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Der Herbst ist da, und anstatt auf den Straßen abzuhängen und mit Freundinnen Bier zu trinken, wird es wieder Zeit, sich mit der Katze auf dem Sofa in eine Decke zu kuscheln und das Serienuniversum nach neuen, vielversprechenden Serien zu scannen.Doch bevor wir zu den ganz neuen Serien kommen: die sommerliche Midseason brachte uns die 3. Staffel von “United States of Tara”, in der alle Erzählstränge und innerfamiliären Konflikte zunehmend dramatischer wurden. Ein offenes Ende ließ trotzdem vorsichtigen Optimismus für Tara, die von einer dissoziativen Identitätsstörung betroffene Protagonistin, keimen. Die bislang beste, leider aber auch letzte Season.

“Nurse Jackie“, bisher immer im Doppelpack mit “United States of Tara” ausgestrahlt, überzeugte uns nicht ganz. Jackies Doppelleben als Medikamentenabhängige Krankenschwester, die in den ersten beiden Staffeln zwischen Affäre und Familienleben entlang schlitterte, ließ uns zwar nicht gelangweilt, aber auch nicht mit überraschenden Wendungen zurück. Der Cliffhanger des Seasonfinales – der hier natürlich nicht verraten werden darf – eröffnete dann aber neue Wege für interessante Entwicklungen, die auf eine gute 4. Staffel hoffen lassen, die die Serie zu neuen Höhenflügen führen könnten.

Gut unterhalten hat uns das “Glee Project“, in dem für eine Rolle in “Glee” ähnlich wie in anderen Casting Shows verschiedenen Kandidat_innen nicht nur gegen-, sondern auch miteinander antraten. Wohltuend war dabei, dass die sonst so entwürdigende Zurichtung und Normierung hier keine Rolle spielten, und die Teilnehmer_innen mit großem Respekt behandelt worden. Folgerichtig gab es dann im Finale überraschenderweise 2 Sieger, und auch die beiden anderen Finalist_innen wurden mit wenigstens kleinen Gastrollen belohnt.

Das war also der Sommer. Angekündigt waren ja für die Fall Season 2011 eine ganze Menge von Serien, die auf dem Erfolg von Mad Men aufbauend in die 60er Jahre des vergangenen Jahrhunderts spielen würden, ergänzt um einige Remakes erfolgreicher Serien aus dem letzten Jahrhundert. Nun hat sich die Spreu vom Weizen getrennt – einige unserer Befürchtungen wurden bestätigt, aber es gab auch positive Überraschungen:

Zum Glück bringt die Unterschätzung der Intelligenz von Fernsehzuschauer_innen, die hierzulande als Begründung für die immerwährende Flut von schlechten Formaten herhalten muss, in der us-amerikanischen Fernsehlandschaft nicht immer das gewünschte Ergebnis.

“Charlie’s Angels” wurde nach nur 4 ausgestrahlten Folgen abgesetzt. Im Vorfeld waren bereits erhebliche Zweifel laut geworden, ob eine Serie nach einem schlechten Film auf Grundlage einer in den 1970er Jahren erfolgreichen Serie irgendwie interessant sein könnte. Vernichtend waren dann die Urteile, die an der Zurechnungsfähigkeit eines schauspielerisch unmöglichen Casts und konfusen Plots zweifelten.

Klar auf der Welle von Mad Men schwimmend, wurde “The Playboy Club” als provokative neue Serie angekündigt. Nachdem Mad Men sich mit den Umbrüchen der us-amerikanischen Gesellschaft und auch dem verändernden Rollenbild der Frauen auseinandersetzt, und dieser Subplot eine Komplexität zeigt, die weit über die Vorgänge in der Werbeagentur reicht; fühlten sich die Macher des “Playboy Club” verpflichtet, in ihrem Club den immanenten Sexismus der Serie mit den Hinweisen auf die Stärke von Frauen und die Möglichkeiten auf ihre Selbstverwirklichung im Club zu entkräften. Viel mehr als das Argument Gehalt, dass hier Frauen in weit größerer Höhe als damals sonst üblich gezahlt wird, fällt den Serienautoren jedoch nicht ein.

Am Anfang des Piloten bekommen wir von der Stimme aus dem off erklärt, dass hier Phantasien Realität wurden. Folgerichtig wird eine der Frauen direkt im Anschluß Opfer einer versuchten Vergewaltigung, derer sie sich nur durch den Totschlag ihres Angreifers mit ihrem Stöckelschuh erwähren kann. Und auch, wenn folgender Dialog einfach eine beschissene Einstellung gegenüber den Frauen im Club widerspiegelt: Finden wir das unterhaltsam? Natürlich nicht, thank you for asking:

[Ausschnitt (nur in audio-version)]

Absurd auch der kleine Nebenplot, der enthüllt, dass eine der Bunnies lesbisch ist und mit ihrem hohen Gehalt eine Gruppe von Lesben und Schwulen unterstützt, die gegen ihre gesellschaftliche Diskriminierung kämpfen wollen, und die mit einem Schwulen eine Scheinehe eingegangen ist. Als sie eine der Bunnies für einen Photowettbewerb des Playboy fotographieren soll, kann sie diese kaum ansehen. Was soll uns hier suggeriert werden? Dass Lesben sich – genauso wenig wie Männer – im Griff haben, wenn sie halbnackte Frauen sehen, weil diese durch ihre offenherzige Erscheinung allgemeines Verfügungsgut werden? Wenn im Jahre 2011 derartige Suggestionen als neu und provokant verkauft werden sollen, können wir nur zur Teilnahme an den Slutwalks aufrufen!

Gegen Ende des Piloten wird es richtig zynisch: während uns die – gespielte – Stimme des Playboy Gründers Hugh Heffner allen Ernstes weismachen möchte: “Bunnies were the only women who could be what they want.”, sehen und hören wir im Hintergrund Tina Turner, schemenhaft ist auch ihr Mann Ike zu erkennen. Die Gewalttätigkeit ihrer Ehe, in der Tina Turner von ihrem Ehemann geschlagen und vergewaltigt wurde, ist bekannt.

Nicht nur uns wurde dabei schlecht. Auch die Rechtfertigungsversuche, die Möglichkeit des Geldverdienens und daraus resultierender wirtschaftlicher Unabhängigkeit als eine Spielart des feministischen Kampfes zu verkaufen, scheiterte. Nach 3 Episoden wurde die Serie abgesetzt.

Auch die Serie Pan Am ist in den 1960er Jahren angesiedelt und verfolgt das Schicksal einiger Stewardessen. Während die ersten Spots mit Lines wie “Sie machen alles. Und sie machen es in 30.000 Fuß Höhe.” das Schlimmste vermuten ließen, waren wir dann doch überrascht. Neben den Stewardessen, die ihren Job als Möglichkeit für die Suche nach einem Ehemann verstehen, sind die Protagonistinnen dann doch komplexer gezeichnet. So sehen wir Maggie Ryan, gespielt von Christina Ricci, zuerst in ihrem Brooklyner Appartment vor einem Bücherregal, in dem auch Hegel und Marx stehen, die erklärt: “Ich sehe die Welt, um sie zu ändern.”

Kelli Garner spielt als Kate Cameron eine dreisprachige, starke Frau, die in der Pilotfolge vom CIA als Undercover Agentin für Kurierdienste verpflichtet wird. Sie akzeptiert.

Kate hat auch ihrer Schwester Laura geholfen, kurz vor ihrer Hochzeit zu entfliehen, die nun ebenfalls als Stewardess unterwegs ist. Teil der Story ist immer auch der historische Hintergrund, seien es die Schlacht in der Schweinebucht oder Kennedys berühmte Rede mit dem Slogan “Ich bin ein Berliner.” Hier wird deutlich, dass Westdeutschland als Allierter im Kalten Krieg gebraucht wurde, und damit die Naziverbrechen im politischen Tagesgeschäft vergessen waren.

Colette Valois, eine französische Stewardess, von Karine Vanasse als 4. der Protagonistinnen dargestellt, die als Einzige ihrer Familie die Okkupation Frankreichs durch die Deutschen überlebte, verweist auf diesen Zusammenhang. Auf einem Botschaftsempfang in Berlin, auf dem die anderen unbedingt den us-amerikanischen Präsidenten treffen wollen, sorgt sie für unbehagliche Gesichter der Diplomaten, als sie mit brüchiger Stimme die 1. Strophe der deutschen Nationalhyme – “Deutschland, Deutschland über alles” singt. Wir sind gespannt, wie die deutsche Synchronisation damit umgehen wird, falls die Serie hierzulande ausgestrahlt wird.

Die zwei männlichen Protagonisten bleiben eher blass im Hintergrund. Es gibt viele Verweise auf die tatsächliche Situation der Frauen jener Zeit: entwürdigende Gewichtskontrollen, Kleidungsvorschriften, der Verlust des Jobs bei einer Heirat. Dennoch haben die ersten ausgestrahlten Folgen von “Pan Am” unser Interesse geweckt, wir werden sehen, ob sich eine tiefere Interpretation der Serie für previously lohnt. Oder ob “Pan Am” uns einfach unterhalten wird und die Zusammenfassung von Stacey Wilson, Senior Editor beim Hollywood Reporter eigentlich bereits alles sagt hat: “Diese Charaktere an der Frontlinie des Sexismus zu sehen, erfüllt mich mit Schock und Erleichterung…Es gibt uns die Möglichkeit, die Errungenschaften unserer Zeit wirklich zu schätzen.”

