Русская живопись. Русские художники.

Художник Виктор Михайлович Васнецов

2088-01-01T08:39:00.000-08:00

Виктор Михайлович Васнецов

(1848-1926)

В русском искусстве имеются такие произведения, которые мы знаем, помним и любим с детства до глубокой старости. Дорогие и близкие нам образы постоянно волнуют, пленяют своей глубокой человечностью, благородством идей, совершенством художественной фирмы.

Таковы лучшие картины выдающегося русского живописца-передвижника Виктора Михайловича Васнецова (1848-—1926), пользующиеся неизменной популярностью в народе.

Трудно найти человека, который бы не знал и не любил такие картины, как «Богатыри», «Аленушка», «После побоища Игоря Святославича с половцами», «Иван Царевич на Сером Волке».

...Гаснет вечерняя заря, серые сумерки опускаются на молодой лесок, на холодную потемневшую воду. У реки на камне примостилась одинокая хрупкая фигурка Аленушки, пришедшей сюда поплакать-попечалиться о бедном братце Иванушке, загубленном злыми людьми. С нею вместе как бы грустит и увядающая осенняя природа.

Эта замечательная, поэтичнейшая картина пронизана чувством щемящей грусти, согрета сердечной теплотой и сочувствием художника горькой сиротской доле.

..По низкому небу ходят холодные тяжелые тучи, сильный ветер клонит к земле сухой ковыль. На возвышенности, с которой открываются необозримые лесные дали, стоит три могучих всадника, три славных богатыря — Илья Муромец. Добрыня Никитич, Алеша Попович - герои древних русских былин, народные заступники , овеянные воинской доблестью. «Богатыри» — символ непобедимости, величавого мужества и красоты русского народа'. Образное воплощение высокого человеческого долга и чести.

...Багровый диск поднимающейся из-за горизонта луны осветил поле недавнего сражения. Над полем в сумерках наступающей ночи дерутся орлы. На мягкой зеленой траве, среди поникших полевых цветов лежат мертвые тела славных воинов Игоря Святославича, павших в неравном бою с половцами. Замечательный памятник древнерусской литературы — «Слово о полку Игореве» нашел в этой картине свое проникновенное выражение.

На других полотнах Васнецова запечатлены Иван Царевич, мчащийся на волке с прекрасной Еленой сквозь дремучую таинственную лесную чащу; баяны и гусляры, поющие вдохновенные песни о славных делах седой старины; Иванушка, летящий на ковре-самолете с пойманной им сказочной жар-птицей, и многие другие герои русских народных сказок, былин, песен—этого неиссякаемого родника народной мудрости и творчества, в котором черпал художник сюжеты и вдохновение для своих прекрасных произведений.

Васнецов обладал особым даром—с огромной художественной убедительностью и глубокой исторической правдой воссоздавать в реальных зрительных образах прошлую, давно исчезнувшую жизнь.

Так, в картине «Царь Иван Васильевич Грозный» (1897) художнику удалось раскрыть сложный, на редкость противоречивый, внутренний облик Ивана IV. В лице и во всей фигуре царя, спускающегося неслышными шагами по потайной лестнице, отражаются выдающийся ум, сильная воля и, наряду с этим — деспотичность, коварство, мрачная подозрительность.

Психологическая правда здесь сочетается с исключительной правдивостью воспроизведения всей окружающей обстановки.

Знаменитые картины Виктора Васнецова на сказочные и исторические темы чаруют своей поэтической прелестью, декоративной красочностью, покоряют благородством идей и глубиной мудрых народных заветов.

Виктор Михайлович Васнецов родился в 1848 году в небогатой семье священника. Детство свое провел среди красивой, но суровой северной природы Вятского края, с его патриархальным бытом, старинными обычаями и поверьями, песнями и народными сказками, оказавшими огромное влияние на развитие воображения впечатлительного мальчика.

Первоначальное образование Виктор Васнецов получил в Духовном училище, а затем в Вятской Духовной семинарии, с которой он порывает в 1867 году и уезжает в Петербург, решив посвятить себя искусству, тягу к которому почувствовал с раннего детства.

В Петербурге Васнецов сначала год обучается в Обществе поощрения художеств, а затем поступает в Академию художеств (1868—1875), в которой успешно учится у замечательного педагога П. П. Чистякова, ведя трудную жизнь материально необеспеченного студента-разночинца.

На формирование мировоззрения молодого Васнецова оказало благотворное влияние его дружба с идейным вождем передвижничества И. Н. Крамским, с крупнейшим художественным критиком В. В. Стасовым, тесное сближение с художником И. Е. Репиным, скульптором М. М. Антокольским.

С 1874 года Васнецов начинает показывать свои произведения на передвижных художественных выставках.

Первые его работы создавались на темы из повседневной жизни городской бедноты — мелких чиновников, нищих, солдат, ремесленников. Эту жизнь художник хорошо знал, оставив нам целую галерею метко схваченных человеческих типов и характеров.

Так, в картине, являющейся в этом периоде лучшей, «С квартиры на квартиру» (1876) изображены два одиноких и нищих старика, бредущих со своим жалким скарбом в зимнюю непогоду по пустынной, заснеженной Неве в поисках нового пристанища. С исключительным мастерством написан суровый зимний пейзаж Петербурга с видом на Петропавловскую крепость.

Другая картина «Военная телеграмма» (1878) изображает группу прохожих, столпившихся около вывешенной на степе телеграммы с фронта военных действий в Болгарии. Мастерски передал художник разнообразие человеческих типов, характеров и душевных настроений.

Тонким юмористом, обладающим острой наблюдательностью, проявляет себя художник в картине «Преферанс» (1879), в которой показан чиновничий быт с его узкими интересами и мелкими страстями.

Живя в Москве, Васнецов становится активным членом известного мамонтовского кружка, в который входили выдающиеся деятели русской культуры — Репин, Поленов, Врубель, Серов, Левитан, Суриков, Нестеров, Шаляпин и многие другие.

В мамонтовском кружке устраивались громкие чтения исторических книг, русских былин, велись жаркие споры о назначении отечественного искусства, о путях его дальнейшего развития, совместными усилиями ставились любительские спектакли, в которых воскрешалась русская старина..

Атмосфера мамонтовского кружка благотворно влияла на художников, являясь для них второй высшей школой. Здесь-то окрепли и развились склонности В. М. Васнецова к сказочно-былинному жанру.

В конце 70-х годов одна за другой на передвижных художественных выставках появляются замечательные полотна Васнецова: «После побоища Игоря Святославича с половцами» (1880). «Три царевны подземного царства (1879), «Аленушка» (1881), «Иван Царевич на Сером Волке» (1889) и, наконец. «Богатыри» (1881-1890).

В четырех больших картинах из цикла «Каменный век» (1883), находящихся в залах Исторического музея в Москве, художнику удалось правдиво, с исключительной силой воображения проникнуть в жизнь людей первобытной эпохи, правдиво отобразить их повседневный труд и быт.

В. М. Васнецов создал несколько превосходных портретов, среди которых выделяются портреты Т. Д. Мамонтовой и скульптора М. М. Антокольского.

Много внимания уделял Васнецов декоративной живописи. Эскизы декораций и костюмов к опере Римского-Корсакова «Снегурочка», поставленной в частном театре Мамонтова, выдвинули его в первый ряд русских художников-демократов.

