Immer noch werden wir viel zu oft mit Serien konfrontiert, in denen Frauen die Rolle der “Ehefrau, Partnerin, Mutter oder Geliebten” spielen, nicht aber einfach eine Frau, die ein eigenständiges Leben hat, indem sie zwar auch einige der vorher genannten Rollen innehaben mag, aber eben tatsächlich DIE Hauptrolle spielt.

Aber, Hand aufs Herz: wie spannend könnte das sein, gerade wenn Science Fiction und Mysterie fehlen?

Scott & Bailey, ein in Manchester spielendes Kriminaldrama, ist da eine Offenbarung: drei weibliche Hauptrollen, eine Regiseurin und zwei Produzentinnen setzen die Idee von zwei Entwicklerinnen um. Das damit die Frage nach dem Bechdel-Test hinreichend beantwortet ist, sollte schon fast klar sein. Überraschend ist die Serie trotzdem: wir sehen berufstätige Frauen unterschiedlichen Alters, die zwar auch über ihre persönlichen Beziehungen zu Männern sprechen, aber nur, weil diese neben ihren Freundschaften, ihrer Arbeit und ihren Familien auch eine Rolle in ihrem Leben spielen, und nicht deren Lebensinhalt darstellen, über den sich alles andere anpassen muss.

Es wird nicht ganz einfach, “Scott & Bailey” angemessen vorzustellen, ohne die Spannung aufzulösen, von der sie lebt, indem zuviel von der Handlung verraten würde.

Rachel Bailey und Janet Scott sind Kolleginnen und Freundinnen. Sie arbeiten als Kriminalistinnen bei der fiktiven MIT Einheit der Manchester Metropolitan Police und versuchen vor allem Mordfälle zu klären.
Während Janet in einer eher schalen Ehe mit zwei Töchtern im Teenageralter lebt, ist Rachel in wechselnden Beziehungen und wohnt allein. Sie kommt aus einer kaputten Familie, ihre große Schwester übernahm die Sorge für sie und ihren jüngeren Bruder, als ihre Mutter die Kinder verließ.

Sally Lindsay hatte die Idee zur Serie gemeinsam mit Suranne Jones, die selbst Rachel Bailey darstellt. Wie viele der anderen Darsteller_innen kennen sich beide von ihrer Arbeit an der seit 1960 in Großbritannien ausgestrahlten Seifenoper “Coronation Street“, einer Mischung aus “Lindenstraße” und “Gute Zeiten, schlechte Zeiten”. Bei einer Flasche Wein im Pub beklagten sie den Mangel an Frauenrollen, die – wie eingangs erwähnt – eben nicht zuerst “Ehefrau, Partnerin, Mutter oder Geliebte” sind. Da Sally Lindsay zu Beginn der Dreharbeiten schwanger wurde, übernahm sie nicht wie geplant die Rolle von Janet Scott, sondern die Nebenrolle als Rachel Baileys große Schwester. Janet Scott wird von der vielfach für ihre Arbeit ausgezeichneten Lesley Sharp gespielt.

Dabei sind beide äußerst glaubwürdig. Sie sind – schon dies zeichnet “Scott & Bailey” vor anderen Serien aus dem Detektiv-Polizei-Milieu aus – alt genug – und zeigen in ihrem Beruf Professionalität und Abgeklärtheit. Dies ist vor allem der Arbeit von Diane Taylor für “Scott & Bailey” zu verdanken, die früher selbst als Detective Inspector – dies ist auch der Rang der Protagonistinnen, arbeitete. So war es ihr nicht nur wichtig, dass Details der Ermittlungsarbeiten richtig dargestellt werden, sondern auch ein in ihren Augen oft falsch vermitteltes Bild von Kriminalist_innen. Zitat: “Was mich wirklich bei anderen Dramen irritiert, sind über toten Körpern weinende Ermittler, die sich andauernd sinnlos betrinken. Mit diesem Verhalten würdest du 2 Wochen in diesem Beruf bestehen. … Die Realität ist so viel interessanter. Ich könnte 1000 Fälle aufzählen,die Leute nie glauben würden. Die Leute wollen Drama, weil sie nicht der Realität glauben.” Allerdings wird gerade Alkoholmissbrauch wiederkehrend thematisiert.

Wie in Qualitäts-TV-Serien üblich, spannt sich ein Erzählfaden über die gesamte Staffel: Die Ermittlungen zu einem alten Fall werden wieder aufgenommen. Damals verschwand eine Freundin von Janet Scott, die nie gefunden wurde, und wir lernen, dass diese Erfahrung Janets Berufswahl entscheiden beeinflusste. Parallel dazu werden in einzelnen Folgen auch andere Verbrechen aufgeklärt. Oft geht es um Missbrauch und Gewalt in Familien. Gleichzeitig werden die Entwicklungen der persönlichen Beziehungen und Verhältnisse zwischen Rachel, Janet, ihren Kolleg_innen und Familien gezeigt. Die Freundschaft zwischen Janet und Rachel ist eine turbulente. Janet zeigt für Rachel einen Beschützerinstinkt, beide sind jedoch sehr offen in ihren teilweise sehr differenten Auffassungen, und ihre gegenseitige Beeinflussung treibt die Entwicklung dieser Charaktere voran.

Besonders erwähnenswert ist Scotts und Baileys Chefin Gill Murray, die sich im Laufe der ersten beiden Staffeln zur 3. Hauptfigur entwickelt. Exzellent dargestellt von Amelia Bullmore, ist Gill Murray eine alleinerziehende Mutter, deren Stil am ehesten mit fordernd beschrieben werden kann. Sie hat hohe Erwartungen an die von ihr geleitete Gruppe und überhaupt kein Problem, sich dabei unbeliebt zu machen. Während sie eine jahrzehntelange Freundschaft mit Janet Scott verbindet, wird sie von Rachel Bailey insgeheim “Godzilla” genannt wird. Gill Murray erwartet Professionalität, auch wenn ihr bewusst ist, wie Schwierigkeiten aus dem Leben außerhalb der Lohnarbeit auf diese zurückwirken. Dabei scheut sie nicht davor zurück, provozierende Ehrlichkeit und damit Konflikte nicht zu vermeiden, wenn sie glaubt, damit ihrem Gegenüber zu helfen.

Scott & Bailey ist fesselnde Unterhaltung, eine Wohlfühlserie ist es nicht. Hier siegt nicht das Gute über das Böse. Neben den Verbrechen, die tiefe Abgründe offenbaren, werden gesellschaftliche Missverhältnisse gezeigt. Dabei ist bemerkenswert, wie weit persönliche Motivationen die Protagonistinnen und Handelnden antreiben, welche Grenzen ihnen jedoch aufgrund ihrer sozialen Herkunft und ihrer wirtschaftlichen Lebensverhältnisse gesetzt sind, innerhalb derer sie überhaupt agieren können.

Die Kritik reagierte nicht einhellig auf Scott & Bailey. Während teilweise das Potential nicht erkannt wurde und die Serie als – wenn auch sehr gut gemachte – übliche Sonntagabend-Krimiserie eingeordnet, aber auch als “Lewis mit Frauen” diffamiert wurde, gab es einen wesentlichen Kritikpunkt: Es wurde moniert, dass die Männer in Scott & Bailey überwiegend als schlecht charakterisiert würden.
Fuck off! Es ist wahr: ein Großteil der männlichen Charaktere ist problematisch. Janets Ehemann unterstützt sie kaum, bevor er nach mehreren Streits mit Janets Mutter, die krankheitsbedingt einziehen musste, die Familie verlässt. Ihr Kollege Andy Roper will lange Zeit nicht begreifen, dass sie ihr Verhältnis nicht fortführen möchte. Janets Freund entpuppt sich als richtiger Arsch und ihr krimineller Bruder ist nicht in der Lage Plinsen zu backen, ohne die Küche anzubrennen.
Dies zeigt aber lediglich, dass hier die eingeübte Heroisierung männlicher Protagonisten nicht fortgeführt wird, während die Fehler weiblicher Darstellerinnen als “normal” angesehen werden.

