1984 cuenta la historia de una sociedad que vive en un régimen totalitario en el que nada es lo que parece ser. Sus ciudadanos viven vigilados de manera perpetua por cámaras y otros medios personificados en la figura de “el gran hermano” o “el hermano mayor ”. Si alguien decide vivir de manera diferente a lo establecido, será eliminado.

Winston Smith, protagonista de esta historia, comienza a escribir sus vivencias mientras descubre el amor y se interesa por otros caminos posibles aunque sean peligrosos. Para descubrir que todo es mentira y que no se puede escapar del sistema.

Este mensaje, tan impactante y actual, fue escrito en género narrativo por George Orwell en los años posteriores a las grandes guerras del pasado. Es un texto que araña y retuerce por dentro. Algo que esta nueva versión realizada por Javier Sánchez y Carlos Martínez también logra con creces.

Bajo la dirección del citado Martínez, cuatro actores representan esta trama bastante fiel al original sin ningún “pero” al respecto. Y es que, una vuelta de tuerca era innecesaria por la perfección de la materia prima y seguir sirviendo como revulsivo frente a una sociedad controlada por redes sociales y con un futuro incierto.

Así, es una obra coral en la que intervienen David Lázaro, Javier Ruiz de Alegría, Cristina Arranz y Javier Bermejo. Todos están impecables en su trabajo; si bien destaca David Lázaro, que se pone en la piel de Winston Smith, sobre todo en las escenas relativas al sufrimiento en interrogatorios, además de Javier Bermejo que tiene el reto más grande; el de interpretar varios personajes, en un montaje de gran duración, solo cambiando alguna piezas de vestuario.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca el espacio escénico e iluminación creado por Javier Ruiz de Alegría. Con aciertos como las televisiones antiguas o una cama que puede llegar a ser cualquier cosa sobre el escenario como principales puntales del trabajo.

Todo un acierto, al igual que el vestuario, de la mano de Escorzo Teatro, con esos monos obreros, tan totalitarios y ochenteros, que tan bien casan con la historia.

1984 es una historia que habla del pasado, pero también del futuro, que sigue agitando a todo aquel que se atreva a entrar en su reino. Esperamos que siga girando por más teatros. Es algo necesario por la calidad del trabajo bien hecho y por un mensaje que no tiene que quedar en el olvido nunca.

Sonia López

Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

Más teatro

Este es un ejercicio teatral alejado de la ficción convencional. Sobre el escenario, Olmi no encarna un personaje, sino que se expone a sí mismo en una búsqueda identitaria que atraviesa su trayectoria vital y profesional. “Un hombre se para en un escenario. No está actuando. Vino a decir la verdad”, plantea la sinopsis del espectáculo.

Con más de cinco décadas de carrera en cine, teatro y televisión, el actor propone aquí un giro hacia lo autobiográfico, en un formato que combina humor, crudeza y reflexión. La pieza indaga en preguntas sobre la identidad, los vínculos, las heridas y la memoria, en un relato que —según el propio planteamiento escénico— aspira a ser tan personal como universal.

La presencia de Boy Olmi en Espacio Mistral se amplía con su participación en otra obra que lleva por título La heladería, en la que se invita al público a un viaje onírico y teatral, entre sabores y recuerdos, y donde el universo del helado de limón funciona como hilo conductor de una historia ligada a la memoria, el legado y la identidad.

Además, la programación argentina en Espacio Mistral se completa también en abril con Okasan. Diario de viaje de una madre, protagonizada por Carola Reyna. Se trata de otro unipersonal basado en el texto de la escritora Mori Ponsowy que narra el viaje de una mujer a Japón para reencontrarse con su hijo, en una experiencia marcada por el descubrimiento personal y la distancia emocional. Adaptado a escena por Paula Herrera Nóbile, con la colaboración de Sandra Durán, el montaje —estrenado con éxito en Argentina en 2023— propone un recorrido íntimo por los vínculos familiares y la transformación interior.

Con estas propuestas en cartel, hablamos con Boy Olmi para conocer más de cerca estos unipersonales y charlar un poco sobre su presente teatral.

Resalta mucho que, en la sinopsis de tu pieza, aparezca que en escena hay un hombre que no va a actuar. ¿Qué vamos a ver entonces, a qué viniste a Madrid?

Vas a ver a un hombre en el escenario diciendo absolutamente la verdad. Esa es la diferencia con la actuación convencional. En el teatro, tratamos de encontrar la verdad a través de un discurso poético que emula la verdad. Aquí, el discurso poético proviene de lo que yo he dicho después de años de trabajo, con una directora y dramaturga que me escuchó decir cosas de mi propia vida que son absolutamente ciertas. No hay una palabra en lo que digo en este espectáculo que no sea cierta, que no sea verdadera en términos ya no de la verdad recreada, sino de la verdad misma. Esto quiere decir que este espectáculo, unipersonal, en realidad es un experimento muy personal, en el que me pregunto sobre por qué yo soy el que soy y por qué cada uno de los espectadores que está en esa sala es quien es. Y por eso la gente queda muy movilizada, muy sorprendida, muy emocionada y divertida a la vez.

Tras 50 años de carrera, ¿no te da miedo que el público vea “al hombre detrás del actor”?

Sí, sí, pero al mismo tiempo, descubrí que eso era muy sanador y que detrás del actor no debe esconderse sino aparecer el hombre, que es el actor. Porque yo acabo no definiéndome como actor, sino como persona. Entonces, creo que nos hace mucho bien a todos descubrir que, más allá de las investiduras, las personalidades y los lugares que ocupamos en la sociedad, detrás de todo eso y sobre todo eso, somos personas. Y eso nos hermana de una forma muy tranquilizadora porque si no, no nos permitiríamos ver que somos parte de una especie en convivencia con otras y que a todos nosotros nos está pasando más o menos lo mismo.

¿En qué momento profesional y personal te encuentras ahora mismo para salir a escena y exponerte de esta manera?

Bueno, en los últimos 50 años no he parado de trabajar en cine, teatro y televisión. Y ahora, me encuentro haciendo algo que nunca hice en la vida, que me permite disfrutar de estar en el escenario de una manera superior a lo que he disfrutado siempre. Porque en este experimento, me encuentro conmigo mismo de una manera como en realidad uno persigue siempre cuando hace teatro y descubrí que por este camino he llegado mucho más hondamente a la esencia de mi persona y a la esencia de todos los espectadores.

¿Hay algo que no te atreviste a poner en la obra, pero que querías que el público imaginara?

Este unipersonal es muy verdadero en ese sentido y algunos momentos me costaron mucho, pero la directora y dramaturga Shumi Gauto me ayudó a demostrar que, si uno se atreve a decir lo que no se atreve a decir, se siente mucho más libre finalmente. 

Carola Reyna estará también este mes en la misma sala, repitiendo con ‘Okasan. Diario de viaje de una madre’. Cuéntame algo sobre esto.

