Rillby

Tim Maia

2015-04-10T05:03:00.000-07:00

Tim Maia(Sebastião Rodrigues Maia),Nasceu em 28 de setembro de 1942 em Niterói estado do Rio de Janeiro,cantor e compositor de primeira grandeza brasileiro.
Fez grande sucesso na década de 70 com grandes baladas que marcaram todos os brasileiros,dono de uma voz privilegiada por Deus,veio a falecer vitima de uma infecção generalizada.
Tim Maia foi um dos primeiros a incorporar a MPB o estilo soul de cantar,voz grave e presença de palco inconfundível tornou-se um dos grades cantores brasileiros de todos os tempos influenciando com seu estilo varias gerações e cantores como seu sobrinho Ed Motta.
Tim Maia começou na música tocando bateria no grupo Tijucanos do Ritmo, formado na Igreja dos Capuchinhos próxima a sua casa,passando logo para o violão.
Em 1957 fundou o Sputniks,do qual participou Roberto Carlos.

Em 1959 nos Estados Unidos estudou inglês e entrou em contato com a soul music,onde participou do The ideals 4 anos mais tarde viria a ser deportado de volta para o Brasil.
Sua carreira fortalece em 1969 quando grava "These are the Songs" .
Gravou seu primeiro LP em 1970 intitulado "Tim Maia" que permaneceu em primeiro lugar por 24 semanas,obteve sucesso com as faixas "Azul da cor do mar", "Coronel Antônio Bento" (Luís Wanderley e João do Vale), "Primavera" (Cassiano) e "Eu Amo Você".
Tim Maia teve uma fase chamada de RACIONAL(1975-76)onde entrou em contato com a cultura racional liderada por Manuel Jacinto Coelho que faz todos conhecerem de onde viemos e para onde vamos,lançando ai dois álbuns “Tim Maia Racional 1e2" que são considerados por muitos os melhores do Tim,época que se absteve dos vícios o que refletiu na qualidade da sua voz.
Desiludido com a doutrina, percebeu que o mestre Manuel não correspondeu ao ideal de um mestre. O cantor, revoltado, tirou de circulação os álbuns, tendo virado item de colecionadores, devido à raridade. Deste disco existem várias pérolas, uma das quais é Imunização Racional.
Já nos anos 2000 foram descobertas novas músicas pertencentes à "fase racional", no que foi intitulado de verdadeiro "racional 3", podendo-se mencionar as faixas: "You Gotta Be Rational", "Escrituração Racional", "Brasil Racional", "Universo em Desencanto Disco", "O Grão Mestre Varonil", "Do Nada ao Tudo" e "Minha Felicidade Racional", disponibilizadas apenas na Internet.
Após o término de sua fase racional, Tim voltou a seu antigo estilo de música e vida e mais sucessos se seguiram: "Sossego" (do LP "Tim Maia Disco Club", de 1978), "Descobridor dos Sete Mares" (faixa-título do LP de 1983, que também trouxe "Me Dê Motivo") e "Do Leme ao Pontal" (de "Tim Maia", 1986).
No cardápio musical de hoje: Eu Amo Você uma das mais lindas canções do mestre da música soul brasileira Tim Maia.

Base de pesquisa: Wikipédia

Rita Coolidge

2014-08-31T11:44:00.002-07:00

Rita Coolidge (Lafayette, Tennessee , 1 de Maio de 1945) é uma cantora e atriz norte-americana. Começou a sua carreira como membro de coros de artistas como Joe Cocker , Eric Clapton e Leon Russell. Foi uma cantora muito famosa na década de 1970 e na década de 1980. Foi casada com Kris Kristofferson de 1973 até 1980, quando se separaram.

"We're All Alone" foi a canção mais executada na novela O Astro, de 1977, onde era o tema de amor dos personagens Lili e Márcio, interpretados por Elizabeth Savalla e Tony Ramos. A canção e o álbum Anytime Anywhere atingiram o top 10 da Inglaterra, Canadá, Estados Unidos e Portugal.

A cantora marcou presença em outras trilhas sonoras de novelas brasileiras. "Love Me Again" foi tema de Sinal de Alerta, no ano seguinte. Ainda em 1978, "You" apareceu na novela Pecado Rasgado. Em 1980, "I'd Rather Leave While I'm In Love" fez parte da trilha da novela Chega Mais.

Em 1983, a sua canção All time high fez parte da trilha sonora do filme Octopussy, décimo terceiro filme James Bond. "All Time High" foi tema da novela Eu Prometo, de 1983.

Outra sua canção Love came for me fez parte da trilha sonora do filme Splash (1984).

Em 1997, Coolidge foi um dos membros fundadores da banda Walela, álbuns entre 1997 e 2000. Walela significa em cherokee Colibri, já que os três integrantes são descendentes da tribo Cherokee.

Em 2004 produziu uma antologia de todos os seus sucessos intitulada Delta Lady — The Rita Coolidge Anthology.

Em 2006, percorreu o Reino Unido num espectáculo intitulado Once a Lifetime Country, dedicado à música country, com Don Williams e Kenny Rogers.

Curta esta Maravilhosa voz, maravilhosa Rita Coolidge, maravilhoso tempo.

We're All Alone

Estamos totalmente sós - Rita Coolidge

Tradução

We're All Alone

Estamos totalmente sós

Rita Coolidge

Outside the rain begins and it may never end

Lá fora a chuva começa e ela pode nunca mais terminar

So cry no more

Portanto não chore mais

On the shore a dream will take us out to sea

Na praia um sonho nos levará para o mar

Forever more forever more

Para todo sempre para todo sempre

Close your eyes and dream

Feche seus olhos e sonhe

And you can be with me

E você poderá estar comigo

'Neath the waves through the caves of hours

Debaixo das ondas através das cavernas do tempo

Long forgotten now

Tudo agora será esquecido

We're all alone we're all alone

Estamos totalmente sós estamos totalmente sós

Close the window calm the light

Feche a janela diminua a luz

And it will be alright

E tudo estará bem

No need to bother now

Não precisa se preocupar agora

Let it out let it all begin

Desabafe deixe que tudo tenha inicio

Learn how to pretend

Aprenda como disfarçar

Once a story's told

Uma vez exposto o caso

It can't help but grow old

Talvez não possa te ajudar, mas sim amadurecer.

Roses do lovers too

As rosas o fazem os amantes também

So cast your seasons to the wind

Portanto deixe suas preocupações com o vento

And hold me dear oh hold me dear

E me abrace querido me abrace querido

Close the window calm the light

Feche a janela diminua a luz

And it will be alright

E tudo estará bem

No need to bother now

Não precisa se preocupar agora

Let it out let it all begin

Desabafe deixe que tudo tenha inicio

All's forgotten now

Tudo agora será esquecido

We're all alone oh we're all alone

Estamos totalmente sós estamos totalmente sós

Close the window calm the light

Feche a janela diminua a luz

And it will be alright

E tudo estará bem

No need to bother now

Não precisa se preocupar agora

Owe it to the wind my love.

Deixe as culpas por conta do vento meu amor

Everything But the Girl

2014-05-03T17:39:00.001-07:00

Everything But the Girl (também conhecido pela abreviação EBTG) é uma banda inglesa formada pelo casal Tracey Thorn- vocalista dona de um vocal impar- e pelo multiinstrumentista Ben Watt em 1982 em Hull/UK. Dois dos seus maiores sucessos são Missing e Wrong. Inicialmente eles eram considerados uma banda de jazz light, no começo dos anos 80, tornou-se a vanguarda na fusão entre pop e eletrônica na década seguinte. Eles têm uma grande influência da bossa nova. O duo inglês foi formado em 1982, tem 11 álbuns na bagagem e ficou mundialmente famoso após o remix do DJ Todd Terry para a faixa "Missing", do álbum Amplified Heart, de 1994. Discografia 1984 – Éden 1985 – Love not Money 1986 – Baby the stars Shine Bright 1988 – Idlewild 1990 – Tha languange of Life 1991 – Worldwide 1992 – Acoustic 1993 – Home Movies 1994 – Amplified heart 1996 – Walking Wounded

1996 – The Best of EBTG 1999 – Temperamental 2003 – Like the deserts miss the rain 2006 – Adapt or die: Ten years of remixes • A versão curta de “Five Fathoms”, do álbum Temperamental, foi apresentado no vídeo game Beatmania IIDX, com a música e vídeo apresentando Watt Thorn jogando entre outros Bemani vídeo de jogos pela Konami no London Trocadero;. • A short version of “Five Fathoms” foi usado no filme Bar Scene • A faixa:”Single”, é apresentada no filme Timecode; • Tracey Thorn emprestou seus vocais para a banda Massive Attack no festejado álbum da banda: Protection. Vamos curtir a linda voz de Tracey Thorn do dueto Everything But the Girl, cantando esta arrepiante balada Missing

Veja Tradução

The Moody Blues

2014-04-18T17:53:00.001-07:00

The Moody Blues era originalmente uma banda britânica de rhythm and blues; posteriormente eles tornaram-se conhecidos através da música psicodélica e do rock progressivo.
A banda foi formada em 1964 em Birmingham, Inglaterra, por Ray Thomas, Mike Pinder, Denny Laine, Graeme Edge e Clint Warwick. Depois de algumas mudanças na formação, convidando inclusivamente Jon Makaroun, dos The Hitse alterações no estilo sonoro, o Moody Blues conseguiu alcançar sucesso com suas apresentações bombásticas e um característico som orquestral.
A partir de 1966, os Moody Blues enveredaram por uma sonoridade mais pop-rock de cariz sinfónico.
Esta nova era dos Moddy Blues foi inaugurada com Days of Future Passed (1966), um álbum conceptual e,acima de tudo, um projeto orquestral ambicioso que envolveu a London Festival Orchestra, guiada porPeter Knight, e o produtor Tony Clark. Este trabalho, do qual fez parte o maior clássico do grupo, "Nights inWhite Satin", marcou o início de uma era de grande sucesso comercial, contando sempre com a duplaKnight-Clark e que envolveu os cinco álbuns seguintes: In Search of the Lost Chord (1968), On theThreshold of a Dream (1969), To Our Children's Children's Children (1970), A Question of Balance (1970) eSeventh Sojourn (1972). Neste período incluem-se êxitos como "Ride My See-Saw", "Isn't Life Strange","I'm Just a Singer (in a Rock and Roll Band)", "Steppin' in a Slide Zone", "Talking out of Turn", "Sitting at theWheel", "Lean on Me (Tonight)" e "Gemini Dream" e "Legend of a Mind".
O grupo fundou a sua própria editora, a Threshold Records e, em 1973, uma reedição de "Nights in WhiteSatin" fê-los alcançar o Top 10 (em 1979, uma nova edição deste clássico voltaria a ser um sucesso).
Em 1974, os Moody Blues decidiram fazer uma pausa na sua atividade, permitindo o envolvimento dos seusmembros em projetos pessoais paralelos.
Em 1978, regressaram com o bem sucedido Octave, após o qual Pinder decidiu deixar a música, sendosubstituído por Patrick Moraz. Pouco tempo depois, foi a vez de Clark abandonar os Moody Blues, numaaltura que o tema "Forever Autumn" era um grande sucesso.
As décadas de 80 e 90 assistiram ao decréscimo do sucesso comercial do grupo. A destacar as edições deLong Distance Voyager (1981), Kings of the Kingdom (1991) e Strange Times (1999).
Em 2000 foi editado Live at Albert Hall, um registo ao vivo gravado no Royal Albert Hall de Londres.
Depois de algumas edições ao vivo, os The Moody Blues lançaram December (2003), o seu primeiro discode Natal. O alinhamento da banda estava reduzido a três elementos - John Lodge, Justin Hayward e Graeme Ede - já que Ray Thomas decidiu abandonar o grupo, no final da digressão desse ano. As cançõeseram nostálgicas, apontando os admiradores para um passado idílico e traçando horizontes para umareabilitação espiritual do mundo. Uma nota para referir a versão de "Happy Xmas (War Is Over)", de JohnLennon e Yoko Ono. A crítica considerou este disco como um dos melhores e mais originais discos de Natalalguma vez concebidos. Ainda nesse ano, o grupo lançou a compilação Ballads.
A banda ainda existe, apesar de o único integrante original a continuar com o Moody seja Graeme Edge.

O vídeo a seguir é da estonteante Nights In White Satin, onde traz The Moody Blues acompanhado de uma grande orquestra.

O album Days Of Future Passed de (1967) com Nights In White Satin

Kansas

2014-04-18T16:02:00.002-07:00

Kansas é uma banda de rock americana dos anos 1970 especializada no estilo progressivo.

Dave Hope (baixo), Phil Ehart (bateria), Robby Steinhardt (violino), Steve Walsh (teclado e vocal) e Rich Williams (guitarra) formaram a banda White Clover em sua cidade natal de Topeka, Kansas. Depois da entrada de Kerry Livgren (teclado e guitarra) o nome da banda foi mudado para Kansas.

O Kansas é chamado carinhosamente como a banda dos caipiras, afinal todos eles são interioranos e todos adoram rock, tanto que formaram esta banda que é um dos grandes nomes do Folk-Hard-Progressive Rock. Este termo não existe, mas devido às mudanças que o Kansas teve em sua carreira, é desta maneira que podemos classificá-los.

Uma das maiores bandas da década de 70, o Kansas deixou para sempre sua marca na história do Rock. Compuseram um leque invejável de grandes clássicos, que já foram regravados dezenas de vezes por outros artistas, o que demonstra a qualidade e o respeito que o grupo possui.
A banda se destacou ao emplacar clássicos do rock progressivo como "Carry on Wayward Son", hoje, é tema para cada final de temporada da série norte-americana Supernatural, "Song for America" e "The Wall"... desta época também surgiu o maior sucesso do Kansas, a balada "Dust in the Wind".

Como o sucesso traz junto a discórdia, os integrantes começaram a se desentender no que resultou na saída de Steve Walsh e, posteriormente, de Robbie Steinhardt, Dave Hope e Kerry Livgren .

No ano de 1980 o Kansas lança o álbum "Audio Visions", o último com a formação original. Então, o cantor principal, Steve Walsh, deixa a banda para começar sua carreira solo. O Kansas grava com John Elefante (teclados e vocais) os álbuns "Vinyl Confessions" e "Drastic Measures", com os quais a banda emplacou os hits "Play the game tonight" e "Fight fire with fire" . Apesar de não seguirem mais a linha progressiva dos álbuns anteriores a banda manteve sua popularidade intacta .

Um novo período de mudanças surge na banda, segue-se uma coletânea e em 1986 eles lançam novo trabalho na praça, trata-se de "Power". Um álbum totalmente voltado para o hard rock, influência de Steve Morse que estreava na guitarra e com a volta de Steve Walsh nos teclados e vocais.O álbum traz um bom resultado, colocando o Kansas de igual para igual com as bandas de hard da época. Este disco contém excelentes canções como é o caso de "Silhouettes in disguise", "All I Wanted" e "Three Pretenders",
“Power” chegou às lojas e foi muito bem recebido. Apesar de manter as características do Kansas, o álbum estava mais pesado, com mais “pegada”. O responsável por isso certamente foi o “guitar-hero” Steve Morse.

Após mais alguns poucos trabalhos, o Kansas se separou novamente. A gravadora, tendo em vista os milhões de fãs do grupo, que já atravessam gerações, não parou de lançar coletâneas e registros de shows.

A novidade veio somente no ano de 2000, quando a formação original se juntou novamente para lançar um álbum inédito. Batizado de “Somewhere to Elsewhere”, o disco traz todos os elementos marcantes da música do Kansas e, pra quem já achava que eles estavam aposentados, foi uma ótima surpresa constatar que Walsh e companhia ainda esbanjam talento e criatividade.
Bem vamos trazer aqui um dos maiores sucessos desta banda e que fez e faz sucesso na voz de outras bandas e cantores.
Dust In The Wind ao vivo com os próprios e mais duas versões que não poderia faltar pela primordial interpretação, desta linda e emocionante canção, com o Scorpions e a belíssima Sarah Brightman, todos ao vivo sinta que a emoção paira no ar.

Kansas

Scorpions

Sarah Brightman

O album Point of Know Return de (1977) que traz Dust In The Wind

Cyndi Lauper

2014-04-17T21:02:00.001-07:00

Irreverente, marcante, fantástica de voz potente e envolvente, cantora que deslumbra deliciosamente seu publico, com seu jeito estonteante e único de cantar.
Esta é a simpaticíssima Cyndi Lauper, cantora que fez seus fãs dançarem e amarem ao som de suas baladas.
Cynthia Ann Stephanie Lauper-Thornton (Nova Iorque, 22 de junho de 1953 ),é uma cantora, compositora e atriz norte-americana vencedora do
Grammy, Emmy e Tony Award. Estreou no cenário da música no início da década de 1980 e obteve sucesso com o lançamento de She's So Unusual (1983), que ganhou 6 discos de platina nos Estados Unidos por vendas de seis milhões de cópias no país.
O álbum também entrou para a lista dos "500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos" da revista Rolling Stone e está em exposição no Rock And Roll Hall of Fame. O disco fez de Cyndi a primeira mulher a ter quatro singles de um mesmo álbum no Top 10 da parada de sucessos da revista americana Billboard, que mais tarde esse recorde foi quebrado por Christina Aguilera com o primeiro álbum. Cyndi Lauper tem tido muito reconhecimento também, por passar por diversos gêneros musicais, como de blues ao dance-pop, por sua frequente mudança de visual e sua voz potente, para uma cantora pop.