In der 3. Staffel zeigt Scott & Bailey eine interessante Antwort auf den Vorwurf des “Sexismus unter umgekehrten Vorzeichen”, Sexismus von Frauen gegen Männer also, der immer dann reflexartig als Abwehrhaltung eingesetzt wird, wenn der alltägliche Sexismus kritisiert wird. Zuletzt sahen wir dies hierzulande bei der aufschrei-Debatte. In der 6. Folge der 3. Season wird Gill von einem neuen, noch recht jungen Kollegen, Rod Waddington, vertreten. Während Gill in diesen Sitzungen stets größte Autorität besitzt, frotzeln jetzt alle und unterbrechen ihn. Am Ende des Treffens fasst Janet, die ungefähr 20 Jahre älter ist als er, ihm vor allen an den Arsch und vergleicht diesen mit einem Pfirsich, alle lachen. Später wird von Janets E-Mail Account eine Mail an alle geschickt, die sexuelles Interesse an Waddington suggeriert. Während Janet Scott schnell erkannt hat, dass ihr Verhalten mehr als unter aller Sau war und eben nicht in einer Abwehrhaltung verharrt, entschuldigt sich bei Rod Waddington. Später kommt heraus, dass Rachel Bailey die E-Mail geschickt hatte und diese besteht darauf, dass diese lustig sei. Gill Murrays Antwort? Sie schickt Rachel Bailey zu einem Diversity Kurs.
Auch im Rahmen der Aufschrei-Debatte wurde immer wieder darauf hingewiesen, wie wichtig Aufklärung ist. Wenn Missstände nicht öffentlich gemacht werden, wird eine Änderung der Verhältnisse schwierig.

Im zunehmenden Verlauf der Serie tauchen immer weitere Frauen auf, und zwar auch in den höchsten Hierarchiestufen. Scott & Bailey scheint hier das generische Femininum in TV-Seriensprache zu übersetzen. Indem häufig nur Frauen in ursprünglich durch Männer gehaltene Positionen gezeigt werden wird deutlich, wie sehr wir immer noch an die Darstellung von rein männlichen Gruppen, gerade im Umfeld der Lohnarbeit, gewöhnt waren.

Scott & Bailey lebt von den brüchigen und komplexen Charakteren. Janet betrügt ihren Ehemann und hat einen großen Anteil am Scheitern ihrer Ehe. Rachel erpresst ihren ehemaligen Freund und nutzt ihre Ermittlungsmöglichkeiten für ihren privaten Rachefeldzug. Eine Mutter hat den Schutz ihres Sohnes als oberste Prämisse gestellt und damit ein grausiges Verbrechen ermöglicht. Die Verantwortung für die meiste Gewalt wird in Familiensettings gezeigt, die eben nicht nur männlich sind. Die größten persönlichen Probleme hat jedoch Janet, die durch schwierige Ereignisse – ihre alkoholabhängige Mutter taucht wieder auf, ihr Bruder landet wieder im Gefängnis – eine Ehe eingegangen ist, ohne dies eigentlich wirklich zu wollen.
Immerhin findet sie die Kraft, um ihr Alleinsein zu kämpfen.

Scott & Bailey zeichnet ein wenig schmeichelhaftes Bild des kontemporären Großbritannien. Während ein Großteil der Aussenaufnahmen dem Manchester Tourismusbüro zugute kommen dürfte, wird eine zunehmend verrohende Gesellschaft gezeigt, aber nicht vorgeführt, da das Major Incident Team ein Teil ebendieser ist. Die Gut-Böse-Dualität zwischen zu kontrollierender Bevölkerung und guter Justiz existiert nicht mehr, auch wenn insbesondere Janet Scott und Gill Murray dies zu erreichen versuchen. Kritisch zu erwähnen ist, dass ein Großteil der Verbrechen mit der Hilfe von Videoaufnahmen aufgeklärt wird.

In Deutschland wurden die ersten beiden Staffeln von Scott & Bailey von ZDF Neo ausgestrahlt, in Großbritannien wurde gerade das Finale der 3. Season gezeigt. Ob es wenigstens im Englischen eine 4. Staffel geben wird, ist noch offen.

“You know, I never thought I ever would be on a graveyard in a spa-robe, talking to a beautiful transvestite in the moonlight.” – “that’s romantic!!“

Diese romantische Situation hat Ray wieder einmal seinem besten Freund Jonathan und dessen Hang zur Privatdetektei zu verdanken. Und damit sind wir auch schon mitten drin, in der irrsinnig-absurden Welt von „Bored to Death“, der Noir-otic Comedy-Serie, die von 2009 bis 2011 auf HBO lief.Schauplatz: Brooklyn, NYC, späte Nullerjahre. Der Auftakt: Jonathan Ames (Jason Schwartzman), um die 30 Jahre jung, Krimiautor, befindet sich am Tiefpunkt nicht nur seines schriftstellerischen Daseins: Nachdem sein erster Roman ein ganz passabler Erfolg war, verzweifelt er an den berühmt-berüchtigten Schwierigkeiten eines erfolgreichen Zweitwerkes. Seine bevorzugten Inspirations- wie auch Prokrastinationsmittel: Weiswein und Marihuana. Diese ausgiebig konsumierte Mischung hält seine Freundin Suzanne nicht lange aus, sie verlässt ihn. Daraufhin, und vor allem um seine Schreibblockade endlich zu lösen, tritt Jonathan in die Fußstapfen seiner Romanhelden und bietet per online-Anzeige seine Dienste als Privatdetektiv an – zu äußerst günstigen Konditionen, versteht sich. Kenntnisse hat er ja – als Autor wie Leser von Krimilektüre. Die Kundschaft lässt nicht lange auf sich warten, und bald angelt Jonathan sich einen aberwitzigen Fall nach dem anderen: So hilft er einem Polizisten von der Sippe aus der Patsche, dessen Vorliebe für Sadomasospiele aufzufliegen droht, als seine Kollegen eine Razzia in genau dem SM-Klub planen, in welchem er treuer Stammkunde ist; er bringt auf der Suche nach der Braut eines russischen Mitbürgers die Mafia von Brighton Beach gegen sich auf, spielt Postbotin für Liebesbriefe in der Frauenabteilung eines Wellnessklubs und kümmert sich um gekidnappte Hunde ebenso wie um gekidnappte Spermien.

Tatkräftige Unterstützung erhält er dabei von seinen besten Freunden Ray Hueston (Zach Galifianakis) und George Christopher (Ted Danson).

Ray, ein gutmütiger und immer etwas naiv und vertrottelt wirkender Comiczeichner, kompensiert sein mäßig erfolgreiches und alles andere als spannendes reales Leben mit seinem Alter Ego, der Comicfigur „Super Ray“. „Super Ray“ ist natürlich ein Superheld, mit der einzigartigen Eigenschaft, mit einem überdimensionierten, über Superkräfte verfügenden Penis ausgestattet zu sein – sein schlagkräftigstes Werkzeug gegen die zahlreichen Schurken des Super Ray-Universums.

Auf den dritten im Bunde, George Christopher, Herausgeber einer fiktiven New Yorker Zeitschrift und in dieser Funktion ab und an auch Arbeitgeber von Jonathan, trifft am deutlichsten der Titel der Serie zu, „Bored to Death“. Der 62-Jährige ist ein klassischer Sensation-Seeker, wie Psychologen es nennen würden – immer auf der Suche nach dem besonderen Kick, nach Abenteuer im Allgemeinen und Frauen im Besonderen, dabei durchgängig zugedröhnt, und dies am liebsten per gepflegtem Cannabis-Konsum aus einem Edel-Vaporizer. Wenn er auch für Jonathan eine Art Vaterfigur darstellt, ist George wohl kaum Altersweisheit zu attestieren, höchstens ein ausgeprägter Alterszynismus. Gespielt wird die Figur des George Christopher im Übrigen von Ted Danson, der den nicht mehr ganz so jungen Serienjunkies unter uns noch sehr gut aus der 80er Jahre Sitcom „Cheers“ bekannt sein dürfte, in der er den Barbesitzer Sam Malone spielte.

