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Oppo Reno16 Pro 5G, objectif haut de gamme

Roxarmy — Sun, 25 Oct 2026 10:56:54 +0000

Après plusieurs générations de smartphones Reno misant sur le design et la photographie, Oppo poursuit sa montée en gamme avec le Reno16 Pro 5G. Doté d’un capteur de 200 mégapixels, d’une batterie de 6 000 mAh et de ColorOS 16, ce nouveau modèle peut-il bousculer la concurrence sur le milieu de gamme ?

Le packaging du Reno16 Pro se présente sous la forme d’une boîte en carton renforcé gris clair. Sur sa partie supérieure figurent le nom du smartphone et les mentions Oppo AI Phone et 5G. Une illustration argentée reproduit le motif dorsal. Un imposant 16 noir et le logo Oppo apparaissent en bas.

À l’intérieur se trouvent l’Oppo Reno16 Pro avec un film de protection préinstallé, un câble USB-A vers USB-C blanc, un extracteur de carte SIM, un guide de démarrage rapide et un livret de consignes de sécurité. Aucun chargeur secteur, écouteur ou coque de protection ne complète le contenu de la boîte.

Avec15,12 × 7,24 × 0,84 cm pour 188 g, le Reno16 Pro en finition Blanc Pop se distingue par son dos brillant. La technologie HoloVerse 3D fait apparaître un motif en relief grâce à des millions de microlentilles. Peu sensible aux traces de doigts, sa surface particulièrement glissante impose quelques précautions.

Le bloc photographique arrière comprend trois objectifs. Le capteur principal Samsung ISOCELL HP5 de 200 MP avec stabilisation optique est accompagné d’un ultra grand-angle GalaxyCore GC50F6 de 50 MP couvrant 116° et d’un téléobjectif Samsung ISOCELL JN5 de 50 MP proposant un zoom optique 3,5x.

Les clichés réalisés avec le capteur de 200 MP affichent des couleurs vives sans saturation excessive. La précision va jusque dans la restitution des textures les plus fines. De nuit, les sources lumineuses sont bien maîtrisées et les photographies conservent un niveau de détail appréciable malgré la faible luminosité.

À l’avant, le capteur Samsung ISOCELL JN5 de 50 MP bénéficie d’un champ de vision de 100°. L’écran AMOLED de 6,32 pouces affiche une définition de 2 640 × 1 216 px et un rafraîchissement pouvant atteindre 144 Hz. La dalle offre une bonne restitution des couleurs. Sa luminosité maximale est de 1 800 nits.

Le processeur MediaTek Dimensity 8550 SUPER, épaulé par 12 Go de RAM, assure une bonne fluidité dans les jeux exigeants. Toutefois, les sessions prolongées peuvent provoquer une chauffe importante du smartphone, entraînant une baisse des performances pour contenir la température.

ColorOS 16, la surcouche maison basée sur Android 16, offre une navigation fluide. Oppo AI enrichit l’expérience avec des outils de retouche photographique, de traduction et de transcription. AI Mind Space facilite l’organisation des informations. Beaucoup trop d’applications préinstallées encombrent l’interface.

Des optimisations logicielles sont proposées comme AI HyperBoost 3.0 qui régule les performances, la fréquence d’images et la chaleur. Hyper FPS améliore la fluidité par génération d’images intermédiaires tandis qu’Hyper HDR enrichit le rendu visuel. L’exécution de Wuthering Waves s’effectue alors sans soucis.

Le Reno16 Pro dispose d’un lecteur d’empreintes intégré à l’écran et de 2 emplacements pour cartes SIM. La connectivité comprend le Wi-Fi 6, le Bluetooth 5.4 et le NFC. L’absence de lecteur microSD empêche d’étendre les 512 Go de stockage interne. La certification IP69K garantit une résistance aux jets d’eau sous haute pression.

Dépourvu de prise jack, le Reno16 Pro possède 2 haut-parleurs stéréo qui délivrent un son puissant, mais manquent de basses. L’égaliseur intégré à ColorOS 16 personnalise le rendu sonore, mais ses réglages concernent les périphériques audio externes comme les casques, les écouteurs et les enceintes.

La batterie de 6 000 mAh du Reno16 Pro assure une autonomie de seulement 12h en utilisation modérée. Incompatible avec la charge sans fil, le smartphone retrouve 100 % de son énergie en 60 minutes grâce à la technologie SuperVOOC 80 W. Un tel adaptateur secteur est cependant vendu séparément.

L’Oppo Reno16 Pro séduit par son design original, ses performances photographiques haut de gamme et son écran AMOLED de qualité. ColorOS 16 assure une utilisation fluide, y compris pour le jeu vidéo. Toutefois, son autonomie simplement correcte et son tarif trop élevé pénalisent son positionnement face à la concurrence.

Oppo Reno 16 Pro 5G
899 euros sur oppo.com

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Marvel’s Wolverine, permis de lacérer

Roxarmy — Tue, 20 Oct 2026 23:26:08 +0000

Après trois Spider-Man, Insomniac Games change de prédateur. L’araignée laisse sa place au serval avec Marvel’s Wolverine, une aventure forcément plus brutale où Logan peut enfin sortir ses griffes en adamantium sans retenue. Sera-t-il suffisamment affûté pour faire oublier le tant apprécié Peter Parker ?

Alors que Logan erre comme une bête sauvage, Nathaniel Essex le recueille comme d’autres mutants dans son institut. Lorsque celui-ci est détruit par les sbires de Bolivar Trask, un scientifique qui utilise les mutants comme cobayes pour ses expériences, Logan redevient Wolverine au sein de la Team X pour se venger.

Développé par Insomniac Games exclusivement pour la PlayStation 5, Marvel’s Wolverine est un jeu d’action en vue à la troisième personne. La progression suit une structure linéaire ponctuée de zones semi-ouvertes. L’aventure accorde aussi une large place à la narration par le biais de cinématiques et de QTE.

