(As published in the New Yorker)

Rafael Puyol

Tenemos días mundiales para casi todo. Existe el día del padre, de la madre, de los abuelos y hasta de las cuñadas. Pero si hay un día mundial de todos, ese es el día mundial de la población que se celebra cada año el 11 de julio para recordar que dos años antes, en torno a esa fecha, la población del planeta alcanzó los 5.000 millones de seres. Casi 20 años después ya somos 6.700 millones…..y seguimos subiendo hacia un volumen que se estima llegará en el 2050 a nueve mil millones. Ya no crecemos como antes, ni tenemos los mismos comportamientos ante la vida y la muerte. Pero nos queda un largo camino para lograr la erradicación de las fuertes desigualdades que hoy asolan el planeta. El día mundial de la población busca crear una conciencia global sobre la importancia de los problemas demográficos y su influencia en los niveles de bienestar de cada país con la finalidad de encontrar soluciones a los desajustes y promover un desarrollo sostenible a escala internacional. El Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD) menciona los campos donde se deben librar las batallas principales y que incluyen la regulación de la fecundidad, la mejora de la salud y particularmente la lucha contra ciertas pandemias mortíferas como el SIDA, la búsqueda de la equidad entre hombres y mujeres, la erradicación de cualquier clase de discriminación, una educación y un trabajo digno para todos y el establecimiento de un ordenamiento justo sobre los movimientos migratorios internacionales que caracterizan esta segunda etapa de la globalización.

El futuro es de esos más de 1.500 millones de jóvenes que tienen entre 10 y 25 años, pero no debemos olvidar a los jóvenes de ayer que hoy han llegado a viejos y a los que es preciso ofrecer un futuro igualmente digno. El día mundial de la población no se olvida de nadie, recuerda a todos en una especie de onomástica sin fronteras.

The environment is this year's big theme across the arts. Here's how Britain's greenest cultural avengers plan to save the world

Paul Arendt

As published in guardian.co.uk

^"No artist has ethical sympathies," Oscar Wilde once wrote. "An ethical sympathy in an artist is an unpardonable mannerism of style. All art is quite useless."

Try telling that to today's writers, artists, film-makers, architects, actors and musicians. An ethical sympathy – and, specifically, an environmental conscience – is fast becoming de rigueur. The last five years have seen an unprecedented flowering of eco-awareness and activism throughout the arts, at home and abroad. From giant multiplexes to 50-seat fringe venues, from sweaty stadiums to intimate galleries, artist are talking – and singing, and writing, and painting – about the planet's inexorable drift towards disaster.

The Contingency Plan, a play about climate change by Steve Waters, recently opened to rave reviews at the Bush theatre in London. Radical Nature, an exhibition exploring "art and architecture for a changing planet", is currently showing at the Barbican in London; it features the work of Anya Gallaccio, who has sawn a birch into bits and then reassembled it, as well as a piece by Joseph Beuys, the grandfather of ecological art. In Manchester last week, 83-year-old artist Gustav Metzger installed a forest of upended willows in the city centre – a powerful statement about a damaged world.

In September, McLibel director Franny Armstrong's new film The Age of Stupid, a dystopic imagining of a future Earth, opens around the world (it came out in the UK in March). Photographer Yann Arthus-Bertrand's 90-minute movie Home – "an ode to the planet's beauty and its delicate harmony" – has just gone online . In April, Hull Truck revealed its dazzling new eco-friendly theatre. Paul McCartney wants us all to stop eating meat. Paul Weller plays the Eden Project on 10 July for the rainforests. And . . .

Well, you get the idea. There's a lot going on. The question is: can any of this art do any good? When an actor or a musician lectures us about global warming, our first instinct is cynicism: after all, is it possible to maintain both a private jet and a green conscience? The satirical website The Onion neatly nailed this contradiction, with the headline: "Alec Baldwin signs two-year deal to care about the environment."

Of course, climate change is a giant issue. Bewilderingly complex and often misunderstood, it is ill-suited to the emotional directness of art and storytelling. "It's about things happening all over the world in different places and at different tempos," says Steve Waters. "How do you unify that into one story? It's quite a challenge."

Artists' attempts tend to fall into two categories. There is the celebratory work reminding us how nice nature is; and there is the dystopian approach, which paints a stark picture of humanity's future. Occasionally, the two will come together, as in Marcus Vergette's Time and Tide Bell. Situated on the seawall at Appledore in Devon, the bell chimes a melody with the rise of the tide; as global warming worsens, this chime will become more frequent.

One positive thing to come out of this cultural greening is an increased dialogue between artists and scientists. Thanks to organisations such as UK-based charity Tipping Point, which brings artists and eco experts together, there is now a belief within the scientific community that the arts have a major role to play when it comes to saving the planet. "We're in the middle of a paradigm shift in how we see the world," says Peter Gingold, who runs Tipping Point. "It comes out of a sense of unease, that we have to do something. One of my dreams is to inspire a work so powerful that it provides the impetus to action – without something horrible having to happen first, and millions of people losing their lives." There is some precedent for this, the most obvious example being Al Gore's An Inconvenient Truth, which helped transform public understanding of global warming.

But culture can also lead by example: the greening of the arts is as much about the medium as the message. While the arts could hardly be described as a major polluter compared with the petrochemical industry, there is an ever-growing array of green initiatives, from fashion designers being urged to use sustainable fabrics, to theatres recycling sets. The National in London recently replaced all the tungsten lights in its Olivier foyer with LEDs, cutting energy use by 88%.

Meanwhile, organisations such as the Greencode Project in Canada are laying down international emission standards for the film and media industry. Even 24, Fox's torture-and-explosions show, is promoting itself as the first carbon-neutral TV production, a target achieved through the use of biodiesel trucks, lights with motion sensors and much carbon offsetting.

Can the arts really save the world? In the short term, the answer is probably still no. That job must fall to politicians. But what the arts can do is remind us that it's possible to save the world. Art can shock us – spur us – into action. "Artists can communicate in a way that scientists can't," says Judith Knight, director of ArtsAdmin, a London-based organisation showcasing contemporary art. "It's important for audiences to see that it's not too late – or people won't see the point in doing anything."

The film-maker: 'Documentaries are the number one way to save the world'

When she was a zoology student, Franny Armstrong wrote a thesis entitled: "Is the human species suicidal?" It's a question that haunts her film, The Age of Stupid. Set in 2055, it stars Pete Postlethwaite as the lone survivor in a fried world. From his base in the Arctic Circle, he looks back at what went wrong, through a video archive of news clips and interviews.

