Sandra Serrano dirige y adapta esta versión que prosigue con lo que otros ya habían construido. Así mismo, se respeta el espíritu de la novela original (véase por ejemplo el hecho de resaltar el carácter epistolar de la misma) a la vez que se mezcla con otros trabajos como es el caso del film de Coppola de 1992. Incluso atreviéndose a meter elementos humorísticos en una creación que, por simple definición, tenía que moverse en el género del terror. Tarea harto difícil sobre las tablas de un escenario y que se consiguió pocas veces (véase la escena de baile entre Mina, el Conde y Jonathan).

El resto se sustenta en un trabajo coral de varios actores y actrices. A saber: Pablo Remiseiro (Jonathan Harker), Jesús Ortega (Conde Drácula), María Díaz (Mina), Sofía Cocola (Lucy), Guillermo Gil (Van Helsing) y Antonio Niro (Quincey Morris).

Si bien se trabajaron cosas como el rechazo al diferente de una sociedad victoriana hipócrita que está presente en el relato y que mucha gente no conoce; me gustaría que, alguna vez, dejaran de lado la frivolidad y personajes como el de la pobre Lucy se mostraran desde otra perspectiva a la que nos tienen acostumbrados.

Compañía invitada en este teatro y que pronto volverá a abrir la puertas del castillo del Conde para todo aquel que desee entrar. Eso sí, “dejando la felicidad que trae consigo fuera”.

Sonia López

Más teatro

Golpe a golpe, verso a verso revisa, principalmente, la vida de Antonio Machado. Para ello, bajo la dirección de Paco Gámez y José Velasco, comenzamos la acción siendo testigos del trágico exilio que sufre la familia. Desde ese punto, y partiendo de “esos días azules, este sol de la infancia”, asistimos a todas las vivencias del poeta haciendo hincapié en tres de ellas. A saber: su paso por París, el amor hacia Leonor y el que profesó hacia Pilar de Valderrama (alias Guiomar). Todo ello unido a reflexiones sobre la relación con su hermano, sus ideas políticas y el reflejo de una personalidad muy característica reflejada en fotografías y sus propias obras.

También, por mostrar otro hecho, es relevante destacar que hayan iluminado el relato con un encuentro muy emotivo como fue el que tuvieron Lorca y el propio Machado compartiendo confidencias personales y poemas; algo que fue precioso de ver y que gustará a todo tipo de público que se acerque a la obra.

Todo ello hecho con un cariño y mimo especial que hace de este trabajo algo excepcional a pesar de ser un personaje que está en el imaginario de todos. Novedades de gran calidad que se unen a otras propuestas, incluso en otros formatos, como es el caso del documental que le dedicó Laura Hojman en 2020. Y todo ello es señal de que nada puedo acallar la figura del escritor sevillano.

Mención especial, para mi gusto, el espacio que se otorga a Manuel. Siempre se le ha situado en el lado incorrecto, como si fuera reflejo de la guerra civil que vivieron, aunque aquí se explica que es lo que de verdad pasó como otros autores lo han hecho de otras formas; véase la obra de Carles Esquembre con Los Machado.

La musicalización de los poemas que hizo Serrat, que tanto ayudó a que los conocieran el común de los mortales, resuena con fuerza y hace que la obra se convierta en un musical con los tiempos medidos y con una sublime delicadeza digan de ser resaltada. Especialmente emotivas fueron la representación de “A un olmo seco” con la mirada de una fantasmal Leonor siempre presente, “La saeta” y ese final con todo el público cantando “Cantares”.

Esta creación tan ecléctica se sustenta en el trabajo coral de un grupo de actores, cantantes y actrices que encarnan a la perfección sus roles incluso, con la dificultad añadida, de interpretar a distintos personajes sobre la escena. Estos son los siguientes: Ismael Serrano (en la piel de un Machado que pone los pelos de punta de lo real que es), Cristina de Inza (realizando varios personajes entre los que destaca Guiomar), Laura Porras (en un perfecto trabajo encarnando a Leonor) y Alberto Berzal entre otros. Una gran maquinaria que funciona a la perfección.

En cuanto a los aspectos técnicos, todo se mueve en la corriente minimalista de los últimos tiempos aunque se ajusta bien a la historia de que se cuenta sobre el escenario. Todo en su justa medida, como se puede ver el vestuario creado por Teyuna Acosta que sirve de ejemplo para lo que se comenta.

Golpe a golpe, verso a verso es una obra exquisita que nadie, que sea sensible a estos temas, se puede perder. En el Teatro Infanta Isabel hasta el 28 de junio. No se lo pierdan.

Usando como motor de la trama las canciones de Serrat, está concebido como un viaje emocional por la memoria de Machado, su familia y la historia del siglo XX. Una propuesta que pone en diálogo los versos del poeta con las canciones del célebre disco que Joan Manuel Serrat le dedicó: “Cantares”, “La saeta”, “A un Olmo Seco”, etc. Canciones que cobran vida en directo gracias a la interpretación del reconocido cantautor Ismael Serrano, protagonista de esta puesta en escena, en una nueva producción de Okapi Producciones en una codirección entre José Velasco y Paco Gámez Okapi consolida una línea de trabajo centrada en la recuperación y actualización de las grandes voces poéticas del siglo XX español, tras el éxito de Lorca por Saura y Para la libertad, reconocidos por público y crítica. Con una puesta en escena sensible y un cuidado trabajo actoral, el montaje propone un recorrido por una vida marcada por la intimidad, el compromiso y el exilio.

Sonia López

Teatro Infanta Isabel

Más teatro

La compañía madrileña Sibila BAB Teatro presenta La Teoría de la Abuela, escrita por Laura Auzmendi y dirigida por Irene Herrero, con un elenco formado por Carmen Mayordomo, Inma Isla, Berta Álvaro y la propia Laura Auzmendi. La obra es una comedia intergeneracional que combina humor y reflexión, invitando al espectador a acompañar a las protagonistas en momentos de ruptura, decisiones laborales y desafíos personales, todo con sensibilidad y agudeza.

El estreno en El Umbral de Primavera los días 18 y 19 de junio marca un paso significativo para la compañía, llevando la obra al centro de Madrid tras varias funciones en centros culturales de la Comunidad. La obra establece un diálogo entre generaciones y plantea cuestiones universales sobre maternidad, cuidados, deseos y transformación personal. “Queremos que el público se acerque a los personajes con cercanía y salga con ganas de hablar sobre su propia vida y la de quienes le rodean”, afirma Irene Herrero.

