Muchos años de trayectoria profesional ratifican el buen hacer de este artista del alma y el pensamiento que, en la actualidad, acaba de presentar Cómo leer mentes; libro editado por Luciérnaga que mezcla la investigación con ejemplos prácticos de su oficio. Le preguntamos a Pablo sobre el mismo y nos explica que “alguna vez había pensado, coqueteado, con la idea de escribir un libro, pero no había surgido. De pronto, por unas circunstancias, aparecen varias propuestas editoriales y me decidí por Planeta Luciérnaga, un sello seguro en el que han publicado varios amigos como Manuel Carballal y Aldo Linares; quien está presente en este libro. Desde este punto de inicio, el texto se divide en dos partes: la primera de ellas versa sobre la historia del mentalismo desde el siglo XVIII y una segunda que trata sobre las médiums. Después hay técnicas de mentalismo y fragmentos de mi vida privada que enlazan todo ello”. De hecho, sobre esta última parte no se descarta que salgan nuevo proyectos ya iniciados bajo el nombre de “diario de un mentalista”. Solo hay que investigar para saber.

Además, sobre esta reciente publicación, añade que se puede utilizar como manual para adentrarse en este mundo y que se recomienda “no leerlo de principio a fin”. Es mejor viajar por los capítulos y meterse dentro de ellos. Este libro “está creado para eso”. En el mundo en el que vivimos, es bueno tomarse un tiempo y acercarse lentamente a la vida de un mentalista y conocer cómo se ha formado y cuáles son sus vías de conocimiento entre otras cuestiones. Porque todo esto no viene por influencia divina. Raijenstein asegura que “juega un poco a que sea un don, pero no lo es”. El misterio y lo oculto son propios de este arte en el que es mejor mostrar que hablar. Él mismo nos confiesa que “a nivel artístico, es mejor no comentar y que la gente se deje llevar”.

Seguimos hablando de estas cuestiones a la vez que nos preguntamos si la sobreexposición de los artistas en diversos canales está matando un poco la magia. Él piensa que sí, que tiende a desaparecer y que todo se acacha a cuestiones como la hipnosis o la PNL. Ante esto, nos confiesa que intenta ser “lo más ético y honesto posible”. Y trabajar duro en varios proyectos, como sus dos locales u otros espectáculos, sin la necesidad de vender humo como hacen otros. A la vez que no pierde ese gusto por la evocación romántica que nos lleva a pensar en espiritismo y en otros temas. Lo importante es descubrirlo por uno mismo.

Aparece en nuestra conversación El Médium, la nueva creación de Raijenstein que se va a poder ver desde el día 10 de octubre en el Teatro Victoria de Madrid hasta diciembre. En ella, se pretende revivir las sesiones espiritistas de otros tiempos, en una experiencia inmersiva en la que el público va estar muy presente. De hecho, la idea surgió en otro espectáculo en un anticuario, donde se terminaba con una sesión espiritista. En una ocasión, una chica que había pasado por el trauma de tener en la familia una muerte reciente, le dio las gracias porque lo que vio la ayudó a cerrar el ciclo.

Según Pablo, “ha vuelto la espiritualidad. Sigo a muchos médiums y he visto cómo trabajan. Salvo excepciones, hay muchos que han surgido al dolor de cuestiones como la pandemia”. Es un movimiento cíclico y, en cierta manera, delicado, ya que “es un elemento sagrado, un camino para cerrar el duelo, que está bien siempre que no se juegue o se engañe a las personas”. Esta obra propone “un símbolo”, un camino, con técnicas para que las personas tenga una experiencia más allá de las tablas del teatro. Algo que no es la primera vez que ha hecho, como se puede ver en sus propuestas desarrolladas en el Cementerio inglés de Madrid.

Sobre todo esto charlamos y dejamos claro que las obras de Raijenstein tienen ese gusto por el respeto a los de antaño que hacen que todo sea especial y diferente al resto de propuestas. Algo que se vuelve a repetir en este nuevo espectáculo. De hecho, él expresa que si cree en algo, lo va a reivindicar. Aunque caiga mal a sus colegas y a su propio gremio.

Obra y ficción nos plantean si el mentalista es un muy buen actor que se sube a un escenario. Ante ello, Pablo nos dice que “no. En teoría, el actor deja el uniforme de Hannibal Lecter en la puerta y no se va a comer a nadie por la calle. En cambio, el buen mentalista tiene que mantener el misterio siempre. Así que, con este espectáculo lo que pretendo es decirle a la gente: da igual que creas o no. Si tú vienes vas a experimentarlo, a vivirlo y a sentir el más allá”.

Un reto que se presenta ante su larga trayectoria y que pretende recuperar el ambiente de una antigua sesión, lejos de la frialdad de los tiempos que corren. Y ante ello, es inevitable echar un vistazo al pasado. Así que le preguntamos sobre cuál es el mentalista que le ha inspirado tiempo atrás y con es su referente actual. Ante esta cuestión Pablo nos comenta que “para mí, quien hizo que me dedicara al mundo del mentalismo fue Erik Hanussen; un mentalista judío que terminó asesinado por predecir un incendio. Es mi preferido”.

Sobre los referentes actuales, Pablo destaca Agustín Canolik. “En este mundo, nos conocemos todos y este chico encarna muy bien la figura del mentalista. Tiene mucho estilo y clase; ha llegado a lo más alto en Buenos Aires. Tengo que reconocer que le tengo algo de envidia”. Las risas inundan el espacio mientras se reconoce el trabajo de otros compañeros, algo poco habitual y que Raijenstein ha hecho otras veces invitando a otros mentalistas a sus locales en la calle Pez. Así se aleja de las envidias y de la parte negativa de este oficio.

La conversación sigue y hablamos de la preparación necesaria para enfrentar un espectáculo de este calibre. Él nos comenta que “tenía muy claro que iba a ser un nuevo universo de cosas y experiencias que voy a hacer”. Ante ello ha cambiado hasta la firma, como quien muda la piel, sabiendo que el riesgo existe, pero que, si algo va mal, solo hay que levantarse. “Nunca se me han caído los anillos”, afirma. “Va a ser una experiencia importante, necesaria, ya que no hay una figura de un médium que quiera jugar a serlo; lejos de la visión casposa que a veces tenemos”.

Lo que sí es cierto es que el público se va a sorprender mucho. La gente puede preguntarse qué es; a lo que Raijenstein responderá: “soy un espejo, lo que me gusta es reflejar lo que cada uno quiera creer”.