L’aventure débute dans la jungle du Telambang. Wolverine, Dents-de-Sabre et Raven attaquent une installation de Trask pour libérer leur chef Essex. Cette entrée en matière sert de tutoriel pour assimiler attaques, esquives, parades, sens aiguisés et éliminations furtives avant d’affronter le félon Oméga Red.

Le système de combat privilégie l’agressivité. Wolverine enchaîne ses adversaires, bondit sur les plus éloignés et peut les saisir pour les projeter. L’utilisation de l’environnement, les démembrements et les différentes exécutions dynamisent des affrontements dont la brutalité correspond au tempérament du héros.

La rage occupe ainsi une place centrale. Combattre remplit une jauge permettant à Wolverine de déchaîner tout son potentiel tandis que son facteur régénérant l’aide à encaisser des blessures normalement fatales. Ces caractéristiques deviennent de véritables mécaniques plutôt que de simples artifices scénaristiques.

Au fil de l’aventure, Logan renforce ses aptitudes, notamment sa santé, à travers un arbre de compétences. Bien que limitée par la structure du jeu, l’exploration est encouragée par des ressources cachées dans des coffres façon God of War. Elles permettent ainsi d’améliorer et de diversifier ses techniques de combat.

Le bestiaire est raisonnablement diversifié. Soldats de Trask, Reavers, ninjas de la Main et robots obligent à mieux exploiter les capacités de Wolverine. Les combats de boss profitent d’une fantastique mise en scène, même si certains souffrent de comportements ostensiblement scriptés, rendant leur défaite parfois illogique.

L’Insomniac Engine, moteur maison, offre une réalisation particulièrement soignée. Du Canada au Japon en passant par Madripoor, les environnements variés donnent à l’aventure des allures de James Bond. Les décors fourmillent de détails tandis que les animations et les effets de lumière participent au spectacle.

La musique composée par David Fleming, déjà associé à la série The Last of Us, accompagne efficacement l’action. Les bruitages accentuent la brutalité des affrontements. La version française bénéficie également du retour de Jérémie Covillault, dont la prestation dans le film Logan avec Hugh Jackman avait convaincu.

Si les diverses facettes du héros tiraillé sont bien exploitées, certains personnages répondent à des critères DEI. La participation de Sweet Baby Inc. alimente cette impression. Calypso rappelle fortement Faro de Resonance: A Plague Tale Legacy, tandis que le duo Tiger et Raven conforte l’idée d’un cahier des charges.

Malgré des passages trop balisés, parfois réalisables sans toucher à la manette, l’immersion supplante allègrement ces défauts. La répétitivité des combats et l’exploration limitée pèsent peu face au rythme soutenu. 15 heures ont été nécessaires pour voir le générique, hors défis de la Maison des cauchemars.

Insomniac Games réussit son pari avec un Wolverine aussi sauvage que spectaculaire. Malgré une progression trop dirigée, quelques facilités de mise en scène et une idéologie poussive, la brutalité des combats, le rythme soutenu et la qualité de la réalisation consacrent Logan comme une nouvelle référence du studio.

Marvel’s Wolverine
Disponible uniquement sur PS5

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Transport Fever 3, il était une voie dans l’Ouest

Roxarmy — Sat, 17 Oct 2026 06:58:00 +0000

Après avoir fait voyager les amateurs de gestion sur terre, sur mer et dans les airs, Urban Games reprend les commandes avec Transport Fever 3. Cet épisode promet des réseaux plus complexes, des villes plus vivantes et une économie plus exigeante. S’agit-il d’une simple évolution ou d’un véritable changement de voie ?

Transport Fever 3 est un jeu de simulation de transport développé par le studio suisse Urban Games. Rencontré à la Gamescom, Daniel Guimard, artiste 3D senior chargé de la création des véhicules, présentait avec une fierté justifiée son travail particulièrement détaillé, fruit d’un important travail de documentation.

Le menu principal propose une partie libre, une campagne, un éditeur de cartes, un espace de modifications communautaires donnant accès aux créations des joueurs et enfin un didacticiel de démarrage rapide. Ce dernier permet de découvrir les mécanismes fondamentaux sans devoir se lancer immédiatement dans une partie complète.

La campagne propose des missions scénarisées avec des objectifs précis. Elle permet de découvrir progressivement les différentes activités liées au transport et les contraintes économiques associées. La construction des infrastructures, le choix des véhicules et la rentabilité des lignes constituent les principales préoccupations.

Les premières opérations se déroulent à La Nouvelle-Orléans. Le jeune Andrew, au service du maire, doit repérer les alligators réfugiés dans la forêt après de fortes précipitations. Leur retour dans le bayou permettra aux bûcherons de reprendre le travail et de livrer le bois nécessaire à la construction d’un nouvel hôtel.

La multiplication des paramètres complique rapidement les opérations. La fréquence des véhicules, les coûts d’entretien, les distances parcourues et la demande des villes influencent les bénéfices. Une ligne mal conçue peut rapidement engloutir les finances et compromettre les futurs investissements.

Sur consoles, la manipulation de la carte s’effectue avec les sticks de la manette. Zoomer, modifier l’angle de vue ou déplacer la caméra ne pose pas de difficulté particulière. En revanche, la navigation dans les nombreux menus et le placement précis de certaines infrastructures réclament davantage de manipulations.

Le catalogue comprend plus de 300 véhicules couvrant différentes époques. Trains, camions, autobus, bateaux et avions côtoient désormais des hélicoptères. Le choix du matériel dépend de la nature des marchandises, du nombre de passagers et des distances à parcourir. Le transport le plus rapide n’est pas forcément le plus rentable.

Les habitants ne se contentent plus de réclamer des moyens de transport. Le bruit, la pollution et les conditions de circulation influencent l’expansion des villes. La construction de tunnels, l’installation de protections antibruit et le choix des itinéraires permettent de limiter les nuisances provoquées par certaines infrastructures.