Em 2009, a cantora recebeu o prêmio BMI Millionaire Award por "Time After Time", sua primeira canção a conquistar o primeiro lugar na parada da Billboard Hot 100, em 1984, e que foi certificada com dois discos de ouro e um de platina nos Estados Unidos. A canção "Girls Just Want to Have Fun" conquistou três discos de ouro e dois de platina, com vendas físicas superiores a dois milhões de cópias,3 e se encontra na 120ª posição na lista das "500 Músicas que Moldaram o Rock and Roll", realizada pelo Rock And Roll Hall of Fame. Seu videoclipe é considerado pela MTV, o "39ª Melhor Videoclipe de Todos os Tempos". Ela se tornou um ícone na música e na moda, influenciando várias cantoras, entre elas: Christina Aguilera, Lady Gaga, e Pink.Além de ser ganhadora do Grammy Award e Emmy, Lauper também venceu o Billboard
Music Awards, Rolling Stone Awards, BMI Awards, American Music Awards, e MTV Europe Music Awards. Ao longo de sua carreira emplacou outros sucessos, entre eles "True Colors", "She Bop", "Change of Heart", "All Through the Night", "I Drove All Night" e "Into The Nightlife".

Em 2011, foi uma das principais homenageadas na exposição Womens Who Rock, pelo Rock and Roll Hall of Fame, e ainda recebeu o prêmio de"Personalidade do Ano" pela Out Music Awards por seu grande desempenho comercial entre os anos 2010 e 2011 e foi eleita por uma enquete da revista NME a quinta melhor artista de todos os tempos, ficando a frente de Elton John, ABBA e Prince.Em 2008 foi eleita pelo tabloide inglês The Sun a quarta cantora que jamais será esquecida em todos os tempos, de acordo com uma pesquisa feita no mesmo ano. Ainda em 2010, recebeu o prêmio Creative Achievement pelo National Association of Recording Merchandisers por sua contribuição para a música e o Inspiration Award pelo GLSEN por sua ajuda a comunidade LGBT.
Em 2010, lançou seu décimo primeiro álbum de estúdio, chamado Memphis Blues, lançado nos Estados Unidos em 22 de junho, vendendo cerca de15.353 cópias na semana do lançamento e debutando na 26ª posição da Billboard 200 e na primeira posição da Billboard Blues Albums."Memphis Blues" foi eleito o 7° melhor álbum de 2010 pelo tabloide New York Post e foi nomeado ao Grammy Awards na categoria "Best Traditional Blues Album".Em sete meses de lançamento, o álbum vendeu mais de 600 mil cópias mundialmente, sendo 10 mil no Brasil.Lauper já lançou 11 álbuns de estúdio e cerca de 40 singles, tendo vendido 45 milhões de álbuns e 20 milhões de singles no mundo.

Na carreira de atriz, apesar de ter tido boa recepção com o lançamento do filme Vibes (1988), onde ela produziu e atuou, Cyndi só veio ter notoriedade com uma participação na série americana Mad About You, que lhe rendeu um prêmio Emmy Awards. Desde então, ela participou de diversos seriados e filmes como Os Oportunistas em 2000 e em Bones; este último lhe rendeu boas criticas em um papel dramático.
Curta agora uma maravilhosa performance desta fantástica cantora.

Cyndi Lauper interpretando Money Changes Everything (1984).

22 super sucessos de Cyndi Lauper

Van Halen

2014-04-17T14:30:00.002-07:00

Pasadena,Califórnia 1972 surgi uma das mais badaladas bandas de hard rock americana. Van Halen nome originado da família de músicos do mesmo nome, O pai de Edward e Alex tocava clarinete e os filhos aprenderam a tocar piano clássico desde suas infâncias. Mais tarde, resolveram trocar o piano por uma guitarra e uma bateria. O mais curioso é que Eddie tocava bateria e Alex, guitarra. Porém, com o tempo, Alex se interessou pela bateria e tão logo já estava tocando melhor que o irmão, que decidiu investir na guitarra. Isso tudo se deu no final dos anos 1960 e início dos 70. Os irmãos faziam covers em algumas bandas, quando Eddie, que também fazia os vocais nas bandas em que tocava na época, conheceu David Lee Roth em 1972, que havia se mudado para a Califórnia e até então fazia parte da banda The Red Ball Jets. David foi convidado para ser o vocalista e logo começaram a tocar juntos. Ao sucesso Em 1978 saiu o primeiro álbum: Van Halen O sucesso veio não só do público, mas também da crítica, especialmente pela faixa Eruption - um solo de guitarra que elevaria Eddie Van Halen ao mais alto patamar da história da guitarra - e também pelo single "Jump" (do sexto disco, 1984, homônimo do ano de lançamento), colocando definitivamente o nome do Van Halen na história do rock. Para muitos e principalmente para os mais novos, o nome Van Halen pode não significar nada ou muito pouco, mas na verdade muitas das suas músicas fizeram um enorme sucesso no nosso país. Para além das roupas que não passaram despercebidas, a banda era principalmente reconhecida pelo excelente guitarrista Eddie van Halen, considerado por muitos o melhor guitarrista do mundo. Em 1983, Eddie Van Halen participou como convidado da canção "Beat It", do álbum Thriller do cantor pop Michael Jackson, o que não agradou muito o vocalista David Lee Roth. Nos cinco anos decorrentes, a banda lançou mais 5 álbuns, mantendo sua formação original. Em Janeiro de 1983 a banda se apresentou no Brasil (e também na Argentina, Uruguai e Venezuela). A banda não voltou desde então. A formação original durou até 1984, quando por motivos de desentendimento, David Lee Roth decidiu sair para carreira solo. Em meados de 1985, Frank Zappa recomendou um novo vocalista para o Van Halen: Sammy Hagar. Logo no primeiro encontro no estúdio, foi composta Summer Nights. Esta música comprovou que o indicado Sammy seria o substituto perfeito para a banda. Em 1986, lançaram o disco 5150, um trabalho que não decepcionou os fãs que estavam empolgados com o sucesso de 1984. Este disco também se tornou o número #1 das paradas norte-americanas, composto por singles bem sucedidos como Dreams e Why Can't This Be Love?. Os fãs preocupados podiam agora dormir tranqüilos, pois o Van Halen estava de volta, com força máxima, novo vocalista e tendo o início de uma nova era. Foram lançados mais 4 discos, muito sucesso e uma nova preocupação para os fãs. Sammy dizia que tinha sido despedido da banda, apesar de Eddie insistir que o vocalista saiu amigavelmente e por vontade própria. Não se sabe ao certo o que ocorreu, o fato é que David Lee Roth voltou para gravar duas músicas, Can't Get This Stuff No More e Me Wise Magic, que seriam incluídas no Best Of Vol. 1, de 96. Dizem que isso provocou ciúmes em Sammy. Cogitou-se a idéia de uma volta à formação original, o que não aconteceu naquele momento. No início de 1998, foi lançado o álbum Van Halen III que foi um fracasso. Em 1996 é lançada a coletânea "Greatest Hits - Volume I", com duas músicas inéditas gravadas com David Lee Roth nos vocais. Em 26 de abril de 2001, Eddie anunciou no site oficial da banda que fora examinado por três oncologistas e três neurocirurgiões, que afirmaram que ele estaria "mais saudável do que nunca e vencendo o câncer". Em 2004, Sammy Hagar volta à banda e grava a coletânea "The Best of Both Worlds" com três músicas inéditas, faz uma turnê pelos Estados Unidos e sai da banda novamente deixando os fãs a ver navios. Em 2005, depois de uma nota publicada pelo baixista Michael Anthony, no site oficial, voltou a se questionar sobre o futuro da banda. Em 2006 Sammy e o baixista Michael Anthony saem do grupo e ,após isso, o filho de Eddie, Wolfgang, faz os primeiros ensaios no baixo. Novamente é cogitado o retorno de Dave. Eddie grava solo, pela primeira vez, duas músicas (instrumentais) para um filme adulto "Sacred Sin: Catherine e Rise". Ainda no mesmo ano, o site oficial da banda deixa de existir. Em agosto de 2007 a banda Van Halen convoca uma coletiva e anuncia o tão esperado retorno, agora com a formação: David Lee Roth, Eddie Van Halen, Alex Van Halen e Wolfgang Van Halen, filho de Eddie que entrou no lugar de Michael Anthony para tocar baixo. Uma nota oficial da editora Warner/Chappell Music, que tinha o objetivo de anunciar a renovação do contrato com o Van Halen, acabou deixando escapar que o grupo está gravando um álbum de inéditas, e com David Lee Roth como vocalista. De acordo com a nota, que confirmou os boatos que há tempos rolam na web, o disco deve ser lançado só em 2011. Será o primeiro álbum do grupo com David Lee Rothdesde“1984”.

Tradução

Discografia Van Halen

Nirvana

2014-04-15T20:24:00.003-07:00

Aberdeen 1987 (Washington) Estados Unidos da América, nascia uma das mais espetaculares bandas de rock and roll de todos os tempos Nirvana. Sete anos foi o suficiente para esta banda de estilo grunge, violentar no bom sentido os roqueiros de plantão. Uma das façanhas mais agradáveis do final do século vinte. O Nirvana teve uma passagem meteorológica no cenário do rock, fazendo uma trajetória curta porem marcante e com uma qualidade indiscutível. Tudo teve inicio em 1984, Kurt Donald Cobain fortalece a amizade com um rapaz chamado Krist Anthony Novoselic, descendente de croatas. Os dois se conheciam de vista da escola e de ensaios dos Melvins (banda muito conhecida no cenário local). Mas começam a se entrosar quando tocam juntos em alguns ensaios sem compromisso. Mesmo assim, Novoselic não se empolgou imensamente com a ideia de participar de uma banda com Kurt. Em maio de 1985, Kurt abandona a escola um mês antes de se formar. Em dezembro, Kurt finalmente leva em frente sua primeira banda e lhe dá o nome de Fecal Matter. Tocam com ele Dale Crover no baixo e Greg Hokanson na bateria. A primeira fita do Fecal Matter é registrada ainda naquele mês. Kurt e Crover viajam de Aberdeen a Seattle para usar o gravador de quatro canais de Mari, tia de Kurt. A banda iniciante também faz um pequeno show em Aberdeen, abrindo para os Melvins. Em 1986, o Fecal Matter se desintegrava. Kurt continua brincando de rock em jams com vários colegas. Novoselic passa a ser um companheiro mais freqüente de ensaios, tocando seu baixo. O primeiro nome da banda é Stiff Woodies. Depois, para ganhar uns trocados em bares, eles atuam com o nome de The Sellouts, fazendo covers de Creedence Clearwater Revival. Novoselic toca bateria, Kurt toca guitarra e canta, e um certo Steve Newman assume o baixo. Em janeiro de 1987, Aaron Burckhardt passa a ser o baterista fixo do trio que seguirá mudando de nome até 1988: Bliss, Throat Oyster, Pen Cap Chew e Windowpane. Em 17 de abril, com o nome de Skid Row, o trio toca ao vivo na rádio comunitária KAOS, na Evergreen State College, em Olympia. A apresentação se transforma na primeira fita demo da banda. Em outubro, Aaron sai da banda, que passa a ensaiar com Dale Crover, que integrava os Melvins. É uma solução breve, apenas para a gravação de uma fita demo decente em um verdadeiro estúdio. Em setembro, Kurt começa seu primeiro namoro firme com Tracy Marander. Ele vai morar com ela. De paixão, iam bem. Mas a falta de asseio e a ociosidade de Kurt começam a criar atritos. Em 23 de janeiro de 1988, Cobain, Novoselic e Crover gravam no Reciprocal Studios, em Seattle, com o produtor Jack Endino, que abriu o local em 1986. O trio sem nome definido grava dez músicas em seis horas. Naquela noite, a banda se apresentaria com o nome de Ted Ed Fred em Tacoma, cidade vizinha. Em Fevereiro, Jonathan Poneman, da Sub Pop, ouve a fita demo depois de um toque de Jack Endino e gosta. Marca uma conversa com Kurt Cobain em um café em Seattle. Os dois acertam a gravação de um compacto. Em março, a banda escolhe seu nome definitivo, Nirvana, que é usado pela primeira vez num show em Tacoma, com Dave Foster na bateria. Ele logo seria dispensado. Em maio, Chad Channing assume o posto de baterista definitivo. Em junho, a banda grava músicas para o seu primeiro compacto pela Sub Pop. "Love Buzz/Big Cheese" saiu em novembro. O Nirvana continuava a sair do anonimato cada vez mais rapidamente, e depois de finalmente resolver negociar com as várias grandes gravadoras que assediavam a banda, eles são aconselhados pelos amigos do Sonic Youth e resolvem assinar contrato com a DGC (uma divisão da Geffen Records) em abril de 1991. A Sub Pop também ganhou com a mudança, afinal, o pequeno selo arrecadou um bom dinheiro pela rescisão de contrato com o Nirvana, devidamente pago pela DGC. De casa nova, a banda entra em estúdio ainda em 1991 para gravar seu segundo álbum. Novamente com a produção de Butch Vig, o resultado é lançado em 24 de setembro do mesmo ano, e é chamado "Nevermind". O disco conta com uma ótima produção, que destaca bem as excelentes melodias criadas por Cobain, além de limpar bastante o som produzido pelo conjunto, que no final das contas acaba soando mais comercial e acessível do que em "Bleach". Mas isso tudo sem perder as virtudes que caracterizaram o Nirvana desde o início: o disco é recheado de riffs inesquecíveis, belas letras, músicas agressivas (mostrando que a veia punk da banda continuava latente), outras pesadas e mais voltadas ao hardcore, sempre com bases e arranjos simples mas extremamente bem sacados e criativos, além de mostrar também uma outra faceta de Cobain: a de compor belíssimas baladas. Enfim, é uma obra-prima do início ao fim, onde todas as músicas se destacam. Apontar destaques é difícil, da mesma maneira que é dificil não se emocionar com músicas como "Smells Like Teen Spirit"(que virou o hino do grunge), "In Bloom", "Drain You", "On a Plain" e "Lounge Act". "Come as You Are" e "Lithiun" viraram hits radiofônicos de imediato, além, claro, de "Smells Like Teen Spirit". A citada veia punk fica evidente em "Territorial Pissings" e "Stay Away". E o lado mais delicado e emotivo de Cobain nos dá duas pérolas chamadas "Polly" e "Something in the Way". No final do ano, muitas revistas e a imprensa em geral não hesitam em eleger "Nevermind" como um dos melhores discos de rock já lançados. "Nevermind" acaba sendo um evento quase que único na história da indústria fonográfica e da música em geral: o disco, que de acordo com as previsões iniciais da DGC iria vender aproximadamente 100.000 cópias, atinge hoje o impressionante número de 10.000.000 de cópias vendidas, e continua a vender regularmente mesmo depois de quase uma década de seu lançamento. Mesmo sem contar com divulgação pela MTV ou rádio, o disco virou um fenômeno de vendas logo de início, e ficou durante muito tempo nas paradas de sucesso (tendo atingido a primeira posição nas paradas americanas em fevereiro do ano seguinte). O Nirvana tem seu nome levado à posição de grande sensação do rock mundial, assim como toda geração de bandas de Seattle tem seus nomes reconhecidos e expostos. O grunge vira a moda do momento, e começa a ser impiedosamente explorado pela mídia, assim como todas as bandas que faziam parte desse cenário. Seattle, que antes disso havia dado "apenas" Jimi Hendrix ao mundo, passa a ser o grande centro das atenções. Kurt Cobain vê sua vida invadida e seus valores completamente deturpados, em nome do comercialismo selvagem. Vira um típico (e talvez, o maior de todos) ícone pop, e seu rosto é estampado em camisetas, revistas, posters e tudo mais que a indústria do lucro conseguia inventar. Isso tudo, sem levar em consideração se o público entendia ou não a mensagem e o conteúdo, não só do Nirvana, como também de toda a estética grunge. O importante era aproveitar o momento e explorar o movimento, uma vez que uma geração de jovens inteira se identificou de imediato com a proposta das bandas vindas de Seattle, e, em especial, do Nirvana. Aí começam os problemas. Kurt mostra imediatamente ser incapaz de suportar e ser aquilo em que ele se transformou. Esse tipo de sucesso o incomodava, e o seus antigos problemas com as drogas voltam a atrapalhar sua carreira e o seu relacionamento com as pessoas próximas. Assim como começa a ficar evidente também a sua tendência a ser depressivo (fato já facilmente percebido através do conteúdo lírico do Nirvana), a ponto de ser diagnosticado como maníaco-depressivo, com fortes tendências suicidas. Contribui com essa última conclusão o fato de Cobain possuir uma coleção de armas em casa, e adorar posar para fotografias com elas, geralmente apontado-as para sua própria cabeça (sem contar o clip de "Come as You Are", que fala por si só). Ainda assim, nada atrapalhou a incrível ascensão do Nirvana, e por volta de 1992, eles possuiam prestígio e sucesso poucas vezes vistos antes na história do show-business. Em Janeiro de 1993 a banda visita o Brasil. A banda faz dois shows no festival Hollywood Rock, o primeiro em São Paulo, no estádio do Morumbi no dia 16. Depois de uma apresentação totalmente inusitada para um público de mais de 100 mil pessoas, o maior da história da banda, o que se presenciou foi um Cobain com uma guitarra desafinada e que não conseguia acompanhar a velocidade dos outros instrumentos. 30 minutos de apresentação, Novoselic larga seu instrumento e abandona o palco. Como o contrato com os organizadores previa um minimo de 45 minutos de show, ele foi convencido a voltar. Músicas atravessadas ou tocadas pela metade, incluindo diversos covers como "We Will Rock You", do Queen, "Rio", do Duran Duran, "Seasons in the Sun", de Terry Jecks, a introdução de "Run to the Hills" do Iron Maiden entre outras, precedido do quebra-quebra de instrumentos marcaram essa apresentação como a pior de sua carreira. Existem relatos de que uma das guitarras destruídas havia sido um presente de estimação da esposa. Durante o auge da destruição, Novoselic se dirigiu até o cantor para dar um beijo carinhoso e um abraço. Após o show, Cobain e Courtney Love decidem curtir as loucuras da noite de São Paulo juntamente com o cantor punk brasileiro João Gordo e outros amigos. Gordo havia conhecido Dave Grohl anteriormente em um festival de música na Holanda e essa foi a chave para o cantor se enturmar com toda a banda. No dia 22, o Nirvana já estava no Rio de Janeiro, ensaia e grava algumas demos nos estúdios da BMG. O improviso "Gallons of Rubbing Alcohol Flow Through the Strip" acabaria lançado como faixa-bônus nas versões não-americanas do álbum In Utero. Dia 23 foi o dia do show na Praça da Apoteose do Sambódromo do Rio. Com um set-list imenso, o concerto começou bem, com "School", "Drain You", "Breed" e "Sliver" na sequência, mas no meio da apresentação Kurt entusiasmou-se e durante a até então inédita Scentless Apprentice desceu do palco, cuspiu nas câmeras da Rede Globo que transmitia o evento ao vivo e simulou masturbação diante delas. Atônita, a emissora cortou a transmissão do evento logo após o fim do 1º set e reprisou algumas músicas do Dr. Sin, Engenheiros do Hawaii e L7, as bandas de abertura do dia. Contou ainda a participação de Flea, do Red Hot Chilli Peppers no trumpete em "Smells Like Teen Spirit". No fim do show, Cobain, visivelmente esgotado, saiu do palco engatinhando. Bandas como Alice in Chains, L7 e Red Hot Chili Peppers também tocaram no Hollywood Rock. Em 1994 a banda faz nova turnê pela Europa. Em 1º de março ocorre o último show do Nirvana no Terminal Einz em Munique, Alemanha. Cobain parece estafado, visivelmente com a voz desgastada, e ainda determina férias instantâneas. Shows marcados para os dias 2 e 3 são cancelados e, depois, adiados para abril, quando a turnê européia teria sua segunda parte. Cobain vai para Roma, Itália, para descansar e se encontrar com Courtney Love. Courtney chega a Roma no dia 3 e encontra Kurt no Hotel Excelsior. O casal passou várias semanas sem se ver. As expectativas de Kurt pelo reencontro levam um banho de água gelada quando Courtney diz que está exausta e quer dormir. Quando acorda na manhã do dia 4, Kurt está no chão, com o nariz sangrando. Ele havia tomado champanhe e cerca de 50 pílulas do tranqüilizante Rohypnol. Kurt deixa uma carta de despedida com três folhas, caracterizando a tentativa de suicídio. Mas, oficialmente, o fato é divulgado como uma dose excessiva e acidental de medicamentos. Na carta, Kurt diz que Courtney não o ama mais, e que ele preferia morrer a passar por mais um divórcio (o primeiro foi o de seus pais). Internado no hospital Umberto I, Kurt sai do coma no dia 5 e é transferido para o American Hospital, também em Roma. Recebe alta no dia 8 e volta para os EUA no dia 12. Em 18 de março, Courtney chama a polícia de Seattle porque Kurt se trancou em um quarto da casa com um revólver. Os policiais conversam com ele, que afirma querer apenas ficar longe da esposa. Quatro armas que Cobain tem na casa são confiscadas. No final do mês, o consumo de heroína de Cobain estava nitidamente descontrolado. Ele perambula pela cidade para comprar droga e se injetar. Traficantes começam a mandar Kurt se aplicar em outra freguesia, com medo que ele morra de overdose e cause suas prisões. Familiares e amigos de Kurt fazem uma reunião para pressioná-lo a deixar seu vício. A reação de Kurt é achar que todos passaram a ser seus inimigos e ele não tem mais ninguém no mundo. Mesmo assim, ele acaba concordando em se internar na Exodus, uma clínica de desintoxicação em Los Angeles. No dia 30 daquele mesmo mês, Kurt pede que seu amigo Dylan Carlson compre um revólver para ele, dizendo que a polícia confiscou suas armas e ele queria ter uma proteção contra invasores. Depois da compra, Cobain viaja de Seattle para Los Angeles e se interna na clínica. Em 1º de abril, depois de dar um telefonema para Courtney Love, Cobain foge da clínica no começo da noite, escalando o muro. Pega um avião e volta para Seattle. Nos dias seguintes, circula sorrateiramente pela cidade comprando e usando heroína, principalmente na casa de amigos ou traficantes. Ninguém que tenta encontrá-lo consegue descobrir seu paradeiro. O dia 5 de abril, pelos exames dos legistas, é a data de suicídio de Kurt Cobain. Kurt injeta uma dose tão grande de heroína que já bastaria para causar sua morte. Mas completa o seu intento com a arma que Dylan Carlson comprara uma semana antes. Cobain se mata com um tiro na cabeça no sótão de sua casa em Seattle. No dia 8 de abril, o corpo de Kurt é achado por um eletricista que faria uns serviços na casa, e o mundo toma conhecimento de sua morte. Naquele momento Kurt Cobain, 27 anos, já cultuado em vida, tornou-se mito. Um bilhete de adeus, mais curto que o escrito em Roma um mês antes, é encontrado ao lado do cadáver, e marca o fim de uma vida talentosa - porém problemática - como marca o desfecho de uma das maiores bandas de rock de todos os tempos. Fiquem com o vídeo desta que sem duvida é uma das mais lindas canções do Nirvana“Smells Like Teen Spirit”

