Im Frühjahr dieses Jahres kehrte die legendäre Sportsendung „American Gladiators“ zurück. Nun legt Prime Video mit einem deutschsprachigen Ableger nach. Maik hatte euch bereits im letzten Jahr über den Casting-Aufruf und Ticketverkauf zur Show informiert. Auch in „Gladiators: Die Show der Giganten” müssen wieder Wände erklommen, schmale Plattformen überquert und Ringe entlanggehangelt werden. Der jetzt veröffentlichte Trailer zeigt, dass die Sendung der Vorlage weitgehend treu bleibt. Die Wettkämpfe scheinen nahezu identisch mit denen der Originalserie zu sein. Selbst die Gladiator:innen tragen ebenso klangvolle Namen wie ihre US-Kolleg:innen, darunter Beast, Giant, Fire oder Comet. Ich hätte es allerdings witzig gefunden, wenn man hier auf Namen wie Brecher oder Zerstörer gesetzt hätte.

Fans ähnlicher Formate wie „Ninja Warrior Germany“ oder „Physical: 100“ dürften hier auf ihre Kosten kommen. In insgesamt fünf Folgen treten die Herausforderer:innen gegen 17 Gladiator:innen an und kämpfen sich durch 13 actionreiche Disziplinen. Moderiert wird die Show von Frank Buschmann, Jan Köppen und Laura Wontorra. Wer schaltet mal ein?

„Gladiators – Die Show der Giganten“ startet am 6. August bei Prime Video. Ab dem 4. September ist die Show außerdem bei RTL und RTL+ zu sehen.

Bilder: Amazon Prime Video

KI ist hier nur „die Maschine“

Mein erster Eindruck – nicht übermäßig stark. Ich könnte mir vorstellen, dass heute gerade der KI-Hintergrund „der Maschine“ in den Fokus gerückt würde, einfach weil KI heute in vielen gesellschaftlichen Diskussionen ständig an der Tagesordnung ist und viel über ethische, moralische und technische Dimensionen gesprochen wird. In „Person of Interest“ ist das anders – hier wird noch nicht einmal von einer künstlichen Intelligenz gesprochen, sondern es geht um einen Supercomputer, gefühlt sogar etwas despektierlich nur „die Maschine“ genannt, der die Bürger überwacht. Was gesellschaftlich in der Serie übrigens auch kaum eine Rolle spielt, weil die Regierung nach den Terroranschlägen wenig Überzeugungsarbeit leisten musste, um das System durchzusetzen.

Das besondere an dem Setting ist vielmehr, dass die Maschine praktisch schon zu viel erkennt: Harold Finch (gespielt von Michael Emerson, bekannt aus „LOST“ und Emmy-Preisträger für „Practice – Die Anwälte“), der die Maschine zusammen mit Nathan C. Ingram gebaut hat, erklärt schon recht früh in der Serie, dass man durch die Maschine seit dem Bau schon mehrere Dutzend potenzielle Terroranschläge vereiteln konnte, dass die Maschine aber auch „irrelevante“ Fälle auswirft – Verbrechen, die nicht zu einer terrorartigen Gefahr führen würden, bei denen aber trotzdem Menschen zu Opfern werden. Diese Fälle gibt die Maschine nicht an die US-Regierung weiter, sondern wirft sie separat aus – was zu Gewissensbissen bei Harold Finch führt, weil er weiß, dass es Opfer geben wird, er diese sogar kennt, er aber nichts für sie tun kann.

An der Stelle kommt die zweite Hauptfigur ins Spiel – John Reese (gespielt von Jim Caviezel), ein ehemaliger Soldat der United States Army Special Forces und späterer Mitarbeiter des National Clandestine Service sowie Operator der Special Activities Division, der nach einer Operation in Ordos für tot gehalten wird. In der Pilotfolge ist er als Obdachloser unterwegs, der sich nach dem Tod seiner Freundin aufgegeben hat. Über die Maschine wird Harold Finch auf ihn aufmerksam und bietet ihm einen Job an. Nach und nach weiht er Reese in die Potenziale der Maschine ein, und nach einigem Widerwillen sagt Reese zu, Finch zu unterstützen. Die Maschine wirft Sozialversicherungsnummern aus von Menschen, die in ein Verbrechen involviert sind – ob Täter oder Opfer, kann die Maschine nicht erkennen.

Gleich in der Pilotfolge lösen Finch und Reese auch ihren ersten Fall – übrigens ziemlich spektakulär, sowohl auf Seiten der Inszenierung als auch aus dramaturgischer Sicht. Es gibt jede Menge Action, aber auch clevere Wendungen. Hier profitiert die Episode definitiv davon, dass sich Serienschöpfer Jonathan Nolan („Memento“, „Interstellar“, „Westworld“, Batman-Reboot) selbst an das Schreiben der Folge gesetzt hat. Sie ist sehr dicht erzählt, entwickelt sehr schön die ersten übergeordneten Handlungsstränge, führt in die relevanten Charaktere ein und sorgt dafür, dass man als Zuschauer:in sehr schnell eine Bindung zu „Person of Interest“ findet. Das Setting stimmt, die Charaktere wirken überzeugend und für das frühe Stadium der Serie schon recht vertraut, und auch der einzelne Fall hat wie gesagt in sich schon mehrere Wendungen – man wundert sich, was Jonathan Nolan alles in die knapp 45 Minuten reinbekommen hat. Am Ende erkennt John Reese, dass er mit dem Job Gutes tun kann – und vor allem auch das machen kann, was er sich beim Tod seiner Freundin selbst vorwirft – eben dass er deren Tod nicht vereiteln konnte. Heißt auch: Der Pfad für weitere Fälle ist gelegt.

Prominent besetzt: Jonathan Nolan schreibt, J.J Abrams produziert, Michael Emerson spielt

Jonathan Nolan bleibt als Produzent an Bord, übrigens neben J.J. Abrams („LOST“, Star Trek-Reboot, Star Wars-Filme der neuen Trilogie), der bei der Serie auch seine Finger im Spiel hat, und wir beschäftigen uns in den weiteren Folgen mit jeweils einem Fall pro Episode – es wird also schön altmodisch vertikal weitererzählt, sogar im klassischen 22-Folgen-pro-Staffel-Setting. Dabei bleiben Erzählweise und Inszenierung durchaus hochwertig, zumal die Autor:innen bereits nach einigen Folgen damit beginnen, weitere horizontale Erzählebenen einzuziehen. Es gibt Rückblicke in die Vergangenheit der Hauptfiguren, wir bekommen neue Charaktere dazu, die regelmäßig auftauchen, sei es Polizist Lionel Fusco, der zu einem wichtigen Helfer wird, oder auch Ermittlerin Joss Carter, die im laufe der Serie auch noch eine interessante Wandlung vornehmen wird, oder Elias, der mit seiner Untergrund-Organisation zu einem Gegenspieler von Reese wird. Das runde Bild ergibt sich auch durch den Score von Ramin Djawadi, der ja auch für die Musik zu „Game of Thrones“ verantwortlich war.

Nach zehn Jahren nochmal in die Serie einzutauchen, macht schnell wieder großen Spaß; einmal, weil die Serie einfach gut gealtert ist (sie ist in Sachen Inszenierung und Cinematographie immer mindestens auf einem soliden Niveau und die optischen Effekte, mit denen die Überwachung visualisiert wird, sind ebenfalls noch zeitgemäß) und dann, weil es einfach sehr angenehm ist, eine Serie zu schauen, die sich zwar mit den Auswirkungen von KI beschäftigt, aber nicht ständig die KI selbst zum Mittelpunkt hat. KI ist hier nur „die Maschine“; im Mittelpunkt stehen vielmehr die Menschen, die mit der KI arbeiten oder für die diese KI arbeitet. Es wird nicht ständig über KI an sich geredet, noch finden sich hier Wertungen, Hysterien oder Einordnungen, wie mit der KI umzugehen sein sollte. Das ist wirklich sehr angenehm und macht „Person of Interest“ auch im Rewatch nach zehn Jahren nochmal zu einem Serien-Highlight, das man sich gönnen sollte. Die Gelegenheit ist da – Netflix hat die Serie mit allen 5 Staffeln und 103 Folgen ins Programm genommen.

Bilder: CBS

Diese Woche stand ganz klar im Zeichen der Fußball-WM. So ein Turnier gibt es schließlich nur alle vier Jahre – da darf das eine oder andere Spiel natürlich nicht fehlen. Gerade wenn spannende K.-o.-Duelle oder „Überraschungssieger auf dem Programm stehen, rückt die Serienwatchlist eben auch mal für 90-110 Minuten in den Hintergrund. Und genau dafür ist eine Weltmeisterschaft schließlich da. Leider ist mein geheimer Favorit England bereits ausgeschieden, aber die Welt dreht sich trotzdem weiter!

Serientechnisch blieb es daher etwas ruhiger als sonst. Bei „Your Friends & Neighbors“ überzeugt mich vor allem Jon Hamm (alter Bekannter aus „Mad Men“) als Andrew „Coop“ Cooper. Gemeinsam mit Amanda Peet, Olivia Munn und Hoon Lee trägt er die Mischung aus Drama, schwarzem Humor und Gesellschaftssatire ausgesprochen souverän. Die Serie entwickelt sich angenehm unaufgeregt und gehört für mich weiterhin zu den stärkeren Neustarts des Jahres.

Außerdem habe ich „Widow’s Bay“ weiter verfolgt. In der Hauptrolle spielt **Matthew Rhys** („The Americans“) den Bürgermeister Tom Loftis, der seine von düsteren Legenden und mysteriösen Ereignissen geplagte Insel unbedingt wieder auf Erfolgskurs bringen möchte. Unterstützt wird er unter anderem von Kate O’Flynn, Stephen Root und Kevin Carroll. Die Mischung aus Mystery, Horror und trockenem Humor funktioniert für mich überraschend gut. Besonders erfreulich: Apple TV+ hat der Serie bereits vor dem Finale der ersten Staffel grünes Licht für eine zweite Staffel gegeben – ein schönes Zeichen dafür, wie gut die Serie bei uns Fans und den Kritikern angekommen ist.

Und weil manche Dinge einfach zur Wochenroutine gehören, durfte selbstverständlich auch wieder eine Folge der „Simpsons“ nicht fehlen. Springfield liefert zwar nicht mehr jede Woche absolute Klassiker, sorgt aber immer noch zuverlässig für ein paar Schmunzler und gehört für mich einfach zum festen TV-Programm.

Unterm Strich war es also eine gelungene Mischung aus Fußballfieber, spannenden Serien und einer ordentlichen Portion Nostalgie. So darf eine TV-Woche gerne aussehen. Ich bin gespannt, was die kommende Woche auf den Streamingdiensten bereithält – und ob die WM an diesem Wochenende noch für die eine oder andere Überraschung sorgt.

Bilder: Apple TV, Disney+

Den Stein ins Rollen brachte ein Bericht von James Faris für Business Insider. Demnach diskutiert Disney intern darüber, einen Teil der Inhalte von Disney+ kostenlos zugänglich zu machen. Hintergrund sind Gespräche innerhalb des Unternehmens über neue Wege, mehr Zuschauer zu erreichen. Konkret soll Disneys Chief Product & Technology Officer Adam Smith das Thema während einer internen Mitarbeiterversammlung angesprochen haben. Einen Zeitplan oder Details zum Umfang gebe es allerdings bislang nicht. Business Insider zitiert eine mit den Plänen vertraute Person mit den Worten: „these talks are part of an ongoing discussion about concepts to better serve fans.“ Das klingt zunächst wenig spektakulär – zeigt aber, dass Disney offenbar verschiedene Szenarien prüft, um auf die Veränderungen im Streamingmarkt zu reagieren.

Kostenlos – aber vermutlich nicht komplett

Wer jetzt hofft, künftig sämtliche Marvel-, Star-Wars- oder Pixar-Inhalte gratis streamen zu können, dürfte enttäuscht werden. Nach aktuellem Stand geht es nicht um ein vollständiges kostenloses Disney+-Abo, sondern eher darum, ausgewählte Inhalte frei zugänglich zu machen. Welche Serien oder Filme dazugehören könnten, ist bislang völlig offen. Auch bleibt unklar, ob ein solches Angebot ausschließlich werbefinanziert wäre. Das Tech-Magazin The Verge fasst den aktuellen Stand entsprechend vorsichtig zusammen. Dem Bericht zufolge seien weder Umfang noch Starttermin bekannt, Disney habe sich öffentlich bislang nicht geäußert.

Warum denkt Disney überhaupt darüber nach?

Die Antwort lautet: YouTube; denn während klassische Streamingdienste in den vergangenen Jahren ihre Preise mehrfach erhöht haben, verbringen viele Zuschauer inzwischen wieder deutlich mehr Zeit auf kostenlosen Plattformen. Besonders YouTube gewinnt auf Smart-TVs kontinuierlich Marktanteile. Auch kostenlose, werbefinanzierte Streamingangebote oder FAST-Channels legen zu. Genau diesen Trend nennt Business Insider als einen der Hauptgründe für Disneys Überlegungen. Hinzu kommt: Disney experimentiert bereits seit einiger Zeit mit neuen Formaten, wie heise aufarbeitet. Dazu gehören vertikale Kurzvideos, sogenannte „Verts“, dauerhaft laufende Themenkanäle und weitere Inhalte, die Nutzer häufiger in die App zurückholen sollen – DWDL hat hier darüber berichtet.

Was könnte das für den Streamingmarkt bedeuten?

Business Insider sieht in einem kostenlosen Einstiegsangebot vor allem eine Möglichkeit, Disney+ gegenüber anderen klassischen Bezahlplattformen zu differenzieren. Während Apple TV+ oder Paramount+ lediglich einzelne Episoden kostenlos anbieten, könnte Disney ein deutlich umfangreicheres Gratis-Angebot schaffen.

Emma Roth von The Verge ordnet die Überlegungen in einen größeren Trend ein: Streaminganbieter konkurrieren inzwischen nicht mehr nur untereinander, sondern zunehmend mit YouTube und sozialen Plattformen um die Aufmerksamkeit der Zuschauer. Kostenlose Inhalte könnten deshalb ein wichtiger Baustein werden, um neue Nutzer in das Disney-Ökosystem zu holen.

Scott Younker von Tom’s Guide verweist zusätzlich auf den wirtschaftlichen Hintergrund. Nach mehreren Preiserhöhungen bei nahezu allen Streamingdiensten werde es immer schwieriger, neue zahlende Abonnenten zu gewinnen. Ein kostenloses Angebot könne deshalb als Einstieg dienen, aus dem später ein kostenpflichtiges Abo wird. Gleichzeitig sieht das Magazin darin eine Reaktion auf den enormen Erfolg kostenloser Plattformen und sozialer Videoangebote.

Noch ist nichts entschieden

Bei aller Aufregung gilt allerdings: Bislang existiert kein offizielles Produkt und keine Ankündigung von Disney. Die Berichte beziehen sich auf interne Gespräche und Überlegungen. Ob daraus tatsächlich ein kostenloses Disney+-Modell entsteht, ist derzeit offen. Sollte Disney den Schritt jedoch wagen, wäre das ein bemerkenswertes Signal. Jahrelang bestand die Strategie der großen Streamingdienste darin, möglichst viele zahlende Abonnenten zu gewinnen. Nun könnte sich der Fokus stärker in Richtung Reichweite, Werbung und Nutzerbindung verschieben – ähnlich wie es YouTube seit Jahren erfolgreich vormacht.

Für Streamingfans wäre eine kostenlose Disney+-Variante sicherlich eine attraktive Nachricht. Für Netflix, Prime Video, HBO Max & Co. und andere Wettbewerber könnte sie dagegen der Auftakt zu einer neuen Runde im Wettbewerb um die Aufmerksamkeit der Zuschauer sein. Denn im Streaminggeschäft scheint inzwischen nicht mehr allein die Größe der Mediathek entscheidend zu sein – sondern vor allem die Frage, wie man Nutzer überhaupt noch dazu bringt, regelmäßig die eigene App zu öffnen.

Bilder: Disney

Früher war die Sache recht einfach. Wer wissen wollte, wann welche Serie ausgestrahlt wurde, holte sich eine Programmzeitschrift. Dort gab es entweder einen Daumen hoch oder einen roten Stern sowie kurze Inhaltsangaben mit Kritiken. Das Angebot war überschaubar, ebenso wie die Anzahl der Sender. Oder man schaltete einfach den Röhrenfernseher ein und schaute, wo man hängen blieb. Heute ist es deutlich komplexer. Noch nie war das Serienangebot so groß wie jetzt, und noch nie war es für mich so schwierig, die wirklich passenden Empfehlungen zu finden. Jeden Tag erscheinen neue Produktionen bei Netflix und Co., weshalb es mir immer schwerer fällt, nicht nur den Überblick zu behalten, sondern auch die echten Highlights ausfindig zu machen. Deshalb höre ich oft auf Empfehlungen von Freunden. Das funktioniert ganz gut, weil ich ihren Geschmack kenne. Gleichzeitig merke ich aber auch, wie unterschiedlich Geschmäcker sein können. Während die Action-Serie „Man on Fire” mit Yahya Abdul-Mateen II („Wonder Man”) für meinen Freund ein echtes Highlight ist, lässt mich schon der Trailer dazu kalt.

