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En la imagen, el filósofo natural, químico, físico, inventor y científico Robert Boyle, quien en 1664, concluyó que con sólo tres colores, se podían imitar todas las tonalidades de la naturaleza: rojo, azul y amarillo.

Tim Bavington es un diseñador gráfico, pintor e ilustrador inglés, establecido en Las Vegas, con una prolífica carrera respaldada por una gran cantidad de exhibiciones de forma individual  o en conjunto con otros artistas destacados. Su trabajo destaca por la importancia que el artista otorga a la estrecha relación entre colores y música. El principal sello de su obra son los lienzos de composiciones geométricas abstractas, basadas en lineas paralelas, generalmente ubicadas en dirección vertical, cuya morfología permite apreciar de buena forma el panorama cromático que emplea en su trabajo, y que es articulado por las influencias musicales del artista, en un momento determinado.

Su carrera comenzó muy temprano, como diseñador gráfico e ilustrador para la serie de televisión Los Simpson, para luego dedicarse profundamente al arte pictórico geométrico. Sus pinturas, realizadas mayoritariamente en la técnica del aerógrafo acrílico sobre tela, han sido inspiradas en piezas musicales, según el mismo artista. En 1998 desarrolló y vendió su primera pieza gráfica inspirada en la canción Driving Nowhere, del rockero británico Paul Weller, la cual estaba compuesta de líneas verticales de colores, muy similar a sus trabajos actuales.

Más adelante, en 2002, definitivamente incorporó esta metodología de trabajo musico-cromático, mediante la realización de una composición visual inspirada en un solo de guitarra de Jimmy Hendrix, de la cual transcribió las notas musicales y las asoció a colores, realizando su obra denominada Voodoo Child (Slight Return). A partir de esta obra, Bavington comenzó a trabajar con una estructura de música y homologación cromática que emplea en muchos de sus trabajos.

Desde el análisis de su perspectiva cromática, la obra de Bavington genera un puente entre la representación pictórica y la comunicación visual, de la mano de la semiótica cromática. Bavington asocia tiempos, silencios y sonidos a los determinados colores, cruzando las barreras de lo psicofisiológico, y otorgándole al color una dimensión que va más allá de lo visual. Este vínculo entre colores y música, generalmente sinestésico, tan trascendental en la obra de este artista, separa su trabajo de lo puramente visual, y refuerza las relaciones cromático-musicales de las que hablaran alguna vez Aristóteles, Kandinsky y lo acerca a una estructuración de la relación de la escala musical y los tonos cromáticos estudiados por Skriabin.

Por otro lado, la abstracción de sus obras nos lleva a apreciar el color en su totalidad, y generar el vínculo con lo musical y con el arte abstracto por excelencia, llevándonos al estudio de Josef Albers y los talleres de color desarrollados en la Bauhaus. En sus clases, los alumnos de Albers a menudo se veían enfrentados a ejercicios de Estudios Libres cromáticos, los cuales debían extraerse de piezas musicales, sensaciones, temperaturas, entre otros. Pero la obra de Bavington también nos remonta, más adelante, hacia el pop art, por la asociación de sus lienzos con el código de barras y con el Technicolor, o la carta de ajuste, íconos de ese arte.

Desde un enfoque más técnico, Bavington emplea constantemente la interacción del color, mediante la yuxtaposición de colores, que aparecen más de una vez dentro de un mismo lienzo y en diferentes proporciones o cantidades, es decir, con diferente presencia. De esta manera, los contraste más empleados por el artista son los de calidad y de cantidad. Un rol importante en sus obras lo emplea el tamaño o proporción de los diferentes lienzos que emplea, ya que estos acentúan las relaciones cromáticas y más aún, la relatividad del color.

Tim Bavington ha expuesto sus trabajos en cuatro continentes, en países como Canadá, Inglaterra, Francia, E.E.U.U., Emiratos Árabes Unidos  y Corea del Sur, y ha protagonizado numerosas exhibiciones en el Museum of Modern Arts de Nueva York y el Museum of Contemporary Art de San Diego, entre otros. Puedes conocer más de sus trabajos en su sitio web personal.

Hasta el siglo XVIII, se desarrollaron numerosas teorías referentes a la definición, ordenamiento y articulación de los colores, un notable avance en materias de la óptica de la luz que surgió del conocimiento de grandes como Aristóteles, Descartes, Newton y Goethe, entre otros. Los principales avances en materias cromáticas pasaban por un análisis y exploración del fenómeno de la luz y sus características cromáticas.

