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Auch bei uns war die berechtigte Sorge vorhanden, dass Qualitäts-TV-Serien trotz Fanliebe und Kritiker_innenlob zunehmend verschwinden würden, die gegenüber unabhängig voneinander send- und konsumierbaren einzelnen Episoden entsprechend geringere Werbeeinnahmen erzielen und deshalb von den Sendern oft nicht genügend geschätzt werden. So gab es zwar immer wieder löbliche Versuche und Ausnahmen, die Mehrzahl der neuen Serien ist trotzdem immer häufiger dem Comedy Genre zuzuordnen.

Aber wir wurden überrascht – und wie! “Homeland” heißt die Perle der anspruchsvollen, gesellschaftskritischen und extrem fesselnden Qualitäts-TV-Serie, die durch eine Vielzahl überraschender Wendungen, überragende Schauspieler_innenleistungen und fantastische Bild- und Tonarbeiten glänzt. Dies stellt uns vor die Schwierigkeit, Homeland angemessen vorzustellen, ohne allzuviel von den zugrundeliegenden Handlungsbögen zu verraten.

“The nation sees a hero. She sees a threat.” – So lautet die Tagline von Homeland, die die grobe Serienidee beschreibt. Nach über 8 Jahren Gefangenschaft bei bei Al Quaida wird der Marine Nicholas Brody überraschend befreit und als heimkehrender Held gefeiert. Als Carrie Mathison, CIA Operations Officer beim Counterterrorism Center in einem Briefing davon erfährt, ist sie überzeugt, dass es sich bei ihm um einen für Al Quaida arbeitenden Agenten handelt. Carrie hatte vor Jahren von einem ihrer Informanten erfahren, dass Al Quaida einen us-amerikanischen Gefangenen in ihrer Gewalt hätte, der für sie arbeiten würde. Sie versucht, ihren Vorgesetzten von einer Überwachung zu überzeugen. Als dies scheitert, handelt sie auf eigene Faust und lässt von einem Freund, einem der wenigen, die sie hat, Brodys Haus verkabeln.

Gewissensbisse wegen Rechtsverletzungen hat sie keine, und trotzdem wird in keiner Szene von “Homeland” suggeriert, dass der Zweck die Mittel heilige. Danach werden wir Carrie oft vor den in ihrem Wohnzimmer aufgebauten Monitoren sehen, einsam und Kassandra gleich von ihrer Intuition überzeugt, die von der Angst vor einem neuen Anschlag gespeist wird, den sie mit allen Mitteln verhindern will.

Von den einheimischen Politikern als – Zitat – “Posterboy for the War” gefeiert, kehrt Brody nun nach 8 Jahren Isolationshaft und Folter schwer gezeichnet in ein nicht einfaches Umfeld zurück. Seine Frau Jessica, dargestellt von Morena Baccarin und bekannt durch “Firefly”, erhält seinen ersten Anruf, während sie mit seinem ehemals besten Freund im Bett liegt, der in der Zwischenzeit Brodys Stelle in der Familie eingenommen hatte. Obwohl beide kurz davor standen, ihre Beziehung offiziell zu machen, kehrt Jessica zurück und nimmt ihre alte Rolle an Brodys Seite wieder ein. Die beiden gemeinsamen Kinder erinnern sich kaum oder wenig an ihn, und während der 11jährige Chris eingeschüchtert reagiert, durchlebt Tochter Dana gerade ihre Pubertät, Alkohol und Hasisch inklusive. Familie, einer der großen traditionellen Institutionen, wird hier ungeschönt gezeigt. Alle bemühen sich, diesem Bild gerecht zu werden, aber die Risse lassen sich nur mühsam übertünchen.

Nicholas Brody versucht, nach außen hin stabil zu erscheinen und den Anforderungen an sein durch die Armee geprägtes Selbstbild gerecht zu werden. Dabei sehen wir genau wie Carrie an ihren Monitoren – Brody ist stark traumatisiert. Seinen ersten Tag allein in Freiheit verbringt er zusammengekauert in einer Ecke des Schlafzimmers, er hat Alpträume und schläft neben dem Bett. Später schlägt er einen Reporter zusammen, der versucht ihn zu fotografieren.

Aber wir sehen auch Dinge, die Carrie verborgen bleiben. In körnig erscheinenden Rückblenden werden immer wieder Details mit teilweise extremen Grausamkeiten aus der Vergangenheit Brodys enthüllt. Einige stützen seine Erzählungen, andere werden als Lügen entlarvt.

Dabei ist nicht klar, inwieweit Carrie sich selbst und wir ihren Überzeugungen trauen können. Ihre manische und unglamouröse Besessenheit speist sich nicht nur aus ihren Erfahrungen, sondern auch aus einer bipolaren affektiven Störung (früher unter dem Namen “manisch-depressiv” bekannt), die sie vor ihrem Arbeitgeber geheimhält, um nicht als “unfit for the job” entlassen zu werden. Die Tabletten erhält sie von ihrer Schwester, die ihrer Wahl der Selbstmedikation mehr als kritisch gegenübersteht.

Die 1. Staffel hält die Spannung der tagline – “The nation sees a hero. She sees a threat.” aufrecht, in dem sie konsequent nicht nur mit den Erwartungen der Zuschauer_innen spielt, sondern auch die handelnden Personen immer wieder aus der Bahn wirft und ihre sicher geglaubten Erkenntnisse auf den Kopf stellt.

“Homeland” lotet die innere Zerrissenheit zwischen dem “Kampf gegen Terror”, dessen Paranoia und der “Freiheit des Westens” aus. Die Macher der Serie, die vorher bei “24” gearbeitet hatten, (eine Serie, in der Folter und Brutalität übel als notwendig gerechtfertigt dargestellt wurden) zeigen hier die Kompromisse, die Washington täglich trifft und die PR, um die Öffentlichkeit auf ihrer Seite zu halten. “Homeland” lässt in keiner Sekunde die Einbußen der Menschlichkeit und sicher geglaubten Werte vergessen, die ein Krieg fordert.

Und hier setzt auch eine Kritik an “Homeland” an: als Motiv des Terrors wird an verschiedenen Punkten der Serie Rache für erlittenes Leid gezeigt, ganz so, als ob der Jihad mit seinem Hass auf den Westen und seine Liebe zum Tod nicht ausnahmslos uns alle zu treffen versucht, und eben nicht nur Soldaten, wo das Motiv “Rache” unter Umständen Bestand haben könnte. Selbst dann wäre eine Glorifizierung Carries, der CIA und des “Kampfes gegen den Terror” in “Homeland” nicht eingetreten.

Getragen wird die Serie von überragenden und komplexen Schauspielerdarstellungen. Hier ist niemand nur gut oder böse, die Zerrissenheit ausnahmslos aller ist fast immer deutlich. So sehen wir auch potentielle Verräter und Karrieristen auf Seiten des Staates und der CIA, während potentielle Bedroher_innen des fragilen Friedens – der eben gar nicht existiert – ebenfalls nuanciert dargestellt werden.

Die Frage nach dem Bechdel-Test stellt sich wohltuenderweise gar nicht. Eine Vielzahl von starken Frauenpersonen spielt in “Homeland”, eine genauere Untersuchung dieser Figuren werden wir bei previously senden, wenn ihr alle die 1. Staffel von Homeland gesehen habt. Zurecht wurde die Serie als Bestes neues Drama mit dem Golden Globe ausgezeichnet, während Claire Danes als beste Schauspielerin geehrt wurde.

Die erste Staffel wurde kurz nach dem 10. Jahrestag von 9/11 ausgestrahlt und lief bis Mitte Dezember. Auch wenn wir in unserer Besprechung heute nicht mehr verraten wollten, gesagt sei soviel:- im Serienfinale wurden nicht alle Fragen beantwortet, und es bleiben genügend Spuren, um eine 2. interessante Season vorstellbar zu machen.

Viel versprechend bezog sich der einer der Schöpfer der Serie, Alex Gansa, auf auf eines der ganz großen Dramen, als er über die nächste Staffel sprach: – Zitat – “Ohne zuviel verraten zu wollen denke ich, dass es anders sein wird, so wie alle großen Serien jedes Jahr verschieden waren. Denkt an “The Wire”. Sie erfand sich jedes Jahr neu.”

Von September bis Dezember 2011 strahlte HBO die zweite Staffel von “Boardwalk Empire” aus. Das Staffelfinale war für viele Serienfans ein Schock. Wie wir es bereits von anderen HBO-Qualitätsproduktionen kennen, wird für eine glaubhafte Story auch auf Hauptdarsteller keine Rücksicht genommen. Mehr wird nicht verraten, um allen, die die 2. Staffel noch sehen wollen ein überraschendes Finale zu sichern. Gelegenheit die 2. Staffel zu sehen, gibt es im Übrigen ab 29. Februar beim deutschen Bezahlsender TNT, wahlweise in deutscher oder englischer Sprachfassung.