Des installations spécifiques permettent d’assurer l’entretien des véhicules et de prolonger leur efficacité. Parallèlement, l’investissement dans des monuments prestigieux contribue au développement des villes, même si ces constructions représentent une dépense supplémentaire à intégrer dans la gestion des finances.

En plus de permettre de passer d’une vue aérienne à une vue à la première personne sans interruption, le moteur maison de Transport Fever 3 offre des décors agréables et variés. La possibilité de se placer à bord des véhicules ou d’adopter le point de vue des passants participe toujours au plaisir de contempler les réseaux en activité.

La bande originale marque un changement avec l’arrivée de J.J. Ipsen, compositeur ayant notamment travaillé sur Planet Coaster et Planet Zoo. Ses compositions accompagnent les longues sessions de gestion, tandis que plusieurs musiciens, dont Dag Winderlich, signent les morceaux spécifiques à la campagne.

La durée de vie fait incontestablement partie des atouts de Transport Fever 3. Une mission peut demander plusieurs heures et le jeu libre ne possède aucune véritable limite. Développer un réseau rentable sur une carte entière exige du temps, surtout lorsque les villes grandissent et que les infrastructures commencent à saturer.

La question écologique, l’entretien des véhicules et l’investissement dans des monuments apportent à Transport Fever 3 une profondeur supplémentaire. Malgré une prise en main plus exigeante sur consoles, le jeu d’Urban Games conserve son pouvoir d’attraction. La conquête spatiale sera-t-elle sa prochaine voie ?

Transport Fever 3
Disponible sur PS5, Xbox Series et PC

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Asus Zenbook 14, un pépin pour Apple ?

Roxarmy — Mon, 12 Oct 2026 23:13:40 +0000

Après avoir misé sur la légèreté avec le Zenbook A14, Asus poursuit son offensive sur le marché des ultraportables ARM. Le Zenbook 14 UX3480Q reprend la formule Snapdragon dans un format compact et à un tarif plus accessible. Cette nouvelle déclinaison parvient-elle à faire de l’ombre au MacBook Neo d’Apple ?

Le packaging conserve le positionnement soigné de la gamme Zenbook avec une boîte en carton renforcé gris sur laquelle s’affiche l’inscription argentée Asus Zenbook. La sobriété est toujours de mise. À l’ouverture, un mécanisme de bascule soulève l’ordinateur de son logement pour faciliter son extraction.

À l’intérieur se trouve le Zenbook 14 UX3480Q accompagné d’un guide utilisateur multilingue incluant le français, d’un feuillet présentant l’application MyAsus et les services maison ainsi que d’un livret de garantie. Un chargeur USB-C de 65 W et son câble d’alimentation au format européen ne sont pas fournis.

Avec 31,11 x 21,58 cm et une épaisseur entre 1,39 et 1,69 cm, le Zenbook 14 ne pèse que 1,1 kg sur la balance. Plus lourd que le A14, il possède un châssis métallique avec un capot en Ceraluminum. Agréable au toucher, la surface s’avère sensible aux traces de doigts malgré son motif imprimé destiné à les atténuer.

La connectique comprend côté gauche une sortie HDMI 2.1 TMDS, 2 ports USB-C 3.2 Gen 2 compatibles alimentation et affichage ainsi qu’une prise audio 3,5 mm. Le côté droit accueille un port USB-A 3.2 Gen 1. Le Wi-Fi 6E et le Bluetooth 5.3 pallient l’absence de port Ethernet. Un emplacement SIM aurait parfait le tout.

Grâce à sa charnière EasyLift, le Zenbook 14 s’ouvre facilement. Son clavier chiclet rétroéclairé offre une course de touche de 1,7 mm et bénéficie d’un revêtement Eximer au contact agréable. Situé en dessous, le large pavé tactile ErgoSense prend en charge les gestes multitouch de Windows pour faciliter la navigation.

L’écran OLED non tactile de 14 pouces affiche une définition de 1920 x 1200 px au format 16:10, avec un taux de rafraîchissement de 60 Hz. Sa capacité à reproduire une large palette de couleurs offre un affichage nuancé. Sa luminosité limitée à 300 nits et sa sensibilité aux reflets compliquent une utilisation en extérieur.

Le Zenbook 14 embarque un Snapdragon X X1-26-100 à 8 cœurs, cadencé jusqu’à 2,97 GHz, associé à 16 Go de mémoire LPDDR5X. Cette configuration sous Windows 11 Famille cible principalement la bureautique et le multimédia. Avec 256 Go, le SSD limite toutefois le stockage des fichiers volumineux.

L’architecture ARM limite la compatibilité avec certains logiciels et exclut les jeux vidéo les plus exigeants. Certifié Copilot+ PC, le Zenbook 14 dispose toutefois d’un NPU Qualcomm qui accélère localement certaines fonctions IA. La caméra infrarouge Full HD permet l’authentification faciale avec Windows Hello.

L’application MyAsus centralise les mises à jour, le diagnostic matériel et les réglages permettant de préserver la batterie, d’ajuster les couleurs ou de connaitre l’actualité Asus. GlideX facilite les échanges entre appareils avec le transfert de fichiers, la duplication ou l’extension d’écran et le contrôle d’un smartphone.

Le Zenbook 14 se montre silencieux même lorsqu’il est sollicité. Son système de refroidissement, soutenu par un radiateur interne et une grille d’aération aux fines perforations, assure une dissipation thermique efficace. Malgré la compatibilité Dolby Atmos de ses 2 haut-parleurs, la sortie casque est préférable.

La batterie Li-ion 3 cellules affiche une capacité de 50 Wh, contre 70 Wh sur le Zenbook A14. Malgré cette réduction, l’autonomie atteint 15 heures pour un usage mêlant navigation Internet, bureautique et visionnage de vidéos. Une recharge complète nécessite quant à elle environ 1 h 40 en utilisant le chargeur fourni.

