Pünktlich zum Start von Tim Burtons „Alice in Wonderland“ in Londoner Kinos hat das British Film Institute die erste Verfilmung von Lewis Carrolls Kinderbuch ins Netz gestellt. Das Werk der Regisseure Cecil Hepworth und Percy Stow war ursprünglich zwölf Minuten lang, von dem stark beschädigten 35-Millimeter-Material konnten nur acht Minuten restauriert werden.

1903, als „Alice in Wonderland“ (YouTube-Direktlink) gezeigt wurde, waren seit der ersten Filmvorführung überhaupt gerade mal acht Jahre vergangen. Wie auf Screenonline zu lesen ist, war „Alice“ damals nicht in voller Länge, sondern nur in Ausschnitten zu sehen, sozusagen als Nummer in einer Revue. Das Publikum bekam eine bunte Mischung verschiedener Themen vorgesetzt. Dass Bilder sich auf der Leinwand bewegten, war faszinierend genug. Außerdem wurden kurze Stummfilm-Sequenzen neben Auftritten von Musikern und Akrobaten ins Varieté-Programm aufgenommen.

Der Tricktechnik zum Trotz: Die Grinsekatze grinst nicht

„Alice in Wonderland“ wirkt deshalb episodenhaft. Die einzelnen Szenen sind zum Teil um Filmtricks herum aufgebaut, die allein den Inhalt bilden (was gar nicht so weit vom heutigen Special-Effects-Kino entfernt ist). Der Zuschauer, der die literarische Vorlage nicht kannte, konnte sich zumindest am Spektakel erfreuen. Wie Alice schrumpft und dann zur Riesin wächst, ist tatsächlich gut gelungen. Ich hätte gern die Gesichter der Leute gesehen, die zum ersten Mal solche Leinwand-Tricks vor Augen hatten: Willkommen im Wunderland!

Als Vorbild für den Film dienten die Original-Illustrationen von John Tenniel für die Buchausgabe von 1865. (Tenniel hat auch politische Karikaturen für Zeitungen gezeichnet. Am bekanntesten in Deutschland ist die vom Rücktritt Bismarcks als Reichkanzler: „Der Lotse geht von Bord“.)

Die gute alte Zeichnung zeigt sich in einer Hinsicht dem Medium Film in seinem damaligen technischen Stand überlegen. Die Tricktechnik schaffte es zwar, die Grinsekatze ins Bild zu zaubern.

Aber vom Grinsen hält der fette Kater, der die Rolle der Chesire Cat übernommen hat, eher weniger. Vielleicht stand davon nichts in seinem Vertrag.

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Auf eine Anekdote aus seiner Biografie stößt man in fast jedem Artikel über Don McCullin: 1958 fotografierte der 1935 geborene Brite die Londoner Straßengang The Guv’nors, der einige seiner Schulfreunde angehörten. Nachdem einer der Jungs wegen Mordes an einem Polizisten zum Tode verurteilt und hingerichtet worden war, erkannte McCullin die Gelegenheit und verkaufte das Bild an den „Observer“ – seine erste Veröffentlichung in einer Zeitung. Ein Akt der Gewalt und dessen Vergeltung wurden für ihn zum Sprungbrett in eine Karriere, die ihn zu einigen der brutalsten Konflikte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führen sollte.

Von 1966 bis Anfang der 80er-Jahre war er im Dienst der „The Sunday Times“ von einem Krisen‑ und Kriegsgebiet zum nächsten unterwegs. Die im YouTube-Kanal des „Economist“ präsentierte Audio-Slideshow zeigt Fotografien, die McCullin während der Hungersnot Ende der 60er in Biafra geschossen hat, vom Krieg in Vietnam und von einer gefährlichen Begegnung mit christlichen Milizen in Beirut. Die Bilder illustrieren seine Erzählung von dem Wandel, den er als Kriegsfotograf durchgemacht habe: weg von der Haltung, Extremsituationen existenzialistisch als Chance für Selbsterfahrung zu verstehen, hin zu dem Anliegen, andere Menschen in ihrem Leid zu porträtieren.

