https://www.youtube.com/watch?v=Myc_E8d_h3o
„Ein Auge Blau“ springt auf Afrobeats auf. Gut für eine jüngere Target Group. Eventuell, wenn sie mit den Lyrics über Midlife-Crisis in einem bemüht anglizistisch angehauchten Gewand klar kommt. „Family-Mann – rennt vor die Wand“, textet Peter, „Alte Geister laufen durch mein Haus und meine Hall of Fame (a-ha!)“, „Neues Zeug geordert, bis dahin out of order“. Wie wär’s da noch mit einem Versuch Jugendsprache, aber wie hieß das Wort noch gleich, ähm? „Bin nicht kaputt, nur ein bisschen defekt“– ? Nein, Peter. Oder sollen wir sagen: Bro? Oder Bre? Sagen wir, Digga. Also, Digga es hätte „abgeaxt“ geheißen. Und weder kaputt noch defekt. Mit der Kombi der Wörter „broken“ + „lost“ wüsste man auch Bescheid, was gemeint ist. Jedenfalls mehr als mit „bin nicht kaputt, nur ein bisschen defekt“.

„Exhausted“ wäre als direktes englisches Wort besonders passend zur Einleitung: „Mein Spiegelbild Schrott / Ich steh‘ im Bad und baue mich neu zusammen“. So weit ein erster Überblick über die Sprache.

Und, wie ist die Stimmung im Haus am See?

Mit einem „Haus Am See“ halten die neuen Szenarien nicht Schritt. Aus einer ganzen Reihe von Gründen. Nicht nur, weil manche Reime nicht zünden wollen, wie „lässt gerad‘ im Garten den Aston Martin laufen (wrumm-wrumm)“ (in „Regen In Dubai“).

Es fehlen die wirklich positiven Szenarien. Dort, wo’s auf „Love Songs“ glückt, gute Metaphern zu formulieren und starke, richtig visuelle Bühnenbilder aufzuzeichnen, stehen sie für unspannende Geschichten. Wenn es Positives zu vermelden ist, ist es verhalten und gedämpft. Zum Beispiel im Post-Pandemie-Tune „Vergessen Wie“. Da ist der einzige Grund zur Freude, dass Clubs wieder offen haben und die Lockdown-Maßnahmen vorüber sind. Welch ereignisloses Leben.

Die Kunst bei Peter Fox‘ erstem Album bestand in der Fortführung des Seeed-Konzepts, Reggae auf Deutsch richtig groß zu malen, den Neue-Hauptstadt-Sound ins ganze Land zu schallen, Hip Hop subtil zu machen, ohne dabei niedlich oder Gangsta zu sein, und ohne ‚Hip Hop‘ drauf zu schreiben. Entscheidend waren sowieso die Bässe. Ich gelangte Anfang 2009 mal aus Zufall zu einer WG-Party, die restlos überfüllt war. Ungefähr 200 Personen sprengten den Rahmen einer Sieben-Zimmer-Wohnung, die immerhin über einen großen Balkon und eine geräumige Küche verfügte. Man hatte damals noch nicht so viel Erfahrung damit, wie Facebook funktioniert und von der Existenz dieser Party auf Facebook gepostet, und die einzige Musik, die diesem Riesen-Aufgebot von Leuten stand hielt, war „Stadtaffe“, weil die Bässe richtig gut funktionierten und ultra deep durch die Etage groovten.

Entscheidend waren Bässe

Fox machte es wie sein Freund Boundzound und entlieh die Resonanzen der jamaikanischen Soundsystem-Culture. Mit freundlichen, optimistischen Texten, die mitrissen und Idylle malten, kannte er sich von Seeed schon aus, etwa wenn man an „Aufstehn“ denkt und an den „Kaffee, der tote Tanten weckt“. Die Alliterationen beherrscht der Berliner weiterhin super, z.B. in „Tuff Cookie“, wo die Heldin des Songs den Kiez kennt und die Kids raus schickt: „Bist mein Best Buddy, meine Baby Mama (…) / sind Pinguine, keine Part Time Lover.“ – Doch die Beats dazu klingen nachahmend. Sie erschaffen keine Marke. Sie haben nichts von dem, womit Seeed Hallen füllen, sondern viel von dem, womit Spotify Streams in Endlosschleife generiert. Was hier musikalisch alles so kommt, tut nicht weh und ist nicht schlecht. Aber es ist auch überhaupt nichts Besonderes. Sondern eine Anbiederung an Sido, Bausa, Dendemann, Cro, Namika, Nura, Lary, Feature-Gast Ghanaian Stallon von BSMG, und viele andere, die Deutsch-Pop mit Rap irgendwann mal mit Spuren von Dancehall oder Afro angereichert haben. Daher drängt es sich auf, dass z.B. Soundcloud-Producer Mash-Ups aus Fox und Artverwandten basteln. Trotzdem stimmt der Satz aus dem PR-Text annähernd:

„Die Einflüsse und Referenzen reichen von Afro-Drill und Amapiano über Dancehall und Jersey Club bis hin zu 70er-Electronica oder Punkrock. Einen roten Faden bilden die Chor-Arrangements.“ 

Kein Regen in Dubai - YouTube

„Kein Regen In Dubai“ sticht dank Streichern und einer romantischen Atmosphäre hervor. Der Dream-Soul schlängelt sich angenehm um die Ohren. Stört nicht. „Das Silvester-Feuerwerk ist perfekt / das Service-Team ein weißes Ballett“, skizziert der mental nach Dubai Reisende. „Und im Traum verwandelst du dich dann / in ein’n wunderschön’n Gegenstand.“ – Ja, und da verließen sie ihn dann, die Metaphern. Welchen Gegenstand denn?!

Alliterationen vs. Slogans

So nett es ist, einen Traum aufzuschreiben und ein Lied draus zu machen, so sehr gilt leider für alle Lyrics, dass sie sprunghaft wirken und einzelne Slogans aneinander reihen, von denen manche gut klingen, manche aufgesetzt, manche bescheiden, aber kaum mal einer wirklich witzig oder gar wortakrobatisch. Manchmal weiß man, was Fox meint, manchmal behält er’s für sich. Wirklich stringente Geschichten erzählt er jedoch leider keine. „Braungebrannt und schmuckbehangen und für ewig umgeben von goldenem Wüstensand“, stellt Fox sich das „du“ vor, das in Dubai zum Gegenstand wurde.

Abflug zur nächsten Station, Disneyland. „Ich träum deinen Namen rückwärts (…) und flieg übern Asphalt, wieder aufm Weg zu di-hiar“, erfahren wir in „Disney“. Ach komm, Peter, Digga, Bro. DAS sollen „Love Songs“ sein? Woah, da hat Wolfgang Petry mehr Poesie. Rinnen die Textideen aus, bleibt einmal Zeit für „yea-hea-hea-hea.“ und einen Blick aufs beste Small Talk-Thema ever: „Das Wetter supreme, die Message sublim, Camptrails zeigen den Weg nach Süd-West-Berlin zu dir / eigentlich weiß ich so wenig, versteh grad so viel / seh meine Moleküle schweben über Strawberry Fields. Meine Welt ist ein Frisbee, vielleich’n Tick zu Disney (oh-ho-oh) kann nur noch dich seh’n / kiss me Girl, für immer Lip Sync.“ – Also, wenn man’s über die Kirchglocken auf Handclap-Azonto im Intro hinaus schafft und wenn man überhaupt den Track durch hält, landet man leider tief im Schlager-Sumpf.

Das sollen Love Songs sein!?

„Toscana Fanboys ft. Adriana Celentano“ wagt den Trip auf einer selten gehörten Kreuzung aus Italo-Pizzicato mit heutigem Reggae. Ein bisschen Sixties-Filmmusik nachgespielt, ein ganz kleines bisschen Anlehnung an Protojes „The Flame“. Die Stimme von Italo-Senior ‚Signore Azzurro‘, 85, taucht auf, klingt alt und tatsächlich eher wie extra angefragt als reinkopiert, frappiert ein bisschen und passt aber gut. Fox ist im Pinienwald und auf einem gelben Feld unterwegs. „Wie bei Gladiator, ’n Helm auf wie n‘ Held“. Solche Verweise auf Action-Figuren gibt es öfter, wie in der Zeile über den Optimus Prime in „Ein Auge Blau“. Fox referiert über Cappuccino, Wein und einen Casual Lifestyle, gibt aber die „Kilos“ zu bedenken, die man durch zu viel Cappuccino bekomme. Ich glaube, da steigen die Millenials aus, und die CD reduziert sich auf einen symbolischen Nachfolger für „Stadtaffe“, für die, die mit ‚Enuff‘ älter geworden sind und ihn nicht vergessen, aber auch sonst kaum mehr neue Musik entdeckt haben.

Da ist der beste Track doch tatsächlich der Chorgesang ohne Text, der Anderthalb-Minüter „Dawn Of The Dawn“, eine Art Intro zum Electropop „Gegengift“. Das Aerobic-taugliche Stück Wabbel-Zappel eignet sich laut den Lyrics für Sit-Ups und Liegestütze. Hier scheint ein actionreicher Alptraum dargestellt:

„Schrank vor die Tür, vor jedem Fenster ein Brett / kann mich irgendwer hör’n? Ich funk aus meinem Versteck. Kann mich irgendwer hören? Ich funk aus meinem Versteck. Alle rennen taub durch die Gegend, beißen sich fest / Pass auf, wenn du rausgehst, Bruder, die flexen dich weg. (…) Hab ich Spucke im Mund oder isses schon Gift? (…) mein Leben noch einigermaßen im Griff (…) Draußen Chaos in den Straßen, die Schreie laut, die Blicke leer.“
(„Gegengift“)

Worum es auch immer gehen mag, Dystopie hat nun auch die Wohlfühl-Produktionsstätte Seeed erreicht – oh weh. In Bezug auf den Titel „Love Songs“ bleibt auch mit diesem Track nur das Urteil ‚Themaverfehlung‘ übrig. Spannend maschinengetrommelt ist das Stück immerhin, und Peters Stimme ist ja auch ganz sympathisch. Und der Afro-Soul in „Celebration ft. Benji Asare“ klingt stellenweise so schön wie in alten Nneka-Zeiten. Aus historischer Verbundenheit kann man das Album okay finden. Es hat gute Momente, von denen viele noch Feinschliff verdient hätten. Wahrscheinlich weiß der Meister das selbst. Aus den Angeln reißt es die Welt nicht, die bereits erhobenen Vorwürfe der ‚Aneignung‘ gegen den Berliner wirken maßlos überzeichnet, streitlustig und aus dem Kontext gerissen. Er macht jetzt eben Popmusik, in der aus diversen einander benachbarten Genres Zitate auftauchen. Das ist nett, aber leider nicht innovativ.

Trackliste:
1. Ein Auge Blau (Riddim by Ghanaian Stallon) 2. Tuff Cookie 3. Kein Regen In Dubai 4. Disney 5. Celebration ft. Benji Asare 6. Vergessen Wie 7. Dawn Of The Dawn 8. Gegengift 9. Weiße Fahnen 10. Toscana Fanboys ft. Adriano Celentano 11. Zukunft Pink ft. Inéz

Love Songs – Album von Peter Fox | Spotify

„Love Songs“ von Peter Fox ist am 26. Mai 2023 bei Warner erschienen (CD, Vinyl, mp3). Zuletzt erschien von Seeed der Longplayer „Bam Bam“ (Oktober 2019).

„Thriller 40“ – Neuauflage mit unveröffentlichten Versionen

Michael Jacksons Album erscheint am 18. November als „Thriller 40“ bei Sony in verschiedenen Versionen, darunter einer Doppel-CD mit vielen Bonus-Tracks und einer üppigeren digitalen Fassung.

Das „Moonwalk“-Video zur Einstimmung nochmal hier…

… und „Human Nature“ in der Reggae/Lovers Rock-Version mit Lyrics hier, stellvertretend für viele Hunderte Samples und Covers bezogen aufs „Thriller“-Repertoire: 

Der Weltstar Michael Jackson wäre gestern 64 geworden. Sein Album „Thriller“ zählt bis dato als meist verkauftes Musikalbum der Welt.

PARADOXIEN UND VISUELLE SZENARIEN IM FORMSCHÖNEN 4/4-TAKT

Über weite Strecken trägt die präsente Stimme von Multiinstrumentalist Jeremy Gaudet als Fundament fürs gleichmütige, auch – zugegeben – vorhersehbare Vier-Vierteltakt-Spiel mit stetem Schlag auf die Eins. Warum der Kanadier das kraftvolle Band-Zusammenspiel so wasserdicht mit Gesang zu nietet, ohne Lyrik-lose Leerläufe zu lassen, erklärt sich mit den reichhaltigen, paradoxen und sprunghaften Szenarien der Texte. „Ich male nur mit Grün / ich mische Blau und Gelb zusammen / es fühlte sich so gut an, heim zu kommen, aber aufzubrechen fühlt sich sogar besser an. / Denn sie bauen diesen Power-Magneten auf, um den Rhythmus des Herzens zu stören. / Ich renne und verstecke mich / aber es ist, als wolle man aus dem Auto von jemand anderem bei Dunkelheit raus. / Ich brauche klerikalen Schlaf / (…) „Gute Nacht, Mond“, ich möchte meine Wahrheiten aufdecken (…) und wenn ich nah genug bin / explodiere ich für Friedens-Atomwaffen“, und von einem Seitenhieb auf die nicht mehr produzierte US-Automarke Oldsmobile streift der Songtext dann noch bis zur Robotik unserer Tage. Den Liedtitel „Clerical Sleep“ kann man als „Schlaf des Angestellten“ (der Befehle ohne nachzudenken ausführt) oder als „Schlaf des Geistlichen“ (der die kaputte Welt in Sicherheit wiegt) interpretieren.

ZACKIGES TEMPO IM KICKSTART-MODUS

Gewisse Dissonanzen beschränken sich nicht aufs Verbale und greifen auf die musikalische Gestaltung über, nimmt man die schief gespielte Orgel in „Contract Killers“ (Vertragsmörder). „Chopper“ bleibt stets in einem Uptempo- oder gehobenem Midtempo-Modus. Am Tempo-Gipfel: „Downtown Area Blues“ als zackigster Track mit New Wave-Ästhetik. Gegenpol: „The Extra Sees The Film“ als am lässigsten treibender Tune. Dazwischen liegt vor allem Gitarrenrock mit Anspruch und fleißigem Storytelling in klaren, an die 80er angelehnten Songstrukturen. Während in der Jetztzeit am ehesten Parallelen mit Wolf Parade oder den Rolling Blackouts Coastal Fever aufscheinen, kann man für die Achtziger ‚Simple Minds in Highspeed‘ über den eingängigen Rockpop-Reverbs-Sound schreiben, während die Storytelling-Inhalte in ihrer Konkretion und ihrem Inhaltsreichtum an Ray Davies (The Kinks) und Jonathan Richman erinnern. Aber: Alle ‚klingen wie‘-Querverweise muss man mit Mühe herbei schaufeln. Denn Kiwi Jr. pflegen einen sympathisch eigenständigen und überdies sehr eingängigen Stil. „Chopper“ geht mühelos ins Ohr und ist der strahlende Indierock-Frische-Kick des Sommers 2022. „Chopper“ von Kiwi Jr erschien am 12. August bei Sub Pop im Vertrieb von Cargo, als mp3, WAV, FLAC, CD, Cassette und weißes Vinyl.

Links: Bandcamp / Twitter / Mehr über Kiwi Jr auf Blogrebellen!

Da wäre zum Beispiel die Single „In The Gloaming“ – ein geisterhafter Gefühlsrausch, gesungen von Lisbet Fritze. Die mit Tricky aufgenommene Ballade „No One Quite Like You“ wiederum kriecht einem ganz wundervoll unter die Haut, während das rein instrumentelle „Golden Sun“ beweist, dass Trentemøller einfach der Meister der tanzbaren Melancholie bleibt.

Trentemøller sagte im Vorfeld, dass er die Musik von „Memoria“ vor allem mit Blick auf die kommenden Liveshows komponiert hätte. Deshalb hat er sich für die Tour eine handverlesene Truppe an kreativen Köpfen zusammengestellt. Licht und Visuals stammen von Leroy Bennett, der schon mit Prince, Lady Gaga und Nine Inch Nails arbeitete. Für die Vocals wird die isländische Sängerin Disa an Bord sein.

30.08.2022 Leipzig – Täubchenthal – Tickets

31.08.2022 Berlin – Astra Kulturhaus – Tickets

Tickets sind für 28 € (zzgl. Gebühren) auf tickets.de erhältlich.

Im Dezember 2021 starb Robbie, schon lange chronisch krank, doch überraschend. Kann sein Partner weiter machen? „Er muss immer Musik machen„, sagt Jake Savona, der ebenfalls mit den beiden seit 2014 zusammen arbeitete. Gerade erschienen posthum die Aufnahmen „Mista Savona presents Havana meets Kingston 2“, auf denen Shakespeare noch Bassgitarre spielt. Live fehlt er bei der zugehörigen Tournee, auch emotional, als Groove-Geber des ganzen Großprojekts. Dabei treffen erstmals jamaikanische und kubanische Musik in einer spannenden Fusion aufeinander. Eine simple Idee, auf die vorher niemand kam. „Havana meets Kingston“, organisiert von einem Australier, kommen gerade aus der Schweiz zurück, wo sie zB das vielseitige Paléo-Festival am Genfer See und das Reggae-Festival Reeds bunter machten. Jetzt geht’s unter anderen weiter nach Belgien zum Reggae Geel, Europas allerältestem Reggae-Festival.

Und seit 1994 gibt es das Rototom Sunsplash in Spanien. Vom 16. bis 22. August ausgetragen, steht hier nun auch Drummer Sly Dunbar auf dem Line-Up. Seine Mitstreiter u.a.: Dean Fraser (Saxophon) und Earl Chinna Smith (Legende aus dem Kreise von Bob Marley & The Wailers).

Die letzte Platte unter dem Namen Sly & Robbie ist auch ganz interessant und entstand – etwas unbemerkt – in Argentinien. Ein Review zu einer Rarität aus dem Herbst 2021.

Was Robbie Shakespeares Tod im Dezember 2021 besonders schockierend macht, ist dass er gerade noch mitten im Berufsleben stand. So ähnlich wie Toots Hibbert, U-Roy und Lee Perry unmittelbar nach der Arbeit an neuen Alben der Reggae-Szene entrissen wurden, so reißen Komplikationen bei Robbies Nieren-OP ein empfindlich klaffendes Loch in den Output der Karibikinsel Jamaika. Erfreuen wir uns an der letzten LP, welche den lebenslangen Kampf im Titel trägt: „Sly & Robbie vs. Roots Radics: The Dub Battle“. Bloß: Worum geht’s jetzt genau: Reggae oder Dub?! Die Frage ließ sich schon bei Lee ‚Scratch‘ Perry nicht ganz exakt beantworten, denn er werkelte, wie auch Sly Dunbar und dessen Mitstreiter, im Dienste diverser Reggae-Artists.

Während der erheblich ältere Kollege aus dem Black Ark-Studio als einer der vier Erfinder und Pioniere der Dub-Misch-Techniken gelten kann – neben Bunny ‚Striker‘ Lee (ebenfalls R.I.P.), King Tubby und Herman Chin Loy – war Shakespeare Teenager, als sich diese spooky Sounds Bahn brachen. Seine Leistung am Bass, auch als Arrangeur und Produzent, bestand zusammen mit Drummer Sly darin, jamaikanische Talente zu fördern und deren Reggae zu einem modernen Klang zu verhelfen.

Einem Sound-Kolorit, der meilenweit vom blechern-rustikalen Ska Abstand nahm und mit Rock und Disco Schritt hielt. Dubbigen Anstrich ernteten dabei sogar Genre-fremde Acts von der internationalen Bühne, Rock, Disco, Soul, Reggae und Dub wurden mit Sly & Robbie eins, zum Beispiel in „I Can’t Lie to Myself“ von Joan Armatrading (1981). Neben diesem finanziell lukrativen Standbein waren Sly & Robbie mit der ‚Taxi Gang‘ eine sogenannte Backing-Band für zahlreiche Reggae-Acts im Studio und auf Tour, und sie inspirierten ihre Kunden und auch ihre sehr prominente Kundin Grace Jones immer wieder dazu, auch reduzierte, halb-instrumentale Dub-Versionen zu veröffentlichen.

‚Privat‘, wenn man so will, jenseits der Auftragsarbeiten, gönnten sie sich ab und an elektronisch ausgefeilte Spielereien, die Dub Richtung technoider Welten verschoben und mit der Zeit schreiten ließen. Auf dem vorliegenden letzten Album wiederum teilen sie sich den CD-Titel mit den Roots Radics, einer Band aus der analogen Welt. Deren einstiger Drummer Style Scott gilt als der Inbegriff des Trommelns im 80er-Rub-a-Dub-Style. Der Name Roots Radics lässt bei Fans hochwertiger Sounds sofort Ohren klingeln und Augen leuchten. Für diese Combo gilt ähnlich wie für Sly und Robbies Taxi Gang: Die Zahl der namhaften Auftraggeber aufzuzählen, ist ein monumentales Anliegen. Schneller erzählt man, wer die beiden Combos nicht buchte.

Heraushören lässt sich aus dem aktuellen „Dub Battle“ sofort Max Romeo, dem Radics-Bassist Flabba Holt den Track „The Gates Of Hell“ schrieb und 2019 auf „The Final Battle“ veröffentlichte – hier im Remake: „The Gates Of Dub“. Romeo profitiert von einer launig trötenden Posaune, die seine helle Stimme lässig umspült. Rundherum, das ist der Gag nun, blubbert und wabert alles.

Da dekonstruiert Produzent Hernan Sforzini unter Beihilfe hochdekorierter Szene-Schlachtrösser die zwölf Stücke der Original-LP. Und fügt noch zwei neue hinzu. Jener originale „Final Battle“ war für den Reggae-Grammy nominiert, verlor zwar gegen die Newcomerin Koffee, weil die – hust – die stärkere Plattenfirma hinter sich wusste. There’s no business like show business. Dabei hat die finale Schlacht sowohl ein klasse Aufgebot an Stimmen, wirklich ein Who’s Who, als auch noch einen gewichtigen Vorzug: Sie macht sich ein altes Prinzip des Dancehall-Stils – oder viel mehr – der Dancehall als Location zunutze: Dass zwei Djs gegeneinander auflegen und es in dieser Competition darum geht, wer mehr Leute auf die Tanzfläche holt. Und so treten hier immer einmal Sly & Robbie, dann wieder die Roots Radics an. Wer die Platte hört, muss also alle Tracks anhören, um zu urteilen, wer’s besser drauf hat.

Ein Kopf-an-Kopf-Rennen, in dem die Roots Radics auf klassischen Unterwasser-Dub („Dubterior Motives“ mit produktionstechnischer Schützenhilfe von King Jammy) setzen, während Sly & Robbie zum Beispiel Luciano in sphärischen Space-Dub geleiten, verstärkt durch den großartigen Frickler Scientist im spannenden „Make A Dub“.

Aber hey, die Roots Radics haben mit den Congos und Toots Hibbert ausgezeichnete Charakterstimmen an Bord. Und King Jammy schafft es sogar, dem Bläser-dominierten, flirrigen Ska-Tune mit Toots, „Dub To You“, eine weiche Dub-Aura aufzuerlegen. Während der argentinische Strippenzieher, Señor Sforzini unter seinem Pseudonym Don Camel, die Vokal-Truppe The Congos nach Herzenslust zerlegt und Tischtennis mit ihren Tonspuren spielt. Dass von Soul-Reggae-Crooner Freddie McGregor relativ wenig übrig bleibt, wenn der britische Analytiker Mad Professor sich die „Dub Glory“ vorknöpft, ist Ehrensache. Was aber unkaputtbar durch jegliche Dub-Verfremdung hindurch erhalten bleiben muss, weil es zur DNA dieser Musikrichtung gehört, ist klar: Flabba Holts Bass. Das Gerüst. Bei der anderen Hälfte der Tracks: Robbie Shakespeares Bass.

Der erdet auch Pablo Moses‘ hier auf Micky Maus-Gequietsche hochgepitchte Stimme, in „Gwan Dub Up Yuh Mouth“. (Pablo-Fans können übrigens genau seit dem Tag, seit „The Dub Battle“ auf dem Markt ist, dessen Gesamtwerk erstmals in den Streaming-Diensten studieren – es lohnt sich…) Während die 45 Jahre lang unzertrennlichen ‚Riddim Twins‘ Sly und Robbie relativ zu Beginn einen Punkt im Battle verlieren, weil ihnen Striker Lee die Stimmen der Mighty Diamonds leider fast vollständig aus „Dub My Mind“ entfernte, setzen sie sich bei „Full Dub, Plant A Tree“ mit Lee Perry wieder in Führung.

Mit dem meditativen „Dub Morning“, das Dunbars Drums-Spiel super-clean exerziert, liegen Sly und Robbie mit einem Ticken mehr Gefühl insgesamt knapp ein Viertelpünktchen vorne, zumal der „Radical Dub Mix“ der Roots Radics einfach ein handwerklich profunder Absacker ist, aber nichts Konkretes ausdrückt.

Bleibt noch festzuhalten, dass die Roots Radics am Schlagzeug hier Kirkledove sitzen haben, einen der fleißigsten Riddim-Producer unserer Zeit. Ob Sly ebenfalls in diese Sparte wechselt, ist sehr fraglich. Er war stets ein Teamplayer mit Robbie – mit einer Ausnahme: er schrieb mit Richie Spice eine von dessen ersten Singles, „Monday To Sunday“. Voila, das erste für den Reggae-Grammy nominierte Album made in Argentina.

Herzlichen Dank für tausende Platten, lieber Robbie!

„Sly & Robbie Vs. Roots Radics: The Dub Battle“ entstand digital beim Label Dubshot am 24. September 2021.

