La danza contemporánea, el gesto coreográfico o el lenguaje físico han adquirido un peso determinante en la construcción de la dramaturgia. El movimiento como un elemento narrativo esencial, aplastante y digno de renombrar en todas estas propuestas.

Hay espectáculos en los que el movimiento no acompaña al relato, sino que es el propio relato. En ellos, el cuerpo aparece como territorio de resistencia, identidad o afirmación. La danza fue el lenguaje en SacreSize, donde el impulso físico y la energía colectiva construyeron una experiencia que nos interpelaba directamente. También en Struere, una propuesta que encontró en la arquitectura de los cuerpos una forma de levantar significados.

Más explícita aún es la relación entre vida y baile en Solo quería bailar, donde el movimiento funciona como declaración de intenciones y necesidad vital. Y, por supuesto, en GISELLE, uno de los grandes títulos de la danza universal, donde cada gesto sigue demostrando que hay historias que solo pueden contarse a través del cuerpo. Y si es la del deseo femenino, mejor que mejor.

También Murmullo encontraba en la fisicidad una forma de comunicación alternativa, casi secreta, mientras que Cómo son cuando miran ofrecía una reflexión sobre el tejido que sostiene el mundo de la danza, tratando de cuestionar sus límites y violencias.

La temporada también reunió numerosos montajes en los que el cuerpo aparecía sometido a tensión. Obras que sitúan a sus personajes en zonas de fragilidad, de vértigo o de incertidumbre y donde los desplazamientos y las coreografías invisibles revelaron aquello que el texto no siempre puede (o sabe) nombrar y que el movimiento sí.

En Ese ruido es un animal, retumbaban los sonidos y los cuerpos y, aunque no siempre en armonía, la red social que componía fue un buen motivo en el que detenerse. En Sonia dice que descansaremos, el movimiento parecía debatirse constantemente entre la necesidad de avanzar y el deseo de detenerse en el detalle. Algo parecido ocurría en INT. Museo, donde el recorrido espacial y corporal terminaba construyendo una reflexión sobre la memoria y la representación.

La sensación de inestabilidad atravesó igualmente Rompientes, una pieza que encontraba en el vaivén físico una poderosa metáfora emocional en puntos clave diferentes para cada protagonista, y Grito, boda y sangre, donde la herencia lorquiana se traducía en imágenes corporales de enorme intensidad.

Personas, lugares y cosas convertía el movimiento compulsivo y la pérdida de control en parte esencial de su discurso. Animales en apnea trabajaba desde la contención y la suspensión, como si sus personajes estuvieran permanentemente reteniendo el aliento, y La imposibilidad exploró precisamente esos límites físicos y emocionales que muchas veces parecen insalvables.

Son montajes que recuerdan que el cuerpo también habla cuando tiembla, cuando cae o parece quedarse sin aire.

También hubo una serie de propuestas donde el movimiento aparecía asociado a la celebración o incluso al exceso. Obras que se valieron de la acción física como forma de afirmación en el presente.

Una buena vida se preguntó precisamente qué significa vivir plenamente, desde una puesta en escena donde los cuerpos buscan ocupar el espacio más allá de dos camas de hospital. En Gula, el movimiento expresaba el apetito en todas sus formas, mientras que A pelo apostó por una fisicidad directa, despojada de adornos y sin refugios.

Y en Las últimas, el desplazamiento escénico era una herramienta para hablar de quienes ocupan “nuestros” márgenes, con personajes que, pese a todo, siguen moviéndose.

Llegadas a este punto, extraigo una certeza; el cuerpo sigue siendo uno de los grandes instrumentos del teatro contemporáneo. A veces baila, otras (se) resiste, otras se precipita al vacío. Pero siempre cuenta algo. Y esta temporada lo ha hecho con una fuerza difícil de olvidar.

Bailar ya no es solo una cuestión estética o una frontera funcional de la obra teatral. Es también una forma de contarnos. Por eso hay que bailar. Pase lo que pase, hay que bailar.

Amanda H C

Más teatro

Bajo el texto original de Antonio García Gutiérrez y siendo producido por Ensamble Producciones, El Trovador nos cuenta una historia popular entre el público por ser muy parecida, por no decir idéntica, a lo que transmite Verdi, que tomó la idea del autor español, en su Il Trovatore; que hemos podido ver estos días en el Teatro Real y en la Plaza de Ópera (como de manera común la conocemos).

Así, nos presenta la historia dramática, situada en tierras aragonesas, sobre una bella dama, de nombre Leonor, pretendida por dos hombres de diferente condición social. A uno le ama, nuestro trovador de nombre Manrique e hijo de las clases proscritas de la sociedad en esos momentos, y con el otro, noble, con poderes y llamado Conde de Luna, está más que comprometida. A pesar de eso, el amor es inevitable e irá con el joven al que quiere, aunque esto cause el final clásico y trágico que recuerda a otros grandes de la literatura como Romeo y Julieta.

A lo que hay que unir cazas de brujas, en una lucha absurda y sin fundamento propia de frustraciones entre otras cosas, y venganzas heredadas de padres a hijos; que lo único que hacen es dañar a todas las generaciones haciendo que la muerte borre todo. Hasta su recuerdo.

En esta propuesta, con la dramaturgia de Daniel Llull y con la dirección de Hugo Nieto, se quiere devolver del olvido a la figura de García Gutiérrez a la vez que se resucita una historia de mucho éxito en el siglo XIX. Ahora, poca gente la conoce a pesar de la riqueza de un texto que conjuga prosa y verso. Y es que mucho ha pasado desde su estreno en el Teatro del Príncipe el 1 de marzo de 1836 en el que mismísimo Larra aplaudió esta primera obra de don Antonio.