Boardwalk Empire – die TV-Serie über das organisierte Verbrechen in der Amüsierstadt Atlantic City zu Zeiten der Prohibition weist einige interessante Protagonisten auf. Dazu zählen Arnold Rothstein, Meyer Lansky und Bugsy Siegel. Alle drei Figuren gehen auf reale Personen zurück. Sie gehörten zur Kosher Nostra – dem jüdischen Gegenstück zur italienischen Cosa Nostra. Die Kosher Nostra entstand im Zuge der  Einwanderung aus Osteuropa im späten 19. bis frühem 20. Jahrhundert. Zwei Millionen osteuropäische Jüdinnen und Juden, die meisten aus Russland, zogen in die Städte der Ostküste und des Mittleren Westens. Das goldene Zeitalter der Kosher Nostra – wie auch für alle anderen Mobster-Gruppen – brach 1920 mit der Prohibition an. Alkohol musste hergestellt, transportiert, verteilt, Territorien mit Waffengewalt geschützt werden.

Arnold Rothstein – legendärer Zar der Unterwelt – hatte seine Finger im illegalen Spiel, finanzierte neben dem Alkoholhandel auch Drogengeschäfte, verlieh Geld an Firmen und kaufte Richter wie Politiker. Meyer Lansky und Bugsy Siegel wuchsen beide im New Yorker Williamsburg auf, waren als “Bugs and Meyer Mob” bekannt und verlagerten nach Ende der Prohibition ihre Aktivitäten hin zu Auftragsmorden und ins Glücksspielbuisness. Bis zu 70 Prozent des Alkoholschmuggels in New York beherrschte die Kosher Nostra. Ihr illegal erworbenes Vermögen musste gewaschen werden. Es wurde daher großzügig in Radiostationen, Musikclubs, Revuetheater und in die Schallplattenindustrie investiert.

“Jewish Gangster Greatest Hits” haben der Musikproduzent Shantel und der israelisch-österreichische Künstler Oz Almog aufgespürt und im vergangenen Jahr auf einem Album herausgebracht. Es handelt sich um eine Sammlung von Swing, Jiddish Jazz und Rock’n'Roll aus den 1920er bis 1960er Jahren. Dem dazugehörigen Booklet können umfangreiche Informationen über die Geschichte der Kosher Nostra und der Künstler_innen entnommen werden. Berichtet wird auch über den Schutz der Häfen, die der US-Geheimdienst zu Beginn des 2. Weltkrieges gemeinsam mit Lucky Luciano und Meyer Lansky organisierte. Die US-Marine leugneten zwar nach Kriegsende jede Mitwirkung der  Mafia an militärischen Aktivitäten der USA, offizielle Untersuchungen kamen aber zu anderen Ergebnissen.

Für den Aufbau des Staates Israel leisteten die jüdischen Gangster, insbesondere Siegel umfangreiche finanzielle Unterstützung, bevor – mit dem Tod der meisten Beteiligten – die Ära der Kosher Nostra zu Ende ging. Anders als beim organisierten Verbrechen anderer Minderheiten war die Kosher Nostra das Phänomen nur einer Generation. In den 1950er Jahren zogen Jüdinnen und Juden aus den verarmten und herunter gekommenen Stadtvierteln in die Vorstädte und schickten ihre Kinder auf Universitäten.

Aber zurück zu Boardwalk Empire: Leider wird den Nebenfiguren nicht die gleiche umfangreiche Aufmerksamkeit zuteil, wie der Glaubhaftigkeit der Story und der Entwicklung der Hauptfiguren. Augenscheinlich ist dies bei der Figur der Angela Darmody. Ihre Beziehung zu Mary Dittrich wird mit deren Weggang nach Paris abrupt beendet. Kurz zuvor war überraschend Angelas im 1. Weltkrieg verschwunden geglaubter Verlobter und der Vater ihres Kindes nach Atlantic City zurückgekehrt. Angela und Jimmy Darmody entscheiden sich zunächst dafür zusammen zu bleiben, realisieren aber beide gegen Ende der 2. Staffel, dass sie sich eigentlich nicht lieben. Etwa zu dieser Zeit lernt Angela Louise kennen.

Dass die beiden bereits in der übernächste Folge erschossen werden, kann man für eine tragischen Zufall halten – andere nennen es “killed by lazy writing”. Denn nur weil Angela nicht in die Rolle der Ehefrau von Jimmy Darmody passt, muss man sie nicht gleich sterben lassen. Sie hätte erstens eine eigene Geschichte verdient und zweitens spielte Atlantic City eine wichtige Rolle im Kampf um Gleichberechtigung von Homosexuellen. Dieser Umstand kann den Drehbuchschreibern bei ein bisschen Beschäftigung mit der Stadtgeschichte eigentlich nicht entgangen sein. Offenbar ist dieser Aspekt aber nach deren Einschätzung nicht wichtig genug um erzählt zu werden, weshalb wir es hiermit tun:

Der 1854 gegründete Kurort Atlantic City entwickelte sich schnell zu einem beliebten Ferienresort. Der Historiker Bryant Simon beschreibt sie in seinem Buch “Boardwalk Dreams: Atlantic City and the Fate of Urban America” als die erste Stadt, die aus dem Nichts errichtet wurde und ausschließlich der Produktion und dem öffentlichen Konsum von Unterhaltung diente. Von Beginn an wurden auch schwule Männer und lesbische Frauen von der weltgrößten Strandpromenade angezogen. Ab den 1920er Jahren gab es Drag Shows und einzelne Schwulen-freundliche Bars. Diese Entwicklung verstärkte sich während des 2. Weltkrieges. Das Militär trainierte an den Stränden von Atlantic City für den D-Day – den Tag der Landung alliierter Truppen in der Normandie. Soldaten aus den gesamten Vereinigten Staaten bevölkerten den Boardwalk, die Kinos, Restaurants und Clubs. Wie überall eröffnete auch in Atlantic City die Mobilmachung einen Freiraum. Fern von Überwachung durch Eltern und Nachbarn hatten junge Frauen und Männer Gelegenheit ihre Sexualität und ihr Begehren zu erkunden. Und einige von ihnen fanden ihren Weg in die Bars der New York und Westminster Avenue. Nachdem die Soldaten die Stadt verlassen hatten, kehrten die Tourist_innen zurück und das homosexuelle Leben in Atlantic City entwickelte sich und wurde sichtbarer.

Dennoch oder gerade deshalb blieben die Bewohner und Gäste Atlantic Citys nicht vom Nachkriegs-Backlash gegen Homosexualität verschont. Mit der erstarkenden Angst vor dem Kommunismus wuchs auch die Repression gegen lesbische Frauen und schwule Männer. In den frühen 1950er Jahren beteiligte sich die Alcohol Beverage Control – eine staatliche Regulierungsbehörde die den Ausschank von Alkohol überwachte – am Kampf gegen homosexuellenfreundliche Bars. Die ABC sorgte ab 1953 für die zeitweilige Schließung von Val’s – einer kleinen Bar, die in einer ehemaligen Autowerkstatt Ecke New York – Pacific Avenue untergebracht war. Während einer zweiten Kampagne 1966 organisierte die Behörde Undercover-Besuche und ordnete schließlich 1967 die Schließung der Bar an, weil in Val’s Männern das Miteinander Tanzen erlaubt war. Die Betreiber beschlossen, dies nicht hinzunehmen und annoncierten in Tageszeitungen, dass die Bar geöffnet bleibt. Und sie entschieden sich noch einen Schritt weiter zu gehen und brachten die ABC vor Gericht. Dabei wurden sie von der Homosexual Law Reform Society unterstützt. Der Fall “One Eleven Wines and Liquors, Inc.” v. “Division of Alcoholic Beverage Control” durchlief die Gerichte New Jerseys bis vor das Oberste Bundesgericht.

Dieses kam – für viele überraschend – zu dem Urteil, dass “sich sittsam verhaltenden Homosexuellen der Zugang zu Bars nicht verboten werden darf”. ABC wurde außerdem untersagt, Bars, in denen sich Homosexuelle aufhalten dürfen die Ausschanklizenz zu entziehen. Im Zuge dieses Erfolges vor Gericht wurde Val’s ein regionales Symbol homosexuellen Widerstands gegen staatliche Repression. Fortan pilgerten Homosexuelle aus Städten der gesamten Ostküste nach Atlantic City um Val’s einen Besuch abzustatten. Vor der kleinen Bar bildete sich allabendlich eine lange Schlange Wartender. Bryant Simon interpretiert diese überwältigende Resonanz auf den Sieg von Val´s als aufschlussreichen Vorboten für die Entschlossenheit, den staatlichen Schikanen entgegenzutreten, wie sie zwei Jahre später im Zusammenhang mit den Razzien im Stonewall Inn in New York zum Ausdruck kam.