Der Kontrabassist Reza Askari nähert sich gemeinsam mit der Spoken-Word-Künstlerin Tanasgol Sabbagh der komplexen und auch widersprüchlichen Persönlichkeit seines Vaters. Mohammad Reza Askari-Motlagh studierte in den 1960er Jahren in Deutschland, als Arzt sorgte er in den 1980er Jahren für die Einreise und Behandlung von Kindern aus dem Iran-Irak-Krieg nach Deutschland. Sabbagh schreibt Gedichte und performative Texte, in denen sie gesellschaftliche Missstände aus persönlicher Perspektive aufgreift. Die beiden Künstler_innen loten aus, inwiefern sich ihre Erfahrungen ähneln, ihr Selbstverständnis und ihre Haltung zu gesellschaftlichen Themen geprägt haben. Ein Schlüssel dafür ist der Rhythmus, der das Instrument Kontrabass und die Spoken-Word-Performance verbindet.

Der in Teheran lebende Komponist Arshia Samsaminia hat für den Cellisten und Bassisten Johannes Fink und den Bratschisten und Geiger Nikolaus Schlierf ein elektroakustisches Werk komponiert, das im Juni 2022 bei Klangteppich IV uraufgeführt wurde. Samsaminia beschäftigt sich mit Fragen der Übertragung der spezifischen Stimmungen und Intervalle persischer Musik in Notationssysteme europäischer Musik und in Software für Kompositionen mit Elektronik. In „Freq.Exp.“ wechseln Fink und Schlierf allmählich die Instrumente vom Kontrabass zum Cello, von der Violine zur Viola.
Johannes Fink ist ein gefragter Musiker in Ensembles für improvisierte Musik, zum Beispiel mit der Pianistin Aki Takase oder dem Saxophonisten Daniel Erdmann.
Nikolaus Schlierf spielt in Ensembles für zeitgenössische Musik und Barockmusik, er ist Gründungsmitglied des Sonar Quartetts und regelmäßiger Gast der Ensembles Lux:NM und Adapter. Beide Musiker komponieren für Ensembles, in denen sie auch auftreten, Fink für sein eigenes Trio und Schlierf für das Sonar Quartett.

Die Künstlerin Haleh Redjaian kreiert mit ihren Fadeninstallationen im Theater Aufbau Kreuzberg einen eigenen Raum und eine Bühne für die Begegnung der Musikerinnen akustischer und elektronischer Instrumente. Das Ensemble nimmt Telegraphie, die zentrale Kommunikationstechnologie des 19. Jahrhunderts, zum Anlass, die Beziehungen zwischen Klang, Interaktion und Raum, zwischen Geräusch, Lärm, Atem und Resonanzen, auszuloten. Eine Künstlerin ist physisch nicht präsent, dafür aber umso hörbarer.

Wired
Haleh Redjaian installation
Nazanin Noori electronics
Farahnaz Hatam electronics
Shabnam Parvaresh bass clarinet
Azin Zahedi santur

Mississippi-Impressionen

Wo vordergründig Lagerfeuer-Kulisse ertönt und das Artwork nach weißer luftiger Weite ausschaut, geht’s eigentlich ums kühle Nass. Anmutige Paargesänge aus den Sümpfen erreichen uns von den North Mississippi AllStars. Deren Americana-Soul segelt zwischen Sixties und heute. Wiederum weder für Soul noch für Americana typisch. Denn die vielfach Grammy-nominierte Gruppe liebt funky Jam-Sounds. Ein bisschen Freilauf, Impro-Charakter. Die zehn Tracks auf „Set Sail“ haben zwar eine holzige Komponente, aber auch eine, die sexy, cheesy klingt. Lässt man sich aufs Segel hissende Album ein wenig ein, weicht spröder Charme bald überspringender Energie.

Hervorragende Psychedelic-Intimität liefert dabei „Bumpin'“. Erst mal knödelt die Slide-Guitar recht verloren, ab und an clasht ein Schlag auf die große Tambur-Trommel dazwischen. Alles mit einer solchen ’stoned attitude‘, dass es sich ähnlich wie bei Sly Stone anfühlt. Klar, das ist retro. Das ist alles andere als innovativ, eher nostalgisch, aber kein plattes Zitieren und Recyceln, sondern frisch, detailverliebt und atmosphärisch.

Schon der Eröffnungs-Tune entsteigt dem Wasser: „Der Wasserpegel mag weiter steigen / wir müssen die Segel setzen und wieder aufbrechen / wir sollten uns behaupten“. Die AllStars vom Fluss des Blues ziehen in eine Platte hinein, die davon handelt, wie der Mensch mit der Natur zurechtkommt. Was für Empfindungen das Bezwingen einer unwirtlichen Umgebung auslöst.

Hit-alike sticht dabei der Blick zum Mond hervor. „See The Moon“ wartet dank Sharisse Norman, Part-Time-Mitglied der Band, mit weiblichen Lead Vocals auf. Übers Wasser gleitend intoniert sie hingebungsvoll „Zeig mir den Mond / der durch den Baum scheint und über mir schwebt“. Zugleich ein Song über die Schwingungen von Musik itself.

Weiterer Anspieltipp: Der fluffige, tiefenentspannte (und Tiefen entspannende) Akustik-Brummer „Didn’t We Have A Time“. Der schafft eine so vertrauliche Atmosphäre, als performe die Combo das Lied exklusiv für einen selbst. Eine Jam-Truppe eben. Mit ausgeprägtem Feeling für die Magie des Moments.

Deren Spielfreude spürt man. Und auch die Schwitzigkeit des Mississippi. Dessen Schlammigkeit. Modrigkeit. Schwüles Klima. Die Luftfeuchtigkeit. Natürlich geht’s in den Texten auch um die Flusstiere, die Teil der lokalen ‚Soulfood‘-Küche der Südstaaten wurden. Zum Segeln gehört indes auch Wind, und man kann sagen: „Set Sail“ hat etwas Ganzheitliches, Holistisches. Wasser, Wind, erdige Grooves und Lagerfeuer-Flair fließen hier perfekt zusammen. Ein echter Hinhör-Tipp!

„Set Sail“ von den North Mississippi AllStars erschien am 28. Januar 2022 digital und am 8. April auf Vinyl bei New West im Vertrieb von P.I.A.S./RoughTrade.

Neben Burnout-Prävention, Glückssuche und Feminismus referieren die Seratones auf Astrologie, Wahrsagerei und Fantasy-Welten. Diese hätten die Entstehung der CD/LP „Love & Algorhythms“ beeinflusst und mit kosmischen Elementen verbunden. Dabei bräuchte es die vielen Bezugspunkte gar nicht. Das Album macht einfach Spaß!

Da wäre „I’ll Be“ mit Parallelen zur Klangarchitektur der Chic Organisation. Schiebender Spieluhren-Beep-Sound in „Good Day“. Pulsierender Electro-R’n’B. Und der unplugged-Tune „High“. Über allem liegt eine angedeutete Prince’sche Körperlichkeit.

„In „Pleasure“ wollte ich den Sound von Butlers Aliens nachbilden“, verrät AJ, die das Werk der Autorin Octavia Butler im Sinn hat. Butler heißt zufällig aber auch der Produzent der Seratones. Besagte Aliens, „die in einer venezianischen Giorgio-Moroder-Klangwelt spielen“, beängstigen übrigens nicht. Sondern dieses Fantasiewesen sei „eine schimmernde Kreatur, die auf Vergnügen und Vielfältigkeit ausgelegt ist“, so die Bandchefin.

Das liest sich arg verspult, dabei ist die Musik weniger innovativ, dafür einfach gut gemacht, höchst entspannend, euphorisch, freundlich und stimmungsvoll. Ein bisschen bekannt wurden die Seratones hierzulande im Spätsommer 2019 mit dem Vorgänger-Album, doch die Gruppe existiert und musiziert schon länger. Und wer weiß, wie’s um die nächste Pandemie-‚Welle‘ steht? – Vielleicht sind die Soul-Fachleute aus Louisiana bald schon live bei uns zu erleben.

„Love & Algorhythms“ erschien digital, aber auch purpurfarben verpackt und für Soul/Funk standesgemäß auf Vinyl am 29. April 2022 beim Country-Label New West, im Vertrieb von P.I.A.S./RoughTrade.

Tracklist

Two of a Kind
Pleasure
Love & Algorhythm
Good Day
I’ll Be
Evidence (Poem Interlude)
Get Free
Dark Matter
Get Your Shit Together, Babe
Power of Your Light
High

Die Electro-Tüftler hören sich selbst erstaunlich treu geblieben an. Statt anbiedernd auf Trap abzufahren oder sich von flächigen Tendenzen in der Elektronik vereinnahmen zu lassen, bounzen wieder die melancholisch-euphorischen Analog-Synth-Echokammer-Resonanzen. Zu jedem neuen Tune flackert sofort eine Stroboskop-Show vorm inneren Auge auf. Filler-Tracks tut uns die Mafia keine an, wenn man übers glitschig-poppige „Another Minute“ hinweg hört, wo eine namenlose Stimme dominiert und die Beats sie nicht so recht stützen. Selbst diese vorletzte Nummer hält sich aber im Rahmen des Akzeptablen, manches andere wirkt derweil richtig clever, charismatisch und inspiriert.

Das nunmehr erst dritte und reichhaltige Album der SHM teilt sich gefühlt in zwei Hälften. Die erste punktet mit gelungener und unbeirrter Retromanie inklusive prominenter Feature-Gäste. Dieser Part schreit nach Tanzfläche und Post-Lockdown-Lebenslust. Und irgendwie nach Sommer, Kanaren- und Balearen-Inseln. Die zweite Hälfte verhält sich strukturell wie ein Mixtape, das heißt die Tracks hängen stilistisch noch enger aneinander und laufen – bis auf „Another Minute“ – bruchlos wie ein Set durch. Was daran erinnert, dass die Stockholmer zum Ende ihres Team-Daseins eine DVD mit zwei DJ-Sets veröffentlichten, was ja durchaus Sinn ergibt, wenn man wirklich spannend mixen kann. Der zweite Part von „Paradise Again“ macht zwar einen insgesamt introvertierteren Eindruck als die erste Hälfte, gewinnt aber dadurch an Anspruch. Hier steht weniger die unbedingte Tanzbarkeit, dafür das Hinhören im Vordergrund.

Der Einstieg mutet derweil wohlig-warm an. Paradiesisch und wie ein reines „Again!“ Die Skandinavier kopieren detailgetreu und eins zu eins ihren früheren Stil. Und überzeugen damit. Der ehrliche Retro-Verschnitt markiert, es wäre die Zeit stehen geblieben. Dieser wogende Four-to-the-Floor-Groove brach als Vorhut zur Dancepop-Flut bereits um 2008 über uns, nachdem es in Abgrenzung zu den Eurodance-90ern im Mainstream lange still um alles Rave- und House-Verwandte geworden war und sogar Scooter sich mit einer gescheiterten ESC-Bewerbung geschlagen geben mussten. Die Swedish House Mafia pflegt unterschiedslos ihren Deephouse von einst und bereichert damit die Facetten chartstauglicher EDM jenseits der vielen geklont klingenden Dance-Mucke und den Disco-Reminiszenzen der Purple Disco Machine. Soweit schon mal schön.

Andererseits liest sich die Gästeliste genre-übergreifend und interessant, selbst wenn The Weeknd und Ty Dolla $ign die Klangbausteine der House Mafia keinen Zentimeter verschieben, Sting kein wirklich aktiver Gast, sondern eher Remix-‚Opfer‘ ist, wie auch Mapei und Seinabo Sey eher den mafiösen Auftrag erfüllen als irgendwie eine eigene Note hinzu zu fügen. Seinabo Sey findet man übrigens in einem sehr schönen Beitrag auf Neneh Cherrys aktueller Platte „The Versions“.

A$ap Rocky indes verschiebt hier bei der SHM den Stil. Reizvoll erscheint vor allem, wie man auf A$ap hinleitet. Das Prolog-Instrumental „Mafia“ stellt als eine eher düstere Wendung den Ausreißer dar und ist ein bisschen ‚warpy‘-subversiv, so dass einemn das Londoner Experiment-Label von Autechre & Co. in den Sinn kommt. „Mafia“ zittert wie der Soundtrack zu einer beunruhigenden Tunnelfahrt. Was sich durch die Vorspann-Funktion zu „Frankenstein“ mit A$ap Rocky versteht, für den sich die Schweden als Beatmaker eines astreinen Nu School-Hip Hops hergeben. Textlich armselig („whatta nigga / whatta fuckin‘ bitch / kiss my ass …“), kombiniert die Nummer musikalisch scharf-schneidende, klirrende Melodramatik mit weich abfedernden Waber-Punches. Das Design gefällt.

Als Über-Hit des Albums flasht das behutsam aufgebaute „Don’t Go Mad Now“ mit Seinabo als smarter Soul-Stimme. Ein frozen moment mit retardierender Stille bricht den straight losbrutzelnden Deephouse nach dem ersten Drittel. Hierauf konfrontieren ein zerhackstückter Vokal-Akkord auf der Silbe „now“ und eine thrillende Beat-Dekonstruktion (mit Spiral-Echo) einander. Es entsteht mit 44 Sekunden „no-ow-ow-ow-ow-ow-ow-ow“ einer der längst gezogenen Akkorde der Musikgeschichte. Gut, sowas geht nur mit Mitteln der Elektronik. Selbst die bestphrasierende Jazzakademikerin der Welt würde einen Ton nicht 44 Sekunden lang halten können, ohne zwischen rein zu atmen.

Dass Ty Dolla $ign in einem dezent afrobeatig und powerpoppig aufgemotzten spacy Deephouse mit starker Nineties-Prägung und Raketen-Effekten völlig versumpft, kann man witzig finden. Zudem sprüht der überraschende Sting-‚Auftritt‘ in „Redlight“ vor ganz viel Charme und verknüpft sich super mit den umliegenden Tracks. Sting hat sich schon seit seiner Ethnopop-Kollabo mit Dancehaller Pato Banton immer wieder mal auf fremde Genre-Flächen vergaloppiert, Electro war selten dabei. Das explosive Prog-House-Konstrukt „Redlight“ pitcht The Polices unsterblich schönen Hit „Roxanne“ zu einem kurvenreichen Remake, das sehr gut das Original würdigt und herausputzt.

„Redlight“ legt sich in ein Worldbeat-Chill-Out-Mixtape, das ab „Home“ loslegt. „Home“ ist kein zwingender Hit, jedoch originell, exotisch angespitzt. Geklapper aus maschinellem Handclapping, synthetischen Rasseln und versch(r)obenen Jojo-Beats. Die seltsamen Gesangs-Partikel tänzeln durch Schamanen-Ritual, orientalischen Rai und gregorianische Choräle. Sehr cool! Industrial-Züge trägt die stylish kaputte Puls-Struktur von „It Gets Better“, die ausnahmsweise in abstrakte Warehouse-Elektronik zwischen Detroit-Acid und LFO entflutscht, während „Can U Feel It“ und „19.30“ treibenden Chill-Out auf angenehm hoher Schlagzahl auftischen. Das DJ-Trio zaubert sowohl paradiesische Momente als auch eine Bestätigung seiner Markenzeichen.

„Paradise Again“ von der Swedish House Mafia erschien am Karfreitag, 15. April 2022 bei Republic (Universal).

Tracklist

1. Time (+ Mapei)
2. Heaven Takes You Home (+ Connie Constance)
3. Jacob’s Note (+ Jacob Mühlrad)
4. Moth To A Flame (+ The Weeknd)
5. Mafia
6. Frankenstein (+ A$ap Rocky)
7. Don’t Go Mad (+ Seinabo Sey)
8. Paradise Again
9. Lifetime (+ Ty Dolla $ign + 070 Shake)
10. Calling On
11. Home
12. It Gets Better
13. Redlight (+ Sting)
14. Can U Feel It
15. 19.30
16. Another Minute
17. For You

Mit „World Of Ghouls“ gratulierte er sich umgeben von seinen musikalischen Kindern selbst zum 77. Geburtstag. Seiner historischen Bedeutung als Sozialchronist gäbe es eigentlich wenig hinzuzufügen. Von Themen wie Kinderarmut auf Jamaika über den Bau einer umstrittenen Landebahn in London bis zur Abschaffung der Subsistenzlandwirtschaft weltweit, hatte der ‚Lucifer! Son of the mourning‘-Poet immer wieder Awareness-Raising betrieben. Jetzt ist thematisch vor allem der Lockdown dran. Den kommentieren Tochter Xana, Max und seine beiden ebenfalls musikalischen Söhne Azizzi und Lil Rolee in „Flatten The Curve“.

Das Lied erschien ursprünglich bereits im Mai ’20 als Reaktion auf die ‚erste Welle‘ von Covid-19. Masken, Hygienekonzepte, Angst davor aus dem Haus zu gehen – diese Punkte werden auf einem disharmonischen Ragga-Riddim mit Sci-Fi-Stimmung verhandelt. Man spürt wieder, wie bedrohlich und weltweit die ‚Pandemie‘ gerade am Anfang empfunden wurde. Nun schaut sich Romeo diese und andere Bedrohungen auf dem Planeten, symbolisiert als Dämonen, persisch ‚Ghuls‘, an. Wie er auf den Trichter mit den Fabelwesen kam, ist im infofreien Promo-Paket nicht überliefert.

Da wir in einer digitalen Informationsgesellschaft leben, ist Wissen, „Knowledge (ft. Azizzi Romeo + Lil Rolee)“ zentral. Hier überlässt der Senior seinen Dancehall-affinen Söhnen die Bühne. Der eine nutzt Auto-Tuning und reiht Wörter wie „savior, spirit, days of slavery, ruler of rulers, showers of blessings“ aneinander, als würde er mit Wörtern Ball spielen. Angesichts der maschinellen Beats und der porösen Stringenz der beiden Junior-Romeos fühlt man sich im falschen Film. Erst als Max ans Mikro hinzu kommt, geht’s wieder.

Positiv gesagt: Er lässt der Jugend ihren Stil. Nach einer durchwachsenen ersten Hälfte mit flachbrüstig instrumentiertem Roots-Dub (dem Bassfrequenzen, Vehemenz und Raumklang fehlen), und dem rhythmisch schiefen Familienstück „One For All (ft. Xana + Azizzi Romeo)“, findet Max auf der (sozusagen) ‚B-Seite‘ dieses MP3-Releases zur gewohnten Stärke und feuert einige Kracher ab. Mit ‚ram pam pam groovt er sich entlang der „Gates Of Jerusalem (ft. Xana Romeo)“.

Die Nummer hat Flow, Elan, Tempo, eine schöne Melodie, und Xana ist eine begnadete Massage-Sängerin mit viel Mitteilungsdrang, die im Gegensatz zu ihren Brüdern einen eigensinnigen Stil pflegt und Kingstons Nu School of Traphall nicht auf den Leim geht. „Kick Back“, ein Lied über Corona-Kontaktbeschränkungen, wird gestalterisch Punkte bei Fans von digitalem Dub sammeln.

„Ten Toe Turbo“ mit süßem Jojo-Beat erinnert stilistisch an den Aufbruch des jungen Max Ende der 60er. Der Zehn-Zehen-Turbo passt inmitten steigender Benzinpreise, überfüllter 9 Euro-Ticket-Regionalzüge und gecancelter Flüge. Max outet sich als leidenschaftlicher Spaziergänger.

Seine noch immer jungenhaft modulierende Stimme entertaint, Romeo zieht mit lebhaftem Vortrag die Aufmerksamkeit auf sich. Auch im Gospelpop „Are You Coming Again“ kommt er damit sympathisch rüber.

„Life Of A Farmer“ ist ein Keyboard-Stück mit Saxophon-Loops aus dem Synth-Baukasten, erinnert schwer an Spieluhren, und das Ganze tropft rhythmisch als Ska statt als One Drop-Reggae, seltene Kombination. Es geht um den Blickwinkel des Landwirts und sein simples, gleichgetaktetes Leben.

Als Jugendlicher hatte sich der Schulabbrecher Max als Erntehelfer verdingt, worauf er immer wieder gerne zurückkommt, zumal nicht gerade viele Bands weltweit über den Agrarsektor singen.

„Die Großfarmer mit einer Menge Hektar und einem Maschinenpark, das sind diejenigen, die Beachtung von der Regierung erhalten“, erzählte er mir mal. „My Child“, ein Schlaf-Lullaby (auf Reggaebeat) für Kinder, beendet das Album. Der Grandseigneur des Roots-Genres hat also einiges interessante Material für seine nächsten Shows – sein Job bei uns wäre es, den puresten Roots-Beitrag zum Kölner Summerjam 2022 zu leisten, für das er 2020 und ’21 gebucht war – er eröffnet dort am Samstag um 18:20 Uhr eine lange Europa-Sommer-Tour.

Max Romeo tourt mit seiner Charmax Band und Tochter Xana zu folgenden Festivals & Locations:

Ostróda, Polen (II. Juli-Wochenende)
Plein-les-Watts Festival, Lancy, Schweiz (III. Juli-Wochenende)
Les Tanzmatten, Sélestat, Frankreich (22. Juli)
Fyrishov, Uppsala, Schweden (29. Juli)
Uprising Festival, Slowakei
One Love Festival, Wiesen, Österreich (5. August)
Overjam, nähe Ljubljana, Slowenien (III. Augustwoche)
Rototom Sunsplash, nähe Valencia (III. Augustwoche)

GORILLAZ – Song Machine Tour

Laut Guinness-Buch der Rekorde sind sie die „erfolgreichste virtuelle Band“. Aber die Gorillaz sind eben, oder viel mehr vor allem, ein durchaus reales Kollektiv aus Künstlerinnen und Künstlern, das unter Anleitung von Damon Albarn immer wieder musikalische Überraschungen aus den von Comic-Zeichner und Künstler Jamie Hewlett gemalten Hüten und Mützen zaubert.

Seit sage und schreibe 22 Jahren treiben die Gorillaz nun schon ihr „Unwesen“. Und immer noch macht es einen Heidenspaß die virtuellen Abenteuer von 2D, Murdoc, Noodle und Russel zu verfolgen und sich vom musikalischen Erfindungsgeist von Albarn und seinen Mitstreiter*innen überraschen zu lassen.

Das jüngste Gorillaz-Kapitel namens „Song Machine“ beweist genau dies mal wieder: seit Ende Januar dieses Jahres, veröffentlichen Albarn und Co. jeden Monat eine neue „Episode“ in Songform, stets begleitet von einem tollen Video, in dem die realen Gäste und die virtuellen Bandmitglieder aufeinandertreffen. Im offiziellen Statement erklärt Comic-Drummer Russel: „Song Machine ist eine ganz neue Art, das zu tun, was wir tun. Die Gorillaz brechen die Form, weil die Form alt geworden ist. Die Welt bewegt sich schneller als ein überladenes Teilchen, also müssen wir bereit sein, uns fallen zu lassen. Wir wissen nicht einmal, wer als nächstes durch die Studiotür kommt.“ Die nun als Album veröffentlichte Sammlung – oder denken wir sie uns als „erste Staffel“ – ist ein wundervolles Zusammentreffen der Generationen und Nationen, in denen der UK-Rap-Nachwuchs wie Octavian oder Slowthai ebenso an Bord ist wie Ikonen in der Liga von Robert Smith, Peter Hook oder dem leider kürzlich verstorbenen Tony Allen. Mit der aus Mali stammenden Sängerin Fatoumata Diawara wiederum schlägt Albarn die Brücke zu seiner Arbeit mit dem Africa Express.

Dass die Gorillaz auch live wundervoll funktionieren, ist alles andere als selbstverständlich. Aber genau das haben sie gleich mehrfach eindrücklich bewiesen, indem sie stets im richtigen Moment die grandiosen Visuals in den Vordergrund spielen und bei jeder Tour eine eindrucksvolle Besetzung auf die Bühne bringen. Mal mit den ganz großen Namen wie dem mittlerweile verstorbenen Bobby Womack, mal mit spannenden, frischen Talenten wie Little Simz oder Little Dragon-Sängerin Yukimi Nagano, die bei den Shows in den letzten Jahren oft die alten Recken ins Schwitzen brachten. Wenn alles gut geht und die auf einem der neuesten Stücke besungenen „Strange Timez“ bald hoffentlich vorbei sind, werden die Gorillaz im Sommer 2022 für zwei Shows in Deutschland Station machen. Sollte man auf gar keinen Fall verpassen! Weder als Comic-Fan noch als Musik-Fan.

Und nichts wird Gorillaz davon abhalten, im Jahr 2022 live aufzutreten!www.gorillaz.com

Die Konzerte, zur immer noch aktuellen Kinderzimmer Productions-Platte „Todesverachtung to go“, die ursprünglich 2020 über die Bühnen Deutschlands gehen sollten, finden jetzt, ziemlich genau zwei Jahre später, tatsächlich statt. Zweimal musste verschoben werden, jetzt hat das warten ein Ende! Deshalb die alten Tickets rausgeholte und auf die nächsten Tage freuen!

In  Berlin gibt es auch noch einige paar Tickets und neue Termine in Stuttgart und München gibt es noch obendrauf, hier sind die Details:

08.04.2022      Kinderzimmer Productions – Hamburg – Hafenklang

verlegt vom 18.04.20 & 20.10.20 & 13.10.21

09.04.2022      Kinderzimmer Productions – Hamburg – Hafenklang

verlegt vom 19.04.20 & 21.10.20 & 14.10.21

10.04.2022      Kinderzimmer Productions – Berlin – Cassiopeia

verlegt vom 15.04.20 & 18.10.20 11.10.21  

11.04.2022      Kinderzimmer Productions – Berlin – Cassiopeia

verlegt vom 16.04.20 & 19.10.20 & 12.10.21

29.05.2022      Kinderzimmer Productions – München – Strom

30.05.2022      Kinderzimmer Productions – Stuttgart – Im Wizemann

31.05.2022      Kinderzimmer Productions – Köln – Gebäude 9

Für Tickets, hier lang.

2G+ sind die Zugangsbedingungen

Nicht nur die mittlerweile 28. Ausgabe hält ein breitgefächertes Programm aus den Bereichen Rock, Electronic, Hip-Hop, Indie, Pop, Metal, Jazz, Klassik und Reggae bereit. Das Festival selbst ist bunt und vielseitig besucht. Aus über 100 Ländern kommen um die 500.000 Besucher*innen, um gemeinsam zu feiern. Darüber hinaus wurde das Festival von Künstler*innen zum beliebtesten europäischen Musikfestival gewählt. Die Stimmung vor den Bühnen, auf den Bühnen und dahinter spricht Bände – das Sziget ist ein Wohlfühlort für alle.

