Tras 18 años en la NASA, nueve viajes al espacio y un paseo por la luna en la misión “Apolo XII”, que sucedió el gran éxito de Neil Armstrong, Buzz Aldrin y Michael Collins en 1969, Alan Bean, que fue a la luna en la siguiente misión, decidió presentar su renuncia para dedicarse a pintar la experiencia de estar fuera de la Tierra.

Veintiocho años después, coincidiendo con los actos conmemorativos del 40 aniversario de la llegada del hombre a la luna, Bean se ha reservado un pequeño pero transitado espacio en el Museo del Aire y el Espacio de Washington.

Bajo el título “Pintando el Apolo: primer artista en otro mundo”, el museo expone 43 de los cuadros en los que este astronauta de 77 años homenajea a otras grandes figuras del espacio, o recrea la sensación de ver la tierra a 383.000 kilómetros de distancia.

“Cuando pisé la luna aún no tenía alma de artista. Poco a poco, he ido aprendiendo que los artistas pueden pintar cosas que nunca sucedieron en realidad, o que serían imposibles”, explicó Bean a los periodistas que acudieron a la inauguración de su exposición.

A lo largo de tres décadas, el cielo de sus cuadros se fue volviendo cada vez más azul, y sus lienzos se fueron llenando de pisadas de botas, trocitos de su propio traje espacial, y motas de polvo lunar que quedaron impregnadas en el tejido.

Con la idea de que sus pinturas transmitieran “una sensación lunar, y no terrestre”, Bean utilizó el martillo lunar y las botas espaciales para crear texturas que recuerdan a los cráteres del satélite, con los acrílicos como apoyo y el impresionismo como referencia.

Pero lo que realmente preocupaba a Bean era cómo contar las historias, tanto las que compartió a bordo del Apolo XII como las que soñó con vivir.

“Puedes contar las cosas exactamente como fueron, o pintar historias que significan algo para ti”, afirmó.

Por eso, su cuadro predilecto, el que más le costó donar a la colección del museo, se recrea en un imposible: el de que los tres miembros de la misión espacial pisen al mismo tiempo la luna.

“Yo era el novato en el Apolo XII”, recordó. “El comandante Dick Gordon tenía mucha más experiencia, y aún así yo fui el elegido para pisar la luna. Su momento iba a llegar con el Apolo 18, pero nunca llegó a despegar. Quise darle una oportunidad a través del arte”, explicó.

Esa es la clave en todos los homenajes que Bean hace de sus compañeros, como en el que muestra a Al Shepard, astronauta del Apolo 14, jugando al golf sobre la superficie del satélite; “algo complicado, porque los cables del traje apenas te dejaban moverte”.

El deporte también inspiró el autorretrato de un atlético Bean lanzando una pelota de fútbol americano a su compañero. “Si lo hubiéramos conseguido, esto estaría cada año en el intermedio de la Superbowl”, bromeó.

La paleta sirve además al artista para convertir fracasos en victorias, como en “La fabulosa foto que nunca tomamos”, donde Bean y el comandante Pete Conrad alzan los brazos en señal de victoria ante un gigantesco prototipo de cámara espacial.

“Mientras en Houston creían que estábamos haciendo algo de provecho, intentábamos tomar las imágenes más espectaculares de la historia. Hasta que se me cayó el autodisparador y todo se fue al traste”, recordó.

La mayor muestra hasta la fecha de este artista que ocupó portadas en las revistas Life y Time permanecerá hasta enero de 2010 en el museo, uno de los más visitados del mundo.

Quizá no sea la última exposición, ya que, a sus 77 años, Bean se ha planteado una nueva misión: completar entre 200 y 250 pinturas en su vida. Por ahora, ya lleva 162. EFE

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21 de los 48 monumentos de L’Aquila dañados por el terremoto que el pasado 6 de abril destruyó parte de esta ciudad y que han sido incluidos en una lista por el Gobierno italiano, ya han sido “adoptados” para su restauración.

Varios gobiernos, entre ellos el español, así como regiones y ciudades italianas, bancos e instituciones han decidido encargarse de la reconstrucción de estos edificios y la última en hacerse cargo de uno de ellos ha sido la esposa del presidente de los Estados Unidos, Michelle Obama, que ha elegido la iglesia de Santa María Paganica, según publica hoy el diario italiano “Il Messaggero”.

