Nos premiers invités sont frère et sœurs et sortent leur 2e album Jaden an nou.

La musique est un jeu d’enfants, dans la famille Abraham tout du moins : Zacharie l’aîné (contrebasse), Cynthia la cadette (voix) et Clélya la benjamine (piano) s’y sont toujours amusés. Ces dernières années, ils se sont rendus indispensables dans leurs sphères respectives, avec le jazz comme dénominateur commun. Plébiscités en studio, ils se sont aussi imposés sur la scène du jazz français où leurs trajectoires se sont souvent croisées. Si souvent que l’envie de s’associer s’est manifestée. Baptisée Abraham Réunion, la dream team familiale a sorti en 2020 son premier album, au titre éponyme. Une réussite totale qui appelait une suite, qui voit le jour aujourd'hui. Dans Jaden an nou, ils creusent le sillon où germent les graines de leur jardin créole. Le jardin en nous : le titre a été choisi lors d’une discussion dont l’enregistrement constitue l’un des interludes de l’album. L’idée revient au père du trio. Il est guadeloupéen et, pour ses enfants nés en métropole, les Caraïbes constituent un territoire d’expérimentations musicales, mais aussi celui de questionnements identitaires qu’ils labourent de plus en plus profondément.

Sur Jaden an nou, ils assument ainsi de dévoiler leurs faiblesses, leurs fractures et leurs inquiétudes devant un monde qui ne tourne pas rond. Chacun avec sa personnalité, chacun avec son jardin : Zacharie gamberge en binant le potager de sa maison de campagne ; Cynthia s’indigne des conséquences de la crise environnementale ; Clélya sonde son jardin intérieur via la méditation et la psychologie. Le jardin d’Abraham Réunion est foisonnant. S’y enchevêtrent le gwoka guadeloupéen, le maloya réunionnais, les tambours brésiliens, le jazz afro-américain autant que celui de Mario Canonge et Alain Jean-Marie, ainsi que les impressionnistes Ravel et Debussy. Cynthia y signe la totalité des paroles, en français et créole grâce aux traductions paternelles, et le trio se partage les compositions. Ils renouvellent leur choix de recourir à plusieurs batteurs pour les accompagner et d'utiliser une quinzaine de percussions (sifflets, konk a lambi, kayamb, sati, agogo, chacha, surdo, tambourins), soulignant ainsi l'importance de la rythmique dans leur musique.

Sur Jaden an nou, second album attendu de la fratrie Abraham Réunion, Zacharie, Cynthia et Clélya invitent le grand chanteur réunionnais Danyèl Waro, artisan du maloya rénové sur deux titres : Nailé puis Batarsité, l’un de ses morceaux emblématiques (1987) sur la créolité : « Je ne suis pas Blanc / Non je ne suis pas Noir. » L'album explore différentes rythmiques caribéennes avec pas moins d'une quinzaine de percussions différentes !

Titres interprétés au grand studio

« La traversée » Live RFI

« Batarsité » (Feat. Danyel Waro), extrait de l’album

« Jour de fête » Live RFI

Line Up : Cynthia Abraham (voix, percussions mineures), Clélya Abraham (piano), Zacharie Abraham (contrebasse)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant Camille Roch

► Album Jaden an nou (Jardin en nous) (Aztec Musique, 2026)

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Puis, nous recevons la famille Remanindry et Loya pour le projet Blakaz Antandroy. 

Sorti en 2024, Blakaz Antandroy est un album innovant imaginé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry : le père Remanindry et ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et soigner les villageois, souvent éloignés de toute médecine moderne.

L’origine de ce projet singulier remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui sollicite Loya pour concevoir un concert accompagnant une exposition consacrée à Madagascar, à partir de ses archives sonores. C’est dans ce contexte qu’il découvre la musique de Remanindry, dont il tombe immédiatement sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer le musicien en personne, donnant naissance à une rencontre d’une rare intensité. De cette alchimie émerge l’idée de Blakaz Antandroy, un projet ambitieux mêlant musique chamanique antandroy et univers électronique.

Pour créer cet album, Loya s’immerge profondément dans le langage musical des Antandroy, en explorant leurs techniques vocales et instrumentales spécifiques. Parmi celles-ci figurent le lokanga, un violon malgache qui accompagne les chants, le remotsy, une technique vocale rythmique faite de raclements de gorge, ou encore le Poa Keliky, où les sifflements deviennent percussions. Ensemble, les artistes racontent les histoires de leur région, au sud de Tuléar, où les Kukulamp, les esprits, occupent une place essentielle dans la vie quotidienne.

De son côté, Loya utilise ses machines électroniques pour transformer ces sonorités traditionnelles en une expérience sonore inédite. Il opère une fusion entre ancien et contemporain, entre spiritualité et technologie, donnant naissance à un univers musical unique.

Sébastien Lejeune, alias Loya, est un compositeur dont le travail se situe à la croisée de la musique électronique et des traditions de l’océan Indien. Depuis ses débuts, il interroge les liens entre ces univers, en s’appuyant sur les nouvelles technologies comme outils de création, d’analyse et de transmission. Cette approche implique un long travail d’apprentissage, à la fois numérique et musical, nourri par la pratique d’instruments traditionnels tels que ceux du maloya (rouler, kayanm, sati, tambour malbar), mais aussi la flûte bansuri ou le takamba réunionnais.

Sa démarche transculturelle repose sur le dialogue entre instruments traditionnels et dispositifs numériques. Son processus de création a évolué au fil du temps et se structure aujourd’hui en plusieurs étapes : une phase d’analyse des dimensions rituelles et spirituelles, suivie d’un passage de l’oralité à l’écriture en M.A.O., jusqu’à la production finale. En concentrant ses recherches sur les musiques de l’océan Indien, il développe une réflexion au long cours, nourrie par ses créations, qui lui permettent d’en expliciter les enjeux et les significations.

Le maloya, avec ses rituels et cérémonies, constitue son premier terrain d’étude, notamment à travers ses rencontres avec les artistes Alex Sautron et Stéphane Grondin. Ces recherches l’amènent à développer un processus de composition intégrant des algorithmes (Perlin noise, probabilités), afin de créer des œuvres en perpétuel mouvement, à l’image des kabars où les musiques se construisent dans l’improvisation autour de thèmes traditionnels.

Par la suite, sa rencontre avec Menwar lui permet d’affiner ses outils de composition au contact du séga traditionnel. En 2016, il découvre la musique carnatique aux côtés de Balakumar, plongeant dans les racines tamoules de La Réunion. Il analyse cette musique spirituelle et complexe, jouée dans les temples, et compose à partir du konakol, système de transcription orale des rythmes propre à cette tradition.

Titres interprétés au grand studio

« Lomalilaty » Live RFI

« Blakaz Antandroy », extrait album

« Be Sadia » Live RFI 

Line Up : Remanindry (chant, lokanga), Nindry Remanindry (chant, lokanga), Samba Remanindry (chant, percussions) et Sébastien « Loya » Lejeune (machines)

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor

► Album Blakaz Antandroy (L'z Records, 2024)

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Nos 1ers invités sont le groupe franco-colombien Combo Efectivo pour la sortie de Combo Efectivo

C’est le 8 novembre 2024, dans le studio de Mambo Negro situé dans le quartier Palermo de Bogota, que se sont réunis sept musiciens exceptionnels pour une session d’enregistrement d’anthologie : Léon Phal au saxophone, Antoine Berjeaut à la trompette et Stéphane Montigny au trombone se sont retrouvés face à une section rythmique endiablée avec Pedro Ojeda à la batterie, Pelango à la basse et Ivan Medellin aux claviers. La voix, le rap, la gaita (flûte traditionnelle) et la percussion de Karen Nerak (La Perla) sont venus compléter cet ensemble « all stars ». Deux morceaux vibrants et ensoleillés comme cet après-midi de novembre dans la capitale de Colombie, ont été enregistrés ce jour-là par Daniel Michel (producteur de la BOA). Une rencontre explosive pour ce «COMBO EFECTIVO» (qu’on pourrait tenter de traduire par Ensemble efficace) organisée dans le cadre de Jazztropicante 2024. Deux jours à partager le bonheur de créer de la musique ensemble, pour des musiciens tous interprètes émérites de leurs instruments, mais aussi compositeurs et producteurs reconnus des scènes jazz et musiques actuelles de France et de Colombie. A Paris, le groupe a enregistré quelques titres supplémentaires...

Titres interprétés au grand studio :

- La Llave Maestra Live RFI

- Picada de Culebra, extrait de l'album Live RFI

- Agua ou Fièvre Live RFI.

Line up : Karen Nerak (chant, rap, gaita et percussions et membre du trio féminin La Perla Bogota), Ruben Aragon (claviers), Pelango (basse), Tim Alcorn (batterie), Léon Phal (saxophone), Stéphane Montigny (trombone) et Antoine Berjeaut (trompette).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Combo Efectivo ( Casa Magiuey Records 2026)

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Puis nous recevons le groupe belge Ão pour la sortie du 2ème album Malandra

L’une des plus belles révélations de la scène européenne, Ão, plonge pleinement dans un voyage folk contemporain, à la fois poétique et vibrant, porté par des sonorités subtiles et des percussions envoûtantes.

Le nouvel album Malandra succédant à Ao Mar (2023) est salué par la critique. Brenda Corijn, Siebe Chau, Jolan Decaestecker et Bert Peyffers poursuivent leur exploration musicale, mêlant avec finesse saudade, pop alternative, musiques latines et électro, toujours chantées en portugais.

Ces dernières années, le groupe Ão s’est imposé en Belgique comme en Europe grâce à son mélange envoûtant d’électronica, d’art pop, de saudade et de latin alternatif. Le quatuor a façonné un son singulier et novateur, rétif à toute étiquette. Leurs origines et influences multiples se tressent naturellement en un univers hybride, dans la lignée d’artistes comme Stromae, Rosalía ou C. Tangana. La chanteuse Brenda Corijn puise dans ses racines mozambicaines et portugaises pour chanter en portugais et en anglais. Sa voix chaleureuse se mêle à la guitare aux accents sudistes de Siebe Chau, aux textures électroniques de Jolan Decaes-teckeret au jeu éclectique de Bert Peyffers aux percussions. En 2023, ils dévoilent leur premier album, Ao Mar, largement salué par la critique.

Avec Malandra, leur deuxième album, Ão signe une suite fougueuse et envoûtante, plus riche, rythmée, tendre et âpre à la fois. Le titre renvoie au mot portugais «malandra», difficile à traduire. Sa signification, comme l’album, est double. Une «malandra» est une femme qui traverse la vie avec humour, intelligence et charme, guidée par ses désirs et pliant les règles à son gré. En 2026, Ão présente Malandra lors d’une tournée internationale qui passera notamment par l’Italie, l’Allemagne, l’Autriche, le Luxembourg, la Suisse, la France et les Pays-Bas. En Belgique, ils se produiront à l’Ancienne Belgique. 