In person, Armstrong comes across as anything but pessimistic. The director of McLibel, a documentary about the court case brought by McDonald's against activists Helen Steel and David Morris, she believes humanity is now working to a frighteningly short deadline: just over five months. That's the period of time until COP15, the UN Climate Change Conference, which takes place in Copenhagen at the beginning of December.

"It's unbelievably central," she says. "The only way we can stop runaway climate change is to massively cut global emissions. The only way of cutting global emissions is an internationally binding treaty. And the only chance to get an internationally binding treaty is at Copenhagen. We have to start cutting emissions by 2015. If we fail at Copenhagen, there's no time to get another treaty in place."

As a film-maker, albeit an independent, low-budget one, Armstrong is part of an industry with a very high carbon footprint. Her own work is rigorously audited: making The Age of Stupid created 94 tonnes of CO2 – around 1% of that generated by Hollywood eco-disaster flick The Day After Tomorrow, she notes drily (although that movie's credits claim its emissions were offset by tree-planting).

Yet the film industry has done more to raise awareness than any other art form. "Independent feature documentaries are currently the number one way to save the world," says Armstrong, "in terms of reaching the most number of viewers, completely uncensored." In March, The Age of Stupid had the world's first solar-powered premiere, in a viewing tent specially erected in London's Leicester Square. The carpet was green, not red, and celebrities were encouraged to come on foot or by bike.

Armstrong is pioneering a new brand of indie film distribution, whereby anyone can buy a licence to screen The Age of Stupid, and keep the proceeds for themselves or whatever climate campaign they may be running. "I wouldn't pick on the movie industry particularly," she says. "Everybody cutting a little bit is not the answer. We need legislation on a massive scale."

The architect: 'Wind farms? I think they're gorgeous, really lovely'

Ted Cullinan does not pull his punches. "We're roasting the Earth to death," says the architect, who was designing green buildings before the term "sustainability" was even coined. "Buildings have to respond to this, but sometimes it's difficult to persuade clients to spend the money."

Green architecture's big problem is the squaring of aesthetics with environmental considerations. This is where Cullinan thrives. His designs feel linked to the surrounding ecology: green is built-in. Take the Gridshell building he designed for the Weald and Downland Open Air Museum in Sussex, where a gently rippling exterior looks like an extension of the rolling landscape. The lower level, which serves as the museum's archive, sinks into the ground, providing a cool, well-insulated storage space with minimum energy needs.

In Cambridge, where Cullinan studied, the pavilions he designed for the £60m Centre for Mathematical Studies manage to look both futuristic and strangely pagoda-like. Boasting natural ventilation, night cooling and solar shading, they are arranged around a central building that is topped off with a roof garden for insulation.

"If you insist on designing a house as you would have done before," says Cullinan, "and then stick solar panels on the roof, it's pretty horrible. But if you design an energy roof and a house to go under it, there are fantastic aesthetic possibilities that do nothing but interest and challenge me."

But Cullinan, now in his 70s, isn't too optimistic about the future of green architecture in the UK. Some hope, he says, is offered by the London Array, a giant wind farm off the Kent and Essex coasts that has finally got the go-ahead. "I think they're gorgeous, really lovely," he says of wind farms. "For some reason, people can't see power lines marching across the country, but they can see wind turbines, which on the whole are lower."

He feels the building industry is otherwise behind the times, though. "They will move as slowly as they can – for economic reasons. I mean, they're not evil. But they like making money."

The pop avenger: 'There are no silver bullets. We need a different way of thinking'

Alison Tickell is not a pop star. You won't have seen her at Live Earth singing about polar bears, or tumbling out of a Soho nightclub sporting a Fairtrade tattoo. Yet for the last two years she has been quietly revolutionising the British music industry. Tickell is CEO of Julie's Bicycle, a not-for-profit company working to reduce the music industry's footprint. She does this through research, carbon-auditing and the promotion of "green standards" for record companies and venues.

"Sort yourself out," says Tickell. "That's our philosophy. Then extend that message to whatever else you can influence." When Tickell formed her company in 2007, there were three central issues to address. The first was audience travel, which makes up an incredible 43% of the industry's carbon emissions; the second was the footprints of various venues; and the third was CD production, particularly plastic packaging.

Travel, naturally, is the toughest. It is indexed to so many factors, from the availability of public transport to the personal inclinations of music fans. "There are no silver bullets here," says Tickell. "It requires a completely different way of thinking. It cannot be done by promoters alone."

Still, she has managed to secure commitments from the four major record labels (Universal, EMI, Sony and Warner), as well as the large independent Beggars group, to reduce emissions caused by CD packaging by at least 10% within a year. Julie's Bicycle has created an online carbon calculator for venue bosses, and continues to research everything from the impact of touring to the growth of music downloads. (If the latter sounds as though it should be an environmental positive, it turns out to be a slippery, difficult-to-measure issue: one downloaded track might be stored on multiple MP3 players or servers, or burned on to CDs, all requiring power.)

Where does this leave the artists? Many musicians have embraced eco-thinking, notably Radiohead, who have carbon-audited their tours, encouraged fans to travel by public transport and, wherever possible, freighted their touring gear by sea rather than air. Yet there is a reluctance among some artists to "come out" for environmentalism, even though they may believe in the cause themselves. Tickell calls this "the green hush effect". She says: "In many instances, where a celebrity has got up and made a strong statement, the response has been the opposite of the intended effect." In other words, by speaking out, pop stars expose themselves to instant audit-by-media. "Obviously, I'm not saying we can't ask questions of our messengers. If an artist is simply lecturing us on climate change, and not making any commitment to it in their actions, they will be questioned. People aren't stupid. But the fundamental thing is the message."

The theatre guru: 'We've got hefty things to deal with. It's going to be a rocky ride'

In March 2007, the Arcola theatre made a bold announcement: the east London venue was planning to become the world's first carbon-neutral theatre. In terms of importance, it vowed to put green issues on a par with its shows and youth work. Much of this is thanks to Ben Todd, the theatre's executive director and green guru.