Während zu Beginn der Serie Jonathan die einzige Verbindung zwischen Ray und George darstellt, deren Charaktere unterschiedlicher kaum ausfallen könnten, schließen mit der Zeit auch der Comiczeichner und der alternde Macho eine herzliche Freundschaft, als sie ihre gemeinsame Vorliebe für Cannabis entdecken.

Und darum geht es in dieser Serie schließlich auch – um Männerfreundschaften. Zugegeben, dieser Fokus, der schon allein durch die ausschließlich männlichen Hauptdarsteller zustande kommt, schreckte uns zu Anfang gehörig ab. Bereits in der ersten Folge wird deutlich, dass „Bored to Death“ den Bechdel-Test nie bestehen wird – zu augenfällig sind die weiblichen Nebenfiguren, die eh nur sporadisch auftauchen, als deren Freundinnen, Liebschaften oder Ex-Frauen jeweils direkt und ausschließlich auf Jonathan, Ray oder George bezogen. Untereinander kennen sich diese Frauen auch überhaupt nicht. Durch die ausschließliche Konzentration auf die drei Hauptfiguren verhandelt die Serie jedoch auf äußerst charmante Weise Bilder und Vorstellungen von Männlichkeiten, die sie – dem Comedy-Genre gemäß – gehörig durch den Kakao zieht.

So unterschiedlich ihre Charaktere auch sein mögen, orientieren sich Jonathan, Ray und George in ihrem Wunschdenken und Handeln ganz offensichtlich an klassischen Männlichkeitsidealen. Jonathan mimt mehr schlecht als recht den obercoolen Detektiv aus dem Film noir der 1940er und 50er Jahre. Bei seinen investigativen Recherchen bzw. Rechercheversuchen hüllt er sich in den Trenchcoat, den Blick geheimnisvoll gesenkt, die Stimme bemüht um eine Oktave tiefer, gerade wenn er weibliches Klientel vor sich hat. Fehlte nur noch, dass er wie Humphrey Bogart beim Filmdreh auf einer Bierkiste steht, um bei Liebesszenen seine geringe Körpergröße zu kaschieren. Bei Ray liegt die Wunschvorstellung im Alter Ego „Super Ray“ klar auf der Hand bzw. zwischen den Beinen. Das regelmäßige Scheitern dieser beiden an ihren fiktionalen Vorbildern macht dann auch einen großen Teil des Witzes – und auch des Charmes – von „Bored to Death“ aus. Am ehesten gelingt die Besetzung dieses klassischen Idealbildes noch George, doch auch er wird schließlich komplett aus der Bahn geworfen, als bei ihm Prostatakrebs diagnostiziert wird…

Für Aussagen wie diese, die uns – abzüglich natürlich der Altersangabe – doch sehr an unsere eigene Lebenswirklichkeit erinnern, lieben wir die drei Antihelden aus „Bored to Death“. Jonathan, Ray und George sind nun wiederum keine Looser, das wäre zu einfach und stereotyp ins Gegenteil des klassischen Männlichkeitsbildes gewendet. Sie sind sensible, verträumte bis schwärmerische und eben darum auch so liebenswerte Zeitgenossen, bei denen über allen gewöhnlichen bis grotesken Geschehnissen ihres Alltags ihre Freundschaft steht, die in ihrer Tiefe den gezeigten Liebesbeziehungen mehr als nur das Wasser reicht. Diese Zuneigung und die Sorge füreinander gewinnt in der zweiten Staffel erst richtig an Fahrt, und sie kann auch schon mal unfreiwillig Involvierte auf eine harte Geduldsprobe stellen – wie beispielsweise in dem Fall, als Jonathan von zwei Gangstern entführt und gezwungen wird, George wegen der Lösegeldforderungen anzurufen.

An „Bored to Death“ zeigt sich – leider – exemplarisch die zunehmende Ausrichtung an kommerziellem Erfolg auch bei HBO-Serien. Wegen zu geringer Einschaltquoten wurde die Serie nach gerade einmal drei Staffeln abgesetzt. Dass in jüngster Zeit Gerüchte zu einem „Bored to Death“-Kinoableger auftauchten, tröstet nur bedingt.

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Die großen und kleinen Fernsehseriendramen werden des Öfteren auch über Frisuren angekündigt oder ausgetragen, genauer gesagt, über Kurzhaarfrisuren, und noch genauer: über weibliche Kurzhaarfrisuren.„Alles was ich wollte, war lange Haare haben!“ Betty Draper, die Vorzeigefigur einer unemanzipierten, neurotisch-verzweifelten Hausfrau, bringt den Erziehungsimperativ der 1960er Jahre für junge Mädchen auf den Punkt: Üben, üben, nochmals üben für die vorgesehene Rolle der Hausfrau und Mutter, die ihren Selbstwert allein über ihr Äußeres erfährt, das sich dabei vorzugsweise nach dem männlichen Begehren richtet. Nicht umsonst sind die wenigen harmonischen Szenen, die wir in der gesamten Serie zwischen Betty und Sally sehen, die, in denen sie ihre Tochter mit Lippenstift und Nagellack in die „Geheimnisse weiblicher Schönheit“ einweiht.

Das plötzliche Wechseln der Haartracht ist ein etabliertes literarisches wie filmisches Motiv. Das mag an der allgemein hohen Symbolkraft des Haares liegen, das schließlich zu den wichtigsten Möglichkeiten menschlicher Selbstdarstellung zählt. Die jeweils zugeschriebene Bedeutung von kurzem und langem Haar hängt natürlich vom jeweiligen gesellschaftlichen und kulturellen Kontext ab – und hierbei eben auch und vor allem vom zugeschriebenen Geschlecht. So signalisiert in den sogenannten westlichen Gesellschaften die Langhaarfrisur bei Männern häufig eine Distanz zum gesellschaftlichen Mainstream, während hingegen weibliche Kurzhaarfrisuren für Emanzipation und Unabhängigkeit stehen. Auch in unseren Lieblingsserien wird dieser Topos aufgegriffen und auf verschiedene Art und Weise verarbeitet – mal sehr gezielt in vordergründig-eindeutiger Absicht, mal eher dezent-indirekt, und in diesem Sinne deutungsoffen. Im Folgenden wollen wir neben dem bereits genannten Mad Men noch drei weitere Beispiele für die Inszenierung der weiblichen Haarfrisur besprechen.