Este trabajo, que reivindica nuestra buena labor en el teatro musical tanto en la composición como en la interpretación, cuenta con una espina dorsal que es el grupo de actores y actrices que le dan vida. No solo interpretan con los roles adecuados a cada personaje, incluso haciendo varios en la misma representación, si no que todos cantan de manera sublime. Es algo que el público nota nada más verlos entrar, haciendo que el público sea protagonista de la obra, y escucha esa “Coplilla inicial” que sitúa todo y es perfecta en su conjunto. Estos son los siguientes: Andrea Soto, Ania Hernández, Daniel Rovalher, Didier Otaola y ya citado Dani Llull. Destacan Rovalher y Soto por el reto de sus potentes personajes en escena con una carga musical muy importante. No en vano, su trayectoria refleja la perfección en este tipo de obras ya sea con compañías como Ron Lalá o coros como Enclavegóspel.

Sin olvidar la presencia de música en directo, interpretada por la chelista Marina Barba (también directora musical y quien empezó toda esta aventura al investigar la obra original de este trabajo) y el pianista Ramón Gil, que hacen que la obra sea completa y perfecta.

En relación a las cuestiones técnicas, destaca el vestuario y la escenografía. Esta última, de la mano Mónica Boromello, muy versátil y bien escogida, es la funcionalidad y la belleza personificada. Mientras que el primero, creado por Helvia G. Jürschik, con ecos del Medievo, funciona fantástico en la escena y nos habla de esa esencia del romanticismo propio del montaje original.

Todo está cuidado al milímetro, como las nuevas canciones para esta versión o el programa de la misma que rozan la perfección.

El Trovador es una propuesta que hará los delicias todo tipo de público ya que es una obra que vive y tramite profesionalidad y teatro por los cuatros costados. Esperamos que este autor de las letras españolas no vuelva a quedar en el olvido y esta creación se pueda volver a ver y escuchar en la próxima temporada teatral.

El Trovador es una aventura en toda regla en la que entre la pasión y la venganza, hay un duelo, una guerra, un rapto en un convento, una gitana quemada en una hoguera, un oscuro calabozo, una sentencia de muerte, un suicidio y giros en la historia que atrapan al espectador. 

Sonia López

Más teatro

Midsummer fest, bajo la dirección de Talía del Val, nos trae una versión de El sueño de una noche de verano más actual y juvenil que las que hemos podido ver hasta ahora. Ya que todo se centra en un festival de música en el que sucede todo la acción.

La esencia del clásico no se pierde gracias a personajes como el Puck, interpretado por Antonio Hernández Fimia, quien sabe trasmitir como nadie ese viaje mágico y amoroso que lleva en esencia el texto original.

Si bien en cierto, hay pasajes del montaje que se podían haber evitado por el retraso que hacen a toda la trama. Es el caso de la incorporación de la obra de Píramo y Tisbe, ya que además, la experiencia no es completa como a priori se ve desde el planteamiento. Aunque, sea como fuere, es un plan diferente y diverso en este tiempo estival.

Todo se sustenta en el trabajo coral de todos los actores y actrices que dan vida a personajes tan emblemáticos como el ya citado Puck, Oberón (Álex Rojo) o Titania (en la piel de Paula Muz). Trabajos correctos los de Carlota Cacharrón, Yoel Guillén, Thomas J. King, Laura Olaya, Pablo Piera y Manuel Tudela, que se acoplan a las características del montaje y a lo que se quiere trasmitir.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca el vestuario de Pier Paolo que ha sabido dar la justa magia propia de la obra y ese gusto festivalero que todos nos podemos cuando acudimos a este tipo de experiencias.

Midsummer fest es una novedad que permite ver las vistas de la ciudad antigua mientras ves teatro. Quizá el Bardo no estuviera muy feliz con esto, pero para gustos colores y si pueden ser con brilli brilli mejor.

El reino de las hadas invade el teatro de verano. Una obra de teatro envolvente e inmersiva al aire libre donde cada rincón invita a perderse, cada función es única y todo puede ocurrir al caer la noche. El bosque susurra… Puck te está llamando.

Sonia López

Más teatro

Seis, dirigida por Sebastián Bandera con la dramaturgia de Federico Roca, parte de la base de seis mujeres trans asesinadas en los últimos tiempos de forma muy violenta y, casi en todos los casos, olvidadas. Desde sus nombres, para recuperar su historia y otorgar algo de justicia, el cuerpo actoral aborda situaciones que ocurren, a día de hoy, al colectivo LGTBIQ+. Desde la decepción de una familia por tener un hijo gay, hasta narrar el tratamiento que se le ha dado a la homosexualidad, no hace mucho tiempo, como si fuera una enfermedad. Pasando por crímenes violentos y por tratamientos de corte religioso que han creado auténticos traumas y problemas a personas que los han sufrido. A la vez que se abren en canal y cuentan estas experiencias, se apela al público para decirle que, por desgracia y sin darnos cuenta, hemos sido cómplices de todo ello. Y es que no hay persona que no conozca algún caso cercano que nos hace ver que hay que seguir luchando ante una sociedad que, desgraciadamente, está retrocediendo. Sin ir más lejos, y sirviendo mi testimonio como ejemplo, escuché a una persona que tenía una hija lesbiana decir que, un familiar suyo, le había comentando que habría preferido que esa chica tuviera cáncer antes de ser homosexual. Increíble, pero cierto en pleno siglo XXI.

Así que estamos ante un teatro de reflexión que busca remover al público y que este actúe. Incluso cuando, en algunas ocasiones, puede llegar a ser hasta demasiado duro para algunos. En la línea de grandes de este tipo de teatro como puede ser la figura de Buero Vallejo.

Todo ello no sería posible sin el trabajo brillante y brutal del grupo de seis actores que trabaja en escena. Ante ellos se presentan varios retos que los solventan con sobrada maestría y buen hacer. Tal es el caso de cantar en directo o tener que representar varios personajes en diversas situaciones, ayudándose de unos mínimos cambios de vestuarios. Para todos, y desde estas humildes letras, va un aplauso bien grande por su actuación y por poner la valentía de la hacerla en la actualidad. Ellos son los siguientes: Carlos Martin, Pilar Ávila, Enrique Cordovés, Germán Vigara, Iris Prinses y Víctor Quesada. Todos están muy bien ensamblados y realizan bien su interpretación.