Gefeiert wurde ja im Vorfeld der im Vergleich zur letzten Season stark gestiegene Anteil von weiblichen Serienautoren und die wesentlich höhere Anzahl von weiblichen Hauptdarstellerinnen. Natürlich ist Weiblichkeit erst einmal keine Qualitätsmerkmal. Wir hatten jedoch die Hoffnung, dass eine ausgewogenere Verteilung eine größere Anzahl auch für uns interessanter Seriensujets hervorbringen möge. Dies bezog sich auf Comedies, die weiter auf dem Vormarsch sind.

Auf feministischen Seiten und in TV-Foren freuten sich alle auf die neue Comedy “Whitney“. Geschrieben hat und gleichzeitig die Hauptrolle spielt wird die amerikanische Komikerin Whitney Cummings. In der Serie porträtiert sie die weibliche Hälfte eines Paares, das beschlossen hat, das Leben zwar gemeinsam, aber ohne Trauschein zu verbringen. Wir haben die Pilotfolge geschaut und hatten genug: total crap. Auf der Hochzeit einer Freundin hört Whitney, dass Sex die Beziehung jung hält. Anschließend sehen wir ihr dann beim verzweifelten Suchen nach Reizwäsche zu, hören blöde Dialoge, ach, wenns nicht so schlecht wäre, könnte man in Ruhe schlafen.

“Up All Night” bringt uns ein Wiedersehen mit Christina Applegate, die durch ihre Darstellung der Kelly Bundy weltberühmt wurde. In der neuen Comedy spielt sie eine Frau, die mit Freude ihre berufliche Karriere verfolgt, nie Kinder wollte und nun doch Nachwuchs bekommt. Wenn man es unterhaltsam findet, wie ein Ehepaar als Begründung für das Baby den angsterfüllten Dialog über Personen, die ohne Kinder im Alter allein sind führt, oder wie sie deppert versuchen, gegenüber ihren als cool empfundenen Nachbarn die eigene Hippness durchs Pimpen ihrer Facebookseite zu steigern. Verschwendete Lebenszeit: unlustig und langweilig.

Zur Zeit am erfolgreichsten ist “New Girl“, geschrieben wurde die Comedy von Liz Meriwether. Zooey Deschanel porträtiert Jess, eine Grundschullehrerin, die kein Glück in der Liebe hat. Nach ihrem jüngsten Beziehungsende zieht sie in eine WG mit 3 Männern. Idee der Comedy soll sein, dass sie durch die Nähe zum anderen Geschlecht langsam beginnt Männer zu verstehen. Die bisher ausgestrahlten Folgen sind nach dem stets gleichen Muster aufgebaut: die seltsame Jess, die schiefe falsche Zähne lustig findet und häufig plötzlich zu singen anfängt und darauf besteht, dass sie so toll ist, wie sie eben ist, wird sie von den Jungs in irgendeine Rolle gepresst, die ihr helfen soll. Das funktioniert dann natürlich nicht, es gibt Verwerfungen, dann verzeihen sich alle und zum Schluß haben alle Verständnis.

Auch nicht subtil, dafür wenigstens unterhaltsam ist die Sitcom “2 Broke Girls“: Brooklyn, ein Diner, eine arme Kellnerin – Max -, die sich mehr schlecht als recht durchschlägt. Dazu eine ehemals reiche Tochter – Caroline -, die aus Scham über den an Madoff erinnernden Vater nach Brooklyn flüchtet und bei Max unterschlüpft. Auch hier sind die Folgen streng schematisch aufgebaut: zu Beginn gibt es stets Auseinandersetzungen zwischen Max und Gästen des Diners. Den tollen Start der Pilotfolge möchten wir euch nicht vorenthalten:…

Was in allen als “weiblich” konnotierten neuen Serien auffällt: Die Darstellerinnen sind alle weiß und jung, und passen in die gängigen Klischees dessen, was als “gutaussehend” gilt. Als Erfolg können wir es nicht werten, wenn der vermeintliche Humor dann auch noch alten Mustern folgt. Die Kopie traditioneller patriarchaler Konzepte durch Frauen machen diese nicht besser.

Doch verzagt nicht: es gibt alte Serien, die wieder anlaufen und noch einige neu, für die heute nicht genug Platz ist und die vielleicht nicht überragend sind, aber als guilty pleasures trotzdem taugen.

Als wir vor reichlich einem Jahr bei previously die seinerzeit frisch angelaufene Science Fiction-Serie Caprica besprachen, war es auch schon fast wieder vorbei: Da die Einschaltquoten bei weitem nicht den Vorstellungen von Syfy entsprachen, wurde das Prequel von Battlestar Galactica nach gerade mal einer Staffel im Oktober 2010 eingestellt. Die letzten fünf Folgen wurden von Syfy nicht einmal mehr auf dem ursprünglichen Sendeplatz, sondern erst ein paar Monate später in einem 5-stündigen Serien-Marathon ausgestrahlt. Wir haben es schon mal an anderer Stelle erwähnt, und in diesem Fall wiederholen wir uns gern: Wir warten immer noch sehnsüchtig auf die erste Science Fiction-Serie von HBO, der auch bei mangelnden Einschaltquoten noch die Chance auf eine zweite Staffel gewährt wird. Sicherlich hatte Caprica seine Schwächen, auf die wir auch schon ausführlicher eingegangen sind. Doch für die heutige Nachbesprechung wollen wir uns auf eine zentrale Stärke dieser Serie konzentrieren: ihre weiblichen Hauptfiguren. Denn wie auch bereits in Battlestar Galactica sind es ganz auffällig die Frauen, die bestimmend wirken und die Handlung voranbringen. In Caprica kommt noch hinzu, dass es sich zu einem Großteil um Teenager handelt: Zoe Graystone, die 16-jährige Tochter des IT-Unternehmers und Wissenschaftlers Daniel Graystone, ihre beste Freundin Lacy Rand und Tamara Adama, Tochter des Anwalts Joseph Adama. Wenngleich sich die drei nur ein einziges Mal bei einem gemeinsamen Treffen begegnen, und dabei auch noch nicht einmal real, sondern in virtueller Form, sind doch ihre Geschichten eng miteinander verwoben und ähneln sich in einem zentralen Punkt: Aus den teils sorglos fröhlichen, teils verschüchtert-naiven Teenagern, wie wir sie zu Beginn der Serie vorgestellt bekommen, werden starke, unabhängige und selbstbewusste Persönlichkeiten.

Dies trifft besonders auf Tamara Adama zu, die wir im Folgenden näher vorstellen wollen. Sie wird, ebenso wie Zoe Graystone, bei einem durch religiöse Fundamentalisten durchgeführten Bombenterrorattentat auf einen Schnellzug in Caprica City getötet. Ihr Vater Joseph, der ihren Tod nicht verkraften kann, lässt sich auf das Angebot Daniel Graystones ein, sie in Form eines virtuellen Avatars wiederauferstehen zu lassen. Mit Hilfe des sogenannten Holobandes, das der Erzeugung einer virtuellen Realität dient, soll Joseph jeder Zeit in Kontakt mit ihr treten können. Das Experiment gelingt, nur mit einer Nebenwirkung: Dem Avatar fehlen die Erinnerungen an die letzten Stunden von Tamara, er weiß nicht, dass sie tot ist und hält sich demzufolge für das lebendige Original. Demzufolge ist diese virtuelle Tamara voller Panik und Entsetzen, als sie sich in einem leeren und finsteren Raum wiederfindet, und auch ihr Körper ist offenbar nicht so perfekt simuliert, wie er zunächst von außen scheint…

Voller Entsetzen ob dieser Szene und im vermeintlichen Glauben, dass die virtuelle Tamara nur dann existiere, wenn er selbst sich in der virtuellen Welt befindet, bricht der Vater den Kontakt ab. Doch Tamara bleibt allein und völlig verängstigt in der Black Box zurück, bis sie schließlich durch Zufall von den Avataren von Zoe und Lacy gefunden wird. Ohne zu wissen, wen sie vor sich haben, zeigen die beiden ihr den Weg zum V-Club, einem gehackten virtuellen Nachtklub, in dem vorzugsweise Teenager diversen Jugendsünden frönen, ohne Sorge vor Konsequenzen haben zu müssen – nichts ist real, alles ist erlaubt. Hier beginnt Tamara mit der Suche nach ihrer Identität. Schnell wird klar, dass sie anders ist als die anderen Avatare: Im Gegensatz zu denen kann sie nicht „sterben“, also bei einer Tötung des virtuellen Abbildes in die reale Welt zurückkehren. Diese Eigenschaft wollen sich zunächst andere Spieler zunutze machen. In der virtuellen Welt von „New Cap City“, ein durch und durch korruptes und dekadentes Spiegelbild des realen Caprica City und in entsprechender Film Noir-Ästhetik gehalten, bedeutet der virtuelle Tod den ultimativen Ausschluss aus dem Spiel: Hat es einen Avatar erwischt, kann er nie wieder dorthin zurückkehren. Vesta, eine bis dato sehr erfolgreiche und damit einflussreiche Spielerin, schickt Tamara mit dem Auftrag los, das virtuelle Geld ihres stärksten Kontrahenten zu stehlen. Im Gegenzug verspricht sie, Tamara bei ihrer Rückkehr in die Realität zu helfen. Tamara, obgleich immer noch unsicher und schreckhaft, gelingt der Diebstahl. Zugleich gewinnt sie mit jedem Mordanschlag, der dabei auf sie verübt wird, zusätzliche Kräfte: Sie beginnt mehr und mehr, aktiv die virtuelle Welt um sie herum zu beeinflussen. Doch als sie zu Vesta zurückkehrt, kann diese ihr Versprechen nicht einlösen – der Zauberer von Oz lässt grüßen. Stattdessen konfrontiert Vesta sie mit dem Tod der realen Tamara Adama, von dem sie inzwischen durch die Presse erfahren hat. Völlig außer sich von dieser Nachricht, „erschießt“ Tamara zunächst Vestas Hofstaat, hierbei das erste Mal zielgerichtet und ohne zu Zögern. Als Vesta an der Reihe ist, wird Tamara in klassischer Filmkonvention aus der Froschperspektive gezeigt, die Mündung der Knarre in die Kamera gerichtet.

