Por: Myrel Izaguirre | @fantasiasmyrel

The Substance (Fargeat, 2024) es una película que genera incomodidad, algo de asco y, en general, emociones bastante difíciles de ocultar. Esta respuesta es la que se espera al hacer un largometraje perteneciente al body-horror (horror corporal), un subgénero del cine de terror, donde ocasionalmente, el espectador no puede evitar responder con reacciones viscerales ante las imágenes presentadas. 

El horror de tener un cuerpo

¿Qué es lo que provoca semejantes emociones en el público? Este tipo de cine se concentra en la deformación, mutación o degeneración del cuerpo humano mediante elementos grotescos. Para ejemplificar con películas más conocidas, bajo la etiqueta del body-horror se encuentran Tusk (Smith, 2014) y The Fly (Cronenberg, 1986). Lo que distingue a estas narrativas audiovisuales, y las hace tan perturbadoras, es precisamente el factor común de presentar una transgresión del cuerpo humano hacia lo monstruoso por medio de una transformación. Otros famosos ejemplos se encuentran en la literatura, como lo son la criatura de Frankenstein de Mary Shelley y Gregorio Samsa en La Metamorfósis de Franz Kafka.

El término de body-horror apareció por primera vez en “Horrality: The Textuality of the Contemporary Horror Film”, un ensayo escrito por Philip Brophy en 1983 donde se analizan películas como Alien (Scott, 1979) o The Thing (Carpenter, 1982). Brophy explora el cuerpo humano como la fuente del horror; cuestión que trae atención a la fragilidad de una persona ante factores que no puede controlar. En el body-horror, el espectador mismo se convierte en el origen del terror al ser consciente de su estado de vulnerabilidad. Lucy Taylor lo cataloga como “a subgenre that’s up close and personal, arguably the most viscerally disturbing type of horror”. Uno de los mayores exponentes de este subgénero es David Cronenberg, quien a lo largo de una carrera de casi 40 años ha dejado ejemplares como Crash (1996) y Crimes of The Future (2022). Para él, cualquier alteración en el cuerpo, como lo es una operación de vesícula o una cirugía estética, cabe dentro del body-horror –para él body-beautiful–, porque ocurre un cambio permanente en la realidad del individuo.

El body-horror y la cotidianeidad

Este tipo de historias generan impacto porque se transforman en algo real, pues suelen partir de una premisa ciertamente posible. Si bien suelen presentarse de manera totalmente descabellada, queda la sensación de incomodidad ante aspectos familiares. La inquietud, como concepto, ha sido aprovechada por múltiples narradores para contar el lado aterrador de sucesos cotidianos, particularmente aquellos que se centran en el género femenino, en tanto subalterno. La exploración de la figura del “otro” en el cine de terror no es algo desconocido, algunos ejemplos incluyen Get out (Peele, 2017) o Us (Peele, 2019), y en los últimos años, también se ha utilizado para denunciar las dificultades que implica habitar un cuerpo femenino. Melanie Rapoport explica que “la incomodidad evocada por el body-horror sirve para desmitificar y normalizar discusiones sobre los cuerpos de las mujeres y sus funciones naturales, previamente consideradas grotescas”.

Con el concepto del body-horror esclarecido, pensemos en cómo esto se relaciona con las historias de mujeres en el cine contemporáneo. El ejemplo más reciente de esta idea es The Substance (Fargeat, 2024), película que trata el ageism o edadismo bajo el que se ven afectadas muchas mujeres, por lo que el espectador es consciente de la preocupación del paso del tiempo, asociado con el fin de la belleza y, por ende, el fin de la utilidad, prácticamente declarándolo como una sentencia. Lo que resuena más con la historia es que la protagonista, Elisabeth, a pesar de ser considerada una mujer hegemónicamente bella, se siente insuficiente. Decide someterse a un experimento en el que tendrá que convivir con Sue, una “mejor” versión de sí misma, más joven, más fuerte. A partir de este momento, se ve obligada a vivir una nueva realidad en la que debe mantener un balance entre su nuevo cuerpo y el viejo. Al avanzar la trama, se vuelve cada vez más difícil volver a la versión original y, de esta manera, se deja en claro la cuestión de que, si tuviéramos la posibilidad de elegir, muchos escogerían mantenerse dentro del cuerpo joven. Esto se puede deber a que la juventud es territorio ya transitado, familiar incluso, mientras que, al envejecer, se producen cambios que no se pueden controlar.

Fargeat logra capturar la sensación que produce en miles de mujeres el momento en el que emerge la primera cana o la primera arruga: el horror ante el paso del tiempo y la incomodidad que esta realidad genera. Por esto, ante la elección de seguir siendo Sue, o regresar al cuerpo de Elisabeth, la protagonista se aferra a la juventud lo más que puede, hasta que esta decisión termina por matarla. Es importante recordar el aspecto del body-horror en este filme, pues durante la última media hora el cuerpo de Elisabeth se convierte en un híbrido entre ella y Sue, dejando una figura deforme, decrépita y monstruosa. El experimento se ha salido de control y solo ha quedado una suerte de criatura de Frankenstein moderna: el Monstro Elisasue.

Sobre The Substance, hay algunas interpretaciones que equiparan la sustancia experimental con el aumento del uso del Ozempic (medicamento utilizado por varias celebridades para perder peso a una rápida velocidad). El caso de Elisabeth resulta cercano con el de actrices que formaban parte del movimiento de body positivity pero que, al tener la oportunidad, también usaron el medicamento. La película de Fargeat es una exageración llevada a lo carnavalesco, pues es solo a partir de lo exacerbado que el mensaje puede resonar con el espectador. También, es importante que estas películas lleguen al mainstream, para que así puedan generar conversaciones necesarias sobre la presión ejercida a los cuerpos de las mujeres.

Otro ejemplo de este subgénero es Swallow (Mirabella-Davis, 2019), la cual nos muestra cómo Hunter, su protagonista, comienza a ingerir objetos punzocortantes como una tachuela o una estatuilla de metal de un día para otro. Hunter es una mujer recién casada que entra dentro del arquetipo de ángel del hogar; su esposo y sus suegros esperan que se quede en casa cumpliendo el papel de una trad-wife y esto se exacerba en cuanto se enteran que está embarazada. El único escape que logra tener Hunter es controlar qué deposita en su cuerpo, pues de esta manera logra recuperar un poco de su autonomía. Durante una cita con el ginecólogo, aparece uno de los objetos ingeridos en la ecografía, por lo que es operada de emergencia y, en una escena estremecedora, de su cuerpo son extraídos los objetos metálicos que había consumido.

Cuando se descubre su hábito, es vigilada constantemente y, básicamente, es puesta en cautiverio hasta que pueda parir y así dejar al bebé en manos de su esposo. A pesar de tomar lugar en el espacio íntimo del hogar, las escenas son incómodas y frías, el espectador se siente igual de aislado que la protagonista. Sin embargo, esta historia produce ecos de Casa de Muñecas de Ibsen en el que Nora, la esposa perfecta, sale por la puerta, pues Hunter también logra salir de su propia casa de muñecas en la que se encontraba atrapada y, en un final poético, ingiere una pastilla abortiva, induciendo así la liberación total de su matrimonio controlador.

Tampoco es accidente que Titane (Ducournau, 2021), resuene con Crash de Cronenberg. El elemento de la mezcla genética entre auto y humano, producto de un encuentro sexual, asusta al espectador durante la película porque se desconoce cómo será el producto de esa unión. En adición, el embarazo que pasa la protagonista, Alexia, es monstruoso de ver. Durante su proceso de gestación, ella secreta aceite de motor por su vagina e, inclusive, su estómago comienza a tornarse metálico. El largometraje francés muestra una metáfora de lo difícil, desconocido y traumático que es en ocasiones el embarazo en los cuerpos de las mujeres, pues este implica una transformación completa del cuerpo de la madre, en ocasiones incluso monstruosa. La anatomía del “contenedor” se altera para albergar un huésped temporal, situación que Titane demuestra de una manera exagerada, donde el cuerpo se aleja tanto de la realidad que crea una especie de fragmentación entre la madre y su propio organismo. De cierta manera, esto resuena con la propia separación que ocurre en The Substance entre Elisabeth y Sue. Ellas debían recordar que eran una misma, pero ocurre una ruptura tal que comienza a alterar la percepción de la realidad de ambas. 

En The Substance, Titane y Swallow, las mujeres centrales se ven forzadas a habitar una nueva realidad, y el elemento antinatural, el unheimlich, solo sirve para amplificar los horrores cotidianos que las mujeres enfrentan diariamente. El body-horror es un género profundamente personal, pues nos orilla a dirigir la mirada hacia nuestro interior. No nos invita, sino que prácticamente nos obliga a reflexionar sobre nuestra realidad y a cuestionar si hay algo mal con nosotros mismos y por qué.

