Na, seid ihr schon in WM-Stimmung? Fiebert ihr dem großen Turnier entgegen? Glaubt ihr daran, dass die deutsche Fußballmannschaft es weit bringt?
Ich für meinen Teil kann alle drei Fragen mit einem klaren Nein beantworten. Wobei es eigentlich Zeit wäre – die Mannschaft ist in den USA gelandet und in weniger als zwei Wochen geht es schon los. Ich habe mich selbst gefragt: Warum ist das so?

Eigentlich war ich immer Feuer und Flamme für das DFB-Team. Mit Ausnahme der letzten WM, bei der ich aus Protest gegen die Unsinnigkeit, dieses Turnier im Winter und in einem Wüstenstaat stattfinden zu lassen, sogar ein Spiel der Deutschen bewusst nicht geschaut habe. Dazu diese verhunzte Moralaktion zu den Menschenrechten und der Regenbogenarmbinde, die man entweder voll durchziehen muss – dafür war ich – oder sein lassen. Aber dieses Mal hat mich selbst die große Rückkehr von Manuel Neuer nicht in Wallung gebracht. 2006 war allein die Torwart-Diskussion schon wochenlange Berichterstattungen und mehrere Abschlussarbeiten an meiner Uni wert.

Bevor ich aber alles nur auf mich beziehe, hier ein paar Fakten, dass ich nicht alleine bin. Eine repräsentative Umfrage der ARD belegt, dass 67 % sich gar nicht oder nur wenig auf die WM freuen. Und dazu kommt der generelle Trend des Desinteresses: Die Einschaltquoten sind über die letzten Turniere stetig gesunken. Das alles wird unterstrichen durch fehlende Fanzonen und Public-Viewing-Möglichkeiten. In den meisten Städten hat sich für die WM 2026 kein Veranstalter gefunden – keiner will das Risiko eingehen, viel Geld für leere Plätze auszugeben.

Ein großer Aspekt ist meiner Meinung nach der fehlende Glaube an einen Erfolg. Bei der Heim-EM reichte es nur bis zum Viertelfinale, was im Vergleich zu den vorherigen Turnieren schon ein Fortschritt war – denn bei den WMs 2018 und 2022 flog man jeweils schon in der Vorrunde raus. In de Prime-Löw-Ära, die 2014 ihren Höhepunkt erreichte, gab es einen stetigen Aufwärtstrend. Dazu Charaktere, die man heutzutage in der Mannschaft vermisst.

Dann haben wir die USA, welche aus europäischer Sicht durch Donald Trump massiv an Sympathie verloren haben. Und nicht nur das: Selbst zur WM zeigt sich das Land gegenüber Einreisewilligen von seiner ungemütlichen Seite. Manche Schlachtenbummler durften nicht einreisen, und viele wollen auch gar nicht kommen. Die Hotels in den USA spüren das bereits – die Buchungen liegen unter den Erwartungen. Für die europäischen Fans bedeutet zudem der Zeitunterschied, dass man viele Spiele nicht live sehen kann, da sie mitten in der Nacht stattfinden.

Normalerweise gleichen attraktive Austragungsländer die üblichen Negativpunkte der FIFA aus, aber diesmal geht beides Hand in Hand. Die FIFA – eine Organisation, die nur das Geld sieht – hat das Turnier auf 48 Mannschaften aufgebläht, verleiht Donald Trump einen ausgedachten Preis und akzeptiert Ticketpreise, die man als Wucher bezeichnen kann.

Kleine Fußnote am Rande: Was habe ich mich gefreut – man konnte über McDonald’s Treuepunkte zwei Monate Telekom MagentaTV bekommen. Der Claim: Alle WM Spiele! Warum nicht, dachte ich? Am Ende wurde es eine endlose Geschichte mit dem schlechtesten Support ever. Die Telekom hat meinen Gratisvertrag fälschlicherweise gekündigt. Und der Kundendienst schafft es seit einer Woche nicht, meinen Account wiederherzustellen. Aber das ist eigentlich egal – denn als ich nach Vertragsabschluss gesehen habe, welche Spiele man durch die beworbene Möglichkeit „alle WM-Spiele schauen“ bei MagentaTV tatsächlich sehen könnte, ist mir mein verlorener Account fast schon egal. Auch das spricht Bände. Offenbar wollte auch die Telekom nicht all in gehen und sich mehr Rechte kaufen.

Am Ende lasse ich mich gerne eines Besseren belehren, wenn Deutschland es ins Finale schafft – dann waren alle immer schon dabei und keiner redet mehr über das Desinteresse. Das wird aber nicht eintreten, und das frühere Premiumprodukt Fußball-Weltmeisterschaft wird weiter schrumpfen, bis es sich irgendwann durch immer mehr Vermarktung selbst auffrisst.

Am Donnerstag startet mit „Masters of the Universe“ die neue Realverfilmung von He-Man in den Kinos. Neben Prinz Adam, Skeletor und Man-At-Arms spielt dabei auch die Sorceress eine wichtige Rolle. Wer sich vorab noch etwas mit ihrer Mythologie beschäftigen möchte, findet in der Zeichentrickfolge „Die Abstammung der Sorceress“ der klassischen Trickserie eine spannende Ergänzung. Die Episode erzählt, wie die geheimnisvolle Hüterin von Schloss Grayskull zu ihrer Macht gelangte.

Dabei beginnt alles zunächst ganz klassisch. Ein uralter Zauberer namens Morgoth bedroht den Planeten Eternia mit seiner Magie. Während He-Man und die Sorceress auf die nächste Attacke warten, erzählt sie ihnen von ihrer Vergangenheit. Damals war sie noch die junge Teela Na und lebte in einem friedlichen Dorf. Als dieses angegriffen wird, sucht sie das mysteriöse Schloss auf, ohne zu wissen, dass dies ihr Leben schlagartig verändern wird. Dort trifft sie auf die alte Hüterin Kuduk Ungol, die ihr die Verantwortung für die Burg und ihre gewaltigen Kräfte überträgt. Diese Folge gehört zu den wenigen Episoden der Serie, die sich intensiv mit der Hintergrundgeschichte einer ihrer wichtigsten Figuren beschäftigen. Gleichzeitig erweitert sie die Mythologie von Eternia um mehrere interessante Details. So erfahren wir nicht nur mehr über die Entstehung der Sorceress, sondern sehen auch erstmals das Schwert des Schutzes, das später in „She-Ra” eine zentrale Rolle spielt. Ebenso deutet die Episode die Existenz der Horde an und schlägt damit eine Brücke zur Schwester-Serie. Außerdem tritt hier das mechanische Pferd Stridor zum ersten und einzigen Mal in Erscheinung, das es natürlich auch als Spielzeug gab. Natürlich merkt man der Folge ihr Alter an. Die Animationen wirken oft hölzern, viele Bewegungen werden mehrfach wiederverwendet und die Handlung folgt den bekannten Mustern der Serie. Dennoch besitzt die Episode einen besonderen Charme. Die Geschichte wird kurzweilig erzählt, und die Rückblenden sorgen für Abwechslung. Übrigens: Verfasst wurde die Episode von dem langjährigen Spider-Man-Autor J. Michael Straczynski, der Serienfans vor allem als Schöpfer von „Babylon 5” bekannt sein dürfte. Sein Gespür für feinfühlige Charaktere zeigt sich bereits hier.

Fazit

Trotz schablonenhafter Animationen und einer recht einfachen Erzählweise bietet diese Episode kurzweilige Unterhaltung und eignet sich hervorragend als Einstimmung oder Ergänzung zum neuen Kinofilm.

„He-Man and the Masters of the Universe“ ist derzeit bei Joyn kostenlos mit Werbung abrufbar.

Bilder: Mattel

Zugegeben, die sonnigen Tage haben in diesem Jahr etwas auf sich warten lassen. Doch inzwischen ist der Sommer mit voller Wucht angekommen und hat viele vermutlich erst einmal nach draußen gelockt. Davor wurde im Mai aber noch fleißig zum „Eurovision Song Contest“ mitgesungen, über neue Folgen von „LOL“ gelacht und natürlich jede Menge mehr gestreamt. Welche Serien, Shows und Themen euch im vergangenen Monat besonders beschäftigt haben, zeigt unsere Top-Ten-Liste.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

1. TV-Thema der Woche: Der geheime 10. Gast bei „LOL“ – Amazon, ich muss Abbitte leisten
2. „Stuart Fails to Save the Universe“ — wenn der Sidekick zum Star wird
3. Eurovision Song Contest 2026: Trink- & Tippspiel zum ESC
4. Review: „The Punisher: One Last Kill“
5. Disney decanonisiert still und leise die neue Star-Wars-Trilogie
6. Review: „Daredevil: Born Again“ – Staffel 2
7. Review: „The Boys“ – Staffel 5
8. Sky & WOW: Neu im Juni 2026 (Serien & Filme)
9. Netflix: Neu im Juni 2026 (Serien & Filme)
10. RTL+: Neu im Juni 2026 (Serien, Reality-Shows und Filme)

Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Fabios Monat

Mein persönliches Entertainment-Highlight im Mai war die Deutschlandpremiere von „Masters of the Universe“ in Berlin am vergangenen Donnerstag. Es ist schon erstaunlich, dass der Zeichentrickheld meiner Kindheit nach so vielen Jahren tatsächlich ein großes Revival erlebt. Über den roten Teppich zu schlendern und anschließend in einem voll besetzten IMAX-Saal gemeinsam mit zahlreichen Content Creator:innen sowie dem Regisseur und den beiden Hauptdarsteller:innen den Film zu erleben, hat großen Spaß gemacht. Da fiel es umso leichter, sich von dem bombastischen Sci-Fi-Spektakel mitreißen zu lassen. Doch auch abseits der ganz großen Leinwand gab es im Mai jede Menge sehenswerte Unterhaltung.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im Mai gab es das eine oder andere Schmankerl zu sehen, allen voran lief bei mir „How To Get To Heaven From Belfast“ – eine sehr unterhaltsame irische Crime-Comedy-Serie – und „The Boroughs“ – was auch als das „Stranger Things“ mit Senior:innen bezeichnet wird. Kann man beides herrlich wegsnacken.

Habe ich gesehen

Marvel hat den ersten Trailer zur zweiten Staffel von „X-Men ’97“ veröffentlicht. Die gefeierte Animationsserie kehrt diesen Sommer zurück und knüpft direkt an die dramatischen Ereignisse aus der ersten Staffel an. Nachdem die X-Men durch die Zeit verstreut wurden, kämpfen sie nun in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft darum, wieder zueinanderzufinden. Und insbesondere in den 1990er-Jahren scheinen die Mutanten am verwundbarsten.

„Ich bin wieder da, Baby!“– Wolverine

Den Trailer im Original-Ton findet ihr hier.

Der Trailer macht deutlich, dass die neuen Folgen erneut tief in die Comicgeschichte der Mutanten eintauchen werden. Zu sehen sind unter anderem die X-Men im alten Ägypten, Cyclops und Jean Grey in der Zukunft bei ihrem Sohn Nathan sowie die Rückkehr von Apocalypse, der offenbar eine zentrale Rolle spielen wird. Auch zahlreiche bekannte Figuren wie Polaris, Archangel und Colossus haben erste Auftritte. Besonders spannend ist, dass die Staffel durch die zahlreichen Zeitlinien mehrere Geschichten aus verschiedenen X-Men-Comic-Epochen miteinander kombinieren kann. Nach der starken ersten Staffel macht der Trailer jedenfalls Lust auf mehr.

„X-Men ’97“, Staffel 2 ist ab dem 1. Juli auf Disney+ abrufbar.

Bilder: Disney

Es gibt Fernsehabschiede, die sich anfühlen wie Pflichttermine. Und es gibt Abschiede, die sich wie ein letztes Geschenk an das Publikum anfühlen. Das Finale der „Late Show with Stephen Colbert“ gehörte eindeutig zur zweiten Kategorie.

Nach elf Jahren als Gastgeber und dem endgültigen Ende einer über drei Jahrzehnte währenden „Late Show“-Tradition auf CBS hätte man erwarten können, dass Colbert seinen Abschied vor allem als Abrechnung inszeniert. Schließlich war die Einstellung der Sendung in den USA kontrovers diskutiert worden. Doch stattdessen entschied sich Colbert für etwas anderes: für Dankbarkeit, Humor, Musik und eine große Portion Herz. Übrigens auch schon in den Sendungen an den Tagen zuvor – als zum Beispiel alle weiteren Late-Night-Hosts bei ihm vorbeischauten, oder als er mit seinem Vorgänger David Letterman Studio-Ausrüstung vom Dach des Gebäudes auf ein überdimensionales CBS-Logo fallen ließ.