La escritura de Auzmendi se distingue por su frescura, naturalidad y sentido del humor, capaz de revelar con sutileza las aristas de la rutina cotidiana. La química y la intuición del elenco compuesto por Carmen Mayordomo, Inma Isla, Berta Álvaro y la propia Auzmendi crean un flujo constante entre comedia y reflexión, mientras la dirección de Irene Herrero articula con un dispositivo capaz de contener la luz de la comedia y las sombras que genera la presión sobre las mujeres.

Historias que habitan cuerpos y barrios

Las historias de La Teoría de la Abuela recorren las vidas de cuatro mujeres y el barrio que habitan, que podría ser cualquiera de una ciudad mediana o grande. Las calles, los pequeños comercios, los locales turísticos y las viviendas especulativas reflejan la gentrificación, la pérdida de redes de apoyo y la dificultad de acceso a la vivienda para los jóvenes. La obra establece una metáfora entre los cuerpos y los barrios: ambos son espacios de cuidados y memoria, que resisten frente al avance del capitalismo y la homogeneización cultural.

Ella atraviesa un momento de cambios tras la ruptura con quien creía tener un futuro prometedor. Una nueva ausencia y una nueva presencia enfrentan a Maricarmen a una situación sin precedentes. Mientras tanto, Lola debe tomar decisiones ante la transformación del barrio y Marina, su última compañera, ha dejado el trabajo de repente. El tiempo acecha y, en medio de la incertidumbre y la contradicción, surgen preguntas: ¿Cómo se construye el miedo? ¿Cómo se destruye? ¿Me hago mayor? ¿Se nota? Algunas veces la vida se desordena y hay cambios que nos afectan a todas.

El elenco demuestra cómo se puede equilibrar humor y profundidad. El sonido y la música se convierten en narradores adicionales, creando atmósferas que acompañan la historia. “La obra demuestra que se puede hacer comedia con perspectiva de género sin minimizar la experiencia vital de las mujeres”, apunta Laura Auzmendi.

Un último capítulo para un espacio histórico

El estreno en El Umbral de Primavera adquiere un valor añadido: la sala, reconocida por su papel en la escena ‘off’ madrileña, cerrará en 2027 tras más de una década de actividad. Para la compañía, representar su obra en este espacio es un honor y una oportunidad de conectar con un público urbano en un entorno cargado de historia, formación y experimentación escénica.

Una compañía comprometida con el teatro social

Sibila BAB Teatro, fundada en 2024 por Laura Auzmendi y Berta Álvaro, apuesta por un teatro comprometido con la acción social, la igualdad, la accesibilidad y la sostenibilidad. Proyectos anteriores como Actopatía (Teatro Luchana, 2024) y cortometrajes como Buena Cara combinan reflexión social, ironía y comedia desde una perspectiva de género e intergeneracional. “La creación de esta obra nos ha permitido abordar una temática que normalmente permanece silenciada y hacerlo con rigor, humor y sensibilidad”, asegura Berta Álvaro, productora y actriz de la compañía.

NP

Después de ese sueño, llegó el deseo de coreografiar La consagración de la primavera de Stravinsky. Y todo se unió para el estreno absoluto de SACRESIZE, un ballet de personas gordas, para “celebrar mi cuerpo en una verbena con otros cuerpos grandes, enormes, robustos, anchos, expandidos, blandos. Hermosos”.

Así es como Esperanza Guardado, Juanki Fernández, Carlota Ferrer, Jack Gómez, Fiona Orioli, Lucia Palacios, Vicki Schmidt y Alberto Velasco aparecen en la Sala Negra de los Teatros del Canal. La propuesta está concebida con dolor y sensibilidad, pero sin pedir permiso ni perdón. A medida que la mirada se detiene en cada intérprete, se van revelando matices que enriquecen el conjunto y ponen de manifiesto trabajos individuales muy notables, pequeñas conquistas que merecen ser celebradas y que sostuvieron buena parte de mi interés.

Sin embargo, cuando la atención se desplaza del individuo al grupo, surge cierto desequilibrio. Velasco ejerce una presencia magnética y constante, como si el resto tratara de acompasarse a él en cada movimiento. No se trata tanto de una cuestión de protagonismo como de cohesión y entiendo que todavía parece haber algo por afinar para que el colectivo se perciba como un organismo ensamblado, con una energía compartida y una dirección común. Es evidente el disfrute de Velasco, su entrega contagiosa y su convicción en la propuesta. En el resto del elenco, en cambio, esa misma sensación no siempre alcanza la misma intensidad. Quizás sea precisamente ahí donde esta pieza tiene todavía margen para crecer; en encontrar un pulso colectivo capaz de convertir las valiosas singularidades en una verdadera exploración de la gorditud en conjunto.

Tras una hora de función, llega el final. Un final de los que cada vez se ven menos. No porque cierre la obra (que lo hace), sino porque, sobre todo, la abre. Abre preguntas, heridas, memorias y muchas conversaciones pendientes. SACRESIZE encuentra en sus últimos minutos una potencia difícil de sacudirse. Es probable que muchos espectadores y espectadoras recordemos ese desenlace durante mucho tiempo. Hay en él una voluntad de habitar el presente con todas sus consecuencias, de sostener la mirada sin apartarse cuando esta se vuelve incómoda. El escenario deja de ser únicamente un lugar de representación para convertirse en un espacio de confrontación, donde la violencia de las miradas normativas regresa amplificada hacia quien la ejerce.

Amanda H C

La desconquista, bajo la dramaturgia de Álvaro Tato, habla de la historia en mayúsculas y de la interior de cada persona en este mundo en el que nos ha tocado vivir. Así, situándonos en pleno siglo XVI, conocemos las vivencias de Marino Fulano, Fray Pío y Hernán Galán al encontrarse en una falúa improvisada después de un naufragio funesto. Los tres, muy distintos entre sí, tienen un objetivo común: llegar al nuevo mundo para empezar de cero consiguiendo, en una nueva tierra, todos los sueños que en su patria no han podido cumplir.

Estos tres personajes, dirigidos por Yayo Cáceres, nos sumergen en sus vidas contando el por qué de su viaje a la vez que nos hacen participes del mismo. De esta manera, nos acercamos a lo que ocurrió aunque “el resto sea historia o, mejor dicho, leyenda”. Incluso abordando temas espinosos en la actualidad con elegancia y sin perder un ápice de arte en todo lo que se muestra sobre las tablas. No en vano, la crónica de Indias ha sido la base de su creación.

