, as pessoas ao seu redor são egoístas, seu maravilhoso cenário é descontruído aos poucos, até a revelação que Justine sofre por sua vida ser uma mentira. Uma análise social de Trier.

Claire:

Claire (Charlotte Gainsbourg) sofre pelo estado de sua irmã, principalmente na possibilidade de colisão do planeta Melancolia com a Terra que, conforme as palavras do marido John (Kiefer Sutherland), acredita passar direto. Tendo uma segunda parte mais focada nos personagens, Trier expõe sua visão da humanidade, através de seus medos, dúvidas e sofrimentos. Sendo a protagonista Justine seu alter ego, quando afirma não acreditar na bondade humana e que merecemos sempre o pior. Mesmo com tanto pessimismo, sobra espaço para a compaixão vista no ato final.

Melancolia, ao contrário de Árvore da Vida, não se mostra tão otimista em relação aos humanos em vários aspectos, mas é uma ótima reflexão sobre a nossa fragilidade diante um problema inevitável. Já que a dor não é exterior, mas interior.

Trailer:

Melancholia
Dinamarca / Suécia / França / Alemanha , 2011 – 136 min
Drama / Ficção científica

Direção:
Lars Von Trier

Roteiro:
Lars Von Trier

Elenco:
Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Alexander Skarsgaard, John Hurt, Stellan Skarsgaard, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling

Piso Jogos (30) – RiffMaster 2

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sat, 24 Sep 2011 23:08:00 +0000

Em homenagem a semana do Rock In Rio (evento no Brasil que terá algumas bandas de rock para fazer jus ao nome, pois o resto é para rir) um jogo ao melhor estilho Guitar Hero.

Usando as setas A, S, D, J, K, e L, você será desafiado a repetir as notas e conseguir o máximo de pontos para desbloquear a próxima música no RiffMaster.

Boa música a todos.

Obs: Não se preocupe, o jogo demora um pouco para carregar, mas depois é só diversão.

Age Of The Joker – Edguy

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Wed, 14 Sep 2011 01:33:00 +0000

Age Of The Joker é brilhante do começo ao fim. A banda alemã não se prende ao seu passado e entrega um álbum contagiante, tendo em seu conteúdo verdadeiros hinos do rock. Este quinteto não decepciona e nem precisa emplacar hits na Billboard para ser considerada uma das melhores bandas do cenário atual. Edguy só aprendeu com a idade.

Liderados pelo vocalista Tobias Sammet (responsável pelo projeto Avantasia), a banda lança seu décimo álbum de estúdio (contando a regravação de The Savage Poetry). Em poucas palavras, mostram que são fodas. Equilibrando entre o hard rock adotado em Tinnitus Sanctus com as diversas influências da carreira como o power metal, faz de Age Of The Joker excepcional de pura diversão.

O primeiro single, “Robin Hood”, nos remete a Era Medieval, junto com a épica “Rock of Cashel”, revelando a estrutura adotada pelos músicos no recente trabalho. Não aguarde encontrar o mais do mesmo, enquanto algumas músicas estão carregadas de riffs rápidos e pesados, outras veem cadenciados e melódicos. Os refrãos marcantes dominam e solos vão se superando a cada faixa. Para os fãs das antigas tem as excelentes e furiosas “Breathe” e “The Arcane Guild”. Sendo que a primeira é uma de minhas favoritas.

O interessante de Edguy que, depois de construir uma carreira sólida, não se baseia suas composições conforme os fãs acham ser o melhor. “Pandora's Box” é um metal recheado de blues/country, resgatando os primórdios do rock. “Faces in the Darkness” é uma power ballad de respeito, comparada a grandes clássicos dos anos 90. Sem deixar a empolgação cair, as “Two Out of Seven” (com direito a um final provocador) e “Nobody's Hero” prometem levantar qualquer público. Sinceramente, qualquer uma tem potencial em crescer ao vivo. Esta turnê promete.

Encerrando o álbum ainda temos a bela “Fire On The Downline”, “Behind the Gates to Midnight World” que só comprova o entrosamento da banda e o talento de Tobias como cantor, abusando de agudos, mas sem parecer exagerado. Enfim, a balada “Every Night Without You” fechando com maestria o álbum. Parabéns aos alemãs Tobias Sammet (Vocais), Jens Ludwig (Guitarra solo), Dirk Sauer (Guitarra rítmica), Tobias Exxel (Baixo) e Felix Bohnke (Bateria) por não se acomodarem e fazer da música não uma obrigação, mas uma paixão.