Кроме того, Васнецов проявил себя и как архитектор: по его проектам был исполнен в традициях древнерусской архитектуры фасад здания Третьяковской галереи. В Абрамцеве построена сказочная «Избушка на курьих ножках», украшенная резьбой и великолепным орнаментом.

Портреты русских писателей

2011-04-20T06:23:00.000-07:00

Здесь представлена галерея портретов русских писателей, поэтов.Художник С.Бондар.

Владимир Галактионович Короленко (1853-1921)

Антон Павлович Чехов (1860-1904)

Александр Серафимович Серафимович (Попов) (1863-1949)

Николай Гаврилович Чернышевский (1828-1889)

Михаил Евграфович Салтыков-Щедрин (1826-1889)

Александр Николаевич Островский (1823-1886)

Николай Алексеевич Некрасов (1821-1878)

Николай Александрович Добролюбов (1836-1861)

Лев Николаевич Толстой (1828-1910)

Денис Иванович Фонвизин (1745-1792)

Иван Сергеевич Тургенев (1818-1883)

Тарас Григорьевич Шевченко (1814-1861)

Иван Александрович Гончаров (1812-1891)

Александр Николаевич Радищев (1749-1802)

Гаврила Романович Державин (1743-1816)

Александр Сергеевич Грибоедов (1795-1829)

Виссарион Григорьевич Белинский (1811-1848)

Александр Иванович Герцен (1812-1870)

Николай Васильевич Гоголь (1809-1852)

Михаил Васильевич Ломоносов (1711-1765)

Иван Андреевич Крылов (1768-1844)

Дмитрий Андреевич Фурманов (1891-1926)

Владимир Владимирович Маяковский (1893-1930)

Алексей Николаевич Толской (1883-1945)

Художник Николай Алексеевич Касаткин

2011-01-01T23:32:00.000-08:00

В замечательном созвездии русских художников-реалистов, творчество которых было тесно связано с жизнью и лучшими чаяниями своего народа, значительное и вместе с тем особое место занимает Николай Алексеевич Касаткин — представитель младшего поколения передвижников.

Касаткин был первым художником, разработавшим в русском искусстве глубоко, остро и многосторонне тему быта народа. Касаткин родился в Москве в декабре 1859 года.

Детство его протекало в одном из районов города, заселенном бедным, трудовым людом, который позже становится основным героем произведений художника.

Получив дома хорошую профессиональную подготовку у отца, известного в то время гравера, Касаткин, четырнадцатилетний мальчик, в 1873 году поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где успешно занимается под руководством известных художников В. Перова, А. Саврасова, И. Прянишникова, получая неоднократные награды за представленные работы.

Имея звание классного художника, Касаткин занимался и преподавательской деятельностью.

Следуя заветам художников-демократов, Касаткин уже ранние произведения, написанные преимущественно на темы из жизни русского крестьянства, наполняет большим общественным звучанием и тем самым продолжает, а затем и развивает лучшие традиции русского идейного реализма.

Касаткину не удалось осуществить свои планы — поступить в Академию художеств для продолжения образования. В связи с болезнью отца и повседневными заботами о семье он вынужден был постоянно думать о заработке, что лишало его возможности в течение нескольких лет серьезно заниматься живописью.

Только в 1890 году на XVIII Передвижной выставке появляется его небольшая жанровая картина «Перекупка», успех которой ободряет художника и вдохновляет его на дальнейшее плодотворное творчество.

Через год он участвует на очередной выставке уже тремя картинами. Одна из них — «Соперницы», отличающаяся глубоким знанием жизни, тонкостью психологических характеристик женских образов, свежестью колорита в передаче широкой заснеженной улицы и свинцово-синего неба, приобретается П. М. Третьяковым для Галереи.

Товарищество передвижных выставок откликнулось на это необычное по сюжету и по живописным достоинствам произведение зачислением молодого художника в состав его членов.

В лице Н. А. Касаткина Товарищество приобрело активного, последовательного и верного до конца своего существования деятеля.

Это событие открыло новый, исключительно важный этап в жизни и творчестве Касаткина. Он писал: «Я получил веру, что мой труд найдет себе оценку и место».

И, действительно, уже в первые три года в результате творческого подъема и напряженной работы на очередных передвижных выставках одно за другим появляются интересные жанровые картины: в 1892 году — «Шутка» (приобретается П. М. Третьяковым), «Осиротели», «Семья»; в 1893 году — «Девушка у изгороди», «Тяжело», «Перед разлукой»: в 1894 году — «Трамвай пришел». «Девушка у изгороди» —произведение, запечатлевшее светлый образ простой девушки, полной грации и духовной красоты, также нашло свое место в экспозиции Галереи П. М. Третьякова.

В картине «Осиротели», близкой по идейному замыслу и эмоциональному строю к произведению Перова «Проводы покойника» художник лаконичным, выразительным живописным языком повествует о печальной участи одиноких детей в современной ему пореформенной деревне.

Касаткин предстает здесь проникновенным пейзажистом. Ясный, весенний день, особая тишина, разлитая в природе, не нарушают печального, сосредоточенного состояния сирот, пришедших на погост.

Как ни значительны и интересны произведения Касаткина на сюжеты из крестьянского быта, однако совершенно исключительное общественное и художественное звучание имели созданные им портретные этюды и картины из жизни рабочих, появлявшиеся с 1895 года на передвижных выставках: «Шахтерка», «Углекопы. Смена» и др.

Цикл этих произведений явился результатом поездок Касаткина с 1892 года в Донецкий угольный бассейн. Там, в годы подъема рабочего движения в России, художник пристально изучал рабские условия труда шахтеров, наблюдал рост классового самосознания пролетариата и первый создал ряд глубоко правдивых эмоциональных образов представителей рабочего класса.

Тем самым Касаткин вписал новую замечательную страницу в историю русской живописи, выступив подлинным новатором.

Картина «Углекопы. Смена» — самое монументальное по замыслу полотно Касаткина.

Не случайно, что появление картины и ценнейший этюд к ней на XXIV Передвижной выставке, а затем в залах Третьяковской галереи было воспринято передовыми представителями русского общества, как большое явление в русской живописи и общественной жизни.

Стасов отмечал, что в этих выдающихся произведениях «столько правды, столько энергии и правдивости кисти...», что они «много говорят уму и чувству».

Касаткин показал момент перед спуском в шахту.

В темном, сыром, мрачном помещении изображена группа шахтеров утренней смены вокруг шахтной клети в ожидании спуска. Из общей массы на мрачном фоне выделяется пожилой шахтер на переднем плане.

В изображенной фигуре чувствуется энергия, суровость и сознание своей силы. Скудностью освещения, своеобразным снаряжением людей с лопатами в руках, выбором момента перед спуском, спящими тут же на голом грязном полу подростками, не успевшими отдохнуть от непосильной работы, и темным холодным колоритом Касаткин убедительно, образно вскрывает тяжелые и мрачные условия труда шахтеров.

Николай Алексеевич Касаткин умер в 1930 году.

Художник Алексей Гаврилович Венецианов

2011-01-01T08:30:00.000-08:00

Участие народных масс в Отечественной войне 1812 года, славные героические подвиги, совершенные крестьянами, усилили в общественных кругах интерес к крестьянству и народной жизни.

Венецианов по праву может быть назван основоположником в русской живописи не только реалистического бытового жанра, но и национального пейзажа, несмотря на то, что пейзаж в его творчестве и не являлся самостоятельным жанром.

Алексей Гаврилович Венецианов родился 7 февраля 1780 года в Москве, где провел свое детство и юность. Он учился в пансионе и после окончания его служил землемером.