„Seit langem fühlen wir uns [...] angezogen von weiblichen Charakteren, die versuchen, ihren Weg im Dickicht von Sex und Sexualität, Lust und Romantik, Kraft und Macht, Lebensentscheidungen und Identitäten zu finden und auch darüber zu sprechen, während sie innerhalb einengender narrativer Welten funktionieren, in denen ihnen nichts geschenkt wird.“ *

Diese Aussage, die von den Medienwissenschaftlerinnen Kim Akass und Janet McCabe vorzugsweise auf HBO-Serien bezogen wurde, welche in der US-amerikanischen Gesellschaft der Gegenwart angesiedelt sind, gilt umso mehr für das historische Setting der Western-Dramaserie Deadwood, die von 2004 bis 2006 von besagtem Sender produziert und ausgestrahlt wurde.

Die heutige Kleinstadt Deadwood in South Dakota wurde 1876 auf exterritorialem Siouxgebiet als Zeltlager von Goldgräbern und Abenteurern gegründet. Zur Infrastruktur der ersten Stunde gehörten neben Gastwirtschaft, Hotel und Postamt gleich mehrere Saloons und Bordelle. Das bekannteste davon, das „Gem Theatre“, ist zentraler Schauplatz der Fernsehserie Deadwood, die von der Entstehung dieses Ortes erzählt und dabei US-amerikanische Frontier-Geschichte mit Fiktion vermischt. Viele der Charaktere basieren auf historischen Figuren, wie der Besitzer des Gem Theatre Al Swearengen, der spätere Sheriff Seth Bullock, der Revolverheld Wild Bill Hickock und die Westernheldin Calamity Jane. 

Die deutliche Mehrheit der zu jener Zeit in Deadwood ansässigen Frauen waren Prostituierte, die folgerichtig auch in der Serie einen Großteil der weiblichen Charaktere ausmachen. Ob und wie es die Serie schafft, diesen Figuren trotz einer per se einen Objektstatus anzeigenden Tätigkeit Integrität und Subjektivität zu verleihen, wollen wir im Folgenden nachgehen. Dazu werden wir die vier zentralen Frauenfiguren der Serie vorstellen: die Prostituierte Trixie, die Goldminenbesitzerin Alma Garret, die Bodellbetreiberin Joanie Stubbs und die Westernheldin Calamity Jane.

Trixie (Paula Malcomson) arbeitet im Gem Theatre als Prostituierte und tritt im Allgemeinen sehr freimütig, großmäulig und vulgär auf. Sie ist Favoritin und enge Vertraute von Bordellbesitzer Al Svearengen (Ian McShane), zu dem sie sich zu Serienbeginn jedoch in einer nahezu vollständigen Abhängigkeit befindet – ökonomisch, physisch und psychisch zugleich. Obwohl er sie regelmäßig schlägt, kehrt sie immer wieder zu ihm zurück. Erst im Laufe der Serie stellt sich heraus, dass dieses Abhängigkeitsverhältnis durchaus beidseitig besteht. Dahingegen wird sehr schnell deutlich, dass Trixie hinter ihrer harten Schale einen wenn nicht unbedingt weichen, so doch sehr sozialen Kern verbirgt, kombiniert mit einem ausgeprägten Hang, sich in anderer Leute Angelegenheiten einzumischen. Im Übrigen erfahren wir nie ihren Nachnamen. Als sie bei der feierlichen Eröffnung der Bank of Deadwood als erste Einzahlerin ihren vollen Namen angeben soll, antwortet sie mit „Trixie, the Whore“.

Alma Garret (Molly Parker) begleitet ihren Ehemann Brom Garret (Timothy Omundson) aus der New Yorker High Society nach Deadwood, der dort das große Goldrauschabenteuer sucht. Gleichzeitig gelangweilt wie angewidert von den Verhältnissen vor Ort frönt sie ihrer Laudanumabhängigkeit, bis sie durch den Mord an ihren Mann, der sich wegen eines faulen Claimhandels mit Svearengen angelegt hatte, aus ihrer Passivität herausgerissen wird. Nunmehr Witwe erfährt sie, dass der von ihrem Mann gekaufte Claim entgegen den eigentlichen Annahmen Svearengens eine überaus reiche Goldmine enthält. Zur Verwaltung ihres neuen Besitzes und auch aufgrund ihrer heimlichen Liebe zu Sheriff Seth Bullock beschließt Alma, in Deadwood zu bleiben. Nach einem Drogenentzug betätigt sie sich nun als erfolgreiche Geschäftsfrau, wenn auch ständig bedroht von der Familie ihres verstorbenen Mannes, die ihr den Mord anhängen will, um selbst an die große Beute zu kommen.

„Calamity Jane“ (Robin Weigert) ist von den Frauenfiguren die einzige historisch verbürgte Figur. Die Westernheldin, ein ehemaliger Scout von General Custer, zeichnet sich weit mehr noch als Trixie durch besonders raues und rüpelhaftes Verhalten aus, zudem hat sie ein massives Alkoholproblem. Trotz ihrer Trunksucht verhält sich Jane gegenüber Hilfebedürftigen ungemein fürsorglich, herzlich und aufmerksam, ihre Figur zeigt insgesamt hohe moralische Standards. Ihr sozialer Status in Deadwood ist jedoch unklar: Von den meisten wird sie einfach nur geduldet, von einigen wegen ihrer sozialen Ader geschätzt, von anderen wiederum manchmal als Mannweib verspottet. Dass es gerade ihre gesellschaftliche Randposition ist, die ihr Freiheiten und Spielräume gewähren, die den meisten Frauen (nicht nur) in Deadwood verwehrt bleiben, zeigt sich besonders  in der Szene, in der sie mit Samuel Fields (Franklyn Ajaye), einem schwarzen ehemaligen Soldaten der Nordstaatenarmee, am helllichten Tage in der Öffentlichkeit die Schnapsflasche teilt…

Joanie Stubbs (Kim Dickens) kommt zusammen mit Cy Tolliver (Powers Boothe) nach Deadwood, um ein Bordell der gehobeneren Klasse zu eröffnen. Obwohl sie lesbisch ist, verbindet sie mit Cy eine langjährige Beziehung, in der sie sich jedoch zunehmend unwohl fühlt. Cy, obgleich in seinem Charakter weitaus soziopathischer angelegt als sein Rivale Swearengen, unterstützt Joanie zunächst in ihren Bemühungen, in Deadwood ein eigenes Bordell zu eröffnen und sich damit von ihm unabhängig zu machen. Dieses Unterfangen misslingt zwar auf eine äußerst entsetzliche Weise – zwei ihrer Angestellten und ihre Geschäftspartnerin werden von einem sadistischen Freier ermordet – jedoch kehrt Joanie nicht zu Cy zurück und lässt stattdessen das Bordell zu einer Schule umbauen. Dazu freundet sie sich mit Calamity Jane an, mit der sie schließlich auch eine Romanze beginnt.

Wie mit dieser Beziehung von Joanie und Jane bereits anklingt, sind die Lebensumstände und Wege dieser vier Frauen vielfältig miteinander verwoben. Den Ausgangspunkt für das im Laufe der Serie entstehende Netzwerk bildet die Sorge um das Mädchen Sophia (Bree Seanna Wall), das als einzige den von Svaerengens Schergen verübten Überfall an ihrer Familie überlebt. Alma Garret nimmt das traumatisierte Kind in ihre Obhut. Trixie, die eigentlich im Auftrag Svaerengens die Witwe ausspionieren und ihr noch dazu hochdosiertes Laudanum verabreichen soll, hilft Alma stattdessen beim Drogenentzug. Auch später springt sie immer wieder ein, sobald Alma in Bedrängnis gerät – so bei deren aus der Affäre mit dem verheirateten Seth Bullock (Timothy Olyphant) resultierenden Schwangerschaft.