Carola Reyna, mi mujer, es una actriz muy prestigiosa en la Argentina y elaboró este otro espectáculo unipersonal a modo de diario de viajes de una madre que sale de su país para a visitar a su hijo al Japón, donde vive desde hace tiempo. Es un viaje no solo a otra cultura, sino a reconocer que, entre madres y padres e hijos, de golpe, se produce una distancia totalmente necesaria y razonable que mueve muchas cosas. A veces, en el caso de esta obra, se ve en términos físicos del viaje que hay desde América del Sur hasta el Japón, pero que, en términos metafóricos, nos ocurre todo el tiempo. Esto es porque los hijos necesariamente tenemos que despegarnos de nuestros padres. Y eso genera un movimiento muy grande. Es un espectáculo precioso el de Carola.

Las funciones de estas 3 obras y más tendrán lugar en la sede de Espacio Mistral, ubicada en la zona de Puerta del Ángel, en Madrid, consolidando la presencia de propuestas teatrales contemporáneas e internacionales en la cartelera cultural de la ciudad.

Amanda H C

Más teatro

El anuncio ha llegado acompañado de un mensaje fiel al tono que la sala mantiene cotidianamente a través sus redes sociales. “Amigas, este proyecto de amor llega a su fin tras mucha lucha y tras muchos numeritos que no dan, porque somos de letras. En 2027, bajaremos el telón y echaremos el cierre. Mientras tanto y antes de llorarnos encima por lo vivido, disfrutemos de los momentos que nos quedan”. Lo han compartido en una story de Instagram, en una despedida que combina humor, precariedad asumida y una invitación a transitar colectivamente el tiempo que aún queda de actividad.

Ubicado en el número 11 de la calle Primavera, en pleno barrio de Lavapiés, el espacio se define como un “vivero diverso cultural” activo desde 2014, una etiqueta que resume bien su vocación de laboratorio para nuevas dramaturgias y lenguajes escénicos que, por desgracia, siguen sin tener cabida en circuitos más grandes y públicos.

Cultura independiente con nombre propio

Detrás del proyecto están sus gestoras Viviana López Doynel e Israel Giraldo (o como es habitual leer en sus stories “La Vivi y la otra”), figuras vinculadas a la creación y dinamización cultural que llevan sosteniendo durante años una programación coherente con la identidad del espacio. Su labor ha sido clave para consolidarlo como un punto de referencia dentro del tejido alternativo madrileño, apostando por la cercanía con las compañías y por un modelo de gestión independiente.

Actualmente, Viviana dirige la obra Hambre, programada dentro del XI Ciclo de Teatro Argentino, una iniciativa que sigue tendiendo puentes entre la escena madrileña y la dramaturgia latinoamericana. Además, la próxima semana llegará la sexta edición de [abril imaginario], una de las iniciativas más representativas vinculadas a la sala. Impulsado junto a la compañía [los números imaginarios], el ciclo funciona como un espacio de acompañamiento y exhibición de procesos de creación, en el que varias piezas emergentes se desarrollan a lo largo de meses para encontrarse finalmente con el público en abril. Concebido como un laboratorio colectivo, [abril imaginario] ha reivindicado desde sus inicios la necesidad de generar contextos de investigación, colaboración y tiempo para la escena contemporánea, al margen de las lógicas de producción convencionales.

Pequeño formato, gran impacto

El Umbral de Primavera es enclave único para la escena alternativa madrileña. Desde su apertura, la sala se consolidó como un espacio de pequeño formato con una programación ecléctica y con una cartelera permeable y en constante transformación.

Lejos de los grandes circuitos institucionales, apuesta por creadores y creadoras emergentes y propuestas de riesgo, funcionando como plataforma de exhibición para compañías independientes y como lugar de encuentro único entre artistas y público.

En estos años, han pasado por su escenario proyectos nacionales e internacionales, residencias de creación y muestras abiertas, entre otras muchas actividades, configurando una identidad ligada a la experimentación y a la permeabilidad disciplinar.

Un síntoma del ecosistema cultural

Este punto y final se suma a las dificultades estructurales que atraviesan los espacios independientes en Madrid: precariedad económica, presión inmobiliaria y falta de estabilidad para proyectos de largo recorrido.

Más allá de la desaparición física de la sala, su clausura dejará un vacío simbólico en el tejido cultural de Lavapiés, un barrio históricamente asociado a la diversidad artística y a la ebullición de iniciativas autogestionadas.

En 2027, se apagará uno de esos lugares donde la escena se piensa en presente y con la urgencia de lo vivo. Un umbral desde el que muchas creadoras y creadores dieron sus primeros pasos y en el que muchas hemos aplaudido en pie, celebrado la vida o pasado a saludar de vez en cuando.

Amanda H C

El Umbral de Primavera

Si quieres descubrir curiosidades de este arte, entender por qué los teatros no abren los lunes, cuántos ensayos necesita una obra o qué significa realmente un aplauso en pie, aquí tienes cinco claves imprescindibles para celebrar el Día Mundial del Teatro.

1. ¿Por qué los teatros no abren los lunes?

Si alguna vez has intentado comprar entradas para un lunes y no has encontrado función, no es casualidad. En la mayoría de los teatros, el lunes es el día de descanso oficial de las compañías.

La tradición viene del siglo XIX, cuando las funciones se concentraban de martes a domingo y el lunes se reservaba para desmontajes, mantenimiento técnico y descanso del elenco. En el ámbito laboral, además, los convenios colectivos del sector escénico consolidaron ese día como jornada de pausa obligatoria tras el intenso fin de semana.

En Broadway o en la cartelera madrileña, este patrón sigue vigente. Es una cuestión tanto de logística como de salud vocal y física de los y las intérpretes.

2. ¿Qué señala el elenco al finalizar la función durante los aplausos?

Ese gesto tan habitual en los saludos finales —cuando actores y actrices señalan hacia un lateral o hacia la cabina— no es un gesto improvisado. Es un reconocimiento explícito al equipo técnico.

Cuando el elenco apunta hacia arriba o hacia el fondo de la sala, está dedicando el aplauso al técnico/a de luces, sonido, maquinaria, utilería o regiduría. El teatro es un arte colectivo y el saludo final visibiliza que la función no termina en el escenario y que ha sido posible gracias al equipo de personas que son invisibles antes y durante la función.

En términos profesionales, este momento se llama “saludo” o “pase de aplausos”, y forma parte de la liturgia escénica. Sin iluminación, espacio sonoro ni coordinación técnica, la función simplemente no se podría llevar a cabo.

3. ¿Por qué 45 días de ensayo?

En el circuito profesional español, una producción estándar suele contar con 45 días de ensayos antes del estreno. La cifra responde a una cuestión práctica y económica: seis semanas y media permiten cubrir lectura de mesa, análisis dramatúrgico, marcaje escénico, construcción de personajes, pases técnicos y generales. Es un equilibrio entre trabajo artístico y viabilidad presupuestaria, aunque no siempre estos dos aspectos cuadran.