El cine puede ser un reflejo de la realidad, y es dentro de estas representaciones audiovisuales que nos encontramos a nosotros mismos, permitiéndonos así reflexionar sobre otras maneras de pensarnos y habitarnos. 

Fuentes

• “The H Word: Body Horror—What’s Really Under Your Skin?” de Lucy Taylor: https://www.nightmare-magazine.com/nonfiction/the-h-word-body-horror-whats-really-under-your-skin/
• “La Mosca (1986): la ciencia y el body horror en el cine de David Cronenberg” de Xavi Brito Alvarado y Ana Sedeño-Valdellos: https://revistas.uma.es/index.php/trasvases/article/view/19785/20589
• “How Body Horror Movies Helped Me Process Gender Dysphoria” de Nadine Smith https://www.them.us/story/body-horror-gender-dysphoria-essay
• “Frankenstein’s Daughters: on the Rising Trend of Women’s Body Horror in Contemporary Fiction” de Melanie Rapoport
• Body gothic: corporeal transgression in contemporary literature and horror film de Xavier Aldana Reyes
• Body Genre: Anatomy of the Horror Film – David Scott Diffrient

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Tengo casi 25 años y hace apenas 2 que culminé mis estudios universitarios, la educación (más) superior que he alcanzado de momento. Entre los múltiples cambios que mi vida dio desde aquel caluroso día de julio 2022, se encuentra el hecho de que ya no convivo diariamente con profesoras, compañeras y amigas con quienes el diálogo feminista parecía interminable. 

No es que hayamos dejado de considerarnos y/o autoproclamarnos feministas, sino que simplemente para algunas de nosotras esto era una práctica ligada a nuestra educación privada. Sin embargo, cada 8 de marzo es distinto y cada uno se ve diferente.

Tal vez este año no sales a marchar. O tal vez este año asistes a la marcha y acompañas a tus hermanas en la toma de calles como prensa, en la orilla, documentando todo. Ya sea desde el hogar, la vida académica/creativa o la calle, el 8M es un momento necesario y digno de reflexión. Si no sabes exactamente cómo o por dónde empezar (o solo te sientes un poco perdida en la marea de contenido actual), la mesa editorial de Postdata te comparte a continuación algunas recomendaciones literarias, audiovisuales y prácticas.

Qué ver

Women Reply: Our Body Our Sex (1975).
Cortometraje de Agnès Varda disponible en Mubi.

Estrenado en 1975, el cortometraje de la directora francesa continúa siendo relevante y vigente.  Con tan solo 8 minutos de duración, Women Reply denuncia creencias machistas sobre el cuerpo femenino, la maternidad y los deseos de las mujeres.

Con mujeres de todas edades, Varda realiza un homenaje a las mujeres libres, con afirmaciones como las siguientes: “Placer, no perversión”, “Sexualidad, no sex shop”, “Amor, no chantaje”. 

El Secreto de Romelia (1988).
Largometraje de Busi Cortés disponible en Filmin Latino

Basada en El Viudo Román de Rosario Castellanos, la película de Busi Cortés nos muestra a Dolores, madre de 3 hijas que viaja a Tlaxcala junto con las mismas y en compañía de su madre Doña Romelia, pues está por recibir la herencia que le dejó su padre. Por medio de una antigua correspondencia y papeles familiares, la audiencia descubre junto a Dolores el misterio de su origen. Su madre, a su vez, recuerda la historia de amor que marcó su infancia y juventud. 

The Punk Singer (2013).
Documental de Sini Anderson disponible en https://fmoviesz.to/

Con entrevistas a la mujer central del documental e imágenes inéditas, The Punk Singer nos presenta la vida y carrera de Kathleen Hanna, vocalista de Bikini Kill y Le Tigre, quien además fue un elemento central en el movimiento feminista y musical riot grrrl. Desde su participación en la poesía escénica hasta su proceso creativo y su vida con la enfermedad de Lyme, Anderson nos presenta un perfil total y definitivo de la icónica Rebel Girl. 

Poor Things (2024).
Largometraje más reciente de Yorgos Lanthimos.

El personaje Bella Baxter dio mucho de qué hablar en la temporada de premios 2024. La película de Lanthimos, adaptación de la novela de Alasdair Gray, nos muestra a una mujer que por medio de un trasplante, vive sus días con el cerebro de un feto, convirtiéndola así en una bebé en el cuerpo de una mujer adulta.

El debate que genera Poor Things nos recuerda el peligro que resulta la polarización de pensamientos. Bella Baxter descubre el mundo y la vida con un asombro infantil que presenta a la audiencia la importancia de ver las cosas desde otra perspectiva. Baxter descubre su propia sexualidad lejos de los prejuicios y usuales tabúes, convirtiéndola así en una mujer curiosa y libre. La historia también pone sobre la mesa el tema del trabajo sexual y el egoísmo humano.

Qué leer

Hood Feminism de Mikki Kendall (2020)

Algunos de los puntos ciegos del movimiento feminista actual son la inseguridad alimentaria, salario justo para todas las mujeres y vecindarios dignos. Esto, de acuerdo con la autora Mikki Kendall, quien, en su libro, denuncia el peligro que resulta un feminismo blanco y hegemónico. Hood Feminism también explica la discrepancia contemporánea de cómo un feminismo banal resulta en la repetición de patrones y opresiones hacia otras mujeres. 

Mujer que sabe latín… de Rosario Castellanos (1973)

A 51 años de su publicación, Mujer que sabe latín… permanece como un texto relevante lleno de ingenio, ironía y enseñanzas. Castellanos ofrece un recuento de distintas escritoras que demuestran el rol de la mujer en la literatura y cuestiona las creencias del rol de la mujer, su lugar en el mundo y aquello que se define como belleza.

Con su texto, Rosario también denuncia la estrechez de los lugares donde la mujer “pertenece”, pues en la época de publicación del libro (y en ocasiones aún hoy en día), el valor de la mujer permanece únicamente en su rol de progenitora y perpetuación de la especie, sin tomarla en cuenta como un ser independiente. 

Como especie de biblioteca personal, Mujer que sabe latín… pone como ejemplo a Virginia Woolf, Simone Weil, Silvina Ocampo, Doris Lessing, entre otras para visibilizar la vocación creativa y literaria de las mujeres, más allá de los mandatos patriarcales de la época.

El Acontecimiento de Annie Ernaux (2000)

El año es 1963 – Annie, narradora y protagonista de este texto, es una estudiante de filología que queda embarazada. Con la ciudad de Ruán como escena donde todo se desarrolla, lxs lectorxs serán el único acompañamiento de  Annie en su vivencia de aborto bajo una sociedad francesa que aún lo penaliza con multa, prisión y rechazo de toda índole. 

Qué hacer

Si bien la toma de calles cada 8 de marzo es un suceso importante y crucial en el movimiento feminista, la lucha de las mujeres también se desarrolla en otros espacios. Si este año salir a marchar no es una opción para ti, o simplemente no te encuentras con el espacio mental para hacerlo, recuerda que hay distintas maneras de conmemorar este día:

• Mantente informada. Ya sea con lecturas feministas, un club de lectura, o estando al día con lo que sucede en diferentes esferas y cómo esto afecta a las mujeres.
  
• Entabla un diálogo con alguna amiga. El rebotar ideas es un ejercicio enriquecedor.
  
• Acércate a alguna mujer que admires y expresa tu sentir. El compartir tu admiración con ella puede resultar en un diálogo amistoso y necesario.
  
• Recuerda que la lucha feminista pertenece y se desarrolla en todos lados – desde  escuelas, oficinas, hogares, y calles. 

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Por: Myrel Izaguirre | @fantasiasmyrel

Si bien Barrio Antiguo es un lugar emblemático de Monterrey, escoger un tema o parte de la cual hablar es difícil. Podría enfocarme en el mercado de los domingos, o en los espacios culturales como MARCO y el Museo de Culturas Populares, o los cafés y librerías. Pero en un intento de no sonar como una promotora turística, en las siguientes líneas quisiera hablar de una noche que pasé en Barrio Antiguo, donde fui a varios lugares del centro de la ciudad y con el hecho de que ahí me encontré una convivencia con personas de distintos orígenes que convergían en un mismo lugar, aunque fuera por solo unas horas.

Calle Morelos. Barrio Antiguo. 10 p.m. 

Camino sobre la calle Dr. Coss hasta donde cruza con la calle Morelos. Veo el tráfico de la gente que está llegando en carro y a pie con la intención de pasar su noche en las calles de Barrio. Las personas me pasan de largo mientras espero a mis amistades, esta noche decidimos ir a Meteoro. Me llega un mensaje, son mis amigas, llegarán tarde. Reflexiono un poco sobre los antros que están ahora en Barrio Antiguo, recuerdo que antes nuestros padres no querían dejarnos ir porque hubo una época por ahí del 2010 que era muy inseguro. Pero afortunadamente, todo cambia.