Titres interprétés au grand studio :

- Orgulho Live RFI

- Talvez, extrait de l'album

- Cada Vez Live RFI.

Line up : Brenda Corijn (chant), Siebe Chau (guitare), Jolan Decaes-Teckeret (machines), Bert Peyffers (percussions).

Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor

► Album Malandra (Mayway Records 2026).

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Depuis les années 1940, ces objets mystérieux fascinent, inquiètent et divisent. Insaisissables, peut-être, et pourtant ils s'infiltrent partout : dans les archives militaires, la musique, le cinéma et dans l'imaginaire collectif. Dans cet ouvrage, notre invité Egon Kragel, artiste et ufologue, explore l'impact culturel de ces phénomènes et montre comment l'ovni et ses passagers ont dépassé le statut de simple fait divers pour devenir une véritable machine à créer et à penser. Dans cette émission, nous allons aborder la pop culture en musique.

Pour cela, l'auteur a rencontré des personnalités et recueilli leurs témoignages. Il ouvre également sa collection de disques et de long-métrages. Egon Kragel assure donc la programmation musicale de cette émission.

Egon Kragel a déjà écrit Ovnis – Enquête sur un secret d'État avec Yves Couprie (Cherche-Midi), puis rédigé trois autres ouvrages sur le sujet. Il donne de nombreuses conférences. Il est également auteur, compositeur et interprète.

- The Buchanan Brothers, When You See Those Flying Saucers – 1947 (première chanson écrite sur le phénomène).

- Ella Fitzgerald Two Little Men in a Flying Saucer – 1951

- David Bowie, Starman – 1969

- Parliament Mothership Connection – 1975

- Nina Hagen, UFO – 1982

- Patti Smith, Birdland – 1975

- Stevie Wonder, Saturn – 1976

- Ry Cooder, UFO Has Landed in the Ghetto – 1982.

Medley à la française avec :

- Les 3 Horaces La Java martienne – 1957 (Boris Vian)

- Henri Salvador, Le Martien – 1963

- Françoise Hardy, Le Martien – 1971

- Armande Altaï, Le Message de l’Espace – 1979

- Marie Laforêt L’Homme de l’Espace – 1980

- Et enfin Marie José, Sur une Soucoupe Volante – 1954.

L'Instagram d'Egon Kragel.

Michelle David & The True-Tones ouvrent un nouveau chapitre avec Soul Woman sorti sur le label Record Kicks. Après Brothers & Sisters (2024), le groupe américano-néerlandais livre un disque plus introspectif, explorant l’identité, la guérison et la résilience spirituelle. Porté par la voix puissante et chaleureuse de Michelle David, Soul Woman mêle gospel, soul et R&B vintage avec une intensité lumineuse et profondément sincère.

Née à New York et élevée dans l’église, Michelle David chante depuis l’enfance. De Broadway aux grandes scènes européennes, sa voix puissante a marqué la soul contemporaine. Avec The True-Tones, ils se sont produits sur des scènes prestigieuses comme Nancy Jazz Pulsations, Les Eurockéennes, Jazz sous les Pommiers, Jazz à Vienne, Solidays, Festival du Bout du monde, Jazz à Sète, Cabaret Vert Festival, Pinkpop et North Sea Jazz Festival.

Tiwayo, surnommé « The Young Old » (TYO) pour sa voix au timbre intemporel, le chanteur et compositeur de soul parisien Tiwayo revient avec Outsider, un troisième album produit par Adrián Quesada des Black Pumas et lauréat d’un Grammy Award. Prévu pour sortir le 10 avril 2026, Outsider marque le retour d’un esprit bohème qui a joué dans la rue et voyagé à travers le monde, s’imprégnant des racines blues, soul et gospel qui continuent de façonner sa musique.

Titres interprétés au grand studio

- Speak to me Michelle David Live RFI

- Up For The Soul Tiwayo Live RFI

- Soul Woman, extrait de l'album des True-tones 

- Running Michelle David Live RFI

- I’ve got to travel alone Tiwayo Live RFI

- Daddy was born with the blues, extrait de l'album de Tiwayo

Just The Two of us (Bill Withers) DUO Michelle David True-tones & Tiwayo  Live RFI RFI Vidéos DUO Michelle David + Tiwayo.

Line Up Tiwayo : Tiwayo (chant/lead guitare), Théo Moutou (batterie), Emmanuel Sunee (basse), Fabe Beaurel Bambi (percussions) et Paul Sany (claviers).

Line Up True-tones : Michelle David (chant), Onno Smit (guitare/basse), Paul Willemsen (guitare/basse) et Bas Bouma (percussions).

RFI Vidéos Michelle David 

RFI Vidéos Tiwayo.

SON : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch.

Traduction : Léa Boutin-Rivière traduction.

► Album Michelle David & the True-tones Soul Woman (Record Kicks 2026).

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► Album Tiwayo Outsider (Record Kicks 2026).

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Nos premiers invités sont l'Italienne Maria Mazzotta et le Catalan Raül Refree réunis sur l'album San Paolo di Galatina.

C’est un projet qui s’est forgé petit à petit, porté par les propositions de festivals et sans la pression d’une obligation d’enregistrement.

Lorsque Raül a reçu un e-mail de Maria Mazzotta pour travailler ensemble, il a dû refuser en raison de son emploi du temps chargé, mais il est tombé amoureux de sa voix. Quelques années plus tard, lors d’un voyage dans les Pouilles en avril 2022, ils ont profité de l’occasion pour se rencontrer et jouer ensemble. Au cours de cette rencontre, Maria lui a appris de nombreux chants du répertoire traditionnel du sud de l’Italie et, pendant qu’ils mangeaient, elle lui a raconté l’histoire de la pizzica taranta et ce qu’elle représentait dans la société du sud de l’Italie au début du XXè siècle : les femmes souffrant de dépression étaient considérées comme ayant été mordues par une tarentule, et le seul antidote pour surmonter la tristesse qui les habitait était d’entrer en transe au rythme de la pizzica, en dansant, chantant et criant d’une manière qui n’était normalement pas permise dans la société.

L’idée de Raül était de raconter la nécessité d’entrer en transe en dessinant musicalement une arche décrivant parfaitement la société de l’époque : berceuses, chants funèbres, mélodies religieuses… jusqu’à atteindre la pizzica et son message païen et sauvage. Avec des extraits de leur passage à Paris, au Théâtre de la Ville.

► Album San Paolo di Galatina (Galileo MC 2026).

Bandcamp - Site Maria Mazzotta - Site Raül Refree.

Puis nous recevons Las Migas pour la sortie de Flamencas.

Vingt ans après sa création, Las Migas continue de révolutionner le flamenco avec audace et féminité. 

Composée de quatre musiciennes venues d’Andalousie, de Catalogne et d’Estrémadure, la formation défie les codes traditionnels encore très masculins, mêlant palos flamencos, tangos, bulerias, tanguillos, malaguenas et rumbas à des sonorités urbaines, pop, folk et jazz. Si leurs chansons célèbrent la mer, la terre, l’air, le feu, elles revendiquent aussi l’amour libre, l’espoir d’une société plus égalitaire. 

Avec leur nouvel album Flamencas - lauréat du Latin Grammy en**** 2025, elles rendent hommage à la pureté du flamenco tout en l’ouvrant à de nouveaux horizons, offrant un spectacle vibrant, moderne et profondément engagé. « Nous sommes les miettes (las migas) de ce pain qu’est le flamenco ! ». 

Une musique irrésistible, à la fois enracinée et affranchie, portée par quatre femmes solaires qui les a portées sur les plus grandes scènes d’Espagne, d’Europe et d’Amérique.

► Album Flamencas (Warner Music Spain 2025).

Site - Instagram - YouTube.

Ray Lema et l'Ensemble Partage. Le 3 avril 2026, le Studio de l'Ermitage a accueilli Passion Congo, un événement musical d'exception qui célèbre à la fois la sortie de l'album éponyme et les 80 ans de Ray Lema, figure emblématique des musiques du monde. Compositeur et pianiste de renommée internationale, Ray Lema a forgé au fil des décennies un langage musical unique, nourri depuis l'enfance par le répertoire classique européen et par les traditions musicales des plus de deux cents ethnies de la République démocratique du Congo. Son art réside dans cette capacité remarquable à fusionner des univers apparemment éloignés, créant ainsi des ponts sonores entre l'Afrique et l'Europe.

Pour cette création majeure, Ray Lema s'entoure d'un ensemble de six musiciens italiens de haut niveau : un quatuor à cordes, un saxophone soprano et des percussions. Cette formation, à la fois classique et audacieuse, offre un cadre idéal pour explorer les richesses d'une écriture singulière où se rencontrent traditions africaines et européennes dans une harmonie captivante.

Musiciens : Ray Lema (piano, voix), Massimiliano Gilli (1er violon), Sylvie Blanc (2e violon), Gerardo Vitale (violon alto), Claudia Ravetto (violoncelle), Manuel Pramotton (saxophone soprano), Marco Giovinazzo (percussions) + Isabel Gonzalez et Cathy Renoir (choristes historiques de Ray Lema) & son ami Laurent de Wilde au Fender Rhodes (avec qui Ray Lema a fait 2 albums).

► Album Passion Congo (One Drop / L'Autre distribution 2026).

Site - Instagram - Facebook

Studio de l'Ermitage.

🎧 L'intégralité du concert de Ray Lema se trouve sur rfi.fr avec son spatialisé par Benoît Letirant et Mathias Taylor (RFI Labo).

Avec Keyvan Chemirani pour la sortie de Tales of Nar

Depuis de très nombreuses années, Keyvan Chemirani fait son chemin artistique en faisant se rencontrer ses nombreuses affinités musicales et humaines dans des projets très élaborés. Avec son frère Bijan, il est le véritable dépositaire d’une tradition faite de musique millénaire et de poésie orale venues d’Iran et d’Inde. Ils sont les continuateurs respectés de l’œuvre de leur père Djamchid Chemirani, l’un des grands maîtres du zarb, ce délicat petit tambour persan, doté d’une grande expressivité. Tous deux sont également engagés dans la construction d’un vocabulaire métissé qui intègre des éléments très contemporains. On peut dire que leurs recherches permanentes visent à la circulation des langages et à la rencontre de l’autre.

En outre, Keyvan a été à l’origine de réunions audacieuses qui ont beaucoup marqué les spectateurs et les artistes résidents de l’Abbaye de Royaumont, lieu de tous les délices musicaux traditionnels et expérimentaux.

Avec « Le rythme de la parole » en 2004, Keyvan Chemirani a mis en scène des musiciens et chanteurs iraniens, indiens et maliens dans un projet structuré par les rythmiques communes des langues Tamoul, Farsi et Bambara. La force émotionnelle de ce projet fondateur a été salué très largement et constitue une véritable référence en matière de création transculturelle. On a parlé d’une « musique-langue », une approche mettant en conversation traditions, modernité, mythes, langages, musique ; singularité et universalité ; dialectiques qui ne cessent de nourrir l’imaginaire des Chemirani.

