p r o l e t k u l t

I KNOW THESE SWEATERS!

2011-09-09T12:27:00.004+02:00

Weil ich mir grade ein hübsches Bill-Cosby-Exemplar bei Humana besorgt habe. Autumn will come!

via

LOOK OF THE DAY | 90210

2011-08-26T10:49:00.006+02:00

SAVED BY THE BELL & BEVERLY HILLS, 90210

via Mary Charteris

HIPSTER 1976

2011-08-25T12:12:00.002+02:00

Robert De Niro und Harvey Keitel in TAXI DRIVER [1976]

TO DIE FOR [1995]

2011-08-19T16:33:00.002+02:00

Suzanne Stone [Nicole Kidman] aus Little Hope würde für ihren Wunsch, eine berühmte Fernsehjournalistin zu werden, alles tun. Und wie wir schon zu Beginn des Films erfahren, schließt das auch den Mord an ihren Ehemann nicht aus. Damit ist im Prinzip auch schon die Geschichte erzählt. Ein hübsches Ding, das hoch hinaus will, sich mit ihrer Ehe finanziell absichert, naiv versucht Zugang zur Fernsehwelt zu erlangen und sich buchstäblich hochschläft. Als ihr Mann Larry Maretto [Matt Dillon] sie zu einer Familiengründung drängt, sieht sie ihre einzige Lösung darin, ihn aus dem Weg zu räumen. Wie gut, dass die drei Schüler und Teilnehmer ihres Doku-Projektes "Teens speak out" ihr so verfallen sind. So verführt sie den unschuldigen Jimmy Emmett [Joaquin Phoenix] und verspricht ihm eine gemeinsame Zukunft, nachdem dieser ihren Mann beseitigt. Doch sie hat die Rechnung nicht mit der hinterbliebenen Familie gemacht, die Kontakte zur italienischen Mafia pflegt...

Keine herausstechende Story, bloß typischer Hollywood-Mythos. Doch es gibt viele Gründe, die TO DIE FOR so einzigartig machen. Der wichtigste - na klar - ist Joaquin Phoenix, der hier mit süßen 21 Jahren einen naiven Lüstling aus der sozialen Unterschicht spielt. Witzig, dass der Film von Anfang an das Ende verrät und im Mockumentary-Stil aufgebaut ist, mitsamt Pseudo-Interviews, Talkshow-Auftritten und Zeitungsschlagzeilen. Und dass Phoenix' Filmpartner Casey Affleck ist, mit dem er knapp 15 Jahre später selbst den Mockumentary I'M STILL HERE drehte.

TO DIE FOR ist ein früher Gus Van Sant, der stark die Atmosphäre der 1990er wiedergibt. Und am meisten tragen die Kostüme dazu bei, die die überspitzten Rollenklischees perfekt darstellen. Das "zarte Püppchen" Suzanne Stone, die Stadtschönheit in Pastell, die später in den seriösen Journalistinnen-Look á la Diane Sawyer schlüpft (Pastelltöne aber bleiben, barbietypisch). Nicole Kidman spielt das berechnende Püppchen ziemlich überzeugend und in den perfekten Kostümen von Beatrix Aruna Pasztor gibt sie schon einen Stepford-artigen Auftritt vor den FRAUEN VON STEPFORD.

Der Kleinstadtwilde in Lederkluft auf seinem Bike... netter Kontrast zur blonden Porzellanpuppe. Da finde ich die Karottenhosen links auf dem Bild wesentlich interessanter.

Applaus für Illeana Douglas, die in ihrer intelligent-coolen Art die Schwester von Larry Maretto spielt. Hier mit rausblitzendem Spitzenschlüpfer.

Nachdem Suzanne ihren Mann zum ersten Mal betrügt, trägt sie kontrastreich zu ihrem bisherigen Mädchen-Look ein hautenges Leopardenkleid. Vorbei mit der Unschuld!

Zurück aus den Flitterwochen will sie vor ihren Schwiegereltern die perfekte Hausfrau spielen. Stilvoll im Versace-Kleid (ich hab jetzt nur mal laienhaft darauf getippt, dass es von Versace ist, die Farben und der Stil entsprechen jedenfalls den Kleidern aus den 90ern).

Und die ersten Journalistinnen-Outfits beginnen...

Die zunehmend grellen Farben, die Muster, Suzannes Frisur... die Kostüme des Films wirken wie aus einem Comic und tragen so perfekt zur satirischen Wirkung bei.

Ersehnte Aufmerksamkeit.

What would you die for?