A mi derecha volteo y veo Casa Morelos, veo gente joven, en tacones, vestidos y camisas enseñando sus identificaciones a los cadeneros, esperando entrar. Cuando tenía 18 años, iba a los antros de Centrito Valle, en San Pedro. Yo también usaba tacones y vestidos con la esperanza de que me dejaran entrar a uno de los antros. Frecuentemente estaba este aire de discriminación, había cierta incertidumbre tangible y miedo en no saber si nos dejarían entrar esa noche o no, por nuestro atuendo, aspecto o comportamiento. En Barrio Antiguo nunca he sentido ese temor, nunca he sentido que me traten distinto por mi color de piel o mi manera de vestir. 

Pienso que en Monterrey hay dos lugares donde la vida nocturna reúne a los jóvenes de todos los contextos sociales: Barrio Antiguo y Centrito Valle. Lo que, para mí, diferencia estos lugares es la energía que se siente en su atmósfera. Es difícil de explicar; cuando vas a San Pedro sientes una presión por encajar, inclusive diría que la prioridad es destacar. 

A diferencia de esos antros en los que forzosamente te venden botellas y botellas a miles de pesos, en el centro de la ciudad puedes disfrutar de una caguama con tus amigxs, viéndose bailar en el espejo de Meteoro Disco o escuchando bandas en vivo en el Café Iguana. 

Después de un rato, llegan mis amigas. Estamos caminando hacia Diego de Montemayor y damos vuelta a la izquierda y luego a la derecha en Padre Mier:  nuestra primera parada será Patio Barrio. Subimos a la terraza y pedimos de tomar unos litros de palomas y cubas. El D.J. invitado es muy bueno, pone perreo del viejo desde temprano y nos la pasamos a gusto; hay luces rojas y estamos bailando junto a desconocidxs en una bolita. Hay un chico bailando con una guitarra acústica en su espalda y me río para mis adentros porque siempre hay alguien así en las fiestas, y es que este lugar se siente así, como si fuera a una fiesta en una casa. A pesar de lo cómodas que estamos decidimos ir a otro lugar, bajamos las escaleras y salimos para dirigirnos a Café Iguana. 

Cuando era niña, escuchaba a mis primos mayores hablar sobre este lugar, “el iguanas”. Les gustaba ir a ver bandas de rock y tomar con sus amigxs. Esto fue por ahí del 2011, cuando Monterrey era víctima de una ráfaga de violencia que invadió todo el país. Recuerdo que mis primos, en su plena juventud, dejaron de salir por las noches. Para los regiomontanos, –al menos los que me rodeaban– el Barrio Antiguo era sinónimo de inseguridad.

Café Iguana fue uno de los lugares más afectados, sé que cerró sus puertas por un tiempo. Sin embargo aquí estoy, entrando por un pasillo poco iluminado mientras revisan mi bolsa, así como mis primos hace más de una década. Pienso en toda la gente que dejó de venir a estos lugares por miedo, pienso en la gente que no tiene ni idea de lo que estoy hablando. Parece ser que la memoria colectiva se ha ido borrando o, al menos, no le pertenece a las generaciones más nuevas. 

Diego de Montemayor. Barrio Antiguo. 11 p.m. 

Ya dentro de Café Iguana, subimos a la terraza para poder platicar y decidir si nos quedamos o nos vamos a otro lado. Abajo está tocando una banda de heavy metal y hay bastante gente rodeando el escenario central. Mientras subo las escaleras veo sus caras llenas de euforia mientras disfrutan del concierto, hay personas jóvenes y mayores, vestidas de negro o de colores llamativos, algunas grabando y otras solo escuchando. Cada quien está en su pequeño mundo, pero a su vez está reunido ahí gozando la música.

Arriba me encuentro a un amigo, me dice que conoce a los que están tocando y que vino a verlos. Trae una caguama en la mano y unx de sus acompañantes trae una cámara profesional, para tomar fotos de la banda. Les digo que probablemente nos vayamos porque mis amigas y yo queremos bailar, lxs invitamos pero prefieren quedarse. 

Diego de Montemayor. Barrio Antiguo. 11:15 p.m. 

Salimos y ahora nos dirigimos hacia nuestra última parada de la noche. Sobre la misma calle, está Meteoro. Hacemos fila durante unos 15 minutos, después de pagar el cover y que nos pongan una carita feliz en los brazos, entramos. Anteriormente, este lugar se llamaba Astro, durante la pandemia cambió de nombre, y el Astro original se reubicó en Obispado. Ms. Nina suena en las bocinas, inmediatamente voy a comprarme una caguama y mis amigas van por shots de 15 pesos. Ahí también me encuentro gente, son amigas de la universidad, otra amiga se encuentra a una compañera de trabajo. “¡Nos vemos en la oficina!” escucho durante su intercambio. Hace bastante calor por lo que nos movemos cerca de un ventilador. Y es ahí, mientras bailo con mis amigas cerca de la mesa del D.J. que concluyo que no es coincidencia haberme encontrado a tanta gente ese día. ¿Cuánta gente no se topará cada fin en Barrio? Gente de la oficina, de la universidad, reencuentros de secundaria o preparatoria. También, ¿cuánta gente convive y disfruta de lo mismo, sin saber nada del otrx? No conocía más que a cinco personas esa noche en Meteoro, la persona a mi lado podría ser completamente ajena a mí en cuanto a características y espacios sociales, pero por esa noche, estábamos bailando lado a lado. 

Sin importar quién seas, ni de dónde vengas, en estos espacios todxs somos iguales, todxs tenemos que hacer fila, tenemos que pagar y tenemos que aguantar el mismo calor.

Calle Morelos. Barrio Antiguo. 2 a.m. 

Al final de la noche, los antros cierran y toca salir a la calle de nuevo. Caminando otra vez sobre Morelos, puedo ver una multitud de gente enfrente del Seven Eleven, en la calle Dr. Coss, esperando a sus Ubers, yendo por sus carros en los estacionamientos que colindan o disfrutando de un hot-dog para recobrar energías. En esos momentos, todxs buscamos regresar a casa.

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Hace un mes México se levantó con la noticia de que la canción “Ella Baila Sola” de Eslabón Armado y Peso Pluma ocupaba el primer lugar en el Top 50 Global en Spotify, después de la presentación del artista en el Festival de Música y Artes de Coachella. Recuerdo que ese día íbamos saliendo del departamento y le pedí a mi novio que la pusiera en el carro. Cuando escuché los instrumentos, vino la dulce melodía de la música de mi casa a mis oídos. A él le sorprendió que una canción regional mexicana estuviera en el Top 1 Global; a mí no. La diferencia de ambas reacciones muy polarizantes en México y el origen del éxito de Peso Pluma es lo que quiero analizar en las siguientes líneas. 

¿Por qué sorprende que esta canción sea Top Global? El mundo estaba escuchando una canción regional mexicana -un corrido- del norte de México que no tenía problema en cruzar la frontera musical. La sorpresa radica en que es la zona equivocada del Norte de México la que está colocándose en el top global. Las canciones de Peso Pluma, aunque del Norte, contienen mezclas del norteño-banda del noroeste de México, aunado al trap, el rap y el reguetón. “Ella Baila Sola” fue producida, además, por uno de los grupos emblemáticos del sierreño sinaloense: Eslabón Armado. Peso Pluma había colaborado con más grupos musicales que producían la música regional del noreste de México, uno de estos Natanael Cano, representante del corrido tumbado en el país y que tuvo de influencia -al igual que Peso Pluma- a Ariel Camacho, oriundo de Guamuchil, Sinaloa. No son pocas las colaboraciones que la doble P ha hecho con artistas del noroeste que se adscriben a los mismos movimientos artísticos: Raúl Vega, Gabito Ballesteros, Junior H, Codiciado de Tijuana, Jaziel Aviles y Luis R. Conriquez. 

La capital del corrido 

Mientras que la Ciudad de México, Monterrey y Guadalajara son sinónimos de éxito y de progreso mexicano, Culiacán se ve como una zona de barbarie, una waste land dominada por los grupos más violentos de delincuencia organizada en el país. No hay nada de Culiacán y mucho menos de la sierra sinaloense que la sociedad mexicana entienda y, aunque Peso Pluma es de Guadalajara, se adscribe a una tradición totalmente sinaloense que hace mención a las ciudades de este estado dentro de sus canciones. Cabe mencionar que la familia de Peso Pluma es de esta región. 