Todo ello acompañado de humor, crítica, canciones en directo e interpretación coral sublimes que se han convertido en marca de la casa de una compañía que lleva 30 años dando caña con el mejor teatro que se puede ver estos días en la cartelera. Y es que hay mucho espíritu de Monty Python e Yllana en esta obra. Destacando canciones humorísticas como “Pica que pica” y “Una higa para ti” o sentimentales ejemplarizadas en la “Nana de Felipe II”.

Además de trabajar con todo esto, la experiencia en el montaje es de corte tradicional, al utilizar recursos manuales que recuerdan a los que se usaban en los corrales de comedias; haciendo la experiencia más inmersiva.

Un punto a destacar de todo el montaje, que brilla durante toda la representación sin encontrar un “pero”, es el hecho de romper la cuarta pared e introducir al espectador; al igual que el buen saber de convertir una obra clásica y en verso en algo muy actual que gusta a todo tipo de público. Contando temas muy importantes como es la historia de la mujer en el Siglo de Oro donde muchas destacaron, pero a pocas se les dio el lugar que merecían en la historia y en su propia existencia.

Así, se muestra una creación maestra que funciona gracias al trabajo coral de un grupo de actores que lo dan todo, literalmente, en el escenario. Sus nombres son: Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana, Daniel Rovalher y, en las últimas funciones, Joserra Arredondo. Todos realizan una actuación brutal y espléndida que hace que espectador y espectadora disfrute a cada momento de lo que se ve en escena.

En cuanto a los aspectos técnicos, realizados por Tatiana de Sarabia y la misma compañía, destacan el vestuario y la escenografía. Del primero, como de todo lo demás, tengo que decir que está muy bien trabajado y cuidado. En especial, me ha encantado el detalle de que todos los personajes lleven ropas en las que están presentes los mapas utilizados en navegación.

En cuanto a la escenografía, destaca la escena en la que aparecen los dioses precolombinos en la historia de Fray Pío. Genial es todo lo que se puede decir de ese tramo de este trabajo en el que todo funciona a la perfección.

En definitiva, La desconquista es una maravilla teatral, clásica y actual que hará las delicias de todas las personas que se acerquen a verla. Un teatro entero de pie aplaudiendo varios minutos todos los días no se puede equivocar nunca.

Finales del siglo XVI. A bordo de una barca a la deriva, tres náufragos reman para alcanzar las costas del Nuevo Mundo. El capitán Hernán Galán busca la gloria, el marino Fulano busca el oro, el misionero fray Pío busca almas para la fe. Los tres vivirán mil peripecias y desventuras en alta mar y en costas desconocidas para descubrir que nadie es quien dice ser y nada es como parece. Y descubriendo el Nuevo Mundo quizá se descubran a sí mismos…

Sonia López

Ron Lalá

Teatro Infanta Isabel

Más teatro

La propuesta cuenta con la autoría de Sergio Martínez Vila, a partir de la novela de Greta García. La dirección de Alberto Velasco nos sitúa ante un dispositivo escénico casi desnudo, en el que la palabra y el cuerpo cargan con todo el peso del relato. Y desde ahí, déjate llevar.

Con Olalla Hernández, este monólogo posee una extraña y cautivadora forma de vida, en la que su presencia nos interpela sin pedir permiso. Gracias a ella, vemos a Pili, una bailarina atrapada entre la pulsión de seguir danzando y la crudeza de una realidad que la desborda. Para acercarnos este personaje, que está cumpliendo treinta años de cárcel por un acto terrorista, la actriz sostiene una intensidad que no concede tregua y que convierte la palabra en un filo que corta y quema. Además, por momentos, la convención teatral desaparece y la sensación es que ya no hay patio de butacas, solo una habitación cerrada en la que estamos a solas con ella, asistiendo a algo que sucede en presente absoluto y nos atraviesa por igual.

Pili aparece atravesada por una furia sostenida, por un hartazgo que no es abstracto sino perfectamente reconocible: el de un sistema que aprieta y asfixia y que lo hace con especial dureza en el ámbito artístico. Hasta ahí, un diagnóstico compartido, generacional se podría decir. Sin embargo, lo relevante en la obra no es solo esa rabia, sino la clarividencia con la que se orienta. La conciencia de saber hacia dónde dirigir esa desesperación se convierte en uno de los ejes fundamentales. La decisión que toma Pili es una forma de posicionamiento, de combate, de resistencia que transforma la rabia en gesto político. Y es precisamente esa elección la que impide mirar hacia otro lado.

En paralelo, hay una pregunta que asoma casi de la nada para cubrirlo todo: “¿De verdad soy responsable al 100% de mis actos?”. Desde ahí, se abre su agujero negro, el punto de gravedad desde el que todo empieza a orbitar. El discurso se pliega hacia esa duda, el movimiento coreográfico encuentra en ella su impulso y la interpretación se imanta a ese núcleo de incertidumbre moral y culpabilizador.

Por ello, me parece que ese punto clave vertebra también la dirección. Se percibe que Alberto Velasco ha ido diseccionando escena por escena con una mirada quirúrgica, pero inquieta. Su propuesta nos permite ver y estar con Pili en un presente casi tangible, pero al mismo tiempo abre fisuras por las que se cuelan su pasado y su futuro. Vemos todo su recorrido vital porque hay una construcción del tiempo escénico especialmente lúcida, que no se impone, sino que se deja habitar.

Una obra imprescindible por su intensidad y su honestidad. Amarga, furiosa y hecha a la medida de una bailarina con la fuerza suficiente para danzar en cualquier espacio, incluso en uno con rejas.

¿Cómo acaba una bailarina cumpliendo treinta años de cárcel por acto terrorista? Pili solo quería bailar, pero jarta de batallar en la precariedad de los que luchan por vivir del arte, un día llega a su límite y decide hacer algo. Su rabia no va en contra, solamente, de la administración pública y sus trabas burocráticas. No va en contra de su padre castrador, ni tampoco es una venganza hacia sus profesores de baile. Es un acto kamikaze de amor por parte de alguien que siempre ha carecido de él.

Amanda H C

Teatro del Barrio

Más teatro

Mattis G. de la Fuente ha creado y dirige una adaptación libre de Tío Vania de Anton Chéjov, en la que un grupo de actores y actrices de doblaje de ambiente tiene el encargo de poner el sonido de fondo a una versión de esa mítica obra. Además, la pieza se centra de principio a fin en las palabras de Sonia, el personaje que promete a Vania que descansarán, pero no dice cuándo ni cómo se hace. Así que, esta compañía hace una propuesta para ello.