En cuanto a los aspectos técnicos, el minimalismo es el rey de este montaje. Vestuarios negros, básicos en teatro que se me mimetizan con el mismo, o actuales son la base de todos los personajes y no hay escenografía más allá de algunas sillas plegables también negras. Destacan algunos guiños musicales a ABBA o Camilo Sesto, siendo el diseño de sonido creado por Sebastián Bandera, el uso de máscaras blancas o el uso de efectos como las luces estroboscópicas.

Seis (todxs somos culpables) es un trabajo rompedor y novedoso que es imprescindible en el momento tan negro en el que vivimos. Si te quedas en agosto en Madrid, no dudes en acercarte al Lara y ver esta obra de arte.

La sociedad que nos rodea mostrada con humor e ironía en sus prejuicios y temores más cotidianos, entre ellos: la homofobia, el temor a lo diferente. Madres e hijos que hablan sin hablarse. Terapias grupales que no llevan a nada. Sectas religiosas que adoran a Bertín Osborne. Coros que bailan entre el público… Todo eso… y más, ocurre en Seis (todxs somos culpables). Una sátira dramática que sorprende al público con historias reales entrelazadas con ficción. Textos dinámicos que juegan al límite entre el drama y la comedia, dando a conocer datos y situaciones que llevan a los espectadores por una montaña rusa de emociones. En Seis (todxs somos culpables) nadie queda indiferente.

Sonia López

Más teatro

Casi un mes de duración en el que la ciudad a orillas del Henares vive y respira el drama y la comedia a partes iguales. Nosotras hemos sentido todo ello y, aunque con palabras es difícil describirlo, aquí va nuestra crónica.

El camino que hemos recorrido comenzó con La escuela de los vicios, propuesta de Francisco Negro con la compañía Morfeo Teatro. Con el pensamiento de Quevedo en mente, y más actual que nunca, esta obra nos presenta un diablo juguetón que escoge a dos necios para hacerlos aprendices de los peores quehaceres. El público, en el Teatro Salón Cervantes, es testigo de este trabajo y de como la corrupción y otras cuestiones acaban con ellos. Una crítica feroz y muy original, en la que destacó el buen hacer de los actores y actrices (el ya citado Francisco Negro, Mayte Bona y Felipe Santiago), la escenografía y una canción final que es una fantasía. Y es que ya se sabe “poderoso caballero es don dinero”.

Seguimos andando camino con Bufa&Sons (Xavi Lozano, Guillem Aguilar y Marc Vila) y su creación Cotidiáfonos clásicos vista en el Corral de Comedias. En esta ocasión, se presentó un concierto inusual donde los instrumentos podían ser una valla, una silla, un pollo de goma (con el que montar un escándalo) o una escalera. Este grupo, de gran solera en este campo, atrapó a todos y a todas con su trabajo creativo, en el que intentaron recuperar repertorio del siglo dorado que nos ocupa. Especial hincapié hay que poner en el estudio de música e instrumentos de América; resaltando así el espíritu de este festival. Caminos que salen de los recorridos habituales, como los del conservatorio, y que crean auténticas bellezas en escena.

Nuestros pasos nos vuelven a llevar al Salón Cervantes para ver a una figura clave de la historia de nuestro teatro y nuestra música. Esta no es otra que Paloma San Basilio, premio Fuente de Castalia en esta edición, y su Dulcinea dirigida por Juan Carlos Rubio con música en directo. En esta creación, las mujeres del Quijote, y afines a ella como es el caso de la princesa Oriana y su historia con Amadis, toman la palabra y se hacen valer. Así, asistimos al proceso de inversión de una actriz para encarnar a Dulcinea mientras que ella aparece también en escena. Una propuesta diferente, en la que sorprendió que pocas personas se hubieran leído El Quijote entero en la tierra de su autor, y que, quizás, debería de dar un giro al discurso final. Puesto que en el mismo, el público vuelve a tener presente a Dulcinea como un sueño de Quijote al que tiene que alabar por encima de todo.

Continuando con este tema, llegamos a presenciar La vengadora de las mujeres. Coproducción de la Compañía de Teatro Clásico y Teatro del Temple, bajo la dirección de Carlos Martín, resucita a Lope en una comedia de capa y espada con mucho mensaje detrás. Laura, su protagonista interpretada por una fantástica Silvia de Pe, no quiere saber nada de los hombres, aunque su final terminará siendo otro. Un alegato a la lucha, pero con una terminación digna del tiempo y de la pluma del propio Lope. Destacó en la escena el trabajo de un Héctor Carballo sobresaliente en todos los aspectos.

El final se acercó en el Auditorio Municipal Paco de Lucía con el estreno absoluto dentro del arte de la danza. Este no fue otro que Quijote en clave de mujer. Dirigido por Pepe Vento, siendo producido por el Ballet Albéniz, este trabajo realizó un repaso por todas las mujeres presentes en la gran obra del autor complutense. De esta manera, pudimos ver al mismo Quijote presente mientras que Dorotea, Dulcinea o Maritornes contaban su historia. Cada una de ellas en un estilo distinto con bailarines principales y con coro de baile de bastante calidad. De todas las representaciones, destacaron la pieza sobre la pastora Marcela (incluyendo la presencia de Grisóstomo) y la danza oriental de Zoraida. Fusiones distintas que sonaron al son de piezas como la Danza Española nº 2 Oriental de Enrique Granados o el Concierto de Aranjuez del maestro Rodrigo. Una propuesta original que esperamos ver en más escenarios con la piel de bailarines como Pilar Tejada, José Manuel Vento, Sara Pérez o Anabel Expósito entre otros.

Todo esto y más hemos podido ver en esta edición, que sigue viva en la exposición Con capa y espada. La moda en época de Cervantes de Raquel Sánchez en la Casa natal del escritor, que ha tenido la excelencia de siempre, aunque hay aspectos que se deberían de mejorar como es el caso del diseño del cartel.

Una edición del festival más que hemos vivido y al que deseamos regresar al año que viene para volver a saludar a nuestros Clásicos que siguen hablando claro y alto por la eternidad.