"The carbon neutral plan was supposed to make a point – to say: theatre can do this," he says. "The arts cost money. We do them because we believe they're important. Is the Arcola anywhere near being carbon neutral? No. Our objective is to reduce our consumption of everything." Todd's team have installed a hydrogen-powered fuel cell, which runs the LED lighting in the bar and the lights for selected performances. The cell puts out 5kW, less than a fifth of what is usually available. This sets a challenge for lighting designers: they aren't compelled to use the fuel cell, but it's surprising how many do.

The National theatre has also been experimenting with lighting. It is common practice for theatres to switch on their swivelling stage lights hours before a performance begins. However, more reliable technology has made this level of warm-up unnecessary. Last year, the National tested this by keeping the lights for War Horse switched off until 35 minutes before curtain-up. They came on perfectly every time.

The Arcola has yet to stage a main-house show about the environment, partly out of a desire to separate content and practice, and partly because such dramas are thin on the ground. However, the theatre does hold monthly Green Sundays, featuring film, music and spoken-word events on an ecological theme. Meanwhile, the Arcola has been appointed as administrator for the mayor of London's Green Theatre plan, which aims to deliver 60% cuts in venues' carbon emissions by 2025.

"I'm an optimist," says Todd. "If you're a pessimist, then kill yourself now. We've got some fairly hefty things to deal with, though. I think it's going to be a rocky ride."

The visual artists: 'Save the world? It's the human race that might need saving'

From cave painters onwards, visual artists have been inspired by nature. It's hard to gauge the effectiveness of visual art as a tool for raising awareness, however, since there's a tendency to shy away from anything so crass as a message.

Heather Ackroyd and Dan Harvey create green art in the most literal sense: they grow grass on Bibles, chairs, tree trunks, even the interior of an abandoned church. While it's tough pinning them down, they will admit their work reflects their growing concern about the environment.

In 2006, they retrieved the skeleton of a beached minke whale and encrusted it with alum crystals for a work called Stranded. "Dan was scraping away at bones and picking off maggots – it was dirty, stinky work," says Ackroyd. "As a vegetarian," adds Harvey, "cleaning a whale that has been dead for a long while isn't much fun."

Stranded was inspired by their journeys with the Cape Farewell initiative, which brings artists, writers and scientists together for trips to the Arctic. There, they saw beaches strewn with the bones of whales and walruses. "You think about how many of our major ports were built on the back of the whaling industry," says Harvey. "We plundered the oceans so we could have candles, soap, whale oil and whalebone corsets. Then petroleum was discovered and we've plundered that to the brink."

Does this husband-and-wife team feel the arts have a role to play in saving the world? "I don't know if the world needs saving," says Harvey. "It's the human race that might need saving. We've got to return to a balance within the world. It's about trying to gain respect for the planet again."

Rafael Puyol

Aunque se decía para la capital, se puede generalizar a toda la Comunidad aquello de que en Madrid nadie se siente forastero. No tendríamos si no ese largo millón de inmigrantes que pueblan nuestras ciudades y pueblos. Del machadiano rompeolas de las provincias españolas, Madrid ha pasado a ser una Comunidad de destino en lo universal, un caleidoscopio de nacionalidades con sabor latinoamericano, aires del este europeo, fragancias del norte de África y un cierto regusto oriental. Vienen hombres y mujeres, sobre todo adultos jóvenes, porque aquí pueden trabajar, vivir, educar a sus hijos y ser personas. Y vienen a todas partes, a la ciudad, pero también a los municipios de la corona y a los no metropolitanos en alguno de los cuales suponen más del 40% de sus habitantes. En Madrid se están haciendo bien las cosas para integrar a esas personas. Ahora pintan bastos, pero cuando la crisis se vaya volverán a venir y quizás se queden para siempre.

Rafael Puyol

Siempre que los medios hablan de la vida o la muerte intento, por deformación profesional, hacer su encuadre demográfico. El último asesinato de ETA, más allá de su condena por execrable e inútil, me llevó a reflexionar sobre el futuro (?) demográfico de País Vasco. Ya lo hice otras veces, pero ahora existe una oportunidad renovada con las últimas cifras del Instituto Nacional de Estadística que ofrecen datos para la Comunidad bastante desoladores.

La región que aumenta algo en los últimos años cuenta con 2,2 millones de personas, pero presenta ya claros síntomas de debilitamiento en los componentes del crecimiento. No abrumaré al lector con cifras. Sólo le diré que la tasa de mortalidad del País Vasco es superior a la media española. Que su índice de fecundidad y natalidad son inferiores, que su saldo vegetativo (diferencia entre nacimientos y defunciones) es dos veces más bajo que la media del país, que tiene un porcentaje de jóvenes más pequeño y un índice de envejecimiento más intenso. Y no es que en cualquiera de estos indicadores las medias españolas sean para echar cohetes. Pero, al menos, en España, se ha contado con la inmigración para hacer crecer los efectivos y para mejorar la natalidad, cosa que en el País Vasco no sucede en la misma proporción (tan sólo 6% de extranjeros frente al 12% de la media nacional).

¿Qué se puede esperar de este panorama? Ante todo que va a resultar inevitable que la población disminuya en el futuro inmediato. La proyección para el 2018 prevé 60.000 habitantes menos debido a que desde el 2011 el saldo natural va a ser negativo y el balance migratorio será escaso e insuficiente para compensar que haya más muertes que nacimientos.

En el País Vasco no va a sobrar nadie. Más bien van a faltar muchos. ¿No creen que es un buen argumento para que ETA deje de matar a los residentes, sean vascos o no, de esa Comunidad?

El presidente del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), Rafael Rodrigo, y el rector de IE University, Santiago Íñiguez de Onzoño, han firmado un acuerdo marco de colaboración para desarrollar proyectos de investigación y organizar actividades de divulgación en el campo de la investigación y el desarrollo tecnológico.

 El acuerdo, vigente durante un periodo prorrogable de cinco años, incluye la cooperación en programas de formación de personal investigador y técnico, por lo que los investigadores del CSIC podrán participar en los programas docentes de la universidad, y permitirá, asimismo, que los alumnos de IE University realicen prácticas en los centros e institutos del CSIC.

En opinión de Rafael Rodrigo, "este acuerdo propiciará que los investigadores de ambos organismos puedan llevar a cabo proyectos conjuntos en distintas áreas del conocimiento. Con este tipo de acuerdos el CSIC busca facilitar el trabajo de los investigadores de todas las áreas de investigación. Así, el personal del CSIC tendrá más posibilidades para realizar sus proyectos de investigación y trabajar con científicos y docentes dedicados al mismo campo de estudio, que en muchas ocasiones se encuentran en otras instituciones".