Венецианов принадлежал к числу тех немногих живописцев, самобытное дарование которых развивалось вне официального академического искусства.

Интерес к живописи Венецианов проявил еще с юных лет, но систематически заниматься ею начал только с 1807 года, когда был переведен по службе в Петербург. Там он встретился с крупнейшим русским портретистом конца XVII — начала XIX века В. Л. Боровиковским и вскоре стал его учеником.

Несмотря на то, что он не был воспитанником Академии, он получил звание академика живописи за созданный им ряд превосходных портретов. Композиционное и цветовое решение роднит эти работы с лучшими произведениями Боровиковского, который воспитал в Венецианове любовь к форме, чувство цвета, линии и ритма.

Вместе с тем, этим произведениям присущ ряд черт, которые говорят о самостоятельных путях развития творчества Венецианова.

Его портреты значительно проще, демократичнее, отличаются большей конкретностью характеристик.

Подлинное признание и славу художник завоевал картинами, отображающими крестьянский быт. К изображению бытовых сцен Венецианов пришел не сразу. Он пробует свои силы раньше на политической карикатуре, е которой уже проявляется его интерес к бытовым сюжетам и любовь к народу.

В 1820 году Венецианов, приняв решение заняться исключительно живописью, выходит в отставку и уезжает в Саронково, небольшое имение Тверской губернии.

Широкое изображение им крестьянской жизни начинается с картины «Гумно». Работая над этим произведением более трех лет он ставит задачу: «Ничего не изображать иначе, как только в натуре, повиноваться ей одной, без примеси манеры какого бы то ни было художника».

Период расцвета творческих сил художника -20—30-е годы XIX века. В этот период он создает лучшие картины из крестьянского быта и замечательную галерею крестьянских образов: «На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Спящий пастушок», «Крестьянка с васильками», «Крестьянская девушка с теленком», «Захарка», «Голова старика-крестьянина», «Старая крестьянка с клюкой» и другие.

Они несут на себе черты подлинной человечности и поэтической любви к родной природе - черты, которые присущи поэзии Пушкина.

В картинах «На пашне. Весна» и «На жатве. Лето» Венецианов первым в русской живописи показал нам крестьянский труд, первым заметил скромную красоту природы своей родины, сумев передать, как тихий трепет, так и широкое дыхание ее жизни.

Труд в этих картинах Венецианова дан опоэтизированно, но обращение к нему свидетельствует об искреннем интересе художника к крестьянской жизни.

Наиболее совершенной в этом отношении является картина «На пашне. Весна», в которой художник достиг удивительной законченности и целостности.

В тончайшем поэтическом образе запечатлена скромная русская природа. Венецианов изобразил весенний пейзаж, широкие горизонты полей, нежность распустившейся листвы и синеву неба.

Он передал едва уловимое движение легких облаков и торжественную тишину, разлитую в природе, выразив в этом пейзаже то чувство безмятежной радости от общения человека с природой, которое обычно трудно выразить простыми словами.

Поэзией овеян и образ крестьянки. Легкой поступью, грациозно идет она по пашне, ведя за собой лошадей, запряженных в борону. Выражение ее лица полно покоя. Голова, увенчанная алым кокошником, выделяется на фоне лазурево-голубого неба.

Лирико-эпическим восприятием окружающей действительности отмечена и другая его картина «На жатве. Лето», в которой художник дал нам почувствовать русское лето — пору деревенской страды. Замечательно передан пейзаж с золотистыми нивами и голубым знойным небом.

Произведения Венецианова тщательно скомпонованы, пронизаны линейным и цветовым ритмом. Они написаны светлыми, ясными и полнозвучными красками, тона которых с большим вкусом приведены в тонкую гармонию.

К числу проникновенных крестьянских образов, созданных Венециановым с большой задушевностью, относится «Крестьянка с васильками» с ее тонкими и чистыми чертами лица, задумчивым взглядом. Хорошо передана непринужденная, несколько усталая поза и свободно положенные на колени загорелые рабочие руки, бережно касающиеся полевых цветов.

В прекрасном портрете «Захарки», написанном непосредственно с натуры, Венецианов показал обаятельного смышленого крестьянского мальчика-подростка, правдиво передав его деловую сосредоточенность.

Яркий образ «маленького хозяина» дополняют топор, энергично закинутый за плечо, чрезмерно большие рукавицы, огромная тяжелая отцовская шапка, съехавшая на глаза.

Тонким лиризмом пронизаны картины художника «Вот-те и батькин обед!», «Мальчик, пускающий змей», «Крестьянская девушка с теленком» и многие другие.

В таких произведениях как «Голова старика-крестьянина», «Старая крестьянка с клюкой» можно прочесть целую повесть их жизни, отмеченную тяжелыми испытаниями, огромным терпением и житейской мудростью.

В произведениях Венецианова предстают народные образы, преисполненные подлинным человеческим достоинством, галерею которых впоследствии пополнили крупнейшие русские художники-реалисты второй половины XIX века — Перов, Крамской, Репин.

Венецианов, прожив до конца жизни (1847) почти безвыездно в деревне, основал там художественную школу, в которую привлекал учеников преимущественно из народа. За 20 слишком лет ее существования из нее вышло свыше 70 художников.

В «венециановской школе» учились многие художники — Крендовский, Зеленцов, братья Чернецоны, Плахов, Сорока, творчество которых подкупает наивной правдой и норою тонкий живописной красотой.

Огромное значение Венецианова заключается в том, что в его творчестве ярко проявились черты народности не только в выборе сюжетов, но и в том, что оно правдиво и искренне отображало крестьянскую жизнь и было проникнуто чувством большой любви к человеку,

Художник Фёдор Александрович Васильев

2011-01-01T08:24:00.000-08:00

Творчество выдающегося русского пейзажиста Федора Александровича Васильева продолжалось всего лишь около семи лет, но за этот удивительно короткий срок им были созданы замечательные произведения, сыгравшие огромную роль в развитии национальной русской пейзажной живописи.

Васильев вошел в русское искусство в то время, когда Россия была охвачена мощным революционно-демократическим движением 60- 70-х годов. Это был также период подъема русского реалистического искусства.

Прогрессивные художники-демократы выступили проводниками передовых общественных идей, свою задачу они видели в реалистическом отражении социальной действительности.

Родился Ф. Васильев в 1850 году в Гатчине, и семье мелкого почтового чиновника. Детство и юность его прошли в Петербурге. Восемнадцатилетним юношей по окончании рисовальной школы Общества поощрения художников он попадает к передовую художественную среду, где состоится его знакомство с И. Н. Крамским, а также быстрое сближение с рядом известных русских художников перешедшее в крепкую творческую дружбу, чему значительно содействовали к личное обаяние Ф. Васильева и его искрящийся недюжинный талант.

Большую помощь молодому Васильеву в овладении художественным мастерством оказал И. И. Шишкин. Несмотря на то, что Васильев не получил достаточного художественного образования, его редкое дарование развивается с необычайной быстротой.

Уже первыми своими картинами «После грозы», «Деревенская улица», «Летний жаркий день» Ф. Васильев доказал, что он всецело на стороне таких представителей пейзажной живописи, как И. И. Шишкин, А. К. Саврасов, А. И. Куинджи, которые в борьбе с отживающим академическим пейзажем отстаивали право на изображение своей родной природы, близкой и понятной народу.