Die bisher bestätigten Acts, kommen wieder aus der ganzen Welt. 16 Jahre sind seit ihrem Debütalbum vergangen. Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not brach den bis dato gehaltenen Rekord der britischen Musikgeschichte des am schnellsten verkauften Debüt-Albums. Einen festen Platz in den Herzen ihrer Fans haben sie seitdem sicher: die Alternativeband aus Sheffield Arctic Monkeys. Neu bestätigt ist das australische Psychedelic-Rock-Projekt Tame Impala um Mastermind Kevin Parker, der mittlerweile deutlich Dream-Popigere Wege bestreitet. Der kanadische Megastar Justin Bieber veröffentlichte erst im vergangenen Jahr sein aktuelles Album Justice, mit dem er bei seiner „Justice World Tour“ Stopp beim Sziget macht und damit sein musikalisches Comeback feiert. Ebenfalls aus einer langen musikalischen Schaffenspause meldet sich der Belgier Stromae zurück. Mit Hits wie Alors on dance und Papaoutai eroberte der Musiker weltweit die Charts. Mit vielen Themen wie Elternschaft, Heilung und Liebe ist er zurück und stimmt nachdenkliche Töne auf seinem neuen Album Multitude an. Aus Deutschland kommt die Art-Rockband Giant Rooks, die ebenfalls Pandemie bedingt ihre Europa Tour verschieben musste. Noch bevor die junge fünfköpfige Band ihr Debüt Rookery 2020 veröffentlicht hatte, verkaufte die Band bereits Hallen aus, die sonst gestandene Bands bespielen. Dank der prägnanten Stimme Frederike Rabes und der catchy Melodien gehört die Band mittlerweile fest zur deutschen Indie-Musiklandschaft dazu. Rabe bescherte uns in der Zwischenzeit mit Kummer zusammen den Nummer Eins-Hit und Ohrwurm Alles wird gut. 

Alles gut wird es dieses Jahr auch für die Festivalbesucher*innen, die auf dem Inselstaat Sziget im Herzen Budapests endlich wieder zusammen kommen können, um für eine gute Woche Unbeschwertheit und Freiheit bei einem bunten Programm mit viel Liebe erleben zu können.

Weitere Infos & Tickets hier.

In der zweitgrößten serbischen Stadt Novi Sad findet sich nicht nur eine der drei europäischen Kulturhauptstädte, sondern auch ein Ort der Festivals und Veranstaltungen. Über 200 davon gibt es pro Jahr und eins davon ist das EXIT Festival. Somit bietet das Festival Abwechslung zu gängigen Festivals, das mit einem Städtetrip verbunden werden kann. 2021 durfte das Festival dank ausgearbeitetem Hygienekonzept als erstes großes europäisches Musikfestival in der Pandemie stattfinden. 

Auch 2022 sind die Bemühungen um humanitäre Hilfe und Aktivitäten zur ökologischen Krise aktuell. Mit politischem Bewusstsein und einem Gespür für herausragende Veranstaltungen macht sich das EXIT Festival bereits seit mehreren Jahren einen Namen. Nebenbei bietet es mit der über der Donau liegenden Festung Petrovaradin aus dem 18. Jahrhundert eine einmalige Kulisse. Legendär ist die Dance Arena als Tanzfläche für elektronische Musik, die die Spitze der internationalen Open-Air-Bühnen mit anführt. Neben ihr gibt es in weiteren zahlreichen Verwinkelungen auf einem riesigen Gelände mit 30 Bühnen genug zu entdecken und abzutauchen. 

Sie ist wild, dabei fast wahnwitzig vielseitig, aber funktioniert: die diverse Zusammenstellung des Line Ups. Hochkarätige und namhafte Bands vertreten die Bereiche Hip-Hop, EDM, House, Techno sowie Rock – dem musikalischen Programm sind keine Grenzen gesetzt.

Auch in diesem Jahr lesen sich die bestätigten Acts wie die Speisekarte eines exquisiten Sternerestaurants.

Die mit 17 veröffentlichten Studioalben kaum aus der Musiklandschaft wegzudenkenden Australier Nick Cave & The Bad Seeds treten das erste Mal seit vier Jahren wieder live in Europa auf und teilen sich mit dem House-DJ und Produzenten Calvin Harris, der bereits mit Rihanna und The Weeknd Chartstürmer produziert hat, und der englischen Death-Metal-Band Napalm Death die Main Stage. Geht nicht, gibt’s nicht. In der für das Festival berühmten Dance Arena werden der Techno-House DJ Maceo Plex mit dem Alter Ego Maetrik und der in Berlin lebende Indie-Electronic Liveact Monolink das Publikum zum Tanzen und die Synapsen zum Glühen bringen. Um den Kreis zu der politischen Grundidee des Festivals zu schliessen, reiht sich die russische Untergrund-Gruppe Moscow Death Brigade, die in ihrer Musik Rap, Techno und Punk vermischt, in das Programm ein. Auf ihrer letzten Europa-Tour verkauften sie Shows in London, Paris, Rom und Berlin aus und verbreiteten dort unermüdlich mit kritischen Texten ihre Botschaften gegen Krieg. 

Musikliebhaber werden bei dieser Vielfalt, hoher Sonnenwahrscheinlichkeit und ausreichend kulturellen Anreizen ziemlich sicher auf ihre Kosten kommen.

Alle Infos zum EXIT Festival & Tickets findet ihr hier.

Sie durchqueren „verwunschene WG-Küchen, erzählen düstere Gutenacht-Geschichten und schreien Oden and das Leben“, meint der PR-Text poetisch. Die erste EP „The Fondest Flinch“ weckt in der Tat die Fantasie. Grob mag man manche Momente im (Alternative) Folk wähnen, derweil die Gesamtstimmung mellow-psychedelic wirkt.

Wer die Songwriterin Emily-Mae ist, was Songtitel wie „Karma 8“ bedeuten, welche Bedeutung Kaffeemaschinen haben und wie man bei einem Label namens Artists Without Any Label unterkommt, klärt der „Female Energy Flow“ auf Radio Z 95,8 am Dienstag, 18. Januar 2022, zu hören auch im Webstream http://snd.radio-z.net:8000/Radio-Z

„The Fondest Flinch“ von Spoon and the Forkestra erschien am 7. Januar 2022.

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Florence Arman (Platz 1), Oska (Platz 2) und Sharktank (Platz 3) sind beim Reeperbahn Festival aufgetreten, Florence Arman und Oska wurden sogar beide für den Anchor – Reeperbahn Festival International Music Award nominiert. Damit waren zwei von sechs nominierten internationalen Acts aus Österreich. Wer hätte das noch vor wenigen Jahren für möglich gehalten?

Zudem waren alle drei Acts bei den Amadeus Austrian Music Awards in den Kategorien Alternative (Oska, Sharktank), Radio FM4 (Florence Arman, Oska) bzw. Songwriter*in (Florence Arman) nominiert; Oska und Sharktank hatten auch einen Auftritt in der – was die Zuseher*innenzahlen betrifft – leider ziemlich gefloppten Award-Show.

Weitere Highlights waren der Einstieg des Debütalbums »Get It Done« von Sharktank auf Platz 10 der Austria Top 40, Oskas starke Streaming-Zuwächse in Holland, Deutschland und im UK sowie Florence Arman mit »Out of the Blue« erstmalig auf Platz 1 der Radio FM4-Charts – und der Gewinn des XA – Export Awards beim Wiener Waves Festival, quasi im Vorbeigehen.

Michel’s Sound of Music 2022

Die zehn Acts in dieser Liste zählen meiner unbescheidenen Meinung nach aktuell zu den aufregendsten Must-Watch-Talenten aus Österreich. Im Wesentlichen gab es nur ein einziges Kriterium, um als Newcomer*in zu gelten: Es darf noch kein Album erschienen sein. Alles andere ist Gefühlssache.

Aber worum genau geht es bei Michel’s Sound of Music 2022? Angelehnt an die legendäre Shortlist der BBC (»Sound of …«) geht es in erster Linie darum, Potenziale aufzuzeigen – kreative und künstlerische, professionelle und exporttaugliche. Ich wage mich an ein Best-of aus zwei Welten: Musik und Business, die sich seit geraumer Zeit mehr und mehr verschränken. Es geht natürlich um die Musik an sich, aber auch um deren kommerzielle Verwertbarkeit.

Es fällt auch dieses Jahr auf, wie jung die meisten Musiker*innen in dieser Liste sind (alle deutlich unter 30, zwei sogar deutlich unter 20). Wie hoch der Anteil an Musikerinnen mittlerweile ist (sechs von zehn). Wie wichtig die deutsche Sprache im Pop geworden ist (sieben von zehn). Wie der österreichische mit dem deutschen Rap-Underground immer mehr verschmilzt (u. a. Bibiza, Eli Preiss, Boloboys aus Berlin – deren zweiter Hauptwohnsitz gefühlt mittlerweile Wien ist). Und wie selbstverständlich und mühelos die diversen Hip-Hop-Genres gemixt werden – diese New Wave bestimmt auch die diesjährige Bestenliste. Es ist schön zu beobachten, dass neue Musik aus Österreich und das Set-up drumherum international geworden sind.

Diese Top-Ten-Liste soll dazu beitragen und Lust machen reinzuhören – egal ob als Music-Lover oder Professional …

#1 Bibiza

Franz Bibiza alias Bibiza hat es letztes Jahr knapp nicht in die Top Ten geschafft, wurde aber namentlich schon als heißer Kandidat für die Zukunft erwähnt. Mittlerweile bin ich mir sicher: Es wird 2022 keine*n heißere*n Newcomer*in aus Österreich geben. Nach 16 Singles – darunter »Quarantäne Song« und »So bei mir« an der Spitze der Radio FM4-Charts – und drei Mixtapes wird im Dezember ein Indie-Album (»Lebe wie ein Hippie«) erscheinen und schon wenige Monate später soll das erste reguläre Album folgen. Das sagt viel über die schnelle, flexible Arbeitsweise und musikalische Bandbreite des 22-jährigen Wieners aus. Wer glaubt Yung Hurn (inklusive seiner Love Hotel Band) sei vielfältig, sollte sich unbedingt mal näher mit Bibiza auseinandersetzen. Dessen Musik ist nicht nur nachhaltiger, sie ist auch einfach viel lässiger. Er jongliert mit diversen Hip-Hop-Styles und bewegt sich dabei irgendwo zwischen Old School, Trap und Grime, serviert mit einem Indie-Rock-Sahnehäubchen obendrauf. Seine Texte sind authentisch und sein Flow scheinbar mühelos. Vor Kurzem hat er – übrigens bis heute ganz ohne Management – einen fetten Deal bei Columbia Deutschland unterschrieben. Nach BiBu kommt jetzt Bibi.

#2 Esther Graf

Wenn schon deutschsprachiger Mainstream-Pop, dann bitte genau so, wie Esther Graf das macht. Die 23-jährige Kärntnerin lebt seit einem Jahr in Berlin, sie modelt, sie moderiert (bei Radio Fritz), aber vor allem singt sie und schreibt Songs. Für sich selbst und zusammen mit namhaften Acts wie Bausa oder Katja Krasavice. Ihr Deutsch-Pop hat einen starken R&B- und Hip-Hop-Vibe und ist durchaus leichte Kost – dennoch hat der Sound einen sehr eigenen Charme. Keine Ahnung, wann ich das letzte Mal so unverschämt naiven Bubblegum-Pop wie »Bum Bum Eis« aus Österreich gehört habe, die 80er-Jahre-Synthies sorgen jedenfalls sofort für gute Laune und sogar das Saxofon am Ende macht Spaß. Sie ist bei RCA in Deutschland unter Vertrag und hat mit Feature-Artists wie Alligatoah (»Mit dir schlafen«) oder Olexesh (»Weck mich auf«) bereits starke Supporter an ihrer Seite. Esther Grafs wohl größter bisheriger Erfolg ist ihr Beitrag zur aktuellen, internationalen Weihnachtskampagne von Apple, einer exklusiven Coverversion des Shakin’-Stevens-Klassikers »Merry Christmas Everyone«. In Österreich wird sie bis jetzt leider kaum wahrgenommen, aber das wird sich nächstes Jahr definitiv ändern.

#3 Eli Preiss

Platz 1 und 2 gehen dieses Jahr zwar an Sony Music Deutschland (bzw. Columbia und RCA), aber Universal Music Österreich lässt nicht locker und hat mit der 22-jährigen Elisabeth Preiss alias Eli Preiss viel vor. Und sie hinterlässt tatsächlich ziemlich viel Eindruck im R&B- und Hip-Hop-Game: empowering und emotional, unverstellt und ursympathisch. Anfangs hat sie noch englisch gesungen, doch mit der Zeit hat sich die deutsche Sprache bei ihr durchgesetzt. Der künstlerische Austausch mit diversen Artists aus dem Rap-Underground in Österreich (und immer mehr auch in Deutschland) ist ihr wichtig – was sie verbindet ist nicht die Hood, sondern die Mood. Selbst die Mutter wird supportet – in »Danke Mami« bedankt sie sich »für die Grübchen, meine Locken und den Body / Dank dir bin ich kein Dummy« und zeigt ihren allerersten Fan im dazugehörigen Video stolz her. Die kommenden Singles sind jedenfalls musikalisch noch mal stärker und textlich noch mal ausgefeilter. Eli Preiss springt von Level zu Level zu Level und ich bin schon sehr gespannt, wie das Debütalbum nächstes Jahr einschlagen wird. Denn einschlagen wird es um jeden Preiss.

#4 Ness

Die 16-jährige Niederösterreicherin Vanessa Dulhofer alias Ness hat bei der letzten Staffel von Österreichs größter Castingshow »Starmania« zwar »nur« den dritten Platz gemacht, aber spätestens seit dem überragenden Erfolg der Zweitplatzierten aus der ersten Staffel (Christina Stürmer) wissen wir, dass das nicht allzu viel heißen muss. Die Streaming-Plattformen (vor allem Spotify) unterstützten den Publikumsliebling von Anfang an mit starken Editorial-Platzierungen und auch Radio Ö3 hat ihre ersten beiden gefühlvollen Deutsch-Pop-Singles »Deine Richtung« (mittlerweile insgesamt mehr als eine Million Streams) und »Isso« gespielt. Überhaupt hat Ness bereits eine beachtliche Fanbase – nicht nur auf den Socials, sondern auch in der LGBTIQ+-Community. Das haben auch die Majors mitbekommen, die sie entsprechend umwerben. Die neue Single »Schuhe« erscheint demnächst und das Debütalbum ist für den Herbst 2022 anvisiert. Mit ihrer markanten Stimme, ihrem Talent und ihrer klaren Haltung ist Ness – neben dem »Starmania«-Zweitplatzierten Fred Owusu – eindeutig der interessanteste Act aus der diesjährigen TV-Show.

#5 Oskar Haag

Der Kärntner Oskar Haag ist seit Kurzem 16 Jahre alt und damit der jüngste Act in diesen Top Ten (knapp gefolgt von Ness). Angeblich hat er erst im ersten Corona-Lockdown angefangen Gitarre zu spielen, Lieder zu schreiben und diese dann im Kinderzimmer am Computer aufzunehmen – und auf Soundcloud hochgeladen. Das ist relativ schwer zu glauben, wenn man sich die durchdachten Indie-Songs anhört. Das Talent hat er wohl von seinem Vater Oliver Welter geerbt, seines Zeichens Sänger und Frontmann der Indie-Helden Naked Lunch. Klingt natürlich klischeehaft, ist aber die einzig mögliche Erklärung. Sein erstes Konzert hat der Liedermacher beim Wiener Popfest gegeben und ausnahmslos alle, die ihn da live erlebt haben, wussten sofort: Da sitzt ein junges Popwunder mit Gitarre und Laptop vor ihnen. Label macht er selber, Sony Music Österreich macht den Vertrieb, Management sucht er noch, da stehen aber eh schon einige Schlange. Seine Debütsingle »Stargazing« wird leider erst kurz nach Erscheinen dieser Top Ten veröffentlicht, das Album kommt dann nächstes Jahr. Er wird uns jedenfalls noch lange erhalten bleiben, so viel steht fest.

#6 Verifiziert

Die Songs der 24-jährigen Wienerin Verena alias Verifiziert klingen so, wie sie ist: jung, heartbroken und on the run. Ihre deskriptiven Alltagsbeobachtungen sind so einfach wie charmant und lassen direkt an ihrem Leben teilhaben. Sie findet die richtige Balance irgendwo zwischen treibend und melancholisch und unterscheidet sich mit ihrem eigenständigen Cloud-Pop so von vielen anderen in diesem Genre. Die Releases werden über Columbia Deutschland vertrieben und ihr bis dato größter Hit »Rotkäppchen« – eine Kollabo mit Florida Juicy und Longus Mongus – hat vor Kurzem die 1,5 Millionen Streams auf Spotify geknackt. Mit ihrer vorletzten Single »Tschick« war sie zum ersten (aber sicherlich nicht zum letzten) Mal in den Radio FM4-Charts vertreten. Nach ihrer ersten EP »Sonntag 17:00« ist kürzlich das neue Tape »40100« erschienen und für nächstes Jahr ist auch schon ihr Debütalbum geplant. Würde mich nicht wundern, wenn ich mich schon bald ärgere, dass ich Verifiziert nicht noch weiter oben in der Bestenliste platziert habe.

#7 Sophia Blenda

Sophie Löw alias Sophia Blenda hat nicht nur das Artwork für das kommende Debütalbum von Nummer 10 in dieser Liste gemacht, vor allem machte sie in den letzten Jahren bereits als Culk-Frontfrau von sich Reden. Musikalisch präsentiert sich die Multiinstrumentalistin solo etwas reduzierter und düsterer, aber ihre betörende Stimme bleibt natürlich. Ich musste beim Hören des Albums oft an zwei wunderbare Musikerinnen aus Österreich denken: Gustav (Sprache, poetische Texte, Gesellschaftskritik) und Soap & Skin (Klavier, Synthesizer, knarzige Beats). Sehr speziell und spannend was die 26-jährige Niederösterreicherin da macht. So spannend, dass PIAS Deutschland – dessen Chef Stefan Strüver übrigens als Erster kommentiert hat, als ich letztes Jahr die Bestenliste auf Facebook geteilt habe (»Wer noch keinen Deal hat, bitte bei mir lang schicken ;)«) – auf sie aufmerksam wurde und ihr Album nächstes Jahr veröffentlichen wird. Ihre Debütsingle »Wie laut es war« erscheint erst kurz nach Erscheinen dieser Top Ten, es gibt also leider noch nichts zu Hören. Zur zweiten Single »Wo bleib ich« wird es im Frühjahr dann die ersten Konzerte geben. Und Sophia Blenda wird auch auf den Bühnen einen blendenden Eindruck machen.

#8 Nenda

Mit Nenda Neururer alias Nenda ist der musikalisch vielleicht stärkste Act auf dem achten Platz, obwohl sie eigentlich meine persönliche Number One ist. Die 26-jährige Tirolerin mit Wohnsitz in London ist einfach unpackbar cool: Wie sie die Songs locker aus dem Ärmel schüttelt, die englische Sprache mit der deutschen (bzw. Tirolerisch) kombiniert und gesellschaftspolitische Themen in ihren funky Hip-Hop-Tracks anspricht, fasziniert mich jedes Mal aufs Neue. Und das beeindruckende Video zur Debütsingle »Mixed Feelings« muss man sowieso gesehen haben. Das alles hat durchaus internationales Potenzial. Leider konzentriert sich das Multitalent aktuell auf ihre vielversprechende Schauspielkarriere – nächstes Jahr ist sie beispielsweise in einer Hauptrolle in der Serie »The Rising« auf Sky zu sehen. Das ist natürlich ebenso außergewöhnlich, spielt hier aber keine große Rolle (darum auch der achte Platz). Sie hat ihr eigenes Label, kein Management und ist noch nie live aufgetreten (das wird sich 2022 hoffentlich ändern). Es gibt bisher nur zwei Singles und ich kann es kaum erwarten, dass Anfang nächsten Jahres endlich wieder eine neue Nummer von Nenda erscheint.

#9 Apollo Sissi

Der 23-jährige Oberösterreicher Christoph alias Apollo Sissi wird nächstes Jahr mit seinem Sound Aufmerksamkeit erregen. Der Leftfield-Rapper arbeitet größtenteils mit dem Produzenten Alex The Flipper (u. a. Mavi Phoenix) zusammen und das hört man auch: eigenständig und edgy, aber momentan vielleicht nicht besonders trendy. Damit tanzt er etwas aus der Reihe – was ich durchaus sympathisch finde. Nach einer flockigen Debütsingle wie »Partner in Crime« einen fast schon dramatischen Song wie »Augen rot« nachzulegen muss man sich mal trauen. Sein Album »Shady & schön« erscheint im Mai nächsten Jahres, bis dahin kommen aber noch fünf Singles (up next: »Maradona«) und das Livedebüt steht für 2022 auch an. Sein Indie-Label Vienna Hollywood wird von A Million vertrieben, der bekannteste Partner im Vertriebs-Crime ist damit kein Geringerer als Apache 207. Wie der Apollo Sissi findet, konnte ich zwar leider nicht herausfinden, die Voraussetzungen für einen guten Start sind dennoch gegeben: Das Management von Bilderbuch kümmert sich mittlerweile um ihn.

#10 Doppelfinger

Wenn man Richtung Übersee schaut ist die Art von Folkmusik, die Clemens Bäre alias Doppelfinger macht, aktuell ziemlich angesagt und es ist wohl nur eine Frage der Zeit, bis der Trend auch zu uns überschwappt. Acts wie Phoebe Bridgers, Big Thief und Bon Iver (mit oder ohne Taylor Swift) zählen zu seinen musikalischen Einflüssen. Speziell unter den Musiker*innen wird der 24-jährige Oberösterreicher für sein Songwriting und sein Mundharmonika-Spiel gelobt und Sophie Lindinger (My Ugly Clementine, Leyya) hat sich so sehr in seine Musik verliebt, dass sie das Mixing für sein Album übernehmen wird. Außerdem spielt er in der Liveband von Oska (letztes Jahr Platz 2 in dieser Liste), die wiederum gerne mal die Backing Vocals übernimmt. Bei Radio FM4 und Radio eins ist er bereits auf Rotation, das Debütalbum wird voraussichtlich im zweiten Quartal nächsten Jahres bei Ink Music erscheinen und ich traue mich zu wetten, dass er von allen zehn Acts derjenige ist, der 2022 am öftesten live spielen wird. Auch wenn der Name Doppelfinger vielleicht nicht die ideale Wahl ist, um die Welt zu erobern, seine Musik ist absolut zeitlos und hat internationalen Anspruch.

Das Feature mit Finna (Musikern und Produzentin) und  Saskia Lavaux (Schrottgrenze Mitglied und Produzentin) handelt von Hasskommentaren im Netz. Dennoch wird dieses hochgradig politische Thema mit Leichtigkeit und Witz aufgefangen und textlich klar Position gegen sämtliche -Ismen bezogen. Diese Kombination aus politischen Inhalt mit bitter- süßen Schmunzlern kann auch als inhaltlicher roter Faden der EP gelesen werden.

Die Texte handeln von Entschleunigung, neoliberalem Optimierungsdruck, der Suche nach romantischer Liebe oder dem Wunsch nach Ausgewogenheit in Beziehungen. Immer begleitet von einer zurückhaltender Beobachtungsgabe, Reflexion und Sensibilität.

Die wunderbare Single „Was Will die Welt von mir“ mit Mine (Musikeirn und Produzentin) handelt  von Erwartungsdruck und Fragen wie: wohin soll es eigentlich gehen?  Was will ich bzw. ist es zu riskant sich von Erwartungen zu lösen und alles dafür zu tun eben jene gesellschaftlichen oder an sich gestellte Anforderungen zu verlassen? Letzteres könnte eine gute Wahl sein.

„Kant am Strand“ und „Bernsteinzimmermensch“ beschäftigen sich mit ähnlichen lebensumspannenden Fragen. Während in „Was Will die Welt“ das lyrische Ich eher einen inneren Dialog führt, kommen hier, so scheint es, Enttäuschungen  an einen Gegenüber zu tage. Doch auch diese individuell anmutenden Inhalte, legen den Finger in die Wunde. So sind auch die Erwartungen in Liebesbeziehungen hinterfragbar und haben eine politische Dimension. Wer hat  eigentlich welche Rolle zu erfüllen?

„Ich wäre gern besonders gewesen, Wärme bei Kälte. Etwas mehr als nur Spesen“

(BERNSTEINZIMMERMENSCH)

Die schmerzliche Erfahrung das Gefühl vermittelt zu bekommen nicht zu genügen ist so allgegenwärtig und fordert uns alle auf unsere verschieden gelebte Beziehungsformen genau zu prüfen. Henri Jakobs selbst kommentiert eher kurz angebunden es ginge um „Trennungsschmerz. Dafür habe ich ein besonderes Talent.“ In dieser kurzen Aussage findet sich Henri Jakobs musikalischer Ausdruck von Nachdenklichkeit und Humor wieder.

Soundtechnisch entfaltet sich ein poppiger Klangteppich, der die lyrischen Schmunzler und Zweifel gleichberechtigt nebeneinander tanzen läßt.

Angepasst an die pandemischen Bedingungen sind die Songs  als Demos zu hause entstanden. Henri Jakobs freut sich trotzdem darauf wieder öfter im Studio zu sein um sich „direkter austauschen zu können und Feedback zu bekommen“. Produziert und abgemischt  wurde „Bizeps Bizeps“ vom ehemaligen Tubbe Bandkollegen Klaus Scheuermann. Der Unterschied darin die erste Soloplatte zu konzipieren und nicht als Band zu arbeiten, mache sich vor allem im inhaltlichen Ausbau deutlich. So unterwerfe sich Henri Jakobs in Bandkontexten häufiger Kompromissen, während er allein weniger Rücksicht nehmen müsse. So Henri im Interview, der auch vor seiner Zeit mit Tubbe schon in zahlreichen Bands Bass gespielt und gesungen hat.