Según palabras de Santiago Íñiguez, "la combinación de la calidad y producción investigadora del CSIC, segundo puesto europeo por impacto de su producción científica, y la capacidad innovadora y de desarrollo de tecnologías modernas de aprendizaje de IE University, dinamizará la generación  y difusión del conocimiento en el ámbito internacional,  atraerá al mejor talento y formará a excelentes profesionales de todo el mundo. Para IE University este acuerdo de colaboración es un paso más hacia la excelencia en su posicionamiento internacional y su compromiso con la formación de los líderes del futuro y el trabajo en equipo. Gracias a esta colaboración entre nuestras instituciones acortamos las distancias entre fronteras y facilitamos la movilidad de investigadores internacionales".

Fotografía (fuente CSIC): Santiago Íñiguez (i) y Rafael Rodrigo en el acto de firma del convenio.

I listened to this fascinating piece on NPR about the great tradition of Persian poetry and its modern day expressions in technology and social networks. The following are a series of tweets from Parham Baghestani. For the full story, please click here.

IE School of Arts and Humanities en colaboración con la Asociación de Antiguos Alumnos del IE tiene el honor de invitarle a la Conferencia titulada "Metodologías de la mirada" el martes 30 de junio a las 19.30h.

D. Hilario Rodriguez, escritor y crítico, licenciado en Filología Anglogermánica y en Filología Hispánica, tratará las pautas para entender mejor el mundo audiovisual. La conferencia partirá de estas reflexiones:

          1. ¿Qué son las imágenes? ¿Para qué sirven? ¿Dónde solemos encontrarlas? ¿Por qué?

2. ¿Qué nos sucede ante las imágenes?

3. ¿Qué podemos hacer cuando nos plantean problemas éticos, históricos, hermenéuticos, religiosos, ideológicos o simplemente estéticos?

La conferencia se impartirá  en el aula A-203 del Instituto de Empresa situada en c/ María de Molina 11-13.

En caso de ser de su interés, ruego confirme su asistencia a Aitziber.Onaindia@ie.edu o bien ArtsHumanities@ie.edu

Un cordial saludo,

Arantza de Areilza

Publicado en El Mundo

César Antonio Molina

DE NUEVO la literatura sirve para que un país remoto, perdido en el tiempo y en la Historia salga a la luz y ocupe un lugar en el mundo. Esto es lo que ha hecho Ismaíl Kadaré durante las últimas décadas. Escribir y escribir para darle la conciencia y la dignidad a la lengua, a la cultura y a los ciudadanos de Albania. Kadaré no sólo es un gran narrador, sino que también ha ejercido de historiador y publicista de su pueblo, un país balcánico y mediterráneo en los confines de la civilización occidental cuando se encuentra cara a cara con Oriente. Un país siempre en permanente erupción, en permanente conflicto étnico, religioso, político, externo e interno. Un país que no ha escapado a los inmemoriales prejuicios que los europeos hemos tenido sobre esta área geográfica: extraña, incontrolable, agresiva, atrasada, pobre e irredenta.

Kadaré muy pronto se convirtió en el escritor nacional más conocido, con un prestigio a lo largo y ancho de todo el mundo que antes ningún otro autor de su literatura había conquistado. En el arquetipo por excelencia de su país, con sus cosas buenas y con sus tremendas contradicciones de vida al devenir de los siglos de turbulenta historia. Kadaré además no sólo nació en una zona geográfica compleja y difícil, sino que lo hizo en uno de los periodos más duros y convulsos de la Historia universal. Nació en el año del inicio de la Guerra Civil española y en los prolegómenos de la II Guerra Mundial. Es decir, su vida se desarrolló durante la invasión nazi y creció ya metido de lleno en la dictadura estalinista de Enver Hoxha, uno de los tiranos más aterradores que llegó a la Presidencia de la República en el año 1944 y permaneció en el poder por más de 30 años, aislando a Albania no sólo de la zona comunista europea si no también del mundo entero. Hoxha se aliaría con las tesis maoístas más radicales, teniendo a China como referente, hasta que a finales de la década de los 70 se rompieron esos lazos militares y políticos.

Albania no vería la luz de la libertad hasta la década de los 90. Para entonces la obra del prolífico Ismaíl Kadaré ya había cumplido con uno de sus objetivos: pedir al mundo comprensión para sus conciudadanos y ayuda para obtener esa libertad permanente e irrenunciable. Cuán equivocados estábamos aquellos jóvenes antifranquistas escuchando los cantos de sirena de una dictadura comunista contra otra fascista, desde las ondas de Radio Tirana. Enver Hoxha y Francisco Franco, de haberse encontrado, hubieran hecho muy buenas migas. Pero la obra de Ismaíl Kadaré no se queda anclada únicamente en estas circunstancias, sino que vuela libre a través de otras muchas preocupaciones íntimas de su autor. Kadaré reflexiona, como antes lo había hecho Franz Kafka, y casi en paralelo lo hará el novelista checo Milan Kundera o el rumano Norman Manea, sobre el papel del individuo frente al estado, frente al poder. ¿Qué diálogo se puede establecer entre ambos polos, sin que ninguno de ellos hable el mismo idioma? La libertad abarca a una colectividad, pero, sobre todo, la libertad parte del individuo. Y ésa es su mayor riqueza. ¿Cómo sobrevivir entre la burocracia, entre los muertos de tantas guerras, sin saber quiénes eran realmente los buenos y quiénes los malos? ¿Cómo sobrevivir sin saber adónde ir, siendo huérfanos no sólo de su propio país, sino, lo que es todavía peor, del mundo entero?

Los personajes de Kadaré que habitan en ese reino de sombras y pesadillas que en gran parte sigue siendo Albania, no huyen, están perdidos, olvidados, a veces hasta carecen de memoria; es el propio instante el que los hace volver a la vida desde una muerte inmemorial. Muertos en vida, así son quienes se enfrentan a la máquina del Estado totalitario. Así son los actores que representan La gaviota de Chéjov, en la novela Spiritus. Obra de teatro prohibida, existencias acosadas por los servicios secretos, por los expedientes oficiales, por el silencio administrativo. El mal sin rostro, sin respuesta, sin motivo, sin razones. El mal invisible, pero grabado en el inconsciente personal y colectivo. Los espías espiados, el Gran Jefe en su Palacio de Tirana observándolo todo como un dios. ¿Quién lo juzgará? Sólo Kadaré ha podido hacerlo con sus obras en nombre de todos. En obras simbólicas que, precisamente por ello, rebasan el ámbito temporal y espacial y adquieren un valor universal y, desgraciadamente, permanente. La joven escritora Ornella Vorpsi también tratará de la Albania de los años 60 en plena dictadura de Hoxha, en El país donde nadie muere.