Anlass der Video-Präsentation ist die die große Don-McCullin-Retrospektive „Shaped by War“, die derzeit im Imperial War Museum North in Manchester läuft (bis 13. Juni). In Berlin sind ebenfalls Bilder des Fotografen zu sehen: „The Impossible Peace – Retrospektive, 1958–2008“, C/O Berlin im Postfuhramt, bis 28. Februar.

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Ein Kamera-Tragesystem, das einem Waffen-Holster nachempfunden ist: praktisch, um die Ausrüstung griffbereit zu halten, wenn es hoch hergeht. Beim Posen damit können allerdings schon mal die Assoziationen außer Kontrolle geraten, wie dieser zackige Sportschütze, der auch Mitglied der amerikanischen National Rifle Association (NRA) ist, bei einem Produkttest vorführt. Erst schießen, dann schießen: Hoffentlich verwechselt er, gestresst vom Multitasking, nicht die Reihenfolge.

Aber es gibt tatsächlich Querschläger im Feld der Sprache: Vermutlich leitet sich der Begriff Schnappschuss in der Fotografie vom Schusswaffengebrauch ab. „A snap shot is a shot that is aimed and fired very quickly at a target that appears suddenly and for a very short period of time“, heißt es in der englischen Wikipedia zur ursprünglichen Bedeutung des Ausdrucks.

Via Photography Prison.

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1. Die Stadt ist eine Frau

Die massive Präsenz dieses Irrsinns lässt einen schon mal an den schönen Träumen von demokratischer Netzkultur und Bürgerjournalismus zweifeln. Das war wohl auch der Grund für Arte, den gestrigen Themenabend zu „Journalismus auf Abwegen“ mit einer Dokumentation von Ted Anspach über Verschwörungstheorien einzuleiten. „Verloren im Nachrichtendschungel“ (40 min) kann man nun als Video auf der Website des Kulturkanals ansehen.

Was ich an der Sendung zwiespältig finde: Darin wird etwa SpOn zum großen Aufklärer im verpeilten bis gemeingefährlichen Wildwuchs des Internets stilisiert. Aber was Leute im Netz abseits der etablierten Medien leisten, bleibt unerwähnt. Von den vielen Blogger oder Betreibern von Websites und Foren, die sich mit der Desinformation von sogenannten Truthern zu den Terroranschlägen vom 11. September auseinandersetzen, das völkische Gedankengut mancher Globalisierungsgegner sowie die Geschäftemacherei und Neonazi-Verstrickungen von Esoterikern bloßstellen, auf die Paranoia und verantwortungslose Panikmache von Schweinegrippe-Impfgegnern hinweisen, erfährt der TV-Zuschauer in der Dokumentation nichts. Das wäre wohl nicht im Sinne einer einfachen Internetkritik gewesen.

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Modefotografie ist Jazz, Kriegsfotografie Gabber-Techno. Den Break, bevor die Beats per Minute zu rasen beginnen und Gräuelbilder aufblitzen wie die Dämonenfratze in William Friedkins „Exorzist“, markiert eine Scheidung. O-Ton Stanley Greene, Fotograf, dem Ende der 80er-Jahre die Frau weglief: „Instead of becoming an alcoholic, I would go and shoot war.“ So gesehen im Video-Trailer für seine Biografie „Black Passport“. Eine Karriere, heruntergekürzt auf Klischees?

Leben und Werk des 1949 in Harlem, New York, geborenen Stanley Greene waren mir bisher nicht bekannt. In den 60er-Jahren, heißt es auf seiner Website, war er Mitglied der Black Panthers und engagierte sich gegen den Vietnamkrieg, nach dem Studium der Fotografie schoss er Bilder von Bands und von Mode in Paris. Seine Einsatzgebiete in den 90er-Jahren lesen sich wie ein Index der Vernichtung in diesem Jahrzehnt: Moskau zur Zeit des Putsches, Bergkarabach, Ruanda, Somalia, Tschetschenien, Libanon, Irak.