Als Almas Vater Otis Russel (William Russ) nach Deadwood reist, um sie durch Erpressung zum Herausgeben der Goldmine zu bewegen, sorgt Seth Bullock, der Alma in Geschäftsangelegenheiten berät, dafür, dass Russel in einem äußerst desolaten Zustand die Stadt bald wieder verlassen muss. Alma bekommt daraufhin überraschend Besuch von Joanie Stubbs, die ihr die herausgeschlagenen Zähne ihres Vaters überreicht. Die Tochter, die zwischen Erleichterung und Gewissensbissen hin und her gerissen ist, wird von Joanie, der von ihrem eigenen Vater übel mitgespielt wurde, getröstet…

Was in dieser Szene besonders deutlich zum Vorschein kommt, prägt das Beziehungsgefüge der Frauen insgesamt: eine Solidarität, die von einer grundlegenden gegenseitigen Sympathie getragen wird, die sich um etwaige Standesgrenzen nicht schert. Dabei fällt auf, dass der Aktions- und Handlungsspielraum der Frauen eher konträr zu ihrem sozioökonomischen Status liegt: durchgängig am aktivsten greift die einfache Prostituierte Trixie in die Belange ihrer Umwelt ein, während die reiche Geschäftsfrau Alma immer wieder in die Defensive gerät und auf die Hilfe der anderen – Frauen wie Männer – angewiesen bleibt.

Doch wiederum gerade bei Trixie und – wenn auch in abgeschwächter Form – auch bei Joanie zeigen sich die impliziten Regeln der Her- und Darstellung weiblicher Subjektivität, die nicht nur mit einer sukzessiven Erweiterung ihres Handlungsspielraums einhergeht – so lernt Trixie Buchhaltung und wird kurzzeitig auch in der Bank von Deadwood angestellt – sondern mit einer gleichzeitigen Abkehr der Darstellung ihrer ursprünglichen Arbeit, der Prostitution. Bei den beiden Prostituierten, die ausführlich und komplex porträtiert werden, handelt es sich also genau genommen um „Aussteigerinnen“. Im Gegensatz dazu treten die aktiven Prostituierten außerhalb ihrer Arbeit kaum in Erscheinung. Ihr Objektstatus wird somit über eine  weitgehend oberflächlich und anonym bleibende Inszenierung bestätigt.

* aus: Kim Akass, Janet McCabe: Was hat HBO je für die Frauen getan? Annäherung an eine feministische Kritik des Fernsehens. In: Christoph Dreher (Hg): Autorenserien. Die Neuerfindung des Fernsehens, Stuttgart 2010, S. 251-285.

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Der Herbst ist da, und anstatt auf den Straßen abzuhängen und mit Freundinnen Bier zu trinken, wird es wieder Zeit, sich mit der Katze auf dem Sofa in eine Decke zu kuscheln und das Serienuniversum nach neuen, vielversprechenden Serien zu scannen.Doch bevor wir zu den ganz neuen Serien kommen: die sommerliche Midseason brachte uns die 3. Staffel von “United States of Tara”, in der alle Erzählstränge und innerfamiliären Konflikte zunehmend dramatischer wurden. Ein offenes Ende ließ trotzdem vorsichtigen Optimismus für Tara, die von einer dissoziativen Identitätsstörung betroffene Protagonistin, keimen. Die bislang beste, leider aber auch letzte Season.

“Nurse Jackie“, bisher immer im Doppelpack mit “United States of Tara” ausgestrahlt, überzeugte uns nicht ganz. Jackies Doppelleben als Medikamentenabhängige Krankenschwester, die in den ersten beiden Staffeln zwischen Affäre und Familienleben entlang schlitterte, ließ uns zwar nicht gelangweilt, aber auch nicht mit überraschenden Wendungen zurück. Der Cliffhanger des Seasonfinales – der hier natürlich nicht verraten werden darf – eröffnete dann aber neue Wege für interessante Entwicklungen, die auf eine gute 4. Staffel hoffen lassen, die die Serie zu neuen Höhenflügen führen könnten.

Gut unterhalten hat uns das “Glee Project“, in dem für eine Rolle in “Glee” ähnlich wie in anderen Casting Shows verschiedenen Kandidat_innen nicht nur gegen-, sondern auch miteinander antraten. Wohltuend war dabei, dass die sonst so entwürdigende Zurichtung und Normierung hier keine Rolle spielten, und die Teilnehmer_innen mit großem Respekt behandelt worden. Folgerichtig gab es dann im Finale überraschenderweise 2 Sieger, und auch die beiden anderen Finalist_innen wurden mit wenigstens kleinen Gastrollen belohnt.

Das war also der Sommer. Angekündigt waren ja für die Fall Season 2011 eine ganze Menge von Serien, die auf dem Erfolg von Mad Men aufbauend in die 60er Jahre des vergangenen Jahrhunderts spielen würden, ergänzt um einige Remakes erfolgreicher Serien aus dem letzten Jahrhundert. Nun hat sich die Spreu vom Weizen getrennt – einige unserer Befürchtungen wurden bestätigt, aber es gab auch positive Überraschungen:

Zum Glück bringt die Unterschätzung der Intelligenz von Fernsehzuschauer_innen, die hierzulande als Begründung für die immerwährende Flut von schlechten Formaten herhalten muss, in der us-amerikanischen Fernsehlandschaft nicht immer das gewünschte Ergebnis.

“Charlie’s Angels” wurde nach nur 4 ausgestrahlten Folgen abgesetzt. Im Vorfeld waren bereits erhebliche Zweifel laut geworden, ob eine Serie nach einem schlechten Film auf Grundlage einer in den 1970er Jahren erfolgreichen Serie irgendwie interessant sein könnte. Vernichtend waren dann die Urteile, die an der Zurechnungsfähigkeit eines schauspielerisch unmöglichen Casts und konfusen Plots zweifelten.

Klar auf der Welle von Mad Men schwimmend, wurde “The Playboy Club” als provokative neue Serie angekündigt. Nachdem Mad Men sich mit den Umbrüchen der us-amerikanischen Gesellschaft und auch dem verändernden Rollenbild der Frauen auseinandersetzt, und dieser Subplot eine Komplexität zeigt, die weit über die Vorgänge in der Werbeagentur reicht; fühlten sich die Macher des “Playboy Club” verpflichtet, in ihrem Club den immanenten Sexismus der Serie mit den Hinweisen auf die Stärke von Frauen und die Möglichkeiten auf ihre Selbstverwirklichung im Club zu entkräften. Viel mehr als das Argument Gehalt, dass hier Frauen in weit größerer Höhe als damals sonst üblich gezahlt wird, fällt den Serienautoren jedoch nicht ein.

Am Anfang des Piloten bekommen wir von der Stimme aus dem off erklärt, dass hier Phantasien Realität wurden. Folgerichtig wird eine der Frauen direkt im Anschluß Opfer einer versuchten Vergewaltigung, derer sie sich nur durch den Totschlag ihres Angreifers mit ihrem Stöckelschuh erwähren kann. Und auch, wenn folgender Dialog einfach eine beschissene Einstellung gegenüber den Frauen im Club widerspiegelt: Finden wir das unterhaltsam? Natürlich nicht, thank you for asking:

[Ausschnitt (nur in audio-version)]

Absurd auch der kleine Nebenplot, der enthüllt, dass eine der Bunnies lesbisch ist und mit ihrem hohen Gehalt eine Gruppe von Lesben und Schwulen unterstützt, die gegen ihre gesellschaftliche Diskriminierung kämpfen wollen, und die mit einem Schwulen eine Scheinehe eingegangen ist. Als sie eine der Bunnies für einen Photowettbewerb des Playboy fotographieren soll, kann sie diese kaum ansehen. Was soll uns hier suggeriert werden? Dass Lesben sich – genauso wenig wie Männer – im Griff haben, wenn sie halbnackte Frauen sehen, weil diese durch ihre offenherzige Erscheinung allgemeines Verfügungsgut werden? Wenn im Jahre 2011 derartige Suggestionen als neu und provokant verkauft werden sollen, können wir nur zur Teilnahme an den Slutwalks aufrufen!

Gegen Ende des Piloten wird es richtig zynisch: während uns die – gespielte – Stimme des Playboy Gründers Hugh Heffner allen Ernstes weismachen möchte: “Bunnies were the only women who could be what they want.”, sehen und hören wir im Hintergrund Tina Turner, schemenhaft ist auch ihr Mann Ike zu erkennen. Die Gewalttätigkeit ihrer Ehe, in der Tina Turner von ihrem Ehemann geschlagen und vergewaltigt wurde, ist bekannt.

Nicht nur uns wurde dabei schlecht. Auch die Rechtfertigungsversuche, die Möglichkeit des Geldverdienens und daraus resultierender wirtschaftlicher Unabhängigkeit als eine Spielart des feministischen Kampfes zu verkaufen, scheiterte. Nach 3 Episoden wurde die Serie abgesetzt.