Sonia López

Más teatro

Sandra Serrano dirige y adapta esta versión que prosigue con lo que otros ya habían construido. Así mismo, se respeta el espíritu de la novela original (véase por ejemplo el hecho de resaltar el carácter epistolar de la misma) a la vez que se mezcla con otros trabajos como es el caso del film de Coppola de 1992. Incluso atreviéndose a meter elementos humorísticos en una creación que, por simple definición, tenía que moverse en el género del terror. Tarea harto difícil sobre las tablas de un escenario y que se consiguió pocas veces (véase la escena de baile entre Mina, el Conde y Jonathan).

El resto se sustenta en un trabajo coral de varios actores y actrices. A saber: Pablo Remiseiro (Jonathan Harker), Jesús Ortega (Conde Drácula), María Díaz (Mina), Sofía Cocola (Lucy), Guillermo Gil (Van Helsing) y Antonio Niro (Quincey Morris).

Si bien se trabajaron cosas como el rechazo al diferente de una sociedad victoriana hipócrita que está presente en el relato y que mucha gente no conoce; me gustaría que, alguna vez, dejaran de lado la frivolidad y personajes como el de la pobre Lucy se mostraran desde otra perspectiva a la que nos tienen acostumbrados.

Compañía invitada en este teatro y que pronto volverá a abrir la puertas del castillo del Conde para todo aquel que desee entrar. Eso sí, “dejando la felicidad que trae consigo fuera”.

Sonia López

Más teatro

Golpe a golpe, verso a verso revisa, principalmente, la vida de Antonio Machado. Para ello, bajo la dirección de Paco Gámez y José Velasco, comenzamos la acción siendo testigos del trágico exilio que sufre la familia. Desde ese punto, y partiendo de “esos días azules, este sol de la infancia”, asistimos a todas las vivencias del poeta haciendo hincapié en tres de ellas. A saber: su paso por París, el amor hacia Leonor y el que profesó hacia Pilar de Valderrama (alias Guiomar). Todo ello unido a reflexiones sobre la relación con su hermano, sus ideas políticas y el reflejo de una personalidad muy característica reflejada en fotografías y sus propias obras.

También, por mostrar otro hecho, es relevante destacar que hayan iluminado el relato con un encuentro muy emotivo como fue el que tuvieron Lorca y el propio Machado compartiendo confidencias personales y poemas; algo que fue precioso de ver y que gustará a todo tipo de público que se acerque a la obra.

Todo ello hecho con un cariño y mimo especial que hace de este trabajo algo excepcional a pesar de ser un personaje que está en el imaginario de todos. Novedades de gran calidad que se unen a otras propuestas, incluso en otros formatos, como es el caso del documental que le dedicó Laura Hojman en 2020. Y todo ello es señal de que nada puedo acallar la figura del escritor sevillano.

Mención especial, para mi gusto, el espacio que se otorga a Manuel. Siempre se le ha situado en el lado incorrecto, como si fuera reflejo de la guerra civil que vivieron, aunque aquí se explica que es lo que de verdad pasó como otros autores lo han hecho de otras formas; véase la obra de Carles Esquembre con Los Machado.

La musicalización de los poemas que hizo Serrat, que tanto ayudó a que los conocieran el común de los mortales, resuena con fuerza y hace que la obra se convierta en un musical con los tiempos medidos y con una sublime delicadeza digan de ser resaltada. Especialmente emotivas fueron la representación de “A un olmo seco” con la mirada de una fantasmal Leonor siempre presente, “La saeta” y ese final con todo el público cantando “Cantares”.

Esta creación tan ecléctica se sustenta en el trabajo coral de un grupo de actores, cantantes y actrices que encarnan a la perfección sus roles incluso, con la dificultad añadida, de interpretar a distintos personajes sobre la escena. Estos son los siguientes: Ismael Serrano (en la piel de un Machado que pone los pelos de punta de lo real que es), Cristina de Inza (realizando varios personajes entre los que destaca Guiomar), Laura Porras (en un perfecto trabajo encarnando a Leonor) y Alberto Berzal entre otros. Una gran maquinaria que funciona a la perfección.

En cuanto a los aspectos técnicos, todo se mueve en la corriente minimalista de los últimos tiempos aunque se ajusta bien a la historia de que se cuenta sobre el escenario. Todo en su justa medida, como se puede ver el vestuario creado por Teyuna Acosta que sirve de ejemplo para lo que se comenta.

Golpe a golpe, verso a verso es una obra exquisita que nadie, que sea sensible a estos temas, se puede perder. En el Teatro Infanta Isabel hasta el 28 de junio. No se lo pierdan.

Usando como motor de la trama las canciones de Serrat, está concebido como un viaje emocional por la memoria de Machado, su familia y la historia del siglo XX. Una propuesta que pone en diálogo los versos del poeta con las canciones del célebre disco que Joan Manuel Serrat le dedicó: “Cantares”, “La saeta”, “A un Olmo Seco”, etc. Canciones que cobran vida en directo gracias a la interpretación del reconocido cantautor Ismael Serrano, protagonista de esta puesta en escena, en una nueva producción de Okapi Producciones en una codirección entre José Velasco y Paco Gámez Okapi consolida una línea de trabajo centrada en la recuperación y actualización de las grandes voces poéticas del siglo XX español, tras el éxito de Lorca por Saura y Para la libertad, reconocidos por público y crítica. Con una puesta en escena sensible y un cuidado trabajo actoral, el montaje propone un recorrido por una vida marcada por la intimidad, el compromiso y el exilio.

Sonia López

Teatro Infanta Isabel

Más teatro

La compañía madrileña Sibila BAB Teatro presenta La Teoría de la Abuela, escrita por Laura Auzmendi y dirigida por Irene Herrero, con un elenco formado por Carmen Mayordomo, Inma Isla, Berta Álvaro y la propia Laura Auzmendi. La obra es una comedia intergeneracional que combina humor y reflexión, invitando al espectador a acompañar a las protagonistas en momentos de ruptura, decisiones laborales y desafíos personales, todo con sensibilidad y agudeza.