Von Greenes Scheidung liest man in den kurz angerissenen Biografien, die im Netz verstreut sind, nichts. Das persönliche Trauma, das als Missing Link des Themenwechsels von Lifestyle zu Krieg dienen muss, war wohl dem Buch-Marketing vorbehalten.

Das ist nichts Neues: Evan Wright etwa, der als Embedded Journalist zu Beginn des Irakkriegs 2003 Marines auf dem Weg nach Bagdad begleitete und durch seine „Rolling Stones“-Reportage „The Killer Elite“ bekannt wurde (später zum Buch „Generation Kill“ erweitert und als HBO-Miniserie verfilmt) versäumte keine Gelegenheit, bei laufenden Kameras seine Drogen‑ und Alkoholprobleme zu erwähnen (zum Beispiel im CNN-Interview).

Via MediaStorm.

Männerschicksale: Da, wo der Dead End Boy am einsamsten ist, aus der Gesellschaft zu fallen droht, erreicht er den größten Grad an Allgemeinheit, kleidet sich in abgewetzte Rollen, Klischees flackern wie Stroboskoplicht auf seinem Körper, den er auf althergebrachte Weise missbraucht. Die Selbsttäuschung ist nicht leicht zu erkennen, denn die Schäden, die der Alkohol hinterlässt, sind echt. Das sind auch die Toten, die im Kriegsgebiet seiner Kamera ausgeliefert sind oder sich in Buchstaben verwandeln.

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„The landscape of the Inland Empire is a wasteland of empty homes and ghosts of the American Dream“, schreibt Lauren Greenfield im Text zu ihrem Video „Foreclosure: Death of the American Dream“. Die Beschreibung könnte auf den Film von David Lynch zutreffen, aber er hat den Namen seines Psychodramas von 2006 einer Region im Süden Kaliforniens entliehen, die tatsächlich so genannt wird (gedreht hat er nicht dort, sondern hauptsächlich in Polen, das sich zum Niedriglohnland für Kinoproduktionen entwickelt hat).

Im Unterschied zum Werk des Regisseurs, der Krisenstimmungen gern mystifiziert darstellt, zeigt sich im realen Inland Empire der wirtschaftliche Abschwung eher „banal“: Arbeitslosigkeit, Verschuldung, Zwangsvollstreckung.

Inland Empire liegt östlich von Los Angeles und ist geprägt von einer wilden Zersiedelung des ehemals vor allem landwirtschaftlich genutzten Gebiets. Viele aus der Großstadt fortgezogene Hausbesitzer, die sich in diesem amorphen, endlosen Suburb in den vergangenen Jahren ihren Traum vom Eigenheim auf Kredit finanzierten, sind nun vom Rauswurf bedroht. Manche landen von einem Tag auf den anderen auf der Straße.

Die Fotojournalistin und Dokumentarfilmerin Greenfield hat ihre Aufnahmen von den Opfern der Immobilienkrise zu einer Mischform aus Audio-Slideshow und gefilmten Interviews montiert. Einige Bilder, gerade von den leer geräumten Häusern und den verlassenen Swimmingpools, finde ich ästhetisch so gelungen, dass ich beim zweiten Durchlauf das Vimeo-Video öfters mal stoppen musste.

Ein „guilty pleasure“: Wenn Profis am Werk sind, sieht eben auch das Elend anderer Leute sehr gut aus. Darin zumindest sind sich das echte Inland Empire und Lynchs Kino-Fiktion ähnlich.

Via Duckrabbit.

In Tokio gibt es keine Straßennamen, und Häuser sind in der Reihenfolge nummeriert, in der sie errichtet wurden. Wer in einer europäischen Stadt aufgewachsen ist, verliert in einem solchen, für ihn fremden System die Orientierung. Umgekehrt geht es Japanern im Westen genauso. In diesem kurzen Auszug aus seinem TED-Talk kommt der Unternehmer und Musiker Derek Sivers auf die Unterschiede im Stadtplan zu sprechen, um auf die Schwierigkeit hinzuweisen, Annahmen, die man für selbstverständlich hält, von dem eigenen gesellschaftlichen Kontext in einen anderen zu versetzen.