Para terminar, seguimos hablando de los locales que ha creado, con otros socios, en la calle Pez. Un lugar con mucho historia en la capital que ahora acoge a Medium club y Esotérica (número 18 y 30 de la referida calle). Espacios donde tomar cócteles de autor mientras se viven experiencias sobre tarot y otras cuestiones. Acompañadas de Arte, como son los cuadros de Margaret Modlin, y de otros objetos cargados de historia.

Sobre estos espacios, Pablo nos cuenta que son unos lugares vivos en los que siempre se puede disfrutar de algo nuevo. Por ejemplo, “para Halloween, vamos a invitar un mentalista de Barcelona que es Luis Pardo”; artista que ya ha estado invitado otra vez en este proyecto para trabajar con la hipnosis. Y es importante saber que “la gente que mejor entra en hipnosis es la que más imaginación tiene”.

Además de esto platos fuertes, se va incorporado un nuevo evento que son los dinner show en Esotérica. Serán todos los viernes y es el único sobre mentalismo en toda España. Donde se cena y se vive una experiencia brutal en la que tú eres el protagonista.

Llegados a este punto, nos despedimos de Pablo Raijenstein con la confianza de que el mentalismo está vivo en las calles de Madrid.

Sonia López

Más teatro

La Sala Lola Membrives del Teatro Lara se convierte en un Hades personificado, en un banquete de bodas para contarnos la historia de dos personajes de Bodas de sangre que tienen mucho que decirse mutuamente. Así, Leonardo y el novio es una obra original, un spin-off, que parte de lo dicho por Federico, pero con un planteamiento distinto y digno de admirar.

El público se convierte en invitado de una boda en la que la alegría se ha convertido en tragedia. Allí, sentados en la mesa presidencial, nos encontramos a Leonardo y al novio. Ellos despiertan de su letargo y quieren salir de ese purgatorio en el que se encuentran inversos irremediablemente. Para ello, deciden hablar y explicar lo que vivieron y por qué reaccionaron así. Cada uno, con su verdad, explica lo que pasó con la novia y dan razones al desenlace final. Todo ello respetando fragmentos del texto original, haciéndolo de tal manera que alguien que no sepa sobre que versa Bodas de Sangre pueda enterarse de todo. Incluso de los fragmentos más enigmáticos y simbólicos como son los que se dan entre “la mendiga” y “la luna”.

No se deja, en este camino que recorren juntos, ningún recoveco por tratar incluso temas tan espinosos como el carácter machista que se ha llegado a ver en el personaje del novio o el papel de la luna en toda esta creación. Y ser valiente trabajando con material lorquiano es de aplaudir desde el mismo inicio del montaje.

Con todo ello, nos enfrentamos a un recorrido circular que termina en un punto parecido al principio, pero dotando de una humanidad a unos personajes que antes no se había visto. Incluso aunque el novio siga sin tener nombre. Algo que se consigue haciéndoles más humanos con cuestiones como las riñas pueriles entre ellos o un maratón de tortazos por decir la palabra “amor”. Ese sentimiento que nos lleva a hacer locuras y que nos distorsiona de manera bella, pero que nosotros solemos dañar. Dinero, prejuicios, críticas a algo llamado honor y otras cuestiones son la ponzoña que ponemos y con las que matamos el motor de la vida. Ojalá que textos así nos rompan la mirada y aprendamos, por lo menos, a decir perdón como les pasa a estos protagonistas.

Y este viaje no sería posible sin el trabajo arduo y bello de dos actores sobre la escena. Estos son Daniel Rimón, en la piel del novio, y Nehuen Sánchez como Leonardo. Los dos se compenetran muy bien conociendo de manera perfecta a cada personaje. Implicando con su buen hacer a todo aquel que ande por allí; incluido el técnico de luces.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca el montaje escénico con esa mesa tan icónica en el recuerdo de cada uno. Además de la presencia de los papeles con fragmentos de laobra original, como si fueran recuerdos en la memoria, y ese elemento lumínico y circular que es la luna. Una pieza que nos lleva incluso al teatro de sombras.

Leonardo y el novio es una manera distinta de acercarse a la obra de Lorca que no defraudará a sus seguidores y que encantará a los neófitos en este mundo. La temporada para ellos se ha acabado, el novio y Leonardo tienen que descansar. Pero en verano del 27, ese número mágico para Federico, volverán a levantarse para contar de nuevo su historia. No se la pierdan.

Después de la muerte, en un espacio incierto —quizás un purgatorio, quizás un no-lugar—, Leonardo y el Novio, personajes de Bodas de sangre, se encuentran condenados a reconstruir lo sucedido. Ambos murieron. Ambos mataron. Y ahora deben enfrentarse a una pregunta que no cesa: ¿por qué? Atrapados en una memoria fragmentada, buscan limpiar, ordenar, dar sentido a aquello que los arrastró hacia un destino inevitable. No se trata solo de recordar, sino de depurar: separar el amor de la violencia, el deseo de la culpa, la verdad de las versiones que cada uno construyó. ¿Fue el amor lo que los llevó a la desgracia? ¿O fue aquello que el amor despierta cuando alcanza su punto más profundo, ese centro del que ya no se puede salir? En este territorio suspendido, Leonardo y el Novio buscan redención a través de la memoria: entender para poder soltar. Pero cuando las cosas llegan a su centro, ¿hay realmente algo que pueda arrancarlas?

Sonia López

Más teatro

Si buscamos en una enciclopedia, como acto anacrónico rebelde, la vida de Enrique VIII, lo que encontramos es un texto explicativo sobre su trayectoria. Así, se cuenta que nació en 1491 y murió en 1547, que fue rey por el fallecimiento de su hermano Arturo o que fundó la iglesia anglicana, entre otras muchas cosas. Pero, la mayor parte de las líneas están dedicadas a sus seis mujeres (a saber Catalina de Aragón, Ana Bolena, Jane Seymour, Ana de Cleves, Catalina Howard y Catalina Parr). Seis personas con su historia propia que es justo reclamar más allá del papel de esposas y madres. Y eso es lo que hace este musical.

SIX, dirigida por Lucy Moss, Jaime Armitage y Lindsay Mcallister, nos presenta a estas seis damas en un encuentro musical en el que se van a batir en un duelo. Cada una de ellas va a contar su historia mediante una canción y el público, como verdadero soberano, votará cuál es la mejor reina. Todo ello analizando su sufrimiento y dolor como indicadores en esta lucha que enfrenta a unas y otras. Y eso es lo que se ha venido haciendo en el pasado: hablar de las penas de cada una, de los celos y luchas por el amor de un Enrique preocupadísimo por la sucesión de la casa Tudor. Para ello no le va importar rechazar, abandonar, asesinar…todo es lícito en las manos de un hombre.