С 1869 года в таких его произведениях как «Перед дождем» появляются одухотворенность, драматизм, романтическая приподнятость, все то, что И. Н. Крамской называл «поэзией при натуральности исполнения» — черты, сделавшие живопись Васильева исключительным явлением русского искусства.

Васильев воспевает природу как поэт, проникновенно и тонко чувствующий ее красоту. Созданные художником образы необычно эмоциональны, они вызывают большие мысли и глубокие чувства.

Произведения Васильева проникнуты любовью к простым людям, ему понятен и близок их мир, их жизнь и труд. Неоднократно обращаясь к русской деревне, художник так или иначе затрагивал тему труда.

В картине «После дождя» крестьяне везут на лошади сено, в «Деревенской улице» возвращаются с сенокоса. В картине «После грозы» женщина песет на спине вязанку хвороста, а двое мужчин заняты работой у сваленных бревен.

Огромное значение для творчества молодого художника имела летняя поездка по Волге в 1870 году, предпринятая совместно с И. Е. Репиным и Е. К. Макаровым. Васильев жадно всматривался в раздольную красоту русской реки, ее величавое течение, с увлечением делал зарисовки, в которых отразилась его тонкая наблюдательность и эмоциональное восприятие природы.

Из воспоминаний И. Н. Репина об этой поездке видно, каким огромным авторитетом для него, старшего годами, был 20-летний Васильев. Репин отмечает богатейшую память Васильева, точность и виртуозность его «магического карандаша», острое чувство пластичности, гармонии деталей и, вместе с тем, умение «обобщать картину до грандиозного впечатления».

В 1871 году Васильев выступил с одной из лучших своих картин — «Оттепель», принесшей Ф. Васильеву широкую известность. Тоскливое свинцовое небо нависло над безлюдными далями, одинокая, покосившаяся избушка затерялась среди простора полей, первые талые воды размыли дорогу, и печально выглядят в этом пейзаже фигуры путников — мужчины с котомкой за плечами и ребенка, укутанного платком.

Успех «Оттепели» окрыляет молодого художника, он полон энергии, творческих сил и новых замыслов. Но случилось непоправимое — художник внезапно заболевает туберкулезом и вынужден уехать в Ялту. Начался «крымский период» его жизни. Полный творческих сил, любви к жизни и верящий в скорое выздоровление, Ф. Васильев продолжает работать.

Но природа Крыма не вызывает в нем такого горячего чувства, как природа средней полосы России. В первый год своего пребывания в Крыму художник по старым этюдам пишет картину «Мокрый луг» (1872) — законченное и совершенное в художественном отношении, ставшее популярным произведение, передающее обобщенный величественный образ русской природы.

Картина поражает своей свежестью, тонкой передачей влажного дыхания грозы, в ней много динамики, экспрессии, внутреннего напряжения,

В картинах Ф. Васильева, запечатлевших виды Крыма, нет той экзотической, надуманной, салонной «красивости», которая обычно присутствовала в полотнах живописцев, изображавших южную природу.

Они подкупают естественной красотой характерных для Крыма мест. Величавые темно-синие горы с пеленой стелящихся облаков, каменистая дорога со следами прошедшего ливни, почти осязаемые свежесть и прохлада — такой предстает и отраженная им крымская природа.

Художника по-прежнему волнуют различные состояния природы. В картине «Вечер в Крыму» художник подчеркивает задумчивую тишину и покой наступающего вечера. В крымских пейзажах Васильева много света и воздуха, и в них гармонично сочетается обыденная жизнь и величавая природа.

Эта величавость с особой силой выражена в картине «В крымских горах» (1873), созданной художником в последний год жизни. В ней как бы отражен результат его поисков художественного образа Крыма.

С особой тщательностью выписан рельеф местности. Огромные массивы гор и сосны, стоящие одинокой группой, создают эмоциональный образ суровой и гордой в своем величии южной природы.

Из писем Ф. Васильева видно, что жизнь в Ялте была для него необычайно тяжелой. Он страшно боялся «совершенно уклониться от настоящего пути, не видя перед собой ни одного художника, ни одной картины».

Денег нехватало, надо было выполнять заказы ради средств к существованию. Здоровье быстро ухудшалось, сил становилось все меньше и меньше...

Васильев прожил всего 23 года. Несмотря на свою недолгую жизнь, этот замечательный художник вписал яркую страницу в историю русского изобразительного искусства.

Художник Василий Андреевич Тропинин

2011-01-01T08:13:00.000-08:00

Василий Андреевич Тропинин, один из крупнейших портретистов первой половины XIX века.

Серьезные сдвиги в идейной жизни передовых русских людей, тесно связанных с Отечественной войной 1812 года и с восстанием декабристов 1825 года, отразились в портретном творчестве Тропинина, в гуманистическом понимании художником человеческой личности.

Тропинин — крепостной художник, получивший вольную лишь в 1823 году, в возрасте 47 лет, когда он был уже широко известен.

Жизненный и творческий путь мастера чрезвычайно труден. По прихоти барина, графа Моркова, было насильственно прекращено обучение Тропинина в Академии художеств, где он успешно занимался около пяти лет.

В имении Моркова Кукавке Подольской губернии, Тропинин, выполняя хозяйственные поручения барина, продолжал совершенствовать знания, полученные в Академии. «Я мало учился,— говорил художник,— хотя очень усердно занимался в Академии, но научился я в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, писал со всего и со всех...»

На Украине он чувствовал себя ближе к «лучшему учителю — природе», которой, по выражению Тропинина, «нужно предаться всей душой, любить ее всем сердцем».

Именно в этот период времени и выполнены им этюды украинских крестьян, несложные сцены из их трудовой жизни, росписи для Кукавской церкви, зарисовки, окружающих имение, пейзажей.

На небольшом холсте «Свадьба в селе Кукавке» Тропинин с большой наблюдательностью и непосредственностью запечатлел национальное своеобразие праздничного обычая украинских крестьян.

Эти черты проявились у Тропинина и в небольшом этюде украинского крестьянина и в «Портрете мальчика с жалейкой», «Пряхе» и др.

Увлекла художника и благородная задача увековечить образы героев Отечественной войны 1812 года, смелых защитников своей родины. Бурной динамикой полны изображения партизана Фигнера и генерала Багратиона.

В ранние же годы написаны им и полные жизненной трепетности, поэтичной прелести и детской подвижности портрет крепостного мальчика — сына художника и портрет юношей Морковых.

Получив звание академика, освободившись от тягот крепостной зависимости, Тропииин навсегда поселился в Москве.

Здесь он мог работать на положении свободного художника, чего так страстно желал Тропинин. С этого времени начинается период наиболее яркого расцвета его творчества.

Зарисовывая, как и прежде отдельные сценки из трудовой повседневной жизни народа, Тропинин теперь главное внимание отдает портрету. Некоторые из его работ представляют переход от портрета к бытовому жанру, как например «Крестьянин, обстругивающий костыль». «Слуга со штофом, считающий деньги»

Продолжая живописные традиции XVIII века. Тропинин в своих ранних работах создал нежные поэтические образы. Особенно широкой популярностью пользуются его работы: «Кружевница», «Золотошвейка», «Гитарист», повторявшиеся им неоднократно.

В образах кружевницы, золотошвейки Тропинин запечатлел простых русских девушек, занимающихся работой.

В этих произведениях сказывается рост интереса художника к изображению людей из народа. Самые мотивы эти были новы и прогрессивны для русского искусства того времени.

Тропинин создал целую галерею портретов замечательных своих современников: поэта Пушкина, историка Карамзина, знаменитого художника Брюллова, гравера Уткина, скульптора Витали, актера Каратыгина и др.