Hinzu kommen heute unzählige Creator:innen in den sozialen Medien. Auf TikTok, Instagram oder YouTube werden täglich neue Serien empfohlen. Das Problem ist nur, dass gefühlt jede zweite Serie ein absoluter Geheimtipp sein soll („Warum spricht eigentlich niemand über diese Serie?”). Viel wichtiger als die eigentliche Empfehlung ist mir deshalb die Person dahinter. Passt ihr Geschmack einigermaßen zu meinem? Mag sie dieselben Genres? Legt sie mehr Wert auf Figuren oder auf die Handlung und die Atmosphäre? Erst wenn man jemanden gefunden hat, dessen Vorlieben den eigenen ähneln, werden solche Empfehlungen wirklich hilfreich. Und: Wir bei Seriesly erhalten zusätzlich täglich mehrere Pressemitteilungen, in denen natürlich jede neue Serie „ein absolutes Highlight” ist. Verständlicherweise möchte niemand sein eigenes Projekt schlechtreden. Für uns bedeutet das, zwischen Marketingsprech und tatsächlicher Qualität zu unterscheiden. Ansonsten können natürlich auch Bewertungen bei IMDb oder Rotten Tomatoes weiterhelfen. Sie bieten eine erste Orientierung, ersetzen aber nicht den eigenen Geschmack. So haben manche meiner aktuellen Lieblingsserien, wie „Not Suitable For Work”, dort nur durchschnittliche Wertungen, während ich mit hochgelobten Serienformaten manchmal überhaupt nichts anfangen kann. Inzwischen habe ich mir deshalb eine kleine Strategie zurechtgelegt. Ich informiere mich an mehreren Stellen, höre auf Menschen, deren Geschmack ich schätze, und schaue mir dann die erste Folge an. So habe ich beispielsweise neulich in einem Popkultur-Podcast zum ersten Mal von der Gruselserie „Widow’s Bay” auf Apple TV+ gehört und werde mir deshalb mal die erste Episode anschauen. Oft merkt man relativ schnell, ob einen eine Serie packt oder nicht. Und vielleicht liegt genau darin die wichtigste Erkenntnis: Gute Empfehlungen findet man nicht an einem bestimmten Ort, sondern dort, wo Leute mit ähnlichem Geschmack über ihre Eindrücke sprechen und erklären, warum sie einem bestimmten Publikum gefallen könnten. Mich würde nun interessieren: Wo entdeckt ihr eure Serien? Vertraut ihr eher Freunden, Social Media oder klassischen Kritiken? Oder lasst ihr euch einfach von Kachelbildern und Rankings auf den Streamingplattformen leiten?

Bilder: Netflix

Da der Sommer gerade eine kleine Pause eingelegt zu haben scheint, ist der Zeitpunkt perfekt, einen Blick auf das Juli-Programm auf Sky zu werfen. Was davon steht auf eurer Watchlist?

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine Juli 2026

2. Juli

Watson (2. Staffel – Sky One, Sky & WOW)
Bull (1.-6. Staffel – Sky One, Sky & WOW)

7. Juli

Königinnen, die die Welt veränderten (2. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

9. Juli

Snapped: Wenn Frauen töten (36. Staffel, Teil A – Sky Crime, Sky & WOW)

13. Juli

New York Homicide (3. Staffel, Teil B – Sky Crime, Sky & WOW)

21. Juli

World War II: Im Gerichtssaal der Geschichte (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
Law & Order (25. Staffel – 13th Street, Sky & WOW)

23. Juli

Last Night Out – Die letzte Nacht (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

25. Juli

The Five Star Weekend (1. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

27. Juli

Die Kennedy-Saga (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

29. Juli

Murder Suspect: Unter Verdacht (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

Neue Filme bei Sky:
Starttermine Juli 2026

1. Juli

On a Wing and a Prayer

3. Juli

Die Unfassbaren 3 – Now You See Me
Killer-Teenie aus gutem Hause (Doku)

4. Juli

The Internship – Praktikum im Töten

5. Juli

John Wick: Kapitel 4
Und dann kam Dad

6. Juli

Die Welt der Haie – Erstaunliche Erkenntnisse (Doku)

10. Juli

Diablo

11. Juli

Anemone

18. Juli

Bibi Blocksberg – Das große Hexentreffen

24. Juli

Like A Complete Unknown
Mystery Unsolved: The Adnan Syed Story (Doku)

25. Juli

Osiris

31. Juli

Five Nights at Freddy’s 2

Sonderprogramm zum Welt-Haitag

Sonderprogramm zu Sylvester Stallones 80. Geburtstag

Am 6. Juli auf Sky Cinema Premiere sowie jederzeit auf Abruf über Sky und WOW

Backtrace
Cliffhanger – Nur die Starken überleben
Cop Land
Creed – Rocky’s Legacy
Creed II – Rocky’s Legacy
Daylight
Escape Plan
Rambo

Rambo II – der Auftrag
Rambo III
Rambo: Last Blood
Samaritan
The Expendables
The Expendables 2
The Expendables 3 – A Man’s Job (Extended Director’s Cut)

Sonderprogramm zu Tom Hanks 70. Geburtstag

Am 9. Juli auf Sky Cinema Blockbuster sowie jederzeit auf Abruf über Sky und WOW

Apollo 13
Cast Away – Verschollen
Der Soldat James Ryan
Forrest Gump

Geschenkt ist noch zu teuer
Illuminati – Angels & Demons
Inferno
Schlaflos in Seattle
Terminal
The Da Vinci Code – Sakrileg
The Green Mile

Vor einigen Jahren hat Michael euch in einem AWESOME 5-Beitrag schon mal Serien mit Musical-Folgen vorgestellt. Heute aber schauen wir uns fünf Musical-Serien an, in denen nicht nur eine einzelne Episode als Musical aufgezogen wurde, sondern die gesamte Serie als Musical gestaltet ist oder sich rund ums Musical dreht. Bereieieiiiit?

„Glee“

Wenn es um Musical-Serien geht, dann darf eine in der Aufzählung definitiv nicht fehlen, nämlich „Glee“. Diese Serie lief von 2009 bis 2015 und ist der Klassiker unter den Musical-Serien. Darin geht es um den „Glee-Club“, einen Highschool-Chor, der moderne Songs und bekannte Musicals covert und damit verschiedene Schüler:innen und Lehrer:innen durch die Leidenschaft zur Musik zusammenbringt. Besonders ikonisch ist die Performance „Don’t Stop Believing“, die vor allem in Trailern und Zusammenfassungen immer wieder Platz findet. Was die Serie besonders macht: In Haupt- und Nebenrollen sind zahlreiche Musical-Stars zu sehen, darunter Lea Michele, Darren Criss, Jonathan Groff und Idina Menzel. Die Serie ist als Comedy angelegt, besitzt aber viele emotionale und dramatische Elemente, die ihr Tiefe und Relevanz verleihen. Zudem hat die Serie viele Diskussionen über Inklusion und Identität ausgelöst – leider nicht nur positive. Während die Serie damals als progressiv galt, ist der Vorwurf später, dass „Glee“ schlecht gealtert ist und zu häufig auf stereotype Darstellungen zurückgegriffen hat. Vielleicht wage ich nach mehr als zehn Jahren bald mal ein Rewatch, um mir selbst rückblickend ein Bild zu machen. Moment… den Gedanken hatte ich schon mal.

„Schmigadoon!“

Diese Musical-Comedy erzählt die Geschichte von Melissa und Josh, die bei einer Wanderung auf die magische Stadt „Schmigadoon!“ treffen, in der sich alle Bewohner:innen wie in einem Musical aus den 1940er Jahren verhalten – und immerzu singen. In ihr altes Leben zurück können die beiden erst, wenn sie die wahre Liebe finden. Die Serie lebt von der Parodie klassischer Broadway-Musicals, aber das auf ihre ganz eigene, liebevolle Art und Weise und sie enthält zahlreiche Referenzen auf Musicals, die zu entdecken ebenso unterhaltsam ist. Darüber hinaus spielen auch hier einige hochkarätige Musical-Darsteller:innen mit, darunter Kristin Chenoweth, Aaron Tveit und Ariana DeBose.

„Crazy Ex-Girlfriend“

In „Crazy Ex-Girlfriend“ gibt die erfolgreiche Anwältin Rebecca ihr Leben in New York auf und zieht ihrem früheren Schwarm Josh nach West Covina, Kalifornien, hinterher. Die Serie von 2015 wirkt auf den ersten Blick wie eine etwas klamaukige Parodie, sie entwickelt sich jedoch zu einer tiefgründigeren Auseinandersetzung mit Liebe, psychischer Gesundheit und Selbstfindung. Die originellen Musical-Einlagen, für die „Crazy Ex-Girlfriend“ immer wieder gelobt wird, spiegeln Rebeccas Gedanken und Gefühle wieder und verleihen der Serie einen schrägen Humor.

„Central Park“

„Central Park“ ist eine animierte Musical-Comedy-Serie, die von Loren Bouchard, Josh Gad und Nora Smith entwickelt wurde. Sie handelt von einer Familie, die sich um den Central Park von New York kümmert und ihn vor profitgetriebenen Bauplänen schützen möchte. Die Serie hat einen unglaublichen Ensemble Cast, die den Charakteren ihre Stimmen leihen. Da wären z.B. Daveed Diggs und Leslie Odom Jr. aus „Hamilton“, Creator Josh Gad aus „Frozen“ und „The Book of Mormon“ und Kathryn Hahn aus „Agatha All Along“. Die Serie bietet neben der prominenten Synchronbesetzung zahlreiche Originalsongs und ist zwar ab 6 Jahren freigegeben, ist aber genauso beste Unterhaltung für Erwachsene.

„Smash“

Das Musical-Drama „Smash“ lief von 2012 bis 2013 und folgt der Entstehung eines New Yorker Broadway-Musicals über das Leben von Marilyn Monroe. Während Cast und Crew mit kreativen Entscheidungen kämpfen, führen vor allem persönliche Beziehungen, Konkurrenz und Druck zu besonders viel Drama hinter den Kulissen. In den Hauptrollen sind Singer-Songwriterin Katharine McPhee und Sängerin Megan Hilty zu sehen, die durch zahlreiche große Broadway-Stars wie Christian Borle, Brian d’Arcy James sowie Bernadette Peters ergänzt werden.

Zu welchen Musical-Serien singt ihr gern in euren Wohnzimmern?

Ein wenig vermisse ich sie, diese unbeschwerten Serien der 1990er- und 2000er-Jahre, die oft in New York spielen und von Freundschaft, Liebe und Karriere erzählen. Die neue Comedyserie „Not Suitable for Work“, die seit Kurzem bei Disney+ verfügbar ist, versucht genau an diese Tradition anzuknüpfen und in die großen Fußstapfen von Serien wie „Friends“ oder „How I Met Your Mother“ zu treten. In neun rund 30-minütigen Episoden habe ich fünf sympathische junge Erwachsene aus Manhattan kennengelernt, die gerade ihre ersten Schritte ins Berufsleben wagen. Da sind die drei Freunde Josh (Jack Martin), Kel (Nicholas Duvernay) und Davis (Will Angus), die gemeinsam in einer WG leben, direkt gegenüber von Abby (Avantika) und AJ (Ella Hunt). Die Wege der fünf kreuzen sich immer wieder, mal freiwillig, mal eher unfreiwillig. Vor allem Davis, ein hoffnungsloser Träumer, verliebt sich auf Anhieb in seine Nachbarin AJ, die ausgerechnet auch noch seine neue Kollegin ist, während sie selbst ein Auge auf ihren Chef geworfen hat. Komplizierte und oft herrlich komische Situationen sind damit vorprogrammiert. Währenddessen versucht Kel, seine Schauspielkarriere voranzutreiben, Abby kleidet als Modestylistin ihren ersten prominenten Kunden ein und Josh kämpft darum, beim Nachrichtensender seines Vaters Fuß zu fassen. Verantwortlich für die zeitlose Geschichte ist Showrunnerin Mindy Kaling, die bereits mit „Noch nie in meinem Leben…“ („Never Have I Ever“) auf Netflix nicht nur ihre eigene Jugend verarbeitet, sondern auch eine äußerst gelungene Comedyserie geschaffen hat. Die Figuren von „Not Suitable for Work“ sind mir schnell ans Herz gewachsen, und auch der angenehm harmlose Humor sorgt für ein wohliges Gefühl, das an klassische Fernsehabende vergangener Zeiten erinnert.

Und dann war da noch der Staffelauftakt von „X-Men ’97”, der mein Comic-Herz direkt wieder höher schlagen ließ. Die Serie knüpft nahtlos an das fulminante Finale der ersten Staffel an und wirft die Mutanten dieses Mal quer durch die Zeit. Während Cyclops und Jean Grey in einer düsteren Zukunft auf ihren erwachsenen Sohn Cable treffen und sich dem Schurken Apocalypse stellen, geraten Professor X, Magneto, Rogue und Nightcrawler im alten Ägypten in Schwierigkeiten, ausgerechnet zu der Zeit, in der der junge En Sabah Nur, der spätere Apocalypse, seinen Aufstieg erlebt. Besonders spannend ist dabei, wie Magneto versucht, dessen Schicksal zu beeinflussen und damit vielleicht erst den Grundstein für dessen radikale Weltanschauung legt. Parallel dazu sorgt ein neues Mutanten-Team namens X-Force um Cable, Psylocke, Archangel, Jubilee und Sunspot in den 1990ern für ordentlich Tempo und bringt einen angenehm rauen Ton mit hinein. All das ist wieder vollgepackt mit Comic-Referenzen, cleveren Zeitreise-Spielereien und einer Detailverliebtheit, die Fans sofort abholt. Genau deshalb bleibt „X-Men ’97” für mich aktuell eine der stärksten Marvel-Serien überhaupt.

Was gab es diese Woche bei euch zu sehen? Lasst es mich gerne in den Kommentaren wissen!

Bilder: Disney

Endlich ist der Sommer da und doch scheint es so, als wäre das gerade alles schon wieder ein bisschen zu doll, zu heiß, zu viel. Aber wir wollen uns nicht beschweren, denn immerhin haben wir den Sommer lange herbeigesehnt. In unserem seriesly MONATSRÜCKBLICK schauen wir uns an, welche Beiträge im Juni trotz des Wetters am meisten von euch gelesen wurden und was beim seriesly AWESOME Team im Juni so auf der Watchlist stand.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

Diese Beiträge sind im Laufe des Junis auf seriesly AWESOME veröffentlicht und von euch am meisten geklickt worden.

1. ReWatch-Review „Baywatch“ – über 240 Folgen Sonne, Strand und Fun!
2. Freunde mit einem Fake-Netflix reinlegen
3. Der Prozess gegen die Menschheit – Wie Shakespeare, Recht und Star Trek zusammenfinden
4. TV-Thema der Woche: Farbgestaltung in Wetterkarten bei ARD, ZDF & Co.
5. Meine TV-Woche: Das große WM-Desinteresse
6. Masters of the Universe: Neue Trickserie kostenlos online
7. Netflix: Neu im Juli 2026 (Serien & Filme)
8. Review: „Spider-Noir“ – Staffel 1
9. TV-Thema der Woche: Bringt DFB.TV mehr Sichtbarkeit für den Fußball – oder Konkurrenz für die eigenen Partner?
10. AWESOME 5: Diese Serien kühlen dich besser ab als jede Klimaanlage

Persönliche Monatsrückblicke

Und hier gibt es noch die subjektiven Monatsrückblicke aus unserem Autor:innenteam. Wir führen persönliche Highlights auf und schenken euch einen Einblick in die eigene Watchlist.

Kiras Monat

Nachdem ich im ersten Junidrittel auf Reisen war und keinerlei Serienprogramm auf meiner Agenda stand, hab ich die restliche Zeit des Monats viel im Kino und vor dem Fernseher verbracht – trotz (oder gerade wegen?) der heißen Temperaturen. Dabei habe ich mir von der gehypten Serie „Off Campus“ einmal selbst ein Bild gemacht und endlich mal die vierte Staffel „The Witcher“ nachgeholt.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Der Juni war bei mir recht reiseintensiv. Beruflich ging es unter anderem zum Comic-Salon nach Erlangen. Das Festival punktete auch in diesem Jahr mit einer unvergleichlichen Stimmung sowie tollen Ausstellungen und war definitiv eines der Höhepunkte des Monats für mich. Für gute Unterhaltung sorgte zwischendurch vor allem die neue Comicadaption „Spider-Noir”, die mich mit ihrem ungewöhnlichen Stil und der starken Performance von Nicolas Cage positiv überrascht hat. Und abseits von Arbeit und Bildschirm? Da bestand ein nicht unerheblicher Teil des Monats darin, den extrem heißen Tagen irgendwie zu entkommen.