Auch die Serie Pan Am ist in den 1960er Jahren angesiedelt und verfolgt das Schicksal einiger Stewardessen. Während die ersten Spots mit Lines wie “Sie machen alles. Und sie machen es in 30.000 Fuß Höhe.” das Schlimmste vermuten ließen, waren wir dann doch überrascht. Neben den Stewardessen, die ihren Job als Möglichkeit für die Suche nach einem Ehemann verstehen, sind die Protagonistinnen dann doch komplexer gezeichnet. So sehen wir Maggie Ryan, gespielt von Christina Ricci, zuerst in ihrem Brooklyner Appartment vor einem Bücherregal, in dem auch Hegel und Marx stehen, die erklärt: “Ich sehe die Welt, um sie zu ändern.”

Kelli Garner spielt als Kate Cameron eine dreisprachige, starke Frau, die in der Pilotfolge vom CIA als Undercover Agentin für Kurierdienste verpflichtet wird. Sie akzeptiert.

Kate hat auch ihrer Schwester Laura geholfen, kurz vor ihrer Hochzeit zu entfliehen, die nun ebenfalls als Stewardess unterwegs ist. Teil der Story ist immer auch der historische Hintergrund, seien es die Schlacht in der Schweinebucht oder Kennedys berühmte Rede mit dem Slogan “Ich bin ein Berliner.” Hier wird deutlich, dass Westdeutschland als Allierter im Kalten Krieg gebraucht wurde, und damit die Naziverbrechen im politischen Tagesgeschäft vergessen waren.

Colette Valois, eine französische Stewardess, von Karine Vanasse als 4. der Protagonistinnen dargestellt, die als Einzige ihrer Familie die Okkupation Frankreichs durch die Deutschen überlebte, verweist auf diesen Zusammenhang. Auf einem Botschaftsempfang in Berlin, auf dem die anderen unbedingt den us-amerikanischen Präsidenten treffen wollen, sorgt sie für unbehagliche Gesichter der Diplomaten, als sie mit brüchiger Stimme die 1. Strophe der deutschen Nationalhyme – “Deutschland, Deutschland über alles” singt. Wir sind gespannt, wie die deutsche Synchronisation damit umgehen wird, falls die Serie hierzulande ausgestrahlt wird.

Die zwei männlichen Protagonisten bleiben eher blass im Hintergrund. Es gibt viele Verweise auf die tatsächliche Situation der Frauen jener Zeit: entwürdigende Gewichtskontrollen, Kleidungsvorschriften, der Verlust des Jobs bei einer Heirat. Dennoch haben die ersten ausgestrahlten Folgen von “Pan Am” unser Interesse geweckt, wir werden sehen, ob sich eine tiefere Interpretation der Serie für previously lohnt. Oder ob “Pan Am” uns einfach unterhalten wird und die Zusammenfassung von Stacey Wilson, Senior Editor beim Hollywood Reporter eigentlich bereits alles sagt hat: “Diese Charaktere an der Frontlinie des Sexismus zu sehen, erfüllt mich mit Schock und Erleichterung…Es gibt uns die Möglichkeit, die Errungenschaften unserer Zeit wirklich zu schätzen.”

Gefeiert wurde ja im Vorfeld der im Vergleich zur letzten Season stark gestiegene Anteil von weiblichen Serienautoren und die wesentlich höhere Anzahl von weiblichen Hauptdarstellerinnen. Natürlich ist Weiblichkeit erst einmal keine Qualitätsmerkmal. Wir hatten jedoch die Hoffnung, dass eine ausgewogenere Verteilung eine größere Anzahl auch für uns interessanter Seriensujets hervorbringen möge. Dies bezog sich auf Comedies, die weiter auf dem Vormarsch sind.

Auf feministischen Seiten und in TV-Foren freuten sich alle auf die neue Comedy “Whitney“. Geschrieben hat und gleichzeitig die Hauptrolle spielt wird die amerikanische Komikerin Whitney Cummings. In der Serie porträtiert sie die weibliche Hälfte eines Paares, das beschlossen hat, das Leben zwar gemeinsam, aber ohne Trauschein zu verbringen. Wir haben die Pilotfolge geschaut und hatten genug: total crap. Auf der Hochzeit einer Freundin hört Whitney, dass Sex die Beziehung jung hält. Anschließend sehen wir ihr dann beim verzweifelten Suchen nach Reizwäsche zu, hören blöde Dialoge, ach, wenns nicht so schlecht wäre, könnte man in Ruhe schlafen.

“Up All Night” bringt uns ein Wiedersehen mit Christina Applegate, die durch ihre Darstellung der Kelly Bundy weltberühmt wurde. In der neuen Comedy spielt sie eine Frau, die mit Freude ihre berufliche Karriere verfolgt, nie Kinder wollte und nun doch Nachwuchs bekommt. Wenn man es unterhaltsam findet, wie ein Ehepaar als Begründung für das Baby den angsterfüllten Dialog über Personen, die ohne Kinder im Alter allein sind führt, oder wie sie deppert versuchen, gegenüber ihren als cool empfundenen Nachbarn die eigene Hippness durchs Pimpen ihrer Facebookseite zu steigern. Verschwendete Lebenszeit: unlustig und langweilig.

Zur Zeit am erfolgreichsten ist “New Girl“, geschrieben wurde die Comedy von Liz Meriwether. Zooey Deschanel porträtiert Jess, eine Grundschullehrerin, die kein Glück in der Liebe hat. Nach ihrem jüngsten Beziehungsende zieht sie in eine WG mit 3 Männern. Idee der Comedy soll sein, dass sie durch die Nähe zum anderen Geschlecht langsam beginnt Männer zu verstehen. Die bisher ausgestrahlten Folgen sind nach dem stets gleichen Muster aufgebaut: die seltsame Jess, die schiefe falsche Zähne lustig findet und häufig plötzlich zu singen anfängt und darauf besteht, dass sie so toll ist, wie sie eben ist, wird sie von den Jungs in irgendeine Rolle gepresst, die ihr helfen soll. Das funktioniert dann natürlich nicht, es gibt Verwerfungen, dann verzeihen sich alle und zum Schluß haben alle Verständnis.

Auch nicht subtil, dafür wenigstens unterhaltsam ist die Sitcom “2 Broke Girls“: Brooklyn, ein Diner, eine arme Kellnerin – Max -, die sich mehr schlecht als recht durchschlägt. Dazu eine ehemals reiche Tochter – Caroline -, die aus Scham über den an Madoff erinnernden Vater nach Brooklyn flüchtet und bei Max unterschlüpft. Auch hier sind die Folgen streng schematisch aufgebaut: zu Beginn gibt es stets Auseinandersetzungen zwischen Max und Gästen des Diners. Den tollen Start der Pilotfolge möchten wir euch nicht vorenthalten:…

Was in allen als “weiblich” konnotierten neuen Serien auffällt: Die Darstellerinnen sind alle weiß und jung, und passen in die gängigen Klischees dessen, was als “gutaussehend” gilt. Als Erfolg können wir es nicht werten, wenn der vermeintliche Humor dann auch noch alten Mustern folgt. Die Kopie traditioneller patriarchaler Konzepte durch Frauen machen diese nicht besser.

Doch verzagt nicht: es gibt alte Serien, die wieder anlaufen und noch einige neu, für die heute nicht genug Platz ist und die vielleicht nicht überragend sind, aber als guilty pleasures trotzdem taugen.

Als wir vor reichlich einem Jahr bei previously die seinerzeit frisch angelaufene Science Fiction-Serie Caprica besprachen, war es auch schon fast wieder vorbei: Da die Einschaltquoten bei weitem nicht den Vorstellungen von Syfy entsprachen, wurde das Prequel von Battlestar Galactica nach gerade mal einer Staffel im Oktober 2010 eingestellt. Die letzten fünf Folgen wurden von Syfy nicht einmal mehr auf dem ursprünglichen Sendeplatz, sondern erst ein paar Monate später in einem 5-stündigen Serien-Marathon ausgestrahlt. Wir haben es schon mal an anderer Stelle erwähnt, und in diesem Fall wiederholen wir uns gern: Wir warten immer noch sehnsüchtig auf die erste Science Fiction-Serie von HBO, der auch bei mangelnden Einschaltquoten noch die Chance auf eine zweite Staffel gewährt wird. Sicherlich hatte Caprica seine Schwächen, auf die wir auch schon ausführlicher eingegangen sind. Doch für die heutige Nachbesprechung wollen wir uns auf eine zentrale Stärke dieser Serie konzentrieren: ihre weiblichen Hauptfiguren. Denn wie auch bereits in Battlestar Galactica sind es ganz auffällig die Frauen, die bestimmend wirken und die Handlung voranbringen. In Caprica kommt noch hinzu, dass es sich zu einem Großteil um Teenager handelt: Zoe Graystone, die 16-jährige Tochter des IT-Unternehmers und Wissenschaftlers Daniel Graystone, ihre beste Freundin Lacy Rand und Tamara Adama, Tochter des Anwalts Joseph Adama. Wenngleich sich die drei nur ein einziges Mal bei einem gemeinsamen Treffen begegnen, und dabei auch noch nicht einmal real, sondern in virtueller Form, sind doch ihre Geschichten eng miteinander verwoben und ähneln sich in einem zentralen Punkt: Aus den teils sorglos fröhlichen, teils verschüchtert-naiven Teenagern, wie wir sie zu Beginn der Serie vorgestellt bekommen, werden starke, unabhängige und selbstbewusste Persönlichkeiten.