Keyvan et Bijan ont butiné dans le monde entier des musiques mises à leur portée par leur aptitude au renouvellement et à la découverte d’ailleurs. Musiques modales du Moyen-Orient ou méditerranéennes, musiques occidentales baroque, classique, chanson, rock, jazz. Autant d’univers et d’aventures vécues aux côtés de figures cardinales qui éclairent leur singularité artistique.

Tales of New Ancient Rythms réunit dans un patchwork flamboyant les multiples mondes de Keyvan Chemirani. Il est peut-être le résultat le plus enchanteur et limpide d’un long cheminement.

À l’origine conçu pour être un dialogue avec son frère, ce programme a finalement pris une forme complète avec le pianiste de jazz, modeleur d’espace Benjamin Moussey et la violoniste Yvlin, interprète classique habituellement liée au Deutsche Oper Berlin.

Avec toute la douceur du timbre du violon de Yvlin et les richesses expressives des pianos acoustique et modulaire de Benjamin, Keyvan et Bijan trouvent ici une instrumentation et des partenaires rêvés pour une nouvelle aventure.

Une forme chambriste capable des plus grandes variations tonales, rythmiques et dynamiques.

Leur invention collective est un bouquet de sentiments où s’entremêlent élégamment méditatif et festif, retenue et exubérance, dans une construction précise qui pourtant laisse beaucoup de place à l’improvisation.

Keyvan Chemirani donne des clefs à ses partenaires dont les compositions respectives contribuent à la fabrication d’un formidable kaléidoscope musical.

Et le trio Hami Hamoo pour la sortie de Siya

Trois musiciens, liés par leur passion commune pour les musiques africaines, mêlent leurs influences pour créer une nouvelle vibration dansante et métissée. Ce répertoire inédit est résolument tourné vers le continent africain depuis trois points de vue différents : celui du chanteur guitariste burkinabé Moussa Koïta, du percussionniste-chanteur du sud iranien Habib Meftah et du saxophoniste français, fondu de vieux son afro 70’s, Michaël Havard.

Titres interprétés au grand studio :

- Nour in the place par Keyvan Chemirani Live RFI

- Hami Hamoo par Hami Hamoo Live RFI

- Bâ man o bâ to, extrait del'album de Keyvan Chemirani

- Je ne fais que penser à toi, extrait de l'album Hami Hamoo

- Solo de santour par Keyvan Chemirani Live RFI

- Africa par Hami Hamoo Live RFI

- Sefar (titre de Habib Meftah) par Hami Hamoo & Keyvan Live RFI.

Line Up : Moussa Koïta (chant, guitare), Habib Meftah (chant, percussions), Michaël Havard (saxophone) & Keyvan Chemirani (santour).

Son : Mathias Taylor, Camille Roch et Benoît Letirant.

► Album Hami Hamoo Siya (Accords croisés 2026)

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► Album Keyvan Chemirani Tales of Nar (PEEWEE! / Socadisc / Believe 2026).

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Notre 1er invité est Tim Whelan pour la sortie de Dub Colossus, hommage à Nick Page

En mai 2021, le monde a perdu le musicien, producteur, compositeur et chef d’orchestre Nick Page, alias Count Dubulah. Ayant travaillé sur plus de 200 albums et singles au cours de sa brillante carrière, Nick Page travaillait également sur une nouvelle collection de chansons durant ses derniers mois. Ces derniers enregistrements de Nick Page avec Dub Colossus, le projet qu’il a fondé en 2008, sont sortis via Real World X au printemps 2026 sous la forme d’un album spécial signé par l’un des pères fondateurs de la scène dub mondiale.

Dub Will Keep Us Together a été coproduit par Nick Page, Toby Mills et la compagne de vie de Nick, Cristina Moran, alias Dubulette. L’album reflète une compréhension collective comme forme de résistance face aux forces globales qui façonnent nos sociétés — une lutte commune pour la justice, unie par l’amour. Des chanteurs originaux et des figures majeures issues du collectif de Nick, Dub Colossus, participent à Dub Will Keep Us Together, notamment l’incroyable chanteuse éthiopienne Mimi Zenebe, le saxophoniste et flûtiste londonien Ben Somers, ainsi que le percussionniste britannique innovant Paul Chivers. De grands amis musiciens rejoignent le bassiste et percussionniste Toby Mills et Nick Page sur Dub Will Keep Us Together. Parmi eux, figurent des figures majeures de la fusion globale comme Tim Whelan de Transglobal Underground aux claviers, et Hamid Mantu à la batterie. Tout au long de sa vie, Nick Page a été reconnu pour avoir rassemblé des musiciens et chanteurs du monde entier afin de créer une fusion musicale globale intemporelle et de classe internationale. Dub Will Keep Us Together constitue sa dernière empreinte musicale indélébile, réalisée avec des amis issus de cultures diverses pour créer une musique sans frontières.

► Album Dub Will Keep Us Together (Real World X 2026)

Instagram Tim Whelan - Bandcamp - Site - YouTube - Instagram. 

Puis la #SessionLive reçoit Matthis Pascaud, venu en trio, pour la sortie de Lou(p)s

Musicien et directeur artistique courtisé par la terre entière, de Marion Rampal à Hugh Coltman en passant par Erik Truffaz, Ayo ou encore Moonlight Benjamin, Matthis Pascaud revient avec Loup(s), un album de pop instrumentale libre et hypnotique. Enregistré à Abbey Road, ce disque marque un retour à la matière, au son brut, à l’instinct. Aux côtés de Raphaël Chassin, Laurent Vernerey et Christophe Panzani, Pascaud redonne ses crocs à la guitare et prouve qu’on peut faire rugir le rock sans micro ni posture. 

Avec des invités de marque comme Celia Kameni et Gaël Rakotondrabe, Loup(s) élargit encore le territoire : plus libre, plus organique, plus audacieux. Ici, tout respire : les amplis chauffent, la basse gronde, le sax grogne et la Gretsch Astro Jet de 67 hurle dans la nuit. C’est du groove de meute, du psychédélisme d’artisan, une musique qui court dans les bois entre Pink Floyd et Khruangbin, avant de retomber sur un piano centenaire qu’on croirait possédé par les Beatles. Une œuvre instinctive et cinématographique, entre tension et clair-obscur, où chaque morceau semble tracer sa propre piste dans la nuit.

Titres interprétés au grand studio :

- Rose Live RFI

- Extrait de l'album 

- Meute Live RFI. 

Line Up : Matthis Pascaud (guitare électrique), Raphael Chassin (batterie) et Laurent Vernerey (basse électrique).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Lou(p)s (Shake Production / Modulor 2026).

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Notre premier invité est l'artiste sénégalais Lëk Sèn pour le sortie de son 7ème album Jèem

Originaire de Ngor au Sénégal, Lëk Sèn trace une route singulière où le reggae roots rencontre les rythmes d’Afrique et les pulsations urbaines. Derrière chaque mot et chaque note, il tisse une écriture brute et sincère, empreinte de mémoire et d’avenir. Entre profondeur, appel à la conscience et mélodies envoûtantes, il se révèle à chaque nouvelle sortie comme une voix rare : celle d’une génération qui cherche, questionne et espère. Lëk Sèn avance sans artifice, guidé par la force du cœur et la justesse de son verbe. 

Son nouvel album Jèem (« Essayer » traduit du wolof) est un nouveau passeport musical, un projet sincère, construit comme un voyage à travers les émotions, les contradictions et les réalités d’une génération qui rêve d’une Afrique puissante ornée de ses valeurs spirituelles. Chaque titre est pensé comme un récit, où se mêlent énergie, douceur et rage maîtrisée. Lëk Sèn y explore ses propres espoirs et sa vision du monde, avec une écriture sans filtre. Ce qui distingue ce projet : une volonté de parler vrai, tout en soignant les sonorités. Le mélange entre les codes du reggae et les textures africaines offre une palette large et cohérente, fidèle à son identité musicale.

Titres interprétés au grand studio :

- Net Bi Live RFI

- Natty Fly, extrait de l'album

- Soul Shine Live RFI.

Line Up : Lëk Sèn, Laurent Pena Vieira (batterie), Johan Blanchart (claviers), Xavier Lassire (guitare) et Julien Calcado (basse).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Jèem (on a essayé en wolof) (Jahsen Creation 2026).

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Notre second invité est le guitariste Kepa pour la sortie de Soul Wash Services.

Kēpa est quelqu’un d’infiniment entier bien que quelques-uns de ses os se soient brisés plus d’une fois. L’ancien skateur pro qu’il fut a autant donné sur sa planche qu’il se donne aujourd’hui sur les planches de ses envoûtants ciné-concerts. Les chutes dorénavant sont uniquement de superbes fins d’accords de sa guitare qui n’est pas seulement son instrument chéri, mais véritablement le prolongement de lui-même. Le Picking ou « cueillette de doigt » est son langage et il est tel que Kēpa a décidé ne plus utiliser ses cordes vocales mais simplement la magie percussive des cordes vitales de sa guitare. 

Soul Wash Services est le titre de ce nouvel album solaire et inspiré. « J’ai commencé la guitare à 16 ans, totalement égoïstement entre mes tours de skate. J’ai toujours abordé la musique seul, comme tout le reste. À 26 ans, on m’a diagnostiqué une spondylarthrite ankylosante – une maladie auto-immune qui me ronge le dos jours et nuits. Onze ans que je vis avec cette douleur, ce fantôme qui me réveille chaque matin à 5 h. J’ai traversé une décennie de dépression, d’addiction. Je ne pouvais plus rien faire. Rien… Sauf jouer de la guitare. La guitare est devenue mon refuge. Infini comme un échiquier. J’ai découvert ses pouvoirs auto-hypnotiques, cette capacité à suspendre le temps, à me faire oublier mon corps. Je n’ai jamais appris la théorie, je n’y comprends toujours rien. Mais aujourd’hui je sais que cette ignorance m’a offert quelque chose de plus rare : l’innocence. Celle de voir un accord comme une couleur, une émotion, une image qui se crée toute seule. Je crois encore au mystère de la musique. Et plus que jamais, je pense que l’abstrait, c’est peut-être la seule réponse honnête à la question que tout le monde se pose sans oser la formuler : qu’est-ce que c’est que ce bordel ?». La guitare. Grâce à elle, même lorsqu’il s’est retrouvé seul avec ses douleurs chroniques, Képa n’a jamais connu la solitude. La pratique intensive est devenue un refuge où les minutes ont muté en heures, et les heures en jours. L’autohypnose a déréglé les aiguilles pour lui, et l’autodidacte parfait a connu le plaisir d’avoir l’audace de sortir des cases pour aller écrire dans les marges. 