Habe ich gesehen

Michaels Monat

Ich muss mich erstmal ein bisschen sortieren – ich schaue im Moment so viel parallel – erstmal weil das Angebot auch so groß und wertig ist, und dann weil ich auch gerne wieder in so einem Wochen-Rhythmus bin, was das Beschäftigen mit Serien angeht. Also, wo fange ich an? Ich bin wieder eingestiegen in das Reboot von „Matlock“ – zweite Staffel ist angesagt. Im Moment knabbern Matlock & Co. an dem großen, übergeordneten Fall, was die Einzelfälle pro Folge leider etwas in den Hintergrund rücken lässt; ich würde mir da wieder mehr Ein-Fall-pro-Folge-Episoden wünschen. Besser macht’s da „Will Trent“, aktuell in der 4. Staffel, aktuell mit einem erfreulich hohen Anteil an Humor. Lange nicht mehr so viel Spaß an kleinen Details in Serien gehabt. Vielleicht noch bei der Rückkehr von „Scrubs“, die hat mir auch sehr gut gefallen.

Dann habe ich eine Serie angefangen, die bei mir schon länger herumlag, mich bisher aber nicht so angesprochen hatte. Jetzt war der richtige Moment da – für „Your Friends & Neighbors“ mit Jon Hamm; auch überraschend unterhaltsam. Richtig begeistert bin ich von „Spider-Noir“, fand ich hochwertig produziert und sehr clever inszeniert.

Habe ich gesehen

Schon morgen geht es endlich mit der zweiten Staffel von „X-Men ’97“ weiter. Die zweite Staffel der gefeierten Fortsetzung des Kult-Cartoons knüpft direkt an das dramatische Finale der ersten Staffel an. Wer noch einmal eine Auffrischung benötigt, hat jetzt die perfekte Gelegenheit dazu. Marvel hat die wichtigsten Ereignisse aus der ersten Staffel in einem kompakten Rückblick zusammengefasst. Darin geht es um den Tod von Gambit, die verheerende Zerstörung von Genosha, die Enthüllung von Bastian als Drahtzieher hinter dem Sentinel-Massaker und den eskalierenden Konflikt zwischen Professor X und Magneto. Am Ende opfern sich die X-Men, um die Erde vor dem Absturz von Asteroid M zu retten, und verschwinden dabei spurlos durch Raum und Zeit.

Am Ende gibt es auch einen kleinen Ausblick darauf, wohin die Reise geht. Während ein Teil des Teams im alten Ägypten auf den jungen Apocalypse trifft, gelangen andere in eine ferne Zukunft. Hier ist noch alles, was ihr über den Oberschurken Apocalypse wissen müsst:

Wie viele andere auch fand ich die erste Staffel ziemlich stark. Der Serie gelingt es, den Geist des Originals einzufangen und gleichzeitig moderne, emotionale Akzente zu setzen. Wenn die zweite Staffel dieses Niveau halten kann, dürfte uns erneut ein echtes Highlight erwarten.

„X-Men ’97“, Staffel 2 startet am 1. Juli auf Disney+.

Bilder: Disney

Nun ist wirklich schon fast die Hälfte des Jahres 2026 vorbei… Könnt ihr es glauben? Auch der Sommer ist eingekehrt und weht uns direkt die heißesten Temperaturen um die Ohren. Wer eine Abkühlung braucht, nimmt auf dem Sofa Platz, stellt den Ventilator auf (falls noch einer im Laden des Vertrauens zu bekommen war) und schaltet den Fernseher ein. Was Netflix dafür im Juli so zu bieten hat, schauen wir uns nun einmal an.

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Juli 2026

1. Juli

Summer ’36 (Sommer ’36) (1. Staffel)
Worst Neighbor Ever (Worst Neighbor Ever – Tödliche Nachbarschaft) (1. Staffel)
TESTO (1. Staffel – nur Deutschland & Österreich)

2. Juli

Super Subbu (1. Staffel)
Survival of the Thickest (3. Staffel)
Human Vapor (1. Staffel)

5. Juli

Sparks of Tomorrow (1. Staffel)

7. Juli

Better Late Than Single (2. Staffel)

8. Juli

Salcedo, Leather, and Boogaloo (Salcedo, cuero y boogaloo) (1. Staffel)
Thunder 3 (1. Staffel)
I’m Not Afraid (Ich habe keine Angst) (1. Staffel)

9. Juli

Little House on the Prairie (Unsere kleine Farm) (1. Staffel)

11. Juli

The Apartment Job (1. Staffel)

12. Juli

Love Is Blind: UK – After the Altar

13. Juli

Hot Ones: Extra Heat (1. Staffel)

14. Juli

Quarterback (3. Staffel)

15. Juli

The Ultimatum: Marry or Move On (4. Staffel)

16. Juli

The Hawk (1. Staffel)

17. Juli

The Map of Longing (Die Karte der Sehnsüchte) (1. Staffel)
The East Palace (1. Staffel)

18. Juli

Spooky in Love (1. Staffel)

21. Juli

WWE: Unreal (3. Staffel)

22. Juli

Elite Force (GIGN) (1. Staffel)

23. Juli

Ransom Canyon (2. Staffel)
Kaulitz & Kaulitz (3. Staffel)

29. Juli

Final Project (Proyecto Final) (1. Staffel)
Wrath (Fúria – Rasende Wut) (1. Staffel)

30. Juli

The Bombing of Pan Am 103 (1. Staffel)

Demnächst

Musafir Cafe (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Juli 2026

7. Juli

Jeff Arcuri: Nice to Meet You

21. Juli

Bill Maher: The Kennedy Center Mark Twain Prize for American Humor

28. Juli

Mary Beth Barone: Galaxy Brain

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Juli 2026

10. Juli

Miguel Ángel Blanco: The 48 Hours that Changed Spain (Miguel Ángel Blanco: 48 Stunden, die Spanien veränderten)
Shipwrecked: Nightmare at Sea (Costa Concordia: Albtraum auf See)

22. Juli

A Toxic Love Story

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Juli 2026

1. Juli

Das Boot: Director’s Cut
Enola Holmes 3

5. Juli

22 Bahnen

7. Juli

Mortdecai (Mortdecai – Der Teilzeitgauner)

8. Juli

Nothing to Lose (Bis zum Ende)

10. Juli

RoboCop
Ikka

13. Juli

Golden Kamuy -The Abashiri Prison Raid-

15. Juli

Death on the Nile (Tod auf dem Nil)

16. Juli

Love You So Bad
Me Before Me

17. Juli

Desire (Deseo – Verlangen)
23 000 Lives (23 000 Leben)
Heartstopper Forever

23. Juli

The Debt Collector

24. Juli

72 HOURS
The Truthers (Eine verworrene Wahrheit)

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine Juli 2026

14. Juli

MLB Home Run Derby 2026

5. The Terror

Selten hat eine Serie Kälte so konsequent in Szene gesetzt wie „The Terror“. Die Handlung folgt einer britischen Polarexpedition, die im arktischen Eis stecken bleibt und dort langsam jede Hoffnung verliert. Zwischen endloser Schneelandschaft, eisigen Stürmen und absoluter Isolation wird die Umgebung selbst zur größten Bedrohung. Die Serie lebt weniger von klassischen Schockmomenten als von einer stetig wachsenden, beklemmenden Kälte, die sich durch jede Episode zieht. Das Eis ist dabei nicht bloß Kulisse, sondern eine unnachgiebige Macht, die alles verschluckt. Beim Zuschauen stellt sich das Frösteln fast automatisch ein.

4. True Detective: Night Country

„True Detective: Night Country“ (Staffel 4) macht Kälte zu einem zentralen Erzählelement und spielt in Alaska während der Polarnacht. Die Sonne verschwindet dort für Wochen komplett, wodurch eine dauerhafte Dunkelheit entsteht, die sich wie ein eigener Charakter über die Handlung legt. Schnee, Eis und eisige Temperaturen bestimmen nicht nur die Kulisse, sondern auch die Stimmung der Figuren. Die Ermittlungen wirken dadurch noch isolierter und bedrückender, als es in einem klassischen Krimi ohnehin der Fall wäre. Jede Szene vermittelt das Gefühl, dass die Umgebung aktiv gegen die Menschen arbeitet. Das Ergebnis ist eine Atmosphäre, die ebenso faszinierend wie gnadenlos frostig wirkt.

3. Snowpiercer

„Snowpiercer“ spielt in einer vollständig zugefrorenen Zukunft, in der die Erde nach einer globalen Eiszeit unbewohnbar geworden ist. Die letzten Überlebenden der Menschheit leben in einem endlos fahrenden Zug, der die Welt einmal umrundet. Während draußen eine lebensfeindliche Schneewüste herrscht, existiert im Inneren ein rigides Klassensystem mit massiven sozialen Spannungen. Die Kälte ist hier nicht nur Kulisse, sondern der Grundzustand der gesamten Weltordnung. Immer wieder wird deutlich, dass außerhalb des Zuges sofortiger Tod herrscht. Dadurch entsteht ein permanentes Gefühl von Enge, Isolation und eisiger Bedrohung. Dieses komplett durchdachte Frozen-World-Setting hat mich beim Schauen wirklich beeindruckt – selten wirkt eine Serienwelt so konsequent durchgezogen.

2. Dexter: New Blood

„Dexter: New Blood“ verlegt die Geschichte von Dexter Morgan aus dem sonnigen Miami in das verschneite Kleinstädtchen Iron Lake im Norden New Yorks. Statt tropischer Hitze dominieren hier Schnee, Eis und eine stille, fast erstarrte Winterlandschaft. Diese neue Umgebung verleiht der Serie eine deutlich kühlere, ruhigere und zugleich beklemmendere Atmosphäre. Die weiße Schneedecke steht dabei in starkem Kontrast zu Dexters dunkler Vergangenheit, die ihn auch hier wieder einholt. Besonders wirkungsvoll ist, wie die Stille des Winters die Spannung zusätzlich verstärkt und jede Eskalation noch isolierter wirken lässt. Gerade dieser Wechsel vom warmen Miami in die eisige Provinz funktioniert für mich überraschend gut und gibt der Serie eine ganz neue Stimmung.

1. Fargo (Staffel 1)

Ich glaube, keine Serie verbindet eine extrem spannende Geschichte und den Winter so gut wie die erste Staffel von „Fargo“. Die Handlung spielt im tief verschneiten Minnesota, wo Schnee und Eis die ohnehin schon skurrile und brutale Geschichte noch verstärken. Die winterliche Landschaft ist dabei weit mehr als nur Kulisse – sie prägt das Tempo, die Stimmung und sogar die Entscheidungen der Figuren. Immer wieder wirken Straßen, Wälder und Kleinstädte wie eingefroren in einer Welt aus Stille und Kälte. Gerade dieser Kontrast zwischen der eisigen Umgebung und den teils absurden Verbrechen macht den besonderen Reiz der Staffel aus. Das Zusammenspiel aus schwarzem Humor, Spannung und frostiger Atmosphäre bleibt mir bis heute stark im Kopf.

Ich bin jedes Mal aufs Neue überrascht zu sehen, dass einst bei uns Kult gewesene TV-Shows noch Jahr(zehnt)e nach ihrer Absetzung bei uns noch immer erfolgreich in den USA laufen. So wie „The Price is Right“, das hierzulande vor allem von 1989–1997 im Fernsehen lief (und jetzt tatsächlich noch immer mit vereinzelten Sondersendungen auf RTL II). Egal, ob man das Format selbst gesehen hat, oder nicht – das folgende Video ist alleine aus TV-Produktionssicht enorm interessant. Henry Muehlhausen führt uns nämlich hinter die Kulissen von „The Price is Right“ und zeigt uns vor allem so einiges, was mit der Tonmischung des Formates zu tun hat.

„Step inside the sound world of The Price is Right with broadcast mixer Henry Muehlhausen.

In this episode, Henry takes us behind the scenes of CBS’s daytime staple, revealing the hidden microphones, speakers, and signal routing that bring the show to life. From contestant reactions and host audio to the instantly recognizable sound cues, you’ll see how the show’s signature energy is captured, triggered, and mixed in real time.

Henry walks us through his mixing process, balancing mics, playback, effects, and live moments so every sound lands clean and perfectly timed for broadcast.“

via: The Awesomer

Temperaturkarte in der Tagesschau der ARD um 20 Uhr am 26.06.2026 für den 27.06.2026. (Screenshot von tagesschau auf YouTube)

Wetterkarte in der Tagesschau der ARD um 20 Uhr am 26.06.2026 für den 27.06.2026. (Screenshot von tagesschau auf YouTube)

Kaum rollt eine Hitzewelle über Deutschland, tauchen sie wieder auf: Screenshots alter und neuer Wetterkarten, nebeneinandergestellt in sozialen Netzwerken. Die Botschaft lautet meist: Früher seien Temperaturen von 30 oder 35 Grad noch in Gelb oder Grün dargestellt worden, heute dagegen in tiefem Rot. Daraus wird der Vorwurf abgeleitet, öffentlich-rechtliche Sender würden ihre Wetterkarten gezielt dramatischer gestalten, um Angst vor dem Klimawandel zu erzeugen.

Die Behauptung ist nicht neu und erlebt seit rund 6-7 Jahren nahezu jeden Sommer ein Comeback, wie man zum Beispiel auf der Aufklärungsseite von Mimikama sehen kann. Der erste Irrtum beginnt bereits beim Vergleich der Bilder. Häufig werden unterschiedliche Kartentypen miteinander verglichen. Während klassische Wetterkarten vor allem Wetterlagen mit Symbolen für Sonne, Wolken oder Niederschlag zeigen, stellen Temperaturkarten die prognostizierten Temperaturen flächendeckend mithilfe einer Farbskala dar. Genau diese Einfärbung soll uns Zuschauer:innen ermöglichen, Temperaturunterschiede auch dort auf einen Blick zu erkennen, wo keine Zahlen eingeblendet sind.

Facebook-Screenshot der Behauptung: 07.06.2022, Screenshot von AFP Faktencheck

Die Tagesschau erklärte diesen Zusammenhang bereits selbst, wie AFP aufzeigt: „Bei der oberen Karte in der Grafik handelt es sich um eine Temperaturvorhersage. Durch die Einfärbung kann man auch dort, wo keine Zahl steht, erahnen, wie hoch die Temperaturen etwa werden. Die Skala kann dabei von Dunkelrot für heiße Temperaturen bis kaltem Blau reichen.“ Damit beschreibt die Redaktion den Zweck der Farbelemente: Sie visualisieren Temperaturbereiche und sollen die Lesbarkeit erhöhen.

Warum die Farben heute kräftiger wirken

Tatsächlich unterscheiden sich moderne Wetterkarten optisch deutlich von jenen vor 20 oder 30 Jahren. Dafür gibt es jedoch nachvollziehbare technische Gründe, wie Barbara Jung, Pressesprecherin des Norddeutschen Rundfunks und damit des für die Tagesschau verantwortlichen Senders, gegenüber CORRECTIV schonmal erklärte: „Die Grafiksoftware, die Darstellung von Farben an Monitoren, die Auflösung von Monitoren – all das hat sich in den vergangenen 20 Jahren weiterentwickelt. Auch hat sich das darstellbare Farbspektrum vergrößert: Je größer das Farbspektrum, desto größer der Kontrast, desto besser lässt sich der Inhalt der Grafik für die Zuschauerinnen und Zuschauer erkennen.“

Mit anderen Worten: Nicht nur die Rottöne wurden kräftiger dargestellt. Sämtliche Farben wurden an moderne Fernsehstandards, HD-Auflösungen und neue Grafiksysteme angepasst. Das Ziel ist die schon erwähnte bessere Lesbarkeit. Die Intensität der Farben habe die Sendung seit 2002 zweimal angepasst, jeweils im Jahr 2005 und 2014. Genauer dargestellt wird das auch hier bei der Tagesschau.

Silke Hansen, Leiterin der Wetterredaktion beim Hessischen Rundfunk und verantwortlich für die Wetterkarten der Tagesschau, erklärte gegenüber CORRECTIV dazu: „Die Wetterkarten der Tagesschau sind nicht politisch. Es geht immer ausschließlich darum, dass der Zuschauer auf einen Blick sehen kann, wo es in Deutschland wärmer ist, und wo kühler.“

Jeweils links die Wetterkarten vom 28. März 2002 (Tag und Nacht), jeweils rechts die vom 28. März 2022. Alle Wetterkarten stammen aus der 20-Uhr-Sendung der „Tagesschau“. (Quelle: ARD / Youtube; Screenshots und Collage: CORRECTIV.Faktencheck)

Warum dieselbe Temperatur unterschiedlich aussehen kann

Ein weiterer Punkt wird häufig übersehen: Wetterkarten verwenden keine starre Farbskala. Silke Hansen erläuterte ebenfalls gegenüber CORRECTIV: „Wir benutzen über das Jahr hinweg verschiedene Karten, deren Farbgebung jeweils an die zu erwartenden Temperaturen angepasst sind.“

Der Hintergrund ist einfach: Im Frühjahr sind Temperaturen von 24 Grad ungewöhnlich warm, im Hochsommer dagegen eher normal. Würde dieselbe Farbskala das ganze Jahr verwendet, wären an heißen Sommertagen große Teile Deutschlands nahezu einheitlich rot eingefärbt. Unterschiede zwischen 28, 33 oder 38 Grad wären kaum noch erkennbar. Deshalb werden die Farbverläufe saisonal angepasst. Das verbessert die Differenzierung innerhalb der jeweils zu erwartenden Temperaturen – verändert aber nicht die gemessenen Werte.