Die letzte Ausgabe wirkte dann wie eine Feier dessen, was Late Night im besten Fall sein kann. Freunde, Wegbegleiter und prominente Gäste gaben sich die Klinke in die Hand, immer wieder wurde gelacht, immer wieder schwang aber auch die Erkenntnis mit, dass hier tatsächlich ein Kapitel Fernsehgeschichte zu Ende geht. Es war ein Abend, der sich nicht auf Nostalgie beschränkte, sondern seine eigene Geschichte erzählte.

Besonders stark war dabei die musikalische Klammer des Finales. Mit Paul McCartney als letztem großen Gast schloss sich ein Kreis, der kaum symbolischer hätte sein können. Schließlich befindet sich die „Late Show“ seit Jahrzehnten im legendären Ed Sullivan Theater – jenem Ort, an dem die Beatles 1964 ihren historischen amerikanischen Durchbruch feierten. Dass ausgerechnet McCartney nun den Schlusspunkt setzte, war deshalb weit mehr als ein prominenter Gastauftritt. Es war eine Verbeugung vor der Geschichte des Gebäudes, der Popkultur und der Sendung selbst.

Gemeinsam mit Elvis Costello, Jon Batiste, Louis Cato und schließlich auch Stephen Colbert selbst entstand zum Ende hin ein musikalischer Moment, der nicht wie eine Abschiedsnummer wirkte, sondern wie eine gemeinsame Feier. Die Mischung samt Beatles-Klassiker „Hello, Goodbye“ transportierte genau jene Atmosphäre, die Colberts Sendung über Jahre geprägt hatte: intelligent, verspielt, emotional und niemals zynisch.

Die vielleicht schönste Entscheidung des Abends kam jedoch ganz zum Schluss. Nachdem die letzten Töne verklungen waren, überließ Colbert die finale Handlung nicht sich selbst, sondern Paul McCartney. Der ehemalige Beatle durfte symbolisch den Strom der Sendung abschalten. Die Lichter im Ed Sullivan Theater gingen aus. Ein einfacher, beinahe stiller Moment – und gerade deshalb so wirkungsvoll.

Doch Colbert wäre nicht Colbert, wenn es dabei geblieben wäre. Statt eines gewöhnlichen Fade-outs folgte eine letzte surreale Pointe. Das gesamte Gebäude verschwand in einem fantastischen Effekt, wurde eingesogen und erschien schließlich als kleine Schneekugel. Für viele Zuschauer war das sofort eine Anspielung auf das legendäre Ende der Krankenhausserie „St. Elsewhere“, deren berühmtes Finale ebenfalls mit einer Schneekugel arbeitete. Ein Bild zwischen Traum, Erinnerung und Fernsehmythologie.

Genau deshalb fühlt sich dieses Ende so richtig an: Es war nicht laut, es war nicht verbittert. Es war nicht einmal besonders traurig; stattdessen erinnerte es daran, dass Fernsehen im Idealfall gemeinsame Erinnerungen schafft. Die Schneekugel konserviert diesen Ort, diese Show und diesen Moment wie ein kleines Stück Popkulturgeschichte. Man kann sie schütteln, noch einmal betrachten und sich daran erinnern, wie viel Freude darin einmal gesteckt hat. Stephen Colbert hat seine „Late Show“ nicht einfach beendet. Er hat sie in ein Erinnerungsstück verwandelt. Und vielleicht ist das die schönste Form des Abschieds.

Bilder: CBS

RTL+: Die Neustarts im Juni 2026 (Serien, Reality-Shows und Filme)

Serien

1. Juni: „Unsere kleine Stadt – Die Coal Valley Saga“, Staffel 2, auch bei RTL Passion

8. Juni: „Couple Next Door, The – Paare mit Geheimnissen“, Staffel 2, auch bei RTL Crime als Deutschlandpremiere

11. Juni: „Mermaids to Lovers“, 5 Folgen, neues RTL+ Storytellers Projekt

Die neue RTL+ Mermaiding-RomCom-Serie „Mermaids to Lovers“ ist das vierte Gewinner-Projekt, das aus dem RTL+Nachwuchsförderprogramm „Storytellers“ hervorgeht. Projekt und Serienkonzept stammen von den Autorinnen Lia Zebra und Larissa Dold, beide von der HFF München. Regie führt Olga Alexandra Müller. Darum geht’s: Das Schwimmbad ihres Vaters ist das Zuhause der 18-jährigen Leistungsschwimmerin Trixie. Doch als genau dieses kurz vor dem Ruin steht, wird es an eine Gruppe von Möchtegern-Mermaids vermietet, die Trixie fortan in ihren Gewässern tolerieren muss. Teil der Gruppe ist der 16-jährige Insta-Star und Publikumsmagnet Finn, der Trixies stählernes Herz höherschlagen lässt.

25. Juni: „DOC“, 2. Teil der 2. Staffel (10 neue Folgen), exklusiv

Bereits gestartet:
„Ugly Betty“, Staffel 1-4
„Unser Traum vom Schloss: DIY“, Staffel 2, auch bei RTL Living
„Yu-Gi-Oh! – 5D’s“, Staffel 1-3
„Der Lehrer“, 6 Folgen, wöchentlich 2 neue Folgen, ab 28.5. auch bei RTL
„Jamie Oliver: BBQ – Einfach genial grillen“, 3 Folgen, auch bei RTL Living

Filme

1. Juni: „Parasite“

1. Juni: „Die Purpurnen Flüsse

1. Juni: „Plötzlich Papa“

1. Juni: „Manhattan Queen“

1. Juni: „Der Pfau“

1. Juni: „Der schlimmste Mensch der Welt“

1. Juni: „Die Farbe des Horizonts“

1. Juni: „The Ides of March“

1. Juni: „Reality – Wahrheit hat ihren Preis“

1. Juni: „Klassentreffen 1.0.“

1. Juni: „Forever my girl“

1. Juni: „Ein ganzes halbes Jahr“

1. Juni: „Natürlich blond!“

1. Juni: „Natürlich blond 2“

Bereits gestartet:
„Rush Hour“
„Rush Hour 2“
„Rush Hour 3“
„A Star is Born“
„Project X“
„Kokowääh“
„Traumfrauen“
„100 Dinge“
„Nightlife“
„Dirty Dancing“
„Boruto: Naruto the Movie“
„The Last: Naruto the Movie“
„Death Proof“
„Planet Terror“
„Zwei zu eins“ , exklusiv
„Chantal im Märchenland“, exklusiv

Kids

1. Juni: „Avatar – Der Herr der Elemente“, Staffel 1-3

5. Juni: „Camp Sumpfgrund“, Staffel 1-2,

Bilder: RTL

Es ist mal wieder Zeit für ein Rewatch! 2015 war ich scheinbar so into „Awkward“, dass ich damals Episoden-Reviews zu den kurzen Folgen des Teenie-Comedy-Dramas geschrieben habe. Nun will ich nochmal reinschauen, um zu sehen, ob der Funke nach mehr als zehn Jahren erneut überspringt.

Die Story & die Protagonistin

Jenna Hamilton, gespielt von Ashley Rickards, ist eine eher unscheinbare Schülerin, die sich mit den üblichen Sorgen und Fragen einer Teenagerin herumschlägt: Wie erwecke ich die Aufmerksamkeit meines Schwarms? Wie führe ich schwierige Gespräche mit den Eltern? Wie mache ich aus meinen vielen Gedanken etwas Sinnvolles? Ihr größter Wunsch ist es, endlich mal von ihren Mitschüler:innen bemerkt zu werden. Und ihr Wunsch wird irgendwie Wirklichkeit, als ihr ein sehr unglücklicher Unfall passiert, bei dem alle denken, es wäre ein Selbstmordversuch gewesen. Plötzlich ist sie Mittelpunkt jedes Gesprächs und kann sich auf den Schulgängen – allein schon aufgrund ihres übermäßig großen eingegipsten Armes – nicht mehr unbemerkt bewegen. Trotz oder gerade wegen ihres Stigmas ist Jenna motiviert, nach vorne zu blicken und daraus etwas Gutes zu machen.

Besonderheiten

Die Serie „Awkward“ lief von 2011 bis 2016 auf MTV und bietet kurzweilige Unterhaltung. Jede Folge ist in 20 Minuten weggesnackt und ist gerade deshalb unterhaltsam, da wir die Gedanken der Protagonistin aus dem Off hören und viele Momente in der Serie „awkward“ – peinlich – sind. Hier ist viel Fremdscham angesagt, nicht nur in Bezug auf das Verhalten einzelner Figuren, sondern vor allem auf die Interaktion der Charaktere untereinander. Und ob das gefällt, ist dann eher Geschmackssache. Was ich allerdings sehr schön finde: In der Serie sehen wir die Anfänge des Bloggens. Weblogs gibt es genau genommen zwar schon seit den 1990ern, aber richtig an Popularität haben sie in den 2010er-Jahren gewonnen. Jenna schreibt an ihrem „Invisible Girl“-Blog, den sie bereits zum Ende der ersten Episode empowernd in „That Girl“ umbenennt.

No-Gos

Als ich „Awkward“ damals das erste Mal gesehen habe, habe ich mich sehr gut unterhalten gefühlt und mochte es, den Charakteren über die Staffeln hinweg zu folgen. Bestimmte Dinge habe ich damals aber offensichtlich nicht so richtig wahrgenommen. Denn was mir beim Rewatch direkt aufgefallen ist, sind einige Szenen, in denen diskriminierendes Verhalten dargestellt wird. Und das passiert aus meiner Sicht nicht auf kritische, entlarvende und gesellschaftskritische Art und Weise, sondern eher so, dass dies lediglich zur Reproduktion von Vorurteilen und der Abwertung bestimmter Personengruppen beiträgt. Hier kommt es zu Bodyshaming, Mobbing, das Anstacheln zum Suizid, Lästereien, übergriffiges Verhalten einer Vertrauenslehrerin und das Herunterspielen ernsthafter Krankheiten. Dazu werden bestimmte Nationalitäten pauschal mit klischeehaften Charakteristiken versehen. Das alles passiert nicht nur frontal, sondern vor allem nebenbei – und das macht es irgendwie noch schlimmer. Ich konnte jedenfalls nicht darüber hinwegsehen.

Die Story ist nicht nur immer wieder unangenehm, weil sich ihre Charaktere unangemessen verhalten. Die Figuren werden (zumindest in der Pilotfolge der Serie) nur nervig gezeichnet. Natürlich entwickeln sich die Charaktere über den Verlauf der Serie auch weiter, aber hier catcht (noch) niemand mit Sympathie oder interessanter Sidestory.

Fazit

Man könnte jetzt sagen, dass ich ja mittlerweile einfach nicht mehr Zielgruppe von „Awkward“ bin. Fair enough, d’accord! Ich würde aber ergänzen, dass die Serie heutzutage einfach nicht mehr so funktioniert, wie sie es damals getan hat. Zumindest ist meine große Hoffnung, dass gerade Teenies heutzutage aufgeklärter und reflektierter durch die Welt gehen und viel mehr Gespür für Inklusion, Gerechtigkeit und Offenheit haben. Diese Serie ist aus meiner Sicht nicht mehr das, was wir heute brauchen. Und ich brauche aktuell auch nicht mehr als die eine Episode.

Bilder: MTV

So langsam macht sich das Gefühl breit, dass der Sommer nun wirklich bald Einzug in unsere Leben hält. Doch auch bei sommerlichen Temperaturen und ausreichend Tageslicht zieht es uns ja ab und zu aufs Sofa und zu der einen oder anderen Serie. Was das Unterhaltungsprogramm von Netflix im Juni für diese Anlässe zu bieten hat, schauen wir uns im Folgenden mal an.