Titres interprétés au grand studio :

- Stereophonic Caretaker Live RFI

- Dream Enhancer, extrait de l'album

- Emotional Survival System Live RFI.

Line Up : Bastien Duverdier (Kepa), guitare

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Soul Wash Services (Heavenly Sweetness 2026).

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Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen, du site Les Jours, propose, décortique, choisit, préfère, se damne... bref, aime 5 nouveautés. Ce mois-ci, les élus sont :

Tim Maia, Imunização racional (Que beleza), tiré de l'album Racional (Vol.1) (Seroma, 1975, réédition 2026)  

Rodrigo Cuevas, Un Mundo Feliz, tiré de l'album Manual de Belleza (Ministeriu de Verbenes/Sony Music, 2026) 

Flea, Thinkin Bou You, tiré de l'album Honora (Trumpet Cosmos/Nonesuch, 2026)

1515, Fāfaru, tiré de l'album Mārara (S76, 2026)

Angine de poitrine, Mata Zyklek, tiré de l'album Vol. II (Angine de poitrine, 2026).

Puis nous recevons Dhafer Youssef pour la sortie du nouvel album Shiraz.

Il n’y a aucun doute sur les émotions profondes qui traversent Shiraz, le premier album de Dhafer Youssef, en tant que leader sur le label ACT.

Ses sentiments d’amour et de gratitude sont bel et bien présents, mais il les imprègne aussi de lumière et d’obscurité. Les morceaux du vocaliste tunisien ont une intimité particulière, bien plus marquée que dans ses œuvres précédentes, car l’histoire racontée ici est certainement la plus personnelle de toute sa carrière. L’album est particulièrement dédié à son épouse, Shiraz Fradi : ce dernier évoque leur relation fusionnelle et les différents événements qu’ils partagent depuis qu’ils sont ensemble.

Titres interprétés au grand studio

- Rose Fragrance Live RFI

- Generalife Gardens extrait de l'album

- Eyeblink and Eternity (part 1) Live RFI.

Line Up : Dhafer Youssef (Oud, Vocal), Mark Priore (piano).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Shiraz (ACT 2025).

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Que l'on évoque le Soleil ou Habibi, nos 2 invités sont tournés vers… l'Amour ! L'intemporelle valeur refuge

Notre première invitée est Dominique Fils-Aimé pour la sortie de My World Is The Sun

Un jour, dans la maison familiale, Dominique est tombée sur une vieille cassette datant des années 70. Le son de la voix de sa mère sur cette bande l’a profondément émue. Elle ignorait que sa mère était une chanteuse aussi talentueuse. Cet enregistrement ouvre aujourd’hui le dernier album de Dominique, My World Is the Sun. Le choix d’ouvrir l’album avec cette pièce de guitare instaure un cadre formel au sein duquel Dominique crée des contrastes stylistiques. L’album se déploie comme un récit – se transformant au fil des multiples émotions que nous traversons au cours d’une journée. Dominique referme l’album en enregistrant sa propre version du morceau d’ouverture, complétant ainsi un cycle naturel.

Chercher et construire la paix est une valeur chère à la mère de Dominique. My World Is the Sun rend hommage à cette valeur.

My World Is the Sun adopte un format d’enregistrement live, laissant place à l’improvisation, tant sur le plan lyrique que musical. La magie opère lorsqu’une atmosphère est créée en temps réel. L’émotion brute d’un état de « flow » ne peut être reproduite à l’identique. Des mélodies peuvent être extraites de certaines prises, mais la version non coupée possède une force singulière, précisément parce qu’elle est unique. À travers cette approche, My World Is the Sun place l’émotion au cœur de chaque morceau. Inspirée par l’instinct d’une mère aimante, chaque chanson de My World Is the Sun est comme un enfant, et chaque enfant est accueilli tel qu’il est. Cette acceptation crée un espace sécurisant dans lequel la créativité de Dominique peut s’exprimer librement. En trouvant la beauté dans l’imperfection, Dominique offre au monde l’intégralité de son processus créatif et spirituel – avec toutes ses aspérités, ses rires discrets et ses respirations profondes.

Titres interprétés au grand studio : 

- Going Home Live RFI

- Sun Skin, extrait de l'album

- Life Remains Live RFI

Line Up : Dominique Fils-Aimé (chant), Hichem Khalfa (trompette), Etienne Miousse (guitare électrique)

Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor

► Album My World Is The Sun (Ensoul Records) 

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Puis nous recevons Mehdi Haddjeri de Temenik Electric pour la sortie de Habibi My Love

En quatre albums, une poignée de formats courts et une foultitude de concerts, Temenik Electric a imposé un son griffé par le rock et la pop des cadors anglo-saxons, le raï des mamies de l’Oranie et le chaâbi des tontons de la Casbah d’Alger.

Initié il y a 15 ans par le chanteur et guitariste Mehdi Haddjeri et le bassiste Jerôme Bernaudon lors d’une résidence à Beni Abbès, Temenik Electric réunit aujourd’hui à leurs côtés : Florent Sallen à la batterie et aux percussions, Fred Alvernhe aux machines et claviers, Yohan Martin aux guitares et mandole.

Expert dans l’art de la confrontation, ce quintet marseillais vient de publier au début de l’année Habibi My Love, un opus évidemment placé sous le signe de l’amour.

Titres interprétés au grand studio

- Maï Habounach Live RFI

- Habibi, extrait de l'album

- Yedelleli Live RFI

Line Up : Mehdi Haddjeri (guitare-voix)

Son : Mathias Taylor, Anouk Bodenan 

► Album Habibi My Love (Le Nomad)

Instagram - YouTube

Yael Naim et Gildaa sont invitées ensemble dans la #SessionLive avec duo en fin d'émission

Yael Naim, auteure-compositrice-interprète et réalisatrice franco-israélienne, est devenue une artiste incontournable sur la scène musicale française et internationale. Yael Naim a toujours fait de sa vie son art, et inversement : innover, explorer et échanger. Créer sa propre réalité en prenant des risques. Seule aux commandes, elle sort son 5ᵉ album Solaire. Un disque de renaissance, où Yael explore l’équilibre entre yin et yang, euphorie et mélancolie, intime et lumière. Son œuvre la plus personnelle à ce jour : libre, émancipée, multicolore.

Qui est Gildaa ? Elle est née à la fin du 18ᵉ siècle, mais elle ne fait pas son âge. Elle est comme ce cocktail dont même le barman a oublié la recette : un mélange de France, d’Angleterre, de Bénin, d’Angola, avec un soupçon d’Amérindien et une pincée de mystère. Sa mémoire est comme un téléphone capricieux : ça capte pas toujours. Elle parle avec les morts, mais ne les distingue pas des vivants. Elle a tant d’amour à nous donner, mais tant de mal à en recevoir. C’est une constellation de toutes celles qui l’ont précédée. Gildaa n’est vraiment chez elle que sur scène, territoire où, enfin, tout le monde se rassemble : vivants et morts, ici et ailleurs, amantes et amants, or et boue, désir et joie. Gildaa est son 1ᵉʳ album.

Titres interprétés au grand studio :

- Yael Naim La fille pas cool  Live RFI

- Gildaa Utopiste Live RFI

- Yael Naim Wow, extrait de l'album

- Gildaa Vela Velha, extrait de l'album

- Yael Dream  Live RFI

- Gildaa Pensées Diluviennes Live RFI

- Yael Naim et Gildaa Rabbit Hole Live RFI

Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor (Mouselephant)

► Album Yael Naim Solaire (Mouselephant) Site - Instagram - TikTok - YouTube

► Album Gildaa Gildaa (Pias) Bandcamp - Instagram - YouTube

Concert-création en solidarité avec le peuple iranien dans sa lutte pour la démocratie. « POUR L'IRAN » est une petite graine semée ici en France, en hommage aux victimes iranien·es du régime iranien et des bombes qui tombent sur l'Iran en ce moment. « Ils ont voulu nous enterrer, ils ne savaient pas que nous étions des graines. »

C'est une création collective, un geste de solidarité musical, politique et poétique, avec :

Cinna Peyghamy, Camélia Jordana, Erik Truffaz, Mina Kavani, Justina, Aïla Navidi, Lynn Adib, Sogol Mirzaie, Zeid Hamdan, Cyril Atef, Golnar Shahyar, Atena Eshtiaghi, Naïssam Jalal, Salwa Jaradat, Aïda Delpuech, Keyvan Chemirani, Tara Merhad, Sulafa Elyas, Louis Arnaud, Anna Mouglalis.

Backing Band : les musiciens d'Arat Kilo.

DJ SET : Nesa Azadikhah.

Nos invitées : Sepideh Farsi, Justina, Lynn Adib, Golnar Shahyar, Keyvan Chemirani, Sogol Mirzaie...

Note d'intention 

Le 28 décembre 2025, les rideaux du bazar de Téhéran baissaient. Ainsi, débutait un nouveau cycle de protestations, plus massives, plus étendues que jamais aux quatre coins de l'Iran. Contre la vie chère, d'abord, puis débordant rapidement de ce cadre, avec des slogans réclamant la fin de la dictature, nous rappelant encore une fois, la soif de liberté des Iranien·nes, avec plus encore de jeunes et de femmes dans les rues d'Iran. Rejoignant sous bien des aspects et dans sa directe continuité le soulèvement « Femme, Vie, Liberté ».

Des protestations qui, par leur ampleur, dépassèrent tout ce que l'on avait connu dans les vagues précédentes. Une répression inégalée du régime iranien s'est alors abattue sur les protestataires pacifiques, tirant à balles réelles sur les manifestant·es, visant leurs visages, leurs yeux... Ils et elles sont tombé·es par centaines, par milliers, par dizaines de milliers peut-être, lorsqu'on ce décompte macabre sera fini nous saurons enfin combien d'êtres chers nous avons perdus...

Comme le dit cette phrase polysémique : « Ils ont voulu nous enterrer, ils ne savaient pas que nous étions des graines. » Nos êtres perdus, nous les compterons un·e par un·e, dooneh dooneh...

À la longue liste des victimes du carnage de janvier 2026, viennent s'ajouter celles causées par les bombes israélo-américaines qui pleuvent sur l'Iran en ce moment.

Le temps de cette soirée, nous porterons leur mémoire et la voix des Iranien·nes en lutte. Une façon de prolonger à distance, leur geste, leur poing levé, leur cri lancé vers le ciel, en attendant la liberté.

Les bénéfices du concert seront reversés à l'Association Panâh et utilisés pour aider les réfugiés Iranien·nes ayant fui l'Iran pendant cette dernière vague de répression.

Organisation de la soirée : Jérémie Fontaine, Sepideh Farsi, Chowra Makaremi, Hind Meddeb.

En collaboration avec : Clémence Kazémi, Marco Giusto, Olivier Garouste, Sarah Rashidian.