Unterschiedliche Karten werden oft miteinander verglichen

CORRECTIV weist darauf hin, dass häufig die Temperaturkarte des aktuellen Tages einer Drei-Tages-Vorschau gegenübergestellt wird. Beide Karten verfolgen unterschiedliche Zwecke und besitzen deshalb unterschiedliche grafische Gestaltungen. Ein direkter Vergleich führt zwangsläufig zu einem falschen Eindruck. Ebenso werden oftmals Karten aus unterschiedlichen Jahreszeiten nebeneinandergestellt – etwa eine Frühlingskarte aus den 1990er-Jahren mit einer Sommerkarte aus den 2020er-Jahren. Auch dadurch entstehen scheinbar drastische Farbunterschiede, obwohl beide Darstellungen innerhalb ihres jeweiligen Kontextes korrekt sind.

Internationale Praxis statt deutscher Sonderweg

Ein Blick über die Grenzen zeigt außerdem, dass kräftige Rot-, Orange- oder Violetttöne keineswegs eine Besonderheit von ARD oder ZDF sind. Internationale Wetterdienste wie BBC Weather, MeteoSwiss, Météo-France, oder Meteoblue (oder auch meine Lieblingswetterplattform kachelmannwetter) verwenden vergleichbare Farbskalen, um hohe Temperaturen sichtbar zu machen. Die Farbwahl folgt dabei den Prinzipien moderner Informationsgrafik: Warme Temperaturen werden in warmen Farben dargestellt, kalte Temperaturen in kalten Farben. Dieses Schema ist weltweit verbreitet und erleichtert die schnelle Orientierung.

In der aktuellen Hitzewelle hat auch das ZDF das Thema aufgegriffen. Im Morgenmagazin stellte Wettermoderator Benjamin Stöwe klar, dass die dunkelrote Darstellung nicht der Panikmache dienen solle: „Wenn wir Ihnen das so sagen, auch in der dunkelroten Einfärbung, dann tun wir das nicht, um damit Panik zu machen. Sondern um Ihnen die Möglichkeit zu geben, sich vorzubereiten, sich zu sensibilisieren für diese enorme, extreme und ungewöhnliche Hitze.“ Damit ordnet das ZDF die Farbwahl ausdrücklich als Warn- und Informationsinstrument ein, wie der Kölner Stadt-Anzeiger aktuell berichtet.

Warum sich die Behauptung dennoch hält

Der Erfolg der Verschwörungserzählung liegt vor allem in ihrer Einfachheit. Zwei Screenshots nebeneinander reichen aus, um beim flüchtigen Betrachter den Eindruck einer Veränderung zu erzeugen. Dass dabei unterschiedliche Kartentypen, verschiedene Jahreszeiten oder technische Weiterentwicklungen miteinander vermischt werden, fällt vielen Betrachtern zunächst nicht auf.

Es ist doch so: Dass Wettervorhersagen und -darstellungen heute anders aussehen als vor 20 Jahren, ist unbestritten. Grafiksysteme, Bildschirmtechnik und Designstandards haben sich erheblich weiterentwickelt. Ebenso werden Farbskalen an Jahreszeiten und Temperaturbereiche angepasst, um Wetterinformationen möglichst verständlich darzustellen. Dinge dürfen sich weiterentwickeln. Die immer wieder erhobene Behauptung, ARD, ZDF oder andere Wetterdienste würden Temperaturen durch rote Karten bewusst dramatisieren oder gar manipulieren, bleibt für mich absurd. Im Gegenteil: Die Erklärungen der verantwortlichen Wetterredaktionen, die Aussagen der beteiligten Fachleute und die Recherchen unabhängiger Faktenchecker sprechen übereinstimmend gegen diese These.

Bilder: CORRECTIV, AFP, ARD, ZDF

Diese Woche findet in der französischen Alpenstadt Annecy ein Festival für Animationsfilme und -serien statt. Anlässlich der Veranstaltung hat Prime Video nun den ersten Trailer zur zweiten Staffel von „Batman: Caped Crusader“ veröffentlicht und gibt damit einen Vorgeschmack auf die nächsten düsteren Abenteuer des Dunklen Ritters aus den 1940er Jahren. Nach dem starken Auftakt vor zwei Jahren geht die Noir-inspirierte Animationsserie nun endlich weiter. Diesmal bekommt es Batman mit legendären Gegenspielern wie dem Riddler und dem Joker zu tun. Vor allem der Riddler scheint perfekt in die düstere Welt der Serie zu passen.

„When we get rid of the Batman, Gotham will be ours.“ – Riddler

Bereits die erste Staffel überzeugte dadurch, dass sie bekannte Figuren nicht einfach noch einmal aufwärmte, sondern sie überraschend neu interpretierte. Staffel zwei scheint diesen Ansatz konsequent fortzusetzen und bietet erneut düstere Krimigeschichten mit dem bekannten Mitternachtsdetektiv.

„Batman: Caped Crusader“, Staffel 2 ist ab dem 31. Juli bei Prime Video verfügbar.

via: geektyrant

Zeitlupe, rote Badeanzüge und maximaler Ernst bei jeder noch so kleinen Welle: „Baywatch“ ist keine Serie, die man einfach nur schaut. Man erinnert sich an sie sofort. Es gibt Serien, die altern würdevoll. Und es gibt „Baywatch“.

Die Serie startete 1989, wurde nach der ersten Staffel zunächst abgesetzt und ab 1991 erfolgreich fortgeführt. Am Ende standen 11 Staffeln und 241 Episoden – später sogar unter dem Zusatz „Baywatch: Hawaii“. Mit David Hasselhoff als Mitch Buchannon wurde daraus eines der prägendsten TV-Phänomene der 90er.

Und genau das merkt man beim Rewatch sofort: „Baywatch“ ist weniger Serie als Zustand. Sonne, Pathos, Alarmstimmung und eine Fernsehlogik, nach der wirklich jeder Strandtag jederzeit in eine kleine nationale Notlage kippen kann.

Natürlich ist da all das, worüber man sich seit Jahrzehnten lustig macht: die Zeitlupe, der Hochglanz, die demonstrative Körperinszenierung. Aber beim Wiedersehen bleibt eben nicht nur das hängen. Sondern auch, wie kompromisslos diese Serie an ihr eigenes Konzept glaubt. „Baywatch“ will groß sein, dramatisch, emotional, manchmal moralisch aufgeladen – und zieht das ohne jedes Zögern durch.

Im Zentrum steht Mitch Buchannon, also David Hasselhoff in seiner wahrscheinlich endgültigsten Rolle: Rettungsschwimmer-Chef, Vaterfigur und wandelnde Autorität mit Föhnfrisur. Hasselhoff war dabei nicht nur Hauptdarsteller, sondern auch als Produzent entscheidend daran beteiligt, dass die Serie nach ihrer Absetzung weiterleben konnte.

Dazu kommt ein Cast, der über Jahre hinweg zur popkulturellen Dauerpräsenz wurde: Pamela Anderson, Yasmine Bleeth, Alexandra Paul, Nicole Eggert, David Charvet, Carmen Electra – viele kamen, manche gingen, aber die Serie blieb immer sofort erkennbar. Ein paar Einstellungen Meer, etwas Alarm, Mitch schaut ernst – und schon ist man wieder komplett drin.

Was den Rewatch heute so unterhaltsam macht: „Baywatch“ ist oft herrlich drüber, aber fast nie langweilig. Die Serie behandelt selbst kleinere Vorfälle mit einer Ernsthaftigkeit, als hinge das Schicksal Kaliforniens davon ab. Genau daraus zieht sie ihren Charme. Nicht, weil man sie auslacht. Sondern weil sie ihre eigene Überhöhung so unbeirrt ernst nimmt.

Und dann ist da natürlich noch dieser unverwechselbare 90er-Jahre-Glanz. „Baywatch“ sah aus wie Sonne, Sicherheitsgefühl und Exportware für den globalen Massenmarkt. Die Serie wurde in über 140 Ländern ausgestrahlt und gilt bis heute als eines der international erfolgreichsten TV-Formate ihrer Zeit.

Kurz gesagt: „Baywatch“ ist beim Wiedersehen eine herrlich überhöhte TV-Zeitkapsel. Zu viel Pathos, zu viel Glanz, zu viel Zeitlupe – und genau deshalb Kult.

In Deutschland wird „Baywatch“ derzeit unter anderem bei Amazon Prime Video und Joyn gelistet; Kaufoptionen gibt es zusätzlich etwa über Apple TV und Amazon Video. Ach ja, falls jemanden interessiert wie ich auf „Baywatch“ kam? Ganz klassisch: Kürzlich lief im Radio der Titelsong „I’m Always Here“ – und der stammt bekanntlich von Jimi Jamison, der Stimme von Survivor. Danach war mein Weg „zurück nach Malibu“ praktisch vorgezeichnet.

Während das Live-Action-Abenteuer von „Masters of the Universe“ aktuell noch im Kino läuft, legt Spielzeughersteller Mattel bereits mit einer neuen Animationsserie zum Franchise nach. Mit „Masters of the Universe: Geschichten aus Eternia“ richtet man sich zwar in erster Linie an ein jüngeres Publikum, doch auch langjährige Fans dürften an der neuen Interpretation ihren Spaß haben. In kompakten, rund fünfminütigen Episoden stellt sich der noch junge Held He-Man dem tyrannischen Skeletor entgegen. Optisch schlägt die Serie dabei eine Brücke zwischen dem aktuellen Kinofilm und dem klassischen Cartoon und verbindet moderne Dynamik mit vertrauten Designs. Für die Animationen zeichnet Snipple Animation verantwortlich, die bereits Serien wie „Teen Titans Go!“, „DuckTales“ und „Animaniacs“ realisiert haben. Die erste Folge ist ab sofort kostenlos auf dem hauseigenen YouTube-Kanal „Mattel Adventures“ verfügbar. In „He-Mans geheime Kraft“ greifen Skeletor und seine Schergen Schloss Grayskull an, während Prinz Adam lernen muss, auch ohne seine Kräfte zu bestehen. Neue Episoden werden voraussichtlich im wöchentlichen Rhythmus erscheinen.

Diese Folge ist hier auch auf Englisch verfügbar.

„Echte Stärke kommt nicht aus aus magischen Kräften, sondern aus dem was man ohne sie erreicht.“ – Prinz Adam

Bilder: Mattel

Ich war in den letzten Tagen erstaunlich oft im Kino. Das ist zwar grundsätzlich nichts Ungewöhnliches, denn ich gehe gerne und regelmäßig ins Kino und schaue Filme am liebsten auf der großen Leinwand. Aber diese Woche standen gleich drei Filme für mich auf dem Programm: „Obsession“, „I Swear“ und „Backrooms“.

Während „Obsession“ dazu geführt hat, dass ich mich am Arm meines Kumpels festkrallen musste, „I Swear“ mich vor Freude und Trauer gleichermaßen zum Weinen brachte und „Backrooms“ mich eher enttäuscht und verwirrt zurückließ, stellte ich mir immer wieder die gleiche Frage: Wie hätte ich diese Filme wohl wahrgenommen, wenn gerade kein solcher Hype um sie herrschen würde? Wie viel von meinem Urteil basiert eigentlich auf dem, was ich gesehen habe, und wie viel auf den Erwartungen, die vorher aufgebaut wurden? Denn mit einem großen Hype gehen auch hohe Erwartungen einher – und genau mit diesen bin ich vor allem in den Film „Backrooms“ gegangen. Kann das dann überhaupt gut gehen? In diesem Fall nicht. Ich hatte hier jedenfalls visuell und auch von der Story her mehr erwartet.

Ein ähnlicher Fall ist für mich die aktuell viel diskutierte neue Prime Video-Serie „Off Campus“, die auf der gleichnamigen erfolgreichen Buchreihe basiert. In den sozialen Medien bin ich immer wieder auf Beiträge gestoßen, in denen die Serie besprochen und gefeiert wird. Besonders häufig wurde hervorgehoben, dass sie endlich mal ein sehr positives Männerbild zeichne. Auch hier habe ich mich vom Hype anstecken lassen und eingeschaltet. Nach sechs Folgen kann ich allerdings sagen: So richtig gepackt hat mich die Serie bislang noch nicht. Und auch das viel gelobte Männerbild empfinde ich bisher nicht als etwas, das außergewöhnlich positiv heraussticht.

Das hat mich neugierig gemacht. Deshalb habe ich über unseren Instagram-Kanal eine kleine Umfrage mit euch geteilt, um zu erfahren, ob ihr die Serie schaut und wie euer Fazit ausfällt. Und auch, wenn das hier bei weitem keine repräsentative Umfrage ist, hatte der überwiegende Teil der Teilnehmenden offenbar ebenfalls das Gefühl, dass „Off Campus“ seinem aktuellen Hype gerade nicht ganz gerecht wird.

Trotzdem bleibt die Serie angenehm anzusehende Unterhaltung mit interessanten Charakteren und gutem Soundtrack – und manchmal reicht genau das ja schon für einen gelungenen Abend.

Mein Learning aus dieser Woche – und das sowohl aus dem Kino- als auch Serienstreaming-Kontext: Ich werde mich vermutlich auch weiterhin sicherlich durch den einen oder anderen Hype dazu verleiten lassen, etwas zu schauen. Denn Hypes steigern bei mir häufig auch die Vorfreude auf einen Film oder eine Serie und eröffnen Räume für spannende Diskurse. Gleichzeitig werde ich aber künftig versuchen, meine Erwartungen davon nicht zu sehr beeinflussen zu lassen. Wenn das doch nur immer so einfach wäre!

Bilder: Prime Video | Instagram @serieslyawesome

Zunächst zu den technischen Rahmenbedingungen: Das Angebot des DFB ist nicht nur über die eigene Plattform DFB.TV+ verfügbar, sondern auch über DAZN, HD+, Sky/Wow, Vodafone, Zattoo und Ocilion. Für die technische und operative Umsetzung setzt der DFB auf die Hamburger Sportainment Media Group, die bereits mehrere Sportsender wie Sportdigital Fußball und Sportdigital 1+ betreibt. Das kostenpflichtige Angebot von DFB.TV ist für 5,99 Euro pro Monat beziehungsweise 59,99 Euro im Jahresabo erhältlich.

Ich muss sagen: Als der Deutsche Fußball-Bund im Mai DFB.TV an den Start brachte, klang die Idee zunächst überzeugend. Endlich sollten jene Bereiche des deutschen Fußballs eine größere Plattform erhalten, die im klassischen Fernsehen oft untergehen: Junioren-Nationalmannschaften, die 2. Frauen-Bundesliga, Futsal, Amateurfußball oder Nachwuchswettbewerbe. Der Verband sprach von einer „Heimat des deutschen Fußballs“ und davon, Inhalte sichtbar zu machen, die bislang verstreut oder gar nicht zu sehen waren. Das finde ich persönlich auch ziemlich spannend, weil mich zum Beispiel bei den Herren der Bereich ab der 3. Liga abwärts ziemlich interessiert und mein „Sport“ sonntags abends oder montags morgens vor allem daraus besteht, die Ergebnislisten und Tabellen der unteren Ligen zu durchforsten.

Endlich eine mediale Plattform für den Amateurfußball?

Dagegen lässt sich also zunächst wenig einwenden. Und tatsächlich beklagen ja auch viele Fußballfans seit Jahren, dass sich die mediale Aufmerksamkeit fast ausschließlich auf die Bundesliga, die Champions League und die A-Nationalmannschaften konzentriert. Wer sich für die U17, die Frauen-Nachwuchsteams oder Futsal interessiert, musste bislang oft gezielt suchen. DFB.TV könnte hier eine echte Lücke schließen – und könnte sogar von den Initiativen vieler Profivereine im Frauen-Fußball profitieren, die gerade versuchen, ihre Teams mit massiven Investitionen einmal durch die Amateurligen Richtung erster oder zumindest zweiter Liga zu jagen. Der BVB hat sich prominent verstärkt – zu sehen sind die Spiele der Regionalligen der Frauen aber bislang nur sporadisch, zum Beispiel in Live-Streams der Vereine selbst. Das ist ein potenzielles Feld für DFB.TV.

Und hier will man wohl auch ansetzen: Mehr als 250 Live-Spiele pro Jahr, Archivmaterial und Hintergrundberichte versprechen zumindest auf dem Papier genau jene Vielfalt, die der deutsche Fußball – und hier vor allem der Amateurbereich – eigentlich verdient. Doch je länger man über das Projekt nachdenkt, desto mehr Fragen drängen sich für mich auf.