Der Moment, in dem Tamara klar wird, dass sie tot bzw. nicht real ist, bedeutet zum einen ihre eigentliche Bewusstseinswerdung, zum anderen kann man dieses „awake“ jedoch auch passend zum christlich-religiösen Kontext der ganzen Serie als klassisches Erweckungserlebnis (im Englischen Awakening) deuten. Von nun an beherrscht Tamara mehr und mehr das Spiel und gelangt zunächst als Deadwalker – die, die nicht sterben kann – zu einer virtuellen Berühmtheit. Als der Avatar von Zoe als zweiter Deadwalker sich schließlich mit ihr verbündet, bilden die beiden ein unheimliches Duo. Fortan als „The Avenging Angels“, also Racheengel, unterwegs, bekämpfen sie die Dekadenz von New Cap City und entwickeln sich dabei, ohne dies zu wissen, in der realen Welt zu einem Popkulturphänomen mit eigenem Label und florierendem Merchandising-Angebot…

In der angelsächsischen Literaturgeschichte hat es Tradition, das Erwachsenwerden von jungen Heldinnen mit einem Ausflug in fantastische Welten zu symbolisieren. Alice erreicht bzw. erträumt das Wunderland per Fall in einen Kaninchenbau oder tritt hinter den Spiegel, Dorothy reist unfreiwillig im durch einen Wirbelsturm fliegenden Farmhaus ins Zauberland von Oz. Im futuristischen Caprica wird diese räumliche Grenzüberschreitung, die den Übergang von der Kindheit zum Erwachsensein initiiert, nun durch einen virtuellen Avatar vollzogen, und die Rückkehr in die Realität ist mehr als ungewiss. Zusammen mit der Entwicklung der anderen beiden Hauptfiguren Zoe Graystone und Lacy Rand ergibt dies eine schöne Science Fiction-Variante des „Coming of Age“- oder auch Adoleszenz-Romans.

Nur eines, eines muss man den Autor_Innen von Caprica dabei wirklich ankreiden: der ungeklärte Verbleib von Tamara. Nachdem Zoe sich mit ihren Eltern versöhnt, in ein virtuelles Abbild ihres Elternhauses einzieht und demnach Tamara zurücklässt, taucht diese in der Serie einfach nicht mehr auf. Laut Aussagen von Showrunner Kevin Murphy sollte in den geplanten weiteren Staffeln Tamara Adama als Vorgängerin des Number-Eight-Cylons stark gemacht werden, was aufgrund der Absetzung der Serie nicht mehr möglich war. Dass sich der Schluss von Caprica nun nicht in allen Punkten kohärent an die in Battlestar Galactica erzählte Vorgeschichte hält und zudem mit seiner noch einmal extra dick aufgetragenen Melodramatik nur schwer zu verdauen ist, mag tatsächlich der Schwierigkeit geschuldet sein, eine Geschichte, deren Handlungsbogen auf mehrere Staffeln angelegt war, trotz plötzlicher Absetzung irgendwie noch zu einem halbwegs ordentlichen Abschluss zu bringen. Aber eine zentrale Serienfigur komplett zu vergessen, sollte professionellen Schreiberlingen eigentlich nicht passieren. Oder handelt es sich dabei etwa um einen serieninternen Gag: Schließlich bildet die Suche ihr – der verlorenen Tochter, dem einsamen Deadwalker und unerreichbaren Racheengel – ein wiederkehrendes Motiv der Serie…

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Reading the Sopranos, Investigating the Sopranos, The Psychology of the Sopranos, The Sopranos and Philosophy: I Kill Therefore I Am, The Sopranos on the Couch – Analyzing Television’s Greatest Series, A Sitdown with the Sopranos: Watching Italian American Culture on TV’s Most Talked-About Series … keine us-amerikanische Fernsehserie ist so intensiv diskutiert wurden wie HBOs The Sopranos. Wir haben die umfangreiche Literatur gesichtet und werden bei previously in loser Fortsetzung die interessantesten Analysen vorstellen. Heute Teil 2: italienische Immigration, italienisch-amerikanische Identität und Christopher Kolumbus.

Christopher Kocela analysiert in “Mourning the lost white father” die dritte Folge der vierten Staffel: “Christopher”. Im Mittelpunkt steht die italienisch-amerikanische Identität im Kontext der jährlichen Columbus Day Parade in Newark. Italo-Amerikaner_innen feiern am Columbus Day den in Genua geborenen Christoph Kolumbus und die Entdeckung Amerikas durch ihn. Berechtigterweise werden sie dafür durch Native Americans mit Verweis auf die tausendfache Ermordung von Taino Indians nach Kolumbus Ankunft in der Karibik kritisiert. Zu Beginn der Folge “Christopher” sitzt die Soprano-Crew vor Satriales Pork Store. Bobby Baccalieri liest aus einem Zeitungsartikel über die geplanten Aktivitäten des New Jersey Council of Indian Affairs gegen die Columbus Day Parade vor. Der Hinweis von Council Chairman Del Redclay auf Kolumbus Rolle im Genozid der indigenen Einwohner Amerikas wird von Silvio Dante als anti-italienische Diskriminierung empört zurückgewiesen.

Die TV-Serie “The Sopranos” ist von italo-amerikanischen Organisationen verschiedentlich kritisiert worden. Gutes Drehbuch hin, hohe schauspielerische Leistungen her – die Serie verfestige das Klischee von Italienern als ungebildete, schmierige, goldkettchentragende, palavernde Ganoven. Die One Voice Coalition, ein nationales Netzwerk von Italo-Amerikaner_innen gegen Beleidigung, Diskriminierung und Verbreitung von Stereotypen verleiht regelmäßig den “Pasta-Tute”-Award an Italo-Amerikaner_innen, die sich den Ausverkauf ihres italienischen Erbes vorwerfen lassen müssen und dem Image der Italo-Amerikaner_innen geschadet haben. Pastatute – eine Bezeichnung übrigens für italienische Frauen, die für sexuelle Dienstleistungen in Pasta bezahlt wurden. David Chase – der Schöpfer der Sopranos hat den “Pasta-Tute”- Award dreimal in Folge erhalten. Im Jahr 2010 wurde er gar zum “lifetime winner” ernannt. David Chase hat seine Show verteidigt und darauf hingewiesen dass es ihm nicht um eine stereotype Darstellung von Italo-Amerikaner_innen ging, sondern um das Portrait einer kleinen kriminellen Subkultur.

Eine Umfrage durch das Fairleigh Dickinson University’s PublicMind ergab bereits im August 2001, dass 65% der US-Amerikaner_innen nicht der Auffassung waren, die Serie stelle Italo-Amerikaner_innen negativ dar. Dennoch standen auch die italo-amerikanischen Schauspieler_innen, die die Figuren der Mafia-Familie gespielt haben in der Kritik von Anti-Diskriminierungsorganisationen. Im Oktober 2002 – d.h. zwei Wochen nachdem die Folge “Christopher” ausgestrahlt worden war – wurden gar zwei der Darsteller – Lorraine Bracco – die Therapeutin Tony Sopranos and Dominic Chianese – der Onkel Tonys von der Teilnahme an der Columbus Day Parade in New York City ausgeschlossen. Bürgermeister Bloomberg, der die beiden eingeladen hatte, blieb daraufhin der Parade ebenfalls fern.