El general del ejército muerto, su primera novela publicada en 1963 (tras otra censurada en su país en 1962, acusada de «decadente» y extranjera para las realidades socialistas) que nosotros leímos en castellano bastantes años después y la vimos llevada al cine, versaba ya sobre caos en donde el hombre trata de sobrevivir en medio de un cataclismo generalizado. Los invadidos y los invasores se pierden en una historia imposible de reconstruir racionalmente. Algo semejante sucede en Noviembre de una capital, basada en los testimonios personales de muchos habitantes de su ciudad natal del sur de Albania y en sus propias experiencias. Esta novela narra la resistencia popular a las tropas nazis y los problemas que se crean entre los protagonistas una vez los alemanes han sido desalojados. Uno de los ejes centrales de este relato se sitúa en la toma de Radio Tirana. Desde este lugar muchos cómplices albaneses habían colaborado sucesivamente con todos los regímenes tiránicos que habían gobernado el país: la monarquía, el fascismo italo-alemán y, posteriormente, el soviético, del que aquí no se da cuenta pero sí en otras muchas obras posteriores. La violencia no sólo se lleva a cabo contra las ideas sino, y sobre todo, contra las personas. Y aquéllos que habían combatido juntos contra el enemigo son ahora enemigos entre sí, en medio de un baile macabro que no tiene fin, ni nadie quiere o sabe buscarlo. La gratuidad de la muerte, el poco valor de la vida, es otro de los asuntos esenciales y reiterativos en la obra de Kadaré, así como el esfuerzo inútil de la destrucción, en vez de crear las condiciones necesarias para que el ser humano pueda defender su dignidad sin que por ello tenga que alcanzar la felicidad burguesa. Los personajes de Kadaré buscan sobre todo eso, ser respetados, ser considerados, ser valorados.

Kadaré es un autor meticuloso, bien informado, lucha por ser imparcial con sus protagonistas, crea ambientes agobiantes y absorbentes, es sumamente preciso en sus descripciones y en sus retratos psicológicos. Criado en medio de lo que él llama «la vena épica» de los Balcanes, lugares en los que la epopeya es el género mayor de pueblos donde predomina la tradición oral, Kadaré no es un narrador realista, sino que interpreta la sociedad desde diversos puntos de vista, mientras les da a sus personajes otra oportunidad para comprender el mundo y su propia vida, aunque no los pueda salvar y aunque no los pueda liberar de su dolor. En El gran invierno relata su propia experiencia, pues vivía en Rusia cuando se produjo la ruptura entre este país y el suyo, y lo hace a través de las vidas de unos personajes que, de repente, quedan al margen de la historia oficial. El amor y desamor entre Besnik y Zana es el resultado metafórico de aquel momento.

PERO Kadaré es un autor también preocupado por la existencia, al margen de las circunstancias. En El viaje nupcial se detiene a reflexionar sobre uno de los asuntos a los que se refieren todas las religiones: la resurrección. Lo hace como si estuviera contando una leyenda popular de las muchas de su tierra y, sin embargo, deja al lector que tome opción por alguna de las sugerencias que él mismo propone. Como dijo en una ocasión: «Todos los pueblos de los Balcanes tienen recuerdos más antiguos que los de los otros. En la región, los espíritus se inflaman muy rápido, sobreexcitados por la historia, los mitos y las leyendas. Y la oralidad es el enemigo número uno de la verdad. La oralidad da curso libre a las reivindicaciones más fantásticas».

Admirador de Homero, Esquilo (al que le dedicó una obra) y Shakespeare, Ismaíl Kadaré es autor de muchas novelas, la mayor parte de ellas traducidas al español por su mayor valedor y especialista, Ramón Sánchez Lizarralde, al que hay que darle hoy también la enhorabuena. Además, es autor de libros de ensayo. El Premio Príncipe de Asturias a Ismaíl Kadaré no sólo es un acto de justicia y el reconocimiento a una obra singular, sino también un aviso a la Academia sueca.

César Antonio Molina es escritor y ex ministro de Cultura.

El escritor Ismail Kadaré, ganador del Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2009 /ABC

EFE |

OVIEDO

Actualizado Miércoles, 24-06-09 a las 10:45

El escritor albanés Ismaíl Kadaré ha sido hoy galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2009. El nombre del ganador se ha hecho público esta misma mañana en el tradicional marco del Hotel de la Reconquista de Oviedo.

Al Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2009 se habían presentado 31 candidaturas procedentes de 25 países. Kadaré ha derrotado en la última terna de las votaciones al holandés Cees Noteboom, al italiano Antonio Tabucchi, al británico Ian McEwan y al checo Milan Kundera , finalistas al autor albanés del Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2009.

Kadaré es probablemente el intelectual más importante de Albania y uno de los más activos en Europa, donde su compromiso jugó un destacado papel en el esclarecimiento internacional del drama de los albaneses de Kosovo. Fue con su primera novela, «El General del Ejército Muerto» (1963), con la que consiguió el primer reconocimiento internacional. Desde entonces ha publicado numerosas obras que lo han situado como uno de los escritores europeos más importantes del siglo XX, entre ellas destacan «El Palacio de los Sueños», «Abril quebrado», «El Monstruo» o «Los Tambores de la Lluvia». Su obra ha sido traducida a más de 40 idiomas.

Entre las candidaturas descartadas por el jurado tras las deliberaciones de ayer se encontraban las del uruguayo Eduardo Galeano y la del japonés Haruki Murakami. También eran candidatos el poeta español Marcos Ana, la canadiense Alice Munro, la mexicana Elena Poniatowska, y la húngara Agota Kristof.

El Premio Príncipe de Asturias de las Letras ha recaído desde su constitución en 1981 en autores como José Hierro, Juan Rulfo, Ángel González, Mario Vargas Llosa, Camilo José Cela, Claudio Rodríguez, Carlos Fuentes, Francisco Umbral, Günter Grass, Augusto Monterroso, Doris Lessing, Arthur Miller, Susan Sontag, Claudio Magris, Paul Auster y Amos Oz.

