Während sich der Frühling hier gerade von seiner besten Seite zeigt, herrscht im kleinen US-Örtchen Hawkins tiefer Winter. In der schneebedeckten Landschaft tauchen plötzlich neue, unheimliche Kreaturen auf, was natürlich die Nerd-Freunde aus „Stranger Things“ auf den Plan ruft. Mit „Stranger Things: Tales from ’85“ erweitert Netflix sein Erfolgsuniversum um eine Animationsserie. Eigentlich eine gute Idee, denn der Schritt ins Zeichentrickformat eröffnet neue erzählerische Freiheiten und bietet gleichzeitig die Chance, bekannte Figuren in einem neuen Stil weiterzuerzählen. Ich habe in die ersten Folgen reingeschaut: Das Ganze sieht ordentlich aus. Ein klassischer Animationsstil wie bei „The Real Ghostbusters“ hätte zur Serie allerdings besser gepasst. Vermutlich wollte man junge Zuschauer:innen aber nicht verprellen und setzt daher eher auf einen angesagten Look à la „Arcane“. Aber auch so ist die neue Animationsserie gespickt mit Referenzen, Soundbites und Songs aus den 1980er Jahren. Doch ausgerechnet bei einem zentralen Element hakt es bei der Serie gewaltig: den Stimmen.

Anstatt auf die etablierten deutschen Synchronstimmen der Originalserie zurückzugreifen, scheint man hier neue Stimmen ausgewählt zu haben. Das Ergebnis ist irritierend. Figuren, die man über Jahre hinweg mit bestimmten Klangfarben, Betonungen und Eigenheiten verknüpft hat, wirken plötzlich seltsam entkoppelt von ihren Figuren. Gerade auf dem deutschen Markt ist Synchronisation mehr als eine reine Übersetzung. Stimmen sind ein Wiedererkennungsmerkmal und oft ein entscheidender Teil der Charaktere. Wenn Dustin, Max oder Hopper plötzlich anders klingen, entsteht erst einmal Distanz. Ich habe mich zumindest erst nach drei Episoden an die neuen Stimmen gewöhnt. Ein Blick auf andere Produktionen zeigt, wie wichtig die Stimmen sein können. Bei der Trickserie „Avengers: Gemeinsam unbesiegbar!” hat man sich im Deutschen bewusst für die bekannten Stimmen aus den Kinofilmen entschieden und der Serie so einen Mehrwert gegenüber dem US-Original geboten.

Warum klingen die Stimmen in „Stranger Things: Tales from ’85“ anders?

Gerade bei der Synchronisation des ersten Ablegers der Erfolgsserie will der Streamingriese Netflix offenbar Kosten sparen. Die bisher bekannten Sprecher:innen sollten ihre Stimmen vertraglich für KI-Schulungszwecke zur Verfügung stellen, damit sie bei zukünftigen Projekten möglicherweise nicht mehr benötigt werden. Die Sprecher:innen haben dem verständlicherweise widersprochen, woraufhin sie letztlich durch neue Stimmen ersetzt wurden. Zukünftig darf damit gerechnet werden, dass die KI-Synchronisation dauerhaft zum Einsatz kommt. Klar, sie ist schneller und günstiger. Wenn Stimmen jedoch als Datensätze behandelt werden, gerät schnell aus dem Blick, dass sie das Ergebnis von Erfahrung, Schauspiel- und Regiearbeit sind. Serien leben von Pausen, Betonungen und kleinen Nuancen. Hinzu kommt ein weiterer Punkt: Die Entscheidung, ob KI-Stimmen zum Einsatz kommen sollen oder nicht, sollte nicht den Zuschauer:innen überlassen werden. Nicht jede:r erkennt sofort, ob mit KI gearbeitet wurde, und noch weniger können überprüfen, wie die Synchronfassung entstanden ist. Transparenz wäre hier eigentlich Pflicht.

Gerade für eine weltweit erfolgreiche Serie wie „Stranger Things“ ist das ein nicht nachvollziehbarer Schritt. „Stranger Things: Tales from ’85“ zeigt exemplarisch, welchen Einfluss die Synchronisation auf das Seherlebnis haben kann. Zwar sparen Streamingdienste hier kurzfristig Geld, riskieren aber langfristig die Bindung ihres Publikums.

Bilder: Netflix

Den neuen Monat mit einem Feiertag zu starten, ist immer eine gute Idee. Der Mai ist da jedes Jahr wohlwollend. Dieses Jahr liegt der Feiertag auch so, dass direkt ein langes Wochenende daraus entsteht – optimal für ausgiebigen Seriengenuss. Ich persönlich freue mich im Mai besonders auf „The Boroughs“, das hier und da als die erwachsene Version von „Stranger Things“ beschrieben wird. Auch spannend: Ab dem 6. Mai stehen alle sechs Staffeln von „The Handmaid’s Tale“ auf Netflix zum Abruf bereit.

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

Glory (1. Staffel)

4. Mai

Dr. Seuss’s Horton! (2. Staffel)

6. Mai

Worst Ex Ever (2. Staffel)
Love is Blind Poland (1. Staffel)
The Handmaid’s Tale (1.-6. Staffel)

7. Mai

The Chestnut Man: Hide and Seek (Der Kastanienmann: Versteckspiel) (1. Staffel)
Legends (1. Staffel)

8. Mai

Thank You, Next (Danke – Nächster!) (3. Staffel)
My Royal Nemesis (1. Staffel)

11. Mai

Pop Culture Jeopardy! (1. Staffel)

12. Mai

Devil May Cry (2. Staffel)

13. Mai

Perfect Match (4. Staffel)
Between Father and Son (Entre padre e hijo) (1. Staffel)
Roosters (Gockel) (2. Staffel)

14. Mai

Nemesis (1. Staffel)
Soul Mate (1. Staffel)

15. Mai

Berlin and the Lady with an Ermine (Berlin und die Dame mit dem Hermelin) (1. Staffel)
The WONDERfools (1. Staffel)
ER (Emergency Room: Die Notaufnahme) (1.-15. Staffel)

20. Mai

Carizzma (Carísima) (1. Staffel)

21. Mai

The Boroughs (1. Staffel)

22. Mai

Mating Season (1. Staffel)

26. Mai

Jae-seok’s B&B Rules! (1. Staffel)

27. Mai

My 2 Cents (Due spicci – Das nötige Kleingeld) (1. Staffel)

28. Mai

Murder Mindfully (Achtsam Morden) (2. Staffel)
The Four Seasons (2. Staffel)

29. Mai

Calabasas Confidential (1. Staffel)
Brazil ’70: The Third Star (Brasilien 70: Der dritte WM-Stern) (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

19. Mai

Wanda Sykes: Legacy

31. Mai

AFI Life Achievement Award: A Tribute to Eddie Murphy

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

6. Mai

Countdown: Rousey vs. Carano

7. Mai

USA 94: Brazil’s Return to Glory (USA 94: Brasiliens Rückkehr an die Spitze)

12. Mai

Untold UK: Jamie Vardy
Marty, Life Is Short

13. Mai

The Bus: A French Football Mutiny (Der Bus: Die Revolte der Les Bleus)

15. Mai

The Crash (The Crash: Wenn junge Liebe toxisch wird)

19. Mai

Untold UK: Liverpool’s Miracle of Istanbul

21. Mai

James.

26. Mai

Untold UK: Vinnie Jones

29. Mai

Rafa

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

Son-In-Law (Der Schwiegersohn)
Swapped (Swapped – Getauscht)
Trauzeugen
My Dearest Señorita (Meine geliebte Señorita)

3. Mai

Sonne und Beton

4. Mai

Mädchen Mädchen

7. Mai

My Dearest Assassin

8. Mai

Remarkably Bright Creatures (Das Glück hat acht Arme)

13. Mai

Begin Again (Can a Song Save Your Life?)

22. Mai

Ladies First

28. Mai

Gladiator II

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

5. Mai

Funny AF with Kevin Hart

11. Mai

The Roast of Kevin Hart

17. Mai

Ronda Rousey vs. Gina Carano

Ab nächsten Monat schwingt Nicolas Cage als düstere Spider-Man-Version durch die neue Serie „Spider Noir”. Cage leiht der Figur nicht nur seine Stimme, wie er es bereits in den „Spider-Verse“-Animationsfilmen getan hat, sondern er steht auch tatsächlich vor der Kamera. Wie zuletzt im Teaser-Trailer und jetzt auch im frisch veröffentlichten Trailer zu sehen ist, steht ihm die Rolle des Privatermittlers Ben Reilly und des netzschwingenden Helden namens The Spider ganz gut. Welchen Fall der Detektiv aus den 1930ern lösen muss, ist nach wie vor nicht ganz klar. Dafür bekommen wir mehr von den Schurken zu sehen, mit denen es der Held aufnehmen muss. Mit dabei sind Brandon Gleeson als Mafiaboss Silvermane, Abraham Popoola als einschüchternder Tombstone, Jack Huston als Sandman und Andrew Lewis Caldwell als Superschurke Megawatt.

Je mehr ich von der Serie sehe, desto zuversichtlicher bin ich, dass die erste Staffel, die aus acht Folgen besteht, gelungene Superhelden-Krimi-Kost bieten wird. Das Ganze gibt es sowohl in stilechtem Schwarz-Weiß als auch in Farbe. Ich vermute, dass sich die Macher:innen dann doch nicht getraut haben, den bunten Sehgewohnheiten der heutigen Zuschauer:innen ausschließlich eine Schwarz-Weiß-Version zu bieten. Ich werde jedenfalls in Schwarz-Weiß einschalten. Und ihr?

„Spider-Noir“ ist ab dem 27. Mai bei Prime Video verfügbar.

Bilder: Amazon Prime Video

– Elton war in Staffel 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Max Giermann war in den Staffeln 1, 2 und 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Martina Hill war in den Staffeln 2 und 4 dabei, dann einmal Gast in Staffel 5 und bei einem Special dabei
– Michelle Hunziker war in Staffel 3 dabei, außerdem in einem Special
– Carolin Kebekus war in den Staffeln 1 und 3 dabei
– Barbara Schöneberger war in Staffel 1 dabei
– Olaf Schubert war in den Staffeln 3 und 5 dabei, in Staffel 4 als Gast sowei bei einem Special
– Torsten Sträter war in den Staffeln 1 und 5 dabei, in Staffel 2 als Gast sowie bei einem der Specials
– Tedros „Teddy“ Teclebrhan war in Staffel 1 dabei, außerdem in einem Special.

Ich meine, ich konnte mit dem Format sowieso nie viel anfangen, obwohl ich mich hier im Blog immer gerne mit dem Format beschäftige, wie auch zur letzten Ausgabe. ich find’s aber noch ermüdender, wenn sich dann auch immer die gleichen Personen um den „Sieg“ bemühen.

„LOL: Last One Laughing“ – warum nicht mal anderen Gästen eine Chance geben?

Es geht ja auch anders, wie das Spin-Off-Format „LOL Next“ zum Beispiel gezeigt hat, wo man mit Hazel Brugger zwar auf ein bekanntes Gesicht am Moderationsplatz gesetzt hat, sonst aber auf frische Teilnehmer:innen geachtet hat, in dem Fall Influencer:innen.

Auch Staffel 6 bot einiges an Abwechslung, das fand ich vom Ansatz her erfrischend. Mit Ariane Alter, Florian David Fitz, Giovanni Zarrella, Helene Bockhorst, Jürgen Vogel, Lutz van der Horst, Riccardo Simonetti und Till Reiners waren 8 der 10 Kandidat:innen Premierengäste, nur Ralf Schmitz und Hazel Brugger waren Wiederholungstäter.

Die Weiterentwicklung von „LOL“ ist für Volker Neuenhoff, Leiter Unterhaltung Deutsche Originals bei Amazon MGM Studios, ein bewusster Balanceakt: „Einerseits lebt das Format von seiner klaren, einfachen Grundidee – genau diese muss wiedererkennbar sein. Andererseits bietet das Universum genug Flexibilität, um neue Varianten zu entwickeln. Die kreativen Grenzen liegen dort, wo wir das Kernversprechen der Show gefährden würden: die unmittelbare, authentische Komik im Raum und das klare Regelwerk. Solange diese Elemente erhalten bleiben, sehen wir viel Spielraum für neue Ansätze – sei es durch unterschiedliche Cast-Konstellationen oder thematische Rahmungen. Wir prüfen kontinuierlich, wie sich das Format weiterdenken lässt, dabei geht es weniger darum, das Konzept radikal zu verändern, sondern es intelligent zu erweitern und für unterschiedliche Zielgruppen neu zu interpretieren. Unser Fokus bleibt dabei immer: die Marke LOL frisch zu halten, ohne ihre DNA zu verlieren.“

Klar ist auch: Gerade bei dem Format hängt eine Menge von den Gästen ab, insofern waren „LOL Next“ und Staffel 6 mal frische Ansätze. Wie gut diese beim Publikum ankamen, kann ich jetzt nicht einschätzen. Jetzt aber zehn Comedians ins Rennen zu schicken, die alle Wiederholungstäter:innen sind, ist dann irgendwie verschenkt. Sie kennen das Format, wissen, worauf zu achten ist, und die Gefahr ist für mich da, dass jeder nur noch mehr sein individuelles Comedy-Programm in Häppchen dort abspult, bunt aneinandergereiht und verbunden durch Bully Herbigs Moderation.

Philip Pratt, Leiter Deutsche Originals bei Amazon MGM Studios, erklärt die Häufung bekannter Gesichter in der Staffel 7 so: „Die wiederkehrende Zusammenarbeit mit bestimmten Talenten ist für uns ein wichtiger Bestandteil unserer inhaltlichen Strategie. Wir verstehen Prime Video nicht nur als Service, sondern auch als kreatives Zuhause, in dem langfristige Partnerschaften entstehen können. Wenn Talente in unterschiedlichen Formaten auftauchen – sei es in LOL oder anderen Originals – entsteht für das Publikum eine gewisse Vertrautheit und Wiedererkennbarkeit. Das stärkt die Bindung zu Prime Video insgesamt. Gleichzeitig ermöglicht uns diese kontinuierliche Zusammenarbeit, mit Kreativen an neuen Ideen zu arbeiten und Formate weiterzuentwickeln. Wir wissen, wie diese Talente arbeiten, und sie kennen unsere Erwartungen – das schafft Vertrauen und oft auch eine besondere, kreative Dynamik. Wichtig ist uns dabei aber immer die richtige Balance: Wir wollen sowohl bekannte Gesichter etablieren als auch neuen Stimmen eine Bühne geben. Genau diese Mischung macht unser Portfolio lebendig und relevant.“

Dabei gibt’s ja genug Potenzial, da auch unverbrauchte Gesichter zu platzieren. Das müssen für mich noch nicht einmal unbedingt Comedians sein – möglicherweise bringt auch gerade eine andere Mischung neuen Schwung in das Format. Warum nicht auch einmal mit Gästen starten, die man in dem Format gar nicht erwarten würde. Möglicherweise hängt die Entscheidung dagegen damit zusammen, dass man bei der Produktion auch darauf achten muss, dass das Format funktioniert. Nicht jede:r passt da mutmaßlich hinein. Für Volker Neuenhoff ist die Mischung entscheidend: „Wir wollen Gesichter dabei haben, die das Publikum kennt und liebt – aber auch Fresh Faces, die neue Energie reinbringen. Bei der Auswahl schauen wir auf mehrere Faktoren: Comedy-Talent, Persönlichkeit und Chemie. Wer bringt eine besondere Dynamik mit? Wer traut sich, die eigene Komfortzone zu verlassen? LOL lebt davon, dass die Teilnehmer:innen sich auf das Experiment einlassen. Es geht nicht nur darum, einzelne starke Persönlichkeiten zu besetzen, sondern ein Ensemble zu formen, das miteinander funktioniert und sich gegenseitig herausfordert. Am Ende ist LOL immer ein Zusammenspiel – und der Cast ist so kuratiert, dass genau diese Dynamik entstehen kann.“ Und ich hatte beim Interview mit den Teilnehmenden und Produzenten der 6. Staffel auch in diese Richtung gefragt und rausgehört, dass man sich sehr genau anschaut, dass auch die Chemie unter den Teilnehmenden stimmt. Denn auch wenn keiner der Gäste lachen darf – lustig soll’s ja trotzdem sein.

Bilder: Amazon Prime Video

Eine Folge ist vorbei, der Bildschirm wird schwarz – bis zur nächsten Folge dauert es mindestens ein paar Tage. Ich habe also Zeit, darüber nachzudenken, zu reflektieren, Vorfreude und Spannung zu empfinden und nichts machen zu können, als abzuwarten. Und das genieße ich gerade total, denn die Serie wird für mich über Wochen zum regelmäßigen Begleiter.

Raum für Diskurs

Es ist das ewige Diskussionsthema: Binge Watching oder Genuss in Häppchen? Auch hier im Blog haben wir in regelmäßigen Abständen darüber philosophiert, was besser ist: die Veröffentlichung aller Episoden einer Serie oder neuen Staffel an einem Stück oder in wöchentlichen Etappen. Und auch ich stehe dieser Frage gerade wieder gegenüber.

Stellt euch vor, die finale Staffel von „Stranger Things“ wäre in einem Rutsch veröffentlicht worden. Gut, einige meinen vielleicht, es wären uns allen damit zahlreiche Verschwörungstheorien zum (tatsächlichen) Ende der Serie erspart geblieben. Aber wie cool ist es denn, was für ein Diskurs daraus entstanden ist? Wie viele Leute sich ausgetauscht haben, wie viele coole Theorien ausgearbeitet wurden und wie viele Screenshots aus der Serie als vermeintliche Hinweise für oder wider der Idee, dass die Serie in Wirklichkeit noch gar nicht vorbei ist, dienten, wie viele Marken auf den Zug aufgesprungen sind und offensichtlich Teil dieses kulturellen Moments sein wollten. Herrlich! Natürlich wollte ich hier eigentlich auch immer sofort wissen, wie es weitergeht. Aber ich habe das Aushalten genossen.

Ich schaue aktuell die Reality-Spielshow „The Race“. Es läuft mittlerweile die dritte Staffel der Serie und neue Folgen erscheinen immer donnerstags und sonntags. Und ich hasse und liebe es! Hier kann ich nicht selbst kontrollieren, wie viele Episoden ich nun schaue, sondern habe eine natürliche Begrenzung für meinen Konsum. Und die Konsequenz? Die Serie begleitet mich nun seit einigen Wochen, an der Kaffeemaschine bei der Arbeit tausche ich mich über den aktuellen Stand der Show aus und am Ende jeder Folge bin ich traurig, dass es vorbei ist und ich warten muss – und gleichzeitig freue ich mich, dass sich das Erlebnis dadurch noch ein bisschen weiter streckt und ich noch ein bisschen länger mit den Protagonist:innen mitfiebern kann.

Natürlich könnte ich auch einfach warten bis alle Folgen veröffentlicht sind, um dann alles in einem Zuge zu schauen. Aber ich bin überzeugt, dass man Serien, die man binget, auch ganz anders schaut und anders – vielleicht sogar weniger – schätzt. Was mir an der etappenweisen Veröffentlichung besonders gut gefällt? Dass mir die Entscheidung abgenommen wird, wann und wie viele Episoden ich schaue – denn meistens gibt es sowieso nur eine weitere Folge, wenn ich weiterschaue. Und für weniger entscheidungsfreudige Menschen wie mich ist das genau das Richtige. Insbesondere, wenn im Alltag von morgens bis abends schon viele Entscheidungen getroffen werden müssen, entspannt es mich mehr, mich dann in der Freizeit ein bisschen treiben lassen zu können.

Momentaufnahme

Das ist eine Phase und ja auch gerade nur eine Serie, die das in meinem Leben betrifft. Es kommen auch wieder andere Zeiten und auch dann werde ich wöchentliche Episodenveröffentlichungen wieder verfluchen – vor allem den Faktor, dass ich nicht selbst bestimmen kann, ob ich weiterschaue oder nicht. Und bis dahin genieße ich den aktuellen Status. Denn vielleicht ist genau das der eigentliche Vorteil: nicht alles sofort haben zu können.

Wie der Zufall es allerdings so will, ist „The Race“ seit gestern vorbei und die finale Episode geschaut. Mist. Und jetzt?

In welchem Status befindet ihr euch gerade? Ist dieser an eine bestimmte Serie geknüpft, übertragt ihr eure Seh-Vorliebe einfach auf die Serien, die ihr gerne schaut oder lasst ihr euch treiben, wie es gerade passt?