Ce Zenbook 14 ressemble beaucoup au A14 sur le plan technique, avec des concessions permettant d’afficher un tarif vraiment agressif. Si la force du MacBook Neo réside dans l’osmose entre le matériel, le système d’exploitation et les logiciels Apple, cet UX3480 est une bonne alternative mais Asus doit encore progresser sur ses fonctionnalités maison.

Asus Zenbook 14 UX3480 (16 Go 256 Go)
1099,99 euros sur estore.asus.com

Une prise en main est possible au Pop-Up store ASUS Zenbook Café
du 13 au 18 octobre 2026
11 Rue Commines, 75003 PARIS

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NHL 27, un palet dans la mare ?

Roxarmy — Fri, 09 Oct 2026 03:01:00 +0000

Comme le baseball, le hockey connaît moins de succès en Europe qu’outre-Atlantique. Pourtant, une nouvelle simulation paraît chaque année, avec ses effectifs actualisés et ses promesses de réalisme. NHL 27 offre-t-il une bonne raison de quitter, le temps de quelques matchs, les terrains de football et de basket ?

Développé par EA Vancouver et édité par Electronic Arts, NHL 27 sorti le 11 septembre 2026 sur PS5 et Xbox Series X|S est une simulation de hockey sur glace. Macklin Celebrini figure sur la jaquette. Le jeu réunit les 32 clubs de la ligue nord-américaine et reproduit leurs stratégies ainsi que l’ambiance de leurs patinoires.

Plusieurs niveaux de difficulté et configurations des commandes permettent d’adapter les rencontres. Le réglage débutant laisse davantage de temps pour patiner, passer et tenter sa chance devant le but. Cette souplesse facilite les premiers matchs, sans pour autant expliquer les règles ni les subtilités du hockey.

NHL 27 ne propose pas de véritable tutoriel pour apprendre le hockey pas à pas. Le jeu débute par la personnalisation d’une équipe en définissant son nom, son logo puis en choisissant son capitaine. Les commandes figurent dans les paramètres, mais les règles et les gestes défensifs se découvrent principalement en match.

Le menu donne accès aux rencontres classiques, à la carrière d’un joueur, à la gestion d’une franchise et aux compétitions en ligne. Equipe de Rêve de Hockey consiste à composer une formation puis à gagner des récompenses pour l’améliorer. World of Chel privilégie les parties collectives à trois contre trois ou six contre six.

Dans Carrière deviens Pro, la création d’un joueur ouvre une carrière au sein du hockey professionnel. Ses performances et certains choix lors des échanges avec les médias influencent son parcours. Devenir capitaine peut lui donner son mot à dire sur ses partenaires de ligne et l’orientation de l’équipe.

Franchise Connectée permet de gérer un club dans une ligue en ligne réunissant de trois à 32 personnes. Les participants organisent leurs effectifs et négocient des échanges avant de s’affronter. La formule convient aux groupes réguliers, mais offre moins de profondeur que la gestion d’une franchise en solitaire.

Sur la glace, les déplacements, les passes et les tirs procurent de bonnes sensations. Les contacts délogent plus facilement le palet, tandis que les gardiens deviennent plus difficiles à tromper aux niveaux élevés. Les échanges gagnent en fluidité, malgré quelques erreurs des défenseurs contrôlés par l’ordinateur près du but.

Les clubs possèdent leurs propres stratégies. Certaines équipes privilégient les attaques rapides, tandis que d’autres misent sur le contact et la récupération. Ces différences apportent de la variété, surtout aux niveaux de difficulté élevés. Leur effet reste cependant trop discret pour être perceptible lors de tous les matchs.

Les patinoires gagnent en personnalité grâce aux chants, aux éclairages et aux images diffusées sur leurs écrans géants. L’atmosphère accompagne les temps forts des rencontres. Les visages et les spectateurs convainquent moins, tandis que les présentations d’avant-match finissent par se répéter.

John Buccigross et Darren Pang assurent les commentaires en anglais. Leurs interventions donnent aux matchs une allure de retransmission télévisée, malgré des intonations parfois artificielles. La sélection musicale mêle rock, rap, country et électro, avec des morceaux associés à l’identité des différentes équipes.

NHL 27 donne surtout aux amateurs déjà familiers de la série une raison de retrouver la glace. La faible difficulté facilite les premiers matchs, mais l’absence de tutoriel complique la découverte des règles et des tactiques. Pour les néophytes venus du football ou du basket, l’invitation manque d’accompagnement.

NHL 27
Disponible sur PS5, Xbox Series et PC

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Halloween: The Game, les copains d’abord

Roxarmy — Mon, 05 Oct 2026 16:27:15 +0000

Près de 50 ans après le film de John Carpenter, Michael Myers revient à Haddonfield sous la direction d’IllFonic. Le studio transpose l’histoire du célèbre psychopathe masqué dans Halloween the Game un jeu d’horreur asymétrique où 4 habitants affrontent un tueur presque impossible à arrêter. Le tueur masqué fait-il toujours aussi peur ?

En 1978, les habitants de Haddonfield préparent la fête d’Halloween. Michael Myers s’est échappé de l’asile psychiatrique et regagne sa ville natale. Les rues résidentielles deviennent son terrain de chasse. Les habitants doivent fuir ou prévenir la police. Une cachette ou une arme offre parfois une dernière chance de survie.

IllFonic est un studio américain spécialisé dans les jeux multijoueurs asymétriques. Après des adaptations de licences comme Vendredi 13 ou Predator, Halloween: The Game oppose un joueur incarnant Michael Myers à quatre civils. Un mode histoire permet également de revivre cette nuit mais du point de vue du tueur.