Bei Starbuck, der Kampfpilotin aus Battlestar Galactica, kam vor dem Frisurenwechsel erst einmal der Geschlechterwechsel: In der Originalserie von 1978 war Starbuck ein Mann – draufgängerisch, rüpelhaft und oft aufbrausend. Der Wechsel zur weiblichen Pilotin Kara „Starbuck“ Thrace, der noch dazu kaum eine Änderung in der Charakterzeichnung nach sich zog, hat in Fanforen wie in der akademischen Genderforschung für viel Diskussionsstoff gesorgt. Die Philosophin Sarah Conly sieht in dem Starbuck-Charakter gar ein perfektes Beispiel für Judith Butlers These, dass das Geschlecht nicht qua Natur existiert, sondern durch performative Akte hergestellt wird. In der meisten Zeit zeigt die Pilotin Starbuck männlich konnotierte Verhaltensweisen (wenn diese in der utopischen Welt von Battlestar Galactica jedoch bei Weitem nicht mehr so stark gegendert sind wie in unserer jetzigen Gesellschaft). Wenn sie will oder gerade lustig ist, kann sie jedoch auch problemlos feminin geltendes Benehmen darstellen, welches sie in seiner Performanz regelrecht zelebriert – nur um Sekunden später für den nächsten Kampfeinsatz bereitzustehen. Während der Serie gibt es mehrere Domestizierungsversuche ihres unabhängigen Charakters: Als die Menschenflotte sich auf dem Planeten New Caprica neu ansiedelt, heiratet Starbuck den Piloten Anders, und legt offenbar ihren Beruf ad acta. Augenfällig trägt sie plötzlich langes Haar – passendes Zeichen ihrer neuen Rolle. Bei der Invasion der Cylons wird sie von ihrem ewigen Widerspieler Leoben in Arrest genommen. Er will ihre freiwillige Unterwerfung als seine Lebenspartnerin und spielt ein überaus morbides Ehepaar-Spiel mit ihr, das seinen Höhepunkt in der Vorstellung eines angeblich gemeinsamen Kindes gipfelt (wir erinnern uns – in der Science Fiction ist fast alles möglich, in diesem Fall muss wieder mal ein Genexperiment vorhalten). Starbuck, die von Leoben konsequent unter ihrem Vornamen Kara, und nie unter ihrem Kampfnamen angesprochen wird, entwickelt nach anfänglicher Abwehr tatsächlich elterliche Gefühle für das Mädchen Kacey. Nach erfolgreicher Beendigung der Besatzung und Flucht vor den Cylons fliegt der Schwindel jedoch auf, als Kara durch Zufall auf die biologische Mutter von Kacey trifft. Kara ist geschockt und verstört – von der Lüge, aber vor allem vom plötzlichen und unerwarteten Ende der eben begonnenen emotionalen Beziehung zu dem Kind. Sie stellt sich vor den Spiegel und schneidet sich mit ihrem Militärmesser die Haare ab. Kara wird wieder zu Starbuck.

Nicht ganz so augenfällig, jedoch mindestens ebenso bezeichnend gestaltet sich Carmela Sopranos Haircut gegen Ende der vierten Staffel. Carmela befindet sich inmitten ihrer unausgesprochenen Herzensangelegenheit mit Furio, einem italienischen Angestellten ihres Ehemannes Tony. Der Frisurenwechsel zeigt zunächst das offensichtliche Bedürfnis Carmelas nach etwas Neuem, nach Veränderung an – und damit eben auch just die Änderung, die Furio in ihr Leben gebracht hat. Tony hingegen kommentiert den neuen Look folgendermaßen…

Die Äußerung Tonys kennzeichnet die Verknüpfung der ästhetischen mit der ökonomischen Abhängigkeit: Ebenso wenig, wie Carmela finanziell eigenständig ist, besitzt sie die alleinige Verfügungsgewalt über ihr Äußeres. Dieses soll zuvorderst zum Wohlgefallen ihres Ehegatten ausfallen – was ganz klar eben nicht „short“ sein kann. Bezeichnend ist auch, dass kurz nach dieser offenbar bereits als eigenmächtig geltenden Handlung Carmela den Bruch vollzieht und nach Bekanntwerden einer Affäre ihres Mannes sich von ihm trennt. Der Haircut hält also gewissermaßen als Vorbote ihrer Loslösung von Tony her – wenn diese auch nur zeitweilig ist. Und folgerichtig trägt sie in den späteren Staffeln, in denen sie wieder zu ihrem Ehemann gefunden hat, auch wieder längeres Haar.

Bei Veronica Mars, der Hauptfigur der gleichnamigen Serie, gestaltet sich das Spiel der Frisuren recht vieldeutig – schon allein deswegen, weil der Wechsel der Haartracht nie direkt thematisiert oder gar gezeigt wird. Die Änderung der Frisur wird zunächst als dramaturgisches Mittel zum Anzeigen eines Zeitebenenwechsels eingesetzt, das den Zuschauer_innen die Unterscheidung der verschiedenen Zeiträume erleichtert, in denen die Serie spielt. So zeigen die in der ersten Staffel häufig eingesetzten Flashbacks, die die Vorgeschichte erzählen, Veronica mit langen Haaren. Der Wechsel zur halblangen Frisur erfolgte offenbar kurz nach der Ermordung ihrer besten Freundin, als sie durch die Ermittlungen ihres Vaters gegen die hochangesehene Familie der Ermordeten von ihren Altergenossen völlig isoliert wird. Neben dieser ersten Hilfsfunktion – also die Unterscheidung der Zeitebenen – sind zusätzlich mehrere Deutungen möglich: So kann der Haarschnitt auch den Eintritt in die Welt der Erwachsenen markieren. In vielen Teenieserien wird beispielsweise der Wechsel von der Highschool zum College mit einer neuen Haartracht angezeigt. Bei Veronica Mars fällt dieser Wandel mit einer markanten Charakterentwicklung zusammen: vom lieben und netten, ein wenig schüchtern-schwärmerisch anmutenden „Mädchen von Nebenan“ zu einer erzwungenermaßen starken und unabhängigen Persönlichkeit. Bemerkenswert erscheint im Laufe der Serie auch die weitere Entwicklung der Frisur, die mit der allmählichern Änderung ihres sozialen Status korrespondiert: von dem einer regelmäßig gemobbten und geschassten, wenn dabei auch sehr widerständigen Außenseiterin, zu einer zwar immer noch aus dem Rahmen fallenden, jedoch dabei sozial durchaus integrierten Person. Bereits im letzten Highschooljahr, spätestens aber auf dem College kann von einer sozialen Ächtung Veronicas keine Rede mehr sein, eher zollt man diesem selbstbewussten Sonderling zunehmend Bewunderung und Respekt. Und seltsamerweise wächst mit ihrer sozialen Integration und Anerkennung auch wieder ihr Haar …

Als die Serie “Girls” im April dieses Jahres zum ersten Mal ausgestrahlt wurde, löste es sofort große Kontroversen und Diskussionen aus. Während die Serie aufgrund des preisgekrönten ersten Filmes “Tiny Furniture” der Schreiberin, Regisseurin und gleichzeitigen Hauptdarstellerin Lena Dunham im Vorfeld Lorbeeren geerntet hatte und positive Reviews erhielt, begann vorwiegend im Internet eine kritische Rezeption über die whiteness, also die Abwesenheit von nicht-weißen Personen der immerhin im kosmopolitischen Brooklyn, NYC spielenden Serie, und die häufig empfundene Oberflächlichkeit der oft als spoiled, also verwöhnt, bezeichneten Charaktere, auf die wir später zurückkommen.

Im Mittelpunkt der Serie, die das Leben und Überleben in wirtschaftlich unstabilen Zeiten und unsicheren Beziehungen thematisiert, stehen die seit Collegetagen befreundeten Mittzwanzigerinnen Hannah und Marnie, die sich eine Wohnung teilen. Dazu gesellt sich Hannahs Freundin Jessa, die gerade nach New York zurückgekehrt ist und bei ihrer Cousine Shoshana einzieht. Dies sind die Girls.

Viele TV-Serien spielten und spielen in New York City. “Girls” möchte dabei nach Aussagen von Lena Dunham eine Lücke schließen. Und zwar zwischen dem damals überraschenden “Sex and the City” und – etwas weniger offensichtlich – zwischen “Gossip Girl”. Die Bezüge zu “Sex and the City sind” unübersehbar: 4 weibliche Hauptdarstellerinnen, der gleiche Sender – HBO -, die Episodenlänge von 30 Minuten. In Shoshanas Zimmer hängt ein Plakat zum 1. Film von SATC und die Serie wird direkt erwähnt. Die Bezüge zu “Gossip Girl”, einer äußerst erfolgreichen, wenngleich auch nicht gerade von Kritiker_innenlob überschütteten Serie sind nicht ganz so offensichtlich. Während “Gossip Girl” das Leben von Jugendlichen an der superreichen Upper East Side mit Skandalen, Verschwörungen und unwahrscheinlichen Ereignissen reißerisch behandelt, wird die Serie doch mehrmals direkt zitiert. Die Serie “Girls” ist im nicht ganz so reichen, jedoch ohne elterliche Unterstützung nicht erschwinglichen Brooklyn angesiedelt.