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

4. Juni

The King of Queens (1.-9. Staffel – nur in Deutschland und Österreich)
Night Shift For Cuties (1. Staffel)
The Witness (1. Staffel)

5. Juni

Teach You a Lesson (1. Staffel)

10. Juni

Outlast: The Jungle (1. Staffel)
The Rest is Football (1. Staffel)
My Family (Die Geschichte meiner Familie) (2. Staffel)

11. Juni

Viral Hit (1. Staffel)
The Evil Lawyer (1. Staffel)
Sweet Magnolias (Süße Magnolien) (5. Staffel)

12. Juni

The Polygamist (1. Staffel)
Losing Judgment (Urteilsverlust) (1. Staffel – nur in Deutschland)

16. Juni

AMERICA’S SWEETHEARTS: Dallas Cowboys Cheerleaders (Dallas Cowboys Cheerleaders: Ein amerikanischer Traum) (3. Staffel)

18. Juni

I Will Find You (Harlan Cobens Nur Für Dein Leben) (1. Staffel)

19. Juni

Oasis (1. Staffel)

20. Juni

The Root Of The Game (Várzea: Wo Fußball geboren wird) (1. Staffel)

22. Juni

Rhythm + Flow Italy (3. Staffel)

24. Juni

Another Self (Ein anderes Selbst) (3. Staffel)
The American Experiment (1. Staffel)

25. Juni

Avatar The Last Airbender (Avatar – Der Herr der Elemente) (2. Staffel)

Demnächst

BAKI-DOU: The Invincible Samurai (1. Staffel, 2. Teil)
Notes from the Last Row (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

3. Juni

The Hot Seat (Dans la Sauce)

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

4. Juni

The Murder of Rachel Nickell (Der Mord an Rachel Nickell)
Poldi

7. Juni

USA 94: Brazil’s Return to Glory (USA 94: Brasiliens Rückkehr an die Spitze)

9. Juni

Norway: The Dark Horse (Norwegens Rückkehr)

12. Juni

Maternal Instinct (Der Fall Taylor Parker)

26. Juni

Chris & Martina: The Final Set

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Juni 2026

1. Juni

Rocky Balboa
Creed III (Creed III: Rocky’s Legacy)

4. Juni

Maa Behen
Ein Fest fürs Leben

5. Juni

Mexico 86 (Mexiko 1986)
The Marked Woman (Die Unbekannte vom Hafen)
The Gunman
Office Romance

7. Juni

The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (Der Herr der Ringe: Die Gefährten)
The Lord of the Rings: The Two Towers (Der Herr der Ringe: Die zwei Türme)
The Lord of the Rings: The Return of the King (Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs)
(alle drei Filme sind nur in Deutschland und Österreich abrufbar)

10. Juni

Colors Of Evil: Black (Farben des Bösen: Schwarz)

12. Juni

I Am Frankelda (Soy Frankelda)

13. Juni

Caddo Lake

15. Juni

One Piece: Alabasta
Manitou’s Canoe (Das Kanu des Manitu)
Anatomy of a Fall (Anatomie eines Falls) (nur in Deutschland und Österreich)

19. Juni

Color Book
Voicemails for Isabelle

24. Juni

In the Hand of Dante

25. Juni

Moulin Rouge!

26. Juni

Little Brother

27. Juni

Lord of the Rings: The War of the Rohirrim (Der Herr der Ringe: Die Schlacht der Rohirrim)

Demnächst

Husbands in Action

Es ist noch keine Woche her, dass die Superhelden-Satire „The Boys“ zu Ende gegangen ist, da präsentiert uns Prime Video schon die Nachfolgeserie beziehungsweise das Prequel. „Vought Rising“ führt uns zurück in die 1950er-Jahre und zeigt die Anfänge von Vought International, lange bevor Homelander oder die Seven existierten. Diesmal stehen Soldier Boy (Jensen Ackles) und Stormfront (Aya Cash) im Mittelpunkt, die zusammenarbeiten, um einen Mordfall aufzuklären.

„I wanna be a hero.“ – Soldier Boy

In „The Boys“ wird Soldier Boy als brutaler und völlig kaputter Ex-Superheld aus einer längst vergangenen Zeit eingeführt. Die jüngere Version wirkt hier noch deutlich idealistischer und erinnert mehr an klassische Superhelden wie Captain America. Gerade deshalb dürfte es interessant werden, zu sehen, wie aus diesem Mann der Widerling wird, den die Fans bereits kennen. Showrunner Paul Grellong und Serienschöpfer Eric Kripke verzichten auf Retro-Romantik und setzen erneut auf knallharte Schauwerte, wie wir es schon von der Mutterserie gewohnt sind. Neben Jensen Ackles und Aya Cash gehören unter anderem Mason Dye, Will Hochman und KiKi Layne zum Cast. Mein erster Eindruck fällt schon mal positiv aus, vor allem der Crime-Noir-Look gefällt mir. Was meint ihr?

„Vought Rising“ startet 2027 bei Prime Video.

Bilder: Prime Video

Es gibt TV-Wochen, die fühlen sich an wie ein ziemlich ehrlicher Querschnitt durch den eigenen Serienkopf. Ein bisschen Mysterium, ein bisschen Anarchie, ein bisschen kompletter Irrsinn – und dann noch diese eine Serie, die sofort wieder das Gefühl von früher auslöst.
So sah’s diesmal bei mir aus.

„FROM“

Da war zuerst die neue Folge von „FROM“. Die Serie läuft aktuell in Staffel 4; Woche für Woche gibts seit dem 19. April 2026 eine Folge.
„FROM“ bleibt bei mir weiterhin eine dieser Serien, die ziemlich genau weiß, wie man Spannung konserviert. Nicht, indem sie groß erklärt, sondern indem sie einen konstant in diesem Zustand zwischen Neugier, Unbehagen und leichter Gereiztheit hält. Dieses Dorf, diese Stimmung, dieses permanente Gefühl, dass dort nichts einfach nur „komisch“, sondern alles grundsätzlich falsch ist – das funktioniert bei mir immer noch sehr gut.

„The Simpsons“

Die obligatorische Folge der „Simpsons“ war natürlich ebenfalls gesetzt. Bei den Simpsons ist das bei mir ohnehin längst kein normales Gucken mehr, sondern eher Fernsehroutine im besten Sinn. Im Februar lief in den USA die 800. Episode, zeitgleich wurde das Ende der 37. Staffel markiert; verlängert ist die Serie bereits bis Staffel 40.
Und genau das ist ja das Bemerkenswerte: Die Simpsons müssen längst nichts mehr beweisen. Springfield funktioniert nicht deshalb noch, weil jede Folge ein Ereignis wäre, sondern weil diese Serie sich seit Jahren den Status einer festen Konstante erarbeitet hat. Homer bleibt Homer, Bart bleibt Bart, Lisa ist weiterhin die Vernunftinsel in einem komplett dysfunktionalen Umfeld – und genau deshalb kehrt man dorthin eben immer wieder zurück. Nicht aus Pflichtgefühl. Sondern weil’s schlicht dazugehört.

„The Boys“

Dann die aktuelle Episode von „The Boys“. Die Serie befindet sich in ihrer fünften und letzten Staffel bei Prime Video; Episode 7 lief am 13. Mai 2026, das Finale folgte leider schon am 20. Mai 2026.
Und auch hier gilt: Die Serie zieht ihr Ding bis zum Ende durch. Keine Zurückhaltung, keine falsche Eleganz, keine Lust auf sanfte Töne. „The Boys“ bleibt boshaft, dreckig, überzogen und in den besten Momenten ziemlich treffsicher. Gerade jetzt im Endspiel merkt man nochmal sehr deutlich, dass diese Serie nie einfach nur Superhelden kaputtmachen wollte. Sie wollte immer die komplette Idee davon durch den Fleischwolf drehen. Und das tut sie weiterhin mit bemerkenswerter Konsequenz.

„Futurama“

Und dann noch „Futurama“. Einfach, weil manche Serien nicht erst „aktuell“ sein müssen, um sofort wieder etwas auszulösen. Hulu hat gerade bestätigt, dass Staffel 14 am 3. August 2026 startet; neue Folgen sollen dann montags erscheinen.
Aber ganz unabhängig von neuen Episoden bleibt „Futurama“ für mich ohnehin so ein sicherer Treffer. Diese Serie hat bis heute etwas, das vielen anderen Animationsformaten fehlt: Witz, Science-Fiction-Ideen und gleichzeitig eine erstaunlich eigene Wärme. Fry, Leela, Bender – das ist kein bloßes Rewatch-Futter. Das ist eine dieser Serien, bei denen sofort wieder klar ist, warum man sich damals in Fernsehen auch einfach mal verlieben konnte.

Unterm Strich war das eine TV-Woche, wie ich sie sehr gern nehme:
„FROM“ fürs Grübeln und Unwohlsein,
die „Simpsons“ als gesetzte Wochenkonstante,
„The Boys“ im maximalen Endzeitmodus
und „Futurama“ als Erinnerung daran, dass „die gute alte Zeit“ manchmal eben doch nicht nur Verklärung ist.

Manche Wochen brauchen kein großes Prestigefernsehen.
Manchmal reichen ein rätselhaftes Höllendorf, eine gelbe Familie, ein Haufen komplett beschädigter Superhelden und ein Lieferjunge aus dem Jahr 3000 völlig aus.

Bilder: Amazon Prime, Disney

Auch in der letzten Staffel bleibt die Serie bis zum Schluss gewohnt bissig, brutal und politisch unkorrekt. Dabei handeln fast alle Figuren in den acht Folgen irgendwann egoistisch, grausam oder rücksichtslos. Und genau das macht diese Staffel stellenweise schwer erträglich. Allen voran Homelander. Antony Starr spielt ihn in dieser letzten Staffel nicht mehr als zwiespältigen Superhelden, sondern als absoluten Irren mit Gottkomplex. Er will nicht mehr nur Macht, sondern echte Verehrung. Dafür arbeitet Homelander mit allerlei religiöser Symbolik. Er lässt sich als Erlöser feiern, bekommt eine eigene Kirche und sogar eine Gospel-Nummer von Supes-Prediger Oh-Father (Daveed Diggs). In der vorletzten Folge tanzen sexy Engel auf der Bühne, Jesus wird verspottet und Homelander lässt sich als Gottheit feiern. Die Serie meint das als Satire auf religiösen Nationalismus und Personenkult und eigentlich sollte das schockieren. Das Problem ist nur, dass die Realität inzwischen oft ähnlich absurd ist. Wenn sich beispielsweise echte Politiker mit Jesus-Motiven inszenieren oder religiöse Rhetorik für politische Mobilisierung missbrauchen. Die Realität wirkt kaum noch parodierbar.

Trotzdem funktionieren viele dieser Szenen hervorragend, da sie Homelander nicht als starken Diktator, sondern als zutiefst kaputten Menschen zeigen. Besonders die Szenen mit Soldier Boy (Jensen Ackles) gehören zu den besten der Staffel. Homelander sehnt sich verzweifelt nach der Anerkennung seines Vaters, plant Freizeitparks voller nationalistischer Motive und versucht, sich eine Familiengeschichte zurechtzulegen. Doch Soldier Boy durchschaut ihn vollkommen. Wenn dieser Homelander nicht als Gott anerkennt, trifft ihn das härter als jede Waffe. Dass Homelander Soldier Boy daraufhin wieder einfriert, zeigt perfekt, wie er funktioniert. Er will Liebe, ist aber nur zu Kontrolle fähig.

„Haltet bloß die Klappe, andernfalls mache ich euch fertig.“ – Billy Butcher

Generell bleibt die Staffel bei ihrer Figurenzeichnung sehr konsequent. Billy Butcher (Karl Urban) bleibt bis zum Schluss ein Killer mit Gewissen, der sich einredet irgendwann wieder „normal” werden zu können. Doch spätestens nach dem Tod seines Hundes Terror kippt endgültig etwas in ihm. Seine Gespräche mit Joe Kessler (Jeffrey Dean Morgan) zeigen, dass der Hass längst sein eigentlicher Antrieb geworden ist. Umso stärker wirkt dann das Finale zwischen Butcher und Hughie (Jack Quaid). Dass ausgerechnet der emotionale Hughie derjenige bleibt, der noch an das Gute glaubt, passt perfekt zur ersten Staffel. Schon damals war er der moralische Gegenpol zu Butcher. Die Serie schließt hier sauber den Kreis. Damals zog Butcher Hughie in diesen Krieg hinein, jetzt ist Hughie derjenige, der ihn beendet. Überhaupt arbeitet die fünfte Staffel immer wieder mit Spiegelungen zur ersten Folge. Hughie und Annie stehen am Ende wieder an einer Straßenkante, wie einst Hughie und seine damalige Freundin Robin ganz am Anfang. Doch diesmal endet es nicht mit einem Trauma, sondern mit einer hoffnungsvollen Zukunft.

Was ich zuletzt eher lästig fand, war die ständige Gewalteskalation. Natürlich war die Serie schon immer brutal, aber in Staffel 5 wird es teilweise übertrieben. Ständig werden Schädel zerdrückt, Menschen explodieren, Körper werden zerfetzt und Gesichter eingeschlagen. Dadurch droht die Gewalt irgendwann ihren Effekt zu verlieren, weil immer noch eine Schippe draufgelegt werden muss. Der Tod von Frenchie (Tomer Capone) in der vorletzten Folge funktioniert dagegen gerade deshalb so gut, weil er ruhig und tragisch inszeniert ist. Sein Opfer hat dadurch Gewicht. Man spürt auch Kimikos (Karen Fukuhara) Schmerz. Wenn dann das Lied „Dream a Little Dream of Me” von The Mamas and The Papas anläuft, gehört dies zu den emotional stärksten Momenten der gesamten Staffel. Gleichzeitig bleiben alle alle Figuren irgendwie abgefuckt. MM (Laz Alonso) verliert beinahe seine Familie und seine Moral. Annie (Erin Moriarty) kämpft mit völliger Hoffnungslosigkeit. Ashley (Colby Minifie) verrät jeden, nur um weiterzukommen und The Deep (Chace Crawford) endet als lächerliche Witzfigur, die weder an Land noch im Wasser akzeptiert wird.