Nadie puede negar que la recepción del corrido ha cambiado y de las canciones generadas en esa zona de México han cambiado. Hace 10 años cuando llegué a Monterrey no me bajaban de “naca” por escuchar norteño-banda, sin embargo, no creo que esa fuera la palabra con la que querían definir mi gusto por el género. Lo que en realidad querían decir era que era una bárbara, salvaje, ignorante, bestial y bruta por escucharlos. La banda era el sinónimo de la anti-civilización. Estaba bien escuchar a Intocable, Pesado y quizás a los Tigres del Norte, pero ¿y si decías que te gustaba Valentín Elizalde y el Recodo en SPGG y relacionados? Suicidio social. Ahora ha permeado en las filas de la población más joven de Nuevo León. En mis salones de preparatoria no dejaban de escuchar a Peso Pluma, mucho antes de que tocara el Top 1 Global. 

La reacción mexicana al éxito de Peso Pluma evidenciaba el mismo discurso de la barbarie y la anticivilización de esa zona del país .A las clases altas no les gusta que los grupos populares se coloquen dentro del spotlight, como fue el caso del abucheo de Grupo Firme en la NFL en México. Comentarios como “Está haciendo apología de la violencia” “Son los culpables de la narcocultura en México” leía constantemente en Twitter o escuchaba de la gente en las reuniones sociales. La abyección de Sinaloa es brutal, pero algo en los últimos años ha cambiado en la percepción de esa región y es lo que ha generado esta avasalladora presencia en el imaginario cultural. 

Aquí siguen sus hijos 

Lo que cambió en estos últimos 10 años fue una colonización cultural de las narrativas del narcotráfico en México, generadas sustancialmente por la construcción narrativa promovida desde el Estado, al retomar el famoso discurso del war on drugs de Nixon durante el calderonato. La importancia que se le dió al Chapo Guzmán en sus capturas, la presencia de los cárteles en el discurso estatal y en los medios de comunicación llevaron a una mitificación del narcotráfico en México. El último golpe a esta mitificación fue el Culiacanazo, que sepultó a Culiacán como la capital de la barbarie pero también como un foco de atención internacional. A esto se le suma que los que cantan corridos ahora se ven como cualquier artista excéntrico que usa Louis Vuitton y Balenciaga y se ha abandonado la figura distante del narcotraficante con sombrero. 

En nuestro país el narcotráfico ya había calado en la cultura desde hace tiempo. La serie Narcos México llamó la atención global y consagró a artistas como Tenoch Huerta, que ahora ha colaborado con Disney en la producción de películas de Marvel. Dentro de la literatura me puedo cansar de mencionar textos que describen este fenómeno desde varias perspectivas, por citar algunos: Trabajos del reino de Yuri Herrera, Temporada de Huracanes de Fernanda Melchor o Perras de Reserva de Dahlia de la Cerda. Durante casi dos años me he cansado de ver la imagen de Emma Coronel en la portada del texto de Anabel Hernández en la sección de best sellers de las librerías comerciales de México que he visitado. 

Sí, las narrativas del narcotráfico ya estaban presentes en el imaginario cultural mexicano. Mucho antes estuvieron presentes en el imaginario americano con las películas de El Padrino de Francis Ford Coppola. ¿Por qué con El Padrino o las películas de Martin Scorsese no nos preguntamos sobre la apología de la violencia? ¿Por qué no decimos que tanto la canción de Peso Pluma como la película de Coppola son obras de arte? Principalmente por una cuestión de clasismo y la “vulgaridad” relacionada a la música sinaloense. Y también porque es mucho más fácil adjudicar la crisis de violencia que vivimos en el país a algo que es mucho más visible y no a las fallas estructurales del país en el que vivimos. 

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El largometraje más conocido del emblemático director Alfred Hitchcock, Psycho (1960), sentó diferentes bases en la industria cinematográfica y en la manera de filmar una película. Basada en la novela homónima del autor Robert Bloch, la historia nos presenta a Norman Bates, un tímido joven que se encarga de un motel. Como se revela al final de la cinta y como es bien sabido a este punto, la infancia tormentosa de Bates bajo la difícil compañía y exigencias de su madre resulta en el trastorno de su personalidad, donde el joven está convencido de que su madre sigue viva, siendo en realidad él mismo quien es autor de su muerte y quien la encarna para cometer crímenes. Así, Norman Bates (personificando a su madre) es responsable de distintos asesinatos que por mucho tiempo estuvieron sin resolver. De esta manera, Psycho (1960) es un primer vislumbramiento y ejemplo de cómo la maternidad ha sido retratada en el género de terror, además de los terribles efectos de una crianza abusiva, realizada a base de insultos, violencia y a regañadientes. A esta película, le seguirían otras que también retratarían la maternidad de una manera no convencional.

Rosemary’s Baby

Tan solo ocho años después de que Hitchcock conmocionara a las audiencias y llenara las salas de cine, la adaptación de la novela Rosemary’s Baby (1968) de la autora Ira Levin nuevamente puso sobre la mesa el tema de la maternidad y lo que es vivir un embarazo tormentoso, complicado y a base de engaños. El filme nos presenta a un matrimonio joven, convencionalmente atractivo, tradicional y aparentemente perfecto. 

Recién mudados a un pintoresco apartamento en Nueva York (e ignorando las advertencias de un amigo cercano, el cual les explica la reputación que tiene el edificio debido a antiguos residentes involucrados con la brujería y asesinatos) Guy y Rosemary conocen a sus vecinos de la tercera edad, Minnie y Roman. Al avanzar la trama, el espectador descubre que este matrimonio pertenece a una secta, además de que Guy accede a que Rosemary sea violentada y abusada sexualmente, resultando así en la concepción del hijo de Satanás y en el éxito profesional de Guy, actor previamente frustrado en búsqueda del estrellato. Si bien Rosemary anhelaba ser madre, su deseo de una maternidad sana y libre fue ignorado, debido a que los sueños de fama y éxito de su esposo fueron más importantes que la autonomía y salud de su esposa. Con tratos hostiles y violentos, el embarazo de Rosemary es difícil, pues ella es víctima de abusos y mentiras hasta el final de la historia, donde descubre lo sucedido después de dar a luz a quien pensaba que sería el hijo de Guy, pero es en realidad el de Satanás. De los 137 minutos que dura la cinta, no hay un solo momento donde Rosemary tenga control sobre su cuerpo y decisiones propias, siendo víctima de sus vecinos, su esposo e incluso de personal médico que decide no creer sus miedos y preocupaciones. 

mother!
Estrenada en 2017 y protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, mother! es otro ejemplo de las repercusiones de un vínculo egoísta, donde las ambiciones masculinas repercuten en la estabilidad de sus compañeras mujeres. Además, la película de Darren Aronofsky es una llena de alegorías que apuntan como temas centrales el abuso que la Madre Tierra experimenta a manos de sus habitantes y el rol de una mujer abnegada, quien funge el papel de cuidadora y responsable de su esposo. La historia comienza con un matrimonio aparentemente normal, donde Jennifer Lawrence es una atenta esposa, quien se responsabilizó de restaurar el hogar de su esposo, el personaje de Bardem, después de que dicho espacio se haya incendiado. Con detalles aún por terminar y mejorar, ambos viven en una espaciosa casa en medio del campo, donde distintos personajes comienzan a llegar y desestabilizar la vida de Lawrence. Los nuevos habitantes del hogar previamente compartido únicamente por el matrimonio comienzan a destruirlo con el paso de los días –representando los maltratos ocasionados al planeta Tierra por parte de los humanos–. Sin embargo, Bardem se niega a echarlos debido a que todos insisten ser admiradores de su trabajo como poeta, dándole más importancia a sus necesidades como creativo que a su esposa. Tras un tormentoso embarazo, la cinta concluye con la destrucción de la casa y del personaje de Lawrence, quien tras intentar salvar a su bebé (sin lograrlo) es víctima de golpes y violencia física. Así, el filme concluye con el reemplazo inmediato de la madre por otra idéntica, quien repetirá el papel de protectora y cuidadora de un esposo únicamente interesado en sí mismo.

Bed Rest

Estrenada en 2022, Bed Rest es la ópera prima de Lori Evans Taylor. El largometraje nos presenta a Julie y Daniel, una pareja próxima a convertirse en padres que acaba de mudarse a una espaciosa casa al noreste de Nueva York. Julie, protagonizada por Melissa Barrera, comienza a tener vívidas alucinaciones y a escuchar ruidos que parecen ser emitidos por bebés. Tras repetidas vivencias como estas y discusiones con Daniel, Julie se tropieza y, tras una breve estancia en el hospital, accede a un reposo en cama de ocho semanas, mismo tiempo restante de su embarazo. Confinada en su habitación, Julie comienza a ser visitada por Andrew, el bebe que perdió muchos años antes, pues este nació muerto. Si bien Bed Rest reutiliza recursos y convenciones sobre-usados en una historia de fantasmas, pone sobre la mesa lo complicado que puede ser un embarazo, sobre todo uno donde quienes te rodean insisten en ignorar tus miedos y preocupaciones, resultando en una falta de empatía sincera hacia la madre, quien sin un acompañamiento genuino, se ve orillada a vivir un embarazo tumultuoso. 