Gleich zu Beginn der 1. Folge eröffnen Hannahs Eltern, Collegeprofessoren aus Michigan, ihrer Tochter das sofortige Ende der finanziellen Unterstützung. Hannah verdient auch 2 Jahre nach ihrem Collegeabschluß kein eigenes Geld. Sie hat zwar einen Job, dabei handelt es sich aber um ein Internship, also ein unbezahltes Praktikum, in einem Verlag. Hannah träumt davon, eine Schriftstellerin werden und protestiert gegen die Einstellung des finanziellen Supports, jedoch ohne Erfolg. Ihre Argumentation? Sie schreibt an ihren Memoiren, die sie natürlich erst noch erleben muss, und ist damit beschäftigt, zu werden wer sie wirklich ist. Und ihre Eltern können doch wirklich glücklich sein, immerhin ist sie nicht drogenabhängig.

Hannahs beste Freundin Marnie ist die einzige der 4 Freundinnen, die tatsächlich einen “erwachsenen” Job in einer Galerie hat. Jessa jobbt als Babysitterin, während Shoshana, die noch studiert, wie viele andere Charaktere auch, von ihren Eltern unterstützt wird.
Hannah ist selbstzentriert, egoistisch und nicht wirklich in der Lage, mit verschiedenen unschönen Realitäten ihres Lebens umzugehen. So ignoriert sie die beständigen Fragen von Marnie nach ihrem Anteil an der Miete und klagt wie schwer es ist, einen guten Job zu bekommen, möchte aber auch nicht kellnern gehen. Sie hat ihr unbezahltes Praktikum verloren, als sie nach Bezahlung gefragt hatte.

Die Reaktionen ihres Umfeldes sind ebenfalls seltsam. Während Marnie dafür plädiert, dass sich Hannah einen Job sucht, folgt Hannah Jessas Rat, ihren Eltern nochmal klar zu machen, dass sie eine Künstlerin sei, der Unterstützung ohne zeitliche Begrenzung einfach zusteht. Adam, zu Beginn der Serie als äußerst befremdlicher gelegentlicher Sexpartner von Hannah eingeführt, kommentiert lapidar: “Du solltest niemandes Sklave sein, nur meiner.” Er nimmt keine Unterstützung seiner Eltern in Anspruch, aber – voilá – seine Großmutter hilft ihm.
Anschließend haben sie Sex, bei dem Adam Hannah als “modern career woman” beschimpft. Es wird nicht die einzige Szene dieser Art bleiben. In späteren Folgen möchte er sie als Prostituierte, als junges Mädchen von der Straße sehen.

Später wird immer deutlicher, wie ich-bezogen Hannah tatsächlich ist – sie hat sich tatsächlich nie richtig für Adam interessiert und erfährt z.B. eher zufällig, dass er bei den AA, also den Anonymen Alkoholikern ist. Erst in der 7. der 10 Folgen der 1. Staffel sehen wir Adam außerhalb seines Appartments, und – Überraschung -, er trägt tatsächlich ein Hemd, nachdem wir lange vermuten mussten, dass seine Garderobe aus einer Jeans und einigen Unterhosen besteht.

Gegenmodell dieser seltsamen Beziehung, wie sie Leute in der Selbstfindungsphase in Brooklyn wohl gelegentlich führen, sind Marnie und ihr Freund Charlie, die seit dem College zusammen sind. Dabei ist Marnie zunehmend genervt von ihrem liebevollen Freund, der sie tatsächlich fragt, was sie möchte, und ihr jeden Wunsch von den Augen abliest. Als später Charlie und sein Freund Ray, der als wohltuender Gruß aus der Realität verstanden kann, in Hannahs Tagebuch lesen, dass sie der Meinung ist, dass sich Marnie endlich von Charlie trennen soll, kommt es zum großen Zerwürfnis. Charlie verlässt Marnie und wir müssen überrascht sehen, dass auch Marnie nicht so gut ist, wie wir lange glauben wollten – sie weiß noch nicht einmal, wo Charlie wohnt. In 4 Jahren war sie nicht einmal bei ihm zu Besuch, sondern hat erwartet, dass er kommt, wenn sie ruft.

Dies sind nur einige der befremdlichen Ereignisse, und trotzdem übt die Serie “Girls”, wenn man sich durchgerungen hat, die erste Folge zu schauen, eine seltsame Faszination aus. Zum einen geht die Serie wohltuend realistisch mit Körperbildern um. Zwar entsprechen Marnie und Jessa dem aktuellen Schönheitsideal weißer Frauen, aber Hannah, die sehr oft nackt oder halbnackt gezeigt wird, hat ganz offensichtlich keinen Körper, wie er in Magazinen nach entsprechender Photoshopbehandlung zu sehen ist. Ihre Unsicherheit im Bezug auf ihren Körper gesteht sie ein, wenn sie als Grund für ihre vielen Tätowierungen gegenüber Adam erklärt, dass diese ihr in ihrer Jugend ein Gefühl von Kontrolle über ihren zunehmenden Körper ermöglichten. Gleichzeitig wird Sex entmystifiziert. Während es in der zu Beginn erwähnten Serie “Gossip Girl” nur supertollen, fantastischen Sex gibt, zeigt “Girls” eine größere und realistische Bandbreite. Shoshana ist mit 22 Jahren noch Jungfrau, Marnie ist gelangweilt, wird jedoch auf einer Toilette mastubierend gezeigt, nachdem sie eine Begegnung auf einer Party erregt hat, Marnie und Jessa knutschen, und Hannah erfüllt die Bedürfnisse Adams, weil sie ihre eigenen nicht ausdrücken kann oder noch nicht kennt. Selbst die Körper von Hannahs Eltern werden nackt gezeigt. Auch mit den Folgen – ungewollten Schwangerschaften oder einer HPV Infektion setzt sich die Serie auseinander. “Girls” ist äußerst dicht, detailreich und komplex inszeniert und unsere Reaktionen schwanken zwischen “uh, wirklich?” und dem Lachen über Absurditäten.

Viele der gezeigten Szenen beruhen auf Ereignissen aus Lena Dunhams Leben, so zum Beispiel das plötzliche Einstellen der finanziellen Unterstützung durch ihre Eltern oder dass ihr Collegefreund, mit dem sie 2 Jahre zusammen war, sich anschließend als schwul outete.

Der Mut, mit dem die erst 25jährige Lena Dunham schreibt, Regie führt und spielt ist atemberaubend. Anders als die Protagonistinnen von “Sex and the City” ist sie ja nicht der Mittelpunkt eines glamourösen Lebens, in dem Ungemach nur von außen droht, sondern eine verletzliche und verletzte junge Frau, die dermaßen viele schlechte Entscheidungen trifft und Ereignisse falsch bewertet, dass es einem schwindelt. Die Serie ist exzellent ausgestattet. Allein die Beschreibung von Charlies Wohnung, die dieser selbst gebaut hat, wären eine Rezension wert. Keine der Protagonist_innen ist blass, und es ist wirklich überzeugend, wie komplex die Charaktere über den Verlauf der 1. Staffel entwickelt und dargestellt werden.

Zu den Vorwürfen, die Serie wäre nur “weiß”, weil in der 1. Folge tatsächlich nur eine Asiatin mit dem Verweis, sie wäre besonders gut in Photoshop und ein Schwarzer, der ausgerechnet als Obdachloser auftrat, vorkamen, entschuldigte sich Lena Dunham und verwies auf die zur Zeit abgefilmte 2. Staffel. Gleichzeitig sind Freundes- und Gesellschaftskreise tatsächlich ja oft geschlossen und spiegeln ebenfalls Lena Dunhams gesellschaftlichen Hintergrund, deren Vater ein WASP ist, (also weiß, alteingesessen, evangelisch von der Ostküste der USA stammend) und deren Mutter, eine Malerin, einen jüdischen Background besitzt. “Girls” ist also eher ein realistisches Abbild unserer Gesellschaft, die als anders Empfundene nicht oder selten zeigt und über Ausschlüsse funktioniert. Gleichzeitig sind die Protagonist_innen selten wirklich symphatisch oder gar glamourös, ihre Welt wird also nicht als erstrebenswert oder zur Identifikation – wenn es über allgemeine Aussagen hinausgeht – einlädt. Weißsein ist hier also kein Merkmal, dass automatisch positiv aufgeladen ist.