Entre las candidaturas descartadas por el jurado se encontraban las del uruguayo Eduardo Galeano y la del japonés Haruki Murakami

Un ilustre juradoLa ganadora de la pasada edición fue la canadiense Margaret Atwood, de la que el jurado que concedió el Premio destacó su "espléndida" obra y su "exploración de los diferentes géneros con agudeza e ironía", además de su "permanente defensa de la dignidad de las mujeres". El jurado, presidido por el director de la Real Academia Española, Víctor García de la Concha, está integrado, entre otros, por los periodistas Luis María Anson, Juan Luis Cebrian, Blanca Berasategui y Manuel Llorente; por los escritores Pedro Casals, Antonio Colinas, J.J. Armas Marcelo y Fernando Sánchez Dragó; por el editor Jacobo Fitz-James Stuart Martínez de Irujo, y por la presidenta de la Fundación García Lorca, Laura García Lorca.

El galardón, dotado con 50.000 euros y la reproducción de una estatuilla diseñada por Joan Miró, es el sexto que se falla este año tras los de las Artes (Norman Foster), Cooperación Internacional (Organización Mundial de la Salud), Ciencias Sociales (David Attenborough), Comunicación y Humanidades (Universidad Nacional Autónoma de México) e Investigación Científica y Técnica, que fue para los ingenieros Raymond Tomlinson y Martin Cooper.

Los ocho Premio Príncipe de Asturias serán entregados a finales del mes de octubre por don Felipe de Borbón en una solemne ceremonia que se celebrará en el Teatro Campoamor de Oviedo.

IE School of Arts and Humanities en colaboración con la Asociación de Antiguos Alumnos del IE tiene el honor de invitarle a la Conferencia titulada "De Santones y De Software- ¿Cómo es la cultura india de hoy?" el jueves 25 de junio a las 19.30h.

Dña. Romina Chatterjee, Directora General de India Consultores, S.L. y licenciada en Filología Española, traducción e interpretación, literatura y estudios empresariales entre la India, España y los EEUU, tratará sobre la cultura india: una de las culturas más antiguas y vivas del mundo. Analizará cómo co-existe lo moderno con lo antiguo y cuáles son los sistemas de funcionamiento de esa sociedad a día de hoy.

La conferencia se impartirá  en el aula A-203 del Instituto de Empresa situada en c/ María de Molina 11-13.

En caso de ser de su interés, ruego confirme su asistencia a Aitziber.Onaindia@ie.edu o bien ArtsHumanities@ie.edu

Un cordial saludo,

Arantza de Areilza

Santiago Iñiguez

Published: June 10 2009 10:36 in the Financial Times

Last week, US President Obama defended government intervention in GM, the ailing automotive giant, as the company was filing for Chapter 11 bankruptcy protection. The US Government plans to own a 60 per cent stake in the company, something inconceivable in the past three decades.

Given the protagonist role of governments in business today and the foreseeable structural and cultural changes of the management landscape, business schools must adjust and explore a new paradigm for their relationship with government.

As governments become pivotal players in the economy not only as regulators, suppliers or customers, but also as shareholders and investors, entities such as public-private partnerships may well offer opportunities for research, teaching and consultancy and possibly suitable careers for MBA graduates.

It is interesting to note that the widespread management tool designed by Professor Michael Porter, called "The Five Forces that Shape Competition," (taught in many business schools) depicting the major agents that determine a sector's profitability, such as suppliers or new entrants, did not count the government among them. However, the circumstances of the present crisis anticipate a more intense interaction and greater overlapping between companies and governments, a blurred frontier between what is public good and what is private interest.

Historically, American and European business schools have put a different emphasis on stakeholders in strategy formulation and decision-making. Two decades ago, references to stakeholders in the US were discredited as borderline communist; the only relevant constituency for managers was shareholders. Conversely, European business schools have developed out of a very different management culture, open to a wider array of stakeholder groups beyond shareholders.

For example, the European business environment is characteristically regulated and governments have a decisive presence. Often as major shareholders in big companies but also through other instances such as awarding licenses, fixing tariffs, pre-emptively approving mergers or acquisitions or keeping various other prerogatives over companies’ decisions. For example, in Germany the law determines that unions should have a representative in public companies’ boards. In France the word “dirigisme” is often heard amongst French managers, referring to government’s strong interventions in the market.

There are some advantages for business schools in this new world of the resurrected “visible hand”. Firstly, civil servants, public administrators and politicians could become an increasingly relevant applicant pool for degree and custom programmes. Given the participation of governments in business through bail outs and regulation, government workers such as civil servants will need to update their knowledge and skills to run and understand these new functions effectively.

One area of big potential development is public entrepreneurship that is, preparing public officers with the mindset of creating value for citizens. Equipping public servants with an entrepreneurial, innovative mindset should help them to identify and create opportunities, a more proactive approach rather than just administering public resources. In fact, most management ideas and techniques can be translated into government practices, something that explains the growth of MPA (Master in Public Administration) programmes in recent years.

Second, CEOs and managers should realise the increasing importance of nurturing creative relations with governments and other stakeholders at large. A recent study at IE showed that CEOs at leading Spanish companies dedicate more than 60 per cent of their time to dealing with their company stakeholders - governments, media and opinion makers, unions, customer associations, NGOs and professional networks. The spheres of the private and the public are blurred and the profile of managers is becoming closer to that of politicians.

New frameworks are being researched by business schools to look at how to manage a broader array of stakeholders and create competitive advantage through these relationships. At some institutions one such area of research is described as non-market strategy. This calls for corporations to look beyond the traditional confines of the market (competitors, price etc) and find opportunities through interaction with groups such as government, regulators, NGO’s, the media and reshape markets in their favour. A number of corporations do this well, with a strong ability to manage these interactions, but many others are going to have to develop these attributes very quickly.

Yet business schools must not only research and teach these new approaches but practice them as well, as the management education sector faces greater scrutiny from a wider group of stakeholders than at any time in its history.

Santiago Iñiguez de Onzono is dean of IE Business School.