Intitulé L’Histoire de Michael, le récit solo sert d’entrée dans le jeu. 6 chapitres étendent les événements du début du film. Pendant sa fuite, Michael Myers massacre plusieurs victimes et récupère progressivement ses attributs emblématiques. Cette courte introduction installe le décor et présente ses capacités avant les parties en ligne.

Le croquemitaine privilégie la discrétion. Les ombres facilitent son approche mais une attaque précipitée alerte le voisinage. Les habitants contrôlés par le jeu peuvent appeler la police. Certaines victimes tentent aussi de se défendre. Le tueur doit donc surveiller les alentours. Un civil isolé constitue une cible moins risquée.

Le multijoueur propose d’incarner Michael ou l’un des quatre civils qui doivent lui survivre. L’enjeu pour ces derniers est de rassembler des objets pour pouvoir fuir. Les appels aux autorités renforcent les patrouilles. Les armes offrent aussi quelques secondes de répit. La survie exige donc une bonne répartition des tâches.

La coopération et la communication sont fondamentales pour résister à Myers, même s’il conserve toujours l’ascendant. Les armes trouvées interrompent ses attaques ou ralentissent sa progression. Le tueur reprend pourtant rapidement sa traque. Cette résistance surnaturelle entretient habilement la tension.

Elle est aussi maintenue par des QTE qui ponctuent chaque action, y compris en cas de mort depuis le mode spectateur. Les réussir débloque des bonus destinés aux survivants. Une résurrection en docteur Loomis, en policier ou policière est possible. Le plaisir à jouer dépend beaucoup de l’implication des participants.

Sous Unreal Engine 5, Haddonfield retrouve ses maisons tranquilles et ses rues résidentielles avec ses lampadaires et ses décorations d’Halloween. Certaines zones offrent cependant des cachettes qui avantagent Michael. Sa modélisation convainc plus facilement que celle des habitants et leurs animations présentent quelques raideurs.

La musique de John Carpenter conserve toute sa force. Les compositions additionnelles de Mark Rutherford complètent cette ambiance avec justesse. Le musicien a notamment travaillé sur Sniper Elite et Predator: Hunting Grounds. Les voix sont uniquement en anglais. L’interface et les sous-titres bénéficient d’une traduction française.

Le mode histoire se termine en environ une heure. La durée de vie repose surtout sur les parties en ligne et l’alternance des rôles. L’absence de véritable tutoriel pour les civils complique l’apprentissage et encourage la consultation de guides sur internet. La répétition des objectifs finit toutefois par peser.

Halloween: The Game restitue efficacement la traque imaginée par John Carpenter. Incarner Michael procure un plaisir inquiétant, tandis que protéger Haddonfield exige une vraie coordination. Si l’histoire est trop brève et les objectifs répétitifs, l’expérience s’intensifie quand elle s’effectue avec des amis.

Halloween the Game
Disponible en demat le 6 octobre 2026, en physique le 10 octobre 2026 sur PS5 et Xbox Series

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Doraemon et le Château sous-marin, Félix le Chat 2.0 en commandant Cousteau

Roxarmy — Sun, 04 Oct 2026 23:40:36 +0000

Après Bob l’éponge, Doraemon se lance à son tour dans une aventure sous-marine. Déjà apparu dans des adaptations vidéoludiques façon Story of Seasons, le chat robot arrive pour la première fois sur grand écran en France. En salle le 7 octobre, Doraemon et le Château sous-marin réussit-il son plongeon dans le grand bain ?

Les vacances d’été commencent mal pour Nobita. Ses amis hésitent entre la mer et la montagne, tandis que sa mère lui interdit de partir tant qu’il n’a pas terminé ses devoirs. Faisant preuve de résilience, il finit par s’y atteler tandis que Doraemon satisfait tout le monde en installant un campement au fond de l’océan.

Derrière la réalisation, Tetsuo Yajima intervient en terrain connu puisqu’il a déjà dirigé deux films Pokémon, Le pouvoir est en nous et Les secrets de la jungle. Cette nouvelle adaptation de l’histoire imaginée par Fujiko F. Fujio, portée au cinéma en 1983 conserve cette base tout en la rendant accessible aux néophytes.

Cette accessibilité repose sur une présentation naturelle des personnages et de leurs relations. Nobita conserve sa maladresse, Gian son caractère bien trempé et Suneo son assurance tandis que Shizuka tempère régulièrement le groupe. Doraemon fédère la bande grâce à ses inventions sorties de sa poche.

Les gadgets occupent une place importante dans cette excursion. Doraemon les extrait de sa poche quadridimensionnelle selon les besoins, rappelant Félix le Chat et son sac magique. Une parenté déjà évoquée mais sans filiation confirmée, qui accompagne des inventions aussi pratiques que fantaisistes.

Plusieurs rencontres et découvertes donnent progressivement une autre dimension au voyage. Le film abandonne alors ponctuellement son insouciance pour des enjeux plus sérieux. Cette évolution progressive conserve l’esprit familial de Doraemon sans révéler trop rapidement la direction prise par l’aventure.

Il est alors question d’écologie. Pollution des océans, rapport de l’être humain à son environnement et conséquences de ses activités nourrissent un discours assez militant. Le message manque parfois de subtilité, mais sa présence est cohérente avec un film se déroulant principalement dans des fonds marins.

L’intelligence artificielle trouve aussi sa place dans une histoire pourtant imaginée il y a plus de 40 ans. Le scénario questionne notamment le rapport entre humains et machines sans transformer l’aventure en démonstration technologique. Cette relecture apporte une dimension contemporaine bienvenue au récit original.

Ces thèmes n’empêchent jamais Doraemon de conserver son humour. Les réactions de Nobita, les disputes entre amis et les gadgets détournés de leur fonction première allègent régulièrement le propos. Quelques gags paraissent enfantins, mais correspondent parfaitement au public auquel cette aventure s’adresse en priorité.