Tokio scheint seine Faszination nicht zu verlieren. Ein schönes Buch über den „Kulturschock“, der den Besucher dort erwartet (wenn er denn will),  stammt von Roland Barthes. Der französische Philosoph und Literaturwissenschaftler hat „Das Reich der Zeichen“ (1970) nach seiner Japan-Reise Ende der 60er-Jahre verfasst. Er beschreibt darin die japanische Hauptstadt als für ihn vollkommen fremdes Zeichensystem, wo er seine europäische Subjektivität und die daran gebundene Auffassung von Signifikation aufs Spiel setzen könne. Dass in Tokio Straßen keine Namen tragen, wird auch von Barthes als bemerkenswert erwähnt.

Über Stadtpläne, Zeichentheorien und deren Relativität im Verhältnis zueinander lässt sich allerdings unbeschwerter philosophieren als über die Idee der Menschenrechte und deren universelle, von jedem gesellschaftlichen Kontext unabhängige Gültigkeit.

Ein Hinweis an RSS-Leser: Das eingebundene TED-Video kann seltsamerweise nur im Blog-Beitrag selbst, aber nicht im Feed-Reader angeschaut werden.

Texts for Robots ab 18 Jahren? Noch nicht, das ist nur ein Test, wie ein Warnhinweis für dieses Blog im Sinne eines streng ausgelegten Jugendschutzes im Internet aussehen könnte. Wenn schon, denn schon: Sollte nach einer Änderung des Jugendmedienschutz-Staatsvertrages (JMStV) eine Alterskennzeichnung für Web-Inhalte Pflicht werden, möchte ich die nicht so verstohlen anbringen wie manche Gaststätten den Auszug aus dem Jugendschutzgesetz.

Außerdem habe ich noch die Symbole für ABC-Alarm hinzugenommen, kann ja nicht schaden. Und die Suche nach jugendgefährdenden Inhalten in diesem Blog erfordert mindestens so viel Ausdauer wie die nach Massenvernichtungswaffen in Irak.

Heute findet zu den Änderungsplänen eine erste Anhörung in der Mainzer Staatskanzlei statt. Informationen und Meinungen zum Thema bei: AK Zensur (mit einer ausführlichen Stellungnahme), Internet-Law sowie Heise online.

Nachtrag, 30. Januar 2010:

(1) Nach der Anhörung in Mainz heißt es nun, „Befürchtungen, dass Klassifizierungen jeglicher Inhalte für private wie kommerzielle Anbieter verbindlich würden, beruhten auf einem Missverständnis“. Das sagte eine Vertreterin der Staatskanzlei Heise online. Auch eine „Kompletthaftung der Zugangsprovider“ sei nicht vorgesehen. Ein Blog-Beitrag des Providers 1&1 Internet AG zum „Ende der freien Kommunikation im Internet“ hatte Anfang der Woche Aufregung über die Novellierung des JMStV mit ausgelöst.

(2) Stefan Münz wundert sich im Blog Webkompetenz, warum der große Aufschrei angesichts der möglichen Konsequenzen der geplanten Änderungen im Staatsvertrag ausbleibt. Es sei „verdächtig ruhig“ im Vergleich zum vergangenen Jahr, als der Entwurf für ein Zugangserschwerungsgesetz im Internet für viel Empörung gesorgt hatte: „Ist das eine politische Wiederermüdung der Online-Szene nach dem Aufbäumen im letzten Jahr?“

(3) Eine Reaktion auf die JMStV-Anhörung in Mainz gibt es wiederum bei AK Zensur. Ein wichtiger Punkt darin ist die Forderung nach weniger Heimlichtuerei: „Die Nutzer bzw. die Online-Community und die Öffentlichkeit müssen in die Entstehung solcher Gesetze mit einbezogen werden!“ Denn schließlich gehe es um Grundrechte.