Bilder: Das Cover-Bild wurde mithilfe von ChatGPT erstellt | Netflix | Fox

Auch die neue Staffel beweist: Die Serie ist immer dann am stärksten, wenn sie nah an ihren zentralen Charakteren bleibt. Genau dort entfaltet die vierte Staffel ihre größte emotionale Wucht, während sie in Momenten, in denen der Fokus zu stark auf Nebenfiguren oder Schauplätzen außerhalb der Hauptgeschichte verschoben wird, spürbar etwas an Zugkraft verliert. Die Ereignisse aus den vorherigen Episoden haben tiefe Spuren hinterlassen. Mark Grayson befindet sich in einem emotionalen Konflikt, der sich wie ein roter Faden durch die Handlung zieht. Seine Angst, seinem Vater immer ähnlicher zu werden, verleiht der Serie eine bemerkenswerte Tiefe. Diese innere Zerrissenheit ist es, die Mark Grayson so nahbar macht. Die Serie nimmt sich Zeit, um diese Entwicklung entsprechend aufzuzeigen. Marks erster bewusster Kill legt besonders eindrucksvoll dar, dass sich die Serie nicht für die Gewalt per se interessiert, sondern für die Konsequenzen. Auch Omni-Mans Versuch, Wiedergutmachung zu leisten, ist nicht so einfach. Stattdessen zeigt die Comic-Adaption, wie kompliziert und widersprüchlich echte Reue sein kann. Omni-Man ist kein klassischer geläuterter Bösewicht, sondern eine Figur, die zwischen alten Ideologien und neuen Einsichten schwankt. Seine Interaktionen mit Mark, aber auch mit seiner Ex-Frau Debbie und seinem zweiten Sohn Oliver gehören zu den emotionalen Höhepunkten der Staffel. Gerade die Gespräche zwischen Vater und Sohn sind oft intensiver als jede Actionszene.

Ein weiteres zentrales Thema der Staffel ist der Krieg im All. Mit der Eskalation des Konflikts zwischen den Viltrumiten und der Koalition der Planeten rückt die Serie die Konsequenzen von Gewalt zunehmend in den Mittelpunkt. Dabei gelingt es ihr, beide Seiten differenziert darzustellen. Zwar sind die Viltrumiten eindeutig als Aggressoren positioniert, doch auch die Gegenseite bleibt nicht frei von moralischen Grauzonen. Figuren wie Thaedus verkörpern diese Ambivalenz besonders deutlich. Dies wird in einigen Episoden eindrucksvoll umgesetzt, etwa wenn gezeigt wird, dass Kriege nicht nur von Helden, sondern vor allem von namenlosen Soldaten und Zivilisten getragen werden. Kriegsmontagen, in denen sich Kampfhandlungen mit ruhigen Momenten abwechseln, verdeutlichen auch die wahren Konsequenzen eines Krieges. Damit geht die Trickserie wieder einmal weit über klassische Superhelden-Erzählungen hinaus.

Allerdings zeigt sich auch, dass „Invincible“ nicht in jeder Episode das gleiche Niveau erreicht. Insbesondere dann, wenn der Fokus stärker auf Nebenfiguren oder neue Handlungsstränge gelegt wird, verliert die Serie etwas an Intensität. Episode vier ist ein gutes Beispiel dafür: Die Idee, einen offenen Handlungsstrang um die Verbannung des Ermittlers Damien Darkblood zu schließen, klingt grundsätzlich spannend. Doch im Vergleich zu den auf Mark und seine Familie fokussierten Episoden wirkt sie weniger packend, dabei stammt die eigens für die Serie geschriebene Folge von „Invincible“-Schöpfer Robert Kirkman persönlich. Auch visuell bleibt die Staffel auf gewohnt gutem Niveau. Die Actionsequenzen sind wieder brutal, dynamisch und teilweise erschreckend explizit inszeniert. Gerade die Kämpfe gegen die Viltrumiten gehören zu den intensivsten Momenten der Serie. Gleichzeitig nutzt die Animation gezielt ruhigere Szenen, um emotionale Augenblicke wirken zu lassen. Dieser Kontrast zwischen Gewalt und Intimität funktioniert auch in der vierten Staffel wieder gut. Ein weiterer Pluspunkt ist der Umgang mit wiederkehrenden Motiven und Running Gags wie beispielsweise der Auftritt der Mumie Ka-Hor. Dabei verliert sich die Serie nie in bloßem Fanservice, sondern integriert diese Elemente beiläufig in die Handlung. Gegen Ende der Staffel spitzt sich die Handlung zunehmend zu und mündet in einem Finale, das die Zuschauer:innen mit voller Wucht trifft. Die letzte Folge punktet dabei nicht mit einer großen Weltraumschlacht, sondern mit zwischenmenschlichen Situationen, die zu Tränen rühren. Ein Beispiel ist Eves bewegendes Geständnis. Die Entwicklungen rund um Mark, Omni-Man und die Viltrumiten deuten darauf hin, dass die Serie noch lange nicht am Ende ihrer Möglichkeiten angekommen ist.

Fazit

Auch die vierte Staffel ist eine überzeugende Fortsetzung, die vor allem durch ihre starken Charaktere und ihre emotionale Tiefe überzeugt. Einige kleinere Schwächen in einzelnen Episoden ändern nichts daran, dass die Serie weiterhin zu den spannendsten Vertretern des Superhelden-Genres gehört.

Bilder: Prime Video

Nach dem Ende von „Star Trek: Discovery“ und dem angekündigten Abschluss von „>„Star Trek: Strange New Worlds“ mit Staffel 5 sollte „Star Trek: Starfleet Academy“ dem Franchise neue Perspektiven eröffnen. Schon im Vorfeld wurde das Projekt jedoch von hitzigen Online-Debatten begleitet. Teile des Publikums kritisierten die Serie früh als „zu woke“, während andere darauf hinwiesen, dass sich hinter mancher Kritik weniger inhaltliche Einwände als vielmehr altbekannte Kulturkampfmuster verbergen. Jetzt ist „Star Trek: Starfleet Academy“ abgesetzt worden und Star Trek steckt in der Krise.

In diesem Artikel möchte ich auf die jüngere Vergangenheit des Franchise blicken und einordnen, welche Entwicklungen tatsächlich greifbar sind – und welche vor allem aus Gerüchten, Hoffnungen und Enttäuschungen bestehen.

Das Ende der Star-Trek-Filme

Bevor wir uns dem eigentlichen Heimterritorium von Star Trek widmen – den Serien –, lohnt sich zunächst ein Blick auf die Kinofilme.

Star Trek hat sein Publikum nicht nur im Fernsehen, sondern auch auf der großen Leinwand über Jahrzehnte begleitet. Obwohl das Franchise seine Fans mit Hunderten Episoden in insgesamt 11 Serien begeistert hat (mit „Short Treks“ wären es 12), war es auch im Kino lange präsent: zunächst mit der Original-Crew rund um Kirk in sechs Filmen, später mit der Crew aus „The Next Generation“ um Picard in vier weiteren. Nach „Star Trek: Nemesis“ (2002) war jedoch zunächst Schluss, bevor 2009 ein für Hollywood typischer Reboot folgte.

Die ersten beiden Filme der neuen Zeitlinie – „Star Trek“ (2009) und „Star Trek Into Darkness“ – fanden durchaus Anklang und waren kommerziell erfolgreich. Mit „Star Trek Beyond“ (2016) verlor die Neuauflage jedoch sichtbar an Momentum. Seitdem wurden zwar immer wieder neue Kinoprojekte angekündigt, darunter auch ein möglicher vierter Film mit der Crew um Chris Pine, doch ein echter Durchbruch blieb aus. Inzwischen wirkt es zumindest fraglich, ob diese Besetzung noch einmal in einem weiteren Film zurückkehren wird.

Ganz verschwunden sind Filmpläne rund um Star Trek allerdings nicht. Parallel zu den Diskussionen um einen möglichen vierten Kelvin-Film befanden sich zeitweise weitere Projekte in Entwicklung, darunter auch ein neuer Film mit anderer Ausrichtung. Ein konkreter Starttermin oder eine klare Perspektive für die Rückkehr von Star Trek ins Kino lässt sich daraus bislang aber nicht ableiten.

Einen Sonderfall stellt „Sektion 31“ dar. Dabei handelt es sich nicht um einen klassischen Kinofilm, sondern um einen direkt für das Streaming produzierten Film. Ursprünglich war das Projekt als Serie geplant, wurde nach Verzögerungen durch die Pandemie und veränderten Produktionsbedingungen schließlich in ein Filmformat umgewandelt. Die Reaktionen fielen überwiegend negativ aus, weshalb man nicht mit einer Fortsetzung rechnen sollte.

Das Ende der Serien

Seit dem Ende der klassischen „TNG-Ära“ mit „Star Trek: The Next Generation“, „Star Trek: Deep Space Nine“ und „Star Trek: Voyager“ hat das Franchise mehrfach versucht, sich neu zu erfinden.

Zunächst geschah das mit „Star Trek: Enterprise“. Die Serie stand von Beginn an unter Druck, an frühere Erfolge anzuknüpfen, und suchte erst nach und nach zu ihrer eigenen Identität. Gerade in den späteren Staffeln gewann sie deutlich an Profil, wurde am Ende aber dennoch nach vier Staffeln eingestellt.

Danach dauerte es fast zwölf Jahre, bis mit „Star Trek: Discovery“ der große TV-Neustart erfolgte. Die Serie startete mit viel Aufmerksamkeit, großem Budget und dem Anspruch, Star Trek für ein neues Publikum zu modernisieren. Aus meiner Sicht war gerade die erste Staffel in vielerlei Hinsicht mutig und experimentierfreudig. Auch die zweite Staffel hatte noch starke Momente. Danach verlor die Serie für viele Zuschauer allerdings zunehmend an Klarheit und Richtung.

Ähnlich zwiespältig fällt der Blick auf „Star Trek: Picard“ aus. Die Serie profitierte enorm von der Rückkehr Patrick Stewarts und vom Nostalgiefaktor, konnte die hohen Erwartungen aber vor allem in den ersten beiden Staffeln nur teilweise erfüllen. Erst die dritte Staffel sorgte mit ihrer starken TNG-Rückbindung bei vielen Fans für eine versöhnlichere Gesamtwahrnehmung.

„Star Trek: Strange New Worlds“, das aus „Discovery“ hervorging, ist für viele Zuschauer die bislang gelungenste Live-Action-Serie der neuen Trek-Ära. Der episodischere Ansatz, die stärkere Nähe zum klassischen Seriengefühl und die insgesamt leichtere Tonalität kamen deutlich besser an. Umso bemerkenswerter ist es, dass auch diese Serie mit einer fünften Staffel enden soll.

Hinzu kommen die animierten Serien „Star Trek: Lower Decks“ und „Star Trek: Prodigy“. Beide haben ihr Publikum gefunden, wenn auch auf sehr unterschiedliche Weise. „Lower Decks“ funktioniert als schnelle, selbstreferenzielle Comedy innerhalb des Franchise, während „Prodigy“ eher als familienfreundliches Abenteuerformat angelegt ist. Für die Gesamtwahrnehmung der Marke spielen beide eine Rolle, stehen aber weniger im Zentrum der öffentlichen Diskussion.

Mit „Star Trek: Starfleet Academy“ wurde der bislang jüngste Versuch gestartet, dem Franchise im Live-Action-Bereich neue Energie zu geben. Gerade deshalb hingen an dieser Serie besonders hohe Erwartungen. Sie sollte nicht nur als eigenständiges Format funktionieren, sondern auch die Frage beantworten, wie Star Trek nach „Discovery“ und „Strange New Worlds“ weitergehen kann. Das ist eine enorme Last für ein einzelnes Projekt.

Mit dem Aus der Serie und ohne weitere aktuelle Projekte steht Star Trek aktuell still und steckt in einer tiefen Sinnkrise.

Die Rolle von Alex Kurtzman

Alex Kurtzman ist seit 2009 eine der prägenden Figuren des modernen Star Trek. Schon beim Kinoreboot war er kreativ beteiligt, später wurde er zur zentralen Schlüsselfigur des Franchise im Serienbereich. Auch außerhalb von Star Trek ist sein Name in Hollywood längst etabliert; Produktionen wie „Fringe“ gehören ebenfalls zu seiner Laufbahn.

Innerhalb des Franchise fällt die Bilanz allerdings gemischt aus. Einerseits hat Kurtzman maßgeblich dazu beigetragen, Star Trek nach langer Pause überhaupt wieder als laufendes Serienuniversum zu etablieren. Ohne ihn gäbe es die aktuelle Fülle an Trek-Produktionen vermutlich nicht. Andererseits wird gerade diese Ära von vielen Fans als inhaltlich sehr schwankend wahrgenommen: ambitioniert, teuer und produktiv, aber qualitativ nicht immer konstant.

Dazu kommt, dass Kurtzmans Name inzwischen für einen sehr bestimmten Stil steht: stärker serialisiert, emotionaler, oft actionbetonter und deutlich näher an modernen Franchise-Erzählweisen als viele klassische Trek-Serien. Für manche war das eine notwendige Modernisierung, für andere eine Entfremdung von dem, was Star Trek eigentlich ausmacht.

Sein aktueller großer Deal mit CBS Studios läuft nach bisherigem Stand bis 2026. Gerade deshalb wird seit Längerem spekuliert, ob das Franchise vor einer Neuordnung steht. Offiziell ist dazu wenig bekannt, doch vieles deutet darauf hin, dass Star Trek in den kommenden Jahren zumindest strategisch neu ausgerichtet werden könnte.

Gerüchte, Wunschprojekte und misslungene Ideen

Wie bei fast jedem großen Franchise existiert auch rund um Star Trek eine dauerhafte Gerüchteküche. Manche Ideen schaffen es nie über die Fan-Diskussion hinaus, andere werden intern offenbar ernsthaft erwogen, ohne jemals offiziell bestätigt zu werden.

Besonders häufig genannt wird seit dem Ende von „Star Trek: Picard“ ein mögliches Spin-off um Seven of Nine, Raffi Musiker und die neue Enterprise-Crew. Im Fandom läuft dieses Projekt meist unter dem Titel „Star Trek: Legacy“. Terry Matalas hat mehrfach deutlich gemacht, dass er an einer solchen Fortsetzung interessiert wäre. Offiziell angekündigt oder in Auftrag gegeben wurde die Serie bislang allerdings nicht.

Daneben kursieren seit geraumer Zeit Überlegungen zu einer möglichen Fortsetzung rund um James T. Kirk in der von „Strange New Worlds“ eingeführten Version mit Paul Wesley. Teilweise fällt in diesem Zusammenhang der Name „Star Trek: Year One“. Bisher handelt es sich dabei aber eher um ein öffentlich geäußertes Wunschprojekt als um eine konkret bestellte Serie.

Auch im Filmbereich zeigt sich dieses Muster immer wieder: viele Ideen, viele Schlagzeilen, aber nur wenige wirklich belastbare Fortschritte. Genau das verstärkt den Eindruck, dass Star Trek momentan zwar alles andere als tot ist, seine kreative Richtung aber noch nicht wieder klar gefunden hat.

Star Trek ist nicht am Ende – aber in einer schwierigen Phase

Trotz aller Rückschläge wäre es verfrüht, Star Trek abzuschreiben. Dafür ist die Marke zu bekannt, zu traditionsreich und wirtschaftlich zu wertvoll. Franchises dieser Größenordnung verschwinden in der Regel nicht einfach – sie pausieren, sortieren sich neu und kehren irgendwann in veränderter Form zurück.

Gleichzeitig zeigt die Vergangenheit, dass eine große Marke auch längere Übergangsphasen durchlaufen kann. Zwischen „Star Trek: Enterprise“ und „Star Trek: Discovery“ lagen fast zwölf Jahre. Diese Zeitspanne erinnert daran, dass selbst ein Franchise mit so großer Geschichte nicht automatisch und ohne Unterbrechung präsent bleibt.

Star Trek mag also nicht am Ende sein, könnte aber in eine längere Phase des Tiefschlafs übergehen. Sollte Alex Kurtzman das Franchise tatsächlich nicht weiterführen – wovon derzeit einiges ausgeht –, wird Paramount wohl nach einer neuen kreativen Leitung suchen. Gleichzeitig dürfte man sehr vorsichtig sein, bevor eine neue Serie oder ein weiterer Film beauftragt wird. Star Trek ist schließlich ein teures Franchise, und die bislang eher verhaltene Resonanz auf „Starfleet Academy“ zeigt, dass neue Projekte keineswegs Selbstläufer sind. Insofern ist Star Trek vielleicht nicht am Ende, befindet sich aber in einer Art Koma – mit der Ungewissheit, wann und in welcher Form das Franchise wieder erwacht.

Bilder: Paramount+ / CBS Studios

… und damit auch der Grund, warum sich Warner Bros. Discovery so lange Zeit gelassen hat mit einem Start. Denn schließlich gab es eine umfangreiche Kooperation mit dem deutschen Pay- und Streaminganbieter, der sich selbst in Deutschland als „Home of HBO“ bezeichnete. Dazu gab es eine Vereinbarung zwischen Sky und HBO, nach der ein Großteil der HBO-Eigenproduktionen exklusiv und direkt bei Sky landen, von „Euphoria“ über „Game of Thrones“ bis „True Detective“. Eine ähnliche Vereinbarung hatte Sky auch mit Netflix: Lange vor dem Start des Streamingdienstes in Deutschland hatte Sky sich „House of Cards“ exklusiv gesichert – so dass die Serie auch dann noch lange exklusiv bei Sky lief, obwohl Netflix selbst längst buchbar war. Sowohl in dem Fall als auch bei HBO hat Sky entsprechend clever agiert.

Eine gewisse Verunsicherung ist da – was läuft auch bei Sky, was nur bei HBO?

Netflix‘ Vorteil war, dass es sich nur um eine Serie aus dem Portfolio handelte. Bei HBO ist gleich ein sehr großer Teil des HBO-Kataloges bei Sky gelandet – und bis heute noch verfügbar, was die Lage etwas undurchsichtig für die Kund:innen macht und den Entschluss erschwert, HBO Max zu buchen. Der Deal, den wir hier im Blog ausführlich beschreiben haben, sieht vor, dass abgeschlossene HBO-Serien zu HBO wandern, laufende Serien von Sky zu Ende geführt werden können – und parallel bei HBO anlaufen. Diese Übergangsfrist ist komfortabel für Sky und natürlich auch erstmal bequem für uns Kund:innen, denn wer den Fokus auf bestimmte aktuelle HBO-Serien gelegt hat, kann entspannt weiter bei Sky bleiben. Aber es ist dennoch ein Abo auf Zeit, denn neue HBO-Serien, die gibt es nur noch bei HBO Max.

Ich selbst bin seit Jahren Sky-Kunde, habe mich dann aber doch für eine Kündigung entschieden, weil gefühlt abseits der HBO-Serie bei Sky nicht mehr viel übrig bleibt. Und die neuen Serien, die es nur bei HBO gibt, sind für mich absolut überzeugende Argumente gewesen, dann doch OK zu klicken beim HBO-Abo: „A Knight of the Seven Kingdoms“ zum Beispiel, oder die vielfach ausgezeichnete Serie „The Pitt“, die HBO mutmaßlich für den Deutschland-Start Sky vorenthalten hatte, oder auch „DTF St. Louis“ – alles wirklich tolle Serien, die ich ohne Wechsel verpasst hätte. Und es kündigt sich ja noch mehr an, wie die „Harry Potter“-Serie zum Beispiel.

Überrascht war ich, dass es zum Start von HBO Max keine Aktionsangebote gab. Lediglich ein Kombiabo mit RTL+ war möglich, ich hätte aber auf Einführungsangebote gehofft. Nach einiger Zeit des Abwartens bin ich dann trotzdem zu HBO gegangen und habe Sky gekündigt – nur um Sky jetzt übrigens doch wieder zu abonnieren, weil jetzt hier nämlich günstige Aktionsangebote auf den Markt kamen. Für den Preis gönne ich mir Sky jetzt weiter, um zum Beispiel „The Rookie“ weiter zu schauen, eigentlich eine bei Disney+ beheimatete Serie, die Sky irgendwann mal – genau – ebenfalls exklusiv lizensiert hatte.

Erster Eindruck von HBO – so läuft der Streamingdienst im Alltag

Wie ist jetzt der erste Eindruck bei HBO Max nach 100 Tagen am Markt? Hier im Blog hatten wir ja schon einen Einblick direkt nach dem Start gegeben. Auch da hatte sich schon gezeigt: Erstmal ist es natürlich ein Streamingdienst wie jeder andere. Plattform und Handhabung machen jetzt keinen großen Unterschied zu Netflix oder Paramount+. HBO Max besticht natürlich durch die Qualität des Angebotes, mit den vielen, wirklich hochwertigen HBO- und Max-Originalen. Das macht schon Spaß, als Serien- (und auch als Film-)Fan reinzuschauen und neue Titel zu entdecken. Dazu kommen zahlreiche Klassiker-Titel von HBO oder aus dem Warner-Archiv, so dass man erstmal gut zu tun hat, sich mit den Titeln zu beschäftigen. Aufgeteilt ist der Dienst ganz simpel in Serien, Filme, HBO und – Sport; etwas überraschend, ja, aber HBO Max war ja extra zu den Olympischen Winterspielen 2026 gestartet, um möglichst öffentlichkeitswirksam zu sein. Hier laufen nach wie vor exklusive Sportsendungen, auch viel Live-Sport, allerdings nicht gerade von den beliebtesten Hauptsportarten. Gewundert hat mich bis hierhin, dass HBO nicht mehr aus seinen Film- und Serienuniversen macht. Das „Game of Thrones“-Universum, die DC-Welt oder die „Harry Potter“-Kollektion finden sich nur als einfache Kachel irgendwo im Wust der anderen Angebote. Da hätte ich eher erwartet (und fänd’s auch praktischer), wenn HBO das als prominente Kachel ganz oben im Dienst platzierte, wie Disney das mit Star Wars, Marvel & Co. macht.