Este templo necesita unos trabajos de restauración que se prolongarán durante cuatro años y que costarán unos cuatro millones y medio de dólares, precisa el matutino romano.

España correrá con los gastos de la restauración de la “Fortaleza Española”, una fortificación construida en el siglo XVI por el virrey de Nápoles Pedro Álvarez de Toledo, tras una revuelta de los habitantes de L’Aquila contra los dominadores españoles.

Es uno de los monumentos más caros, ya que en su reconstrucción se invertirán unos 50 millones de euros.

Francia ha elegido la barroca iglesia de Santa María del Sufragio, cuyo coste será de algo más de seis millones de euros, mientras que Rusia invertirá tres millones y medio en el Palacio Ardinghelli y otros cuatro en la iglesia de San Gregorio Magno.

Otras tres naciones, Alemania, Japón y Australia, restaurarán la iglesia de la localidad de Onna, el templo de San Agustín de L’Aquila (6 millones) y el Oratorio de San Antonio, también de la capital de Los Abruzos (un millón), respectivamente.

Entre los donantes destacan también el banco Monte dei Paschi de Siena (que reconstruirá la iglesia de San Bernardino, donde están las reliquias de este santo) y la caja de ahorros Cassa di Risparmio dell’Aquila.

La región del Veneto, el ayuntamiento de Trieste, la asociación italiana Caballeros del Trabajo, la asociación Fondo Mundial para los Monumentos y la Asociación de Anticuarios Italianos también participarán en la restauración de monumentos.

Sin embargo, todavía quedan 27 monumentos por “adoptar”, entre los que destacan algunos de los más representativos de L’Aquila y de los que más importancia histórico-artística tienen: el complejo monumental de San Bernardino, el Palacio de la Prefectura, la Biblioteca Provincial, el Arzobispado y la catedral. EFE

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Los Duques de Soria inauguraron ayer la exposición “Artistas de la época informalista en España en la colección Circa XX“, una muestra de la colección de Pilar Citoler que recoge el paso de lo figurativo a la abstracción en los pintores españoles de mediados del siglo XX.

La exposición, que estará abierta hasta el 31 de julio en el centro cultural Palacio de la Audiencia de Soria, se ha fraguado merced a las relaciones de Citoler, presidenta del patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, con los Duques de Soria y la petición realizada por el pintor Luis Gordillo para organizar una muestra que sirviese para conmemorar el XX aniversario de la Fundación Duques de Soria.

Citoler ha manifestado a los periodistas que el interés de la exposición está en los 35 cuadros que conforman el conjunto, entre ellos de pintores de “primera fila” cuyas obras permiten entender un momento de la historia del arte español de las décadas de 1950 y 1960, en las que se fraguó la transformación del arte, desde los movimientos más academicistas y figurativos a un momento de renovación y descubrimiento de la nueva plástica.

“Es el momento del informalismo, en el que los pintores españoles se fijan en lo que está pasando en el resto de Europa y en América, con el expresionismo abstracto, y saben coger lo mejor de cada escuela”, ha explicado.

Citoler ha ido reuniendo los cuadros de la colección desde hace cerca de cuarenta años a base de disciplina, interés y amor, según ha recordado, “porque cuando persigues algo con mucha fuerza y pasión es posible que lleguen a conseguir esa meta”.

La exposición reúne obras de veintidós artistas españoles, entre ellos de Joan Miró, de algunos de los artistas del “Equipo 57″, así como de Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura y Pablo Serrano, además de creadores como José Caballero, Eduardo Chillida, Antoni Clavé, Josep Guinovart y José María Navascués, entre otros.

La década de 1950 está considerada como fundamental para el desarrollo del arte español, debido a que fue un momento de agitación en las artes plásticas que dio lugar a la formación de grupos artísticos y a la proyección internacional de importantes figuras aisladas. EFE

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Titulada “Ángeles de la Anarquía”, la exposición parte del hecho de que si bien el movimiento surrealista de André Breton fue rompedor en muchas cosas, no ocurrió así en su “política de género”, pues siguió “atrapado en una posición heterosexual, a veces homófoba y sobre todo patriarcal”.