Clock

La ópera prima de Alexis Jacknow, Clock (2023), presenta la historia de Ella, una mujer adulta casada y decidida en no tener hijos. Tras la interminable insistencia de su padre y distintas amistades (representantes de la tangible presión social que experimentan las mujeres que no están interesadas en ser madres) Ella decide someterse a un procedimiento clínico con el objetivo de “activar” su reloj biológico y cambiar su perspectiva sobre la maternidad. Sin embargo, el tratamiento médico resulta en inesperados efectos secundarios, donde la salud mental de Ella se ve afectada, además de su bienestar físico. La maternidad reacia es un tema previamente explorado por Jacknow, pues en 2020 dirigió un cortometraje del mismo nombre (Clock) que cuenta la historia de una mujer de negocios que se encuentra en un sospechoso estacionamiento, perseguida mentalmente por el tic-tac de su reloj biológico. 

Huesera

La maternidad ideal es aquella que se desea, como bien pone sobre la mesa la ópera prima de Michelle Garza Cervera, Huesera. Interpretada por Natalia Solian, el filme nos presenta a Valeria, un personaje que muestra una introspección a la maternidad y al embarazo. Aún en la actualidad, en repetidas ocasiones se espera y asume que todas las mujeres, por el simple hecho de serlo, van a querer ser madres y formar lo que se conoce como una familia tradicional. Tal es el caso de la protagonista, quien deja de lado su identidad e intereses desde temprana edad para seguir al pie de la letra lo que su familia esperaba de ella. Así, su embarazo resulta en uno hostil y complicado, además de ser algo más ligado a un mandato que a un deseo añorado. En consecuencia, Valeria es perseguida y atormentada por el espíritu de la Huesera, quien la vigila y asusta constantemente, impidiéndole dormir y orillándola a tronar violenta y constantemente sus dedos, su cuello y otras partes de su cuerpo, de tal manera que los cambios y dolores físicos que implican crear una nueva vida son enfatizados. 

Evil Dead Rise

El clásico de terror de culto regresa con una nueva adición a la franquicia: Evil Dead Rise (2023), escrita y dirigida por Lee Cronin. Se cuenta la historia de Beth, una técnica de guitarras que, al enterarse de su embarazo, conmocionada y preocupada por su futuro, visita a su hermana Ellie, una tatuadora que tiene tres hijos. Al llegar, Beth se entera de que el esposo de Ellie les abandonó, convirtiéndola en única proveedora y madre soltera.

Como en todas las presentaciones de Evil Dead, ocurren posesiones demoníacas. En esta nueva entrega, primero toman a la matriarca de la familia, Ellie. Ella, poseída, se expresa cruelmente de sus hijos, manifiesta la carga que considera que son, sumándole que declara que Beth nunca será una buena madre, pues es la oveja negra de la familia y constantemente necesita que la rescaten de los problemas que ella misma ocasiona. 

Las presiones familiares y sociales son factores que amplifican la ansiedad de las mujeres que llevan una vida que rompe con los paradigmas establecidos por la sociedad. Para Ellie, Beth es una persona que piensa en sí misma antes que los demás. A pesar de este prejuicio, demostró poder ser capaz de cuidar a su sobrina Kassie, pues hace hasta lo imposible por salvarla de sus familiares que fueron poseídos por entidades demoníacas. 

En conclusión, personajes como los presentados en estas historias no solo enriquecen el género de terror y los thrillers psicológicos, sino que también muestran las partes crudas y difíciles que pueden conllevar el convertirse en mamá. En el contexto actual, la relevancia de estas narrativas permanece y es, sobre todo, latente. 

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Cuando tuve esta plática con Belén Olalde, la joven detrás de la cuenta de cine mexicano y producción llamada @Olalde.Mx en Instagram, la creativa regiomontana se encontraba a unas cuantas semanas de recibir su título universitario en Comunicación y Medios Digitales.

Entre graduaciones, fiestas decembrinas y vacaciones, la redacción de esta semblanza se fue posponiendo, hasta llegar al día de hoy. En ese, largo o corto –dependiendo a quien se le pregunte– periodo de tiempo, distintos planes se han llevado a cabo y producciones se han realizado, además de cambios y nuevos comienzos para la joven que es el tema central de este texto. Entre los más grandes se encuentran su mudanza a la Ciudad de México y su inicio académico en el Centro de Capacitación Cinematográfica (conocido como CCC)…pero primero, empecemos con el 2020.

Un confinamiento creativo

Con su usual mirada tranquila y reconfortante, Belén me platica al exterior de un café que lo que hoy se conoce como Olalde.Mx en Instagram tuvo sus inicios en plena pandemia, en aquellos momentos donde la tranquilidad que actualmente nos otorgan las vacunas aún no existía. Encerrada y con la cabeza a mil por hora, ella contaba con tres empleos de creación de contenido, ninguno muy de su agrado. Entre clases y pendientes laborales, Belén decidió comenzar con la producción de contenido propio y abandonar el ajeno.

“Yo ya tenía la espinita de hacer mi cuenta de cine… y le perdí el miedo a las redes sociales, a crear publicaciones, subir historias. Renuncié y me puse a trabajar en mis propios proyectos”. 

La inspiración de este proyecto surgió en parte por su contexto académico, pues Belén me explica que para sus clases había realizado varias producciones como fotografías en el metro de Monterrey y grabaciones en carretera, donde cada vez se acercaba más a aquello que la apasionaba: la producción y el cine mexicano. 

“Sentía que tenía algo que decir. Buscaba en internet algo que me dijera más de la producción, datos de cine pero enfocados a producción, que me enseñaran a producir, pero no encontraba nada. Solo veía cursos, que he tomado, pero no había información gratuita y menos enfocada a Monterrey. Entonces pensé que podría hacerlo yo, que lo haría”. 

Olalde también comparte el hecho de que siempre ha sentido una afinidad y enorme gusto por el cine mexicano. Acostumbrada al desdén de compañeros y amigos hacia este, la joven creativa se había encontrado en repetidas ocasiones defendiéndolo y queriendo mostrar que el cine mexicano es amplio y que, como toda expresión artística, tiene de lo bueno y lo malo. 

Así, al momento de crear su cuenta, sabía que ese espacio tenía que estar enfocado en la producción y en mostrar que otro tipo de cine mexicano existe, mucho más allá del comercial. A tres años de sus inicios, Belén explica que la esencia de su plataforma es la misma, pero que sin duda ella como creativa y profesional ha crecido. A la fecha, diversifica su contenido y colabora con diferentes personas, dependiendo del enfoque que tendrá su publicación. 

“Tengo nociones de guionismo y otras áreas, pero yo de lo que más sé es producción. Para mi publicación de diseño de producción invité a una amiga a colaborar, y lo mismo con mi post de guionismo. Me gusta pensar que así también creo una red de contactos”. 

Como productora, Olalde comenta que disfruta producir porque le agrada ver cómo cada pieza se va acomodando y ver el resultado. Reconoce que aunque puede a veces ser un departamento burocrático, le gusta porque es la manera en que los proyectos se realicen: “es tanto mi amor por el cine que quiero que exista, no me importa qué tengo que hacer para que exista”.

La Ruta 52: días, semanas, años de cine mexicano

Para Belén, detrás de cada post se esconden días y semanas de lecturas e investigación. Actualmente, los usuarios de internet se encuentran constantemente bombardeados con excesivos datos, contenido, infografías y demás. 

No es sorprendente el auge que ha tenido TikTok, una plataforma donde hasta marzo del 2022, solo se podía subir contenido con una duración máxima de 3 minutos. Con este panorama, publicaciones como las que se pueden encontrar en Olalde.MX no solo son útiles e interesantes, sino también necesarias.

Entre las iniciativas y proyectos más retadores pero gratificantes que la joven productora ha realizado se encuentra el de la Ruta 52, una iniciativa que en su momento proporcionó a los seguidores películas de cine mexicano semanalmente. (Actualmente, la segunda edición de este proyecto se dividió en temáticas semanales con espacios de discusión y ponencias con directores, por un pequeño costo mensual).

“Cada semana mandaba una película importante entre los años noventa y 2006. Todo se basó en un libro llamado Rutas del Cine Mexicano. La intención era darle más difusión al cine mexicano emblemático. Fue un reto, eran películas que yo no había visto, tenía que verla, resumirla, mandarla. Se me hizo bien loco, no sabía si la gente lo veía o no, si les gustaba o no”. 