Unsicher bin ich, ob es erfolgsversprechend für HBO Max ist, auf Eigenproduktionen für Europa zu setzen. „Banksters“ heißt das erste deutschsprachige Original, und dann steht noch „4BLOCKS ZERO“ an, ein Spin-Off zur deutschen Warner-Erfolgsserie „4BLOCKS“. Generell deutschen Produktionen einen Platz einzuräumen, nachdem sich Paramount+ & Co. sang- und klanglos davon zurückgezogen haben, ist definitiv schonmal lobenswert.

Nicht gerade erleichtert haben dürfte HBO Max den Start die Diskussion um die Zukunft des Medienunternehmens. Immerhin hatten sowohl Netflix als auch Paramount Interesse an Warner gezeigt – das führte zu einem Bieterstreit und zu einem Gezerre über die Zukunft von HBO. Wird Max Teil von Netflix? Oder von Paramount+? Oder bleibt’s eigenständig? Zu viel Unsicherheit für den einen oder anderen möglicherweise – auf jeden Fall eine weitere Herausforderung für den Anbieter, HBO Max sorgfältig im deutschen Markt einzuführen und zu etablieren. Aber es sind ja erst 100 Tage – mal sehen, wie sich das weitere Jahr entwickelt – vor allem dann, wenn zu Weihnachten 2026 die Harry Potter-Serie startet – exklusiv, nur bei HBO Max; und dann auch sicher verbunden mit einem ganz speziellen Weihnachtsangebot für alle, die noch nicht bei HBO Max sind.

Bilder: HBO

Der April macht ja bekanntlich, was er will – also lasst uns schon mal einen Blick auf den Mai und dessen Sky-Programm werfen. Da freue ich mich besonders auf die Sonderprogrammierung zu David Attenboroughs 100. Geburtstag. Was steht auf eurer Watchlist?

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine Mai 2026

4. Mai

A Plan to Kill (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

6. Mai

Inside FBI – Die härtesten Fälle (5. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)
Boston Blue (1. Staffel – Sky One, Sky & WOW)

7. Mai

The Blacklist (9. & 10. Staffel – Sky & WOW)

13. Mai

Wetterwahnsinn weltweit (5. Staffel – Sky & WOW)

17. Mai

Nationalparks – Geschützte Naturwunder (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

18. Mai

Life Below Zero (7. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

21. Mai

Die Freeway-Killer: Drei Serientäter, ein Muster (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)
Ralf & Étienne: Wir sagen Ja! (4-teilige Doku – Sky One, Sky & WOW)

22. Mai

Deadly 60 – Die gefährlichsten Tiere der Welt (6. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

25. Mai

Chicago Fire (14. Staffel – Universal TV, Sky & WOW)
Chicago Med (11. Staffel – Universal TV, Sky & WOW)

26. Mai

Geheimakte Nazi-Wissenschaft (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

30. Mai

Matlock (2. Staffel – Universal TV, Sky & WOW)

Neue Filme bei Sky:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

The Negotiator

2. Mai

The Dogs

8. Mai

Counting Crows: Chronik einer Kultband (Doku)
Kindermusik: Zwischen Kunst und Klicks (Doku)
The Smashing Machine

9. Mai

The Bad Shepherd

14. Mai

The Boston Strangler: Unheard Confession (Doku)

15. Mai

Ein Sommer in Italien – Die WM 1990 (Doku)
Black Phone 2

16. Mai

Bugonia

22. Mai

Benetton Formula (Doku)
Wicked – Part 2

23. Mai

Gabby’s Dollhouse: The Movie

28. Mai

The Strangers: Chapter 2

29. Mai

Die Schule der magischen Tiere 4

Sonderprogrammierung:
100. Geburtstag David Attenborough

Die Frequenz der Themen, die eine extreme Dringlichkeit haben und die Berichterstattung dominieren, ist so dermaßen gestiegen, dass man gar nicht mehr weiß, worauf man sich eigentlich konzentrieren soll – oder worüber man sich gerade sorgen bzw. echauffieren sollte.
Und während ich diese Zeilen schreibe, bahnt sich wahrscheinlich schon das nächste weltbewegende Ereignis an.

Ganz neu ist dieser Zustand nicht – aber die Intensität schon.

Was macht das mit uns?
Typischerweise konsumieren wir mehr Nachrichten, sobald eine Krise herrscht. Man möchte informiert sein, um sich ein Gefühl von Kontrolle und Sicherheit zu verschaffen und nicht überrascht zu werden.

Da Krise aber inzwischen fast ein Dauerzustand ist, gibt es auch eine gegenläufige Tendenz: Überforderung. Niemand kann dauerhaft im Alarmzustand bleiben.
Was macht man also? Man vermeidet Nachrichten. Nicht komplett, aber dosiert – etwa im Sinne von: Ich muss mir nicht auch noch die Sondersendung oder die Talkshow nach den Nachrichten anschauen.

Studien zeigen, dass dieser Trend real ist.
Der Digital News Report 2024 des Reuters Institute for the Study of Journalism, eine der weltweit größten Untersuchungen zum Nachrichtenkonsum mit Daten aus 47 Ländern, kommt zu dem Ergebnis, dass ein wachsender Anteil der Bevölkerung Nachrichten bewusst meidet. Ein zentraler Grund: Viele empfinden die Berichterstattung als zu negativ, zu überwältigend oder emotional belastend. Rund vier von zehn Befragten geben an, sich durch Nachrichten erschöpft zu fühlen.
Gleichzeitig zeigt die Studie, dass die Menschen sich nicht vollständig abwenden, sondern selektiver konsumieren: kürzer, gezielter und oft mit dem Versuch, belastende Inhalte zu reduzieren.

Ich für meinen Teil kann das absolut unterschreiben. Mir ist es zu viel geworden. Eigentlich war ich immer ein sehr nachrichteninteressierter Mensch – aber das eigene Seelenheil braucht eben auch Priorität.

Wie sieht es bei euch aus? Reduziert ihr euren Nachrichtenkonsum inzwischen auch bewusst?

Ich komme gerade erst von einer kleinen Ruhrpott-Tour zurück. Ein bisschen treiben lassen, ein bisschen gucken, ein bisschen dieses sehr spezielle Gefühl aufsaugen, das man zwischen Hafenbecken, Backstein, Brücken, Industriekulisse und Trinkhalle eben nur dort bekommt. Und wie das dann so ist: Kaum läuft man durch solche Ecken, fängt das Serien- und Filmhirn automatisch an zu rattern. Moment mal – hier könnte doch auch … Und ja: Genau so ist es. Im Ruhrgebiet wurde und wird deutlich mehr gedreht, als man im ersten Moment auf dem Schirm hat.

Klar, „Der letzte Bulle“ fällt einem sofort ein. Muss auch. Die Serie gehört zu Essen und zum Reviergefühl wie Mick Brisgau zu seinem völlig unzeitgemäßen Charme. Dabei ist Essen nicht nur inhaltlich die Heimat der Serie, sondern tatsächlich auch einer ihrer wichtigen Drehorte. Genannt werden unter anderem das Essener Rathaus, die Grugahalle, das Haus der Technik und die Alte Synagoge. Ganz sauber muss man allerdings dazusagen: Nicht alles wurde im Ruhrgebiet gedreht, manches entstand auch in Köln und Umgebung. Aber selbst mit diesem Zusatz bleibt der Eindruck derselbe: Diese Serie lebt auch deshalb, weil sie nach Revier aussieht, nach Revier klingt und dieses leicht raue, ehrliche Stadtbild mitnimmt.

Spannend ist aber, dass es mit Der letzte Bulle eben längst nicht getan ist. Beim „Tatort“ etwa lohnt sich ein zweiter Blick, weil „Ruhrpott-Tatort“ eigentlich mehrere Dinge gleichzeitig meint. Da wäre natürlich der Dortmund-Tatort, der seine Stadt immer wieder sichtbar mitspielt: Phoenix-West, der Hafen, diese harten Kanten, diese Übergangsorte, dieses Gefühl von urbaner Fläche, die nicht geschniegelt wurde, bevor die Kamera kam. Und dann gibt es eben noch die eigentliche Legende des Revier-Krimis: Schimanski. Die Stadt Duisburg pflegt diese TV-Geschichte bis heute so offensiv, dass es dort sogar eigene Schimmi-Touren zu den legendären Drehorten in Ruhrort, in der Innenstadt und am Innenhafen gibt. Mehr Auszeichnung als das bekommt ein Fernsehmythos eigentlich nicht: Wenn aus einer Figur irgendwann Stadtführung wird, hat sie ihren Platz im kollektiven Gedächtnis sicher.

Überhaupt ist Duisburg bei so einer Recherche ein erstaunlich ergiebiger Treffer. Wenn man sich anschaut, was die Stadt selbst zu Film- und Fernsehdrehs aufführt, wird ziemlich schnell klar, dass Duisburg weit mehr ist als nur „auch mal Kulisse“. Gerade die Mischung aus Hafen, Wasser, Industrie, Brache, Weite und Stahl macht die Stadt offensichtlich seit Jahren attraktiv für Produktionen. Das Interessante daran: Duisburg spielt vor der Kamera nicht nur Duisburg. Es spielt Milieu, Atmosphäre, Härte, Übergang, Vergangenheit – manchmal sogar Zukunft. Das Ruhrgebiet ist eben nicht bloß Hintergrund, sondern bringt fast immer schon ein Gefühl mit ins Bild.

Ein besonders schönes Beispiel dafür ist „Babylon Berlin“. Dass eine so stilisierte, historisch aufgeladene Serie auch im Ruhrgebiet andockt, klingt auf dem Papier vielleicht erst mal überraschend. Vor Ort ergibt es sofort Sinn. Der Landschaftspark Duisburg-Nord wurde für mehrere Szenen genutzt und taucht genau deshalb in dieser Recherche fast zwangsläufig als Schlüssellocation auf. Denn der Ort kann etwas, das nur wenige Drehorte können: Er ist extrem konkret und gleichzeitig komplett verwandelbar. Er sieht nach Industriegeschichte aus, aber auch nach dystopischer Fantasie, nach Weltkriegsnachhall, nach Parallelwelt, nach allem, was Regisseurinnen und Regisseure gern „Atmosphäre“ nennen, wenn sie eigentlich meinen: Dieser Ort erzählt schon, bevor eine Figur den Mund aufmacht.

Und dann wird es fast ein bisschen absurd – im besten Sinn. Denn derselbe Landschaftspark Duisburg-Nord taucht eben nicht nur in deutschen Prestigeproduktionen auf, sondern auch bei „Die Tribute von Panem: Das Lied von Vogel und Schlange“. Das ist so ein Fund, bei dem sich das Bild vom Ruhrgebiet ganz elegant einmal um die eigene Achse dreht. Die alte Industriearchitektur, die man hierzulande lange vor allem mit Strukturwandel, Ruß und Malocherromantik verbunden hat, funktioniert plötzlich auch als internationale Blockbuster-Kulisse. Nicht trotz ihrer Rauheit, sondern gerade wegen ihr. Weil diese Orte eben nicht glatt sind. Weil sie Widerstand im Bild haben. Weil sie nicht so aussehen, als wären sie gestern von einer Architekturvisualisierung ausgespuckt worden.

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Erkenntnis nach so einer kleinen Tour durchs Revier: Der Ruhrpott ist als Drehort nicht deshalb interessant, weil er geschniegelt oder postcard-ready wäre. Sondern weil er Charakter hat. Weil er Ecken zulässt. Weil er Geschichte nicht versteckt. Und weil er in Serien und Filmen genau das liefert, was vielen austauschbaren Hochglanzkulissen fehlt: Textur. „Der letzte Bulle“, Schimanski, der Dortmund-Tatort, „Babylon Berlin“ oder selbst ein Hollywood-Abstecher wie „Die Tribute von Panem“ zeigen letztlich alle auf ihre Weise, dass das Ruhrgebiet keine x-beliebige Kulisse ist. Es bringt seine eigene Erzählung immer schon mit.

Und genau deshalb macht es so einen Spaß, dort herumzulaufen und immer wieder diesen einen Gedanken zu haben:
Klar. Natürlich wurde genau hier gedreht. Wo denn sonst? Alle Bilder in diesem Artikel sind übrigens von mir selbst „gehandy-knippst“ worden. Und vielleicht passt genau das ja auch ganz gut zum Ruhrpott: nicht geschniegelt, nicht geschniegelt werden wollend, aber ziemlich genau hingesehen.

Bilder: Chris Wright

Ende Juli wird Jon Bernthal als Punisher sein Leinwanddebüt in „Spider-Man: Brand New Day“ feiern. Zuvor spendiert Disney+ dem Antihelden noch ein eigenes TV-Special. Viel ist zur Handlung noch nicht bekannt. Im Fokus steht jedoch erneut Frank Castle, der sich mit seinen Kriegstraumata und dem Verlust seiner Familie auseinandersetzt und dabei offenbar versucht, einen neuen Lebensweg einzuschlagen. Dass dieser Weg nicht ohne brutale Konfrontationen auskommt, deutet der erste Trailer bereits an.

„Mehr hast du nicht drauf? Das ist alles?“

Den Trailer im O-Ton findet ihr hier.

Seinen ersten Auftritt als Punisher hatte Jon Bernthal in Staffel 2 von „Daredevil“. Es folgten zwei Staffeln der Solo-Serie „The Punisher“ sowie zuletzt ein Wiedersehen in Staffel 1 von „Daredevil: Born Again“. Am neuen Special war Bernthal diesmal auch kreativ beteiligt und schrieb gemeinsam mit Regisseur Reinaldo Marcus Green am Drehbuch. Neben bekannten Gesichtern wie Jason R. Moore als Curtis Hoyle sind auch Neuzugänge dabei, darunter Mila Jaymes als die aus den Comics bekannte Gegenspielerin, Ma Gnucci.

„The Punisher: One Last Kill“ ist ab dem 13. Mai bei Disney+ verfügbar.

Bilder: Disney

„The Boys“ Staffel 5, exklusiv verfügbar ab 8. April 2026

Die mehrfach mit dem Emmy ausgezeichnete Serie „The Boys“ steuert mit der 5. Staffel auf ihr Finale zu. Die neue Staffel startet am 8. April 2026 mit zwei Episoden, gefolgt von einer neuen Folge pro Woche bis zum Serienfinale am 20. Mai 2026. In der fünften und letzten Staffel ist die Welt in Homelanders Hand vollständig seinen unberechenbaren, egozentrischen Launen ausgeliefert. Hughie, Mother’s Milk und Frenchie sind in einem „Freedom Camp“ gefangen. Annie kämpft verzweifelt darum, einen Widerstand gegen die überwältigende Supe-Macht aufzubauen. Kimiko ist spurlos verschwunden. Doch als Butcher wieder auftaucht – bereit und willens, ein Virus einzusetzen, das alle Supes auslöschen würde – löst er eine Kette von Ereignissen aus, die die Welt und jeden darin für immer verändern wird.

„Balls up“, exklusiv verfügbar ab 15. April 2026

Die neue Komödie „Balls Up“ von Regisseur Peter Farrelly startet am 15. April 2026 weltweit bei Prime Video. In den Hauptrollen sind Mark Wahlberg und Paul Walter Hauser zu sehen. Sie verkörpern zwei Marketing-Manager, die mit einer gewagten Idee für einen Sponsoring-Deal bei der Fußball-Weltmeisterschaft für Aufsehen sorgen. Zum weiteren Cast gehören unter anderem Benjamin Bratt, Eva De Dominici und Daniela Melchior sowie Molly Shannon, Sacha Baron Cohen und Eric André. Worum geht’s? Nach einer eskalierenden Partynacht in Brasilien geraten die zwei Marketingmanager in einen internationalen Skandal – und müssen sich auf eine turbulente Flucht vor wütenden Fans, Kriminellen und mächtigen Strippenziehern begeben, um ihre Karrieren und ihr Leben zu retten.

„Mission Unknown“, exklusiv verfügbar ab 22. April 2026

Die Challenges sind in vollem Gange und Prime Video gibt die ersten Teilnehmer:innen von „Mission Unknown: The Unexpected“ bekannt: Neben Jens „Knossi“ Knossalla begeben sich Nadine Breaty, Otto „Bulletproof“ Karasch, Max Schradin und Paul „Paulomuc“ Fischer auf die Reise zu unbekannten Zielen und Herausforderungen. „Mission Unknown: The Unexpected“ ist ab dem 22. April 2026 bei Prime Video verfügbar. Wer noch die Reisen antritt, welche Orte bereist werden und welche Teams ihre Missionen bestreiten, wird in den nächsten Wochen bekannt gegeben. Mission Unknown: The Unexpected erscheint bei Prime Video und zwei Wochen später auf Knossis YouTube-Kanal.

„Das Geisterhaus“ Staffel 1, exklusiv verfügbar ab 29. April 2026

Die neue Prime Original-Serie „Das Geisterhaus“ wird ab dem 29. April bei Prime Video verfügbar sein. Die erste Spanisch-sprachige Fernsehadaption basierend auf Isabel Allendes international gefeiertem gleichnamigen Roman wird eine achtteilige Familiensaga. Sie begleitet drei Generationen von Frauen – Clara, Blanca und Alba – über ein halbes Jahrhundert hinweg und erzählt von den Klassenkämpfen, politischen Umwälzungen und der Magie ihres konservativen südamerikanischen Heimatlandes. In „Das Geisterhaus“ wird Alfonso Herrera die Rolle des Esteban Trueba übernehmen, während Nicole Wallace und Dolores Fonzi die Clara del Valle in verschiedenen Lebensabschnitten darstellen. Zur Besetzung gehören außerdem Fernanda Castillo als Férula, Aline Kuppenheim als Nivea del Valle, Eduard Fernández als Severo del Valle, Sara Becker und Fernanda Urrejola als Blanca, Rochi Hernández als Alba, Juan Pablo Raba als Tío Marcos, Pablo Macaya und Nicolás Contreras als Pedro Tercero.

Amazon Prime Video: Die weiteren Neustarts und Katalogtitel im April 2026

SERIEN

Schnick Schnack – Pumuckl treibt Schabernack | Staffel 1 | Exclusive
ab 1. April 2026

Nippon Sangoku: Die drei Nationen der roten Sonne | Staffel 1 | Original
ab 5. April 2026

The Boys | Staffel 5 | Original
ab 8. April 2026

The Handmaid’s Tale | Staffel 6 | Exclusive
ab 8. April 2026

Fist of The North Star | Staffel 1 | Exclusive
ab 11. April 2026

Bones | Staffel 1-12
ab 13. April 2026

Absolute Value of Romance | Staffel 1 | Exclusive
ab 17. April 2026

American Gladiators | Staffel 1 | Original
ab 17. April 2026

Kevin | Staffel 1 | Original
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #01 (2013/14)Year 3 | Staffel 1
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #02 (2014/15)Year 3 | Staffel 2
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #03 (2015/16)Year 3 | Staffel 3
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #05 (2017/18)Year 3 | Staffel 5
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #06 (2018/19)Year 3 | Staffel 6
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #07 (2019/20)Year 3 | Staffel 7
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #08 (2021/22)Year 3 | Staffel 8
ab 20. April 2026

Mission Unknown: The Unexpected | Staffel 2 | Exclusive
ab 22. April 2026

LOL: Chi Ride È Fuori | Staffel 6 | Original
ab 23. April 2026

Cangaco Novo | Staffel 2 | Original
ab 24. April 2026

Cochinas | Staffel 1 | Original
ab 24. April 2026

Pam & Tommy | Staffel 1
ab 27. April 2026

Das Geisterhaus | Staffel 1 | Original
ab 29. April 2026

FILME

Spectre
ab 1. April 2026

House of Gucci
ab 1. April 2026

Skyfall
ab 1. April 2026

James Bond 007 – Ein Quantum Trost
ab 1. April 2026

James Bond 007 – Casino Royale
ab 1. April 2026

James Bond 007 – Keine Zeit zu sterben
ab 1. April 2026

Megamind: Der Knopf des Verbrechens
ab 1. April 2026

Der Fall Collini
ab 2. April 2026

Ready or Not
ab 2. April 2026

Mission: Impossible – Fallout
ab 2. April 2026

Stromberg – Wieder alles wie immer | Exclusive
ab 5. April 2026

Sonic the Hedgehog
ab 9. April 2026

Sonic the Hedgehog 2
ab 9. April 2026

The Longest Ride
ab 10. April 2026

Kung Fu In Rome | Exclusive
ab 11. April 2026

The Maze Runner
ab 11. April 2026

Maze Runner: The Death Cure
ab 11. April 2026

Maze Runner: The Scorch Trials
ab 11. April 2026

Pompeii
ab 12. April 2026

Balls Up | Original
ab 15. April 2026

Auslöschung
ab 15. April 2026

The Dark Knight
ab 15. April 2026

Batman v. Superman: Dawn of Justice
ab 15. April 2026

Batman Begins
ab 15. April 2026

The Exorcism
ab 16. April 2026

Jerry West: Das Logo | Original
ab 16. April 2026

Nachts im Museum
ab 16. April 2026

Nachts im Museum 2
ab 16. April 2026

Night at the Museum: Secret of the Tomb
ab 16. April 2026

Waiting for the Barbarians
ab 17. April 2026

Venganza | Original
ab 17. April 2026

Project Darwin
ab 17. April 2026

Zack Snyder’s Justice League
ab 19. April 2026

Sugar Baby
ab 19. April 2026

Gone Girl – Das perfekte Opfer
ab 20. April 2026

Dune
ab 20. April 2026

Love Again
ab 21. April 2026

Super Charlie | Exclusive
ab 23. April 2026

Wild Robot | Exclusive
ab 24. April 2026

American Sniper
ab 25. April 2026

Pretty Woman
ab 25. April 2026

Never Let Go | Exclusive
ab 26. April 2026

Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn
ab 28. April 2026

Chroniken der Unterwelt
ab 30. April 2026

The Astronaut | Exclusive
ab 30. April 2026

Bilder: Amazon Prime Video

Wände erklimmen, an Ringen entlanghangeln oder Bälle im Korb versenken und das alles, während einem muskelbepackte Gladiator:innen genau daran hindern wollen. Was heute an Formate wie „Ninja Warrior“ erinnert, sorgte hierzulande bereits ab 1992 mit „American Gladiators“ für ordentlich Nervenkitzel. Insgesamt 139 Episoden lang traten ganz normale Kandidat:innen gegen scheinbar übermenschliche Athlet:innen an und vermittelten dabei das Gefühl, dass jede:r es schaffen kann. Als Kind war ich davon absolut fasziniert und habe mit Freunden versucht, die Spiele nachzustellen, umso größer ist jetzt die Vorfreude auf die Neuauflage. Der Trailer versprüht mit seiner Musik und den klassischen Spielen bereits ordentlich Nostalgie.