Tomamos como ejemplo a la primera, Catalina de Aragón. Hija de los Reyes Católicos, tuvo mala fortuna en los matrimonios. El primero falleció y terminó casada con su cuñado. Su “pecado” fue no darle a Enrique hijo varón y, desde ese momento, fue repudiada y confinada. Después de aguantar infidelidades y otros desplantes, al igual que su propia hija (la llamada, posteriormente, Bloody Mary). Nada justifica un acto así y menos por no haber tenido un hijo varón. Desde el punto de vista de la Historia, este era su semblante, pero ahora, las seis han venido a cantar las cuarenta a quien se atreva a colgarles ese sambenito.

De esta forma, juntas se dan cuenta de que el mejor sendero a seguir es la sororidad y que hay que empezar un nuevo camino de la mano. Dejando claro que ellas son las que tienen el mando de su destino. Y no un hombre, por muy rey de Inglaterra que sea.

Todo ello acompañado de un mensaje muy potente en todas las canciones con música en directo gracias a la dirección musical de Sofía Kherroubi y la banda formada por las damas de compañía de las reinas: Emma Weil (guitarra), Mónica Vicente (batería) e Iranzu García (bajo). De esta forma, la obra se convierte en un festival reivindicativo y fiestero en el que el público descubre la historia de estas mujeres y cambia la visión que de algunas de ellas tenían (véase el caso de la Bolena).

Propuestas así son el camino correcto para que las nuevas generaciones se acerquen al pasado, aprendan y tengan referentes. Así, desde estas humildes letras, damos las gracias a Daniel Anglès, Marc Gómez y Gara Roda por esta adaptación al español y, en definitiva, a todo el equipo por esta maravilla artística.

Pero sin las seis cantantes protagonistas nada de esto sería posible. Todas están perfectas en su papel y no hay un “pero” que pueda salir de nuestra boca en cuestiones como la afinación o la interpretación. Se nota la trayectoria a sus espaldas y el saber hacer de cada una de ellas con voces impecables sobre la escena. Son las siguientes: Clara Lanzani (como Catalina de Aragón), Udara Zubillaga (en la piel de Ana Bolena), Clara Rengel (como Juana Seymour), Liz Tatis (dando vida a Ana de Cleves), Arianna Galleti (como Catalina Howard) y Alba Egilo (en el papel de Catalina Parr).

En cuanto a aspectos técnicos, destaca el vestuario de la mano de Gabriella Slade, Victoria Acilu y Magalí Espíndola. Brillos, estética futurista y guerrera (con algún que otro toque clásico) hacen la combinación perfecta. Al igual que la escenografía, gracias al trabajo de Emma Bailey y Jaime Todd, con mucha potencia y presencia en el escenario, pero con ese guiño al gótico Tudor.

En definitiva, SIX, el musical es una revisión magnifica y necesaria de la Historia hecha con creatividad y muy buen trabajo. Tenía que ser obligatorio ir a verla. Ya era hora que alguien diera “caña” a este señor y hacerlo desde la unión y con buen ritmo en una fantástica fiesta. ¿Qué más se puede pedir?

Sonia López

Más teatro

El espectáculo está bien construido y cumple con lo que promete: una historia ligera, llena de personajes reconocibles y una puesta en escena que se mueve entre lo siniestro y lo divertido. Desde el patio de butacas, nos asomamos a un espacio casero lleno de vida interior, que no deja de bullir en sus dos horas y media de duración. Todo ello acompañado de canciones y coreografías que consiguen mantener vivo el espíritu de esta peculiar familia.

Elenco de primera

No es fácil reunir en una obra a un reparto principal con tan buena presencia y conexión para hacer escenas oscuras y de gusto tétrico y otras tan luminosas como cómicas. Natalia Millán, Javier Navares, Omar Calicchio, Amparo Saizar, Javier Canales, Javier Blázquez, Pepa Lucas, Javier Enguix y Juan Antonio Plazas lo dan todísimo en el escenario y se nota su buena sintonía, tanto que nos creeríamos que fuesen familia política. Especial atención a Cristina Picos, una Miércoles espléndida, excelentemente interpretada por su originalidad, que no resta protagonismo al resto mientras lleva el gran peso de la acción.

Pese a ello, en algunos momentos, la función queda algo sosa, especialmente cuando la trama pierde ritmo y el humor negro se convierte en un cadáver que cuesta resucitar. En varias escenas, le faltaría algo más de veneno, algún escalofrío adicional y, quizá, una dosis mayor de esa locura que convierte a los Addams en seres tan singulares y poderosamente llamativos. No llega a resultar mortalmente aburrida, pero tampoco nos vamos a casa con ninguna canción pegadiza en la cabeza, una lástima.

Aun así, es un montaje disfrutable y divertido. La ambientación, los personajes y el tono tenebroso consiguen regalarnos una velada entretenida, con suficientes canciones para que todo el elenco brille y un humor y pequeñas dosis de perversidad para pasar un buen rato.

Escenografía llena de vida

En contraste a esta gran familia que adora la muerte, su morada resulta estar de lo más viva. La escenografía es, sin duda, espectacular y se convierte en el auténtico corazón de esta pieza. La mansión es un laberinto lúgubre, retorcido y deliciosamente siniestro en el que cada rincón parece esconder un susto, un muerto más del árbol genealógico o alguna rara criatura. El decorado juega constantemente al escondite: una puerta se abre, un muro se desplaza y, de pronto, descubrimos una nueva estancia todavía más sorprendente que la anterior. Desde la butaca, permanecemos en un inquietante estado de alerta, esperando qué rincón de esta casa de pesadilla nos tocará habitar en la siguiente escena.

Una función llena de guiños a otras obras

La función contiene detalles en la dramaturgia que esconden alguna que otra referencia externa para el público más atento y empapado del circuito escénico. Son guiños discretos (otros muy directos) a otros trabajos teatrales y audiovisuales que aparecen sutilmente bien insertados y que, precisamente por eso, resulta tan excitante descubrir desde el patio de butacas. Atención a los gestos, a alguna frase icónica que resuena, a una melodía justo antes del descanso que pueda provocar esa sonrisa cómplice de quien acaba de reconocer el pequeño secreto.

Tenemos que hablar del Señor Gómez

Para acabar, un asunto que es difícil entender (al menos en mi opinión). Hay que detenerse un momento en Gómez Addams, porque algunos de los chascarrillos de este personaje desprenden un aire demasiado antiguo y casposo. Su humor, por momentos, se acerca peligrosamente a lugares que tienen poco de negro y demasiado de rancio. Me pregunto cómo encaja este tipo de humor en una obra que habla, con tanta ternura, de la familia, del amor adolescente y de esa necesidad de ser aceptado tal y como uno es. Gran incógnita para mí. Ojalá una revisión más profunda.