Schade ist auch, wie mit den „Gen V“-Charakteren in der Staffel umgegangen wird. Die Hauptfiguren Marie (Jaz Sinclair), Jordan (London Thor) und Emma (Lizze Broadway) kommen nur am Rande vor. Dadurch wirkt dieser Handlungsstrang, als wäre er nur halb erzählt. Trotz einzelner Kritikpunkte hinterlässt das Ende aber ein Gefühl von Genugtuung. Nicht, weil plötzlich alles gut wäre, sondern weil Figuren wie Homelander keinen heldenhaften Abgang bekommen. Er stirbt nicht als Gott, sondern als jämmerlicher Mensch, der plötzlich um sein Leben bettelt. Und so wird klar, dass nicht die Superkräfte jemanden groß machen, sondern die Menschen.

Fazit

Die letzte Staffel von „The Boys“ bietet einen konsequent brutalen und manchmal kaum zu ertragenden Abschluss. Trotz der überdrehten Gewalt und der stumpfer gewordenen Satire endet sie aber überraschend befriedigend.

Bilder: Amazon Prime Video

Nach dem bereits sehr sehenswerten Trailer zu „Spider-Noir“ legt Prime Video mit einem letzten düsteren Häppchen nach. Dunkle Gassen, korrupte Gangster und ein gebrochener Held bestimmen den Stil der neuen Serie, die optisch stark an klassische Noir-Filme der 1930er Jahre erinnert. Im Mittelpunkt steht Ben Reilly (Nicolas Cage), ein gealterter Privatdetektiv, der nach einem schweren persönlichen Verlust seine Zeit als maskierter Held hinter sich gelassen hat. Doch seine Vergangenheit als „Die Spinne“ holt ihn wieder ein. Während ein brutaler Machtkampf die Straßen New Yorks erschüttert, wird Ben erneut in einen gefährliche Fall hineingezogen. Hier zunächst der Trailer in authentischem Schwarz-Weiß.

Und hier ist die Version in Vollfarbe.

Hier gelangt ihr zum neuen Schwarz-Weiß-Trailer im Original. Und hier zur Farb-Version.

„Weil auf keine Kraft, keine große Verantwortung folgt.“ – Ben Reilly

Die lose auf den „Spider-Man Noir“-Comics basierende Serie bietet nicht nur Krimi-Kost, sondern auch ordentliche Actionszenen wie beispielsweise die Kampfszenen gegen den Schurken Megawatt zeigen. Besonders spannend ist auch der visuelle Ansatz der Serie. Ich werde sie mir in Schwarz-Weiß ansehen, da dies die Atmosphäre des finsteren Detektiv-Abenteuers noch einmal deutlich verstärken dürfte. Ich freue mich jedenfalls weiterhin sehr darauf. Was meint ihr?

„Spider-Noir“ startet am 27. Mai bei Prime Video.

Bilder: Amazon Prime Video

Mit „Lanterns“ wagt sich das DC Studio an eine Adaption der bekannten Weltraumpolizeitruppe, des sogenannten Green Lantern Corps, heran. Während der erste Teaser vor allem auf seine düstere Krimi-Atmosphäre setzte, legt der gerade veröffentlichte zweite Teaser deutlich nach und zeigt endlich mehr von der kosmischen Seite der Serie. Zu sehen sind die typischen Green-Lantern-Kräfte sowie Hal Jordan (Kyle Chandler) im vollständigen Lantern-Outfit. Trotzdem bleibt der Ton überraschend geerdet. Im Mittelpunkt der Serie stehen der erfahrene Lantern Hal Jordan und Neuzugang John Stewart (Aaron Pierre). Gemeinsam untersuchen die beiden intergalaktischen Gesetzeshüter einen mysteriösen Mordfall in den USA. Die Geschichte wird dabei auf zwei Zeitebenen erzählt. Während Hal im Jahr 2016 noch als aktiver Green Lantern im Einsatz ist und einem scheinbar außerirdischen Vorfall nachgeht, scheint John Stewart zehn Jahre später bereits eine deutlich größere Rolle innerhalb des Corps einzunehmen.

„Dieser Ring ist die mächtigste Waffe im Universum.“ – Hal Jordan

Den neuen Teaser im Originalton gibt es hier.

Showrunner Chris Mundy orientiert sich weiterhin klar an Krimi-Formaten wie „True Detective”. Neben Kyle Chandler und Aaron Pierre gibt es auch ein Wiedersehen mit Nathan Fillion, der erneut seine Rolle aus dem „Superman“-Film verkörpert. Insgesamt scheint „Lanterns“ nun die Balance zwischen düsterem Crime-Thriller und großem SciFi-Spektakel besser gefunden zu haben. Schaut ihr rein?

„Lanterns“ startet am 17. August bei HBO Max.

Bilder: HBO

Während wir irgendwie immer noch auf das bessere Wetter warten, steigt die Hoffnung, dass zumindest ab Juni so richtig Sommer einkehrt in Deutschland. Bis dahin halten wir uns mit der richtigen Kleidung (aka für alles gewappnet sein) – und dem richtigen Programm über Wasser. Ein Highlight im kommenden Monat ist der Start der dritten Staffel „House of the Dragon“. Ansonsten besteht das Sky-Programm im Juni vor allem aus Crime- und Naturangebot.

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine Juni 2026

1. Juni

Marilyn Monroe – Ein Opfer der Mafia? (1. Staffel – Sky & WOW; ab 12.6. auf Sky Documentaries)

5. Juni

Cold Case Investigators (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

8. Juni

The Real Murders of Atlanta (3. Staffel, Teil B – Sky Crime, Sky & WOW)

9. Juni

Putins Russland (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

10. Juni

Animal Park (24. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW))
Inside FBI – Die härtesten Fälle (6. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

12. Juni

Champions der Tierwelt (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

17. Juni

Uwe Ochsenknecht präsentiert: die 7 Todsünden (1. Staffel – Sky & WOW)

19. Juni

Die Wikinger – Entstehung eines Imperiums (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

22. Juni

Life Below Zero (8. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
House of the Dragon (3. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

23. Juni

Tatort Hotel (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

29. Juni

Grimm (1. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

Sonderprogramm zum Weltumwelttag

Am 5. Juni auf Sky Nature sowie jederzeit auf Abruf über Sky und WOW

Unsere Erde im Wandel – Das Korallen-Special
Im Zeitalter der Natur
Hüter der Natur
Das Wunder der Wiederkehr
Hoffnungsträger Wald – Können Bäume das Klima retten?
Eden auf Erden – Die letzten Paradiese
Fantastische Pilze – Die magische Welt zu unseren Füßen
Unsere Erde im Wandel – Flüsse in Not
Inside Greenpeace – Was braucht es, um die Welt zu retten?

Sonderprogramm zum Weltozeantag

Am 8. Juni auf Sky Nature sowie jederzeit auf Abruf über Sky und WOW

Der Ozean – Oase des Lebens
Unsere Erde im Wandel – Das Korallen-Special
Deep Dive North America
Große, blaue Wildnis
Big Pacific: Der gewaltsame Ozean
Blue Whales: Return of the Giants

Das Wesen der Wale
Deep Dive Australia
Der Atlantik: Ein Jahr in der Wildnis

Neue Filme bei Sky:
Starttermine Juni 2026

5. Juni

Unsere Erde im Wandel – Das Korallen-Special (Doku)
The Prosecutor

6. Juni

Mission: Gardener – Der grüne Daumen der Rache

8. Juni

Blue Whales: Return of the Giants (Doku)

12. Juni

Dracula – Die Auferstehung

13. Juni

Fist of the Warrior

19. Juni

Bang – Storm of Bullets

20. Juni

Him – Der Größte aller Zeiten

26. Juni

SpongeBob Schwammkopf: Piraten ahoi!

27. Juni

Dann passiert das Leben

„Stuart Fails to Save the Universe“ startet am 23. Juli 2026 auf HBO Max, alle zehn Episoden auf einmal. Stuart Bloom zerstört versehentlich eine Maschine von Sheldon und Leonard und löst damit ein Multiversum-Armageddon aus. An seiner Seite: Denise (Lauren Lapkus), Bert (Brian Posehn) und Barry Kripke (John Ross Bowie). Showrunner sind Chuck Lorre, Bill Prady und Zak Penn.

Warum Stuart? Der Comic-Book-Store-Besitzer war über zwölf Staffeln hinweg vor allem dafür da, mit hängenden Schultern reinzukommen und einen mitleiderregenden Witz zu kassieren. Eine ganze Sequel-Serie um eine Figur zu bauen, die für ihre Bedeutungslosigkeit bekannt war — das verlangt Erklärung.

Meine Vermutung: Stuart war schlicht der günstigste verfügbare Cast-Member. Die Gagen der echten Hauptdarsteller waren am Ende von „The Big Bang Theory“ legendär hoch — Parsons, Galecki, Cuoco und Co. kamen auf rund eine Million Dollar pro Episode.

Was haltet ihr davon — freut ihr euch auf Stuart im Multiversum, oder hättet ihr lieber Sheldon nach dem Nobelpreis gesehen?

Dann wurde mit großer PR eine neue Trilogie angekündigt — eine, die an die Ereignisse von Endor anknüpfen und die Welt nach dem Ende des Imperiums erzählen sollte. Disney ging 2015 mit „Das Erwachen der Macht“ an den Start. Fans der ersten Stunde freuten sich, dass der alte Cast wieder mit am Start sein sollte, neben neuen Charakteren. Drei Filme erschienen und erweiterten die sechs Filme von George Lucas mit einer Sequel-Trilogie, mit der die Skywalker-Saga endgültig abgeschlossen wurde. Die Kritiken zu den Filmen waren durchwachsen. „Das Erwachen der Macht“ kommt zumindest im IMDb-Rating noch auf recht positive Werte. Die zwei weiteren Filme fallen ab. Die hitzigen Diskussionen und teils heftige Kritik an den Inhalten bilden diese Werte interessanterweise aber nicht ab.

Denn so richtig glücklich war eigentlich keiner mit den neuen Filmen. Diejenigen, die „The Last Jedi“ abgefeiert haben, waren mit der Rückkehr zum Fanservice im neunten Film nicht happy. Diejenigen, die mit „The Last Jedi“ haderten, wurden auch mit dem Versöhnungsversuch nicht glücklich. Dann gab es die übliche Woke-Diskussion um einen weiblichen Hauptcharakter und so weiter. Diese Diskussion will ich nicht aufbrechen.

Was aber spannend ist — und damit kommen wir zum Kern dieses Artikels: Die Masse der Fans schaut sich die neue Trilogie einfach nicht an. Es gab eine interessante Veröffentlichung von Nielsen zum Star-Wars-Tag „May the 4th“. Darin wurden die Top 10 der meistgestreamten Star-Wars-Titel des Jahres 2025 aufgelistet. Dort taucht die neue Trilogie nicht auf. Inzwischen sind sogar die damals heftig kritisierten Prequels beliebter als die Saga um Rey, Finn und Kylo Ren. Und das sagt schon einiges aus. Momentan verteilt sich die Liebe der Star-Wars-Fans wie folgt: Gen Alpha und Baby Boomer mögen „The Mandalorian“, Gen Z feiert „The Clone Wars“, Millennials und Gen X sind bei „Andor“ zuhause.

Was macht Disney aus diesen Zahlen? Statt das zu ignorieren deutet alles auf eine Umpositionierung hin. Am 15. Januar 2026 trat Kathleen Kennedy nach 14 Jahren als Lucasfilm-Präsidentin zurück. Unter ihrer Führung entstanden die neuen Filme. Als Nachfolger kommt Dave Filoni (President & Chief Creative Officer); an seiner Seite steht Lynwen Brennan als Co-Präsidentin. Filoni gilt als George-Lucas-Protegé seit 2005 und ist Schöpfer von „Clone Wars“ und „Rebels“. Das spricht schon eine sehr deutliche Sprache zur zukünftigen Ausrichtung des Franchises.

Diese Personalentscheidungen erklären auch, warum der geplante Rey-Film „New Jedi Order“ offenbar auf der Stelle tritt. Offiziell abgesagt ist er allerdings nicht — Disney hat den Film im November 2024 nur aus dem Dezember-2026-Slot gestrichen und durch „Ice Age 6″ ersetzt. Drehbuchautoren wechselten mehrfach (Damon Lindelof, Justin Britt-Gibson, Steven Knight stiegen aus, aktuell schreibt George Nolfi), Daisy Ridley selbst sagte zu USA Today: „I don’t know about 2026.“ Beim Abschiedsinterview Kennedys wurde das Projekt nicht einmal erwähnt — andere Filme schon. Auch ein Ben-Solo-Projekt wurde vorbereitet: Adam Driver entwickelte mit Regisseur Steven Soderbergh und Drehbuchautor Scott Z. Burns rund zwei Jahre lang „The Hunt for Ben Solo“. Bob Iger und Alan Bergman lehnten ab — der Film kam nie über die Konzeptphase hinaus.