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1. Copy-and-Paste-Piraterie in Obamas Backstage?

Vor ein paar Wochen hatte ich auf Texts for Robots ein ernstes Wörtchen mit dem schlechten Reise-Journalismus aus der arabischen Welt zu reden. Leider war das begleitende Abu-Dhabi-Video bald schon nicht mehr einzubinden. Dafür gibt’s nun Ersatz: „Sky“ von Philip Bloom, in Dubai im Zeitraffer gedreht. Der Vimeo-Filmer lässt keinen Zweifel daran, dass er ein Fan der Hightech-Metropole in den Vereinigten Arabischen Emiraten (VAE) ist. So äußert er sich auch im Making-of-Bericht in seinem Blog.

Aber an meiner Vorstellung, die auf der Ausbeutung von weitgehend rechtlosen Niedriglöhnern errichtete Wolkenkratzer-Stadt könnte als Schauplatz einer neuen Verfilmung von „I Am Legend“ dienen, halte ich weiterhin fest. Und gegen „The dark side of Dubai“ hilft auch kein künstliches Licht.

Via Kraftfuttermischwerk.

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1. Abu Dhabi und 1001 schlechte Reise-Texte

Foto: Jelle Druyts (cc)

Vorfreude und Befürchtungen hielten sich die Waage, wenn ich in meiner Heimatstadt, 100.000 Einwohner groß mit Eingemeindungen, ins Kino ging. Oft war der Ton zu leise, doch schlimmer noch: Nicht selten saßen Leute mit intensiven Körperausdünstungen um einen herum. Dann fraß sich der Geruch von Ammoniak durch die verbrauchte Luft zu den Nasenschleimhäuten. Ammoniak ist ein Abbauprodukt von Urin.

Ein weiterer Kino-Schrecken war in der bayerischen Provinz kaum anzutreffen: der Hühne, der sich vor einen setzt. Anders in Berlin. Dort rennen genügend lange Kerls herum, die mir mit meinen 1,74 Meter (so steht’s zumindest im Ausweis) die Sicht versperren. Ich bin deshalb gewarnt: Es ist ratsam, einen Platz zu wählen, vor dem schon ein Mensch von durchschnittlicher Körpergröße sitzt – um nicht hinterher, wenn der Film bereits läuft, durch einen riesenhaften Spätankömmling überrascht zu werden.

Schlachtenlärm einer Macht der Liebe

Vor einiger Zeit sah ich mit einer Freundin Michael Hanekes „Das weiße Band“. Auch diese Filmvorführung lief nicht ohne Störung ab: Meine Begleitung wurde bald unruhig, denn der Mann neben ihr gab rhythmisch Geräusche von sich. Nachdem sie den Platz gewechselt hatte, weil sie es nicht mehr aushielt, nahm ich es ebenfalls wahr: ein zugespitztes, kurzes Schniefen durch die Nase.

Es war der Keim eines Kicherns, wie ich bald herausfand, denn die penetranten Töne waren immer dann zu hören, wenn sich irgendwas auf der Leinwand abspielte, das er kommentieren wollte. Meine Theorie: Dieses schniefende Kommentieren war ein Dialog mit seinem Sitznachbarn, Freund oder Lover – Ausdruck eines Machtgefälles in ihrer Beziehung. Die Töne sollten wohl sagen:

Hey, ich habe die Anspielung, den Witz, den Umschlag in der Handlung verstanden. Ich bin nicht so dumm, wie du immer denkst, du kannst mit mir ruhig in einen anspruchsvollen Film gehen!

Wenn es so war, haben wir dadurch wieder mal ein Argument für die Abschaffung der Macht und der Ungleichheit unter den Menschen – damit andere einen Film ohne Störung durch Schlachtenlärm von Beziehungskonflikten ansehen können.

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