Somos pacifistas (pero no nos jodan)

Love - Forever Changes (1967)

2013-05-18T21:41:00.002-03:00

You know, Ivana, I was thinking, it was kind of a sad thought. I'll meet someone and it won't be you. And I'll fall in love with her and I'll have kids and a happy family and then I won't love you like this anymore. And I'll miss it. And I'll miss you. I can't bear not loving you. La pregunta es siempre la misma cada vez que sale el tópico en los múltiples ambientes que uno desanda a lo largo de la vida: De que hablamos cuando hablamos de amor. La única certeza es que no se puede vivir de él, por suerte Andrés nos avisó a tiempo y no fuimos a pagar el ABL a corazón abierto. En la facultad había una materia que se llamaba Historia del Amor, nunca me anoté porque para mi era una trampa, como que llegás ahí y te hacen morfi, onda Soylent Green, aunque ahora que nos asalta la duda al grito de -una definición o la vida- bien habría servido saber sobre que versaba la clase. No se puede hacer una afirmación que satisfaga a todos porque el amor es entre otras cosas, cambio. Si no muta muere, frase que tenía tatuada Darwin en el antebrazo en helvética. Y si hablamos de Amor, de cambio y de continuidades y rupturas, es porque nos sirve de introducción a este conjunto que no podía mantener la misma formación dos días seguidos, como aquella reventada del Panamerican Dancing que ya le había borrado el estampado a las sábanas del Amenábar de tanto frote.
Arthur Lee era un morocho que compartió con Hendrix el dudoso honor de ser señalados como los primeros hippies de color. En serio. Más allá de eso, estaba en L.A. ~~Woman~~ y mientras no se daba con algo (?) armaba y desarmaba bandas, en este ir y venir de gente, a fin de cuentas la vida no es más que eso, llegamos a 1965 con Love afirmado como nombre y la banda pisando fuerte en los bares angelinos. Álbum debut epónimo, como debe ser, y cosechan algunos aplausos. El siguiente trabajo, "Da Capo", marca un cambio en el sonido hacia la mezcla de ritmos internacionales, garage-rock y el psychedelic pop-rock. Antes que termine el año, el prolífico 1967 para la música toda, los muchachos de Lee cambiaron nuevamente para grabar su tercer disco, porque parece que tenían algunos problemas con la fafafa y el glu-glu entonces se ponía difícil mantener la línea-up (?). Lo que necesitaban era un raid musical rápido y furioso, por lo que todos los registros se hicieron en 64 horas ~~flor de~~ relosss. Claro que la postproducción le llevó a Lee como tres meses, pero tiene sentido teniendo en cuenta que la profundidad instrumental de las canciones que lo conformaron.
"Forever Changes" se llamó el disco y hay una bonita historia atrás del nombre, algo que nos gusta mucho, ya que al parecer un amigo de Arturo había roto con su chica, quien le reclamó, en forma cuanti menos naif -You said you would love me forever!- para recibir el baldazo de agua fría en forma de respuesta: -Well, forever changes-. Listo a la mesa de los nenes para la dama. Lee, encantado con la perspicaz salida, notó que la poesía de la situación se llevaba bárbaro con el nombre de la banda, permitiéndole la cópula gramatical (?) "Love forever changes", una hermosura. Con semejante prólogo onomástico, la confección de las canciones tenían el listón alto para evitar la desilusión. Y Arthur y los Love, lo hicieron de vuelta. Para empezar podemos decir que este disco no es necesariamente el de la formación, ya que para muchas de sus canciones hubo músicos titulares y suplentes. Por otro lado, la delicadeza de los arreglos y orquestaciones es un punto altísimo del disco. Vientos, cuerdas, teclado y percusión acompañan la voz igualmente sutil de Lee, que no evade ningún tópico en su líricas, con referencias al amor, a la libertad, a la psicodelia, al hastío y finalmente en sus mejores líneas, sin duda, a la muerte, cuando reflexivamente cuenta que: Sitting on a hillside / Watching all the people die / I'll feel much better on the other side / I'll thumb a ride, en la hitera "The Red Telephone". El resultado final fue un disco sin un mísero punto flojo, sin una canción para saltear. Subvalorado tras su salida, fue el tiempo el que le devolvió su lugar en la historia de la música. Difícil de encasillar, sutil, hermoso, con furia explotada en los momentos justos, con sensualidad, susurros y un poco de lamento, como el amor mismo. Así que acá lo esperamos, como siempre, sentados en una Colina viendo a la gente ir, y venir, en una de esas, quién te dice.

Tracks:

01. Alone Again Or - 3:16
02. A House Is Not A Motel - 3:31
03. Andmoreagain - 3:18
04. The Daily Planet - 3:30
05. Old Man - 3:02
06. The Red Telephone - 4:50
07. Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale - 3:34
08. Live And Let Live - 5:26
09. The Good Humor Man He Sees Everything Like This - 3:08
10. Bummer In The Summer - 2:24
11. You Set The Scene - 6:52

Compresión: CBR 320 Kbps
Tamaño: 104 MB
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Con saltitos: "Alone Again Or" (TV Vidio)

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Rodriguez - Cold Fact (1970-2008)

2013-05-12T21:36:00.001-03:00

He had this kind of magical quality that all the genuine poets and artists have: to elevate things. To get above the mundane, the prosaic. All the bullshit. All the mediocrity that's everywhere. The artist, the artist is the pioneer. De todas las magias posibles, la actividad llevada a cabo por un profesional del truco, es la peor de todas. En cambio aquella que se sindica como "La magia de..." resulta más grata, aquel programa de radio que todas las trasnoches pasaba, increíblemente, las canciones que queríamos escuchar y no lo sabíamos aún. La del cine, logrando que por un par de horas creamos en ese mundo ficcional que alguien pensó por nosotros. En todo esto aparece nuestro costadito snob que había llegado a tal punto de ridiculez que evolucionó hasta esa hermosa instancia en la cual cada uno se descubría su propio cliché al respecto, el que quedó grabado por siempre en nuestra memoria era el que nos llevaba a asumir que toda película que contara con el sello del festival de Cannes, iba a ser buena. De esta forma, nos fumamos altos bodrios y ninguno se animaba a decirlo en voz alta. Eramos tan ~~giles~~ jóvenes. Después estaban los Oscar, que no llegaban siquiera a la altura de un Berlín o Toronto, pero siempre dejaban alguna cosa. este año al revisar las ternas no había demasiada variedad (sí, muy buenas películas que se disputaban todo) y en la casi siempre ignorada terna de los documentales había ganado una cinta poco convencional, la historia de la búsqueda de un músico. No de inspiración, no de melodías que lo nutran, sino del músico en si, su persona física. Y aviso para las masas lectoras que a continuación se contará la trama de la misma con un grado de revelación bastante alto, así que si son de esos/as fifís (?) que no les gusta la información de antemano eviten la lectura.
La historia de este señor es la de alguien que tiene dos vidas en dos lugares apartados del mundo con dos realidades totalmente distintas. Y ese detalle es impresionante; dos construcciones casi opuestas y desconocidas entre sí, con una sola persona como eje de ellas, que las ignora. Jesús Sixto Diaz Rodriguez o simplemente Rodriguez nació en Detroit y cuando no estaba trabajando en alguna changa de la construcción, despuntaba el vicio de tocar en algún bar. Por lo que cuentan (?) Detroit en esos años emergía como una ciudad bastante gris y fría. En un tugurio de esos que sobran en las ciudades sin amor, es que dos productores lo escucharon a Rodriguez con una de sus canciones, guitarra en mano sonando como un Dylan de concreto e inmediatamente lo convocaron a grabar su primer material. Entra al estudio, magia, abrazos, risa, atmósfera de música, lágrimas de belleza y queda plasmado su primer disco "Cold Fact". La distribución no funcionó, la compañía disquera no le puso onda, vaya a saber. No vendió nada. Así y todo, había canciones para un disco más. Loop de rituales en el estudio y editan "Coming From Reality" que está a dos letras de ser cualquiera como nombre. Fruto de la reiteración de errores y cierta pereza en el ímpetu fenicio de vender discos, se terminó la carrera musical de Rodriguez que volvió a sus trabajos obreros tras ser despedido por el sello.
Por otro lado, en una clara metáfora sobre el equilibrio cósmico y que el mundo no termina en la General Paz, el disco había llegado a las lejanas tierras sudafricanas, donde turbas iracundas de jóvenes que batallaban contra el apartheid, la obligatoriedad del servicio militar y la represión sexual (?) necesitaban del trovador que toda revuelta merece. El enamoramiento con las canciones de Rodriguez fue instantáneo por su contenido combativo y libertario con letras directas sobre lo turbio (?) de las drogas ("Sugar Man"), las opresiones de las clases dirigentes sobre el hombre de a pie ("The Establishment Blues") o la sintética "I Wonder" que aunaba el espíritu de la lucha en sus dos minutos y medio, como la lapicera esa que tenía 15 tintas distintas. En Sudáfrica los discos se vendieron por decenas de miles y su material circulaba con fluidez pese a los intentos de los censores que no podían con la verdad.
Como no existía Internet, los sudafricanos pensaban que estaban escuchando a alguien re zarpado en grosso, muy rockstar. Pero Rodriguez empuñaba mucho más el fratacho que la guitarra en aquel tiempo y no estaba enterado de su idolatría en el país de Mandela, y mucho menos tenía la vida de un músico triunfante. El desconocimiento de su fama internacional y su situación económica se explicaban, también, porque le mejicanearon las regalías del disco, que pasaron a llenar las arcas de algún productor inescrupuloso. Recién en 1998 a Sixto le llegó la fama que había ganado veinte años antes. Pero esa, mis queridos amigos, es la historia de la película y pueden verla cuando gusten. Acá solamente dejamos el primer, grandísimo, disco, de un hombre muy simple que gracias a la búsqueda de un par de tipos que querían saber quien era el que les había puesto melodías y palabras a sus reclamos, logró reunir sus magias muchos años después de su estallido, regalándonos un buen momento cinematográfico y un excelente derrotero musical. Nos quedamos con eso porque, a decir de Shakespeare, el resto es silencio.

Tracks:

01. Sugar Man - 3:49
02. Only Good For Conversation - 2:24
03. Crucify Your Mind - 2:32
04. This Is Not A Song,It's An Outburst: Or, The Establishment Blues - 2:06
05. Hate Street Dialogue - 2:33
06. Forget It - 1:50
07. Inner City Blues - 3:26
08. I Wonder - 2:34
09. Like Janis - 2:36
10. Gommorah (A Nursery Rhyme) - 2:21
11. Rich Folks Hoax - 3:05
12. Jane S. Piddy - 3:00

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Tamaño: 89 MB
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Shup shup Sugar (?): "Sugar Man" (TV Show)

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Pescado Rabioso - Artaud (1973)

2013-05-06T21:45:00.000-03:00

Tuvo ganas de decir que sí, un billete de tren a Londres, una cita con Vidal Sassoon, un paquete de salchichas para una barbacoa, una caja de cervezas, unos cuantos cigarrillos de hierba, música que te adormezca la mente y una mujer a la que yo le guste de verdad. Ayer hablaba con alguien (?) acerca de la sensibilidad y sus alcances. Sensibilidad y romance deben ser dos de las cosas más confusamente estereotipadas y a la vez más subjetivas sobre la faz de la tierra. En esa contradicción entre evolución cultural, triunfo de las formas burguesas y transformación de las sociedades, quedó una forma de sensibilidad genéricamente aceptada que se relaciona con las lágrimas en una película, la complicidad con el dolor ajeno y suspiros con aversiones del tipo animales en estado cachorril o el amor en la vejez. Queda claro que estamos en contra de todas estas formas y desde este atrio, se considera la sensibilidad como una virtud accesible a todos pero no practicada en su totalidad por las masas, donde el ejercicio consiste en tener una espada del augurio que permita ver más allá de lo evidente y resignificar aquello que nos está siendo revelado. Hasta no hace mucho, no me gustaba Spinetta, tampoco Dylan y si no lo hubiera conocido a Buffoon seguramente eso seguiría así. Venga entonces este disco que hoy traemos, sin la menor intención de originalidad, para saldar esa deuda al haber podido entrar en un universo que había sido vedado por mi mismo y fuérame descubierto. También, porque hace unos días fue el cumpleaños de mi compañero blogueril y, finalmente, porque este disco de Luis Alberto representó un nuevo paradigma en el discurso rockero vernáculo.
Había un chiste que, creo, era de Quino en el cual un muchacho con actitud galante se paraba frente a la Facultad de Filosofía y le decía a una chica que portaba sus libros a la salida del edificio: -¿Solita?- y ella con una mirada algo altanera le respondía -No, con mi circunstancia-. Y todo pasaba en una viñeta, mágico. 1973 lo encontró a Spinetta seducido y abandonado, puesto que sus compañeros de Pescado Rabioso no compartían sus búsquedas musicales y poco a poco lo fueron dejando solo. Mientras esto sucedía, Luis Alberto sucumbía a las mieles de Patricia Salazar, a posteriori la madre de sus hijos y con incidencia directa en el disco en la enumerativa "Por" donde colaboró en el brainstorming de palabras a utilizar, veintipico de años después llegó la Peleritti y bueh. En el plano mental, todo este proceso de cambios se mancomunó con la lectura de las crudas formas literarias de Antonin Artaud. Cuando a uno se le mezclan cosas así, se compra un gatito de esos que mueven el brazo, pero cuando le pasa a un artista con cierta capacidad para llevar a buen puerto la explosión de sensaciones cotidianas, la canalización toma (de)forma(ción) de disco.
"Artaud" fue provocativo desde su forma al salir en ese diseño de caja bastante incómodo hijo del mejor tapicero del rock nacional, Juan Gatti, que interpretó a la perfección la idea spinettiana de ruptura. por otro lado pese a estar firmado como Pescado Rabioso, es en realidad un disco solista que por una mezcla de factores (contrato con discográfica, fidelidad spinettiana y mucho de Luis XIV con eso de "Pescado Rabioso c'est moi") salió con el nombre de la banda. Y en su interior había canciones, con una línea bastante clara en lo lírico, cosa extraña para un tipo acusado de enroscado en su discurrir poético. Spinetta contrapuso a la obra de Artaud (el quía) una respuesta desde la reconstrucción del hombre a través de formas muy poco rockeras en la concepción más Sexo, drogas & rock and roll. Refugiado en los brazos del nuevo amor habla de los niños y de cuidarlos ("Todas Las Hojas Son Del Viento"), del valor estético, sin más, de las palabras ("Por"), de la ejecución pragmática de los sentimientos ("Superchería") y así todo el día. En este disco reactivo no faltan los espacios para la ejecución de belleza musical y lírica más contemplativa en sus dos vedettes ("Cantata De Puentes Amarillos" y "Bajan"). Para completar la noción de grande obra, el disco fue acompañado por un manifiesto llamado "Rock: Música dura. La suicidada por la sociedad" en la cual se despachaba contra las formas que tomaba la industria, el rockero y el rock por aquellos años, en una batalla contra las corporaciones y las bandas funcionales a ellas que no contenían nada original y reiteraban fórmulas destructivas.
Bien, creo que esto fue un exceso, y lo peor de todo es que se podría seguir hablando mucho de este Señor y este disco, uno de los mejores de la historia musical argentina, que puso en tela de juicio un discurso imperante, que musicalmente es lindísimo y que a la oscura sensibilidad que emanaba de Artaud, le respondió con toda la luz posible contenida en "Artaud".