Портрет Булахова, пленяющий несколько небрежным изяществом образа, выделяется среди других портретов своей живописностью.

Звучные красочные сочетания, смелое широкое письмо проваляются у Тропинина в портрете Равича. где так же, как и в портрете Булахова, ярко выявлены индивидуальные черты изображенного.

В широко известном портрете Пушкина, писанным с натуры, Тропинин правдиво передал живое вдохновенное лицо поэта, его задумчивый взор, непринужденную позу. Современники находили, что «сходство портрета с подлинником поразительно».

В портрете Брюллова, несмотря на несколько нарочитый условный фон и горделивый вид портретируемого, Тропинин сумел также отметить и черты его душевной теплоты.

В автопортрете Тропинин изобразил себя на фоне Московского Кремля, что говорит о большой привязанности художника к Москве.

В руке у него палитра и кисти, с которыми Тропинин никогда не расставался. Душевная мягкость, доброжелательность к людям сквозят во всем его облике.

Подобные же качества выявляет он и в изображаемых людях. Особое внимание при этом уделяется позам изображаемых, их одежде и окружающей обстановке.

В более поздних портретах отмечается уже большая четкость, определенность формы, намечается переход к жанровой живописи.

Расцвет творчества Тропинина происходил в пушкинский период развития нашей художественной культуры. В созданных им портретах скромных людей встречаются черты, роднящие их с героями некоторых произведений Пушкина и Гоголя.

Большая реалистическая убедительность образов простых людей у Тропинина, так же как и у Венецианова, подготовила почву для более широкой разработки этой темы в русском искусстве второй половины XIX века.

Художник Сергей Васильевич Иванов

2011-01-01T07:58:00.000-08:00

Человек честного и горячего сердца, он не мог относиться равнодушно ни к судьбам родного народа, ни к судьбам родного искусства. Картины Иванова отличаются глубокой эмоциональностью, драматизмом действия, социальной заостренностью образов.

Они замечательны высоким художественным мастерством. В творчестве Иванова, отмеченном цельностью и исключительной идейной последовательностью, нашли свое воплощение и дальнейшее развитие лучшие традиции реалистического искусства второй половины XIX века.

Родился Сергей Васильевич Иванов в 1864 году в г. Рузе Московской губернии в небогатой семье чиновника. По окончании среднего училища Пианов поступает в Межевой институт, который оставляет неоконченным.

Преодолевая сопротивление отца, желавшего видеть сына чиновником, он уезжает из дома для получения художественного образования. С 1880 по 1885 год он учится в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в Петербургской Академии художеств.

Учителями Иванова были Е. С. Сорокин и И. М. Прянишников. Половину жизни провел художник в путешествиях по центральной России, Украине, Оренбургской губернии, калмыцким и киргизским степям. Детально изучая жизнь простых людей, он делал зарисовки, этюды и эскизы. На основании этих свежих достоверных материалов и создавались его картины.

Во время путешествия по России Иванов прошел многие десятки километров с «переселенцами», безземельными бедняками-крестьянами, пробиравшимися в Западную и Восточную Сибирь в поисках «свободных земель».

Иванов явился автором первых изображений в русском искусстве голодных крестьянских бунтов, завершавшихся жестокой царской расправой («Смерть от голода», «Бунт; в деревне», «Едут! Карательный отряд».

Значительное место в творчестве С. Иванова занимает историческая живопись. И здесь в центре внимания художника находится народ, его переживании, его исторические судьбы. В большой картине «Поход московитян. XVI век» художник показывает силу народа, выносливость, его неизменную веру в победу. В изображении быта и характеров людей допетровской Руси Иванов достигает редкой убедительности.

Исторические сюжеты давали возможность Иванову, избегая цензуры, высказать свое отношение к монархическому строю. Для этого он умело использовал прием исторической параллели. Так, в картине «Приезд иностранцев в Москву XVII столетия» в завуалированном виде содержится протест против хозяйничавших в России иностранцев.

Накануне и во время революции 1905 года художник был в самой гуще событий, создавая по свежим впечатлениям дышащие глубоким сочувствием к восставшим картины, акварели, рисунки, офорты, которые в те времена не могли быть показаны на выставках.

В произведениях этого периода Иванов достигает подлинного драматизма, глубокой эмоциональности, и, вместе с тем, предельного лаконизма изображения. Все эти черты наиболее ярко выражены в известной картине «Расстрел» и в замечательном офорте «У стенки».

Иванов продолжал оставаться верным лучшим принципам реалистической живописи. Умер С. В. Иванов в 1910 году.

Художник Пётр Петрович Соколов

2011-01-01T07:53:00.000-08:00

Петр Петрович Соколов, талантливый, разносторонне одаренный художник, работал во второй половине XIX века. Он вошел в историю русского искусства как выдающийся акварелист, автор многочисленных жанровых композиций. превосходный анималист и портретист, первоклассный иллюстратор.

По своим идейным устремлениям П. П. Соколов был близок передовым деятелям демократической литературы и искусства того времени. Прожив долгие годы в провинции, художник внимательно изучал окружающую его жизнь и в своем творчестве правдиво отразил типические явления действительности.

Ряд произведений Соколова: «Взимание недоимок» (1867). «Родины в поле» (1873) «На пашне» (1888) и другие — рисуют тяжелую, беспросветную жизнь крестьянства. В акварели «Потрава» дана острая социальная сцена, построенная на противопоставлении праздных забав помещика и бесправия, беззащитности крестьян.

Особенно убедительны образы помещиков, которых Соколов хорошо знал. Выразительна в этом отношении акварель «На псарне». В ней создан отталкивающий образ жестокого самодура, перед грозной фигурой которого даже свора собак застыла испуганно и покорно.

Прогрессивные идеи Соколова получили яркое выражение также и в работах, посвященных русско-турецкой войне 1877- 1878 гг. в которой он участвовал в качестве художника-корреспондента.

В произведениях «Мертвая дорога между Никополем и Плевной», «Уборка тел в Плевне после сдачи». «Переход через Балканы» и других П. Соколов, подобно В. Верещагину, основное внимание уделял рядовому солдату, трудностям и невзгодам походов.

Через все творчество художника проходит тема русского провинциального пейзажа. Особенно любил он мотивы осенних размытых дорог с телегами и бричками, занесенные снегом поля с лихими тройками, одиноких путников, в метель разыскивающих дорогу. Его пейзажи отличаются большим поэтическим чувством, тонким пониманием красоты родной природы.

Будучи страстным охотником, П. Соколов создал большую серию произведений, которые частично были изданы в 1870-х годах отдельным альбомом «Русские охоты».

В таких работах, как «Заструнивание волка», «Охота на волка с борзыми», «Затравили лисицу» и многих других, он изображает различные виды русской охоты, многообразный мир животных.

Выразительно переданы разнообразные типы охотников, их ловкость, мужество, удаль скачек. Особенно привлекает внимание характеристика животных, анатомию, характер, повадки которых П. Соколов прекрасно изучил.

Изумительная зрительная память позволяла ему изображать их в сложнейших движениях, в труднейших поворотах, в различных состояниях: испуганных, загнанных, настороженных.

Глубокое знание мира животных, удивительные жизненность и виртуозность исполнения этих работ прочно утвердили за П. П. Соколовым славу непревзойденного мастера охотничьих сцен.