Selbst wenn die Darstellung der Italo-Amerikaner_innen in TV-Serien wie den Sopranos unvorteilhaft erscheint, so ist doch davon auszugehen, dass damit keine erheblichen sozialen Auswirkungen auf die italienisch-amerikanische Community einhergehen. Und sie sind mit Sicherheit nicht zu vergleichen mit den Auswirkungen stereotyper Darstellungen von Afroamerikaner_innen, wie Tim Wise in seinem Artikel “Pride and Prejudice: Tony Soprano, Christopher Columbus and the Irony of Ethnic Stereotypes” betont. Immer wieder entgegen Vertreter europäischer Ethnien wenn die Rede auf Rassismus gegen Afroamerikaner_innen kommt Geschichten eigener Opferschaft. So auch in der Folge “Christopher”: In einer Fernsehdiskussion zur Columbus Day Parade geraten der afroamerikanische Moderator und der Sprecher für die italienisch-amerikanische Perspektive in Streit über die Gleichsetzung von Unrecht gegenüber Italo- und Afro-Amerikaner_innen. Für die Beschreibung der Schifffahrt seiner sizilianischen Großeltern nach Amerika verwendet Phil Donatti den Begriff der Middle Passage, was den Ärger des Moderators hervorruft. Denn die Middle Passage bezeichnet nun mal nicht den Weg, den zahlreiche nach Amerika ausgewanderte Italiener_innen im 19. Jahrhundert genommen haben, sondern den Sklavenhandel. Die Middle Passage war die mittlere Etappe des ein Dreieck formenden Handels zwischen Europa, Afrika und der Neuen Welt.

Auf der Heimfahrt von Redclays Casino geraten Silvio und Tony in Streit. Silvio Dante besteht darauf, dass italienische Immigrant_innen unter Diskriminierung gelitten haben und erinnert an seine Eltern, die für ihre Herkunft aus Kalabrien angespuckt worden sind. Tony hingegen beschwört Gary Cooper: sein Idealbild des aufrechten, integren, heldenhaften US-Amerikaners. Woraufhin Silvio ihn hinweist, dass es gerade die “Coopers” waren, die die Neuankömmlinge aus Italien oder Polen und die Afro-Amerikaner_innen “wie Scheiße” behandelt haben.

“Italiens are Niggaz with short memories” … diese Bemerkung machte Chuck Nice, ein afroamerikanischer Radio-DJ bei WAXQ-FM im Juni 2002. The Order of The Sons of Italy in America legte Beschwerde bei der Radio-Station ein. Er zeigte sich verwundert darüber, dass es für eine weiße Person falsch ist das Wort zu benutzen, aber ok. für einen Afroamerikaner um Weiße zu beschreiben. Mit dieser Geschichte beginnt Jennifer Guglielmo ihr Buch “Are Italiens White? How Race is made in America“. Sie zeigt wie wenig unter Italo-Amerikaner_innen das Bewusstsein existiert, dass sie in Amerika nicht schon immer als Weiße gesehen wurden. Am Anfang des 19. Jahrhunderts setzte sich die US-amerikanische Gesellschaft fast ausschließlich aus weißen Personen westeuropäischer Herkunft zusammen, den WASP: Weiße, aus dem angelsächsischen Raum stammende Protestanten. Jüdische Immigranten aus Russland, Einwanderer aus Irland, Polen und eben Italien haben nach ihrer Ankunft in Amerika unter massiven Vorurteilen und Diskriminierungen gelitten. Erst im Laufe der Zeit wurden sie Teil des weißen Amerikas – mit Hilfe der entstehenden Gewerkschaftsbewegungen, der New-Deal-Reformen und im Zuge des “white flight” – der Flucht der Mittelschicht aus den verarmten Vierteln der Großstädte in sichere Vororte. Zunächst aber lebten sie Tür an Tür mit Afroamerikaner_innen und verrichteten die gleiche Arbeit. Sizilianische Immigrant_innen teilten mit Afroamerikaner_innen den gleichen sozioökomischen Status als Lohnarbeiter_innen in der Landwirtschaft, z.B. auf den Zuckerrohrplantagen oder Erdbeerfeldern Louisanas.  Der Umstand des Zusammenlebens und Zusammenarbeitens provozierte wiederum bei den weißen Eliten Vorbehalte gegenüber den italienischen Immigrant_innen.

Da viele Italiener_innen länger als andere europäische Immigrant_innen arm und der Arbeiterklasse zugehörig blieben, haben sie oft in Arbeiter-vierteln zusammen mit Afroamerikaner_innen gelebt. Diese Nachbarschaft hat offenbar unter den Italiener_innen ein besonders starkes Bedürfnis ausgelöst, auf ihrer weißen Identität zu bestehen, um sich von ihren schwarzen Nachbarn abzugrenzen und in den Genuss aller Vorteile zu gelangen, die mit dem Weißsein verbunden sind. Das Abwenden von den einstigen Nachbarn kann dabei auch extrem bizarre Formen annehmen. So berichtet Time Wise in seinem Beitrag von irisch-italienischen Paraden in und um New Orleans, zu deren Teilnahme die Organisator_innen in den 1990er Jahren immer wieder David Duke einluden. Duke war führendes Mitglied des Ku-Klux-Klan, vertritt die Ideologie der White Supremacy – Weiße Überlegenheit, trat mit antisemitischen Äußerungen und als Unterstützer des Holocaustleugners Ernst Zündel öffentlich hervor. Er hat immer wieder behauptet, die Sizilianer_innen wären  im Vergleich mit den Norditaliener_innen biologisch minderwertig. Und dennoch: So lange er versprach mit den Afroamerikaner_innen andere Saiten aufzuziehen, war ihm der Applaus stets sicher.

Inzwischen hat die italienische Community ihren Aufstieg in die amerikanische weiße Mittelschicht geschafft und das solidarische Zusammenleben und -arbeiten mit Afroamerikaner_innen hat sich in ihr Gegenteil verkehrt. Für die rassistische Bezeichnung von Afroamerikaner_innen hat die italienisch-amerikanische Sprache sogar einen eigenen Ausdruck: “Ditsoon” – was soviel heisst wie “verbrannt”. Die deutsche Synchronisation übersetzt das Wort mit “Schwarzfuß”. Als Tony Soprano seine Tochter Meadow Soprano zusammen mit ihrem jüdisch-afroamerikanischen College-Freund Noah Tannenbaum bei sich zu Hause antrifft, beschimpft Tony ihn ohne Umschweife als Ditsoon, als Holzkohlenbrikett, als Bimbo und untersagt ihm den Umgang mit seiner Tochter.

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Zwischen Ende April und Anfang Juli 2011 hat HBO elf neue Folgen der TV-Serie “Treme” ausgestrahlt. Die zweite Staffel beginnt 14 Monate nach dem Hurrikan “Katrina”. New Orleans ist aus den Schlagzeilen verschwunden. Die landesweite Aufmerksamkeit hat nachgelassen. Auf behördliche Hilfe ist nach wie vor nicht zu hoffen, Katastrophengewinnler sind auf der Suche nach leicht verdientem Geld. Eine entscheidende Veränderung im Vergleich zur 1. Staffel ist festzustellen: Gleich zu Beginn der ersten Episode sehen wir Sonny an der Bar in einem Strip-Club bei einem Drink, als zwei bewaffnete Männer den Laden betreten und wild um sich schießen, fünf Menschen verletzen, einen tödlich. Es ist eine Szene, die so in Avon Barksdales Orlandos in Baltimore spielen könnte. Ein Verweis David Simons auf ein zusätzliches Problem, welches die langsame Genesung der Stadt New Orleans gefährdete: Kriminalität und Gewaltverbrechen kehren zurück und zwar in einem Ausmaß, welches die Polizei in New Orleans völlig überfordert. Das New Orleans Police Department gerät demzufolge stärker in den Fokus und mit ihm David Morse in der Hauptrolle des Lieutenant Terry Colson. Terry Colson ist der Typ “good cop”, der versucht in einer gerade notdürftig stabilisierten Stadt die zunehmenden Gewalttätigkeiten und Morde bzw. deren Aufklärung in den Griff zu bekommen. Er konstatiert: die Stadt ist deprimiert, ängstlich, wütend. Alle sind völlig neben der Spur.

Ebenfalls neu bei Treme ist Jon Seda, der den Texaner Nelson Hidalgo spielt – einen smarten Bauunternehmer aus Dallas, der auf der Suche nach dem großen Geschäft nach New Orleans kommt. Demolition and Rebuildung. Abriss und Wiederaufbau – mit der Figur des Nelson Hidalgo nimmt die Serie einen weiteren Aspekt des von Korruption bestimmten Wiederaufbaus der Stadt in den Fokus: Mit Hilfe von politischen Verbindungen lässt sich mühelos Geld aus den Wiederaufbaumitteln der Regierung schlagen. Nelson Hidalgo lässt Grüße vom texanische Governor Perry ausrichten und zitiert Rahm Emanuels „never let a disaster go to waste – Verschwende niemals eine Katastrophe“. Mithilfe der Figur des Hidalgo entblättern David Simon und sein Co-Autor Eric Overmyer die Verflechtung von Politik, Regierungsaufträgen und der mit dem Wiederaufbau verbundene Gewinnmaximierung einzelner Profiteure.

Aber wie geht es den Protagonist_innen, mit denen wir die 1. Staffel durchlitten haben? Sofern sie noch in New Orleans sind? Die Gourmettköchin Janette Desautel z.B. ist vor ihrem kollabierenden Haus nach New York City geflüchtet. Auch der Jazzmusiker Delmond Lambreaux hat seinen Lebensmittelpunkt nach New York City verlegt und spielt dort in rooftop-Bars.