L’animation s’avère traditionnelle. Le style simple des personnages contraste avec des environnements sous-marins détaillés, entre reliefs abyssaux, faune marine et jeux de lumière. Cette fidélité à l’identité graphique de Doraemon n’empêche pas l’animation de gagner en dynamisme lors des séquences mouvementées.

La musique de Takayuki Hattori accompagne l’aventure avec légèreté avant de gagner en intensité durant les passages mouvementés. La version française profite également de voix familières avec Emmanuel Curtil dans le rôle de Doraemon, Brigitte Lecordier dans celui de Nobita et enfin Donald Reignoux pour Ael.

Pour sa première sortie dans les salles françaises, Doraemon obtient un 10/10. Accessible sans connaître la série, cette aventure familiale mêle humour, exploration et préoccupations actuelles sans perdre son identité. Une découverte convaincante qui donne envie de retrouver rapidement le chat robot au cinéma.

Doraemon et le Château sous-marin
Sortie en salles le 07 Octobre 2026

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IRIScan Book 7, le scanner qui respecte les livres

Roxarmy — Thu, 01 Oct 2026 05:53:10 +0000

Comment numériser les pages d’un livre sans sacrifier sa reliure ou devoir transporter un scanner à plat ? IRIS renouvelle son scanner à main avec un IRIScan Book 7 doté de deux rouleaux, d’une prise USB-C et d’une autonomie revue à la hausse. Ces évolutions suffisent-elles à faire oublier l’abandon du Wi-Fi ?

L’identité visuelle du packaging IRIS évolue radicalement. Comme pour le Desk 7 Business, le Book 7 est livré dans une boîte en carton brut. Le logo et un dessin du scanner occupent la face avant. Les compatibilités avec Windows et Mac ainsi que la présence d’un logiciel PDF complètent cette présentation.

La boîte renferme le Book 7, une housse de transport, une carte microSD de 4 Go avec son adaptateur SD, un câble USB-C vers USB-A et un adaptateur USB-A vers USB-C. Un tissu de nettoyage, une publicité pour Readiris PDF Elite et un guide de démarrage multilingue incluant le français complètent l’ensemble.

Le Book 7 mesure 25,8 × 3,7 × 2,3 cm pour un poids de 200 g. Il arbore une coque blanche rehaussée de touches noires. Une prise USB-C remplace enfin le port micro-USB. Le logement latéral accepte les cartes microSD et microSDHC jusqu’à 32 Go. En l’absence de mémoire interne, la carte fournie est indispensable.

Une pression de trois secondes allume le scanner. Une seconde lance la numérisation. Il suffit alors de faire glisser le Book 7 du haut vers le bas, puis d’appuyer pour terminer. Une table plane, une page maintenue et un mouvement régulier sont recommandés. Un déplacement trop rapide oblige à recommencer l’opération.

L’écran couleur de 1,5 pouces affiche les réglages, l’état de la batterie et un aperçu du résultat. 3 définitions sont disponibles avec 300, 600 et 1 050 ppp. Les fichiers peuvent être enregistrés en JPEG ou en PDF, en couleur comme en noir et blanc. Le scanner accepte des documents mesurant au moins 120 cm de long.

La principale évolution se cache sous l’appareil. Deux rouleaux encadrent désormais le capteur CIS et stabilisent le déplacement. Le capteur placé près du bord facilite aussi la capture du texte proche de la reliure. Le Book 7 suit mieux une trajectoire droite, même si une page très courbée exige toujours une certaine adresse.

Le Book 7 demande environ quatre secondes pour parcourir une page A4 en 300 ppp. Ce délai passe à sept secondes en 600 ppp et onze secondes en 1 050 ppp. Les textes bénéficient d’un contraste satisfaisant tandis que les illustrations conservent suffisamment de détails à 600 ppp. Une reliure prononcée peut toutefois déformer quelques lignes.

Contrairement au Book 5 Wifi, aucun réseau sans fil n’est créé. Les fichiers transitent exclusivement par la carte mémoire ou le câble USB. Cette simplification élimine la latence, mais empêche tout transfert direct vers un téléphone ou une tablette. Les numérisations apparaissent dans le dossier DCIM de la carte microSD.

Après la connexion du scanner à l’ordinateur, le premier lancement de Readiris PDF 23 propose d’activer la licence. Le logiciel assure la reconnaissance optique des caractères. Il convertit les pages en fichiers modifiables, rassemble plusieurs captures dans un même document et propose différents formats d’exportation.

La batterie lithium-polymère de 900 mAh demande environ deux heures et demie pour une recharge complète. Le témoin du Book 7 passe alors du rouge au vert. Une charge permet de numériser environ 200 pages A4 en couleur à 1 050 ppp. Un ouvrage complet réclamera toutefois une solution automatique moins fastidieuse.

Le Book 7 tourne donc proprement la page du Book 5. L’abandon du Wi-Fi limite toutefois sa mobilité connectée. Ses doubles rouleaux, son autonomie et sa simplicité d’utilisation compensent en partie cette régression. Pour préserver des livres sans risquer de les endommager, le Book 7 garde donc la main.

IRIScan Book 7
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Onimusha Way of the Sword, le retour du sabreur loin d’être manchot

Roxarmy — Wed, 30 Sep 2026 00:09:09 +0000

20 ans après Dawn of Dreams, Capcom ressuscite enfin Onimusha. Entre-temps, Sekiro, Nioh ou Ghost of Yotei ont largement occupé le terrain du jeu d’action japonais utilisant le sabre. Le gant Oni, bénéficiant désormais des technologies actuelles, permettra-t-il à cette ancienne référence de retrouver son tranchant ?

Kyoto sombre sous l’invasion des Genma. Miyamoto Musashi se retrouve à son corps défendant lié à un gant Oni capable d’absorber les âmes démoniaques. Peu séduit par ce pouvoir, le samouraï cherche surtout à comprendre son origine pour s’en débarrasser, tout en libérant la capitale de ses nouveaux occupants.