Según la comisaria de la exposición, Patricia Allmer, los surrealistas veían a las mujeres como “musas, mujeres-niñas, vírgenes, muñecas y objetos eróticos”, pero en ningún caso como iguales.

Es muy significativa, por ejemplo, la ausencia de mujeres en la primera serie de debates surrealistas dedicados a investigar la sexualidad, en los primeros meses de 1928, aparte de una misteriosa figura sin identificar aunque en la segunda sesión hubo ya algunas.

Sólo a partir de los años treinta, el movimiento surrealista comenzó a incluir a mujeres, y en 1943 Peggy Guggenheim montó en su galería “Art of This Century” una exposición de treinta mujeres surrealistas, entre ellas Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Meret Oppenheimer y Leonora Carrington.

Según explicó a EFE Allmer, especialista en surrealismo y autora de un libro de próxima publicación dedicado a René Magritte, “Ángeles de la Anarquía” incluirá, junto a esas artistas de renombre internacional, otras de distintas nacionalidades mucho menos conocidas, como Emilia Medková, Jane Graverol, Mimi Parent, Kay Sage o Francesca Woodman.

La exposición, señala Allmer, explorará como las surrealistas emplearon estrategias destinadas a desarticular posiciones ideológicas arraigadas en “el mito del artista” como creador “varón” y además “blanco”.

Es verdad que muchas de esas mujeres son musas icónicas del siglo XX, dice Allmer, que cita como la más conocida de todas a Dora Maar, quien aparece de una forma u otra en muchos retratos de Picasso, o Lee Miller, modelo de algunas de las fotografías más eróticas de Man Ray, a quien parecía fascinar especialmente su torso.

Pero no se limitan al papel de musas sino que vuelven como destacadas artistas, señala Allmer, quien pone como ejemplo a Miller, “cuya destrucción de su imagen de musa y modelo en sus fotografías es tanto más potente por cuanto alude a las representaciones esculturales” de su persona en las fotografías de Ray o en las páginas de la revista “Vogue”.

La comisario cita como otro ejemplo el retrato fotográfico que Lola Álvarez Bravo hizo de Frida Kahlo y que cuenta “una historia muy distinta de la mujer sufridora que conocemos, presentándola como una mujer independiente y segura de sí misma”.

La exposición, que podrá visitarse del 26 de septiembre al 10 de enero, se divide en- retrato y autorretrato, paisaje, interior y fantasía-, que no están ahí para confirmar las categorías tradicionales de género, explica Allmer, según la cual las obras incluidas en ellas “subvierten desde dentro y revientan esas mismas categorías”.

Así, por ejemplo, Lee Miller trastoca la perspectiva tradicional renacentista en la fotografía significativamente titulada “Retrato de Espacio”, donde la ventana rectangular del tratadista Leon Battista Alberti es sustituida por una lágrima en una red que se abre a un paisaje exterior, lágrima que parece por su forma “una vagina”.

Las surrealistas subvierten asimismo los interiores domésticos asociados con la mujer tradicional y los convierten en espacios laberínticos o de pesadilla, como ocurre en obras como “Eine Kleine Nachtmusik“, de Dorothea Tanning, “Autorretrato“, de Leonora Carrington o “Insomnia“, de Remedios Varo.

Y lo mismo ocurre con los bodegones, que tradicionalmente en la pintura representan algo así como el inventario de los bienes propiedad del varón burgués, entre los cuales se incluye también a la mujer, algo que exploraron críticamente artistas como Meret Oppenheimer, Frida Kahlo y Lee Miller, entre otras. EFE

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La colección de 2.140 piezas, que incluye 96 pinturas del “enfant terrible” del surrealismo, así como numerosos aguafuertes y dibujos, abandonará las actuales instalaciones del Museo Dalí de St. Petersbug, en la costa oeste de Florida, un edificio muy expuesto a la acción de la naturaleza.

La excepcionalidad de este nuevo museo radica en ser una construcción con muros de 45 centímetros de espesor diseñada para resistir el impacto de huracanes de categoría cinco con vientos de hasta 265 kilómetros por hora.

Su estructura externa y diseño interior evoca elementos muy característicos de Dalí (1904-1989), como son “lo racional y apolíneo junto con lo irracional, dionisíaco y fantástico”, explicó a Efe el director del museo, Charles Henri Hine.