Son RFI Labo : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Site Mix Ta race - Instagram Sepideh Farsi - Instagram Hind Meddeb 

Instagram Panah - Instagram Justina - Instagram Golnar Shahyar 

Instagram Lynn Adib - Instagram Sogol Mirzaie 

Instagram Chokra Makaremi.

Les premiers invités de la #SessionLive sont Arshid Azarine, Nuria Rovira Salat et Hervé de Ratuld pour présenter la 4ème édition du Printemps du Jazz Persan le 1er avril à la Seine Musicale.

Né à Téhéran, Arshid Azarine débarque en France en 1980, peu après la révolution islamique iranienne. En octobre 2022, il co-fonde le collectif d'artistes Barâyé en soutien au mouvement Femme, Vie, Liberté et organise des concerts. Il revient avec l'album Vorticity sur lequel il retrouve ses fidèles compagnons Habib Meftah (Trio Joubran, Titi Robin) aux percussions et au chant et Hervé de Ratuld (Toumast, Cerrone) à la basse. Spécialiste en imagerie cardiaque et vasculaire à l’hôpital Saint-Joseph (Paris), il s'inspire des circulations sanguines qui nous donnent la vie, des turbulences dans nos vaisseaux ou encore des mouvements de nos cellules pour faire naître ses propres pulsations musicales. L'inspiration de certains titres vient aussi des événements récents en Iran.

Arshid Azarine est venu en trio présenter son nouvel album et la 4ème édition du Printemps du Jazz Persan dont il assure la direction musicale et l'organisation.

Titres interprétés au grand studio :

- De tes yeux nocturnes Live RFI (enregistré en 2è)

- Amour impossible Live RFI  (enregistré en 1er)

- Abann (Feat. Sophie la girafe) Live RFI. 

Line Up : Nuria Rovira Salat (chant), Arshid Azarine (piano) et Hervé de Ratuld (contrebasse)

Son : Benoît Letirant, Camille Roch, Mathias Taylor.

►Album Arshid Azarine Trio and Guests Live (sortie 24 avril 2026). 

Printemps du Jazz Persan 1er avril La Seine Musicale - Instagram Arshid Azarine.

Puis nous recevons l'artiste suédoise Fredrika Stahl pour la sortie de La Maison.

La musicienne et chanteuse suédoise dévoile La Maison, un EP entièrement en français, accompagné d’un court-métrage onirique, inspiré d’un rêve récurrent. Elle y convie Dominique A, Malik Djoudi, François & The Atlas Mountains, Bertrand Belin, Laura Cahen, Lescop… et même Boris Vian, dont elle met les mots en musique, en prenant soin de rester fidèle à son univers musical si particulier.

« Je fais ce rêve depuis longtemps… Parce que je suis très solitaire dans mon travail, toujours dans ma bulle, souvent dans les moments d’isolement, ce rêve refait surface, un peu comme un fantasme. Il y a cette maison, d’apparence un peu étrange, située à Paris et en même temps perdue au milieu de nulle part… Je suis irrésistiblement attirée par elle. En y entrant, je découvre que dans chaque pièce m’attend un monde et son conteur. Guidée par une musique hypnotique je vais de pièce en pièce, me laissant emporter et de chaque histoire, naît une chanson… Je me réveille soudain, sans avoir pu les retenir… N’espérant plus qu’une chose : y retourner, et peut-être un jour les emporter avec moi. » Fredrika. 

Titres interprétés au grand studio :

- Dans la forêt Live RFI

- C'est Nous, extrait de l'album

- Terre-Lune Live RFI.

Line Up : Fredrika Stahl (piano, chant)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

►Album La Maison (Temper 2025).

La Maison YouTube - Instagram - Facebook.

Nos premiers invités sont Vincent Segal et Roberto Fonseca pour la sortie de Nuit parisienne à La Havane.

Le pianiste cubain Roberto Fonseca et le violoncelliste français Vincent Segal dévoilent Nuit Parisienne, leur premier single en duo, annonçant la sortie de leur album Nuit Parisienne à La Havane, prévu le 30 janvier 2026 chez Artwork Records & Montuno. Né d’une session improvisée de cinq jours à La Havane, cet album capture l’instant où deux univers musicaux se reconnaissent. Le piano de Fonseca, nourri de jazz, de musique classique et d’héritages afro-cubains, rencontre le violoncelle élégant et sensoriel de Segal. Ensemble, ils font naître une conversation d’une rare finesse, où chaque silence importe autant que chaque note.

Titres interprétés au grand studio

- Nuit Parisienne Live RFI

- Paciencia Es Lo Que Hay Que Tener, extrait Cd

- Soul Kiss Live RFI.

RFI VIDÉOS #SessionLive sur YouTube 

Line-up : Roberto Fonseca (piano) Vincent Segal (violoncelle) + Toni Lacotte (traducteur)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Nuit parisienne à La Havane (Artwork/Montuno 2026)

Roberto Fonseca : Site - Instagram - YouTube. 

Vincent Segal : YouTube - Instagram.

Concert 8 février au Châtelet 2026, Paris.

Puis nous recevons Fabienne Magnant pour la sortie de son 5ème album Cordes Sensibles

« Ce cinquième opus est un témoignage de plusieurs années de pérégrinations et inspirations artistiques. Je joue une nouvelle fois sur mes trois guitares (guitare classique/brésilienne, flamenca et viola caipira) comme dans mon album précédent La Trinidad (2011), mais cette fois en solo ou avec d’autres musiciens du duo au quatuor. Les pièces proposées sont des chefs-d’oeuvre du répertoire classique, flamenco en soliste, des arrangements de joyaux de la musique populaire brésilienne sur ma viola caïpira et des compositions personnelles avec mes guitares entourées à la fois de percussions, de la basse et la contrebasse, du rabeca, de la clarinette basse ou d’une voix poétique. Ce melting-pot, reflet de mes passions musicales multiples, laisse largement la place au partage avec d’autres artistes musiciens ou poètes mais n’en n’oublie pas pour autant l’intimité que peut offrir le solo instrumental qui m’est cher. Espérons que cet album Cordes Sensibles permettra de rassembler des auditeurs de sensibilités différentes autour d’une même voix : celle de la musique ! » Fabienne Magnant.

Titres interprétés au grand studio

- Nordestine Live RFI

- Asa Branca, extrait album

- Canto de Ossanha Live RFI.

Line Up : Fabienne Magnant (viola caïpira) et Abel Luiz (viola caïpira)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

►  Album Cordes Sensibles (Guit'Art Productions / Music Box Publishing / InOuïe Distribution 2025)

Site - Instagram - YouTube.

Nos premiers sont les Nantais de Malted Milk pour la sortie de Time Out

Malted Milk fêt ses 30 ans et poursuit son odyssée avec un nouvel album intitulé Time Out, temps mort, avec le guitariste et chanteur Arnaud Fradin, fondateur et leader de ce groupe nantais. Créé en 1996, Malted Milk est devenu l'une des références incontournables de la scène soul/blues internationale. 

Time Out : de l’afro-beat obsédant du titre éponyme, au boogaloo décadent de I Feel Numb en passant par la ballade What a night ou encore le funky It’s Alright, le groupe affirme sa grande maîtrise des arrangements, sa capacité créative et sa faculté à revisiter le genre musical soul/funk. À l’instar du précédent album 1975, on y retrouve Marco Cinelli à l’écriture et à la production, qui apporte au groupe une plus-value sonore et esthétique indéniable.

La traduction en live de cet album porte la marque de fabrique de Malted Milk à savoir précision, énergie, talent instrumentiste et cohésion de groupe.

Malted Milk démontre encore une fois, sa force de proposition musicale et affirme la place particulière que le groupe occupe sur la scène soul actuelle.

Collaborations sur l’album avec BEN (L’Oncle Soul), Le BIM (Bénin International Musical) et Marco Cinelli.

Titres interprétés au grand studio :

- What A Night Live RFI

- I Feel Numb, extrait album

- Time Out Live RFI.

Line up : Arnaud Fradin (chant lead et guitare), Igor Pichon (chant chœur et basse) et Damien Cornelis (chant chœur et claviers).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. 

Album Time Out (Daydream 2026).

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Puis nous recevons The Buttshakers pour la sortie de Lessons in Love.

The Buttshakers et sa figure de proue, la bouillante et soulful Ciara se retrouvent pour la première fois épaulée de choeurs. C'est l’occasion pour elle de quelques call & response, porte ouverte sur le gospel de son enfance à Saint-Louis (Missouri). Parfaite dans l’intimité d’un jeu de cordes comme dans la vélocité d’un funk nerveux pilonné aux cuivres. 

Le nouvel album Lessons in Love est né dans un climat social des plus troubles, la musique nous amène souvent à nous poser une des questions les plus difficiles : Nos intentions sont-elles alignées avec nos actions ? Comment pouvons-nous apporter un changement réel et durable derrière un écran ? À l'ère de la résistance numérique, le titre Good Intentions, par exemple, pose la question : « Est-ce suffisant ? » 

The Buttshakers s'inscrivent dans la tradition soul de la protest song avec son groove contagieux et sa voix inspirante. Sur les traces d'OV Wright ou d'Ann Pebbles, Good Intentions capture l'esprit autant que l'esthétique musicale de la musique soul des années 70. Un son qui atteint les méandres de l'âme, apportant la lumière dans les endroits sombres et l'espoir pour tous.

Titres interprétés au grand studio :

- Good Intentions Live RFI

- Lessons in love, extrait album

- Anymore Live RFI.

Line Up : Ciara Thompson (voix), Cédric Gerfaud (batterie), Riad Klai (guitare), Théo Fardele (basse), Adrien Amey (saxophone) et Franck Boyron (trombone).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. 

Album Lessons In Love (Underdogs 2025).

Site - Instagram - Label - bandcamp.

Réalisation : Hadrien Touraud.

Nos premiers invités Ali Boulo Santo Cissoko (Sénégal) & Volker Goetze (Allemagne) présentent l'album Sargal.

Une musique qui coule comme une eau claire, suggère le calme et une vertigineuse sensation d’apaisement. Le chanteur et musicien sénégalais Ali Boulo Santo Cissoko et le trompettiste et joueur de bugle allemand Volker Goetze forment un duo d’une renversante éloquence poétique. Le premier, héritier d’une célèbre lignée de djèli (griots mandingues) joueur de kora, et le second, musicien, producteur et réalisateur, ont en commun le même élan pour des tissages musicaux naviguant entre plusieurs univers : jazz, musique mandingue, flamenco… sans jamais s’égarer dans une fusion hasardeuse et plate. Ils ont de plus invité ici un ami de bonne compagnie en la personne du célèbre percussionniste Mino Cinelu, qui intervient sur trois des douze compositions de ce bel album intitulé Sargal. Un mot wolof exprimant une idée de remerciement et de gratitude que l’on pourrait tout à fait leur adresser en retour, tant leur musique fait du bien. (Patrick Labesse).