LOOK OF THE DAY | TEE

2011-08-11T13:17:00.001+02:00

Season Hubley in HARDCORE [1979]
via

AND AGAIN... CLARISSA EXPLAINS IT ALL

2011-08-08T12:53:00.006+02:00

CLARISSA erklärt uns nicht nur die Welt eines pubertierenden Teenagers, sondern auch ihre Stylingregeln für einen edgy 90er-Jahre Look:

via buzzfeed

BEAUTY OF A WOMAN CRYING

2011-05-19T09:42:00.002+02:00

Jean-Claude Brialy und Anna Karina in UNE FEMME EST UNE FEMME [1962]

VIVRE SA VIE [1962]

2011-05-19T09:30:00.005+02:00

Wie ein motivierender Appell, das Leben zu leben, scheint VIVRE SA VIE nicht gerade. Die Protagonistin Nana, die - vergeblich - auf ein Schauspielengagement hofft, hält sich mit Gelegenheitsjobs und Einladungen einiger Männerbekanntschaften über Wasser. Schließlich obdachlos sieht sie ihre letzte Möglichkeit, an Geld zu kommen, auf der Straße und geht anschaffen. Zuerst noch etwas zögerlich und unsicher, später aber mit den Anweisungen ihres Zuhälters zunehmend professioneller. Auch von ihrer melancholischen Grundstimmung scheint Nana sich zum Ende hin zu entfernen, verliebt sich sogar, tanzt und lacht, bis sie in die krummen Geldgeschäfte ihres Zuhälters verwickelt und Opfer dessen wird.

Für 1962 ein ziemlich direkter Film, wenn es darum geht, den Alltag einer Prostituierten zu zeigen. Der dokumentarischer Schwarzweiß-Stil wirkte da vielleicht ja noch etwas beruhigend und seriös. Ebenso wie die poetische Begleitung im Film: Zitate von Montaigne, Baudelaire oder Edgar Allan Poe, ein philosophischer Dialog zwischen Nana und Brice Parain oder die sich immer wiederholende, etwas melodramatische Melodie, die neben zwei Liedern aus der Jukebox den einzigen Soundtrack bildet.

Und tatsächlich scheint VIVRE SA VIE auch der stummste Godard-Film zu sein. Ganz wie im gezeigten Stummfilm JEANNE D'ARC [1928], den Nana im Kino guckt, werden auch hier die Darsteller manchmal stumm. Ihre Stimmen werden ausgeblendet, während sich ihre Lippen noch bewegen oder ihr Text statt auditiv visuell in Tafeln eingeblendet. Texttafeln bilden hier auch die Einleitung zu den zwölf Kapiteln oder zwölf Szenen des Films:
-1- A bistro - Nana wants to leave Paul - Pinball
-2- The record shop - 2000 francs - Nana lives her life
-3- The concierge - The passion of Joan of Arc - a journalist
-4- The police - Nana is questioned
-5- The outer boulevards - the first man - the hotel room
-6- Yvette - a café in the suburbs - Raoul - machine gun fire
-7- The letter - Raoul again - the Champs Élysées
-8- Afternoons - money - wash-basins - pleasure - hotels
-9- A young man - Nana wonders if she's happy
-10- The sidewalk - a man - there's no gaiety in happiness
-11- Place de Chatelet - the stranger - Nana the unwitting philosopher
-12- The young man again - the oval portrait - Raoul sells Nana

Und nicht zuletzt die vielen Großaufnahmen von Anna Karinas wunderschönem Gesicht. Wie sie weint, wie sie flirtet, wie sie sich fürchtet, wie sie nachdenkt, wie sie unbeschwert lacht, ... So so, dann dürfte Nana nach der Aussage ihres Zuhälters ("For me, there are three types of girls: those with one expression, those with two, and those with three.") eine Frau mit (mindestens) drei Ausdrücken sein.

In vielen Quellen heißt es übrigens, dass der kurze Bob, den Anna Karina im Film trägt eine Anspielung auf Louise Brooks in ihrer Rolle in DIE BÜCHSE DER PANDORA [auch von 1928!] ist, in der sie aufgrund ihrer Drogensucht ebenfalls in die Prostitution abrutscht und eben diesen Haarschnitt populär gemacht hat.

Anna Karina mit Jean Luc Godard.

Die Filmpremiere von JULES ET JIM von Godards Kollegen François Truffaut fand im gleichen Jahr statt wie VIVRE SA VIE und es wäre nicht die Nouvelle Vague, wenn sich die Freunde nicht gegenseitig ein bisschen anpreisen würden.

NANA, THE UNWITTING PHILOSOPHER | VIVRE SA VIE [1962]

2011-05-14T03:24:00.001+02:00

Dass Godard gerne philosophische Überlegungen in seinen Filmen einwirft, ist nichts neues. In dem letzten (und meinem liebsten) Film mit Anna Karina, den ich hier anführen will - VIVRE SA VIE [DIE GESCHICHTE DER NANA S.] - belässt er es nicht nur bei verwirrenden Ausrufen der Darsteller oder scheinbar unpassenden Zitaten, sondern lässt seine Hauptdarstellerin Nana ein langes Gespräch mit dem "Sherlock Holmes der Sprache" führen. Brice Parain, der hier als "Fremder" auftritt versucht Antworten zu geben auf ihre Fragen über Sprache und Kommunikation, über Liebe und Wahrheit. Ein (zugegeben etwas langer) Ausschnitt des Dialogs:

NANA: It's funny. Suddenly I don't know what to say. It happenes to me a lot. I know what I want to say. I think first about whether they're the right words. But when the moment comes to speak, I can't say it.
STRANGER: Yes, of course. Have you read The Three Musketeers? [...] Because in it, Porthos - Actually, this is from Twenty Years Later. Porthos is tall, strong and a little dense. He's never had a thought in his life. He has to place a bomb in a cellar to blow it up. He does it. He places the bomb, lights the fuse, and starts to run away. But just then he begins to think. About what? How it's possible to put one foot in front of the other. I'm sure that happened to you. So he stops running. He can't move forward. The bomb explodes, and the cellar caves in around him. He holds it up with his strong shoulders. But after a day or two, he's crushed to death. So the first time he thought, it killed him.
[...]
NANA: Why must one always talk? I think one should often just keep quiet, live in silence. The more one talks, the less the words mean.
STRANGER: Perhaps, but can one do that? [...] It's always struck me, the fact we can't live without speaking.
NANA: But it would be nice.
STRANGER: Yes, it would be nice, wouldn't it? Sort of like we loved one another more. But it's impossible. No one's been able to.
NANA: But why? Words should express just what one wants to say. Do they betray us?
STRANGER: Yes, but we betray them too. One should be able to express oneself. We manage to write things quite well. It's extraordinary that someone like Plato can still be understood. People really do understand him. Yet he wrote in Greek 2,500 years ago. No one really knows the language, not exactly. Yet something gets through, so we should be able to express ourselves. And we have to.
NANA: Why do we have to? To understand each other?
STRANGER: We must think, and for thought we need words. There's no other way to think. To communicate, one must speak. That's our life.
NANA: Yes, but the same time, it's very hard. Whereas I think life should be easy. [...]
STRANGER: I believe, one learns to speak well only when one has renounced life for a while. That's the price.
NANA: So to speak is fatal?
STRANGER: Speaking is almost a resurrection in relation to life. Speaking is a different life from when one does not speak. So to live speaking, one must pass through the death of life without speaking. [...] there's a kind of ascetic rule that stops one from speaking well until one sees life with detachment.
NANA: But one can't live everyday life with... I don't know...
STRANGER: ...Deatchment? We go back and forth. That's why we pass from silence to words. We swing between the two, because it's the movement of life. From everyday life one rises to a life - let's call it superior - why not? It's the thinking life. But the thinking life presupposes that one has killed off a life that's too mundane, too rudimentary.
NANA: Then thinking and speaking are the same thing?
STRANGER: I believe so. It's Plato, you know. It's an old idea. I don't think one can distinguish a thought from the words that express it. A moment of thought can only be grabbed through words.
NANA: So to speak is to risk lying?
STRANGER: Lies too are part of our quest. There's little difference between an error and a lie. [...] a subtle lie often differs little from an error. One's searching for something and can't find the right word. That's why sou didn't know what to say before. I think you were afraid of not finding the right word.
NANA: How can one be sure of having found the right word?
STRANGER: One must work at it. It only comes with effort. To say what must be said in the appropriate way, that is, that doesn't hurt, that says what must be said, does what must be done, without hurting or wounding anyone.
NANA: One must try to act in good faith.

THE LOOK OF MADE IN U.S.A. [1966]

2011-05-14T03:23:00.000+02:00

Nanu, da hab ich doch glatt die Kostümgalerie zu MADE IN U.S.A. vergessen. Ich glaube, es bedarf keiner vielen Worte mehr. Anna Karina spielt nicht die typische Film-Noir-Femme-Fatale mit Veronica-Lake-Tolle, sondern übernimmt die Hauptrolle, die des Detektiven (oder der Detektivin). Da ist der beige Trenchcoat natürlich obligatorisch. Und weil der ganze Film wild mit satten Farben spielt und eine Comic-ähnliche Ästhethik zu schaffen versucht, dürfen auch ihre Kleider in den schönsten Farben leuchten.

Und noch ein paar weitere Kostüme der Nebendarsteller:

THIS SUMMER... I'M GONNA BE THE DUDE

2011-05-05T14:48:00.001+02:00

via

MADE IN U.S.A. [1966]

2011-05-02T08:32:00.009+02:00

Just like a Walt Disney movie, only with blood.

MADE IN U.S.A. ist kein Disneyfilm und auch kein Krimi. Godard striked again und so lässt sich das Ergebnis in kein Genre eindeutig zuordnen. MADE IN U.S.A. ist Pop-Art. Er spielt mit Sehgewohnheiten, Medienformen und Traditionen. Er ist eine Hommage an den Hollywood-Film-Noir mit der Farbprächtigkeit eines Comics. Ein scheinbar seriöses Thema (Kriminalität, Mord, Rache, die obligatorische Liebesgeschichte...) verpackt in Bonbonpapier, absurde Fröhlichkeit im Kontrast zur Melancholie.

Der Held ist kein heruntergekommener Detektiv, sondern eine gefährlich schöne Femme Fatale, die nichts mehr zu verlieren hat und auf eigene Faust herauszufinden versucht, wer ihren Verlobten umgebracht hat. Der Trenchocoat aber bleibt.
Dazwischen gibt es ein paar mehr oder weniger unschuldige Leichen, philosophische und politische Gespräche, Musikeinlagen und Spaziergänge, allesamt begleitet von Raoul Cotards herrlicher Kameraführung.