En grandes producciones musicales o montajes institucionales, el periodo puede ampliarse, mientras que en compañías independientes suele reducirse por limitaciones financieras.

4. Los avisos antes de empezar

Antes de que se levante el telón, existe una coreografía invisible de avisos. Para el público, es habitual escuchar por megafonía el clásico “La función va a comenzar, ocupen sus localidades” o el aviso de “quedan cinco minutos”.

Internamente, quien coordina toda esta parte es regiduría. El regidor o regidora —figura clave en la estructura técnica— comunica al elenco y a los departamentos: “Cinco minutos”, “tres minutos”, “en posición”, “prevenidos” o “¡A escena!”. Esta cadena de órdenes garantiza que luces, sonido y elenco entren en sincronía milimétrica.

5. ¿Por qué se aplaude de pie?

El aplauso en pie —standing ovation— es una forma de reconocimiento extraordinario. No es obligatorio ni protocolario: surge cuando el público percibe que ha asistido a una experiencia excepcional y expresa de esta forma que le ha encantado la obra. Es la manera que tenemos de agradecer o de comunicar al equipo de la obra nuestra felicitación máxima por el trabajo que acaban de realizar.

Históricamente, el gesto se consolidó en grandes teatros europeos del siglo XIX y después en Broadway, como señal de ovación máxima. Desde el punto de vista sociológico, implica un acto colectivo: cuando una parte significativa de la audiencia se pone en pie, se genera un efecto contagio. No todas las funciones lo reciben y, precisamente por eso, mantiene su valor simbólico.

Extra: ¿Cómo se aplaude en el mundo?

El aplauso no es universal en su forma. En algunos teatros de Europa Central, el público puede golpear el suelo con los pies en señal de aprobación. En Japón, los aplausos tienden a ser más contenidos y rítmicos. En ciertos contextos de ópera en Italia, el público puede gritar “¡Bravo!” o “¡Brava!” para distinguir género del intérprete. En Reino Unido, es habitual el “hip hip hooray” en espectáculos participativos. En espectáculos tradicionales chinos, el reconocimiento puede incluir vítores específicos según la disciplina artística.

Cada cultura codifica la emoción colectiva de manera distinta, pero en todos los casos el aplauso es un acto de agradecimiento entre escenario y platea que muestra una conexión.

Tras varios meses en marcha, nos acercamos el pasado domingo a ver Pulgarcito se ha cansado de crecer como persona, de Somos nadie compañía, un cuento para jóvenes adultos, lleno de drama y humor, con una dramaturgia que firma Luis Fernández Ruz, quien también se encarga de la dirección junto a Elba Airoa.

Esta es una obra con una historia de realidad (una compañía ensaya su próximo proyecto) y otra de ficción (Pulgarcito se acaba de independizar porque ya no aguanta más a sus padres), tan bien hilvanadas que la corriente del argumento te arrastra desde la primera escena, casi sin darte margen para tomar distancia. La transición entre ambos planos no solo es fluida, sino orgánica: lo autobiográfico y lo fabulador se contaminan, se espejan y se tensionan con una naturalidad dramática de elevado valor.

Por otro lado, el lenguaje audiovisual utilizado con la cámara en directo es, sencillamente, lógico y lleno de significado. Por fin en una obra veo que su presencia tiene un sentido escénico pleno y no secundario. La cámara y su proyección no están ahí como ornamento ni como guiño contemporáneo, sino como una extensión semántica del conflicto, que me hace recordar a lo que mi imaginación proyectaba cuando me contaban cuentos de pequeña.

El elenco formado por Elena Boreal, Ainhoa Hevia Uría, Lola Bejarano, Javier Arribas y Mario Saura funciona como un grupo de colegas a los que podríamos conocer: cercanos, reconocibles, sin impostación generacional. Se reparten el peso de la pieza con una fluidez admirable, cediéndose el foco y sosteniéndose mutuamente, lo que refuerza la sensación de comunidad que atraviesa el montaje. Cada uno aporta a las múltiples perspectivas que se muestran sobre lo que le ocurre al protagonista en cada historia, descomponiendo su experiencia en matices emocionales y discursivos que convierten al público en cómplice activo.

Del popular cuento se salta a la realidad y viceversa de manera constante, en un vaivén que no busca el contraste sino la fusión. Ambos planos se afectan, se contaminan y terminan por borrar cualquier frontera nítida entre lo imaginado y lo vivido, hasta el punto de que una ya no sabe —ni necesita saber— dónde termina uno y comienza el otro. Y eso me encantó. La ficción aparece como una ayuda extra, como un agarre emocional que permite decir lo que de otro modo resultaría insoportable; la realidad, en cambio, se despliega con todas sus aristas entre cada persona y personaje, revelando que crecer —o cansarse de hacerlo— es un proceso personal que puede conectar también con lo colectivo. Es en esa fricción donde la obra encuentra su verdad más poderosa y su cierre más honesto.

Dos historias que en realidad son la misma: una compañía emergente trata de ser vista por su profesión y Pulgarcito, el personaje de cuento, trata de demostrar que es más grande de lo que parece. Realidad y ficción se afectarán mutuamente en esta autoficción que emplea el teatro de objetos, la comedia y el lenguaje audiovisual para ahondar en las problemáticas actuales de la juventud y el uso que le damos a la ficción. Por otra parte, Pulgarcito sigue con su vida más allá del cuento que conocemos. También se acaba de independizar y trata de salir adelante en un Madrid actual repleto de otros personajes de cuento.

Amanda H C

Más teatro

La historia, de corte gótico victoriano, cuenta las vivencias de un joven llamado Dorian. Después de haber sufrido avatares en su infancia, se encuentra debutando en una sociedad puritana y muy hipócrita de la mano de dos personas muy diferentes: el pintor Basil Hallward y el aristócrata lord Henry Wotton. Así, sin verlo venir, entra en una espiral difícil de llevar con final aciago. Eso sí, conservando su juventud y belleza en todo el proceso gracias a un pacto maldito entre su retrato y el mismo.

Aunque es un relato inscrito en el imaginario del público, muchas son sus caras por descubrir. Así que esta compañía, bajo la dirección de Sandra Serrano, ha tomado el testigo y ha presentado una obra digna del original. Siendo muy difícil en teatro mostrar el terror que tiene en el ADN la creación de Wilde.

Así, se resumen en una creación de 80 minutos, bastante fiel al original, en la que no falta ningún detalle siendo digno de alabar. Sobre todo, destaca la originalidad del uso del baile y juego de sombras para enseñar ese lado oculto que tiene el señor Gray y que nadie quisiera conocer. Incluyendo temas que fueron censurados en su época y que hoy en día deben de ser nombrados.

Este trabajo de corte coral es de calidad ante un reto brutal. Destacan en el grupo el trabajo de Jesús Ortega y de Pablo Remiseiro. Uno en la piel de Dorian y otro en la de Basil; crean un tándem genial al que no le falta detalle. Incluyendo esa aureola de ingenuidad que tiene el protagonista al principio y que pronto se convierte en llamas por todos los vicios y las acciones que va cometiendo en su vida. El resto del equipo actoral son: Natxo Molinero, Antonio Niro, Sofía Cocola, José Márquez y Sandra Serrano entre otros.