Una vez descubierto el misterio de la luz como fuente del color y de que sin ella no existiría ni la más pálida tonalidad, el siglo XIX llegó con una pregunta pendiente: ¿cómo logra la naturaleza una variedad tan infinita de tonos? La respuesta se encuentra en la articulación de tres elementos indispensables: la luz, fuente del color; la materia, que reacciona al color, y finalmente el ojo, instrumento que percibe el color.

La pigmentación

Para que la materia biológica o natural reaccione al color, debe contener algún tipo de pigmento. Un pigmento es cualquier sustancia que produce color en las células animales o vegetales, y muchas estructuras biológicas, como la piel, los ojos y el pelo, contienen pigmentos. Los pigmentos corporales que los organismos presentan al exterior constituyen tanto un sistema de comunicación como de supervivencia. El conjunto de pigmentos que envuelve sus cuerpos recibe el nombre de pigmentación biológica.

Las ilimitadas tonalidades que los organismos naturales han adquirido no son gratuitas, sino producto de la inefable evolución de las especies en su lucha por sobrevivir, si nos apegamos a los principios darwinianos. A fines del siglo XIX, el naturalista inglés Alfred Wallace, publicó la Ley de Coloración Progresista de las Flores, donde afirmaba que el primer color que existió en el más remoto de los tiempos era el verde, tan antiguo como la vida misma.¹ Se trata del verde característico de la clorofila, pigmento vegetal de las primitivas algas de hace más de tres millones de años. Verde que con el tiempo accedió a su auto-decoloración para que lograran aparecer las primeras tonalidades blanco amarillentas en los pétalos de algunas flores, como el Diente de León y los ranúnculos. A partir de ello el color fue la marca de cada especie, el don con que la naturaleza premió su evolución.

Lo anterior fue corroborado en los modernos estudios de paleogenética, en los que se afirma que el color en los seres vivos es una característica heredada: dada la inmovilidad de las plantas, que dificulta su fertilización y reproducción, éstas tuvieron que trasladar los pigmentos – que utilizaban en otros procesos bioquímicos – hasta las células de sus pétalos para lograr manchas coloreadas y así conquistar con sus magníficos colores a los insectos polinizadores.

Lo mismo sucedió en el mundo animal, donde los colores se han transformado con una finalidad de exhibición para el apareamiento – como es el caso del ostentoso pavo real –, o bien, como camuflaje ante los posibles depredadores de su especie. Incluso algunas especies pueden controlar las reacciones de su pigmentación frente a ciertos estímulos externos, de naturaleza háptica por ejemplo, como la temperatura.

Se cree que la transformación pigmentaria sucedió también con los seres humanos. Aquellos antepasados prehistóricos que vivían cerca de los glaciares, expuestos a largos y penumbrosos inviernos, desarrollaron la piel clara para absorber el máximo de radiaciones ultravioletas; lo contrario de los antepasados de los trópicos, cuyas pieles se oscurecieron como protección de los intensos rayos del sol. Y más aún, el color en la vida humana también sirvió para la consagración del género, coloreando, por ejemplo los labios y mejillas femeninas que sutilmente contribuyen a la atracción del sexo opuesto.

La visión cromática

Científicamente, se afirma que la visión del color se formó hace 400 millones de años, en el llamado periodo Silúrico, entre los antepasados de los peces². Aquellos seres marinos pudieron comenzar a diferenciar el color que las algas les sugerían, del que veían como matiz general en el agua. Hoy, son muchas las especies marinas, terrestres y aéreas que distinguen sugerencias de diferentes longitudes de onda de la luz que reciben.

Para Darwin, el ojo también evolucionó de un simple nervio óptico a un complicado instrumento de visión. Darwin estaba convencido de que la luz y los colores que ella permite son una fuente de información sobre el medio ambiente, por lo que los animales y plantas tienen que entender su lenguaje y significaciones para lograr sobrevivir: las frutas verdes indican que todavía no es el momento de comerlas; las bayas negras son rechazadas instintivamente por los seres humanos debido a su toxicidad; los pájaros identifican a sus crías por el color de sus picos, etc.