Der kluge Titel der EP „Bizeps Bizeps“ soll hier nicht unterschlagen werden. Der Titel deutet auf eine selbstkritische Perspektive in Bezug auf den einen harten, leistenden Männertyp hin. Überraschung, denn diesen gibt es nicht. Es ist außerdem kein Geheimnis, dass Henri Jakobs sich seit einigen Jahren öffentlich mit der Sichtbarkeit von trans*Identitäten beschäftigt. Sein Aktivismus gibt es auf vielen Slides auf seiner Instagrampage nachzulesen oder hier u.a. zu hören:

Für Henri Jakobs ist Musik ein Mittel um Gefühle zu verarbeiten. Er weiß es zu schätzen, dass er Musik machen kann und in einem relativ sicheren Land lebt. Es geht ihm darum „das Leben so zu gestalten, das es gut ist. Im Idealfall froh zu sein und anderen etwas Gutes zu tun.“

Aktuell ist Henri Jakobs neben vereinzelten Konzerten auch an der Schaubühne Berlin im Stück „Venon Subutex“ live zu hören.

„Bizpes Bizeps“ , VÖ: 03.08.2021 Audiolith

Homepage: https://henrimaximilianjakobs.de/

Interview mit KBCS 

Gibt es eine „Funk-Szene“ in Hamburg? Wenn ja – wie schaut die aus? An welchen Locations macht sie sich fest? wenn nein – hätte sie Potenzial?

Lucas:  Oh ja, die gibt es ! Ich spiele z.B. neben den KBCS noch in der Funkband „Diazpora“, dies sind seit 2003 fester Bestanteil der Hamburger Funkszene, neben anderen Bands wie den „Mighty Mocambos,“ „Pitch & Scratch“, „Übertribe“ oder der neuen Orgelfunk Formation „The Drawbars“. Live passiert da viel um das Knust herum, oder auch in kleinen feinen Läden wie das Souledge, das Le Fonque oder der Komet Bar. Die Yeah!Yeah!Yeah! Studios sind aufgrund ihrer endlosen Liste von Vintage Equipment ebenfalls ein wichtiger Aufnahmeort für einige dieser Bands geworden.

Daniel: Neben der Funk Szene fühlen wir uns auch der neuen Jazzwelle in Hamburg verbunden. Hier gilt es vor allem auf Veranstaltungen aus dem Jazzlab Umkreis, zum Beispiel im Volt oder im Gängeviertel aber auch die vom Jazzhouse im Knust veranstalteten Konzerte hinzuweisen.

Sonar Kollektiv brachte sowohl J. Lamotta als auch Olivier St. Louis an den Tisch, zusätzlich zu Lui Hill, Nneka und Vivie Ann, die von der Band selbst ausgesucht worden waren. Was bedeutet dieser Satz konkret in Bezug auf Nneka? Dass ihr mit ihr im Studio wart oder es plant? Warum habt ihr sie euch ausgesucht? 

Lars & Nicolas: Als wir über Features für das Album nachgedacht haben, fiel uns Nneka sofort ein, weil wir ihren Vibe und ihre Stimme sehr passend zu unserer Musik finden. Da Nicolas schon einige Male mit ihr auf Tour war und Lars schon öfter im Studio für sie gespielt hat, haben wir den direkten Weg gewählt, sie zu fragen. Es hat ein Weilchen gedauert bis sie zu uns ins Studio gekommen ist um auf verschiedene Songideen zu jammen. Der Song „Ndidi“ ist aus einem dieser Jams entstanden.

Wofür steht das Wort PHO?

Lucas: Pho oder Phô ist eine traditionelle Suppe der vietnamesischen Küche. Eine mögliche Wortherkunft ist die vietnamesische Aussprache für das französische Gericht Pot-au-feu (französisch für „Topf auf dem Feuer“). 

Nicolas: Für uns steht Phô symbolisch für die perfekte Komposition aus besonderen Zutaten die gut zueinander passen und die etwas Einzigartiges in der Mischung ergeben. Das lässt sich wunderbar auf unsere Musik und unsere Arbeitsweise übertragen. Uns erinnert Phô auch an den Moment unserer Bandgründung: da wurde im Studio viel gekocht und gleichzeitig gejammt und recorded. Heraus kam das erste Album Phô Sessions und unsere Band The KBCS. 

Bei Blogrebellen sind Hip Hop und Jazz keine zwei Welten, allerdings stoße ich mit solchen Berührungen allgemein da draußen nicht auf viel Gegenliebe bei Rap-Fans, insbesondere solchen unter 30 bzw. überhaupt für Musik jenseits von Trap-HiHats.
Wie sieht/sehen eure Zielgruppe(n) aus, falls ihr die charakterisieren könnt?

Lars: Wir haben keine Zielgruppe, wir sind eine Gruppe mit Ziel. Wir freuen uns über sämtliche zuhörenden Menschen jeglicher Art – mit oder ohne Geschlecht und gerne auch mit ungewöhnlichen Neigungen wie z.B. Menschen, die auf grüne Ampeln stehen oder Feuerlöscher.

Nicolas: Es gibt ja schon immer einen Unterschied zwischen Rap und HipHop. Wir sind mit beidem aufgewachsen, wir lieben die Energie von Rap aber wir lieben auch die musikalischen Welten die im HipHop zu Grunde liegen. Das sind ja vor Allem Jazz, Funk und Soul. Das hört man sicherlich auch auf den Alben die wir bisher veröffentlicht haben. Ich weiss gar nicht ob wir eine Zielgruppe haben, da wir ja unsere Musik in erster Linie für uns produzieren. Wir freuen uns natürlich über jeden Zuhörer, der sich mit uns auf eine Reise begibt und wertschätzt welche Liebe und Arbeit drin stecken. In den letzten Jahren ist ja auch instrumentale Musik wieder sehr im Kommen, zum Beispiel mit tollen Bands wie „Khruangbin“. Das freut uns sehr und da sehen wir uns auf jeden Fall auch.

Was sind Vintage-Aufnahmegeräte? (Info aus eurem Pressetext) Mit großen Magnetbandspulen? MidiDisc? 

Lucas (Schlagzeuger): Wir sind große Freunde von vintage Equipment im allgemeinen..alte Instrumente, schrottige Mikrofone und natürlich auch Bandmaschinen. Am liebsten ist mir die gute alte TASCAM 246 Portastudio 4 Spur, wenn es mal etwas mehr sein darf aber auch die TASCAM 388, oder eine FOSTEX E-16. Beim Mischen unseres Albums haben wir am Ende alles nochmal über eine Studer A80 laufen lassen, das gibt einen schönen warmen und satten Sound!

Der Vinyl-Boom vor einigen Jahren hatte der Musikindustrie einigen Schub gegeben. Jetzt gibt es seit dem ersten Lockdown eine chronische Kapazitäts-Knappheit in LP-Presswerken. Wenn ihr unter euch vier Bandmitgliedern mal eine Prioritätenliste bildet, von 1-6: Plastik reduzieren / lossless sound für Musik retten / CO2 in der weltweiten Güter-Logistik einsparen / für Musik anständig bezahlt werden / haptisches Erlebnis einer LP / Zeitlosigkeit betonen (statt ephimeren Streamings) – was ist euch am wichtigsten (#1), und was am wenigsten (#6)?

Lars: The KBCS sind für maximale Lebensqualität und minimalen Konsum von dann aber hochwertigen Gütern, wie z.B. auch unserer aktuellen Scheibe. Das das einem weltweit problematischen Güter-Logistiksystem gegenübersteht und evtl. auch ein geringer Teil desselben ist, befindet sich leider nicht in unserem Einflußbereich. Wir sind für guten Sound und gute Platten, alles so nachhaltig wie möglich. Hört unsere Scheibe einfach über ein paar Generationen!
Und natürlich würden wir auch gerne angemessen entlohnt werden.

Im ‚Lexikon der vergessenen Rapperinnen‘ sind dieses Mal MC Lyte und ein Album von ihr dran, das für die einen ihr Sell-Out darstellt und für andere ein richtig gutes ist, sich in jedem Fall kommerziell lohnte. Allerdings in den USA. Bei uns dauerte es danach noch zwei weitere Alben lang, bis die MC reüssierte – ein berühmtes Diana Ross-/Nile Rodgers-Sample sei Dank.

Außerdem dabei Tina Mweni.

Das Prinzip der Sendereihe: Frauen sollen selbst zu Wort kommen. MC Lyte ist nicht als Artist aktiv, sie konnten wir nicht gewinnen – bzw. nur als Rednerin und Geld dafür bezahlen. Statt dessen: eine ihrer Fans, Tina Mweni. Sie hat Wurzeln in Tansania, lebt teilweise in Dänemark und teils in Frankreichs HipHop-Hauptstadt Marseille. Dieser Tage präsentiert sie ihr neues Mini-Album „Nakiyimba“.

Alben:
Tina Mweni – Nakiyimba / MC Lyte – Act Like You Know

Videos:

Tina Mweni – Respect Women (2014, farbenfrohes Video)

Tina Mweni, David Walters & Yoandy Trujillo (2019, Live auf dem Festival Le Street Nécessaire, Venelles, Frankreich)

Lana Michele Moorer a.k.a. MC Lyte darf sich rühmen, als eine der ersten Frauen HipHop auf CD veröffentlicht zu haben. Im Oktober wird sie 50 (oder 51 – versch. Angaben). Vor 25 Jahren hatte sie zwei Hits, die sie in Europa sehr populär machten: In „Cold Rock A Party“ sampelte sie Diana Ross. Der andere große Song war „Keep On Keepin‘ On“. Doch ihre viel spannendere Zeit als Role Model des Rap reicht weiter zurück in die späten ’80er, frühen ’90er. Heute vor 30 Jahren erschien mit „Act Like You Know“ ihr drittes Album, das einen Wendepunkt im amerikanischen HipHop markiert.

Nach Produzent Bobby ‚Digital‘ Dixon, Toots Hibbert, U-Roy und Bunny Wailer geht der Karibik binnen eines Jahres erneut ein wegweisender Künstler verloren.

Bis kurz vor seinem Tod war Lee Perry aktiv. Anfang des Jahres war das geniale „Forestic Journey“ in diversen Versionen mit mal mehr und mal weniger Stimme erschienen.

Der Künstler starb in einer Klinik in Lucea, einem Hafenstädtchen an der Nordwestspitze Jamaikas. Doch bis vor Kurzem war er uns ganz nah gewesen, lebte über dreißig Jahre im deutschsprachigen Teil der Schweiz, in einem 16.000-Einwohner-Städtchen mit dem für ihn bezeichnenden Namen Einsiedeln. Blick hinab aus 880 Höhenmetern auf den Zürichsee – ein würdiges Ambiente für ihn.

Doch die Lockdown-Maßnahmen bei den Eidgenossen missfielen ihm, wurden ihm so unbehaglich, dass es ihn in die Karibik zurück zog. Dort lobte Regierungschef Holness stolz, im Zweistunden-Takt auf Twitter, eines der fleißigsten Kinder der Insel, das „viele inspiriert hat“.

My deep condolences to the family, friends, and fans of legendary record producer and singer, Rainford Hugh Perry OD, affectionately known as "Lee Scratch" Perry. pic.twitter.com/Eec2MEd6yC

— Andrew Holness (@AndrewHolnessJM) August 29, 2021

Unbestritten tat Perry das. Mit 15 Schulabbrecher, bahnte er sich erst mühsam seinen Weg. Bei Coxsone Dodd und später Joe Gibbs lernte er das Produzieren. Wobei Lernen bei ihm hieß, die Lehrmeister mit seinen eigenen Ansichten zu konfrontieren und alles anders und besser machen zu wollen. Man trennte sich im Streit. Bob Marley, Peter Tosh und Bunny Wailer gingen mit ihm.

„Die Wailers haben sich nicht alles bieten lassen„, kommentierte Bunny später sinngemäß im Wailers-Film von Jeremy Marre. Statt sich ausbeuten und mit ein paar Taschengeld-Groschen pro Single abservieren zu lassen, fanden Bob und die Seinen, dass ihnen nach acht Jahren Studio-Lehrjahren doch mal ein Album zustünde.

Perry produzierte sogar mehrere mit ihnen – darauf die ersten Versionen von „Stir It Up“ und „Sun Is Shining“, die später noch ganz anders klingen sollten. Und Nummern wie „Mr. Brown“, „(Head) Corner Stone“ und das titelgebende „Soul Rebel“ mit der Hook „I’m a capturer, soul adventurer„.

Ex-Perry-Ments in der Brutstätte des Dub

Alles ‚Ex-Perry-Ments‘, wie man das in der Branche nannte. Funktionierte auch prima ohne Gesang, wie schon 1968 der Instrumental-Hit „Return Of Django“ von Perrys Band, den Upsetters demonstrierte.

Die besten ihres Fachs blieben an des Scratchers ‚Black Ark Studio‘ kleben, und so viele Beste gab es nicht: Sly Dunbar, Schlagzeuger, Boris Gardiner, Bassist, Ernest Ranglin, Gitarrist, Augustus Pablo, Melodica-Spieler, Cynthia Schloss, Background-Sängerin – solche Leute wurden rumgereicht, und so überschnitt sich das Personal der drei Brutstätten des Dub. Was heute oft elektronisch entsteht, spielten damals ‚echte‘ Bands, die Upsetters beim Meister, die Now Generation Band bei Herman Chin Loy und die Revolutionaries beim dritten großen Dub-Producer Bunny ‚Striker‘ Lee.

1975 wird „Revolution Dub“ eine einschneidende Platte Perrys in Sachen Produktionstechnik und befördert den Export von Jamaikas Musik. Island Records beißt an, Manager Chris Blackwell will nicht nur Marley, sondern auch das Produzenten-Genie. Island finanziert mehrere große Alben, darunter Max Romeos „War Ina Babylon“, das mit „Chase The Devil“ und „One Step Forward“ zwei Hits für die Ewigkeit droppt.

Perry produziert auch Junior Murvins „Police And Thieves“. Der Titelsong inspiriert wiederum The Clash, überhaupt jamaikanische Grooves nachzuspielen, was sie kongenial covernd ab dieser Nummer tun. Das Black Ark Studio enthält eine Vierspur-Maschine. Viele der eigentümlichen ‚Unterwasser‘-Sounds sind Handarbeit von Lee Perry persönlich unter Zuhilfenahme von Alltagsgegenständen.

Unaufgeklärt bis heute bleibt der Brand des besagten Studios in Kingston. Nach einigen Jahren in den USA und Kollaborationen mit englischen Kollegen (z.B. Mad Professor) zieht Lee Perry in die Schweiz, heiratet übrigens (ein zweites Mal).

Im hohen Alter von 67 Jahren gewinnt er schließlich seinen ersten Album-Grammy für „Jamaican E.T.“

Zu den Hidden Treasures seiner letzten Lebensjahre zählt das Wiederversöhnungs-Album mit Max Romeo, „Horror Zone“, ein abgefahrenes und auch düsteres Werk.

Bei den späten Soloalben steht immer wieder das Wort Regen im Titel, wie auf „Heavy Rain“ oder „Rainford“, was auf Lees bürgerlichen Namen „Rainford“ Hugh Perry anspielt. Immer wieder gibt der Künstler Anlass für spannende Remixes. Für Anfang November ist derweil „Perry’s Guide To The Universe„, eine Kollabo mit einer kanadischen Drone Metal-Gruppe annonciert: „New Age Doom & Lee „Scratch“ Perry – Lee „Scratch“ Perry’s Guide to the Universe | We Are Busy Bodies“ – ein posthumes Album.

Das Scratch im Namen geht übrigens nicht aufs Scratchen zurück, sondern auf eines seiner ersten Stücke namens „Chicken Scratch“.

Dieser Beitrag zum Nachhören:

Als erstes kam uns natürlich was in den Sinn: Na klar! Essen! Was wäre ein Festival ohne die richtige Verpflegung? Wir überlegten uns könnte unseren Teilnehmer:innen am besten schmecken? Was geht schnell? Was kann man gut transportieren? Wir entschieden uns letztendlich für leckere vegetarische Hotdogs mit Ketchup, sowie Senf und knusprigen Röstzwiebeln. Das ist aber noch nicht alles. Ein deftiger Nudelsalat bestehend aus Farfallen, Tomaten, Feta und grünem Pesto sollte den Teilnehmer:innen das Wasser im Mund zusammenlaufen lassen. Nebenbei besorgten wir noch ein paar Snacks und fanden bei der Getränke-Suche etwas ganz überraschend. Es war das legendäre Tuborg-Bier, welches auf dem Roskilde Festival getrunken wird! Das war super, denn so konnten wir unseren Teilnehmer:innen noch ein Stückchen mehr den Roskilde-Vibe nahebringen. Die Verpflegung war also damit komplett.

Es ist Zeit für das Orange-Feeling!

Was noch wichtig ist bei einem Festival? Natürlich die Umgebung! Doch wie kommt man dem Festival-Feeling auf einer Wiese ohne Bühnen, Ständen, Zelten, welche auch noch die Farben des Festivals widerspiegeln näher? Wir dachten uns, da könnte doch etwas Dekoration nicht schaden. Um das allseits bekannte „Orange-Feeling“ des Roskilde Festivals zu erzeugen besorgten wir uns, wie könnte es anders sein, orangene Deko-Artikel. Außerdem wollten wir mit den Farben Gold und Silber einen schillernden Party-Vibe hervorrufen. Gesagt, getan! Nach etwa 10 Minuten lagen goldfarbene Decken auf dem Boden und eine Sternen-Kette in derselben Farbe drumherum. Orangefarbene Lampions zierten den Boden und wurden umrahmt von einer silbernen Schnur. Schon fühlten wir uns dem Festival etwas näher!

Das Wichtigste fehlt nur leider noch: Die Musik!

Normalerweise lassen wir uns bei einem Festival von diversen, unglaublich talentierten Künstlern verzaubern. Doch wir entschieden uns dann doch für die günstigere Variante: Eine Musikbox. In Mitte unserer Decken stand sie und spielte neben Künstlern, welche vorher bereits das Festival rockten, die offizielle Roskilde Festival 2021-Playlist. Eine Playlist, welche vom Roskilde-Team selbst zusammengestellt wurde und so eine Auswahl an Künstlern enthält, welche uns 2021 auf dem Roskilde Festival sehr glücklich gemacht hätten. Wir konnten es kaum erwarten unseren Teilnehmer:innen endlich unser kleines DIY-Festival zu präsentieren und gemeinsam eine tolle Zeit zu haben!

So trafen nach und nach unsere Teilnehmer:innen ein und eines kann ich sagen: Wir hatten eine super Zeit. Wir aßen die leckeren Hotdogs, sowie den würzigen Nudelsalat und tranken das dänische Tuborg-Bier. Wir saßen zusammen, quatschten immer dies und jenes und genossen unsere gestaltete Umgebung. Wir tanzten zu Taylor Swift und Kendrick Lamar, rockten ab zu The Strokes und rappten zu Doja Cat. Wir lauschten den ganzen Abend den zahlreichen, unglaublich talentierten Künstlern. Da das Line-Up so vielfältig ist war für jeden Geschmack etwas dabei! Da das Thema Nachhaltigkeit dem Roskilde Festival sehr wichtig ist, achteten wir natürlich darauf, die Wiese so sauber zu hinterlassen wie wir sie vorgefunden hatten.

Anders als bei vielen Festivals hierzulande, gibt es hier nicht nur die Möglichkeit zum grünem Camping oder Wohnmobil Plätzen. Gerade die sogenannten Community Camps bieten ein besonders persönliches Gefühl der Verbundenheit mit dem Kult-Festival. 

Doch was sind diese Community Camps, und warum reden wir überhaupt darüber, wenn das Festival sowieso nicht stattfindet?
Wenn es euch auch nur ansatzweise so geht wie uns, dann fehlt euch der Festival Sommer so sehr wie Umarmungen und wilde Clubnächte. Die einzige Art, diese Sehnsucht ein bisschen zu bekämpfen ist unserer Meinung nach: Planen und Alternativen finden. Wenn ihr also jetzt schon eure Festivals 2022 planen wollt und euch vielleicht Gedanken macht, in welches Community Camp ihr beim Roskilde Festival passt, haben wir hier das ultimative Quiz für euch:

Welcher Camp Charakter seid ihr?

Richtig gehört, die Community Camps lassen sich durch ihre einzigartigen Eigenschaften recht klar charakterisieren und fast schon personifizieren. 

Vorher ein paar Basics: was sind überhaupt diese Community Camps? Die Erklärung steckt eigentlich schon im Namen. Community Camping ist mehr als nur Camping, hier soll nämlich eine wahre Gemeinschaft aufgebaut werden. Besucher:innen sind dazu angehalten, sich mit ihren Nachbar:innen zu connecten, kreative Konzepte und Ideen zu entwickeln und so die Festival Zeit zu einem unvergesslichen Erlebnis zu machen. Das Roskilde Festival bietet die Dream City, das Settle‘n‘Share, Clean Out Loud und Leave No Trace. Für alle Community Camps muss man sich im Vorhinein bewerben. Wer also Lust hat, auf eine ganz besonders ausgefallene Festival Experience, haut am besten zeitig in die Tasten. 

Dream City

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Die Idee der Dream City ist, tatsächlich eine Art eigene Stadtgemeinschaft auf dem Campingplatz aufzubauen. Sie bezeichnet sich selbst als „benutzergesteuert”. Das heißt, Regeln wie die Lautstärke der Musik und den besten Weg, das Areal sauber zu halten, werden innerhalb der Dream City unter den Camps vereinbart. Auch darüber hinaus leistet jedes Camp seinen Beitrag. Die meisten Camps konstruieren ganze Gebäude, die durch ihre Kreativität begeistern. Andere veranstalten eigene Events, bei denen alle Bewohner:innen der Dream City ihren Spaß haben können. Alles in allem eben wie eine richtige Stadt. Und der springende Punkt: Festivalbesucher:innen, die für die Dream City angenommen wurden, haben ab Mitte April Zutritt zum Campinggelände, um an ihren Konstrukten zu arbeiten und die anderen Camps kennenzulernen. 

Clean Out Loud

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Die Dream City klingt spannend, aber auch nach sehr viel Arbeit? Euch ist ein besonderer Fokus auf Nachhaltigkeit und Sauberkeit wichtig, aber auf Party wollt ihr auch nicht verzichten? Dann seid ihr vielleicht genau richtig beim Clean Out Loud Camp. Clean Out Loud ist eine Kollaboration des Roskilde Festivals mit der Vallekilde Højskole, einer dänischen Einrichtung für Erwachsenenbildung. Seit 2011 reduziert das Clean Out Loud Camp erheblich die Müllproduktion auf dem Gelände und stellt gleichzeitig mit die sauberste Fläche zum Campen zur Verfügung. Parties und Events bleiben natürlich trotzdem nicht aus und Besucher:innen können unter anderem an der legendären Trash Parade teilnehmen. 

Leave No Trace

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Das Leave No Trace Camp setzt hier noch einen drauf und gilt als die ehrgeizigste nachhaltige Camping Area des ganzen Geländes. Der Name ist Programm: nicht nur auf Müllvermeidung wird hier geachtet, sondern im besten Fall wird der komplette CO2-Verbrauch einer/s jeden Besuchers/in auf das Minimum reduziert. Wie genau das passiert, ist euch ganz selbst überlassen. Stereoanlagen, welche durch Wind betrieben werden, veganes Gemeinschaftsessen oder Fahrradfahrgemeinschaften zum Festivalgelände, eurer Kreativität sind keine Grenzen gesetzt. “The sky is the limit” heißt es so schön auf der Festival-Website. So können alle gemeinsam daran arbeiten, dass uns Ereignisse wie diese noch lange gewährt bleiben.

Settle‘n‘Share

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Einen ähnlichen Gedanken hat das Settle‘n‘Share Camp in eine andere Richtung ausgebaut. Mehr gemeinschaftsorientiert geht eigentlich nicht: hier dreht sich, wie man am Namen schon erahnen kann, alles um‘s Teilen. Wer hier campt ist bereit, auf seine Nachbar:innen zu achten, sei es in Sachen laute Musik, Sauberkeit, Verpflegung oder Ähnliches. Bewerber:innen für‘s Camp entwickeln im Vorhinein ein besonderes Konzept oder Event, welches andere Camper:innen mit einbindet. Anhand dieser Vorstellungen wird dann ausgewählt, wer sein Festival auf dieser wirklich außergewöhnlichen Site verbringen wird. Wer gerne neue Leute kennenlernt und seine Zeit auf dem Roskilde am liebsten in einem großen Kreis voller Empathischer Festivalenthusiasten genießen würde, ist hier richtig aufgehoben.

Roskilde 2021 Quiz – Welcher Camp Charakter bist du?

So, genug erklärt, jetzt geht‘s an‘s Eingemachte. Unsicher, in welches Camp ihr passt? Dann macht jetzt unseren Persönlichkeitstest um einschätzen zu können, welchem Camp Character ihr am Ehesten entsprecht! 

Notiere dir am besten deine Antworten und checke unten unsere Auswertung ab!
Wichtig: es ist immer nur eine Antwortmöglichkeit erlaubt.