Lena Dunham ist mit der Serie “Girls” Hannahs Anspruch gerecht geworden. Während in der Bezugsserie “Gossip Girl” ein aufstrebender Schriftsteller als “die Stimme seiner Generation” bezeichnet wird, bleibt sie in der Dramedy “Girls” realistischer: sie ist eine Stimme einer Generation.

In einer der vergangenen Sendungen von previously haben wir ueber eine mögliche HBO-Serie mit einer weiblichen oder feministischen Hauptfigur berichtet, mit der unser Lieblings-TV-Serien-Anbieter auf sich warten lies. Im April begann nun endlich die Ausstrahlung der Polit-Satire “Veep“, in deren Mittelpunkt die us-amerikanische Vizepräsidentin Selina Meyer steht. Sie wird von Julia Louis-Dreyfus gespielt. Verantwortlich fuer Veep zeichnet der britische Satiriker Armando Iannucci. Mit Comedys im Feld der großen Politik kennt sich Armando Iannucci aus. Er ist bekannt für seine TV-Serie The Thick of it, in der er das Innenleben der britischen Regierung parodiert. „Veep“ steht für die umgangssprachliche Abkürzung von Vice President, VP.

Es ist einer der seltsamsten Jobs in der grossen Politik. Die Vizepraesidentin oder der Vizepraesident der Vereinigten Staaten von Amerika ist dem maechtigsten Amt des Landes so nah wie sonst keiner und dennoch wird die Position oft als sinnlos, langweilig und sogar demuetigend beschrieben. Man erhaelt Aufgaben und bekommt sie wieder entzogen. Anweisungen sind zu befolgen. Widerspruch wird nicht geduldet. Im Grunde haette Selina Meyer darum wissen koennen – bereits der erste Vizepräsident, John Adams, bezeichnete das Amt als „das bedeutungsloseste, das jemals von Menschen ersonnen wurde“.

Wie stark der Vizepraesident oder die Vizepraesidentin in politische entscheidende Prozesse eingebunden ist, haengt allerdings in enormen Masse vom Praesidenten selbst ab – von Dick Cheney – dem Vize von George W. Bush – wissen wir dass er enormen Einfluss hatte. Selina Meyer wird hingegen vom POTUS – kurz fuer President of the United States schlichtweg ignoriert, eine Tatsache die in der immer wiederkehrenden Frage Selinas an ihre Sekretaerin – Hat der Praesident angerufen? – ihren Ausdruck findet. Die stete Antwort lautet: Nein. Den Praesidenten bekommen wir daher auch nicht zu Gesicht, ebensowenig wird klar welcher Partei die Protagonist_innen angehoeren –   obwohl bestimmte Themensetzungen eher auf die Demokraten als die Republikaner schliessen lassen.  Fuer die Kommunikation zwischen POTUS und der VEEP ist Jonah zustaendig.

Jonah ist der Vermittlungsmann zwischen den beiden Aemtern. Er uebermittelt Anweisungen und  Kritik. In der Regel taucht er im Buero der Vizepraesidentin mit schlechten Nachrichten auf. Auf seine Arbeit fuer das Weisse Haus bildet sich Jonah maechtig was ein. Seine Ueberheblichkeit und seine Erniedrigungen in Kombination mit seiner enormen Koerpergroesse haben ihm deshalb den Spitznamen scysraper of shit eingebracht.

Selina Meyer versucht mit eigenen politischen Themen Akzente zu setzen, sich Unterstuetzung fuer Kampagnen oder Gesetzesreformen im Kongress zu organisieren. Positive Schlagzeilen machen – um diese Maxime herum routieren Selina Meyer und ihr Team, wobei das Vermeiden negativer Schlagzeilen dabei einen nicht unerheblichen Anteil einnimmt. Die taegliche Routine spart nicht mit Demuetigungen. Die erste erwartet Selina Meyer zu Beginn der ersten Folge als sie eine Veranstaltung im Capitol Hill besucht, dort aber ueberrascht feststellen muss, dass die angekuendigten Senatoren mit Abwesenheit glaenzen. Dafuer gesorgt hat ein twitter-shitstorm der Plastik-Lobby gegen die Vizepraesidentin, deren Plaene in allen Regierungsgebaeuden Wegwerfbesteck gegen biologisch abbaubares Besteck auszutauschen auf  Widerwillen stossen.

Biologisch abbaubares Besteck aus Maisstaerke war uebrigens tatsaechlich von Nancy Pelosi – Sprecherin des Repraesentantenhauses bis 2011  – in allen in Cafeterias der Kongressgebaeude eingefuehrt worden. Als die Republikaner 2010 die Mehrheit im Weissen Haus erlangten haben sie das umgehend rueckgaengig gemacht.

Das mit der Oellobby nicht zu spassen ist, beweisen auch die immer wieder bekannt werdenden Morddrohungen gegenueber Klimawissenschaftler_innen, deren Forschungsgegenstand der Co2-verursachte Klimawandel ist.  Auch in Veep spart Senator Sydney Percell nicht mit Drohungen gegenueber Amy Brookheimer, die zusammen mit Selina Meyer versucht eine Clean Jobs Initiative voran zu bringen und dabei die Oellobby eigentlich nicht mitreden lassen wollte.

Senator Doyle hingegen ist nur bereit die Filibuster Reform zu unterstuetzen wenn der Task Force fuer Clean Jobs keine Oellobbisten angehoeren. Zuguterletzt versenkt POTUS die Initiative, in dem er sie einfach aus tagespolitischen Ueberlegungen  von der Agenda nimmt und der Vizepraesidentin stattdessen eine Kampagne gegen Fettleibigkeit verordnet.

Die erfolglosen Bemuehungen Selinas im politischen Spiel zu punkten, haben allerdings auch nicht unwesentlich mit dem ihr zur Seite gestellten Team zu tun.Da waere Amy Brookheimer, die Stabschefin der Vizepraesidentin, mit der Meyer Kampagnen entwickelt, die sie aber auch in sehr persoenlichen Fragen zu Rate zieht.

Ebenfalls immer an ihrer Seite ist Gary Walsh, ihr peroenlicher Assistent, der in einer riesigen Tasche Meyers persoenliche Dinge des taeglichen Bedarfs herumschleppt und die er “Leviathan” nennt. Bei oeffentlichen Handshakings soufliert er Selina Stichworte fuer den passenden Small Talk.  Mike McClintock ist der Direktor fuer Kommunikation, arbeitete bereits fuer Meyer als sie noch Senatorin in Maryland war und leitete ihre Praesidentschaftskampagne. Wie Selina Meyer mit seiner Hilfe auf dem 3. Platz landen konnte ist uns schleierhaft, denn McClintock macht eher den Eindruck des klassischen Bummelstreikers, immer essend oder nach Essen Ausschau haltend und definitiv zu langsam fuer Twitternachrichten. Er bekommt daher bereits in der 2. Folge einen jungen embitionierten Karrieristen zur Seite gestellt: Dan Eagan. Dan ist Networker und mit den neuen Medien vertraut. Sein Daumen kreist staendig ueber dem BlackBerry. Er ist das Gegenteil von integer. Loyalitaet kennt er nur im Zusammenhang mit seiner eigenen Person.

Sue Wilson koordiniert den Terminplan der Vizepraesidentin, organisiert ihre Treffen und Besuche. Sue ist die einzige schwarze Person im Team, was bei uns anfanglich fuer Irritationen sorgte. Die Rolle der schwarzen Sekretaerin in einem ansonsten komplett weissen Cast erinnerte uns sofort an die Drama-Serie Mad Men, die allerdings vor einem halben Jahrhundert spielt. In einem Interview mit ebony aeussert sich Schauspielerin Sufe Bradshaw zu dieser Frage. Sie sagt sie wisse nicht ob Sue als schwarze Person geschrieben wurde. Sie wurde als eine toughe Person geschrieben, was die Rolle fuer Sufe Bradshaw interessant machte. Und tatsaechlich erscheint Sue Wilson als einzige kompetente Mitarbeiterin in  Selina Meyers Buero. Sue spricht Tacheles, behaelt auch in katastrophalen Situationen den Ueberblick und weiss sich zur Wehr zu setzen.