Amanda H C

Más teatro

‘El tren de los momentos’ que guía la escenografía

El vagón-bar costero es el punto de anclaje que vemos nada más sentarnos en la butaca. Dentro del teatro, es el puerto que abriga el espectáculo y el punto de encuentro de los vecinos y vecinas del pueblo, ese lugar donde las historias atracan, los personajes se cruzan y la vida transcurre entre conversaciones sobre el futuro, miradas que echan la vista atrás y oleajes de canciones. Es también desde donde el espectáculo nos invita a embarcarnos en este particular viaje.

De hecho, la escenografía de Tom Pye en su conjunto es uno de los primeros elementos que llaman la atención. El escenario aparece literalmente inundado por una propuesta visual que deja de lado la IA (algo que se agradece después de lo horroroso que fue su uso en Cenicienta, el musical en el mismo espacio) y apuesta por la construcción clásica, pero realmente efectiva. Estructuras, agua, luz y reflejos van dibujando un presente costero y habitable que parece estar siempre en movimiento y no parar de vibrar.

El ‘Corazón partío’ de la pareja protagonista

En el centro de esta travesía están Ale y Ella, interpretados por Pepe Nufrio y Amanda Digón, una pareja protagonista cuya conexión se sostiene tanto en la química que desprenden juntos y por separado, como en unas interpretaciones dignas de un buen aplauso y culpables de provocar grandes emociones.

En paralelo, otro de los grandes aciertos está en que el musical no reserva la música para las grandes tempestades sentimentales, sino que el elenco consigue hacerla brotar de situaciones reconocibles y cotidianas. Así, una historia de amor, con sus correspondientes trampas en el camino, va ganando profundidad, incorporando nuevos personajes, conflictos y pequeñas mareas en los momentos precisos, hasta convertir el día a día, la lucha y la inspiración en materia musical. El resultado es un viaje que avanza con naturalidad, que pocas veces pierde el rumbo, y en el que los sueños, las raíces y el amor siempre están a bordo.

Una mención especial merece Natán Segado, cuya presencia va dejando una impronta cada vez mayor a medida que avanza la función. Su interpretación es maravillosa, tanto por su presencia como por la personalidad vocal con la que aborda las canciones. ¡Inolvidable!

Álvaro Tato añade un nuevo valor a ‘La música no se toca’

El público más teatrero aplaudimos la sorpresa de que Álvaro Tato se haya encargado del libreto. Es, sin duda, uno de los grandes nombres de nuestro panorama escénico y una de las almas creativas de Ron Lalá, compañía que ha hecho de la palabra, el humor, las rimas y los enredos históricos una auténtica seña de identidad.

La textura dramatúrgica que Tato ha logrado fundir en El alma al aire con las famosas sintonías de Sanz es especialmente valiosa. No se limita a enlazar las canciones, sino que construye alrededor de ellas un universo dramático singular, creando personajes, situaciones y vínculos que permiten que cada tema encuentre su lugar dentro de la historia sin traicionarla. No imagino fácil la tarea de entretejer un repertorio musical ya existente y un contenido teatral. Y ahí está uno de los grandes aciertos; las canciones se convierten en parte orgánica de este rincón lleno de arena, bosques y sirenas. Un trabajo en el que también el flamenco va haciendo sus apariciones fulgurantes, sin descompasar, y cuya puesta en escena final nos deja una historia de amor por aquello por lo que sentimos merece la pena luchar.

Amanda H C

Más teatro

La danza contemporánea, el gesto coreográfico o el lenguaje físico han adquirido un peso determinante en la construcción de la dramaturgia. El movimiento como un elemento narrativo esencial, aplastante y digno de renombrar en todas estas propuestas.

Hay espectáculos en los que el movimiento no acompaña al relato, sino que es el propio relato. En ellos, el cuerpo aparece como territorio de resistencia, identidad o afirmación. La danza fue el lenguaje en SacreSize, donde el impulso físico y la energía colectiva construyeron una experiencia que nos interpelaba directamente. También en Struere, una propuesta que encontró en la arquitectura de los cuerpos una forma de levantar significados.

Más explícita aún es la relación entre vida y baile en Solo quería bailar, donde el movimiento funciona como declaración de intenciones y necesidad vital. Y, por supuesto, en GISELLE, uno de los grandes títulos de la danza universal, donde cada gesto sigue demostrando que hay historias que solo pueden contarse a través del cuerpo. Y si es la del deseo femenino, mejor que mejor.

También Murmullo encontraba en la fisicidad una forma de comunicación alternativa, casi secreta, mientras que Cómo son cuando miran ofrecía una reflexión sobre el tejido que sostiene el mundo de la danza, tratando de cuestionar sus límites y violencias.

La temporada también reunió numerosos montajes en los que el cuerpo aparecía sometido a tensión. Obras que sitúan a sus personajes en zonas de fragilidad, de vértigo o de incertidumbre y donde los desplazamientos y las coreografías invisibles revelaron aquello que el texto no siempre puede (o sabe) nombrar y que el movimiento sí.

En Ese ruido es un animal, retumbaban los sonidos y los cuerpos y, aunque no siempre en armonía, la red social que componía fue un buen motivo en el que detenerse. En Sonia dice que descansaremos, el movimiento parecía debatirse constantemente entre la necesidad de avanzar y el deseo de detenerse en el detalle. Algo parecido ocurría en INT. Museo, donde el recorrido espacial y corporal terminaba construyendo una reflexión sobre la memoria y la representación.

La sensación de inestabilidad atravesó igualmente Rompientes, una pieza que encontraba en el vaivén físico una poderosa metáfora emocional en puntos clave diferentes para cada protagonista, y Grito, boda y sangre, donde la herencia lorquiana se traducía en imágenes corporales de enorme intensidad.

Personas, lugares y cosas convertía el movimiento compulsivo y la pérdida de control en parte esencial de su discurso. Animales en apnea trabajaba desde la contención y la suspensión, como si sus personajes estuvieran permanentemente reteniendo el aliento, y La imposibilidad exploró precisamente esos límites físicos y emocionales que muchas veces parecen insalvables.

Son montajes que recuerdan que el cuerpo también habla cuando tiembla, cuando cae o parece quedarse sin aire.

También hubo una serie de propuestas donde el movimiento aparecía asociado a la celebración o incluso al exceso. Obras que se valieron de la acción física como forma de afirmación en el presente.

Una buena vida se preguntó precisamente qué significa vivir plenamente, desde una puesta en escena donde los cuerpos buscan ocupar el espacio más allá de dos camas de hospital. En Gula, el movimiento expresaba el apetito en todas sus formas, mientras que A pelo apostó por una fisicidad directa, despojada de adornos y sin refugios.