1. Frage: Wie würden deine Freund:innen dich beschreiben?

a) unternehmerisch, kreativ, selbstständig

b) Extrovertiert, liebt Parties, laut

c) Sozial, reinlich, großes Herz

d) überzeugend, prinzipientreu, charakterstark

2. Frage: Spontan geantwortet: was ist dir in deinem Alltag am Allerwichtigsten?

a) Selbstverwirklichung

b) Zeit mit meinen Freund:innen 

c) Das Knüpfen neuer Kontakte 

d) Ein nachhaltiger Lebensstil

3. Frage: Womit verbringst du am ehesten deine Freizeit?

a) Persönliche Weiterentwicklung durch Bücher, Workshops etc.

b) Party mit Freund:innen

c) Kochen, Haushalt, Gäste bewirten 

d) Events, bei denen ich meine Freund:innen sehe und neue finde

4. Frage: Wie sieht deine ideale Zukunft aus?

a) Ein risikoreiches Leben voller Kreativität und neuer Erlebnisse

b) Sammeln neuer Erfahrungen, immer umgeben von Menschen

c) Ein sicheres Einkommen, Familie, Haus und Hund 

d) Ein nachhaltiges Leben mit gutem Gewissen 

5. Frage: an Festivals liebe ich am meisten…

a) Inspiration durch die ganzen neuen Eindrücke

b) Die Konzerte, Party, Lautstärke

c) Neue Menschen kennenzulernen 

d) Zeit mit meinen Freund:innen auf dem Campingplatz

6. Frage: meine Ideale, Projekte und Meinungen…

a) Teile ich nur mit, wenn ich mir daraus einen Vorteil erhoffe

b) Erzähle ich meinen engsten Freund:innen 

c) Behalte ich am liebsten für mich 

d) Erzähle ich jedem/r der/die es hören will und trete gerne in den Diskurs 

7. Frage: Ich arbeite am liebsten… 

a) Mit mehreren Personen zusammen, aber in einem angemessenen Rahmen 

b) Mit so vielen Personen wie nur möglich

c) Alleine 

d) Mit einer weiteren Person im Team 

8. Frage: am glücklichsten bin ich, wenn ich… 

a) An neuen Projekten arbeite

b) Sorglos Zeit mit meinen Freund:innen verbringe

c) Menschen um mich herum helfen kann

d) Zeit an der frischen Luft verbringe

9. An der Corona Pandemie hat mich am meisten getroffen, dass…

a) Ich kaum zukunftsorientiert planen konnte

b) Festivals, Konzerte und Clubnächte nicht stattfinden konnten 

c) Ich meine sozialen Kontakte einschränken musste

d) Viele Branchen so leiden mussten 

10. Am Roskilde Festival fasziniert mich am meisten…

a) Die ungewöhnlichen Camping Möglichkeiten 

b) Die tollen Musikacts 

c) Das Gemeinschaftsgefühl

d) Der Nachhaltigkeitsgedanke

Jetzt geht‘s an die Auswertung. Schau deine Antworten durch und verteile Punkte. Für jedes A gibt es 1 Punkt, für jedes B 2 Punkte, pro C 3 Punkte und jedes D gibt 4 Punkte. 

10 – 16 Punkte: Dream City

Juhu, du scheinst perfekt in die Dream City zu passen! Vielleicht wirst du gerne kreativ und hast oft mehrere Projekte am Laufen. Wenn du die getane Arbeit auch noch gerne präsentierst, bist du in der Dream City genau richtig. Also, ran an‘s Werkzeug und zeig, was du kannst!

17 – 23 Punkte: Clean Out Loud

Willkommen bei den sauberen Partyheld:innen. Du hast gerne Spaß und liebst es, zu feiern – egal ist dir dein Umfeld währenddessen aber nicht! Dir wird es im Clean Out Loud Camp sicher hervorragend gefallen, denn noch nie ließ sich Nachhaltigkeit so perfekt mit Party vereinen. 

24 – 30 Punkte: Settle‘n‘Share

Wow, bei dir wird Hilfsbereitschaft riesengroß geschrieben! Du scheinst dich viel um andere zu sorgen und zu kümmern und bist super bedacht und empathisch. Dann sollte das Settle‘n‘Share Camp ein Paradies für dich sein.

31 – 40 Punkte: Leave No Trace

Herzlichen Glückwunsch, denn nachhaltiger geht‘s nicht. Du bist wohl wirklich unglaublich engagiert, wenn es um Umweltschutz geht und darauf kannst du stolz sein. Festivals und Nachhaltigkeit passenin deinem Kopf nicht zusammen? Lass dir das Gegenteil beweisen und werde kreativ im Leave No Trace Camp!

Na also! Jetzt steht eurem Festival Sommer 2022 ja nichts mehr im Wege. Und bis dahin: lasst den Kopf nicht hängen, ganz bald werden wir alle wieder gemeinsam feiern können!

Eine ganz besondere dänische Spezialität

Wir fangen mit einer Spezialität an, bei der einem das Wasser im Mund zusammenläuft: Das flæskestegssandwich! Dieses besteht aus einem krossen Brötchen, zartem Schweinefleisch und einer ganz bunten Belagsmischung, welche dennoch perfekt zusammenpasst. Dieses Gericht ist auf dem Roskilde Festival ein echter Hit und darf bei einem DIY-Festival dänischer Art auf gar keinen Fall fehlen.

Das ganze Rezept mit Mengenangaben findet ihr hier.

Lasst euch verzaubern von einem Burger auf Pflanzenbasis

Doch auch die nächste Spezialität ist nicht zu unterschätzen: der Mikuna Burger. Dieser leckere Burger besteht aus einer selbstgemachten Chilimarmelade, saftigem Gemüse, einem Burger-Patty auf Pflanzenbasis und frittierten Zwiebelringen. Zuerst werden die Burgerbrötchen natürlich wieder schön kross im Ofen aufgebacken. Danach werden die für Vegetarier geeigneten Burger-Patties angebraten und etwas mit Salz & Pfeffer gewürzt. Daraufhin wird sich um die Gemüsevariation gekümmert. Weißkohl, Zwiebeln, Paprika und Gurke werden in einer Mischung aus Wasser, Essig, Zucker und Salz aufgekocht und in eine Schüssel gegeben.

Dann ist es Zeit die Chilimarmelade zuzubereiten, die in Kombination mit den anderen Zutaten zu ein einzigartiges Geschmackserlebnis führt. Zuerst bringt man Essig, Zucker, rote Paprika und fein geschnittene Chili’s zum kochen. Diese Mischung muss dann für 40 Minuten köcheln, damit sie die benötigte Konsistenz erreicht. Jetzt sind die saftig-krossen Zwiebelringe drin! In einer Schüssel mischt man zuerst Mehl, etwas Stärke, Salz und Bier zu einem dünnen Teig zusammen. In eine separate Schüssel kommt natürlich das Paniermehl. Dann dippt man zuerst die Zwiebelringe in die Teigmischung, dann in das Paniermehl und frittiert sie so lange, bis sie schön gold-braun und kross sind. All diese Zutaten werden zu einem herzhaften, leckeren Burger zusammengefasst und fertig ist euer rein vegetarischer Festival-DIY-Burger.

Das ganze Rezept mit Mengenangaben findet ihr hier.

Süß, leicht und so lecker!

Nun haben wir natürlich zwei leckere, herzhafte Roskilde-Festival-Spezialitäten, doch irgendetwas fehlt…Ach ja, es ist die süße Versuchung für danach! Dafür haben wir natürlich auch noch ein tolles Rezept, welches ganz sicher super bei euren Gästen ankommen wird und auch noch so einfach ist. Es handelt sich dabei um ein dänisches Apfeldessert. Zuerst werden die Apfelstückchen zusammen mit Apfelsaft, Zucker und Vanillezucker aufgekocht. Die Mischung sollte man dann etwas köcheln lassen und daraufhin zu einem Brei zerstampfen. Als nächstes wird das Paniermehl zusammen mit etwas Zucker in einer Pfanne angeröstet bis es eine schöne goldene Farbe bekommt. Dann wird die Sahne steifgeschlagen und ein paar Gläschen werden bereit gestellt. Nun werden abwechselnd das Paniermehl, der Apfelbrei und die Sahne geschichtet und kalt gestellt. So einfach und lecker! Das ganze Rezept mit Mengenangaben findet ihr hier.

Nun habt ihr eine perfekte Auswahl für eurer ganz besonderes Festival-DIY-Projekt und könnt wenigstens den kulinarische Aspekt eurer Vorbereitungen abdecken. Bei einem Festival sind Essen und Getränke ganz wichtig, um bei Energie zu bleiben und eine tolle Möglichkeit euch mit euren Mitfeiernden über Festival-Geschehnisse auszutauschen! Lasst euch von der Musik berauschen, tanzt als gäbe es keinen Morgen mehr, feiert mit euren Lieben und am wichtigsten: Lasst es auch schmecken!

Auch dieses Jahr fand das Klangteppich Festival statt, wie ihr euch denken könnt aber leider nur online, sprich ohne Publikum. Wir waren als Medienpartner dabei und möchten euch heute die durchweg interessanten und sehr eigenen Performances der Künstler_innen präsentieren.

Hadi Bastani + Yalda Zamani – Electronic Music Performance

Die Zusammenarbeit des Komponisten, Klangkünstlers und Anthropologen Hadi Bastani mit der Dirigentin, Forscherin und Performerin Yalda Zamani ist in mehrfacher Hinsicht eine Premiere: Während seines ersten Aufenthalts in Berlin kreierte Bastani eine Performance mit Zamani, in der sie zum ersten Mal mit Live-Coding und der Anwendung von Machine-Learning-Modellen in Kombination mit Motion-Sensing-Technologien arbeitet.

Bastani arbeitet mit Field Recordings, er kreiert ortsspezifische, immersive und interaktive Installationen. Er performt mit Laptop, analogen Modularsynthesizern und gehackten elektronischen Spielzeugen.
In seinen künstlerischen, forschenden und lehrenden Tätigkeiten widmet Bastani sich der Beziehung zwischen kreativer Praxis, digitalen Technologien, Improvisation und Entstehen neuer Formen von Gemeinschaften. Besonderes Augenmerk legt er auf die Möglichkeiten gemeinschaftlich entwickelter ethnographischer und kompositorischer Verfahren und Produktionen von Klangkunst unabhängig von den jeweiligen Standorten der Akteure.

Yalda Zamani ist eine in Deutschland lebende Dirigentin, Forscherin und Performerin, die sich für transdisziplinäre Ansätze in der zeitgenössischen Musikperformance, Computerkreativität Live-Codierung und der Anwendung maschineller Lernmodelle in Kombination mit Technologien für Bewegungssensorik interessiert. Sie untersucht Interaktionen zwischen Menschen und KI-Systemen bei der Kreation von Musik, um die Beziehung einer Dirigentin, eines Dirigenten mit dem Orchester/Ensemble in der Aufführung neu zu definieren. Außerdem umfasst ihre Forschung, wie die Entwicklung intelligenter künstlerischer Ökosysteme mit sinnstiftender Zusammenarbeit und heutigen Werten vereinbart werden kann.
2021 erhielt sie ein zweijähriges Doktorand_innen-Forschungsstipendium der Stadt Hamburg und des Europäischen Sozialfonds, das darauf abzielt, den Anteil von Frauen in Führungspositionen effektiv und nachhaltig zu erhöhen.

Hadi Bastani [artist in residence] – modular synthesizer
Yalda Zamani – electronic sounds, codes, motion-sensors
Recorded at tak Theater Aufbau Kreuzberg by berta.berlin

RCO Berlin/Athens – Electronic Sound Experiment 

RCO entwirft elektronische Schaltungen und verdrahtet Alltagsgegenstände, um Klänge zu erzeugen und mit selbstgenerierten Geräuschen zu experimentieren. Unterschiedliche Gerätschaften, akustische Quellen und Herzschrittmacher werden in Feedbackschleifen und Überlagerungen zusammengebracht und in vielschichtigen Klanginstallationen arrangiert.

~
Der Konzeptkünstler lebt und arbeitet in Berlin, Leipzig und Athen. Seine künstlerische Tätigkeit ist prozessorientiert, performativ, poetisch und meist seriell. Schwerpunkte bilden dabei Eingriffe in bestehende Systeme sowie Konstruktionen sozialer Räume und interaktiver Ereignisse. In seiner aktuellen Arbeit legt der Künstler seinen Namen ab.

Karl Heinz Jeron wurde 1962 in Memmingen, Deutschland geboren. Er lebt und arbeitet in Athen und Berlin. Seine Kunst handelt von Alltagskultur, medialer Wahrnehmung und Informationsverarbeitung. Das reicht von Aufführungen mit singenden und tanzenden Robotern, über Kompositionen mit elektronisch verschaltetem Gemüse bis hin zu Audio-Touren in Windparks. Seine Arbeiten wurden unter anderem im ZKM Karlsruhe, auf der Ars Electronica Linz, der Documenta X, am ICA London, dem Walker Art Museum Minneapolis, der Berlinischen Galerie Berlin und dem Museum of Modern Art San Francisco gezeigt.

Die Aufführung bei Klangteppich III haben RCO live über die Entfernung mit ~ in Berlin und Karl Heinz Jeron in Athen realisiert.
Recorded at tak Theater Aufbau Kreuzberg by berta.berlin
Gäste* vom Noiselab-Festival

Boeykens, Xeen, Berlin/Istanbul

Boeykens ist ein gefragter Tuba-Spieler in Orchestern, Kammerensembles und Bands. Er wirkte in verschiedenen Theaterproduktionen am Thalia Theater, den Kammerspielen und dem Deutschen Schauspielhaus in Hamburg mit und spielte in der Reihe Neue Musik und Jazz des NDR u.a. mit Vinko Globokar und Carla Bley. Seit 1992 unterrichtet Boeykens tiefe Blechblasinstrumente. Er tritt regelmäßig mit dem Musiker* und Performer* Hans Unstern auf.

Zhina Ardalan begann im Alter von dreizehn Jahren E-Gitarre zu spielen. Sie arbeitet als Grafik- und Sound-Designerin, schreibt und produziert ihre eigene Musik. 2016 gründete sie ihre erste Band The Finches, zusammen mit drei anderen jungen Frauen. Ende 2019 war sie Mitgründerin der Electro-Rockband „Stereotype“, seitdem ist sie auch mit ihrem Soloprojekt Xeen aktiv.

Orlando Boeykens/Berlin – tuba
Xeen/Istanbul – electronics

Rangarang Chor

Der Rangarang Chor hat sich bei Klangteppich III musikalisch und persönlich gefunden – um dem Publikum wunderbare, bewegende Lieder zu präsentieren. Manchmal braucht es Ausdauer, einen starken Glauben und Mut, damit ein Projekt endlich erstrahlen kann.
Die Komponistin und Sängerin Laura Winkler arrangierte Lieder der populären iranischen Sängerinnen Hayedeh (1942-1990), Marzieh (1924-2010) und Ramesh (1946-2020) für einen Chor aus persischen Muttersprachler_innen und Sänger_innen, die kein Persisch sprechen.

Laura Winkler – Arrangements, Leitung

Gesang
Winnie Brückner
Sophie Grobler
Pejman Jamilpanah
Matthias Knoche
Zola Mennenöh
Pari

Lieder
Tavoos – Marzieh
Shabe Eshgh – Hayedeh
Gheseh Labhaye Yakh Basteh – Ramesh
Harfe Taaze – Hayedeh
Gamgin Cho Paaizam – Marzieh
Aroosak – Hayedeh
Rood Khooneha – Ramesh
To Baaroni, to aaftaabi – Ramesh

Auswahl der Lieder – Ali Kamrani, Franziska Buhre
Transkriptionen in Finglish – Pharaz Azimi

Weitere Informationen über und zum Klangteppich Festival findet ihr auf der Homepage, bei YouTube, Instagram und Facebook. Wer das Festival finanziell unterstützen kann und will, kann das über Paypal tun.

Frauenmangel auf Festival Bühnen

Seit langer Zeit haben Veranstalter:innen und Booker:innen immer wieder mit Kritik zu kämpfen. Oft wird ihnen vorgeworfen, Musiker:innen zu benachteiligen, da auf den meisten Festivals das Line-up hauptsächlich aus männlichen Künstlern besteht. Ein gutes Beispiel dafür, war die Kritik am Festival „Rock am Ring“, welches vor kurzem sein Line-up für das Jahr 2022 vorstellte. Die Bekanntgabe der ersten Künstler:innen stößt bei vielen Fans auf Kritik, denn unter 107 eingeladenen Künstler:innen, befanden sich gerade einmal zwei Frauen. Diese Tatsache führte zu weiteren Diskussionen darüber in wie weit Diversität auf den deutschen Festivalbühnen herrscht und warf die Frage auf: Wie können wir diesen Zustand ändern?

Sexismus oder strukturelles Problem?

Frauen* und auch Männer werde oftmals heute noch, aufgrund von alten Normen kategorisiert. Unsere Gesellschaft hält an veralteten Strukturen fest und es heißt beispielsweise, dass Frauen* nicht für technische Berufe gemacht sind weil sie zu “schwach” sind und sich nicht für Technik interessieren. Männer wiederum werden oft mit dem Stigmata besetzt, dass sie belastbarer sind und sich besser durchsetzen können. Diese veralteten Kategorien haben sich bei einigen Menschen in den Köpfen festgesetzt und es gilt diese zu durchbrechen. Aber wie oft wird dann das Argument angebracht “ja aber es gibt einfach keine Frauen*, welchen man den Job geben könnte!” Aber stimmt das wirklich?

Eine digitale Plattform und Argument gegen jegliche Ausreden

Die deutsche Musikbranche hat einen Grund zum feiern, denn am 12. Juni hat der brancheneigene Dachverband Music Women* Germany seine neue Website gelaunched. Die Website ist die erste digitale Platform für Musikfrauen, welcher Branchenübergreifend arbeitet und die Möglichkeit gibt durch die Datenbank, die passende Musikfrau* für ein Projekt zu finden. Sätze wie “eine musikalische Frauenquote sei aber nicht möglich, da es schlicht zu wenige weibliche Musikerinnen gebe“ werden somit widerlegt. Music Women* Germany unterstützt Künstlerinnen durch ein professionelles Job Portal, in welches Arbeitgeber:innen gezielt ihre offenen Stellen inserieren können, um für mehr Diversität in ihren Unternehmen zu sorgen. Zudem gibt es eine verbesserte Suchfunktion, eine erweiterte Liste im News Bereich, Vernetzungsmöglichkeiten und Events. Nicht zugvergessen sind über 35 Ambassadoras, bekannte und einflussreiche Musikfrauen* in Deutschland, die sich für die Music Women* Germany stark machen.

Der erste Schritt in eine diverse Zukunft

Es bedarf viel Zeit um alte Strukturen aufzubrechen und darauf aufmerksam zu machen, dass Denkmuster überholt sind. Das schafft man vor allem durch zwei Dinge: laut sein und darauf aufmerksam machen, das etwas alt eingesessen ist und auf der anderen Seite eine Lösungsmöglichkeit an die Hand geben. Music Women* Germany, hat genau diesen Spagat zwischen Aktivismus und Pragmatismus mit ihrer neuen Plattform geschaffen. Sie trägt dazu bei, Frauen* und die, die sich als solche identifizieren, eine Grundlage für eine gleichberechtigte Zukunft zu schaffen. Die Datenbank von Music Women* Germany lebt davon, dass sich so viele Frauen* wie möglich dort eintragen und so gefunden werden können – daher GO GIRLS! Aber auch die Abeitgeber:innen sind gefragt, inseriert eure Jobs auf dem Jobportal von Music Women* Germany und werdet Teil der Veränderung. 

Wie empfinden Menschen mit afroamerikanischem Background das Musikbusiness? Wie werden sie in Massenmedien dargestellt, in Social Media diskutiert und welche Muster lassen sich dabei eventuell beobachten? Welchen Beitrag leisten sie zur deutschen Kulturlandschaft als Gesamtheit?

Der Todestag von Georg Floyd gibt Anlass für mehrere Leute im deutschen Rap, live auf YouTube zu diskutieren und Unausgesprochenes in den Raum des Gesagten zu ziehen.

Link zum Live-Stream | Beginn Dienstag 25.05.2021, 20:00 Uhr:

Es reden miteinander:

• Eunique, 25, Rapperin aus Hamburg, („Willkommen in meinem Block“),
• Jalil, 34, Rapper aus Berlin,
• Preach, Rapperin aus Hamburg, aber bei einem Wiener Label,
• Yasmin Poesy, Comedian und Poetry Slam-Künstlerin aus Berlin

• Roger Rekless, 40, aus München, Produzent, Rapper, Radiomoderator, Sozialpädagoge, HipHop-Szenekenner und unter seinem bürgerlichen Namen David Mayonga Autor des Buchs „Ein Neger darf nicht neben mir sitzen“
• und Uncle D, Comedy-YouTuber („My Familia Dey Craze“).
• Moderation: Malcolm Ohanwe.

„Yasuke“ von Flying Lotus umfasst zahlreiche solcher fragmentarischer Stücke aus dem Soundtrack der Internet-Serie. Und vier Vocal-Tracks u.a. im R’n’B-Segment. Anzuhören seit 30. April 2021 u.a. auf Bandcamp: https://flyinglotus.bandcamp.com/album/yasuke

Mit Rasensprenger und Bee Gees-Hut

Wie auch immer, John Carroll Kirby hat in seinem Lied überhaupt keinen Text, dafür vertont er einen Gemütszustand. Entspannten Gleichmut könnte man nennen, was er in „Rainmaker“ mitteilt. Dabei dachte Kirby ursprünglich an einen Rasensprenger, der die Grünflächen im sonnen- und hitzeverwöhnten Los Angeles benetzt.

Der Song könnte direkt den 70er Jahren entsprungen sein. Der Blick ins Tonstudio zeigt eine Videoclip-Situation aus prä-1980. Mit Bee Gees-Hut und Sonnenbrille wirkt das optische Erscheinungsbild recht retro, die Musik ist es auch. Mit voller Absicht. „Die Musiker kleideten sich mit einem starken Sinn für Individualität, während sie gleichzeitig einen zusammenhängenden Look beibehielten – ein Thema, das ich auch musikalisch (…) erreichen möchte.“ Ein Triangel rückt nach 44 Sekunden ins Bild (Victoria Mordoch schlägt es anmutig).

Septett-Besetzung mit Querflöte, Triangel und natürlich Kirbys Keyboards

Eine Querflöte bei 57 Sekunden unterstreicht den Albumtitel: „Septet“ soll Ende Juni erscheinen. Die Dramatik von Polizeisirenen im dritten Song-Drittel wirkt den Blaxploitation-Filmen der Siebziger und ihren Soundtracks nachempfunden. Auch fantastische Süße steckt in den haarfeinen Keyboard-Loops. Nach knapp 3 Minuten wird’s nicht nur den Musikern so heiß, dass man mal ein Kleidungsstück abstreift. Der Clip steckt durchaus beim Zuschauen an und übersetzt die „Vibrations“ der Musik perfekt.

Nachteil des Videos: Wie so oft, ist es zu dunkel, zu schwach belichtet. Trotzdem wollen, ja müssen wir geradezu, das deep-groovende Instrumental-Stück supporten. Denn solche out-of-fashion-Mucke hat es in unseren Breitengraden momentan nicht allzu leicht. Die große Welle des Neo-Soul ist längst abgeebbt, die in den aktuellen HipHop-Tracks recycelten Soul-Klassiker der 70er oft nicht mal mehr den Rappern selbst ein Begriff, dem Großteil des Publikums schon gleich drei Mal nicht. Herr Kirby reminisziert hier mit seinen psychedelischen Verzerrungen im Mittelteil des Songs wohl an Sly Stone. Er selbst nennt Weather Report als Inspiration, was bei den wabernden Tastentönen sofort glaubhaft ist.

Es fehlen gar keine Vocals, sie wären aber vorstellbar. So wie die Crusaders mit solcherlei Sounds auch oft spannende Non-Vokal-Stücke zauberten, dann aber wiederum mit Gastsängern und -sängerinnen arbeiteten. So wie hier, auch mit mit tanzenden Roboter-Hunden auf der Bühne.

John Carroll Kirby trat in den letzten Jahren als Keyboarder für Frank Ocean, Synthiepop-Sängerin und Multimedia-Designerin Bat For Lashes, Rapperin Kali Ushis, den französischen Electropop-Künstler Sébastien Tellier, Future-Softsouler Blood Orange, für die Alternative-Weird-HipHopper Shabazz Palaces und viele andere in Erscheinung. Zuletzt für The Avanlanches auf „We Will Always Love You“ Kirby stand wiederholt für Solange Knowles an den Tasten und produzierte u.a. „A Seat At The Table“ und „Metatronia“ mit ihr.

Kali Ushis, hier beim Roskilde-Festival 2018, nahm Kollege Kirbys Keyboard-Dienste für „Dead To Me (Acoustic)“ in Anspruch.

Das Album „Septet“ von John Carroll Kirby erscheint bei Stones Throw Records im Vertrieb von Rough Trade am 25. Juni 2021 digital und physisch. Ich freue mich drauf!

Chips im Clip und Ska im Beat

Ein Zugangsweg für Newcomer, der nun ein Jahr lang verschlossen stand. So entstand auch der Clip zum schwungvollen, kurzen „Oh My Love“ im To Go-Food-Kontext. Zu Beginn hört einer der Lathums eine lokale Band namens The Lathums im UKW-Radio. Dort sind sie Track of the Week. Während er so auf seine Pie & Chips wartet, spielt sich vor seinem inneren Auge eine schöne Fantasie mit einer tanzenden, jungen Frau ab – die in vielerlei Hinsicht der realen Person hinter der Theke widerspricht, die ihm die Fritten zubereitet.

Der Beweis, dass man zur Musik von The Lathums gut tanzen kann, ist hiermit also angetreten. Jetzt folgt die reflektierende und musikanalytische Erläuterung dazu, von Alex aus der Band: “Es gibt etwas in mir, vielleicht ist das bei jedem universell so und ein menschlicher Schwung, den du in der Musik hörst und der sogar, wenn du gar keinen Song hörst, da ist: Das ist so eine Art Herzschlag, der zu den Beats von Reggae, Ska, Grime oder Hip Hop tickt. Der Tune ‘I See Your Ghost’ drückt dieses Empfinden aus.”

Mit The Lathums werden wir noch viel Spaß haben, vorausgesetzt man steht ein bisschen auf diese Ska-Mentalität in der sanften Variante, also ohne Punk-Core, ohne Oi-Geschrammel. Dafür mit einer melodiösen, folkigen Komponente. Die Band stammt aus Wigan, einer 80.000-Einwohner*innen-Industriestadt im Raum Manchester. Eindrücke von hinter den Kulissen und auf den ‚Bühnen‘ der Pub-Tour sind hier in einer 10 Minuten-Mini-Doku unterhaltsam zusammen geschnitten.

The Lathums in diversen Netzwerken:

Gesichtsbuch: https://www.facebook.com/thelathums

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCwm2mdiUXApmL5bCxHtgJIA

Twitter:

Das Album steigt in medias res ein. Der Opener heißt „Positive Vibration“. „Positive Vibration“ fräst sich als fester Slogan nicht nur ins Marley-Vokabular bei Konzertansagen ein. Sondern wird auch zu einem geflügelten Wort bei Reggae-Fans, und über die Subkultur hinaus im allgemeinen Sprachgebrauch. Programmatisch, die Sache mit den positiven Schwingungen!