DFB.TV: Vermarktung versus Journalismus

Denn der DFB ist nicht irgendein Medienunternehmen. Er ist gleichzeitig Rechteinhaber und nun auch Anbieter eigener Medieninhalte. Damit bewegt sich der Verband zwangsläufig in einen Bereich, der bislang von seinen Lizenznehmern besetzt wurde. Zwar betont der DFB ausdrücklich, DFB.TV wolle bestehende TV-Partnerschaften ergänzen und nicht mit ihnen konkurrieren. Genau hier beginnt allerdings die Diskussion; denn Medienangebote folgen am Ende denselben Regeln wie alle anderen Produkte: Sie benötigen Reichweite, Aufmerksamkeit und Erlöse. Damit entsteht automatisch ein wirtschaftlicher Druck, Inhalte zu produzieren, die möglichst viele Zuschauer anziehen. Die spannende Frage lautet deshalb: Wie lange bleibt der Fokus tatsächlich auf den kleinen, bislang unterrepräsentierten Wettbewerben liegen?

Genau da liegt der Knackpunkt: DFB.TV soll sich über Abos und gezielte Werbepartnerschaften refinanzieren und profitabel werden (bzw. bleiben, denn der DFB spricht ja davon, dass der Sender bereits zum Start eine schwarze Null schreibt). Wenn das oberste Ziel aber die wirtschaftliche Vermarktung ist, gerät die schöne, heile Welt der Nachwuchs- und Amateursport-Förderung ganz schnell ins Hintertreffen. Am Ende des Tages bringen Talkformate rund um die Männer-Nationalmannschaft und schnelle WM-Clip-Showcases eben messbare Reichweiten und Werbe-Einnahmen – das Futsal-Spiel am Sonntagnachmittag leider nicht.

Auch spannend: Wie neutral kann der DFB über eigene Formate berichten (wenn das denn überhaupt gewollt wäre)? Der Deutschlandfunk brachte es bereits treffend auf den Punkt: DFB.TV wird vom Verband selbst nicht als journalistisches Angebot gesehen. Es geht vielmehr darum, die gerade genannten neuen Wege in der Vermarktung zu gehen.

Fußbal-WM als Zugpferd für DFB.TV – brauchen wir noch mehr Expertenrunden und „exklusive Einblicke“?

Die ersten Entwicklungen rund um die Fußball-WM 2026 liefern bereits einen Hinweis. Nur wenige Wochen nach dem Sendestart baut DFB.TV seine WM-Berichterstattung massiv aus, hat Highlight-Rechte von MagentaTV erworben, ein eigenes WM-Studio eingerichtet und setzt auf tägliche Live-Sendungen rund um die deutsche Nationalmannschaft. Natürlich ist das nachvollziehbar: Die Nationalmannschaft ist die stärkste Marke des Verbandes. Sie bringt Aufmerksamkeit, Klicks und Werbekunden. Genau deshalb stellt sich aber die Frage, ob der Sender damit nicht bereits den Weg einschlägt, den viele andere Sportmedien ebenfalls gehen.

Denn genau hier fängt das Problem an: Anstatt den Fußball zu zeigen, den sonst niemand zeigt, wird hier im Grunde nur noch über den Fußball geredet, den sowieso schon alle übertragen. Das Ganze ist ein weiteres Talk- und Analyse-Angebot in einem ohnehin schon völlig übersättigten Markt. Die Sender, die die WM-Rechte für teures Geld lizenziert haben (wie Magenta oder ARD und ZDF), fahren ohnehin schon gigantische Expertenteams, Analysetools und Talkrunden auf. Brauchen wir da wirklich noch eine verbandseigene Redaktion, die uns die Welt erklärt?

Genau das wirkt wie das eigentliche Dilemma von DFB.TV. Der Sender wurde mit dem Anspruch gestartet, mehr Vielfalt sichtbar zu machen. Doch die Aufmerksamkeit des Publikums folgt nun einmal den großen Themen. Wenn Reichweite und Vermarktung wichtiger werden, könnte die Versuchung wachsen, immer häufiger auf Nationalmannschaft, WM, Pokal oder andere Zugpferde zu setzen. Die kleineren Wettbewerbe würden dann zwar weiterhin im Programm stehen – aber eher als Feigenblatt denn als eigentlicher Mittelpunkt des Angebots. Das wäre schade, denn die größte Stärke von DFB.TV liegt ja wie gesagt gerade dort, wo andere Sender kaum hinschauen. Niemand braucht zwangsläufig noch eine weitere Runde ehemaliger Nationalspieler, die zum fünften Mal über die Aufstellung diskutieren. Eine echte Bereicherung wäre dagegen die konsequente und langfristige Sichtbarkeit jener Fußballwelten, die sonst selten ins Rampenlicht geraten – und innovative Wege, diese Welten attraktiv und damit sichtbar zu machen. Genau daran wird sich messen lassen müssen, ob DFB.TV am Ende ein mutiges Förderprojekt für den deutschen Fußball ist – oder einfach nur ein weiterer Kanal im inzwischen überfüllten Markt der Fußball-Dauerberichterstattung.

Bilder: DFB

Q hinterfragt die Menschheit schon früh in der TNG-Serie.

Michael Braun: Star Trek als Gegenstand Ihrer Dissertation – wie kam es dazu, und was war Ihr Forschungsinteresse?
Jennifer Preuß: Die Entstehungsgeschichte ist bei mir relativ lang. Wenn Sie so wollen, bin ich gewissermaßen ein Nerd, denn ich habe bereits meine Bachelor- und meine Masterarbeit über Star Trek geschrieben – und jede Arbeit war dabei eine kleine Steigerung der vorherigen.
Interessanterweise bin ich über die Universität zu Star Trek gekommen und nicht über ein privates Interesse. Ich kannte das Franchise vorher eigentlich kaum. Natürlich hat jeder schon einmal Captain Kirk oder Mister Spock irgendwo gesehen, aber ich war überhaupt kein Star-Trek-Fan und hatte damit zunächst keine besondere Verbindung.
Im Laufe meines Bachelorstudiums besuchte ich dann ein Seminar, in dem um gnostische Elemente in der Literatur ging. Dort hielt jemand einen Vortrag über Deep Space Nine. Das fand ich ausgesprochen spannend. Daraufhin begann ich, mir dieses riesige Erzähluniversum zu Hause nach und nach anzueignen. Dabei war ich überrascht, wie vielfältig Star Trek ist.
Am Anfang habe ich mich zunächst eher klassisch mit Fragen der Adaption beschäftigt. Zeitgleich besuchte ich Seminare aus dem Bereich der Adaptation Studies, also zu Literaturverfilmungen und Medienwechseln. Star Trek war in diesem Zusammenhang besonders interessant, weil schon sehr früh Fanfiction dazu entstanden ist. In meiner Bachelorarbeit habe ich untersucht, wie Star Trek Strategien der Fanbindung entwickelt und sich als distinktives Format präsentiert, das gezielt ein bildungsorientiertes Publikum ansprechen möchte.

Michael Braun: Wie lautete dann der Ansatz bei der Masterarbeit?
Jennifer Preuß: Im Masterstudium ging ich dann einen Schritt weiter. Damals entdeckte ich ein Buch von Otta Wenskus, einer Altphilologin und Gräzistin aus Innsbruck. Sie hatte in der Reihe Comparanda, einer komparatistischen Publikationsreihe, zu Star Trek, Shakespeare und der Antike geforscht; Wenskus betrachtete das Thema naturgemäß aus einer stark altphilologisch-gräzistischen Perspektive. Mich faszinierte dagegen besonders dieser Umweg über Shakespeare zurück in die Vergangenheit.
Für die Masterarbeit konzentrierte ich mich daher auf ein spezielles Motiv: das Motiv der spielenden Götter. Laut Wenskus findet sich die Vorstellung, dass Götter zum Vergnügen mit Menschen spielen, in der Antike eigentlich nicht. Vielmehr handelt es sich um ein Motiv, das bei Shakespeare auftaucht. In King Lear heißt es beispielsweise: „As flies to wanton boys are we to the gods; they kill us for their sport.“
Star Trek greift dieses Motiv auf. Es dient gewissermaßen als Ankerpunkt, an dem sichtbar wird, wie Star Trek die Antike nicht direkt, sondern über den Umweg Shakespeare rezipiert. Meine Masterarbeit war daher stark motivgeschichtlich ausgerichtet. Für die Dissertation wollte ich noch einen weiteren Schritt gehen und mich stärker mit strukturellen Zusammenhängen beschäftigen.

Michael Braun: Und die Dissertation war dann der nächste Schritt…
Jennifer Preuß: Genau, die Dissertation entstand schließlich aus einem Projektentwurf, der sich mit dem Zusammenspiel von Gerichtsrhetorik und Shakespeare beschäftigte. Ich habe mir in Star Trek insbesondere – wenn auch nicht ausschließlich – sogenannte Courtroom Episodes angesehen, also Episoden, die Gerichtsverfahren oder juristische Auseinandersetzungen ins Zentrum stellen.
Die Shakespeare-Adaptionen hatte ich ja bereits in meiner Masterarbeit untersucht, und dieses Material habe ich nun erneut aufgegriffen – und dabei festgestellt, dass sich bestimmte Verbindungspunkte über das gesamte Franchise hinweg immer wieder zeigen. Besonders auffällig war dies in den Serien der Next Generation-Ära sowie in den Star-Trek-Produktionen der 1990er Jahre. Das hängt sicherlich auch damit zusammen, dass in dieser Zeit zahlreiche Shakespeare-Verfilmungen entstanden sind. Viele Entwicklungen liefen damals parallel.

Michael Braun: Wenn wir nun über die Erkenntnisse Ihrer Arbeit sprechen: Was war für Sie besonders auffällig? Was haben Sie herausgefunden?
Jennifer Preuß: Mir fiel auf, dass Gerichtsrhetorik und Shakespeare-Referenzen ungewöhnlich häufig gemeinsam auftreten. Daraus entwickelte ich schließlich ein Strukturmerkmal, das ich zusammen mit historischen Referenzen untersuchte. Star Trek verweist regelmäßig auf reale historische Ereignisse – etwa den Vietnamkrieg, den Kalten Krieg, den Holocaust oder andere historische Bezugspunkte. Diese Elemente bildeten schließlich das zentrale Strukturmerkmal meiner Dissertation, über das ich mich auf einer neuen analytischen Ebene mit Star Trek beschäftigt habe.
Da ich mich bereits in meiner Bachelorarbeit oberflächlich mit den zahlreichen Verweisen auf Hochkultur beschäftigt hatte, konnte ich auf gewisse Vorerfahrungen zurückgreifen. Besonders interessant fand ich die Beobachtung, dass sich die eher oberflächlichen Verweise auf Shakespeare sehr deutlich von einer anderen, wesentlich tiefergehenden Ebene unterscheiden lassen. Zu diesen oberflächlichen Verweisen gehören beispielsweise Episodentitel mit Shakespeare-Bezug oder Situationen, in denen Shakespeare lediglich zitiert wird – etwa wenn Captain Kirk gerade flirtet und dabei eine Shakespeare-Zeile einstreut. Solche Referenzen dienen häufig dazu, Hochkultur sichtbar zu machen und damit ein bildungsorientiertes Publikum anzusprechen.
Daneben gibt es jedoch eine zweite Ebene, auf der Star Trek Shakespeare ganz anders nutzt. Hier steigt das Franchise deutlich tiefer in das kreative Material Shakespeares ein. Dabei entsteht der Eindruck, dass die Verantwortlichen erkannt haben, dass bestimmte Strukturen in Shakespeares Werk außerordentlich gut nutzbar sind – selbst in einem Bereich, der sowohl medial als auch historisch und kulturell völlig anders gelagert ist als das elisabethanische Theater.

Eine Kreiegsgericht-Szene aus der Classic-Serie.

Michael Braun: Wie wurde das für Star Trek umgesetzt?
Jennifer Preuß: Star Trek scheint verstanden zu haben, dass sich bestimmte dramaturgische und rhetorische Strukturen hervorragend eignen, wenn man den Anspruch verfolgt, dem Publikum nicht nur Unterhaltung zu bieten, sondern auch inhaltlich etwas zu vermitteln.
Ich glaube, dieser Anspruch war von Beginn an vorhanden und ist in der Tradition Gene Roddenberrys bis heute spürbar. Star Trek wollte seinen Zuschauerinnen und Zuschauern immer etwas mitteilen. Die Serien wollten zum Nachdenken anregen, politisches Interesse wecken und insbesondere auch jüngeren Menschen Orientierung bieten.
Gerade in der Originalserie sollten Jugendliche Figuren finden können, die als moralische Vorbilder dienen. Es ging darum, zeitgenössische Themen aufzugreifen und die Zuschauerinnen und Zuschauer für gesellschaftliche Fragestellungen zu sensibilisieren. Und genau hier erweisen sich Shakespeare und die mit ihm verbundenen Strukturen als besonders wirkungsvoll. Einige von Shakespeares Stücken werden als „problem plays“ oder „philosophical plays“ bezeichnet. Diese wurden im 19. Jahrhundert von Franz Boas gruppiert, weil sie Probleme aufwerfen, die theoretisch in utramque partem diskutieren werden können. Sie verweigern sich gewissermaßen einer eindeutigen Interpretation und lassen sich nicht abschließend unter einem bestimmten Aspekt subsummieren.
Wenn man nun an die Föderation der Planeten denkt – also an diese Zukunftsutopie friedlicher, wissenschaftlich orientierter Menschen –, dann wird diese Utopie erst dann wirklich interessant, wenn deutlich wird, dass sie auf verbindlichen Regeln basiert.
Es handelt sich eben nicht nur um ein positives gesellschaftliches Gefühl oder um eine abstrakte Vision. Vielmehr existieren Gesetze, die bestimmte moralische Ansprüche absichern. Diese Regeln sind verbindlich und werden innerhalb der erzählten Welt ernst genommen. Gerade deshalb spielen Gerichtsverfahren und juristische Konflikte eine wichtige Rolle. Sie machen sichtbar, welche Werte eine Gesellschaft tatsächlich trägt und wie verbindlich diese Werte sind. Damit versetzt Star Trek die Zuschauer in einen Modus des Urteilens.
Star Trek besitzt dadurch das Potenzial, gesellschaftliche Fragen über seine Fernsehepisoden und Filme aufzugreifen und zur Diskussion zu stellen. Für ein populärkulturelles Franchise ist das durchaus bemerkenswert, denn solche Elemente wären für Spannung oder kommerziellen Erfolg nicht zwingend erforderlich. Gerade deshalb fand ich diese Verbindung von Shakespeare, Gerichtsrhetorik und moralischer Argumentation so interessant.

Michael Braun: Wenn man auf die neueren Serien schaut, dann wird die Föderation ja teilweise deutlich kritischer betrachtet. Das gesamte Konstrukt wird stärker hinterfragt. Ist das etwas, das ebenfalls in Ihre Überlegungen eingeflossen ist oder Ihnen zumindest aufgefallen ist, auch wenn es vielleicht nicht unmittelbar Gegenstand der Dissertation war?
Jennifer Preuß: Ja, durchaus. Für die eigentliche Hauptanalyse musste ich diesen Aspekt allerdings etwas ausklammern, weil das Strukturmerkmal, das ich entwickelt habe, vor allem in der Ära von The Next Generation und den beiden Spin-offs Deep Space Nine und Voyager besonders deutlich ausgeprägt ist. Trotzdem hat Star Trek diesen grundsätzlichen Anspruch nicht verloren.
Wichtig ist dabei, dass sich das Fernsehformat inzwischen massiv verändert hat. Wenn man an die großen Star-Trek-Serien der 1990er-Jahre denkt, sprechen wir von sieben Staffeln mit jeweils etwa 26 Episoden. Das ist eine enorme Menge an Material. Fernsehen funktioniert heute grundsätzlich anders. Zum einen ist die Rezeption digital geworden. Zuschauerinnen und Zuschauer müssen nicht mehr eine Woche auf die nächste Folge warten. Zum anderen ist es nicht mehr notwendig, am Ende jeder Episode den ursprünglichen Status quo wiederherzustellen, sodass das Raumschiff einfach weiterfliegt und das nächste Abenteuer beginnt. Stattdessen sind moderne Serien wesentlich stärker narrativ verflochten. Die Staffeln sind kürzer, die Episodenzahl ist geringer und die Geschichten werden wesentlich dichter erzählt. Das hat natürlich Auswirkungen auf die Art und Weise, wie Themen verhandelt werden.
Dennoch gibt es auch in neueren Serien wie Discovery immer wieder Momente, die an den ursprünglichen Anspruch von Star Trek anknüpfen. Die Serie präsentiert ein ausgesprochen diverses Setting und greift zahlreiche zeitgenössische politische und kulturelle Fragestellungen auf. Dazu gehören etwa Themen wie Migration oder – wie Sie bereits angesprochen haben – die Infragestellung von Institutionen. In den älteren Serien gab es zwar vereinzelt korrupte Admiräle oder einzelne problematische Figuren innerhalb der Föderation, die dann beseitigt werden mussten. Im Großen und Ganzen wurde die Föderation jedoch als relativ homogenes Gebilde dargestellt, dessen Grundwerte nicht ernsthaft infrage gestellt wurden. In den neueren Serien ist das anders.
Dort werden auch konkrete politische Entwicklungen aufgegriffen. Man darf nicht vergessen, dass Star Trek ein amerikanisches Franchise ist. Entsprechend finden beispielsweise politische Debatten und Vorgänge Eingang in die Geschichten, die in den Vereinigten Staaten besonders präsent sind. Dazu gehören etwa die Diskussionen rund um die Impeachment-Verfahren gegen Donald Trump, die in der amerikanischen Öffentlichkeit eine große Rolle gespielt haben.
Star Trek schlägt also weiterhin Brücken zwischen seiner fiktionalen Zukunft und den historischen sowie politischen Gegebenheiten der Gegenwart, in der die jeweilige Serie entsteht. Gleichzeitig haben sich die narrativen Strukturen natürlich verändert und den Sehgewohnheiten der Gegenwart angepasst. Die Erzählweise ist heute deutlich verdichteter. Dennoch nimmt man sich nach wie vor Zeit für längere Dialoge und ausführliche Diskussionen. Vielleicht fällt mir das aufgrund meines wissenschaftlichen Interesses besonders auf, aber ich sehe diesen Anspruch weiterhin.
Deshalb würde ich sagen: Ja und nein. Star Trek hat sich verändert, aber der grundlegende Anspruch ist weiterhin erkennbar und wird immer wieder aufgegriffen.