Rafael Puyol

De nuevo andamos metidos en el controvertido tema del aborto. Porque pese a que algunos consideren que es un debate superado por la sociedad española, en modo alguno lo está, particularmente en lo que se refiere a la nueva Ley en ciernes. La ampliación desde la Ley de supuestos a la de plazos ha abierto y enconado de nuevo la discusión.

Yo no voy a entrar aquí en consideraciones que tengo, personalmente, zanjadas. Doy por ciertos los argumentos que consideran al feto un ser humano desde la concepción. Por consiguiente, no me parece razonable negarle esa consideración así como la decisión de deshacerse de él "sin más".

Pero no pretendo aquí ir por ese derrotero ético-jurídico. Me preocupan otras cuestiones que en mi opinión tienen gran alcance. La primera es la situación demográfica del país al que no vendría mal tener una natalidad más alta. Hemos superado los 500.000 nacimientos en 2008 y eso es una buena noticia, pero todo apunta a que desde este año la cifra va a caer. Un volumen que podría mejorar si algunos de esos más de 100.000 abortos que equivalen a una cifra superior al 20% del total de los nacidos vivos, acabasen ellos también saliendo a la luz. No estoy proponiendo ninguna política natalista, pero sí es verdad que como decía Fraga "Paña ita iños" (España necesita (más) niños).

La segunda es que la nueva Ley de plazos, como antes la del matrimonio homosexual y ahora la de la píldora del día después, dividen a la sociedad española. Vivimos en un país sin apenas políticas de estado. No hay consensos básicos sobre lo que la mayoría de la sociedad española querría. No hay políticas que aglutinen. Todo lo contrario, hay medidas, que aunque satisfagan los intereses de algunos sectores, por respetables que sean, contribuyen a la fragmentación de la sociedad .Las leyes mejores son las responden a una clara demanda social y con la ampliación del aborto no parece que esto suceda.

Miguel Herrero de Jáuregui

Mi mujer me ha puesto una condición para volver conmigo al teatro. Que me calle durante la función y los comentarios pendantesco-filológicos, tipo "habrás notado que eso es una referencia al mito de Faetonte" los guarde para después de la representación, y le deje oír tranquila a los actores. Como en aras de la paz conyugal uno debe hacer inmensos sacrificios, el otro día fuimos a ver La estrella de Sevilla y no pude decir nada. Así que me desahogo en el blog, esta barra de bar de nuestros tiempos, con Vds., que llevaban largo tiempo (al contrario que mi mujer) sin sufrir mis filologeces.

No entro en si es o no de Lope. Me centro en una escena de la parte final de la obra, cuando Sancho Ortiz se cree ya en el infierno. Es increíble cómo se puede conseguir una escena tan lograda y densa con una imagen tan antigua. Pero así es. El descenso al mundo de los muertos, la katabasis, es tan vieja como la literatura del Antiguo Oriente, tres milenios antes de Cristo, y sin embargo sigue siendo un recurso favorito de los narradores: recuerdo ahora Desmontando a Harry de Woody Allen. Pero entre medias hay muchos jalones: recordemos aquí algunos.

La primera katabasis que conservamos es la de Ulises, que en la Odisea va al Hades dos veces para conocer su destino. Homero recoge y perfecciona así una tradición anterior, porque el viaje al mundo de los muertos no es sino el viaje heroico supremo, el más difícil. Ya el último trabajo de Hércules era nada menos que traerse al Can Cerbero, el perro de tres cabezas que guarda los infiernos. Una vuelta exitosa del Hades, o sea, una victoria sobre la muerte, sólo es para unos pocos elegidos. Otros, como Teseo y Pirítoo, que bajaban a raptar a la mujer de Hades, Perséfone, fracasaron en su empeño y se quedaron abajo para siempre. También Orfeo bajó al Hades a buscar a Eurídice, y por mirarla antes de tiempo la perdió por segunda y definitiva vez. Se discute si en una primera versión el mito tenía final feliz, pero no hay pruebas de ello. En cambio el final trágico ha sido una buena fuente de poemas, cuadros y óperas. Otro gran descenso antiguo es el de Eneas en el canto VI de la Eneida. Como siempre la bajada al mundo de los muertos trae conocimientos sobre el de los vivos: allí oye el pío troyano el futuro de Roma. Virgilio no podía ser el mejor poeta sin superar a Homero.

La geografía del Hades antiguo es siempre imprecisa, como corresponde al "país no descubierto, de cuya frontera ningún viajero vuelve". Pero algunos elementos son constantes: una frontera de agua (el Aqueronte, la Estigia), muchos vericuetos que amenazan perder al viajero, un guía (Hermes, Caronte), monstruos infernales, prados para los bienaventurados, lugares terribles de tormento para los condenados, y muchos lugares intermedios con difuntos de destinos diversos. De la espeleología a la escatología hay sólo un pequeño paso, la muerte.

Como el cristianismo colocó el paraíso de los bienaventurados en el cielo, el descenso al mundo subterráneo quedó para los condenados. Pero las innúmeras visiones del infierno de los escritores cristianos son herederas de las katabasis antiguas. Igual que hacían Aristófanes en sus comedias o Platón en sus mitos, los cristianos usan la tradición poética del viaje al Hades para transformar a sus personajes con una visión del Más Allá. Quien baja y vuelve, ya no vuelve igual.

Y los poetas modernos siguen jugando con esta imagen en la que se ve claro cómo se trenzan las hebras de Atenas, Roma y Jerusalén: Virgilio guía a Dante por su visita al Allende. La metáfora conceptual de la muerte como camino que continúa el de la vida es el fundamento de una imagen milenaria: "nel mezzo del camin di nostra vita / mi ritrovai per una selva oscura, che la diritta via era smarrita. E quanto a dir qual' era, è cosa dura / questa selva selvaggia e aspra e forte / che nel pensier rinnuova la paura! / Tanto è amara che poco è più morte." Todos reconocerán estos versos mil años después, y el propio Gilgamesh, bien provisto de un diccionario sumerio-toscano, habría sabido 4000 años antes a qué se referían.

De El estudiante de Salamanca de Espronceda a El maestro y Margarita de Bulgákov, por poner dos ejemplos fáciles, la katabasis aparece una y otra vez, porque se basa en una imagen de la muerte como viaje que no deja de ofrecer posibilidades narrativas a cualquier poeta épico, o a sus herederos novelistas (p. e. El corazón de tinieblas de Conrad, y claro es, Apocalypse Now). Más aún, diría que va en la sangre de todo gran poeta hacer bajar a su héroe al Hades y ser un nuevo Homero, y conocer en el Más Allá los secretos del Acá.