Y en Las últimas, el desplazamiento escénico era una herramienta para hablar de quienes ocupan “nuestros” márgenes, con personajes que, pese a todo, siguen moviéndose.

Llegadas a este punto, extraigo una certeza; el cuerpo sigue siendo uno de los grandes instrumentos del teatro contemporáneo. A veces baila, otras (se) resiste, otras se precipita al vacío. Pero siempre cuenta algo. Y esta temporada lo ha hecho con una fuerza difícil de olvidar.

Bailar ya no es solo una cuestión estética o una frontera funcional de la obra teatral. Es también una forma de contarnos. Por eso hay que bailar. Pase lo que pase, hay que bailar.

Amanda H C

Más teatro

Bajo el texto original de Antonio García Gutiérrez y siendo producido por Ensamble Producciones, El Trovador nos cuenta una historia popular entre el público por ser muy parecida, por no decir idéntica, a lo que transmite Verdi, que tomó la idea del autor español, en su Il Trovatore; que hemos podido ver estos días en el Teatro Real y en la Plaza de Ópera (como de manera común la conocemos).

Así, nos presenta la historia dramática, situada en tierras aragonesas, sobre una bella dama, de nombre Leonor, pretendida por dos hombres de diferente condición social. A uno le ama, nuestro trovador de nombre Manrique e hijo de las clases proscritas de la sociedad en esos momentos, y con el otro, noble, con poderes y llamado Conde de Luna, está más que comprometida. A pesar de eso, el amor es inevitable e irá con el joven al que quiere, aunque esto cause el final clásico y trágico que recuerda a otros grandes de la literatura como Romeo y Julieta.

A lo que hay que unir cazas de brujas, en una lucha absurda y sin fundamento propia de frustraciones entre otras cosas, y venganzas heredadas de padres a hijos; que lo único que hacen es dañar a todas las generaciones haciendo que la muerte borre todo. Hasta su recuerdo.

En esta propuesta, con la dramaturgia de Daniel Llull y con la dirección de Hugo Nieto, se quiere devolver del olvido a la figura de García Gutiérrez a la vez que se resucita una historia de mucho éxito en el siglo XIX. Ahora, poca gente la conoce a pesar de la riqueza de un texto que conjuga prosa y verso. Y es que mucho ha pasado desde su estreno en el Teatro del Príncipe el 1 de marzo de 1836 en el que mismísimo Larra aplaudió esta primera obra de don Antonio.

Este trabajo, que reivindica nuestra buena labor en el teatro musical tanto en la composición como en la interpretación, cuenta con una espina dorsal que es el grupo de actores y actrices que le dan vida. No solo interpretan con los roles adecuados a cada personaje, incluso haciendo varios en la misma representación, si no que todos cantan de manera sublime. Es algo que el público nota nada más verlos entrar, haciendo que el público sea protagonista de la obra, y escucha esa “Coplilla inicial” que sitúa todo y es perfecta en su conjunto. Estos son los siguientes: Andrea Soto, Ania Hernández, Daniel Rovalher, Didier Otaola y ya citado Dani Llull. Destacan Rovalher y Soto por el reto de sus potentes personajes en escena con una carga musical muy importante. No en vano, su trayectoria refleja la perfección en este tipo de obras ya sea con compañías como Ron Lalá o coros como Enclavegóspel.

Sin olvidar la presencia de música en directo, interpretada por la chelista Marina Barba (también directora musical y quien empezó toda esta aventura al investigar la obra original de este trabajo) y el pianista Ramón Gil, que hacen que la obra sea completa y perfecta.

En relación a las cuestiones técnicas, destaca el vestuario y la escenografía. Esta última, de la mano Mónica Boromello, muy versátil y bien escogida, es la funcionalidad y la belleza personificada. Mientras que el primero, creado por Helvia G. Jürschik, con ecos del Medievo, funciona fantástico en la escena y nos habla de esa esencia del romanticismo propio del montaje original.

Todo está cuidado al milímetro, como las nuevas canciones para esta versión o el programa de la misma que rozan la perfección.

El Trovador es una propuesta que hará los delicias todo tipo de público ya que es una obra que vive y tramite profesionalidad y teatro por los cuatros costados. Esperamos que este autor de las letras españolas no vuelva a quedar en el olvido y esta creación se pueda volver a ver y escuchar en la próxima temporada teatral.

El Trovador es una aventura en toda regla en la que entre la pasión y la venganza, hay un duelo, una guerra, un rapto en un convento, una gitana quemada en una hoguera, un oscuro calabozo, una sentencia de muerte, un suicidio y giros en la historia que atrapan al espectador. 

Sonia López

Más teatro

Midsummer fest, bajo la dirección de Talía del Val, nos trae una versión de El sueño de una noche de verano más actual y juvenil que las que hemos podido ver hasta ahora. Ya que todo se centra en un festival de música en el que sucede todo la acción.

La esencia del clásico no se pierde gracias a personajes como el Puck, interpretado por Antonio Hernández Fimia, quien sabe trasmitir como nadie ese viaje mágico y amoroso que lleva en esencia el texto original.

Si bien en cierto, hay pasajes del montaje que se podían haber evitado por el retraso que hacen a toda la trama. Es el caso de la incorporación de la obra de Píramo y Tisbe, ya que además, la experiencia no es completa como a priori se ve desde el planteamiento. Aunque, sea como fuere, es un plan diferente y diverso en este tiempo estival.

Todo se sustenta en el trabajo coral de todos los actores y actrices que dan vida a personajes tan emblemáticos como el ya citado Puck, Oberón (Álex Rojo) o Titania (en la piel de Paula Muz). Trabajos correctos los de Carlota Cacharrón, Yoel Guillén, Thomas J. King, Laura Olaya, Pablo Piera y Manuel Tudela, que se acoplan a las características del montaje y a lo que se quiere trasmitir.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca el vestuario de Pier Paolo que ha sabido dar la justa magia propia de la obra y ese gusto festivalero que todos nos podemos cuando acudimos a este tipo de experiencias.

Midsummer fest es una novedad que permite ver las vistas de la ciudad antigua mientras ves teatro. Quizá el Bardo no estuviera muy feliz con esto, pero para gustos colores y si pueden ser con brilli brilli mejor.

El reino de las hadas invade el teatro de verano. Una obra de teatro envolvente e inmersiva al aire libre donde cada rincón invita a perderse, cada función es única y todo puede ocurrir al caer la noche. El bosque susurra… Puck te está llamando.