Henri destacó que la obra del pintor ampurdanés contará por fin con el marco que se merece en el nuevo museo, cuya construcción tendrá un coste de 35 millones de dólares y, si se cumplen los plazos previstos, se inaugurará el 11 de enero de 2011.

Uno de los grandes aciertos de esta colección es que recoge, como ninguna otra, las “sucesivas épocas” que componen la trayectoria artística del pintor más febril y creativo del grupo surrealista.

Sus fervientes admiradores pueden deleitarse con el artista joven, “clásico, casi impresionista”, además del pintor surrealista o el creador del “misticismo atómico”, explicó el director del Museo Dalí.

“No hay duda de que en su período surrealista Dalí creó algunas de las obras más importantes del siglo XX, pero el fondo de nuestro museo saca a la luz la importancia de los últimos períodos también”, precisó Henri.

Lúdico, con una voluntad de provocación permanente, el Dalí que celebra esta colección, sin dejar de ser ése, es el artista de los guiños clásicos, “a la manera de Velázquez”, “de tono histórico”, que se contemplan por ejemplo en “El descubrimiento de América por Cristóbal Colón” (1958/1959), destacó.

O el Dalí menos conocido que practica la estética del “misticismo atómico”, a finales de los 50, concepto que nos pone frente a un artista obsesionado con la ciencia y física contemporánea y la omnipotencia infinita de Dios.

Esta obsesión del pintor catalán por las ecuaciones matemáticas y la ciencia la recoge con “dalianiana” precisión el renombrado arquitecto Yann Weymouth, responsable del diseño del nuevo museo.

Para ello, Weymouth ha dispuesto en el vestíbulo abierto del museo una sorprendente escalera helicoidal, ascendente, síntesis de la molécula de ADN, en la que Dalí creyó reconocer la presencia del Creador.

“La escalera es la perfecta secuencia y expresión de la ascensión al cielo”, aseguró con entusiasmo Henri, quien se siente especialmente orgulloso de la última adquisición del museo: el cuadro titulado “Gala contemplando el Mediterráneo que, a una distancia de veinte metros, se transforma en el retrato de Abraham Lincoln” (1976).

Y volvemos con esta obra a encontrarnos con una constante en el quehacer artístico de Dalí: la afición del pintor por las imágenes doble, triples y múltiples, su gusto por la fotografía instantánea, “en colores”, “hecha a mano”, como él mismo dijo en una ocasión.

Henri despliega sobre la mesa láminas, fichas, cuadernillos donde se aprecia lo ambicioso del proyecto, ya en marcha (la construcción del nuevo museo comenzó en diciembre pasado), y el gran impacto cultural y económico que tendrá en el estado.

El museo, que recibe actualmente cerca de 200.000 visitantes al año y genera 60 millones de dólares a la economía local, podría duplicar esas cantidades.

Pero Henri pone una nota de inquietud: el nuevo museo necesita recaudar nueve millones de dólares para completar los 35 que cuesta su construcción, una diferencia que confía en que pueda ser cubierta mediante diversas donaciones.

El nuevo emplazamiento del museo estará muy cerca del actual, apenas unas pocas manzanas más al norte, en la misma agradable zona de la bahía de Tampa.

Así que es mucho lo que ofrecen estas nuevas instalaciones al visitante: más de 6.000 metros cuadrados distribuidos en tres pisos (la obra de Dalí se exhibe en el tercero), una cafetería, una sala de cine, una librería y archivo y un jardín “diseñado de forma matemática, con numeración de secuencias”.

O sea, un museo bello, quizá tan bello como el “encuentro fortuito de un paraguas y de una máquina de coser sobre una mesa de disección”, la manifestación perfecta de la belleza para el conde de Lautréamont. EFE

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Un millar de cartas forman el epistolario completo de Joaquín Sorolla, un legado que ha sido reunido por primera vez en tres volúmenes que revelan la faceta literaria del pintor y que aportan nuevas claves para la comprensión y el estudio de su obra pictórica.

“Descubrimos su obra pictórica, porque va contando las circunstancias de cada cuadro, cómo va progresando su obra y qué camino debe seguir”, explicó a la agencia Efe Víctor Lorente Sorolla, nieto del artista y editor de dos de los tres tomos presentados el viernes en el Museo del Prado, que acoge la exposición antológica “Joaquín Sorolla (1863-1923)”.