Discografia do Nirvana

Leon Haywood

2014-04-15T20:23:00.003-07:00

Houston, Texas 11 de fevereiro de 1942 nascia uma das vozes mais agradáveis da música Funk/Soul Singer americana Leon Haywood, Cantor, compositor, arranjador e produtor. Muito conhecido por sua canção "I Wanta Do Something Freaky To You" (Eu quero fazer alguma coisa louca por você). Leon é um daqueles cantores que apesar de emplacar várias canções maravilhosas, passa despercebido do grande publico mais sem sombra de duvidas para todos aqueles amantes do Funk, jamais abrem mão de sucessos como: Baby Reconsider , Strokin', Don't push it don't force it. Discografia(Álbuns) Ø 1966 – Soul Cargo (Fat Fish Records) 1967 – It’s Good To Be Mellow (Decca) 1973 – Back To Stay (Pye Records)1974 – Keep In The Family (20th Century Records) 1975 – Come And Get Yourself Some (20th Century Records)1976 – Intimate (Columbia)1978 – Double My Pleasure (MCA)1979 – Energy (MCA)1980 – Naturally (20th Century Records)1983 – It’s Me Again (Casablanca)It's Got To Be Mellow(LP, Album) Singles & EPs1965 - She's With Her Other Love / Pain In My Heart1966 - Baby Reconsider / Goin' Back To New Orleans1967 - It's Got To Be Mellow / Cornbread And Buttermilk1968 - Glory Of Love / Unchain My Heart1972 - Clean Up Your Own Backyard / String Bean1973 - Keep It In The Family / Long As There's You (I Got Love)/ Pye International1974 - Sugar Lump / That Sweet Woman Of Mine 1975 - Come An' Get Yourself Some / Who You Been Giving It Up To/I Want' A Do Something Freaky To You / I Know What Love Is/Just Your Fool / Consider The Source1976 - The Streets Will Love You To Death/Strokin'/Dream Dream1977 - Super Sexy / Life Goes On 1978 – Party/ Baby Reconsider1979 - You Bring Out The Freak In Me / Energy/ Disco Fever / Party 1980 - Don't Push It Don't Force It/ If You're Looking For A Night Of Fun (Look Past Me, I'm Not The One)/ Daydream 1983 - I'm Out To Catch1984 – Tenderoni 1985 - Leon Haywood Feat. Captain Rapp - Agony (12")1994 - Freaky 94 (I Want To Do Something Freaky To You) 2001 - Leon Haywood / Teena Marie - Funky Collector Part 7 (12") Unknown - Tennessee Waltz / Mellow Moonlight/ Spellbound/ Leon Haywood / Shirelles, The - It's Got To Be Mellow / I Met Him On Sunday (7", RE)

Sinta um pouco do balanço do Leon Haywood neste grande sucesso dos anos 80 “Don´t Push It Don´t Force It”

Tradução

Baixe o MP3 de Don´t Push It Don´t Force It

Queen

2014-04-15T20:22:00.003-07:00

Originário da terra da rainha, a extraordinária banda inglesa “Queen” que significa justamente rainha, já vendeu mais de 400 milhões de cópias no mundo inteiro. Foi uma das mais populares bandas britânicas dos anos 1970 e 1980, sendo precursora do rock tal como hoje o conhecemos, com magníficas produções dos seus concertos e videoclipes das suas canções. O Queen teve seu inicio em 1967 como trio Smile (Brian May, Tim Staffell e Roger Taylor) no Imperial College de Londres, onde estudavam. Após a saída do baixista e vocalista do grupo, Tim Staffell, na Primavera de 1970, May e Taylor foram apresentados por Staffell a Farokh Bulsara em Abril do mesmo ano, o qual viria a ser o vocalista da nova banda com o nome artístico Freddie Mercury, batizando a banda com o nome Queen. (Lembrando que o nome da banda não tem nenhuma relação com o homossexualismo. Fato que muitos confundem o nome da banda com origem da palavra "queer" que é uma gíria difamatória usada para homossexuais). Em 1971, John Deacon completou a formação do Queen como baixista. Após ensaios exaustivos e dezenas de apresentações na escola gravaram as primeiras demos, que apesar da pouca repercussão lhes valeram o apoio da pequena gravadora Trident em 1972. A partir de um acordo entre Trident e EMI foi lançado o álbum Queen em 1973 e iniciaram sua primeira turnê abrindo para a banda Mott The Hoople (rapidamente se tornando mais importante no show que a banda principal). Depois do lançamento de Queen II em 1974 a banda seguiu sua primeira turnê como headliner. Em meio às primeiras apresentações fora da Inglaterra (nos Estados Unidos) tiveram que interromper temporariamente as atividades em virtude de uma crise de hepatite de Brian May (que não participaria do início das gravações do próximo álbum em virtude da doença). Sheer Heart Atack foi lançado em 1974 e se tornou um sucesso mundial. A turnê mundial que se seguiu teve de ser extendida, chegando a banda a se apresentar em lugares diferentes em um mesmo dia. A pressão dos shows levou Freddie Mercury a contrair uma séria infecção na garganta em meio a turnê que desta vez não chegou a ser interrompida apesar de algumas datas canceladas. Bohemian Rhapsody foi lançada em 1975. Uma verdadeira ópera rock, no sentido mais literal das palavras. Taxada de experimentalista pela gravadora uma música como aquela dificilmente chegaria a ser um hit. Mais do que isso, porém, Bohemian Rhapsody se tornou no maior clássico da banda e seu primeiro single a chegar ao número 1. O álbum A Night At The Opera (o primeiro a ter o nome de um dos filmes dos irmãos Marx) de 1975 se tornou o seu primeiro álbum a vender mais de 1 milhão de cópias e alavancou as vendas dos álbuns anteriores. Desde os Beatles nenhuma banda inglesa havia conseguido colocar quatro álbuns entre os 20 mais vendidos de uma só vez. O próximo álbum, A Day At The Races, mesmo antes de sair às lojas já havia vendido antecipadamente meio milhão de cópias a mais que o previsto. Em 1976, o álbum seguinte, "A Day at the Races" (ambos uma ironia, por se tratarem de títulos de filmes dos Irmãos Marx), foi mais dirigido pela guitarra de Brian May e pela bateria de Roger Taylor, tendo, portanto, canções mais pesadas, tais como "Tie Your Mother Down" e "White Man". No entanto, aqui encontramos outra obra-prima vocalística de Freddie Mercury: "Somebody to Love", uma canção recheada de exageros vocais e complexas passagens vocais, que tornou-se êxito imediato e que foi executada excepcionalmente em 1982, no show "Queen On Fire", mais conhecido como Live at The Bowl. Em 1977, "News of The World" trouxe os grandes hits dos estádios da banda, "We Will Rock You" e "We Are The Champions", além da belíssima "Spread Your Wings", composta pelo baixista John Deacon. O Queen serviu-se muito dos grandes estádios, fazendo shows marcantes (sobretudo se considerarmos que o som era feito exclusivamente pelos quatro integrantes, salvo ajudas de Spike Edney nos últimos shows), que criavam uma relação única com o público, sendo reconhecidos até mesmo pela crítica (alguns consideram os shows feitos pelo Queen em Wembley em 1986 como os melhores shows de rock de todos os tempos, sem falar no estrondoso público de 250 mil pessoas na primeira edição do Rock in Rio).

"Jazz", o álbum seguinte, de 1978, foi mal-recebido pela crítica, sob a alegação que o álbum pouco tem a ver com Jazz, apesar do instrumental acústico refinadíssimo e a alma nervosa e suave das canções - o que parece ser o motivo do nome, não suas semelhanças formais imediatas com o jazz (como acontecia por exemplo com os álbuns de Led Zeppelin, em que se pode dizer que este tom é muito mais evidente). "Jazz" também decepcionou a banda com relação à aceitação do público. Apesar disso, obteve alguns sucessos, como "Fat Bottomed Girls" e "Bicycle Race" (esta última, no Estádio de Wimbledon, teve como produção uma volta completa no estádio de dezenas de mulheres nuas em bicicletas, o que causou um certo choque na opinião pública). Em 1979 lançam "Live Killers", um álbum duplo gravado ao vivo na sua turné mundial entre Janeiro e Abril. Brian May aparece espetacularmente em "Brighton Rock" chegando a ser mencionado por Eric Clapton como um dos melhores guitarristas no cenário do rock mundial. Os membros da banda gravaram ainda, durante os anos 80, vários álbuns solos. O destaque obviamente ficou para Freddie Mercury, com o hit I Was Born To Love You (tema de novela no Brasil) e um ábum de grande repercussão com a cantora clássica Montserrat Caballe (destacando as músicas Barcelona, tema das Olimpíadas e How Can I Go On). Roger por suas vez chegou a gravar três álbuns com seu projeto solo, The Cross. Tendo sido eleita melhor banda dos anos 80 em dezenas de pesquisas em todo o mundo a banda encerra a década de 80 com o album The Miracle, lançado em maio de 89. Em fevereiro de 91 lanca Innuendo (Insinuaçao), album que marca a despedida do vocalista e líder Freddie Mercury. Com menções depressivas e letras subjetivas, um Freddie Mercury fraco insinua um dificil adeus, com músicas como The Show Must Go On (O show Deve Continuar) e These Are The Days Of Our Lives (Esses São os Dias de Nossas Vidas). Alguns meses após o lançamento de Innuendo, Fred assumiria oficialmente ser HIV positivo, vindo a falecer de broncopneumonia em sua casa, 24 horas depois. Em entrevista à imprensa britânica o guitarrista Brian May lamenta a morte do companheiro de banda, dizendo ter perdido um irmão. Veja uma das noticias sobre morte que mais abalou o mundo do Rock Veja também uma das músicas de despedida do Fred, do Queen e do seu grande publico. Estátua de Freddie Mercury em Montreux O Queen realmente foi uma Banda muito especial desde o seu inicio e como sou um fã incondicional desta banda presenteio a mim e todos vocês com um vídeo, onde podemos sentir toda a energia do saudoso Fred, onde ele interpreta dois grandes clássicos do Queen “Queen - We Will Rock You and We Are The Champion (Live)”. Curiosidades sobre o Queen 1. Durante as gravações do disco Sheer Heart Attack, Brian teve hepatite, e só depois do álbum estar gravado, ele colocou o som da guitarra. 2. Freddie compôs a canção Bicycle Race depois de ver um grupo de amigos passando de bicicleta embaixo da janela do quarto dele, num hotel em Paris 3. Em 1975 o carro da banda foi detido pela policia por “porte de drogas”. Nada encontraram, a não ser um par de aspirinas. 4. No vídeo A Kind of magic, quando John está de mendigo e se transforma nele mesmo, pode-se ver o Roger ao fundo – de mendigo -, aliás sua cabeça, o interessante é que logo em seguida aparece o Roger real... uma falha de edição. 5. O Queen foi aunica banda a Ter 4 álbuns no top 20 Britânico ao mesmo tempo (Queen, Queen II, Shear Heart Attack, A Night At The Opera) 6. O Queen tocou 3 noites seguidas em um estádio na mesma cidade ( Buenos Aires) 7. A banda teve e tem inúmeras correspondências enviadas a eles.. só que no palácio de Buckinghan, isso certa vez, gerou desconforto.. Afinal, mandavam correspondência para a banda, onde mora a “rainha” 8. Freddie era extremamente fã de Paul Rodgers! 9. Cada um dos membros do Queen teve pelo menos uma canção que foi um sucesso mundial, campeão de vendagens e assim, todos tiveram seus “egos” bem massageados? Freddie= Bo Rhap/Brian = WWRY/Roger= Radio Ga Ga/John= Another one bites the dust 10. Brian e Roger escreveram as músicas These are days of Our Lives e The Show Must Go On a pedido do Freddie. Ele disse; Coloquem-se no meu lugar, e escrevam canções como se, se despedissem dos fãs... Discografia Básica

Queen - Queen [1973]
Queen - Queen II [1974]
Queen - Sheer Heart Attack [1974]
Queen - A Night at the Opera [1975]
Queen - News of the World [1977]
Queen - Jazz [1978]
Queen - Live Killers [1979]
Queen - The Game [1979]
Queen - Flash Gordon [1980]
Queen - Hot Space [1981]
Queen - The Works [1983]
Queen - A Kind of Magic [1986]
Queen - Live Magic [1986]
Queen - The Miracle [1989]
Queen - Innuendo [1991]
Queen - Live At Wembley '86 [1992]
Queen - Made In Heaven [1995]
Queen - Queen on Fire (Live at the Bowl) [2004]