Сын известного русского портретиста-акварелиста П. Ф. Соколова, племянник знаменитого К. Брюллова, П. Соколов с ранних лет начал работать в области портрета. В этом жанре его лучшими произведениями являются — «Портрет писателя Сергея Атавы (С. Н. Терпигорева)» и «Автопортрет».

С. Терпигорев — один из самых близких друзей художника, автор очерков «Оскудение» — изображен в простонародной красной косоворотке в минуту отдыха. Его поза спокойна и непринужденна, доверчиво лежит у него на коленях собака.

Но за всей этой простотой и обыденностью чувствуется человек сильного характера, мыслящий, непримиримый. Портрет очень красив по исполнению. Соколов был новатором в искусстве: любил комбинировать во всех видах акварель, гуашь, масло и добивался изысканных цветовые отношений, особой фактуры письма.

В портрете Терпигорева талантливо использовано сочетание легких прозрачных акварельных красок и плотной гуаши, которое значительно увеличило силу цвета.

Эффектно звучит большое красное пятно рубашки на спокойном серовато-зеленоватом фоне. Мастерски передана материальность изображаемого , рельефность в лепке формы, ранее казавшиеся невозможными в акварели.

В «Автопортрете» художник изобразил себя в старческом возрасте. Страстным, живым, деятельным предстает он перед нами. Этот портрет, отличающийся широкой свободной манерой письма, также выполнен в комбинированной технике акварели и гуаши.

Заслуженную славу принесла Соколову работа в области иллюстрации.

Великолепны его акварели и рисунки к «Запискам охотника» И. Тургенева, произведениям Н. Некрасова «Генерал Топтыгин». «Дедушка Мазай и зайцы». «Еду ли ночью по улице темной» и другим.

Но особенно глубоко захватило художника начатое им в 1890-х годах иллюстрирование поэмы Н. В. Гоголя «Мертвые души». Соколов хорошо знал русскую провинцию, ему не раз доводилось наблюдать людей, подобных героям, созданным писателем.

Еще при жизни Гоголя появились знаменитые рисунки А. Агина к «Мертвым душам». Сосредоточив внимание на основных персонажах, художник дал изумительные по силе образы.

Другой не менее известный иллюстратор этой поэмы П. Боклевский также пошел по пути воссоздании гоголевских типов. Используя достижения своих предшественников, Соколов поставил перед собой задачу шире отразить содержание поэмы, в которой Русь показана так многопланно.

Ведь у Гоголя есть не только великолепная галерея образов русских помещиков, но и детальнейшее описание быта провинции, знаменитые лирические отступления, тончайшие картины природы.

Соколов даёт прежде всего запоминающиеся, полные сатиры образы основных героев: Чичикова. Ноздрева, Плюшкина, Собакевича, Манилова, Коробочки — и обширную галерею чиновников, стремясь каждый из них раскрыть многопланно, Так, например, Чичиков изображен то галантным и обворожительным («Чичиков у Манилова»), то грубым и надменным («Разговор Чичикова с половым»), то неуклюжим и смешным («Туалет Чичикова») и т, п.

В отличие от Агина и Боклевского много внимания уделяет Соколов конкретизации места действия. Он тщательно воспроизводит губернский город N. внешний облик усадьбы Плюшкина, интерьеры, мебель, различные вещи домашнего обихода, окружающие того или иного героя и характеризующие его образ жизни и вкусы.

Все это сделано с поразительным знанием бытового уклада эпохи 40-х годов прошлого века. В отдельных листах, как, например, в листе, изображающем бричку Селифана, мчащуюся по грязной, размытой дождями дороге, важную рать играет пейзаж. Он вызывает острое чувство грусти и одиночества, создает в иллюстрации нужный подтекст, близкий описаниям Гоголя.

Обширный цикл иллюстраций П. Соколова к «Мертвым душам» — своеобразная изобразительная энциклопедия провинциальной жизни России в 1840-х годах. Эта серия ценна не только своими художественными достоинствами; она представляет также исключительный познавательный интерес, свидетельствует о критическом отношении автора к изображаемому.

П. П. Соколов оставил после себя большое количество произведений. Они отличаются глубоко национальными чертами, типичностью и неповторимостью образов, своеобразной художественной манерой.

Художник Сергей Васильевич Малютин

2011-01-01T07:44:00.000-08:00

Сергей Васильевич Малютин 1859—1937 гг.

Есть живописцы, которым зрители благодарны за то, что их искусная кисть запечатлела облик современников. На портретах, созданных этими художниками, люди изображены не только похожими внешне (в это веришь, даже не зная тех. кто послужил моделью).

Больше того, внутренние, типичные черты характера этих людей тоже становятся понятны зрителям. Таким мастером портретного искусства был Сергей Васильевич Малютин.

Творческая деятельность художника охватывает большой период времени. Его первые произведения относятся к 80-м гг. 19-го века, последние к 30-м гг. 20-го века. Малютин был одним из тех ветеранов искусства, которые не только передали эстафету реалистического мастерства молодым советским живописцам, обучая их в художественных вузах, но и сами в своем творчестве создавали образы навой жизни.

Современник крупнейших художников-передвижников Малютин, окончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества, начал свою деятельность живописца как бытописатель народной жизни. О том, как чутко понимал Малютин тяжелую, безотрадную долю простых людей, свидетельствуют его картины «По этапу» (1890), «Пастух с подпаском» (1893).

Правдиво повествуя в своих картинах о жизни трудового народа, художник выражает глубокое сочувствие к нему. Лирический взгляд на сцены повседневности придает поэтическую окраску тем весьма обыденным сюжетам, которые избирает Малютин («Подруги» 1889 г.), и ощущение это усиливается благодаря свежей живописной гамме, в которой написаны картины Малютина, создававшиеся обычно на открытом воздухе.

Занимаясь жанровой живописью на протяжении всей жизни, Малютин тем не менее основное внимание отдавал работе над портретами и в этой области создал наиболее значительные произведения.

Его излюбленные герои — собратья по искусству. Он пишет портреты живописцев В. Н. Бакшеева, М. В. Нестерова, К. Ф. Юона, И. С. Остороухова, А. М. Васнецова, изображает писателя В. В. Вересаева, поэта В. Я. Брюсова. Перед нами проходят образы художественной интеллигенции. В них выражено представление художника о значительности человеческой личности.

Вдумчиво и внимательно изучал Малютин портретируемых в процессе работы. Главное для него заключалось в выразительности самого лица и фигуры. В большинстве полотен Малютина человек изображен на нейтральном фоне и предельно приближен к зрителю.

Поза, выражение лица рассказывают о человеке основное. Иногда как средство обогащения характеристики портретируемого использован жест.

Доброжелательно относясь к тем, кого он изображает, Малютин подчеркивает не только характерные черты, но в первую очередь выделяет то лучшее, что есть в данном человеке.

В своих портретах он достигает большого художественного обобщения.

В золотой фонд советской живописи вошло одно из лучших произведений Малютина — портрет писателя Д. А. Фурманова. Необычайно привлекателен облик комиссара Чапаевской дивизии.

Подчеркнутое художником задумчиво-мечтательное выражение лица, свободная поза, легко накинутая на плечи шинель придают образу писателя романтические черты. Малютин создал ряд типических образов людей революционной эпохи. Талант Сергея Васильевича Малютина был разнообразен.

Художник внес значительный вклад в историю русского театрально-декорационного искусства. Им созданы декорации к «Садко», «Князю Игорю», «Псковитянке» и другим операм. С увлечением иллюстрировал он многие былины и сказки (например, «Сказку о царе Салтане», поэму «Руслан и Людмила» Пушкина).