Clotilde, mujer del pintor, y Pedro Gil Moreno de Mora, gran amigo y confidente de Sorolla, fueron los destinatarios de estas cartas, muchas escritas en los años que el artista dedicó a la elaboración de los paneles para decorar la biblioteca de la “Hispanic Society of America”.

“El Sorolla escritor es sorprendente: no tiene estudios y, sin ser vulgar, tiene facilidad de expresión”, asegura Lorente.

Este epistolario completo, que estaba depositado en el Museo Sorolla, pero con acceso reservado a la familia, está compuesto por “cartas personales” en las que el pintor “se desnuda, dice todo lo que piensa, cómo evoluciona su pintura, sus angustias, y fundamentales para entender el trabajo de Sorolla recorriendo España”.

Además de ser una importante fuente documental, con una edición rica en apuntes y notas bibliográficas, estas cartas desvelan lado más afectivo del artista, acercándose “al Sorolla humano, pintor y marido”, según Lorente, a la vez que confirman que trabajo y familia eran indisociables para el artista.

El primer tomo completa la correspondencia que Pedro Gil, pintor aficionado y clave en la estancia del valenciano en París, envió a Joaquín Sorolla.

La relación entre ambos se basó, en gran medida, en esas cartas llenas de reflexiones sobre la obra del valenciano y sobre el panorama artístico de la época en la que fueron escritas.

Los dos amigos tuvieron pocos encuentros personales -mientras Pedro Gil residía en París, su amigo alternaba su residencia en Madrid con largas estancias en Valencia- pero la fuerza de algunas misivas refleja el vínculo entre los dos artistas y la confianza que Sorolla depositaba en Gil Moreno de Mora.

“Si Dios tuviera dispuesto que no llegásemos a ver a nuestra hija Elena, desapareciendo todos, ella naturalmente sería la única heredera”, escribió Sorolla antes de volver de Nueva York en 1909, en una carta a la que adjuntó tres cheques con un valor de más un millón de francos e instrucciones por si no volvía con vida de aquel viaje.

La familia fue una de las principales fuentes de inspiración para Joaquín Sorolla, y así lo demuestran el segundo y tercer tomo del epistolario: más de seiscientas cartas dirigidas a su mujer, Clotilde García, de la que el pintor “tuvo que separarse una y otra vez, por una razón o por otra”, explica su nieto.

Y esta separación fue constante en los años que Sorolla se dedicó a los catorce paneles monumentales de su visión de España, descritos en el segundo tomo, con misivas fechadas entre 1912 y 1919 que sirvieron para datar gran parte de los paneles que transformarían la evolución de la obra del pintor.

“Pasó de ser un pintor académico a un artista en libertad, un camino que se cortó cuando empieza con la ‘Hispanic Society’”, en 1911.

En este tomo se incluyen postales, reproducciones de dibujos y fotografías de Sorolla y su familia, a las que se hace referencia en algunas cartas.

En definitiva, un legado que descubre “la transición de un pobre pintor que llegó a Madrid y que se abrió camino hasta ser el favorito de Alfonso XIII”, concluye el nieto de Sorolla.EFE

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Enlaces relacionados con el Proyecto VER OIR LEER “Joaquín Sorolla. Ayer y hoy”
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Editado por PPC, la obra analiza, desde el punto de vista artístico, histórico y religioso, las obras de Fra Angélico, Roger van der Weyden, Tiziano, Rubens, El Veronés, Juan de Juanes, el Greco o Velázquez, entre otros, con el objetivo de ofrecer al lector una visión global de cada una de las treinta obras estudiadas.

El objetivo de esta publicación, según los editores, es hacer un repaso por los principales capítulos de la vida de Jesús de Nazaret, y acercar a estudiantes, profesores, historiadores y amantes del arte en general, el cuadro como un todo unitario, en el que la técnica, la forma y el contenido crean la obra de arte.

Para Alicia Pérez Tripiana y María Angeles Sobrino López, autoras del libro y profesoras del Gabinete didáctico de la Fundación de Amigos del Museo del Prado, “la elaboración de ese libro ha supuesto un reto, ya que se ha trabajado en comprender y mostrar cada una de las obras en su totalidad”.