En cuanto a los aspecto técnicos, la escenografía muestra un especio clásico con un elemento principal; el lienzo que muestra el retrato de Dorian, Correcta, sin nada más que añadir, aunque me gustó el detalle del cambio de color de las rosas del jarrón. Quizá, en este punto, se debería dar una vuelta de tuerca a algunos recursos, como elementos de sonido, que hicieran más creíble la parte maléfica del trato mefistofélico que hace el protagonista.

Aún así, se ven cumplidas las palabras que el mismo Wilde dejó sobre esta obra y que la describen a la perfección: “Basil Hallward es lo que creo que soy, lord Henry es lo que el mundo cree que soy, y Dorian es lo que me gustaría ser, quizá en otro momento”.

El retrato de Dorian Gray es una buena propuesta dentro de un género poco llevado al teatro que gustará a todo público que se acerque. Su próxima creación, Drácula, seguro que tampoco defrauda.

Dorian Gray es un joven aristócrata muy atractivo que, tras desear que su retrato envejezca en lugar de él, se embarca en una vida de excesos y decadencia. Mientras Dorian permanece eternamente joven, su retrato refleja los efectos de sus actos inmorales, convirtiéndose en el espejo de su alma corrompida.

Sonia López

Más teatro

• Cine, música y pensamiento crítico se darán cita en Madrid en Cine Doré, La Casa Encendida y Espacio Fundación Telefónica

• La programación incluye las reinterpretaciones sonoras de ‘El fantasma de la libertad’ y ‘Alicia en el país de las maravillas’, a cargo de Santoral y Sanspok

Festival Retina, festival de cine y música, llega la próxima semana a Madrid después de haber iniciado su novena edición en Barcelona, donde las primeras sesiones, celebradas los días 28 y 30 de enero, contaron con una muy buena acogida por parte del público. Este arranque ha confirmado el interés por un formato singular, que propone nuevas bandas sonoras creadas por músicos contemporáneos e interpretadas durante la proyección de películas, generando una experiencia audiovisual única.

Tras este inicio en Barcelona, Retina continúa su recorrido en Madrid, donde celebrará su programación los días 13 y 14 de febrero en tres espacios de referencia para la exhibición cinematográfica, la creación contemporánea y el pensamiento cultural: el Cine Doré, sede de la Filmoteca Española; La Casa Encendida; y el Espacio Fundación Telefónica.

El universo de Buñuel en diálogo con la música del presente

La programación madrileña se abrirá el viernes 13 de febrero en el Cine Doré con El fantasma de la libertad, una de las películas más singulares de la filmografía de Luis Buñuel y una obra fundamental del cine español del siglo XX. La proyección contará con una nueva banda sonora creada por Santoral, proyecto formado por Elvira L. Vallés y Alberto Solobera.

Esta propuesta se estrenó en Zaragoza en ediciones anteriores del festival, donde se convirtió en una de las sesiones con mejor respuesta de público. Tras ese recorrido y su consolidación dentro del universo Retina, la reinterpretación sonora viaja ahora a Madrid, reforzando la apuesta del festival por dar continuidad a aquellas producciones que han generado un mayor interés entre los espectadores.

La música de Santoral interpretada en directo sobre la proyección establece un diálogo con el universo surrealista, fragmentado y crítico de Buñuel, introduciendo nuevas capas de lectura sin alterar el espíritu original de la obra y transformando la proyección en una experiencia audiovisual singular. La entrada para esta sesión será gratuita, aunque será necesario reservar invitación. Las entradas para esta sesión del festival estarán disponibles tres días antes del evento, a partir de las 17:00 horas.

Nostalgia y creación contemporánea para todos los públicos

La programación en Madrid se completa el sábado 14 de febrero en La Casa Encendida con Alicia en el país de las maravillas (1951), en una sesión concebida para todos los públicos. La película contará con una nueva banda sonora compuesta por Sanspok, que acompaña la proyección con una aproximación musical contemporánea al clásico de animación.

Esta propuesta refuerza la vocación del festival de generar nuevos públicos y de conectar distintas generaciones a través del cine y la música, ofreciendo una experiencia compartida que pone en valor el carácter atemporal de la obra.

Un espacio para (re)pensar la relación entre música y audiovisual

Además de su programación de cine y música, Retina incorpora en Madrid la sección FORO, concebida como un espacio de reflexión y diálogo en torno a la relación entre música y audiovisual. Esta línea responde a uno de los objetivos del festival: generar pensamiento crítico y compartir miradas sobre los procesos creativos contemporáneos.

El sábado 14 de febrero, el Espacio Fundación Telefónica acogerá la conversación Música y series: «Furia», centrada en las particularidades de la composición musical para series y en el papel de la tecnología en estos procesos. El encuentro contará con la participación de Félix Sabroso, creador de la serie; Aitor Etxebarria, autor de su banda sonora; y estará moderado por la podcaster María del Castillo, responsable de Foley, el podcast de cine y música producido por Retina. La entrada es gratuita con reserva de invitación.

Un festival que produce nuevas lecturas sonoras

Uno de los rasgos que definen Retina es su apuesta por la creación contemporánea. Las propuestas de su segmento principal de programación, PLAY, parten de encargos específicos del festival a músicos actuales, que componen nuevas bandas sonoras concebidas expresamente para dialogar con cada película desde el sonido y que después interpretarán en directo sobre la proyección de los filmes.

Este cruce entre imágenes ampliamente reconocidas y lenguajes musicales del presente permite al público reencontrarse con grandes iconos del cine desde una perspectiva renovada. El sonido no acompaña, sino que introduce matices, tensiones y nuevas lecturas, convirtiendo cada sesión en una experiencia singular. La música interpretada en directo transforma la proyección en un acontecimiento irrepetible.

Zaragoza concentra los estrenos absolutos

La edición de Retina en Zaragoza se celebrará del 23 de febrero al 8 de marzo de 2026 y afianzará la situación de la ciudad como núcleo creativo del festival. Zaragoza acogerá los estrenos absolutos de la mayoría de las producciones de esta novena edición, consolidándose como el punto de partida de los proyectos impulsados por Retina. La programación se desarrollará en el Teatro del Mercado y CaixaForum Zaragoza.

La propuesta incluirá la reinterpretación sonora de Dos tontos muy tontos (Peter y Bobby Farrelly, 1994), con música original de Gilipojazz, y de Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), a cargo de Niña Coyote Eta Chico Tornado, que dialogará desde el rock con el universo salvaje y grotesco de la película.

La programación continuará con una nueva lectura musical de Verano 1993 (Carla Simón, 2017), para la que Ixeya han compuesto una banda sonora original, y con Alicia en el país de las maravillas (1951), en una versión con música interpretada en directo por Sanspok.