Малютин оказал большое влияние на развитие кустарной промышленности начала XX века. По его эскизам изготовлялись домашняя утварь, мебель, детали внутреннего убранства комнат. Длительная практика Малютина в области декоративно-прикладного искусства связана с поисками национального стиля, основанного на подражании произведениям народного искусства, которое глубоко любил и изучал художник.

Чем бы ни занимался Малютин, начиная с его первых шагов в искусстве и кончая зрелым творчеством , он всегда искал путей сближения с народом и творил для народа.

Художник Александр Андреевич Иванов

2011-01-01T07:35:00.000-08:00

В русском изобразительном искусстве Александр Андреевич Иванов (1806-1858) занимает одно из первых мест. Его художественный подвиг— двадцатилетняя работа над картиной «Явление Христа народу» известен всем, кто хоть немного интересуется искусством. Около его картины и многочисленных этюдов к ней в Третьяковской галерее всегда толпится много зрителей.

Меньше известны замечательные рисунки и акварели Александра Иванова. Однако и в своей графике художник создал первоклассные произведения, полные жизненной правдивости и великолепные по мастерству

Великий русский художник А. А. Иванов был сыном профессора исторической живописи и воспитанником Академии художеств. Ему суждено было преодолеть идеи академизма, чтобы стать выдающимся мыслителем и поборником нового демократического искусства.

О любовном отношении к реальной натуре свидетельствует уже внеклассный рисунок Иванова «Юноша за мольбертом», исполненный в конце 1820-х годов. Прилежный труд молодого художника над картиной, обстановка мастерской переданы в рисунке уверенно и просто. В этом рисунке уже видны преданность натуре и реализм, положенный в основу мировосприятия молодого Иванова.

Восемнадцатилетний юноша создает превосходную картину «Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора» (1824). Он вдумчиво читает «Илиаду», чтобы заново и ясно представить себе выбранную тему. Старик Приам, рискуя жизнью, проник во вражеский стан, он умоляет победителя Ахиллеса вернуть ему труп сына-героя.

Карандашный эскиз к этой картине превосходно намечает сильные и убеждающие образы героев, естественный и живой рисунок дает представление о способности молодого художника строить картину.

Величественны фигуры действующих лиц, и в духе эпического повествования выражены их чувства.

К началу 30-х годов, когда Иванов в качестве пенсионера Академии художеств находился в Риме, относится его работа над картиной «Аполлон, Кипарис и Гиацинт».

Аполлон, покровитель искусств, обучает двух мальчиков музыке и пению. Античные образы своих героев Александр Иванов проверяет через живую натуру. Он как бы заново находит их в жизни и воссоздает их образы. Удивительно изящен рисунок — этюд к Гиацинту— «Мальчик, играющий на флейте», где так уверенны и вместе музыкальны линии рисунка.

Драматический характер творчества А. Иванова проявляется в рисунке «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина» (эскиз для картины 1831—-1833гг.). Выразительна сцена отчаяния братьев и скорбь Вениамина, у которого была обнаружена подкинутая чаша. Рисунок получился естественнее и живее нежели сама картина.

Почти четверть века Александр Иванов работал в Риме над картиной «Явление Христа народу». Она занимала все его мысли и потребовала от него много сил. Множество превосходных этюдов с натурщиков и пейзажей написал он для своей картины.

Рисунков к ней сохранилось немного, но среди них можно отметить выразительный этюд «Натурщика со спины» и чудесный набросок «Всадники», как пример точности, простоты и выразительности изображения. Лошадь на быстром наброске изображена в различных поворотах.

Фигуры всадников обрисованы прерывистым контуром, легко проложены тени, так что чувствуется впечатление солнечного света и воздушности.

С конца 1830-х годов завязалась дружба А. Иванова и Гоголя. У них обнаружилась общность взглядов на искусство, художник делился с Гоголем своими планами.

Гоголь написал известную статью о творчестве А. Иванова. Лучший портрет Гоголя, по свидетельству современников, принадлежал А. Иванову.

Он сделал также ряд карандашных зарисовок и набросков с Гоголя.

Повседневная итальянская жизнь, встречи с простыми людьми, народные празднества захватывали порой художника, и тогда он делал живые, верные зарисовки с натуры и писал живые жанровые акварели. Вот черноволосая девушка, откинувшись на стуле, бьет в бубен, вызывая подруг на танец («Женщина, бьющая в бубен», 1830 г).

Маленькая девочка остановилась перед ней. В позах нет ничего надуманного, но благородная простота рисунка, обобщенность силуэта побуждает сравнить его с античным рельефом. Также правдива «Голова девушки» (около 1840 г.) с высоким пучком волос. Черты лица ее не очень красивы, но как любовно и приветливо передает художник обаятельность и свежесть молодости.

К 1838 году относится акварель «Жених, выбирающий серьги для невесты». Деревенский парень, щеголевато одетый, вместе с невестой и ее матерью остановились перед уличной витриной, чтобы купить серебряные серьги. Очень выразительны все фигуры — живо передана заинтересованность действующих лиц, восторженность невесты, степенная фигура продавца. Нарядная и красочная акварель полна ощущения рассеянного солнечного света.

Также удачна другая акварель, многофигурная композиция «Октябрьский праздник в Риме» (1842 г.). После сбора урожая винограда в Риме и его окрестностях царит праздничное оживление. На площадях и улицах устраиваются танцы. Иванов изображает сценку, когда развеселившаяся девушка вызывает для танца чопорного иностранца, который стесняется, чувствуя комизм своего положения. Соседи уговаривают его подчиниться правилам игры.

К лучшим акварелям Александра Иванова принадлежит в «Вирсавия» (1843 г.). Тема связана с библейской легендой. Полуобнаженная Вирсавия, распустив свои черные волосы, склонилась над тазом. Она моется. Ее тело, обрисованное плавным контуром, изящное и гибкое, имеет сходство с классической статуей. Идеальное и прекрасное женское тело так жизненно передано в этой полной поэзии акварели, бережно и чутко написанной художником.

В 1850-х годах А. Иванов работал над большой серией библейских эскизов. Он стремился в этих акварелях выразить красоту старинных сказаний. Высокое достоинство человека в трудные для него моменты, глубокие душевные переживания, полные драматизма, находил он в древних легендах.

Эти эскизы являются одним из высших достижений искусства А. Иванова по необыкновенной выразительности и поэтичности композиции, изяществу рисунка и красоте цвета.

К тому же времени относится простая, но очень живописная акварель «Приморский город». Сквозь первый план, обрамленный деревьями, видны вдали голубоватые гряды гор и береговые здания, прозрачная поверхность моря. Много воздуха и света, свежести и бодрости ощущаешь, рассматривая этот скромный итальянский пейзаж.

Творчество Александра Иванова многогранно и богато. Его картины заслоняют блестящего рисовальщика и акварелиста. Но и в той области, с которой мы ознакомились, он остается таким же великим, мыслящим и любящим человека и природу художником, умевшим и в обыденном видеть прекрасное.

Художник Владимир Егорович Маковский

2011-01-01T07:28:00.000-08:00

Увлекательным рассказчиком предстает перед нами Владимир Егорович Маковский (1846—1920), в своих многочисленных, мастерски выполненных бытовых сценках, то драматических, то лирических, то комедийных, но всегда глубоко содержательных, отмеченных острой наблюдательностью.