Sonia López

Más teatro

Seis, dirigida por Sebastián Bandera con la dramaturgia de Federico Roca, parte de la base de seis mujeres trans asesinadas en los últimos tiempos de forma muy violenta y, casi en todos los casos, olvidadas. Desde sus nombres, para recuperar su historia y otorgar algo de justicia, el cuerpo actoral aborda situaciones que ocurren, a día de hoy, al colectivo LGTBIQ+. Desde la decepción de una familia por tener un hijo gay, hasta narrar el tratamiento que se le ha dado a la homosexualidad, no hace mucho tiempo, como si fuera una enfermedad. Pasando por crímenes violentos y por tratamientos de corte religioso que han creado auténticos traumas y problemas a personas que los han sufrido. A la vez que se abren en canal y cuentan estas experiencias, se apela al público para decirle que, por desgracia y sin darnos cuenta, hemos sido cómplices de todo ello. Y es que no hay persona que no conozca algún caso cercano que nos hace ver que hay que seguir luchando ante una sociedad que, desgraciadamente, está retrocediendo. Sin ir más lejos, y sirviendo mi testimonio como ejemplo, escuché a una persona que tenía una hija lesbiana decir que, un familiar suyo, le había comentando que habría preferido que esa chica tuviera cáncer antes de ser homosexual. Increíble, pero cierto en pleno siglo XXI.

Así que estamos ante un teatro de reflexión que busca remover al público y que este actúe. Incluso cuando, en algunas ocasiones, puede llegar a ser hasta demasiado duro para algunos. En la línea de grandes de este tipo de teatro como puede ser la figura de Buero Vallejo.

Todo ello no sería posible sin el trabajo brillante y brutal del grupo de seis actores que trabaja en escena. Ante ellos se presentan varios retos que los solventan con sobrada maestría y buen hacer. Tal es el caso de cantar en directo o tener que representar varios personajes en diversas situaciones, ayudándose de unos mínimos cambios de vestuarios. Para todos, y desde estas humildes letras, va un aplauso bien grande por su actuación y por poner la valentía de la hacerla en la actualidad. Ellos son los siguientes: Carlos Martin, Pilar Ávila, Enrique Cordovés, Germán Vigara, Iris Prinses y Víctor Quesada. Todos están muy bien ensamblados y realizan bien su interpretación.

En cuanto a los aspectos técnicos, el minimalismo es el rey de este montaje. Vestuarios negros, básicos en teatro que se me mimetizan con el mismo, o actuales son la base de todos los personajes y no hay escenografía más allá de algunas sillas plegables también negras. Destacan algunos guiños musicales a ABBA o Camilo Sesto, siendo el diseño de sonido creado por Sebastián Bandera, el uso de máscaras blancas o el uso de efectos como las luces estroboscópicas.

Seis (todxs somos culpables) es un trabajo rompedor y novedoso que es imprescindible en el momento tan negro en el que vivimos. Si te quedas en agosto en Madrid, no dudes en acercarte al Lara y ver esta obra de arte.

La sociedad que nos rodea mostrada con humor e ironía en sus prejuicios y temores más cotidianos, entre ellos: la homofobia, el temor a lo diferente. Madres e hijos que hablan sin hablarse. Terapias grupales que no llevan a nada. Sectas religiosas que adoran a Bertín Osborne. Coros que bailan entre el público… Todo eso… y más, ocurre en Seis (todxs somos culpables). Una sátira dramática que sorprende al público con historias reales entrelazadas con ficción. Textos dinámicos que juegan al límite entre el drama y la comedia, dando a conocer datos y situaciones que llevan a los espectadores por una montaña rusa de emociones. En Seis (todxs somos culpables) nadie queda indiferente.

Sonia López

Más teatro

Casi un mes de duración en el que la ciudad a orillas del Henares vive y respira el drama y la comedia a partes iguales. Nosotras hemos sentido todo ello y, aunque con palabras es difícil describirlo, aquí va nuestra crónica.

El camino que hemos recorrido comenzó con La escuela de los vicios, propuesta de Francisco Negro con la compañía Morfeo Teatro. Con el pensamiento de Quevedo en mente, y más actual que nunca, esta obra nos presenta un diablo juguetón que escoge a dos necios para hacerlos aprendices de los peores quehaceres. El público, en el Teatro Salón Cervantes, es testigo de este trabajo y de como la corrupción y otras cuestiones acaban con ellos. Una crítica feroz y muy original, en la que destacó el buen hacer de los actores y actrices (el ya citado Francisco Negro, Mayte Bona y Felipe Santiago), la escenografía y una canción final que es una fantasía. Y es que ya se sabe “poderoso caballero es don dinero”.

Seguimos andando camino con Bufa&Sons (Xavi Lozano, Guillem Aguilar y Marc Vila) y su creación Cotidiáfonos clásicos vista en el Corral de Comedias. En esta ocasión, se presentó un concierto inusual donde los instrumentos podían ser una valla, una silla, un pollo de goma (con el que montar un escándalo) o una escalera. Este grupo, de gran solera en este campo, atrapó a todos y a todas con su trabajo creativo, en el que intentaron recuperar repertorio del siglo dorado que nos ocupa. Especial hincapié hay que poner en el estudio de música e instrumentos de América; resaltando así el espíritu de este festival. Caminos que salen de los recorridos habituales, como los del conservatorio, y que crean auténticas bellezas en escena.

Nuestros pasos nos vuelven a llevar al Salón Cervantes para ver a una figura clave de la historia de nuestro teatro y nuestra música. Esta no es otra que Paloma San Basilio, premio Fuente de Castalia en esta edición, y su Dulcinea dirigida por Juan Carlos Rubio con música en directo. En esta creación, las mujeres del Quijote, y afines a ella como es el caso de la princesa Oriana y su historia con Amadis, toman la palabra y se hacen valer. Así, asistimos al proceso de inversión de una actriz para encarnar a Dulcinea mientras que ella aparece también en escena. Una propuesta diferente, en la que sorprendió que pocas personas se hubieran leído El Quijote entero en la tierra de su autor, y que, quizás, debería de dar un giro al discurso final. Puesto que en el mismo, el público vuelve a tener presente a Dulcinea como un sueño de Quijote al que tiene que alabar por encima de todo.

Continuando con este tema, llegamos a presenciar La vengadora de las mujeres. Coproducción de la Compañía de Teatro Clásico y Teatro del Temple, bajo la dirección de Carlos Martín, resucita a Lope en una comedia de capa y espada con mucho mensaje detrás. Laura, su protagonista interpretada por una fantástica Silvia de Pe, no quiere saber nada de los hombres, aunque su final terminará siendo otro. Un alegato a la lucha, pero con una terminación digna del tiempo y de la pluma del propio Lope. Destacó en la escena el trabajo de un Héctor Carballo sobresaliente en todos los aspectos.