„Ich mag die meisten Star Trek-Serien des klassischen Kanons, begeistere mich aber auch für die jüngeren Serien. Wenn ich eine Lieblingsserie aussuchen müsste, würde ich Deep Space Nine nehmen. Grundsätzlich habe ich eine Vorliebe für die Außenseiterfiguren des Franchise, die ihren Platz in der Gesellschaft suchen, wie Worf, Data, Odo oder Seven of Nine, da sie häufig zum ethischen Prüfstein für die Werte der Föderation werden.“ – Jennfer Preuß

Michael Braun: Ich hatte oft den Eindruck, dass früher vor allem über die Oberste Direktive gesprochen wurde – also darüber, ob man sich einmischen darf oder nicht. Heute geht man bei vielen Themen deutlich tiefer hinein. Die aktuellen Serien diskutieren die Fragestellungen intensiver und hinterfragen mehr. Gleichzeitig wird am Ende meist doch wieder deutlich gemacht, welche Werte gelten und warum sie wichtig sind. Das wirkt auf mich auch wie ein Spiegel gesellschaftlicher Debatten.
Jennifer Preuß: Ja, das stimmt. Wenn wir beispielsweise über Discovery sprechen, dann wird die Föderation zu Beginn der Serie durchaus kritisch betrachtet. Gleichzeitig ist die Handlung aber so konstruiert, dass sie sich letztlich nicht fundamental mit dem bestehenden Kanon in Konflikt bringt. Die Oberste Direktive existiert nach wie vor und bleibt ein wichtiger Bestandteil des Star-Trek-Universums. Allerdings spielen inzwischen andere Elemente ebenfalls eine größere Rolle. Zeitreisen beispielsweise sind heute deutlich präsenter, wodurch die Oberste Direktive teilweise gar nicht unmittelbar relevant wird.
Außerdem begegnet die Föderation inzwischen häufiger Gegnern oder Situationen, in denen sie selbst nicht mehr die dominante Macht darstellt. In früheren Serien war die Föderation oft die starke, etablierte Größe. In neueren Produktionen wird sie dagegen gelegentlich in die Rolle eines Außenseiters versetzt. Man denke etwa an Szenarien, in denen Figuren plötzlich im 32. Jahrhundert landen und sich in einer völlig veränderten Situation wiederfinden. Dort müssen sie sich zunächst neu orientieren und stehen gewissermaßen wieder ganz am Anfang. Auch solche Konstellationen verändern natürlich die Art und Weise, wie Geschichten erzählt werden.

Michael Braun: Ist die Figur Q für Sie so etwas wie ein Sonderfall innerhalb des Star-Trek-Universums? Oder hat es Ihnen auch besonders viel Spaß gemacht, sich mit dieser Figur zu beschäftigen?
Jennifer Preuß: Spaß gemacht hat die Arbeit insgesamt. Allerdings ist es natürlich so, dass man, wenn man sich einer Sache sehr verbunden fühlt, oft auch kritischer auf sie blickt. Das hat Vor- und Nachteile: Wenn man mehrere Jahre mit einem Forschungsthema lebt, sollte man zumindest eine gewisse Begeisterung dafür mitbringen. Andernfalls wird es schwierig. Q ist in vielerlei Hinsicht eine besondere Figur.
Bereits in der Originalserie findet sich eine Struktur, die sich auf Shakespeares The Tempest zurückführen lässt. Die Originalserie selbst kann man in gewisser Weise als eine Adaption oder zumindest als eine sehr starke Referenz auf dieses Stück verstehen. Man hat dort das klassische Konstrukt, dass Fremde an einen exotischen Ort gelangen, dort auf eine Art Prospero-Figur treffen, bestehende Machtverhältnisse durcheinanderbringen und anschließend wieder weiterziehen.
Genau dieses Muster findet sich auch in der Originalserie. Kirk, Spock und McCoy landen immer wieder auf fremden Planeten, treffen dort auf fremde Kulturen, bestehen Abenteuer und verlassen den Ort anschließend wieder. Wenn man es zuspitzen möchte, begegnen sie erstaunlich häufig humanoiden Lebensformen, die oft sogar eine attraktive Tochter entsprechend Miranda in „The Tempest“ haben, bevor die Handlung ihren Lauf nimmt und die Enterprise weiterfliegt. Dieses Grundmuster verweist wiederum auf eine längere Traditionslinie.
Dazwischen liegt beispielsweise der Science-Fiction-Film Forbidden Planet aus dem Jahr 1956, der eine Science-Fiction-Adaption von The Tempest darstellt. Rund zehn Jahre später übernimmt Star Trek ähnliche Strukturen und überführt sie in ein serielles Fernsehformat. Mit dem Sprung zu The Next Generation etwa zwanzig Jahre später verändert sich diese Konstellation. Die Figur des Prospero wird gewissermaßen aufgeteilt.

Q in Uniform in Picards Raum.

Auf der einen Seite steht Jean-Luc Picard. Er begegnet dem Fremden grundsätzlich offen, respektvoll und neugierig. Er verkörpert den Glauben an Verständigung, Forschung und die Achtung allen Lebens. Auf der anderen Seite steht Q.
Q übernimmt gewissermaßen die dunkleren und problematischeren Aspekte dieser Prospero-Figur. Er ist ein Wesen von nahezu unbegrenzter Macht und fungiert innerhalb des Star-Trek-Universums als eine Art psychologische Konstante.
Er taucht immer wieder auf, beobachtet die Menschheit und konfrontiert sie mit ihren Schwächen. Q ist ein kosmischer Trickster. Er ist Antagonist, Richter und Spieler zugleich. Er manipuliert Situationen, provoziert Menschen und führt sie immer wieder an ihre Grenzen. Gerade deshalb war er für meine Arbeit besonders interessant.
Zu Beginn von The Next Generation erscheint Q als omnipotentes Wesen und erhebt Anklage gegen die Menschheit. Hier begegnen wir unmittelbar meinem eigentlichen Thema: Gerichtsrhetorik. Q tritt als Richter auf und erklärt, dass die Menschheit nicht berechtigt sei, weiter in den Weltraum vorzudringen. Nach seiner Auffassung handelt es sich um eine gewalttätige und gefährliche Spezies, die friedliche Kulturen gefährden würde. Picard übernimmt daraufhin die Verteidigung der Menschheit. Er argumentiert, dass die Menschheit sich weiterentwickelt habe und nicht mehr dieselbe sei wie in ihrer gewalttätigen Vergangenheit. Er bittet darum, die Möglichkeit zu erhalten, dies unter Beweis zu stellen.
Aus dieser Ausgangssituation entsteht etwas sehr Interessantes. Man kann nämlich argumentieren, dass jede einzelne Episode von The Next Generation Teil eines riesigen galaktischen Gerichtsverfahrens ist. Der eigentliche Prozess bildet die Rahmenhandlung; die einzelnen Episoden fungieren als eine Art Beweisführung innerhalb dieses Verfahrens. In jeder neuen Situation muss die Menschheit zeigen, dass sie tatsächlich die Werte verkörpert, die sie für sich beansprucht. Aus dieser Perspektive werden die zahlreichen Abenteuer zu einzelnen Prüfsteinen innerhalb eines übergeordneten Gerichtsprozesses. Gerade diese Struktur fand ich außerordentlich spannend. Q verschwindet ja nicht nach der ersten Episode. Teilweise sieht man ihn über längere Zeit nicht, dann kehrt er plötzlich zurück und erinnert die Menschen daran, dass das Verfahren noch immer läuft. Sinngemäß sagt er immer wieder: „Dieser Prozess ist noch nicht beendet.“ Die Menschheit befindet sich dauerhaft in einem Zustand der Prüfung. Dieses Motiv zieht sich weit über The Next Generation hinaus durch das Franchise. Q taucht in späteren Serien erneut auf und greift dieselbe Idee wieder auf.
Sogar in der Serie Picard wird noch einmal deutlich gemacht, dass die Prüfung der Menschheit niemals aufgehört hat. Insofern spielt die Vorstellung des Gerichtsprozesses auf einer sehr grundlegenden Ebene eine zentrale Rolle innerhalb von Star Trek. Hinzu kommen dann die zahlreichen kleineren Gerichtsverfahren und Konflikte innerhalb einzelner Episoden. Sie dienen gewissermaßen dazu, immer wieder neu zu überprüfen, ob die Menschheit den eigenen Ansprüchen tatsächlich gerecht wird. Besteht sie die Prüfung – oder besteht sie sie nicht? Genau diese Frage wird immer wieder neu verhandelt. Deshalb ist Q für meine Arbeit eine ausgesprochen wichtige Figur. Er verkörpert die Richterrolle innerhalb dieses großen, übergeordneten Gerichtsverfahrens. Und unabhängig von der wissenschaftlichen Analyse kommt natürlich hinzu, dass viele Star-Trek-Fans Q-Episoden besonders mögen. Er ist schlicht eine sehr unterhaltsame Figur.

Q und Picard in der „Picard“-Serie.

Michael Braun: Genau. Q ist natürlich einerseits Gegenspieler, andererseits vielleicht manchmal auch ungerecht oder zumindest so angelegt, dass er ungerecht wirkt. Trotzdem ist er bei den Fans ausgesprochen beliebt. Haben Sie sich damit ebenfalls beschäftigt? Was macht diese Figur Ihrer Meinung nach so attraktiv?
Jennifer Preuß: Ich denke, dass zunächst einmal sein Wortwitz eine große Rolle spielt. Q ist eine Figur, die sehr sprachbewusst agiert und immer wieder auch mit Shakespeare hantiert. Dadurch entsteht bereits eine Verbindung zu vielen der Themen, die mich in meiner Arbeit interessiert haben. Gleichzeitig verweist Q immer wieder auf die reale Welt außerhalb der Serie. Hinzu kommt natürlich, dass die Figur von einem hervorragenden Schauspieler verkörpert wird.
Im Rahmen meiner Dissertation konnte ich mich allerdings nicht allzu ausführlich mit einer eigenständigen Figurenanalyse beschäftigen. Zum einen hatte ich Q bereits in meiner Masterarbeit behandelt, weil er genau jenes Motiv verkörpert, das mich damals interessierte: den Gott, der mit den Menschen spielt.

Q und Picard in der „Picard“-Serie.

Zum anderen lag mein Schwerpunkt in der Dissertation stärker auf den konkreten Analysen. Ich habe mir einzelne Szenen angesehen, Gerichtsprozessstrukturen herausgearbeitet, rhetorische Figuren untersucht und die jeweiligen Argumentationsmuster analysiert. Eine umfassende Analyse der Figur Q hätte den Rahmen der Arbeit gesprengt. Wenn ich die Beliebtheit der Figur außerhalb des wissenschaftlichen Kontexts erklären müsste, würde ich dennoch sagen, dass der Wortwitz eine wichtige Rolle spielt. Darüber hinaus vereint Q viele Elemente, die man auch aus Shakespeare kennt. Er ist eine Figur der Verkleidung. Er tritt ständig in neuen Rollen auf. Immer wieder erscheint er in anderen Kostümen und Identitäten. Damit greift er ein zentrales Motiv des Theaters auf. Q erinnert außerdem an den verkleideten Herrscher, ein Motiv, das sich häufig bei Shakespeare findet. Gleichzeitig ist er Richterfigur, Verführer, Täuscher und Taschenspieler. Er spielt mit den Menschen, manipuliert Situationen und bewegt sich ständig zwischen Ernst und Komik. In gewisser Weise besitzt er sogar etwas Dämonisches oder Teuflisches. Er fungiert als eine Art Richter, der die Menschen prüft und provoziert. Ich glaube, dass gerade diese Vielzahl unterschiedlicher Ebenen die Figur so interessant macht. Sie spricht das Publikum auf ganz verschiedene Weise an. Deshalb funktioniert Q sowohl als humoristische Figur als auch als ernstzunehmender Antagonist. Er kann komisch, bedrohlich, philosophisch und moralisch herausfordernd zugleich sein. Das macht ihn zu einer der faszinierendsten Figuren innerhalb des gesamten Star-Trek-Universums.

Michael Braun: Zum Abschluss würde ich gerne noch einen Blick in die Zukunft werfen. Das Star-Trek-Universum befindet sich derzeit in einer interessanten Phase. Einige aktuelle Serien wurden eingestellt, andere Projekte stehen auf dem Prüfstand. Insgesamt wirkt es ein wenig wie ein Umbruch oder vielleicht sogar wie eine Phase des Stillstands. Wenn Sie auf Grundlage Ihrer Analysen auf die Entwicklung des Franchise schauen: Wie müsste sich Star Trek Ihrer Meinung nach weiterentwickeln, um auch künftig relevant zu bleiben und neue Zuschauer anzusprechen?
Jennifer Preuß: Ehrlich gesagt sehe ich die Situation gar nicht so kritisch. Star Trek begleitet sein Publikum inzwischen seit fast sechzig Jahren. Das ist eine außergewöhnliche Leistung. Über viele Jahrzehnte hinweg haben die Serien immer wieder neue Generationen von Zuschauerinnen und Zuschauern erreicht. Dabei gab es immer wieder längere Pausen. Zwischen der Originalserie und The Next Generation lagen rund zwanzig Jahre. Auch später gab es Phasen, in denen das Franchise scheinbar an sein Ende gekommen war. Der große Serienboom, den The Next Generation ausgelöst hat, war ohnehin bemerkenswert. Bis heute zählt die Serie zu den beliebtesten Fernsehserien überhaupt und nicht nur innerhalb des Science-Fiction-Genres.
Aus diesem Erfolg gingen zahlreiche Spin-offs hervor. Es entstanden immer neue Serien, bis sich dieses Modell irgendwann erschöpft hatte. Anfang der 2000er-Jahre wurde schließlich auch Enterprise eingestellt und viele Menschen gingen damals davon aus, dass Star Trek damit beendet sei. Doch rund zwölf Jahre später kehrte das Franchise zurück. Es entstand erneut ein regelrechter Serienboom mit Produktionen wie Discovery, Picard, Strange New Worlds sowie den verschiedenen Animationsserien. Dabei waren und sind viele ausgesprochen talentierte Kreative beteiligt.

In der neuesten Serie „Starfleet Academy“ spielt Literatur auf einer Meta-Ebene eine Rolle.

Man denke beispielsweise an Michael Chabon, einen hervorragenden Schriftsteller, der ebenfalls für Star Trek gearbeitet hat. Insgesamt waren an den neueren Produktionen zahlreiche kreative Köpfe beteiligt, die aus ganz unterschiedlichen Bereichen kamen und ihre Perspektiven eingebracht haben. Wenn das Franchise nun erneut in eine ruhigere Phase eintritt, halte ich das nicht für ungewöhnlich. Es wurde in den vergangenen Jahren sehr viel Star Trek produziert. Dass danach eine Phase der Konsolidierung folgt, erscheint mir vollkommen normal. Ich bin deshalb überzeugt, dass Star Trek auch künftig wieder relevant werden wird.
Das Franchise besitzt eine außergewöhnliche Fähigkeit, immer wieder neue Themen aufzugreifen und sich mit aktuellen gesellschaftlichen Fragestellungen zu verbinden. Gerade deshalb ist es so langlebig. Star Trek bietet ein erzählerisches Gerüst, das sich immer wieder neu nutzen lässt. Es eignet sich hervorragend dazu, gesellschaftliche Entwicklungen, politische Fragen und kulturelle Veränderungen zu reflektieren. Deshalb sehe ich keinen Anlass, Star Trek abzuschreiben oder als abgeschlossenes Kapitel zu betrachten; irgendwann wird etwas Neues kommen. Da bin ich tatsächlich sehr zuversichtlich.