Fontes: Wikipedia / whiplash

Discografia completa do Queen

Iron Maiden

2014-04-15T20:22:00.000-07:00

Era a turma de repetentes da sexta-série do ginásio. Adolescentes cabeludos nerds ridicularizados pelos coleguinhas de sala. Totalmente excluidos da comunidade estudantil, um deles teve a ideia brilhante que mudaria suas vidas: Vamos tocar metal! E assim surgiu o Iron Maiden (traduzindo: donzela de ferro), banda que pelo nome ficaria muito bem no cenário emo. Mas não, eles queriam ir mais longe. Então criaram um novo estilo: o Happymetal, ou pinkmetal em inglês britânico, com suas roupas coladas e cabelos esvoaçantes. Músicas como Holy Smoke (fumaça santa) e Fear of the dark (medinho do escuro) influenciaram varias bandas do cenário metal, como Angra e Helloween. Formada em 1975 pelo baixista Steve Harris, ex-integrante das bandas Gypsy's Kiss e Smiler. Originária de Londres, foi uma das principais bandas do movimento musical que ficou conhecido como NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal). O nome "Iron Maiden" alguns dizem que foi inspirado em um instrumento de tortura medieval que aparece no filme O Homem da Máscara de Ferro. Esse também era o apelido da ex-primeira ministra britânica Margaret Thatcher, que aparece nas capas dos compactos "Women in Uniform" e "Sanctuary". A primeira formação da banda juntava Steve Harris a Paul Day (vocal), Dave Sullivan e Terry Rance (guitarras) e Ron Matthews (bateria). Paul Day foi mais tarde substituído por Dennis Wilcock (grande admirador do Kiss) que usava fogo, maquilagem e sangue falso no palco e que trouxe Dave Murray para a banda, tendo como consequência a saída da primeira dupla de guitarristas. Bob Sawyer entrou na banda no final de 1976 como segundo guitarrista, mas como tinha ciúmes de Murray, virou Dennis Wilcock contra Dave e Dennis sugeriu a expulsão dele. Bob não ficou para trás e por suas atitudes errôneas no palco, foi junto em Julho de 77. Ron Matthews aguentou um pouco mais. Havia um guitarrista de uma banda chamada Hooker que o Maiden via tocar nos pubs: Terry Wapram. Após uma audição, a banda convidou-o para entrar e Wapram realizou alguns shows como único guitarrista. Pouco após isso, Ron saiu (não se sabe ao certo se por influência de Wilcock, como relatou no Early Days). Dave Murray juntou-se ao seu amigo Adrian Smith na banda Urchin em 1977, enquanto que os Iron Maiden passavam um mau bocado: Steve e Dennis chamaram Thunderstick (Barry Graham) (bateria) Tony Moore (teclado), mas após um concerto perceberam que o teclado não seria um bom substituto para a segunda guitarra. A banda ficou descontente e o clima foi ficando ruim até que após poucos ensaios, Moore decidiu sair. Nesse momento, Harris foi a um ensaio do Urchin para chamar Murray de volta para banda, o que aconteceu com sucesso. Mas Wapram, indignado porque perderia parte das atenções, não aceitou Murray de volta e foi convidado a sair. Com Murray de volta e apenas 4 integrantes, a banda decide marcar um show no Bridgehouse e outro no pub Green Man. O primeiro foi um fiasco, depois do baterista ter errado em várias músicas e gritar para o público se calar. Nessa época Wilcock já havia espalhado para alguns fãs que pretendia sair da banda e o show havia gerado alguma expectativa em torno disso também. Foi o que aconteceu. No intervalo entre o Bridgehouse e o Green Man, Dennis não disse nada e não compareceu no pub. Harris foi até sua casa, mas o vocalista se negou a cantar um último show. Arrasado, Harris voltou para cumprir com o acordo e os Maiden se apresentaram como um trio em Abril de 78, com Steve Harris, Dave Murray e Thunderstick. Steve expulsou o baterista, já contando com Doug Sampson para o posto. Com esse novo trio, os Maiden passariam cerca de 6 meses ensaiando antes tocar ao vivo ou arrumar qualquer outro integrante. Um dos velhos conhecidos símbolos da banda, é o mascote Eddie. Ele foi desenhado por um menino de cinco anos numa escola para deficientes mentais na Califórnia, onde os Donzelas animaram fazendo

um show beneficente. Bruce ao ver o desenho, achou "fofix" como ele mesmo disse, e adotou a criatura como mascotinho da banda. Desde então, adolescentes-mentais, nerds e afins usam Eddie em suas camisas e saem às ruas, achando-se fortes, malvadões, na vã tentativa de se auto-afirmar psicologicamente na sociedade. Hoje, muitos jovens idolatram a banda como deuses. Colocam posteres em seus quartos da banda vestida com aquele uniforme coladinho preto, do mascote com pose de mal. Esses jovens respondem as mães e se indignam quando falam mal de sua amada bandinha. Quase uma doença. Levam a serio sátiras em sites de humor e editando seu conteudo. Mas, segundo psicológos, isto é apenas uma fase da pós-infância, e graças a Deus, passa. É polêmico o fato de que a banda tenha ligações com o demônio. Mas segundo os próprios integrantes, não passam de especulações dos tablóides, já que sua natureza delicada os impede de ter qualquer ligação com o Capeta. É apenas uma forma pseudo-inteligente de arrancar dinheiro de idiotas fanáticos que odeiam EMOS. É polêmico o fato de que a banda tenha ligações com o demônio. Mas segundo os próprios integrantes, não passam de especulações dos tablóides, já que sua natureza delicada os impede de ter qualquer ligação com o Capeta. É apenas uma forma pseudo-inteligente de arrancar dinheiro de idiotas fanáticos que odeiam EMOS. Pois é qual banda de rock que se preze não tem suas turbulências, pois são elas que geram milhões de fanáticos e milhões de dólares em suas contas bancarias. Neste Cardápio Musical trazemos para vocês um rock autentico desta boa banda inglesa.
Iron maiden - Hallowed Be Thy Name
Tradução

Curiosidades 1. O inglês Gary Dobson entrou em coma após cair e bater com a cabeça no chão durante um show do Iron Maiden em 1989. Seis meses depois despertou enquanto rolava num tape-deck justamente uma fita da banda. 2. Dave Murray, guitarrista do IRON MAIDEN, falou em 2008 sobre uma de suas guitarras favoritas, uma Fender Stratocaster fabricada em 1957. 3. A mulher de Bruce Dickinson o traiu com Nikki Sixx do Motley Crue? Sim. Ao menos foi o que afirmou Nikki Sixx na sua biografia "Heroin Diaries" e depois em uma entrevista à revista Blender publicada em agosto de 2007. Leia o trecho abaixo. "Alguém disse que 'Tattooed Millionaire' do Bruce Dickinson fala sobre mim, mas eu não sei. Tem a ver com o fato de eu ter transado com a mulher dele. 4. Muitos assim que viram a capa do novo single do Iron Maiden, "El Dorado" pensaram "Esta capa me lembra capas de revistas em quadrinhos". Sim realmente lembra e não só lembra como é inspirada na capa da revista em quadrinhos Weird Science edição nº10 da EC Comics. 5. O Blog Flight 666 publicou em agosto de 2009 uma curiosa nota sobre a possível origem da fonte usada no logotipo da banda IRON MAIDEN. O cartaz ao lado, do filme "The Man Who Fell to Earth" ("O Homem Que Caiu na Terra", no Brasil) foi lançado em 1976. Qualquer coincidência com a fonte do logotipo do IRON MAIDEN, é mera semelhança. O cartaz foi inspiração direta do logo da Donzela ou a fonte estava disponível para uso por artistas na década de 70? Infelizmente há poucas informações sobre as reais origens do logotipo do IRON MAIDEN.

Discografia The Soundhouse Tapes: 1979 Iron Maiden: 1980 Maiden Japan: 1981 Killers: 1981 The Number Of The Beast: 1982 Piece Of Mind: 1983 Powerslave: 1984 Live After Death: 1985 Somewhere In Time: 1986 The Seventh Son Of A Seventh Son: 1988 No Prayer For The Dying: 1990 Fear of The Dark: 1992 A Live at Donington: 1993 Real Live Dead One: 1993 The X Factor: 1995 Best of the Beast: 1996 Virtual Eleven: 1998 Ed Hunter: 1999 Brave New World : 2000 The BBC Archives: 2002 Best Of The B'Sides: 2002 Best Over Hammersmith: 2002 Edward The Great: 2002 Rock In Rio: 2002 Dance of Death: 2003 A Matter Of Life And Death: 2006 Death On The Road: 2006.

Discografia Completa do Iron Maiden

Coldplay

2014-04-15T20:20:00.002-07:00

Olá amigos! Venho hoje falar de uma das poucas bandas de rock dos anos 90s, a encher-me os olhos. Trata-se de Coldplay esta banda inglesa de rock alternative que surgiu em Londres no ano de 1998. Chris Martin (vocais, teclados, guitarra Jonny Buckland (guitarra), Guy Berryman (baixo) e Will Champion (bateria, vocal de apoio e outros instrumentos), este é o quarteto Coldplay. O quarteto formado por Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman e Will Champion é mais uma das bandas produto de universidades. Martin e Buckland se conheceram em setembro de 1996, logo nos primeiros dias de aula na University College London (UCL). A dupla passou o resto do ano universitário planejando formar uma banda e começaram a se apresentar como Pectoralz. Guy Berryman, um colega de Martin e Buckland, mais tarde se juntou ao grupo. Em 1997, o grupo, mudou seu nome para Starfish e se apresentando localmente em Camden em pequenos clubes. Martin também tinha recrutado o seu antigo amigo de escola Phil Harvey, estava estudando os clássicos em Oxford, e hoje é o empresário da banda. Começo árduo A banda poderia ficar no ostracismo total, como vários outras, mas conseguiu um lance de sorte: resolve lançar um single, Safety, apesar de só possuírem dinheiro para 500 cópias. Distribuíram o single entre familiares e amigos, e também para gravadoras como BMG e Parlophone (gravadora de Beatles e Radiohead), que depois veio a contratá-los. Eles ainda lançam outro single, Brother & Sisters, pelo pequeno selo Fierce Panda. Já pela Parlophone lançam o EP The Blue Room, com tiragem de 5000 cópias, e que hoje é disputado na mão entre os fanáticos e colecionadores. São ainda lançados (com muito sucesso), o single das belíssimas "Shiver" e "Yellow". Não tinha mais como não acontecerem. Pois é, eles conseguiram um estouro maior. Lançaram seu primeiro disco, o ótimo Parachutes, lançado a 10 de julho de 2000, chegando ao primeiro lugar das paradas no Reino Unido. O clipe de "Yellow" toca sem parar na MTV e a banda se consagra como o destaque maior no V-2000, festival de verão da Inglaterra. Parachutes vende mais de um milhão de cópias, trazendo às paradas outros sucessos, como "Trouble", "Shiver" e "Don't Panic". O público se apaixona pela bela voz de Chris e a guitarra quase oriental de Jon, com solos e riffs transcendentais. O vocalista chega a afirmar que o Colplay é uma das 10 melhores bandas do mundo. Eles ainda tiveram tempo pra se lançar numa bem sucedida turnê americana e ganharam o Grammy em 2002, por melhor álbum alternativo. Coldplay no Rock in Rio 2011 Segundo matéria divulgada no Jornal Nacional da Rede Globo, o COLDPLAY é mais um grupo confirmado para o Rock in Rio em 2011. A banda SKANK também foi confirmada para o evento. O COLDPLAY se apresentará no dia primeiro de outubro. Mais de 62 mil ingressos para o evento já foram vendidos. Fonte desta informação: G1 Protesto: Pena este evento mesclar o bom gosto e brega.

Discografia

2000 – Parachutes
1. Don´t Panic – 2:17
2. Shiver – 4:59
3. Spies – 5:18
4. Sparks – 3:47
5. Yellow – 4:29
6. Trouble – 4:30
7. Parachutes – 0:46
8. High Speed – 4:14
9. We Never Change – 4:09
10. Everything´s Not Lost – 7:15

2002 – A Rush of Blood to the Head
1. Politik – 5:18
2. In My Place – 3:48
3. God Put a Smile upon Your Face – 4:57
4. The Scientist – 5:09
5. Clocks – 5:07
6. Daylight – 5:27
7. Green Eyes – 3:43
8. Warning Sign – 5:31
9. A Whisper – 3:58
10. A Rush Of Blood To The Head – 5:51
11. Amsterdam – 5:19

2005 – X&Y
1. Square One (4:47)
2. What If (4:57)
3. White Shadows (5)
4. Fix You (4:54)
5.Talk (5:11)
6. X&Y (4:34)
7. Speed of Sound (4:48)
8. A Message (4:45)
9. Low (5:32)
10. The Hardest Part (4:57)
11. Swallowed In The Sea (3:58)
12. Twisted Logic (5:01)

2008 – Viva la Vida or Death and All His Friends
1. Life In Technicolor (2:32)
2. Cemeteries Of London (3:20)
3. Lost! (3:54)
4. 42 (3:57)
5. Lovers in Japan (3:56)
6. Reign of Love (2:54)
7. Yes (4:05)
8. Chinese Sleep Chant (3:01)
9. Viva la Vida (4:01)
10. Violet Hill (3:42)
11. Strawberry Swing (4:08)
12. Death And All His Friends (3:32)
13. The Escapist (2:46)
14. Lost! (Acoustic Version) (3:39)
15. Lovers In Japan (Acoustic Version) (3:47)
16. A Spell A Rebel Yell (B-Side) (2:40) Discografia – Coldplay

2011 – Mylo Xyloto
01:: Mylo Xyloto
02:: Hurts Like Heaven
03:: Paradise
04:: Charlie Brown
05:: Us Against the World
06:: M.M.I.X.
07:: Every Teardrop Is a Waterfall
08:: Major Minus
09:: U.F.O.
10:: Princess of China
11:: Up in Flames
12:: A Hopeful Transmission
13:: Don’t Let It Break Your Heart
14:: Up with the Birds

Curiosidades da banda

1. Apesar da popularidade mundial do Coldplay, a banda manteve-se como protetor de suas músicas para não serem usadas na mídia, recusando-se a sua utilização para endossos dos produtos. No passado, os Coldplay recusaram vários contratos milionários da Gatorade, Diet Coke, e Gap, que queria usar as canções "Yellow", "Trouble", e "Don't Panic" respectivamente. De acordo com o vocalista/pianista Martin, “Nós não seríamos capazes de viver com nós mesmos se vendêssemos os significados das músicas que gostamos”. 2. Durante os primeiros anos, o Coldplay se tornou amplamente conhecido nos meios de comunicação e dedicaram 10 por cento dos lucros da banda para a caridade, que eles continuam a fazer. 3. A banda também pede que todos os donativos destinados a eles sejam doados para a caridade, de acordo com uma resposta na seção FAQ do site do Coldplay. 4. A turnê Viva La Vida já foi vista por quase três milhões de pessoas em 25 países. Entre eles, Inglaterra, Noruega, Áustria, Itália, Bélgica, Austrália e Nova Zelândia. 5. Nos camarins, o quarteto gosta de ter jarras de mel, flores naturais, suco de maçã, gengibre e refrigerante de gengibre. Amigos, já ouvi muita música bonita nesta vida, mais esta canção do Coldplay intitulada de Clocks é muito linda, fala serio da vontade de ouvi-la repetidas vezes não? Por isto trouxe-lhes este maravilhoso vídeo, onde a interpretação do vocalista é simplesmente irretocável.

Com vocês, Coldplay – Clocks

Tradução

Clocks(Relógios) Confusão que nunca acaba As paredes que se fecham e os relógios que fazem barulhos Vou Voltar e te levar para casa Eu não poderia parar, que agora você sabe Cantando Apareça sobre meus mares Malditas oportunidades perdidas Eu sou Uma parte da cura? Ou eu sou uma parte da doença? Cantando Você é, você é Você é, você é Você é, você é E nada mais se compara Não, nada mais se compara E nada mais se compara Você é, você é Lar, lar para onde eu queria ir Lar, lar para onde eu queria ir Lar (Você é), lar para onde eu queria ir Lar (Você é), lar para onde eu queria ir. Fontes: wikipedia/whiplash

Discografia do Coldplay

James Brown

2014-04-15T20:18:00.002-07:00

Tudo começou em Barnwell, Carolina do sul, Estados Unidos, 3 de maio 1928, nascia um dos maiores fenômeno da música negra americana. Seu nome? James Brown, que só veio a ser registrado em 3 de maio de 1933. Com estilo gospel e canto R&B, James alucinava seu publico em performances extravagantes e Teatrais, transformando-se num dos maiores sucessos do show business.

De uma família miserável do sul dos Estados Unidos, ainda na adolescência foi preso por assalto. Sua fiança foi paga pelo cantor Bobby Byrd, com quem montou a banda de blues The Flames no início dos anos 50. O destaque de Brown sobre os outros membros logo faria a mudar de nome para James Brown and the Famous Flames. Em meio à explosão do rock and roll no início dos anos 50 a banda gravou alguns singles sem grandes destaques. Pouco antes de ser despedido pela gravadora, em 1958 James Brown conseguiu emplacar um hit em primeiro lugar nas paradas, Try Me. O primeiro álbum de sucesso seria Live At The Apollo de 1963 (bancado pelo próprio Brown, pois álbuns ao vivo eram raros na época e ninguém achava que algo assim valesse os custos).