Zaragoza acogerá además el estreno absoluto de Un año, una noche (Isaki Lacuesta, 2022), con nueva banda sonora de Fantasma Sur, proyecto en cuyas filas se encuentra el propio director de la película, y una reinterpretación sonora de Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), a cargo de Zabala. La programación se completa con Kirikú y la bruja (Michel Ocelot, 1998), que regresa al festival tras la excelente acogida obtenida en la edición anterior, nuevamente con música en directo de Rosin de Palo. Kirikú y la bruja y Alicia en el país de las maravillas son propuestas aptas para que el público familiar pueda disfrutar también de Retina.

Una reflexión compartida entre cine, música y público

Más allá de su programación, Retina 2026 propone una reflexión sobre la relación entre sonido e imagen y sobre la experiencia colectiva del cine. En un contexto marcado por el consumo acelerado, el festival reivindica la escucha, el tiempo compartido y la atención como valores culturales.

La edición de 2026 confirma la consolidación de un proyecto que ha crecido junto a su público y que amplía ahora su formato sin perder su raíz. Las entradas para los distintos eventos de Retina 2026 pueden adquirirse desde la web del festival.

Más información: www.festivalretina.com

NP

Don Juan Tenorio es un personaje destructor y monstruoso que daña todo lo que toca y todo lo que quiere. Para él, solo es importante los triunfos y las gestas; lo demás no vale nada. Así, hemos seguido su paso a lo largo de la historia, inspirada su figura en un personaje real (don Juan de Mañara), además de vivir sus conquistas y sus distintos finales. Hasta que llegamos a la versión de José Zorrilla, quizá la más famosa, que nos cuenta cómo este individuo apuesta todo a sus conquistas y juega con la vida de las personas como si de títeres se trataran. Hasta que, en este camino a los infiernos, se encuentra a una joven doña Inés que será la que le de paso a las puertas del amor cambiando su destino para siempre.

En esta versión, interpretada y adaptada por el ya citado Urién, se resume toda la obra en una hora mientras se introducen gags cómicos muy acertados a lo largo de la representación. Es un monólogo arriesgado que sabe llegar al espectador actual y al público fiel a esta creación que es seña de identidad de nuestro teatro. De esta manera, se asiste a fragmentos completos del trabajo original mientras que se anima al público a participar, incluso subiéndole al escenario, y se explican, en tono cómico, muchas de las cosas, desde visiones psicológicas de los personajes hasta escenografías, que plasmó el vallisoletano en su drama más famoso.

Si bien, al principio, para un neófito en los espectáculos de Urién, ya que tiene otros trabajos de este estilo (véase como ejemplo ‘Bodas de Sangre’ o ‘Romeo y Julieta’) es difícil comprender lo que se está viendo en escena. Se ve una introducción tan cómica que parece broma y que no va a respetar el alma que todo clásico tiene. Pero, una vez avanzados esos primeros minutos, uno se da cuenta lo cuidado que está el texto y que todo se representa a la perfección bajo el velo de la comedia que siempre es bien recibida.

Todo el peso del montaje cae sobre la figura de un solo hombre. Héctor Urién hace un trabajo perfecto que va desde la broma más burda hasta diálogos del clásico, haciendo los dos personajes en escena, que llegan a poner los pelos de punta. Así que un sobresaliente, con algún fallito que otro, para este actor que se merece una gran ovación por su trabajo.

Respecto a las cuestiones técnicas, la corriente minimalista es la reina. Dos sillas de corte tradicional y poco más visten el escenario además del trabajo de luces realizado por Teresa Carrillo.

El Tenorio en 59 minutos es una propuesta actual y encantadora de la que sales con una sonrisa dibujada en el rostro. Y eso, en los tiempos que corren, es más que un lujo. Sigan a Urién en sus trabajos hasta que vuelva, con esta obra y a este mismo teatro, en el mes de las flores y las verbenas.

El Tenorio en 59 minutos condensa el clásico de Zorrilla en un viaje directo y vibrante, con humor, emoción y complicidad con el público.

Sonia López

Más teatro

Luz de gas narra la vida matrimonial de los Manningham, un matrimonio joven que se ha trasladado a una nueva casa para seguir con su cómoda y apacible vida en común. O eso aparentan porque, de un tiempo a esta parte, la señora de la casa ha empezado a perder la cabeza. Nada está en su sitio y cree que las luces pierden intensidad cuando nadie más ve las cosas que ella relata. Su marido se desquicia cada vez más y piensa que el camino de su esposa es una institución mental. Todo se precipita cuando se descubre que nada es lo que parece, gracias a una investigación policial, y que la maldad tiene unas raíces tan profundas que pueden llegar al fondo del alma humana.

Este trabajo es fiel a la idea original aunque con ciertas actualizaciones que hacen la obra más actual y completa. De hecho, lo que cuenta esta creación es algo que hizo sufrir a muchas mujeres en la historia (véase como ejemplo otras narraciones como ‘El papel pintado amarillo’ de Charlotte Perkins o ‘Rebeca’ de Daphne du Maurier) y, que a día de hoy, también se da como una esquirla más de la sombra tan alargada del maltrato que sigue, por desgracia, muy vivo en la actualidad.

Esta propuesta se levanta gracias al trabajo grupal de la Compañía Luz de gas. Es un trabajo coral, incluido el de la ya citada Cuadrado, que dirige y actúa en la obra, que hace que todo funcione como un engranaje perfecto. Todos están en su justa medida, si bien, como dicen algunas críticas que yo misma suscribo, el único defecto es el de la potencia vocal. Es necesario algo más de volumen a la hora de declamar para que todo el mundo pueda conocer los diálogos a la perfección. Nada que no se pueda mejor en las próximas funciones.

De ellos, destaca el trabajo de Casandra Ferrández como la señora Manningham. Sabe perfectamente mostrar el estado de nervios de alguien que piensa que ha caído en la locura con solo la expresión de su rostro. Y eso, hoy en día, es de agradecer. El resto del elenco es el siguiente: Gerard Jiménez, Elisa Martí y Miryam González.

En cuanto al trabajo técnico, la escenografía muestra una casa decimonónica tipo en un resultado sutil al igual que el trabajo de luces y vestuario. Correctos sin más, realizado por Neus Matarredona.

Luz de gas es una apuesta por un teatro bien hecho que reflexiona y hace reflexionar al que lo ve con un giro inesperado en más de un momento. ¿Qué más se puede pedir?

En la tensa Europa de entreguerras, el matrimonio Manningham se mudó hace poco más de un mes a una preciosa casa londinense. A determinadas horas de la noche y ante la ausencia de su marido, la señora Manningham advierte que las luces de su casa parecen cambiar, al tiempo que unos extraños ruidos la atormentan. Una inspectora de policía intenta desentrañar un oscuro secreto mientras ella pierde poco a poco la cabeza, presa de sus delirios… ¿O no?