Während die Filmentscheidungen teils auf Gerüchten basieren, gibt es aber einen weiteren unumstößlichen Fakt, dass man bei Disney die neue Trilogie am liebsten beerdigen würde: Im Disneyland wurde am 29. April 2026 die Hälfte von „Galaxy’s Edge“ (Black Spire Outpost) von der Sequel-Ära auf die Original-Trilogie-Ära umgestellt. First-Order- und Resistance-Dialoge wurden aus Oga’s Cantina entfernt, Luke Skywalker, Han Solo und Leia ersetzten Sequel-Charaktere als Hauptzugpferde.

Mit dem Kinofilm zum Mandalorianer („The Mandalorian and Grogu“, Kinostart 22. Mai 2026), der vor „Das Erwachen der Macht“ spielt, wird nun Content geliefert ohne die wenig beliebten neuen Charaktere — und damit vielleicht auch der Weg für weitere Filme und Serien geebnet, welche die neue Trilogie einfach ignorieren. Soweit wir wissen, wird auch der bereits terminierte Film „Starfighter“ (Kinostart 28. Mai 2027) mit Ryan Gosling nach der Rey-Trilogie spielen und neue Charaktere beleuchten — angesiedelt etwa fünf Jahre nach „The Rise of Skywalker“, aber als Standalone-Geschichte mit komplett neuem Ensemble.
In dem Zuge tauchten auch Gerüchte auf, dass man die neue Trilogie komplett archiviert und sogar neue Filme drehen würde, die an „Return of the Jedi“ anknüpfen — über das in „Ahsoka“ und „Rebels“ etablierte „World Between Worlds“-Konzept ließe sich die Continuity sogar mechanisch abzweigen, ohne einen formalen Reboot zu erklären. Aber das sind wohl eher Wünsche der Die-Hard-Fans und basieren auf einer einzigen Insider-Quelle.

Was man aber zusammenfassen kann: Disney hat mit der großen Trilogie nicht den Nerv der Fans getroffen, alles andere im Star-Wars-Universum lässt sich besser vermarkten — und am Ende entscheidet Disney, wenig überraschend, womit es möglichst viel Shareholder Value schaffen kann.

Wie lässt sich das alles zusammenfassen und was können wir erwarten? Wenn man sich das Gesamtbild anschaut, dann geht Disney den Weg des Geldes und des geringsten Widerstandes: keinen Konflikt eingehen, indem man Rey, Finn oder Poe kritisiert, sondern sich einfach gar nicht äußert und sie ohne weitere Filme oder Serien ignoriert.

Was haltet ihr von diesem Schritt — seid ihr traurig oder würdet ihr sogar weiter gehen und lieber eine andere Fortsetzung für Episode 6 sehen?

Bilder: Disney

Es gibt Serien, die spielen in Bayern. Und es gibt Serien, die klingen nach Bayern. Das ist der entscheidende Unterschied.
Ein paar Weißwürste, ein Stammtisch und ein „Servus“ machen noch keine bayerische Serie. Wirklich funktioniert es erst, wenn Sprache, Figuren und Milieu zusammenpassen. Dann wird Dialekt nicht zur Dekoration, sondern zur Haltung: warm, trocken, stur, manchmal melancholisch – und oft ziemlich komisch.

Hier sind fünf Serien, in denen Bayern nicht nur Kulisse ist, sondern hörbar mitschwingt.

„Dahoam is Dahoam“

An „Dahoam is Dahoam“ führt bei diesem Thema kein Weg vorbei. Seit 2007 läuft die BR-Serie rund um den fiktiven Ort Lansing und liefert bayerisches Dorfleben im täglichen Serienformat.

Hier ist der Dialekt kein gelegentliches Gewürz, sondern Grundton. Wirtshaus, Familie, Nachbarschaft, kleine Konflikte und große Gefühle werden konsequent in bairischer Färbung erzählt. Natürlich ist das alles fernsehgerecht geglättet. Das echte Dorfleben dürfte weniger dramaturgisch sauber getaktet sein und mehr Eskalationen in WhatsApp-Gruppen enthalten. Trotzdem: Als bayerischer Serien-Dauerbegleiter ist Lansing fest im Programmkalender einzementiert.

„Irgendwie und Sowieso“

„Irgendwie und Sowieso“ ist Lebensgefühl auf zwei Rädern. Franz Xaver Bogner zeigt in seiner Serie von 1986 wie die 68er in Oberbayern verlaufen sind. Unvergessen das Bullenrennen am Anfang oder wie der „Sir“ auf dem Kirchtum sitzt, seine Himbeerjoghurts löffelt und das ganze Dorf mit Songs der Beatles beschallt. Die Serie erzählt, von Aufbruch, Freundschaft, Musik, Liebe und dem diffusen Wunsch, dass hinter dem nächsten Feldweg vielleicht doch die große Freiheit wartet.

„Beste Zeit? – Unsere!, Beste Gegend? – Unsere? – Bester Song? – Jambalaya!“

Der Dialekt wirkt hier nie ausgestellt. Er gehört zu den Figuren wie Staub an die Schuhe. Sie reden nicht „bayerisch für Zuschauer“, sondern denken, schweigen und granteln in dieser Sprache. Getreu dem Motto

„Dahoam is‘, wo’s Herz is‘.“ – Sir Quickly

Genau das macht die Serie bis heute so glaubwürdig und kultig.

Mit dem noch jungen Ottfried Fischer, Elmar Wepper, Robert Giggenbach und Toni Berger entsteht ein Ton, den man nicht künstlich nachbauen kann: bodenständig, melancholisch, humorvoll und erstaunlich frei.

„Monaco Franze – Der ewige Stenz“

„A bisserl was geht immer.“ – Monaco

Mehr Münchner Serien-DNA passt kaum in einen Satz.
Helmut Dietls „Monaco Franze“ erzählt vom Kriminalkommissar Franz Münchinger, der dienstlich ermittelt und privat vor allem charmant laviert. Helmut Fischer spielt diesen ewigen Stenz (auch bayerisch: ein charmanter, jovialer Frauenheld) mit Eleganz, Schlitzohrigkeit und moralischem Schulterzucken.

Entstanden in der Zeit, als in München noch bairisch gesprochen wurde. Dieses Mal keine dörflicher Lokalkolorit, sondern viel urbaner. Statt Zell oder Lansing München, Schwabing, Schickeria, kleine Lügen und große Gesten. Der Monaco spricht Dialekt nicht einfach – er benutzt ihn: zum Beschwichtigen, Verführen, Ausweichen und Überleben und man kann ihm dabei kaum böse sein.

„Geh, Spatzl, schau wie I schau! Recht viel treuer schaut auch kein Schaf.“ – Monaco

„Meister Eder und sein Pumuckl“

Bei „Meister Eder und sein Pumuckl“ denkt man zuerst an rote Haare, Unsichtbarkeit, Kobold-Chaos und natürlich die legendären Gedichte. So ist die Serie auch ein starkes Stück Münchner Sprachkultur. Gustl Bayrhammer als Meister Eder ist der typische bayerische Grantler: scheinbar immer schlecht gelaunt, aber gutherzig. Er werkelt den ganzen Tag in seiner Hinterhofwerkstatt vor sich hin und bekommt natürlich auch immer wieder Besuch von Kundschaft oder seinem Freund, dem Bernbacher.

Der Reiz entsteht aus dem Gegensatz zwischen Pumuckls Anarchie und Eders bodenständiger Wärme. Für viele war diese Serie vermutlich der erste regelmäßige Kontakt mit bayerischem Dialekt im Fernsehen. Nicht als Volksmusik-Folklore, sondern als Kinderfernsehen mit Herz, Schreinerei und einem Erwachsenen, der zwar schimpft, aber längst verloren hat.

In der neuen Serienfassung übernimmt Florian Brückner als Florian Eder die Werkstatt – der Neffe des legendären Meister Eder. Der bayerische Klang bleibt damit erhalten, nur eine Generation weitergeschoben.

„Café Meineid“

Noch einmal Franz Xaver Bogner, diesmal im Münchner Justizmilieu. „Café Meineid“ macht aus kleinen Fällen große Charakterstudien: Nachbarschaftsstreit, Eitelkeit, Rechthaberei, Betrug und die ewige Frage, welche Version der Wahrheit gerade am günstigsten ist.
Der Dialekt sitzt hier im Dialogrhythmus. In Ausflüchten, beleidigten Nachsätzen und grantigen Kommentaren. Oft erzählt ein halber Satz mehr über eine Figur als andere Serien mit drei Rückblenden.

Neben der teils skurillen, witzigen, aber auf jeden Fall amüsanten Fällen spielt sich auch ein Großteil in der Gerichtskantine bei der „Kathi“ ab, wo alle dann auch außerhalb des Gerichtssaals aufeinander treffen. Irgendwann sitzt man gedanklich selbst dort und wartet darauf, dass der Nächste vorbei kommt und erklärt, warum selbstverständlich alle anderen schuld sind.

Am Ende zeigt sich: Bayerischer Dialekt ist im Fernsehen weit mehr als ein akustisches Heimatfähnchen. Er kann Figuren erden, Pointen schärfen, Melancholie tragen und ganze Milieus mit wenigen Worten öffnen. Und vielleicht ist das die schönste Form von Serienheimat: Wenn man nach zwei Sätzen weiß, wo man ist. Und trotzdem gern noch ein bisserl bleibt.

Bilder: ARD, Amazon Prime Video, NETFLIX, RTL+

Denn nachdem alle 9 Gäste versammelt waren, öffnete sich die Aufzugtür für Gast Nummer 10 – und es war Horst Schlämmer, die Kult-Figur von Hape Kerkeling. Das an sich wäre natürlich schon eine großartige Besetzung gewesen, obwohl sich Hape Kerkeling selbst bislang immer gegen eine Teilnahme gesträubt hatte. Damit war der Überraschungscoup von Amazon allerdings noch nicht durch: Denn nachdem auch Host Bully Herbig zur Gruppe dazugestoßen war, tauschten Horst Schlämmer und er kurzerhand die Rollen: Bully wird zum 10. Kandidaten, Horst zum Host. Das ist wirklich richtig gut gelungen – Kompliment. Jetzt kann man nur hoffen, dass das auch positive Auswirkungen auf die Gesamt-Staffel hat und Bully nicht gleich als erster Kandidat rausfliegt.

Für alle nochmal im Überblick – diese Gäste sind neben Bully Herbig dabei:

– Elton war in Staffel 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Max Giermann war in den Staffeln 1, 2 und 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Martina Hill war in den Staffeln 2 und 4 dabei, dann einmal Gast in Staffel 5 und bei einem Special dabei
– Michelle Hunziker war in Staffel 3 dabei, außerdem in einem Special
– Carolin Kebekus war in den Staffeln 1 und 3 dabei
– Barbara Schöneberger war in Staffel 1 dabei
– Olaf Schubert war in den Staffeln 3 und 5 dabei, in Staffel 4 als Gast sowei bei einem Special
– Torsten Sträter war in den Staffeln 1 und 5 dabei, in Staffel 2 als Gast sowie bei einem der Specials
– Tedros „Teddy“ Teclebrhan war in Staffel 1 dabei, außerdem in einem Special.

Bilder: Amazon Prime Video

Scheinbar hat Frank Castle seine Mission beendet. Die letzten Mitglieder jener Verbrecherfamilien, die mit dem Mord an seiner Familie in Verbindung standen, sind tot. Zurück bleibt ein gebrochener Mann, der allein in einer heruntergekommenen Wohnung lebt, Schmerzmittel mit Alkohol nimmt und sich durch hartes Training langsam selbst zu Grunde richtet. Die Wände seines Apartments sind mit Fotos und Zielscheiben tapeziert. Ständig durchlebt er die Hölle des Krieges in seinem Kopf erneut. Das Special macht schnell klar, dass Frank seine Feinde zwar beseitigt hat, nicht aber seine Traumata.

Die Handlung selbst ist dabei erstaunlich simpel gestrickt. Im Grunde läuft alles auf einen letzten Rachefeldzug hinaus. Die verbliebene Matriarchin Ma Gnucci fordert Vergeltung für ihre getötete Familie. Das erinnert stark an „John Wick“. Vor allem eine Szene, in der ein Hund getötet wird, wirkt wie eine Hommage an Keanu Reeves’ Auftragskiller. Allgemein setzt das Special weniger auf komplexe Storywendungen als auf Stimmung, Gewalt und Franks psychischen Zustand. Dabei funktioniert gerade die rohe Inszenierung erstaunlich gut. Wenn Frank durch brennende Hausflure marschiert und Gegner gnadenlos ausschaltet, entwickelt das Ganze eine intensive Sogwirkung. Das ist extrem brutal und teilweise schwer auszuhalten, macht aber gleichzeitig auf verstörende Weise Spaß. Hier liefert Marvel einige der härtesten Gewaltszenen, die das MCU bislang hervorgebracht hat. Die Gewalt verkommt dabei nie zum Selbstzweck, sondern unterstreicht vielmehr, wie kaputt diese Figur eigentlich ist. Jon Bernthal, der auch am Drehbuch mitgewirkt hat, trägt die Folge dabei nahezu im Alleingang. Er hat nicht viel Dialog, stattdessen lebt vieles von seinen finsteren Blicken und seiner körperlichen Präsenz. Immer wieder wird er von Erinnerungen an seine Familie, seine Kriegseinsätze oder Weggefährt:innen wie Karen Page (Deborah Ann Woll) und Curtis (Jason R. Moore) heimgesucht. In solchen Momenten erscheint Frank als jemand, der vollkommen verlernt hat, außerhalb eines gewaltvollen Lebens zu existieren.