Tracks:

01. Todas Las Hojas Son Del Viento - 2:13
02. Cementerio Club - 4:58
03. Por - 1:41
04. Superchería - 4:19
05. La Sed Verdadera - 3:32
06. Cantata De Puentes Amarillos - 9:10
07. Bajan - 3:26
08. A Starosta, El Idiota - 3:15
09. Las Habladurías Del Mundo - 4:08

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Charlemos: Artaud en Elepé (Programa Completo)

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The xx - XX (2009)

2013-05-02T19:58:00.003-03:00

Rita: What's wrong with you?
Jack: Let me think about that. I'll tell you the next time I see you.
Rita: Sure, tell me then
Jack: Thanks for using me
Rita: You´re welcome
Con el advenimiento de las nuevas tecnologías, las conversaciones han ido mutando o, mejor dicho, adquiriendo nuevos medios que ampliaron sus dinámicas, algún valiente (?) podrá decir que la impersonalidad ha ido in crescendo en la última década. Cuando yo nací estaban el face to face old style y las cartas. El teléfono es discutible, puesto que si bien era masivo, recién en los 90s se tradujo en -Mirá la cuenta que vino-. Después vendría la internet a revolucionar todo, ICQ, MSN, IRC (espacio para los celulares y sus SMS) y el Facebook, que ahora parece que va a la baja. Acá debería ir una conclusión teñida de nostalgia por los buenos viejos tiempos, pero la única certeza sobre ellos es que sólo fueron anteriores. A pesar de ello, es cierto que hay toda una generación de jóvenes que crecieron con estas nuevas vías en sus manos y, en algunos casos, se volvieron esa gente que está aislada y no, que parecieran no interactuar, pero lo hacen. En Londres, cuatro de esos jóvenes tan, pero tan pintorescos, armaron una banda y acá están.
Romy Madley Croft (Guitarra y voz) Oliver Sim (Bajo y Voz) Jamie Smith (Beats y producción) y Baria Qureshi (Guitarra y teclados) se conocieron a lo largo de sus derroteros escolares, como tantos de nosotros. Todo comenzó con Romy y Oliver haciendo covers en tono jocoso (?) a los que se les sumó Jamie y les empezó a deformar un poco la cabeza con ruidos y ruiditos y como si de "El Mago De Oz" se tratase, llegando al final del recorrido se encontraron con Baria que completó el cuarteto. Todo listo para ir a buscar al magician. En este caso también sucedió que la magia estaba dentro de ellos mismos, puesto que tras pasar por manos de un par de productores, decidieron tomar las enseñanzas de estos y la libertad creativa que les confirieron desde el sello independiente Young Turks y en un garage poner manos a la obra a este material tan apreciado. Qué lindo ¿No cierto?
"XX" se llamó el disco y echando por tierra todo significado loco, loco, loco, es en realidad veinte (20) en números romanos, porque todos tenían esa edad cuando lo estaban haciendo. Al disco, mal pensados. Ya que estamos en onomásticos, la banda se llama así porque les gustaba la X como símbolo, o sea su forma, o sea... si, que se yo, quién podría culparlos. ¿Qué pueden tocar un grupo de pibes algo poco sociables, con tendencias minimalistas y que les gusta la forma de una letra? Exacto, Dream pop, todos lo sabíamos. A favor del disco en la primera escucha debemos adjudicarle el hecho de arrancar con una declaración de intenciones delicada como "Intro" en la cual muestran un poco de lo que van a dar instrumentalmente a lo largo de todo el material. Lo único que no presentan es la otra gran fortaleza de la banda, el tándem vocal de Romy y Oliver que es interrumpido solo en la pastoral del espacio que es "Fantasy" donde Oliver cual monje etéreo (?) maneja la canción sin la ayuda femenina de Romy, que se la hace caber tomando la sensual "Shelter" para si misma. Pero en el resto se puede notar como estos dos viejos jóvenes amigos conversan cada canción, con esos códigos tan de gente que no sabe hacerlo, esa torpeza que cercena la locuacidad pero no el encanto. A su vez, ningún grupo funcionaría sin la amalgama de fondo que dan las líneas de bajo, los punteos de guitarra o las delicadezas de la percusión y teclados que generan una atmósfera agradable por toda la habitación. Y con poco, no es una banda revolucionaria, estuvieron bastante manijeados hace un tiempo y a veces esto se asume como una injusticia. Pero por esta vez dejémonos llevar por el estúpido y sensual pop con coqueteos al R&B, el equilibrio cósmico y las bonitas conversaciones, que son, a fin de cuentas, las que todos buscamos.

Tracks:

01. Intro - 2:07
02. VCR - 2:56
03. Crystalised - 3:22
04. Islands - 2:40
05. Heart Skipped A Beat - 4:02
06. Fantasy - 2:38
07. Shelter - 4:30
08. Basic Space - 3:08
09. Infinity - 5:13
10. Night Time - 3:33
11. Stars - 4:26

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Tamaño: 92 MB
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Toda la onda: "Crystalised" (Oficial Vidio)

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Bob Dylan - Desire (1976)

2013-04-22T06:47:00.000-03:00

One day I'm gonna be a veteran in paradise. One day I'll be the man who can't sleep and talks to strangers. Un par de noches atrás, mientras ajusticiábamos unas botellas de vino con soda, hablábamos con Richard Tex Tex, El Profeta De Ringueletgrado, sobre que cosa de locos la cabeza de un músico. Pero de los músicos posta, los que se pueden permitir divismos, ser mala gente, sacar un disco horrible y permanecer inmunes a cualquier tipo de oído con ínfulas de Juez del arte que utilice algún medio de comunicación para decir muy suelto de cuerpo que Fulano no es el mismo que antes o que Mengano está en piloto automático desde hace diez años. Y basta de usar a Fulano y Mengano como chivos expiatorios de todos los males de la sociedad y para hacerlo más grave, a veces agarrárselas con el indefenso Fulanito, es un nene, che ¿Qué nos pasa? ¿Estamos locos?. Volviendo, hablamos de los artesanos musicales, de esos que se cuentan pocos y para no ser injustos con nadie, no vamos a dar nombres, ~~oooooh~~ tan solo el de este simpático personaje que ha sido señalado, paradójicamente, tanto por su buen genio a la hora de hacer canciones, discos, como por su mal ídem para grabar, tocar, postproducir, etc. Ladys and gentlemanes, el papá de Jakob, con K de Néstor.
Es complicado hablar de Él porque tiene como 50 años de carrera, porque tuvo más etapas que adolescente problemático y porque no estamos ni a un tantico (?) así de hacerle justicia, eso no quita que nos permitamos divagar un rato sobre el disco que grabara en 1975 y viera la luz un año después. Pero quedan apercibidos que no habrá rastro alguno de originalidad en las líneas venideras, así que mejor vayan a comprarse una birra al almacén y júntense a charlar con algún amigote. O acuéstense con alguien de por ahí. O no sé, digan algo ustedes ¿por qué siempre tengo que darles yo las ideas?.
A fines prácticos vamos a tomar el recorte temporal del Sara-Gate. Como todos sabemos, Sara Noznisky fue la mujer de Roberto desde 1965 y durante doce años en los cuales se hicieron un hueco para engendrar al mencionado más arriba. Ella era una adorable chica con una infancia complicada, además de actriz, modelo y "Conejita de Playboy" que no sé que será, seguro algo relacionado a las Pascuas. Se conocen, Dylan la re flashea mal (?) y se casan. Como toda pareja de bien se separan antes que la muerte haga su irrupción, porque mucho la parca, pero acá lo que liquida a las parejas es que se acaba el amor, viejo, avísenle a los cráneos de la iglesia. 1974, Dylan gira con The Band, vuelve a casa, pone la pava, se acomoda, espera que Sara se apersone y -sentate que tenemos que hablar-. Estaba todo dicho. O no, porque Bob ahí nomás registra "Blood On The Tracks" con la ruptura a flor de piel y sale un disco de esos que rompen corazones, tanto como los sanan. Contradicciones. Chau Sara.
Año nuevo, separado, banda nueva. Se aleja de los buenos muchachos de The Band (que también estaban por finalizar su recorrido) y decide formar un nuevo grupo para girar y de paso grabar un nuevo disco. De todas las idas y vueltas que nos dejan con la formación que finalmente sesionó y la que después giró, nos vamos a detener en ese twist del destino que le permitió a Scarlet Rivera formar parte del disco. Porque parece que ese día iba por la calle, tranqui, ciento veinte, con el instrumento en la mano ¿y no va qué se cruza a Dylan que estaba formando la banda? Este, la convida a presentarse, hacen unas tomas y adentro. Tanto que como notaran al escucharlo, el violín de Scarlet es protagonista principal del material en ciernes. "Desire" se lo llamó y realmente quisiéramos hacer una asociación copada con las canciones/historias que lo componen pero no pareciera haberla. Nueve temas formaron este trabajo bastante menos tenso que su predecesor y con un Dylan locuaz para cantarnos con esa voz tan particular, por momentos algo indescifrable, la historia de Rubin Carter en "Hurricane", un boxeador negro acusado y condenado por un crimen que no cometió, básicamente por ser negro. La canción es un temón, el ritmo es trepidante (?) y la letra le valió los aplausos de los defensores de derechos civiles al luchar por la causa. Claro que cuando después hizo de Joey Gallo un gángster romántico en "Joey", sus detractores levantaron la mano acusándolo de veleta. Siguiendo un orden historicista, "Romance In Durango" nos lleva a un polvoriento pueblo de México donde Dylan ensaya un par de versos en español y tiene un bonito coro atrás, cortesía de una, imaginamos, bella muchacha, para hablar de una pareja de enamorados fugitivos. Tónica parecida a la de "One More Cup Of Coffee", aunque no tanto (?) porque parece que es sobre gitanos la cosa. Y en cuanto a canciones personales "Sara" dedicada obviamente a su ex mujer, es un coletazo de nostalgia, seguramente. "Isis", Egipto, "Mozambique" ni falta hace aclararlo, "Black Diamond Bay", un lugar en nuestros corazones para reunirnos y cantar y bailar y ser felices hasta que se hunda y desaparezca, son las canciones geográficas que completan este mundo que se armó Zimmerman como refugio para salir de un atolladero amoroso, con personajes y paisajes propios. O eso es lo que yo quiero pensar que hizo, porque las redenciones nos gustan mucho, casi tanto como los hechos que provocaron los pasajes oscuros. Que sea por ponerse de pie, entonces.

Tracks:

01. Hurricane - 8:33
02. Isis - 6:58
03. Mozambique - 3:00
04. One More Cup Of Coffee - 3:43
05. Oh, Sister - 4:05
06. Joey - 11:05
07. Romance In Durango - 5:50
08. Black Diamond Bay - 7:30
09. Sara - 5:29

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In 6º: "Oh Sister" (Live Vidio)
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Champignons - Premiere Capsule (1972)

2013-04-10T21:09:00.000-03:00

Just relax... And get some rest. En este ispa (?) si uno habla de champignones está refiriéndose, sin dudas, a ese simpático hongo comestible con alto grado de agua en su cuerpillo, casi tanta como de noventismo, en el sentido más un-peso-un-dólar del término. Por aquellos años con los Arguiñanos en tu cocina le ponías champignones a lo que venga, total estaba $ 1,50 el cuarto y entraban bocha. Por otro lado no podemos ignorar la idea de estar comiéndole la casa de Papá Pitufo, ni la cercana relación de la seta con las drogas y la alucinación, sino pregúntenle a Brian que quiso capear un temporal con una reserva de fungis y así le fue. Como a este espacio le gustan las cosas sintéticas, bueno, puede que eso haya sonado todo lo mal que sonó y no lo vamos a explicar, salvo a algún pariente que nos quiera meter en una granjita , los muchachos que hoy convocamos reúnen un poco de todo lo enumerado en las líneas anteriores; el nombre, las sustancias, el terror y la certeza de que al final It's a joke. It's all a fuckin' joke (?).
Champignons, sin el "Les" manga de articulistas, fue una banda canadiense del tiempo en que no había que aclarar "Tabaco" ante la pregunta si fumabas. Estamos hablando, claro, de 1970 en el cual toda la injundia musical fundadora provenía de Émile Naud, un flautista de Quebec que tan solo soñaba con tocar un rato con unos pocos, nada muy grande, algo chiquito, los parientes y algún amigo, ni torta ¿para qué?. Pero como a muchos, la cosa se le fue de las manos y terminó teniendo una banda con cinco tipos; se ve que no sabían mucho que tipo de música hacer, así que hicieron todo lo que quisieron y pudieron. Desgraciadamente para nosotros el sello independiente que los produjo duró lo que duran las buenas intenciones, el tiempo que pasa hasta que se vuelven asfalto de la carretera al infierno y con él, la banda perdió apoyo y transformóse en "¿Te acordás el de acá a la vuelta que tocaba la flauta? Ahora tiene un kiosco en Ottawa". Pero antes que todas estas fatalidades sucedieran, dejaron este disco, que antes lo regalaban en los recitales y ahora un fenicio lo remasterizó y lo vende a 20 euros. Así que aprovechen.
Las placas debut de bandas tan pequeñas se caracterizan por tener tapas sencillitas y ser llamadas como la formación. Bueno, a los champignones no les cabía una así que se mandaron una tapa en rutilante technicolor y le pusieron "Premiere Capsule". Con esos hongos fucsias y esas letras, plus años setentas, uno pensaría en algo muy psicodélico, onda Jefferson Airplane, pero no. El disco arranca con la explosiva (tun tun tsss) "Dynamite" que es un homenaje a cierta clase de rock que había hecho The Doors, si se quiere, con un poco menos de teclados y más de vientos y un solo de batería a lo Ginger Baker. Listo, un disquito de rock setentoso. No, hombre no. Porque en "Le Ghetto Noir" empalma un blues bien bluesero con la calamidad del idioma espantoso, para estos ritmos, como es el francés. Pero la calidad instrumental es tan alta que esa carencia, repetida en cada parte vocal del trabajo, no perjudica la sensación final. Listo, un poco de blues y rock. No, che, pará. "Rêve Futur" y "Le Train" tiran de la soga psicodélica por primera vez en forma clara en todo el disco. Con ella llega la flauta tan Jethro Tull de Emile. Y un final de canción tirando a progresivo con pasajes jazzys. Esto es como la chiva, no quiere salir y seguimos trayendo cosas (amén de la crueldad contra el pobre animal, PETA careta, hacé una marcha). "Le Château Hanté" es la canción donde la banda tira todo el arsenal y acá se va todo al diablo, porque al efecto viento inicial, le sigue una gotera cada vez más acelerada y el suspenso in crescendo, hasta que la verdad nos es revelada... estamos en un castillo, de noche, con el siniestro alrededor. Aves, aullidos... hasta que a mitad del tema... campanadas... y... y... el resto escúchenlo ustedes. "Folies Du Mercredi" es un correcto epílogo para el track anterior, a la vez que un buen pie para que la banda de jóvenes, en un sello joven, le rinda tributo al niño que todos tenemos dentro con la adaptación libre del opening de "Pepinot" un show televisivo de títeres bastante freak que era furor en los cincuentas candienses.
Como verán, no mentimos en el comienzo de la ¿reseña?. Un disco que tiene muchas cosas en si misma y que toca todos los botones de la percepción, llevando algunos de los cinco sentidos a un nivel más alto, justo como los hongos, los champignones, la música y los dibujitos animados.