Se ha comprobado, por ejemplo, que los animales cuyas vidas transcurren a la luz del sol tienen una mejor visión de los colores que los que viven a la sombra, además de que su pelaje tiende a ser de colores vivos y brillantes debido a que, por lo general, su apariencia imita el esquema de colores de su hábitat. Ello explica quizás, el triste fenómeno que la modernidad industrial ha provocado en las mariposas, las cuales en los últimos tiempos han ido sustituyendo sus vivos colores por el negro y el gris, análogos de los valles de humo y concreto urbano.

Todo lo anterior no es más que el reflejo contrastante de una verdad que forma parte inseparable de la naturaleza: el color nació para distinguirse de los demás pero, sobre todo, como el más puro y milenario vehículo de comunicación.

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1. FERRER, Eulalio. Los lenguajes del color. México D. F. : Fondo de Cultura Económica, 1999.
2. SANZ, Juan Carlos, El libro del color, Alianza Editorial, 1993, Madrid – ESPAÑA.

“Subyugar la Mirada” es la más reciente exposición individual, de este destacado artista y académico de la Universidad de Chile, y se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo, sede Parque Forestal.

Víctor Alegría, quien fuera expositor en el Seminario Color Extendido, propone una interfaz nueva mediante su virtuosismo técnico y la articulación del color como medio para alcanzar lo pictórico-fotográfico.

La exposición estará hasta el domingo 24 de enero. Más información en el sitio del museo.

David Gerstein es un pintor, escultor, dibujante y diseñador israelita con una vasta y muy prolífica carrera, que contempla pinturas, esculturas de metal, intervenciones en espacio público, collages, fotografías entre otros. Su trabajo busca ampliar los límites de las 2 dimensiones, realizando pinturas-esculturas tridimensionales. Las temáticas de su obra son bastastante cotidianas, van desde sueños íntimos a escenas de la vida diaria o del panorama noticioso actual, buscando romper la barrera entre el arte contemplativo y el público, acercándo de esta manera el arte a la gente.

Gerstein incorpora el color como elemento clave dentro de su obra, su sintaxis es fácilmente reconocible. Valoriza los trazos de las figuras en sus composiciones mediante combinaciones de color que se perciben como atractivas, que escapan de esa cotidianeidad de las temáticas y generan un quiebre, un llamado de atención en la rutina de la vida urbana. De esta manera Gerstein busca generar un estilo propio que sea a la vez muy recordable.

En un plano más técnico, el artista emplea distintos esquemas de contraste de color, generalmente diferenciándolos según el sustrato o material que está usando o interviniendo. Así, es posible encontrar recurrentemente el contraste de colores puros en sus piezas como intervenciones urbanas y esculturas de metal, las cuales además se presentan como arte pop, cercana en temática y colores a la obra cromática de Keith Haring. En este sustrato también es muy constante la estética del fauvismo la que aparece con sus colores y sensualidad.

Las esculturas e intervenciones de Gerstein poseen, en algunos casos, el carácter decorativo extraído de la influencia de las obras de Matisse en el artista, con su técnica inventiva. Objetos y composiciones de buen corazon, que transmiten una cierta ironía y humor, desde su concepción para la sociedad israelí, hasta sus alcances a otros lugares del planeta, como lenguaje universal facilmente entendible por las diversas culturas que han tenido acceso a sus obras. La realidad como una carrera sin sentido es el tema de varias de sus obras, tales como: “Marathon” y “El Gran Maratón”.

Pero en el caso de sus pinturas, sucede algo muy diferente a niveles cromáticos y formales. El contraste más recurrente es el de calidad o saturación, el cual emplea para destacar cromáticamente algunas áreas de las composiciones, generando una atmósfera pareja que se quiebra mediante la aparición de un color muy saturado. En ellas, la paleta cromática del pintor es más reducida y no tan extrovertida, y las escenas que retrata son generalmente de interiores, en su estilo muy particular, y con un carácter más íntimo.

David Gerstein es un artista consagrado, tanto en su país como en aquellos a los que han llegado sus obras. Ha expuesto en países como Taiwan, Alemania, Australia, Italia, Brasil, Bélgica, Canadá, Japón, Corea, Luxemburgo, Marruecos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Suiza, Suecia, y E.E.U.U. entre otros. Además su trabajo forma parte del imaginario colectivo israelita, ya que sus obras han sido usadas en diarios, revistas y publicidad en ese país.

Puedes conocer más de sus obras en su sitio web personal o ver este video.

Similares cromáticos: gélido, congelado, helado, fresco, glacial.