El estreno en El Umbral de Primavera los días 18 y 19 de junio marca un paso significativo para la compañía, llevando la obra al centro de Madrid tras varias funciones en centros culturales de la Comunidad. La obra establece un diálogo entre generaciones y plantea cuestiones universales sobre maternidad, cuidados, deseos y transformación personal. “Queremos que el público se acerque a los personajes con cercanía y salga con ganas de hablar sobre su propia vida y la de quienes le rodean”, afirma Irene Herrero.

La escritura de Auzmendi se distingue por su frescura, naturalidad y sentido del humor, capaz de revelar con sutileza las aristas de la rutina cotidiana. La química y la intuición del elenco compuesto por Carmen Mayordomo, Inma Isla, Berta Álvaro y la propia Auzmendi crean un flujo constante entre comedia y reflexión, mientras la dirección de Irene Herrero articula con un dispositivo capaz de contener la luz de la comedia y las sombras que genera la presión sobre las mujeres.

Historias que habitan cuerpos y barrios

Las historias de La Teoría de la Abuela recorren las vidas de cuatro mujeres y el barrio que habitan, que podría ser cualquiera de una ciudad mediana o grande. Las calles, los pequeños comercios, los locales turísticos y las viviendas especulativas reflejan la gentrificación, la pérdida de redes de apoyo y la dificultad de acceso a la vivienda para los jóvenes. La obra establece una metáfora entre los cuerpos y los barrios: ambos son espacios de cuidados y memoria, que resisten frente al avance del capitalismo y la homogeneización cultural.

Ella atraviesa un momento de cambios tras la ruptura con quien creía tener un futuro prometedor. Una nueva ausencia y una nueva presencia enfrentan a Maricarmen a una situación sin precedentes. Mientras tanto, Lola debe tomar decisiones ante la transformación del barrio y Marina, su última compañera, ha dejado el trabajo de repente. El tiempo acecha y, en medio de la incertidumbre y la contradicción, surgen preguntas: ¿Cómo se construye el miedo? ¿Cómo se destruye? ¿Me hago mayor? ¿Se nota? Algunas veces la vida se desordena y hay cambios que nos afectan a todas.

El elenco demuestra cómo se puede equilibrar humor y profundidad. El sonido y la música se convierten en narradores adicionales, creando atmósferas que acompañan la historia. “La obra demuestra que se puede hacer comedia con perspectiva de género sin minimizar la experiencia vital de las mujeres”, apunta Laura Auzmendi.

Un último capítulo para un espacio histórico

El estreno en El Umbral de Primavera adquiere un valor añadido: la sala, reconocida por su papel en la escena ‘off’ madrileña, cerrará en 2027 tras más de una década de actividad. Para la compañía, representar su obra en este espacio es un honor y una oportunidad de conectar con un público urbano en un entorno cargado de historia, formación y experimentación escénica.

Una compañía comprometida con el teatro social

Sibila BAB Teatro, fundada en 2024 por Laura Auzmendi y Berta Álvaro, apuesta por un teatro comprometido con la acción social, la igualdad, la accesibilidad y la sostenibilidad. Proyectos anteriores como Actopatía (Teatro Luchana, 2024) y cortometrajes como Buena Cara combinan reflexión social, ironía y comedia desde una perspectiva de género e intergeneracional. “La creación de esta obra nos ha permitido abordar una temática que normalmente permanece silenciada y hacerlo con rigor, humor y sensibilidad”, asegura Berta Álvaro, productora y actriz de la compañía.

NP

Después de ese sueño, llegó el deseo de coreografiar La consagración de la primavera de Stravinsky. Y todo se unió para el estreno absoluto de SACRESIZE, un ballet de personas gordas, para “celebrar mi cuerpo en una verbena con otros cuerpos grandes, enormes, robustos, anchos, expandidos, blandos. Hermosos”.

Así es como Esperanza Guardado, Juanki Fernández, Carlota Ferrer, Jack Gómez, Fiona Orioli, Lucia Palacios, Vicki Schmidt y Alberto Velasco aparecen en la Sala Negra de los Teatros del Canal. La propuesta está concebida con dolor y sensibilidad, pero sin pedir permiso ni perdón. A medida que la mirada se detiene en cada intérprete, se van revelando matices que enriquecen el conjunto y ponen de manifiesto trabajos individuales muy notables, pequeñas conquistas que merecen ser celebradas y que sostuvieron buena parte de mi interés.

Sin embargo, cuando la atención se desplaza del individuo al grupo, surge cierto desequilibrio. Velasco ejerce una presencia magnética y constante, como si el resto tratara de acompasarse a él en cada movimiento. No se trata tanto de una cuestión de protagonismo como de cohesión y entiendo que todavía parece haber algo por afinar para que el colectivo se perciba como un organismo ensamblado, con una energía compartida y una dirección común. Es evidente el disfrute de Velasco, su entrega contagiosa y su convicción en la propuesta. En el resto del elenco, en cambio, esa misma sensación no siempre alcanza la misma intensidad. Quizás sea precisamente ahí donde esta pieza tiene todavía margen para crecer; en encontrar un pulso colectivo capaz de convertir las valiosas singularidades en una verdadera exploración de la gorditud en conjunto.

Tras una hora de función, llega el final. Un final de los que cada vez se ven menos. No porque cierre la obra (que lo hace), sino porque, sobre todo, la abre. Abre preguntas, heridas, memorias y muchas conversaciones pendientes. SACRESIZE encuentra en sus últimos minutos una potencia difícil de sacudirse. Es probable que muchos espectadores y espectadoras recordemos ese desenlace durante mucho tiempo. Hay en él una voluntad de habitar el presente con todas sus consecuencias, de sostener la mirada sin apartarse cuando esta se vuelve incómoda. El escenario deja de ser únicamente un lugar de representación para convertirse en un espacio de confrontación, donde la violencia de las miradas normativas regresa amplificada hacia quien la ejerce.

Amanda H C

La desconquista, bajo la dramaturgia de Álvaro Tato, habla de la historia en mayúsculas y de la interior de cada persona en este mundo en el que nos ha tocado vivir. Así, situándonos en pleno siglo XVI, conocemos las vivencias de Marino Fulano, Fray Pío y Hernán Galán al encontrarse en una falúa improvisada después de un naufragio funesto. Los tres, muy distintos entre sí, tienen un objetivo común: llegar al nuevo mundo para empezar de cero consiguiendo, en una nueva tierra, todos los sueños que en su patria no han podido cumplir.