Dies trifft besonders auf Tamara Adama zu, die wir im Folgenden näher vorstellen wollen. Sie wird, ebenso wie Zoe Graystone, bei einem durch religiöse Fundamentalisten durchgeführten Bombenterrorattentat auf einen Schnellzug in Caprica City getötet. Ihr Vater Joseph, der ihren Tod nicht verkraften kann, lässt sich auf das Angebot Daniel Graystones ein, sie in Form eines virtuellen Avatars wiederauferstehen zu lassen. Mit Hilfe des sogenannten Holobandes, das der Erzeugung einer virtuellen Realität dient, soll Joseph jeder Zeit in Kontakt mit ihr treten können. Das Experiment gelingt, nur mit einer Nebenwirkung: Dem Avatar fehlen die Erinnerungen an die letzten Stunden von Tamara, er weiß nicht, dass sie tot ist und hält sich demzufolge für das lebendige Original. Demzufolge ist diese virtuelle Tamara voller Panik und Entsetzen, als sie sich in einem leeren und finsteren Raum wiederfindet, und auch ihr Körper ist offenbar nicht so perfekt simuliert, wie er zunächst von außen scheint…

Voller Entsetzen ob dieser Szene und im vermeintlichen Glauben, dass die virtuelle Tamara nur dann existiere, wenn er selbst sich in der virtuellen Welt befindet, bricht der Vater den Kontakt ab. Doch Tamara bleibt allein und völlig verängstigt in der Black Box zurück, bis sie schließlich durch Zufall von den Avataren von Zoe und Lacy gefunden wird. Ohne zu wissen, wen sie vor sich haben, zeigen die beiden ihr den Weg zum V-Club, einem gehackten virtuellen Nachtklub, in dem vorzugsweise Teenager diversen Jugendsünden frönen, ohne Sorge vor Konsequenzen haben zu müssen – nichts ist real, alles ist erlaubt. Hier beginnt Tamara mit der Suche nach ihrer Identität. Schnell wird klar, dass sie anders ist als die anderen Avatare: Im Gegensatz zu denen kann sie nicht „sterben“, also bei einer Tötung des virtuellen Abbildes in die reale Welt zurückkehren. Diese Eigenschaft wollen sich zunächst andere Spieler zunutze machen. In der virtuellen Welt von „New Cap City“, ein durch und durch korruptes und dekadentes Spiegelbild des realen Caprica City und in entsprechender Film Noir-Ästhetik gehalten, bedeutet der virtuelle Tod den ultimativen Ausschluss aus dem Spiel: Hat es einen Avatar erwischt, kann er nie wieder dorthin zurückkehren. Vesta, eine bis dato sehr erfolgreiche und damit einflussreiche Spielerin, schickt Tamara mit dem Auftrag los, das virtuelle Geld ihres stärksten Kontrahenten zu stehlen. Im Gegenzug verspricht sie, Tamara bei ihrer Rückkehr in die Realität zu helfen. Tamara, obgleich immer noch unsicher und schreckhaft, gelingt der Diebstahl. Zugleich gewinnt sie mit jedem Mordanschlag, der dabei auf sie verübt wird, zusätzliche Kräfte: Sie beginnt mehr und mehr, aktiv die virtuelle Welt um sie herum zu beeinflussen. Doch als sie zu Vesta zurückkehrt, kann diese ihr Versprechen nicht einlösen – der Zauberer von Oz lässt grüßen. Stattdessen konfrontiert Vesta sie mit dem Tod der realen Tamara Adama, von dem sie inzwischen durch die Presse erfahren hat. Völlig außer sich von dieser Nachricht, „erschießt“ Tamara zunächst Vestas Hofstaat, hierbei das erste Mal zielgerichtet und ohne zu Zögern. Als Vesta an der Reihe ist, wird Tamara in klassischer Filmkonvention aus der Froschperspektive gezeigt, die Mündung der Knarre in die Kamera gerichtet.

Der Moment, in dem Tamara klar wird, dass sie tot bzw. nicht real ist, bedeutet zum einen ihre eigentliche Bewusstseinswerdung, zum anderen kann man dieses „awake“ jedoch auch passend zum christlich-religiösen Kontext der ganzen Serie als klassisches Erweckungserlebnis (im Englischen Awakening) deuten. Von nun an beherrscht Tamara mehr und mehr das Spiel und gelangt zunächst als Deadwalker – die, die nicht sterben kann – zu einer virtuellen Berühmtheit. Als der Avatar von Zoe als zweiter Deadwalker sich schließlich mit ihr verbündet, bilden die beiden ein unheimliches Duo. Fortan als „The Avenging Angels“, also Racheengel, unterwegs, bekämpfen sie die Dekadenz von New Cap City und entwickeln sich dabei, ohne dies zu wissen, in der realen Welt zu einem Popkulturphänomen mit eigenem Label und florierendem Merchandising-Angebot…

In der angelsächsischen Literaturgeschichte hat es Tradition, das Erwachsenwerden von jungen Heldinnen mit einem Ausflug in fantastische Welten zu symbolisieren. Alice erreicht bzw. erträumt das Wunderland per Fall in einen Kaninchenbau oder tritt hinter den Spiegel, Dorothy reist unfreiwillig im durch einen Wirbelsturm fliegenden Farmhaus ins Zauberland von Oz. Im futuristischen Caprica wird diese räumliche Grenzüberschreitung, die den Übergang von der Kindheit zum Erwachsensein initiiert, nun durch einen virtuellen Avatar vollzogen, und die Rückkehr in die Realität ist mehr als ungewiss. Zusammen mit der Entwicklung der anderen beiden Hauptfiguren Zoe Graystone und Lacy Rand ergibt dies eine schöne Science Fiction-Variante des „Coming of Age“- oder auch Adoleszenz-Romans.

Nur eines, eines muss man den Autor_Innen von Caprica dabei wirklich ankreiden: der ungeklärte Verbleib von Tamara. Nachdem Zoe sich mit ihren Eltern versöhnt, in ein virtuelles Abbild ihres Elternhauses einzieht und demnach Tamara zurücklässt, taucht diese in der Serie einfach nicht mehr auf. Laut Aussagen von Showrunner Kevin Murphy sollte in den geplanten weiteren Staffeln Tamara Adama als Vorgängerin des Number-Eight-Cylons stark gemacht werden, was aufgrund der Absetzung der Serie nicht mehr möglich war. Dass sich der Schluss von Caprica nun nicht in allen Punkten kohärent an die in Battlestar Galactica erzählte Vorgeschichte hält und zudem mit seiner noch einmal extra dick aufgetragenen Melodramatik nur schwer zu verdauen ist, mag tatsächlich der Schwierigkeit geschuldet sein, eine Geschichte, deren Handlungsbogen auf mehrere Staffeln angelegt war, trotz plötzlicher Absetzung irgendwie noch zu einem halbwegs ordentlichen Abschluss zu bringen. Aber eine zentrale Serienfigur komplett zu vergessen, sollte professionellen Schreiberlingen eigentlich nicht passieren. Oder handelt es sich dabei etwa um einen serieninternen Gag: Schließlich bildet die Suche ihr – der verlorenen Tochter, dem einsamen Deadwalker und unerreichbaren Racheengel – ein wiederkehrendes Motiv der Serie…

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Reading the Sopranos, Investigating the Sopranos, The Psychology of the Sopranos, The Sopranos and Philosophy: I Kill Therefore I Am, The Sopranos on the Couch – Analyzing Television’s Greatest Series, A Sitdown with the Sopranos: Watching Italian American Culture on TV’s Most Talked-About Series … keine us-amerikanische Fernsehserie ist so intensiv diskutiert wurden wie HBOs The Sopranos. Wir haben die umfangreiche Literatur gesichtet und werden bei previously in loser Fortsetzung die interessantesten Analysen vorstellen. Heute Teil 2: italienische Immigration, italienisch-amerikanische Identität und Christopher Kolumbus.