Sonia López

Más teatro

Leaving the dream formó parte, el pasado verano, de la XIII edición del Festival Experimental de Teatro Clásico clasicOFF. En un Londres de 1989, Daniel Day-Lewis abandona la función de Hamlet, rompe a llorar y nunca vuelve a subirse a un escenario. A partir de este momento-incidente, dos intérpretes se embarcan en una investigación que mezcla archivo, vivencia personal y mitología teatral para trazar un puente entre Hamlet y La vida es sueño. Indaga con humor y audacia en los límites entre realidad y ficción, actor y personaje, y cuestiona qué quiere decir “ser uno mismo” cuando el teatro habita en cada gesto y cada máscara que portamos, entre otros muchos aciertos.

I’m Art (estoy harta) comenzaba la temporada en septiembre, dentro del Ciclo Imparables. En esta pieza, se toma como referencia a Artemisia Gentileschi para convertir el cansancio —personal, histórico y artístico— en motor creativo, cuestionando cómo se construyen los relatos sobre las mujeres en el arte y quién los sostiene, los sigue heredando o empieza a cuestionarlos.

Y ahora, los viernes de enero y febrero, tenemos la ocasión de descubrir Bua, es que Nina soy yo literal, en la que dos actrices atraviesan La gaviota de Chéjov desde la autoficción, el humor y la crisis de los treinta, poniendo en primer plano la fe en una misma, el desencanto y la necesidad de encontrar sentido en un presente incierto. La Mamona aquí destaca por su cercanía, su humor y su crítica constante, planteada de una manera directa y sin complejos.

Amparo Marí, Borja Rodríguez y Violeta del Campo componen un puzle que se agradece mucho ver, tanto por su precisión como por su capacidad de escucha mutua. El engranaje funciona, aunque a veces falte algo de ritmo entre escenas. Resulta inevitable destacar el trabajo de ellas: Marí y del Campo sostienen la carga emocional y discursiva, transitando con soltura entre la vulnerabilidad, la ironía y la exposición sin red.

La obra se va construyendo desde un lenguaje reconocible, plagado de referencias cotidianas y citas chejovianas, un pensamiento acelerado y una oralidad muy actual con la que conecto de forma inmediata. No hay voluntad de pulir en exceso el discurso: el desorden, la contradicción y la hipérbole forman parte del propio relato. En ese sentido, Bua, es que Nina soy yo literal se instala en la pregunta constante, en la incertidumbre compartida y en la risa como mecanismo de visibilidad y abrazo.

La puesta en escena vuelve a recurrir, como en sus propuestas anteriores, al uso de imágenes audiovisuales proyectadas a modo de telón de fondo. Un recurso que no solo acompaña y documenta, sino que dialoga con lo que sucede y que funciona fantasiosamente bien, ampliando el imaginario sin imponerse sobre él. A esto se suma una escenografía deliberadamente híbrida, donde conviven en absoluta igualdad de condiciones un premio Max y unas toallitas desmaquillantes del Mercadona. Precisamente, esa convivencia resume su espíritu: lo prestigioso y lo cotidiano, lo aspiracional y lo banal, compartiendo espacio sin jerarquías. Y ¡qué bien!

Me cuesta mucho comprimir en pocas palabras lo imperdible que me parece esta obra y esta compañía. Hay tantos momentitos excelentes, como la llamada de teléfono en directo, los dardos que se lanzan con nombres propios sin verlos venir, las dudas compartidas, las exigencias autoimpuestas o el nivel de presión social, que no podría solo destacar uno.

La pieza se engancha a personajes de Chéjov —Nina, Trigorin, Tréplev, Irina y la mismísima Gaviota— para anclarlos sin esfuerzo en nosotras, en el ahora, en este presente que parece sobrepasarnos. Desde ese lugar honesto, se articula una propuesta que se mueve entre la autoficción generacional, la comedia incómoda y la radiografía emocional de una identidad en permanente contradicción. Para ello, se sirve de puntos clave muy reconocibles, desde los que aborda diversas problemáticas. Y no hace falta nada más, porque ya lo tenemos: sobrevivir en el teatro off, esperar la llamada del director de moda o agonizar artísticamente mientras el éxito se lo llevan otras. La identificación es inmediata y ahí reside gran parte de la potencia del espectáculo. ¿A quién no le ha pasado? ¡Si también soy yo literal!

Partiendo de La Gaviota de Chéjov, dos actrices reflexionan escénicamente sobre la fe, qué es ser actriz, el sacrificio, la crisis de los treinta y la insatisfacción, a través de la mirada de Nina, Trigorin, Trèplev, Irina y de la mismísima Gaviota. Un clásico, un poco de autoficción, mucha autoestima y poca pasta. ¿Puede ser más Off?

Amanda H C

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En la obra, la guerra irrumpe sin eclipsar la textura íntima de lo cotidiano. La compañía Proyecto 43-2, con Alba Muñoz, Pablo Rodríguez y María San Miguel en escena, convoca los recuerdos del conflicto, pero los entrelaza con escenas del día a día granadino: las conversaciones domésticas, los gestos mínimos, la respiración de un pueblo que seguía vivo mientras su historia se fracturaba…. Y desde ahí, Lorca aparece no solo como víctima de un asesinato, sino como individuo concreto, atravesado por afectos, dudas y deseos, y, al mismo tiempo, como artista en plena ebullición creativa. La pieza acierta al situarlo en ese doble plano —humano y poético, reivindicando su singularidad, sin desligarla de un recorrido artístico que, precisamente por nacer de la experiencia vivida, continúa interpelándonos con gran vigencia.

Otro de los aciertos más claros es la manera en que las mujeres coetáneas a Federico cobran vida en el escenario. No se trata de una reivindicación complaciente ni de un gesto de corrección política superficial; están presentes como parte intrínseca y vital de la historia del poeta y, por extensión, de la nuestra. La obra las coloca en el lugar que ocuparon, con su fuerza, sus dudas y sus contradicciones, sin exagerar ni minimizar su papel, reconociendo que su presencia fue determinante en la vida del poeta y en la construcción del entorno cultural de su tiempo.

Federico. No hay olvido, ni sueño: carne viva no se limita a relatar hechos; plantea interrogantes que necesitamos hacernos con más frecuencia y profundidad. Se cuestiona, por ejemplo, la violencia ejercida sobre los cuerpos de las mujeres, ofreciendo un espejo que nos obliga a mirar tanto al pasado como al ahora. Al mismo tiempo, interroga sobre nuestra manera de enfrentarnos, como sociedad, a los descubrimientos de los cuerpos enterrados, a las huellas que la historia deja en carne y recuerdo. Y a la impunidad que aún permanece intacta.

Esta obra ha sido posible gracias a un minucioso rastreo de voces testimoniales, como la de Pepito del Amor, que permiten reconstruir la historia desde quienes la vivieron. A ese testimonio se suman documentos, libros, fotografías y objetos del pasado que se incorporan no como decorado, sino como encajes vivos de memoria. Y, sobre todo, se atreve a llamar a lo que pasó por su nombre propio: la violencia, la represión, la injusticia, sin rodeos ni eufemismos. Bravo por este ejercicio de precisión histórica y emocional.