„This is the real deal.“

Nach einem eher durchwachsenen Reboot-Versuch im Jahr 2008 könnte die Show nun dank Prime Video ihr Comeback feiern. Diesmal treten 24 Teilnehmer:innen gegen 16 Gladiator:innen an und kämpfen um ein Preisgeld von 100.000 Dollar. Moderiert wird das Ganze von Wrestling-Star The Miz. Wer tiefer in die Geschichte der Show eintauchen möchte, dem sei die Netflix-Doku „Muscles & Mayhem: An Unauthorized Story of American Gladiators“ empfohlen, die einen ungeschönten Blick hinter die Kulissen der Originalproduktion wirft.

„American Gladiators“ startet am 17. April bei Prime Video.

Bilder: Amazon Prime Video

„Star Wars: Maul – Shadow Lord” – Staffel 1 – ab 6. April exklusiv auf Disney+

Nach den Ereignissen von „Star Wars: The Clone Wars“ plant Maul, sein Syndikat auf einem vom Imperium unberührten Planeten wieder aufzubauen. Dort begegnet er einer desillusionierten jungen Jedi-Padawan, die die gesuchte Schülerin sein könnte, die ihm bei seinem Streben nach Rache helfen wird. Ich bin gespannt auf die neue Serie – mir hatte „Star Wars: The Clone Wars“ schon gut gefallen – auch Mauls Rolle darin.

„The Testaments: Die Zeuginnen” – Staffel 1 – ab 8. April exklusiv auf Disney+

„The Testaments: Die Zeuginnen“ basiert auf dem gleichnamigen Roman von Margaret Atwood und erzählt eine Coming-of-Age-Geschichte, die in Gilead spielt. Die Serie setzt an „The Handmaid’s Tale“ an: Im Mittelpunkt stehen zwei Teenagerinnen; die pflichtbewusste Agnes und Daisy, die neu von außerhalb Gileads kommt. Während sie sich durch die prunkvollen Hallen von der Tante-Lydia-Schule für zukünftige Ehefrauen bewegen – einem Ort, an dem Gehorsam mit brutalen Methoden und immer mit göttlicher Rechtfertigung eingeprägt wird – wird ihre Verbindung zum Katalysator, der ihre Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auf den Kopf stellt.

„Malcolm Mittendrin: Unfair wie immer” – Staffel 1 – ab 10. April exklusiv auf Disney+

„Malcolm Mittendrin“ kehrt noch einmal zurück: Nachdem Malcolm sich und seine Tochter über ein Jahrzehnt von seiner Familie abgeschottet hat, wird er wieder in deren Kreis gezogen, als Hal und Lois zu ihrer 40. Jubiläumsfeier auf seine Anwesenheit bestehen.

Die weiteren Neustarts bei Disney+ im April 2026

1. April

+ Den Sommer feiern mit Donna Hay – Staffel 1 (Disney)

+ Dear Killer Nannies: Großgezogen von Mafia-Auftragskillern – Staffel 1 (Hulu)

+ King Kong (Hulu)

+ Mamma Mia! – Der Film (Hulu)

+ Mamma Mia! Here We Go Again (Hulu)

+ Die Braut des Prinzen (Hulu)

+ Marvels „The Hulk” (Marvel)

+ HIP: Ermittlerin mit Mords-IQ – Staffel 1-4

2. April

+ Raising Chelsea – Staffel 1 (Hulu) (OV/UT)

3. April

+ Micky+ Kurzgeschichten: Micky + Spidey (Disney)

+ Pizza Movie (Hulu) (OV/UT)

6. April

+ Brothers in Exile (ESPN)

+ Deion’s Double Play (ESPN)

+ Doc & Darryl (ESPN)

+ The Good, the Bad, the Hungry (ESPN)

+ Long Gone Summer (ESPN)

+ Muhammad and Larry (ESPN)

+ Survive and Advance (ESPN)

8. April

+ The Handmaid’s Tale – Der Report der Magd – Staffel 1-6

10. April

+ Perfect Crown – Staffel 1 (Hulu)

15. April

+ Sisi – Staffel 1-4

22. April

+ Disneynatures „Orangutan” (Disney)

+ Disney Jr. Arielle: Die kleine Meerjungfrau – Staffel 2 Premiere (Disney)

+ SuperKitties – Staffel 3 (Neue Episoden) (Disney)

+ Anaon – Hüter der Nacht – Staffel 1

+ Ghosts – Staffel 1

+ In aller Freundschaft – Staffel 19-26

+ Loriot – Die Fernseh-Edition – Staffel 1-4

+ Schloss Einstein – Staffel 13

+ Schloss Einstein – Staffel 24-26

+ Sherlock – Staffel 1-4

23. April

+ We’ll be fine – Staffel 1 (Hulu)

29. April

+ Grisu – Der kleine Drache – Staffel 1

+ Theresa Wolff – Passion

Bilder: Disney

„Máxima“, Staffel 2, 6 Folgen, wöchentlich in Doppelfolgen, RTL+ Original, exklusiv ab 2. April

Das RTL+ Original „Máxima“ rückt in der zweiten Staffel die Romanze von Máxima (Delfina Chaves) und Willem-Alexander (Martijn Lakemeier) noch stärker ins Zentrum der Weltöffentlichkeit. Unter intensiver medialer und politischer Beobachtung bereitet sich das Paar auf die königliche Hochzeit vor. Paläste, internationale Institutionen und Staatsbesuche bilden die Kulisse, während Máxima versucht, ihre Loyalität zu ihrer Familie mit den Erwartungen einer modernen niederländischen Monarchie in Einklang zu bringen. Die neuen Episoden greifen prägende Momente auf, die vielen noch aus den Nachrichten präsent sind: die Verlobung, die Hochzeit und die ersten Jahre als öffentliches royales Paar. Im Fokus steht dabei nicht nur die wachsende Bindung zwischen Máxima und Willem-Alexander, sondern auch der Balanceakt zwischen persönlicher Loyalität und öffentlicher Verantwortung.

„Das Kanu des Manitu“, am 5. April um 12 Uhr exklusive Premiere auf RTL+

RTL+ und Michael Bully Herbig legen den Zuschauer:innen zu Ostern ein besonderes Geschenk ins Nest. Ostersonntag gibt es den exklusiven Start von „Das Kanu des Manitu“ auf RTL+. Über sechs Millionen Menschen im deutschsprachigen Raum haben das Comeback der Blutsbrüder Abahachi und Ranger im Kino gesehen.

„Kampf der RealityAllstars“, ab 8. April bei RTL+, ab 15.4. auch bei RTLZWEI, immer mittwochs und sonntags 20:15 Uhr

Am thailändischen Star-Strand soll Reality-Geschichte geschrieben werden: Am 15. April 2026 startet bei RTLZWEI die Allstars-Edition von „Kampf der Realitystars“. Erstmals heißt es: Allstars only! 24 bekannte Gesichter des Formats kämpfen um bis zu 50.000 Euro und den Titel „RealityAllstar 2026“. Moderiert wird das Reality-Event von Arabella Kiesbauer.

„Morden auf Öd – Ein Insel-Krimi“, am 14. und 21. April

Das Insel-Trio ist komplett: Neben Maja (Paula Kalenberg) und Klaus (Max Hubacher) mischt jetzt auch Heino Ferch auf der Insel mit und wird als Archivar zum Fixpunkt zwischen Inselmythos und Ermittlungsarbeit. Die zwei neuen Filme von „Morden auf Öd – Ein Insel-Krimi“ starten exklusiv auf RTL+: In „Ödkieker“ (14.04.) entlarvt sich ein vermeintlicher Suizid als perfider Auftragsmord, während ein gesprengtes Unterseekabel die Insel von der Außenwelt abschneidet und ein tödliches Katz- und Maus-Spiel beginnt. In „Der Schrei der Möwe“ (21.04.) endet ein Junggesellenabschied tödlich und führt das Trio tief hinein in ein familiäres Netz aus Lügen und Geheimnissen, Liebe und Verrat. Im Free-TV gibt es die beiden Insel-Krimis erst im Frühjahr 2027 bei RTL zu sehen.

„Highter & Wolkig“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original ab 20. April

In der neuen RTL+ Comedy stolpern zwei maximal unterschiedliche Typen ohne Job einer Geschäftsidee hinterher. Korbi (Nick Romeo Reimann), selbsternannter Business-Mindset-Mogul, und Wolke (Willi Sellmann), Teilzeit-Philosoph mit Dauerhigh, wollen in ihrem bayerischen Dorf das erste legale Cannabis-Café eröffnen. Dumm nur, dass zwischen Gras und Gewinn vor allem eines floriert: Bürokratie. Und diese wird eisern verteidigt von Beamtin Felske (Milena Dreißig). Sechs Folgen über High Hopes, amtliche Hürden und eine Freundschaft, mit Gastauftritten von u.a. Veronica Ferres, Jochen Schropp, Svenja Jung und Anton „Fatoni“ Schneider.

„Mocro Maffia: Tonnano“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original ab 30. April

Kaum ist sein Sohn auf der Welt, wagt Tonnano den radikalen Schnitt: Er verlässt die Amsterdamer Unterwelt und zieht mit seiner Frau Amani und ihrer Familie in die abgelegene Gegend Achterhoek, um einen Neuanfang zu wagen. Doch auch in der beschaulichen Landschaft lauern Gefahren –Amanis Onkel schuldet dem skrupellosen Drogenclan Eysinck eine Menge Geld. Unversehens findet sich Tonnano in einem neuen Kampf wieder und hier sind die Gegner genauso brutal und rücksichtslos wie die Gangs in Amsterdam…

Alle Streaming Highlights bei RTL+ im April 2026 im Überblick

Filme
1. April: „Karl May: Winnetou I“
1. April: „Karl May: Winnetou II“
1. April: „Karl May: Winnetou III“
5. April: „Das Kanu des Manitu“, um 12 Uhr exklusive Premiere auf RTL+
12. April: „Kraven: The Hunter“
14. April: „Morden auf Öd – Ein Insel-Krimi“, am 14.4. und 21.4., exklusiv
15. April: „Der Spion von nebenan“
15. April: „Das Fünfte Element“
15. April: „The Book of Eli“

Serien
1. April: „Bookie“, Staffel 2, 8 Folgen, exklusiv
2. April: „Máxima“, Staffel 2, 6 Folgen, wöchentlich in Doppelfolgen, RTL+ Original, exklusiv
7. April: „The Valhalla Murders“, Staffel 1, 8 Folgen
20. April: „Highter & Wolkig“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original
20. April: „Brooklyn Nine-Nine“, Staffel 1-8
20. April: „Unsere kleine Stadt – Die Coal Valley Saga“, Staffeln 1 und 2, auch bei RTL Passion
30. April: „Dark Phone“, Staffel 1, 4 Folgen, RTL+ Original
30. April: „Mocro Maffia: Tonnano“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original

Reality
8. April: „Kampf der RealityAllstars“, ab 15.4. auch bei RTLZWEI, immer mittwochs und sonntags 20:15 Uhr

LIVE Events
16. April: „Die Reality Awards“

Kids
1. April: „Space Jam“
1. April: „Happy Feet“
1. April: „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“
1. April: „Jim Knopf und die wilde 13“

Sport
9. April: „UEFA Europa League & UEFA Conference League – Hinspiele Viertelfinale“
11. April: „LIVE: OKTAGON 86“
11. April: „LIVE: Premier League: FC Arsenal vs. AFC Bournemouth“
16. April: „LIVE: Premier League: Chelsea FC vs. Manchester United“
16. April: „UEFA Europa League & UEFA Conference League – Rückspiele Viertelfinale“
24. April: „NFL Draft – Day 1“
25. April: „LIVE: OKTAGON 87“
25. April: „NFL Draft – Day 2“
25. April: „NFL Draft – Day 3“
30. April: „UEFA Europa League & UEFA Conference League – Hinspiele Halbfinale“

Dokumentationen
4. April: „Isi Glück – Ballermann Backstage“

TV-Highlights in der Preview
5. April: „Hitster – Die Gameshow der größten Hits“, ab 12.4. auch bei RTL

Bilder: RTL

Es ist eine der ältesten Fragen der Kulturgeschichte – und zugleich eine der aktuellsten: Kann man das Werk vom Künstler trennen? Lange war das eine eher akademische Debatte, geführt in Feuilletons, Seminarräumen und gelegentlich an Stammtischen. Doch inzwischen hat sie die Mitte der Popkultur erreicht. Streamingdienste, Social Media und globale Fankulturen haben aus einer theoretischen Frage eine ganz praktische mit dem Label „Consequence Culture“ gemacht: Was schauen wir noch? Und wen unterstützen wir damit? Die Diskussion rund um die geplante „Harry Potter“-Serie ist dafür ein Paradebeispiel. Die Bücher und Filme sind für Millionen Menschen prägende Kulturgüter. Gleichzeitig steht ihre Schöpferin J.K. Rowling seit Jahren wegen ihrer Aussagen zu Transrechten in der Kritik. Für manche Fans ist klar: Boykott. Für andere: Trennung von Werk und Autor. Doch so einfach ist es nicht.

Genie, Wahnsinn, Widerling? Die unendliche Qual der Trennung von Werk und Schöpfer

In der Literaturtheorie gibt es einen klassischen Ansatz: Roland Barthes proklamierte 1967 den „Tod des Autors“. Seine These: Sobald ein Text veröffentlicht ist, gehört er dem Leser. Die Biografie oder die Absichten des Schöpfers sind irrelevant für die Interpretation. Diese Perspektive lebt bis heute fort – und findet sich auch in aktuellen Debatten wieder. So argumentieren Befürworter der Trennung, dass Kunst nach ihrer Veröffentlichung ein Eigenleben entwickelt. Oder, wie es Elise Coelho im „The Suffolk Journal“ formuliert: „Kunst aus einer kritischen Perspektive zu betrachten, bedeutet, ihre Dualität zu erkennen. Sobald ein Werk in die Welt hinausgetragen ist, gehört es nicht mehr allein dem Künstler. Kunst muss von ihrem Schöpfer getrennt werden, um angemessen beurteilt und kritisch analysiert werden zu können. Diese Trennung gelingt, wenn man erkennt, dass Kunst mehr ist als die bloße Darstellung von Gefühlen auf Leinwand oder Papier, sondern eine abstrakte Nachbildung der Gesellschaft.“ Und weiter führt sie aus: „So hart es klingen mag: Auch schlechte Menschen können großartige Künstler sein. Das heißt nicht, dass man ihre Werke nicht mehr konsumieren sollte, sondern vielmehr, dass man sie kritisch betrachten sollte. Es ist entscheidend für die Weiterentwicklung des Künstlers, aufzuzeigen, was ihm gefällt und was er verbessern sollte.“

Auch aus der Praxis kommt Zustimmung. „Harry Potter“-Regisseur Chris Columbus etwa betonte, er versuche, „the artist from the art“ zu trennen – ein Satz, der sinnbildlich für viele steht, die an der emotionalen Bindung zu einem Werk festhalten wollen. Und Daniel Radcliffe formulierte es im „The Guardian“ noch persönlicher mit Blick auf die Fans: „Wenn Sie in diesen Geschichten etwas gefunden haben, das Sie berührt und Ihnen zu irgendeinem Zeitpunkt in Ihrem Leben geholfen hat – dann ist das eine Sache zwischen Ihnen und dem Buch, das Sie gelesen haben, und es ist heilig. Und meiner Meinung nach kann das niemand infrage stellen. Es bedeutet dir, was es dir bedeutet, und ich hoffe, dass diese Kommentare das nicht allzu sehr trüben werden“. Mit anderen Worten: Das, was ein Werk für Menschen bedeutet, gehört ihnen – nicht mehr seinem Urheber.

Es gibt natürlich auch die andere Perspektive, wie sie zum Beispiel Keira Seidenberg in The Bull & Bear formuliert: „In der Welt der bildenden Kunst ist die Betrachtung der Biografie und Persönlichkeit eines Künstlers grundlegend für das Verständnis eines bestimmten Werkes; der Künstler bestimmt Komposition, Ästhetik und Inhalt eines Gemäldes oder Fotos. So spiegelt das Werk die bewussten Entscheidungen des Künstlers wider und dient oft als Ausdruck seiner Persönlichkeit.“

Doch die Realität 2026 sieht vielfach anders aus. Autoren sind heute Marken. Sie twittern, sie politisieren, sie sind Teil unseres Alltags. Der Autor ist lebendiger denn je – und genau das ist das Problem. Wie die Journalistin Kia Vahland treffend in einem lesenswerten Beitrag für die Süddeutsche Zeitung formulierte: „Von einem Künstler erwartet das Publikum sowohl das Böse als auch das Gute im Übermaß. In der kollektiven Vorstellung ist er gleichzeitig das potenziell verbrecherische Genie und der Kämpfer gegen alles Unbill – ein Verfechter des Guten, Wahren, Schönen, als das die Künste seit der Renaissance, mehr noch seit dem 19. Jahrhundert eben auch gelten. Sie sollen uns das hehre andere vor Augen führen, sollen die Welt besser machen und uns Betrachtern, bitte schön, zeigen, dass auch wir eigentlich gut, schön, wahrheitsliebend sind.“

Schauen wir uns die Frontlinien dieser Debatte an vier Beispielen an, die zeigen, dass es keine einfache Antwort gibt.

J.K. Rowling: Wenn das Heiligtum Risse bekommt

Kein Fall spaltet die Gemüter so sehr wie der von J.K. Rowling. Für eine ganze Generation war „Harry Potter“ ein Kompass für Toleranz und den Kampf gegen Unterdrückung. Dass ausgerechnet Rowling nun zur Galionsfigur einer Bewegung wurde, die von Kritikern als transfeindlich eingestuft wird, empfinden viele als Verrat. Wer sichj einlesen möchte – hier geht’s direkt zu Rowlings Ausführungen. Die Ankündigung einer neuen HBO-Serie hat das Feuer neu entfacht. Boykottaufrufe fluten das Netz. Die US-amerikanische Autorin und Kulturkritikerin Roxane Gay brachte das Dilemma in der Irish Times aus ihrer persönlichen Perspektive auf den Punkt: „Sie wurde zu Recht verunglimpft. Sie stilisiert sich zum Opfer, ist es aber nicht. Sie ist eine Milliardärin, die sich eine der am meisten marginalisierten Bevölkerungsgruppen der Welt zum Ziel gesetzt hat. Und das, indem sie ihre Ängste zu einer Art großem Statement über Geschlechterfragen stilisiert. Es ist absurd. Und es ist schockierend, dass sie dafür von anderen Autoren nicht stärker kritisiert wird.“

Hier liegt der Knackpunkt: Rowling ist keine historische Figur wie Richard Wagner. Jeder Klick auf die neue Serie spült Geld in die Kassen einer Frau, die dieses Geld und ihren Einfluss nutzt, um eine Ideologie zu verbreiten, die viele Fans zutiefst ablehnen. Kann man die Welt der Zauberstäbe noch lieben, wenn die Schöpferin den Zauber der Inklusivität für viele gebrochen hat? Auch die Darsteller:innen haben damit ihre Probleme, wie man hier nachlesen kann.