El final se acercó en el Auditorio Municipal Paco de Lucía con el estreno absoluto dentro del arte de la danza. Este no fue otro que Quijote en clave de mujer. Dirigido por Pepe Vento, siendo producido por el Ballet Albéniz, este trabajo realizó un repaso por todas las mujeres presentes en la gran obra del autor complutense. De esta manera, pudimos ver al mismo Quijote presente mientras que Dorotea, Dulcinea o Maritornes contaban su historia. Cada una de ellas en un estilo distinto con bailarines principales y con coro de baile de bastante calidad. De todas las representaciones, destacaron la pieza sobre la pastora Marcela (incluyendo la presencia de Grisóstomo) y la danza oriental de Zoraida. Fusiones distintas que sonaron al son de piezas como la Danza Española nº 2 Oriental de Enrique Granados o el Concierto de Aranjuez del maestro Rodrigo. Una propuesta original que esperamos ver en más escenarios con la piel de bailarines como Pilar Tejada, José Manuel Vento, Sara Pérez o Anabel Expósito entre otros.

Todo esto y más hemos podido ver en esta edición, que sigue viva en la exposición Con capa y espada. La moda en época de Cervantes de Raquel Sánchez en la Casa natal del escritor, que ha tenido la excelencia de siempre, aunque hay aspectos que se deberían de mejorar como es el caso del diseño del cartel.

Una edición del festival más que hemos vivido y al que deseamos regresar al año que viene para volver a saludar a nuestros Clásicos que siguen hablando claro y alto por la eternidad.

Sonia López

Más teatro

Sandra Serrano dirige y adapta esta versión que prosigue con lo que otros ya habían construido. Así mismo, se respeta el espíritu de la novela original (véase por ejemplo el hecho de resaltar el carácter epistolar de la misma) a la vez que se mezcla con otros trabajos como es el caso del film de Coppola de 1992. Incluso atreviéndose a meter elementos humorísticos en una creación que, por simple definición, tenía que moverse en el género del terror. Tarea harto difícil sobre las tablas de un escenario y que se consiguió pocas veces (véase la escena de baile entre Mina, el Conde y Jonathan).

El resto se sustenta en un trabajo coral de varios actores y actrices. A saber: Pablo Remiseiro (Jonathan Harker), Jesús Ortega (Conde Drácula), María Díaz (Mina), Sofía Cocola (Lucy), Guillermo Gil (Van Helsing) y Antonio Niro (Quincey Morris).

Si bien se trabajaron cosas como el rechazo al diferente de una sociedad victoriana hipócrita que está presente en el relato y que mucha gente no conoce; me gustaría que, alguna vez, dejaran de lado la frivolidad y personajes como el de la pobre Lucy se mostraran desde otra perspectiva a la que nos tienen acostumbrados.

Compañía invitada en este teatro y que pronto volverá a abrir la puertas del castillo del Conde para todo aquel que desee entrar. Eso sí, “dejando la felicidad que trae consigo fuera”.

Sonia López

Más teatro

Golpe a golpe, verso a verso revisa, principalmente, la vida de Antonio Machado. Para ello, bajo la dirección de Paco Gámez y José Velasco, comenzamos la acción siendo testigos del trágico exilio que sufre la familia. Desde ese punto, y partiendo de “esos días azules, este sol de la infancia”, asistimos a todas las vivencias del poeta haciendo hincapié en tres de ellas. A saber: su paso por París, el amor hacia Leonor y el que profesó hacia Pilar de Valderrama (alias Guiomar). Todo ello unido a reflexiones sobre la relación con su hermano, sus ideas políticas y el reflejo de una personalidad muy característica reflejada en fotografías y sus propias obras.

También, por mostrar otro hecho, es relevante destacar que hayan iluminado el relato con un encuentro muy emotivo como fue el que tuvieron Lorca y el propio Machado compartiendo confidencias personales y poemas; algo que fue precioso de ver y que gustará a todo tipo de público que se acerque a la obra.

Todo ello hecho con un cariño y mimo especial que hace de este trabajo algo excepcional a pesar de ser un personaje que está en el imaginario de todos. Novedades de gran calidad que se unen a otras propuestas, incluso en otros formatos, como es el caso del documental que le dedicó Laura Hojman en 2020. Y todo ello es señal de que nada puedo acallar la figura del escritor sevillano.

Mención especial, para mi gusto, el espacio que se otorga a Manuel. Siempre se le ha situado en el lado incorrecto, como si fuera reflejo de la guerra civil que vivieron, aunque aquí se explica que es lo que de verdad pasó como otros autores lo han hecho de otras formas; véase la obra de Carles Esquembre con Los Machado.

La musicalización de los poemas que hizo Serrat, que tanto ayudó a que los conocieran el común de los mortales, resuena con fuerza y hace que la obra se convierta en un musical con los tiempos medidos y con una sublime delicadeza digan de ser resaltada. Especialmente emotivas fueron la representación de “A un olmo seco” con la mirada de una fantasmal Leonor siempre presente, “La saeta” y ese final con todo el público cantando “Cantares”.

Esta creación tan ecléctica se sustenta en el trabajo coral de un grupo de actores, cantantes y actrices que encarnan a la perfección sus roles incluso, con la dificultad añadida, de interpretar a distintos personajes sobre la escena. Estos son los siguientes: Ismael Serrano (en la piel de un Machado que pone los pelos de punta de lo real que es), Cristina de Inza (realizando varios personajes entre los que destaca Guiomar), Laura Porras (en un perfecto trabajo encarnando a Leonor) y Alberto Berzal entre otros. Una gran maquinaria que funciona a la perfección.

En cuanto a los aspectos técnicos, todo se mueve en la corriente minimalista de los últimos tiempos aunque se ajusta bien a la historia de que se cuenta sobre el escenario. Todo en su justa medida, como se puede ver el vestuario creado por Teyuna Acosta que sirve de ejemplo para lo que se comenta.

Golpe a golpe, verso a verso es una obra exquisita que nadie, que sea sensible a estos temas, se puede perder. En el Teatro Infanta Isabel hasta el 28 de junio. No se lo pierdan.

Usando como motor de la trama las canciones de Serrat, está concebido como un viaje emocional por la memoria de Machado, su familia y la historia del siglo XX. Una propuesta que pone en diálogo los versos del poeta con las canciones del célebre disco que Joan Manuel Serrat le dedicó: “Cantares”, “La saeta”, “A un Olmo Seco”, etc. Canciones que cobran vida en directo gracias a la interpretación del reconocido cantautor Ismael Serrano, protagonista de esta puesta en escena, en una nueva producción de Okapi Producciones en una codirección entre José Velasco y Paco Gámez Okapi consolida una línea de trabajo centrada en la recuperación y actualización de las grandes voces poéticas del siglo XX español, tras el éxito de Lorca por Saura y Para la libertad, reconocidos por público y crítica. Con una puesta en escena sensible y un cuidado trabajo actoral, el montaje propone un recorrido por una vida marcada por la intimidad, el compromiso y el exilio.