La puesta en escena de Sonia dice que descansaremos se articula, ante todo, como un ejercicio de escucha: más que una obra sostenida por la fisicidad de cuerpos interpretando y declamando intensamente a Chéjov otra vez más, lo que se despliega es un espacio acústico que el público completa en tantos imaginarios como butacas. Y no es casual que el dispositivo escénico se desplace hacia lo sonoro como materia principal. En ese sentido, la función aparece orquestada por un maestro de ceremonias, Kevin Dornan, que no solo firma el diseño de sonido, sino que se mueve con una energía a través de la que sabemos se lo está pasando pipa en su misión de guiar al público por ese paisaje invisible que, poco a poco, se va materializando en una única imaginación compartida.

El elenco —Sergio Boyarizo, Javi Díaz, Kevin Dornan, Tony Galán, Nuria Gil, María Lobillo, Cristina Marín-Miró, Mario Patrón, Julia Rubio y Ana Veganzones— se muestra divertido y disfrutón, entregado a un aire sesentero (culpa gozosa del vestuario de Claudia Bernabé, junto a la escenografía) que no solo los vuelve especialmente atractivos y atractivas, sino que además los impulsa a moverse y a bailar con una soltura casi profesional. Desde ese tono, nos arrastran a un “ahora” de incógnito que, si al principio parece no tener demasiado sentido, en el desarrollo y en el desenlace tampoco termina de encontrarlo. Pero eso deja de importarnos pronto: hay una complicidad que se impone y hace que aceptemos el juego sin resistencia, siguiéndoles la corriente con gusto.

Importantísima también la labor de iluminación de Pau Duvide, que sorprende y logra retenernos y deslumbrar con un trabajo cuidadísimo, depurado y perfectamente destilado de adornos innecesarios.

Os estaréis preguntando qué clase de descanso puede ser este una tarde de domingo. Para ello, hay que llegar a la segunda hora (de tres) de función y descubrir su misterio. Sin querer desvelar nada, diré que esta parte central no logró conectar conmigo y terminó por fracturar en exceso la continuidad de la acción. Entendí el detonante y el discurso en torno a la pausa que propone, pero no logré aferrarme ni integrarlo del todo en la experiencia.

Por fin, la última hora de función, una apertura casi infinita hacia el público y con algo de reposo para el elenco. Si ya en la anterior, se nos permite hacer, literalmente, lo que nos dé la gana, esta última entrega resulta hipnótica. Lo que en un inicio podría parecer un gesto provocador o incluso anecdótico, se transforma aquí en el verdadero núcleo de la propuesta: una cesión radical de Tío Vania, una fe sostenida gracias a una invitación clara a los ecos (pasado), a la acción de nuestros cuerpos en escena (presente) y a tomar el control de la pieza desde el asiento (futuro), incluso hasta desbordarla. En todos estos gestos, hay algo profundamente incómodo y, al mismo tiempo, liberador y relajante.

El descanso sin ser paréntesis. El descanso para convertirse en el campo de pruebas. Que descanse quien necesite descansar.

Amanda H C

Nave 73

Más teatro

1984 cuenta la historia de una sociedad que vive en un régimen totalitario en el que nada es lo que parece ser. Sus ciudadanos viven vigilados de manera perpetua por cámaras y otros medios personificados en la figura de “el gran hermano” o “el hermano mayor ”. Si alguien decide vivir de manera diferente a lo establecido, será eliminado.

Winston Smith, protagonista de esta historia, comienza a escribir sus vivencias mientras descubre el amor y se interesa por otros caminos posibles aunque sean peligrosos. Para descubrir que todo es mentira y que no se puede escapar del sistema.

Este mensaje, tan impactante y actual, fue escrito en género narrativo por George Orwell en los años posteriores a las grandes guerras del pasado. Es un texto que araña y retuerce por dentro. Algo que esta nueva versión realizada por Javier Sánchez y Carlos Martínez también logra con creces.

Bajo la dirección del citado Martínez, cuatro actores representan esta trama bastante fiel al original sin ningún “pero” al respecto. Y es que, una vuelta de tuerca era innecesaria por la perfección de la materia prima y seguir sirviendo como revulsivo frente a una sociedad controlada por redes sociales y con un futuro incierto.

Así, es una obra coral en la que intervienen David Lázaro, Javier Ruiz de Alegría, Cristina Arranz y Javier Bermejo. Todos están impecables en su trabajo; si bien destaca David Lázaro, que se pone en la piel de Winston Smith, sobre todo en las escenas relativas al sufrimiento en interrogatorios, además de Javier Bermejo que tiene el reto más grande; el de interpretar varios personajes, en un montaje de gran duración, solo cambiando alguna piezas de vestuario.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca el espacio escénico e iluminación creado por Javier Ruiz de Alegría. Con aciertos como las televisiones antiguas o una cama que puede llegar a ser cualquier cosa sobre el escenario como principales puntales del trabajo.

Todo un acierto, al igual que el vestuario, de la mano de Escorzo Teatro, con esos monos obreros, tan totalitarios y ochenteros, que tan bien casan con la historia.

1984 es una historia que habla del pasado, pero también del futuro, que sigue agitando a todo aquel que se atreva a entrar en su reino. Esperamos que siga girando por más teatros. Es algo necesario por la calidad del trabajo bien hecho y por un mensaje que no tiene que quedar en el olvido nunca.

Sonia López

Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

Más teatro

Este es un ejercicio teatral alejado de la ficción convencional. Sobre el escenario, Olmi no encarna un personaje, sino que se expone a sí mismo en una búsqueda identitaria que atraviesa su trayectoria vital y profesional. “Un hombre se para en un escenario. No está actuando. Vino a decir la verdad”, plantea la sinopsis del espectáculo.

Con más de cinco décadas de carrera en cine, teatro y televisión, el actor propone aquí un giro hacia lo autobiográfico, en un formato que combina humor, crudeza y reflexión. La pieza indaga en preguntas sobre la identidad, los vínculos, las heridas y la memoria, en un relato que —según el propio planteamiento escénico— aspira a ser tan personal como universal.

La presencia de Boy Olmi en Espacio Mistral se amplía con su participación en otra obra que lleva por título La heladería, en la que se invita al público a un viaje onírico y teatral, entre sabores y recuerdos, y donde el universo del helado de limón funciona como hilo conductor de una historia ligada a la memoria, el legado y la identidad.