Tracks:

01. Dynamite - 3:32
02. Le Ghetto Noir - 7:16
03. Rêve Futur - 5:52
04. Le Train - 2:58
05. Le Château Hanté - 10:38
06. Folies Du Mercredi - 6:35
07. Pop-Pino - 1:31

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Alfred Nobel Style: "Dynamite" (Sample)

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Tim Blake - Blake's New Jerusalem (1978)

2013-04-05T20:11:00.000-03:00

Supposedly Cousteau and his cronies invented the idea of putting walkie-talkies into the helmet. But we made ours with a special rabbit ear on the top so we could pipe in some music. Es increíble lo que pasó. No hay demasiadas explicaciones, o hay muchas. Tantas como responsabilidades. No es este el lugar para hacer una tribuna al respecto, sobre todo porque con la tragedia en la cara, nada está tan claro. Lo cierto es que una parte de la ciudad quedó bajo agua y no conozco una persona que no tenga alguien cercano que, en mayor o menor medida, no haya resultado afectado y eso es mucho decir. Mientras se activan los resortes de la reconstrucción, trataremos de evitar la solemnidad y decir que si hablamos de reconstrucciones, este es el disco ideal, porque a un problema que se inició en los cielos, le sigue una historia musical que baja de allá en forma redentora, muy shing y shang y todo eso.
En esta WW2 de bandas electrónicas pioneras, ya tuvimos a un francés, unos alemanes y unos estadounidenses. Si seguimos la analogía, podemos decir que los teutones arrancaron todo y después los otros se fueron metiendo uno a uno, hasta que todo el mapa quedo completo. Ahora resta ver como insertamos a los rusos en esto. Claro que antes de los rojos, acá nos faltaba un Churchill en el equipo aliado y por eso convocamos a Tim Blake, un londinense que desde joven había formado parte de Gong, asistiéndoles primero como tecladista y después como miembro estable, hasta que el propio devenir de la banda se volvió un lugar ingrato para él, por lo que marchóse solo de toda soledad a hacer cosas con maquinitas y lasers. Las luces de La Ciudad luz lo habían eclipsado y allá se fue a hacer unas perfomances meta teclado, sinte y lasers, con mucho de Jarre en todo eso. "Crystal Machine" se llamó este colectivo de dos personas con el que recorrió diversos escenarios estrenando una era de rock espacial, ambient y electrónica delicada. Francia es así.
Tras un par de presentaciones durante 1977 y un disco resultante de los registros de ellas, Tim se encierra en un estudio a grabar su primer registro sin público de pupilas dilatadas que lo mirara atónito mientras proyectaba cosas con su música, That 70s Show. recordemos que el muchacho era nuevo en esto de ser solista y, tal vez, vio esto como un renacer ¿entonces qué hizo? Transpoló este nuevo comienzo personal a la esfera mundial toda, a la vez que volcó lo discursivo en una mélange de energía cósmica, con retorno a la naturaleza y Mesías espacial. Esta coherencia (?) lírica se imprime en melodías que pasan de un folk casi casi casi acústico en la canción que abre el disco en donde nos pide que encendamos el planeta con sonidos y que, a fin de cuentas, estar juntos, eso es amor. Un tierno. Ahí se le da por enchufar sus instrumentos y como si se tratase de un viajante interestelar va bajando las directivas sobre el aprovechamiento de la energía que viene del cosmos ~~de Pelé~~. La última concesión que hace antes del afrancesamiento total de su electrónica es la de "Generator (Laserbeam)" en donde todo se pone un poco... bailable, muy light, porque cuando termine la canción, llegamos adonde Blake nos quiere llevar, que es a un preámbulo muy francés, muy Jarré on steroids con tendencias cuelguísticas importantes y cuando salimos del trance, nos encontramos a las puertas de la nueva ciudad. "New Jerusalem" es un poema de William Blake que habla de Inglaterra y Dios y esas cosas (?). lo que hizo Tim, fue mechar líneas del texto con sus propias letras para dar esta versión espacial de su nueva ciudad, donde Dios es reemplazado por energía, luz y sonido, o sea, una idea mucho más copada. Y al escuchar esos 16 minutos y fracción, es notorio como todos los caminos conducían a ~~Roma~~ la Jerusalén de Tim Blake, como partimos de un tema guitarrero minimalista, para ir llenando las tintas musicales canción tras canción hasta llegar a este set espacial en el cual termina pariendo una nueva era de amor al prójimo en una generación cósmica llena de energía en la ciudad de cristal. Todo sin (?). Barrilete cósmico.

Tracks:

01. Song For A New Age - 5:12
02. Lighthouse - 6:45
03. Generator (Laserbeam) - 3:34
04. Passage Sûr La Cité De La Révélation - 7:43
05. Blake's New Jerusalem - 16:11

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Tamaño: 93 MB
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kozmic Energy: "Blake's New Jerusalem" (Vivo)

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Sergio Denis - Imágenes (1986)

2013-04-02T10:59:00.000-03:00

A ver ¡Ponte de rodillas! Di... ¡Di que el Fary es Dios!. Recién decía uno por ahí (?) que estaba mal considerar la felicidad como un estado civil al cual responder siempre. La felicidad no es más que una contingencia. Si todos siguieron la misma lógica de pensamiento que yo, terminaron buscando ese puñado de momentos que pueden describir como "Felí". Si todo(s) fuera(n) normal(es), alguno de ellos estaría en la niñez, salvo que sean taiwaneses esclavos de alguna marca de zapatillas, en ese caso: Respeto, bro. Cuando yo tenía 11 años me mudé a una casa lindera al cuartel de bomberos en un pueblo de por ahí. Ese mismo año, por navidades, los miembros de la fuerza organizaban el baile de fin de año y todo el barrio iba a saludar. Para la ocasión habían contratado a un tipo que tenía por todo equipamiento un minicomponente, un micrófono y un ampli que hacía las veces de parlante. En él se sucedían una a una las pistas más conocidas de Sergio Denis con sonar electronicoso, sospecho que hijas de algún teclado. Excepto una, que contenía la voz original y el muchacho sostenía con vehemencia que el mismo Sergio la había hecho para cantar a dúo con él cada show. Le creí. Era colorado, tenía el pelo largo y se quejaba de esos artistas que hacían 5 o 6 shows por noche. La mente humana es una cosa de locos. Yo no sé si ese fue un momento de felicidad rescatable entre otros, pero escucharlo al blondo cantante (al original) tiene algo de eso. No del colorado mutilador de canciones, sino de levantar un poco las barreras de la exigencia y sumergirse en ese mar de canciones entrañables que el hombre tiene.
Nacido en Coronel Pringles, un pueblo no muy distinto al anteriormente mencionado, con una pinta de gringo que le deschava lo hijo de alemán, se fue para Buenos Aires a probar suerte, tras una no muy efímera etapa como folclorista y miembro de una de las muchas bandas "Beats" tan en boga. Un espanto. En la Capital empieza todo, porque así como a D10s lo descubrió un tal Francis Cornejo, el rebautizado Sergio Denis tuvo la suerte de cruzarse con el hacedor de éxitos livianos, Francis Smith ("De Boliche En Boliche", "Zapatos Rotos", "Estoy Hecho Un Demonio", la remakeada "Una Calle Nos Separa" entre otras). Y ahí, en pleno año ´70 apareció el primer golpe: "Te Llamo Para Despedirme", regalo del mencionado autor. Sergio, que era un tipo muy televisible, empezó a girar por los programas más conspicuos (?) de la televisión argentina. Y la rueda empezó a andar, entre canciones propias y versiones en español de hits foráneos, el muchacho que había venido del pueblo con más ganas de folclorearla que de popearla, se reveló como un buen intérprete, capaz de acomodarse a las distintas escenas que lo sucedieron, teniendo su etapa progre, su momento Nino Bravo, su peralización y sus... ochentas.
los 80s en Argentina fueron tremendos. Para mí siempre tuvieron tufillo a decadencia, como si todo fuera excesivo. En las publicaciones, en las películas (Una escena de sexo de cinta ochentosa argentina es algo para analizar) y en la música se dispararon gente como Virus, Los Abuelos, Los Redondos, Sumo y Soda, a la par de una especie de guardia "vieja" en cuanto a la inocencia casi anacrónica de sus letras que pervivía o se afianzaba. Contradicciones. Es muy personal, pero es como si en esa década de exageraciones, un disco completo de canciones de amor inocentonas fuera de otro lugar, de otro momento histórico. Y aún con semejante escenario, Sergio Denis, se hizo un lugar de forma tal que fue el cantautor argentino con más discos vendidos durante los 10 años que siguieron al retorno de la democracia.
"Imágenes" es una excusa, no importaba demasiado cual fuera el disco elegido, bien podía haber sido un compilado con sus canciones más renombradas. Tal vez por ser la primera aparición del tema más popular ("Te Quiero Tanto") de un cantante muy popular, sea un homenaje justo, porque es su creación de proyección más lejana al haber llegado a los tablones alemanes, ingleses o españoles. Pero más allá de eso, y de que el disco tiene su valía propia, hoy el acento no es a la obra sino a un tipo de una sencillez abrumadora que regaló desde su lugar unos cuarenta temas que, en mayor o menor medida, están en el inconsciente colectivo del que tanto se oye hablar. Cuatro decenas de canciones que esa entidad agrupada como "La gente" sabe casi de memoria y que tomó como propias y la lleva a rumiarlas cada vez que están de fondo en algún programa de televisión o en la radio. Y se te pegan. Y te siguen. Y te llevan a un pueblo en el medio de la provincia donde un colorado las ejecuta con más entusiasmo que pericia, o a la tarde en que, ya grande, colgaba unas cortinas azules y cantaba... ¿Dónde vas? ¿Cómo estás, Querida?...

Tracks:

01. Si Me Quedara Un Sólo Día - 3:18
02. Yo No Quiero Perder Tu Amor - 3:41
03. Y Estamos Juntos - 3:00
04. Pienso En Tí - 2:56
05. Te Quiero Tanto - 3:26
06. Sólo Sabe Dios (Nuestro Desierto) - 3:57
07. A La Misma Hora - 2:54
08. Compañera Mía - 3:32
09. Cómo Será Desde Ahora Vivir - 2:58
10. Para Vivir, Una Canción - 2:50

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A Ver si funca: "Te Quiero Tanto" (Segmento "En el Estudio")

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Lee Hazlewood - Trouble Is A Lonesome Town (1963)

2013-03-25T20:36:00.002-03:00

Gentlemen, you had my curiosity. But now you have my attention. Un día, hace años largos, culpa de un amigo de mala bebida (?) nos corrieron una treintena de tipos con actitud de turba iracunda. Una vez que la zozobra pasó y ante mi búsqueda de explicación sobre porqué lo había hecho, esquivó la pregunta y se defendió con un "Vos ahora estás enojado, pero en unos años, te queda la anécdota". Y pese a las ganas de abalanzarme sobre él y dejarle una anécdota en el cabeza, acá estamos, recordando aquellos años maravillosos como si fueramos Kevin Arnold, esperando que Winnie Cooper se decida a querernos. Y a fin de cuentas, todo se trata de eso, de tener una buena historia para contar por más vacua que aparente ser. Sin duda estamos hablando de este disco y su autor. Un recorrido por las pequeñas gentes que circulan en un pueblo no menos pequeño y polvoriento al costado de la vía. Muy Far West, de la mano de Lee Hazlewood y su primer lanzamiento.
Hace no demasiado habíamos repasado el derrotero del bigotón como compositor de temas a la carte. Pero antes de tener bigotes y de encontrar en Nancy su partenaire perfecta por contraposición de estilos, Lee Hazlewood ya había grabado discos, producido otros y enseñado a Phil Spector un par de cositas de la producción musical. Pero esto no alcanza para explicarnos la singularidad de este trabajo. Para ello hemos de remontarnos a la etapa pre mostacho del nacido en Mannford, Oklahoma, entidad geográfica inspiradora del disco. Según la verdad inescrutable de La Internet, el pueblito que vio nacer a Lee cuenta al día de hoy con 3000 habitantes. Imagínense cuando comenzaban los 30s lo que sería eso, para colmo en los sesentas se inundó y lo tuvieron que mudar de lugar. Y en 2012 se incendió buena parte. Si, todos estamos pensando en esto. O sea que tenemos un pueblo del desierto Oklahomense que ya no existe más como lo conoció su exponente más conspicuo, pero que a su vez fue él mismo quien, con algunas licencias, nos contó un poco de su gente y como pasaban los días. O como los días no pasaban nunca, porque a la gente de Trouble, tal el nombre elegido, no le gusta mirar mucho hacia adelante, tan preocupados en atesorar recuerdos.
"Trouble is a little and it's lonesome. You won't find it on any map, but you can take three steps in any direction and you're there. It's a place to be born, and it's a place to live, and it's a place to die and be forgotten" nos dice con gravedad en la introducción de la canción que le da nombre al disco y que sirve de cierre al mismo. Las reminiscencias del "Pueblo Blanco" de Serrat son inmediatas, no por inspiración sino por la universalidad de estos sitios, que se repiten en Oklahoma, España o cualquier lugar de provincias de por acá. Cada canción sobre Trouble está precedida por la presentación recitada por Lee en la que expande el universo del pueblo y es inevitable no imaginar a ese tipo con una guitarra, sentado al costado del camino, cantando y contando sobre Jim, sobre el tren y sus trabajadores, el enterrador, la chica que solo era linda para desear más no para tener porque de tan bella no sabía cocinar ni querer, todo ello (y todos ellos) en formato country acústico en donde la baritonal voz de Lee nos lleva por una pintura musical y cuasi literaria de sus anécdotas, sus recuerdos y un pueblo, lejos de todo, unido al resto del mundo por las vías del tren. Y sobre las ganas de irse de allí, pero no poder, pero no querer. Cuando llega el cierre del disco ya estamos allí, viendo caer el sol, mientras los últimos acordes de la guitarra resuenan y vemos un jinete alejarse hacia el atardecer mascullando... I'm a poor lonesome cowboy / I've a long long way from home / And this poor lonesome cowboy / Has got a long long way to home.