Un paso más

Además del montaje, podemos visitar su podcast, una producción sonora documental y artística vinculada a la pieza. Nacido de un riguroso proceso de investigación iniciado en mayo de 2023 por María San Miguel, el proyecto articula más de 20 horas de entrevistas, materiales de archivo y testimonios en torno a la figura de Federico García Lorca, el silencio histórico que rodea su asesinato y las huellas de lo que pasó. La serie, concebida para situarse entre la ficción sonora y el periodismo de investigación, recoge voces de la Vega de Granada, familiares de víctimas del golpe de Estado y la Guerra Civil, equipos científicos implicados en exhumaciones y expertas/os en memoria histórica, con aportaciones que exploran el silencio, la violencia, los relatos orales y las ficciones instaladas en torno a la vida y muerte del poeta. La producción consta de cinco capítulos que profundizan en estos temas y contextualizan los contenidos y el enfoque del espectáculo teatral del mismo nombre.

Una vez que te acercas a Federico, te das cuenta de que todo el mundo ha mentido, ha llenado los huecos y ha ocultado información de manera interesada.

Amanda H C

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La autora, directora e intérprete Carolina África construye un solo escénico que funciona como un bululú moderno; un único cuerpo-personaje que se fragmenta en múltiples voces, tiempos y recuerdos. La dramaturgia se construye no solo con un texto formidable, sino también con objetos, danza y recursos al detalle que configuran una puesta singular y tierna, con un diseño de iluminación, sonido, escenografía y vestuario cuidados hasta para casi abrazarnos.

La intimidad de varias generaciones se desliza por la escena como un hilo secreto que alguien, con paciencia de artesana, hubiese ido bordando a lo largo de los años. Esos hilos se tensan y se aflojan dentro de un solo cuerpo: el de Carolina África, que se convierte en ovilladora de todo un linaje. Su presencia prepara y da a luz a madres, abuelas, hermanos, novios, ausencias y sombras que parecen haber estado ahí desde el principio, sobre el escenario, esperando a que alguien les avisase para salir. Hay algo profundamente delicado en ese tránsito: cada gesto, cada giro de voz, cada objeto manipulado funciona como una pequeña puerta temporal que nos permite asomarnos a un instante recóndito, a un recodo emocional que la actriz explora con mimo, sin prisa.

La conexión con Bodas de sangre aparece aquí despojada del trágico destino lorquiano: no hay cuchillos ni luna inquisidora, pero sí un viaje por las raíces, por los impulsos que atraviesan a una familia cuando el amor, el miedo, el abuso o la pérdida dejan huellas que perduran. Pero en lugar de la fatalidad, África nos ofrece una constelación de memorias, una sucesión de álbumes familiares que desfilan ante nuestros ojos como si alguien pasara las páginas con suavidad, permitiéndonos escuchar hasta el crujido de cada fotografía al ser evocada. Ese recorrido –emocional, muy sensorial y, sobre todo, visceral y literario–, desemboca inevitablemente en su propio presente, donde la creadora se atreve a compartir vivencias de una gran crudeza. Entre ellas, el relato de su primer parto, un trance tan salvaje como luminoso, en el que la vida y la muerte se rozaron peligrosamente. Es en ese umbral, precisamente, donde la obra encuentra su latido más profundo, en la valentía de transformar la vulnerabilidad extrema en un acto de comunión escénica.

En el tramo final, la función se abre a una celebración compartida. La protagonista revive su boda y la escena se convierte en un ritual comunitario donde el público deja de ser testigo para convertirse en invitado, llamado a participar de una alegría que se reconstruye con humor, cercanía y una honestidad muy contagiosa. Se celebra no solo el matrimonio, sino todo aquello que nos sostiene cuando compartimos la vida.

Y al salir, queda la sensación de haber asistido a una experiencia bellísima. Para mí, esta es una obra que reconforta y te salva de lo que necesites, que te cuenta una historia como cuando nos narraban cuentos en la infancia, en voz baja, con luz cálida y con la certeza de que, pese a todo, la vida continúa su curso con una terquedad preciosa. Y una solo puede agradecer que eso pase, en la ficción y en la realidad, hasta que la muerte nos llegue.

¿Puede un costurero ser una madre? ¿Un padre, unos zapatos? ¿Un novio, una chaqueta? ¿Un fantasma, un pañuelo azul? Una mujer se prepara para pasar por el altar. En los instantes previos a este proceso ritual le asaltarán recuerdos y fantasmas del pasado, dudas y anhelos del futuro. Un viaje emocional donde se darán cita personajes trascendentales de su historia: familiares, amigos, muertos y vivos, encarnados por objetos que dialogarán con la protagonista en un recital interpretativo multigénero. Cuestionar el sentido del casamiento hoy en día, bucear en las razones que nos llevan a festejar una unión, confrontar y hacer balance de la vida para exprimirla antes de que sea demasiado tarde. La realidad y la ficción, la cordura y el delirio, el tiempo y el espacio se dilatarán y contraerán en una historia alocada, conmovedora, divertida y profunda. Desnudar el alma mientras se adorna el cuerpo de la NOVIA para la ceremonia iniciática que está a punto de celebrar con todos los espectadores. ¿Nos acompañas?

Amanda H C

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Solarpunk, el amor como acto político

La compañía Hernández & Fernández ha inaugurado la Temporada Verde con Solarpunk, una pieza que, desde su primera escena, deja claro que la distopía también puede ser un arma cargada de humor ácido y de realidad compleja. Inspirada en hechos reales —algo que hace aún más alarmante su premisa—, parte de una idea que parece imposible, aunque quisiera resonar con fuerza: la privatización de la luz solar. Desde ahí, se despliega un universo donde el poder juega a oscuras, las fake news se convierten en aliadas del capitalismo energético y las redes sociales dictan la temperatura social del mundo. Todo ello con una estética que oscila entre la comedia contemporánea, la sátira política y una ciencia ficción abiertamente conspiranoica e inquietante.

Lo más estimulante del montaje es su capacidad para reírse de la catástrofe sin banalizarla. Se evita la fábula moralizante y se apuesta por la inteligencia emocional del público. Veo una construcción de personajes que cargan con la burocracia, la ansiedad climática y la sobreinformación digital como quien arrastra un ventilador roto en plena ola de calor veraniega: con resignación, pero también con cierta forma rara de… ¿esperanza? La dramaturgia de Ruth Rubio encuentra su fuerza en esas fricciones: en la intimidad de seres que, atrapados entre la saturación y el desconcierto, siguen buscando una rendija de luz que no haya sido aún patentada.

Bajo la dirección de Mario Hernández, se apuesta por un ritmo ágil, casi cinematográfico, que permite que la sátira avance sin tropiezos y que cada escena conviva con una reflexión más profunda y que las capas se vayan viendo sin temor.

El reparto —Natalia Cobos Chapman, Sara Mata, Pilar Gómez y José Fernández— despliega un trabajo coral de gran precisión. Juntos conforman un ecosistema interpretativo, digno de una obra que dialoga con la tradición de la sátira política, pero también con la inquietud contemporánea por lo ecológico y lo digital.