Neil Gaiman: Der Sturz des empathischen Erzählers

Der Fall Neil Gaiman wiegt für viele besonders schwer, weil Gaiman als der „nette Onkel“ der Fantasy galt. Er war der Verfechter der Außenseiter. Als im Jahr 2024 schwere Vorwürfe wegen sexuellen Fehlverhaltens laut wurden, brach für viele eine Welt zusammen – übrigens auch für mich. Es fällt schwer, die Gedanken dazu auszuklammern, derweil man sich mit neuen Folgen von „The Sandman“ beschäftigen möchte. Die Konsequenzen folgten prompt: Die Produktion von „Good Omens“ wurde massiv beschnitten, Pläne für „The Sandman“ gerieten ins Wanken. Hier geht es nicht um politische Meinungen, sondern um strafrechtlich relevante Vorwürfe. Das Ganze artete zwiwchenzeitlich in eine Schlammschlacht aus, die unerträglich geworden ist – und die für mich Neil Gaiman nur noch mehr beschädigt. Bei Gaiman wird die Trennung fast unmöglich, weil seine Identität als „empathischer Heiler“ untrennbar mit dem Marketing seiner Werke verwoben war.

Christian Ulmen: Wenn die Fiktion von der Realität gefressen wird

Ein bemerkenswerter Fall aus dem deutschen Raum ist die aktuelle Kontroverse um Christian Ulmen und Collien Ulmen-Fernandes. Die Vorwürfe wiegen schwer: Ulmen soll unter dem Namen seiner Ex-Frau im Internet agiert haben, um es einmal möglichst neutral zu formulieren, damit wir uns nicht auf dünnes Eis begeben. Tiefer einsteigen kann man bei dem Thema beim SPIEGEL. Was wie ein Plot aus Ulmens Erfolgsserie „Jerks“ klingt, hat bittere reale Konsequenzen. Streamingdienste wie Joyn reagierten drastisch und nahmen Inhalte offline. Hier erleben wir eine neue Form der „Content-Hygiene“. Da Ulmen oft Rollen spielt, die mit seiner eigenen Identität und Peinlichkeit kokettieren, verschwimmen die Grenzen komplett. Wenn der „reale“ Ulmen beschuldigt wird, die digitale Identität seiner Ex-Frau zu missbrauchen, wird das Schauen von „Jerks“ – einer Serie über moralische Grenzüberschreitungen – für viele unerträglich. Es ist kein „Werk“, das man isoliert betrachten kann, wenn die Tat des Künstlers die Ästhetik des Werks spiegelt.

Kevin Spacey: Das juristische und finanzielle Nachspiel

Kevin Spacey ist das Mahnmal des #MeToo-Zeitalters – wir haben das hier im Blog auch schon ausführlich besprochen. Sein Rauswurf aus „House of Cards“ war ein Schockmoment der TV-Geschichte. Während er in einigen Prozessen freigesprochen wurde, bleiben die zivilrechtlichen Auseinandersetzungen und der Imageschaden massiv. Der Fall Spacey zeigt die pragmatische Seite der Trennung: Produktionsfirmen verklagten Spacey auf Millionen, weil sein Verhalten das „Produkt“ entwertet habe. Bei Spacey stellt sich die Frage: Kann man die darstellerische Brillanz eines Frank Underwood noch genießen, wenn man weiß, welche Atmosphäre am Set herrschte? Hier wird das Werk durch die Produktionsbedingungen vergiftet.

Die Freiheit von uns Konsument:innen

Gibt es eine endgültige Antwort? Sicher nicht. Die Trennung von Werk und Künstler ist kein Gesetz, sondern eine individuelle Schmerzgrenze. Für die einen ist das Werk ein autonomes Objekt, das Schönheit spendet, egal wer es erschaffen hat. Für die anderen ist Konsum ein politischer oder unternehmerischer Akt: Wer streamt, finanziert. Wer finanziert, legitimiert. Wir müssen als Publikum akzeptieren, dass Kunst nicht im luftleeren Raum entsteht. Ein Künstler muss kein Heiliger sein, um Großes zu schaffen – die Geschichte ist voll von genialen Scheusalen. Doch wir müssen uns auch fragen, wie viel Dissonanz wir ertragen können. Nochmal keira Seidenberg dazu: „Ich glaube, die Macht liegt wieder einmal beim Publikum. Als Konsument habe ich das Privileg, mich zurückzuziehen, denn das bedeutet, dass ich ein bestimmtes Werk bewerten oder abwerten kann. Nur durch die Interaktion mit dem Publikum erlangt Kunst gesellschaftliche Bedeutung. Indem ich mich aufgrund des Verhaltens des Künstlers abwende, halte ich an meinem eigenen Beitrag zu diesem Prozess fest. Ich entwerte das Werk und seinen Urheber, indem ich ihnen genau jene Handlungen abspreche, die ihm Bedeutung verleihen.“

Ich finde es schwierig, hier eine eindeutige Position einzunehmen. Mein Dilemma mit Neil Gaimans Werk habe schon beschrieben. Noch unangenehmer wird’s dann, wenn man sich mit den Konsequenzen des Trennens oder Nicht-Trennens beschäftigt. Macht man sich moralisch mitschuldig? Steht man plötzlich für andere für etwas, mit dem man sich inhaltlich gar nicht ausführlich auseinander gesetzt hat? Auch bei uns im Blog gibt es Diskussionen dazu – beispielsweise im jüngsten Beitrag zum ersten Trailer der neuen „Harry Potter“-Serie.

Vielleicht ist der ehrlichste Weg, die Dissonanz nicht aufzulösen, sondern sie auszuhalten. Harry Potter zu lieben, während man Rowlings Aussagen verachtet, ist ein schmerzhafter Spagat. Aber am Ende ist es die Magie der Kunst, dass sie größer sein kann als die Person, die sie in die Welt gesetzt hat. Ob wir ihr dieses Eigenleben zugestehen, entscheiden wir bei jedem Klick neu.

Bilder: HBO, Netflix, Joyn

„Sherlock & Daughter“ – bereits verfügbar

Sherlock Holmes wird aus seiner Komfortzone gerissen, denn aus rätselhaften Gründen kann er einen Fall nicht untersuchen, ohne das Leben seiner engsten Freunde zu gefährden, als Amelia, eine junge Amerikanerin, in sein Leben tritt. Nach dem mysteriösen Mord an ihrer Mutter erfährt sie, dass ihr vermisster Vater ausgerechnet der legendäre Detektiv sein könnte. Trotz völlig unterschiedlicher Herkünfte und Einstellungen müssen die beiden zusammenarbeiten, um die globale Verschwörung rund um den Mord an Amelias Mutter aufzuklären und herauszufinden, ob sie wirklich Sherlocks Tochter ist. „Sherlock & Daughter“ ist eine achtteilige Serie, in den Hauptrollen mit David Thewlis („Harry Potter und die Heiligtümer des Todes“), Blu Hunt („The Originals“), Dougray Scott („Fear the Walking Dead“) und Aidan McArdle („Jane Eyre“). Die Drehbücher stammen von Brendan Foley („Cold Courage“). Bryn Higgins („Black Mirror“) führte Regie.

„Billy the Kid“ – Staffel 3 (bereits verfügbar)

„Billy the Kid“ ist eine Western-Serie von Amazon MGM Studios in Zusammenarbeit mit Amblin Television und De Line Pictures und stammt aus der Feder von Michael Hirst („Vikings“). Sie erzählt die Geschichte von William H. Bonney, auch bekannt als Billy the Kid. Die einzelnen Folgen begleiten ihn von seinen bescheidenen irischen Wurzeln über seine Zeit als Cowboy und Revolverheld bis hin zu seiner entscheidenden Rolle im Lincoln-County-Rinderkrieg und darüber hinaus. Billy the Kid wird dabei von Tom Blyth („Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds and Snakes”) verkörpert. Im Laufe der Serie begegnet er weiteren Legenden des Wilden Westens, wie Jesse Evans, gespielt von Daniel Webber („Marvel’s The Punisher“, „The Dirt“), Sheriff Pat Garrett, gespielt von Alex Roe („The 5th Wave“, „Mysterious Mermaids“) und die tiefgründige, selbstbewusste Dulcinea del Tobosco, gespielt von Nuria Vega („La Hora Marcada“, „Señorita 89“). In der dritten Staffel begeben sich Billy the Kid und seine Regulatoren nach ihrer Niederlage im Lincoln-County-Krieg auf einen letzten, von Rache getriebenen Feldzug gegen die korrupten Mächte New Mexicos – ein Weg, der einen jungen Gesetzlosen in eine amerikanische Legende verwandelt. Als Executive Producer der Western-Serie „Billy the Kid“ zeichnen Donald De Line, Darryl Frank und Justin Falvey verantwortlich.

„Der Salzpfad“ – vereits verfügbar

„Der Salzpfad“ erzählt die wahre Geschichte von Raynor (Gillian Anderson) und Moth Winn (Jason Isaacs), einem Ehepaar in den Fünfzigern, auf ihrer über 1.000 Kilometer langen Wanderung entlang der rauen Küste Südwestenglands. Nach der Zwangsräumung ihres Hofes fassen die beiden den Entschluss, zusammen eine regional bekannte Wanderroute zu begehen – in der Hoffnung, unterwegs in der Natur Trost und Akzeptanz für ihre Schicksalsschläge zu finden. Mit letzten Kräften und Habseligkeiten, die in einen Rucksack passen, treten sie ihren Weg an. „Der Salzpfad“ begleitet die Reise, die allen Widrigkeiten trotzt und dabei gleichermaßen herausfordert, erheitert und befreit. Die Hauptrollen übernehmen Gillian Anderson, bekannt aus den Serien „Akte X“, „The Crown“ und „Sex Education“, sowie Jason Isaacs, der unter anderem in „The White Lotus“, der „Harry Potter“-Reihe und „The Death of Stalin“ zu sehen war.

„Secret Service“ – ab 14. April 2026

Spannend, hochaktuell und filmisch erzählt folgt die britische Serie „Secret Service“ der erfahrenen MI6-Agentin Kate Henderson, gespielt von Ex-„Bond-Girl“ Gemma Arterton („James Bond 007: Ein Quantum Trost“, „The Critic“). Durch verdeckte Ermittlungen fördert sie Hinweise zutage, wonach ein ranghoher britischer Politiker als russischer Agent tätig sein könnte. Der Fall sorgt dafür, dass schon bald Kates Karriere auf dem Spiel steht. Nun muss sie sich durch ein gefährliches Geflecht aus politischer Loyalität, internationaler Bedrohung und persönlichen Opfern kämpfen. Unter der Regie des Oscar-Preisträgers James Marsh („Man on Wire“, „The Theory of Everything“) und mit einem hochkarätigen Cast, darunter Rafe Spall, Alex Kingston, Mark Stanley, Roger Allam, Amaka Okafor, Aoife Hinds, Avi Nash, Alma Prelec und Khalid Abdalla, beleuchtet „Secret Service“ die Welt der Spionage vor dem realen Hintergrund zunehmender Spannungen zwischen Großbritannien und Russland. Die Serie wurde im vergangenen Jahr in Malta und London gedreht und basiert auf dem hochaktuellen Roman des ITV-News-Moderators Tom Bradby. Produziert wurde sie von Potboiler Productions.

Weitere Neustarts im April 2026

THE IRON CLAW (FILM)
In den 1960ern schickte der legendäre Wrestler Fritz von Erich seine Söhne ebenfalls in den Ring. Auf der Basis wahrer Begebenheiten erzählt das US-amerikanische Drama eine bewegende Familiengeschichte. Eine der Hauptrollen verkörpert Zac Efron.
ab 1. April 2026

DAS ATTENTAT – GEHEIMOPERATION BELGRAD (STAFFEL 1)
Die serbisch-deutsche Thrillerserie rekonstruiert die Hintergründe der Ermordung des serbischen Ministerpräsidenten Zoran Đinđić und beleuchtet die Verflechtung von Politik, Geheimdiensten und organisiertem Verbrechen.
ab 1. April 2026

POKER FACE (STAFFEL 1)
Im Mittelpunkt der US-amerikanischen Serie steht Charlie Cale (Natasha Lyonne). Sie verfügt über eine übernatürliche Begabung: Zuverlässiger als jeder Lügendetektor erkennt sie, ob jemand die Wahrheit sagt oder nicht. Damit wird sie unfreiwillig zur perfekten Detektivin.
ab 1. April 2026

FROM (STAFFEL 2)
In der US-Serie „From“ verbreiten mörderische Kreaturen weiterhin Angst und Schrecken. Auch für die mit einem Bus in der albtraumhaften Kleinstadt gestrandeten Neuankömmlinge gibt es kein Entkommen.
ab 1. April 2026

AMSTERDAM (FILM)
Christian Bale, Margot Robbie und John David Washington spielen die Hauptrollen in diesem US-amerikanischen Polit-Krimi: Nach dem Ersten Weltkrieg plant eine Gruppe von Verschwörern, die USA in eine faschistische Diktatur zu verwandeln.
ab 1. April 2026

DER FUCHS (FILM)
Das österreichisch-deutsche Kriegsdrama erzählt die wahre Geschichte eines jungen Soldaten im Zweiten Weltkrieg, der eine tiefe Bindung zu einem verwaisten Fuchsjungen entwickelt.
ab 1. April 2026

ARE YOU THERE GOD? IT’S ME, MARGARET. (FILM)
Die US-amerikanische Tragikomödie nach dem gleichnamigen Kultbuch von Judy Blume erzählt sensibel vom Erwachsenwerden eines elfjährigen Mädchens, das zwischen Familie, Freundschaft, Glauben und den ersten großen Lebensfragen steht.
ab 1. April 2026

BARBARIAN (FILM)
In dem US-amerikanischen Horrorfilm landet Tess (Georgina Campbell) auf dem Weg zu einem Vorstellungsgespräch in einem Haus, in dem seltsame Dinge vor sich gehen. Sie begegnet dort einem Mann namens Keith (Bill Skarsgård) – und macht dann eine grausame Entdeckung.
ab 1. April 2026

DAS LETZTE TABU (DOKUMENTARFILM)
Dokumentarfilmer Manfred Oldenburg setzt sich mit dem Thema Homosexualität im Profifußball auseinander. Dabei präsentiert er persönliche Geschichten von offen homosexuellen Spielern. Zu Wort kommen Thomas Hitzlsperger, Per Mertesacker, Rolf Töpperwien u.v.a.
ab 1. April 2026

ADAM DANGLIESH, SCOTLAND YARD (STAFFEL 3)
Die britische Krimiserie aus dem Jahr 2023 folgt dem sensiblen und analytischen Ermittler Adam Dalgliesh, der im England der 1970er-Jahre anspruchsvolle Mordfälle für Scotland Yard löst. Neben der kriminalistischen Arbeit stehen dabei auch seine persönliche Entwicklung und die moralischen Konflikte der Zeit im Mittelpunkt – basierend auf den Romanen von P.D. James.
seit 1. März 2026

LA FORTUNA (STAFFEL 1)
Diese spanisch-amerikanische Miniserie aus dem Jahr 2021 erzählt die Geschichte eines jungen Diplomaten, der zufällig in den Rechtsstreit um einen wertvollen Schatz aus einem gesunkenen spanischen Schiff verwickelt wird. Der Konflikt entwickelt sich zu einem internationalen Machtkampf zwischen Staaten, Konzernen und historischen Ansprüchen.
seit 1. März 2026

PROTETCTION 8 (STAFFEL 1)
Eine britische Thrillerserie aus dem Jahr 2024, die eine Polizistin begleitet, die im Zeugenschutzprogramm arbeitet und für die Sicherheit gefährdeter Informant:innen verantwortlich ist. Als ein Schutzfall schiefgeht, gerät sie selbst ins Visier krimineller Netzwerke und muss um ihr Leben kämpfen.
seit 1. März 2026

LYLE – MEIN FREUND, DAS KROKODIL (FILM)
Der US-amerikanische Familienfilm aus dem Jahr 2022 erzählt von einer Familie, die ein singendes Krokodil in ihrer New Yorker Wohnung entdeckt und es bei sich aufnimmt. Aus der ungewöhnlichen Begegnung entsteht eine warmherzige Geschichte über Freundschaft, Zusammenhalt und Akzeptanz.
seit 1. März 2026

THE WOMAN KING (FILM)
Dieser US-amerikanische Historienfilm aus dem Jahr 2022 porträtiert die Agojie, eine legendäre, rein weibliche Elitekriegertruppe im westafrikanischen Königreich Dahomey. Im Zentrum stehen ihr Kampf gegen äußere Bedrohungen sowie die Frage nach Freiheit, Tradition und Selbstbestimmung.
seit 1. März 2026

PARALLELE MÜTTER (FILM)
Ein spanisches Drama aus dem Jahr 2021 von Pedro Almodóvar, das von zwei Frauen erzählt, die sich im Kreißsaal kennenlernen und deren Leben auf unerwartete Weise miteinander verbunden bleiben. Der Film verknüpft persönliche Muttergeschichten mit der Aufarbeitung historischer Traumata in Spanien.
seit 1. März 2026

NAHSCHUSS (FILM)
Dieser deutsche Thriller aus dem Jahr 2021 basiert auf wahren Begebenheiten und schildert das Leben eines DDR-Biologen, der zunehmend unter den Repressionen des Staates leidet. Der Film zeigt eindringlich die psychologischen und moralischen Folgen eines Systems, das keinen Raum für Abweichung lässt.
seit 11. März 2026

THE COUPLE NEXT DOOR – PAARE MIT GEHEIMNISSEN
In dieser britischen Psychothriller-Serie geraten zwei frisch Zugezogene in der Vorstadt in den Bann ihrer verführerischen Nachbarn und finden sich bald in einem gefährlichen Geflecht aus Geheimnissen, Begierde und Misstrauen wieder.
bereits verfügbar

Bilder: Magenta

Im März war mal wieder alles drin, was die Serien- und TV-Welt so herrlich anstrengend, aufregend und absurd macht: große Machtverschiebungen mit Paramount, das plötzlich Netflix überbietet und Warner übernimmt, die üblichen Monatsneuzugänge bei Disney+ und Netflix, ein bemerkenswerter ZDF-KI-Fail mit Weckruf-Charakter – und irgendwo dazwischen noch Krankenhausstress in The Pitt, Meme-Krönung für Leonardo DiCaprio, das Malcolm mittendrin-Comeback sowie erste Eindrücke zur neuen Harry Potter-Serie. Kurz: ein Monat zwischen Branchenbeben, Streamingfutter, Kopfschütteln und genau den kleinen popkulturellen Absurditäten, die am Ende dann doch wieder am meisten hängen bleiben.

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Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Chris Monat

Im März habe ich mich dann auch seriell nicht lumpen lassen: Ich habe die finale Staffel von „Der letzte Bulle“ gesehen und Mick Brisgau noch einmal bei seinem ruppig-herzlichen Abschied begleitet. Außerdem war ich wieder mit „Alex Cross“ auf Ermittlungskurs unterwegs, irgendwo zwischen düsterem Fallaufbau und dem üblichen Drang, doch noch eine Folge dranzuhängen. Angefangen habe ich zudem mit Jo Nesbøs „Harry Hole“, was dem Monat noch eine angenehm kalte, nordisch-raue Note verpasst hat. Und als wäre das nicht genug, läuft nebenbei natürlich auch immer noch „Fallout“ weiter – beziehungsweise schon die zweite Staffel, die sich ganz selbstverständlich ihren Platz im Serienalltag gesichert hat.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Im März habe ich mir die letzten Bond-Filme mit Daniel Craig angesehen. Passend dazu hat Amazon Prime Video die kurzweilige Miniserie „Bait“ mit Riz Ahmed (bekannt aus „Sound of Metal“) veröffentlicht in der dieser einen erfolglosen Schauspieler spielt, der als nächster Bond-Darsteller gehandelt wird. Dabei bekommt er ordentlich Gegenwind, sowohl von den Bond-Fans als auch von seiner Familie – sehr amüsant. Und dann ging es auch eigentlich mit ein paar neuen Superhelden-Serien weiter.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im März habe ich es endlich geschafft, „Emily in Paris“ zu Ende zu schauen – und ich habe mich wirklich durchquälen müssen. Dafür haben mich die beiden finalen Staffeln von „Younger“ gut unterhalten. Was ich derzeit richtig feiere, ist die dritte Staffel von „The Race“. Da lohnt sich das Reinschauen auf jeden Fall.