Tracks:

01. Long Black Train - 3:33
02. Ugly Brown - 4:36
03. Son Of A Gun - 3:40
04. We All Make The Flowers Grow - 2:57
05. Run Boy Run - 2:49
06. Six Feet Of Chain - 3:09
07. The Railroad - 2:24
08. Look At That Woman - 3:59
09. Peculiar Guy - 2:59
10. Trouble Is A Lonesome Town - 4:21

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Un gran (?): "We All Make The Flowers Grow" (Cualquiera Vidio)

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Tonolec - Plegaria Del Árbol Negro (2008)

2013-03-19T23:51:00.003-03:00

Bueno che, después de todo, cada... cada pintor tiene su modelo de pintar ¿No?. Vivir en una ciudad que recepta por año miles de estudiantes de otras ciudades es todo un algo. No vamos a entrar en detalles convivenciales para no iniciar una catarata de prejuicios fáciles de rebatir pero divertidos de generalizar. Matizar es para blanditos. Volvamos a las miles y miles de almas que peregrinan hacia Diagonal´s City para forjar su futuro en el más noble de los materiales, el libro. En los años que llevo acá pude tachar un representante por provincia, excepto la figurita difícil que se corporiza en Formosa y que aún no ha mostrado embajador alguno excepto por una persona que dice conocer a alguien nacido allá donde el Bermejo pasa, pero pueden ser fabulaciones, vieron como es (?) que hay que desconfiar de la gente. Para cubrir el vacío formoseño en nuestras vidas hoy vamos con este dúo que es un cincuenta por ciento oriundo de esa provincia, completando la escena NEA (?) con un chaqueño. Claro que no son solo ellos, porque atrás tienen la comunidad Toba apoyándolos con sus voces, letras (aunque el término sea incorrecto, más bien oralidad) e instrumentos. Con uds. y nosotros, Tonolec.
Tonolec (que quiere decir "kaburé”. Ave cantora nocturnal del monte chaqueño) tuvo una forma de abordar el indigenismo desde otro lugar del elegido por Víctor Heredia en "Taki Ongoy" que se centró en el encuentro con los españoles que vinieron a arribearla toda. La idea de Charo Bogarín (de la República Separatista de Formosa) y Diego Pérez en cambio, fue mezclarse con la comunidad toba del Chaco argentino durante un par de años y extraer de ella no sólo sus sonidos, sino su tradición oral del cantar. Los tobas no escriben sus canciones sino que las transmiten de generación en generación en un boca en boca centenario, cuanto menos. Claro que en este abordaje experimental se encontraron inmersos en una cultura que hasta ahí les era conocida solo por su cercanía geográfica; vida en comunidad, tradiciones, concepciones de la tierra y el coro que les abría las puertas hacía una experiencia sonora mayor de la esperada. Con ello, el cincuenta por ciento de la misión estaba completada. Lo que faltaba era lo que el dúo podía imprimirle a toda ese aparato musical unplugged (?). Al pop electrónico que practicaban decidieron tacharle la doble y solo centrarse en la maquinaria para fusionarlo con los ritmos adquiridos en la tierra del algodón. Tras un "tímido" comienzo con el álbum "Tonolec" llegan al 2008 pisando más firme en su intencionalidad y eso se traduce en el disco que acá presentamos, el mejor de sus tres registros, pero son opiniones y acá las respetamos a todas aunque sean una porquería, porque el Pope es argentino, loco.
"Plegaria del Árbol Negro" fue bautizado y si me preguntan yo hubiera preferido un nombre más tradicional, ~~onda "liga Patriótica"~~, proveniente del lenguaje toba, pero no nos vamos a poner en puntillosos porque lo que importa es lo de adentro. Si Tremor había tomado elementos folclóricos para fusionarlos con el folclore a pura potencia y distort (?). Charo y Diego eligieron el camino de la sutileza para mezclar ritmos tobas, creo que eso quedo claro, cercanos en algunos momentos a lo usualmente conocido como folklore y las maquinitas cortesía de Diego que sabe claramente que botones apretar para lograr la amalgama perfecta con aquellos ritmos sin que suene a tres tutín locos (?) y la tercera pata que completa este disco, además de uno de sus puntos más altos, la voz de Charo, con algo de Lila Downs style. Cuenta ella que se vio obligada a "aprender" a cantar nuevamente porque la forma de hacerlo por allí es mucho más gutural, sin llegar al chewbaquismo, y que le valió las risas de las mujeres de la comunidad en un principio. Además de esta mujer capaz de dar luz y oscuridad a un tema en partes iguales, por la misma plata, también se puede escuchar al coro toba Chelalapi interviniendo en algunas canciones y bancándo a Tonolec tanto en canciones castellanas como de su propia lengua, en una gran cita de aceptación musical.
El resultado es un disco hermosísimo de encuentros: sonidos de tierra adentro con la tecnología y el conservatorio de Pérez; las voces multitudinarias y ancestrales del coro con la modernidad de Bogarín; el del estudiante del interior con su nueva ciudad y el de nosotros con Formosa, aunque más no sea de oído.

Tracks:

01. Tierra Cautiva - 4:27
02. Noxoshiguem - 3:05
03. Techo De Paja - 4:18
04. Ishiÿipiolec - 3:25
05. Taguiñe Lashe - 4:08
06. Baila Baila - 4:11
07. El Cosechero - 4:20
08. Dormilera - 3:25
09. Llora Tus Penas - 4:12
10. So Caaÿolec - 4:20
11. Ay Corazoncito - 5:22
12. Plegaria Del Árbol Negro - 4:37

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Un techo para mi país: "Techo de Paja" (Video Oficial)

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Yo La Tengo - I Can Hear The Heart Beating As One (1997)

2013-03-15T15:44:00.000-03:00

All the time, everywhere, everything's hearts are beating and squirting, and talking to each other the ways I can't understand. Most of the time they probably be saying: I'm hungry, or I gotta poop. But sometimes they be talkin' in codes. Tal vez debamos pedirle perdón a Stendhal por dejarlo sin más; en una de esas la temprana y triste partida del Comandante llevó a reflexionar sobre las cosas hechas con las repercusiones más insospechadas en los ámbitos más variopintos de la vida. Quién sabe. The Times They Are A-Changin' nos avisaba Dylan y apareció el viernes para acompañarlo un disco acorde, porque, a fin de cuentas, este día ventana al fin de semana trae un poco del resto de los días encima y este disco en particular tiene un poco de los once años anteriores de la banda, sobre todo de los últimos seis o siete, casi como una semana larga duración, en la cual este matrimonio que metió un bajista para el ménage à trois musical fue avanzando hasta el latente material que aquí se presenta.
Claro que si dejamos que se presente solo, nos morimos de angustia, así que seguiremos adelante nosotros. Yo La Tengo es un nombre por demás curioso para una banda gringa ¿verdad qué sí?. Hay una anécdota divina atrás de esto que pueden encontrar en cualquier lugar de la internet. Como no tenemos ningún interés en ser originales la narraremos brevemente: Era algo medio que ver con el baseball (?).
Oriundos de Hoboken, merodeando la gran manzana, el matrimonio compuesto por Georgia Hubley (Batería [en-tu-cara-Meg]) and Ira Kaplan (Guitarra) además de constituir una entusiasta pareja, tenían esta banda de rock alternativo formada en 1984 con la cual, hasta entrados los 90s, vendían menos que Gil Gunderson. Esto no es más que un detalle de mercadeo porque en general cosechaban buenas repercusiones (eso explica que los siguieran financiando) y lograron cierto nombre en la escena indie-alt-rock. La bisagra está en el año 1993. Se conforma el trío con James McNew en el bajo, cambia de sello (Matador Records) y de productor (John McEntire) y tras "Painful" viene el primer paso hacia el nuevo sonido de la banda con las canciones de Electr-O-Pura, que descubre un par de características de la banda: No les cabía ninguna, tenían un sentido del humor extraño y muchas ganas de darle una vuelta de rosca a toda la moda alternish que había en la música por aquellos días. La llave que usaron para ajustar esa tuerca floja fue "I Can Hear The Heart Beating As One", un disco inclasificable, genial y que resume las búsquedas anteriores.
Empecemos hablando de una característica loable de este trío; el disco dura 68 minutos y no le sobra nada, mal que les pese a algunos adalides de la brevedad que criticaron este aspecto, manga de precoces. En esa hora y monedas parten de esa idea general que es el "Rock Alternativo" (asumamos que todos entendemos más o menos lo mismo por ello) pero esto no es más que la plataforma de despegue a la experimentación sonora en la cual se desprenden el corsé de las etiquetas y tienen momentos re softys sensibles ("Moby Octopad", "Sugarcube"), otros más ambient groove como "Shadows", múltiples facetas en la ochentosa "Autumn Sweater" y hasta se le animan a una bossita simple en "Center Of Gravity". Las letras no se quedan atrás en este collage, aunque es cierto que el tono medio es oscuro, pero oscuro bien eh, mucha sombra, soledad, noche, nada de pavadas. Eso, cuando no se ponen en introspectivos y mandan un instrumental con grillos ideal para escuchar de madrugada ("Green Arrow") o cuando toman las palabras de otros en los covers "Little Honda", GRAN canción de The Beach Boys en genial versión aquí, o el cierre del disco con "My Little Corner Of The World" de Bob Hilliard (Popularizada por la homofóbica Anita Bryant). Pero antes del cierre, cuando el resto del disco nos lleno de guitarras, distorsión, algún que otro solo, en la ubicación 14 están esos casi once minutos de jam session entre electrónica y rockera y con ese latido a mil de fondo que nos pone un poco en trance. Como nos puso la muerte de Hugo, como nos ponen estos discos tan gratos de descubrir, como nos deja regulando alguna gente. Por los que (nos) cambian las cosas, entonces.

Tracks:

01. Return To Hot Chicken – 1:39
02. Moby Octopad – 5:48
03. Sugarcube – 3:21
04. Damage – 4:39
05. Deeper Into Movies – 5:23
06. Shadows – 2:27
07. Stockholm Syndrome – 2:51
08. Autumn Sweater – 5:18
09. Little Honda – 3:07
10. Green Arrow – 5:43
11. One PM Again – 2:25
12. The Lie And How We Told It – 3:19
13. Center Of Gravity – 2:42
14. Spec Bebop – 10:40
15. We're An American Band – 6:25
16. My Little Corner Of The World – 2:25

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Que carisma, Viejo!: "Autumn Sweater" (TV Vidio)

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Mushroom – Early One Morning... (1973)

2013-03-11T20:28:00.003-03:00

1º Acto: Romina Cámpora quiere fumar faso, llama a una amiga, ésta la planta, así que no fuma.
2º Acto: Romina Cámpora quiere darse un saque, llama a un amiga, ésta la planta, así que no se da.
3º Acto: Romina Cámpora quiere tomar un cuarto, llama a una amiga, ésta la planta, así que no toma nada.

You didn't think I was what? Serious? You think I'm not serious just because I carry a rabbit?. Tras casi un mes de ausencia abrimos el retorno a las pistas con ese chistazo del cual soy responsable, ya que un día como hoy pero cuarenta años atrás, la fórmula Cámpora - Solano Lima ganaba las elecciones por el FREJULI y terminaba con una pila de tiempo de proscripción peronista en la vida política (formal) argenta. También ese mismo día cumplía 52 años este señor, uno de los mejores músicos que se han visto por estos lares. Así que en un día tan lleno de liturgia y aniversarios importantes vamos a mantener la coherencia almanequiana (?) con un disco de ese mismo año de una banda proveniente de Irlanda, país con los mejores borrachos, que siempre tiró buenas vibras para nosotros por los asuntillos con Inglaterra y que de la mano de The Wolfe Tones hizo este homenaje a Guillermito (?) Brown en clave irish folk, que es más o menos algo de lo que hacía Mushroom, una banda sobre la cual poco sabemos, que apenas dejó un disco y un par de singles pero que le bastó para entrar en la categoría "Gemas del género", como una Simone de Beauvoir o Rosa de Luxemburgo.
El país de ese ser infumable en el que se convirtió Bono siempre tuvo el sentimiento nacional y tradicionalista muy a flor de piel por su propio devenir histórico que favoreció esa construcción y en determinados momentos esto se vio reflejado en las artes que allí se produjeron. En la escena rockera de los setentas esto no fue una excepción y las bandas locales se habían volcado a la búsqueda de sonidos que habían surgido mucho tiempo antes, hijos del legado celta que con el tiempo se transformó en lo que comúnmente se conoce como Folk irlandés, denominación aceptada para diferenciarse de los otros exponentes del género: los cipayos escoceses, pero eso es otra historia, larga y controvertida que no tiene lugar acá, aunque mucho corazón valiente, pero LTA. Es en esta movida de regreso a los orígenes que Mushroom toma un papel preeminente como exponente principal dentro de las bandas que surgían y se lucían. Fundado en 1970, con un colorado en sus filas como es obligación en la isla esmeralda, el quinteto llegó a 1973 con un par de singles que prometían y esto le abrió la puerta al LP que hoy presentamos gracias a la magia de las remasterizaciones y esas cosas. Tomen nota sellos nacionales o internacionales y me revisan un poco el estante de descatalogados de artistas de acá.
"Early One Morning" abre con el tema homónimo en un inicio Time style transformándose en una balada medio balosa. Esa va a ser una característica constante del disco, la alternancia entre temas de andar lento o acústicos y otros de andar tranqui, 120 con una electricidad que reíte de Tesla. Como del pasado no se vive, todo ese irish folk reunido en cientos de años de tradición se combina con la modernidad de entonces, rock casi hardrockero, momentos con dejos progs y duras batallas entre esas dos vertientes como se puede escuchar en "The Liathdan" (o "The Liothdon" según algunas fuentes) en donde guitarra y violín se enfrentan sin ganador, más bien un apretón de manos y la promesa de que es el comienzo de una gran amistad, confirmada en el radiable "Crying". "Unborn Child" baja los decibeles con mucho wah-wah y nos deja justo para EL momento irish-psychedelic-prog-folk-rock que es el dueto cancionista "Johnny The Jumper" y "Potters Wheel" en el cual durante cinco minutos y medio dan ganas de ser irlandés y romper todo (?) en una gresca a puro teclado, violín, guitarra y batería. Estamos a mitad del disco y vuelta badén con "Standing Alone" una baladita rocker, pero nada de relajarse porque el sprint final del disco es en clave más poderosa (o al menos más veloz) y hacia allá vamos con esta gente que en el artwork nos pide "Please play VERY loud" (sic), ¿Y cómo rehusar a un pedido tan educado de descontrolar la paz edilicia?.