Höhere Gemütszustände und afrokaribischer Wechselgesang

Der Song erzählt auch von „irie ites“, also höheren Gemütszuständen. Mit dem Hintergrund-Verständnis, das heute in Zeiten von Cannabis-Legalisierungsversuchen, fast jeder hat, ist klar: Hier waren die Weed-induzierten Entspannungszustände gemeint. „Positive Vibration“ verkörpert aber weitaus mehr als eine typische Kiffer-Hymne oder eine Party-Nummer. Die musikalische Umsetzung unter stimmkräftiger Unterstützung der drei Background-Sängerinnen I-Three, knüpft an „Them Belly Full“ vom Vorgänger „Natty Dread“ an und vertraut auf die afrokaribischen Muster des Wechselgesangs, also des Call-and-Response. Der Lead-Vokalist Bob gibt vor, die „Hintergrund“-Leute rücken in den Vordergrund und antworten.

Judy Mowatt, Marcia Griffiths und Rita Marley sind das Album hindurch sehr präsente Stimmen und eben nicht „nur“ Background-Verschönerung. Der recht kongeniale und hochpolitische Schlusssong „Rat Race“, ebenso drei zentrale Stücke des Albums flossen aus der Feder von Ehefrau Rita. Ihre Solo-Zeit begann noch, als Bob am Leben und die Wailers aktiv waren. Als sie ihr Debüt „Who Feels It Knows It“ 1980 beim Tuff Gong-Label vorlegt, zeigt sich erneut, welch großartige Schreiberin und auch Interpretin sie ist. Wailers-Keyboarder Tyrone Downie borgt sie sich dafür kurzerhand aus. 1982, kurz nachdem Bob stirbt, engagiert sie eine Background-Vocals-Gruppe für sich selbst: die Melody Makers. (Und mit „Harambé!“ landen sie einen Hit.)

Auf „Rastaman Vibration“ ist also, wie bei jedem Bob-Album, mindestens eine Komponente anders als bei allen anderen Studioalben: Hier, dass er überhaupt nur einen einzigen Song zur Platte als Autor beisteuerte: „Night Shift“. Oder: Laut eigenen Angaben nur diesen geschrieben haben soll. Obwohl zum Beispiel „Crazy Baldhead“ offiziell vom jamaikanischen Hit-Autor Vince Ford und Rita stammen soll, könnten die Credits Fake sein. Denn die Nummer klingt rhythmisch und textlich natürlich sehr nach Marley oder zumindest nach dem, woran wir uns bei ihm gewöhnt haben.

Faithless oder Beenie Man – wer covert besser?

Die Nachwelt weiß wohl nicht so Recht, und lässt das durchaus starke Stück beim Covern oft links liegen. Legendär ist die lebhafte Dancehall-Duett-Version von Beenie Man und Luciano, die auf einem Wailers-5CD-Sampler 2017 bei einem französischen Label erscheint; als DJ-Single ein Klassiker….

Gecovert haben das Lied immerhin aber auch Faithless – ohne vom Original viel abzustreichen; lediglich sind ein paar Vokalspuren übereinander gelegt, zusätzliche Textzeilen in südenglischem Akzent eingefügt und eine Drum’n’Bass die neuen Merkmale. Hier ging es aber wohl auch nicht um eine Huldigung an Bob, sondern um einen Kommentar zur Banken- und Eurokrise. 2010, als der Song rauskommt, sind die „Baldheads“, die genormten westlichen Kapitalismus-Ergebenen Kokain schnupfende Börsenmakler*innen und Hedge Fonds-Investment-Berater*innen.

„Crazy Baldhead(s)“ lässt sich wohl zeitlos immer wieder auf Leute anwenden, die kopflos mit dem System gehen und dort in einer Verantwortungsposition auf Autopilot schalten. „Night Shift“ ist ein bassgetränktes, dennoch zartes Stück und eines der am deutlichsten an Gospel-Strukturen angelehnten der Roots Reggae-Geschichte. Warum die Ballade mit heftig orgelnden Keyboards und engelsgleichen Background-Stimmen nie berühmt wurde? Tja, das sind die Marketing-Rätsel der Geschichte. Sicher, der Song war keine Single, live aber spielten die Wailers den Track zumindest kurze Zeit, wie das Bootleg aus dem New Yorker Beacon Theatre beweist.

Länger, rockiger, nachdrücklicher gerät der Song hier. Coverversionen? Fehlanzeige! Nicht mal innerhalb Jamaikas oder innerhalb des Reggae-Genres. Diese Lücke zeigt, wie wenig selbst die heutigen Bewegungen in der Musikszene, das Roots Retro-Revival und die Nu Roots-Gruppen, wirklich Ahnung vom Back Catalogue haben. Bei Konzerten werden schließlich immer wieder dieselben zehn, zwölf Bob-Songs nachgespielt. Und auch die vielen Söhne Marleys taten nichts, um beispielsweise dieses Nugget aus Papas Nachlass zu pflegen.

Diskographische Besonderheiten

Vielleicht braucht es solche Tracks, damit ein Original-Album auch in seinem Wert die Dekaden überdauern kann. Denn wenn man sich „Rastaman Vibration“ nicht kauft, kann man sich „Night Shift“ nun mal bis heute nicht ins Regal stellen. Und Augen auf, welche Ausgabe man sich zulegt: Manche Ausführungen enthalten den Bonus Track „Jah Live“, den ich keinesfalls missen möchte. Diese Standalone-Single von 1975 überbrückte die für Wailers-Verhältnisse lange Album-Pause zwischen „Natty Dread“ (25. Oktober 1974) und „Rastaman Vibration“ (30. April 1976).

„Jah Live“, wie der Songtitel sagt, ist ein religiöses Lied mit der – scheinbar – biblischen Schlüsselzeile „is he who laughs last, (children) is he who wins“, einer Abwandlung des Sprichworts „wer zuletzt lacht, lacht am besten“ („he who laughs last, laughs best“). Viel Text hat der Song nicht, spricht davon Feinden die Stirn zu bieten und von „Jah“. Marley legte die Gläubigkeit in den Reggae, das taten Toots Hibbert und Jimmy Cliff nicht, und auch anfangs nicht mal der ultra-religiöse Rastafari Max Romeo. Dennoch denken viele heute (und auch mir selbst ging es lange Zeit so), Roots Reggae drehe sich zwangsläufig immer um eine religiöse Haltung, Jah sei überall gegenwärtig. Das stimmt auch bei Bob Marley nur für die wenigsten Texte, für den ausgestiegenen Bunny Wailer (gestorben am 2. März 2021) dafür dann umso mehr.

Der Musik die Liebe erklärt

Wie gesagt, „nur“ ein Bonus Track! Man könnte so vieles an diesem Album loben. „Roots, Rock, Reggae“ etwa – eine Liebeserklärung an Musik selbst: Ob es die von Jazz angefixten Saxophon-Triller hier sind oder das prägnante „Doo-doop-doo-doop“ von Judy Mowatt in der Mitte oder die Huldigung an die R’n’B-Musik im Text … es bleibt ein sehr positiv einnehmendes Lied. So zeitlos, dass ein neuer Song in dieser Machart sicher großes Echo in der heutigen Reggae-Szene bekäme – nur macht leider keiner sowas.

Diskographisch kurios: Das Lied diente als A-Seite, auf den B-Rücken packte man aber „Them Belly Full“ vom Vorgänger. Stimmt schon, die beiden Stücke passen auch sehr gut zusammen. „Them Belly Full“ ist ohnehin einer der wichtigsten Tracks über Jamaika und seine Armut, überhaupt. Über die Arm-Reich-Spaltung. Gelder, die fließen, um sie zu verschärfen. Drogenhandel-Kartelle, die auch Waffen und Säuglinge schmuggeln, gedeckt, viel mehr: angestiftet von korrupten Politikern sowohl aus Regierung als auch Opposition. Diese düstere Seite sprechen in „Rastaman Vibration“ vor allem „War“ und Ritas Ballade „Johnny Was“ an. Sozialkritik ist ein Gründungsmerkmal des Roots-Reggae. Finden auch die Punk-Reggae-Rocker Stiff Little Fingers.

Aber zurück zu „Roots, Rock, Reggae“: Wichtig sind die Kommas im Songtitel. Denn ‚Roots Rock‘ ohne Komma steht fürs Schlagmuster der Roots Rockers – ein Takt-Pattern im Reggae. Und so nannte sich auch eine Compilation mal, „Roots Rock Reggae“ (ohne Kommas), auf der Marley und dieser Titel gar nicht drauf sind. Jede*r Interessierte wusste dann zwei Jahre später, was ‚Rockers‘ sind, lief ja 1978 auch der so betitelte Film-Klassiker an.

„Roots, Rock, Reggae“ war später der Name eines Songbuchs mit Marley-Nummern (Autor des Songs übrigens Vince Ford, nicht Bob), und natürlich klingt in der Begriffspaarung auch das an, was man Marley und vor allem auch Chris Blackwell, dem Island Records-Strategen bis heute vorhält und worüber er sich mit dem erwähnten Bunny Wailer überwarf: Dass man Rock-Elemente in den Reggae übernahm und die jamaikanische Musik damals an den US-Markt anpasste (nebenbei, bei allem Respekt für konstruktive Kritik, wenn sie es denn wäre: was für ein bekloppter Streitpunkt! Kultur lebt in einer globalisierten Welt nie recht lange pur(istisch)).

Technische Klangtiefe und Messages – ein Meilenstein des Reggae

„Rastaman Vibration“ kam in den USA super an. Sogar kommerziell gesehen besser als die vorigen. Obwohl die LP eher nicht diejenigen Songs abwarf, die dann die Best Of’s befüllten. Tatsächlich, obwohl das Album handwerklich perfekt ist und das Songmaterial überragende Texte aufweist, und obwohl die Platte vor eingängigen Melodien nur so übersprudelt: Auf dem ikonischen Greatest Hits-Album „Legend“ findet sich kein einziges Klangbeispiel aus diesem Meilenstein der Reggae-Geschichte.

Auf Rock-Fans hingegen gar nicht so primär, wie es das Klischee um Blackwells Intentionen oft nahelegt. Ein Gitarren-Intro der Marke „Stir It Up“ gibt es hier nirgends. So stimme ich (ohne Marley-Fan zu sein), mit dem Soul-Künstler Bilal überein: Dieses Album gehört nicht nur zu seinen 25 Lieblings-Platten aller Zeiten – auch zu meinen.

Und was die Amerikanisierung betrifft: Reggae ist ohne US-Musik sowieso nicht denkbar. Die (Vor-)(Vor-)Vorläufer Mento, Calypso, Ska, Rocksteady – was wären sie ohne afroamerikanische Musikstile oder – siehe Mento – überhaupt amerikanische Einflüsse, selbst Country und Folk? Calypso ohne Blues? Ska ohne Jazz? Rocksteady ohne Motown-Soul? Was sollte schlimm daran sein, die Wurzeln zu benennen?

Und das zeigt schon: Best Of’s sind was für den Einstieg oder um bei einem Grillabend schnell was zur Hand zu haben, mitnichten aber repräsentieren sie das Werk eines Künstlers – Bob war 18 Jahre lang aktiv, und die wenigsten, die nur „Legend“ kennen, ahnen, was auch in den frühen Jahren schon für grandiose Songs auf Band kamen. Sicher, die Tonqualität der ersten Jahre ist nicht dolle. Die von „Rastaman Vibration“ schon. Sie lässt – erst recht in der remasterten Ausgabe – allen Instrumenten im Raumklang ihren Freiraum und überragt technisch die späteren Alben „Survival“ (1979) und „Uprising“ (1980) an Klangtiefe und Differenziertheit um einiges. „Rastaman Vibration“ ist eines dieser Reggae-Alben, die eigentlich auf ein Soul-Publikum zielen.

Gar, wenn die Musik Messages und Stories transportiert? Wenn die Texte doch voller Metaphern stecken („when the cat’s away, the mice will play“ in „Rat Race“, „Hypocrites and parasites / Will come up and take a bite” in „Who The Cap Fit“) und voll idiomatischer Poesie („Only who the cap fits, should wear it / And then a-gonna throw me corn“). „Rastaman Vibration“ – ein starkes und unterschätztes Roots Reggae-Klassiker – und zugleich ein verkanntes Soul-Album!

„Rastaman Vibration“ ist im Katalog von Tuff Gong/Island/Universal in folgenden Editionen und Tonträger-Formaten erhältlich (Auswahl). Um sie auseinander zu halten, wird jeweils die EAN-Nummer des Produkts genannt.

CD EAN 042284620529

CD Deluxe Edition (2002) EAN 0044006344721

_{Doppel-CD: 31 Tracks inkl. Bonus Tracks, Live-Versionen, Dub-Version von Roots, Rock, Reggae, Sessions-Aufnahmen}

CD-Pappschuber 5 Classic Albums (2015) EAN 060075359822

LP Back-to-Black-Serie (2010er-Jahre) EAN 042284620529 

Half-Speed Mastered Vinyl (2020) EAN 00602435082158

• in den Abbey Road Studios neu gemischt

CD-Box Bob Marley & The Wailers Limited Deluxe Edition Boxset (2008) EAN 602517930308

CD-Box The Complete Island Recordings (2020) EAN 00602435081243

• erstmals in dieser Sammlung seit Dezember 2020 erhältlich

LP-Box 11 Alben EAN 600753602515 / EAN 600753602522 (verschiedene Detail-Ausführungen)

• Zippo-Box: Metallverpackung
• Inkl. der beiden Live-Alben „Live!“ (1975) und „Babylon by Bus“ (1978)

Halluzinative Bilderflut mit Micky Maus

Sein Video zum Song „Leave“ ist assoziativ, teils halluzinativ, wirkt übernächtigt. Angebissenes Fast Food, das verzweifelte Krallen nach einer Zigarette, Finger am Smartphone, hier mal ein Bildchen von Micky Maus, dort mal Acrylfarben-Geschmier. Die meisten Einstellungen der Kamera sind nicht einmal eine Sekunde lang zu sehen. Ab der zweiten Hälfte des Clips steigert sich der Schnitt in eine nicht mehr wahrnehmbare Bilderflut von schätzungsweise 20 bis 25 Bild-Partikeln pro Sekunde. Dazwischen immer wieder Eindrücke aus dem Tonstudio. Dort entstand mit „Leave“ ein melancholischer erster Solo-Song des Belgiers.

Für die Compilation des Deewee-Labels kann man den Song als untypisch einstufen, weil: Viel kürzer und Melodie betonender als all die anderen Beiträge. Von der Bildsprache her führt er auch auf eine falsche Fährte, wirkt broken und kaputt. Das gilt aber weder für Movulangos Musik noch für all die anderen Acts der Plattenfirma.

Die Label-Gründer David und Stephen Dewaele (oben im Bild) über Movuzango: „Jedes Label braucht einen psychedelischen Romantiker, richtig? (…) Auch wenn es eine Weile gedauert hat, einen für ihn einzigartigen Sound zu entwickeln, sind wir unglaublich stolz auf die Musik.“ – Auch enthalten auf dem Sampler sind zwei Songs seiner Kollegin Charlotte Adigéry. Hier kürzlich vorgestellt.

„Foundations“ erschien als Dreifach-LP, Doppel-CD sowie digital am 7. Mai bei Because Music. Album-Vorstellung und Interview (mit Charlotte) sendet Radio Z 95,8 in Nürnberg am Samstag, 29. Mai, von 22:00 bis 23:23 Uhr in der Sendung „Headz“ (online im Live-Stream).

Movulango auf Soundcloud:

Mondschein meets Memphis

„Organic moonshine roots music“ hat Valerie ihren Stil mal bezeichnet. Sie komponiert und textet selbst. Die Künstlerin spielt die Lieder an mehreren Instrumenten ein. Auf dem Song „Call Me A Fool“ sie hat einen besonderen Gast aus Memphis: Carla Thomas, 78, einer der Stars von Stax. Mit ihr als (bescheidener) Background-Vokalistin entstand eine intensive und hypnotische Soul-Hymne.

Geräusche der Nacht, Melodie des Monds

Die Thematik von Mond und Sternen greift Valerie immer wieder in der Gestaltung des nachtaffinen Albums auf. Es endet mit anderthalb atmosphärischen Minuten Geräusch-Sequenz. Mitsamt ein bisschen Melodie von Ferne.

Natur-Feeling und ein ehemaliger Produzent von Alicia Keys

Ihren Ansatz mag man als kindlich oder exzentrisch empfinden. Ihre Stimme gar teils als gewöhnungsbedürftig. Valerie June stellt im Folgenden ihr Album vor. Sie erklärt es erst ein bisschen. Dann zeigt sie im Laufe einer Session, welche Instrumente sie spielt. Angesichts der Naturbelassenheit dieser Musik ist man überrascht zu erfahren, dass ein Ex-Producer von John Legend und Alicia Keys für Valeries Output verantwortlich zeichnet.

Das Album „The Moon And Stars: Prescription For Dreamers“ erschien am 12. März 2021 bei Fantasy/Concord/Universal.

Soul-Stationen von Stanley’s Soul Station in Detroit, Philadelphia & Co.

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Crystal Starr, Background-Sängerin (auch schon für Kanye West tätig), ist hier Teil einer großen nostalgischen Sache – „Now and Then“.

Eine Zeitreise und eine Tour durch die Soul-Metropolen von einst.

_{(c) Fotograf: Brian Lowe.}

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Doch hier unternimmt der Mann, der einst „Detroit Rock City“ rausschmetterte, eine Ehrung Detroits, auch Philadelphias und mehr – als Soul-Cities. Paul Stanley’s Soul Station ist eine Gruppe des KISS-Leadsängers und von zehn Mitmusikerinnen und -musikern. Die meisten Songs covern sie, „I, Oh I“ nicht. Der ist ein eigener, empfindet aber 70er-Soul gut nach.

„I, Oh I“ ragt auch als besonders gelungene Nummer aus dem Album „Now And Then“ heraus, das 14 Tracks umfasst.

Darunter:

• „Could It Be I’m Falling In Love“ von den Spinners (aus dem Großraum Detroit),
• „Ooh Baby, Baby“ von Smokey Robinson (Detroit) – richtig gut gelungenes Cover -,
• „The Tracks Of My Tears“, auch von Smokey, mit Stanley schon fast im Falsett,
• „O-o-h Child“ von The Five Stairsteps (Chicago) und eine Entdeckung wert,
• „Just My Imagination (Running Away With Me)“ von den Temptations (Detroit),
• „Let’s Stay Together“ von Al Green (nahe dem Lake Michigan),
• „La-La Means I Love You“ von den Delfonics (Philly),
• „You Are Everything“ von den Stylistics (ebenfalls Philadelphia)
• und der Über-Klassiker „Baby, I Need Your Loving“ der Four Tops aus Detroit.

Cover vs. Original …

Der Stadionrocker als Soul-Komponist

Mit „Now And Then“ scheint sich Paul Stanley einen Traum zu erfüllen. Früher hatte er Hits wie „I Was Made For Lovin‘ You“, „God Of Thunder“, „Shout It Out Loud“, „Sure Know Something“, „Let’s Put The X In Sex“ und „God Gave Rock’n’Roll To You II“. Letzterer Song war vor 30 Jahren Platz #9 in Deutschland.

Paul Stanley komponierte etliche Stücke selbst für die Zusammenstellung seiner alten Favoriten. Daher auch das „now“ im Albumtitel: Denn an den Originalen aus den Sixties und Early Seventies änderte er recht wenig, sie klingen im „now“ wie damals, „then“. Pauls eigene Soul-Songs fügen sich in den Kontext ohne aufzufallen, oder wenn sie es tun: dann sehr positiv. So, wie bei unserem ‚Tune des Tages‘, „I, Oh I“ (siehe oben), oder bei „Lorelei“.

Jon Papenbrook, an der Trompete (links), Rafael ‚Hoffa‘ Moreira an der Gitarre (rechts) – (c) Fotograf: Brian Lowe.

Es hätte sicher noch weitere Songs gegeben: Paul Stanley’s Soul Station war schon vor fünf Jahren live aktiv und sammelte einige Klassiker für ihr Repertoire.

Dass „The Tracks Of My Tears“ und somit gleich doppelt Smokey Robinson auf der Liste landete – und anderes wie z.B. The Jackson 5 aus dem großen Motown-Fundus nicht, verlangt wohl ein bisschen Erläuterung. In seiner Jugend ging es mit Soul los, richtigem Soul eines Otis Redding, eines Solomon Burke. Mehr verrät der Anfang der 8-Minuten-Doku:

Das zugehörige Album „Now And Then“ erschien bereits am 19. März 2021 bei Universal Music.

Paul Stanley auf Instagram: https://www.instagram.com/paulstanleylive/?hl=de und auf Twitter:

https://twitter.com/paulstanleylive?lang=de

Elektronische Impulse aus dem Hinterland

Jener Platte war 2010 „Nerve Up“ vorausgegangen. Beide erschienen beim Londoner Label WARP, Pionier-Plattenfirma für viele Impulse in der elektronischen Musik schon Ende der 80er und in den 90ern. Viele Alben waren während des Lockdown-Jahres bei WARP nicht erschienen. Unter den wenigen: eine sehr verspult-verspielte liebenswerte Konzeptplatte von OPN. Jetzt kommt wohl wieder eines von LoneLady – zumindest wird es Zeit. Und eine hohe Dichte an Show-Terminen in Dublin, Bristol, Cardiff, Belfast, London, Liverpool, Leeds etc. im Herbst 2021 deutet ein bisschen darauf hin.

Disco-Logik mit Gitarre

Die Sequencer-gestützte Gitarristin aus Manchester produzierte auch diesen neuen Song selbst. „(There Is) No Logic“ lässt auf bemerkenswerte Weise an den Disco-Stil von Arthur Russell, an Funk, britischen Post-Punk, an Krautrock und ganz am Rande auch an den 2Step-R’n’B von AlunaGeorge denken. Wie Julie Campbell a.k.a. LoneLady die Gitarre auf der Bühne einsetzt, zeigt folgendes Live-Set von Anfang 2016.

LoneLady auf Twitter:

https://twitter.com/loneladyhq

Schön gestaltetete Webseite: http://lonelady.co.uk/

Ausführliches Review zum letzten Album „Hinterland“ (2015), auf Englisch, bei The Quietus:

https://thequietus.com/articles/17500-lonelady-hinterland-review

Animierte Webseite mit den Katalognummern aller Tonträger von LoneLady bei WARP:

https://warp.net/artists/91404-lonelady

Am kommenden Freitag, 23. April, steht das Album „Where Do We Go From Here“ an. Darauf dürften in den USA schon viele gewartet haben, meldeten sich Dumpstaphunk doch am Abend vor der US-Präsidentschaftswahl mit dem stimmungsvollen Video und Song „Justice 2020“ zu Wort.

Polit-Funk mit Posaune

Mit dabei Posaunist und Trompeter Trombone Shorty, hierzulande nach mehreren Tourneen einer der heißesten Musik-Exporte aus Louisiana. Den kritischen Song kürte die „New York Times“ zu einem der „Top 20 Songs of 2020“.

Der Track war eine Neuauflage eines Stücks, das Dumpstaphunk ursprünglich schon zur Amtseinführung Trumps rausgebracht hatten – bereits damals als Polit-Kommentar. 2020 brezelten sie das Protest-Lied mit Jurassic Five-Rapper Chali 2na und mit Demo-Bildern von BlackLivesMatter-Aktionen auf.

Die aktuelle Single der Jazzrock-Funker „Do You“ hat noch kein Video, stimmt aber auf ein wohl knackiges Album ein. Die Band besteht seit 2003 und zeigt sich live sehr umtriebig. Studioplatten gibt es bisher nicht viele, zwei sind in den USA erschienen. Jetzt kommt ihr dritter Longplayer, der erste, der in Europa (nicht nur als Importware) veröffentlicht wird.

Das Album „Where Do We Go From Here“ von Dumpstaphunk erscheint diese Woche bei The Funk Garage unter dem Dach der Mascot Label Group als CD, Doppel-Vinyl und MP3.

Dumpstaphunk auf Soundcloud:

Dumpstaphunk Tour-Termine, Biographie, Fotos & vieles mehr auf ReverbNation:

Dumpstaphunk auf Twitter:

Dumpstaphunk auf Spotify:

Rookery – eines der Alben des Jahres 2020

Das Abräumen währte kurz, und nach einem Monat war die Platte eine von vielen. Für die, die sie nicht hatten. Für mich blieb sie eines der Alben des Jahres 2020 – gerade, weil Giant Rooks stilistisch jenseits meiner Musikvorlieben unterwegs sind und mich trotzdem abgeholt haben und noch immer begeistern.

Ein großer Artikel im „Musikexpress“ unterstrich die Bedeutung der Indie-Rock-Band. Wobei Indie … naja … die Nachfrage nach „Rookery“ war groß, entsprechend lief sie im Universal-Katalog mit. Jetzt schlagen Giant Rooks mit den gleichen Songs vom letzten Herbst ruhigere Töne an und planen eine EP mit sieben der Album-Tracks plus drei Zugaben auf leuchtend rotem Vinyl für den 18. Juni 2021: „rookery live tapes“. Allerdings meldet der Pop-, Indie- und Jazz-Webshop Bravado bereits „Ausverkauft!“ Für den nächsten Schub Pressungen müsste man dann bis Ende Juli warten.

Live-Sessions sind im Falle der Giant Rooks keine Lockdown-bedingte Ausweich-Aktivität, wie zurzeit im Musikbiz üblich. Sondern auch früher praktizierte die Gruppe diese besinnliche Form der Darbietung – Kostprobe von 2015 …

Giant Rooks auf Instagram: https://www.instagram.com/giantrooksmusic/?hl=de

Giant Rooks auf Spotify:

Digitale Afrobeats, Industrial-Stilmittel, elektronische Bassmusik, Versatzstücke aus Sing-Jaying und Neo-Soul, Funkyness und Latin-Zitate, oder jetzt eine Acoustic-Ballade zu einem recht persönlichen Thema: Die holländische Sängerin Samora Souprayen lässt sich stilistisch viele Freiheiten. Dem Reggae zugeordnet wegen der Offbeat-Rhythmik, tauchte sie mit ihrem Debüt im Winter 2019 kurz im Printmagazin RIDDIM auf. In „Bruises“ singt Samora nachdenklich und anmutig auf Englisch und Sranan-Tongo.