No es casual que el texto de Ruth Rubio, premiado con el 34º Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela, sea el núcleo estructural de este montaje. Rubio construye un engranaje dramatúrgico que combina humor, delirio y pensamiento crítico que respira ficción y realidad y cuya mezcla, nada aleatoria, se agradece mucho para sorprender al patio de butacas.

Debemos recordar que las ficciones siguen siendo una herramienta esencial para comprender el mundo. Y por ello, la obra subraya la importancia de los relatos que se transmiten entre generaciones, esas pequeñas mitologías domésticas capaces de ordenar el caos y dar sentido a lo que se nos escapa. Aquí se hace a través del cuento de Juanito Carambola, una narración dentro de la narración, que actúa como brújula emocional y como recordatorio de que toda resistencia, contra el miedo, contra el poder, contra la oscuridad, etc., empieza contando una historia.

Solarpunk imagina futuros sostenibles desde la conciencia del colapso, pero sin renunciar a la risa ni al extrañamiento; es una distopía que brilla desde dentro, aunque el mundo que retrata esté siempre a punto de quedarse a oscuras.

¿Qué pasaría si la luz del sol dejara de ser un bien común y pasara a estar privatizada? En un mundo demasiado parecido al nuestro, un grupo de personajes se enfrenta a la mercantilización de lo más esencial: la energía, la verdad y hasta la esperanza. Todo el país está a oscuras y se recupera económicamente gracias a esta estrategia, respaldada por el gobierno con el impuesto al sol. Sin embargo, Rosa Olivares, una ministra tránsfuga, decide reunirse con Úrsula, una de las integrantes de la Red Roja. Un equipo compuesto por escritores de ciencia ficción cuyo propósito es el de diseñar los escenarios de los conflictos futuros. Lo que Rosa no sospecha, es que Úrsula ya ha comenzado su propia batalla y que pretende tumbar al imperio energético con un relato tan radical como un dato: un cuento para niños que lo explica todo.

Amanda H C

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Adrián Salzedo y Pitu Manubens, un acierto rotundo

La gran revelación de esta producción es, sin duda, Adrián Salzedo en el exigente papel de Jean Valjean. Encarar a uno de los personajes más complejos del teatro musical —un hombre marcado por el desamparo, la culpa, la redención y el amor— no es tarea sencilla, pero Salzedo lo hace con una madurez sorprendente. Sobre el escenario, irradia firmeza y serenidad, moviéndose con una seguridad que acompaña cada una de las transformaciones emocionales del protagonista. Su poderosa voz no solo impresiona por técnica, sino por la capacidad de transmitir la profunda compasión que define a Valjean y esa búsqueda incesante de perdón. El resultado es un trabajo noble, exquisito y cargado de emoción; una interpretación que, sin duda, marcará un antes y un después en su trayectoria y que lo consagra ya como un nombre imposible de olvidar en el panorama teatral.

Mano a mano, Pitu Manubens irrumpe como un Javert de enorme impacto, capaz de imponer autoridad desde el primer minuto, gracias a una grandiosa voz que otorga al personaje el peso dramático que la historia exige. Su interpretación invita a profundizar en las contradicciones internas del inspector, mostrando a un hombre rígido, obsesionado por la justicia y, al mismo tiempo, trágicamente vulnerable ante su propio destino. Es una sorpresa maravillosa encontrarse con un actor que comprende tan bien la encrucijada moral de Javert y la transita con tanta dignidad. Además, la química escénica con Adrián Salzedo es incuestionable: juntos construyen un duelo interpretativo que eleva el musical y confirma que esta dupla ha sido un acierto rotundo.

La actuación magnética de Xavi Melero como Thénardier

Si Los miserables necesita un respiro entre tanta tragedia, Xavi Melero lo proporciona con una brillantez fuera de lo común. Su interpretación de Thénardier es un espectáculo dentro del espectáculo: impecable, llena de matices y con ese toque ácido y pícaro que convierte cada una de sus apariciones en un soplo de aire fresco. Melero domina el humor con una precisión quirúrgica y, a la vez, ofrece un retrato tan humano como desvergonzado del amo del mesón.

Es un actor tan completo que, aun rodeado de una producción monumental, consigue atraer todas las miradas desde el primer instante y convertir a Thénardier en una pieza imprescindible del engranaje artístico del musical. Bravísimo, me faltan las palabras para expresar lo mucho que me entusiasmó su trabajo.

Un despliegue escenográfico que devuelve la magia al teatro

En esta producción de Los miserables, hay un regalo que el público llevaba tiempo esperando: una escenografía real, construida, palpable, que transforma el escenario en múltiples paisajes sin recurrir a proyecciones artificiales de IA, ni fondos digitales sin alma. Es un lujo ver cómo el trabajo conjunto de escenografía, luces y sonido alcanza una calidad tan alta, capaz de envolvernos por completo y potenciar cada momento de la historia. El diseño escénico es grandioso, lleno de detalles y soluciones creativas que dialogan con las interpretaciones para hacer que el relato respire cercanía y diálogo. Bajo la dirección de Víctor Conde, todas las piezas se coordinan en una armonía vibrante y se sitúan, sin duda, entre lo mejor que ahora mismo ofrece la cartelera madrileña, marcando un listón altísimo y, de momento, absolutamente insuperable.

Como broche final, aunque estos nombres anteriores brillen con luz propia, el resto del elenco es esencial para que este musical resulte tan disfrutable. Quique Niza, por ejemplo, ofrece un Marius distinguido, sensible y muy bien construido, aportando una versión que suma mucho al conjunto.

La única nota menos favorable recae en la dirección de los personajes femeninos, que en esta ocasión parece perder fuerza: ni Cosette ni Fantine logran destacar, algo inusual en esta obra. Sí lo hace Elsa Ruiz Monleón, que deleita con su Éponine de manera cálida y atrayente. Quizás la energía poderosa del elenco masculino termina por engullir la presencia de estos personajes, un aspecto que merecería atención y cuidado en futuras adaptaciones. Aun así, el resultado global es sobresaliente.

Un musical que no deja de sorprender durante sus casi 3 horas, emocionante y absolutamente recomendable.

Los Miserables sigue la historia de Jean Valjean, un exconvicto que busca redimirse tras salir de prisión. Perseguido incansablemente por el inspector Javert, Valjean reconstruye su vida mientras cuida a Cosette, la hija de Fantine, una mujer explotada por la pobreza. En el contexto de la Francia postrevolucionaria, los destinos de Valjean, Cosette y otros personajes se entrelazan con el levantamiento de jóvenes idealistas en las barricadas. La obra aborda temas como la justicia, el sacrificio y la esperanza, con partitura de Boublil y Schönberg, que incluye canciones como Soñé una vida, Solo para mí, Sálvalo, La canción del pueblo, Sale el sol y muchas más.

Amanda H C

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