Inwieweit Veep als Sitcom gelungen ist koennen wir nicht einschaetzen. Unser Buisness sind eigentlich Dramaserien. Richtig viel gelacht haben wir eigentlich nicht. Auch dass alte weisse Maenner junge Maenner, die aus welchen Gruenden auch immer nicht ihren Vorstellungen von Mannsein genuegen, staendig mit gay oder lady beschimpfen  – koennen wir nicht so richtig witzig finden. Es sei denn wir werden hier Zeuginnen der letzten Zuckungen von Fossilen, die mit ihrer patriarchalen machistischen Wichtigtuerei bald gaenzlich der Vergangenheit angehoeren werden.

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Plattenladen, Esoladen, Kinderladen, Ökoladen, Umsonstladen, Indymodelabelladen, Galerieladen, Ladengalerie, Tanztheater, Theaterwerkstadt, Fahrradwerkstatt, Teestube, Caféstube, Vegan-Livestylebar – dies alles auf einer einzigen Straße angesiedelt und überall natürlich der Bio-Fairtrade-Vanillalatte mit fettreduzierter Sojamilch to Go im Angebot, bzw. der Babylatte für den Nachwuchs … Was der Mythos Neustadt für Dresden ist, das Schanzenviertel für Hamburg und der Prenzelberg für Berlin, dafür steht in den USA eine ganze Stadt: Portland, Oregon.

Die eben geschilderten paradiesischen Zustände für alle öko- wie trendbewussten Medien-, Kunst- und Kulturschaffenden lassen sich problemlos ausweiten: Das Fahrrad wird in Portland nicht nur als allgemein akzeptiertes, sondern sogar bevorzugtes Verkehrsmittel behandelt und demzufolge mit einer Infrastruktur ähnlich der des hierzulande für seine Fahrradmanie bekannten westfälischen Münster bedacht. Der öffentliche Personennahverkehr ist innerhalb der Innenstadt kostenlos. In der City gibt es spezielle, ebenfalls kostenfreie Parkplätze für Elektroautos, an denen zudem gratis Strom zum Aufladen der Fahrzeuge zur Verfügung gestellt wird. Natürlich ist Solarstrom groß angesagt. Neben seiner berühmten Independent-Musikszene hat Portland auch ein äußerst reges Nachtleben im Angebot. Darüber hinaus gibt es, auf die Einwohnerzahl bezogen, die meisten Brauereien der Vereinigten Staaten. Am Strand gibt es auch FKK, zudem zählt Portland zu den ausgesuchten Austragungsorten des sogenannten „Naked Pumpkin Run“ – einem alljährlich zu Halloween stattfindenden Nacktlauf…

In der 580.000 Einwohner_innen zählenden Stadt am nordwestlichen Pazifik ist also alles anders als in den restlichen Vereinigten Staaten von Amerika: Selbst – oder gerade – hiesige Antiamerikaner_innen dürften Portland lieben, dünkt es im Hinblick auf Umwelt, Kunst und Kultur doch deutscher als deutsche Vorzeigeviertel und dient damit gewissermaßen als perfekte Projektionsfolie für die Sehnsucht nach der unmöglichen Möglichkeit eines richtigen Lebens im Falschen.

In der Satiresendung Portlandia, die seit Januar 2011 auf dem Sender IFC läuft, wird das alternative Milieu der Stadt brillant parodiert und gnadenlos durch den Kakao gezogen (letzteres in einer Szene sogar wortwörtlich). Ein Konzept, das aufgrund der nahezu universellen Übertragbarkeit von alternativ-subkulturellen Codes und Lebensstilen auch für Ortsunkundige ausgezeichnet funktioniert: Eine Folge Portlandia geschaut, und schon lässt sich das Hipsteraufgebot vor der eigenen Haustür viel besser ertragen.  

Die Serie verfolgt keinen kohärenten Plot, sondern besteht aus lose aneinandergereihten Sketchen, in denen jedoch bestimmte Figuren, Themen und Settings zum Teil wiederholt auftauchen und damit weitergeführt werden. Gedreht wurde vornehmlich an Originalschauplätzen der Stadt. Es gibt eigentlich nur zwei Hauptdarsteller_innen, die unter sich dafür umso mehr Hauptfiguren aufteilen: Carrie Brownstein, hauptberuflich Musikerin und als solche Sängerin und Gitarristin von Bands wie „Sleater-Kinney“ und „Wild Flag“, sowie Schauspieler und Comedian Fred Armisen, der vor allem aus der Comedyshow „Saturday Night Live“ bekannt sein dürfte. Die beiden entwickelten auch zusammen das Skript zu Portlandia. In den Sketchen porträtieren Browstein und Armisen per Maskenbild und einer grandiosen Schauspielleistung jeweils unterschiedlichste Typen der Portlander Subkultur: So sind die beiden u.a. als Konzeptkünstlerpaar, japanische Manga-Touristinnen, Tierrechtler_innen, Stripperinnen oder Betreiberinnen eines feministischen Buchladens unterwegs, oder spielen schlicht und einfach sich selbst.

Neben diesen beiden großartigen Hauptdarsteller_innen gibt es immer wieder skurrile Gastauftritte, wie der von Steve Buscemi als Toilettenbenutzer in der feministischen Buchhandlung oder Aimee Mann als sie selbst, die bei Brownstein und Armisen als Putzfrau anheuert; dazu wiederkehrende Nebenfiguren wie Kyle MacLachlan als – natürlich vorbildlich fahrradfahrenden – Bürgermeister, während der im realen Portland derzeit amtierende Bürgermeister Sam Adams in einigen Folgen als dessen Assistent auftritt.

Und wenn dies auch auf den ersten Blick widersprüchlich klingen mag: Wir plädieren zur nächsten Emmy-Verleihung für die Einführung einer neuen Kategorie: die der besten Statist_innen. „And the winner is“ … natürlich Portlandia: Die Szenen, in denen größere Menschenansammlungen zu sehen sind, wie beispielsweise in Straßencafés, Hotellobbys oder auch in der Nachtbar, scheinen oftmals nicht nach mehr oder weniger festgelegtem Skript gedreht, sondern wirken eher wie Hidden-Camera-Shows wie das hierzulande bekannte „Verstehen Sie Spaß“. Den Statist_innen ist die Peinlichkeit und Irritation ob dessen, was sie gerade an Eskapaden von Brownstein und Armisen miterleben müssen, so dermaßen ins Gesicht geschrieben, dass das Ganze einfach nicht mehr fiktiv wirkt – Vorsicht: Fremdschämen ist angesagt!

Zu guter letzt hat Portlandia in seiner zweiten Staffel einen zusätzlichen Leckerbissen für alle Science Fiction-Fernsehserien-Fans parat: In einem Sketch beschließen Carrie und Fred, mal in die erste Folge „Battlestar Galactica“ zu schauen, und das Unheil in Form eines Serienjunkiemarathons nimmt folgerichtig seinen Lauf – ein wohl nicht nur Lola Loop, Irmgard Lumpini und Miss Gouldy allzu vertrautes Phänomen…

Die mit Lob und Preisen überhäufte AMC-Serie “Mad Men” ist im März mit der fünften Staffel angelaufen. Mad Men portraitiert eine Werbefirma in der New Yorker Madison Avenue während der 1960er Jahre und setzt mit der nun gestarteten Staffel im Jahr 1965 ein. Die detailgetreue Rekonstruktion von Mode, Frisuren, Möbeln und Accessoires dieser Zeit haben ein inflationäres Revival der 1960er Jahre ausgelöst, welches nicht ohne eine fragwürdige nostalgische Hinwendung zur vermeintlich “guten alten Zeit” auskommt. Was macht es für das Publikum so attraktiv weißen Männern der Upper Class bei ihrem frauenverachtenden, sexistischen, rassistischen, homophoben und antisemitischem Verhalten zuzusehen? Ist es ein wehmütiger Blick zurück oder ist es eher ein mit Stolz verbundenes Gefühl: So viel besser haben wir es inzwischen?