Die 30-Jährige bearbeitet hier das Thema (Ent-)Tabuisierung traumatisierender, schmerzlicher Erfahrungen – die uns andere Menschen zugefügt haben. Statt aus der Ich-Perspektive textet Samora geschickt die Hookline in der Wir-Perspektive:

„Wir alle haben unsere Verletzungen, und es ist Zeit für uns sie zu heilen.“

(„Bruises“)

Samora spricht dabei auch das Thema Vergewaltigung an, den Verlust von Unschuld, das damit einhergehende schlechte Gewissen sich selbst gegenüber, Verdrängung und Kaschieren von seelischen Wunden unter einem Schutzschirm. Der Text ist aber, wie das Bild ausdrückt, noch allgemeiner gedacht: Auch zermürbende Machtausübung, Sticheleien durch Vorgesetzte („bullying“), Hänseleien und sich missverstanden fühlen, das alles zählt in die Stimmung des Songs rein.

Zwei Jahre nach dem Debüt – 160 bpm reißen mit: Raus aus der Komfortzone!

Der spritzige Longplayer „Moengo“ zeigte bereits, dass Samora sich in Richtung tanzbarer, elektronischer Party-Afrobeats gehen könnte, raus aus der „comfort zone“ des Reggae, rein in die Zukunft der Offbeat-Musik. Einer der Earcatcher des Albums, „Writing’s On The Wall“, weist zwar im Rückblick nur wenige YouTube-Klicks auf. Dennoch: Das Album wurde in hunderten Radiostationen weltweit damals vorgestellt, und der Song reißt mit seinen 160 bpm sofort mit.

Im Sommer 2020 war Samora an einem Projekt zur Förderung der Sichtbarkeit von Frauen im Musikbiz beteiligt: dem „Female Reggae Voices Riddim“ des Schweizer Keyboarders Res Staudenmann. Hierauf steuerte die quirlige Newcomerin, neben 16 weiteren Sängerinnen aus neun anderen Ländern, einen Text pro Selbstbefreiung, eine kleine Empowerment-Hymne bei.

Samora trainiert in Amsterdam Pop-Nachwuchs als Dozentin. Ihre Familie hat Wurzeln in Surinam, einem südafrikanischen Land mit Atlantikküste und somit Teil der Karibik. Die ehemalige niederländische Kolonie war indes nicht Schauplatz des obigen Videos – „Free Up“ entstand in der Schweiz.

Neue Impulse und Reggae-Geschichtskenntnisse

Dass die Sängerin dem stagnierenden Roots-Reggae einige neue Impulse einspritzt und ihn wieder mit Soul ‚reconnected‘, kann man ihr hoch anrechnen. Gerne benutzt sie elektronische Verfremdungen und Stilmittel, wie in einem ihrer frühesten Songs, „My Turn“ (2015). Zugleich phrasiert sie mit Gospel-Energie.

Die Geschichte der Reggae-Musik würdigt sie ebenfalls. So zitiert der Track „The Fly and The Spidah“ (über eine Fliege und eine Spinne) den Beres Hammond-Klassiker „Step Aside“ (1993), und 2020 nahm Samora ein ersehntes Duett mit ihrem dienstälteren Kollegen Lutan Fyah auf.

„My Turn“ (Samora solo) rammt die Akkorde hart mit Tasteninstrumenten ins Intro und verweigert sich sowohl gängigem Roots-Reggae wie auch Neo-Soul, dient sich aber Fans beider Genres an. Der Kombi-Track mit Lutan Fyah ist dagegen mit seinen lebenslustigen Beats und dem harmlosen Tanzvideo leichte Unterhaltung und feiert, dass hier zwei ungleiche Größen zweier Generationen und Sozialisationen zusammen kommen.

Samora im Duett mit dem überzeugten Rastafarian Lutan Fyah, 45, aus Jamaikas Südosten

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Beres Hammond mit einem Medley zweier seiner Klassiker beim kalifornischen Festival Reggae on the River, einem der ältesten und größten Reggae-Festivals der Welt

_{Beres Hammond mit einem Medley zweier seiner Klassiker beim kalifornischen Festival Reggae on the River, einem der ältesten und größten Reggae-Festivals der Welt}

Original vs. Cover …

Das Beres Hammond-Recycling „The Fly and the Spidah“ bringt pfiffig das Original zur Geltung. Aktueller Produzent von Samora ist Res Staudenmann, der in Bern seit über 20 Jahren die Band Open Season betreibt.

Samora – Lyrics zu „Bruises“

I can feel it in my bones that a storm is on the way
For every action, there’s a price to pay
Working pon the patterns that I need to break
I need to dig in deep to find the child in me
Who I am I have longtime forgotten
All the pain and it only made me stronger
Robbed me away from my innocence
Rediscovering myself in my development / I have bruises
And it’s time for me to heal
Stop hiding under my shield
Let the truth in me reveal
Yes I have my bruises
And it’s time for me to heal
Stop hiding under my shield
Oh Stop the hiding and the frightening that is
Haunting you and start to slay
Drop your ego, let the spirit in you lead the way
Learn from the suffering and sacrifices day by day
You are the master of your future so let’s start to slay
Who you are you don’t recognize no longer
All the pain did not only make you stronger
Robbed you away from your innocence
Rediscovering yourself in your development / We have bruises
And it’s time for us to heal
Stop hiding under the shield
Let the truth in us reveal
Yes we have our bruises
And it’s time for us to heal
Stop hiding under your shield
YeahBruises Ie sab me ab deng soro
Bruises Ma mi no wang deng moro
Bruises Let go of all the sorrow
Bruises Create better tomorrow
Bruises Ie sab me ab deng soro
Bruises Ma mi no wang deng moro
Bruises Let go of all the sorrow
Bruises Create better tomorrow / I can feel it in my bones / that a storm is on the way
For every action, there’s a price to pay
Working pon the patterns that I need to break
I need to dig in deep to find the child in me
Who I am I have longtime forgotten
All the pain and it only made me stronger
Robbed me away from my innocence
Rediscovering myself in my development / Bruises / Oh oh oh / Bruises, Bruises, Bruises
Bruises, We all have bruises, yes we all have
Everyone has bruises, We all have bruises
And it’s time for us to heal / Ie sab me ab deng soro

(c) Samora Souprayen

Samora – Lyrics zu „Free Up“

Free up yourself from mental slavery
Big up yourselfWhat is love when you cannot love yourself
And how to love when you point at someone else
You want to trust still you’re not loyal to yourself
You want to change but you’re always blaming someone else / The world is perfect, a so you said yourself
Still, you’re complaining that it is a living hell
Well life is worth it even though you cannot tell
Who said it would be easy that’s the challenge of the spell / Free up, free up yourself from mental slavery
Big up yourself and rise upon your victory
Today may be a gift, tomorrow you will wish
To witness life again so value that you do existFree up, free up surrender from your cold rage
Escape the cage you build out of your own hate
Today may be a gift, tomorrow you will wish
To witness life again so value that you do exist / Them say them wise them know the struggles of the world
I see them fighting whose religion is the first
And it’s a crisis ‚cause they’re killing in god’s word
And no say me not like it crack the code and break the curse / We all will die that’s the promise of the world
And life goes on when you’ve gone out of the earth
I know you’re strong but you got lost in right or wrong
You need to carry on just like the rhythm of the song / Free up, free up yourself from mental slavery
Big up yourself and rise upon your victory
Today may be a gift, tomorrow you will wish
To witness life again so value that you do exist / Free up, free up surrender from your cold rage
Escape the cage you build out of your own hate
Today may be a gift, tomorrow you will wish
To witness life again so value that you do exist / Value that you do exist oh… / Free up, free up yourself from mental slavery
Big up yourself and rise upon your victory
Today may be a gift, tomorrow you will wish
To witness life again so value that you do exist / Free up, free up surrender from your cold rage
Escape the cage you build out of your own hate

Today may be a gift, tomorrow you will wish
To witness life again so value that you do exist
Value that you do exist oh…Value that you do exist oh…

(c) Samora Souprayen

Samora auf Instagram: https://www.instagram.com/samoramusic/?hl=de

Samora auf Spotify:

Gefühle in Rap sind meist akzeptierter, wenn sie in Hassbotschaften verpackt werden. Damit wird oft der Rückschluss erfasst, dass die harte Sprache und das Erniedrigen anderer der Schlüssel zum Erfolg sei. Hate scheint sich zu verkaufen wie warme Semmel. Dabei geht es nur um grenzüberschreitendes Verhalten, was viel Aufmerksamkeit bekommt. Im Zeitalter von Klicks bedeutet das auch viel Aufmerksamkeit und Geld.

Mit seinem neuesten Song „Zart“ möchte Nimo in Kooperation mit Milka eine Botschaft verbreiten, die auf mehr Empathie, gegenseitigem Verständnis und Mitgefühl setzt.

Nimos Song „Zart“ setzt auf Empathie

„Gefühle zeigen macht mich hart, nein ich schäme mich nicht, dir zu zeigen, dass ich’s kann. Meine Liebe macht dich stark – in einer Krise bin ich da.“ Mit diesen Zeilen trifft er einen Nerv in Deutschland. Denn wie eine aktuelle Studie im Auftrag von Milka¹ zeigt, machen sich über ein Viertel (27 Prozent) der Deutschen Gedanken um mangelndes Mitgefühl und positive Zuwendung. Seit Beginn der Corona Pandemie empfinden 42 Prozent der Befragten die Welt als weniger freundlich und empathisch.

Es geht auch anders

Früher habe Nimo sein Tun und Handeln selten hinterfragt und jetzt möchte er gemeinsam mit Milka ein Zeichen setzen. Er möchte mehr Freude, Empathie und Positives in die Welt bringen. Menschen begeistern ihr Tun und Handeln mehr zu hinterfragen und mehr Rücksicht aufeinander zu nehmen.
Für Milka war es wohl genau diese Einstellung, die Nimo als perfekten Kooperationspartner auszeichnen.

Sexismus, toxische Männlichkeit, Misogynie und andere menschenverachtende Signale und Symbole sucht man in seinem neuen Video „Zart“ vergebens. Und das ist auch gut so. Seine Beats bleiben hart aber die Message ist zart. Eine Haltung, die wir Blogrebellen absolut teilen!

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1 An der Umfrage nahmen 20.000 Teilnehmer im Alter von 18+ vom 12. Oktober bis 06. November 2020 teil. Es wurden Teilnehmer aus 10 Ländern (Österreich, Frankreich, Deutschland, Russland, Niederlande, Polen, Spanien Rumänien, Bulgarien und Serbien) befragt. Die hier genannten Ergebnisse basieren auf den Antworten von 2.000 Befragten aus Deutschland.

Dieser Artikel wurde gesponsert von Milka

Leoniden haben genau das erlebt, was in Deutschland immer noch das Erfolgsrezept für Newcomer ist. Sie wurden von öffentlich-rechtlichen Popwellen im Radio gehype’d. Spezifisch von Jugend- und New-Indie-Formaten.

Melancholisch mit Mütze

Von Indie kann man schon lange nicht mehr sprechen, musizieren sie doch im Vertrieb der größten Plattenfirma der Welt. Hier ist die neue Single mit süßen Höhensprüngen in Falsett-Stimmlage. Bestechend feinsinnig-melancholisch für diese winterlichen April-Tage.

Für den 20. August kündigen die Leoniden ein neues Studioalbum an. Der Titel liest sich originell: „Complex Happenings Reduced To A Simple Design“. Während der Vorab-Clip „Blue Hour“ komplett in diesem kargen Innenraum entstand (siehe oben), ist es ein wichtiges Mode-Merkmal, dass Sänger Jakob die Mütze aufbehält. Schaut ja auch kalt aus in dem lieblosen Zimmer. Mehr als das, die Band beim Proben zu zeigen, ist filmtechnisch momentan bei ganz vielen deutschen Artists nicht drin.

Electropop, geschmeidig geschnitten

Wie es anders ging(e), zeigt ein Scroll zurück in der Timeline auf 2017. Das Video „Sisters“ enstand ausschließlich mit atmosphärischen Außenaufnahmen. Und wo mehr Substanz zum Schneiden da ist, gelingen auch geschmeidigere Cuts von Bild auf Ton. Der Song „Sisters“ bietet außerdem eine dezent-rockige Hookline. Und einen fluffigen Electropop-Abschnitt (Minute 2’21“ bis 2’37“).

_{Das dritte Album von Leoniden, „Complex Happenings Reduced To A Simple Design“, soll am 20. August 2021 bei Two Peace Signs im Vertrieb von Universal erscheinen.}

uuuuuunbedingt

wissen, wer sie ist. Immer wieder googelte ich ihr seitdem hinterher. Seit März gibt es ein neues Lebenszeichen von der Newcomerin. Und jetzt auch ein Video zu diesem Lebenszeichen, dem Song „Bear With Me (And I’ll Stand Bare Before You)“.

30 ist sie, trotzdem recht unbeleckt – aber musikalisch sehr reif! Der Clip bounzt als Vorgeschmack auf einen Sampler rund um Belgiens alternative Elektronikszene. Charlotte darf man da bisher keinem Subgenre zurechnen. Hypnotische Dub-House-Bassmusik trifft die Sache wohl am ehesten.Auf der Compilation namens „Foundation“ wird sich auch dieser Tune wiederfinden, „Paténipat“:

Was „Paténipat“ toll macht, davon könnte ich jetzt seitenlang schwärmen. Leider fehlt mir die Zeit, und Charlotte fehlt diese auch: Von den über sechs Minuten des grandiosen Originals schafften es nur gute 3 Minuten 30 ins Video. Dadurch müssen wir im Bewegtbild verspulte Instrumental-Sequenzen missen, und wie der Track sich gegen Ende nochmal fängt und in einen zweiten Anfang seiner selbst gleitet.

Starke Dramaturgien und vehemente Beats

Adigéry vermag starke Dramaturgien zu bauen. Das Wirbeln ihrer Mähne in Slow-Mo und ebenso auf den recht schnellen, harten, vehementen Beat, das gelang im Clip – so oder so – super. Und hier, also da unten, unter dem Text, performt die im belgischen Gent lebende ’next big Electro-Revoluzzerin seit Marie Davidson‚ auf der heimatlichen Bühne.

Mehr aus der belgischen Underground-Elektronik veröffentlicht das kleine Label Deewee unter dem Namen „Deewee: ‚Foundations'“ am 7. Mai im Vertrieb von Because Music als MP3 sowie am 14. Mai physisch als Doppel-CD und Dreifach-LP.

Aus vier Minuten macht er zweieinhalb, verschiebt Halbtöne, schnippt mit den Fingern und lässt fast nur Percussions und Keyboard-Orgel zu. Auf „answer“ in „let there be an answer“ und auf „be-hee“ in „Let It Be“ liegen Blue Notes. Zum Gospel-Feeling trägt eine Frau bei, die das gut kann, Bobbye Hall, Perkussionistin bei ihm und übrigens auch bei Carole King, einer anderen großen Geschichtenerzählerin jener Zeit. Carole, Bill – beiden liegt daran, sich an ein schwarzes und an ein weißes Publikum in den USA zu richten, und beide trennen Folk und Soul nicht, vereinen die Strömungen. Beide rammen unbestrittene musikalische Meilensteine in die Erde: sie mit „Tapestry“, und bei Bill kann man zwischen dem zweiten Studioalbum „Still Bill“ und der Konzert-Doppel-LP „Live At Carnegie Hall“ hin und her gerissen sein.

Withers kitzelt die Leute bei ihrer Neugier, Geschichten zu hören. Seine Musik zündet vor allem beim englischsprachigen Publikum. Zum Showstar, der das Rampenlicht braucht, wird er dagegen weniger. Auf die Frage, warum er keine Songs mehr aufnehme, entlockt ihm der Soul- und Funkkenner Fritz Egner („Dingsda“) Ende der 80er, ihm seien einfach keine Lieder mehr eingefallen. Diese Antwort hört man selten; aber es ziehen sich auch nur wenige Künstler auf dem Zenit ihres Erfolges so konsequent zurück. Withers stirbt mit 81 Jahren, seine letzte Platte erscheint, als er 46 ist. Diese letzte LP wirft einen Nummer Eins-Hit ab, als die neuseeländische Gruppe Holidaymakers daraus das schöne „We Could Be Sweet Lovers“ covert.

Withers beginnt relativ spät Studioluft zu schnuppern. Erst kurz vor seinem 33. Geburtstag kommt das Debüt. Es waren die so genannten „Riots“, die ihn dazu brachten, Musik aufzunehmen: die Randale gegen die New Yorker Polizei im Juli ’64, ausgelöst durch Todesschüsse eines Polizeileutnants auf einen 15-Jährigen, einen dunkelhäutigen Jungen aus der Bronx. „Three Nights And A Morning“ heißt der Song, „Sommernacht in Harlem, Mann, es ist echt heiß! Es ist zu heiß um zu schlafen und zu essen. Es ist mir egal, ob ich sterbe oder nicht!“. Später entwickelt Bill aus dem sich überstürzenden, wilden Psychedelic-Rock das nachdenkliche Lied „Harlem“ und dann eine Hymne „Harlem/Cold Baloney“. Fast 14 Minuten, von denen fünf Minuten lang das Publikum singt –  Schlusssong des Konzerts in der Carnegie Hall. Es ist Withers Adressatenbezug, sein Verständnis fürs Auditorium, das ihn so groß machte.

Am Montag, den 30. März 2020 starb Withers. Erst einige Tage später, am Freitagabend, gab seine Familie dies bekannt. Wenn die Nachrufe am Wochenende dann kurz und knapp ausfielen, meist von dpa, und es im Radio auch nur noch „Ain’t No Sunshine“ und „Lovely Day“ in die Playlisten schafften, sieht das nach Chronistenpflicht aus. Nicht aber nach Kennerschaft. Withers war viel wichtiger, als ihn so unter den Tisch fallen zu lassen.

Gerade das süßliche „Lovely Day“ könnte den Weg ins ewige Songgut des kollektiven Gedächtnisses nicht schaffen und vielleicht mit dem Tod seines Urhebers als possierliches Relikt der 70er-Jahre nun passé sein. Aber: Withers ist mit vielen anderen Songs ständig unter uns. Andauernd werden Kompositionen von ihm neu aufgenommen. Erst Ende 2018 entstand mit „Lean On Me“ wieder ein Cover-Album mit einem Dutzend Withers-Song von José James. 

Manche holten aus Withers Songs das gewisse Etwas heraus, Gladys Knight & The Pips etwa mit mehr funky Bass auf „Who Is He (And What Is He To You)?“, Michael Jackson als Dreizehnjähriger mit „Ain’t No Sunshine“ auf einem veränderten Schlagmuster der Drums. Die R’n’B-Chartstürmerin Teyana Taylor sampelt genau diese Patterns 2018. Die Frankfurterin Namika spannt sie bei ihrer Tour 2016 geschickt mit Withers‘ Riff aus „Grandma’s Hands“ den Bogen von Hip Hop zu einem Akustik-Set und bezeichnet sich dabei als „Nineties‘ Kid“, weil in ihrem Geburtsjahrzehnt der Song „No Diggity“ von Blackstreet und Dr. Dre ein Hit war, mit dem sie aufwuchs. Grundlage auch jenes Songs ist ein berühmtes Withers-Sample. Später mündet der Song in ihre deutschsprachige Version „Hände“ (2018).

So landet ein ums andere Mal ein Song von Bill in unseren Ohren, so wird das Motto seiner LP „Still Bill“ Wirklichkeit. So wird er zum Mister Jedermann, der so viele Musiker*innen beeinflusste, dass immer wieder von diesen jemand andere mit prägte, die wir dann hören, und immer hören wir Bill Withers Ideen, versteckt und unabsichtlich.

Es gibt aber nicht nur Singles und Hits, die das Hören wert sind. Withers Song über den Kriegsveteranen, der seiner Mutter einen Brief schreibt („I Can’t Write Left-Handed“) existiert nur als überlanger Live-Track, er berührt extrem. Die Sprachspiele und die Geigen in „Green Grass“ erzählen zwischen den Zeilen über Statusunterschiede. Withers switcht stimmlich zwischen ‚lieblich‘ und ‚bissig‘ im Ton.

Sein Ausdruck, seine Intonation waren sehr genau, direkt und expressiv. Andererseits hatte die Stimme etwas Nöliges, würde heute kein Casting bestehen. Schon damals war es schwierig, mit revolutionärer Musik und einem Alter jenseits der 17 einen Plattenvertrag zu ergattern und sich durch Bürokratie, Willkür und Blasiertheit den Weg zu bahnen, wie der Keyboarder der Doors in seiner Autobiographie anschaulich darstellt. Bill Withers schraubte und lötete an Flugzeugtriebwerken herum, er hatte keine Gesangsausbildung.

Dafür Glück. Denn er landet bei einem kleinen Label, das Musik wirklich innig liebt, wie der Künstlerkatalog beweist. Weit kommt sie mit gutem Geschmack nicht und schließt nach fünf Jahren, erdrückt von Steuerschulden. Auch dazu äußert Withers sich in einem Song,„U.S.A.“: „You can’t relax, paying tax.“ Und er hatte nochmal Glück, denn Columbia – die Firma, bei der Dylan, Johnny Cash, viele Große unter Vertrag waren – kauft die Songrechte und fabriziert mit Withers noch einige schöne Patten. Mit hartem Funk etwa, wie in „She Wants To (Get On Down)“ (1977), und einem reinen Album über die Liebe („‘Bout Love“, 1978). 

Dann kommt Grover Washington jr. mit ins Spiel, leider auch nicht mehr unter uns. Der Saxophonist verehrte Withers Songs von Anfang an. Er spielte mehrere Stimmen des Saxophons, Tenor, Alt, Sopran, und bläst in „Just The Two Of Us“ lässig den Mittelteil, zu finden nur auf Grovers Album „Winelight“. Mit so einem Song lassen sich auch Corona-Ausgangssperren mit einem Lächeln überstehen: „Ich höre die kristallenen Regentropfen klatschen / gegen das Fenster, ein paar Räume weiter / Und daraus wird der Morgentau / Und mein Schatz, wenn es Morgen wird und ich die Sonne aufgehen sehe / möchte ich derjenige sein, der mit dir zusammen ist.“ Ein echter Withers!

Für diesen Artikel steht uns aktuell keine Bebilderung zur Verfügung. Die letzte Veröffentlichung des Sängers datiert ins prä-MP3-Zeitalter, 1985. Kostenfrei nutzbares Bildmaterial lässt sich leider nicht auftreiben.

Reggae auf MTV?

So findet sich nun ein Reggae-Video bei MTV und sogar im deutschen MTV. Der Sender zeigt seit einigen Jahren wieder deutlich mehr Musikclips als in den 2000ern, andererseits ist der Marktanteil durch die Verlagerung ins Pay-TV mittlerweile verschwindend gering. So oder so, ist ein Reggae-Clip (und gar ein jamaikanischer) auf MTV etwas Außergewöhnliches. Das Besondere am Video selbst: Es hat keinen einzigen Schnitt.

Der eingängige Flow, die positive Grundstimmung, die geschickte Kameraführung, die ungekünstelten spontanen Bewegungen Protojes, der entspannte Beat – etliches wirkt sehr direkt und fühlt sich bei Righteous sofort richtig an. Obwohl der Track als einer der Bonus Tracks (neben zwei Remixen) fungiert und auch Video und Deluxe-Album am selben Tag lanciert wurden, gibt es aber ein Problem.

Diskographie – A Matter Of Time und Ancient Future

Denn was nicht geklappt hat, war der physische Release. Mit den Indie-Firmen Mr. Bongo (England) und Baco (Frankreich) hatte Protoje zuvor Kooperationspartner, die seine Musik in Europa auf CD und Vinyl verkauften. Etwa über eigene Webshops und Bandcamp. Zwei Beispiele für Klassiker aus den vorletzten beiden Alben sind „Like This“ (2018, aus „A Matter Of Time“) und „Criminal“ (2015, aus „Ancient Future“).

Aktuell kursiert Protoje mit dem aktuellen Album nur in mittelstark komprimiertem MP3. Sogar, obwohl nun „In Search Of Lost Time“ als Deluxe-Version erschien. Was ist denn der Marketingzweck eines Deluxe? Dass Leute sich noch einmal einen Tonträger zulegen, der üppiger ausgestattet ist…, nicht dass sie sich nochmal extra drei Bonus Tracks runterladen, die als Nachzügler herauskamen.

Exkurs Lockdown: Presswerks-Kapazitäten und Drehgenehmigungen

Nun passiert sowas auch Weltstars wie John Legend, dessen Album auf RCA/Sony letzten Sommer nicht physisch lieferbar war und bis heute nicht als Vinyl erschien und auch nirgends in guter Qualität (WAV, AIFF, FLAC) downloadbar ist. Fairerweise sei gesagt, dass wegen der verschiedenen Lockdowns in diversen Ländern die Presswerke überlastet sind und allgemein so mancher Tonträger 2020 in der Warteschleife hing.

Zum Thema Videos an dieser Stelle ein Exkurs. Als Anschauungsbeispiele eingebunden ein paar Roots Reggae-Acts der Zukunft, The Future Of Reggae!

Da Dreharbeiten im Lockdown erschwert sind, überbrücken viele Acts mit folgenden Ausweichmethoden. Entweder man dreht auf andere Weise neu als sonst, man dreht gar nicht oder man recycelt altes Material bzw. nutzt Material ohne physische Dreharbeiten.