Tracklist:

1. Robin Hood
2. Nobody's Hero
3. Rock of Cashel
4. Pandora's Box
5. Breathe
6. Two Out of Seven
7. Faces in the Darkness
8. The Arcane Guild
9. Fire on the Downline
10. Behind the Gates to Midnight World
11. Every Night Without You

Mercado Velho (9) – Clássicos do PsOne

noreply@blogger.com (Guilherme Augusto) — Sun, 11 Sep 2011 03:15:00 +0000

Escrita a lista dos meus jogos preferidos do PS2, chegou a vez de relembrar alguns clássicos que marcaram a minha geração do pioneiro console a disco. Numa escolha nada difícil, pois sempre tive meus protegidos que passava tardes jogando, foram selecionados cinco jogos para representar esta época. O PsOne chegou e mostrou uma nova maneira de se jogar videogames e, junto, trouxe games que mudaram a história do entretenimento.

5. Winning Eleven

No “big bang” era conhecido por International Superstar Soccer. Atingiu seu auge com a série Winning Eleven e, na sua 11ª edição, mudou o nome para Pro Evolution Soccer. Mesmo com tantas mudanças, ganhava de seu concorrente de goleada como o melhor jogo de futebol. Por isso, guardo aqui, um espaço para lembrar que a Konami já reinou absoluta neste esporte.

4. Resident Evil 3: Nemesis

Depois deste clássico, a Capcom nunca conseguiu superar, na minha opinião, Resident Evil 3. Atraindo novos jogadores por transformar a série no gênero de ação, acabou perdendo seu maior potencial: o medo do inesperado. O som era mais importante do que o visual. Lembro como se fosse hoje, o pavor que tinha ao abrir uma porta e ouvir apenas o barulho sem saber o que esperar do outro lado. Sem falar quando Nemesis (o vilão principal) surgia de repente, o coração saltava da boca. Isso sim era survival horror de respeito.

3. Alone In The Dark: The New Nightmare

É uma honra ter jogado o precursor dos jogos de horror. Alone In The Dark: The New Nightmare é um marco em história e design. Além de ser um game desafiador tanto por seus enigmas, tanto por seu clima sombrio (nunca tive coragem de jogar no escuro), testa o gamer em vários aspectos emocionais e psicológicos, influenciando jogos sucessores. Podendo escolher entre dois personagens, Edward Carnby e Aline Cedrac, somos apresentados a duas histórias igualmente cativantes e perigosas. Um dos melhores jogos da geração.

2. Driver 2: The Wheelman Is Back

Esqueça GTA! Quem reinou no PsOne foi Driver 2: The Wheelman Is Black. Usando todo o potencial do console, impressiona pelos belíssimos gráficos, a trilha sonora matadora recheada de blues, uma trama policial bem estruturada, além de cenários empolgantes como Chicago, Havana, Las Vegas e Rio de Janeiro. Dividido em dois discos, vencedor de vários prêmios, Driver 2 faz seu tempo passar correndo.

1. Metal Gear Solid

Uma série que marcou em todas as gerações do PlayStation. Mas o primeiro jogo (da plataforma PS) é impecável nos detalhes. Já com a possibilidade de final alternativo dependendo de uma determinada ação, Metal Gear Solid entrega histórias recheada de reviravoltas, conspirações mundiais, inteligência artificial inovadora, vilões épicos (a mudança de controle era essencial para vencer um deles) e muita ação acompanhada com o melhor da espionagem. Está entre os melhores jogos de todos os tempos.

Agora fique com alguns vídeos que fiz relacionados com o assunto:

Metal Gear Solid 4: Guns Of The Patriots ao som de Brokenpromiseland;

God Of War 3 ao som de Wake Up Dreaming Black;

Jogos do PS2 ao som de Kickstart My Heart;

Jogos do PS3 ao som de Before I Forget;

E você lembrou de algum e quer compartilhar com a gente? Escreva nos comentários os seus preferidos e, não precisa se preocupar, ainda teremos uma homenagem a Nintendo.