Ich kann nicht anders, als wieder mitternachtskino.de zu zitieren, wo perfekt formuliert ist, warum MADE IN U.S.A. zu einem meiner liebsten Godard-Filme gehört:
"Szenen, bei denen es überdeutlich wird, warum man Godard lieben sollte: Einfach, weil er einmal so ironisch, romantisch und spielerisch ist und zugleich so ernst, theoretisch und politisch. So auch diesen. Diesen großartigen Film zwischen Romantik und Kommunismus, hard-boiled-Krimis und Filmtheorie. Einem Film, der sowohl nach Disney und Bogart kommt, dennoch hochpolitisch in seiner Aussage ist."
Das. Und auch, dass es der letzte Film von Godard mit Anna Karina ist, die nie aufregender war.

As tears go by... Oh Marianne!

Mehr offizielle Bilder auf Curious Mel

DIFFERENCE BETWEEN LIFE AND NOVEL

2011-04-27T14:50:00.002+02:00

Anna Karina und Jean Paul Belmondo in PIERROT LE FOU [ELF UHR NACHTS], 1965

THE LOOK OF PIERROT LE FOU [1965]

2011-04-26T13:02:00.002+02:00

In PIERROT LE FOU darf Anna Karina ihre Kostüme diesmal ganze acht mal wechseln. Neun mal, wenn man ihren entzückenden blauen Bademantel mitrechnet. Und anders als in UNE FEMME EST UNE FEMME ist hier kein Credit für eine Kostümbildnerin oder einen Kostümbildner angegeben, was meine scharfsinnige Theorie nur bestärkt, dass Anna Karina selbst für ihre Kleidung im Film verantwortlich ist.
Wie auch immer, modisch hat PIERROT LE FOU einiges zu bieten, vor allem für Fans des Marinelooks. Und wieder dominieren Blau und Rot, hier nur in einer Pastellvariante. Einfach wunderschön.
Ganz interessant auch, mit welchen Looks Anna Karina spielt, denn mal ist sie zuckersüß und unschuldig (natürlich in den brutalsten Szenen, wenn sie ihre Gaunereien ausübt und Leute umbringt und so).
In der ersten Szene trägt sie als Babysitterin eine unschuldige Schuluniform mit Prinzessin-Leia-Dutts (before there was STAR WARS!):

Der Bademantel. Und kontrastierend dazu ist der Topf natürlich ganz zufällig rot.

Auf der Flucht im Military-Look, das einzige Kostüm, dass sie etwas "gefährlicher" darstellt.

Am Strand in einem lieblichen gestreiften Kleid.

Zwischendrin plötzlich als Asiatin. Diese Einblende hab ich irgrendwie nicht ganz verstanden... vielleicht muss ich den film nochmal gucken...

Einen ganz kurzen Auftritt hat auch dieses reizende Outfit:

Mein Lieblingsoutfit:

Wir wollen uns hier ja auf Anna Karina in Godard-Filmen beschränken, aber ich fand, dass Jean Paul Belmondo auch einen kleinen Blick wert ist. Immer classy aber cool:

Liebliches Make-up bevor er sich Dynamit an den Kopf bindet und es anzündet. Hier streiten sich die Interpretationsgeier darum, ob der Akt des Schminkens eine Art Kriegsbemalung darstellen soll oder die blaue Farbe zusammen mit seiner Kleidung für die französische Flagge stehen soll, dass er symbolisch in die Luft sprengt. Also im Sinne von "Tu est la France!". Vive la Godard!

Illustrationen von ree*rose

PIERROT LE FOU [1965]

2011-04-24T13:52:00.005+02:00

In PIERROT LE FOU [ELF UHR NACHTS] geht es nicht mehr um die Frau, sondern um den Mann, den kleinen Spatzes Ferdinand [Jean Paul Belmondo]. Während das Setting des Frauenportraits UNE FEMME EST UNE FEMME im Alltag gelegt ist, auf den Straßen, dem Arbeitsplatz und im Heim, liegt der Handlungsspielraum vom Männerportrait auf wilden Partys, Yachten, Autos, Bowlingbahnen und Stränden. Aber ich hab nicht vor, wieder eine feministische Anschauung von Godards Filmen durchzuführen, die auch nicht wirklich ernst gemeint sind, denn ich erwähnte ja schon, dass Godards Darstellungsweise von Frauen recht romantisch finde, nur eben manchmal doch klischeehaft. So wie hier in PIERROT LE FOU, wo Belmondo den nach Wahrheit und Weisheit strebenden Schriftsteller spielt und Karina die hedonistische, oberflächliche Geliebte, die ganz nebenbei auch ein paar Leute killt.

Auf mitternachtskino.de heißt es auch: "Vielleicht ist die Rolle der Anna Karina die symbolische Erleuchtung in Ferdinands Wesen. Während er nach Weisheit strebt, sogar in der Badewanne mit seiner kleinen Tochter berühmte Maler diskutiert, immer wieder auf die Wichtigkeit der Kunst pocht, ist Marianna eine interessenlose Lebensfrau, der es eher darum geht, zu sein, als zu haben. Aber anscheinend will der Film uns auch etwas über das Unverständnis unterhalb der Menschheit sagen. Um blinde, emotionsgeleitete Liebe. Oder auch nicht. Aber das ist eben Godard."