Titres interprétés au grand studio

- Sargal Live RFI

- Bétiyata feat. Mino Cinelu, extrait de l'album

- Rokhaya Live RFI.

Line Up : Volker Goetze (trompette), Ali Boulo Santo Cissoko (kora et chant).

Son : Mathias Taylor et Jérémie Besset.

► Album Sargal (Motéma/PIAS/Integral 2025).

Site Volker Goetze - YouTube Ali Boulo Santo Cissoko - Facebook du duo.

Actu concert 29/10/25 Paris Église Bon Secours.

Puis nous recevons le groupe congolais Kin'Gongolo Kiniata pour l'album Kiniata.

Formé dans l’effervescence des rues de Kinshasa, Kin’Gongolo Kiniata redéfinit les contours de la musique congolaise, tout en honorant ses racines culturelles profondes. L’album Kiniata est une célébration de cette énergie brute, un hommage à la vie urbaine et aux traditions congolaises, marquées par l’usage du Lingala dans des textes qui racontent les luttes, les espoirs et les triomphes de la vie quotidienne. Leurs rythmes effrénés et leurs mélodies envoûtantes rappellent l’esprit de l’article 15 («Débrouillez-vous») dans son essence transformatrice et rebelle. Mais ici, c’est l’âme de Kinshasa qui résonne à travers chaque note, chaque percussion recyclée, chaque riff électrique.

Titres interprétés au grand studio :

- Toye Mabe Live RFI

- Kin'gongolo, extrait de l'album

- Elengi Ya Ko Vivre Live RFI.

Line Up : Leebruno (chant, percussions metal), Mille Baguettes (chant, batterie), Ducap (chant percus plastique), Djino (basse) et Bébé Mingé (chœurs, harpe, guitare). En entrevue : Djino & Leebruno.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Kiniata (Hélico 2025).

Kin'Gongolo Kiniata - Instagram.

Après le succès retentissant de son projet Le Cri du Caire, dont l'album éponyme a été récompensé par une Victoire du Jazz dans la catégorie «Album de musique du monde», Abdullah Miniawy revient avec Peacock Dreams, le premier opus de sa nouvelle formation en trio sorti sur le label PPL Songs Aghani Al-Khalq. Accompagné des trombonistes Robinson Khoury (Prix Django Reinhardt 2024 de l'Académie du Jazz) et Jules Boittin, Abdullah Miniawy présente une combinaison non conventionnelle de trois instruments ténors. 

La profondeur lyrique de la voix du poète, chanteur et compositeur égyptien fusionne avec les capacités expressives audacieuses des deux trombones, lui permettant d'explorer des gammes sonores sans précédent qui relient les traditions musicales occidentales et orientales. Le Trio interprète les dernières compositions musicales d'Abdullah Miniawy, ainsi que des adaptations d'anciens travaux issus de la révolution égyptienne et de son ancienne formation Le Cri du Caire, tout en mettant l'accent sur les collaborations en invitant le trompettiste Erik Truffaz, l'extraordinaire chanteur de flamenco Niño de Elche, et le producteur Hvad sur certains morceaux.

«Peacock Dreams» entraîne le public dans une expérience musicale unique qui combine librement des influences baroques et opératiques, des thèmes soufis et coptes et des motifs musicaux de la péninsule arabique, imprégnés de la cacophonie jazzy des embouteillages égyptiens, révélant une fois de plus le pouvoir transcendantal et communicatif de la musique d'Abdullah Miniawy.

Titres interprétés au grand studio

- Danza Del Ventre Live RFI

- Poem of the Poems, extrait de l'album

- Peacock Dreams Live RFI.

Line Up : Abdullah Miniawy (chant), Robinson Khoury (trombone), Jules Boittin (trombone)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

► Album Peacock Dreams (PPL Songs Aghani Al-Khalq 2025).

Site - Bandcamp - Instagram.

Puis nous recevons la chanteuse et comédienne brésilienne Simone Mazzer et ses acolytes français Cotonete 

En 2005, quand ils forment Cotonete, les musiciens parisiens rêvent en secret d’aller jouer du funk brésilien 70’s au Brésil… Devenus des spécialistes du style, le rêve devient réalité, 12 ans plus tard, grâce à la chanteuse et actrice brésilienne Simone Mazzer (chanteuse de l’année en 2015 dans la catégorie révélation) qui décide d’engager le groupe parisien pour enregistrer son 2ème disque.

L’engagement se transforme très vite en collaboration, Cotonete prenant part aux choix du répertoire, aux arrangements et à la réalisation du disque. Celui-ci est préparé et enregistré à Paris au Studio Prado en juillet 2016. Il sera mixé et sortira au Brésil en 2017. Et c’est ainsi que Simone invite enfin Cotonete à venir fouler le sol brésilien. 4 concerts dont 2 merveilleux au SESC Copacabana à Rio sont organisés pour la sortie du disque.

C’est au cours de cette tournée que le groupe rencontrera le chanteur Di Melo avec qui ils vont enregistrer à Sao Paolo l’album Atemporal sur lequel on retrouve le titre A.E.I.O.U. Près de 10 ans après son enregistrement, l’album Simone Mazzer & Cotonete est enfin édité en vinyle sur le label Prado Records. Il est, pour l’occasion, remixé par Fabien Girard.

Titres interprétés au grand studio

- L'amour à la plage (Niagara) Live RFI

- Comment te dire adieu (Hardy) extrait de l'album

- Se Voce Pensa Live RFI.

Line Up : Simone Mazzer (voix), David Georgelet (batterie), Paul Bouclier (trompette), Frank Rabereau (sax), Christophe Touzalin (trompette, claviers), Olivier Caron (trombone), Florian Pellissier (claviers), Farid Baha (guitare) et Jean-Claude Kebaili (basse).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Simone Mazzer & Cotonete (Prado Rd 2025).

Simone Mazzer & Cotonete - Simone Mazzer & Cotonete 

Simone Mazzer Instagram - Cotonete instagram.

Notre première invitée est Oum pour la sortie de Dialddar (fait maison en darija).

Originaire de Casablanca, Oum est une bâtisseuse de chansons. Enracinée dans les rythmes complexes du Maroc et grande mélodiste, elle a façonné au fil des années une signature unique : des chansons nourries de thèmes sensuels, portées par une voix à la fois puissante et caressante. Si elle emprunte parfois aux langages du jazz, de la soul ou de la transe, Oum échappe à toute classification. Sa musique est celle d’une artiste singulière, libre et universelle.

Artiste engagée, Oum défend la liberté, les droits des femmes et des minorités, ainsi qu’une vision écologique et humaniste du monde. Ambassadrice de bonne volonté de l’ONUSIDA, elle fait de son art un espace de résistance et de partage, où la spiritualité et la poésie s’élèvent comme une force de vie.

Avec Dialddar (« fait maison »), Oum ose un geste radical : composer un album sans cordes ni vents, en s’appuyant uniquement sur la voix et les percussions. Un choix qui constitue à la fois un défi technique et un manifeste artistique. Les percussions utilisées sont, pour la plupart, fabriquées artisanalement à Marrakech. Leur accordage, sensible aux variations de température et d’humidité, rend chaque enregistrement fragile, vivant, changeant. C’est précisément cette dimension organique que Oum a souhaité préserver : une musique qui respire, qui échappe au contrôle, et qui trouve sa justesse dans l’instant.

Sur scène, Dialddar devient une expérience chorale immersive. OUM s’entoure d’une formation multinationale, majoritairement féminine, dont les voix se mêlent aux percussions dans un dialogue organique. À leurs côtés, le oud de Yacir Rami – compagnon complice de longue date – apporte sa touche raffinée et minimaliste, comme un fil d’or qui vient broder la matière sonore, à la fois brute et sophistiquée, de Dialddar. La triangulation femme- percussions-chant est au cœur de ce spectacle : un espace où l’intime devient collectif, et où l’énergie féminine s’impose comme une force créatrice universelle.

Titres interprétés dans le grand studio :

- Lach Live RFI

- Lalla, extrait de l'album

- Mnine Live RFI.

Line Up : OUM (chant), Natascha Rogers (percussions), Cynthia Abraham (choeurs et petites percussions), Lucile Chriqui (chœurs), Ayda Benslimane (chœurs) et Yacir Rami (oud).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Dialddar (Ternaire/Modulor 2026).

Concert 4 mai 2026, Pan Piper, Paris.

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Puis nous recevons Meral Polat pour l'album Meydan (la « place »).

Meral Polat est une actrice, auteure-compositrice-interprète et créatrice de théâtre renommée aux Pays-Bas. Diplômée de l’Université des Arts d’Amsterdam, en art dramatique et en théâtre musical contemporain. Son domaine de pratique artistique comprend d’éminentes productions de théâtre, de cinéma et de musique. Meral Polat sort son deuxième album Meydan, sur le label belge Werf records, un bouquet d'influences venues de plusieurs continents. Meral parle de ses influences anatoliennes. Parmi celles-ci, la musique psychédélique anatolienne dans la Turquie des années 60/70 « Cette époque, avec Led Zeppelin, Jefferson Airplane, The Beatles, The Doors, Jimi Hendrix, a beaucoup influencé les jeunes musiciens anatoliens. Quelques étudiants en musique d'Istanbul ont commencé à combiner la vieille musique folklorique anatolienne avec les guitares électriques, à réarranger les structures, à changer leur nature. Cela a engendré une nouvelle forme musicale que l'on a appelée la musique psychédélique anatolienne ». Turque, Kurde et Hollandaise, Meral Polat propose un album militant en véhiculant le message des femmes iraniennes en rappelant le slogan « JIN - JYAN - AZADI » (« femme, vie, liberté », en français), lancé par des femmes kurdes. Sur le titre « Cenek », elle exhorte les femmes et les jeunes filles à revendiquer haut et fort leur liberté : « Cenek est, en fait, un appel lancé à toutes les femmes et à toutes les filles, afin qu'elles vivent selon leurs propres choix. Une façon de dire, « votre corps vous appartient, votre vie vous appartient, votre voix vous appartient ». La philosophie contenue dans « Femme, vie, liberté », c'est qu'il ne peut y avoir de véritable liberté tant que les femmes ne seront pas libres. » Avec sa voix puissante et sa musique hypnotique, Meral Polat apporte à cet album l'ancestral mysticisme des Kurdes Alévis, une tradition dont elle se veut dépositaire. 

Titres interprétés dans le grand studio :

- Ez Kî Me (Qui suis-je?) Live RFI

- Govend, extrait album Meydan

- Uzun Ince Bir Yoldayim (Âsik Veysel) Live RFI.

Line Up : Meral Polat (chant, guitare) + traduction Léa Boutin-Rivière.

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Meydan (Werf records) 2025.

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Nos premiers invités sont le groupe Saodaj à l'occasion de la sortie du nouvel album Lodèr La Vi.

Saodaj, c'est l'image d'un pays pluriel, vaste, infini : La Réunion !