Habe ich gesehen

Dass sich Netflix intensiv mit dem Thema KI beschäftigt, ist nicht neu – wir haben es hier im Blog bereits thematisiert, zum Beispiel in Sachen Synchronisation von Serien. Zuletzt hat Netflix das KI-Unternehmen InterPositive des US-Schauspielers Ben Affleck gekauft. Mit dem Zukauf wolle der Streamingdienst nach eigenen Angaben die Möglichkeiten der Künstlichen Intelligenz in der Filmproduktion nutzen, ohne ​dabei Arbeitsplätze von Kreativen zu gefährden, heißt es dazu beispielsweise beim SPIEGEL.

Die Idee einer interaktiven KI-Serie klingt zunächst nach einer konsequenten Weiterentwicklung von Experimenten wie „Black Mirror: Bandersnatch“, geht laut Insidern deutlich darüber hinaus. Während frühere interaktive Formate auf vorproduzierten Entscheidungspfaden basierten, soll das neue Konzept hybride Technologien nutzen: eine Kombination aus klassischen Dreharbeiten, vorberechneten Story-Varianten und KI-generierten Szenen, die dynamisch eingefügt werden können.

Eingreifen per Live-Voting-System

Kern des Formats wäre ein Live-Voting-System; und falls jetzt ältere Semester an TED-Abstimmungen wie den ZDF-Wunschfilm in den 80ern zurückdenken – nein, so wird’s sicher nicht werden. Fernsehen zum Mitspielen gibt es immerhin seit dem 23. November 1953, als es zum ersten Mal „Ich seh‘ etwas, was Du nicht siehst“ hieß. Damals konnte man noch per Postkarte mitspielen – Christian Richter hat die Welt der Mitspiel-Sendungen wunderbar in diesem Beitrag aufbereitet. Und Fernsehen zum Mitbestimmen hat sogar eine noch längere Tradition – seit dem 2. Juli 1946 im CBS Radio Theater #3 in New York. Auch das hat Christian Richter hier prima aufbereitet.

Was ist jetzt hier in der Zukunft möglich? Denkbar wäre eher, dann an bestimmten Punkten innerhalb einer Episode uns Zuschauer:innen Entscheidungsoptionen eingeblendet werden – etwa, ob eine Figur eine riskante Entscheidung trifft, eine Beziehung beendet oder ein Geheimnis offenbart. Die Abstimmung erfolgt innerhalb weniger Sekunden, das Ergebnis wird aggregiert und beeinflusst unmittelbar den weiteren Verlauf der Episode. In einem globalen Modus sehen dabei alle Zuschauer:innen dieselbe, durch Mehrheitsentscheidungen bestimmte Version der Geschichte. Parallel dazu soll es auch personalisierte Modi geben, in denen individuelle Entscheidungen zu eigenen Handlungsverläufen führen.

Technisch könnte Netflix demnach auf eine sogenannte „adaptive narrative engine“ setzen. Diese analysiert in Echtzeit Abstimmungen, Nutzerverhalten und dramaturgische Parameter und entscheidet, welche vorproduzierten Szenen abgespielt oder welche KI-generierten Sequenzen eingefügt werden. Gerade bei Übergängen und Dialogvarianten kommt generative KI zum Einsatz: Sie kann Gespräche leicht abwandeln, Perspektiven verändern oder Nebenfiguren dynamisch anpassen, ohne dass jede Variante zuvor vollständig gedreht werden muss.

Besonders weitreichend ist die geplante Personalisierung von Charakteren. Zuschauer:innen könnten demnach Einfluss auf Aussehen, Stimme oder sogar grundlegende Charakterzüge einzelner Figuren nehmen. Möglich wird dies durch KI-basierte Avatare und synthetische Stimmen, die bereits heute in Ansätzen verfügbar sind. In der Praxis könnte das bedeuten, dass ein Nebencharakter in einer Version der Geschichte zum moralischen Gegenpol wird, während er in einer anderen als Antagonist agiert.

Das Geschäftsmodell ändert sich – mal wieder

Mit diesen Eingriffsmöglichkeiten geht ein Geschäftsmodell einher, das deutlich an Mechaniken aus dem Gaming erinnert – hier ist Netflix ja auch bereits ziemlich engagiert, wie hier im Blog nachzulesen ist. Neben dem klassischen Abo könnten zusätzliche Interaktionsoptionen kostenpflichtig sein. So wird in internen Präsentationen offenbar mit Funktionen wie „alternative Story-Pfade freischalten“, „verlorene Figuren zurückholen“ oder „Entscheidungsgewicht erhöhen“ experimentiert. Einzelne Features sollen dabei zu kleinen Beträgen angeboten werden – vergleichbar mit Mikrotransaktionen in Spielen.

Ein besonders diskutierter Ansatz sind sogenannte „Influence Boosts“. Dabei könnten Nutzer ihre Stimme im Abstimmungsprozess verstärken und so die Wahrscheinlichkeit erhöhen, dass ihre bevorzugte Handlung umgesetzt wird. Kritiker sehen darin bereits eine mögliche „Pay-to-influence“-Mechanik, die die kollektive Idee des Formats untergraben könnte. Befürworter argumentieren hingegen, dass genau diese Dynamik neue Formen der Zuschauerbindung und Monetarisierung ermögliche.

Premiere bei der Serie „Shifted“?

Als Testumgebung dient laut Berichten eine Sci-Fi-Serie mit dem Arbeitstitel „Shifted“. Im Mittelpunkt steht eine Welt, in der Realitätsebenen manipuliert werden können – ein Setting, das sich besonders gut für alternative Handlungsverläufe eignet. Entscheidungen der Zuschauer verändern dabei nicht nur einzelne Szenen, sondern ganze Zeitlinien. Erste Beta-Tester berichten von deutlich divergierenden Episodenverläufen, je nachdem, welche Entscheidungen getroffen wurden.

Parallel dazu müsste Netflix an einer Infrastruktur arbeiten, die diese Form des Streamings überhaupt erst ermöglicht. Dazu gehören reduzierte Latenzzeiten, cloudbasierte Rendering-Prozesse und eine enge Verzahnung von Content-Produktion und Datenanalyse. Denn ein zentraler Vorteil des Systems liegt in den Daten selbst: Jede Entscheidung liefert Hinweise auf Vorlieben, moralische Tendenzen und narrative Erwartungen der Zuschauer:innen. Diese könnten künftig direkt in die Entwicklung neuer Inhalte einfließen.

Innerhalb der Branche wird das Projekt aufmerksam beobachtet. Wettbewerber wie Amazon Prime Video und Disney+ dürften ebenfalls mit interaktiven Formaten experimentieren, bislang hat man allerdings offiziell noch nichts von Piloten mit vergleichbarer Integration von KI und Echtzeitmechaniken gehört. Sollte sich das Konzept durchsetzen, könnte es die Grenzen zwischen Streaming und Gaming weiter verwischen – und Netflix in eine neue Rolle als Anbieter interaktiver Story-Erlebnisse bringen.

Wie weit geht die KI-Integration?

Gleichzeitig wirft das Modell grundlegende Fragen auf. Wie viel Kontrolle sollte das Publikum über eine Geschichte haben? Was passiert mit der künstlerischen Vision von Autoren und Regisseuren, wenn narrative Entscheidungen demokratisiert oder sogar monetarisiert werden? Und wie verändert sich das Seherlebnis, wenn jede Entscheidung potenziell Auswirkungen auf den Verlauf hat? Und was mich persönlich interessiert: Wird es irgendwann möglich sein, seine eigenen Figuren zu integrieren, oder sich selbst sogar?

Von Netflix selbst hört man bislang nichts Offizielles. Doch die Richtung ist klar: Der nächste Evolutionsschritt im Streaming könnte weniger darin bestehen, was erzählt wird – sondern wie und von wem die Geschichte überhaupt gestaltet wird.

Hinweis: Ihr habt es womöglich gemerkt – bei dieser Meldung handelte es sich um unseren diesjährigen Aprilscherz. Interessant bleibt natürlich die Frage: Wie realistisch ist ein solches Format in den nächsten Jahren? Und wer würde das nutzen wollen?

Bilder: KI-generiert mit Midjourney

Das Serienprogramm von Netflix ist im April wieder prall gefüllt. Besonders gespannt bin ich da auf „Stranger Things: Tales from ‘85“ und die zweite Staffel „BEEF“. Alle Wrestling-Fans kommen auch auf ihre Kosten, denn es gibt zahlreiche WWE-Live Events im April. Und David Attenborough gibt mal wieder seine Stimme für eine Doku her: „A Gorilla-Story“ lässt uns in die Welt einer erstaunlichen Gruppe von Gorillas abtauchen. Was darf bei euch im April nicht fehlen?

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

Love on the Spectrum (Liebe im Spektrum) (4. Staffel)

2. April

Agent from Above (1. Staffel)
The Ramparts of Ice (1. Staffel)
The Bad Guys (Die Gangster Gang) (2. Staffel)
XO, Kitty (3. Staffel)
Sins of Kujo
Alkhallat+: The Series (1. Staffel)

3. April

Bloodhounds (2. Staffel)
High Tides (Knokke Off) (3. Staffel)
Maamla Legal Hai (2. Staffel)
Gangs of Galicia (Clans) (2. Staffel)

9. April

Bandi (Bandi – Unter Geschwistern) (1. Staffel)
Big Mistakes (1. Staffel)

10. April

Turn of the Tide (Rabo de Peixe) (3. Staffel)

12. April

At Home With The Furys (Zuhause bei den Furys) (2. Staffel)

14. April

Crooks (2. Staffel)

15. April

The Middle (1.-9. Staffel)
Million Dollar Secret (2. Staffel)
Fake Profile (Perfil falso) (3. Staffel)
Made with Love (1. Staffel)
The Law According to Lidia Poët (Das Gesetz nach Lidia Poët) (3. Staffel)

16. April

BEEF (2. Staffel)

17. April

Alpha Males (Machos alfa) (5. Staffel)

18. April

We Are All Trying Here (1. Staffel)

20. April

Funny AF with Kevin Hart (1. Staffel)
CoComelon Lane (CoComelon: Unser Viertel) (7. Staffel)

21. April

Unchosen (1. Staffel)

22. April

Santita (1. Staffel)
Sold Out on You (1. Staffel)

23. April

Flunked (Recalé) (1. Staffel)
Running Point (2. Staffel)
Stranger Things: Tales from ‘85 (1. Staffel)

27. April

Straight to Hell (1. Staffel)

29. April

Shadow Leaks (Schattenseite) (1. Staffel)

30. April

Man on Fire (1. Staffel)

Demnächst verfügbar

Dandelion (1. Staffel)
If Wishes Could Kill (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

Sarah Millican: Late Bloomer

7. April

Sheng Wang: Purple

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine April 2026

3. April

The Truth and Tragedy of Moriah Wilson (Moriah Wilson: Die tragische Wahrheit)

7. April

Untold: Chess Mates

8. April

Trust Me: The False Prophet (Vertrau mir: Der falsche Prophet)

13. April

Noah Kahan: Out of Body

14. April

Untold: Jail Blazers

16. April

Ronaldinho: The One and Only

17. April

A Gorilla Story: Told by David Attenborough (Eine Gorilla-Story erzählt von David Attenborough)

21. April

Untold: The Shooting at Hawthorne Hill

22. April

Lainey Wilson: Keepin‘ Country Cool
This Is a Gardening Show

29. April

Should I Marry A Murderer?

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

It Takes a Village (Podlachien – Alle für eine)
The Giant Falls (El último gigante)
Eat Pray Bark – Therapie auf 4 Pfoten

3. April

Feel My Voice (Fühlt ihr meine Stimme?)

9. April

18th Rose
Transformers One

10. April

Thrash

17. April

180
Roommates

18. April

Joker: Folie à Deux
Kangaroo (Lilly und die Kängurus)

22. April

Smile 2 (Smile 2: Siehst du es auch?)

24. April

Apex

26. April

Say Anything… (Teen Lover)

29. April

Je m’appelle Agneta (Bonjour Agneta)

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

WWE SummerSlam: 2025 (nur in Deutschland & Österreich)
WWE Crown Jewel: 2025 (nur in Deutschland & Österreich)
WWE Survivor Series: 2025 (nur in Deutschland & Österreich)
Royal Rumble: 2026 (nur in Deutschland & Österreich)
WWE Elimination Chamber: 2026 (nur in Deutschland & Österreich)

11. April

Tyson Fury vs. Arslanbek Makhmudov

18. April

WWE WrestleMania: 2026 (42. Ausgabe)

20. April

Supernova: Genesis (Supernova Strikers: Genesis)

For All Mankind – 5. Staffel der Sci-Fi-Dramaserie seit 27. März

Die fünfte Staffel von „For All Mankind“ setzt Jahre nach dem Goldilocks-Asteroidenraub ein. Happy Valley hat sich zu einer florierenden Kolonie mit Tausenden von Bewohner:innen und zu einer Basis für neue Missionen entwickelt, die noch weiter in das Sonnensystem führen. Da die Nationen der Erde nun Recht und Ordnung auf dem Roten Planeten durchsetzen wollen, nehmen die Spannungen zwischen den Menschen auf dem Mars und ihrer ehemaligen Heimat weiter zu. 10 Folgen gibt’s insgesamt, die Staffelpremiere war am Freitag, 27. März, gefolgt von einer neuen Episode jeden Freitag bis zum 29. Mai.

Beschütze sie – Staffelfinale der 2. Staffel am 3. April

In der zweiten Staffel von „Beschütze sie“ taucht Owen (Nikolaj Coster-Waldau) nach fünf Jahren auf der Flucht wieder auf. Hannah (Jennifer Garner) und ihre Stieftochter Bailey (Angourie Rice) müssen nun schnellstmöglich einen Weg finden, ihre Familie wieder zusammenzuführen, bevor die Vergangenheit sie einholt. 8 Folgen hat die Staffel insgesamt, das Staffelfinale gibt es am Freitag, 3. April.

Your Friends & Neighbors – 2. Staffel der Dramaserie ab 3. April

In der zweiten Staffel von „Your Friends & Neighbors“ führt Andrew Cooper (Jon Hamm) sein Leben als untypischer Vorstadtdieb fort, bis ein neuer Nachbar droht, seine Geheimnisse aufzudecken und seine Familie zu gefährden. Insgesamt gibt es 10 Folgen, die erste Episode ab Freitag, 3. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Freitag bis zum 5. Juni.

Outcome – Neuer Dark-Comedyfilm ab 10. April

In der düsteren Komödie „Outcome“ muss sich der beliebte Hollywood-Star Reef Hawk (Keanu Reeves) seinen inneren Dämonen stellen, nachdem er mit einem mysteriösen Video erpresst wird, das sein Image zerstören und seine Karriere beenden könnte. Mit Unterstützung seiner besten Freund:innen aus Kindertagen, Kyle (Cameron Diaz) und Xander (Matt Bomer), sowie seines Krisenanwalts Ira (Jonah Hill) begibt sich Reef auf eine Selbstfindungsreise und bittet alle um Entschuldigung, die er womöglich verletzt hat – um so hoffentlich herauszufinden, wer ihn erpresst.

Only Margo – Neue Dramedyserie ab 15. April

„Only Margo“ ist ein herzerwärmendes und komödiantisches Familiendrama über Margo (Elle Fanning), die kürzlich ihr Studium abgebrochen hat und Schriftstellerin werden möchte. Sie ist die Tochter einer ehemaligen Hooters-Kellnerin (Michelle Pfeiffer) und eines Ex-Profi-Wrestlers (Nick Offerman). Margo ist gezwungen, sich mit einem Neugeborenen, einem wachsenden Berg an Rechnungen und immer weniger Möglichkeiten, diese zu bezahlen, durchs Leben zu schlagen. 8 Folgen gibt es insgesamt – drei Episoden ab Mittwoch, 15. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Mittwoch bis zum 20. Mai.

Criminal Record – 2. Staffel der Thrillerserie ab 22. April

In der zweiten Staffel von „Criminal Record“ werden die rivalisierenden Ermittler:innen June Lenker und Daniel Hegarty zu einer widerwilligen Zusammenarbeit gezwungen, als ein junger Mann bei einer politischen Kundgebung erstochen wird. Was als Mordermittlung beginnt, weitet sich zu einem verdeckten Einsatz aus, um einen rechtsextremen Bombenanschlag im Herzen Londons zu verhindern. Die Staffel wird 8 Folgen haben – die erste Episode ab Mittwoch, 22. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Mittwoch bis zum 10. Juni.

Widow’s Bay – Neue Horror-Comedyserie ab 29. April

„Widow’s Bay“ ist eine idyllische Inselstadt, etwa 40 Meilen vor der Küste Neuenglands. Doch unter der Oberfläche lauert etwas. Bürgermeister Tom Loftis (Matthew Rhys) ist verzweifelt bemüht, seine angeschlagene Gemeinde wiederzubeleben. Es gibt kein WLAN, nur lückenhaften Handyempfang, und er muss sich mit abergläubischen Einwohner:innen auseinandersetzen, die meinen, ihre Insel sei verflucht. Er möchte, dass diese Leute ihn respektieren. Das tun sie nicht. Sie halten ihn für weich und feige. Und das ist er auch. Doch Loftis ist fest entschlossen, für seinen jugendlichen Sohn eine bessere Zukunft aufzubauen und die Insel in ein Touristenziel zu verwandeln. Wie durch ein Wunder hat er Erfolg: Endlich kommen Tourist:innen. Leider hatten die Einheimischen recht. Nach jahrzehntelanger Ruhe beginnen die alten Geschichten, die viel zu absurd schienen, um wahr zu sein, sich plötzlich wieder zu ereignen – über 10 Folgen, drei Episoden ab Mittwoch, 29. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Mittwoch bis zum 17. Juni.

Imperfect Women – Staffelfinale am 29. April

Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Araminta Hall, erzählt „Imperfect Women“ von einem Verbrechen, das eine jahrzehntelange Freundschaft zwischen drei Frauen (Elisabeth Moss, Kerry Washington und Kate Mara) erschüttert. Der unkonventionelle Thriller setzt sich mit Schuld und Vergeltung, Liebe und Verrat sowie den Kompromissen auseinander, die wir eingehen und die unser Leben verändern. Im Laufe der Ermittlungen wird klar, dass selbst die engsten Freundschaften nicht immer das sind, was sie zu sein scheinen. 8 Folgen hat die Staffel mit wöchentlich neuen Fole bis zum Staffelfinale am Mittwoch, 29. April.

Monarch: Legacy of Monsters – 2. Staffel der Sci-Fi-Dramaserie am 1. Mai

In der zweiten Staffel steht das Schicksal von Monarch und der Welt auf dem Spiel. Die Saga enthüllt verborgene Geheimnisse, die die Held:innen (und Schurk:innen) auf Kongs Skull Island wieder zusammenführen sowie ein neues, geheimnisvolles Dorf, in dem ein mythischer Titan aus dem Meer aufsteigt. Die Auswirkungen der Vergangenheit schlagen Wellen in der Gegenwart und verwischen die Grenzen zwischen Familie, Freund:innen und Feind:innen, während die Bedrohung durch einen Titanen am Horizont lauert. 10 Folgen hat die 2. Staffel, das Staffelfinale gibt es am Freitag, 1. Mai.

Bilder: Apple

Marshals: A Yellowstone Story – Staffel 1 seit 2. März 2026

In „Marshals: A Yellowstone Story“ spielt Luke Grimes erneut die Rolle des Kayce Dutton. Nachdem er die Yellowstone Ranch hinter sich gelassen hat, tritt Dutton einer Eliteeinheit der US-Marshals bei und kombiniert seine Fähigkeiten als Cowboy und Navy SEAL, um in Montana für Gerechtigkeit zu sorgen. Kayce und seine Teamkollegen müssen den hohen psychologischen Preis, den sie als letzte Verteidigungslinie im Kampf gegen die Gewalt in der Region zahlen, mit ihrer Pflicht gegenüber ihren Familien in Einklang bringen. Los ging’s mit der 1. Staffel am 2. März 2026, jetzt gibt’s wöchentlich eine Folge, 13 sind insgesamt geplant.

The Madison – Staffel 1 seit 14. März 2026

Die Handlung von „The Madison“ entfaltet sich zwischen zwei gegensätzlichen Welten – der Weite Montanas und der Dynamik Manhattans – und erzählt, was Familien zusammenhält. Die sechsteilige erste Staffel folgt der New Yorker Familie Clyburn im Madison River Valley in Zentral-Montana und setzt sich intensiv mit Themen wie Trauer und menschlicher Verbundenheit auseinander.

The Lost Symbol – Staffel 1 ab 2. April 2026

Die Serie „The Lost Symbol“ handelt von den frühen Abenteuern des jungen Harvard-Symbologen Robert Langdon, der eine Reihe tödlicher Rätsel lösen muss, um seinen entführten Mentor zu retten und eine erschreckende globale Verschwörung zu vereiteln. Los geht’s mit der zehnteiligen Staffel am 2. April 2026.