Estos tres personajes, dirigidos por Yayo Cáceres, nos sumergen en sus vidas contando el por qué de su viaje a la vez que nos hacen participes del mismo. De esta manera, nos acercamos a lo que ocurrió aunque “el resto sea historia o, mejor dicho, leyenda”. Incluso abordando temas espinosos en la actualidad con elegancia y sin perder un ápice de arte en todo lo que se muestra sobre las tablas. No en vano, la crónica de Indias ha sido la base de su creación.

Todo ello acompañado de humor, crítica, canciones en directo e interpretación coral sublimes que se han convertido en marca de la casa de una compañía que lleva 30 años dando caña con el mejor teatro que se puede ver estos días en la cartelera. Y es que hay mucho espíritu de Monty Python e Yllana en esta obra. Destacando canciones humorísticas como “Pica que pica” y “Una higa para ti” o sentimentales ejemplarizadas en la “Nana de Felipe II”.

Además de trabajar con todo esto, la experiencia en el montaje es de corte tradicional, al utilizar recursos manuales que recuerdan a los que se usaban en los corrales de comedias; haciendo la experiencia más inmersiva.

Un punto a destacar de todo el montaje, que brilla durante toda la representación sin encontrar un “pero”, es el hecho de romper la cuarta pared e introducir al espectador; al igual que el buen saber de convertir una obra clásica y en verso en algo muy actual que gusta a todo tipo de público. Contando temas muy importantes como es la historia de la mujer en el Siglo de Oro donde muchas destacaron, pero a pocas se les dio el lugar que merecían en la historia y en su propia existencia.

Así, se muestra una creación maestra que funciona gracias al trabajo coral de un grupo de actores que lo dan todo, literalmente, en el escenario. Sus nombres son: Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana, Daniel Rovalher y, en las últimas funciones, Joserra Arredondo. Todos realizan una actuación brutal y espléndida que hace que espectador y espectadora disfrute a cada momento de lo que se ve en escena.

En cuanto a los aspectos técnicos, realizados por Tatiana de Sarabia y la misma compañía, destacan el vestuario y la escenografía. Del primero, como de todo lo demás, tengo que decir que está muy bien trabajado y cuidado. En especial, me ha encantado el detalle de que todos los personajes lleven ropas en las que están presentes los mapas utilizados en navegación.

En cuanto a la escenografía, destaca la escena en la que aparecen los dioses precolombinos en la historia de Fray Pío. Genial es todo lo que se puede decir de ese tramo de este trabajo en el que todo funciona a la perfección.

En definitiva, La desconquista es una maravilla teatral, clásica y actual que hará las delicias de todas las personas que se acerquen a verla. Un teatro entero de pie aplaudiendo varios minutos todos los días no se puede equivocar nunca.

Finales del siglo XVI. A bordo de una barca a la deriva, tres náufragos reman para alcanzar las costas del Nuevo Mundo. El capitán Hernán Galán busca la gloria, el marino Fulano busca el oro, el misionero fray Pío busca almas para la fe. Los tres vivirán mil peripecias y desventuras en alta mar y en costas desconocidas para descubrir que nadie es quien dice ser y nada es como parece. Y descubriendo el Nuevo Mundo quizá se descubran a sí mismos…

Sonia López

Ron Lalá

Teatro Infanta Isabel

Más teatro

La propuesta cuenta con la autoría de Sergio Martínez Vila, a partir de la novela de Greta García. La dirección de Alberto Velasco nos sitúa ante un dispositivo escénico casi desnudo, en el que la palabra y el cuerpo cargan con todo el peso del relato. Y desde ahí, déjate llevar.

Con Olalla Hernández, este monólogo posee una extraña y cautivadora forma de vida, en la que su presencia nos interpela sin pedir permiso. Gracias a ella, vemos a Pili, una bailarina atrapada entre la pulsión de seguir danzando y la crudeza de una realidad que la desborda. Para acercarnos este personaje, que está cumpliendo treinta años de cárcel por un acto terrorista, la actriz sostiene una intensidad que no concede tregua y que convierte la palabra en un filo que corta y quema. Además, por momentos, la convención teatral desaparece y la sensación es que ya no hay patio de butacas, solo una habitación cerrada en la que estamos a solas con ella, asistiendo a algo que sucede en presente absoluto y nos atraviesa por igual.

Pili aparece atravesada por una furia sostenida, por un hartazgo que no es abstracto sino perfectamente reconocible: el de un sistema que aprieta y asfixia y que lo hace con especial dureza en el ámbito artístico. Hasta ahí, un diagnóstico compartido, generacional se podría decir. Sin embargo, lo relevante en la obra no es solo esa rabia, sino la clarividencia con la que se orienta. La conciencia de saber hacia dónde dirigir esa desesperación se convierte en uno de los ejes fundamentales. La decisión que toma Pili es una forma de posicionamiento, de combate, de resistencia que transforma la rabia en gesto político. Y es precisamente esa elección la que impide mirar hacia otro lado.

En paralelo, hay una pregunta que asoma casi de la nada para cubrirlo todo: “¿De verdad soy responsable al 100% de mis actos?”. Desde ahí, se abre su agujero negro, el punto de gravedad desde el que todo empieza a orbitar. El discurso se pliega hacia esa duda, el movimiento coreográfico encuentra en ella su impulso y la interpretación se imanta a ese núcleo de incertidumbre moral y culpabilizador.

Por ello, me parece que ese punto clave vertebra también la dirección. Se percibe que Alberto Velasco ha ido diseccionando escena por escena con una mirada quirúrgica, pero inquieta. Su propuesta nos permite ver y estar con Pili en un presente casi tangible, pero al mismo tiempo abre fisuras por las que se cuelan su pasado y su futuro. Vemos todo su recorrido vital porque hay una construcción del tiempo escénico especialmente lúcida, que no se impone, sino que se deja habitar.