Und das ist ja das Coole an Godars Filmen, dass sie so viel Interpretationsraum bieten und man weiß, dass man völlig daneben liegt, weil dieser verrückte Mann sich wohl einfach einen beim Filmen abgelacht hat und willkürliche Ideen verwendet hat, um es dem Zuschauer zu überlassen, einen kausalen Zusammenhang zu erstellen.
Die Charaktere jedenfalls schwanken zwischen romantischen Helden und skrupellosen Kriminellen und wechseln diese Rollen wie die Cinematografie des Films.
Worum es im Film grob geht, fassen mitternachtskino.de und ARTE zusammen. Und nun genießt einfach ein paar Filmbilder und versucht - für den Fall, dass Ihr den Film noch nicht gesehen habt - Euch einen Zusammenhang zu erschließen. Das hab ich damals nämlich versucht, als ich ein paar Bilder vom Film im Internet sah und keine Ahnung hatte, warum zum Beispiel die zwei Erwachsenen da jetzt mitten in der Handlung Pieds-Nickelés lesen...

Oh und nochwas: Juliane von Reigen postete vor einiger Zeit mal was über den Vor- und Abspann und die Einblendungen in Godards Filmen, die ja optisch immer ein Genuss sind, aber eigentlich nur noch mehr Verwirrung stiften...

WHAT IS CINEMA EXACTLY?

2011-04-18T09:13:00.003+02:00

Jean Paul Belmondo und Samuel Fuller in

PIERROT LE FOU [1965]

THE LOOK OF UNE FEMME EST UNE FEMME [1962]

2011-04-17T19:35:00.003+02:00

Noch ein Grund, warum mir Anna Karina von allen Frauen in Godards Filmen am liebsten gefällt ist ihr Kleidungsstil. Auch wenn man selten genau weiß, was von den Kostümen in einem Film wem gutgeschrieben werden darf, denke ich, dass Karina - zumindest in den Filmen Godards - ihren eigenen Stil durchsetzte, da sie ihn auch privat in dieser Weise zu pflegen schien. Ich glaube, dass die Kostümbildnerin in UNE FEMME EST UNE FEMME nicht mal im Abspann benannt wird, aber wie ich grade gelesen habe war es Jacqueline Moreau, die auch die Kostüme für den wunderbaren Film LES DEMOISELLE DES ROCHEFORT entwarf.

Obwohl Karina in UNE FEMME EST UNE FEMME gerade mal fünf Kostümwechsel hat (mit der kurzen Bademantel-Szene wären es sechs), hat er sich modisch ziemlich fest in das kollektive Gedächtnis verankert ("kollektives Gedächtnis" benutze ich ziemlich gern, fällt mir so auf...). Das hat einerseits sicher mit der Farbenpracht zu tun, die Godard in seinen (früheren) Filmen pflegte. Dominierend waren die vier Grundfarben Blau, Rot, Grün und Gelb, in diesem Film vor allem die ersten beiden. Nun ist die Farbsymbolik so allgemein und teilweise widersprüchlig, dass man hier nach Belieben selbst entscheiden kann, wofür die so akribisch gesetzten Farben im Film stehen sollen. Sicher macht der Blau-Rot-Kontrast optisch schon was her, vor allem vor dem weißen Hintergrund der Wandfarbe in der Wohnung des Pärchens. Aber im Film ist selten etwas zufällig, auch in einem Nouvelle-Vague-Film.

Filmtext interpretierte es zum Beispiel so: "Etwa der gekonnte Einsatz der Farben Rot und Blau zur Verfremdung und Ironisierung emotionaler Zustände - wie auch später in "Le Mepris" zu bestaunen."
Irgendwo las ich auch, dass Blau Weiß Rot einfach für die französische Nationalflagge stehen sollen, was ich kaum glaube, auch wenn Jean-Paul Belmondo hier in einer Szene die Flagge als Armbinde trägt und Godard-Filme oft einen gewissen Lebensstil repräsentieren oder parodieren, was aber eher dem amerikanischen als dem französischen entspricht.

Wenn wir schon dabei sind, können wir ja auch noch behaupten, dass der Blau-Rot-Kontrast für das männliche und das weibliche Geschlecht steht, aber wo sind wir denn hier!

Nein, eigentlich geht es nur darum, dass Anna Karina entzückend aussieht! Und was vor allem auffällt ist ihre Frisur, die in jedem Film ganz anders und sehr eigen ist! Der Pony ist bei Karina obligatorisch, aber hier trägt sie den Rest der Haare romantisch gewellt und oft hochgesteckt. Und manchmal - passend zu der kindlichen Art ihrer Rolle - verwendet sie kleine Schleifen, Haarreifen oder bindet die Haare zu zwei hohen Pferdeschwänzen, wie ein Püppchen.