A pesar de no contar necesariamente con una base de datos avanzada y específica que demostrara cuántas personas vieron realmente la película que ella semanalmente compartía, el penúltimo semestre universitario de Olalde le demostró que su Ruta sí había tenido una audiencia. Cuando se mudó a la Ciudad de México para cursar el penúltimo semestre de su carrera, compañeros de clase y personas que se encontraba en la Cineteca Nacional o en la calle se acercaban para comentar la Ruta con ella y expresar su agrado. 

Como puente entre audiencia, usuarios y aficionados de la producción y el cine, la cuenta de Olalde.Mx resulta en un espacio donde se puede aprender más sobre la industria mexicana y también la historia del cine mexicano. Entre los momentos favoritos de Belén, se encuentra su entrevista a la directora Ángeles Cruz y su invitación a ver su ópera prima, Nudo Mixteco, largometraje que se quedó con ganas de ver en pantalla grande, pues no llegó a demasiadas salas de cine. También, explica que su parte favorita de todo esto ha sido las diferentes personas que ha podido conocer a través de Instagram. Pues, para su casa productora Runeque, distintas colaboraciones se han llevado a cabo con creativos donde el primer punto de encuentro fueron los mensajes directos de la red social.

Su vivencia en línea y plataforma creativa le han enseñado a Belén la importancia de tomarse en serio los sueños, deseos y proyectos individuales de cada uno. 

“Cuando tienes algo importante para ti, algo que decir… hay gente que te va a escuchar, no sabes cuándo ni cómo pero la gente lo nota. Tarde o temprano, aunque tu no te des cuenta, alguien lo está viendo y  le será útil. Es no tenerle miedo a hacer las cosas. Sí tiene un impacto, a pequeña o mediana o gran escala, sí tiene impacto mientras tenga un buen origen y sea genuino de donde viene”.

Actualmente la regiomontana se encuentra viviendo en la Ciudad de México, donde estudia Producción en el CCC. También visita con frecuencia la Cineteca Nacional y es una ávida nadadora que disfruta mucho de pasar tiempo con su perra Canela y su familia y amigos. Además de Olalde.Mx, la joven también produce y organiza un festival llamado Insomne, dedicado a la difusión cultural y ubicado en el estado de Nuevo León. Tras solo unos cuantos meses desde su graduación y un nuevo comienzo académico, el camino por recorrer y descubrir es amplio, tanto para Olalde.Mx como para la creativa detrás de esta cuenta.

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Por: Roberto Juárez López  

Durante las décadas de los 60 y 70, en Nuevo León se vivió un ambiente de fuertes choques sociales e inconformidades, así como de activismo político que apelaba a una mayor apertura política y democrática. Entre las distintas luchas sociopolíticas destacó el movimiento estudiantil de la UANL que, en esos entonces, no solo buscó ganar y hacer valer su autonomía, sino que también apeló por la democratización de la Universidad. 

Como tal, este movimiento se empezó a gestar a principios de 1960, extendiéndose hasta 1973.  Sin embargo, fue en 1969 cuando la lucha estudiantil pasó por un momento decisivo. Atizados por los acontecimientos de la matanza de Tlatelolco en Ciudad de México, los estudiantes de la UANL comenzaron a ser más exigentes con los directivos de la universidad y el gobierno estatal de Nuevo León, precedido por el gobernador Eduardo Elizondo Lozano. 

Los distintos grupos estudiantiles, provenientes de distintas facultades -principalmente la Facultad de Filosofía y Letras, Ciencias Químicas y Físico-Matemático- exigían, entre otras cosas, el mejoramiento de la infraestructura de sus aulas, así como el despido inmediato de distintos directivos de sus respectivas facultades, ya que los estudiantes argumentaban que dicho personal era insuficiente e incapaz de resolver los problemas administrativos que implicaban sus cargos. 

Desde sus inicios, la lucha estudiantil en Nuevo León se caracterizó por haber tomado distintas líneas de acción: desde marchas con antorchas y la ocupación de espacios públicos, hasta desobediencia civil y la toma de edificios universitarios. Asimismo la lucha estudiantil  contó con el apoyo de otras organizaciones dentro de la universidad, como el Sindicato de Trabajadores de la UNL (STUNL) y la Asociación de Maestros de la UNL, solidarizándose al mismo tiempo con sus respectivas causas.

En 1969, a causa del impulso que estaba tomando el movimiento de la Universidad, el gobierno de Elizondo decidió aprobar un nueva Ley Orgánica que cedió la autonomía a la universidad –cambiando su acrónimo de UNL al icónico UANL–. A pesar de que la reforma de ley promulgaba la creación de un órgano democrático dentro de la universidad: el Consejo Universitario, para elegir al rector y a los directivos, dicha reforma excluía sustancialmente la participación estudiantil. Sin embargo, a pesar del continuo descontento de los estudiantes y maestros, debido a la división interna del movimiento estudiantil y a que estaba por concluir el semestre escolar, el movimiento se disolvió. Entonces, la lucha de los estudiantes perdió fuerza. 

No sería hasta finales de 1970 y comienzos de 1971 que el movimiento estudiantil volvería a tomar forma.

Durante 1970 se vivió el agravamiento de la crisis financiera dentro de la universidad. Esto dio lugar a que los directivos propusieran la creación de una cuota de inscripción para los estudiantes, así como la disminución del cupo en las facultades. Como respuesta a estas acciones, durante el resto del año los grupos estudiantiles se reagruparon, declararon nuevamente un paro indefinido y tomaron distintas instalaciones de la UANL. Progresivamente, todas las facultades se sumaron al movimiento, haciendo del Colegio Civil el epicentro de su protesta (este edificio era la antigua rectoría de la UANL). 

Para comienzos de 1971, la lucha universitaria gozaba de una gran simpatía por parte de los ciudadanos. Asimismo, algunos directivos comenzaron a sumarse al movimiento, llegando a tomar un rol activo en las marchas, protestas y diálogos con el gobierno estatal.  

El gobierno de Eduardo Elizondo, en respuesta a los acontecimientos, aprobó otra Ley Orgánica el 26 de marzo de 1971, conocida como la Ley Elizondo. Esta propugnaba la creación de una Asamblea Popular de Gobierno Universitario. Sin embargo, la nueva reforma solo obtuvo mayor repudio por parte de la universidad.

Como tal, la ley estipulaba que la Asamblea Popular sería integrada por miembros ajenos a la universidad, provenientes de distintos sectores industriales. Dicha asamblea estaría a cargo de votar por un rector y de designar a los directivos de las facultades. Nuevamente, esta acción excluía a los estudiantes y profesores de la toma de decisión. 

El rechazo a esta medida se comprende mejor si se considera que en Nuevo León muchos sectores económicos, incluyendo los sindicatos, se apegaban a las líneas discursivas del gobierno estatal. 

La Ley Elizondo fue tachada de antidemocrática por los estudiantes, y solo sirvió para enardecer a los distintos sectores de la universidad, desde directivos y trabajadores, hasta estudiantes. 

Durante los siguientes dos meses, posteriores a la aprobación de la Ley Elizondo, se vivió un aumento participativo en las diversas actividades de lucha. 

De igual forma, aumentó la violencia y la represión en contra de los estudiantes. Esto, con la intención de obligarlos a retomar las actividades académicas, disolviendo el movimiento. 

Fue hasta el 6 de julio que se aprobó la reforma a la Ley Elizondo, concediendo la participación de alumnos y maestros en la elección de los directivos. Esto sentó las bases para la constitución de la Junta de Gobierno de la UANL. 

Sin embargo, para este punto, el movimiento estudiantil en Nuevo León había alcanzado dimensiones muy amplias, llegando a ser noticia a nivel nacional. Consecuentemente, la nueva Ley Orgánica fue fuertemente promovida, por no decir impuesta, por la administración federal de Luis Echeverría. La gerencia del gobierno federal, aunado a que la nueva ley no cumplía con todas las exigencias del movimiento, provocó que esta solo fuera aceptada parcialmente por ciertos sectores de la universidad. 

Cabe mencionar que, el día en que se aprobó la ley, el gobernador Elizondo dimitió de su cargo. Se piensa que fue la presión del gobierno federal lo que hizo ceder al mandatario. 

Después de todo lo ocurrido en Nuevo León, los líderes estudiantiles de la UNAM y el IPN, en un acto de apoyo y solidaridad con la UANL, convocaron una marcha en la Ciudad de México, que tomó lugar el 10 de julio de 1971. Trágicamente, esta desembocó en la matanza del Jueves de Corpus también conocida como El Halconazo. 