Veja algumas performances teatrais deste autêntico show business da música negra americana! Com o surgimento da dance music (ironicamente influenciada por ele mesmo) James Brown começou a perder espaço. Ao mesmo tempo passava por problemas sérios com a justiça americana por não declarar corretamente sua renda. Seguiu-se assim um longo período de ausência de Brown nos estúdios ou apresentações ao vivo. Os samples de suas músicas usados no rap dos anos 80 porém trouxe de novo à luz o seu nome, o que permitiu sua volta triunfal em 1986 (no single Unity, gravado com o DJ Afrika Bambaataa). James Brown teve uma vida conturbada com muitas polêmicas, drogas e prisões por agressão, roubo, porte ilegal de arma e assédio sexual. Em sua ficha policial, há duas acusações por agressão, ambas de mulheres do músico. Em 1988, ele foi preso por agredir Adrienne e por consumo de drogas. James foi preso após uma perseguição em alta velocidade pelos estados da Georgia e da Carolina do Sul, depois que a polícia disparou nos pneus do seu veículo. Condenado a seis anos de prisão, ele só cumpriu três e saiu da prisão em 1991. A dependência de drogas foi um grande problema em sua vida, que também resultou em prisão. Em 1998, policiais descobriram um armazém ilegal de armas e maconha dentro da casa. Em janeiro de 2004, ele foi preso mais uma vez sob a acusação de violência doméstica. Aos 70 anos, ele teria agredido sua jovem mulher, Tomi Mae Brown, durante uma discussão. Ela foi levada para o hospital com arranhões e hematomas e James permaneceu em cadeia. Ele pôde responder o processo em liberdade. O cantor faleceu em 25 de dezembro de 2006, de falência cardíaca, resultante de complicações de uma pneumonia.
Confira os principais lançamentos do cantor, além de coletâneas de sua carreira: * Funk People 3 (2000) * Gold (2000) * Say It Live (Live in Dallas) (1999) * Dead On The Heavy Funk (1998) * Original Funky Divas (1998) * I'm Back (1998) * Funk Power (1996) * Foundation Of Funk (1996) * Spank (1996) * The Big Payback (1996) * Live At Chastain Park (1996) * Soul Jubile (1996) * Original Showman Live (1996) * Live At The Appollo 1995 (1996) * Living In America (1995) * Funky Christmas (1995) * Turn It Loose (1994) * Soul Pride (1993) * Love Power Peace (1992) * Universal James (1992) * Love Over Due (1991) * 20 All Time (1991) * Messing With The Blues (1991) * Star Time (Box) (1991) * Soul Session Live (1989) * Duets (1989) * Mother Lode (1988) * Santas Got a Brand New Bag (1988) * I'm Real (1988) * Funk People 2 (1988) * Live at the Apollo, Vol. 2 (1986) * Live In Concert (1986) * Gravity (1986) * In The Jungle Groove (1986) * Funky People (1986) * Live in London (1986) * Bring It On (1983) * Non-stop (1981) * The Best Of James Brown (1981) * Hot On The One (1980) * Live and Lowdown at the pollo (Remix Live At The Apollo) (1980) * Take A Look At Those Cakes (1979) * The Original Disco Man (1979) * Jam 1980's (1978) * Mutha's Nature (1977) * Hot (1976) * Body Heat (1976) * Sex Machine Live (1976) * Get Up Off a That Thing (1976) * Reality (1975) * Sex Machine Today (1975) * Everybodys Doing (1975) * The Payback (1974) * Hell (1974) * Black Caesar (1973) * Slaughters Big Ripp Off (1973) * Soul Classics 2 (1973) * Soul Classics (1972) * There It Is (1972) * Get On The Good Foot (1972) * Super Bad (1971) * Sho Is Funky Down Here (1971) * Hot Pants (1971) * Revolution Of The Mind (1971) * Ain't It Funky (1970) * Soul On Top (1970) * It's a New Day (1970) * Sex Machine (1970) * Hey America (1970) * Say It Loud (1969) * Gettin Down To It (1969) * The Popcorn (1969) * It's A Mother (1969) * JB Presents His Show (1968) * I Can't Stand Myself When you Touch Me (1968) * I Got The Feelin (1968) * JB Plays Nothing But Soul (1968) * Live Appollo 68 (1968) * JB Sings Out of Sight (Remix Out of Sing) (1968) * Thinking About Little Willie (1968) * The James Brown Show (1967) * Raw Soul (1967) * JB Plays the Real Thing (1967) * Live at the Garden (1967) * Cold Sweat (1967) * I Got You (1966) * JB Play New Breed (1966) * It's a Man's Man's Man's World (1966) * Handful of Soul (1966) * Papas Got New Bag (1965) * Pure Dynamite! Live at the Royal (1964) * Show Time (1964) * Grits & Soul (1964) * Out of Sight (1964) * The Unbeatable JamesBrown / 16 Hits (Remix Try Me) (1964) * Live at the Appollo 62 (1963) * Prisonner of Love (1963) * Shoutand & Shimmy (1962) * JB Famous Flame (1962) * The Amazing James Brown (1961) * Night Train (1961) * Think (1960) * Please, Please, Please (1959) * Try Me (1959)
Fontes: Whiplash , 100anosdemusica

Discografia de James Brown

KC and the Sunshine Band

2014-04-15T20:17:00.003-07:00

Olá amigos! Hoje venho falar de uma Banda de funk, pop e disco americana fundada em 1973.Trata-se do KC and Sunshine band, que teve como principal vocalista Harry Wayne Casey ("KC")um de seus fundadores junto com Jerome Smith, Richard Finch e Robert Johnson, a banda lançou o compacto simples das canções "Blow Your Whistle", no mesmo ano, e "Sound Your Funky Horn", no ano seguinte. Ainda em 1974, Casey e Finch veriam a canção "Rock Your Baby", parceria de ambos, levar o cantor George McCrae ao primeiro lugar na parada musical norte-americana.
Com o lançamento do segundo álbum "KC and the Sunshine Band" em 1975, o grupo emplacou "Get Down Tonight", primeiro e maior sucesso da banda nos Estados Unidos. Outro grande hit do LP foi "That's the Way (I Like It)". No ano seguinte, o grupo foi bem no Grammy Awards. O álbum "Part 3", de 1976, teve três sucessos: "I'm Your Boogie Man", "(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty" e "Keep It Comin' Love". Após lançarem o quarto disco, "Who Do Ya Love", em 1978, e participarem da trilha sonora do filme Saturday Night Fever, lançado naquele mesmo ano, KC and Sunshine Band faturou seu quinto e último 1º lugar nos EUA com "Please Don't Go", do LP "Do You Wanna Go Party", de 1979. Este grande sucesso, trazemos para você relembrar e muitos vão arrepiar, pois a música é simplesmente LINDA. Esta eu curti ao vivo no estádio do Mineirinho.
Veja tradução AQUI de "Please Don't Go" (Por Favor Não Vá) Com o declínio da popularidade do disco, o grupo tentou explorar outros estilos musicais. Em 1981, a parceria entre Finch e Casey chegou ao fim. Dois anos depois do lançamento do último trabalho, o grupo lançou mais dois álbuns: "The Painter" e "Space Cadet", que tiveram pouco sucesso. Mas em 1982, uma faixa chamada "Give It Up", do álbum "All in a Night's Work" (gravado antes de a parceria acabar) trouxe a banda de volta ao sucesso. A faixa aparece, também, no álbum "KC Ten", de 1983. Entretanto, a Epic Records recusou-se lançar a canção em compacto simples. Por causa disso, Casey formou o selo Records, lançando o compacto que ganhou algum sucesso. Mas o álbum não teve o mesmo retorno, levando o grupo a parar as atividades por volta de 1985 com a aposentadoria de Casey. Em 1991, um retorno de interesse pela disco music tirou Casey da aposentadoria. Ele recriou o grupo inteiro, composto por novos membros - as maiorias dos membros originais já tinham falecido - e começou novas turnês. A nova banda teve um grande número de coletâneas e pouco material novo. O álbum "Oh Yeah!" foi lançado em 1993, após dez anos sem discos inéditos. Em 2000, o guitarrista Jerome Smith faleceu em um acidente. No ano seguinte, a banda faz um rápido retorno a cena musical para um novo álbum "I'll Be There For You". Integrantes Harry "KC" Wayne Casey (vocal) Maria De Crescenzo (backing vocal) Charlotte Mc Kinnon (backing vocal) Fermin Goytisolo (percussão) Rusty Hamilton III (teclado) Jody Hill (bateria) Zeljko "Nick" Marinovic (teclado) Jeffery Reeves (guitarra) Steve Lashley (baixo) John Reid (trompete) Kenny Hamilton (saxofone) Rick Benadetto (trompete) Tim Pitchfor (trombone) Kenetha Morris (dançarina) Giggi Thesman (dançarina) Ex-integrantes Richard Finch (baixo, bateria) Robert Johnson (bateria) Jerome Smith (guitarra) Mike Lewis (saxofone) Vinnie Tann (trompete) Ken Faulk (trompete) Whit Sidene (saxofone) Margret Reynolds (backing vocals) Beverly Champion (backing vocals) Jeanette Williams (backing vocals) Denvil Liptrot (saxofone) Charles Williams (trombone) Ronnie Smith (trompete) James Weaver (trompete)) Paul Lewis (saxofone) Eugene Timmons (saxofone) James Taylor (saxofone) Discografia

Do It Good (1973)
KC and the Sunshine Band (1975) EUA #4, GBR #26
The Sound of Sunshine (1975) EUA #131
Part 3 (1976) EUA #13
Who Do Ya Love (1978) EUA #36
Do You Wanna Go Party (1979) EUA #50
Space Cadet (1980)
The Painter (1981)
All in a Night's Work (1982)
KC Ten (1983) EUA #93
Oh Yeah! (1993)
I'll Be There For You (2001)
Yummy (2007)

Falta-nos o link para download quem puder ajudar entre em contato.

The Stylistics

2014-04-15T20:17:00.000-07:00

Filadélfia 1968, nascia The Stylistics grupo norte americano de fino R&B um dos mais conhecidos da Philadelphia soul dos anos setenta. Seus protagonistas, Russell Thompkins, Jr., Herbie Murrell, Airrion Love, James Smith e James Dunn, foram a alma deste grupo que sem duvida alguma são uma das mais belas e afinadas vozes da musica negra norte americana. Os Stylistics nasceram em 1968, quando membros de dois grupos de soul da Philadelphia juntaram-se. Thompkins, James Smith e Airrion Love, do grupo The Monarchs, e James Dunn e Herbie Murrell, do grupo The Percussions. Em 1970, o grupo gravou "You're a Big Girl Now", primeiro hit da carreira.
O sucesso viria a partir de 1972, quando eles assinaram contrato com o selo Avco Records. Depois de trabalhar com os grupos The Spinners e The O'Jays, o compositor e arranjador Thom Bell começou a produzir para os Stylistics. Durante este período, a banda obteve 12 Top 10 consecutivos na parada norte-americana (Billboard), incluíndo "You Are Everything", "Betcha by Golly Wow!", "I'm Stone in Love With You", "Break Up to Make Up" e "You Make Me Feel Brand New", agradáveis baladas, compostas por Thom Bell e Linda Creed, que consagraram os Stylistics como um dos grupos de soul mais populares da primeira metade dos anos setenta - notadamente pelos falsetes de Russell Thompkins Jr. a magnífica produção de Bell. Mas depois de Bell deixar de produzir o grupo, os Stylistics entraram em declínio nos Estados Unidos, mas ainda permaneceram populares na Europa, particulamente no Reino Unido. Em 1980, Dunn deixou o grupo por motivos de sáude, e anos mais tarde Smith fez o mesmo. Os Stylistics seguiu se apresentando como trio on oldies em concertos nos anos noventa. Vamos apresentar aqui dois grandes sucessos deste maravilhos grupo, que tanta saudades trará a todos que passaram por esta época de grandes canções, época que a criatividade e bom gosto imperavam em todos os estilos musicais.

Vídeo 1: The Stylistics - You Make Me Feel Brand New 1974 Tradução
Vídeo: 2 The Stylistics - Betcha By Golly Wow 1975 Tradução
Discografia

The Stylistics - 1971
Rockin' Roll Baby - 1974
Let's Put It All Together - 1974
From The Mountain - 1975
The Best Of The Stylistics - 1975
Thank You Baby - 1975
You Are Beautiful - 1975
Fabulous - 1976
Best Of The Stylistics Volume 2 - 1976
Some Things Never Change - 1985
The Greatest Hits Of The Stylistics -1992

Sucessos Inesqueciveis

"You're A Big Girl Now" - 1971
"Stop, Look, Listen (To Your Heart)" - 1971
"You Are Everything" - 1971
"Betcha by Golly Wow!" - 1972
"People Make The World Go Round" - 1972
"I'm Stone In Love With You" - 1972
"Break Up To Make Up" - 1973
"You'll Never Get To Heaven (If You Break My Heart)" - 1973
"Peek-A-Boo" - 1973
"Rockin' Roll Baby" - 1973
"You Make Me Feel Brand New" - 1974
"Let's Put It All Together" - 1974
"Heavy Fallin' Out" - 1974
"Star On A TV Show" - 1975
"Thank You Baby" - 1975
"Sing Baby Sing" - 1975
"I Can't Give You Anything (But My Love)" - 1975
"Na-Na Is The Saddest Word" - 1975
"Funky Weekend" - 1976
"You Are Beautiful" - 1976
"Can't Help Falling in Love" - 1976
"Sixteen Bars" - 1976