Wie kommen Toni Bernette und ihre Tochter Sofia zurecht, sieben Monate nach dem Selbstmord Creg Bernettes? Toni führt nach wie vor Prozesse gegen die Stadt. Sie vertritt u.a. die Angehörigen, der von Polizeieinheiten auf der Danzinger-Bridge erschossenen flüchtenden Zivilisten. Ein Fall der exemplarisch für das häufige Fehlverhalten der NOPD während der Katastrophe steht. Sie stellt außerdem Nachforschungen über den Tod eines jungen Mannes an, dessen Vater widersprüchliche polizeiliche Angaben erhalten hat. Die Beziehung zu ihrer Tochter ist von Sprachlosigkeit gekennzeichnet. Sofia ist in die Fußstapfen ihres Vaters getreten und postet wütende Videos bei youtube über den Zustand der Stadt und ihrer Bewohner_innen.

Währenddessen schlägt sich der Posaunist Antoine Batiste mit den Problemen einer Bandgründung herum. Desiree – seine Lebensgefährtin und Mutter seiner kleinen Tochter – drängt ihn außerdem dazu einen “jobjob” an einer Schule anzunehmen, wo er schließlich tagsüber als Assistent eines Musiklehrers arbeiten wird. LaDonna Batiste-Williams weigert sich ihre Bar aufzugeben und New Orleans zu verlassen, auch nachdem ihre Mutter zu ihrem Mann und den Kindern nach Baton Rouge gezogen ist. “Gigis Place” läuft nicht, es fehlt an Gästen, so das LaDonna erwägt Life-Musik anzubieten – trotz ihrer Abneigung gegenüber Musikern – die auf ihre geschiedene Ehe mit Antoine Batiste zurückgeht.

Albert “Big Chief” Lambreaux wird vom zurückkehrenden Eigentümer aus der Bar hinausgeworfen, in der er nach Katrina untergekommen war – und die er nicht ganz unaufwendig wieder bewohnbar gemacht hatte. Albert zieht zurück in sein immer noch zerstörtes Haus. Weder kommt die Versicherung für die Schäden am Haus auf – noch ist staatliche Unterstützung in Sicht. Die selbst verlegte Wasserleitung ist Anlass für einen Streit mit einem städtischen Abnahmeprüfer.

Davis verliert seinen Job als Radio-Dj bei WWOZ, weil er zu viel Hip-Hop und Bounce-Music spielt. Nach seinem Rauswurf gründet er gemeinsam mit seiner vermögenden Tante Mimi ein Musiklabel. Für ihren ersten Sampler bringen sie die HipHop-Größen der Stadt zusammen. Annie spielt besser bezahlte Gigs mit etablierten Bands und versucht sich im Songschreiben.

Nelson Hidalgo landet bereits in der 2. Folge einen Abrissdeal mit einem Umfang von einer halben Million Dollar. Hier erinnert uns David Simon daran, dass nach “Katrina” staatliche Sozialsiedlungen der einkommensschwachen afro-amerikanischen Einwohner_innen und öffentliche Einrichtungen abgerissen wurden, obwohl sie nur geringfügige oder gar keine Flutschäden aufwiesen. In „Treme“ streiten Hidalgo und Robinette über das Mobiliar im 2. Stock einer zum Abriss vorgesehenen Schule, welches im Abbruchcontainer landet, obwohl das Wasser gar nicht bis in den 2. Stock gestanden hat.

Gegen den Abriss von Sozialsiedlungen und den neoliberalen Umbau New Orleans setzten sich zahlreiche selbstorganisierte Stadtteilgruppen zur Wehr. Abrissarbeiten wurden blockiert. Relativ bekannt wurde der Ende 2007 unternommene Versuch, sich in einer Stadtverordnetenversammlung Gehör zu verschaffen, der mit einem Polizeieinsatz unter Verwendung von Pfefferspray beendet wurde. Kürzlich hat der amtierenden Bürgermeister Mitch Andrieu eine Anti-Schandfleck-Kampagne initiiert, im Zuge derer nicht nur leer stehende Häuser abgerissen werden sollen. Den einzigen Schandfleck den die Anarachist_innen des Blogs NOLA Anarcha ausmachen konnten: ihre Antwort auf die Kampagne: Save the City! Demolish City Hall!

Für “Treme” braucht es Muse für die Geschichten, die sich sehr langsam entwickeln sowie den Willen zur politischen Auseinandersetzung. Daran scheint es einen gewissen Mangel zu geben: Die Einschaltquoten bleiben niedrig. Das muss uns nicht kümmern und zum Glück kümmert es HBO auch nicht! Eine dritte Staffel ist bestellt, dankeschön!

Wenige Themen bestimmen die Sujets der meisten TV-Serien. Klassiker sind Familie, Polizei und Anwaltsserien. Boston Legal ist eine der Letztgenannten.

Als Spin Off der hochgelobten Serie “The Practice” – ebenfalls einer Anwaltsserie – entstanden, zeigt “Boston Legal” mit teilweise gleichem Schauspielerensemble in der gleichen Stadt – Boston, logisch – die Fälle der erfolgreichen Anwaltspraxis Crane, Poole und Schmidt.

Zwischen 2004 und 2008 wurden 5 Staffeln gedreht, die offiziell dem Genre Dramedy, also Drama und Comedy zugeordnet werden. Auch wenn die meisten Merkmale für Qualitäts-TV-Serien eher für Serien im Dramenbereich treffend sind, finden sich diese auch hier: komplexe Charaktere in Entwicklung, längere Erzähllinien, sowie schwierigere Identifikationsmöglichkeiten mit den Protagonist_innen.

Im Mittelpunkt der Serie stehen die Anwälte Alan Shore und Denny “my name on the door” Crane. Symphatisch erscheinen beide nur äußerst bedingt. Ihr Zugang zur Welt ist häufig sexistisch; und während Alan Shore mit sagenhafter Eloquenz oft für seine Mandanten aussichtslos scheinende Fälle gewinnen kann, verkörpert William Shatner den einst super erfolgreichen, superreichen und politisch rechts und republikanisch stehenden Anwalt Denny Crane, der alle seine Ausfälle mit mad cow, also Rinderwahnsinn, erklärt.

Und Ausfälle Denny Cranes gibt es – zumindest für Menschen mit feministischem und aufgeklärtem Weltzugang – zuhauf: überzeugtes Mitglied der NRA, der National Rifle Association, schießt Denny Crane gern und häufig. Mit scharfer Munition mal in die Decke, aber auch mit Paintballs auf Menschen. Stets ausgezeichnet und teuer gekleidet, ist seine politische Haltung eine vorbehaltlos reaktionär patriotische. Kriege der USA bereiten ihm keine schlaflosen Nächte, wie es eine Errektionsstörung täte. Seine (imaginierte) sexuelle Leistungsfähigkeit trägt er vorbehaltlos jeder Frau an, der er begegnet, eine typische Begrüßung wird stets durch einen Griff an den Arsch seines weiblichen Gegenübers begleitet.

Denny Cranes Darsteller William Shatner wurde seine Rolle des Captain Kirk von der Raumschiff Enterprise weltberühmt. Auch dieser Charakter war ein professioneller Chauvinist.

Warum also Boston Legal als Empfehlung unserer Redaktion?

Während Captain Kirk glorifizierter Anführer und erotischer Held nach dem Vorbild John F. Kennedys war, pflegt er nun in Boston Legal zwar ein ähnliches Selbstbild, dass auf seinen früheren Erfolgen im Beruf und bei Frauen beruht, und er erinnert auch alle anderen permanent daran – “Denny Crane, never defeated. My name on the door.”

Aber dieses Bild wird nicht mehr unhinterfragt von den anderen übernommen. Denny Crane ist alt geworden und gibt sich selbst der Lächerlichkeit preis, die oft auch tragische Züge annimmt. Der einzig ihm offen stehende Weg, sich Frauen zu nähern, ist der sexueller Anmache, die auf der Betonung seiner Macht und imaginierten Unwiderstehlichkeit beruht. Doch die 1960er Jahre sind unwiderbringlich vorbei, der Schauplatz der Serie eben eine Anwaltskanzlei, und so wissen sich die Belästigten zu wehren: meist mit Spott, selten auch mit einer Ohrfeige. Anstatt sich belästigt zu fühlen, reagieren die Frauen angemessen, nämlich aus überlegener Perspektive, schnell und zynisch seine plumpen Annäherungsversuche.

Captain Kirks Freundschaft, emotionale Nähe und homosoziales Verhältnis mit Spock in “Raumschiff Enterprise” führten frühzeitig zu Spekulationen und den ersten Publikationen queerer Lesarten von popkulturellen Phänomen sowie der weiteren Bearbeitung in Fan Fiction. Den Platz Spocks nimmt nun Alan Shore ein. Der begabte Anwalt, überzeugter Demokrat und Enfant Terrible der Kanzlei, der sich oft Anweisungen widersetzt und mit langen Plädoyers die Juries überzeugen kann, ist Denny Cranes bester Freund.

Und diese Freundschaft wird zelebriert. Jeden Abend – und so auch am Ende jeder Folge – trinken die beiden gemeinsam auf dem Balkon der Kanzlei und rauchen Zigarren. James Spader, Darsteller von Alan Shore, zeigt im Gerichtssaal Empörung und Zynismus, Denny Crane gegenüber jedoch eine Fürsorglichkeit und emotionale Nähe, die in ihrer Zartheit das Herz berührt.