La paleta cromática correspondiente al frío está conformada por aquellos colores que tienen una temperatura cromática reconociblemente baja, como los azules, verdes que tienden a la desaturación y algunos tonos de grises cromáticos o colores muy desaturados. En esta gama, los colores deben tender a separarse, a no mezclarse, a contrastar fuertemente ya sea por su saturación o su luminosidad y peso. De tal manera que parecieran congelados o duros como el hielo.

Pero para contrarrestar la gama múltiple del verde al azul, aparecen también el blanco, color del invierno según Johannes Itten, y un gris oscuro que tiende levemente más a la calidez que al frío, pero se mantiene acorde en su desaturación y aporta un mayor peso.

Al elegir una paleta cromática mayoritariamente fría, se debe tener en cuenta que no necesariamente todos los azules y verdes serán fríos. Para más información visita Temperatura de Color.

Similares cromáticos: quietud, reposo, alivio, pausa, relajo.

El descanso se representa cromáticamente la mitad con una paleta mixta entre colores con longitud de onda corta (variaciones de tono de azul y verde) que representan el alivio y la tranquilidad pero sin llegar al frío; y colores de longitud de onda larga (tonos de rojos luminosos y amarillos), que expresen calidez sin llegar a la excitación.

Estos colores muy luminosos además deben tener una saturación media, de manera de minorizar la intensidad y el contraste, generando una atmósfera pareja que no signifique un quiebre en ese descanso. La  máxima saturación presente en la paleta se otorga mediante el uso de un amarillo muy cálido que resalta un ambiente acogedor, propicio para el relajo.

Por otra parte, también los colores rosados cálidos de una luminosidad entre media y alta, así tienen connotaciones de bienestar y seguridad, ya que se alejan de la estimulante gama de los rojos, pero otorgan un ambiente de ensoñación. Por su parte los celestes claros, invitan a la meditación y el pensamiento reflexivo.

Proyectacolor cumple un año este 24 de diciembre de 2009 y lo celebra cambiando. Te presentamos la nueva versión del sitio, con nuevas secciones y más posibilidades para que realices tus aportes, comentes o participes de este espacio.

En la imagen, un resúmen de estos 365 días, entre workshops, charlas, encuentros de diseño y otras actividades colaborativas que marcaron la tónica de un año colorido.  Encuentra más fotos en nuestro grupo de facebook.

En el trabajo con el color digital, sea cual sea su finalidad (pantalla o impreso), nos topamos con diferentes opciones de archivos de imagen, los cuales no sabemos diferenciar del todo, en materias de gestión del color. Generalmente desconocemos qué tipo de archivo (JPEG, GIF, TIFF, etc) nos permite una mejor visualización del color, o qué se debe privilegiar  al contraponer la calidad de la imagen versus el tamaño del archivo, entre otras decisiones por tomar.

Además de conocer y manejar los modelos de color, así como la profundidad de color, si queremos obtener buenos resultados a la hora de manipular fotografías, ilustraciones y gráficos en general, se hace necesario conocer si el tipo de formato de imagen permite pérdidas de color (elimina la información de color menos aparente) o no las permite (no se pierde color en el proceso).

Los archivos de imagen presentan ciertos formatos estándar, donde los más comunes son:

El formato GIF

GIF (Graphics Interchange Format) es el formato de archivo que se utiliza habitualmente para mostrar gráficos, iconos e imágenes en Internet y otros servicios de visualización en pantalla. Utiliza la compresión sin pérdidas pero sólo con el modelo de color indexado, es decir, permite el trabajo solo con una paleta reducida de 256 colores en lugar de los millones de colores que permiten otros formatos.

Este formato fue diseñado para minimizar el tamaño de archivo y el tiempo de transferencia electrónica, razón por la cual al guardar un archivo en este formato, el programa gráfico privilegiará un tamaño pequeño de archivo antes que una mayor calidad de color. El formato GIF además permite imágenes con transparencia, pero no admite canales alfa para su uso en transiciones para animaciones.

El formato JPEG

JPEG (creado por el Joint Photographic Experts Group) se utiliza para fotografías a todo color y aunque cumple en el proceso de impresión, es ideal para gráficos Web. Utiliza la compresión con pérdidas, donde cuanto mayor sea la compresión, menor será el tamaño de archivo y más visible la degradación de color. En la mayoría de los casos, la opción de calidad máxima (menos comprimida) produce la pérdida menor de color.