Discografia de The stylistics

Geraldo Azevedo

2014-04-15T20:15:00.003-07:00

GERALDO AZEVEDO nasceu em 1945 e foi criado em Petrolina, uma pequena cidade às margens do Rio São Francisco, no Estado de Pernambuco. Músico autodidata, ele aos 12 anos de idade já tocava violão. Mudou-se para Recife em 1963 e lá se juntou a um grupo folclórico intitulado GRUPO CONSTRUÇÃO onde encontrou pela primeira vez Teca Calazans e Naná Vasconcelos. Em 1967 conheceu Eliana Pittman, que o levou como músico acompanhante ao Rio de Janeiro onde se tornou conhecido como compositor e instrumentista versátil; em seguida juntou-se a Naná Vasconcelos, Nelson Ângelo e Franklin para formar o QUARTETO LIVRE, grupo que acompanhou Geraldo Vandré em seus shows até a época em que, devido a problemas políticos com o governo militar, Vandré teve que deixar o país e o grupo se dissolveu.
Logo em seguida, GERALDO participou com Alceu Valença (um antigo amigo de Pernambuco) de um festival de música onde defenderam a canção “78 ROTAÇÕES”. Era o início de uma carreira que iria dar bons frutos, e que conduziu os artistas ao Festival Internacional da Canção do Rio de Janeiro em 1972 com “PAPAGAIO DO FUTURO”. Juntamente com o lendário cantor popular Jackson do Pandeiro, eles tiveram uma notável apresentação no Festival, e foram contratados pela Gravadora Copacabana; seu disco de estreia, “ALCEU VALENÇA & GERALDO AZEVEDO”, foi lançado no mesmo ano. O disco não obteve sucesso: era um trabalho demasiado não convencional para uma gravadora pequena, e passou quase despercebido. Ainda assim, nos anos seguintes, enquanto Alceu Valença seguia carreira solo, GERALDO compôs para a trilha sonora do filme “A NOITE DO ESPANTALHO”, de Sérgio Ricardo, e algumas de suas canções apareceram em novelas de TV, como “GABRIELA” e “SARAMANDAIA”, ambas de enorme audiência em todo o Brasil, e que ajudaram a divulgar seu nome como o de novo e promissor talento. Em 1975, GERALDO trabalhou na direção musical de uma peça teatral de Luiz Mendonça, “LAMPIÃO NO INFERNO”, e ali conheceu Elba Ramalho, uma atriz e cantora que, no futuro, iria gravar com sucesso muitas de suas canções. No ano seguinte saiu seu primeiro disco solo através da gravadora SOM LIVRE , apresentando, entre outras faixas “CARAVANA”, “BARCAROLA DO SÃO FRANCISCO “e “EM COPACABANA”. Em 1979 ele foi contratado pela CBS e fez o LP “BICHO DE SETE CABEÇAS”, quando se apresenta como um compositor mais amadurecido: “TÁXI LUNAR “e “BICHO DE SETE CABEÇAS “estão entre as suas melhores canções, e são invariavelmente incluídas em suas apresentações ao vivo. Este álbum também mostra GERALDO como um cantor capaz de interpretações surpreendentemente belas de canções alheias, como em “PAULA & BEBETO” (Caetano Veloso e Milton Nascimento) e “ÁGUAS DE MARÇO” (Tom Jobim) que GERALDO intercala com “MEU PIÃO” (Zé do Norte) canção da trilha sonora do filme “CANGACEIRO”, o primeiro sucesso internacional do cinema brasileiro em 1953. GERALDO estava entre o grupo de artistas brasileiros que foram para Angola no Projeto Calunga, e no ano seguinte lançou seu terceiro disco (o primeiro sob o selo Ariola) “INCLINAÇÕES MUSICAIS”. Neste LP, GERALDO contou com alguns dos melhores músicos de estilo disponível no Brasil, como Robertinho Silva (bateria), Nivaldo Ornelas (flauta), Copinha (flauta), Márcio Montarroyos (trompete); participações especiais de Sivuca e Jackson do Pandeiro; e arranjos de Dori Caymmi. O disco contém três dos seus maiores sucessos: “DIA BRANCO”, “MOÇA BONITA” e “CANTA CORAÇÃO”. O disco seguinte veio em 1982, ainda pela Ariola “FOR ALL PARA TODOS”. A canção título se refere à origem da palavra “forró” (que significa um baile popular, bem como uma espécie de dança). Diz a lenda que os engenheiros ingleses, quando construíram as ferrovias do Nordeste no século passado, costumavam dar bailes privados para si próprios, e bailes abertos para seus trabalhadores, os quais eram chamados de “for all”. A partir dessa história GERALDO e José Carlos Capinam construíram um forró irresistível e dançante. Outras faixas dignas de nota no disco são “ESPIRAL DO TEMPO”, “NUVENS SEM GUIA” e “PRÍNCIPE BRILHANTE” Em 1984 GERALDO participou do Festival de Jazz de Montreux e fez turnê através da França e da Itália. No ano seguinte retornou a Suíça percorrendo várias cidades, e foi também a Moscou, onde participou do Festival da Juventude. Ainda sob o selo Barclay (antiga Ariola) GERALDO lançou em 1985 seu quinto disco, “TEMPO TEMPERO”, com arranjos de Wagner Tiso e Hugo Fattoruso (entre outros), e Nana Caymmi como convidada especial. No mesmo ano foi gravado o seu primeiro disco ao vivo (único até agora), “GERALDO AZEVEDO”, pelo selo Echo. Gravado no Golden Room do Copacabana Palace, no Rio, ele fazia parte do projeto “Luz do Solo”, que promovia apresentações solo de grandes nomes da música brasileira. Este disco cobre todo o aspecto das influências musicais assimiladas por GERALDO, indo desde o “ABC DO SERTÃO”de Luiz Gonzaga até “TOMORROW IS A LONG TIME” de Bob Dylan. Os convidados especiais são Elba Ramalho, cuja interpretação da “CANÇÃO DA DESPEDIDA” de GERALDO e VANDRÉ tornouse um grande sucesso seu em disco e shows, e Zé Ramalho, parceiro de GERALDO em “TÁXI LUNAR”e “BICHO DE SETE CABEÇAS”. Vamos recordar um dos sucessos deste grande compositor e cantor da MPB, em um vídeo maravilhoso.Simplesmente um dos maiores encontros da música brasileira, Zé Ramalho, Elba Ramalho e o grande Geraldo Azevedo em Taxi lunar.
Em 1986, GERALDO AZEVEDO apresentou-se no Uruguai, Martinica e em Caynne e, juntamente com seu amigo Naná Vasconcelos, fez uma extensa turnê pelo Brasil. Logo em seguida ele deixou a gravadora Barclay e iniciou a produção de um disco independente, “DE OUTRA MANEIRA”, que acabou se transformando em seu maior sucesso de vendagem até hoje. No mesmo ano, ele tomou parte no show CANTORIA, juntamente com três outros cantores nordestinos: Elomar, Xangai e Vital farias. O show foi altamente elogiado pela crítica, e um disco, gravado no Teatro Castro Alves (Bahia) foi lançado logo depois, sob o selo Kuarup. Nos últimos anos GERALDO tem viajado intensamente através do Brasil, especialmente no Nordeste, sua região natal, onde ele tem um público amplo e que não para de crescer. Seu disco “BEREKEKÊ”, gravado em Los Angeles, lançado no Brasil pelo selo do próprio artista GERAÇÃO tornou-se um sucesso e recebeu imediatos elogios por parte da crítica. GERALDO AZEVEDO AO VIVO... COMIGO foi mais um CD lançado pelo selo GERAÇÃO gravado em várias sessões no Teatro Guararapes (Recife), Teatro Yemanjá (Salvador) e Teatro Rival (Rio de Janeiro), serve como que para fechar um ciclo na carreira do cantor/compositor, exibindo a extrema depuração técnica a que chegou seu domínio do instrumento. Em 1996 lançou um novo CD intitulado “FUTURAMÉRICA”, com várias composições inéditas em parceria com Capinan, Carlos Fernando e Fausto Nilo, alguns de seus parceiros mais constantes. Uma faixa do CD, “À Procura de Alguém”, uma regravação de um antigo frevo do mestre Capiba, foi incluída, nos primeiros meses de 1997, na trilha sonora da novela “A Indomada” da TV Globo. Neste mesmo ano Geraldo Azevedo e Zé Ramalho excursionaram por todo o Brasil com o show DUETO, de grande sucesso de critica e publico, culminando com uma apresentação de enorme sucesso no Canecao ( Rio de Janeiro) e que foi o ponto de partida para o projeto O Grande Encontro. No ano de 1998, Geraldo lançou o CD duplo Raízes e Frutos, onde fez regravações de grandes sucessos de sua carreira. No disco intitulado Raízes, foram incluídas as músicas que tinham uma ligação maior com o sertão, o estado de Pernambuco, e suas primeiras influências musicais. Em Frutos, apareceram as canções que refletiam a sua vivência posterior no ambiente urbano, e a sensibilidade filtrada através da técnica conquistada na maturidade artística. Com produção de Robertinho do Recife, Raízes & Frutos é um notável exemplo de um artista maduro fazendo uma releitura de canções da juventude e trazendo para elas todas as lições aprendidas ao longo da estrada. Geraldo Azevedo participou do projeto O Grande Encontro, onde se reuniu a Elba Ramalho, Zé Ramalho eAlceu Valença, em discos e shows, respectivamente, de 1998 e 2000, os artistas se uniram mostrando clássicos de suas respectivas carreiras, além de recuperarem sucessos de mestres como Luiz Gonzaga, Geraldo Vandré e Trio Nordestino. No Grande Encontro 3, gravado ao vivo no Rio de Janeiro, participações especiais de Belchior, Lenine e Moraes Moreira alargaram as fronteiras musicais do disco, que se transformou numa celebração à vitalidade da música nordestina. Em 2000, foi lançado Hoje e Amanhã, o segundo disco gravado por Geraldo nos EUA com a participação de músicos norte-americanos. A boa recepção de Berekekê (1991) levou Geraldo a juntar-se ao produtor Pippo Spera e músicos como o percussionista Alex Acuña e o baixista Alphonso Johnston, além dos brasileiros César Michilles e Luiz Antonio, além de Dori Caymmi, que fez a orquestração da faixa Una palabra. Assim como no CD Berekekê, em Hoje e Amanhã está presente uma síntese musical onde os músicos estrangeiros se integram sem esforço às propostas rítmicas e harmônicas das canções. Já o CD O Brasil Existe em Mim foi totalmente gravado no Brasil, contando com as participações de Elba Ramalho na faixa São João Barroco e Alceu Valença dividindo a musica Já Que O Som Não Acabou em homenagem ao mestre dos dois Jackson do Pandeiro. Este CD teve a produção de Paulo Rafael e conta com a colaboração de vários músicos que tocaram e tocam com Geraldo até hoje. Ainda neste CD uma parceria inédita de Geraldo e Torquato Neto e a canção Ver de Novo, que ele divide com sua filha Clarice Azevedo. No ano de 2009 lançou seu 1º DVD, Uma Geral do Azevedo com seus maiores sucessos e músicas com a maioria dos seus parceiros, gravado ao vivo no Circo Voador (Lapa – Rio de Janeiro) com 12 músicos e um cenário todo feito a partir de desenhos do próprio Geraldo. Já o CD O Brasil Existe em Mim foi totalmente gravado no Brasil, contando com as participações de Elba Ramalho na faixa São João Barroco e Alceu Valença dividindo a musica Já Que O Som Não Acabou em homenagem ao mestre dos dois Jackson do Pandeiro. Este CD teve a produção de Paulo Rafael e conta com a colaboração de vários músicos que tocaram e tocam com Geraldo até hoje. Ainda neste CD uma parceria inédita de Geraldo e Torquato Neto e a canção Ver de Novo, que ele divide com sua filha Clarice Azevedo. No ano de 2009 lançou seu 1º DVD, Uma Geral do Azevedo com seus maiores sucessos e músicas com a maioria dos seus parceiros, gravado ao vivo no Circo Voador (Lapa – Rio de Janeiro) com 12 músicos e um cenário todo feito a partir de desenhos do próprio Geraldo. Atualmente está lançando o CD e DVD Salve São Francisco, um projeto idealizado por Geraldo Azevedo que conta com as participações especiais de alguns dos mais talentosos artistas produzidos no país, como Dominguinhos, Alceu Valença, Maria Bethânia, Ivete Sangalo, Djavan, Moraes Moreira, Fernanda Takai, Roberto Mendes, Geraldo Amaral, Vavá Cunha e Márcia Porto. A produção musical ficou a cargo de Robertinho de Recife, a produção executiva é de Gabriela Azevedo e a direção de Lara Velho. Todas as suas faixas celebram a beleza e importância do rio São Francisco. Através das músicas, a conscientização ecológica a respeito da água, elemento essencial para a os seres vivos, é despertada. O projeto mostra o making of das gravações, além de imagens de vários lugares por onde o rio São Francisco passa, mostrando sua beleza e peculiaridades. Geraldo através das musicas declara seu amor pelo Rio São Francisco, que o banhou quando criança, e faz um apelo para que todos se conscientizem do uso da água potável do mundo que já se encontra escasso em diversas regiões do planeta. Discografia

Alceu Valença e Geraldo Azevedo - Quadrafônico (1972)
Copacabana LP/CD
Geraldo Azevedo (1977) Som Livre LP/CD
Bicho-de-sete-cabeças (1979) Epic/CBS LP/CD
Inclinações musicais (1981) Ariola LP/CD
For all para todos (1982) Ariola LP/CD
Tempo tempero (1983) Barclay/Ariola LP/CD
Cantoria I (1984) Kuarup LP/CD
A luz do solo (1985) Barclay/Polygram LP/CD
De outra maneira (1986) Echo/RCA LP/CD
Cantoria II (1988) Kuarup LP/CD
Eterno presente (1988) RCA LP
Bossa tropical (1989) RCA LP/CD
Berekekê (1991) Geração LP/CD
Ao vivo comigo (1994) Geração/BMG Ariola LP/CD (disco de ouro)
Futuramérica (1996) BMG LP/CD
O grande encontro 1 (1996) BMG CD (disco platina triplo)
O grande encontro 2 (1997) BMG CD (disco de ouro)
Raízes e frutos [1998] BMG CD
O grande encontro 3 (2000) BMG CD
Hoje amanhã (2000) BMG CD
O Brasil existe em mim (2007) Sony&BMG CD
Uma Geral do Azevedo (2009 ) Geração CDs vol. 1 e 2 e DVD
Salve São Francisco (2011) Biscoito Fino/ Geração/ Bacana/ Terra Brasilis CD e DVD