Además, la programación argentina en Espacio Mistral se completa también en abril con Okasan. Diario de viaje de una madre, protagonizada por Carola Reyna. Se trata de otro unipersonal basado en el texto de la escritora Mori Ponsowy que narra el viaje de una mujer a Japón para reencontrarse con su hijo, en una experiencia marcada por el descubrimiento personal y la distancia emocional. Adaptado a escena por Paula Herrera Nóbile, con la colaboración de Sandra Durán, el montaje —estrenado con éxito en Argentina en 2023— propone un recorrido íntimo por los vínculos familiares y la transformación interior.

Con estas propuestas en cartel, hablamos con Boy Olmi para conocer más de cerca estos unipersonales y charlar un poco sobre su presente teatral.

Resalta mucho que, en la sinopsis de tu pieza, aparezca que en escena hay un hombre que no va a actuar. ¿Qué vamos a ver entonces, a qué viniste a Madrid?

Vas a ver a un hombre en el escenario diciendo absolutamente la verdad. Esa es la diferencia con la actuación convencional. En el teatro, tratamos de encontrar la verdad a través de un discurso poético que emula la verdad. Aquí, el discurso poético proviene de lo que yo he dicho después de años de trabajo, con una directora y dramaturga que me escuchó decir cosas de mi propia vida que son absolutamente ciertas. No hay una palabra en lo que digo en este espectáculo que no sea cierta, que no sea verdadera en términos ya no de la verdad recreada, sino de la verdad misma. Esto quiere decir que este espectáculo, unipersonal, en realidad es un experimento muy personal, en el que me pregunto sobre por qué yo soy el que soy y por qué cada uno de los espectadores que está en esa sala es quien es. Y por eso la gente queda muy movilizada, muy sorprendida, muy emocionada y divertida a la vez.

Tras 50 años de carrera, ¿no te da miedo que el público vea “al hombre detrás del actor”?

Sí, sí, pero al mismo tiempo, descubrí que eso era muy sanador y que detrás del actor no debe esconderse sino aparecer el hombre, que es el actor. Porque yo acabo no definiéndome como actor, sino como persona. Entonces, creo que nos hace mucho bien a todos descubrir que, más allá de las investiduras, las personalidades y los lugares que ocupamos en la sociedad, detrás de todo eso y sobre todo eso, somos personas. Y eso nos hermana de una forma muy tranquilizadora porque si no, no nos permitiríamos ver que somos parte de una especie en convivencia con otras y que a todos nosotros nos está pasando más o menos lo mismo.

¿En qué momento profesional y personal te encuentras ahora mismo para salir a escena y exponerte de esta manera?

Bueno, en los últimos 50 años no he parado de trabajar en cine, teatro y televisión. Y ahora, me encuentro haciendo algo que nunca hice en la vida, que me permite disfrutar de estar en el escenario de una manera superior a lo que he disfrutado siempre. Porque en este experimento, me encuentro conmigo mismo de una manera como en realidad uno persigue siempre cuando hace teatro y descubrí que por este camino he llegado mucho más hondamente a la esencia de mi persona y a la esencia de todos los espectadores.

¿Hay algo que no te atreviste a poner en la obra, pero que querías que el público imaginara?

Este unipersonal es muy verdadero en ese sentido y algunos momentos me costaron mucho, pero la directora y dramaturga Shumi Gauto me ayudó a demostrar que, si uno se atreve a decir lo que no se atreve a decir, se siente mucho más libre finalmente. 

Carola Reyna estará también este mes en la misma sala, repitiendo con ‘Okasan. Diario de viaje de una madre’. Cuéntame algo sobre esto.

Carola Reyna, mi mujer, es una actriz muy prestigiosa en la Argentina y elaboró este otro espectáculo unipersonal a modo de diario de viajes de una madre que sale de su país para a visitar a su hijo al Japón, donde vive desde hace tiempo. Es un viaje no solo a otra cultura, sino a reconocer que, entre madres y padres e hijos, de golpe, se produce una distancia totalmente necesaria y razonable que mueve muchas cosas. A veces, en el caso de esta obra, se ve en términos físicos del viaje que hay desde América del Sur hasta el Japón, pero que, en términos metafóricos, nos ocurre todo el tiempo. Esto es porque los hijos necesariamente tenemos que despegarnos de nuestros padres. Y eso genera un movimiento muy grande. Es un espectáculo precioso el de Carola.

Las funciones de estas 3 obras y más tendrán lugar en la sede de Espacio Mistral, ubicada en la zona de Puerta del Ángel, en Madrid, consolidando la presencia de propuestas teatrales contemporáneas e internacionales en la cartelera cultural de la ciudad.

Amanda H C

Más teatro

El anuncio ha llegado acompañado de un mensaje fiel al tono que la sala mantiene cotidianamente a través sus redes sociales. “Amigas, este proyecto de amor llega a su fin tras mucha lucha y tras muchos numeritos que no dan, porque somos de letras. En 2027, bajaremos el telón y echaremos el cierre. Mientras tanto y antes de llorarnos encima por lo vivido, disfrutemos de los momentos que nos quedan”. Lo han compartido en una story de Instagram, en una despedida que combina humor, precariedad asumida y una invitación a transitar colectivamente el tiempo que aún queda de actividad.

Ubicado en el número 11 de la calle Primavera, en pleno barrio de Lavapiés, el espacio se define como un “vivero diverso cultural” activo desde 2014, una etiqueta que resume bien su vocación de laboratorio para nuevas dramaturgias y lenguajes escénicos que, por desgracia, siguen sin tener cabida en circuitos más grandes y públicos.

Cultura independiente con nombre propio

Detrás del proyecto están sus gestoras Viviana López Doynel e Israel Giraldo (o como es habitual leer en sus stories “La Vivi y la otra”), figuras vinculadas a la creación y dinamización cultural que llevan sosteniendo durante años una programación coherente con la identidad del espacio. Su labor ha sido clave para consolidarlo como un punto de referencia dentro del tejido alternativo madrileño, apostando por la cercanía con las compañías y por un modelo de gestión independiente.

Actualmente, Viviana dirige la obra Hambre, programada dentro del XI Ciclo de Teatro Argentino, una iniciativa que sigue tendiendo puentes entre la escena madrileña y la dramaturgia latinoamericana. Además, la próxima semana llegará la sexta edición de [abril imaginario], una de las iniciativas más representativas vinculadas a la sala. Impulsado junto a la compañía [los números imaginarios], el ciclo funciona como un espacio de acompañamiento y exhibición de procesos de creación, en el que varias piezas emergentes se desarrollan a lo largo de meses para encontrarse finalmente con el público en abril. Concebido como un laboratorio colectivo, [abril imaginario] ha reivindicado desde sus inicios la necesidad de generar contextos de investigación, colaboración y tiempo para la escena contemporánea, al margen de las lógicas de producción convencionales.