L’aventure débute avec un Musashi bien décidé à éprouver ses talents face à Yoshioka Seijuro, maître de la célèbre école Yoshioka. Sa victoire pousse les disciples à venger leur professeur. Cette confrontation sert intelligemment de tutoriel pour assimiler attaques, gardes, déviations et esquives avant l’arrivée des Genma.

Développé et édité par Capcom, Onimusha Way of the Sword reprend les fondations historiques de la série. Le studio confie cette fois le premier rôle à Miyamoto Musashi, dont les traits s’inspirent de Toshirō Mifune. Une référence logique tant cet épisode assume totalement son héritage cinématographique japonais.

Le système de combat privilégie l’offensive. Musashi dispose d’attaques légères, puissantes, d’esquives et surtout de déviations. Un bon timing déséquilibre les Genma et ouvre leur garde. Les affrontements évitent ainsi le simple martèlement de boutons et réclament rapidement de l’observation puis de la précision.

L’Issen conserve naturellement une place centrale. Une attaque lancée au moment exact où l’adversaire frappe inflige des dégâts considérables. La fenêtre reste courte et l’échec expose immédiatement Musashi. La réussite procure en revanche une sensation de maîtrise qui faisait déjà tout le sel des premiers épisodes.

Les âmes libérées restaurent la santé ou participent à la progression. Leur absorption immobilise brièvement Musashi tandis que certains ennemis peuvent les récupérer avant lui. Plusieurs armes enrichissent l’arsenal avec leurs propres caractéristiques, dont le gant Oni et ses pouvoirs évolutifs.

Kyoto abandonne le monde ouvert au profit de zones plus resserrées. Ruelles, temples et quartiers contaminés laissent suffisamment de place à l’exploration. Des détours cachent ressources, améliorations ou objectifs annexes. Quelques énigmes reposant sur l’observation et différents mécanismes offrent également des respirations bienvenues.

Le bestiaire affiche une belle variété. Soldats déformés, créatures massives et adversaires rapides obligent à modifier régulièrement son approche. Les boss profitent d’un traitement spectaculaire avec plusieurs phases et des attaques sanctionnant sévèrement une erreur. Quelques pics de difficulté paraissent parfois moins bien équilibrés.

Musashi échappe heureusement au samouraï constamment grave. Son caractère bourru provoque plusieurs échanges plus légers, parfois au risque de casser certaines séquences dramatiques. Ce décalage donne pourtant au personnage une personnalité marquée et évite de transformer le célèbre guerrier en simple machine à découper du Genma.

Le RE Engine offre à Kyoto un rendu soigné. Les éclairages, les décors et les manifestations démoniaques renforcent autant les passages contemplatifs que les séquences inquiétantes. Les animations transmettent surtout un véritable poids aux attaques tandis que les traits empruntés à Toshirō Mifune donnent beaucoup de caractère à Musashi.

La bande originale, dirigée par Marika Suzuki et principalement composée par Nozomi Ohmoto, privilégie les sonorités japonaises et gagne en intensité durant les affrontements. Les bruitages renforcent la brutalité des combats. Le doublage français se montre convaincant et accompagne correctement les personnalités.

Quelques missions annexes ralentissent inutilement l’aventure et certaines situations finissent par se répéter. Ces défauts pèsent peu face à des combats suffisamment précis pour conserver leur intérêt jusqu’au dénouement. Comptez environ 17 heures pour atteindre la fin, une durée calibrée qui évite de diluer l’expérience.

Après 2 décennies d’absence, retrouver Onimusha procure un plaisir que peu de résurrections parviennent réellement à susciter. Way of the Sword modernise intelligemment ses combats sans sacrifier ce qui faisait le charme de la série. Le gant Oni reprend ainsi du service et, surtout, il n’a rien perdu de son tranchant.

Onimusha Way of the Sword
Disponible sur PS5, Xbox Series, Switch 2 et PC

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BLUE REFLECTION Quartet, 4 reflets pour une même lumière

Roxarmy — Sat, 26 Sep 2026 00:15:41 +0000

La série BLUE REFLECTION suit une trajectoire singulière depuis ses débuts en 2017. Deux jeux sur consoles, une série animée puis une production mobile ont enrichi son univers tout en dispersant ses histoires. BLUE REFLECTION Quartet peut-il donner une vraie cohérence à cette aventure fragmentée ?

BLUE REFLECTION Quartet prend donc la forme d’une compilation réunissant les différentes productions de la licence au sein d’un même jeu. Développé par Gust et édité par Koei Tecmo, le titre rassemble BLUE REFLECTION, BLUE REFLECTION RAY, BLUE REFLECTION SUN et BLUE REFLECTION SECOND LIGHT.

Connu pour sa sage Atelier aux graphismes de style animes, le studio japonais ne se contente toutefois pas d’aligner 4 RPG de type « Magical Girl » se déroulant dans un cadre lycéen moderne. Certains bénéficient d’améliorations tandis que RAY et SUN ont nécessité une notable adaptation pour en faciliter la découverte.

BLUE REFLECTION ouvre les festivités avec Hinako Shirai. Cette ancienne ballerine abandonne ses ambitions après une blessure avant que Yuzuki et Lime Shijou bouleversent son quotidien. Les 2 jeunes filles lui permettent de devenir une Reflector et d’explorer le Common, un monde façonné par les émotions.

Les interventions de Hinako servent surtout à développer les relations entre les personnages. Le scénario aborde la solitude, la frustration ou l’acceptation avec sensibilité. Plusieurs dialogues accusent leur âge comme les graphismes malgré les améliorations de Quartet. La progression manque parfois de rythme.