Station Eleven – Staffel 1 ab 2. April 2026

„Station Eleven“ ist eine postapokalyptische Dramaserie über die Folgen einer verheerenden Grippepandemie, die den Großteil der Weltbevölkerung auslöscht. Die Geschichte folgt mehreren miteinander verbundenen Charakteren über verschiedene Zeitachsen hinweg und konzentriert sich dabei insbesondere auf Kirsten, eine junge Schauspielerin, die den Zusammenbruch der Gesellschaft überlebt. Los geht’s mit den 10 Episoden am 2. April 2026.

King & Conqueror – Staffel 1 ab 11. April 2026

Vor tausend Jahren wurde ein neuer König von England gekrönt, was eine Reihe von Ereignissen auslöste, die den Lauf der englischen und europäischen Geschichte für immer veränderten. Zwei Männer, Harold von Wessex und Herzog Wilhelm von der Normandie, befinden sich in „King & Conqueror“ im Kampf um eben jene Krone, die sie nie wollten und auch nie erwartet hatten. Beide beginnen als Verbündete, enden jedoch als Feinde in der Schlacht von Hastings, in der einer von ihnen sterben muss. Start der Serie ist am 11. April 2026, die 1. Staffel hat 8 Episoden.

Willkommen bei den Louds: Der Europatrip – ab 15. April 2026

Von den heimischen vier Wänden direkt in die großen Metropolen Europas: In „Willkommen bei den Louds: Der Europatrip“ verlässt die elfköpfige Geschwisterbande ihr gewohntes Terrain für eine unvergessliche Expedition. Was als Sightseeing-Tour beginnt, entfacht eine Kette von Ereignissen, die nicht nur die Louds, sondern auch die europäischen Sehenswürdigkeiten für immer verändern könnten. Zwischen London, Paris und Berlin kämpfen Lincoln und seine Schwestern um den perfekten Urlaubs-Moment, nur um festzustellen, dass das wahre Abenteuer oft abseits der Reiseführer wartet.

FROM – Staffel 4 ab 20. April 2026

Auf die Fortsetzung von „FROM“ dürften viele Serien-Fans gewartet haben. In der vierten Staffel wird die Suche der Einwohner:innen nach Antworten umso erschreckender, je näher sie der Wahrheit kommen. Wer ist der Mann in Gelb und was will er? Sind die Enthüllungen von Jade und Tabitha der Schlüssel, um endlich nach Hause zurückzukehren? Während Boyd versucht, den Zusammenhalt der Stadt trotz seines körperlichen und geistigen Verfalls aufrechtzuerhalten, öffnet die vierte Staffel Türen, deren Öffnung einige in der Stadt am Ende bereuen werden. Stafel 4 hat 10 Episoden und startet am 20. April 2026.

Alle Teufel sind hier – ab 24. April 2026

Nach einem Raubüberfall verstecken sich in „Alle Teufel sind hier“ vier Kriminelle in einem abgelegenen Unterschlupf und warten auf weitere Anweisungen. Während die Paranoia unaufhaltsam wächst, wird eines klar: Die wahre Gefahr liegt möglicherweise nicht draußen, sondern unter ihnen.

Bilder: Paramount

Doch kurz nachdem die Fans die ersten Folgen gesehen hatten, fing es an, ungemütlich zu werden. Während sich die Kritiker zwischen „ich sehe Potenzial“ und „naja, man muss es halt mögen“ bewegten, waren die Stimmen aus der Community deutlich kritischer und teilweise auch sehr hässlich.

Gestartet mit der Discovery-Hypothek

Dazu möchte ich größer ausholen. „Star Trek: Starfleet Academy“ spielt direkt im Anschluss an „Star Trek: Discovery“. Wir befinden uns – im Vergleich zu Kirk, Picard und Janeway – tausend Jahre in der Zukunft. Nach interessanten zwei Staffeln „Star Trek: Discovery“, die zu diesem Zeitpunkt das Potenzial der Serie aufzeigten, aber auch die Probleme, die offensichtlich im Writers’ Room herrschten, entschied man sich für einen kompletten „Star Trek“-Reboot. 1000 Jahre in der Zukunft, ein grünes Feld neue Geschichten zu erzählen.

Damals dachte ich: Ja, das wird helfen – aber es kam leider anders. Die Geschichten wurden noch dämlicher, die Föderation verkam zu einer Regionalmacht und der Egoismus von Michael, einfach zu tun, was sie wollte, prägte die Serie. Dazu kam aus meiner Sicht ein sinnfreier Fokus auf sogenannte woke Themen. Ein trans Crewmitglied führt eine Beziehung zu einem anderen trans Wesen, das stirbt und dann noch ein trans Geist wird. Und trotz gewollter Normalität dürfen diese nur eine Freundschaft mit dem schwulen Arzt führen? Das ist alles fein – „Star Trek“ hat seit jeher die konservativen Gesellschaftsnormen ausgehebelt – nur hatten diese Themen keine Relevanz für die übergeordnete Story. Die Charaktere waren nicht prägend, und so wirkte es einfach wie aufgesetzt. Aber auch das hätte die Serie ausgehalten, wenn die Geschichte, die sie erzählte, wenigstens spannend gewesen wäre. Aber man verzettelte sich damit, dass man einerseits in noch fernerer Zukunft war, dann aber auch wieder einen Schritt durch den Brand zurückgegangen ist. Ihr könnt gerne in meine alten Reviews eintauchen, dort ist die Kritik detailliert aufgelistet.

Das, was mich aber am meisten störte – und damit schließe ich den Bogen – ist die fehlende Reife der Charaktere. Neben Michael und ihrem ersten Offizier gab es eigentlich nur einen großen Kindergarten. Wenn man sich die IMDb-Ratings anschaut, fiel die Serie mit dem Zeitsprung in der Gunst der Zuschauer ab. Kurtzman schaffte es aber, einen langfristigen Vertrag abzuschließen und am Ende tatsächlich auf fünf Staffeln zu kommen. Mit diesem Qualitätsanspruch hätte man eigentlich „Star Trek: Enterprise“ für zehn Staffeln laufen lassen können.
Damit will ich sagen: Der Start von „Star Trek: Starfleet Academy“ war von vornherein schon auf sehr dünnem Eis, denn auch zu den letzten Folgen und Staffeln von „Star Trek: Discovery“ gab es viel Gegenwind.

Statt aus Fehlern lernen diese noch verstärken

Statt aus den Fehlern zu lernen, präsentierte sich „Star Trek: Starfleet Academy“ als Serie, die alles, was bei „Star Trek: Discovery“ schlecht war, noch weiter auf die Spitze trieb (oder besser gesagt: treibt, schließlich wird die zweite Staffel noch ausgestrahlt). Die ganze Föderation, die als moralische Institution mit hohen Maßstäben an Offiziere und Kadetten in Filmen und Folgen präsentiert wurde, machte den U-Turn zu einer Art „Beverly Hills, 90210“ im Weltraum.
Das mögen manche Zuschauer anders sehen und sich über den Humor freuen oder darüber, dass man mal etwas anderes gemacht hat. Für „Star Trek“-Fans war das aber ein Schlag ins Gesicht – und, so weit lehne ich mich aus dem Fenster, auch für diejenigen, die an eine hohe Streaming-Serienqualität gewohnt oder besser gesagt verwöhnt sind. Anders kann man die große Wut nicht erklären.
„Star Trek: Starfleet Academy“ hätte unter Umständen eine Network-TV-Chance im Disney Channel der 90er Jahre gehabt – locker, leicht, aber positioniert, ohne das Franchise anzugreifen. Aber dann kommen Dinge dazu wie, dass die Klingonen – Kern der „Star Trek“-Marke – degradiert und damit verbrannt werden. Dann logische Katastrophen wie Sam, die eigentlich ein Hologramm ist, angeblich erst wenige Monate existiert, sich aber wie eine Teenagerin aus der Bronx verhält. Sie kann programmiert werden, dann aber wieder nicht. Hat sie einen mobilen Emitter oder nicht? Keiner weiß es, keiner schert sich darum, eine glaubhafte Geschichte und Erklärung für sie aufzubauen.

Scheindebatte um Wokeismus

Viele Diskussionen gab es um Wokeness und LGBTQ im Rahmen der Kritik. Das ist zum Teil gesellschaftliche Realität, dass diese Themen häufig größere Konflikte offenbaren. Aber es legt den Fokus auf einen komplett falschen Aspekt. Die Serie hätte durchaus alle Charaktere lesbisch, schwul, trans oder nonbinär machen können – wenn es gut geschrieben wäre und wir spannende „Star Trek“-Abenteuer erleben würden. Wenn aber diese Themen so weit im Vordergrund stehen, dass man vergisst, worum sich die Serie eigentlich dreht, dann sollte doch jedem klar sein, dass die Skripte nicht gut sind.
Aber auch das ist egal, auch das ist nicht relevant für eine rein wirtschaftliche Entscheidung, ob man eine (sehr) teure Science-Fiction-Serie weiter produziert oder nicht. Ich bin zufrieden mit der Entscheidung, dass schlechte Drehbücher sich nicht mehr durchsetzen, und hoffe auch, dass damit das gesamte Kurtzman-„Star Trek“ beendet ist.
Doch auch das hätte Paramount verkraftet, wenn die Serie genügend Zuschauer gefunden hätte. Vielleicht hätte man sich sogar ein wenig über die hitzigen und aufmerksamkeits¬erzeugenden Diskussionen gefreut – was unter Umständen auch bei „Star Trek: Discovery“ schon so war. Aber schlechte Ratings und zu wenig Zuschauer sind nun mal eindeutige Gründe, eine Serie abzusetzen.

Und am Ende ist es das, was von dem Experiment „Star Trek: Starfleet Academy“ bleibt: im Kern eine noble Idee, aber eine schlechte Umsetzung und leider eine sinnfreie Diskussion um Woke und LGBTQ.

Was ich mir von „Star Trek“ wünsche

Zum Abschluss noch ein Wunsch aus meiner Sicht – eines „Star Trek“-Fans seit den 80er Jahren: Es muss nicht immer das Alte sein, aber bleibt dem Kern der Marke treu. Genau wie bei „Star Wars“: Holt Leute in die Autorenteams, die Kontinuität der Erzählung ermöglichen. Am Ende ist es doch nicht mehr und nicht weniger, was die Fans wollen.
Tatsächlich – und da reihe ich mich auch ein – wollen wir neue Geschichten sehen. Warum nicht mal eine Serie, die sich um ein romulanisches Schiff dreht? Oder eine dunkle Erzählung zum Dominion-Krieg? Oder, wenn es schon humoristisch sein soll, dann voll auf die Zwölf: eine Serie um den blauglatzköpfigen Friseur aus „Star Trek: The Next Generation“? Mit „Star Trek: Lower Decks“ hat das doch auch geklappt. Die Serie hat – auch durch die Animation – ganz klar gesagt, was sie will, und liefert.

Wenn man aber an das Fundament der Sternenflotte geht – die ehrenwürdige Academy mit dem Maruishi-Mauro-Test – dann muss man der Erzählung eben treu bleiben. Man kann nur hoffen, dass die Entscheider wieder Leute auf den „Star Trek“-Captain’s Chair lassen, die „Star Trek“ lieben und eine gute Science-Fiction-Geschichte erzählen wollen – ohne den Selbstzweck, einfach alles neu zu machen, nur weil man es neu machen will.

Bilder: Paramount+ / CBS Studios

Das wechselhafte Wetter haben wir jetzt schon – mal schauen, was der April noch so für uns bereithält. Für anhaltende Kälte, Regen und Schnee gibt es ja vielleicht das ein oder andere Schmankerl im TV. Ein Highlight im April ist auf jeden Fall die dritte Staffel „Euphoria“. Wer von euch schaut noch rein?

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine April 2026

1. April

Jürgen Klopp: Die Ära Liverpool (1. Staffel – Sky & WOW)

6. April

Into the Blue – Indonesiens Unterwasserparadiese (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

8. April

Ancient Apocalypse (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

9. April

The Blacklist (1.-8. Staffel – Sky & WOW)

13. April

Life Below Zero (6. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
Euphoria (3. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

14. April

Der Mond – Geheimnisvolle Kraft der Natur (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

15. April

Tschernobyl – Chronik einer Katastrophe (1. Staffel – Sky & WOW)

16. April

The Body: Spuren des Bösen (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

21. April

Diese Ochsenknechts (5. Staffel – Sky One, Sky & WOW)
Crime Scene Cleaners (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

22. April

Earth – Die frühe Erde (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
Murdered or Missing? – Die ausgelöschte Familie (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

29. April

The Girl on the Milk Carton (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

30. April

Miniature Wife (1. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

Neue Filme bei Sky:
Starttermine April 2026

3. April

Wasp Woman – Mord in Hollywood (Doku)
In The Lost Lands

4. April

Heidi – Die Legende vom Luchs

5. April

Die Gangster Gang 2

6. April

Die nackte Kanone

10. April

Honey Don’t!

11. April

Asphalt City

17. April

The Long Walk – Todesmarsch

18. April

Der phönizische Meisterstreich

22. April

Unsere Erde im Wandel – Flüsse in Not (Doku)

24. April

Together – Unzertrennlich

25. April

Bad Genius

„Der letzte Bulle“

Ich habe zwei Folgen der aktuellen Staffel von „Der letzte Bulle“ gesehen, und was soll ich sagen: Mick Brisgau bleibt für mich ein dauerhafter, gern gesehener Alltagsbegleiter. Die Serie lief ursprünglich von 2010 bis 2014, ist dann aber tatsächlich mit einer sechsten Staffel zurückgekehrt – seit 31. Oktober 2025 bei Prime Video, kurz darauf auch im linearen TV bei Sat.1 ab 24. November 2025.

Und ja, Mick ist älter geworden. Sichtbar sogar. Aber gerade das macht den Reiz dieses Comebacks für mich aus. Henning Baum spielt diesen Typen noch immer mit derselben Mischung aus Brechstange, Bauchgefühl und entwaffnender Unverhandelbarkeit. Einer, der in jeden Raum geht, als müsse er ihn erstmal persönlich auf seine Tauglichkeit prüfen. Dass die neuen Folgen dabei nicht auf halber Strecke plötzlich elegant oder gar zeitgeistig werden wollen, ist eher ein Vorteil. Im Gegenteil: Schon die offizielle Inhaltsbeschreibung macht klar, dass die neue Staffel wieder genüsslich einen Schritt zu weit geht – mit Kannibalenfall, KI-Sexpuppen-Bordell und anderen Fällen, bei denen man Mick eigentlich beim Kopfschütteln zusehen möchte.

Vielleicht gefällt mir genau das so gut: „Der letzte Bulle“ will keine geschniegelt wichtige Serie sein. Keine, die ständig in den Spiegel schaut und sich fragt, ob sie noch relevant genug ist. Mick ist einfach da. Er poltert sich durch die Gegend, wirkt dabei angenehm aus der Zeit gefallen und bleibt trotzdem – oder gerade deshalb – jemand, den ich gern wiedersehe. Das hat fast etwas Tröstliches.

„The Simpsons“

Dann gab’s natürlich auch wieder die „Simpsons“. Wobei man da inzwischen eigentlich nicht mehr von einer Serie sprechen kann, sondern eher von einem Fernsehzustand. Springfield ist ja längst kein Ort mehr, den man besucht, sondern einer, der einfach immer da ist. Egal, wie viele Jahre vergehen, egal wie sehr sich Fernsehen verändert: Homer bleibt Homer, Bart bleibt Bart, und Lisa muss weiter für alle anderen mitdenken.

Und die Serie läuft eben nicht nur gefühlt ewig, sondern tatsächlich in absurden Dimensionen. Am 15. Februar 2026 zeigte FOX in den USA die 800. und 801. Episode als Finale der 37. Staffel; zugleich ist die Serie bereits bis Staffel 40 verlängert. Das ist nicht mehr einfach nur Langlebigkeit. Das ist popkulturelle Infrastruktur.

Klar: Die Simpsons sind nicht mehr permanent auf dem Niveau ihrer besten Jahre. Das erwartet vernünftigerweise auch niemand mehr. Aber sie haben etwas geschafft, was nur sehr wenige Serien schaffen: Sie funktionieren als Ritual. Man schaltet ein und ist sofort wieder in dieser Welt. Das ist fast weniger eine Qualitätsfrage im klassischen Sinn als eine Frage der Verlässlichkeit. Und vielleicht ist genau das der Grund, warum ich sie nach wie vor so selbstverständlich mitnehme.

„Alex Cross“

Zum Abschluss meiner TV-Woche lief dann noch die letzte Folge der zweiten Staffel von „Cross“. Ein ziemlicher Kontrastprogramm-Wechsel, denn wo Mick rumpelt und Springfield dauerhaft flimmert, will „Cross“ einen eher nicht gemütlich in den Feierabend entlassen. Prime Video hat die Serie mit Aldis Hodge als Alex Cross am 18. März 2026 ins Staffelfinale geschickt – und direkt am selben Tag auch Staffel 3 bestellt. Mehrere Branchenmedien berichten übereinstimmend, dass die dritte Staffel wieder acht Episoden umfassen soll.

Ich mag an „Cross“, dass die Serie sich angenehm wenig Mühe gibt, gefällig zu sein. Sie bleibt düster, angespannt und trägt dieses latente Unbehagen ziemlich konsequent durch. Aldis Hodge hat genug Präsenz, um Alex Cross nicht bloß wie den nächsten TV-Ermittler mit Privatschaden wirken zu lassen. Das Staffelfinale hatte für mich jedenfalls genau die richtige Wirkung: Druck, Zuspitzung, ein bisschen Schwere – und danach diesen kurzen Moment, in dem man erstmal nicht sofort wieder irgendetwas Leichtes einschalten möchte.

Unterm Strich war das eine erstaunlich runde TV-Woche, obwohl diese drei Serien wirklich wenig gemeinsam haben. Mick Brisgau poltert weiter durch eine Welt, die ihm längst davongelaufen sein müsste. Die Simpsons bleiben die vermutlich gemütlichste Form von Fernseh-Ewigkeit. Und Alex Cross erinnert einen zum Schluss daran, dass gute Spannung eben nicht nett sein muss.

Vielleicht ist genau das ja das Schöne an solchen Wochen: Dass Fernsehen nicht aus einem Guss sein muss. Mal braucht es den vertrauten Polterer, mal die gelbe Dauerinstitution, mal das düstere Finale zum Runterziehen statt Runterkommen.

Und manchmal passt genau diese Mischung ziemlich gut zusammen.

Bilder: Amazon, Disney+, Joyn

Im Mittelpunkt stehen die Sinclairs, eine Dino-Familie, die unserer Gesellschaft den Spiegel vorhält. Familienoberhaupt Earl arbeitet als Baumfäller für einen Konzern, der Wälder rodet, um Platz für Wohngebiete zu schaffen. Eine herrlich überspitzte Kritik am Kapitalismus und der Umweltzerstörung. Mit seiner geduldigen Frau Fran, den Kindern Robbie und Charlene, dem neugeborenen Baby („Nicht die Mama!“) und Schwiegermutter Ethyl ergibt sich eine Dynamik, die zugleich vertraut und herrlich absurd ist. Ich habe kürzlich angefangen, mir die Serie noch einmal anzuschauen, und die Episode „Der Schleudertag“ (Staffel 1, Folge 3) ist für mich besonders herausstechend.

In dieser Folge wird Ethyl 72 Jahre alt und nach uralter Tradition ist es nun an der Zeit, sie in eine Teergrube zu schleudern. Was für Earl zunächst wie eine ehrenvolle Pflicht wirkt (und nicht ganz uneigennützig erscheint), stellt sein Sohn Robbie offen infrage. Der sogenannte „Schleudertag“ geht auf eine archaische Stammestradition zurück, bei der ältere Mitglieder „würdig“ aus dem Leben scheiden sollen, um die Gemeinschaft nicht zu belasten. Die Serie nutzt dieses absurde Ritual, um eine erstaunlich ernste Frage zu stellen: Welche Traditionen sind sinnvoll und welchen folgen wir nur, weil es schon immer so war? Was die Folge so stark macht, ist ihr Balanceakt zwischen Humor und gesellschaftlicher Kritik. Die Idee, die eigene Schwiegermutter feierlich von einer Klippe zu stoßen, ist zwar bewusst überzeichnet, trifft aber einen Nerv, wenn es um den Umgang mit älteren Generationen geht. Rückblickend wirkt die Episode unheimlich aktuell. Parallelen zu modernen Stoffen wie „Midsommar” sind kaum zu übersehen. Auch dort spielt ein ähnliches Ritual eine zentrale Rolle, bei dem Menschen ab dem 72. Lebensjahr aus der Gemeinschaft „entfernt” werden. Ein Zufall, der die zeitlose Relevanz des Themas unterstreicht.

Fazit

„Die Dinos“ genießt bis heute Kultstatus und die Folge „Der Schleudertag“ zeigt exemplarisch, warum. Hinter der bunten Fassade dieser Familien-Sitcom verbirgt sich eine überraschend scharfe Satire, die auch Jahrzehnte später noch funktioniert.