Allerdings merkt man „The Punisher: One Last Kill“ seine begrenzte Laufzeit deutlich an. Viele Ideen werden nur angerissen. Die Gnuccis bleiben blasse Gegenspieler. Dadurch wirkt das Special manchmal wie ein zu stark gekürzter Film. Gerade die psychologischen Ansätze hätten durchaus mehr Raum verdient. Zurück bleibt ein kompromissloser Antiheld, bei dem es spannend bleibt, wie er sich mit dem freundlichen Spider-Man versteht.

Fazit

Fans von Actionfilmen wie „John Wick“ dürften mit dem kurzen Special auf ihre Kosten kommen. Mehr Tiefgang und eine etwas längere Laufzeit hätten dem Ganzen jedoch gutgetan.

Bilder: Disney

Nächsten Samstag ist wieder Eurovision Song Contest (ab 21:00 Uhr live im Ersten)! Der ESC 2026 findet in Wien statt und wird noch besser, wenn man das traditionelle ESC-Trinkspiel &-Tippspiel dazu spielt. Wie im letzten Jahr (und einige zuvor) haben wir wieder gemeinsam mit LangweileDich.net eine aktualisierte Fassung des Spaßes für euch aufbereitet.

Einfach die kostenlosen Spielmaterialien herunterladen, vorbereiten und Spaß haben. OBACHT: Aktuell handelt es sich bei den verlinkten Daten um eine Vorabfassung, Freitag wird es die finalen Unterlagen geben. Dann stehen alle teilnehmenden Länder sowie deren Startreihenfolge fest.

Wie läuft das Trink- & Tippspiel zum ESC ab?

Eigentlich ganz einfach: Ihr schaut gemeinsam Eurovision Song Contest und befolgt die Anmerkungen auf den Spielmaterialien. Die haarkleine Detailerklärung von Ablauf und Spielregeln gibt es drüben im Blog – hier noch die Kurzform für euch.

Das ESC-Trinkspiel

Zunächst bereitet ihr alles vor. Ladet Freunde ein, kauft ein bisschen was zu trinken (und essen), druckt Spielunterlagen aus, bastelt Lose. Letztere sind wichtig, da ihr alle gleich zwei Varianten zieht: Zum einen Stilmittel für die Auftritte, zum anderen Patenländer für die Punktevergabe.

Bei den Stilmitteln müsst ihr jeweils trinken, wenn eines eurer Lose im Zuge eines Auftrittes passiert. Anstelle von Papierlosen aus dem PDF-Druck könnt ihr auch einfach am digitalen Stilmittel-Glücksrad drehen (das ihr auch auf Wunsch anpassen könnt).

Bei den Patenländern trinkt ihr immer, wenn eines eurer Lose von einem Land 8, 10 oder 12 Punkte erhält. Prost!

Das ESC-Tippspiel

Beim Tippspiel versuchen alle, das finale Top-10-Ranking möglichst genau vorherzusagen. Dazu stellen alle während der Votingphase ihre eigene Liste zusammen. Bei der Auswertung gibt es dann Punkte – je näher man mit der getippten an der echten Position ist, desto mehr Punkte kriegt man. Keine Angst, das müsst ihr nicht selbst ausrechnen, das macht eine schlaue Excel-Tabelle für euch.

Viel Spaß!

Am Ende steht vor allem ein spaßiger TV-Abend. Wir wünschen euch ganz viel Vergnügen – sowohl mit der Musik als auch mit unserem kleinen Spiel.

„Xatar: Ein Leben ist nicht genug“

Diese Woche hat die Dokumentation „Xatar: Ein Leben ist nicht genug“ einen großen Eindruck bei mir hinterlassen. Am Donnerstag, dem 7. Mai, jährte sich der Todestag des berüchtigten Rappers Xatar zum ersten Mal. Zufällig habe ich mir genau an diesem Tag die dreiteilige Dokumentation in der ARD-Mediathek angesehen. Die Doku blickt auf dessen außergewöhnliches Leben zurück. Dabei geht es um seine Flucht nach Deutschland, seine Musikkarriere und den berühmten Goldraub, aber auch um die Menschen, die er geprägt hat. Die Doku führt viele unterschiedliche Perspektiven zusammen. Weggefährten wie SSIO, Apache 207 oder sogar Moritz Bleibtreu erzählen von einem Mann, der gleichzeitig Unternehmer, Familienmensch, Rapstar und rastloser Künstler war. Vor allem die Aussagen seiner Ehefrau Farvah verleihen der Serie eine sehr persönliche Ebene. Die Dokumentation romantisiert nicht jede Entscheidung ihres Protagonisten und reduziert ihn auch nicht auf den Skandal-Rapper. Hier wird das Bild einer Figur gezeigt, die ständig versucht hat, irgendwo anzukommen, und dabei immer wieder mit ihren eigenen Traumata zu kämpfen hatte. Gerade das viele Archivmaterial und die nachdenklichen Momente machen die Dokumentation sehenswert. Wer sich für außergewöhnliche Lebenswege oder ein Stück Deutschrap-Geschichte interessiert, sollte hier definitiv mal reinschauen.

„Daredevil: Born Again“ – Staffelfinale

Mit dem Finale der zweiten Staffel von „Daredevil: Born Again” hat Marvel die Fehde zwischen Matt Murdock und Wilson Fisk konsequent weitergeführt. Mir hat die Staffel insgesamt deutlich besser gefallen als der etwas holprige Neustart zuvor. Besonders überzeugend fand ich erneut Vincent D’Onofrio als Kingpin. Das Finale diese Woche lieferte dann noch einmal einige starke Momente. Trotz guter Kritiken hat die Serie scheinbar auch mit sinkenden Zuschauer:innenzahlen zu kämpfen. Die Serie baue zu sehr auf den alten Netflix-Serien auf. Wer nicht von Anfang an dabei war, hat hier einiges aufzuholen, um alle Referenzen und Beziehungen zu verstehen. Ebenfalls nicht sonderlich förderlich dürfte die Tatsache gewesen sein, dass die Serie parallel zu anderen Superheldenformaten wie „Invincible“ und „The Boys“ lief. Wer sich aber auf den Teufelskerl aus Hell’s Kitchen einlässt, bekommt eine der gelungensten Marvel-Comic-Umsetzungen der letzten Zeit geboten. Mehr zur zweiten Staffel erfahrt ihr in meiner Review.

Was lief bei euch diese Woche auf dem Bildschirm? Schaut ihr aktuell eher Serien, Filme oder Dokus?

Bilder: NDR | Disney

Während die erste Staffel aufgrund interner Umstrukturierungen und Streiks künstlich zusammengeflickt wirkte, erscheint die Fortsetzung nun deutlich konsequenter erzählt. Alles beginnt mit einem Schiff, das mit geschmuggelten Waffen beladen ist und versenkt wird. Für New Yorks Bürgermeister Wilson Fisk wird es zur Belastung, denn einige Leute wollen ihre Waffen zurück. Als dann auch noch seine Frau Vanessa (Ayelet Zurer) den Auftragskiller Bullseye (Wilson Bethel) engagiert, spitzt sich die Lage immer weiter zu. So entfaltet sich die düstere Serie über Macht, Schuld und die Frage, ob Menschen sich wirklich ändern können. Während die Rivalität zwischen Fisk und Murdock in den vorherigen Staffeln klar in Held und Schurke getrennt war, verwischt diese Staffel diese Grenzen zunehmend. Fisk beginnt als wohlmeinender Politiker, der versucht, New York nach seinen Vorstellungen neu zu gestalten. Nach dem Mord an seiner Frau Vanessa zerbricht diese Fassade Stück für Stück. Übrig bleibt ein Mann, der glaubt, Ordnung durch Angst herstellen zu müssen, dabei aber nicht merkt, dass er genau das Chaos erzeugt, das er zu bekämpfen vorgibt. Parallel dazu befindet sich Matt in einer existenziellen Krise, die sich durch die gesamte Staffel zieht. Sein Glaube an das Rechtssystem, der ihn lange definiert hat, wird systematisch untergraben. Gerichte sind korrupt und die Polizei wird instrumentalisiert. Die Serie inszeniert diesen inneren Konflikt sehr gut. Matt steht zwischen seinem katholischen Glauben, seinem Wunsch nach Gerechtigkeit und der brutalen Realität auf der Straße.

Besonders gut gefallen hat mir in dieser Staffel die visuelle Sprache. Farbkontraste ziehen sich konsequent durch alle Episoden. Kaltes Blau steht dabei für Macht und Kontrolle, während warmes Rot konsequent für Emotionen und Chaos steht. Spiegelungen, Perspektiven und Lichtsetzung werden zudem gezielt eingesetzt, um innere Zustände sichtbar zu machen. Dies wirkt nie wie ein Selbstzweck, sondern unterstützt die Handlung. Etwas an Erzähltempo verliert die Staffel jedoch, wenn sie sich zu sehr auf ihre Nebenfiguren fokussiert. Dabei finden jedoch auch einige spannende Charakterentwicklungen statt. So verwandelt sich Karen Page von der klassischen Verbündeten zur eigenständigen Figur, die zunehmend radikalere Positionen einnimmt. Ihr Weg zeigt, wie dünn die Linie zwischen Gerechtigkeit und Rache tatsächlich ist. Bullseye wiederum fungiert als dunkles Gegenstück zu Matt. Er ist ein Mann, der verzweifelt versucht, seine Taten wiedergutzumachen, dabei aber nie wirklich aus dem Kreislauf der Gewalt ausbrechen kann. Neugierig macht auch die schleichende Transformation der Psychologin Heather Glenn (Margarita Levieva). Was als Trauma-Bewältigung beginnt, kippt zunehmend in eine Faszination für Gewalt und Kontrolle. Das Staffelfinale deutet an, dass sie zu einer weiblichen Muse werden könnte. Eine Entscheidung, die nächste Staffel interessantes Potenzial birgt.

Mit dem Staffelfinale liefert Marvel einen emotionalen Höhepunkt. In der letzten Folge werden sämtliche Themen der Staffel, Identität, Schuld, Machtmissbrauch und Selbstjustiz, aufgegriffen. Besonders eindrucksvoll ist die Gerichtssequenz inszeniert. Fisk wird wie ein Herrscher von unten gefilmt, begleitet von Chormusik. Matt dreht das Machtspiel um und macht schließlich aus seiner größten Schwäche, seiner Geheimidentität, eine ultimative Waffe. Das „Ich bin Daredevil“ gehört zu den stärksten Momenten der Staffel und lehnt sich an bekannte Comic-Momente an. Das Ganze gipfelt schließlich in einer physischen Auseinandersetzung. Ein Protest vor dem Gerichtsgebäude erinnert bewusst an reale politische Unruhen in den USA. Dabei macht die Serie klar, dass Selbstjustiz immer zwei Seiten hat. Einerseits können Menschen wie Daredevil Hoffnung geben, andererseits können Mobs ebenso schnell in Gewalt abrutschen. Gerade deshalb müssen Matt und die zurückgekehrte Jessica Jones (Krysten Ritter) am Ende sogar Fisk retten. Nicht, weil er es verdient hätte, sondern weil die Stadt sonst ihre moralische Orientierung verlieren würde. In den letzten Minuten wird überraschend deutlich die Tür zur Zukunft geöffnet: Luke Cage (Mike Colter) taucht auf und deutet damit an, dass es in Staffel 3 vermutlich ein Wiedersehen der „Defenders“ geben wird. Allgemein verspricht das Staffelende eine Neuausrichtung für den Mann ohne Furcht. Nach fünf Staffeln nervenaufreibender Kämpfe zwischen Daredevil und Kingpin ist es aber auch höchste Zeit.

Fazit

Die Marvel-Serie nimmt wieder Fahrt auf und erzählt die Fehde zwischen Daredevil und Kingpin konsequent zu Ende. Das sieht vor allem visuell großartig aus, echte Neuerungen bleiben jedoch aus.

Bilder: Disney

KI kann viel – aber darf sie alles?