Une musique amoureuse du Maloya, émancipée et vagabonde. En créole, en français, leurs textes s’élèvent et s’indignent, cherchant la beauté dans la noirceur du monde. Saodaj trace sa route depuis une décennie entre tradition et modernité, là où le rock alternatif des cordes saturées fait corps avec les polyrythmies percussives. À travers l’album Lodèr la vi (Parfum de la vie) le groupe ose de nouveaux paysages sonores. Une ode aux naissances qui nous métamorphosent, aux voyages hors des sentiers battus, à nos vivants et nos morts, l’amour toujours en ligne de mire. Saodaj incarne une musique actuelle et engagée, qui fusionne avec élégance les éléments de la modernité et les racines profondes des traditions. À travers leur art, Marie Lanfroy, Jonathan Itéma et leur groupe offrent une interprétation unique du monde. Saodaj continue de charmer et de sensibiliser avec une musique qui touche à l’âme, rappelant à chacun l’importance de nos racines tout en embrassant le changement et l’évolution.

Titres interprétés au grand studio :

- Adyé Véli Live RFI

- Lodèr La Vi, extrait de l'album

- Zanfan Live RFI.

Line Up : Marie Lanfroy (chanteuse, auteure, compositrice, bobr', kayamb, tarlon) ; Jonathan Itéma (chanteur, auteur et compositeur, rouler, Sati pikèr, bobr', morlon, triangle) ; Mélanie Badal (violoncelle, chant) ; Frédérick Cipriano (sati, pikèr, triangle, kayamb) ; Blaise Cadenet (guitare, percussions) et Zélito Déliron (percussions).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

► Album Lodèr la vi (Buda Musique / Socadisc 2025).

Instagram et YouTube de Saodaj.

Puis nous recevons le groupe Bonbon Vodou pour la sortie de Epopée Métèque.

Le bonbon piment cache bien son jeu. Sous l’apparence inoffensive du beignet, l’amuse-bouche réunionnais cache des épices susceptibles de remettre les idées en place. Chez Bonbon Vodou, c’est pareil. Quoique les influences du duo chaloupent entre océan Indien et mer Méditerranée, le piquant perce sous la tendresse des chansons graciles souvent bercées au rythme du maloya.

Le duo formé par Oriane Lacaille (chant, batterie, kayamb, roulèr, percussions, flûtes pygmées) et JereM Boucris (chant, guitare, cigar box, ukulélé) se compte désormais sur les cinq doigts de la main. Ces dernières années, leurs concerts ont régulièrement été donnés en quintette grâce au renfort d’un trio relevé, les Piment Piment que l’on retrouve partout sur Épopée métèque. Mixé par le sorcier Jean Lamoot, Épopée métèque foisonne de trouvailles orchestrales et de textes polyglottes, avec moult musiciens additionnels et invités, dont Bernard Lavilliers.

Titres enregistrés au grand studio :

- Fais bouger ton boule Live RFI

- Les mains d'or (Feat Lavilliers), extrait album

- L’absence Live RFI.

Line Up : Oriane Lacaille (chant, cajon, kayamb), Jerem Boucris (chant, guitare), Juliette Minvielle (tambour à cordes, chant), Yann-Lou Bertrand (basse, flûte, chant) et Roland Seilhes (clarinette, flûte).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant.

Images : RFI Vidéos.

► Album Epopée Métèque (Heavenly Sweetness 2025).

Concert 11 février 2026 au 360 Paris / festival Au fil des Voix.

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Les 1ers invités de la #SessionLive sont les musiciens de Tinariwen pour la sortie de Hoggar

Les pionniers de la musique touarègue et lauréats d’un Grammy Award, Tinariwen, annoncent aujourd’hui la sortie de leur dixième album studio, Hoggar sur leur propre label Wedge. Plus de 45 ans après leurs débuts, le groupe revient, avec cet album, aux fondations mêmes de son identité sonore.

Fervents défenseurs de la culture nomade de leur peuple, vivant dans les régions désertiques frontalières entre le Mali et l’Algérie, Tinariwen ont acquis une reconnaissance mondiale au cours des deux dernières décennies grâce à leur musique blues portée par la guitare, mêlant politisation en langue tamasheq, rythmes syncopés et mélodies planantes. Avec Hoggar, ils s’affirment désormais comme des aînés de la tradition musicale touarègue, renouant avec leurs premières années d’écriture autour de guitares acoustiques et de chants collectifs au coin du feu dans le désert, tout en transmettant le flambeau à une nouvelle génération de musiciens invités, chargés de faire perdurer l’esprit de rébellion et de défi.

Le premier single Sagherat Assan est une chanson traditionnelle soudanaise portée par la voix mélismatique et profondément soul de l’artiste soudanaise Sulafa Elyas.

Pour accompagner la sortie de Hoggar, Tinariwen ont confirmé une tournée mondiale qui a débuté, début février 2026, en Inde. Concernant l’absence de dates en Amérique du Nord, le groupe précise : « Nous étions impatients de présenter notre musique en Amérique du Nord, mais en raison des restrictions actuelles de voyage, nous ne pourrons pas nous y produire dans le cadre de cette tournée. Nous savons que c’est décevant, et notre équipe a exploré toutes les options possibles, mais cela dépassait notre contrôle. Nous espérons revenir aux États-Unis dès que possible pour partager notre musique avec notre public. »

Connus pour enregistrer au cœur des vastes étendues balayées par les vents du désert saharien central, Tinariwen ont toujours puisé leur inspiration dans les rythmes de la nature. Face à l’instabilité politique au Mali, les membres fondateurs, désormais basés en Algérie, ont enregistré Hoggar dans un studio installé par le groupe touareg de la nouvelle génération Imarhan, dans la ville méridionale de Tamanrasset, poursuivant ainsi leur héritage d’innovation et de collaboration.

Alors que des albums précédents, comme Amatssou (2023), voyaient Tinariwen collaborer avec Daniel Lanois, producteur de Bob Dylan et Willie Nelson, Hoggar marque un retour à une approche plus locale. Réunis quotidiennement pendant un mois avec la communauté musicale touarègue locale, les membres fondateurs Ibrahim Ag Alhabib, Abdallah Ag Alhousseyni et Touhami Ag Alhassane ont composé des chansons inspirées par les troubles politiques, aux côtés de jeunes artistes tels que Iyad Moussa Ben Abderrahmane, Hicham Bouhasse et Haiballah Akhamouk (Imarhan). Le groupe a également collaboré avec Sanou Ag Hamed (Terakaft) et retrouvé Liya ag Ablil, alias Diarra, cofondateur de Tinariwen, pour la première fois depuis 25 ans. De cette rencontre, est née une profonde impression de retrouvailles, mais aussi une évolution du son Tinariwen.

Hoggar propose 11 titres chargés d’émotion, aux mélodies complexes et à la chaleur chorale de voix collectives en harmonies puissantes. L’album marque également plusieurs premières notables : Ibrahim et Abdallah chantent ensemble, pour la première fois, depuis plus de 30 ans, rompant avec la tradition selon laquelle chaque compositeur interprète uniquement ses propres morceaux, et le chanteur José González, admirateur de longue date, fait une apparition spéciale. Sur le plan des textes, Hoggar aborde des thématiques urgentes et contemporaines, évoquant les défis sociaux et politiques auxquels font face les Touaregs et le nord du Mali. Fidèles à leur engagement, Tinariwen continue de témoigner à travers leur musique, conciliant l’énergie joyeuse de leurs concerts avec une réflexion profonde sur la résilience, les luttes communautaires et la préservation culturelle.

Avec Hoggar, Tinariwen s’affirme finalement comme des symboles culturels, à l’image du massif montagneux touareg, dont l’album porte le nom et qui surgit du désert saharien central. Repère défiant visible à des kilomètres, les montagnes du Hoggar incarnent une terre natale pour les peuples déplacés, tandis que la musique de Tinariwen continue d’ouvrir un espace pour les générations futures.

Titres interprétés au grand studio :

- Sagherat Assani Live RFI

- Cd Amidinim Ehaf Solan, extrait de l’album

- N’ak Tenere Iyat Live RFI.

Line Up : Abdallah ag Alhousseyni (guitare, voix), Sadam (guitare voix), Elaga ag Hamid (guitare), Said ag Ayad (percussions).

RFI Musique YouTube Tinariwen. 

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. 

► Album Hoggar (Wedge 2026). 

Site - Instagram - Bandcamp - YouTube - Concert Cirque d'hiver.

Puis nous recevons Awa Ly pour la sortie d'Essence & Elements.

Flirtant avec une soul-folk hybride, l’auteure-compositrice-interprète Awa Ly est à l’image de sa discographie : en voyage. Celle qui pratique la musique de l’âme, transforme les émotions en sons avec une dimension spirituelle et universelle. Après les remarqués Five And a Feather (2016) et Safe and Sound (2020), elle a sorti son troisième album en 2025 : Essence And Elements. C’est sur l’île d’Alicudi, dans l'archipel des Eoliennes, où Awa Ly se rend régulièrement pour se ressourcer, que naît Essence And Elements. Là-bas, inspirée par le silence, elle enlace la nature qui l’embrasse à son tour : le vent, les vagues, le crépitement des flammes ou encore le craquement des arbres lui souffle des mélodies et des textes. S’affranchissant du tumulte du monde, elle s'imprègne des éléments qui l’entourent (Terre, Eau, Air, Feu) pour composer et écrire son nouvel album.

Au fil des rencontres, de Paris au Cap, elle s’entoure de quatre producteur.ices pour réaliser ses compositions. Chacun arrangeant trois titres autour d’un élément : Nicolas Repac (No Format, Arthur H, Blick Bassy, Mamani Keïta…) pour la Terre, avec ses percussions et guitares organiques. Lossapardo (Prix Joséphine 2024, Roche Musique, Dinos…) et sa néo soul/folk pour l’Eau. Hannah V (Grammy awards 2021, Rihanna, Jessie J, JP Cooper, Stormzy, Yola…) pour l’Air, avec sa pop éthérée. Léonie Pernet (Infine Music, Malik Djoudi, Acid Arab…) pour le Feu, avec ses percussions et claviers électroniques. Pour cette #SessionLive, Awa Ly est accompagnée par la violoncelliste Lucie Cravero.

Titres interprétés au grand studio :

- Breathe in, Breathe out Live RFI

- My Essence, extrait de l'album

- L'une Live RFI.

Line Up : Awa Ly (chant), Lucie Cravero (violoncelle)

Son : Anouk Bodenan, Mathias Taylor.

► Album Essence and Elements (Rising Bird Music/Naïve 2025).

Site - Instagram - YouTube - Concert 20 mars Seine Musicale.