“Para ello, agregan las autoras, ha sido necesaria una aproximación visual y conceptual que ha ido más allá de la importancia plástica de cada cuadro para profundizar en su contenido simbólico y artístico”.

El estudio de cada una de las obras que integran el libro, contempla un análisis desde dos vertientes: la iconográfica y la de la historia del Arte.

Desde el punto de vista iconográfico las autoras han recopilado, identificado e interpretado temas religiosos que han inspirado a grandes artistas con diferentes estilos Fra Angélico (La Anunciación), Roger van der Weyden (El descendimiento de la cruz), Tiziano (La oración en el huerto), o Velázquez (Cristo crucificado), procedentes de diferentes escuelas pictóricas.

Para las autoras, “la iconografía cristiana es esencial, pues no solo interesa a la historia del arte, sino también a la historia de la civilización en general, del pensamiento humano y, más particularmente, del sentimiento religioso”.

Por otro lado, el estudio de las obras bajo la perspectiva de la historia del arte, ha permitido a las autoras explicarlas atendiendo a la forma en el sentido más amplio del término, la composición, el dibujo y el color.

De esta manera, dicen, “la historia del arte se vincula a la del pensamiento humano y refleja todos los matices de la sensibilidad humana”.

Junto al análisis y estudio de las obras, el libro incluye un amplio glosario de términos artísticos e iconográficos que facilitan su lectura y comprensión. EFE

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Los blogs que integran el proyecto VER OIR LEER hemos, y continuamos intentando, mostrar todo cuanto relaciona a Joaquín Sorolla con los siglos XIX y XX con la mayor precisión posible.

Apasiona conocer situaciones en las que Sorolla no fue partícipe pero que formaron parte de su vida cotidiana y lo suman a los testigos de los acontecimientos de una época. Con esa pasión y el ánimo que nos llevó a realizar este proyecto llegamos al siglo XX y la madurez en el sistema pictórico del artista valenciano.

La absoluta libertad pictórica

La vuelta de la pesca, pintado en 1894, es una de las obras donde el sistema pictórico de Sorolla ya es reconocible. Aún se muestra cierta dureza en el trazo pero son evidentes los tratamientos de la luz, las sombras y los elementos difusores de la luz tan frecuentes en su producción posterior. Además ya se aplica en esta obra el gran formato, otro de los rasgos definitivos del Sorolla maduro.
El propio Joaquín dijo de este cuadro que era la primera obra en que veía plasmado su ideal pictórico, y también uno de sus grandes triunfos internacionales al ser adquirido por el Museo de Luxemburgo.

La madurez absoluta llega con Sol de la tarde, pintado en 1903, que muestra un tema similar al anterior de La vuelta de la pesca pero cuya factura ya es fluida y es el fin de la búsqueda iniciada nueve años atrás de aquel ideal pictórico.

Es la absoluta libertad pictórica del artista, que recrea el momento con maestría inigualable, dejando fluir en los pinceles la bravura del Mediterráneo y los vibrantes reflejos de la luz del poniente. La imponente presencia de la vela que absorve la luz crepuscular  y la proyecta, la fuerza de las inmensas figuras de los bueyes y el movimiento de los pescadores dotan a esta obra de una gran expresividad plástica.

En esta imagen podemos ver un estudio previo de Sol de la tarde donde se muestra cómo Sorolla trata la luz, las sombras y el embravecido mar con rápidos pero estudiados trazos y amplias manchas que dotan a la imagen de gran realismo y belleza.

Sin lugar a dudas Sorolla ya es el maestro consagrado del que se hace referencia de su arte en los periódicos aunque no se hable de su obra. Tal es el caso de un artículo sobre la jura de la bandera publicado en el “Diario político independiente y de noticias Correspondencia de España” publicado el 3 de abril de 1903, y que dice: <<Llega el capitán general con el segundo cabo y el general deEstado Mayor del distrito. Revista los cuadros de reclutas, rectificando y afinando su colocación. El aspecto que presentan aquellos macizos de tonos oscuros, rojos, amarillos y azules, pide la paleta de Sorolla. El sol se asoma decidido a no perder un detalle de la fiesta.>>

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En las imágenes superiores podemos ver dos estudios y un apunte realizados por Sorolla para “Sol de la tarde” aparecidos en un artículo de la revista “Alma Española”, fechada en Madrid el 13 de marzo de 1904.