Christopher Kocela analysiert in “Mourning the lost white father” die dritte Folge der vierten Staffel: “Christopher”. Im Mittelpunkt steht die italienisch-amerikanische Identität im Kontext der jährlichen Columbus Day Parade in Newark. Italo-Amerikaner_innen feiern am Columbus Day den in Genua geborenen Christoph Kolumbus und die Entdeckung Amerikas durch ihn. Berechtigterweise werden sie dafür durch Native Americans mit Verweis auf die tausendfache Ermordung von Taino Indians nach Kolumbus Ankunft in der Karibik kritisiert. Zu Beginn der Folge “Christopher” sitzt die Soprano-Crew vor Satriales Pork Store. Bobby Baccalieri liest aus einem Zeitungsartikel über die geplanten Aktivitäten des New Jersey Council of Indian Affairs gegen die Columbus Day Parade vor. Der Hinweis von Council Chairman Del Redclay auf Kolumbus Rolle im Genozid der indigenen Einwohner Amerikas wird von Silvio Dante als anti-italienische Diskriminierung empört zurückgewiesen.

Die TV-Serie “The Sopranos” ist von italo-amerikanischen Organisationen verschiedentlich kritisiert worden. Gutes Drehbuch hin, hohe schauspielerische Leistungen her – die Serie verfestige das Klischee von Italienern als ungebildete, schmierige, goldkettchentragende, palavernde Ganoven. Die One Voice Coalition, ein nationales Netzwerk von Italo-Amerikaner_innen gegen Beleidigung, Diskriminierung und Verbreitung von Stereotypen verleiht regelmäßig den “Pasta-Tute”-Award an Italo-Amerikaner_innen, die sich den Ausverkauf ihres italienischen Erbes vorwerfen lassen müssen und dem Image der Italo-Amerikaner_innen geschadet haben. Pastatute – eine Bezeichnung übrigens für italienische Frauen, die für sexuelle Dienstleistungen in Pasta bezahlt wurden. David Chase – der Schöpfer der Sopranos hat den “Pasta-Tute”- Award dreimal in Folge erhalten. Im Jahr 2010 wurde er gar zum “lifetime winner” ernannt. David Chase hat seine Show verteidigt und darauf hingewiesen dass es ihm nicht um eine stereotype Darstellung von Italo-Amerikaner_innen ging, sondern um das Portrait einer kleinen kriminellen Subkultur.

Eine Umfrage durch das Fairleigh Dickinson University’s PublicMind ergab bereits im August 2001, dass 65% der US-Amerikaner_innen nicht der Auffassung waren, die Serie stelle Italo-Amerikaner_innen negativ dar. Dennoch standen auch die italo-amerikanischen Schauspieler_innen, die die Figuren der Mafia-Familie gespielt haben in der Kritik von Anti-Diskriminierungsorganisationen. Im Oktober 2002 – d.h. zwei Wochen nachdem die Folge “Christopher” ausgestrahlt worden war – wurden gar zwei der Darsteller – Lorraine Bracco – die Therapeutin Tony Sopranos and Dominic Chianese – der Onkel Tonys von der Teilnahme an der Columbus Day Parade in New York City ausgeschlossen. Bürgermeister Bloomberg, der die beiden eingeladen hatte, blieb daraufhin der Parade ebenfalls fern.

Selbst wenn die Darstellung der Italo-Amerikaner_innen in TV-Serien wie den Sopranos unvorteilhaft erscheint, so ist doch davon auszugehen, dass damit keine erheblichen sozialen Auswirkungen auf die italienisch-amerikanische Community einhergehen. Und sie sind mit Sicherheit nicht zu vergleichen mit den Auswirkungen stereotyper Darstellungen von Afroamerikaner_innen, wie Tim Wise in seinem Artikel “Pride and Prejudice: Tony Soprano, Christopher Columbus and the Irony of Ethnic Stereotypes” betont. Immer wieder entgegen Vertreter europäischer Ethnien wenn die Rede auf Rassismus gegen Afroamerikaner_innen kommt Geschichten eigener Opferschaft. So auch in der Folge “Christopher”: In einer Fernsehdiskussion zur Columbus Day Parade geraten der afroamerikanische Moderator und der Sprecher für die italienisch-amerikanische Perspektive in Streit über die Gleichsetzung von Unrecht gegenüber Italo- und Afro-Amerikaner_innen. Für die Beschreibung der Schifffahrt seiner sizilianischen Großeltern nach Amerika verwendet Phil Donatti den Begriff der Middle Passage, was den Ärger des Moderators hervorruft. Denn die Middle Passage bezeichnet nun mal nicht den Weg, den zahlreiche nach Amerika ausgewanderte Italiener_innen im 19. Jahrhundert genommen haben, sondern den Sklavenhandel. Die Middle Passage war die mittlere Etappe des ein Dreieck formenden Handels zwischen Europa, Afrika und der Neuen Welt.

Auf der Heimfahrt von Redclays Casino geraten Silvio und Tony in Streit. Silvio Dante besteht darauf, dass italienische Immigrant_innen unter Diskriminierung gelitten haben und erinnert an seine Eltern, die für ihre Herkunft aus Kalabrien angespuckt worden sind. Tony hingegen beschwört Gary Cooper: sein Idealbild des aufrechten, integren, heldenhaften US-Amerikaners. Woraufhin Silvio ihn hinweist, dass es gerade die “Coopers” waren, die die Neuankömmlinge aus Italien oder Polen und die Afro-Amerikaner_innen “wie Scheiße” behandelt haben.

“Italiens are Niggaz with short memories” … diese Bemerkung machte Chuck Nice, ein afroamerikanischer Radio-DJ bei WAXQ-FM im Juni 2002. The Order of The Sons of Italy in America legte Beschwerde bei der Radio-Station ein. Er zeigte sich verwundert darüber, dass es für eine weiße Person falsch ist das Wort zu benutzen, aber ok. für einen Afroamerikaner um Weiße zu beschreiben. Mit dieser Geschichte beginnt Jennifer Guglielmo ihr Buch “Are Italiens White? How Race is made in America“. Sie zeigt wie wenig unter Italo-Amerikaner_innen das Bewusstsein existiert, dass sie in Amerika nicht schon immer als Weiße gesehen wurden. Am Anfang des 19. Jahrhunderts setzte sich die US-amerikanische Gesellschaft fast ausschließlich aus weißen Personen westeuropäischer Herkunft zusammen, den WASP: Weiße, aus dem angelsächsischen Raum stammende Protestanten. Jüdische Immigranten aus Russland, Einwanderer aus Irland, Polen und eben Italien haben nach ihrer Ankunft in Amerika unter massiven Vorurteilen und Diskriminierungen gelitten. Erst im Laufe der Zeit wurden sie Teil des weißen Amerikas – mit Hilfe der entstehenden Gewerkschaftsbewegungen, der New-Deal-Reformen und im Zuge des “white flight” – der Flucht der Mittelschicht aus den verarmten Vierteln der Großstädte in sichere Vororte. Zunächst aber lebten sie Tür an Tür mit Afroamerikaner_innen und verrichteten die gleiche Arbeit. Sizilianische Immigrant_innen teilten mit Afroamerikaner_innen den gleichen sozioökomischen Status als Lohnarbeiter_innen in der Landwirtschaft, z.B. auf den Zuckerrohrplantagen oder Erdbeerfeldern Louisanas.  Der Umstand des Zusammenlebens und Zusammenarbeitens provozierte wiederum bei den weißen Eliten Vorbehalte gegenüber den italienischen Immigrant_innen.

Da viele Italiener_innen länger als andere europäische Immigrant_innen arm und der Arbeiterklasse zugehörig blieben, haben sie oft in Arbeiter-vierteln zusammen mit Afroamerikaner_innen gelebt. Diese Nachbarschaft hat offenbar unter den Italiener_innen ein besonders starkes Bedürfnis ausgelöst, auf ihrer weißen Identität zu bestehen, um sich von ihren schwarzen Nachbarn abzugrenzen und in den Genuss aller Vorteile zu gelangen, die mit dem Weißsein verbunden sind. Das Abwenden von den einstigen Nachbarn kann dabei auch extrem bizarre Formen annehmen. So berichtet Time Wise in seinem Beitrag von irisch-italienischen Paraden in und um New Orleans, zu deren Teilnahme die Organisator_innen in den 1990er Jahren immer wieder David Duke einluden. Duke war führendes Mitglied des Ku-Klux-Klan, vertritt die Ideologie der White Supremacy – Weiße Überlegenheit, trat mit antisemitischen Äußerungen und als Unterstützer des Holocaustleugners Ernst Zündel öffentlich hervor. Er hat immer wieder behauptet, die Sizilianer_innen wären  im Vergleich mit den Norditaliener_innen biologisch minderwertig. Und dennoch: So lange er versprach mit den Afroamerikaner_innen andere Saiten aufzuziehen, war ihm der Applaus stets sicher.