Politisch bildet Alan Shore ein starkes Gegengewicht zu Denny Crane. Er übernimmt häufig aussichtslos erscheinende Fälle und stellt sich auf die Seite Benachteiligter. Im Laufe der Serie wird er gegen die USA Homeland Security klagen, gegen die Tabak- und gegen die Pharmaindustrie. Gleich Denny Crane versteht er sich als Patriot, der jedoch gegen die – besonders während der Drehzeit bestehenden Präsidentschaft von George W. Bush – aufkommenden erosiven Tendenzen der Demokratie, der schwindenden Kritikfähigkeit an der Verfasstheit des Landes und die Todesstrafe ankämpft.

Beide argumentieren also aus verschiedenen politischen Lagern mit gleichzeitigem patriotischen Verständnis – ein hierzulande vollkommen undenkbares Setting. Dies geht soweit, dass beide – nachdem sie erfolgreich die Homeland Security verklagten, weil sich diese im Auslandseinsatz befand und Flutopfern nicht helfen konnte – nach dem Vorwurf des Richters, sie würden ihr Land nicht lieben, sich freiwillig verpflichten wollen. Ihr Ansinnen wird im Rekrutierungsbüro mit dem Hinweis auf ihr Alter abgewiesen. Beide können jedoch kurz darauf stolz die Uniform der Coast Guard tragen, weil diese keine Altersbegrenzung haben.

Während Denny Crane 7x verheiratet war, wenn teilweise auch sehr kurz, sieht Alan diese institutionelle Beziehungsform zum Scheitern verdammt. Und trotz dieser diametralen Weltzugänge lieben sich beide und stellen ihre politische Haltung nie über ihre Freundschaft und stehen damit für Hannah Arendts Diktum, wonach “Liebe am politischen Verhandlungstisch ein großes Verhängnis ist.”

Ihre enge Liebesbeziehung – die beide auch noch außen demonstrieren, sei es mit Worten, sei es mit dem Tragen von pinkfarbenen Flamingokostümen auf Faschingsparties – gibt Alan und Denny Halt. Die größte äußere Bedrohung ihrer Freundschaft ist die beginnende Alzheimer Erkrankung Dennys, die er lange als “mad cow” herunterspielt, und die oft für die lustigsten Momente der Serie sorgt, aber auch tiefe Tragik enthält. Die Angst vorm Alter, der Verlust einst unhinterfragter und sicher geglaubter Möglichkeiten ist eines der zentralen Themen von Boston Legal, die nicht nur durch Denny Cranes Entwicklung verhandelt wird.

Nur einmal gerät ihre Freundschaft ernsthaft in Gefahr: Alan vertritt vor Gericht eine Gemeinde, die sich aufgrund der negativen innenpolitischen Entwicklungen der USA abspalten wollen. Denny, der den gegnerischen Anwalt ersetzt, indem er auf dessen Befangenheit verweist – schließlich geht es dem Anwalt des Staates um ebendiesen – argumentiert hingegen, dass die USA noch nie zimperlich waren, wenn es um die eigenen Interessen geht: Masseninternierungen von Japanern während des 2. Weltkrieges oder die Infektionen Schwarzer mit Syphilis, um eine Kur zu entwickeln: all das gab es bereits in der Vergangenheit. Als “Founding Father” der Anwaltskanzlei Crane, Poole und Schmidt ist Denny von Alans Haltung tief verletzt und wirft ihm vor, ihre Freundschaft beruhe nur auf Scotch.

Getroffen stellt Alan im Gespräch mit Jerry Espenson, einem anderen Anwalt fest, dass er nie geglaubt hätte, Arbeit über Freundschaft zu stellen.

Folgerichtig heiraten die beiden im Serienfinale, nachdem sie das Recht dazu vor Gericht erstritten haben. Ein Verein für Schwule- und Lesbenrechte wollte dies mit dem Hinweis verhindern, dass beide nicht homosexuell wären und mit ihrer Hochzeit der radikalen Rechten in die Hände spielen würden. Alans führt in seiner Argumentation aus, dass Ehen sehr häufig aus finanziellen Motiven geschlossen würden und die hohe Scheidungsrate zeige, dass die romantische Liebe weniger als eine tiefe Freundschaft geeignet wäre, eine derartige Verbindung einzugehen. Weiter wird das traditionelle Bild der Institution Ehe demontiert, als die Richterin ausführt, dass Lesben auch Schwule heiraten würden, um Kinder bekommen zu können.

Doch diese Freundschaft zwischen Alan Shore und Denny Crane ist nur einer der Erzählstränge von Boston Legal, die die Serie einzigartig machen, doch unsere Sendezeit ist begrenzt: wenigstens erwähnen, in weiteren Sendungen auszuführen wären:

die großartige Besetzung von Boston Legal, pointierte Dialoge, die radikale Verhandlung von tagesaktuellen Geschehnissen und Entwicklungen der USA, die Vermittlung eines Verständnisses für den grundsätzlich zu unserem System verschiedenen Zugang zu Recht und Politik, die überwältigende Anzahl von alten Schauspielbekannten aus Science Fiction Serien und die umwerfende Komik.

Doch für heute: die Zelebrierung wahrer Freundschaft und die Absage an Institutionen, die ihre Versprechungen doch nie einhalten: wir heben das Glas.

“I hate my name. It has nerd in it. Leon-nerd.“ So die Selbstanklage Leonard Hofstadters, einer der Protagonisten in The Big Bang Theory, der überaus erfolgreichen Sitcom von Chuck Lorre und Bill Prady, die seit 2007 auf CBS ausgestrahlt wird, inzwischen in über 50 Ländern zu sehen ist und im Herbst in ihre fünfte Staffel geht. Der Plot ist entsprechend einer Sitcom einfach gestrickt und schnell erzählt: Im Mittelpunkt steht das Leben, Leiden und ab und zu auch Lieben von vier sogenannten „Nerds“ und einer Kellnerin / Schauspielerin: Hochbegabung und soziale Inkompetenz trifft auf normalen IQ und EQ. – Oder doch ein wenig ausführlicher…

Der bereits erwähnte Leonard Hofstadter, IQ 173, Doktorgrad mit 24 Jahren, arbeitet auf dem Gebiet der experimentellen Teilchenphysik. Er lebt in einer WG mit Sheldon Cooper, IQ 187, erster Doktorgrad mit 16, Spezialist für String Theorie und nach Selbstauskunft sicherer Kandidat für den nächsten Nobelpreis. Zumeist zu Besuch bei ihnen sind der indische Astrophysiker Rajesh Koothrappali, Entdecker des Himmelskörpers 2008 NQ17, den er „Planet Bollywood“ tauft, und der jüdische Ingenieur Howard Wolowitz, der auf dem Gebiet der Luft- und Raumfahrttechnik arbeitet und unter anderem für die ISS Raumfahrtklos entwirft. Sie alle arbeiten am California Insitute of Technology in Pasadena, und sie alle begeistern sich für Comics, Science Fiction, Fantasy und technische Gadgets. Ihr überaus geekhaftes Benehmen wird durch das alltagspraktische Verhalten der WG-Nachbarin kontrastiert, die häufig zu Gast ist – Penny aus Nebraska, Nachname unbekannt und selbsternannte Schauspielerin, die das Warten auf die große Hollywood-Karriere mit Kellnern überbrückt. Die permanent auftretenden Missverständnisse, die durch das Aufeinandertreffen der verschiedenen intellektuellen wie sozialen Register entstehen, machen den größten Teil der Komik aus.

Diese Figurenkonstellation wurde kontrovers diskutiert: Schmerzhafteste Klischeebedienung auf Kosten einer eh oft geschassten Gruppe, die als solche auch nur in Fremdzuschreibung existiere, sagen die einen (vom Stereotyp der hübschen Blondine von nebenan ganz zu schweigen). Trotz oder gerade durch ihre Überzogenheit durchaus gelungene und dabei äußerst sympathisch gezeichnete Darstellung einer durchaus existierenden Community, meinen die anderen. An Kritik kommt noch hinzu, dass aufgrund des Fokus auf die vier Freunde der Bechdel-Test mit wirklicher Sicherheit erst in Staffel 4 bestanden wird. Wissenschaftlerinnen mit mehr oder weniger stark ausgeprägtem Nerd-Verhalten gibt es zwar, jedoch reden sie so gut wie nie miteinander und erst recht nicht mit Penny, sondern eben zumeist mit einem der vier Jungs.

Trotz aller Kritik macht das Schauen der Serie auf mehreren Ebenen Laune: Sheldon als wandelndes und dabei oft nervendes Lexikon, der seine Umgebung oft und gern zu Geschichte und Gegenwart der Naturwissenschaft und Technik, aber auch zu allen anderen Bereichen der Weltgeschichte belehrt, ergibt ein gutes Training für die Allgemeinbildung, das auch dem monatlichen Kneipenquiz zugute kommt. Aufgrund der wissenschaftlichen Exaktheit der diskutierten und gezeigten Theoreme und Experimente erfreut sich die Serie im Übrigen einer recht hoher Beliebtheit unter Wissenschaftler_innen. So soll der US-amerikanische Astrophysiker und Nobelpreisträger George Smoot, der ein großer Fan von The Big Bang Theory ist, seinen Gastauftritt in Staffel 2 auf eigene Initiative hin erhalten haben.