Tracks:

01. Early One Morning – 2:36
02. The Liathdan – 4:20
03. Crying – 3:54
04. Unborn Child – 3:46
05. Johnny The Jumper – 3:09
06. Potters Wheel – 2:22
07. Standing Alone – 5:39
08. Devil Among The Tailors – 2:44
09. Tenpenny Piece – 3:29
10. Drowsey Maggie – 3:59
11. King Of Alba – 4:21

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Rebotín Rebotán (?): "Johnny The Jumper" (Sample)

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I Pooh - Opera Prima (1971)

2013-03-03T22:41:00.003-03:00

They cry, they plead, they beg, they piss themselves, they cry for their mothers. It gets embarrassing. I like to kill 'em softly. From a distance. Febrero cerró horrible y marzo viene lento, por suerte siempre contamos con una mano amiga, en este caso oído y letras, para salvarnos y de paso para saldar su deuda veraniega. Richard Tex Tex, el Profeta de Ringueletgrado, lo hizo de nuevo; disco elegido por él y contado con sus palabras, sin más preámbulos:

Los domingos a la tarde tienen esas cosas, uno podría hacer mil cosas pero por distintos motivos no las hace. Una de las cosas que podría hacer si no fuera una ameba carente de voluntad, volcada horas atrás por algunos tintos y la comida recalentada de un casamiento, sería salir a la ruta con el cabello al viento y la resolana que antecede al otoño reflejándose en el brillo del cromo. Pero bueno, uno se queda en casa, preparando café y relojeando el partido... ¿Y si soñamos un rato? ¿Y si soñamos que en vez de estar mirando el partido estamos paseando en un descapotable vestidos de blanco, mirando los veleros, el oleaje, el atardecer? ¿Con qué música podríamos inmortalizar un momento así?
En el año 1971 los pelilargos bologneses de I pooh, que según el tío Giancarlo “eran mas lindos que músicos” y habían rechazado a un amigote baterista de él por fulero, se pasaron de la onda beat a algo un poco mas meloso plasmándolo en su cuarto trabajo, “Opera Prima”. Los tanos, a pesar que como dice Michael Gentili “los caga el idioma y les salta la balada” incursionaron durante los 70’ en el rock progresivo con La premiata Forneria Marconi, Banco Del Mutuo Soccorso” o New Trolls, por nombrar algunas formaciones; entre estas bandas, I Pooh posiblemente era el conjunto más comercial, ya que nunca abandonaron su impronta baladista, mezclándola con algo de pop elaborado, arreglos rockeros, pizcas de lirismo y poesía... En conclusión I Pooh dirigió su producto a un mercado de chicas vestidas de bambula, anteojos grandes, pañuelos en la cabeza y algún que otro muchacho romanticón que tranquilamente podría tocar la guitarra tomando unos mates un día de la primavera en Vila Borghese.
Esta Opera Prima no solo cuenta con hitazos de la talla de “Tanta Voglia Di Lei”, que inclusive fue interpretada en castellano por ellos mismos y un joven Sergio Denis, o “Pensiero", que también contaría con su respectivaversión en castellano; temas un poco mas rockeritos como “Il Primo, Il Ultimo Uomo” y “Tutto A Le Tre”; canciones cargadas de emotividad como “Un Caffè Da Jennifer” (temón) o “Un Minuto Dall More”... y “Opera Prima”, el tema que le da nombre al disco, que es uno de esos temas para escuchar en esos momentos reflexivos, depresivos, emotivos, optimistas.
Roby, Doddy, Riccardo y Valerio, los muchachos de I Pooh (el oso si uds. lo prefieren) nos entregan con sus coros y melodías esta bien llamada Opera Prima que podríamos estar escuchando si andamos por el Mediterráneo o hippeando en el bosque, o como yo, tomando un café, un caffè da Jennifer.

Tracks:

01. Pensiero - 3:43
02. Un Caffè Da Jennifer - 4:17
03. Tutto Alle Tre - 3:23
04. Terra desolata - 2:35
05. A Un Minuto Aall'amore - 3:54
06. Tanta Voglia Di Lei - 4:16
07. Che Favola Sei - 2:53
08. Il Primo E l'ultimo Uomo - 3:39
09. Alle Nove In Centro - 3:19
10. Opera Prima - 5:37

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Tamaño: 92 MB
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Racional: "Pensiero" (TV Vidio)

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Juliette And The Licks - Four On The Floor (2007)

2013-02-14T23:03:00.001-03:00

You know what I say? I say... to hell with going back to our cells. Let's go out there, and run down the stairs, and go out in a hail of bullets. And then we'll die! And then we'll really be free. Todo empezó con la renuncia del Pope. Pero claro, eso duró como 4 que bárbaros. A lo mejor solamente uno y seguimos. Después vino algo más cercano, el cumpleaños número siete de Stay Free. Un blog que sufrió múltiples cambios en su vida pero que en aquellos años de recién iniciada masificación de la banda ancha en que bajábamos a 13 kbs/s (y ahora piden a gritos mediafire...) era uno de los pocos blogs que compartía discos enteros junto al de Mr. Soze, que ya no puede ser encontrado en la red. La renuncia del representante de Dios (Ponele) y la continuidad de uno de los espacios inspiradores de este otro. El regreso de Buffoon y la duda de cual será el derrotero de esto. Sin duda ha cambiado hasta ser una cosa bastante defo(rme) y es en esa transformación constante que encuentra su propia línea de continuidad cuando los signos de cansancio aparecen. Toda esta introducción tan solemne viene a cuento de 10 días sin subir un disco, que creo es el plazo máximo de tiempo en un par de años, pero sobre todo habla de continuidades y rupturas. De las dos hubo en la carrera de Juliette Lewis, que es quien hoy aparece acá en su faceta rocker.
Cosas de la astronomía, Juliette Lewis nació el día más largo del año o el más corto según la perspectiva. No fue raro que hija de actor y nacida en L.A ~~Woman~~, haya decidido hacer tablas y no con Gary Kasparov. Empiezan los 90s, la nena cumple 18 años y en la remake de "Cape Fear" hace de la hija de (de pie) Nick Nolte (pueden sentarse) el abogado acosado por (de pie) Robert De Niro (pueden sentarse) con el cual tiene una relación sensual, histérica, enferma, dañina y casi mortal, que nos dejó aquella escena totalmente perv del pulgar en la boca. Su talento le valió una nominación al Oscar por esa teen naif que usaba ortodoncia y en 1994 participaría en "Natural Born Killers" como una sacada Mallory que daba indicios de su transformación. Juliette no era naif, ni se chupaba el dedo, propio o ajeno. Juliette estaba llena de furia. Con el tiempo las luces de los estudios la fueron dejando de lado en los roles protagónicos, pero no le importaba, porque su continuidad artística estaba micrófono en mano. Había participado en un par de soundtracks y en 2003 aparecen Juliette And The Licks ¿Les suena el nombre?. No era la primer actriz en tener ribetes de cantante (sino miren a ella, ella y especialmente ella, por caso) lo cual podía despertar sospechas, pero de todas formas su primer disco fue bien recibido, no lo hace tan mal, Julieta.
Tras "You're Speaking My Language" vino el trabajo que hoy presentamos en este blog: "Four On The Floor". El material tiene su prehistoria que arranca con la ida del baterista justo antes de empezar las grabaciones. Este, en apariencia, contratiempo fue solucionado cuando Dave Grohl, si me preguntan EL baterista mainstream del raaack, se sentó tras los platillos. Hubiera matado ver la carita del ex cuando se enteró. Más o menos como la de todos los ex reemplazados, ya sé. La incorporación del luchador elevó el nivel del disco, ganó en furia respecto a su predecesor y la voz de Julieta se escuchó más lejos, porque una cosa es una estrellita con ganas de rockear y otra, que te secunde el baterista de Nirvana. Si esperan encontrar una revelación en sus vidas o escuchar sonidos inimaginables, están en el post equivocado porque Juliette está loca, muy loca, loquísima, pero no come vidrio. Las doce canciones (diez en el original) son una sucesión de letras simples y sonido rockero con partes más Who/Rollingas (Get Up), otras en donde Juliette toma un poco de Patti o Pe Jota y se saca todo lo que tiene adentro mientras Grohl hace lo suyo y las guitarras revientan. El acceso a las grandes ligas lo tuvo con "In A Cage" que formó parte de las siempre agraciadas bandas de sonido de Gran Theft Auto, ahora en su cuarta edición. Cuando parece que va a meter una balada, se pone a gritar que nos jodan a todos (siendo suaves) en "Death Of A Whore" la más cinematográfica de las canciones, las cuales, todas compuestas por la muchacha, hablan de hastío, de independencia, del infierno y del cielo en forma visceral. No es casual, ya que la religión es todo un tema para esta piba, que anda por la cientología. No digamos más.
Y nada más diremos para escucharla, en un disco de Rock And Roll, livianito en su mensaje, sin pretensiones más que la de cantar hasta la afonía, para dejar que Julieta nos muestre sus transformaciones y continuidades y, sobre todo, darle una chance pese a los prejuicios.

Tracks:

01. Smash And Grab - 2:47
02. Hot Kiss - 2:44
03. Sticky Honey - 2:21
04. Killer - 2:18
05. Death Of A Whore - 3:55
06. Purgatory Blues - 3:34
07. Get Up - 4:58
08. Mind Full Of Daggers - 3:43
09. Bullshit King - 3:22
10. Inside The Cage - 4:01
11. Lucky For You - 5:00
12. Are You Happy - 5:40

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Tamaño: 107 MB
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Esa boca sabe: "Hot Kiss" (Video Oficial)

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Tool - Lateralus (2001)

2013-02-04T17:12:00.000-03:00

"Uno nunca es tan feliz como cuando encuentra el medio de perderse". (Amélie Nothomb, Diario de Golondrina, 2008)
Siempre llegando sin que me llamen y sin que me echen, vuelvo, despacito, calladito, pero tratando de que a alguien le moleste... je... Soy yo y no acepto dobles (¿?), están todos de vacaciones (Sastre anda escalando el Himalaya) y la cosa viene light, para mi gusto claro está... por ello y porque febrero pide headbaging alocado en Aguas verdes, Las toninas y la playa de estacionamiento de acálavuelta, traigo en la mano un poco de ruido siniestro para sacudir las neuronas que adormeció enero. Sé que mucho soñaron con un fin del mundo, pero como no pasó, resarciremos ese deseo, sublimando la aniquiliación en discos que se nos pasaron por alto, que merecen la pena escucharse aunque sea una sola vez y deleitarse, o bien decir: lo escuché, no es para mí, por esto, por aquello, porque puaj... etc... etc.... etcétera.
Lo cierto es que es bueno volver y ver toda esta gente buena bancando el bloguito de siempre, un agradecimiento de mi parte a ellos y a los que "les gusta" en lo de markitos.... En fin, a lo que vine... Tool... Lateralus... 2001... el país se caía a pedazos... y la alegoría no es complicada... Estos tipos sacan un disco que despedaza a cualquiera... O sea...
Chocarte con Tool te puede dejar maltrecho, lastimado, aterido, roto o cualquier otro adjetivo que refiera a salir herido ante tamaña fuerza intricada y obstinada. Soy de la idea de que esta banda es una maravilla de la ciencia, afirmo que es una enormidad y quizás alguno me dé la razón. La influencia que ha ejercido Tool en el mundo del rock (cualquier vertiente: metal, progresivo, y Cristian Castro… ejem, chiste demasiado fácil) es innegable, sin repetir y sin que me soplen puedo nombrar diez bandas que cayeron bajo su embrujo, o sea, alguna que le afana más que otra. No me pondré a detallar las influencias que Tool posee... porque de King Crimson ya algo dijimos, de Pink Floyd hablamos un largo rato y de Meshuggah no quiere saber nadie que lea estas líneas más que un servidor que admira esa mangnífica agresión estructurada en, también, Crimson... y así, como todo es una rueda... y todo tiente que ver con todo (¿?)
Lateralus es el tercer larga duración y que vino a dejar asentado lo hecho en Aenima, acrecienta la contundencia, el cálculo melódico, la complejidad anárquica y un largo etcétera; el discurrir de este enmarañado río sonoro es como hacer para hacer rafting, dejarse llevar por la corriente... y estrolarte contra unas rocas enormes...
Cuantas cosas se han escrito y elucubrado con respecto a este disco... PUF... esas maravillas conspirativas que tanto disfruta el ciudadano medio (Faaip De Oiad)... Lo cierto es que Lateralus posee propiedades mántricas, compuesto por letanías hipnóticas, visiones profundamente monolíticas... O será toda exageración de mi parte, la verdad es que The Grudge, Schism, Lateralus (el tema), The Patient, no sólo son geniales, juntas son más que la suma de sus partes, porque si de Gestalt hablamos, Lateralus es un todo que genera más emociones escuchado en su totalidad que una maravilla a la vez... Todo obra y gracias a Jones (guitar "hero"), Keenan ("voices from hell", al cual pueden disfrutar en A Perfect Circle, si la propuesta de Tool te parece demasiado), Carey ("tras lo parches") y Chancellor ("fuckin' bass")...
Anhelo poder ver en vivo a Tool, es un deseo que lanzo al aire para ver si la diosa fortuna me echa un mano, el hecho que no haya material fílmico oficial acrecienta las ansias, los recitales piratas que andan dando vueltas generan una avidez mayúscula de presenciar un recital de estos muchachos, ¿será cuestión de tiempo?... ojalá solo sea eso… Y denle una escuchada a Tool, es una buena herramienta para perderse, no se asusten los apacibles, solo sepan que estas cosas existen, y agradan a más de un buffoon.... Ah, puse dos tapas, porque una es la tapa y la otra es la tapa de la tapa... ¿se entiende?... no importa, esta todo el artbook, que dicho sea de paso, no se lo pierdan, como tampoco, los videos... Saludos, play loud and headphones...

Tracks:

01. The Grudge - 08:36
02. Eon Blue Apocalypse - 01:04
03. The Patient - 07:14
04. Mantra - 01:12
05. Schism - 06:47
06. Parabol - 03:04
07. Parabola - 06:03
08. Ticks & Leeches - 08:10
09. Lateralus - 09:24
10. Disposition - 04:46
11. Reflection - 11:07
12. Triad - 08:46
13. Faaip De Oiad - 02:05

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en 6.5/8, je: Tool - Schism (video)

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Leslie Humphries And His Friends - Pop Party (1970)

2013-02-03T09:25:00.000-03:00

Tras veinticinco días de travesía, vamos llegando al final de dos cuestiones: la excursión que nos adentró en los lugares más variados, llenos de colores y sonidos imposibles de inventariar, siendo este el fin, también, de los posteos en diferido. Contamos con la inestimable colaboración de Alfonso y Pelu y un varieté de discos que sirve de botón de muestra para el eclecticismo declarado que aquí reina. Y si hablamos de variedades y finales, nada tiene que ver el trabajo que presentamos hoy.
Leslie Humphries fue un conocido productor de pop livaniiiito, livianiiiito como un avioncito que vola -si, vola- (?) durante la mayor parte de los setentas, liderando un colectivo sonoro llamado "Les Humphries singers". A pesar de tanto anglosajonismo, toda esta movida se desarrolló en Alemania, a la par, o mejor dicho dentro, del universo krautrock que tanto espacio a tenido a lo largo de nuestro derrotero. Lo curioso (?) es que antes de que esto tuviera lugar y también antes de tener problemas con el fisco inglés cerca de los 80s condenándolo al exilio musical, el mismo Leslie se sentó no solo tras la consola, sino también en un par de instrumentos, para dar a luz un gran disco de funk que llega a nuestros días como una singularidad, porque la historia es así, primero se repite como farsa y después como rareza.
Tomando parte de la banda en piano, órgano y saxo, se rodeó de guitarras eléctricas, bajo y percusión parra llenar de grooooovy!! el estudio de grabación, renunciando a toda oralidad porque el poder de sus instrumentos era suficiente para dejar el mensaje. El resultado final es llamativo por dos cuestiones; la originalidad dentro del movimiento musical en el que emergió y la violencia funky-psicodélica en sus bajos, vientos y teclados que sorprenden por el desconcertante nombre del disco.
Encontrar estas cosas siempre es un agrado, no por puro snobismo, sino porque estar caminando por la calle a mucho auricular y de repente sentir que el ritmo maneja nuestro andar, es, a fin de cuentas, lo que uno quisiera de esta falsa fiesta pop. Moviendo las patitas, nos vemos a la vuelta.