BLUE REFLECTION RAY change radicalement de nature puisqu’il adapte la série animée de 24 épisodes. Gust transforme ses principaux événements en aventure jouable en 3D autour de Hiori Hirahara et Ruka Hanari. Un prologue, un épilogue et des récits supplémentaires renforcent ses connexions avec la saga

Cette conversion facilite la découverte de RAY mais sa condensation possède une contrepartie. Certaines relations évoluent rapidement et plusieurs transitions manquent de naturel. Cette partie ressemble parfois davantage à un résumé interactif qu’à une véritable reconstruction. Son intégration permet néanmoins de suivre toute la saga depuis un même jeu.

BLUE REFLECTION SUN revient de beaucoup plus loin. Cet ancien jeu mobile avait disparu avec la fermeture de son service. Quartet transforme son histoire en expérience hors ligne et reconstruit ses principaux affrontements à partir des mécaniques de SECOND LIGHT. 24 nouveaux événements consacrés aux personnages complètent cette résurrection.

Cette démarche constitue l’un des principaux intérêts de la compilation. SUN retrouve une place dans la chronologie mais conserve quelques traces de sa conception mobile. Certains enchaînements paraissent fragmentés tandis que plusieurs séquences trahissent une structure autrefois adaptée aux sessions courtes.

BLUE REFLECTION SECOND LIGHT profite de la comparaison. Ao Hoshizaki se réveille dans une école isolée avec plusieurs jeunes filles privées de leurs souvenirs. Leur passé se dévoile progressivement à travers les Heartscapes, des environnements façonnés par leurs émotions. Le scénario prend davantage de temps pour développer les personnages et leurs relations.

Cet épisode représente clairement la partie la plus accomplie de Quartet. Huit personnages provenant de RAY et SUN peuvent participer aux combats. Gust ajoute plusieurs options pour accélérer l’exploration, les affrontements ou certains événements. Ces améliorations deviennent appréciables face à la quantité de contenu proposée.

L’évolution apparaît surtout pendant les combats. Le premier BLUE REFLECTION utilise un tour par tour assez classique où une chronologie permet d’anticiper les actions. Cette mécanique fonctionne correctement mais la difficulté pousse rarement à exploiter toutes ses possibilités. Les affrontements importants gagnent heureusement en énergie grâce aux transformations des Reflectors.

SECOND LIGHT apporte beaucoup plus de dynamisme. Les héroïnes remplissent progressivement une jauge avant d’effectuer leurs actions. Leur montée en puissance accélère ensuite les échanges et oblige à réagir plus rapidement. SUN récupère une partie de ces mécaniques pour ses affrontements principaux, renforçant légèrement la cohérence entre les différentes expériences.

BLUE REFLECTION construit toutefois son identité ailleurs. Les relations occupent une place centrale et influencent directement la progression. SECOND LIGHT développe cette idée avec les Heartscapes. Une plage paisible peut ainsi côtoyer des structures abandonnées tandis qu’un décor lumineux dissimule parfois des souvenirs beaucoup moins heureux.

Cette approche donne une fonction narrative à l’exploration malgré une construction assez simple. Les zones proposent essentiellement des ressources, quelques mécanismes et des adversaires visibles sur le terrain. Leur personnalité compense heureusement ce manque de complexité et accompagne efficacement le développement des héroïnes.

La direction artistique participe énormément à cette identité. Le travail de Mel Kishida privilégie les traits délicats, les couleurs pastel et les effets lumineux. Cette douceur contraste efficacement avec les blessures abordées par les différents récits. SECOND LIGHT exploite particulièrement bien cette opposition grâce à des environnements plus variés.

Les différences techniques deviennent malgré tout visibles lorsque Quartet enchaîne quatre productions aux origines aussi éloignées. Le premier épisode affiche certaines animations rigides tandis que RAY et SUN révèlent régulièrement leurs contraintes. La cohérence artistique limite heureusement la sensation de rupture.

Hayato Asano imprime une nouvelle fois sa personnalité à la partie musicale. Le compositeur historique de BLUE REFLECTION mélange piano, sonorités électroniques et morceaux beaucoup plus énergiques durant les affrontements. Cette opposition entre douceur et puissance accompagne parfaitement les Reflectors et constitue encore l’une des signatures les plus reconnaissables de la série.

L’absence de traduction française pose en revanche un véritable problème. BLUE REFLECTION accorde une importance considérable aux dialogues et aux émotions de ses personnages. Une maîtrise suffisante de l’anglais devient donc indispensable pour comprendre les subtilités de quatre aventures particulièrement bavardes.

Quartet facilite heureusement la compréhension générale avec Reference. Cette base de données rassemble une chronologie des événements ainsi que les relations entre les personnages. Une galerie consacrée aux illustrations de Mel Kishida complète l’ensemble et remet intelligemment en ordre une saga dispersée pendant presque une décennie.

Cette compilation dépasse ainsi le simple regroupement commercial. RAY devient directement jouable tandis que SUN retrouve une existence indépendante de son ancien service. Les améliorations apportées aux deux épisodes console complètent cette démarche sans chercher à dissimuler leurs imperfections.

BLUE REFLECTION Quartet parvient finalement à donner la cohérence qui manquait à la saga. Les quatre parties ne possèdent certes pas la même qualité. BLUE REFLECTION accuse son âge, RAY souffre de sa condensation et SUN conserve les traces de ses origines mobiles. SECOND LIGHT domine donc assez largement l’ensemble.

Ces différences permettent pourtant de mesurer l’évolution réalisée par Gust pendant presque dix ans. Quartet rassemble surtout des histoires autrefois dispersées et leur offre enfin un environnement commun. Reference renforce intelligemment cette continuité tandis que la préservation de SUN donne même une dimension patrimoniale au projet.

L’absence de français et certaines mécaniques vieillissantes limitent ses ambitions. Sa générosité et son identité artistique en font néanmoins la meilleure porte d’entrée dans l’univers imaginé par Gust et Mel Kishida. Quartet ne fait donc pas briller tous ses épisodes avec la même intensité, mais leur offre enfin un reflet commun.

BLUE REFLECTION Quartet
Disponible sur PS5, Switch, Switch 2 et PC

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