Замечательные картины «Игра в бабки», «На бульваре» , «Крах банка», «Свидание» и другие относятся к самым популярным в народе произведениям русской живописи.

Широкое признание они получили благодаря исключительному умению талантливого художника-жанриста настолько жизненно просто, умно и доходчиво передавать определенное событие, что зритель не только читает при первом взгляде заключенные в картине мысли, но и взволнованно переживает вместе с персонажами картин разнообразные человеческие чувства.

Графические произведения Маковского по своим художественным достоинствам во многом не уступают картинам, выполненным им маслом на холсте. Сохранилось огромное количество рисунков, акварелей и офортов художника, создававшихся на протяжении всего его долгого творческого пути.

Часть этих работ служила вспомогательным материалом для живописи. Это — зарисовки, этюды, эскизы, в которых автор решает определенную художественную задачу создания очередного жанрового полотна.

По этим работам интересно проследить, как оттачивалась мысль художника, совершенствовалась композиция, увеличивалась выразительность образов. Другую часть графического наследства составляют совершенно самостоятельные произведения не повторенные им в живописи. Большое внимание уделяет художник книжной иллюстрации.

Чаще всего рисунки Маковского выполнены графитным карандашом, реже итальянским, или углем. Замечательных достижений добился художник в акварельной технике; интересны также и созданные им офорты.

Графике Маковского присущи многие черты, свойственные живописи. В тесной взаимной связи шла эволюция этих двух видов творчества художника. Маковский — блестящий мастер «режиссерской» разработки сценических действий своих произведений. Все его действующие лица живут своей собственной жизнью, ни одно не повторяет другое, и, вместе с тем, каждое представляет из себя типический образ.

Колорит и композиционное построение неизменно подчинены выявлению главенствующей идеи произведения. Воспроизводимые в данном издании 12 произведений художника дают представление об основных достижениях Маковского-графика.

Уже в работах 1860-х годов наблюдается пробуждение интереса художника к реалистическому отображению национального русского быта, проявляется тонкая наблюдательность — черты, которые составят сильные стороны всего его творчества.

В своих первых рисунках Маковский обнаруживает умение крепко строить форму предмета, четко выявляя ее структуру. Для раннего периода характерна акварель «Собиратель картин и рисунков» (1869). С мягким, безобидным юмором изображен престарелый коллекционер, самозабвенно созерцающий выставленную для продажи картину.

Невольную улыбку вызывает вся его колоритная фигура, закутанная шарфами, платками и увешанная рамой, связками книг и альбомов. Художник любовно выписывает и перечисляет множество деталей, тем самым создавая некоторую перегруженность всего изображения.

В 1870-х годах Маковский приобретает известность как выдающийся русский художник-жанрист. Для своих произведений он выбирает общественно значимые темы, наполняет свои полотна все более глубоким идейным содержанием.

После картин «Игра в бабки», «В приемной у доктора», «Любители соловьев». На тему из жизни интеллигенции Маковский в 1875 году создает рисунок «Вечеринка», а в 1879 голу акварель «Осужденный», послужившую предварительным эскизом для его известной одноименной картины.

Расширяется творческий диапазон художника. На это указывает его участие совместно с другими художниками в создании альбома, посвященного героической обороне Севастополя. «Рисунки очень верно воспроизводят,— писал о них известный художественный критик В. В. Стасов—жизнь и дела осажденных потому, что исполнены на основании рассказов офицеров и моряков, самих в то время поживших героической жизнью в Севастополе».

На одном из этих, глубоко патриотических произведений, запечатлена сцена смертельного ранения на Малаховом кургане выдающегося русского флотоводца адмирала Нахимова, бывшего главным руководителем героической обороны Севастополя. На другом — показан прославленный герой севастопольской обороны — матрос Петр Кошка во время одной из своих смелых вылазок в расположение вражеских войск. С большой теплотой и любовью изобразил художник группу детей, помогающих несмотря на смертельную опасность, взрослым в их героической борьбе.

1880--1390-е годы характеризуются как в живописи. так и в графике Маковского дальнейшим повышением художественного мастерства. Возрастает жизненная правдивость образов, психологическая острота их характеристик. Одну за другой пишет он свои знаменитые картины «Крах банка», «Оправданная», «Свидание», «На бульваре».

В графических работах этих лет наблюдаются возросшая гибкость, выразительность и лаконичность рисунка. Во многих произведениях Маковского звучит тема маленького человека, задавленного нуждой и лишениями. Он изображает то пожилого шарманщика, с трудом переставляющего ревматические ноги под тяжестью ноши («Шарманщик. На гастроли»), то бывшего интеллигента, опустившегося на дно жизни («В харчевне»), то мелкого служащего за штопкой своего халата («Починка халата»).

Маковский небезызвестен и как портретист. Сохранилось немало выполненных им в живописи и в графике правдивых портретов своих современников. Эти портреты поражают реалистической точностью рисунка и глубиной вдумчивого изображения характеров портретируемых.

Особое место в художественном наследии Маковского занимают его иллюстрации. В различные периоды своего творчества художник иллюстрировал произведения Пушкина, Гоголя, Лермонтова. Как правило, Маковский выбирал те моменты в литературном повествовании, которые позволяли ему наиболее полно раскрыть характер героев, показав конкретную обстановку, в которой они живут и действуют.

Причем, Маковский и здесь обнаруживает свой искрящийся юмор, незаурядную одаренность в обрисовке человеческих типов, неизменную тягу к психологизму. С особой любовью иллюстрирует художник произведения Н. В. Гоголя «Вечера на хуторе близ Диканьки», «Старосветские помещики», «Мертвые души» и др.

Графическое искусство Маковского обогащает наше представление о творчестве замечательного художника-жанриста, принадлежащего к передвижникам — этой славной плеяде русских художников, вошедших в историю отечественной культуры, как поборники идейного народного реалистического искусства.

Русская зима на картинах русских художников.

2011-01-01T02:27:00.000-08:00

Россия...Каждый, кто здесь не бывал, представляет её полусказочной заснеженной страной. И русская зимушка-зима всегда привлекала внимание художников. Это , конечно же, праздник широкой Масленицы с его развесёлым нравом, русской удалью, весельем со звонкими бубенцами русской тройки.Это русская природа такая как она есть: с её притягательной красотой и суровостью. Вот какой видели зиму русские художники:

А.Е. Архипов " Лёд прошёл"

Е.Е. Волков " Ранний снег"

Б.М. Кустодиев "Масленица"

Н.Н. Дубовской "Ноябрьский вечер"

А.С. Степанов "Лоси"

В.И. Суриков " Взятие снежного городка"

Ю.Ю Клевер "Закат"

М.М. Гермашев " Снег выпал"

К.А. Коровин " Зимой"

В.А. Серов " Зима в Абрамцеве"

А.К. Саврасов " Дворик.Зима"

А.К. Саврасов " Зимний пейзаж"

И.Э. Грабарь "Февральская лазурь"

Осень на картинах русских художников.

2011-01-01T01:40:00.000-08:00

Осень. Очей очарованье. Лучше уже и не скажешь. Какая палитра красок в этом пышном увядании природы! Вот уж где раздолье для кисти художника.

И. И. Бродский " Аллея Летнего сада осенью". 1928 г.

И.И. Левитан " Золотая осень" 1895 г.

И.И. Шишкин " Осень." 1892 г.

А.А. Рылов " Осень на реке Тосно" 1920 г.

И.И. Бродский " Опавшие листья" 1915 г.