Tracks:

01. Montreal - 2:57
02. Walking Down Broadway - 1:52
03. The Unwanted - 2:15
04. Carnival Of Life - 3:20
05. Searchin' For Soul - 3:17
06. Up Cherry Street - 2:45
07. Love - 2:21
08. No Part Of It - 2:18
09. Peace Of Mind - 2:03
10. Under The Ground - 2:27
11. Emmi's Highboots - 3:47
12. Please Touch Me - 2:41

Compresión: CBR 320 Kbps
Tamaño: 74 MB
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Un Cuartito: "Peace Of Mind" (Sample)

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Tremor - Viajante (2008)

2013-01-29T09:28:00.000-03:00

La historia dice que tras una noche muy loca unas personitas (?) no se podían dormir y fueron a las cuatro de la tarde a tomar mates a un bosquecillo. Un festival cercano había atraído un número considerable de gente, pero lejos de impresionarse, los dos amigos buscaron un claro y comenzaron el cebado. Mate va, mate viene, alguna mirada de soslayo a las féminas presentes, hasta que en algún momento el repique de tambores los elevó del suelo para trasladarlos a un lugar que los arboles ocultaban. Tres escenarios, miles de personas y, sobre todo, una pantalla llena de luces los congelaron bajo el cartel "Alternativo". Allí, en el escenario, estaba Tremor.
Llenos de energía arremetieron con su folclore electrónico haciendo mover a los presentes y a nosotros, que tanto estábamos ahí como no, nos arrojó un masticadísimo "Che, está bueno esto". Costó encontrar este disco, horrores. Hoy, casi dos años después de aquella tarde de loquitos, puedo compartirlo mientras esperamos, con este mismo amigo, un barco que nos lleve a la jungla. Tremor y su combinación de ritmos latinoamericanos con electrónica, Tremor y mucho power, Tremor y tomá mate.

Tracks:

01. Malambo - 3:12
02. Terminal - 3:19
03. Caracol - 4:10
04. Córnea - 3:25
05. Viajante - 3:54
06. Dédalo - 3:02
07. Ant - 3:29
08. Vritti - 4:20
09. Umbral - 3:51
10. Lombriz - 3:13

Compresión: CBR 320 Kbps
Tamaño: 81 MB
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conociéndote, co-no-ciéeen-dote: Tremor (Mini Documental)

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El Peyote Asesino - El Peyote Asesino (1995)

2013-01-24T09:22:00.000-03:00

Todo espacio se nutre de quien lo hace y de quien lo recibe. En esta Colina hemos visto pasar múltiples errantes, algunos permanecieron, otros se perdieron en el tiempo y espacio. Entre todos ellos uno que apareció un día comentando los discos que iba escuchando fue Jorge Alfonso. Con el tiempo supimos que era uruguayo, que no le gusta demasiado el fútbol y le hacen ruido los discos conceptuales; también que es un gran escucha musical y escritor (Lo pueden leer acá, o acá) y hasta tuvimos el honor que nos envíe un libro suyo a cada uno de nostros y leímos con gusto. Escribir muy bien y melomanía, además de su constancia en este espacio, llevaron a invitarlo a escribir una reseña sobre el disco que quiera. Y acá está, que les aproveche.

“¡El Peyote Asesino está acá! ¡El Peyote Asesino está acá!”
Cuando Sastre me invitó a elegir un disco y reseñarlo,la pregunta obvia fue ¿cuál? Siendo yo un enfermo coleccionista, quizá debía elegir alguna de las rarezas de mi acerbo musical para revalorizar así algún talento ignorado, algún disco extrañísimo, alguna extinta banda de un país lejano y borroso.
Siendo uno un tipo que se dedica a la tan maravillosa como desesperante búsqueda de ese pez enorme y escurridizo llamado “arte” utilizando palabras como anzuelo, quizá debía inclinarme por algún cantautor de versos perfectos y profundos…
Y siendo uruguayo quizá debía rescatar algo de la música de mi país. Pienso en genios como Darnauchans, Mateo, Zitarrosa, Cabrera, tantos otros. Sí, esta idea me seduce. Como reza ese proverbio al que adhiero “que cada cual barra su puerta y así el mundo entero estará limpio”.
Pero de entre tantos y tan grandes músicos y discos que ha dado Uruguay, ¿por qué encapricharme con este, el homónimo primer álbum de El Peyote Asesino?
¿Acaso sus letras son poéticamente brillantes? No, no lo creo (ni me importa). La música es música, y en mi opinión prevalece siempre ante cualquier intento lírico. ¡Por eso se llama música y no poesía, carajo! Más allá de que algunos lograran conjugar ambos mundos, si examino la colección musical que tanto me enorgullece constanto que debido a mis escasos conocimientos de otros idiomas desconozco la mayoría de las letras de las canciones. Y créanme que eso no impide dormir bien.
De cualquier manera la pregunta sigue pendiente: ¿por qué El Peyote Asesino?
Mi respuesta vendrá desde lo afectivo. Porque muchos de los sonidos que nos gustan tienen un gancho emocional que los vincula directamente con nuestra propia historia, con los recuerdos que salen a flote cada vez que le damos al play y revivimos esas épocas que quedaron identificadas con determinada banda sonora personal.
Por eso elijo al Peyote. Porque allá en el lejano 1995 su música llegó a mis oídos gracias a unas pocas radios que la difundían y me fascinó. Porque El Peyote Asesino es un verdadero estampido sónico, furibundo y pontentísimo. Su mixtura de rock, rap, funk, hip-hop y otras yerbas produce un “tuco” que me deja relamiéndome el bigote aún hoy cada vez que lo oigo.
La trayectoria de la banda inicia con este, su disco homónimo, que llegó a vender 1000 copias (¡oh!), todo un record para un medio tan exiguo como el local (de hecho wikipedia indica que fue el album de rock más vendido de Uruguay durante los primeros meses de 1996…). Luego continúa con un video (L. mental) que circuló bastante, fundamentalmente por los canales de música latinos del cable.
El Peyote se mantuvo activo durante los inicios de una especie de “nueva era dorada” del rock uruguayo, si bien la banda se separó sin disfrutarla plenamente. Antes de eso lograron un segundo disco (“Terraja”, 1998), ya firmado como “Peyote Asesino” (sí, quitaron “El”) apadrinados por ese hado mágico de nombre Gustavo Santaolalla, que luego de diversas negociaciones logró ficharlos en Universal.
Más tarde surgieron varias giras por México junto a Molotov, Delinquent Habits y Control Machete, y otros toques en Argentina acompañando a Cypress Hill, Bersuit Vergarabat y Árbol.
El Peyote se separa en 1999 y el vocalista (Fernando Santullo, alias L. Mental, que luego participaría en diversos proyectos como Bajofondo entre otros) forma Kato.
En el 2009 los integrandes del Peyote volvieron a unirse y tocaron en el Pilsen Rock, un evento en el interior del país que provocaba éxodos masivos de jóvenes para ver a las bandas más importantes del momento. Y yo estuve ahí. Cuando la pendejada se retiró de los lugares más próximos al escenario (cual vacacionistas de la primera quincena de enero que vuelven a la ciudad), ahí nos arrimamos los otros, los “ya no tan jóvenes”, los que habíamos ido al toque sólo para ver al Peyote. Y para disfrute de Alfonso y otros miles de fanáticos, toda esa furia, ese poder, ese tuco rabioso de sonidos que era El Peyote revivió de forma inmaculada, como si el tiempo no hubiera pasado. Arrancaron con un impensado cover (Back in black, de AC DC) que nos voló las chapas a todos, y así, casi sin respiro se fueron sucediendo una tras otra todas esas canciones que marcaron para tantos como yo una parte fundamental de nuestras vidas. El Peyote Asesino estuvo ahí. Y yo también. ¿Qué más puedo pedir?

Otros enlaces:
Myspace
Wikipedia

Tracks:

01. El Peyote Asesino - 6:03
02. Chupando La Cuchara - 3:58
03. Wanker - 2:55
04. Todos Muertos - 3:32
05. Satisfaction - 2:37
06. Lyrics - 2:06
07. L. Mental - 3:09
08. H.K. - 3:34
09. Tanta Parla - 4:06
10. Gavilán O Paloma / El Ojo Blindado - 3:03
11. La Concha - 1:30
12. Wanker (Versión Radio) - 2:54

Compresión: CBR 320 Kbps
Tamaño: 98 MB
Pass: somospacifistas
Mi Querido Watson: "L Mental" (Video Oficial)

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Mirror

Jorgelina Aranda - Erótica (1974)

2013-01-17T09:19:00.000-03:00

A veces todo lo planeado sucumbe ante la casualidad y se pasa de "acostarse a las siete, tranqui" a recorrer toda una ciudad de la mano de unos cordiales amigos. Y si hablamos de amigos que se coparon e hicieron cualquier cosa, no podemos dejar de hablar de Jorgelina Aranda y Billy Bond que con los muchachos de La Pesada sacaron esta bizarreada de disco.
Jorgelina Aranda era secretaria en un programa de televisión donde tenía que alcanzar sobres, bailar y mostrar su cuerpo, generoso en sensualidad, esa era su mayor cualidad en el show y le abrió las puertas a algunas participaciones en las picarescas películas de Porcel y Olmedo. También, como Julie London o Carla Bruni, la fama le abrió las puertas de un estudio de grabación y cuando muchos pensaban que era para acometer contra la humanidad de algún rockstar vernáculo, en realidad se plantó frente al micrófono y acompañada de La Pesada le hizo honor al programa que la empleaba: "Si lo sabe cante".
Erótica es un compendio de jadeos, frases en doble sentido y una versión extraña, cuanto menos, de "Je T'aime, Moi Non Plus" en "I Love You". No sé porqué deberían escuchar este disco, pero si sé que si no lo hacen se pierden de pasar un rato entretenidos y hasta divertidos con una pieza musical de los setentas en Argentina donde, claramente, valía todo a la hora de hacer música.

Tracks:

01. Erotiquísima - 4:12
02. Es El Bossanova - 3:00
03. Que Nene Lindo - 3:28
04. Muy Soul - 3:09
05. I Love You - 3:38
06. Pensando En La Hora Del Té - 3:19
07. Tú Sei Sei Tú - 2:46
08. La Lección: Mi Conejito - 2:52

Compresión: CBR 320 Kbps
Tamaño: 61 MB
Pass: somospacifistas
Latin Porn Groove (?): "My Soul" (Sample)

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Mirror

Cecilia Todd - Pajarillo Verde (1974-2004)

2013-01-11T09:14:00.000-03:00

Si todo va bien, para cuando salga este post, deberíamos estar haciendo el chiste "Australia-Estados" Homero Style, pero en la línea ecuatorial. La lejanía no nos amilana y lejos de sacar un post livianito, invitamos a Pelu, que tan bello escribe en su pelusiento blog para que elija un disco y lo escriba un poco. Y vaya si lo hizo. Que lo disfruten.

Existen canciones que se escuchan con la piel. Otras, se ponen a sonar en las periferias de la nariz. Hay de las que recorren la lengua. Y, por supuesto, también están las canciones que se ven. Como una película, como fotos de un álbum, como se ven los recuerdos cuando uno los piensa.

Un pajarillo verde es ya, de por sí, una cosa bastante particular. Suena exótico y simpático. Pero este pájaro atribulado se debate entre la vida y la muerte, entre la libertad y la opresión, entre el entusiasmo y la melancolía, entre la fidelidad y la traición, entre el optimismo y la desdicha. Tan contradictoria es este ave, que no para de cantar verdades en la voz de Cecilia.

Así, vía pájaro, Cecilia nos cuenta mientras canta, con su voz narradora. Que, como la de los mejores narradores, es una voz clara, pacífica, con los silencios justos entre palabra y palabra.
En la voz de Cecilia las canciones se pueden ver.

Será la percepción.
Las dos verdades de Bruno Munari –entre otras tantas, las más célebres quizás-: “uno ve lo que sabe”, pero, casi como una objeción a la primera, “el conocimiento es como una sorpresa: si uno ve lo que ya sabe, no hay sorpresa”.
¿Cómo hace Cecilia para, con sus canciones, serle fiel a las dos premisas?
¿Cómo harán sus canciones para hacernos sentir en casa y, a la vez, hacernos descubrir lugares desconocidos?

La clave está en las historia que nos hace ver, nos canta, Cecilia.
Historias que todos conocemos, que una amiga nos contó, que casi que nos pasan, que casi le pasan a, que creemos que nos contaron que le pasó a alguien que conocemos. Verdades sabidas a medias. Pero que no dejan de ser verdades, quizás porque su verdad pasa también por aceptarse como anecdóticas, a veces inverosímiles, casi siempre incompletas, la mayoría de las veces intrascendentes.
Por eso siempre va a existir un nuevo dato, una nueva forma de ver y escuchar, una palabra que se nos escapa, algo que nos sorprenda y las resignifique. Un pedazo de terreno desconocido que nos recuerde que no se puede entender ni saberlo todo.

El delirante examen de ADN casero que intenta la mamá de La Embarazada del Viento. ¿No les hace pensar en la tragicómica situación de tantas madres solteras, fantaseando eternamente sobre el padre ausente –por omisión, desconocimiento o elección - de sus hijos?

La gran fiesta latinoamericana a la que nos invitan Los Hijos de la Noche. ¿No es la fiesta latinoamericana por excelencia: esa que tiene tanto de alegre como de penosa, la que hace hincapié en “alegrar a los que están tristes y se quieran consolar”, la que suena feliz, pero sin eludir la existencia de la pena?

La fatigadísima mamá tratando de que su bebé se duerma para poder seguir trabajando, mientras le augura un futuro de libertad, del cual ella todavía carece (¿no es eso lo que hacen los buenos padres con sus hijos?) ¿No se transforma, cuando uno los sabe versos de Victor Jara, en la canción de cuna más revolucionaria del mundo?

La sometida Juana siendo incentivada (yo me imagino por una amiga, no sé ustedes) a huir ¿No es igual a tantas Juanas aún sometidas por sus maridos que “las regañan y les pegan sin tener razón” hoy en día?