Ein zweites großes Pro ergeben die zahlreichen Referenzen zur Science Fiction, von Diskussionen um Filme und Fernsehserien über Fankleidung und Kostümen bis hin zur Benutzung zahlreicher Gadgets, darunter mit besonderem Faible für das auch von previously favorisierte  Battlestar Galactica. So besitzt Leonard eine Viper-Fliegeruniform der Originalserie, die er jedoch nicht zu Halloween trägt – schließlich ist es eine Original Uniform und kein Kostüm – und Sheldon macht mit einem Cylon Toaster echten Cylon Toast. Ab Staffel 3 geben diverse Science Fiction-Stars, darunter Summer Glau aus Firefly, Katee Sackhoff aus Battlestar Galactica, Will Wheaton, George Takei und LeVar Burton aus Star Trek sich persönlich die Ehre eines Cameo-Auftritts.

Ein letztes großes Plus: Selbst die Kritiker von The Big Bang Theory geben meistens zu, zumindest eine Figur zu mögen: Die des Sheldon Cooper, der mit Abstand eigenwilligste und schrulligste Charakter der Serie. Er ist hochintelligent und mit einem eidetischem Gedächtnis ausgestattet, das ihn nahezu allwissend erscheinen lässt – abzüglich popkultureller Phänomene, die nichts mit Fantasy oder Science Fiction zu tun haben – dabei oft belehrend und anmaßend, pedantisch und penibel. Routinefreak, extrem vernunftbetont, dabei alles wortwörtlich nehmend und also ohne Sinn für Humor oder Ironie. Eine zentrale Entwicklungslinie, die seinem Charakter im Laufe der Serie gegeben wird, ist ein gewisses Gespür für Sarkasmus – auch wenn er sich dieses rein logisch erarbeitet, indem er sich immer wieder Einsatz- und Funktionsweise dieses rhetorischen Stilmittels vergegenwärtigen muss. Zudem kann er nicht lügen – nicht unbedingt weil er wahrheitsliebend ist oder gar seine Umgebung schonen will, sonder weil Lügen offenbar nicht rationalen Kriterien folgt. Sheldon denkt und fühlt also in rein logisch-abstrakten Kategorien. Damit nimmt er unter seinen Freunden oft die Position eines Beobachters, ja nahezu Sozialforschers ein, der die menschliche Spezies im Allgemeinen und seine Umgebung im Besonderen analysiert, kategorisiert und kommentiert. Hierbei wendet er nicht nur naturwissenschaftliche Kriterien an – so erschließt er sich das ihm ansonsten völlig unverständliche Sexual- und Liebesleben seiner Freunde vorzugsweise durch evolutions- und soziobiologische Thesen – sondern geht auch streng sozialwissenschaftlich vor.

Alles in allem könnte man seine Verfahrensweise als ethnomethodologisch bezeichnen. Der Umgang mit Sheldon erinnert ein wenig an ein auf Dauer gestelltes Krisenexperiment, ein in der Soziologie angewandtes Verfahren zur Sichtbarmachung impliziter sozialer Normen. Ihre Sichtbarmachung funktioniert darüber, dass sie in übertriebener Weise eingehalten oder grob missachtet werden – was zur Krise führt – so beispielsweise einfach schon beim Nicht-Grüßen oder auch übertrieben-devoten Grüßen von Vorgesetzten. Bei Sheldon kommt noch hinzu, dass er diese sozialen Normen und Konventionen beständig kommentiert. Indessen ist er am leichtesten von der Richtigkeit eines Handelns zu überzeugen, wenn man ihm einfach sagt, dass dieses nun einmal den sozialen Konventionen entspricht.

In ungemein unterhaltsamer Weise werden damit auch sozial- und geisteswissenschaftliche Paradigmen vorgeführt und erläutert. Dank Sheldons Herangehensweise enthält The Big Bang Theory beispielsweise ein wunderbar anschauliches Beispiel für Theorie und Anwendung der Semiotik. Sheldon ist zunächst nicht in der Lage, den über der Zimmertür seines Mitbewohners hängenden Schlips zu deuten, und holt dafür Nachbarin Penny zu Hilfe…

Um in seiner Umgebung zurechtzukommen, verfährt Sheldon wie sein großes Vorbild Mr. Spock aus Star Trek: Enterprise. Sein Lieblingskommentar zu dem ihm unverständlichen, da äußerst unlogischen Sozialverhalten seiner Umgebung lautet denn auch oft: „Faszinating.“ Auch beim Rate-Spiel „Wer bin ich?“ wählt er immer wieder diese Figur. Und schließlich tickt er völlig aus, als Penny ihm zu Weihnachten eine Serviette schenkt, die von Spock-Darsteller Leonard Nimoy benutzt wurde…

In Fan-Foren werden lebhafte Diskussion darüber geführt, ob Sheldon Asperger hat. In der Serie selbst wird dazu keine Aussage getroffen, und Produzent Chuck Lorre hat diesbezüglich sogar dementiert. Trotzdem ist es gerade Sheldons Bewunderung für Mr. Spock, die in diese Richtung denken lässt: Im englischen bezeichnen viele Menschen mit Asperger ihr Anderssein als „Wrong Planet Syndrome“ und drücken damit ihr Gefühl aus, irrtümlich auf einem fremden Planeten gestrandet zu sein, dessen Bewohner und Regeln sie nicht verstehen. Und gerade die Figur des Vulkaniers Spock, mit der Überbetonung der logisch-rationalen Seite des Menschseins, kommt offenbar Asperger verdächtig nahe. Auf einem Asperger-Forum findet sich dazu folgender Eintrag: „Mein Leben lang kam ich mir wie Spock, der Vulkanier aus Enterprise, vor. Anders und nicht von dieser Welt. Wenn ich so einen Vulkanier im TV sehe, denke ich oft, das ist einer meiner Art…“

Paul Collins, der sich ausführlich mit diesem Subtext von The Big Bang Theory beschäftigt hat, sieht in der Figur des Sheldon Cooper prinzipiell eine Chance: „Jetzt, wo The Big Bang Theory überall, von Island bis zu den Philippinen, läuft, wird Sheldon zu einem Popkultur-Symbol für Aspies werden. Dies ist möglicherweise keine schlechte Sache. So sehr er andere auch zur Verzweiflung bringen kann, hat Sheldon sich doch bemerkenswert gut an seine Welt angepasst. Unterhalb des Slapstick ist The Big Bang Theory eine Meditation darüber, wie intelligente Menschen mit den ihnen gegebenen, absurd ungleich verteilten Talenten umgehen. Für eine Komödie ist dies eine inspirierende – sogar edle – Ausgangsposition.“

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Die Serien-Season 2010/2011 neigt sich ihrem Ende zu, die Sommerserien – auch Midseason genannt – beginnen demnächst, und in diesen Tagen verkünden die Networks ABC, CBS, FOX, NBC und The CW Absetzungen, Fortsetzungen, Neustarts und Serienpiloten, bei denen später entschieden wird, ob daraus eine ganze Season wird.

Die letzte Saison war in vielerlei Hinsicht enttäuschend. Qualitäts-TV-Serien sind zur Zeit auf dem absteigenden Ast. Zu teuer und zu aufwendig, spielen zwar Kritiker_innenlob und künstlerische Preise auch eine Rolle. Den weitaus größeren Einfluß haben jedoch Zuschauer_innenzahlen und – wie könnte es anders sein – die Werbeeinnahmen. So entscheiden die großen Seriensender erst traditionell bei den New Yorker Upfronts über die neuen Piloten, bei denen die Werbekunden über Preise für Werbepakete verhandeln.

Natürlich gab es auch im vergangenen Jahr sehenswerte und unterhaltsame Sendeformate, doch waren diese eher im Comedybereich oder bei den Trickfilmen zu finden. Die wenigen Ausnahmen der Saison, die zu unserem favorisierten Subgenre der Qualitäts-TV-Serien gehören, erinnert sei hier an “The Good Wife“, “Treme“, “Breaking Bad” und “Mad Men“, wurden bereits kritisch bei previously beleuchtet. Da die us-amerikanischen Networks bei den Serien nicht zwischen Genres unterscheiden – genauso, wie die hierzulande immer noch gebräuchliche Unterscheidung zwischen Hoch- und Unterhaltungskultur in den USA keine Rolle spielt, – sondern formatübergreifend über die attraktiven Abendsendeplätze entscheiden, finden sich in den Listen der Serien für die neue Saison, die im Herbst beginnen wird, neben Drama und Comedy auch Reality und Talent-Suche-Shows.

Ein anderer Aspekt, den wir bei der Sichtung der Flut der Ankündigungen interessant finden, ist der im Vergleich zur letzten Season stark gestiegene Anteil von weiblichen Serienautoren und – surprise surprise – eine wesentlich höhere Anzahl von weiblichen Hauptdarstellerinnen. Natürlich ist Weiblichkeit erst einmal keine Qualitätsmerkmal. Es bleibt jedoch die Hoffnung, dass eine ausgewogenere Verteilung eine größere Anzahl auch für uns interessanter Seriensujets hervorbringen möge.