El artículo se titulaba <<Sol de la tarde (Pensando en el último cuadro de Joaquín Sorolla)>>y escrito por Juan R. Jiménez.

Desde la Hemeroteca Digital de la Biblioteca Nacional de España os invitamos a disfrutar de ese magnífico artículo pinchando sobre la portada de la revista.

La consagración definitiva le llega al artista en la exposición antológica de la Galería Georges Petit en 1906, de la que se hace eco el diario “Correspondencia de España”, edición del 30 de junio de 1906, en el artículo titulado “Sorolla en París”:

<<Los periódicos franceses llegados estos días a Madrid dan cuenta del éxito entusiasta y brillante que acaba de obtener en París nuestro compatriota el insigne pintor valenciano Joaquín Sorolla con la Exposición de sus cuadros, inaugurada recientemente en las Galerias Georges Petit.[…] La Exposición comprende en conjunto 437 cuadros, estudios y bocetos, algunos conocido, como el célebre “Trata de blancas” y “El baño”; otros nuevos como “Sol de la tarde”, “Le soire”, “El bote blanco”, “La bendición de la barca”, “Promenades”, “Nadadores”, “Mis hijos a caballo”.>>

En este artículo, que se puede conocer pinchando aquí, habla también de los compradores y precios de las obras de Sorolla. Así, por ejemplo, el Marqués de Casa Riera adquirió “La bendición de la barca” por 25.000 francos. Pedro Gil compró un retrato de una hija de Sorolla por 15.000 francos y “El cabo de san Antonio” por 25.000.

El valor aproximado de la cotización del franco con relación a la peseta en 1906 era de 120 x 100, lo que nos acerca a la valoración de las obras de Sorolla en aquellos tiempos. “La bendición de la barca” supuso para el pintor un ingreso de 30.000 pesetas de entonces.

Sol de la tarde recorrerá varias ciudades estadounidenses hasta su adquisición por parte de The Hispanic Society of America en 1909.

Han pasado cien años desde entonces y hoy, gracias a la aportación de Bancaja y el Museo Nacional del Prado, se muestra para el mundo entero en esta magnífica exposición.

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Desde el 1 de julio y hasta el 29 de agosto, el Museo ampliará en dos horas diarias (excepto domingos) el horario de apertura de la exposición “Joaquín Sorolla (1863-1923)“

En estos dos meses el horario de la misma será de martes a sábado de 9 a 22h., con último pase de acceso a las 21h., y domingos de 9 a 20h., con último pase de acceso a las 19h.

La iniciativa tiene como objetivo facilitar el acceso al mayor volumen de público posible ya que, por la propia configuración del recorrido y con el horario actual, el aforo máximo de la muestra, que es de 100 personas cada 15 minutos, no permitiría asumir un volumen semanal de visitantes muy superior al registrado durante las primeras semanas de apertura, que ha sido de casi 100.000 visitantes en algo menos de un mes.

El gran interés despertado por esta importante muestra y con el fin de poder responder a un previsible incremento de los mismos durante el verano, el Prado ha solicitado el apoyo de la Comunidad de Madrid para poder ofrecer este excepcional horario de apertura durante los meses de julio y agosto.

El proyecto VER OIR LEER continúa el desarrollo de la vida y obra de Joaquín Sorolla y Bastida a través de los blogs que lo integran, sumando a estas fechas una cantidad de información de gran interés sobre el desarrollo de la vida del pintor valenciano en el mundo político y social.

Además, desde la visión del Museo del Prado, se estudian sus etapas pictóricas y detalles de  la parte más humana más allá de su obra.

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Los blog madrilenos.es, madrileños.es, salonesarte.es, Conociendo Madrid y Madrid es Arte, juntamente con Redactores.es y Radio Televisión Española, se unen para rendir un sincero homenaje a Michael Jackson.

Figura emblemática del pop, ayer se nos fué sin poder ofrecer su último gran espectáculo en Londres.

Bueno, Michael, gracias por haber formado parte de mi adolescencia y la de mis hijos. Aunque te decimos adiós, dificilmente te veamos marchar de entre nosotros.

Hasta siempre Michael

edjaval

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