„Die Dinos“ ist auf Disney+ verfügbar.

Bilder: Disney

Darum geht’s in der 1. Staffel „Harry Potter und der Stein der Weisen“

Natürlich basiert die Serie auf den klassischen Romanvorlagen von J.K. Rowling. Und für uns Zuschauer:innen geht’s auch ganz am Anfang los: An Harry Potter ist nichts Besonderes – zumindest behauptet das seine Tante Petunia. Doch an seinem elften Geburtstag öffnet ein Aufnahmeschreiben für die Hogwarts-Schule für Hexerei und Zauberei eine bislang verborgene Welt für Harry. Mit diesem neuen Abenteuer wächst jedoch auch die Gefahr, denn Harry muss sich einem gefährlichen Feind aus seiner Vergangenheit stellen.

Der Cast der HBO-Serie

Den Cast haben wir hier im Blog ja schonmal vorgestellt: In den Hauptrollen sind Dominic McLaughlin als Harry Potter, Arabella Stanton als Hermine Granger, Alastair Stout als Ron Weasley, John Lithgow als Albus Dumbledore, Janet McTeer als Minerva McGonagall, Paapa Essiedu als Severus Snape, Nick Frost als Rubeus Hagrid, Rory Wilmot als Neville Longbottom, Lox Pratt als Draco Malfoy, Leo Earley als Seamus Finnigan, Elijah Oshin als Dean Thomas, Tristan Harland als Fred Weasley, Gabriel Harland als George Weasley, Ruari Spooner als Percy Weasley, Alessia Leoni als Parvati Patil, Sienna Moosah als Lavender Brown, Finn Stephens als Vincent Crabbe, William Nash als Gregory Goyle, Warwick Davis als Filius Flitwick und Sirine Saba als Pomona Sprout zu sehen.

Weitere Rollen übernehmen Daniel Rigby als Vernon Dursley, Bel Powley als Petunia Dursley, Paul Whitehouse als Argus Filch, Johnny Flynn als Lucius Malfoy, Bertie Carvel als Cornelius Fudge, Luke Thallon als Quirinus Quirrell, Katherine Parkinson als Molly Weasley, Amos Kitson als Dudley Dursley, Gracie Cochrane als Ginny Weasley, Richard Durden als Cuthbert Binns, Louise Brealey als Rolanda Hooch, Bríd Brennan als Poppy Pomfrey, Leigh Gill als Griphook und Anton Lesser als Garrick Ollivander.

Die Serie wurde von Executive Producer Francesca Gardiner geschrieben. Mark Mylod wird ebenfalls als Executive Producer fungieren und mehrere Episoden der Serie inszenieren. Produziert wird sie für HBO in Zusammenarbeit mit Brontë Film and TV und Warner Bros. Television. Weitere Executive Producer sind J.K. Rowling, Neil Blair und Ruth Kenley-Letts von Brontë Film and TV sowie David Heyman von Heyday Films.

Bilder: HBO

Genau genommen ist dieses Rewatch Review für mich ein ganz normales Review. Denn auch wenn „Younger“ bereits 2015 erschienen ist und über sieben Staffeln bis 2021 lief, habe ich erst kürzlich das erste Mal in das Feel-Good-Comedy-Drama reingeschaut – und großen Gefallen daran gefunden. 2018 hat Maik euch die Serie schon mal als Serientipp vorgestellt. Ich tauche jetzt nochmal in die Serie ab – so spoilerarm wie möglich.

Die Handlung

Liza Miller ist 40 Jahre alt, als sie wieder in ihren alten Job im Verlagswesen einsteigen will. Fast 20 Jahre lang hat sie den Job nicht mehr ausgeübt, da sie ihre Tochter Caitlin, zum Teil alleine, großgezogen hat. Von ihrem Mann lebt sie mittlerweile getrennt, denn der ist so tief in seine Spielsucht versunken, dass er Liza fast mit in den Ruin getrieben hat. Doch als Liza ihren Bewerbungslauf startet, merkt sie, dass es für eine Frau in ihrem Alter mit der langen Arbeitspause keinen Platz in der Arbeitswelt zu geben scheint. Sie steckt eine Absage nach der anderen ein.

An einem Abend, den sie mit ihrer Freundin und Künstlerin Maggie Amato in einer Bar verbringt, wird sie von dem 26-jährigen Josh ebenfalls für 26 Jahre gehalten – und korrigiert ihn nicht. In der Tat bringt sie das sogar auf eine bahnbrechende, aber auch verheerende Idee: sich generell für jünger ausgeben, um einen Job zu finden. Und das klappt: Wenig später startet sie bei Empirical Press als Assistentin von Diana Trout und lernt auch ihre Kollegin Kelsey Peters sowie ihren Chef Charles Brooks kennen. Je tiefer die Beziehungen in ihrem Umfeld werden, desto schwieriger wird es für Liza, ihre Lüge aufrecht zu erhalten.

Die Charaktere

Was mir an der Darstellung der Charaktere in „Younger“ gut gefällt, ist, dass die Altersdarstellung überwiegend sehr akkurat und real ist. Sutton Fuster beispielsweise war zum Zeitpunkt der ersten Staffel 40 Jahre alt, als sie Liza Miller, ebenfalls 40 Jahre alt, verkörpert hat. Hilary Duff, die Kelsey Peters spielt, und Nico Tortoretta, der Josh verkörpert, sind fast gleichaltrig und spielen in der Serie beide Ende 20-Jährige, ebenfalls übereinstimmend mit ihrem damaligen Alter. Das hat sehr viel zur Glaubwürdigkeit (des Alters und der Altersunterschiede) beigetragen.

Liza Miller ist eine lebensfrohe und offene Frau, der nichts wichtiger ist, als ihre Tochter versorgen und unterstützen zu können. Dieser Grund treibt sie in ihre Lüge. Als sie in die Wohnung ihrer besten Freundin Maggie (Debi Mazar) zieht, natürlich in ein großes cooles Loft mitten in New York City, erhält das Thema WG-Leben ganz neuen Charme. Vor allem, weil Maggie ihre Kunst in erster Linie dort auslebt.

Maggie ist in „Younger“ wirklich eine der spannendsten Figuren: sie ist laut, selbstbewusst, steht zu ihrem Alter und ihrer Sexualität und sie ist allem voran eine wirklich gute Freundin und bringt mich mit ihrem stumpfen Humor so manches Mal zum Lachen. Das toppen kann da nur Diana Trout (Miriam Shor), Lizas abgehobene, strenge Chefin, die wirklich keinen Finger krümmt, wenn nicht auch Liza diese Aufgabe für sie übernehmen könnte. Egal ob es der Kaffee am Morgen, eine tatsächlich arbeitsbezogene Aufgabe ist oder aber nur die Hose aus der Wäscherei abgeholt werden muss: Liza macht das schon. Dianas Figur ist sehr unterhaltsam gezeichnet, unbeholfen komisch, in Kommunikation und Erwartungshaltung an ihr Umfeld, eine Diva durch und durch und gleichzeitig irgendwie auch liebevoll. Zudem macht ihre Figur die meiste Entwicklung in der Serie durch.

Die Highlights und Lowlights

Die Serie lebt von den Generationsunterschieden, die dadurch, dass wir Zuschauer:innen häufig mehr wissen als die Charaktere in der Serie, nämlich eben, dass Liza nicht zu den Millenials gehört, einige Male Komik mit sich bringen und einige Male auch echt irgendwie flach wirken. Hier wird schon auch viel mit Klischees gearbeitet. Das ist manchmal ganz witzig, wenn Liza mal wieder nicht weiß, was gerade in den Sozialen Netzwerken trendet oder wie man die überhaupt so richtig bedient. Häufig wird die Millenial-Darstellung gerade an den Stellen auch ein bisschen übertrieben, ja fast schon ins Lächerliche gezogen.

Apropos übertrieben: Das Kostüm-Department hat bei dieser Serie wirklich ganze Arbeit geleistet. Die Wahl der Outfits für die Charaktere ist oft wirklich fragwürdig und kann ich mir nur so erklären, dass da mitunter auch mit einem dicken Augenzwinkern drauf geschaut wurde. Vor allem Dianas Ketten sind der Wahnsinn: von riesengroßen Schleifen und Schmetterlingen bis hin zu Schwänen ist hier im Grunde alles dabei. Devise: je größer und auffälliger desto besser. Und das allein hat schon Unterhaltungswert.

Auch spannend finde ich, dass mit dem Fokus auf dem Verlagswesen und den (sicherlich nicht immer naturgetreuen) Einblicken in den Alltag eines Publishing Unternehmens mal ein ganz anderes Thema aufgemacht wird und sich viel um Bücher dreht – und Stories, die erzählt und vermarktet werden sollen. Das fand ich erfrischend und auch, dass um den Medienwandel und die Abkehr von analogen Inhalten hin zu digitalen Formaten, kein Bogen gemacht, sondern dies als reale Bedrohung des Verlagswesen behandelt wurde.

Und dann wäre da noch das ganze Thema Empowerment: „Younger“ schafft es, viele relevante, ja ich behaupte mal „woke“ Themen zu platzieren, Frauen in den Mittelpunkt zu rücken und ihre Freundschaften und ihre Karriere zu fokussieren. Das ist immer wieder schön anzusehen, hier und da auch edukativ, aber verliert über den Verlauf der Serie ein bisschen an Kraft. Hier frage ich mich, ob es nicht vielleicht besser gewesen wäre, der Serie nur vier oder fünf Staffeln zu schenken als sieben. Ich habe mich zwar bis zum Ende unterhalten gefühlt, aber nicht nur die Liebesbeziehungen der Protagonistin, sondern vor allem von Kelsey wirkten irgendwann sehr konstruiert. Ihre Stories haben sich irgendwann fast ausschließlich um die Männer gedreht, was dem starken Start der Serie und dem ursprünglichen Weg aus meiner Sicht irgendwann nicht mehr ganz gerecht wurde.

Ich hatte zum Ende hin immer häufiger das Gefühl, dass sich die Geschichten immer weniger natürlich anfühlten und dadurch vieles an Logik (und Charakterentwicklung) eingebüßt haben. Gerade Lizas Lüge hat die Geschichte lange getragen, sie war der Motor der Handlung, hätte aber für mich insgesamt schneller aufgelöst werden können, um der Serie nochmal einen kleinen positiven Schwung zu geben, statt so lange mit denselben Mitteln überzeugen zu wollen.

Fazit

Auch wenn vieles übertrieben und überzogen wirkt, so schafft „Younger“ es doch, auch ernste Themen zu platzieren. Für kurzweilige Unterhaltung zwischendurch (oder einfach viele kurze Folgen am Stück) eignet sich die Serie ganz hervorragend. Sie bringt zum Lachen, sie ist was fürs Auge, wenn die Charaktere durch New York City strollen, sie lässt uns fühlen und irgendwie vermittelt sie häufig einfach ein gutes Gefühl.

Schade finde ich, dass die Serie absolut empowernd begann, was sie im Verlauf der Staffeln ein wenig verloren hat. Hier stand dann nach einer Weile doch zu sehr die Dreiecksbeziehung zwischen Liza, Josh und Charles im Fokus, die aus meiner Sicht insgesamt hätte weniger Raum einnehmen dürfen. Vor allem aber hat mich die fehlende Charakterentwicklung von Kelsey gestört, die zum Ende hin immer stärker über ihre Beziehungen definiert wurde. Anstelle dessen hätte ihre Figur auch anders wachsen können. Wenn ich so darüber nachdenke, merke ich, dass sich meine Sympathie über den Verlauf der Staffeln gegenüber Diana, Maggie und Josh gesteigert, während sie sich gegenüber den Figuren von Liza, Kelsey und Charles etwas zurückentwickelt hat.

Nichtsdestotrotz lohnt es sich auf jeden Fall, sich selbst ein Bild davon zu machen. Alle sieben Staffeln von „Younger“ stehen aktuell bei Netflix zum Abruf bereit.

Bilder: Netflix

Der Moment, der das Netz am Sonntag stillstehen ließ

Es war mal wieder Oscar-Zeit in Hollywood, Leonardo diCaprio war mal wieder nominiert, und ja – er hat den Goldjungen mal wieder nicht bekommen. Aber nicht schlimm – trotzdem spricht alle Welt über ihn, denn er hat gleich Material für ein neues Meme geliefert. Gala-Moderator Conan O’Brien kündigte gleich zu Beginn der Gala an, er wolle mit dem Schauspieler spontan ein Meme kreieren.

Auf der Leinwand wurde DiCaprio im Publikum gezeigt, dann erschien unter seinem Bild die Einblendung „TFW you didn’t agree to this“ („Das Gefühl, wenn du dem nicht zugestimmt hast“). Der Schauspieler schaute leicht erstaunt und amüsiert in die Kamera, hob die Arme – fertig war das neue Meme, das seitdem zigfach im Netz auftaucht. Für zusätzliche Würze sorgt DiCaprios Look: Der Schnauzer, der auf Fotos ohnehin schon nach „neuem Reaction-Material“ schreit, wird im Netz prompt als visuelle Steilvorlage für ein frisches Meme beschrieben. Und O’Brien hatte ihn zuvor ja sowieso als „König der Memes“ bezeichnet – und drei seiner prägendsten Memes auf der Leinwand gezeigt.

Conan O’Brien makes a new Leonardo DiCaprio meme #Oscars pic.twitter.com/OX62X798Mx

— Deadline (@DEADLINE) March 15, 2026

Der Clou: Wie später Oscar-Verantwortliche gegenüber Variety erzählen, wusste DiCaprio vorher nichts von diesem kleinen Meme-Stunt – er war genauso überrascht wie alle anderen.

Dass ein Oscar-Host mittlerweile ganz selbstverständlich ein Segment baut, in dem er live ein Meme mit einem Nominierten produzieren will, zeigt, wie tief Internetkultur im Kern-TV-Event angekommen ist. Die Academy Awards waren lange das Symbol für lineares Event-Fernsehen, doch 2026 denkt man offensichtlich (auch) in Clips, Loops und Reposts – und DiCaprio ist dabei das ideale Rohmaterial. Interessant fand ich die kleine Reibung im Saal: Das Publikum spürt, dass hier ein Moment „fürs Netz“ erzeugt werden soll, niemand ist sich aber sicher, ob das auch funktioniert – genau die Art von „Sideways“-Moment, die Conan O’Brien im Vorfeld sogar ausdrücklich als reizvoll beschrieben hatte. Damit schließt sich ein Kreis: Die Oscars versuchen, den Geist des Internets einzufangen, indem sie auf die Figur setzen, die das Netz ohnehin schon seit Jahren in hunderttausendfach geteilter Form benutzt. Und es wird sich weiter verselbstständigen, wenn wir zum Beispiel daran denken, dass Disney die Oscar-Liveübertragung bald wird abgeben müssen – an YouTube, das gerade auch in dieser medialen Hinsicht viel mit den Oscars vor hat – ich hab’s hier im Blog bereits ausführlich beschrieben.

Das Phänomen: Warum ausgerechnet Leo?

Arnie Grape, Frank Abagnale, Hugh Glass, Calvin Candie, Jay Gatsby, Edward Daniels, Dominick Cobb und Jordan Belfort könnten kaum unterschiedlicher sein. Sie sind exzessiv lebende Multimillionäre, menschenverachtende Plantagenbesitzer, totgeglaubte Fallensteller, brilliante Betrüger. Sie alle eint, dass Leonardo DiCaprio sie verkörpert: „Einer der wohl wandlungsfähigsten Schauspieler seiner Zeit. Das Internet dankt es ihm“, wie es bei t3n heißt.

Tatsächlich liefert der Schauspieler mit seiner expressiven Mimik in seinen Filmen immer wieder Vorlagen für virale Memes. DiCaprio ist gleichzeitig markant und unfreiwillig komisch. Er steht für große Rollen, große Filme, große Emotionen – und gleichzeitig für Momente, die sich perfekt aus dem Kontext lösen lassen.Aber was macht DiCaprio zur „Meme-Maschine“? Schließlich gibt es hunderte Stars mit markanten Gesichtern. Doch Leo besitzt eine seltene Kombination aus Prestige-Schauspielerei und extremer mimischer Ausdruckskraft. Oder wie es bei Moviepilot so treffend heißt: „Leonardo DiCaprio hat keine Angst vor überzeichneten Rollen und expressiver Mimik, die die Basis eines guten Film-Memes bilden. Und seine Karriere blühte gleichzeitig mit der Meme-Kultur auf.“

Wenn wir ein Meme von ihm nutzen, nutzen wir nicht den privaten Leo, sondern prägende Momente in seinen Rollen. Sie sind oft überlebensgroß – der reiche Gatsby, der wahnsinnige Jordan Belfort, der rachsüchtige Plantagenbesitzer Calvin Candie. Wenn diese Figuren dann menschliche – oder schlichtweg absurde – Emotionen zeigen, entsteht diese großartige Fallhöhe, die wir so lieben.

Die Hall of Fame: Die besten Meme-Vorlagen von Leonardo DiCaprio

Der aktuelle Oscar-Hype ist das eine, aber es gibt eben auch das reich gefüllte Archiv an Leo-Memes. Denn DiCaprio hat uns über die Jahre eine Menge Reaktionen geschenkt, die heute zum Standard-Repertoire jeder Teams- oder WhatsApp-Diskussion gehört:

Der „Gatsby-Toast“ (The Great Gatsby): Der Goldstandard: Leo im Smoking, ein Feuerwerk im Hintergrund, ein Champagnerglas in der Hand und dieses wissende Lächeln. Es ist das ultimative Symbol für „Du hast es geschafft“ oder – ironisch verwendet – „Herzlichen Glückwunsch zum absoluten Fail“.

Das „Django-Lachen“ (Django Unchained): Leo als böser Plantagenbesitzer, der mit einem Glas Drink in der Hand hämisch lacht. Es ist das Meme für Schadenfreude schlechthin. Wer hat es nicht schon verschickt, wenn der nervige Kollege im Meeting korrigiert wurde?

Der „Pointing Leo“ (Once Upon a Time in Hollywood): Leo sitzt mit Bier und Zigarette auf der Couch und zeigt auf den Fernseher. Die Geburtsstunde des „Ich erkenne das!“-Moments.

Und dann ist da noch Leos eigene Jagd nach dem Oscar: Jahrelang war diCaprios verzweifeltes Warten auf den Goldjungen selbst das größte Meme:
– 1994 nominiert als Bester Nebendarsteller in „Gilbert Grape – Irgendwo in Iowa“
– 2005 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „Aviator“
– 2007 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „Blood Diamond“
– 2014 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „The Wolf of Wall Street“
– 2014 nominiert in Bester Film für „The Wolf of Wall Street“ (als Produzent)
– 2020 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „Once Upon a Time in Hollywood“
– 2026 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „One Battle After Another“

Als er 2016 für „The Revenant“ endlich gewann, trauerte das Internet fast ein bisschen – eine Ära der Witze war vorbei. Doch wie wir am Sonntag sahen: Er liefert zuverlässig Nachschub – so wie jetzt.

Wie reagiert Leonardo DiCaprio selbst?

Man könnte meinen, ein Weltstar seines Formats fände es lästig, wenn seine ernsthafte schauspielerische Arbeit zu 10-sekündigen Endlosschleifen degradiert wird. Doch DiCaprio zeigt sich – ganz der Profi – gelassen bis amüsiert. Das ist sicher auch ein Faktor für die Langlebigkeit dieses Meme-Status. Er gehört nicht zu den Prominenten, die sich gegen Internetkultur stemmen oder sie ignorieren. Gleichzeitig ist er auch keiner, der aktiv versucht, daraus Kapital zu schlagen. Seine Haltung lässt sich am besten als stille Akzeptanz beschreiben. In Interviews hat er wiederholt erkennen lassen, dass er sich der Meme-Kultur bewusst ist – und sie mit einem gewissen Humor nimmt. Keine große Inszenierung, keine Selbstvermarktung, sondern eher ein „Ich weiß, dass das passiert“, und genau das funktioniert.

Und: Ein Meme mit Leo ist nie „trashig“. Wir Zuschauer:innen glauben ihm jede Bewegung, jede Aussage, jedes Augenzwinkern und jede Mimik. Leonardo DiCaprio spielt so authentisch mit seinen Gesichtszügen und Bewegungen, „dass es fast schon eine Schande wäre, aus seinen oft überspitzten, karikativen Charakteren keine Memes zu produzieren. Dieses besondere Talent DiCaprios erkannte die Generation Internet zum Glück schneller als die eingestaubte Oscar-Jury“, fasst es t3n passend zusammen. Und solange Leo weiterhin so herrlich intensiv guckt, lacht und trinkt, müssen wir uns um die Zukunft der digitalen Kommunikation keine Sorgen machen. In diesem Sinne: Heben wir das Glas – natürlich im Stile von Jay Gatsby. Auf dich, Leo!

Bilder: ABC, Columbia, Warner Bros, Sony