Schon jetzt gibt es an einigen Serien heftige Kritik: Der Erfolg von Mad Men, der zwar gerade die Umbrüche in einer einstmals heilen Männerwelt zeigt, hat leider eine eklige Nostalgiewelle ausgelöst, und bringt nun weitere Serien, die in “der guten alten Zeit” spielen und Remakes hervor, die sich zwar emanzipierter geben – und teilweise auch sind – aber trotzdem einen Backlash unterstützen, der uns bei previously nicht unterhalten wird.

Maureen Dowd, neben Gail Collins unsere Lieblingskolummnistin der New York Times, bringt es knapp auf den Punkt: “The remake of “Charlie’s Angels” that ABC is adding to its fall TV lineup is a masterpiece of subtlety. It takes at least 15 minutes before the three girls get wet.” Kaum verwunderlich, dass Drew Barrymore, die in der Vergangenheit damit auffiel, Feminismus weit von sich zu weisen, die Serie produziert. NBC macht ebenfalls mit und kündigt seine Serie “The Playboy Club” so an: “This provocative new series captures a time and place that challenged the social mores, where a visionary created an empire, and an icon changed American culture.”

Last but not least, schließlich werden sogar die Flintstones zurückkehren, bringt ABC eine Serie “Pan Am“, die in den frühen 60er Jahren des vergangenen Jahrhunderts das Leben der Stewardessen beleuchtet. Im Trailer wird am Ende kurz eingeblendet “The World is Theirs”, aber selbst Christina Ricci wird uns nicht zum Schauen animieren. Zitat der Werbung: “Sie machen alles. Und sie machen es in 30.000 feet Höhe.” Zu dieser Zeit mussten Stewardessen entwürdigende Gewichtsproben über sich ertragen, im Falle einer Heirat den Dienst quittieren und durften nicht älter als 32 Jahre sein. Sie spielten bei der Durchsetzung gleicher Rechte für Frauen eine nicht unbedeutende Rolle. So wurde 1964 der Civil Rights Act beschlossen, der ungleiche Behandlung an öffentlichen Orten wie z.B. Schulen oder bei öffentlichen Arbeitgebern verbot und es dem Bundesanwalt ermöglichte, gegen staatliche Stellen tätig zu werden, die die Rassentrennung weiter aufrecht erhielten. Der konservative Howard Smith aus Virginia hatte vorgeschlagen, Frauen zur Liste der Gruppen hinzuzufügen, die vor Diskriminierung am Arbeitsplatz geschützt werden sollten. Er wollte damit den Civil Rights Act verhindern und erklärte später, es habe sich um einen Witz gehandelt. Und während zuerst gescherzt wurde, dass nun männliche unförmige Playboy Bunnys in The Mansion arbeiten würden, waren die ersten Beschwerdeführerinnen Stewardessen. Die Ansinnen der Stewardessen wurden höhnisch belacht, bis Martha Griffith, eine der ersten Frauen im Kongress, während einer Anhörung fragte: “Was betreiben Sie? Eine Fluglinie oder einen Puff?” Wozu also eine Serie aus einer miefigen Zeit, die sich nicht nur die Studiobosse zurückwünschen und die absolute Ungleichbehandlung glamourisiert?

Doch nicht nur dieser Backlash vergällt die Vorfreude, auch das Studium der kurzen Beschreibungen möglicher Serien enthält auf den ersten Blick wenig Überraschendes: Die klassischen Themen Anwälte, Polizei und Kriminalität, Krankenhaus, Familie und Romanze werden wieder aufgewärmt und scheinen wenig mutig. Mal sehen, ob es in Ausnahmefällen funktioniert.

Auf feministischen Seiten und in TV-Foren freuen sich alle auf die neue Comedy “Whitney“, die ebenfalls bei NBC gesendet werden wird. Geschrieben und gleichzeitig die Hauptrolle spielen wird die amerikanische Komikerin Whitney Cummings In der Serie porträtiert sie – logisch – die Figur Whitney, die weibliche Hälfte eines Paares, das beschlossen hat, das Leben zwar gemeinsam, aber ohne Trauschein zu verbringen. Dazu eine nervige Mutter, eine an die romantische Liebe glaubende Schwester, und ein metrosexueller Freund. Herrjé! Die Begeisterung kann man wohl nur nachvollziehen, wenn man den Heiratswahn und die Wichtigkeit dieses Ereignisses für US-Amerikaner kennt.

“Up All Night” bringt uns ein Wiedersehen mit Christina Applegate, die durch ihre Darstellung der Kelly Bundy weltberühmt wurde. In der neuen Comedy spielt sie eine Frau, die mit Freude ihre berufliche Karriere verfolgt, nie Kinder wollte und nun doch Nachwuchs bekommt. Ihr Mann springt gerne ein. Soweit der Plot. Inwieweit eine Comedy für uns funktionieren wird, die “umgekehrte Rollenverteilung” als den großen Spaßfaktor annimmt – wir werden sehen.

Das Senderschwergewicht Fox ist ja nicht nur für seine ultrakonservativen Nachrichten und weltverschwörerischen Talkshows bekannt, die dann bei Comedy Central durch Jon Stewart und Stephen Colbert verhonepipelt werden. Die Stärken des Serienprogramms bei Fox sind klar: Die Simpsons, American Dad, Family Guy und The Cleveland Show dienen der leichten Unterhaltung. Glee wird natürlich fortgesetzt und auch von House gibt es nochmal eine – wahrscheinlich letzte – Staffel.

Fox hat mehrere neue Serien bestellt, von denen uns leider erstmal nur eine vielversprechend erscheint.

“I Hate My Teenage Daughter“, so der vielversprechende Titel der neuen Serie von Ellen Kreamer and Sherry Bilsing-Graham, die schon vorher, z.B. bei “The New Adventures of Old Christine” zusammengearbeitet haben. Die Comedy behandelt ein uramerikanisches Trauma: das Mobbing durch die Highschool Clique der erfolgreichsten Mädchen. 2 Mütter, die in ihrer Jugend ganz schön gelitten haben, kommen vom Regen in die Traufe. Ihre Töchter sind nicht Opfer des Mobbings, sondern die Täterinnen, die sich nicht nur in der Schule austoben, sondern auch an ihren Müttern abarbeiten.

Ebenfalls auf Fox wird zukünftig “New Girl” ausgestrahlt, geschrieben wurde die Comedy von Liz Meriwether. Zooey Deschanel porträtiert Jessica, eine Grundschullehrerin, die kein Glück in der Liebe hat. Nach ihrem jüngsten Beziehungsende zieht sie in eine WG mit 3 Männern. Idee der Comedy soll sein, dass sie durch die Nähe zum anderen Geschlecht langsam beginnt Männer zu verstehen. Dabei sind die 3 Männer langweilige Prototypen: Ein Barmann, ein etwas nachlässiger Personal-Trainer und ein gut aussehender Typ, der keinen Drink ablehnt. Die sich verändernden Zeiten scheinen den Studios und den Werbekunden wirklich Angst einzujagen. Serien über vergangene Zeiten oder Frauen, die lernen Männer zu verstehen. Unser Beileid.

Für alle, die “Heroes” mochten, gibt es eine neue Serie von Tim Kring: Kiefer Sutherland wird in “Touch” den Vater eines autistischen Jungen spielen, der Verbindungen zwischen Menschen sieht, die anderen verborgen sind, und diese mittels langer Zahlenfolgen kommunizieren kann. Die Grundthemen – Menschen mit besonderen Fähigkeiten, der Einfluß kleiner Handlungen auf den Ablauf der Geschichte sind vertraut – könnten aber einen Blick wert sein.

Der kleinste der 5 großen Sender, The CW, hat 90210 und Americas Next Topmodel offiziell verlängert, und auch sonst nur Blödsinn im Angebot: Da wäre “Hart of Dixie“, geschrieben von Leila Gerstein. Die bisher verfügbaren Informationen lassen eine konventionelle Serie fürchten: junge, ehrgeizige New Yorker Chirurgin erbt im Serienpiloten eine kleine Praxis in einer Kleinstadt in Alabama. Nach ihrer Ankunft gibt es natürlich Kämpfe mit der Dorfbevölkerung, sie hat jedoch Unterstützung -natürlich eine resolute, bodenständige Krankenschwester. Konkurrierender Arzt: check. Symphathischer junger Mann: check. Lahm.

Ebenfalls bei The CW ist Sarah Michelle Gellar, als Buffy the Vampire Slayer bekannt gewordene Schauspielerin. Der Plot für “The Ringer” klingt so, als ob er unterhaltsamen Stoff für eine, maximal zwei Seasons bieten könnte. Sarah Michelle Gellar spielt eineiige Zwillinge, von denen die eine bei einem Mafia Prozess für das FBI aussagen soll. Sie flüchtet zu ihrer Schwester, die reich geheiratet hat. Nachdem die Schwester kurz danach bei einem Unfall stirbt, nimmt sie kurz entschlossen deren Lebensplatz ein. Leider war das Leben der Schwester gar nicht so sicher, außerdem hatte sie eine Affäre mit dem Ehemann der besten Freundin. Natürlich sind FBI und Mafia auf der Jagd nach ihr, und ihre einzige Hilfe ist: ihr Betreuer bei den Anonymen Alkoholikern.

Die nächsten Monate werden zeigen, ob unsere erste Einschätzung richtig war. Wir hoffen, genügend Highlights übersehen zu haben und freuen uns auf positive Überraschungen. TV on!