Una obra imprescindible por su intensidad y su honestidad. Amarga, furiosa y hecha a la medida de una bailarina con la fuerza suficiente para danzar en cualquier espacio, incluso en uno con rejas.

¿Cómo acaba una bailarina cumpliendo treinta años de cárcel por acto terrorista? Pili solo quería bailar, pero jarta de batallar en la precariedad de los que luchan por vivir del arte, un día llega a su límite y decide hacer algo. Su rabia no va en contra, solamente, de la administración pública y sus trabas burocráticas. No va en contra de su padre castrador, ni tampoco es una venganza hacia sus profesores de baile. Es un acto kamikaze de amor por parte de alguien que siempre ha carecido de él.

Amanda H C

Teatro del Barrio

Más teatro

Mattis G. de la Fuente ha creado y dirige una adaptación libre de Tío Vania de Anton Chéjov, en la que un grupo de actores y actrices de doblaje de ambiente tiene el encargo de poner el sonido de fondo a una versión de esa mítica obra. Además, la pieza se centra de principio a fin en las palabras de Sonia, el personaje que promete a Vania que descansarán, pero no dice cuándo ni cómo se hace. Así que, esta compañía hace una propuesta para ello.

La puesta en escena de Sonia dice que descansaremos se articula, ante todo, como un ejercicio de escucha: más que una obra sostenida por la fisicidad de cuerpos interpretando y declamando intensamente a Chéjov otra vez más, lo que se despliega es un espacio acústico que el público completa en tantos imaginarios como butacas. Y no es casual que el dispositivo escénico se desplace hacia lo sonoro como materia principal. En ese sentido, la función aparece orquestada por un maestro de ceremonias, Kevin Dornan, que no solo firma el diseño de sonido, sino que se mueve con una energía a través de la que sabemos se lo está pasando pipa en su misión de guiar al público por ese paisaje invisible que, poco a poco, se va materializando en una única imaginación compartida.

El elenco —Sergio Boyarizo, Javi Díaz, Kevin Dornan, Tony Galán, Nuria Gil, María Lobillo, Cristina Marín-Miró, Mario Patrón, Julia Rubio y Ana Veganzones— se muestra divertido y disfrutón, entregado a un aire sesentero (culpa gozosa del vestuario de Claudia Bernabé, junto a la escenografía) que no solo los vuelve especialmente atractivos y atractivas, sino que además los impulsa a moverse y a bailar con una soltura casi profesional. Desde ese tono, nos arrastran a un “ahora” de incógnito que, si al principio parece no tener demasiado sentido, en el desarrollo y en el desenlace tampoco termina de encontrarlo. Pero eso deja de importarnos pronto: hay una complicidad que se impone y hace que aceptemos el juego sin resistencia, siguiéndoles la corriente con gusto.

Importantísima también la labor de iluminación de Pau Duvide, que sorprende y logra retenernos y deslumbrar con un trabajo cuidadísimo, depurado y perfectamente destilado de adornos innecesarios.

Os estaréis preguntando qué clase de descanso puede ser este una tarde de domingo. Para ello, hay que llegar a la segunda hora (de tres) de función y descubrir su misterio. Sin querer desvelar nada, diré que esta parte central no logró conectar conmigo y terminó por fracturar en exceso la continuidad de la acción. Entendí el detonante y el discurso en torno a la pausa que propone, pero no logré aferrarme ni integrarlo del todo en la experiencia.

Por fin, la última hora de función, una apertura casi infinita hacia el público y con algo de reposo para el elenco. Si ya en la anterior, se nos permite hacer, literalmente, lo que nos dé la gana, esta última entrega resulta hipnótica. Lo que en un inicio podría parecer un gesto provocador o incluso anecdótico, se transforma aquí en el verdadero núcleo de la propuesta: una cesión radical de Tío Vania, una fe sostenida gracias a una invitación clara a los ecos (pasado), a la acción de nuestros cuerpos en escena (presente) y a tomar el control de la pieza desde el asiento (futuro), incluso hasta desbordarla. En todos estos gestos, hay algo profundamente incómodo y, al mismo tiempo, liberador y relajante.

El descanso sin ser paréntesis. El descanso para convertirse en el campo de pruebas. Que descanse quien necesite descansar.

Amanda H C

Nave 73

Más teatro

1984 cuenta la historia de una sociedad que vive en un régimen totalitario en el que nada es lo que parece ser. Sus ciudadanos viven vigilados de manera perpetua por cámaras y otros medios personificados en la figura de “el gran hermano” o “el hermano mayor ”. Si alguien decide vivir de manera diferente a lo establecido, será eliminado.

Winston Smith, protagonista de esta historia, comienza a escribir sus vivencias mientras descubre el amor y se interesa por otros caminos posibles aunque sean peligrosos. Para descubrir que todo es mentira y que no se puede escapar del sistema.

Este mensaje, tan impactante y actual, fue escrito en género narrativo por George Orwell en los años posteriores a las grandes guerras del pasado. Es un texto que araña y retuerce por dentro. Algo que esta nueva versión realizada por Javier Sánchez y Carlos Martínez también logra con creces.

Bajo la dirección del citado Martínez, cuatro actores representan esta trama bastante fiel al original sin ningún “pero” al respecto. Y es que, una vuelta de tuerca era innecesaria por la perfección de la materia prima y seguir sirviendo como revulsivo frente a una sociedad controlada por redes sociales y con un futuro incierto.

Así, es una obra coral en la que intervienen David Lázaro, Javier Ruiz de Alegría, Cristina Arranz y Javier Bermejo. Todos están impecables en su trabajo; si bien destaca David Lázaro, que se pone en la piel de Winston Smith, sobre todo en las escenas relativas al sufrimiento en interrogatorios, además de Javier Bermejo que tiene el reto más grande; el de interpretar varios personajes, en un montaje de gran duración, solo cambiando alguna piezas de vestuario.

En cuanto a los aspectos técnicos, destaca el espacio escénico e iluminación creado por Javier Ruiz de Alegría. Con aciertos como las televisiones antiguas o una cama que puede llegar a ser cualquier cosa sobre el escenario como principales puntales del trabajo.