A pesar de la incesante represión del gobierno, la lucha de la UANL se extendería hasta 1973, año en el que se regularizaron por completo las actividades académicas. En la actualidad, los cambios sociales que se vivieron en Nuevo León durante los 60 y 70 dejaron su huella en la historia del estado, siendo la lucha estudiantil de la UANL un gran ejemplo de esto. La lucha por la autonomía universitaria dejó una marca en la forma en que se gestiona la universidad, y sigue siendo el referente a seguir de las nuevas causas sociales de los estudiantes. 

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Por: Carlos Olvera y Paulina Sánchez Hernández @_paulinna19

“Siempre poderoso y ascendente”, así se define el festival Pa’l Norte, uno de los eventos musicales más emblemáticos del noreste de México. La historia del festival se remonta a 2012, cuando se organizó por primera vez. Aquella edición se llevó a cabo en el parque Diego Rivera (el terreno frente al kiosco de las quinceañeras) en el municipio de San Pedro. A partir del 2013 el evento se estableció en el Parque Fundidora, uno de los lugares más icónicos de Nuevo León y, desde entonces, siempre se ha realizado en el mismo lugar.

El próximo año, Pa’l Norte celebrará su edición número once, ahora con un evento que por primera vez tendrá una duración de tres días. A pesar de que el line up todavía es desconocido, los precios del abono ya fueron anunciados. Después de 10 ediciones, el festival ha construido una base sólida de seguidores que cada año están dispuestos a pagar sus entradas aún sin conocer a los artistas que se presentarán en la ciudad.

La venta de entradas funciona a través de fases, la más barata es la “tempranera”, a la que solo tienen acceso de preventa las personas con una cuenta en Hey Banco (del grupo BanRegio). Los boletos de cada fase se dividen en: General, General+, Ascendente y VIP.  El abono general tiene un precio de 3 mil 402 pesos en la modalidad “tempranero”, la cual representa la oferta más económica de todo el festival (a la que también se le agrega un 20% extra de cargos por servicio si la compra se realiza en línea). 

Con el paso de las ediciones el precio de los boletos ha incrementado, llegando al punto en el que este año, los precios por día son más del doble que en 2016, cuando costaban 500 pesos. Debido a estos aumentos, la accesibilidad al festival se ha reducido dramáticamente, puesto que ahora la posibilidad de compra de un boleto se ha limitado a los sectores socioeconómicos más altos.

Como comparación, a mediados de 2022 el ingreso real promedio de la población trabajadora en México se calculaba en 6 mil 534 pesos al mes, lo cual quiere decir que, un abono general tempranero equivale a más de la mitad de lo que gana una persona promedio a nivel nacional. Además, si se toma en cuenta que los precios de los abonos tempraneros incrementaron en un 20% respecto a la edición anterior, las entradas generales podrían llegar a costar 6 mil 100 pesos en su última fase, igualando el ingreso real promedio del país. 

Para quienes no busquen asistir a todos los días del evento, la alternativa es simple, esperar hasta inicios del 2023 para poder adquirir un boleto individual que rondará los 2 mil pesos (2 mil 500 contando los cargos por servicio). Por si fuera poco, esta situación se agrava cada vez más tomando en cuenta que el país está a las puertas de lo que parece ser una inevitable recesión económica que se hará presente a mediados del próximo año. 

¿Y, qué onda con las fases?

En otros temas, la venta de boletos por fases siempre ha dado de qué hablar desde la primera vez que se implementó, en el Pa’l Norte 2014. Y es que este tipo de venta no premia de ningún modo a los consumidores más fieles o “tempraneros”; el festival no ofrece algún tipo de beneficio extra a quienes tienen la suerte de conseguir su boleto desde el primer día de venta. La única satisfacción que se obtiene, es la de no tener que gastar miles de pesos más en las siguientes fases por obtener exactamente el mismo servicio.

La preventa tempranera con Hey Banco agotó los boletos en menos de cinco minutos y las quejas no se hicieron esperar en todas las redes sociales del festival. “A las 11:01 se acabaron los vip tempraneros del pal norte”, comentó una usuaria en twitter. Otro usuario también dijo, “estoy pensando que en realidad no existen los tickets (en esa fase) y que te hacen comprarlos en otra fase con precio más elevado…”.

Lo cierto es que no existe transparencia en la cantidad de boletos que se venden en cada fase. La experiencia actual de los consumidores apunta a que la gran mayoría del boletaje se liberará en las últimas fases, una vez que el precio ya ha aumentado considerablemente.

El alza en los precios de los boletos no es un hecho aislado al festival Pa’l Norte, otros eventos musicales de este estilo como el Vive Latino y el Corona Capital, ambos llevados a cabo en la Ciudad de México, cuentan con precios similares. Al día de hoy, un boleto de fase 4 para el Vive Latino tiene un precio de 3 mil 800 pesos, y agregando los cargos por servicio, este costo asciende a 4 mil 500 pesos por los dos días del evento.

El caso del Corona Capital fue aún más mediático ya que, sumado a los precios oficiales ya de por sí altos, las y los revendedores aprovecharon la emoción de los fanáticos para aumentar el precio de los boletos de reventa hasta en un 60% (tomando en consideración los precios de la figura pública, @cigarrosdemiel).

Con precios y experiencias siempre “ascendentes”

Para la edición de Pa’l Norte 2023, el festival publicó los beneficios de cada uno de sus boletos. En comparación con la entrada “General”, la entrada “General+”, tiene un único beneficio extra: acceder a baños más limpios pagando 550 pesos más. El precio por tener acceso a servicios básicos como baños limpios e higiene es excesivo, suponiendo que todos los asistentes requieren este servicio al menos una vez en su estancia durante el evento (especialmente las personas que menstrúan esos días).

Así mismo, el acceso y la experiencia del festival se divide en la posibilidad de pagar para tener mejores beneficios y más espacio personal en el evento. Para los asistentes de VIP y Ascendente, hay mejores locaciones para disfrutar de los escenarios principales, lo cual reduce el espacio a los asistentes en general. El precio de los abonos en VIP comienza en fase tempranera desde los 5 mil 969 pesos; es decir, es casi el 90% del total del salario promedio en México. 

La experiencia entonces del boleto General es la menos completa, la más limitada y con un precio que no es nada barato. Al final, los festivales de música son cada vez menos económicos y más reducidos a la posibilidad de acceder a una mejor experiencia para disfrutar de las bandas y artistas que se presentarán en el escenario que, eso sí, tiene de frente a un Cerro de la Silla siempre poderoso. 

*Con información de Erick Valencia

Referencias:

CONEVAL. (2022). El CONEVAL presenta información referente a la pobreza laboral al segundo trimestre de 2022. https://www.coneval.org.mx/Medicion/Paginas/ITLP-IS_pobreza_laboral.aspx#:~:text=Ingreso%20laboral%20real%20per%20c%C3%A1pita%20seg%C3%BAn%20entidad%20federativa,a%20%242%2C880.91%20pesos%20mensuales%2C%20respectivamente

Saldívar, B. (2022). México no podrá evitar la recesión en el 2023: Moody’s Analytics. https://www.eleconomista.com.mx/economia/Moodys-advierte-que-Mexico-enfrentara-una-recesion-de-nueve-meses-a-mediados-del-2023-20220725-0057.html

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Cuando decidí estudiar literatura no pensé que pasaría casi cinco años de mi vida leyendo –o intentando leer– tres libros por semana. Algo que hacía por diversión terminó convirtiéndose en una carga para mí y terminé agotada de leer; comencé a dedicar mi tiempo de ocio a ver películas y series. 

Cuando me gradué, mi relación con la lectura estaba tan dañada que hasta tomar un libro me dejaba asqueada. Tal fue mi sorpresa cuando hace algunas semanas me sentí emocionada porque habían anunciado la trigésima edición de la Feria Internacional del Libro de Monterrey (FIL). Quizás fue la nostalgia, porque de repente recordé lo feliz que me ponía ir con mis amigas de la carrera a comprar libros, ir a mis primeras pláticas sobre feminismo o encontrar alguna edición considerada inencontrable. Sobre todo, extrañaba sentirme emocionada con algo que se relacionara a la literatura. 

El 8 de octubre, el primer día de la FIL, llegué a Cintermex porque un maestro que me dio clase en Zoom vino desde la Ciudad de México a presentar un libro, fue la primera vez que lo vi en persona y me firmó la obra en la que había trabajado por años. Mientras recorría los pasillos noté que había un “Pabellón de la Niñez”, un espacio dedicado a las infancias en el que habría obras de teatro, talleres y distintas actividades para fomentarles el hábito de la lectura. Me llenó de esperanza por una nueva generación lectora, porque mi amor por la literatura comenzó cuando era niña, mientras leía cuentos de princesas.