Pequeño formato, gran impacto

El Umbral de Primavera es enclave único para la escena alternativa madrileña. Desde su apertura, la sala se consolidó como un espacio de pequeño formato con una programación ecléctica y con una cartelera permeable y en constante transformación.

Lejos de los grandes circuitos institucionales, apuesta por creadores y creadoras emergentes y propuestas de riesgo, funcionando como plataforma de exhibición para compañías independientes y como lugar de encuentro único entre artistas y público.

En estos años, han pasado por su escenario proyectos nacionales e internacionales, residencias de creación y muestras abiertas, entre otras muchas actividades, configurando una identidad ligada a la experimentación y a la permeabilidad disciplinar.

Un síntoma del ecosistema cultural

Este punto y final se suma a las dificultades estructurales que atraviesan los espacios independientes en Madrid: precariedad económica, presión inmobiliaria y falta de estabilidad para proyectos de largo recorrido.

Más allá de la desaparición física de la sala, su clausura dejará un vacío simbólico en el tejido cultural de Lavapiés, un barrio históricamente asociado a la diversidad artística y a la ebullición de iniciativas autogestionadas.

En 2027, se apagará uno de esos lugares donde la escena se piensa en presente y con la urgencia de lo vivo. Un umbral desde el que muchas creadoras y creadores dieron sus primeros pasos y en el que muchas hemos aplaudido en pie, celebrado la vida o pasado a saludar de vez en cuando.

Donaciones

Desde la web El Umbral de Primavera, han lanzado una campaña para recaudar donaciones para poder llegar al 2027. Se puede acceder directamente pinchando aquí. En su cuenta de Instagram, anuncian esta opción con una dedicatoria especial: «Todo sea por seguir un ratito más aunque lo anunciemos entre risas, que la gravedad no nos va pero nos tiene (más) locas. Amor al cubo. La Vivi y la otra. ».

Amanda H C

El Umbral de Primavera

Si quieres descubrir curiosidades de este arte, entender por qué los teatros no abren los lunes, cuántos ensayos necesita una obra o qué significa realmente un aplauso en pie, aquí tienes cinco claves imprescindibles para celebrar el Día Mundial del Teatro.

1. ¿Por qué los teatros no abren los lunes?

Si alguna vez has intentado comprar entradas para un lunes y no has encontrado función, no es casualidad. En la mayoría de los teatros, el lunes es el día de descanso oficial de las compañías.

La tradición viene del siglo XIX, cuando las funciones se concentraban de martes a domingo y el lunes se reservaba para desmontajes, mantenimiento técnico y descanso del elenco. En el ámbito laboral, además, los convenios colectivos del sector escénico consolidaron ese día como jornada de pausa obligatoria tras el intenso fin de semana.

En Broadway o en la cartelera madrileña, este patrón sigue vigente. Es una cuestión tanto de logística como de salud vocal y física de los y las intérpretes.

2. ¿Qué señala el elenco al finalizar la función durante los aplausos?

Ese gesto tan habitual en los saludos finales —cuando actores y actrices señalan hacia un lateral o hacia la cabina— no es un gesto improvisado. Es un reconocimiento explícito al equipo técnico.

Cuando el elenco apunta hacia arriba o hacia el fondo de la sala, está dedicando el aplauso al técnico/a de luces, sonido, maquinaria, utilería o regiduría. El teatro es un arte colectivo y el saludo final visibiliza que la función no termina en el escenario y que ha sido posible gracias al equipo de personas que son invisibles antes y durante la función.

En términos profesionales, este momento se llama “saludo” o “pase de aplausos”, y forma parte de la liturgia escénica. Sin iluminación, espacio sonoro ni coordinación técnica, la función simplemente no se podría llevar a cabo.

3. ¿Por qué 45 días de ensayo?

En el circuito profesional español, una producción estándar suele contar con 45 días de ensayos antes del estreno. La cifra responde a una cuestión práctica y económica: seis semanas y media permiten cubrir lectura de mesa, análisis dramatúrgico, marcaje escénico, construcción de personajes, pases técnicos y generales. Es un equilibrio entre trabajo artístico y viabilidad presupuestaria, aunque no siempre estos dos aspectos cuadran.

En grandes producciones musicales o montajes institucionales, el periodo puede ampliarse, mientras que en compañías independientes suele reducirse por limitaciones financieras.

4. Los avisos antes de empezar

Antes de que se levante el telón, existe una coreografía invisible de avisos. Para el público, es habitual escuchar por megafonía el clásico “La función va a comenzar, ocupen sus localidades” o el aviso de “quedan cinco minutos”.

Internamente, quien coordina toda esta parte es regiduría. El regidor o regidora —figura clave en la estructura técnica— comunica al elenco y a los departamentos: “Cinco minutos”, “tres minutos”, “en posición”, “prevenidos” o “¡A escena!”. Esta cadena de órdenes garantiza que luces, sonido y elenco entren en sincronía milimétrica.

5. ¿Por qué se aplaude de pie?

El aplauso en pie —standing ovation— es una forma de reconocimiento extraordinario. No es obligatorio ni protocolario: surge cuando el público percibe que ha asistido a una experiencia excepcional y expresa de esta forma que le ha encantado la obra. Es la manera que tenemos de agradecer o de comunicar al equipo de la obra nuestra felicitación máxima por el trabajo que acaban de realizar.

Históricamente, el gesto se consolidó en grandes teatros europeos del siglo XIX y después en Broadway, como señal de ovación máxima. Desde el punto de vista sociológico, implica un acto colectivo: cuando una parte significativa de la audiencia se pone en pie, se genera un efecto contagio. No todas las funciones lo reciben y, precisamente por eso, mantiene su valor simbólico.

Extra: ¿Cómo se aplaude en el mundo?

El aplauso no es universal en su forma. En algunos teatros de Europa Central, el público puede golpear el suelo con los pies en señal de aprobación. En Japón, los aplausos tienden a ser más contenidos y rítmicos. En ciertos contextos de ópera en Italia, el público puede gritar “¡Bravo!” o “¡Brava!” para distinguir género del intérprete. En Reino Unido, es habitual el “hip hip hooray” en espectáculos participativos. En espectáculos tradicionales chinos, el reconocimiento puede incluir vítores específicos según la disciplina artística.