Die Möglichkeiten generativer KI im kreativen Bereich sind längst keine Spielerei mehr. Drehbücher lassen sich von Sprachmodellen entwerfen, Stimmen klonen, Gesichter synthetisch erzeugen. Deepfake-Technologien können verstorbene Schauspieler „zurückholen“, Dialoge nachträglich verändern oder ganze Performances generieren.

Während KI beeindruckend gut imitieren kann, stellt sich eine grundlegende Frage: Ist das noch Kunst? Oder nur noch Simulation von Kunst? Die Academy beantwortet diese Frage jetzt zumindest teilweise. In den neuen Regeln heißt es, dass nur Leistungen berücksichtigt werden, die „nachweislich von Menschen mit deren Zustimmung erbracht wurden“, und dass Drehbücher „von Menschen verfasst“ sein müssen. Das ist keine komplette Absage an KI im Film – aber eine klare Priorisierung menschlicher Urheberschaft.

Hollywoods Streik: Der eigentliche Wendepunkt

Wer diese Entscheidung isoliert betrachtet, verpasst den Kontext. Die neuen Oscar-Regeln sind auch ein Echo auf die massiven Konflikte der letzten Jahre – allen voran den Streik der Drehbuchautor:innen und Schauspieler:innen in Hollywood 2023 – wir haben hier ausführlich darüber berichtet. Damals ging es nicht nur um Gagen oder Arbeitsbedingungen, sondern um Existenzängste. Autor:innen befürchteten, durch KI ersetzt zu werden. Schauspieler:innen wollten verhindern, dass ihre Gesichter und Stimmen digital reproduziert werden – ohne Kontrolle, ohne faire Bezahlung.

Die zentrale Forderung: klare Regeln für den Einsatz von KI. Die Oscar-Entscheidung wirkt wie eine späte, aber symbolisch wichtige Antwort darauf. Sie institutionalisiert das, wofür Kreative auf die Straße gegangen sind: dass menschliche Kreativität nicht zur optionalen Zutat wird.

Der Konflikt ist längst global – und auch in Deutschland angekommen

Was in Hollywood begann, ist längst auch in Europa angekommen. Besonders sichtbar wird das aktuell im Streit zwischen Streamingdiensten wie Netflix und Synchronsprecher:innen in Deutschland. Hier geht es um die Frage, ob Stimmen künftig einfach digital reproduziert werden dürfen – etwa für Übersetzungen oder alternative Sprachfassungen. Und falls so vorgegangen wird – wie Synchronsprecher:innen dafür zu bezahlen sind. Für die Sprecher:innen steht dabei viel auf dem Spiel: ihre künstlerische Identität, aber auch ihre wirtschaftliche Grundlage. Mehr dazu hier im Blog.

Die Debatte zeigt: KI ist nicht nur ein technisches Tool, sondern ein Machtinstrument. Wer kontrolliert die Stimme? Wer besitzt die Performance? Und wer wird dafür bezahlt? Die Oscars greifen genau diesen Kern auf – zumindest indirekt.

Was konkret jetzt gilt

Die neuen Regeln für die 99. Oscars sind dabei sehr präzise, wie hier nachzulesen ist.

– Schauspiel-Kategorien: Nur menschliche Performances mit Zustimmung sind zugelassen – „In der Kategorie Schauspiel können Schauspieler für mehrere Darbietungen in derselben Kategorie nominiert werden, wenn diese Darbietungen zu den fünf besten Stimmen gehören, was mit den Leistungen in anderen Preiskategorien übereinstimmt. Darüber hinaus werden in der Kategorie Schauspiel nur Rollen berücksichtigt, die im Abspann des Films aufgeführt sind und nachweislich von Menschen mit deren Einverständnis gespielt wurden.“
– Drehbuch-Kategorien: Nur von Menschen verfasste Skripte sind nominierbar – „In den Kategorien für Drehbücher ist festgelegt, dass Drehbücher von Menschen verfasst sein müssen, um zugelassen zu werden.“
– KI im Film allgemein: Der Einsatz ist nicht verboten, aber die Academy bewertet, wie stark menschliche Kreativität beteiligt war – mehr dazu hier.
– Transparenz: Die Academy kann zusätzliche Informationen zur KI-Nutzung einfordern – mehr dazu hier.

Das Entscheidende: KI wird nicht ausgeschlossen – aber sie darf nicht die kreative Hauptrolle übernehmen.

Zwischen Fortschritt und Schutzraum

Man könnte diese Entscheidung als konservativ abtun. Als Versuch, eine Branche vor der Zukunft zu schützen. Aber vielleicht ist sie eher das Gegenteil: ein Versuch, die Zukunft aktiv zu gestalten. Spielarten könnte es schließlich viele geben – wir selbst haben ja in einem unserer Beiträge (der als Aprilscherz angelegt war) spekuliert, dass mit KI Interaktivität in Serienproduktionen einziehen könnte, über die wir Zuschauer:innen selbst die Entwicklung von Handlung von Charakteren beeinflussen können. Andererseits haben wir in den letzten Monaten auch schon diverse Fails sammeln können, wo der Griff ins KI-Regal definitiv daneben ging oder wo der KI-Einsatz definitiv nicht angebracht war.

Denn ohne Regeln droht ein Szenario, in dem Studios Kosten sparen, indem sie digitale Schauspieler einsetzen, Drehbücher automatisieren und kreative Prozesse industrialisieren. Die Oscars setzen hier bewusst einen Gegenpol. Sie sagen: Technologie darf unterstützen, aber nicht ersetzen.
Klar ist aber auch: Die spannende Frage ist nicht, ob diese Regeln Bestand haben, sondern wie lange. Denn die Entwicklung der KI ist rasant – und die Versuchung groß, ihre Möglichkeiten voll auszuschöpfen. Studios werden weiterhin experimentieren. Plattformen werden neue Geschäftsmodelle testen. Und das Publikum? Wird sich vielleicht schneller an digitale Performances gewöhnen, als man denkt. Ich gehe davon aus, dass sich die Frage irgendwann nicht mehr darum drehen wird, was KI kann oder darf, sondern wie wichtig es dem Publikum ist, ob Inhalte von KI generiert sind oder nicht.

Die Oscars haben jetzt eine Grenze gezogen; natürlich keine endgültige, aber eine sichtbare. Und vielleicht ist genau das ihre wichtigste Funktion in dieser Debatte: nicht die Zukunft aufzuhalten – sondern ihr einen Rahmen zu geben.

Bilder: KI generiert mit Midjourney

Nächsten Samstag ist es wieder soweit: Der „Gratis Comic Tag 2026” lädt euch in Comic-Shops und ausgewählte Buchhandlungen ein, um kostenlos neue Geschichten zu entdecken. Zahlreiche Verlage stellen auch in diesem Jahr wieder eigens produzierte Hefte zur Verfügung. Das ist die perfekte Gelegenheit, um in neue Reihen reinzuschnuppern oder altbekannte Figuren neu zu erleben. Der Fokus liegt auch diesmal wieder auf Comics für Kinder und Jugendliche. Auch Serienfans kommen nicht zu kurz: Mit „Star Wars: The Mandalorian” gibt es den offiziellen Comic zur Erfolgsserie auf Disney+. Die perfekte Einstimmung auf den „Star Wars“-Kinofilm „The Mandalorian & Grogu“. Ein spaßiges Abenteuer dürfte auch „Phineas und Ferb” werden. Die beiden Brüder stellen sich darin mutierten Kreaturen. In „Avatar – Der Herr der Elemente” gibt es gleich drei Kurzgeschichten aus der Welt von Aang und seinen Freunden. Für Superhelden-Fans dürfen natürlich auch „Spider-Man” und „Batman” nicht fehlen. Beide Hefte bieten zwei abgeschlossene Geschichten. In „Batman” schließt sich der nicht ganz so dunkle Ritter mit der Spürnase Scooby-Doo zusammen.

Wer jetzt Lust auf mehr bekommen hat, findet online eine Übersicht aller teilnehmenden Shops und der verfügbaren Hefte. Ein kurzer Check vorab lohnt sich, denn neben den Gratis-Comics bieten viele Läden zusätzliche Aktionen wie Signierstunden, kleine Ausstellungen oder Workshops an. Der Gratis Comic Tag ist also der perfekte Anlass, um die regionale Comicszene und den Buchhandel zu unterstützen und vielleicht den nächsten Lieblingscomic zu entdecken. Schaut ihr beim Gratis Comic Tag vorbei?

Bilder: Ayşe Klinge | Cross Cult, Panini Comics, Egmont, Splitter

Es ist schon lustig, direkt am Ende des Aprils wird das Wetter gut. Ich hoffe, ihr habt den warmen Tag heute genutzt und seid den Bildschirmen entflohen. Ich für meinen Teil habe einen schönen Ausflug gemacht: Ich bin mit Frau und Kindern mit einer kleinen Fähre über die Elbe und zurück geschippert. Dazu musste ich mir wehleidiges „Ich will ein Eis!“ in Dauerschleife anhören – der Ort, an dem wir waren, hatte den Wetterbericht offenbar nicht gelesen und es gab kein auffindbares Eis. Am Ende rettete nur die Tankstelle mit einer gut sortierten Kühltruhe die Stimmung.

Aber wenn die Sonne untergegangen ist, dann ist wieder Zeit für Serien. Inspirationen dazu findet ihr in den Top-Artikeln oder im Serienmonat der Serieslyawesome-Crew.

Wir wünschen einen guten Start in den Mai!

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

1. RTL+: Neu im April 2026 (Serien, Reality-Shows und Filme)
2. Disney+: Neu im April 2026 (Serien, Dokus & Filme)
3. Kolumne: Rowling, Gaiman, Ulmen, Spacey – kann man zwischen Werk und Künstler trennen?
4. TV-Aufreger der Woche: Immer die gleichen Comedians bei „LOL: Last One Laughing“
5. TV-Thema der Woche: 100 Tage HBO Max in Deutschland – eine erste Bilanz
6. Star Trek steckt in seiner tiefsten Krise
7. Magenta TV+: Neu im April 2026 (Serien, Dokus und Filme)
8. Amazon Prime Video: Neu im April 2026 (Serien, Dokus und Filme)
9. Sky & WOW: Neu im Mai 2026 (Serien & Filme)
10. Netflix: Neu im Mai 2026 (Serien & Filme)

Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Jonas Monat

Im April hat mich die Star Trek: Starfleet Academy-Thematik noch umgetrieben. Nein, ich habe keine weitere Folge dieses Machwerks geschaut, aber ich habe endlich weiter „Star Trek: Strange New Worlds“ geschaut. Viele Kritiker von Academy finden ja auch die Serie um Christopher Pike gewöhnungsbedürftig. Ich finde, diese Serie hat einen Platz im Franchise verdient und ich freue mich schon auf die zwei finalen Staffeln der Serie.
Ansonsten schaue ich gerade sehr selektiv Serien; hervorheben möchte ich Mobland. Die Serie hat keinen Binge-Anfall ausgelöst, aber sie erfreut mich trotzdem und ab und zu gebe ich mir eine Episode. Pierce Brosnan gefiel mir als James Bond und jetzt als Bösewicht umso mehr – der Mann hat es einfach drauf.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Der April wusste wettertechnisch nicht so recht, was er wollte. Zwischen Winterjacke und T-Shirt war alles dabei. Deutlich verlässlicher zeigte sich dagegen mein Streamingmonat. Dort bestimmten vor allem Comic- und Manga-Adaptionen das Programm und sorgten für konstanten Nachschub.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im April habe ich die dritte Staffel „The Race“ abgeschlossen und es war im wahrsten Sinne des Wortes eine tolle Reise! Ganz große Empfehlung für dieses Format. Darüber hinaus habe ich mit „Arcane“ angefangen und auch, wenn ich normalerweise eigentlich keine Animationsserien schaue, habe ich hier echt Gefallen dran gefunden.

Habe ich gesehen

Während sich der Frühling hier gerade von seiner besten Seite zeigt, herrscht im kleinen US-Örtchen Hawkins tiefer Winter. In der schneebedeckten Landschaft tauchen plötzlich neue, unheimliche Kreaturen auf, was natürlich die Nerd-Freunde aus „Stranger Things“ auf den Plan ruft. Mit „Stranger Things: Tales from ’85“ erweitert Netflix sein Erfolgsuniversum um eine Animationsserie. Eigentlich eine gute Idee, denn der Schritt ins Zeichentrickformat eröffnet neue erzählerische Freiheiten und bietet gleichzeitig die Chance, bekannte Figuren in einem neuen Stil weiterzuerzählen. Ich habe in die ersten Folgen reingeschaut: Das Ganze sieht ordentlich aus. Ein klassischer Animationsstil wie bei „The Real Ghostbusters“ hätte zur Serie allerdings besser gepasst. Vermutlich wollte man junge Zuschauer:innen aber nicht verprellen und setzt daher eher auf einen angesagten Look à la „Arcane“. Aber auch so ist die neue Animationsserie gespickt mit Referenzen, Soundbites und Songs aus den 1980er Jahren. Doch ausgerechnet bei einem zentralen Element hakt es bei der Serie gewaltig: den Stimmen.