De todo esto se libró mi mujer en el teatro el otro día. Pero en el camino de vuelta se lo dejó contar, y supongo que me escuchaba, aunque no la miré mientras hablaba, por si acaso. Pensé que ése fue el error de Orfeo, mirar a su mujer para comprobar si le estaba oyendo.

Published in Ilsussidiario.net

Jeremy Morris

lunedì 15 giugno 2009

If one were to approach Pope Benedict's 'Regensburg address' (2006) exclusively from the account of it given in the English-speaking media, one might expect to find a one-sided, heavy-handed polemic against Islam. But in fact what one encounters is a subtle and wide-ranging defence of the compatibility of faith and reason. One of the most arresting points in the address comes near the beginning, in which the Pope speaks of the rapprochement of Biblical faith and Greek philosophical enquiry as "an event of decisive importance", for this, as he goes on to say, with the addition of Roman culture, "created Europe" and is – as he has emphasized elsewhere – "the foundation of what can rightly be called Europe".

The notion that Europe, as a historical entity, is constituted by its Christian identity is dear to the heart of the Pope, as is well known. It stands directly against a view gaining ground in some circles that Europe's Christianity has never been much more than a veneer. Residues of Europe's pagan origins remained embedded in medieval and early modern culture, but these were surely piecemeal, and often assimilated to Christian practice. Much more persuasive is the Pope's analysis of the symbiosis of ancient philosophy and Biblical religion as the very core of the intellectual and cultural heritage of Europe. It is hard to imagine European law, philosophy, literature, music, and art, quite apart from theology, without Christian doctrine, Greek philosophy and even Roman jurisprudence. Yet, today, the opposite argument perhaps appears attractive because of the collapse of the notion of Christendom as a political and ecclesiastical reality. Its ecclesiastical unity fractured fundamentally in the Reformation, but hard on the heels came the rise of the modern State, allied with the abiding intransigence of nationalism.

From the sixteenth century, and on into the nineteenth century in particular, with the dissolution of the Holy Roman Empire, and the Papacy's loss of its temporal possessions, any pretence that Europe constituted a single political and ecclesiastical imperium became no more than a nostalgic dream – albeit one romantically evoked by some of the architects of the European Union later in the twentieth century. Yet it is also to suggest that Christianity remained central to the culture and values of European people until sometime in the last century or so, when it began to be displaced by other ideologies, including antireligious or materialistic ones. Historians and sociologists like to call this process of displacement 'secularization', which is a somewhat misleading term, because it implies one process, one characteristic and inevitable development intrinsic to modern society.

Sociologists of religion have been battling over what 'secularization' is for a long time. Some have argued that the marginalization of religion is an observable process at work across all social groups, and evident in declining numbers as well as in declining personal belief. Others have argued persuasively for a much more complex picture, with pockets of resistance, much regional variation, and a disparity between practice and belief, so that – in the words of one British sociologist, Grace Davie – it is possible to describe the attitude of European people in general to religion as one of 'believing without belonging'.

Yet whatever the final outcome of these disagreements, Christianity's central, normative role in defining public morality has clearly come under attack, and in that sense even for many Christians the force of religious belief is much less intense than it once was. Nowadays, not only does Christianity have to compete with many other value systems, but it is becoming cast in public discourse as a residue of a more restrictive, unenlightened age, in which reason was led captive to faith. The overthrow of the European 'Christendom of the soul' has thrived on the idea of reason as autonomous and absolute, liberated from the restrictions once imposed on it by religious belief. If the Pope is right, Europeans have been busy 'unmaking' themselves for a hundred years or more. Reason is not antithetical to faith, but an implicate of faith in divine creation.

And yet Christians in Europe now labour under the shadows evoked by autonomous reason. There is an unparalleled pluralism of values, faiths and ideologies, a product partly of successive migrations but also of the conflicts that have riven Christianity over the centuries. It is not that pluralism in itself has been, or should be, regretted by Christians, if it means simply the co-existence of social groups with different belief-systems. It is, after all, simply a fact of life in modern Europe, and it is culturally enriching. Rather, its appearance in history has occurred as a result of divisions that, all too frequently, flowed into violence between Christians, with persecution ensuing. When, in the early modern period, this became almost endemic in Europe, Europe's exhausted rulers eventually called a halt to the wars of religion and began to separate affairs of state from confessional difference. Under the influence of the so-called 'Enlightened despots' of the late seventeenth and eighteenth centuries, religion was tamed – defended, maintained, but reformed in the interests of monarchical control. Later still, the French Revolution carried this process of reform and control further still, even to the experiment of doing without religion altogether.

Yet again, even these various steps in containing religion, in the interests of social stability, often arose from genuine attempts at religious settlement. The notion of religious freedom and toleration, pursued as a practical policy in various states, but commended in many more, was often articulated most forcefully by religious people, not only by atheists and secularists. The project of dismantling the alliance of Church and State in many European countries was itself, often, a religious project, which had as its goal the liberation of Christianity, and its re-energizing, not its suffocation. In truth, however, the reverse happened. The strategies states had adopted to resolve religious conflict brought in their wake political secularization.

Attempting to combine a certain demythologizing of Christianity with defence of Christian values proved inherently unstable and ineffectual as a social strategy. There were, it seemed, no 'core values' that could be salvaged from the wreck of faith. Once Europe's pluralism had gone so far, once economic development and the growth of the global market had triumphed as they did in Western Europe in the second half of the twentieth century, once much more emphasis had come to be placed on 'rights' than on 'responsibilities', then it wasn't clear that much at all was left of Europe's Christian heritage. There was, not so much a set of common, core values still in operation, as an inner vacuum.

It is not easy to see how the Christian churches of Europe can repair the tears in the fabric of Europe's Christian heritage. Can they, should they, seek to recover a vision of a 'Christendom of the soul', a commonly-acknowledged, normative set of values for European society? Such a proposal would face significant obstacles. It would be seen as an infringement of personal liberty, and as a throwback to 'old world' values that many people have repudiated – for that reason alone, politicians would probably run scared of it. Only that way, however, through a dialectic of opposition and affirmation, can the churches hope to put Christianity back where it was for centuries – at the very centre of European culture

Abstract from an original article first published in the Italian review Atlantide, 2, 2008