Cada cultura codifica la emoción colectiva de manera distinta, pero en todos los casos el aplauso es un acto de agradecimiento entre escenario y platea que muestra una conexión.

Tras varios meses en marcha, nos acercamos el pasado domingo a ver Pulgarcito se ha cansado de crecer como persona, de Somos nadie compañía, un cuento para jóvenes adultos, lleno de drama y humor, con una dramaturgia que firma Luis Fernández Ruz, quien también se encarga de la dirección junto a Elba Airoa.

Esta es una obra con una historia de realidad (una compañía ensaya su próximo proyecto) y otra de ficción (Pulgarcito se acaba de independizar porque ya no aguanta más a sus padres), tan bien hilvanadas que la corriente del argumento te arrastra desde la primera escena, casi sin darte margen para tomar distancia. La transición entre ambos planos no solo es fluida, sino orgánica: lo autobiográfico y lo fabulador se contaminan, se espejan y se tensionan con una naturalidad dramática de elevado valor.

Por otro lado, el lenguaje audiovisual utilizado con la cámara en directo es, sencillamente, lógico y lleno de significado. Por fin en una obra veo que su presencia tiene un sentido escénico pleno y no secundario. La cámara y su proyección no están ahí como ornamento ni como guiño contemporáneo, sino como una extensión semántica del conflicto, que me hace recordar a lo que mi imaginación proyectaba cuando me contaban cuentos de pequeña.

El elenco formado por Elena Boreal, Ainhoa Hevia Uría, Lola Bejarano, Javier Arribas y Mario Saura funciona como un grupo de colegas a los que podríamos conocer: cercanos, reconocibles, sin impostación generacional. Se reparten el peso de la pieza con una fluidez admirable, cediéndose el foco y sosteniéndose mutuamente, lo que refuerza la sensación de comunidad que atraviesa el montaje. Cada uno aporta a las múltiples perspectivas que se muestran sobre lo que le ocurre al protagonista en cada historia, descomponiendo su experiencia en matices emocionales y discursivos que convierten al público en cómplice activo.

Del popular cuento se salta a la realidad y viceversa de manera constante, en un vaivén que no busca el contraste sino la fusión. Ambos planos se afectan, se contaminan y terminan por borrar cualquier frontera nítida entre lo imaginado y lo vivido, hasta el punto de que una ya no sabe —ni necesita saber— dónde termina uno y comienza el otro. Y eso me encantó. La ficción aparece como una ayuda extra, como un agarre emocional que permite decir lo que de otro modo resultaría insoportable; la realidad, en cambio, se despliega con todas sus aristas entre cada persona y personaje, revelando que crecer —o cansarse de hacerlo— es un proceso personal que puede conectar también con lo colectivo. Es en esa fricción donde la obra encuentra su verdad más poderosa y su cierre más honesto.

Dos historias que en realidad son la misma: una compañía emergente trata de ser vista por su profesión y Pulgarcito, el personaje de cuento, trata de demostrar que es más grande de lo que parece. Realidad y ficción se afectarán mutuamente en esta autoficción que emplea el teatro de objetos, la comedia y el lenguaje audiovisual para ahondar en las problemáticas actuales de la juventud y el uso que le damos a la ficción. Por otra parte, Pulgarcito sigue con su vida más allá del cuento que conocemos. También se acaba de independizar y trata de salir adelante en un Madrid actual repleto de otros personajes de cuento.

Amanda H C

Más teatro

La historia, de corte gótico victoriano, cuenta las vivencias de un joven llamado Dorian. Después de haber sufrido avatares en su infancia, se encuentra debutando en una sociedad puritana y muy hipócrita de la mano de dos personas muy diferentes: el pintor Basil Hallward y el aristócrata lord Henry Wotton. Así, sin verlo venir, entra en una espiral difícil de llevar con final aciago. Eso sí, conservando su juventud y belleza en todo el proceso gracias a un pacto maldito entre su retrato y el mismo.

Aunque es un relato inscrito en el imaginario del público, muchas son sus caras por descubrir. Así que esta compañía, bajo la dirección de Sandra Serrano, ha tomado el testigo y ha presentado una obra digna del original. Siendo muy difícil en teatro mostrar el terror que tiene en el ADN la creación de Wilde.

Así, se resumen en una creación de 80 minutos, bastante fiel al original, en la que no falta ningún detalle siendo digno de alabar. Sobre todo, destaca la originalidad del uso del baile y juego de sombras para enseñar ese lado oculto que tiene el señor Gray y que nadie quisiera conocer. Incluyendo temas que fueron censurados en su época y que hoy en día deben de ser nombrados.

Este trabajo de corte coral es de calidad ante un reto brutal. Destacan en el grupo el trabajo de Jesús Ortega y de Pablo Remiseiro. Uno en la piel de Dorian y otro en la de Basil; crean un tándem genial al que no le falta detalle. Incluyendo esa aureola de ingenuidad que tiene el protagonista al principio y que pronto se convierte en llamas por todos los vicios y las acciones que va cometiendo en su vida. El resto del equipo actoral son: Natxo Molinero, Antonio Niro, Sofía Cocola, José Márquez y Sandra Serrano entre otros.

En cuanto a los aspecto técnicos, la escenografía muestra un especio clásico con un elemento principal; el lienzo que muestra el retrato de Dorian, Correcta, sin nada más que añadir, aunque me gustó el detalle del cambio de color de las rosas del jarrón. Quizá, en este punto, se debería dar una vuelta de tuerca a algunos recursos, como elementos de sonido, que hicieran más creíble la parte maléfica del trato mefistofélico que hace el protagonista.

Aún así, se ven cumplidas las palabras que el mismo Wilde dejó sobre esta obra y que la describen a la perfección: “Basil Hallward es lo que creo que soy, lord Henry es lo que el mundo cree que soy, y Dorian es lo que me gustaría ser, quizá en otro momento”.

El retrato de Dorian Gray es una buena propuesta dentro de un género poco llevado al teatro que gustará a todo público que se acerque. Su próxima creación, Drácula, seguro que tampoco defrauda.

Dorian Gray es un joven aristócrata muy atractivo que, tras desear que su retrato envejezca en lugar de él, se embarca en una vida de excesos y decadencia. Mientras Dorian permanece eternamente joven, su retrato refleja los efectos de sus actos inmorales, convirtiéndose en el espejo de su alma corrompida.