Sonia López

Teatro Infanta Isabel

Más teatro

La compañía madrileña Sibila BAB Teatro presenta La Teoría de la Abuela, escrita por Laura Auzmendi y dirigida por Irene Herrero, con un elenco formado por Carmen Mayordomo, Inma Isla, Berta Álvaro y la propia Laura Auzmendi. La obra es una comedia intergeneracional que combina humor y reflexión, invitando al espectador a acompañar a las protagonistas en momentos de ruptura, decisiones laborales y desafíos personales, todo con sensibilidad y agudeza.

El estreno en El Umbral de Primavera los días 18 y 19 de junio marca un paso significativo para la compañía, llevando la obra al centro de Madrid tras varias funciones en centros culturales de la Comunidad. La obra establece un diálogo entre generaciones y plantea cuestiones universales sobre maternidad, cuidados, deseos y transformación personal. “Queremos que el público se acerque a los personajes con cercanía y salga con ganas de hablar sobre su propia vida y la de quienes le rodean”, afirma Irene Herrero.

La escritura de Auzmendi se distingue por su frescura, naturalidad y sentido del humor, capaz de revelar con sutileza las aristas de la rutina cotidiana. La química y la intuición del elenco compuesto por Carmen Mayordomo, Inma Isla, Berta Álvaro y la propia Auzmendi crean un flujo constante entre comedia y reflexión, mientras la dirección de Irene Herrero articula con un dispositivo capaz de contener la luz de la comedia y las sombras que genera la presión sobre las mujeres.

Historias que habitan cuerpos y barrios

Las historias de La Teoría de la Abuela recorren las vidas de cuatro mujeres y el barrio que habitan, que podría ser cualquiera de una ciudad mediana o grande. Las calles, los pequeños comercios, los locales turísticos y las viviendas especulativas reflejan la gentrificación, la pérdida de redes de apoyo y la dificultad de acceso a la vivienda para los jóvenes. La obra establece una metáfora entre los cuerpos y los barrios: ambos son espacios de cuidados y memoria, que resisten frente al avance del capitalismo y la homogeneización cultural.

Ella atraviesa un momento de cambios tras la ruptura con quien creía tener un futuro prometedor. Una nueva ausencia y una nueva presencia enfrentan a Maricarmen a una situación sin precedentes. Mientras tanto, Lola debe tomar decisiones ante la transformación del barrio y Marina, su última compañera, ha dejado el trabajo de repente. El tiempo acecha y, en medio de la incertidumbre y la contradicción, surgen preguntas: ¿Cómo se construye el miedo? ¿Cómo se destruye? ¿Me hago mayor? ¿Se nota? Algunas veces la vida se desordena y hay cambios que nos afectan a todas.

El elenco demuestra cómo se puede equilibrar humor y profundidad. El sonido y la música se convierten en narradores adicionales, creando atmósferas que acompañan la historia. “La obra demuestra que se puede hacer comedia con perspectiva de género sin minimizar la experiencia vital de las mujeres”, apunta Laura Auzmendi.

Un último capítulo para un espacio histórico

El estreno en El Umbral de Primavera adquiere un valor añadido: la sala, reconocida por su papel en la escena ‘off’ madrileña, cerrará en 2027 tras más de una década de actividad. Para la compañía, representar su obra en este espacio es un honor y una oportunidad de conectar con un público urbano en un entorno cargado de historia, formación y experimentación escénica.

Una compañía comprometida con el teatro social

Sibila BAB Teatro, fundada en 2024 por Laura Auzmendi y Berta Álvaro, apuesta por un teatro comprometido con la acción social, la igualdad, la accesibilidad y la sostenibilidad. Proyectos anteriores como Actopatía (Teatro Luchana, 2024) y cortometrajes como Buena Cara combinan reflexión social, ironía y comedia desde una perspectiva de género e intergeneracional. “La creación de esta obra nos ha permitido abordar una temática que normalmente permanece silenciada y hacerlo con rigor, humor y sensibilidad”, asegura Berta Álvaro, productora y actriz de la compañía.

NP

Después de ese sueño, llegó el deseo de coreografiar La consagración de la primavera de Stravinsky. Y todo se unió para el estreno absoluto de SACRESIZE, un ballet de personas gordas, para “celebrar mi cuerpo en una verbena con otros cuerpos grandes, enormes, robustos, anchos, expandidos, blandos. Hermosos”.

Así es como Esperanza Guardado, Juanki Fernández, Carlota Ferrer, Jack Gómez, Fiona Orioli, Lucia Palacios, Vicki Schmidt y Alberto Velasco aparecen en la Sala Negra de los Teatros del Canal. La propuesta está concebida con dolor y sensibilidad, pero sin pedir permiso ni perdón. A medida que la mirada se detiene en cada intérprete, se van revelando matices que enriquecen el conjunto y ponen de manifiesto trabajos individuales muy notables, pequeñas conquistas que merecen ser celebradas y que sostuvieron buena parte de mi interés.

Sin embargo, cuando la atención se desplaza del individuo al grupo, surge cierto desequilibrio. Velasco ejerce una presencia magnética y constante, como si el resto tratara de acompasarse a él en cada movimiento. No se trata tanto de una cuestión de protagonismo como de cohesión y entiendo que todavía parece haber algo por afinar para que el colectivo se perciba como un organismo ensamblado, con una energía compartida y una dirección común. Es evidente el disfrute de Velasco, su entrega contagiosa y su convicción en la propuesta. En el resto del elenco, en cambio, esa misma sensación no siempre alcanza la misma intensidad. Quizás sea precisamente ahí donde esta pieza tiene todavía margen para crecer; en encontrar un pulso colectivo capaz de convertir las valiosas singularidades en una verdadera exploración de la gorditud en conjunto.

Tras una hora de función, llega el final. Un final de los que cada vez se ven menos. No porque cierre la obra (que lo hace), sino porque, sobre todo, la abre. Abre preguntas, heridas, memorias y muchas conversaciones pendientes. SACRESIZE encuentra en sus últimos minutos una potencia difícil de sacudirse. Es probable que muchos espectadores y espectadoras recordemos ese desenlace durante mucho tiempo. Hay en él una voluntad de habitar el presente con todas sus consecuencias, de sostener la mirada sin apartarse cuando esta se vuelve incómoda. El escenario deja de ser únicamente un lugar de representación para convertirse en un espacio de confrontación, donde la violencia de las miradas normativas regresa amplificada hacia quien la ejerce.

Amanda H C