Mark Greif – Mitherausgeber der New Yorker Literaturzeitschrift n+1 – bringt diese Kritik mit einem Vergleich auf den Punkt: Das ganze Spektakel hat die Arglist einer Sklavenhaltergesellschaft des 18. Jahrhunderts, die die sittenstrenge Gesellschaft des 17. Jahrhunderts verhöhnt: “Schau – sie haben ihre Hexen verbrannt” und dabei heimlich voller Neid auf eine Zeit zurückschaut, in der man dreiste Frauen auf den Scheiterhaufen warf.

Die kritisch gemeinte Darstellung der Vergangenheit soll dazu dienen uns die Gegenwart als paradiesisch erscheinen zu lassen. Ohne die Fortschritte negieren zu wollen – das ist sie nicht: z.B. nicht für den schwarzen Teenager Trayvon Martin, der auf seinem Weg durch eine geschlossene Wohnanlage von einem privaten Wachmann erschossen wurde, weil seine Kapuze auf dem Kopf Verdacht erregte. Der Todesschütze George Zimmermann war zunächst nicht verhaftet worden, weil er behauptete von Martin angegriffen worden zu sein und sich auf Notwehr berief. Das seit 2005 geltende und auf Druck der Waffenlobby, der National Rifle Organisation eingeführte „Stand your Ground“- Gesetz Floridas, das auch außerhalb der eigenen Wohnung die Anwendung tödlicher Gewalt zulässt, wenn sich jemand an Leib und Leben bedroht fühlt, dreht die Beweislast um: Nicht der Täter muss nachweisen, dass er wirklich bedroht war, sondern die Gegenseite muss beweisen, dass dem nicht so war. Die Beweislast liegt also beim – toten – Opfer. Landesweite Demonstrationen sorgten schließlich doch für die Verhaftung Zimmermanns.

In diese Zeit der Proteste fiel die Ausstrahlung der ersten Folge von Mad Men und erregte entsprechend heftig die Gemüter, u.a. auch der Mitarbeiter_innen der real existierenden Werbefirma Young&Rubicon, die ihren Sitz in der Madison Avenue 285 hat: In der Eingangsszene werfen drei Angestellte der Werbefirma “Y&R” Wasserbomben aus dem Fenster eines Hochhauses auf eine Demonstration Schwarzer Bürgerrechtler_innen für Chancengleichheit.

Die im Mittelpunkt der Serie stehende Firma SterlingCooperDraperPryce reagiert daraufhin mit einer Anzeige mit folgendem Wortlaut: “SterlingCooperDraperPryce – ein Arbeitgeber, der Chancengleichheit ernst meint. Unsere Fenster öffnen nicht. Wir fühlen uns verpflichtet zu beweisen, dass nicht die ganze Madison Avenue nass ist.” Obwohl lediglich als Schlag gegen die Konkurrenz von “Y&R” gemeint, werden SterlingCooperDraperPryce von zahlreichen afroamerikanischen Frauen und Männern beim Wort genommen, die tags darauf ihre Bewerbungen einreichen. Roger Sterling stellt mal wieder seine Einfältigkeit unter Beweis, als er sich verwundert darüber zeigt, dass Schwarze Zeitung – und damit auch Zeitungsanzeigen – lesen und sich für Office Jobs interessieren. Aber nach seiner Blackface-Einlage auf seiner Hochzeitsparty in der 3. Staffel wundert uns gar nichts mehr. Schließlich kommen SterlingCooperDraperPryce nicht umhin eine neue Sekretärin einzustellen, obwohl eigentlich keine freie Stelle zu besetzenwar: Dawn Chambers, gespielt von Teyonah Parris.

Dies bleibt nicht die einzige Neueinstellung, die das Ende der Vormachtstellung der WASP – der White Anglo-Saxonian-Protestants bei SterlingCooperDraperPryce ankündigt. In der ersten Staffel von Mad Men, die im Jahr 1960 spielt, witzeln Draper und Sterling noch: “Have we ever hired any Jews?” Draper: “Not on my watch.” und “Want me to run down to the deli and grab somebody?” In der dritten Folge der fünften Staffel wird Michael Ginsberg eingestellt, denn so Sterling: “A Jew makes the agency more modern”. Peggy – die erste Werbetexterin bei SterlingCooperDraperPryce und unsere Heroine führt das Einstellungsgespräch mit Ginsberg, der dabei ihre Position ignoriert und allein darauf aus ist Don Draper zu imponieren. Trotz dieses anfänglichen Konfliktes glauben wir, dass Peggy Michael für seine unkonventionelle Art schätzt. In einer sehr bewegenden Szene erzählt er ihr während einer späten Arbeitsstunde im Büro, dass sein Adoptivvater behauptet – er – Michael wäre in einem Konzentrationslager geboren worden, sein Adoptivvater habe ihn später in einem schwedischen Waisenhaus agefunden. Michael aber ist überzeugt davon, dass er eigentlich vom Mars kommt.

Michaels Geschichte erinnert uns daran, dass New York – neben Israel – bevorzugtes Auswanderungsziel Überlebender der Shoa war. Die Geschichte erklärt auch die enge Beziehung Michaels zu seinem Vater. Kurz nach der Einstellung Michaels sehen wir die beiden zusammen in einer winzigen Wohnung in der New Yorker Lower East Side. Eine Seltenheit, denn andere Protagonist_innen in Mad Men werden selten mit ihren Eltern gezeigt bzw. leben sie nicht mehr mit ihnen zusammen. Dass sich Michael selbst zum Marsianer machen muss, um sich nicht der Wahrheit auszusetzen, spricht Bände über die Tiefe seines Schmerzes. Wie kann man auch jemals glauben, verstehen und akzeptieren dass man in einem Konzentrationslager geboren wurde, einem Ort, der der Fabrikation von Leichen diente? „I am just displaced.“ sagt er. Dass Ginsberg über seine Herkunft von einem anderen Planeten fantasiert, passt zum Gefühl vieler Überlebender, aus der Welt gefallen zu sein, sich in ihr nur noch als Gast aufzuhalten.

Der überragende Erfolg Mad Mens kann auch mit Realitätsflucht begründet werden. Denn wie lässt sich der aktuellen Weltwirtschaftskrise besser entgehen – wenn auch nur für 45 min – als mit der Flucht in die 1960er Jahre, als das kapitalistische Wirtschaftssystem noch das amerikanische Glücksversprechen gewährleistete. Mehr Sinn für die Gegenwart beweisen hingegen zwei aktuelle Reality-TV-Shows, die wir aus Format- und Qualitätsgründen nicht besprechen wollen, die aber einen interessanten Kontrast zu Mad Men bilden: Es handelt sich um die beiden Untergangsserien Doomsday Preppers und Doomsday Bunkers, in denen das Kamerateam Amerikaner_innen besucht, die sich auf den Weltuntergang vorbereiten – von dem sie aus verschiedensten Gründen glauben, dass er unmittelbar bevorstehe. Viele der vorgeführten Preppers – Preppers für Preparation, also die Vorbereitung – haben in der Finanzkrise alles verloren, sind Kriegsheimkehrer oder beides. Ihr amerikanischer Traum endet vor der Tür ihres Hauses, sofern sie noch eines haben.

Zum Schluss wollen wir mit euch noch einen feministischen Moment bei Mad Men feiern: Joan hat ihren Ehemann Schrägstrich Vergewaltiger rausgeworfen und zwar in ihrer unvergleichlich unaufgeregten und bestimmten Art: Thats it!