Exkurs Videoclips: Ersatz-Filmmaterial statt Dreh

• Animations-Grafiken
  • Nachteile: Oft sehen sie aus wie Bildschirmschoner.
  • Oft setzen sie keinen Incentive, sich das Video komplett anzuschauen, weil kein Plot existiert und die Motive sich wiederholen.
  • Wirken unpersönlich.
  • Wirken unlebendig und distanziert, während Musik ja mit Emotion zu tun hat.
  • Senken die Messlatte dafür, was unter Videoclip zu verstehen ist.
  • Vorteile: einfach herzustellen, wenn man mit rhythmischem Schnitt bewandert ist und passende Software mit passenden Tools hat.
  • Erlauben spontane Official Video-Veröffentlichungen ohne komplizierten Vorlauf.
  • Ersparen Drehgenehmigungen.
  • Positivbeispiele oft in der elektronischen Musik, Beispiel im Artikel zu DJ Myd
• Footage-Material (Pressefotos der Band, private Handy-Videos, Live-Mitschnitte aus dem Archiv)
  • Nachteile: Flickenteppich statt stringenter Erzählung.
  • Keine Story im Film, weil allgemeines Material in Überfülle vorhanden ist und sich nicht sortieren lässt.
  • Second Hand-Effekt.
  • Vorteile: unkonventionell, wenn gut ausgewählt und clever geschnitten.
  • Vintage-Optik. Gegenmodell zur Glitzerwelt des steril-perfekten Videos.
  • Einblicke in Backstage-Momente und das Leben der Bandmitglieder, je nach Auswahl.
  • Positivbeispiel im Artikel zu Made Kuti
• Zeichentrick
  • Nachteile: man fühlt sich beim Zuschauen veralbert.
  • Der Trickfilm ist schlecht gemacht, da Zeichentrick noch viel mehr Können und Geschickt erfordert als Real-Film.
  • Der Film setzt einzig auf verkrampften Humor als tragendem Element, weil den Macher/innen sonst nichts einfällt.
  • Mit Sehgewohnheiten kaum verträglich.
  • Vorteile: passt bei manchen Themen sogar besser als Real-Film.
  • Im Einzelfall eine nette Abwechslung.
  • Grenzt sich deutlicher zu Live-Videos ab.
  • Positivbeispiel, ein Alltime-Classic:

Exkurs Videoclips: Kein Filmmaterial

• Official Audio-Videopremieren auf YouTube (Verzicht auf Bewegtbild)
  • Nachteile: Wer schaut sich gerne vier Minuten lang ein eingescanntes Cover-Bild an?
  • Lässt sich dann auch mit weniger Bandbreite über andere Streaming-Dienste anhören/anschauen. Spotify bietet dann auch oft noch Infos zur Band und Fotos sowie die gesamte Diskographie auf einen Blick.
  • Kulturelle Verarmung.
  • Vorteile: spart drei- bis fünfstellige Budget-Beträge.
  • Nicht jeder Song eignet sich für Bewegtbild, und es ist ehrlich, kein Video zu erzwingen.
  • Richtet den Fokus mehr auf die Musik.
  • Senkt das Risiko des Artists, beim Videodreh auf den falschen Tune gesetzt zu haben (nicht jeder Song passt als Single).
  • Beispiel im Artikel zu Soaky
• Lyric Video
  • Gut, das gab es schon lange in Fülle. Oft aber von Usern erstellt. Inzwischen setzen Bands selbst darauf.
  • Nachteile: anstrengend anzuschauen.
  • Langweilig.
  • Vorteile: teils einfacher als die Lyrics zu ergoogeln, denn diese sind nicht zu jedem Song leicht zu finden.
  • Lenkt die Aufmerksamkeit auf akustisch unverständliche Textstellen und Wortwitze.
  • Akzeptables Beispiel im Artikel zu den Black Seeds (Reggae)

Exkurs Videoclips: Anderes Bewegtbild-Material, Neu-Drehs

• Split-Screen und besondere Schnitttechniken zum Aufpeppen
  • Vorteile: Erweitert zwar nicht beim Dreh, aber bei der Post-Produktion die Möglichkeiten.
  • War in den 90ern oft üblich, mehr auszuprobieren – oft kamen bessere Videos dabei heraus.
  • Nachteile: Kann fehlende Ideen und Bildmotive nicht immer wettmachen.
  • Macht manches Video unübersichtlich.
  • Ist teilweise dann schwieriger auf den Beat der Musik zu legen.
  • Positivbeispiel im Artikel zu Celeste
• EPK – Electronic PressKit
  • Was eigentlich für die Presse und Konzert-Booker/innen gedacht ist, ein schneller Zusammenschnitt aus Song-Schnippseln und Interview-Sätzen zwischen 1:30 Minuten und acht Minuten, wird ersatzweise allen angeboten.
  • Nachteile: Von den Songs hat man dort gar nichts.
  • Oft schlecht strukturiert, macht beim Zuschauen kribbelig.
  • Lediglich oberflächliche Informationsquelle.
  • Vorteile: ähm … Gibt es welche?
  • Positivbeispiel im Artikel zu David Gray
• Sessions bei populären Video-Channels
  • KEXP (Live on KEXP at home), Colors Sessions, NPR Tiny Desk Concerts, Sugarshack Sessions etc.
  • Nachteile: Oft lange Blöcke, erfordern stabiles Internet.
  • Meist kein Fokus auf aktuellen Songs/Singles.
  • Für externe Medien problematisch zu teilen, weil Werbung für diese Channels (oft mit Logo-Einblendung).
  • Visuell wiederholt sich immer dieselbe Ästhetik, immer dasselbe Prinzip.
  • Vorteile: Selbstläufer, hohe Reichweite, da diese von der Plattform bedingt ist und nicht vom Artist/Label geschaffen werden muss.
  • Meist schönes Ambiente.
  • Verlässlicher Rahmen, der oft für hohe Qualität steht. Man klickt selten umsonst, sondern Erwartungen werden erfüllt.
  • Oft großartige Soundqualität.
  • Meist ganz andere Arrangements/Versionen als in anderen Veröffentlichungsformen, z.B. andere Band-Besetzung, Mittelding zwischen Unplugged und Konzert.
  • Positivbeispiel aus dem Umfeld Protojes:

• Live-Mitschnitt
  • Nachteile: Oft sind erste oder letzte Takte abgeschnitten oder Publikums-Atmo und Bühnenansagen in epischer Länge enthalten.
  • Klangqualität teils fragwürdig.
  • Kreative Videokunst an sich kann sich hier nicht gut ausleben, dazu ist die Bühne als geometrischer Rahmen zu starr.
  • Vorteile: Wer Konzerte verpasst hat, weil sie im eigenen Land gerade nicht stattfinden, hat eine Chance darauf.
  • Manchmal ist die Klangqualität sogar besser und organischer als im Studio, also von der Audio-Seite her vorteilhaft.
  • Selbst manche Smartphones nehmen heute in exzellenter Qualität auf und verleihen den Mitschnitten einen eigenen, besonderen Sound.
  • Unmittelbarkeit, Authentizität.
  • Positivbeispiel: eines kompletten Mitschnittes (kein Clip, aber tauglich daraus einen zu schneiden):

• Visualizer
  • Sehr einfache Bildergeschichte mit Bewegtbild oder Grafiken, nicht eindeutig definiert.
  • Vorteile: Es kommt visuell Action in den Song.
  • Unterstreicht einen Track.
  • Weniger ist mehr, oder?
  • Nachteile: Kann man sich einmal anschauen, aber nicht zig Mal.
  • Wirkt künstlich.
  • Sehgewohnheiten harmonieren damit meistens nicht.
  • Es lässt sich mit einigen wenigen Motiven oft kein schlüssiges Video mit einer Story, einer Pointe oder einer sinnfälligen Passung zum Songtext bauen.

Hybride in Video-Ästhetik und Musik

Protoje wagt etwas Neues. Einen Hybrid aus klassischem Video-Clip und reinem Visualizer. Zur Musik: Auch da wagte er gerne Neues. Der Künstler, geboren 1981, fing im HipHop an. Über seinen Verwandten Don Corleone, einen Produzenten, kam er mit Tonstudios in Kontakt und probierte sich aus. Sein Stil integriert in manchen Releases Disco, Funk, Boombap-HipHop, aber auch mal alten Ska und punktuell Elektronik. Protoje fördert in seinem In.Digg.Nation Collective eine ganze Reihe jüngerer Artists, darunter die Sängerinnen Jaz Elise, Sevana, Lila Iké und den Produzenten des Songs „Righteous“, Ziah. Protojes erklärtes Ziel: to make reggae great again!

Das Album „In Search Of Lost Time“ (Deluxe) erschien am 19. März digital beim In.Digg.Nation Collective im Vertrieb von RCA/Sony.

Ryan, nicht Bryan Adams: So betonten es die Radiomoderatorinnen stets, als Ryan vor 20 Jahren ein unbeschriebenes Blatt war. Tatsächlich neigt er wie sein Beinahe-Namensvetter den softrockigen Tönen zu. So gestaltet sich schon der Opener von „Wednesdays“, „I‘m Sorry And I Love You“, als Musterbeispiel der zarten Liebesballade, hier klavier-geleitet. Im somnambulen „Who Is Going To Love Me Now, If Not You“ wirkt die Titelzeile wirklich wie eine in den Raum gestellte Frage. Die gezupfte Akustikgitarre plätschert verträumt über zaghaften, wabernden, sphärischen Keyboard-Loops.

Gegen das Übermaß, gegen Multitasking

Dezente Songwriter-Musik, wie Ryan Adams sie praktiziert, hat oft den Beigeschmack, introvertiert zu sein. Nur zum Zwecke von Kritik an Trump & Co., also des politischen Protests, mal aus sich herauszukommen. Ryan hingegen unterbreitet den ernsthaften Ansatz, mit der Musik nahe zu rücken, bedrängend nahe. Völlig zeitlose Geschichten zu erzählen. In vielen Abschnitten instrumentiert er sich so minimalistisch wie möglich, lenkt so die Aufmerksamkeit auf seinen innehaltenden Gesang. Andächtig baut er Stimmungen auf. So heult erst spät in „When You Cross Over“ eine Melodica auf, und das Klangbild verdichtet sich. Meist überwiegt der spärliche Ansatz. Eine Platte gegen das Übermaß an Signalen und Multitasking.

Autobiographisch und doppelbödig

Das Album wirkt wie ein Nachtspaziergang. „A Walk In The Dark“, heißt entsprechend einer der Tracks. Die Reihenfolge der Nummern ergibt sich sinnfällig. Doch auch eine metaphorische Ebene von Düsternis gibt es: Ryan Adams singt leise über seelische Schmerzen („Poison & Pain“). Im Titelsong „Wednesdays“ reflektiert er, was passiert, wenn man sich aus einer selbstverschuldeten Trennung oder Beziehungs-Eiszeit in Kokain und Zigaretten flüchtet.

Die Geschichte scheint autobiographisch zu sein. Und da mischt sich nun die Doppelbödigkeit dieses Werks und auch des Zeitpunkts, zu dem es erscheint, in die Wahrnehmung. Ryan Adams – da war doch was. Im Februar 2019 – die große #MeToo-Welle war gerade ein Jahr alt, aber bereits durch Kritik an ihrer Anführerin Asia Argento gebrochen, dass sie selbst einen Minderjährigen sexuell bedrängt habe – da erwischte es Ryan, und er stritt alle Vorwürfe ab.

Täter, Opfer, Vorwürfe, Entschuldigung

Seine Ex-Frau beschuldigte ihn in der New York Times, dass er ihre Musikkarriere aus Rache für ihre Scheidung behinderte und Produzenten gegen sie einnahm. Liest sich wie ein nachgelagerter Rosenkrieg einer zerrütteten Ehe, aber es kam noch mehr: Die Zeitung brachte auch Aussagen sechs weiterer Frauen vor.

Die Sängerin Phoebe Bridgers, die 2020 ihren Durchbruch erlebte und ihre Bekanntheit schnell zur Gründung eines eigenen Labels nutzte, hätte vielleicht viel früher sehr bekannt werden können.

_{Phoebe Bridgers (c) David Bates}

Ryan Adams habe ihr versprochen, sie groß raus zu bringen, wenn sie ihn heirate, so ihr Vorwurf. Sie habe das nicht gewollt, sich aber des Öfteren auf Telefonsex mit Ryan eingelassen. Ob der Hashtag #MeToo solche Fälle einschließt?

Exkurs Gender & Musikbiz

Wie freiwillig lässt sich jemand ein, wenn Machtausübung mit im Spiel ist? Anderes Beispiel: Man denke an Jessie Reyez, deren Ex-Producer Noel Fisher sie ungefragt in seinem Auto streichelte, zu einer Party überredete und in Wirklichkeit zu sich nach Hause fahren ließ. Mit dem Argument, sein Kontostand sei sehr attraktiv. Sie verweigerte sich, ließ sich nicht darauf ein. Sie konnte aber aus dem fahrenden Auto nun auch nicht aussteigen.

Nun…. es ist off-topic für ein Platten-Review, aber wichtig: Einen eklig pikanten Beigeschmack gibt es auch bei Ryan. Eine angeblich 15-Jährige berichtet von überdeutlichen Verquickungen von Karriereaspekten und sexuellen Annäherungen. Ryan dementierte, das FBI ermittelte, Beweislage unklar.

Ein Gatekeeper? Wie weit der sehr erfolgreiche Ryan seine Stellung im Business ausnutzte oder die betroffenen Damen manches Detail schrill übertrieben darstellten, um die mediale Aufmerksamkeit auszuschlachten – von außen bis dato schwer zu beurteilen. Jedenfalls für mich, der diesen Teil der Alternative-Folk-Szene dort nicht kennt und den Stellenwert des Musikers schwer aus der Ferne einschätzen kann.

In anderen Genres steht es um die Repräsentanz von Frauen viel schlechter. Nehmen wir jamaikanischen Dancehall. Geschenkt wird Frauen in manchen Segmenten des Musikbusiness sicher nichts. Was den Vorwürfen gegen Ryan einen bitteren Kern verleiht: Den eines strukturellen Problems. Egal wie viel an denen im konkreten Beispiel dran ist.

Es gibt aber bessere Methoden, Frauen zu fördern, als die (nicht juristische und ungeprüfte) Vorverurteilung eines Mannes in Zeitungsschlagzeilen. Irgendwas bleibt immer kleben, wusste schon Cicero. Auf „Wednesdays“ stellt sich der Sänger nun nicht ganz frei von Larmoyanz als Opfer dar, dem schlimme Seelenqual widerfahren sei.

Trübsal, Selbstkritik, Schwebezustand und Katharsis

Teils entschuldigt er sich oder zeigt Reue, wie in „I’m Sorry And I Love You“. Sicher, eine getrübte Grundstimmung ist völlig authentisch. Die Songs sind nämlich schon älter, von circa Ende 2018. Wegen der Vorwürfe gegen den Künstler sind sie dann erst doch nicht erschienen. Ryan hat ein weiteres Anliegen. Er verarbeitet den Tod seines älteren Bruders, eines erfolgreichen IT-Managers, der nach qualvoller Krankheit mit 46 starb. Ryan war nicht dabei – er tourte gerade. Der Song „Mamma“ greift das Thema auf.

Einiges, was explizit Mann und Frau betrifft, lässt sich in den Songtexten als Selbstkritik lesen. Jetzt wirkt es, als wolle er sich mit den sehr reflektiert geschriebenen Worten als Geläuterter darstellen, der für seine Fehler gerade stehe, gar unter ihnen leide.

In „Mamma“ geht es dabei auch um eine mögliche Ursache für eine wohl wirkliche Störung Ryans im Gender-Verhältnis: er wuchs nämlich ohne Vater auf; dieser machte sich von dannen, als Ryan fünf war, und die Restfamilie zog zu den Großeltern.

Aus dem Zentrum seiner Seele

Immerhin, nicht mit jeder Ex-Freundin ist der Songwriter heute zerstritten. Die Schauspielerin Parker Posey sagt über die neuen Texte ihres einstigen Lovers, dass sie „ein kathartisches (…) Mitgefühl liefern“. Und Lindsey Buckingham (Ex-Fleetwood Mac) analysiert zutreffend: „Während meiner Zeit im Musikgeschäft habe ich beobachtet, dass Künstler manchmal den Kontakt zu ihrer Mitte verlieren können (…) Ryan Adams (…) Musik und seine Texte entspringen dem Zentrum seiner Seele, und in seiner Bereitschaft, dieses Zentrum durch seine Kunst freizulegen, erlaubt er uns, einen Blick auf uns selbst zu werfen (…)“ Während es tatsächlich über alle anderen Wochentage mehr Songs und Platten geben dürfte, hat Ryan Adams das eigene Reflektieren für mittwochs angesetzt. Denn typisch sei da ein Schwebezustand.

Ursprünglich sollte diese Platte Teil Zwei einer Trilogie sein, nun erscheint der zweite Teil vor dem ersten. Dass Fans das Lebenszeichen eher unappetitlich finden, wäre verständlich. Dennoch, es liegt eine sehr gute und eigenwillige Songwriter-Platte vor. Musikalisch entgeht einem also wirklich etwas, wenn man „Wednesdays“ ignoriert.

_{Das Album erschien am 11. März 2021, ein Vierteljahr nach dem digitalen Release, auch physisch, bei Ryan Adams eigenem Label Pax Americana, im Vertrieb von Rough Trade. Wie uns per E-Mail mitgeteilt wurde, stand der Sänger seither und steht er auch in den Wochen nach dem Release generell für Interviews nicht zur Verfügung. Zur Vorgeschichte berichtete der Musikexpress über Beginn und Ende der Ermittlungen.}

Ron Gallo ist ein alternativer Garage-Rocker mit Starkstrom, poppigen Melodien und einem Gesangsstil im Britpop-Stile eines Damon Albarn, und das bei einer Plattenfirma mit Country-Schwerpunkt. Das verzerrt-verwaschene „Can We Still Be Friends?“ kombiniert seine eigenwillige Stilistik mit TripHop-Vibes und Vintage-Soul. Die psychedelische Harmonie sorgt dafür, dass der Track sich auch nach 20 Mal Hören nicht abnutzt. Biographisch ließ sich nicht erwarten, dass der Songwriter aus dem Raum Philadelphia sich im Electronics-Milieu wiederfindet.

Gegen den Strich bürsten und doch smooth/eingängig komponieren – diese Rezeptur gelingt Ron Gallo auch auf seinem Album „Peace Meal“ super. Dieser vierte Longplayer des 28-Jährigen erschien am 5. März.

Der Song „You Are Enough“ darauf zeigt, was Gallo auf einer eigenen Spotify-Playlist auch zeigt: Er hört jungen HipHop-Ladies wie noname aufmerksam zu und gewinnt dadurch Ideen für neue Stilfusionen.

Der hypnotisch wiehernde Remix von „You Are Enough“ enthält nur eine Songzeile. Überdies hinaus zeigt er, dass ein Remix gegenüber einem Original maximale Distanz einnehmen und den Song bei Null neu aufbauen kann. Die elektronifizierte Version stammt von Caroline Rose, die sonst gerne den Synthesizer auch im Country prominent platziert.

Weiterer Anspieltipp auf der frisch-fröhlichen neuen Platte ist „Wun Day (Crazy After Dark)“, hier nun richtig dicht an den Britpop Badly Drawn Boys heranrückend. Wie in „You Are Enough“, überlässt Ron einer noch unbekannten Stimme großenteils das Mikrofon, seiner Synthie-Expertin, Bassistin und Ehefrau Chiara D‘Anzieri. Deren YouTube-Channel hat bis dato 3 Abonnenten, obwohl am Video und Song-Release mindestens fünf Personen beteiligt waren. Wenn schon die Protagonisten selbst nicht an sie glauben, tue ich das hier. Chiara D‘Anzieris erster Song „Two Trees“. Ihre Band chickpee ist ein Wortspiel aus Kichererbse und Pinkeln.

Auch angenehm schwungvoll auf Ron Gallos Album klingt „Hide (Myself Behind You)“. Gepostet unten im Direktvergleich: in einer 3-Minuten-Fassung als electro-souliger Power-Pop auf der Platte (Spotify) – und in einer 6-Minuten-Live-Fassung als verschrobener Americana (YouTube). Das Skit „Saturday Pt. 2“ schleicht sich in Downbeat-R’n’B/HipHop-Gefilde. Gallo liefert überzeugend eine neue Rezeptur für den Popmarkt. Der lange Schluss-Tune bietet ebenfalls ein Highlight. Reinhören lohnt sich.

_{Ron Gallos Album „Peace Meal“ erschien bei New West im Vertrieb von PIAS/Rough Trade. Es enthält drei Interludes/Intro, einen langen Song und acht kurze Stücke und ist 29 Minuten 58 schlank.}

Die kongolesische Gruppe Kasai All Stars kündigt für den 7. Mai ein neues Album an. „Black Ants Always Fly Together, One Bangle Makes No Sound”, zu Deutsch „Ameisen fliegen immer zusammen, ein Armreif macht noch keinen Klang” wird elf Songs umfassen und als CD, auf Vinyl und als MP3 erscheinen. Das Cover-Artwork zeigt Flugameisen.

Die Riesen-Combo veröffentlicht seit 2005 Musik. Je nach Schaffensphase umfassen die All Stars plus/minus 25 Leute. Als Supergroup setzt sich das Kollektiv aus Mitgliedern von fünf verschiedenen Bands zusammen. Aktuell tritt Nachwuchs-Sängerin Bijou hinzu. Sie feiert ihre internationale Premiere im Kreise der Kasai All Stars.

Stilistisch vertritt die Band einen Trance-artigen, perkussiven Sound, der sich in oft langen Stücken mit einer frühen Klimax und langen, repetitiven Phasen niederschlägt.

Lokale Sprache, internationale Bühnen

Meist wird durchgängig und in einer lokalen Sprache gesungen. Jazz, Psychedelic Rock und Electrofunk werden gestreift, wenn wir in internationalen Musikkategorien denken und Begriffe für die Musik dieser Kongoles*innen suchen. Treffender ist wohl der Begriff Congotronics.

Unter der Bezeichnung Congotronics lässt sich etwa ein Dutzend CDs subsumieren. Diese erschienen vor allem zwischen 2008 und 2012 beim Label Crammed. Die Plattenfirma hat ihren Sitz in Belgien und mehrere Bands mit vergleichbarem Sound ausfindig gemacht.

Ein Nischen-Genre und ein neuer Blick

Deren Releases kamen teils unter dem Serientitel Congotronics heraus, teils unter den jeweiligen Band-Namen. Ein Teil des Materials war auch in einer Vinyl-Box zusammengefasst. Die bevorstehende Platte ruft somit ein Nischen-Genre in Erinnerung, das eine kurze Blüte hatte und anfangs einen neuen Blick auf Musik des zentralen und südlichen Afrika insgesamt warf.

Die Songs der Kasai All Stars sind polyrhythmisch, vom Klang der Lokombe-Laute (mittleres Bild, siehe Fotos oben), vom Xylophon und der Stimme von Lead-Vokalistin Muambuyi (Bild oben) und ihren Gesangskollegen Kabongo, Mi Amor und Tandjolo geprägt. Die Band produziert sich selbst. Kostproben aus dem Debüt der Kasai All Stars sorgten seinerzeit, 2008, für große Überraschung.

Mit ihren vorigen Alben hatte es die Band bereits zu Einladungen aufs Roskilde– wie auch aufs Glastonbury-Festival und das Paléo-Festival am Genfer See geschafft. In Deutschland war die Band das ein oder andere Mal, so beim TFF Rudolstadt und zuletzt 2017 beim Internationalen Menschenrechtsfilm-Festival in Nürnberg zu sehen. Nachfolgend ein Ausschnitt aus dem Auftritt der All Stars bei einem holländischen Festival.

Daumenklavier als Element des südöstlichen Afrika, elektrische Likembe als lokales Instrument aus der Region der Kasai im Kongo und Drum-Programming als Element europäischer Musik treffen hier aufeinander. Der betroffene Teil des Kongo war von 1885 bis 1959 belgische Kolonie und später zeitweise als Zaire bekannt. Seither erschütterten mehrere innere Bürgerkriege und äußere Konflikte das Land.

Dabei klingt mancher Hype-Tune dort futuristisch-digital-elektronisch, manches aber gar nicht so jung und zeitgeistig, und die neue Single von Wolf Alice sogar nach straightem Singer/Songwriting „alter Schule“ – nichts worauf, ein Paul Simon nicht stolz sein könnte.

Gitarristin Ellie Rowsell textet, und mit ihrer Stimme prägt sie als Lead-Vokalistin und Bandgründerin auch den hermetischen Wohlfühl-Sound des Londoner Quartetts. Mir geht es so, dass ich mich fühle, als würde sie mich einmal in die Schwerelosigkeit schießen und mit mir zusammen auf dem Mond tanzen. Massive Wirkung einer eigentlich stillen Slow-Mo-Musik. Hier das neueste Video des Londoner Quartetts. Es dreht sich rund um Ellie.

Das Witzige an dem Wirbel um den Song ist, dass eine BBC nicht um ihn herumkommt, obwohl die Band Wolf Alice keinem aktuellen Trend folgt. 250.000 Aufrufe in vier Tagen belegen, was schon 2015 zutraf: Das Publikum weiß sich selbst zu helfen und identifiziert schnörkelloses Storytelling und klare, formschöne Songs.

_{Ohne Schnörkel, ohne Schnickschnack: Die Band Wolf Alice BILD: (c) Jordan Hemingway}

Das Debütalbum schaffte es vor sechs Jahren aus dem Stand auf Platz Zwei der britischen Verkaufs- und Streaming-Charts.

Drittes Album soll Mitte Juni kommen

Die Band wurde so erfolgreich, dass zahllose Auftritte auf Welttournee kaum noch Luft zur Arbeit am zweiten Album ließen.

Auch das dritte dauerte ein wenig, soll unter dem Titel „Blue Weekend“ am 11. Juni 2021 in vielen Formaten, darunter als Kassette erscheinen. Auf dem Cover-Artwork (siehe oben) findet sich die Band in türkis-blaues Licht getaucht.

Hier zum Nochmal-Hören die Doppel-Deluxe-Version des Debüts mit allen 25 Tracks.

ART POP & Indie – Die Serie, II. Staffel

Warum eine Serie? Nun, die meisten Namen in dieser Serie ziehen im deutschsprachigen Raum nicht allzu viel Aufmerksamkeit an. Sollen die Artists also einander gegenseitig pushen, indem wir sie miteinander verbinden. Hier findet ihr Releases aus dem Zeitraum August 2020 bis Januar 2021, die im weitesten Sinne mit Art Pop und meist auch mit Indie-Labels zu tun haben. 
Auswahlkriterium: Nicht klassifizierbar. Innerhalb des Indie-Rocks keiner größeren Strömung (also keinem New Wave, Synthie, Folk, Psychedelic, Kraut, Indie-Soul usw.) zuzuordnen. Nischenmusik zwischen allen Stühlen. Mit Instrumenten, Vision und Wagemut.
Hier findet ihr alle Artikel der Serie!