Site Oficial de Geraldo Azevedo

Bob Marley

2014-04-15T20:14:00.003-07:00

“Vocês riem de mim por eu ser diferente, e eu rio de vocês por serem todos iguais”. (Bob Marley) Robert Nesta Marley nasceu em St. Ann, Jamaica, no dia 6 de fevereiro de 1945. Grande Bob Marley, o maior cantor de reggae de todos os tempos, o responsável em introduzir a música jamaicana em todo o mundo. Filho de Cedella Booker, uma jovem negra, e do capitão Norval Marley, um inglês branco de meia idade, Bob conheceu pouco o pai. Cedella e Norval estavam de casamento marcado para 9 de julho de 1944. No dia seguinte ao seu casamento, Norval abandonou-a, porém continuou a dar apoio financeiro á mulher e filho. Raramente os via, pois estava constantemente viajado. Após a morte de Norval em 1955, Marley e a mãe mudaram-se para Trenchtown , uma favela de Kingston.
Bob Marley teve uma juventude bastante difícil em Trenchtown uma favela de Kingston, o que acabou ajudando-o a retratar em suas músicas os problemas sociais. Inicialmente, sua carreira musical começou com o grupo Wailing Wailers, que incluía Peter Tosh e Bunny Livingston, este último amigo de infância de Bob com quem começou a tocar latas e guitarras improvisadas em casa. O som que os dois garotos faziam era influênciado pelas emissoras do sul dos Estados Unidos que conseguiam captar nos seus rádios e que tocavam músicas de artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton e Fats Domino, além de grupos como The Drifters que tinham muita popularidade na Jamaica. Uma grande performance de No Woman No Cry, de Bob Marley. Para os verdadeiros fãs!
Tradução Bob Marley & The Wailers tocando No woman no cray ao vivo, festival harvard stadium Boston 21/07/1979.Este foi um dos shows mais originais de Bob porque foi antes do início da turnê Survival em 1979, apos a gravação do album Survival.Foi realizada durante a tarde porque os promotores temiam uma performance poderosa de Bob o que poderia provocar um grande tumulto. 1963 o ritmo da moda na Jamaica então era o Ska que, com uma batida marcada e dançante, misturava elementos africanos com o rhythm & blues de New Orleans e que tinha Clement “Sir Coxsone” Dodd como um dos seus mais famosos divulgadores. Os Wailing Wailers lançaram o seu primeiro single, “Simmer Down”, pela gravadora Coxsone no fim de 1963 e em janeiro a música já era a mais tocada na Jamaica, permanecendo nessa posição durante dois meses. O grupo então era formado por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite e dois backing vocals, Beverly Kelso e Cherry Smith. Nessa época chegou pelo correio à passagem que Dona Cedella, que tinha se casado novamente e mudado para Delaware nos Estados Unidos, conseguiu comprar após muito esforço para juntar dinheiro. Ela desejava dar a Bob uma nova vida na América, mas antes da viagem ele conheceu Rita Anderson e em 10 de fevereiro de 1966 eles se casaram. Marley passou apenas oito meses com a mãe antes de retornar à Jamaica, onde começou um período que teve importância especial no resto de sua vida. Bob chegou em Kingston em outubro de 66, apenas seis meses depois da visita da Sua Majestade Imperial, o Imperador Hailè Selassiè, da Etiópia, que trouxe nova força ao movimento Rastafari na ilha. O envolvimento de Marley com a crença Rastafari também estava crescendo e, a partir de 67, sua música começou a refletir isso. Os hinos dos Rude Boys deram lugar a uma crescente dedicação às canções espirituais e sociais que se tornaram a pedra fundamental do seu real legado. Bob, então, convidou Peter e Bunny para novamente formarem um grupo, dessa vez chamado “The Wailers”. Rita também começava sua carreira como cantora com um grande sucesso chamado “Pied Piper”, um cover de uma canção pop inglesa. A música jamaicana, entretanto, havia mudado. A frenética batida do Ska estava dando lugar a um ritmo mais lento e sensual chamado Rock Steady. A nova crença Rastafari dos Wailers os colocou em conflito com Coxsone Dodd e, determinados a controlar seu próprio destino, os fez criar um novo selo, o Wail’N’Soul. Mas, apesar de alguns sucessos, os negócios dos Wailers não melhoraram muito e o selo faliu no fim de 1967. O grupo sobreviveu, entretanto, inicialmente como compositores de uma companhia associada ao cantor americano Johnny Nash que, na década seguinte, teria um grande sucesso com “Stir It Up”, de Bob. Os Wailers então conheceram um homem que revolucionaria o seu trabalho: Lee Perry, cujo gênio produtivo havia transformado as técnicas de gravação em estúdio em arte. A associação Perry / Wailers resultou em algumas das melhores gravações da banda. Músicas como “Soul Rebel”, “Duppy Conqueror”, “400 Years” e “Small Axe” se não foram clássicos definiram a direção futura do reggae. Em 1970, Aston 'Family Man' Barrett e seu irmão Carlton (baixo e bateria, respectivamente) se uniram aos Wailers. Eles eram o núcleo da banda de estúdio de Perry e haviam participado de várias gravações do grupo. Os irmãos eram conhecidos como a melhor seção rítmica da Jamaica, status que continuariam ostentando pela década seguinte. Os Wailers eram então reconhecidos como grande sucesso no Caribe, mas internacionalmente continuavam desconhecidos. No verão de 1971 Bob aceitou o convite de Johnny Nash para acompanhá-lo à Suécia, ocasião em que assinou contrato com a CBS, que também era a gravadora do americano. Na primavera de 72 todos os Wailers já estavam na Inglaterra, promovendo ostensivamente o single “Reggae on Broadway”, mas sem alcançar bom resultado. Como última tentativa Bob entrou nos estúdios da Island Records, que havia sido a primeira a dar atenção ao crescimento da música jamaicana, e pediu para falar com o seu fundador, Chris Blackwell. Blackwell conhecia a fama dos Wailers e o grupo estava fazendo uma proposta irrecusável. Eles estavam adiantando 4 mil libras para gravar um álbum e para que, pela primeira vez, uma banda de reggae tivesse acesso as mais avançadas técnicas de gravação e fosse tratada como eram as bandas de rock da época. Antes dessa proposta as gravadoras achavam que um grupo de reggae só vendia em singles ou compilações com várias bandas. O primeiro álbum dos Wailers, “Catch A Fire” quebrou todas as regras: era lindamente embalado e fortemente promovido. Era o começo de um longo caminho à fama e ao reconhecimento internacional. Embora “Catch A Fire” não tenha sido um hit instantâneo, o álbum teve um grande impacto na mídia. O ritmo marcante de Marley, aliado às suas letras militantes vinham com total contraste ao que estava sendo feito então. Além disso, a Island promoveu uma turnê do grupo na Inglaterra e nos Estados Unidos, o que era uma completa novidade para uma banda de reggae. Os Wailers chegaram em Londres em abril de 73, embarcando numa série de apresentações que mostraria sua qualidade como banda de shows ao vivo. Entretanto, após três meses, o grupo voltou à Jamaica e Bunny, desencantado com a vida na estrada, se recusou a tocar na turnê americana. No seu lugar entrou Joe Higgs, o velho professor de canto dos Wailers. A turnê americana incluía, além de algumas casas de show, a participação em alguns shows de Bruce Springsteen e Sly & The Family Stone, a principal banda de música negra americana do momento. Mas depois de quatro shows ficou claro que colocar os Wailers abrindo espetáculos poderia ser ruim para as atrações principais. A banda foi então para San Francisco, onde a rádio KSAN transmitiu uma apresentação ao vivo que só foi publicada em 1991, quando a Island lançou o álbum comemorativo “Talkin’ Blues”. Em 73 o grupo também lançou o seu segundo álbum pela Island, “Burnin’”, um LP que incluía novas versões de algumas das suas mais velhas músicas, como: “Duppy Conqueror”, “Small Axe” e “Put It On”, junto com faixas como “Get Up, Stand Up” e “I Shot The Sheriff” (que no ano seguinte se tornaria um enorme sucesso mundial na voz de Eric Clapton, alcançando o primeiro lugar na lista dos singles mais vendidos nos Estados Unidos). Em 74 Marley passou uma grande parte do seu tempo no estúdio trabalhando nas sessões que resultaram em “Natty Dread”, um álbum que incluía músicas como “Talkin’ Blues”, “No Woman No Cry”, “So Jah Seh”, “Revolution”, “Them Belly Full (But We Hungry)” e “Rebel Music (3 o’clock Roadblock)”. No início do próximo ano, entretanto, Bunny e Peter deixariam definitivamente o grupo para embarcar em carreiras solo enquanto a banda começava a ser conhecida por Bob Marley & The Wailers. “Natty Dread” foi lançado em fevereiro de 75 e logo a banda estava novamente na estrada. A composição harmônica perdida com a saída de Bunny e Peter havia sido substituída pelas I-Threes, um trio feminino composto pela esposa de Bob, Rita, além de Marcia Griffiths e Judy Mowatt. Entre os concertos, os mais importantes foram as duas apresentações no Lyceum Ballroom de Londres que até hoje são lembradas entre as melhores da década. Os shows foram gravados e logo o disco, junto com o single “No Woman, No Cry”, estava nas paradas de sucesso. Em novembro, quando Marley voltou a Jamaica para tocar num show beneficiente com Stevie Wonder ele já era obviamente o maior superstar da ilha. “Rastaman Vibrations”, o álbum seguinte, lançado em 76, atingiu o topo das paradas americanas e é considerado por muitos a mais clara exposição da música e das crenças de Bob. O LP incluía músicas como “Crazy Baldhead”, “Johnny Was”, “Who The Cap Fit” e, talvez a mais significativa de todas, “War”, cuja letra foi extraída de um discurso do Imperador Hailè Selassiè, nas Nações Unidas. Com o sucesso internacional cresceu a importância política de Bob Marley na Jamaica, onde a fé Rastafari expressa por sua música alcançava forte ressonância na juventude dos guetos. Como forma de agradecimento ao povo da ilha, Bob decidiu dar um concerto aberto no Parque dos Heróis Nacionais de Kingston, em 5 de dezembro de 1976. A idéia era enfatizar a necessidade de paz nas ruas da cidade, onde as brigas de gangues estavam causando confusão e mortes. Logo depois do anúncio do show, o governo convocou eleições para o dia 20 de dezembro. Isso deu nova força à guerra no gueto e, na tarde do concerto atiradores invadiram a casa de Bob e o alvejaram. Na confusão os atiradores apenas feriram Marley, que foi levado a salvo às montanhas na cercania da cidade. Entretanto ele resolveu fazer o show de qualquer maneira e subiu ao palco para uma rápida apresentação em desafio aos seus agressores. Foi a última apresentação de Bob na Jamaica por oito meses. Logo após o show ele deixou o país para viver em Londres, onde gravou seu próximo álbum, “Exodus”. Lançado no verão daquele ano, “Exodus” consolidou o status internacional da banda, ficando nas paradas da Inglaterra por 56 semanas seguidas e tendo seus três singles - “Waiting In Vain”, “Exodus” e “Jammin’” - com grandes vendagens. Em 78 a banda capitalizou novo sucesso com “Kaya”, que alcançou o quarto lugar na Inglaterra logo na semana seguinte do lançamento. O álbum mostrava um novo ângulo de Marley, com uma coleção de canções de amor e, claro, homenagens ao poder da “Ganja”. Do álbum foram extraídos dois singles: “Satisfy My Soul” e “Is This Love”. Ainda em 78 aconteceriam mais três eventos com extraordinária importância para Marley. Em abril ele voltou à Jamaica para o “One Love Peace Concert”, quando fez com que o Primeiro-Ministro Michael Manley e o líder da oposição Edward Seaga se dessem as mãos no palco. Ele foi então convidado para ir à sede das Nações Unidas, em New York, para receber a Medalha da Paz. E, no fim do ano, Bob visitou a África pela primeira vez, indo inicialmente ao Kenya e depois à Etiópia, o lar espiritual Rastafari. A banda havia recém terminado uma turnê pela Europa e América que rendeu o segundo álbum ao vivo: “Babylon By Bus”. “Survival”, o nono álbum de Bob Marley pela Island foi lançado no verão de 1979. Ele incluía “Zimbabwe”, um hino para a Rodésia, que logo seria libertada, junto com “So Much Trouble In The World”, “Ambush In The Night” e “Africa Unite”. Como indica a capa, que contém as bandeiras das nações independentes, “Survival” foi um álbum em homenagem à solidariedade Pan-Africana. Em abril de 1980, o grupo foi convidado oficialmente pelo governo do recém libertado Zimbabwe para tocar na cerimônia de independência da nova nação. Essa foi a maior honra oferecida à banda e demonstrou claramente a sua importância no Terceiro Mundo. O próximo disco da banda, “Uprising”, foi lançado em maio de 80 e teve sucesso imediato com “Could You Be Loved”. O álbum também trazia “Coming In From The Cold”, “Work” e a extraordinária faixa de encerramento, “Redemption Song”. Os Wailers então embarcaram na sua maior turnê européia, quebrando recordes de público pelo continente. A agenda incluía um show para 100 mil pessoas em Milão, o maior da história da banda. Bob Marley & The Wailers eram a maior banda na estrada naquele ano e “Uprising” estava em todas as paradas da Europa. Era um período de máximo otimismo e estavam sendo feitos planos de uma turnê na América em companhia de Stevie Wonder no final do ano. No fim da turnê européia Marley e a banda foram para os Estados Unidos. Bob fez dois shows no Madison Square Garden, mas logo após caiu seriamente doente. Três anos antes, em Londres, ele havia ferido o dedo do pé jogando futebol. O ferimento se tornou canceroso e, apesar de ter sido tratado em Miami, continuou a progredir. Em 1980, o câncer, em sua forma mais virulenta, começou a se espalhar pelo corpo de Bob. Ele controlou a doença por oito meses, fazendo tratamento na clínica do Dr. Joseph Issels, na Bavária. O tratamento de Issels era controvertido por só usar remédios naturais e não tóxicos e, por algum tempo, pareceu estabilizar a condição de Bob. Entretanto, repentinamente a luta começou a ficar mais difícil. No começo de maio ele deixou a Alemanha para voltar à Jamaica, mas não completou a viagem. Bob Marley morreu num hospital de Miami na segunda-feira, 11 de maio de 1981. No mês anterior, Marley havia sido agraciado com a Ordem do Mérito da Jamaica, a terceira maior honra da nação, em reconhecimento à sua inestimável contribuição à cultura do país. Na quinta-feira, 21 de maio de 1981, o Honorável Robert Nesta Marley O. M. recebeu um funeral oficial do povo da Jamaica. Após o funeral - assistido tanto pelo Primeiro-Ministro como pelo líder da oposição - o corpo de Marley foi levado à sua terra natal, Nine Mile, no norte da ilha, onde agora descansa em um mausoléu. Bob Marley morreu aos 36 anos, mas a sua lenda permanece viva até hoje. Convicções políticas e religiosas Bob Marley era adepto da religião rastafári. Ele foi influenciado por sua esposa Rita, e passou a receber os ensinamentos de Mortimer Planno. Ele servia de fato como um missionário rasta (suas ações e músicas demonstram que isso talvez fosse intencional), fazendo com que a religião fosse conhecida internacionalmente. Em suas canções Marley pregava irmandade e paz para toda a humanidade. Antes de morrer ele foi inclusive batizado na Igreja Ortodoxa da Etiópia com o nome Berhane Selassie. Marley era um grande defensor da maconha, usada por ele no sentido da comunhão, apesar de que seu uso não é consenso entre os rastafáris. Na capa de Catch a Fire inclusive ele é visto fumando um cigarro de maconha, e o uso espiritual da cannabis é mencionado em muitas de suas músicas. Marley também tinha conexões com a seita rastafári "Doze Tribos de Israel", e expressou isso com uma frase bíblica sobre José, filho de Jacó, na capa do álbum Rastaman Vibration. Conversão Segundo seu filho Ziggy Marley, Marley se converteu ao cristianismo antes de morrer. O motivo seria o de que, segundo a religião rasta, o corpo é um templo sagrado e por isso retirar o câncer seria errado. Marley teria descoberto muitas coisas semelhantes entre o rastafarianismo e o cristianismo e decidido que seu corpo deveria ser cuidado. O próprio Ziggy ainda tenta espalhar o legado de seu pai, com ideais e raízes do rastafarianismo e do reggae, mas com um entendimento cristão. Reputação póstuma A música e a lenda de Bob Marley ganharam mais e mais força desde sua morte, e continuam a render grandes lucros para seus herdeiros. Também deu a ele um status mítico, similar ao de Elvis Presley e John Lennon. Marley é enormemente popular e bastante conhecido ao redor do mundo, particularmente na África e na América Latina. É considerado por muitos como o primeiro popstar do Terceiro Mundo. Em janeiro de 2005 foi divulgado que Rita Marley estava planejando exumar os restos de Bob Marley e enterrá-los em Shashamane, Etiópia. Ao anunciar sua decisão, Rita afirmou que "toda a vida de Bob foi centrada na África, não na Jamaica". Os jamaicanos foram amplamente contra a proposta, e a comemoração do aniversário de Bob em 6 de fevereiro de 2005 foi celebrada em Shashamane pela primeira vez, pois, antes todas as outras haviam sido realizadas na Jamaica.
Fontes: Whiplash, Reggaeportugal
Discografia de Bob Marley

Reamonn

2014-04-15T20:13:00.002-07:00

Reamonn é um grupo de rock e pop alemão que é bem conhecido por toda a Europa. A banda gravou seis álbuns. Em 1997, Rea Garvey deixou a banda The Reckless Pedestrians e a cidade natal de Tralee, na Irlanda para ir a Alemanha sem muito dinheiro e uma demo CD em seu bolso. Colocou um anúncio no jornal local Stockacher Anzeiger anunciando “Cantor requer banda para a gravação de shows ao vivo. ”
Mike Gommeringer (Gomezz) viu este anúncio e foi ao encontro de Garvey, cuja banda original, uma vez tinha visto tocar ao vivo. Os dois começaram a tocar juntos e posteriormente recrutaram Uwe, Sebi e Phil. O seu primeiro show foi reproduzido no Réveillon 1998 em Stockach. A fim de garantir um contrato de gravação, criaram uma mostra em Logo, num pequeno clube, em Hamburgo, na frente de 16 representantes de várias gravadoras, em 1999. A banda foi rapidamente obteve vários convites de contratos, escolhendo assinar com a Virgin Records Alemanha. A partir de 2006 foram contratados pela Universal Music.
Assista a performance desta banda, numa apresentação ao vivo
Veja a Tradução desta linda música do Reamonn “Colder” Discografia: Travis - The Man Who Lançamento: 2000 The Invisible Band - Lançamento: 2001 12 Memoris - Lançamento: 2003 12 Memoris 2 - Lançamento: 2003 Boy with No Name - Lançamento: 2007 Ode To J.Smith - Lançamento: 2008

Discografia do Reamonn

Yarbrough & Peoples

2014-04-15T18:31:00.000-07:00

“Don’t Stop the Music”

A essência do Funk

Este duo maravilhoso que se consagrou nos anos 80 com esta música Don’t Stop the Music por favor "Não pare a música", Calvin Yarbrough, teclado e vocal, Alisa Peoples Vocal, Eles se conheciam desde crianças em Dallas. Faziam aulas de piano com o mesmo professor, eram da mesma igreja na qual cantavam no coral. Em 1977 quando The Gap Band em turnê por Dallas presenciaram a dupla cantando em um clube ficaram alucinados com a performance de Calvin e Alisa.
O então empresário da banda Lonnie Simmons também ficou impressionado com a dupla e logo fez o convite para eles o procurarem em Los Angeles. Em 1979 o casal assina contrato com Lonnie Simmons e em seguida lançam seu primeiro álbum “The Two Of Us” que continha o espetacular single Don't Stop the Music(Não Pare a música). O álbum logo virou sucesso na Billboard Hot 100, superando até mesmo seus admiradores The Gap Band que no mesmo momento estavam nas paradas com a música “Burn Rubber On Me. O álbum logo virou disco de ouro e se espalhou pela Europa atingindo o 7º lugar na UK Singles Chart no Reino Unido. O duo continuou com grandes sucessos na década de 80, com mais 4 Top Ten R&B hits. "Heartbeats" (R & B # 10 em 1983), Don’t Waste Your Time" (Pop # 48, R & B # em 1984), "Guilty" (R & B # 2, em 1986), "I Wouldn't Lie" (R&B #6 iem 1986).Pode – se dizer que Yarbrough & Peoples estavam produzindo um R&B/Funk bem à frente do seu tempo.

Discografia

The Two of Us -Mercury/PolyGram - 1980
Heartbeats -Total Experience/PolyGram Records- 1983
Be A Winner- Total Experience Records - 1984
Guilty -Total Experience Records- 1985
The Best of Yarbrough and Peoples- Mercury/PolyGram Records - 1997

Confira neste vídeo o talento deste duo americano Yarbrough & Peoples, na performance deste sucesso que embalou geral as pistas de dança dos anos 80 “Don't Stop the Music”.
Veja aqui a tradução Fontes: : Allmusic / Wikipedia