Hombres que comparan su amor hacia una mujer con la sed y el hambre, con los animales y el fuego, con las olas y las tormentas. ¿No será que –cambie lo que cambie- lo esencial siempre es lo mismo?

Los pescadores trabajando, los trabajadores trabajando, los cabresteros, los que trabajan cantando. ¿No representa una estrategia de las que hubo -y habrá- siempre para soportar largas jornadas laborales?

No por nada, Cecilia es aquella que viene a Buenos Aires a cantar y se lleva toneladas de libros de la calle Corrientes, la que conoció a Eduardo Rovira y tocaba en el almacén San José (dato que los LaPlatenses comprenderán mejor), la que recibió el apoyo de la Gran Mercedes en sus principios, la que es amiga de Rodolfo Mederos (toca el bandoneón en “A tu regreso”, del disco Canciones de Henry Martínez), la que siempre vuelve a visitarnos con sus túnicas naranjas y una gran sonrisa.

Cantadores, cantores de pueblo en pueblo, públicos entusiastas que siguen a todas partes.
Cadáveres en la orilla del mar, miseria y ya no me amás.
Ojos negros, aguaceros, pájaros de todas las especies.
Nube de agua, nube de agua, nube de agua
Mariposa, mariposa, mariposa

Será porque “el cantar, tiene sentido el cantar, tiene sentido entendimiento y razón”. Y el escuchar también.

Tracks:

01- Tonto Malembe - 2:52
02- Pajarillo Verde - 2:37
03- Canto De Ordeño - 2:56
04- Los Hijos De La Noche - 1:53
05- Tonada Del Cabrestero - 2:51
06- Juana - 2:24
07- Polo Margariteño - 5:00
08- La Embarazada Del Viento - 2:11
09- El Currucha - 1:35
10- Cuando Seas Grande - 2:17
11- Juan Jiménez - 2:03
12- Tonadas - 2:24

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Belleza, nene!: "Polo Margariteño" (Sample)

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Cazuza - Burguesia (1989)

2013-01-06T02:11:00.001-03:00

Whatcha got ain't nothin new. This country's hard on people, you can't stop what's coming, it ain't all waiting on you. That's vanity. Lo que es la coherencia. Nos matamos un mes hablando sobre el final de los tiempos, sobre el reinicio del calendario gregoriano, sobre nuestra saga intitulada "Se Lee Final" ¿y no va que nos falta el último disco a postear antes del 31 de diciembre?. Y no es que tengamos alguna excusa, estaba subido, el post escrito en papel, internet andaba un fenómeno, pero no. Que inútiles señor. Aquel viejo papel ya no tiene sentido porque es muy 2013, pero este muchacho amerita una nueva presencia en este espacio y sobre todo el honor de cerrar este mes de las últimas cosas. Sin más preámbulos, regresa junto a nosotros Cazuza. El hombre que condensó en una sola persona, hablando livianamente, a Miguel Abuelo, Luca Prodan y Federico Moura. Y para darle más veracidad a esto, murió casi a la par de estos tres personajes vernáculos.
Ya hemos hablado de él hace poco tiempo. Para los que no lo pudieron ver (?) el resumen sería que Cazuza creció rodeado de artistas, que fundo una banda, que tres discos después se aventuró solo y que era tan prolífico componiendo como talentoso y problemático. Un hombre que disfrutaba la vida; sexo, drogas, alcohol, desvaríos, episodios pintorescos y un triste sino: en 1985 a la par de su disco debut como solista, "Exagerado", el análisis de HIV arrojaba la desazón de un positivo. Esto no frenó la carrera de nuestro personaje: Siguió desafiando los límites de su cuerpo con sustancias y, afortunadamente, con su música. De esta forma llegaba 1.989 con cuatro trabajos en el lomo y la muerte, que desgraciadamente andaba lejos de ser intermitente, tocando el portero eléctrico.
Movilizándose en silla de ruedas, con apenas 40 kilos y la voz notablemente resentida se mete enajenado a grabar el material de "Burguesia". Lo que para unos podría ser un disco a reglamento de 10 canciones, dadas las circunstancias, en Cazuza se transformó en un disco doble de 20 temas dividido en nueve temas de rock y once de música popular brasileña. Como toda antesala de la muerte, es imposible no percibir cierto aire melancólico en la segunda parte del disco y no está mal. Porque equilibra con los primeros nueve tracks rockeros que siguen siendo provocadores, violentos, sexuales como toda su carrera. Y Cazuza estaba contento con el resultado final. Se podría aventurar que fue porque estaban sus admiradores participando (Caetano, Rita Lee, Bebel Gilberto, Herbert Vianna, Paulo Coelho (¡!)) pero quizás la clave es que a pesar de sus imposibilidades físicas, esas veinte canciones reflejaban toda su carrera, la furia y la sutileza. Un cierre acorde para un derrotero musical de diez años en los cuales se había convertido en uno de los músicos más controvertidos y populares de Brasil. El 7 de julio de 1990 su cuerpo dijo basta. Vendría un trabajo póstumo, documentales, tráfico de recitales piratas y repaso de declaraciones, el mismo periodismo que hurgó en sus heridas lo explotaba. Pero lejos de estas mezquindades estaban sus canciones y con ellas, cerramos este año, largo como siglo de Hobsbawm, pero no nos vamos a poner en fanáticos del almanaque tampoco. Buen 2013, aquí estaremos.

Tracks:

01. Burguesia - 5:35
02. Nabucodonosor - 4:21
03. Tudo Amor - 2:46
04. Garota De Bauru - 3:40
05. Eu Agradeço - 3:15
06. Eu Quero Alguém - 2:50
07. Baby Lonest - 2:54
08. Como Já Dizia Djavan - 3:10
09. Perto Do Fogo - 3:44
10. Cobaias De Deus - 3:54
11. Mulher Sem Razão - 3:34
12. Por Quase Um Segundo - 2:55
13. Filho Único - 3:26
14. Preconceito - 3:12
15. Esse Cara - 1:54
16. Azul E Amarelo - 3:05
17. Cartão Postal - 3:24
18. Manhatã - 3:38
19. Bruma - 2:51
20. Quando Eu Estiver Cantando - 3:45

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Burgois: Burguesia (Video Oficial) http://www.youtube.com/watch?v=2X65j73rhIo

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B. B. King - A Christmas Celebration Of Hope (2001)

2012-12-26T21:56:00.003-03:00

I made my family disappear. Que manga de occidentales que somos. Cada 24 de diciembre se traslada el espíritu que emana del cumpleaños de Jebús a la universalidad total: "Hoy es Navidad". Andá a preguntarle a un esquimal si compró sidra, ya que se tiene que fumar la casa de Papá Noel haciendo bulla. Así estamos. La cuestión es que acá hizo una Navidad tremenda; corte de luz, vientos huracanados, calor extremo o frío sin igual y, lo peor de todo, la tragedia del pan dulce seco. Cuando arriba a la mesa, el primer contacto visual deja dudas y no permite un juicio definitivo. Dependiendo la confianza que tengamos con el dueño de casa y proveedor del alimento la cuestión podrá ser velózmente resuelta con un tanteo rápido. Al pan dulce, no al dueño, claro está. Pero si no fuera así, si caímos de convidado de piedra, si aceptamos una invitación cordial de un pariente que nos ensalzó las virtudes del cuñado, entonces no habrá chances, hay que enfrentarse al pan dulce. Él y Nosotros. Aún cuando aparezca el que, con la mejor intención, espeta un "Acá tenés pan dulce, que a vos te gusta". Obligándonos a ser valientes con un movimiento de acercamiento del útil (?), siempre será entre la masa y uno. Cruelmente expuestos, casi desnudos frente a todos, no queda otra opción que esbozar una sonrisa, respirar hondo y tomar la porción más pequeña para no correr riesgos innecesarios como deglutir la mitad y hacerse el otario con el resto. Al primer toque los temores se hicieron carne: Está seco. Una breve oteada a la mesa y las bebidas no fueron repuestas; entonces lo que debía ser un festival de lujuria estomacal, alcoholismos expuestos y comentarios picantes como toda Navidad, se convierte en una dura batalla por caer con la mayor dignidad posible al oprobio del que no compró Valente porque el "panadero de la esquina los hace caseros, todo natural". Es Pan Dulce, viejo. Tiene que ser malo para la salud, tenemos que morir un poco en cada alimento y bebida que haya en la mesa. Para eso es esta fecha. Y que mejor que amenizar el taponamiento de arterias con un poco de musica negra entre tanta blanca Navidad. Por eso, cortito y al pie presentamos el disco navideño de este año desde el trono de B.B. King porque vieron que los navincicos (?) saben mejor si cortamos el blanco y rojo con unos bluezazos.

PD: Este dsco debía salir el 24, pero vieron como es la vida. Así.

Tracks:

01. Please Come Home For Christmas - 4:54
02. Lonesome Christmas - 3:05
03. Back Door Santa - 3:27
04. Christmas In Heaven - 4:50
05. I'll Be Home For Christmas - 3:48
06. To Someone That I Love - 5:02
07. Christmas Celebration - 3:39
08. Merry Christmas, Baby - 3:56
09. Christmas Love - 2:57
10. Blue Decorations - 3:27
11. Christmas Comes But Once A Year - 4:16
12. Bringing In A Brand New Year - 2:42
13. Auld Lang Syne - 2:21

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Venmí para acá: "Please Come Home For Christmas" (Sample)

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Virus - Superficies De Placer (1987)

2012-12-20T14:18:00.000-03:00

La question est de savoir: est-ce qu'on se résigne à être hétérosexuel parce qu'on est pas assez beau, ou bien si on embellirait en devenant homosexuel? Grave question!. Según los datos más optimistas (?) mañana estaría terminando el mundo y nadie sabe de que forma pero las que rankean más alto son megainundación, desastre nuclear o "algo" con el espacio. ¿Gilgamesh morirá? ¿Qué onda con el inmortal y el fin del mundo? ¿Quiere alguien pensar en ellos?. De no extinguirse todo, vendrá una nueva Navidad, un nuevo cambio de año y el mismo hastío un tiempo más. En este contexto tan trágico, nosotros continuamos generando clima de epílogo con esta saga decembrina de "Se lee Final" homenajeando a lo los músicos caídos en cumplimiento del deber o las bandas que un día dijeron basta. Hoy abrimos un nuevo criterio puesto que una de las condiciones necesaria para ser homenajeados (Un muerto) no fue suficiente para determinar el fin de la agrupación, pero considero que no fue lo mismo y el peso de esta figura caída en desgracia marcó un antes y un después en la continuidad espacio/temporal (?) de su sonido. Estamos hablando, ya lo saben porque leyeron el título y porque está relacionada la fecha del apocalipsis con el aniversario de su muerte, de Virus, Federico Moura y su principio del fin, que técnicamente ya lo es en su totalidad. Uno está terminado cuando empieza a terminar, no cuando termina de terminar. Terminala.
Mis coterráneos de Virus habían capeado la década de 1980 entre la censura, la innovación y el prejuicio. A tal punto que durante años circuló aquella anécdota de Luca Prodan diciendo en el escenario "Quisiéramos tocar más temas, pero ahora vienen los putos de Virus". Algunas versiones, seguramente surgidas de los virusistas más acérrimos, la completaban con que Federico Moura lo había ido a buscar a Luca para comentarle cuantos pares son tres botas. Lo cierto es que esto nunca sucedió, por ende tampoco la consecuente reacción, pero el hecho de haber circulado como cierto nos muestra a las claras ~~no, se baten las claras~~ que el mote estaba y era considerado así por supuestas voces autorizadas para decir que es de puto y que no, y más tristemente considerar que hay cosas de puto, así estamos (?). Mal que les pese a estos profetas del odio, Virus tenía una serie de discos de gran factura y la topfiveaba toda entre las bandas líderes de la renovación rockera argentina al lado de nombres como Sumo, Los Abuelos De La Nada, Los Redondos o Soda Stereo (ahijados de los platenses). Enarbolando las banderas de la New Wave, habían cambiado sutilmente su búsqueda sonora con el genial "Locura" en el cual dejaban el synth-rock más acelerado para embarcarse en las brumosas aguas de atmósferas espesas y pausadas hijas del pop bueno (?). Al éxito de 1985 le siguió un año de giras exhaustivas y tras ello, ya en 1987, se fueron a Brasil a grabar el nuevo disco, descansar un poco y desenchufarse.
Río de Janeiro fue el lugar elegido y allí estaban. No recuerdo donde lo leí o vi pero de seguro no se me ocurrió a mí, alguien dijo algo así como "Hay palabras que no quiero que estén cerca mío nunca" y daba una lista entre las que recuerdo Cáncer. Bien... SIDA sería una de esas palabras. Una enfermedad totalmente turra que se aprovecha del momento de mayor vulnerabilidad de una persona para atacar. Ladina. En los 80s, poco se sabía de ella pero empezaban las primeras víctimas y entre ellas músicos como... Federico Moura que recibía en Brasil la peor noticia de todas. Un papel que dice que te vas a morir. Así, lo que debía ser una grabación distendida con el colchón del éxito como soporte, se transformó en un garrón inasible. Pese a todo, se decidió continuar con la elaboración del trabajo, polémico como siempre, aunque ahora el bardo fue con el culo de la tapa. "Superficies de Placer" fue el nombre elegido y profundiza la senda sonora iniciada en "Locura", añadiéndole un grado de sensualidad, si sen-sua-li-dad, inaguantable, como si todo fuera un gran cachondeo, si bien la banda siempre tuvo una carga sexual importante en sus letras, en este disco se vuelve todo alrededor del placer y sus consecuencias: La lujuria, la culpa, el amor, el desengaño, el punto máximo y el fondo del mar, con versos como el de "Mirada Speed" (Me balanceo hasta acabar / Junto a esta mágica / adolescente sin edad) o la canción que da nombre al disco: "Toda mi pasión se elevará / viéndote actuar / tan sugerente / lejos de sufrir mi soledad / uso mi flash / capto impresiones". Toda esta líbido literaria se encama (?) con sonidos y sensaciones intimistas proveniente de las guitarras acústicas y la percusión que por momentos le guiña el ojo al país de Lula. Solo "Polvos De Una Relación" abandona un poco la tónica, pero hasta ahí. Todo ello con la asistencia perfecta de los sintetizadores encargados de atenuar las luces y prender la máquina de humo y la voz de F. Moura que suena tan bien con esa banda. El resultado final es, pese a los puntos altos que cada uno elija en el disco, una serie de canciones perfectas; a ninguna le falta ni le sobra nada, la sensación de un average altísimo después de cada pasada completa no cesa. Teclados, guitarra, percusión, bajo... todos tienen su lugar y fluyen naturalmente haciéndonos más fácil, como escuchas, sumergirnos en ese estado que los Pink Floyd llamaron con gran tino, "Comfortably Numb"... esa es la sensación al escuchar este disco. Y quizás también eso sea lo que se siente al recibir el voucher para un viaje con Caronte a través del Río Éstige.
Un 21 de Diciembre de ~~1989~~ 1988, si las matemáticas no han cambiado mañana se cumplen 23 24 años, moría Federico Moura sin poder participar de las grabaciones de "Tierra Del Fuego" y llevándose consigo una porción importante de la banda que recién en estos años logró reacomodarse en la escena nacional, pero eso, eso mis queridos compañeros, es otra historia, como la del pibe que se tragó una semilla de mandarina y nunca le pasó nada.