Illustrationen von ree＊rosee

UNE FEMME EST UNE FEMME [1962]

2011-04-17T15:45:00.008+02:00

Kein Wunder, dass sich Nouvelle Vague Filme so großer Popularität erfreuen, wenn sie einfach so unglaublich entzückend, ästhetisch umwerfend und emotional so aufwühlend sind!
Warum Jean-Luc Godard und Anna Karina als meine Lieblings-Leinwandkonstellation dieses Genres seine Qualitäten am besten wiedergeben kann, liegt vor allem an Karinas Wandelbarkeit. Innerhalb weniger Jahre sind viele Filme vom Regisseur und seiner (ich nenne sie mal) Muse entstanden und auch wenn ihre Rollen darin viele Gemeinsamkeiten aufweisen, überrascht sie gerade optisch mit Vielseitigkeit. Ich liebe es einfach zuzuschauen, wie ihre Mimik sekundenschnell von einem unbeschwerten Lachen zu einem melancholischen In-die-Luft-starren übergeht, ganz so, wie die Handlung vieler Godard-Filme, die sich nicht zwischen Komödie und Tragödie entscheiden können. Starten wir nun also unsere Godard-Karina-Reihe!

UNE FEMME EST UNE FEMME, eine Frau ist eine Frau. Aber WAS ist eine Frau? Für Godard offensichtlich jemand, die die klischeehaften Gegensätze treue Hausfrau und erotischer Vamp in sich vereint. So wünscht sich Angela (Anna Karina) tagsüber nichts sehnlicher, als ein Kind von ihrem Gatten, während sie sich nachts in einem Tanzlokal auszieht und somit ihr Geld verdient. Klingt erstmal ziemlich abgedroschen. Und bevor man nun den guten Jean-Luc als sexistisches Arschloch abstempelt, sollte man sich den Film ansehen und entdecken, dass er mit dem Bedienen dieser Klischees genau das Gegenteil darstellen will.

Angela und die beiden Nebenrollen von Brialy und Belmondo sind zuallererst kleine Kinder in Erwachsenenkörpern, die miteinander spielen, beleidigt spielen, sich necken und lieben. Zwar arbeitet sie nachts in dem schlüpfrigen Tanzschuppen, dieser ist aber so gähnend leer und skurril, Angelas Kostüm so zuckersüß und ihr Tanz und Gesang so lieblich, dass jede verruchte, erotische Vorstellung verschwindet und man sich am liebsten auch in den Laden wünscht, um Karina zuschauen zu dürfen. (Hier noch ein paar weitere Screenshots der Szene!)
Und was ihre Rolle am Tag angeht, so scheint sie auch da nicht reinzupassen: Sie übt einen Beruf aus, ist sturköpfig, untreu... Sie wünscht sich so sehr ein Baby, doch dieser Wunsch gleicht hier eher dem eines kleinen Mädchens, dass eine Puppe zum Spielen haben will. Außer der Tatsache, dass sie eine Augenweide ist, widerspricht Angela allen sozialen Vorsätzen gegenüber der Frau in den 1960er-Jahren und stellt am Ende des Films doch fest, dass sie trotz allem eine Frau ist. Und dieses Gelöstsein von Konventionen wird augenzwinkernd beschrieben.

Ach, aber man sollte gar nicht so viel in den Film hineininterpretieren. Er ist so schön und macht einfach so viel Spaß! Filmtext lobt zum Beispiel treffend die "photographisch ausgefeilte und inhaltlich aufgeladene Bildästhetik. Etwa der gekonnte Einsatz der Farben Rot und Blau zur Verfremdung und Ironisierung emotionaler Zustände - wie auch später in "Le Mepris" zu bestaunen - und die charmant-witzige und manierierte Inszenierung der Darsteller."

Aber warum der Film nun eigentlich so gut ist? Kleinblutrot zählt auf:

1. Wegen Anna Karina.

2. Weil Godard die Regeln und Konventionen der geliebten Hollywood-Musicals durch den Schredder gedreht hat – zum Beispiel, indem er zwischendurch immer wieder die Musik einfach abdreht –, dennoch ständig auf sie anspielt und gleich mit dem nächsten Schnitt unverrichteter Dinge weiterzieht.

3. Weil es hier noch richtig Spaß macht, einen Godard-Film zu gucken und man ihn auch problemlos Leuten vorführen kann, die sonst schnell „Hilfe, Filmkunst!“ schreien und fortrennen.

4. Weil – bei aller gewollten Künstlichkeit – die Geschichte des Paares doch berührt.

5. Wegen der Jukebox-Szene, die, je nach Lesart, inmitten einer turbulenten Liebesbeziehung fast einer Beleidigung des Regisseurs für die Karina – seinen Star und seine spätere Ehefrau – gleichkommt. Sie sitzt mit Belmondo in einem Café, er wirft auf ihren Wunsch eine Münze in die Jukebox und spielt Charles Aznavour: Tu t’laisses aller (davon gab es auch eine deutsche Version unter dem Titel „Du lässt Dich gehen“). Darin beschimpft Aznavour seine Frau als biestig, dick, unattraktiv, desinteressiert und langweilig. Godard lässt das ganze Lied ausspielen (drei Minuten und vierzig Sekunden) und schneidet dazu immer wieder auf Karina, die ein Foto ansieht, auf dem ihr Mann mit einer anderen Frau zu sehen ist. Selten war eine Musikuntermalung ein so direkter Ausdruck des Seelenlebens. (Das Lied selbst ist übrigens auch toll.)