Yarbrough & Peoples - Don't stop the music

Aerosmith

2014-04-15T18:29:00.001-07:00

1970 o Brasil sagrava-se tricampeão mundial, e em Massachusetts – Boston era formada uma das maiores bandas de hard rock de todos os tempos Aerosmith. Na realidade a banda foi formada em 1969 com a união de duas bandas, a Jam Band e a banda Chain Reaction.
Aerosmith é a banda americana que mais vendeu discos na historia,mais de 150 milhões de cópias no mundo inteiro. Steven Tyler (originalmente baterista) e Joe Perry (guitarrista) se conheceram na lanchonete em que Joe Trabalhava. Posteriormente Steven assistiu a uma apresentação da Jam Band que incluia Joe Perry e Tom Hamilton. Juntamente com Ray Tabano, que tocava com Tyler em uma banda chamada Chain Reaction, formaram o que viria a ser o embrião do Aerosmith. Posteriormente Joe Kramer assumiu a bateria para que Tyler se dedicasse aos vocais e com a substituição de Ray Tabano por Brad Withford a formação que todos conhecemos estava completa. foram descobertos pela gravadora Columbia em 1972, gravando seu primeiro álbum auto intitulado no início de 1973. A recepção do álbum e do primeiro single, "Dream On", foi apenas razoável mas suficiente para que a banda conquistasse uma legião fiel de fãs. Durante esta primeira fase da carreira profissional excursionaram como banda de abertura de bandas tão diversas como Kinks, Mott The Hopple e Mahavishnu Orchestra. O segundo álbum, "Get Your Wings", apesar de uma melhor repercussão também não foi um estouro de vendas. Apenas com "Toys in the Attic" de 1975 o Aerosmith conheceria as grandes platéias. O grupo tinha o privilégio de possuir uma sonoridade inédita, agradando a público e crítica; sua música era elaborada demais para ser punk, alegre demais para ser chamada de heavy metal e agressiva demais para ser comparada ao hard rock da época capitaneado pelo Led Zeppelin. As letras sacanas eram o contraponto perfeito à energia irresistível e arranjos fáceis de serem assimilados. O primeiro grande hit foi "Sweet Emotion" logo seguida por "Walk This Way". Em pouco tempo a balada "Dream On", gravada alguns anos antes também viraria um hit. O álbum Rocks, influência de toda uma geração do hard rock americano, foi o primeiro disco de platina do Aerosmith, iniciando uma série de discos que alcançariam esta vendagem por vários anos seguidos; Rocks já atingiu 4 platinas (4 milhões de cópias) e foi o primeiro disco sem nenhuma cover. Joe Perry faz a guitarra cavalgar em "Back In The Saddle" (que foi recentemente regravada por Sebastian Bach no álbum Angel Down e contou com a participação especial de Axl Rose, também fã declarado do Aerosmith - a versão ficou "ok"); Brad Whitford arrasa com o riff inicial e os solos de "Last Child", que provam que ele não merece ser chamado de "guitarrista base"; há canções rápidas como "Rats In The Cellar" e pesadas como "Nobody's Fault" (outra composição de Brad em parceria com Steven) e experimentais como "Sick As A Dog" (de Tom Hamilton e Steven), em que os membros chegam a trocar de instrumentos: Tom toca guitarra-base enquanto Joe Perry toca baixo; depois, no meio da música, Steven assume o baixo e Joe volta para a guitarra, tudo em apenas 1 take! O disco fecha com a linda balada "Home Tonight", uma rock-ballad suja com destaque para o piano de Steven e os solos do Joe. Há ainda "Combination", quarta música do álbum e escrita por Perry, que cantaria sozinho a canção - idéia abandonada devido ao fato de considerarem Rocks um álbum crucial para a banda (Joe então dividiu os vocais com Steven). Em qualquer lista de hard rock e heavy metal não pode faltar o Rocks, um dos clássicos absolutos do Rock. A banda continuou gravando cada vez mais, excursionando cada vez mais e consumindo cada vez mais drogas, o que não parecia afetar sua produtividade e qualidade. A partir de 1979 passaram por uma pequena crise com a saída de Joe Perry (que seguiu carreira solo durante algum tempo) e entrada de Jimmy Crespo, situação que se agravou em 1980 com a saída de Brad Whitford (substituído por Rick Dufay) e um acidente de moto sofrido por Steven Tyler. Em meio à dificuldade para lançar material novo a gravadora soltou a coletânea "Aerosmith Greatest Hits". Quando saiu, o novo disco, "Rock In a Hard Place" foi acolhido como muito inferior a todas as gravações anteriores, apesar das excelentes vendas. O Aerosmith havia se tornado uma paródia de si mesmo. A história da banda era repleta de excessos, com todos os ingredientes absurdos: esposas que não se bicavam, integrantes que caíam do palco, contas de serviço de quarto no valor de US$ 100 mil, membros da equipe que pegavam mais groupies que seus chefes drogados e dinheiro que ia sabe-se lá para onde. "Paramos de conduzir nossa banda", Perry disse. "Paramos de dar à mínima." Após esta fase conturbada, Perry e Whitford regressaram à banda, em 1984 – teve então lugar uma turnê para comemorar a reunião dos membros do grupo, a "Back In The Saddle Tour". Joe Perry, em entrevista à revista Rolling Stone na época: "Eu sei que todo mundo pergunta se nós voltamos a tocar juntos pelo dinheiro, e claro que não é verdade. Não, é legal ter dinheiro, mas a razão [pela qual voltaram a se reunir] é que temos prazer em tocar juntos outra vez". Contudo, durante essa mesma turnê, Tyler chegaria a desmaiar em palco devido à dependência de drogas, afetando negativamente a imagem do grupo. No ano seguinte, a banda lança Done With Mirrors, um dos melhores álbuns do Aerosmith desde o final durante toda a carreira, porém um fracasso de vendas, idem ao anterior. Em 1986, após um longo período de internação em clínicas de desintoxicação, a banda voltou limpa e incentivada pela grande repercussão da regravação de "Walk This Way" pela banda hip-hop Run DMC. O novo disco, "Permanent Vacation", superou as expectativas. "Pump", lançado em 1989, confirmou a excelente fase por que passava a banda com os singles "Love In na Elevator" e "Janie's Got a Gun". O próximo disco demoraria muito a sair, desta vez não em virtude de problemas com drogas ou desentendimentos. "Get a Grip" de 1993 superou todas as expectativas. As excelentes baladas "Livin on The Edge", "Cryin" e "Amazing", tocadas à exaustão em rádios e MTV, levaram a banda à sua maior vendagem nos mais de 20 anos de carreira. A produção extensivo de videoclipes para cada um dos hits catapultou o lançamento para a primeira posição na parada da Billboard e rendeu seis discos de platina consecutivos. Nestes videoclipes por tabela foram elevadas as carreiras de Alicia Silverstone e Liv Tyler. o Aero explode na década de 1990, Nine Lives, de 1997, foi um álbum marcado por inúmeros problemas (mesmo alcançando o topo das paradas e vendendo três milhões de cópias), como a demissão do produtor do grupo, Tim Collins. O disco continha singles de sucesso como "Falling In Love (Is Hard On The Knees)" e "Pink" (que vence o quarto Grammy do Aero). Em 1998, a banda lança o disco duplo ao vivo A Little South Of Sanity e, no ano seguinte, seu primeiro single a alcançar o primeiro lugar da Billboard, o tema romântico da trilha sonora do filme Armageddon, I Don't Want To Miss A Thing (escrito por Joe Perry e Diane Warren, ainda que Perry não seja creditado como tal). Em 2000, o Aerosmith vai para a Calçada da Fama do Rock 'n' Roll, ou melhor, o "Rock 'N' Roll Hall Of Fame". Em 2001, é lançado Just Push Play, que vai aos topos das paradas dos EUA com singles como "Jaded". Em 30 de Março de 2004, o seu há muito prometido álbum de blues, Honkin' on Bobo, foi finalmente lançado, um regresso às raízes; o álbum nasceu no final de 2003 durante a turnê em conjunto com os Kiss e a jam especial de blues que acontecia nas apresentações. No mesmo ano, sai o DVD "You Gotta Move" Em 2005, a gravadora lançou Rockin' the Joint, uma compilação de uma apresentação ao vivo realizada em 2002 durante a turnê de Just Push Play. Mais recentemente, em 2006, com o fim do contrato com a Sony BMG iminente, a mesma lançou outra coletânea, Devil's Got a New Disguise: The Very Best of Aerosmith, com grandes sucessos da banda em toda sua história, além de duas canções inéditas, "Devil's Got A New Disguise" e "Sedona Sunrise", outtake do álbum Pump. Em 2008, o Aerosmith tira umas férias e Joe Perry aproveita para fazer alguns shows com a banda de seus filhos, TAB The Band. Enquanto Steven e Joe se recuperam de cirurgias (o primeiro realizou uma no pé; o segundo, uma no joelho), é lançado o jogo Guitar Hero: Aerosmith, o primeiro da franquia com apenas uma banda em destaque. Em 2010, o Aerosmith volta para a estrada mais uma vez na turnê Cocked, Locked, Ready to Rock, vindo a se apresentar no Brasil em Porto Alegre e São Paulo nos dias 27 e 29 de Maio, em que tocaram os vários clássicos da banda como Livin' on the Edge, Eat the Rich, Back in the Saddle e muitos outros. E mais uma vez surpreenderam os fãs com Joe duelando contra ele próprio no Guitar Hero, Joey usando uma camisa do Brasil e tocando um solo de bateria em que no final Steven tocava com ele e fazendo cover de dois blues. Discografia

1973 - Aerosmith
1974 - Get Your Wings
1975 - Toys in the Attic
1976 - Rocks
1977 - Draw the Line
1979 - Night in the Ruts
1982 - Rock in a Hard Place
1985 - Done with Mirrors
1987 - Permanent Vacation
1989 - Pump
1993 - Get a Grip
1997 - Nine Lives
2001 - Just Push Play
2004 - Honkin' on Bobo

Fontes: whiplash/wikipedia

Discografia do Aerosmith

AC/DC

2014-04-15T18:26:00.003-07:00

Sydney(Austrália) 1973,surge AC/DC fundada pelos irmãos Angus Young(31 de março de 1955) e Malcolm Young(6 de janeiro 1953)ambos nasceram em Glasgow,Escócia.Angus e Malcolm foram apresentados ao cenário do rock and roll por seu irmão mais velho, George. Ele se tornou um grande astro na Austrália em meados da década de 60 com um grupo chamado Easybeats.
Isto deixou uma impressão nos dois irmãos mais novos e os dois acabaram aprendendo a tocar guitarra, tomando lições de George quando este não estava em turnê. Depois eles montaram a sua própria banda. Malcolm participou de algumas bandas de garagem que não chegaram a lugar algum. Em 1971 chegou a participar do Velvet Underground. Angus, por seu lado, montou uma banda chamada Tantrum. As únicas apresentações foram em festas escolares. Isto durou até 1973 quando ambos se juntaram para formar o AC/DC. A estréia do AC/DC ocorreu na festa de ano novo de 1973 no clube noturno Sydney's Chequers. A formação inicial da banda era: Angus na guitarra solo, Malcolm na guitarra base, Colin Burgess na bateria, Van Knedt no baixo e Dave Evans nos vocais. A formação sofreu diversas alterações. Primeiro Colin Burgess saiu, sendo substituído por Ron Carpenter. Depois Larry Van Knedt saiu sendo substituído por Rob Bailey. Carpenter não durou muito e foi substituído por Russell Coleman, logo depois trocado por Peter Clark. A formação Young-Young-Evans-Bailey-Clark gravou o primeiro single da banda, Can I Sit Next to You Girl/Rockin' In the Parlour. As próximas mudanças na formação foram decisivas. O motorista da banda, Bon Scott, disse que sabia tocar bateria e logo tomou o lugar de Peter Clarks. Ele também trouxe para a banda Bruce Houwe, baixista, substituindo Bailey. Não demorou muito para que Angus e Malcon se cansassem de Dave Evans que assumia uma postura cada vez mais glam rock. Então Evans saiu e Bon se tornou o frontman do AC/DC. Logo depois Houwe saiu e George Young assumiu o baixo. AC/DC passou por várias mudanças de alinhamento antes de lançarem o seu primeiro álbum, High Voltage, em 1975. A formação manteve-se estável até o baixista Cliff Williams substituir Mark Evans em 1977. Em 1979, a banda gravou o seu bem-sucedido álbum Highway to Hell. O vocalista e co-compositor Bon Scott faleceu a 19 de Fevereiro de 1980, após consumir na noite anterior uma grande quantidade de álcool. O grupo considerou por algum tempo a separação, mas rapidamente o ex-vocalista dos Geordie, Brian Johnson, foi selecionado para o lugar de Scott. Mais tarde nesse ano, a banda lançou o seu álbum mais vendido, Back in Black. O álbum seguinte da banda, For Those About to Rock (We Salute You), foi também bem sucedido e tornou-se o primeiro álbum de heavy metal a atingir o 1º lugar nos Estados Unidos. O AC/DC caiu em popularidade pouco após a saída do baterista Phil Rudd em 1983. As fracas vendas continuaram até ao lançamento de The Razor's Edge em 1990. Phil Rudd regressou em 1994 e contribuiu para o álbum de 1995 da banda, Ballbreaker. Stiff Upper Lip foi lançado em 2000, tendo sido bem recebido pela crítica. Planos para um novo álbum foram anunciados em 2004, sendo cumpridos em 2008, com o lançamento do álbum Black Ice no dia 20 de outubro de 2008. A banda AC/DC lançou no ultimo dia (15/10/10), nos Estados Unidos, uma biografia ilustrada. High Voltage Rock 'n' Roll - The Ultimate Illustrated History conta a história da banda com uma coletânea de fotos e reproduções de vários momentos do grupo ao longo de 37 anos de carreira.

Detalhes & Curiosidades
A irmã de Angus e Malcolm, Margaret, criou o nome. Aparentemente ela achou a sigla em um aspirador de pó, e achou que casava bem com a banda. · AC / DC significa um indicativo de corrente contínua e alternada, mas também gíria "a vela e a vapor”. · A banda tocou em duas oportunidades no Brasil. Na primeira edição do Rockn´Rio, em 1985, e na tour do álbum Ballbreaker, de 1996, com shows em Curitiba e em São Paulo, nos dias 11 e 12 de outubro de 1996, respectivamente. · Bon Scott passou a noite inteira bebendo em Londres. Na manhã seguinte, Alistair Kinnear (um conhecido de Scott) o levou para o hospital em Camberwell. Scott foi declarado morto quando chegou ao hospital. · ACDC faturou 82 milhões e Metallica 56 milhões · Mãe leva cinzas do filho para show da banda(Mantendo um pingente de clave de Sol com cinzas do seu filho próximo ao coração, Tracey Hart curtiu o AC/DC ontem à noite no Rogers Centre, pois ele não pôde). · O baixista e vocalista do Kiss, Gene Simmons, recentemente falou com o site Blender.com. “O ACDC é minha banda preferida!” · Quando Angus era mais jovem ele voltava da escola, pegava a guitarra e saia novamente para tocar, ainda com o uniforme da escola. Mais tarde, quando a banda começou, sua irmã Margaret sugeriu que ele devia continuar usando aquilo. Ele não concordou mas depois foi convencido pelo irmão George, que achou que o uniforme faria as pessoas lembrarem da banda · Significado da música "The Jack"?A música é sobre uma mulher que contamina seus parceiros com doenças venéreas (clap, gonorréia). Existem versõesda música em que "She gave me the jack" é trocado por "She gave me the clap".

Vídeo ao vivo do AC/DC com a música “Thunderstruck”.
Fontes: wikipedia/whiplash

Discografia do AC/DC

Camel

2014-04-15T18:25:00.003-07:00

Camel é uma banda britânica de rock progressivo, com umas pitadas de jazz rock formada em 1971. O grupo lançou seu primeiro álbum em 1973 pela MCA Records. Em seu siteoficial diz que a origem embrionária do CAMEL foi concebida por volta de 1964 quando os irmãos Andrew e Ian Latimer se reuniu com seus respectivos amigos Alan Butcher e Richard para formar um fantástico quarteto.
Quem puder esclarecer este impasse entre em contato, pode ser pura ignorância deste que escreve, mas o objetivo deste post é mostrar uma canção que considero espetacular em todos os sentidos.

(Photo by Stan Latimer) 1964/68

A partir da esquerda: Richard Over: guitarra / Ian Latimer: Bass & vocals / Andrew Latimer: Guitarra / Alan Butcher: Bateria

Bem continuando, o Camel foi a ponta de lança de um movimento progressivo que passou longe do estrelato de bandas como Yes, Pink Floyd, Emerson, Lake and Palmer e Jethro Tull embora tenha feito razoável sucesso comercial na segunda metade dos anos 70. A vida na banda foi tumultuada, com uma multidão de músicos passando pelo grupo em 40 anos de carreira com destaque para o tecladista inglês Richard Sinclair, que passou pelo excelente Caravan, e para o saxofonista Mel Collins, também inglês e que tem currículo gigantesco – integrou o King Crimson e tocou ao lado de gente como Eric Clapton, Pete Townshend (The Who), Ala Parsons Project, Bad Company, Eric Burdon (The Animals), Bryan Ferry (Roxy Music), Dire Straits, Rolling Stones, Meat Loaf, Roger Waters (pink floyd) e Tears for Fears, entre outros.

Londres 1975/foto fonte desconhecida

A partir da esquerda: Peter Bardens: Teclados / Doug Ferguson: Baixo / Andy Ward: Bateria, Percussão / Andrew Latimer: Guitarra, Vocal

Nestes 40 anos, o Camel parou duas vezes. Em 1981 houve uma debandada de músicos, mas Latimer conseguiu reagrupar a banda no ano seguinte. Em 1984, após o lançamento de “Stationary Traveler”, houve mais uma separação, com o retorno ocorrendo somente em 1991. Em 2003 o Camel fez sua turnê de despedida. Camel quer dizer camelo em inglês e como o período do auge da banda também coincidiu com o auge da propaganda de uma marca de cigarros que empregava a figura de um camelo fumando, os discos da banda foram boicotados pelos antitabagistas, o que precipitou sua decadência.

O vídeo que mostramos aqui é de uma canção do álbum gravado ao vivo em 1982 com o nome de On the road o nome da música Long Goodbyes uma verdadeira obra de arte para pessoas de fino gosto, confira!

Album do Camel - Stationary Traveller 1984

Barbra Streisand

2014-04-15T18:24:00.000-07:00

Vamos abrir um espaço para contemplarmos uma dádiva criada por deuses e que toca todos os seres vivos, levando-os ao êxtase da existência. Músicas que fazem o coração refletir. Começaremos esta serie com: BARBRA STREISAND - WOMAN IN LOVE (Mulher apaixonada) Simplesmente linda, o que acham?

"Woman in Love" é uma canção composta por Barry e Robin Gibb (dos Bee Gees) em 1979, e lançada em 1980 por Barbra Streisand como o primeiro single do álbum Guilty.

Barbara Streisand - Woman In Love.mp3

Chris de Burgh

2014-04-15T18:22:00.003-07:00

Eu nunca te vi tão adorável quanto hoje á noite

Nunca te vi brilhar tanto

Nunca vi tantos homens perguntando se você queria dançar

Eles estão em busca de um romance rápido

De uma pequena chance

E eu nunca tinha visto esse vestido que você está usando

Ou essas luzes em seus cabelos

Aquele fisgar nos seus olhos

Eu estava cego.

É o que diz a letra desta canção lançada em 1986, nem sempre enxergamos a beleza do amor que esta do nosso lado.

Esta linda canção é de autoria do cantor irlandês nascido na Argentina Chris de Burgh, a música ficou no primeiro lugar na Inglaterra e em terceiro na América. O álbum do qual ela fazia parte, Into the Light, alcançou a segunda posição na Inglaterra, e o 25º lugar nos EUA.

Chris De Burgh - The Lady In Red .mp3
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Abba

2014-04-15T18:20:00.003-07:00

Um dos mais lindos dons que o supremo nos deu foi a de cantar, alguns fazem isto com tanta emoção que contagia e nos leva ao êxtase. Esta canção do quarteto ABBA tem este dom em suas palavras descreve o martírio de um desencontro a dor de uma perda o sofrimento da carne e do espírito depois de um grande amor de uma grande paixão levada ao fim. Não quero chorar, tão pouco que chores, mas esta canção pode nos levar aos prantos, dependendo do agora.
The Winner Takes It All(O vencedor leva tudo) Vamos ao êxtase com este quarteto sueco de música pop, integrado por Benny Andersson, Anni-Frid "Frida" Lyngstad, Björn Ulvaeus e Agnetha Fältskog. O nome "ABBA" é um acrônimo formado pelas primeiras letras de cada membro (Agnetha, Björn, Benny, Anni-Frid). O quarteto se formou em Estocolmo em 1972, mas só tiveram fama internacional depois de vencerem a edição de 1974 do Festival Eurovisão da Canção. Desde então, o ABBA ganhou popularidade empregando ritmos cativantes em suas canções, com letras simples e um som único, caracterizado pela harmonia das vozes femininas e da técnica wall of sound, efeito criado pelo produtor musical Phil Spector. Björn e Agnetha se casaram meses antes da formação do quarteto, enquanto Benny e Frida se casaram apenas em 1978; os quatro lidaram com obrigações artísticas ao mesmo tempo em que se ocupavam com suas novas famílias. Suas gravações tiveram um impacto comercial, fato que levou o grupo a tornar-se o artista mais bem sucedido da gravadora Universal Music Group, e ser a banda que mais vendeu discos nos anos 70.

Discografia do Abba