Este formato no debería usarse para guardar imágenes que haya que manipular después, pues los bloques y rayas provocadas por la compresión serán cada vez más evidentes. A diferencia del formato GIF, JPEG puede trabajar con millones de colores pero al exportar el archivo comprime el tamaño descartando datos selectivamente. Este formato admite los modelos de color CMYK, RGB y Escala de Grises, pero no admite transparencias o canales alfa.

El formato PNG

PNG (Portable Network Graphics) fue creado con posibilidades de mejor calidad como una alternativa al formato GIF, utiliza una compresión sin pérdidas y es ideal para la visualización de imágenes, fotografías y gráficos en pantalla. A diferencia del formato GIF, PNG admite imágenes de 24 bits o más.

El formato PNG admite el modelo de color RGB, (al exportar una imagen PNG que tenga incrustado el modelo CMYK, este se convertirá automáticamente en RGB) además del color indexado, imágenes en Escala de Grises, el modo de Mapa de Bits, y transparencias aunque sin canales alfa.

El formato TIFF

TIFF o TIF (Tagged-Image File Format) funciona perfecto con todos los programas gráficos, es ideal para intercambiar archivos entre programas y entre sistemas operativos. Permite la compresión con o sin pérdidas, y esto hará que los archivos que pueden ser fotográficos, vectoriales y gráficos, entre otros, varíen en su tamaño, llegando los más pesados a tamaños de archivo máximos de 4 GB.

El formato TIFF admite casi todos los modelos de color: CMYK, RGB, CIE Lab, color indexado y en Escala de Grises con canales alfa, e imágenes en modo de Mapa de Bits sin canales alfa.

Los archivos de imágenes TIFF además son muy flexibles, ya que otorgan al usuario la capacidad de decidir la calidad de color de las imágenes, según las diferentes profundidades de color que admiten: baja (8 bits), media (16 bits) o alta (32 bits) por canal.

A pesar del reconocimiento de estos diferentes formatos de imágenes, con sus respectivas características, es probable que ante un encargo de diseño, si sea necesario utilizar un formato de archivo que produzca pérdida de color, pero en esos casos en particular, la recomendación es trabajar en el archivo editable característico del programa de diseño (PSD, AI, FH, etc) durante todo el proceso de edición del trabajo y sólo exportar como imagen al final del proceso, cuando ya no se necesiten realizar más modificaciones, de manera de minimizar la pérdida de color.

Finalmente, así como puede ser de utilidad conocer las diferencias entre los formatos de archivos de imágenes, adentrarse en la gestión del color puede evitar o solucionar inconvenientes que se presentan a la hora de exportar los archivos para las diferentes finalidades, o simplemente optimizar los recursos cromáticos en función de una mejor comunicación del mensaje.

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En esta nueva sección se abordarán estos diversos factores desde un enfoque teórico, pero con base en la aplicación práctica, buscando generar un vínculo entre la investigación y la realidad de la aplicación del color en los diferentes ámbitos del diseño de comunicación visual, extensibles a distintos campos de las artes visuales.

También periódicamente será posible encontrar artículos de algunos autores invitados, especialistas en determinadas áreas que sean de utilidad para ampliar el campo de estudio. De esta manera podrán incorporarse temáticas que bordeen por ejemplo la arquitectura, la pintura, la comunicación audiovisual, entre varias otras, y la manera en que el color está presente también en el desarrollo de esas disciplinas.

Los artículos presentes en esta nueva sección además podrán descargarse en formato .pdf, para aquel lector que desee archivar, coleccionar, reutilizar, hacer anotaciones, o simplemente leer sobre papel cada una de las publicaciones.

Finalmente, es interesante comprender que no caben dudas de que la evolución en el uso del color en el diseño y el desarrollo de este campo, tendrá que descansar cada vez más en una fructífera interacción entre investigadores, técnicos y diseñadores. La tarea más importante para los investigadores en color en el diseño será actuar como nexo entre ambos grupos, desarrollando aplicaciones de la ciencia del color al diseño, proponiendo hipótesis que puedan ser sometidas a prueba y contribuyendo a la comunicación mutua por medio de un acuerdo terminológico – muy necesario – sobre bases comunes.

El escenario más interesante que podemos desear y esperar para los años por venir es una verdadera integración de todos los campos de investigación en color y un intercambio de conocimientos sobre la base de un lenguaje común.