6. Die Szene, in der Anna Karina und Jean-Claude Brialy wegen eines Streits nicht mehr miteinander reden und sich mithilfe von Buchtiteln aus dem Regal Beleidigungen an den Kopf werfen.

7. Weil es ein absurdes Striptease-Lokal wie das, in dem Angela arbeitet, leider nicht mehr gibt: Eine knappe Handvoll gelangweilter Männer in einer länglichen Halle an Tischen mit karierten Decken, und dazwischen laufen die Mädchen auf und ab und singen ein Lied, während sie sich ausziehen. Und Angela nimmt diesen Job so ernst wie eine Künstlerin ihre Werke.

8. Überhaupt diese Dekonstruktion des Striptease!

9. Die Art, wie Brialy auf dem Weg zum Bücherregal die Stehlampe schultert (und wie er im Wohnzimmer Fahrrad fährt).

10. Wegen des Wortspiels am Schluss, das in der deutschen Synchronisation verloren geht: „Angela, tu es infâme!“ – „Non, je ne suis pas infâme, je suis une femme!“ („Angela, du bist infam!“ – „Nein, ich bin eine Frau!“)

Mehr Bilder auf Curious Mel.

AND ME? WHAT AM I?

2011-04-15T20:16:00.005+02:00

In der Hoffnung, es ein bisschen übersichtlicher zu gestalten, hab ich hier an einiger Stelle was verändert. Ist jetzt vermutlich optisch nur noch unüberschaubarer geworden, aber immerhin hab ich die drei Hauptkategorien dick und fett ganz oben hin platziert. Ihr findet also ab sofort alle Filme alphabetisch aufgelistet unter THE LOOK OF MOVIES AND SERIES, hier den LOOK OF THE DAY und neuerdings auch die Kategorie SUBTITLES, falls Ihr einfach mal ein paar weise Worte hören wollt, die im Kino gesprochen wurden.

Bevor ich hier in Köln gleich ins Filmhaus gehe, wo heute David Cronenbergs VIDEODROME läuft (ich erzählte ja bereits vom Programm "Something weird cinema"), gibt's ein Standbild, das meine kommende Filmreihe einläuten soll. Wer ist das, was ist sie und vor allem - welcher Film ist das? Na?

HEY HO, LET'S GO!

2011-04-14T14:11:00.004+02:00

Bestens gelaunt kehre ich nach viiiielen (zu vielen) Wochen der Abstinenz wieder zurück. Mit Grinsebacken, weil ich feststellen durfte, dass mich kein einziger Leser verlassen hat, obwohl es hier ja gar nichts zu lesen gab. Wo war ich? Keine Ahnung. Aber mit der vielen Zeit konnte ich mal einen notwendigen Abstand vom Bloggen nehmen, mir über dies und jenes Gedanken machen, mir neue Ideen einfallen lassen und mich richtig auf Köln und die Uni umstellen. Für Euch heißt das wieder regelmäßige und hoffentlich spannende Artikel und für mich wieder Spaß am Bloggen. Goody good good.
Passend dazu findet Proletkult neben all meinen deutschen Lieblingsblogs eine kleine Erwähnung in MAXIs BLOGROLL, mit Foto und einem kleinen Fragebogen zum Thema Mode, was Euch sicher riiiiesig interessiert!

In diesem Sinne nochmal ein herzliches Dankeschön, meine lieben, loyalen Leser!

♥♥♥

SOME OSCAR NOTES

2011-02-28T08:31:00.006+01:00

Ich lebe in der falschen Zeitzone. Es ist jedes Mal ein Kampf mit den Augenlidern, die Oscar-Verleihung durchzuhalten. Aber die interessantesten Preise hab ich noch mitbekommen, denke ich. Und abgesehen davon, dass dieses Jüngere-und-ältere-Generationen-sollen-in-Frieden-auf-Erden-leben ein bisschen genervt hat, war's doch mal wieder ganz unterhaltsam. Auf die Looks vom Roten Teppich einzugehen wäre wohl nur Zeitverschwendung, da gibt es so viele Blogs, die das professioneller als ich zusammentragen können. Aber eins dazu: CATE BLANCHETT IST 'NE BOMBE!

Und diese vergab auch gleich den Preis für die Besten Kostüme! Leise vorausgeahnt ging er natürlich an den opulenten Disney-Film ALICE IN WONDERLAND, in dem Colleen Atwood mal wieder ganz fabelhaft Tim Burtons crazy Vorstellungen umsetzte. Dennoch wär's doch cool gewesen, wenn mal wieder weniger aufdringlichere, dafür super-elegante und authentische Kostüme wie in I AM LOVE gewonnen hätten. Ich blicke jetzt mal nur zurück bis 2007 und komme zu dem Ergebnis, dass die Jury der Academy Awards auf ausgeweitete Kleider steht:

2007 - MARIE ANTOINETTE

2008 - ELIZABETH

2009 - THE DUCHESS

2010 - YOUNG VICTORIA

Und diese verweisen, wie wir wissen, auf ein gebärfreudiges Becken, was wiederum auf eine ziemlich veraltete und sexistische Weltansicht schließen lässt. Spaß. Aber dennoch waren die letzten Gewinner allesamt üppig ausgestattete Historienschinken und das ist dann doch irgendwie ermüdend.
Blicken wir also mal auf elegante und subtile Filmkostüme zurück, die - wie dieses Jahr I AM LOVE und BLACK SWAN - sich mit Hilfe von Modedesignern in das kollektive Gedächtnis eingebrannt haben. Dafür hat Style.com eine entzückende Rückblende gestaltet.

via nydailynews & style.com

LOOK OF THE DAY | BELLY BEARING

2011-02-02T07:01:00.005+01:00

Johnny Depp in A NIGHTMARE ON ELM STREET [Mörderische Träume], 1984

PROFESSION OF A COSTUME DESIGNER

2011-02-02T07:01:00.003+01:00

"the fun part
the sketching if you can
the shopping omg
getting things handmade is fantastic but . . .

I can tell you it is often a very thankless
and back breaking job unfortunately.
getting the clothes for the character right is one thing
but it does not stop there.

you are always the first one on set
and the last one to go home
often with loads of laundry to get done
and garments to mend.

one has to be quite creative with sewing skills
since things often fall apart on the spot
and if you're lucky you have a few seconds to fix things
before the director or the actor completely freaks out on you.
things get dirty sweaty bloody funky or
destroyed completely depending on the action
and you better have multiple choices of everything.

if you are lucky and you have assistants
who are capable in a daily crisis and
cover for you while you try to come up with solutions
you're lucky.
some designers leave everything to their assistants
and never show up on set
others have to do everything themselves.
it all depends on the size of the budget of the film
and how much they are willing to give to wardrobe.

the costume department although the most important in my opinion : )
( after all it is always the clothes that make a character in a visual medium )
is often the lowest on the totem pole in terms of respect.
it's frustrating and sad sometimes.

the results can be spectacular
but the stress can often overwhelm you.
just imagine a period movie with
hundreds of extras on location"

Myrella Mondriaan über den Beruf der Kostümbildnerin.

MYRELLA MONDRIAAN about CHRISTIANE F. - WIR KINDER VOM BAHNHOF ZOO

2011-01-30T13:31:00.005+01:00

Eine überraschende Mail landete in meinem Posteingang: Myrella Mondriaan, die für die Kostüme in CHRISTIANE F. - WIR KINDER VOM BAHNHOF ZOO verantwortlich war, landete zufällig auf proletkult und - das ist so cool - beschenkte mich mit kleinen Anekdoten und Fotoaufnahmen von den Dreharbeiten.

Myrella mit Colin Arthur (Make-Up) - Diese fabelhafte Jacke stammt übrigens aus einer Fernseh-Produktion, für die Mondriaan zu dieser Zeit arbeitete. Ein guter Grund, Kostümbildner zu werden: man nimmt sich die besten Klamotten einfach mit!

Babette Kirchhoff, Natja Brunckhorst, Colin Arthur und Myrella

Da Regisseur Uli Edel das letzte Wort bei den Kostümen hatte, konnte Myrella Mondriaan nicht immer bei der Wahl zustimmen. Dennoch kamen viele der Teile aus ihrem eigenen Kleiderschrank, von Freunden oder Familienmitgliedern. Und natürlich auch vieles von Sozialläden in Berlin, wie zum Beispiel die Bowie-Jacke, die Mondriaan selbst mit Buchstaben beklebte.
Das Ankleiden von Natja Brunckhorst erwies sich als schwierig, erinnert sich Mondriaan. "Natja was soo small we had to make fake silicon boobs for her so she could fill out the t-shirts a bit more. She was so skinny that often she had to wear thermals under her jeans."
Berlin war zu den Dreharbeiten, im November 1980, sicher nicht der wärmste Platz auf Erden. Und Mondriaan, die zu diser Zeit auch für die Schaubühne in Berlin arbeitete, wanderte schon kurz nach Fertigdreh nach Californian aus, wo sie bis heute lebt und arbeitet. Aber an ihren Lieblingsort, dem Kostümfundus, erinnert sie sich gern zurück. Auch mein Stadt-Tipp übrigens, nachdem ich ihn einmal bei einem Spaziergang entdeckte und mich darin verlor.
Übrigens, um den Zeitverlauf anhand der Haare darzustellen, wurden Natjas Haare tagtäglich aufs neue mit Farbe besprüht. An dem matten Resultat lässt sich das sogar etwas erkennen.

Kostümbesprechung mit Uli Edel (rechts), Kamermann Jürgen Jürges (links) und Myrella (mitte) - "I can't remember who the actor was we were discussing there. It might have been the original choice for Detlef who was a real 'druggie'... but too risky for the producer."

Myrella, Colin Arthur, Uli Edel und Natja Brunckhorst (mit dem Rücken zum Bild)

LOOK OF THE DAY | PERFECT WOMAN

2011-01-25T23:15:00.002+01:00

Pam Grier in JACKIE BROWN [1997]
via cat party