Todo un acierto, al igual que el vestuario, de la mano de Escorzo Teatro, con esos monos obreros, tan totalitarios y ochenteros, que tan bien casan con la historia.

1984 es una historia que habla del pasado, pero también del futuro, que sigue agitando a todo aquel que se atreva a entrar en su reino. Esperamos que siga girando por más teatros. Es algo necesario por la calidad del trabajo bien hecho y por un mensaje que no tiene que quedar en el olvido nunca.

Sonia López

Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

Más teatro

Este es un ejercicio teatral alejado de la ficción convencional. Sobre el escenario, Olmi no encarna un personaje, sino que se expone a sí mismo en una búsqueda identitaria que atraviesa su trayectoria vital y profesional. “Un hombre se para en un escenario. No está actuando. Vino a decir la verdad”, plantea la sinopsis del espectáculo.

Con más de cinco décadas de carrera en cine, teatro y televisión, el actor propone aquí un giro hacia lo autobiográfico, en un formato que combina humor, crudeza y reflexión. La pieza indaga en preguntas sobre la identidad, los vínculos, las heridas y la memoria, en un relato que —según el propio planteamiento escénico— aspira a ser tan personal como universal.

La presencia de Boy Olmi en Espacio Mistral se amplía con su participación en otra obra que lleva por título La heladería, en la que se invita al público a un viaje onírico y teatral, entre sabores y recuerdos, y donde el universo del helado de limón funciona como hilo conductor de una historia ligada a la memoria, el legado y la identidad.

Además, la programación argentina en Espacio Mistral se completa también en abril con Okasan. Diario de viaje de una madre, protagonizada por Carola Reyna. Se trata de otro unipersonal basado en el texto de la escritora Mori Ponsowy que narra el viaje de una mujer a Japón para reencontrarse con su hijo, en una experiencia marcada por el descubrimiento personal y la distancia emocional. Adaptado a escena por Paula Herrera Nóbile, con la colaboración de Sandra Durán, el montaje —estrenado con éxito en Argentina en 2023— propone un recorrido íntimo por los vínculos familiares y la transformación interior.

Con estas propuestas en cartel, hablamos con Boy Olmi para conocer más de cerca estos unipersonales y charlar un poco sobre su presente teatral.

Resalta mucho que, en la sinopsis de tu pieza, aparezca que en escena hay un hombre que no va a actuar. ¿Qué vamos a ver entonces, a qué viniste a Madrid?

Vas a ver a un hombre en el escenario diciendo absolutamente la verdad. Esa es la diferencia con la actuación convencional. En el teatro, tratamos de encontrar la verdad a través de un discurso poético que emula la verdad. Aquí, el discurso poético proviene de lo que yo he dicho después de años de trabajo, con una directora y dramaturga que me escuchó decir cosas de mi propia vida que son absolutamente ciertas. No hay una palabra en lo que digo en este espectáculo que no sea cierta, que no sea verdadera en términos ya no de la verdad recreada, sino de la verdad misma. Esto quiere decir que este espectáculo, unipersonal, en realidad es un experimento muy personal, en el que me pregunto sobre por qué yo soy el que soy y por qué cada uno de los espectadores que está en esa sala es quien es. Y por eso la gente queda muy movilizada, muy sorprendida, muy emocionada y divertida a la vez.

Tras 50 años de carrera, ¿no te da miedo que el público vea “al hombre detrás del actor”?

Sí, sí, pero al mismo tiempo, descubrí que eso era muy sanador y que detrás del actor no debe esconderse sino aparecer el hombre, que es el actor. Porque yo acabo no definiéndome como actor, sino como persona. Entonces, creo que nos hace mucho bien a todos descubrir que, más allá de las investiduras, las personalidades y los lugares que ocupamos en la sociedad, detrás de todo eso y sobre todo eso, somos personas. Y eso nos hermana de una forma muy tranquilizadora porque si no, no nos permitiríamos ver que somos parte de una especie en convivencia con otras y que a todos nosotros nos está pasando más o menos lo mismo.

¿En qué momento profesional y personal te encuentras ahora mismo para salir a escena y exponerte de esta manera?

Bueno, en los últimos 50 años no he parado de trabajar en cine, teatro y televisión. Y ahora, me encuentro haciendo algo que nunca hice en la vida, que me permite disfrutar de estar en el escenario de una manera superior a lo que he disfrutado siempre. Porque en este experimento, me encuentro conmigo mismo de una manera como en realidad uno persigue siempre cuando hace teatro y descubrí que por este camino he llegado mucho más hondamente a la esencia de mi persona y a la esencia de todos los espectadores.

¿Hay algo que no te atreviste a poner en la obra, pero que querías que el público imaginara?

Este unipersonal es muy verdadero en ese sentido y algunos momentos me costaron mucho, pero la directora y dramaturga Shumi Gauto me ayudó a demostrar que, si uno se atreve a decir lo que no se atreve a decir, se siente mucho más libre finalmente. 

Carola Reyna estará también este mes en la misma sala, repitiendo con ‘Okasan. Diario de viaje de una madre’. Cuéntame algo sobre esto.

Carola Reyna, mi mujer, es una actriz muy prestigiosa en la Argentina y elaboró este otro espectáculo unipersonal a modo de diario de viajes de una madre que sale de su país para a visitar a su hijo al Japón, donde vive desde hace tiempo. Es un viaje no solo a otra cultura, sino a reconocer que, entre madres y padres e hijos, de golpe, se produce una distancia totalmente necesaria y razonable que mueve muchas cosas. A veces, en el caso de esta obra, se ve en términos físicos del viaje que hay desde América del Sur hasta el Japón, pero que, en términos metafóricos, nos ocurre todo el tiempo. Esto es porque los hijos necesariamente tenemos que despegarnos de nuestros padres. Y eso genera un movimiento muy grande. Es un espectáculo precioso el de Carola.

Las funciones de estas 3 obras y más tendrán lugar en la sede de Espacio Mistral, ubicada en la zona de Puerta del Ángel, en Madrid, consolidando la presencia de propuestas teatrales contemporáneas e internacionales en la cartelera cultural de la ciudad.

Amanda H C

Más teatro