Bilder: Jennifer Preuß / Paramount / CBS

Andrew Video hat Netflix nachgebaut. Nicht etwa, um mit einer Fälschung Kohle zu machen, indem man lauter Leute reinlegt, die es für das Original halten. Wobei, doch: Letzteres hat er wirklich gemacht. Aber nur in harmloser Streich-Manier. So bekamen Freunde und Freundesfreunde skurrile AI-Abänderungen oder abgeänderte Untertitel zu sehen. Mittlerweile sind bereits zwei Videos draußen, die voller wirrer Ideen und unterhaltsamer Reaktionen stecken.

Als die Live-Action-Serie „Spider-Noir“ angekündigt wurde, war ich zunächst skeptisch, ob die düstere Spider-Man-Alternative und ein über 60-jähriger Cage zusammenpassen würden. Doch schon nach der ersten Episode waren meine Zweifel verflogen, denn die Serie weiß zu überraschen und zählt für mich zu den spannendsten Marvel-Projekten der letzten Jahre. Nicolas Cage spielt den ehemaligen Superhelden The Spider und sein Alter Ego Ben Reilly. Als er in einen Fall verwickelt wird, der zunächst wie eine gewöhnliche Untersuchung beginnt, stößt er auf das organisierte Verbrechen New Yorks um den Gangsterboss Silvermane (überzeugend gespielt von Brendan Gleeson) und dessen dunkle Geheimnisse. Die Serie nimmt sich Zeit, um seine Motivation und seine Vergangenheit auszuleuchten. Dadurch wird er zu weit mehr als einem klassischen Schurken. Parallel dazu begegnet Ben zahlreichen Figuren, die Comicfans sofort bekannt vorkommen dürften. Allen voran Cat Hardy (Li Jun Li), die hier die Rolle der klassischen Femme Fatale übernimmt. Ihre Auftritte in den verrauchten Nachtclubs gehören zu den atmosphärisch stärksten Momenten der Staffel. Besonders eine Szene, in der sie einen Jazz-Song auf der Bühne performt, wirkt, als sei sie direkt einem Film der 1940er Jahre entnommen.

Generell lebt „Spider-Noir” von solchen Momenten. Die Serie nimmt sich Zeit für Atmosphäre. Man spürt den Regen auf den Straßen förmlich, riecht den Zigarettenrauch in den Clubs und glaubt jederzeit, dass hinter der nächsten Straßenecke ein Gangster mit Pistole und Hut lauert. Ebenso gut gelungen ist die Entwicklung von Ben Reilly selbst. Anfangs wirkt er wie ein gebrochener Mann, der seine Zeit als Held längst hinter sich gelassen hat. Immer wieder wird deutlich, wie sehr ihn die Erlebnisse des Ersten Weltkriegs geprägt haben. Die Serie nutzt seine Spinnenfähigkeiten sogar als Metapher für Kriegstraumata. Sein Spinnensinn erscheint dabei weniger als coole Superkraft, sondern vielmehr als schmerzhafte Erinnerung, die ihn nie loslässt. Ein Highlight ist die surreal inszenierte Traumsequenz in einer der späteren Folgen. Darin durchlebt Ben seine Kriegserlebnisse erneut. Die Episode spielt mit expressionistischen Bildern, verzerrten Perspektiven und alptraumhaften Symbolen. Gerade in Schwarz-Weiß entfaltet diese Sequenz eine enorme Wirkung und erinnert stellenweise an die frühen Universal-Horrorfilme. Im Verlauf wird die Serie immer experimenteller. Während die ersten Folgen noch stark auf Detektivgeschichte und Gangsterdrama setzen, rücken später die fantastischen Elemente stärker in den Vordergrund. Dabei treten mehrere bekannte Spider-Man-Schurken auf, die für das Noir-Universum neu interpretiert wurden. Besonders Sandman (Jack Huston) bleibt in Erinnerung. Die Serie findet einen interessanten Ansatz, um seine Kräfte und sein tragisches Schicksal in die düstere Welt zu integrieren.

Auch die Action kann überzeugen. Anstelle gigantischer CGI-Schlachten setzt „Spider-Noir“ auf kleinere, bodenständigere Auseinandersetzungen. Wenn Ben im Trenchcoat durch enge Gassen flüchtet, auf fahrenden Autos kämpft oder sich mit Gangstern in verlassenen Lagerhäusern anlegt, erinnert das oft mehr an klassische Serials als an moderne Superheldenfilme. Zum Ende hin gewinnt die Serie nochmals deutlich an Fahrt. Besonders gelungen ist dabei, dass sie den Kern der Spider-Man-Figur nicht aus den Augen verliert. Hinter all den düsteren Bildern und dem zynischen Humor bleibt Ben Reilly jemand, der Menschen helfen möchte. Es gibt einen entscheidenden Moment im Finale, in dem er einem Gegner nicht mit Gewalt begegnet, sondern versucht, ihn zu retten. Genau in diesem Augenblick werden die typischen Spider-Man-Eigenschaften sichtbar. Auch sonst liegt die Serie auf hohem Niveau. Die Ausstattung ist hervorragend, die Kostüme wirken authentisch und New York wird fast zu einer eigenen Figur. Besonders beeindruckend sind die Kameraarbeit und die Beleuchtung. Durch schräge Kamerawinkel, harte Schatten und starke Kontraste entsteht permanent das Gefühl, sich in einem klassischen Noir-Film zu befinden. Alle Folgen sind sowohl in Schwarz-Weiß als auch in Farbe abrufbar. Ich habe sie teilweise in beiden Fassungen gesehen. Die Farbversion sieht gut aus und erinnert mit ihren kräftigen Tönen an frühe Technicolor-Filme. Dennoch funktioniert die Serie für mich eindeutig besser in Schwarz-Weiß. Dadurch gewinnen viele Szenen an Tiefe und Stimmung. Die Gesichter wirken markanter, die Schatten bedrohlicher und die Welt erscheint insgesamt glaubwürdiger. Nicht jede Episode ist perfekt. Vor allem im Mittelteil verliert die Handlung stellenweise etwas an Dynamik. Einige Nebenfiguren erhalten mehr Aufmerksamkeit als nötig und manche Ermittlungsstränge hätten straffer erzählt werden können. Diese kleineren Schwächen fallen jedoch kaum ins Gewicht, da die Serie stilistisch und schauspielerisch so stark ist. Bleibt zu hoffen, dass dies nicht das letzte Mal war, dass wir The Spider in Aktion gesehen haben.

Fazit

Eine überraschend gelungene Comic-Adaption mit einem großartig aufgelegten Hauptdarsteller und einem tollen Noir-Feeling.

Bilder: Amazon Prime Video

Na, seid ihr schon in WM-Stimmung? Fiebert ihr dem großen Turnier entgegen? Glaubt ihr daran, dass die deutsche Fußballmannschaft es weit bringt?
Ich für meinen Teil kann alle drei Fragen mit einem klaren Nein beantworten. Wobei es eigentlich Zeit wäre – die Mannschaft ist in den USA gelandet und in weniger als zwei Wochen geht es schon los. Ich habe mich selbst gefragt: Warum ist das so?

Eigentlich war ich immer Feuer und Flamme für das DFB-Team. Mit Ausnahme der letzten WM, bei der ich aus Protest gegen die Unsinnigkeit, dieses Turnier im Winter und in einem Wüstenstaat stattfinden zu lassen, sogar ein Spiel der Deutschen bewusst nicht geschaut habe. Dazu diese verhunzte Moralaktion zu den Menschenrechten und der Regenbogenarmbinde, die man entweder voll durchziehen muss – dafür war ich – oder sein lassen. Aber dieses Mal hat mich selbst die große Rückkehr von Manuel Neuer nicht in Wallung gebracht. 2006 war allein die Torwart-Diskussion schon wochenlange Berichterstattungen und mehrere Abschlussarbeiten an meiner Uni wert.

Bevor ich aber alles nur auf mich beziehe, hier ein paar Fakten, dass ich nicht alleine bin. Eine repräsentative Umfrage der ARD belegt, dass 67 % sich gar nicht oder nur wenig auf die WM freuen. Und dazu kommt der generelle Trend des Desinteresses: Die Einschaltquoten sind über die letzten Turniere stetig gesunken. Das alles wird unterstrichen durch fehlende Fanzonen und Public-Viewing-Möglichkeiten. In den meisten Städten hat sich für die WM 2026 kein Veranstalter gefunden – keiner will das Risiko eingehen, viel Geld für leere Plätze auszugeben.

Ein großer Aspekt ist meiner Meinung nach der fehlende Glaube an einen Erfolg. Bei der Heim-EM reichte es nur bis zum Viertelfinale, was im Vergleich zu den vorherigen Turnieren schon ein Fortschritt war – denn bei den WMs 2018 und 2022 flog man jeweils schon in der Vorrunde raus. In de Prime-Löw-Ära, die 2014 ihren Höhepunkt erreichte, gab es einen stetigen Aufwärtstrend. Dazu Charaktere, die man heutzutage in der Mannschaft vermisst.

Dann haben wir die USA, welche aus europäischer Sicht durch Donald Trump massiv an Sympathie verloren haben. Und nicht nur das: Selbst zur WM zeigt sich das Land gegenüber Einreisewilligen von seiner ungemütlichen Seite. Manche Schlachtenbummler durften nicht einreisen, und viele wollen auch gar nicht kommen. Die Hotels in den USA spüren das bereits – die Buchungen liegen unter den Erwartungen. Für die europäischen Fans bedeutet zudem der Zeitunterschied, dass man viele Spiele nicht live sehen kann, da sie mitten in der Nacht stattfinden.

Normalerweise gleichen attraktive Austragungsländer die üblichen Negativpunkte der FIFA aus, aber diesmal geht beides Hand in Hand. Die FIFA – eine Organisation, die nur das Geld sieht – hat das Turnier auf 48 Mannschaften aufgebläht, verleiht Donald Trump einen ausgedachten Preis und akzeptiert Ticketpreise, die man als Wucher bezeichnen kann.

Kleine Fußnote am Rande: Was habe ich mich gefreut – man konnte über McDonald’s Treuepunkte zwei Monate Telekom MagentaTV bekommen. Der Claim: Alle WM Spiele! Warum nicht, dachte ich? Am Ende wurde es eine endlose Geschichte mit dem schlechtesten Support ever. Die Telekom hat meinen Gratisvertrag fälschlicherweise gekündigt. Und der Kundendienst schafft es seit einer Woche nicht, meinen Account wiederherzustellen. Aber das ist eigentlich egal – denn als ich nach Vertragsabschluss gesehen habe, welche Spiele man durch die beworbene Möglichkeit „alle WM-Spiele schauen“ bei MagentaTV tatsächlich sehen könnte, ist mir mein verlorener Account fast schon egal. Auch das spricht Bände. Offenbar wollte auch die Telekom nicht all in gehen und sich mehr Rechte kaufen.

Am Ende lasse ich mich gerne eines Besseren belehren, wenn Deutschland es ins Finale schafft – dann waren alle immer schon dabei und keiner redet mehr über das Desinteresse. Das wird aber nicht eintreten, und das frühere Premiumprodukt Fußball-Weltmeisterschaft wird weiter schrumpfen, bis es sich irgendwann durch immer mehr Vermarktung selbst auffrisst.

Am Donnerstag startet mit „Masters of the Universe“ die neue Realverfilmung von He-Man in den Kinos. Neben Prinz Adam, Skeletor und Man-At-Arms spielt dabei auch die Sorceress eine wichtige Rolle. Wer sich vorab noch etwas mit ihrer Mythologie beschäftigen möchte, findet in der Zeichentrickfolge „Die Abstammung der Sorceress“ der klassischen Trickserie eine spannende Ergänzung. Die Episode erzählt, wie die geheimnisvolle Hüterin von Schloss Grayskull zu ihrer Macht gelangte.

Dabei beginnt alles zunächst ganz klassisch. Ein uralter Zauberer namens Morgoth bedroht den Planeten Eternia mit seiner Magie. Während He-Man und die Sorceress auf die nächste Attacke warten, erzählt sie ihnen von ihrer Vergangenheit. Damals war sie noch die junge Teela Na und lebte in einem friedlichen Dorf. Als dieses angegriffen wird, sucht sie das mysteriöse Schloss auf, ohne zu wissen, dass dies ihr Leben schlagartig verändern wird. Dort trifft sie auf die alte Hüterin Kuduk Ungol, die ihr die Verantwortung für die Burg und ihre gewaltigen Kräfte überträgt. Diese Folge gehört zu den wenigen Episoden der Serie, die sich intensiv mit der Hintergrundgeschichte einer ihrer wichtigsten Figuren beschäftigen. Gleichzeitig erweitert sie die Mythologie von Eternia um mehrere interessante Details. So erfahren wir nicht nur mehr über die Entstehung der Sorceress, sondern sehen auch erstmals das Schwert des Schutzes, das später in „She-Ra” eine zentrale Rolle spielt. Ebenso deutet die Episode die Existenz der Horde an und schlägt damit eine Brücke zur Schwester-Serie. Außerdem tritt hier das mechanische Pferd Stridor zum ersten und einzigen Mal in Erscheinung, das es natürlich auch als Spielzeug gab. Natürlich merkt man der Folge ihr Alter an. Die Animationen wirken oft hölzern, viele Bewegungen werden mehrfach wiederverwendet und die Handlung folgt den bekannten Mustern der Serie. Dennoch besitzt die Episode einen besonderen Charme. Die Geschichte wird kurzweilig erzählt, und die Rückblenden sorgen für Abwechslung. Übrigens: Verfasst wurde die Episode von dem langjährigen Spider-Man-Autor J. Michael Straczynski, der Serienfans vor allem als Schöpfer von „Babylon 5” bekannt sein dürfte. Sein Gespür für feinfühlige Charaktere zeigt sich bereits hier.

Fazit

Trotz schablonenhafter Animationen und einer recht einfachen Erzählweise bietet diese Episode kurzweilige Unterhaltung und eignet sich hervorragend als Einstimmung oder Ergänzung zum neuen Kinofilm.

„He-Man and the Masters of the Universe“ ist derzeit bei Joyn kostenlos mit Werbung abrufbar.

Bilder: Mattel

Zugegeben, die sonnigen Tage haben in diesem Jahr etwas auf sich warten lassen. Doch inzwischen ist der Sommer mit voller Wucht angekommen und hat viele vermutlich erst einmal nach draußen gelockt. Davor wurde im Mai aber noch fleißig zum „Eurovision Song Contest“ mitgesungen, über neue Folgen von „LOL“ gelacht und natürlich jede Menge mehr gestreamt. Welche Serien, Shows und Themen euch im vergangenen Monat besonders beschäftigt haben, zeigt unsere Top-Ten-Liste.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

1. TV-Thema der Woche: Der geheime 10. Gast bei „LOL“ – Amazon, ich muss Abbitte leisten
2. „Stuart Fails to Save the Universe“ — wenn der Sidekick zum Star wird
3. Eurovision Song Contest 2026: Trink- & Tippspiel zum ESC
4. Review: „The Punisher: One Last Kill“
5. Disney decanonisiert still und leise die neue Star-Wars-Trilogie
6. Review: „Daredevil: Born Again“ – Staffel 2
7. Review: „The Boys“ – Staffel 5
8. Sky & WOW: Neu im Juni 2026 (Serien & Filme)
9. Netflix: Neu im Juni 2026 (Serien & Filme)
10. RTL+: Neu im Juni 2026 (Serien, Reality-Shows und Filme)

Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Fabios Monat

Mein persönliches Entertainment-Highlight im Mai war die Deutschlandpremiere von „Masters of the Universe“ in Berlin am vergangenen Donnerstag. Es ist schon erstaunlich, dass der Zeichentrickheld meiner Kindheit nach so vielen Jahren tatsächlich ein großes Revival erlebt. Über den roten Teppich zu schlendern und anschließend in einem voll besetzten IMAX-Saal gemeinsam mit zahlreichen Content Creator:innen sowie dem Regisseur und den beiden Hauptdarsteller:innen den Film zu erleben, hat großen Spaß gemacht. Da fiel es umso leichter, sich von dem bombastischen Sci-Fi-Spektakel mitreißen zu lassen. Doch auch abseits der ganz großen Leinwand gab es im Mai jede Menge sehenswerte Unterhaltung.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im Mai gab es das eine oder andere Schmankerl zu sehen, allen voran lief bei mir „How To Get To Heaven From Belfast“ – eine sehr unterhaltsame irische Crime-Comedy-Serie – und „The Boroughs“ – was auch als das „Stranger Things“ mit Senior:innen bezeichnet wird. Kann man beides herrlich wegsnacken.

Habe ich gesehen

Marvel hat den ersten Trailer zur zweiten Staffel von „X-Men ’97“ veröffentlicht. Die gefeierte Animationsserie kehrt diesen Sommer zurück und knüpft direkt an die dramatischen Ereignisse aus der ersten Staffel an. Nachdem die X-Men durch die Zeit verstreut wurden, kämpfen sie nun in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft darum, wieder zueinanderzufinden. Und insbesondere in den 1990er-Jahren scheinen die Mutanten am verwundbarsten.