Lo que sucede cuando estudias Letras es que te das cuenta que la gente que te rodea no está acostumbrada a leer, entonces el hecho de ir todos los días a la FIL y ver puestos y librerías llenas fue inesperado, pero altamente grato. “¡Mira, ese es el libro que nos mencionó el profe!”, dijo una niña mientras apuntaba el Manifiesto Comunista. Además de provocar ternura, este suceso me hizo estar más pendiente de las interacciones de las demás personas. Me encontré buscando las sonrisas de la gente cuando llegaban a los puestos a preguntar por títulos y les daban el ejemplar que querían. 

También me puse a buscar la emoción en los ojos de lxs demás cuando veían a unx de sus autorxs favoritos. Ni hablar de cuando conseguían que les firmaran sus libros visiblemente anotados, sus textos atesorados. Yo misma sentí esta emoción cuando estaba en una charla de Elena Poniatowska y mencionaron que Diamela Eltit, una autora chilena que he admirado por años y jamás pensé conocer, se encontraba en la audiencia. Eso me hizo casi seguirla hasta poder conseguir una foto y su firma, no podía dejar pasar esta oportunidad. 

Me sorprendió bastante la invitación de Gilles Lipovetsky, un filósofo francés que participó en dos eventos, ambos fueron en lengua francesa. La FIL se encargó de darle a lxs asistentxs audífonos en los que se escuchaba una traducción al español en tiempo real. Este no fue el único uso de tecnología que me asombró, pues también hubo una charla con Isabel Allende por medio de un holograma. Ella se encontraba en el sofá de su casa en California y, a su vez, también estaba frente a decenas de personas en Monterrey.

Creo que este año la FIL cumplió con su propósito de poder acercar la lectura a la gente. La entrada fue gratuita, pero los libros son artefactos caros. Hubo un día en el que realizaron una venta nocturna y las casas editoriales más grandes como Océano o Penguin Random House no tenían descuentos, mientras que el Fondo de Cultura Económica y el puesto de la Universidad Autónoma de Nuevo León regalaban libros. Eso sí, todas las conferencias y firmas fueron gratuitas, ninguno de los eventos de esta FIL tuvo costo alguno. Incluso tuve la oportunidad de ir a una presentación de un libro de libre acceso, las autoras compartieron un código QR para que se pudiera descargar automáticamente¹.

Otra cuestión inesperada fue la presencia de un estado invitado, el de este año fue Coahuila. Solo había visto algo así en la Feria del Libro de Guadalajara, la segunda más grande del mundo, donde cada edición hay un país invitado, como India (2019) o Perú (2021). Esta fue la trigésima edición de la FIL de Monterrey, tengo 23 años y evidentemente no he asistido a todas, pero nunca antes había visto que se le diera un espacio a otro estado de la República. 

No solo eso, tampoco recuerdo haber visto a un gobernador inaugurar y clausurar la feria. En esta ocasión, creo que fue benéfico para la FIL el hecho de su presencia y la de su esposa pues usaron sus plataformas para otorgarle difusión. Y es que, las personalidades regias pueden llegar a atraer más público que muchxs autorxs reconocidxs. Recuerdo haber visto una aglomeración de gente en los pasillos y acercarme para darme cuenta que estaba el Arquitecto Benavides dando una entrevista, había niñxs, adultxs y personas mayores, todxs igual de emocionadxs. 

Durante toda la semana yo también me sentí maravillada. Pude ver a mis colegas, mis antiguas amistades de la carrera presentar libros en los que habían participado. Ver sus nombres impresos en los libros fue una experiencia tan surreal y placentera a la vez. Ya dejamos atrás los días de vernos diariamente en el salón de clases, pero creo que al menos ahora, cada año, podré esperar a que sea octubre para poder reencontrarnos. Volver a verles en un espacio donde el amor por la literatura es palpable y donde, además, están haciendo lo que les gusta me llena el corazón de felicidad.

No me queda más que esperar un año para volver a experimentar esta emoción, para recorrer de nuevo los pasillos de la FIL. Mientras tanto, me pondré a leer los libros que compré en esta última semana porque, si de algo sirvió esta feria, fue para sanar mi relación con la literatura.

1.  El libro en cuestión es “Las filósofas que nos formaron: injusticia, retos y posibilidades en la Filosofía” de Aurora Georgina Bustos Arellano y Jocelin Martínez. Descárgalo aquí.

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What is darke in me, illumine

-John Milton

Cuando Lorca viajó a Nueva York en 1929 lo hizo en medio de una depresión que lo aquejaba. Su deseo de cruzar el aire y agua del Atlántico surgió de un fracaso sentimental y problemas emocionales que tenía debido a su orientación sexual. Viajó primero a París, visitó el Louvre. Luego a Inglaterra, donde fue a Oxford. Durante todo el trayecto a NY, se decía arrepentido de haber emprendido el viaje. 

Si bien la primera impresión que tuvo Lorca de la ciudad estadounidense fue favorable, rápidamente encontró las objeciones a la ciudad moderna, ideas que fueron parte del cúmulo intelectual de la época. Lorca presenció la caída de la bolsa en septiembre de 1929 y vivió ahí durante los primeros meses del declive de la gran economía estadounidense, lo que implicó para él el refuerzo de su postura anticapitalista que se puede apreciar en el poemario. Que una de las influencias del poeta para escribir Poeta en Nueva York haya sido T.S Eliot ya nos dice mucho del ambiente que se vivía en ese momento. 

Lorca percibía que lo complejo de la ciudad rebasaba cualquier coyuntura personal, aunque no abandonó el estado contemplativo ni la melancolía durante su estancia. El poeta nunca vió la publicación del poemario, cuyo manuscrito terminó en México después del exilio de los intelectuales españoles durante la dictadura de Franco. Los versos de Poeta en Nueva York vieron la luz por primera vez en las editoriales de México y Estados Unidos. 

Tengo que decir que el poemario no me cautivó cuando lo leí. No era ni de cerca la mejor obra de Lorca. Que el tema fuera Nueva York lo hacía aún peor. Yo, una férrea enemiga de lo impositivo de la ciudad, de los rascacielos y del desastre estadounidense que alberga el microcosmos de esa pequeña isla en el Atlántico, no podía leer nada que hablara de la gran manzana y su violencia. Pero cuando entré al metro, no tuvo que pasar ni un minuto en el túnel para que los versos de “El nocturno de Battery Place” saltaran ante mis ojos. Brutal modernidad neoyorquina.

Mi visita a la ciudad se dio en un contexto similar al de Lorca, pero solo por unos días. Bien les pude haber escrito a mis papás lo que él a los suyos “No tengo la culpa de muchas cosas mías. La culpa es de la vida y de las luchas, crisis y conflictos de orden moral que yo tengo”. La ciudad me conmovió de muchas maneras. Las disparidades de la ciudad fueron lo primero. No te toma ni un día darte cuenta de las divisiones raciales que existen y que están en cada lugar que visitas. Lxs que te atienden en los restaurantes de comida rápida, lxs guardias de los museos y las personas en situación de calle son, en su mayoría, personas negras. 

Los anuncios del metro, en inglés y en español, revelan la condición migratoria de la ciudad, compuesta por un 20% de latinos, lo que supone ⅔ de la nueva población neoyorquina en la última década. Si bien NYC aún esta lejos de Los Ángeles (donde alrededor del 40% de la población es latina), la realidad es abrumadora. En cantidad, no obstante, no son tan lejanos. En Nueva York viven alrededor de 5 millones de latinos, mientras que en Los Ángeles viven 6 millones. 

No me imagino que la Nueva York de Lorca haya sido muy distinta a esta. Las grandes cantidades de migrantes que recibió Estados Unidos en el periodo entre guerras arrojaban una imagen similar a esta. La ciudad, además de personas, alberga muchas de las obras producto de las ideas que ella misma simboliza: el arte de las vanguardias. Si bien no fueron creadas en Nueva York y muchas de estas obras albergan un oscuro pasado de expolio en sus marcos y lienzos, fueron adquiridas por coleccionistas y millonarios estadounidenses -entre los que destacan de manera muy predominante Solomon Guggenheim y J.P Morgan-. Algunas fueron heredadas por familias europeas, traídas por migrantes y otras recuperadas, como es el caso del famoso retrato de Adele Bloch Bauer I de Gustav Klimt, que se exhibe en la Neue Gallerie frente a Central Park. 

La historia de la ciudad es, por lo tanto, una historia de movimientos y rompimientos. Una historia de migraciones, de grandes fortunas, de nuevas ideas que marcaron el devenir moderno. Quisiera decir que vemos el declive estadounidense en esta ciudad, pero sería asumir una modernidad tardía que no sabemos si ha llegado. Lo que sí podemos ver en cada rincón es la historia del siglo XX, como la describió Lorca, con sus momentos ilustres y sus tremendas caídas. Una ciudad que todavía, para muchos, es una promesa. 

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