Inzwischen hat die italienische Community ihren Aufstieg in die amerikanische weiße Mittelschicht geschafft und das solidarische Zusammenleben und -arbeiten mit Afroamerikaner_innen hat sich in ihr Gegenteil verkehrt. Für die rassistische Bezeichnung von Afroamerikaner_innen hat die italienisch-amerikanische Sprache sogar einen eigenen Ausdruck: “Ditsoon” – was soviel heisst wie “verbrannt”. Die deutsche Synchronisation übersetzt das Wort mit “Schwarzfuß”. Als Tony Soprano seine Tochter Meadow Soprano zusammen mit ihrem jüdisch-afroamerikanischen College-Freund Noah Tannenbaum bei sich zu Hause antrifft, beschimpft Tony ihn ohne Umschweife als Ditsoon, als Holzkohlenbrikett, als Bimbo und untersagt ihm den Umgang mit seiner Tochter.

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Zwischen Ende April und Anfang Juli 2011 hat HBO elf neue Folgen der TV-Serie “Treme” ausgestrahlt. Die zweite Staffel beginnt 14 Monate nach dem Hurrikan “Katrina”. New Orleans ist aus den Schlagzeilen verschwunden. Die landesweite Aufmerksamkeit hat nachgelassen. Auf behördliche Hilfe ist nach wie vor nicht zu hoffen, Katastrophengewinnler sind auf der Suche nach leicht verdientem Geld. Eine entscheidende Veränderung im Vergleich zur 1. Staffel ist festzustellen: Gleich zu Beginn der ersten Episode sehen wir Sonny an der Bar in einem Strip-Club bei einem Drink, als zwei bewaffnete Männer den Laden betreten und wild um sich schießen, fünf Menschen verletzen, einen tödlich. Es ist eine Szene, die so in Avon Barksdales Orlandos in Baltimore spielen könnte. Ein Verweis David Simons auf ein zusätzliches Problem, welches die langsame Genesung der Stadt New Orleans gefährdete: Kriminalität und Gewaltverbrechen kehren zurück und zwar in einem Ausmaß, welches die Polizei in New Orleans völlig überfordert. Das New Orleans Police Department gerät demzufolge stärker in den Fokus und mit ihm David Morse in der Hauptrolle des Lieutenant Terry Colson. Terry Colson ist der Typ “good cop”, der versucht in einer gerade notdürftig stabilisierten Stadt die zunehmenden Gewalttätigkeiten und Morde bzw. deren Aufklärung in den Griff zu bekommen. Er konstatiert: die Stadt ist deprimiert, ängstlich, wütend. Alle sind völlig neben der Spur.

Ebenfalls neu bei Treme ist Jon Seda, der den Texaner Nelson Hidalgo spielt – einen smarten Bauunternehmer aus Dallas, der auf der Suche nach dem großen Geschäft nach New Orleans kommt. Demolition and Rebuildung. Abriss und Wiederaufbau – mit der Figur des Nelson Hidalgo nimmt die Serie einen weiteren Aspekt des von Korruption bestimmten Wiederaufbaus der Stadt in den Fokus: Mit Hilfe von politischen Verbindungen lässt sich mühelos Geld aus den Wiederaufbaumitteln der Regierung schlagen. Nelson Hidalgo lässt Grüße vom texanische Governor Perry ausrichten und zitiert Rahm Emanuels „never let a disaster go to waste – Verschwende niemals eine Katastrophe“. Mithilfe der Figur des Hidalgo entblättern David Simon und sein Co-Autor Eric Overmyer die Verflechtung von Politik, Regierungsaufträgen und der mit dem Wiederaufbau verbundene Gewinnmaximierung einzelner Profiteure.

Aber wie geht es den Protagonist_innen, mit denen wir die 1. Staffel durchlitten haben? Sofern sie noch in New Orleans sind? Die Gourmettköchin Janette Desautel z.B. ist vor ihrem kollabierenden Haus nach New York City geflüchtet. Auch der Jazzmusiker Delmond Lambreaux hat seinen Lebensmittelpunkt nach New York City verlegt und spielt dort in rooftop-Bars.

Wie kommen Toni Bernette und ihre Tochter Sofia zurecht, sieben Monate nach dem Selbstmord Creg Bernettes? Toni führt nach wie vor Prozesse gegen die Stadt. Sie vertritt u.a. die Angehörigen, der von Polizeieinheiten auf der Danzinger-Bridge erschossenen flüchtenden Zivilisten. Ein Fall der exemplarisch für das häufige Fehlverhalten der NOPD während der Katastrophe steht. Sie stellt außerdem Nachforschungen über den Tod eines jungen Mannes an, dessen Vater widersprüchliche polizeiliche Angaben erhalten hat. Die Beziehung zu ihrer Tochter ist von Sprachlosigkeit gekennzeichnet. Sofia ist in die Fußstapfen ihres Vaters getreten und postet wütende Videos bei youtube über den Zustand der Stadt und ihrer Bewohner_innen.

Währenddessen schlägt sich der Posaunist Antoine Batiste mit den Problemen einer Bandgründung herum. Desiree – seine Lebensgefährtin und Mutter seiner kleinen Tochter – drängt ihn außerdem dazu einen “jobjob” an einer Schule anzunehmen, wo er schließlich tagsüber als Assistent eines Musiklehrers arbeiten wird. LaDonna Batiste-Williams weigert sich ihre Bar aufzugeben und New Orleans zu verlassen, auch nachdem ihre Mutter zu ihrem Mann und den Kindern nach Baton Rouge gezogen ist. “Gigis Place” läuft nicht, es fehlt an Gästen, so das LaDonna erwägt Life-Musik anzubieten – trotz ihrer Abneigung gegenüber Musikern – die auf ihre geschiedene Ehe mit Antoine Batiste zurückgeht.

Albert “Big Chief” Lambreaux wird vom zurückkehrenden Eigentümer aus der Bar hinausgeworfen, in der er nach Katrina untergekommen war – und die er nicht ganz unaufwendig wieder bewohnbar gemacht hatte. Albert zieht zurück in sein immer noch zerstörtes Haus. Weder kommt die Versicherung für die Schäden am Haus auf – noch ist staatliche Unterstützung in Sicht. Die selbst verlegte Wasserleitung ist Anlass für einen Streit mit einem städtischen Abnahmeprüfer.

Davis verliert seinen Job als Radio-Dj bei WWOZ, weil er zu viel Hip-Hop und Bounce-Music spielt. Nach seinem Rauswurf gründet er gemeinsam mit seiner vermögenden Tante Mimi ein Musiklabel. Für ihren ersten Sampler bringen sie die HipHop-Größen der Stadt zusammen. Annie spielt besser bezahlte Gigs mit etablierten Bands und versucht sich im Songschreiben.

Nelson Hidalgo landet bereits in der 2. Folge einen Abrissdeal mit einem Umfang von einer halben Million Dollar. Hier erinnert uns David Simon daran, dass nach “Katrina” staatliche Sozialsiedlungen der einkommensschwachen afro-amerikanischen Einwohner_innen und öffentliche Einrichtungen abgerissen wurden, obwohl sie nur geringfügige oder gar keine Flutschäden aufwiesen. In „Treme“ streiten Hidalgo und Robinette über das Mobiliar im 2. Stock einer zum Abriss vorgesehenen Schule, welches im Abbruchcontainer landet, obwohl das Wasser gar nicht bis in den 2. Stock gestanden hat.

Gegen den Abriss von Sozialsiedlungen und den neoliberalen Umbau New Orleans setzten sich zahlreiche selbstorganisierte Stadtteilgruppen zur Wehr. Abrissarbeiten wurden blockiert. Relativ bekannt wurde der Ende 2007 unternommene Versuch, sich in einer Stadtverordnetenversammlung Gehör zu verschaffen, der mit einem Polizeieinsatz unter Verwendung von Pfefferspray beendet wurde. Kürzlich hat der amtierenden Bürgermeister Mitch Andrieu eine Anti-Schandfleck-Kampagne initiiert, im Zuge derer nicht nur leer stehende Häuser abgerissen werden sollen. Den einzigen Schandfleck den die Anarachist_innen des Blogs NOLA Anarcha ausmachen konnten: ihre Antwort auf die Kampagne: Save the City! Demolish City Hall!

Für “Treme” braucht es Muse für die Geschichten, die sich sehr langsam entwickeln sowie den Willen zur politischen Auseinandersetzung. Daran scheint es einen gewissen Mangel zu geben: Die Einschaltquoten bleiben niedrig. Das muss uns nicht kümmern und zum Glück kümmert es HBO auch nicht! Eine dritte Staffel ist bestellt, dankeschön!