„Ich bin wieder da, Baby!“– Wolverine

Den Trailer im Original-Ton findet ihr hier.

Der Trailer macht deutlich, dass die neuen Folgen erneut tief in die Comicgeschichte der Mutanten eintauchen werden. Zu sehen sind unter anderem die X-Men im alten Ägypten, Cyclops und Jean Grey in der Zukunft bei ihrem Sohn Nathan sowie die Rückkehr von Apocalypse, der offenbar eine zentrale Rolle spielen wird. Auch zahlreiche bekannte Figuren wie Polaris, Archangel und Colossus haben erste Auftritte. Besonders spannend ist, dass die Staffel durch die zahlreichen Zeitlinien mehrere Geschichten aus verschiedenen X-Men-Comic-Epochen miteinander kombinieren kann. Nach der starken ersten Staffel macht der Trailer jedenfalls Lust auf mehr.

„X-Men ’97“, Staffel 2 ist ab dem 1. Juli auf Disney+ abrufbar.

Bilder: Disney

Es gibt Fernsehabschiede, die sich anfühlen wie Pflichttermine. Und es gibt Abschiede, die sich wie ein letztes Geschenk an das Publikum anfühlen. Das Finale der „Late Show with Stephen Colbert“ gehörte eindeutig zur zweiten Kategorie.

Nach elf Jahren als Gastgeber und dem endgültigen Ende einer über drei Jahrzehnte währenden „Late Show“-Tradition auf CBS hätte man erwarten können, dass Colbert seinen Abschied vor allem als Abrechnung inszeniert. Schließlich war die Einstellung der Sendung in den USA kontrovers diskutiert worden. Doch stattdessen entschied sich Colbert für etwas anderes: für Dankbarkeit, Humor, Musik und eine große Portion Herz. Übrigens auch schon in den Sendungen an den Tagen zuvor – als zum Beispiel alle weiteren Late-Night-Hosts bei ihm vorbeischauten, oder als er mit seinem Vorgänger David Letterman Studio-Ausrüstung vom Dach des Gebäudes auf ein überdimensionales CBS-Logo fallen ließ.

Die letzte Ausgabe wirkte dann wie eine Feier dessen, was Late Night im besten Fall sein kann. Freunde, Wegbegleiter und prominente Gäste gaben sich die Klinke in die Hand, immer wieder wurde gelacht, immer wieder schwang aber auch die Erkenntnis mit, dass hier tatsächlich ein Kapitel Fernsehgeschichte zu Ende geht. Es war ein Abend, der sich nicht auf Nostalgie beschränkte, sondern seine eigene Geschichte erzählte.

Besonders stark war dabei die musikalische Klammer des Finales. Mit Paul McCartney als letztem großen Gast schloss sich ein Kreis, der kaum symbolischer hätte sein können. Schließlich befindet sich die „Late Show“ seit Jahrzehnten im legendären Ed Sullivan Theater – jenem Ort, an dem die Beatles 1964 ihren historischen amerikanischen Durchbruch feierten. Dass ausgerechnet McCartney nun den Schlusspunkt setzte, war deshalb weit mehr als ein prominenter Gastauftritt. Es war eine Verbeugung vor der Geschichte des Gebäudes, der Popkultur und der Sendung selbst.

Gemeinsam mit Elvis Costello, Jon Batiste, Louis Cato und schließlich auch Stephen Colbert selbst entstand zum Ende hin ein musikalischer Moment, der nicht wie eine Abschiedsnummer wirkte, sondern wie eine gemeinsame Feier. Die Mischung samt Beatles-Klassiker „Hello, Goodbye“ transportierte genau jene Atmosphäre, die Colberts Sendung über Jahre geprägt hatte: intelligent, verspielt, emotional und niemals zynisch.

Die vielleicht schönste Entscheidung des Abends kam jedoch ganz zum Schluss. Nachdem die letzten Töne verklungen waren, überließ Colbert die finale Handlung nicht sich selbst, sondern Paul McCartney. Der ehemalige Beatle durfte symbolisch den Strom der Sendung abschalten. Die Lichter im Ed Sullivan Theater gingen aus. Ein einfacher, beinahe stiller Moment – und gerade deshalb so wirkungsvoll.

Doch Colbert wäre nicht Colbert, wenn es dabei geblieben wäre. Statt eines gewöhnlichen Fade-outs folgte eine letzte surreale Pointe. Das gesamte Gebäude verschwand in einem fantastischen Effekt, wurde eingesogen und erschien schließlich als kleine Schneekugel. Für viele Zuschauer war das sofort eine Anspielung auf das legendäre Ende der Krankenhausserie „St. Elsewhere“, deren berühmtes Finale ebenfalls mit einer Schneekugel arbeitete. Ein Bild zwischen Traum, Erinnerung und Fernsehmythologie.

Genau deshalb fühlt sich dieses Ende so richtig an: Es war nicht laut, es war nicht verbittert. Es war nicht einmal besonders traurig; stattdessen erinnerte es daran, dass Fernsehen im Idealfall gemeinsame Erinnerungen schafft. Die Schneekugel konserviert diesen Ort, diese Show und diesen Moment wie ein kleines Stück Popkulturgeschichte. Man kann sie schütteln, noch einmal betrachten und sich daran erinnern, wie viel Freude darin einmal gesteckt hat. Stephen Colbert hat seine „Late Show“ nicht einfach beendet. Er hat sie in ein Erinnerungsstück verwandelt. Und vielleicht ist das die schönste Form des Abschieds.

Bilder: CBS

RTL+: Die Neustarts im Juni 2026 (Serien, Reality-Shows und Filme)

Serien

1. Juni: „Unsere kleine Stadt – Die Coal Valley Saga“, Staffel 2, auch bei RTL Passion

8. Juni: „Couple Next Door, The – Paare mit Geheimnissen“, Staffel 2, auch bei RTL Crime als Deutschlandpremiere

11. Juni: „Mermaids to Lovers“, 5 Folgen, neues RTL+ Storytellers Projekt

Die neue RTL+ Mermaiding-RomCom-Serie „Mermaids to Lovers“ ist das vierte Gewinner-Projekt, das aus dem RTL+Nachwuchsförderprogramm „Storytellers“ hervorgeht. Projekt und Serienkonzept stammen von den Autorinnen Lia Zebra und Larissa Dold, beide von der HFF München. Regie führt Olga Alexandra Müller. Darum geht’s: Das Schwimmbad ihres Vaters ist das Zuhause der 18-jährigen Leistungsschwimmerin Trixie. Doch als genau dieses kurz vor dem Ruin steht, wird es an eine Gruppe von Möchtegern-Mermaids vermietet, die Trixie fortan in ihren Gewässern tolerieren muss. Teil der Gruppe ist der 16-jährige Insta-Star und Publikumsmagnet Finn, der Trixies stählernes Herz höherschlagen lässt.

25. Juni: „DOC“, 2. Teil der 2. Staffel (10 neue Folgen), exklusiv

Bereits gestartet:
„Ugly Betty“, Staffel 1-4
„Unser Traum vom Schloss: DIY“, Staffel 2, auch bei RTL Living
„Yu-Gi-Oh! – 5D’s“, Staffel 1-3
„Der Lehrer“, 6 Folgen, wöchentlich 2 neue Folgen, ab 28.5. auch bei RTL
„Jamie Oliver: BBQ – Einfach genial grillen“, 3 Folgen, auch bei RTL Living

Filme

1. Juni: „Parasite“

1. Juni: „Die Purpurnen Flüsse

1. Juni: „Plötzlich Papa“

1. Juni: „Manhattan Queen“

1. Juni: „Der Pfau“

1. Juni: „Der schlimmste Mensch der Welt“

1. Juni: „Die Farbe des Horizonts“

1. Juni: „The Ides of March“

1. Juni: „Reality – Wahrheit hat ihren Preis“

1. Juni: „Klassentreffen 1.0.“

1. Juni: „Forever my girl“

1. Juni: „Ein ganzes halbes Jahr“

1. Juni: „Natürlich blond!“

1. Juni: „Natürlich blond 2“

Bereits gestartet:
„Rush Hour“
„Rush Hour 2“
„Rush Hour 3“
„A Star is Born“
„Project X“
„Kokowääh“
„Traumfrauen“
„100 Dinge“
„Nightlife“
„Dirty Dancing“
„Boruto: Naruto the Movie“
„The Last: Naruto the Movie“
„Death Proof“
„Planet Terror“
„Zwei zu eins“ , exklusiv
„Chantal im Märchenland“, exklusiv

Kids

1. Juni: „Avatar – Der Herr der Elemente“, Staffel 1-3

5. Juni: „Camp Sumpfgrund“, Staffel 1-2,

Bilder: RTL

Es ist mal wieder Zeit für ein Rewatch! 2015 war ich scheinbar so into „Awkward“, dass ich damals Episoden-Reviews zu den kurzen Folgen des Teenie-Comedy-Dramas geschrieben habe. Nun will ich nochmal reinschauen, um zu sehen, ob der Funke nach mehr als zehn Jahren erneut überspringt.

Die Story & die Protagonistin

Jenna Hamilton, gespielt von Ashley Rickards, ist eine eher unscheinbare Schülerin, die sich mit den üblichen Sorgen und Fragen einer Teenagerin herumschlägt: Wie erwecke ich die Aufmerksamkeit meines Schwarms? Wie führe ich schwierige Gespräche mit den Eltern? Wie mache ich aus meinen vielen Gedanken etwas Sinnvolles? Ihr größter Wunsch ist es, endlich mal von ihren Mitschüler:innen bemerkt zu werden. Und ihr Wunsch wird irgendwie Wirklichkeit, als ihr ein sehr unglücklicher Unfall passiert, bei dem alle denken, es wäre ein Selbstmordversuch gewesen. Plötzlich ist sie Mittelpunkt jedes Gesprächs und kann sich auf den Schulgängen – allein schon aufgrund ihres übermäßig großen eingegipsten Armes – nicht mehr unbemerkt bewegen. Trotz oder gerade wegen ihres Stigmas ist Jenna motiviert, nach vorne zu blicken und daraus etwas Gutes zu machen.

Besonderheiten

Die Serie „Awkward“ lief von 2011 bis 2016 auf MTV und bietet kurzweilige Unterhaltung. Jede Folge ist in 20 Minuten weggesnackt und ist gerade deshalb unterhaltsam, da wir die Gedanken der Protagonistin aus dem Off hören und viele Momente in der Serie „awkward“ – peinlich – sind. Hier ist viel Fremdscham angesagt, nicht nur in Bezug auf das Verhalten einzelner Figuren, sondern vor allem auf die Interaktion der Charaktere untereinander. Und ob das gefällt, ist dann eher Geschmackssache. Was ich allerdings sehr schön finde: In der Serie sehen wir die Anfänge des Bloggens. Weblogs gibt es genau genommen zwar schon seit den 1990ern, aber richtig an Popularität haben sie in den 2010er-Jahren gewonnen. Jenna schreibt an ihrem „Invisible Girl“-Blog, den sie bereits zum Ende der ersten Episode empowernd in „That Girl“ umbenennt.

No-Gos

Als ich „Awkward“ damals das erste Mal gesehen habe, habe ich mich sehr gut unterhalten gefühlt und mochte es, den Charakteren über die Staffeln hinweg zu folgen. Bestimmte Dinge habe ich damals aber offensichtlich nicht so richtig wahrgenommen. Denn was mir beim Rewatch direkt aufgefallen ist, sind einige Szenen, in denen diskriminierendes Verhalten dargestellt wird. Und das passiert aus meiner Sicht nicht auf kritische, entlarvende und gesellschaftskritische Art und Weise, sondern eher so, dass dies lediglich zur Reproduktion von Vorurteilen und der Abwertung bestimmter Personengruppen beiträgt. Hier kommt es zu Bodyshaming, Mobbing, das Anstacheln zum Suizid, Lästereien, übergriffiges Verhalten einer Vertrauenslehrerin und das Herunterspielen ernsthafter Krankheiten. Dazu werden bestimmte Nationalitäten pauschal mit klischeehaften Charakteristiken versehen. Das alles passiert nicht nur frontal, sondern vor allem nebenbei – und das macht es irgendwie noch schlimmer. Ich konnte jedenfalls nicht darüber hinwegsehen.

Die Story ist nicht nur immer wieder unangenehm, weil sich ihre Charaktere unangemessen verhalten. Die Figuren werden (zumindest in der Pilotfolge der Serie) nur nervig gezeichnet. Natürlich entwickeln sich die Charaktere über den Verlauf der Serie auch weiter, aber hier catcht (noch) niemand mit Sympathie oder interessanter Sidestory.

Fazit

Man könnte jetzt sagen, dass ich ja mittlerweile einfach nicht mehr Zielgruppe von „Awkward“ bin. Fair enough, d’accord! Ich würde aber ergänzen, dass die Serie heutzutage einfach nicht mehr so funktioniert, wie sie es damals getan hat. Zumindest ist meine große Hoffnung, dass gerade Teenies heutzutage aufgeklärter und reflektierter durch die Welt gehen und viel mehr Gespür für Inklusion, Gerechtigkeit und Offenheit haben. Diese Serie ist aus meiner Sicht nicht mehr das, was wir heute brauchen. Und ich brauche aktuell auch nicht mehr als die eine Episode.

Bilder: MTV

So langsam macht sich das Gefühl breit, dass der Sommer nun wirklich bald Einzug in unsere Leben hält. Doch auch bei sommerlichen Temperaturen und ausreichend Tageslicht zieht es uns ja ab und zu aufs Sofa und zu der einen oder anderen Serie. Was das Unterhaltungsprogramm von Netflix im Juni für diese Anlässe zu bieten hat, schauen wir uns im Folgenden mal an.

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

4. Juni

The King of Queens (1.-9. Staffel – nur in Deutschland und Österreich)
Night Shift For Cuties (1. Staffel)
The Witness (1. Staffel)

5. Juni

Teach You a Lesson (1. Staffel)

10. Juni

Outlast: The Jungle (1. Staffel)
The Rest is Football (1. Staffel)
My Family (Die Geschichte meiner Familie) (2. Staffel)

11. Juni

Viral Hit (1. Staffel)
The Evil Lawyer (1. Staffel)
Sweet Magnolias (Süße Magnolien) (5. Staffel)

12. Juni

The Polygamist (1. Staffel)
Losing Judgment (Urteilsverlust) (1. Staffel – nur in Deutschland)

16. Juni

AMERICA’S SWEETHEARTS: Dallas Cowboys Cheerleaders (Dallas Cowboys Cheerleaders: Ein amerikanischer Traum) (3. Staffel)

18. Juni

I Will Find You (Harlan Cobens Nur Für Dein Leben) (1. Staffel)

19. Juni

Oasis (1. Staffel)

20. Juni

The Root Of The Game (Várzea: Wo Fußball geboren wird) (1. Staffel)

22. Juni

Rhythm + Flow Italy (3. Staffel)

24. Juni

Another Self (Ein anderes Selbst) (3. Staffel)
The American Experiment (1. Staffel)

25. Juni

Avatar The Last Airbender (Avatar – Der Herr der Elemente) (2. Staffel)

Demnächst

BAKI-DOU: The Invincible Samurai (1. Staffel, 2. Teil)
Notes from the Last Row (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

3. Juni

The Hot Seat (Dans la Sauce)

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

4. Juni

The Murder of Rachel Nickell (Der Mord an Rachel Nickell)
Poldi

7. Juni

USA 94: Brazil’s Return to Glory (USA 94: Brasiliens Rückkehr an die Spitze)

9. Juni

Norway: The Dark Horse (Norwegens Rückkehr)

12. Juni

Maternal Instinct (Der Fall Taylor Parker)

26. Juni

Chris & Martina: The Final Set

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

1. Juni

Rocky Balboa
Creed III (Creed III: Rocky’s Legacy)

4. Juni

Maa Behen
Ein Fest fürs Leben

5. Juni

Mexico 86 (Mexiko 1986)
The Marked Woman (Die Unbekannte vom Hafen)
The Gunman
Office Romance

7. Juni

The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (Der Herr der Ringe: Die Gefährten)
The Lord of the Rings: The Two Towers (Der Herr der Ringe: Die zwei Türme)
The Lord of the Rings: The Return of the King (Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs)
(alle drei Filme sind nur in Deutschland und Österreich abrufbar)

10. Juni

Colors Of Evil: Black (Farben des Bösen: Schwarz)

12. Juni

I Am Frankelda (Soy Frankelda)

13. Juni

Caddo Lake

15. Juni

One Piece: Alabasta
Manitou’s Canoe (Das Kanu des Manitu)
Anatomy of a Fall (Anatomie eines Falls) (nur in Deutschland und Österreich)

19. Juni

Color Book
Voicemails for Isabelle

24. Juni

In the Hand of Dante

25. Juni

Moulin Rouge!

26. Juni

Little Brother

27. Juni

Lord of the Rings: The War of the Rohirrim (Der Herr der Ringe: Die Schlacht der Rohirrim)

Demnächst

Husbands in Action