Nos premiers invités sont Djeuhdjoah & Lieutenant Nicholson pour la sortie de Danses Divines

Une histoire de rebond ! Les deux compères auraient pu se rencontrer sur un terrain de basket sous le métro aérien sud parisien, qu’ils fréquentaient assidûment, mais séparément au cœur des années 90. Lors de la première tournée d’Ours sur laquelle officiait le Lieutenant en tant que claviers et choriste, et où DjeuhDjoah les rejoignait en invité surprise au chant, fut composé « Où c’est, qui sait ? », chanson mélancolique et aérienne, complainte de DjeuhDjoah vers sa terre de sang, le Cameroun... Lieutenant Nicholson rebondissant, arrangeait le morceau dans un écrin cristallin. Dès lors, les acolytes n’eurent de cesse de réitérer leur collaboration, variant les plaisirs... l’un ou l’autre voire l’un et l’autre au chant lead, à la composition ou à l’écriture et souvent le Lieutenant aux manettes de la prise de son et des arrangements... De l’orfèvrerie sonore.

Titres interprétés au grand studio :

- Danses Divines Live RFI

- Joséphine, extrait album

- La Gokitoko Live RFI.

Line Up : Djeuhdjoah (chant), Lieutenant Nicholson (guitare, chant), Grégoire Mahé (basse), Jeff Ludovicus (batterie).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

Album Danses Divines (180G 2025).

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Puis nous recevons l'artiste brésilien Lucas Santtana pour la sortie de l'album Brasiliano.

À l’occasion de ses 25 ans de carrière, Lucas Santtana, digne héritier du tropicalisme, célèbre les racines linguistiques et culturelles du Brésil avec son nouvel album Brasiliano, un premier extrait paru en 2025 A história da nossa língua. La chanson retrace l’histoire de la langue brésilienne, depuis ses racines en latin vulgaire dans la région du Latium (Italie) jusqu’à son arrivée au Brésil avec les caravelles portugaises. 

Elle personnifie la langue comme une figure féminine qui, au fil de son voyage jusqu'au Brésil, rencontre d’autres personnes ayant contribué à la formation du portugais – et, par extension, du brésilien. On y retrouve ainsi l’occitan, le celtique, le galicien, le mozarabe ou encore le portugais médiéval. Le refrain fait résonner des noms populaires profondément ancrés dans la culture brésilienne et issus des langues indigènes : Itapuã, Ipanema, Maracanã, Capoeira, entre autres. Avec la voix de Gilberto Gil, icône de la musique brésilienne et membre de l’Académie brésilienne des lettres (équivalent de l’Académie française), ce titre est à la fois une fresque linguistique et un hymne à la vitalité culturelle du Brésil. Lucas Santtana poursuit son exploration de la langue avec des cousines romanes, le duo occitan Cocanha sur le titre Liga, ou les rockstars brésiliennes Os Paralamas do Sucesso sur le reggae Que Seja U Reggae pour célébrer les bienfaits des romances longue durée.

L'entretien s'est déroulé dans les bureaux de No Format dans le nord de Paris, où Lucas Santtana a donné un concert intime pour les bénéficiaires du Pass NFormat.

Titres joués :

- A história da nossa língua, Liga et live intime chez No Format Dans le sud.

- Album Brasiliano (No Format 2026).

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Notre 1ère invitée est Michelle Blades pour Where To ?

Artiste aux multiples facettes, Michelle Blades revient avec 'You're The Mother, You're The Man', morceau d’ouverture et premier extrait de son nouvel album Where To? à paraitre l'année prochaine. À la fois intime et universelle, cette chanson compte parmi les plus anciennes du disque. Elle a été écrite en 2018 à Mexico, bien avant que le reste de l’album ne prenne forme en 2023. Née d’un souvenir d’enfance et d’une réflexion sur le rôle de parent solitaire, 'You're The Mother, You're The Man' s’est d’abord imposée comme un mantra poétique adressé à la mère de l’artiste, elle aussi née au Mexique. Musicalement, l’écriture s’est nourrie de deux influences majeures : l’expérimentation des silences comme éléments rythmiques mais aussi l’inspiration de Book of Days de Meredith Monk, dont l’approche vocale et spatiale a profondément marqué Michelle Blades depuis son arrivée en Arizona en 2010.

Réinterprétée au moment de l’enregistrement de Where To?, la chanson a pris corps à La Bergerie, dans le sud de la France, au cours de neuf jours d’hiver. Entourée d’Emmanuel Mario (alias Astrobal), Nina Savary, Gaétan Nonchalant et Vincent Guyot, Michelle Blades a enregistré guitare et voix. Gaétan Nonchalant y a ajouté des touches de Rhodes, brisant le caractère répétitif du mantra pour y glisser des éclats de mémoire. Des couches vocales sont ensuite venues s’entrelacer, créant un équilibre subtil entre densité et dépouillement. Le clip, réalisé par Ilan Zerrouki, accompagne ce morceau fondateur.

Née au Panama dans une famille de musiciens, Michelle Blades a grandi aux États-Unis avant de développer une esthétique unique, entre expérimentation et sensibilité pop. Après ses débuts DIY en Arizona, elle s’installe à Paris et collabore durant dix ans avec Midnight Special Records, publiant notamment les albums Ataraxia (2015), Premature Love Songs (2017) et Visitor (2019) et l’EP Nombrar las cosas (2020).

Exploratrice musicale, elle multiplie aussi les collaborations : bassiste aux côtés de Pomme en tournée, arrangeuse sur le dernier album de Flavien Berger (Plouf!), membre du groupe éphémère La Brume, ou encore chanteuse au sein de La Femme, avec qui elle a parcouru le monde.

Avec 'You're The Mother, You're The Man', Michelle Blades ouvre une nouvelle page de son univers artistique, entre héritage personnel, recherche sonore et désir de transmission.

Titres interprétés au grand studio :

- Dear Friend Live RFI 

- You’re the mother, You’re the man ? extrait CD

- I Missed the Dance Live RFI.

Line Up : Michelle Blades (guitare, voix)

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Where To ? (Escargot Musique / IDOL 2026).

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Puis nous recevons Robin Fincker et Janick Martin pour la sortie de Vison Visu.

« Les deux hommes s’assirent vison-visu. Pierrot eut vaguement l’impression d’avoir déjà rencontré ce type-là quelque part. »

Raymond Queneau, Pierrot, 1942

Face à face intime et interpellant, Vison Visu réunit l’accordéoniste breton Janick Martin, figure d’une génération de musiciens issus des musiques traditionnelles dont ils réécrivent sans cesse les contours et le saxophoniste et clarinettiste Robin Fincker évoluant depuis une vingtaine d’années sur les scènes de jazz contemporain et musiques improvisées européennes. Musiciens avides de mélodies, fascinés par la formule magique qu’elles peuvent contenir, Vison Visu aspire les airs en profondeur, qu’ils soient d’aujourd’hui ou d’un autre âge, et en déjoue les phrasés conventionnels. Jouant de fractures et de mélismes, de danses et d’improvisations, le duo aux timbres sonnants échange avec passion et intensité.

Les deux musiciens se sont rencontrés au sein du quintet Finis Terrae du violoncelliste Vincent Courtois avec lequel Robin Fincker collabore depuis de nombreuses années et ont très rapidement noué une complicité évidente. Suite à une invitation du festival de Jazz à Dissay ils ont élaboré un répertoire faisant cohabiter les compositions originales du duo avec des mélodies venues de Bretagne, d’Ecosse ou du pays Cajun. Véritable croisement des langages traditionnels et contemporains, le duo tisse ainsi un récit où le jeu et la spontanéité se nourrissent de ces mélodies simples au fort pouvoir évocateur.

Grâce au soutien du producteur de musique contemporaine Marc Thouvenot (fondateur du label Quicatl), du collectif Le Grand Pas et du studio La Buissonne, le duo s’est vu proposer l’opportunité d’enregistrer son répertoire de manière directe et sans artifices. Installés dans la grande salle du studio, les pièces ont été enregistrées sans coupures, d’un seul jet et en quelques prises seulement permettant au duo de laisser libre cours à son goût de l’imprévu et de la recherche sonore.

Mixé par Gérard de Haro et masterisé par Nicolas Baillard à la Buissonne, Vison Visu laisse entendre dans sa musique une expression non-linéaire du passage du temps, faite d’allers-retours de cycles et de jeux de mémoires où le plaisir du jeu et de la narration prévaut sur tout plan préétabli.

Titres interprétés au grand studio :

- Vison Visu Live RFI

- Écoutez la plaisante histoire, extrait de l'album

- Al Lann Melen Live RFI.

Line Up : Janick Martin (accordéon) et Robin Fincker (sax, clarinette).

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.

► Album Vison Visu (Le Grand Pas / L’Autre Distribution 2025).

Instagram.

Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen, du site Les Jours, sélectionne 5 titres. Pour février, les élus sont :  

- Nilza Costa, Oxum, tiré de l'album Cantigas (Brutture Moderne, 2026)

- Momoko Gill, No Others, tiré de l'album Momoko (Strut Records, 2026)

- Danyl, Ya Habiba, tiré de l'album Zmig (Structure, 2026)

- Bobo & Behaja, Parepare, tiré de l'album Aia Haja? (Carton Records, 2026)

- Sumé, Piffiit Nutaat, tiré de l'album Sumut (ULO, 1973).

Puis nous recevons La Cafetera Roja pour la sortie de The Path.

« Cafetera Roja, muy lindo, multicultural/Loco todo bienvenido/Vamos a los pueblos del mundo/Siempre algo nuevo con el micro en la mano » (« La cafetière rouge, si belle et multiculturelle/Une folie où chacun trouve sa place/Allons vers les villages du monde/Toujours une nouveauté, le micro à la main. ») Ainsi rappent-ils haut et fort leur ADN dans ce titre-manifeste La Kfet, qui égrène leurs valeurs en forme d’inventaire à la Prévert. Car la voici à nouveau, cette vieille cafetière écarlate si familière, trônant depuis six albums au beau milieu de la table, ce brasero pour réchauffer les coeurs, ce totem surgi d’un claquement de doigts : « À nos débuts dans les années 2000, on jouait dans les rues de Barcelone. À l’orée d’une scène plus sérieuse, nous avons choisi au débotté, la ‘Cafetera roja’, l’objet qui se trouvait pile en face de nous dans le bar où nous nous trouvions. C’était parfait. Politiquement, la couleur nous allait au poil. Et cet emblème évoque toujours la convivialité, les moments partagés, l’énergie, la chaleur humaine… », rappelle aujourd’hui l’une des fondatrices, la chanteuse et guitariste Aurélia Campione.

Titres interprétés au grand studio :

- La Vita e Bella Live RFI

- La Kfet, extrait de l'album

- Hipcosta Live RFI.

Line Up : Aurélia Campione (chant /guitare électrique), Anton Dirnberger (chant/keyboards), Vincent Aubrun (guitare électrique /chœur), Fiti « Gines » Rodriguez Guirado (chant/basse), Alexandre Peronny (violoncelle/chœur) et Tom Drevet (batterie/chœur).

Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant. 

► Album My Path (Green Piste Rd).

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