Sonia López

Más teatro

• Cine, música y pensamiento crítico se darán cita en Madrid en Cine Doré, La Casa Encendida y Espacio Fundación Telefónica

• La programación incluye las reinterpretaciones sonoras de ‘El fantasma de la libertad’ y ‘Alicia en el país de las maravillas’, a cargo de Santoral y Sanspok

Festival Retina, festival de cine y música, llega la próxima semana a Madrid después de haber iniciado su novena edición en Barcelona, donde las primeras sesiones, celebradas los días 28 y 30 de enero, contaron con una muy buena acogida por parte del público. Este arranque ha confirmado el interés por un formato singular, que propone nuevas bandas sonoras creadas por músicos contemporáneos e interpretadas durante la proyección de películas, generando una experiencia audiovisual única.

Tras este inicio en Barcelona, Retina continúa su recorrido en Madrid, donde celebrará su programación los días 13 y 14 de febrero en tres espacios de referencia para la exhibición cinematográfica, la creación contemporánea y el pensamiento cultural: el Cine Doré, sede de la Filmoteca Española; La Casa Encendida; y el Espacio Fundación Telefónica.

El universo de Buñuel en diálogo con la música del presente

La programación madrileña se abrirá el viernes 13 de febrero en el Cine Doré con El fantasma de la libertad, una de las películas más singulares de la filmografía de Luis Buñuel y una obra fundamental del cine español del siglo XX. La proyección contará con una nueva banda sonora creada por Santoral, proyecto formado por Elvira L. Vallés y Alberto Solobera.

Esta propuesta se estrenó en Zaragoza en ediciones anteriores del festival, donde se convirtió en una de las sesiones con mejor respuesta de público. Tras ese recorrido y su consolidación dentro del universo Retina, la reinterpretación sonora viaja ahora a Madrid, reforzando la apuesta del festival por dar continuidad a aquellas producciones que han generado un mayor interés entre los espectadores.

La música de Santoral interpretada en directo sobre la proyección establece un diálogo con el universo surrealista, fragmentado y crítico de Buñuel, introduciendo nuevas capas de lectura sin alterar el espíritu original de la obra y transformando la proyección en una experiencia audiovisual singular. La entrada para esta sesión será gratuita, aunque será necesario reservar invitación. Las entradas para esta sesión del festival estarán disponibles tres días antes del evento, a partir de las 17:00 horas.

Nostalgia y creación contemporánea para todos los públicos

La programación en Madrid se completa el sábado 14 de febrero en La Casa Encendida con Alicia en el país de las maravillas (1951), en una sesión concebida para todos los públicos. La película contará con una nueva banda sonora compuesta por Sanspok, que acompaña la proyección con una aproximación musical contemporánea al clásico de animación.

Esta propuesta refuerza la vocación del festival de generar nuevos públicos y de conectar distintas generaciones a través del cine y la música, ofreciendo una experiencia compartida que pone en valor el carácter atemporal de la obra.

Un espacio para (re)pensar la relación entre música y audiovisual

Además de su programación de cine y música, Retina incorpora en Madrid la sección FORO, concebida como un espacio de reflexión y diálogo en torno a la relación entre música y audiovisual. Esta línea responde a uno de los objetivos del festival: generar pensamiento crítico y compartir miradas sobre los procesos creativos contemporáneos.

El sábado 14 de febrero, el Espacio Fundación Telefónica acogerá la conversación Música y series: «Furia», centrada en las particularidades de la composición musical para series y en el papel de la tecnología en estos procesos. El encuentro contará con la participación de Félix Sabroso, creador de la serie; Aitor Etxebarria, autor de su banda sonora; y estará moderado por la podcaster María del Castillo, responsable de Foley, el podcast de cine y música producido por Retina. La entrada es gratuita con reserva de invitación.

Un festival que produce nuevas lecturas sonoras

Uno de los rasgos que definen Retina es su apuesta por la creación contemporánea. Las propuestas de su segmento principal de programación, PLAY, parten de encargos específicos del festival a músicos actuales, que componen nuevas bandas sonoras concebidas expresamente para dialogar con cada película desde el sonido y que después interpretarán en directo sobre la proyección de los filmes.

Este cruce entre imágenes ampliamente reconocidas y lenguajes musicales del presente permite al público reencontrarse con grandes iconos del cine desde una perspectiva renovada. El sonido no acompaña, sino que introduce matices, tensiones y nuevas lecturas, convirtiendo cada sesión en una experiencia singular. La música interpretada en directo transforma la proyección en un acontecimiento irrepetible.

Zaragoza concentra los estrenos absolutos

La edición de Retina en Zaragoza se celebrará del 23 de febrero al 8 de marzo de 2026 y afianzará la situación de la ciudad como núcleo creativo del festival. Zaragoza acogerá los estrenos absolutos de la mayoría de las producciones de esta novena edición, consolidándose como el punto de partida de los proyectos impulsados por Retina. La programación se desarrollará en el Teatro del Mercado y CaixaForum Zaragoza.

La propuesta incluirá la reinterpretación sonora de Dos tontos muy tontos (Peter y Bobby Farrelly, 1994), con música original de Gilipojazz, y de Acción mutante (Álex de la Iglesia, 1993), a cargo de Niña Coyote Eta Chico Tornado, que dialogará desde el rock con el universo salvaje y grotesco de la película.

La programación continuará con una nueva lectura musical de Verano 1993 (Carla Simón, 2017), para la que Ixeya han compuesto una banda sonora original, y con Alicia en el país de las maravillas (1951), en una versión con música interpretada en directo por Sanspok.

Zaragoza acogerá además el estreno absoluto de Un año, una noche (Isaki Lacuesta, 2022), con nueva banda sonora de Fantasma Sur, proyecto en cuyas filas se encuentra el propio director de la película, y una reinterpretación sonora de Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), a cargo de Zabala. La programación se completa con Kirikú y la bruja (Michel Ocelot, 1998), que regresa al festival tras la excelente acogida obtenida en la edición anterior, nuevamente con música en directo de Rosin de Palo. Kirikú y la bruja y Alicia en el país de las maravillas son propuestas aptas para que el público familiar pueda disfrutar también de Retina.

Una reflexión compartida entre cine, música y público

Más allá de su programación, Retina 2026 propone una reflexión sobre la relación entre sonido e imagen y sobre la experiencia colectiva del cine. En un contexto marcado por el consumo acelerado, el festival reivindica la escucha, el tiempo compartido y la atención como valores culturales.

La edición de 2026 confirma la consolidación de un proyecto que ha crecido junto a su público y que amplía ahora su formato sin perder su raíz. Las entradas para los distintos eventos de Retina 2026 pueden adquirirse desde la web del festival.

Más información: www.festivalretina.com

NP