Tracks:

01. Mirada Speed - 3:57
02. Danza Narcótica - 3:58
03. Ausencia - 3:45
04. Rumbos Secretos - 3:24
05. Epocalipsis - 3:47
06. Polvos De Una Relación - 3:38
07. Encuentro En El Río - 5:05
08. Amores Perpetuos - 4:27
09. Superficies De Placer - 4:27
10. Transeúnte Sin Identidad - 5:04
11. Impulsos aleatorios - 3:12

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Sui Generis - Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones (1974)

2012-12-17T19:28:00.001-03:00

A relationship, I think, is like a shark. You know? It has to constantly move forward or it dies. And I think what we got on our hands is a dead shark. Segundas partes nunca fueron buenas, reza un viejo adagio y curioso porque "reza un viejo adagio" ya es un viejo adagio, el lenguaje es una cosa de locos. Pero decíamos que tal vez tenga razón el bueno de Alvy cuando reflexiona sobre su histérica relación con Annie, las cosas cuando se terminan, se terminan y a darle para adelante. Que es eso de andar reciclando viejas pasiones, antiguas sensaciones que ya fueron cubiertas por las arenas del tiempo. Peor aún, pintarse de sepia y tratar de ser convincente desde un pasado que ya no existe. Por todo lo antes expuesto, continuamos con esta saga de diciembre: "Se Lee Final" en la cual repasamos con criterio difuso los últimos trabajos de diversos artistas. Y si hablamos de tipos que desde su más tierna juventud se juntaron como dúo folk y se separaron como cuarteto electrificado, que se unieron en segundas nupcias (?) no muchos años atrás pero que dejaron su mejor imagen en aquel primer amor musical de los setentas, tenemos que hablar de Charly y Nito, de Sui Generis y de su último trabajo en estudio.
Sui Generis aparece en las mentes de dos compañeros de secundaria como banda más eléctrica, rockera y psicodélica que la que finalmente aconteció. Con la escena británica retumbando en los oídos de ambos esto no era extraño, pero vieron como son estas cosas, que un día te ponés a zapar, que las épocas, que la sensibilidad y que un par de tipos se te alejan y terminás teniendo un dúo folk, sensible y acústico. Tocaban en los mismos garitos que el resto del circuito rockero y a decir de León Gieco, se hacían los sotas cuando los llamaban a tocar entre las primeras bandas para asegurarse el cierre de la rotation de artistas y así dar su espectáculo ante mayor cantidad de gente, triquiñuela urdida por Carlos García. Llega la participación forzada en "Hasta que se ponga el sol" y de allí al estudio a grabar su primer trabajo, "Vida". Con la colaboración de los ex Manal Medina y Gabis y el violín de Pinchevsky como compañía del dúo, no tardaron en darse cuenta que, sobre todo en García, ahí había talento. Un año después, consolidados desde el rock acústico sacan el elegante "Confesiones de Invierno" y explota la popular (?) el disco se vendió por todos lados y Sui Generis pasó a ser LA banda de rock. Además de aportar temas sensibles para fogonoes ad eternum y que algún ser despreciable capaz de semejante bajeza los use para seducir una chica. O tal vez no tan bajo, a fin de cuentas es un uso muy noble para el arte sonoro. Contradicciones. Finalmente llegaría 1974, un nuevo disco y el inquieto Charly García quiere desprenderse de a poco del "acústico" que los etiquetaba y virar hacia un nuevo sonido más electrificado. Allá vamos.
Polémico disco fue ~~Instituciones~~ "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones. Recortado, mutado, negociado hasta en su título, expuso los primeros signos de cansancio del dúo con todo: Entre ellos, con su música, con las ideas a futuro, con el exterior. Hagamos una consideración: Estos dos muchachos tenían apenas 22 años y ya iban por su tercer disco, precocidad en estado puro. Sigamos. Con la incorporación de Rinaldo Rafanelli en bajo y Juan Rodríguez en batería y el aporte de David Lebon, Omar Moro, Cutaia y León Gieco, la, ahora populosa, banda, se metió a registrar el trabajo con la incorporación de sintetizadores, clavicordios y un Hammond, la mutación estaba comenzando. El resultado fue un disco decepcionante para el fan medio de Sui Generis que no se acostumbró a ver enchufes saliendo de los instrumentos, también lo fue de alguna manera para Nito Mestre, que en este nuevo formato perdía algo de protagonismo; el que sí estaba chocho (?) era Charly García, que era el impulsor de estos cambios y ya mostraba un embrionario viraje hacia el rock progresivo que cristalizaría en La Máquina De Hacer Pájaros. La fortaleza del disco estuvo en sus letras, una fuerte crítica a la sociedad y sobre todo a la violencia institucional que se vivía por aquellos días en el país desde todos los frentes posibles, pero semejante esfuerzo en defender el disco de las garras censuradoras y diferencias puramente musicales ya habían socavado las estructuras de Sui Generis, pese a lo cual intentaron en 1975 grabar un nuevo disco.
"Há Sido" se iba a llamar y hubiera sido puramente instrumental de haber visto la luz, pero nunca sucedió. De "Pequeñas Anécdotas..." habían quedado algunas discrepancias caprichosas: Mientras que a Charly le gustaba como quedaba "Tango en Segunda" en reemplazo de "Juan Represión", Nito consideraba que el cambio le sacaba gracia al disco. Las giras se habían vuelto aburridas para ambos y ya casi no se veían ni para ensayar. Si, en este papel, escrito con barro se lee Final. Pero no fue una despedida así nomás, no. De la mano de Jorge Alvarez, aunque Charly dice que fue idea suya tras inspirarse en "Goodbye Cream", se tiraron a hacer dos recitales en el Luna Park en los cuales metieron 30.000 personas, tocaron viejos temas y sus proyectos futuros, el recital fue registrado en un disco doble (años después triple) y en formato fílmico. Era la despedida ideal para una de las bandas más importantes del rock nacional. En el nuevo milenio se volvieron a encontrar, se amigaron, charlaron, tocaron y hasta sacaron un nuevo disco, pero eso ya es otra historia, casi tanto que es la de Charly y Nito más no la de Sui Generis, como la del pibe que lo procrastinaban una y otra vez, pero insistía por aquello del viejo adagio.

Tracks:

01. Instituciones - 4:53
02. Tango En Segunda - 3:32
03. El Show De Los Muertos - 6:04
04. Las Increíbles Aventuras Del Sr. Tijeras - 5:53
05. Pequeñas Delicias De La Vida Conyugal - 3:43
06. El Tuerto Y Los Ciegos - 2:04
07. Música De Fondo Para Cualquier Fiesta Animada - 4:35
08. Tema De Natalio - 6:07
09. Para Quién Canto Yo Entonces - 3:43
10. Juan Represión - 3:29
11. Botas Locas - 4:54

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La mirada del Adiós: "Adiós Sui Generis" (Recital Completo)

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The United States Of America - The United States Of America (1968) [2004 Edition]

2012-12-12T22:59:00.000-03:00

There are things about you that I like. You're smart, you're funny, you're... spectacular in bed... But you're intolerable! You have very serious emotional problems. De una de mis tres incursiones universitarias había quedado un grupo de amigos, con uno de ellos en particular había compartido también trabajo, así que eramos best friends 4ever (?) y salíamos, nos emborrachábamos y tratábamos de ligar (?) alguna chica... juventud, divino tesoro. Un año después de cambiar de carrera ya casi no nos veíamos, cuatro años después apenas si nos saludábamos para los cumpleaños y hoy que ya pasaron diez años no compartimos ni una red social, su teléfono solo lo tengo agendado para no atenderlo y la idea de tener una charla de esas en que la palabra "Bien" se repite 15 veces, me cansa de antemano. "¿Todo bien? Bien, bien ¿Vos? Bien, acá, tirando ¿Pero tus cosas bien? seguís con... No, no, hace tres años que no, pero bien, que se yo". Y si hablamos de gente que compartió años universitarios, que fueron carne y uña, que se congregaron para cantarle las cuarenta al mundo, pero que tras hacerlo se distanciaron al punto que hoy en día no se hablan entre ellos y cuando pueden reafirman las pocas ganas de hacerlo, tenemos que contarles la historia de "The United States Of America" con su primer, y último, disco en esta saga de diciembre titulada "Se Lee Final".
Habían transcurrido tres años de la movida década del sesenta cuando Joseph Byrd y su compañero Michael Agnello conocen a Dorothy Moskowitz, una joven recién llegada de New York que escribía pequeñas piezas musicales para teatro, y palabras más, palabras menos le proponían formar una banda en la cual plasmar el interés que el trío tenía en la etnomúsica, sobre todo de la India, y la avant-garde. En esos pasillos estudiantiles encontrarían al percusionista Craig Woodson, que se había especializado en el estudio de los ritmos africanos, el bajista Rand Forbes y el violinista Gordon Marron. Antes que la banda estuviera consolidada se alejó Agnello por diferencias con Byrd y había tenido lugar el romance entre Joseph y Dorothy. El primer nombre de la formación fue "United States" en alusión a las vertientes sonoras que los conformaban, después, como querían ser provocadores al mango le agregaron el "Of America" más impactante. David Rubinson, un joven productor, los tomó bajo su ala y llegamos a finales de 1967 donde se proponen grabar su primer disco, tras presentar un EP con "No Love to Give" y "Osamu's Birthday".
Como muchos primeros registros, el trabajo llevó el mismo nombre que la banda, porque el marketing es así, una cosa de locos. Con Joseph Byrd al frente de los designios creativos, aunque Moskowitz le completaba algunas letras, la propuesta era hacer un disco incómodo en el cual se reflejaran el verano del amor, las revueltas en distintas partes del globo, el ojo crítico de la juventud sobre sus mayores y la experimentación de todo tipo. Esta mélange los llevó a constituir un disco seminal en la historia de la electrónica al servicio del rock and roll y la psicodelia, poniéndolos a la par de bandas como Velvet Underground en cuanto a su faceta experimental y de los Jefferson Airplane por el rock psicodélico y las similitudes vocales de Grace Slick y Dorothy Moskowitz. Desprovistos de guitarras, los USOA construyeron su sonido a partir del bajo de Forbes y el violín eléctrico de ~~entrega el~~ Marron, completado con el calíope, sintetizadores, piano y teclados que aportaban Byrd y el invitado Ed Bogan, el ring modulator que le da un toque tan distintivo y finalmente la percusión. La primera nota de esto es que la mayor novedad del disco está en la incorporación de toda esa electrónica al servicio de un rock and roll muy guitarrero como el de aquellos años, a la vez prescindir de ese instrumento, claro y aún así seguir siendo un disco muy rockero que abre con la saryentpeperiana "The American Metaphysical Circus" que es psicodelia, que es surrealista, que es crítica, que tiene referencias a Herman Hesse y a una Dorothy distorsionada hasta casi lograr aterrarnos si nos pasamos de sustancia. Una muestra de autoridad de la banda. El segundo momento Beatle viene con "Stranded In Time", también en clave crítica. Este discurso toma ribetes políticos con "Love Song For The Dead Ché" en honor a Ernesto Guevara y la ciclotímica "The American Way Of Love" dividida en tres actos que cierra con un collage de todos los temas del disco. Y es quizás una buena referencia para explicar este material, puesto que en sus diez canciones se escucha un compendio de recursos que por momentos pueden parecer caóticos en su ubicación pero que tomando distancia y viendo la pintura completa se ensamblan para formar un trabajo redondísimo y único en su época, con una belleza de 1-2 conformado por la pastoral "Cloud Song y la genial "The Garden Of Earthly Delights". En 2004 saldría esta edición con bonus tracks compuestos por los dos temas del EP previo y ocho viejas/nuevas versiones descartadas con un sonido mucho más folk que el que viera la luz.
Un año después de la aparición en las disquerías, la banda estaba disuelta. Un ~~Brillante sobre el~~ mix de cuestiones que incluyeron: El robo de instrumentos, las bajas ventas del disco, la detención de tres miembros de la banda por tenencia de Marihuana dejando a Dorothy y Joseph solos para subir a escena (dijo uno en alguna entrevista en un acto de buchonismo tremendo) piñas entre Marron y Byrd antes de salir a tocar, la soltada de mano de Columbia y el ego del líder de una banda que finalmente nunca se consolidó como tal. Hoy solo quedan algunas acusaciones cruzadas y un derrotero bizarro de sus miembros que refleja como la mayoría de ellos estaba mucho más cerca de las academias que de los escenarios:

Joseph Byrd: Sacó una serie de discos más con poco éxito, enseña música en North Caroline y aprovecha micrófono que tenga a mano para ningunear a Frank Zappa (¡!).

Dorothy Moskowitz: Se casó y es madre de dos crías (?). Escribió música para obras de teatro infantiles y hoy se dedica a la docencia.

Gordon Marron: Se fue a Hawaii y hace música Kauai para casorios.

Craig Woodson: Enseña percusión en Cleveland y desarrolló un proyecto educacional musical para las escuelas americanas.

Ed Bogas: Compuso soundtracks para Garfield, la película "Fritz The Cat" y otros shows televisivos.

Rand Forbes: Tiene una compañía de desarrollo de software y toca el bajo ocasionalmente en Southern California.

Esto fue "The United States Of America", un grupo de gente que compartió un par de temporadas, sacó un disco que se valoró mucho tiempo después de su salida pero que hoy es un "Must Listen" de la escena rockera.

Tracks:

01. The American Metaphysical Circus - 4:57
02. Hard Coming Love - 4:41
03. Cloud Song - 3:21
04. The Garden Of Earthly Delights - 2:39
05. I Won't Leave My Wooden Wife For You, Sugar - 3:56
06. Where Is Yesterday - 3:08
07. Coming Down - 2:37
08. Love Song For The Dead Ché - 3:28
09. Stranded In Time - 1:49
10. The American Way Of Love - 6:41
Part I: Metaphor For An Older Man
Part II: California Good Time Music
Part III: Love Is All

Bonus Tracks 2004 Edition:

11. Osamu's Birthday - 3:00
12. No Love to Give - 2:38
13. I Won't Leave My Wooden Wife For You, Sugar (Previously Unissued) - 3:47
14. You Can Never Come Down (Previously Unissued) - 2:33
15. Perry Pier (Previously Unissued) - 2:38
16. Tailor Man (Previously Unissued) - 3:08
17. Do You Follow Me (Previously Unissued) - 2:36
18. The American Metaphysical Circus (Previously Unissued) - 4:03
19. Mouse (The Garden of Earthly Delights) (Previously Unissued) - 2:40
20. Heresy (Coming Down) (Previously Unissued) - 2:32

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Vince Collins Style: "The American Metaphysical Circus" (Crazy Vidio)

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