Anstatt auf die etablierten deutschen Synchronstimmen der Originalserie zurückzugreifen, scheint man hier neue Stimmen ausgewählt zu haben. Das Ergebnis ist irritierend. Figuren, die man über Jahre hinweg mit bestimmten Klangfarben, Betonungen und Eigenheiten verknüpft hat, wirken plötzlich seltsam entkoppelt von ihren Figuren. Gerade auf dem deutschen Markt ist Synchronisation mehr als eine reine Übersetzung. Stimmen sind ein Wiedererkennungsmerkmal und oft ein entscheidender Teil der Charaktere. Wenn Dustin, Max oder Hopper plötzlich anders klingen, entsteht erst einmal Distanz. Ich habe mich zumindest erst nach drei Episoden an die neuen Stimmen gewöhnt. Ein Blick auf andere Produktionen zeigt, wie wichtig die Stimmen sein können. Bei der Trickserie „Avengers: Gemeinsam unbesiegbar!” hat man sich im Deutschen bewusst für die bekannten Stimmen aus den Kinofilmen entschieden und der Serie so einen Mehrwert gegenüber dem US-Original geboten.

Warum klingen die Stimmen in „Stranger Things: Tales from ’85“ anders?

Gerade bei der Synchronisation des ersten Ablegers der Erfolgsserie will der Streamingriese Netflix offenbar Kosten sparen. Die bisher bekannten Sprecher:innen sollten ihre Stimmen vertraglich für KI-Schulungszwecke zur Verfügung stellen, damit sie bei zukünftigen Projekten möglicherweise nicht mehr benötigt werden. Die Sprecher:innen haben dem verständlicherweise widersprochen, woraufhin sie letztlich durch neue Stimmen ersetzt wurden. Zukünftig darf damit gerechnet werden, dass die KI-Synchronisation dauerhaft zum Einsatz kommt. Klar, sie ist schneller und günstiger. Wenn Stimmen jedoch als Datensätze behandelt werden, gerät schnell aus dem Blick, dass sie das Ergebnis von Erfahrung, Schauspiel- und Regiearbeit sind. Serien leben von Pausen, Betonungen und kleinen Nuancen. Hinzu kommt ein weiterer Punkt: Die Entscheidung, ob KI-Stimmen zum Einsatz kommen sollen oder nicht, sollte nicht den Zuschauer:innen überlassen werden. Nicht jede:r erkennt sofort, ob mit KI gearbeitet wurde, und noch weniger können überprüfen, wie die Synchronfassung entstanden ist. Transparenz wäre hier eigentlich Pflicht.

Gerade für eine weltweit erfolgreiche Serie wie „Stranger Things“ ist das ein nicht nachvollziehbarer Schritt. „Stranger Things: Tales from ’85“ zeigt exemplarisch, welchen Einfluss die Synchronisation auf das Seherlebnis haben kann. Zwar sparen Streamingdienste hier kurzfristig Geld, riskieren aber langfristig die Bindung ihres Publikums.

Bilder: Netflix

Den neuen Monat mit einem Feiertag zu starten, ist immer eine gute Idee. Der Mai ist da jedes Jahr wohlwollend. Dieses Jahr liegt der Feiertag auch so, dass direkt ein langes Wochenende daraus entsteht – optimal für ausgiebigen Seriengenuss. Ich persönlich freue mich im Mai besonders auf „The Boroughs“, das hier und da als die erwachsene Version von „Stranger Things“ beschrieben wird. Auch spannend: Ab dem 6. Mai stehen alle sechs Staffeln von „The Handmaid’s Tale“ auf Netflix zum Abruf bereit.

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

Glory (1. Staffel)

4. Mai

Dr. Seuss’s Horton! (2. Staffel)

6. Mai

Worst Ex Ever (2. Staffel)
Love is Blind Poland (1. Staffel)
The Handmaid’s Tale (1.-6. Staffel)

7. Mai

The Chestnut Man: Hide and Seek (Der Kastanienmann: Versteckspiel) (1. Staffel)
Legends (1. Staffel)

8. Mai

Thank You, Next (Danke – Nächster!) (3. Staffel)
My Royal Nemesis (1. Staffel)

11. Mai

Pop Culture Jeopardy! (1. Staffel)

12. Mai

Devil May Cry (2. Staffel)

13. Mai

Perfect Match (4. Staffel)
Between Father and Son (Entre padre e hijo) (1. Staffel)
Roosters (Gockel) (2. Staffel)

14. Mai

Nemesis (1. Staffel)
Soul Mate (1. Staffel)

15. Mai

Berlin and the Lady with an Ermine (Berlin und die Dame mit dem Hermelin) (1. Staffel)
The WONDERfools (1. Staffel)
ER (Emergency Room: Die Notaufnahme) (1.-15. Staffel)

20. Mai

Carizzma (Carísima) (1. Staffel)

21. Mai

The Boroughs (1. Staffel)

22. Mai

Mating Season (1. Staffel)

26. Mai

Jae-seok’s B&B Rules! (1. Staffel)

27. Mai

My 2 Cents (Due spicci – Das nötige Kleingeld) (1. Staffel)

28. Mai

Murder Mindfully (Achtsam Morden) (2. Staffel)
The Four Seasons (2. Staffel)

29. Mai

Calabasas Confidential (1. Staffel)
Brazil ’70: The Third Star (Brasilien 70: Der dritte WM-Stern) (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

19. Mai

Wanda Sykes: Legacy

31. Mai

AFI Life Achievement Award: A Tribute to Eddie Murphy

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

6. Mai

Countdown: Rousey vs. Carano

7. Mai

USA 94: Brazil’s Return to Glory (USA 94: Brasiliens Rückkehr an die Spitze)

12. Mai

Untold UK: Jamie Vardy
Marty, Life Is Short

13. Mai

The Bus: A French Football Mutiny (Der Bus: Die Revolte der Les Bleus)

15. Mai

The Crash (The Crash: Wenn junge Liebe toxisch wird)

19. Mai

Untold UK: Liverpool’s Miracle of Istanbul

21. Mai

James.

26. Mai

Untold UK: Vinnie Jones

29. Mai

Rafa

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

Son-In-Law (Der Schwiegersohn)
Swapped (Swapped – Getauscht)
Trauzeugen
My Dearest Señorita (Meine geliebte Señorita)

3. Mai

Sonne und Beton

4. Mai

Mädchen Mädchen

7. Mai

My Dearest Assassin

8. Mai

Remarkably Bright Creatures (Das Glück hat acht Arme)

13. Mai

Begin Again (Can a Song Save Your Life?)

22. Mai

Ladies First

28. Mai

Gladiator II

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

5. Mai

Funny AF with Kevin Hart

11. Mai

The Roast of Kevin Hart

17. Mai

Ronda Rousey vs. Gina Carano

Ab nächsten Monat schwingt Nicolas Cage als düstere Spider-Man-Version durch die neue Serie „Spider Noir”. Cage leiht der Figur nicht nur seine Stimme, wie er es bereits in den „Spider-Verse“-Animationsfilmen getan hat, sondern er steht auch tatsächlich vor der Kamera. Wie zuletzt im Teaser-Trailer und jetzt auch im frisch veröffentlichten Trailer zu sehen ist, steht ihm die Rolle des Privatermittlers Ben Reilly und des netzschwingenden Helden namens The Spider ganz gut. Welchen Fall der Detektiv aus den 1930ern lösen muss, ist nach wie vor nicht ganz klar. Dafür bekommen wir mehr von den Schurken zu sehen, mit denen es der Held aufnehmen muss. Mit dabei sind Brandon Gleeson als Mafiaboss Silvermane, Abraham Popoola als einschüchternder Tombstone, Jack Huston als Sandman und Andrew Lewis Caldwell als Superschurke Megawatt.

Je mehr ich von der Serie sehe, desto zuversichtlicher bin ich, dass die erste Staffel, die aus acht Folgen besteht, gelungene Superhelden-Krimi-Kost bieten wird. Das Ganze gibt es sowohl in stilechtem Schwarz-Weiß als auch in Farbe. Ich vermute, dass sich die Macher:innen dann doch nicht getraut haben, den bunten Sehgewohnheiten der heutigen Zuschauer:innen ausschließlich eine Schwarz-Weiß-Version zu bieten. Ich werde jedenfalls in Schwarz-Weiß einschalten. Und ihr?

„Spider-Noir“ ist ab dem 27. Mai bei Prime Video verfügbar.

Bilder: Amazon Prime Video

– Elton war in Staffel 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Max Giermann war in den Staffeln 1, 2 und 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Martina Hill war in den Staffeln 2 und 4 dabei, dann einmal Gast in Staffel 5 und bei einem Special dabei
– Michelle Hunziker war in Staffel 3 dabei, außerdem in einem Special
– Carolin Kebekus war in den Staffeln 1 und 3 dabei
– Barbara Schöneberger war in Staffel 1 dabei
– Olaf Schubert war in den Staffeln 3 und 5 dabei, in Staffel 4 als Gast sowei bei einem Special
– Torsten Sträter war in den Staffeln 1 und 5 dabei, in Staffel 2 als Gast sowie bei einem der Specials
– Tedros „Teddy“ Teclebrhan war in Staffel 1 dabei, außerdem in einem Special.

Ich meine, ich konnte mit dem Format sowieso nie viel anfangen, obwohl ich mich hier im Blog immer gerne mit dem Format beschäftige, wie auch zur letzten Ausgabe. ich find’s aber noch ermüdender, wenn sich dann auch immer die gleichen Personen um den „Sieg“ bemühen.

„LOL: Last One Laughing“ – warum nicht mal anderen Gästen eine Chance geben?

Es geht ja auch anders, wie das Spin-Off-Format „LOL Next“ zum Beispiel gezeigt hat, wo man mit Hazel Brugger zwar auf ein bekanntes Gesicht am Moderationsplatz gesetzt hat, sonst aber auf frische Teilnehmer:innen geachtet hat, in dem Fall Influencer:innen.

Auch Staffel 6 bot einiges an Abwechslung, das fand ich vom Ansatz her erfrischend. Mit Ariane Alter, Florian David Fitz, Giovanni Zarrella, Helene Bockhorst, Jürgen Vogel, Lutz van der Horst, Riccardo Simonetti und Till Reiners waren 8 der 10 Kandidat:innen Premierengäste, nur Ralf Schmitz und Hazel Brugger waren Wiederholungstäter.

Die Weiterentwicklung von „LOL“ ist für Volker Neuenhoff, Leiter Unterhaltung Deutsche Originals bei Amazon MGM Studios, ein bewusster Balanceakt: „Einerseits lebt das Format von seiner klaren, einfachen Grundidee – genau diese muss wiedererkennbar sein. Andererseits bietet das Universum genug Flexibilität, um neue Varianten zu entwickeln. Die kreativen Grenzen liegen dort, wo wir das Kernversprechen der Show gefährden würden: die unmittelbare, authentische Komik im Raum und das klare Regelwerk. Solange diese Elemente erhalten bleiben, sehen wir viel Spielraum für neue Ansätze – sei es durch unterschiedliche Cast-Konstellationen oder thematische Rahmungen. Wir prüfen kontinuierlich, wie sich das Format weiterdenken lässt, dabei geht es weniger darum, das Konzept radikal zu verändern, sondern es intelligent zu erweitern und für unterschiedliche Zielgruppen neu zu interpretieren. Unser Fokus bleibt dabei immer: die Marke LOL frisch zu halten, ohne ihre DNA zu verlieren.“

Klar ist auch: Gerade bei dem Format hängt eine Menge von den Gästen ab, insofern waren „LOL Next“ und Staffel 6 mal frische Ansätze. Wie gut diese beim Publikum ankamen, kann ich jetzt nicht einschätzen. Jetzt aber zehn Comedians ins Rennen zu schicken, die alle Wiederholungstäter:innen sind, ist dann irgendwie verschenkt. Sie kennen das Format, wissen, worauf zu achten ist, und die Gefahr ist für mich da, dass jeder nur noch mehr sein individuelles Comedy-Programm in Häppchen dort abspult, bunt aneinandergereiht und verbunden durch Bully Herbigs Moderation.

Philip Pratt, Leiter Deutsche Originals bei Amazon MGM Studios, erklärt die Häufung bekannter Gesichter in der Staffel 7 so: „Die wiederkehrende Zusammenarbeit mit bestimmten Talenten ist für uns ein wichtiger Bestandteil unserer inhaltlichen Strategie. Wir verstehen Prime Video nicht nur als Service, sondern auch als kreatives Zuhause, in dem langfristige Partnerschaften entstehen können. Wenn Talente in unterschiedlichen Formaten auftauchen – sei es in LOL oder anderen Originals – entsteht für das Publikum eine gewisse Vertrautheit und Wiedererkennbarkeit. Das stärkt die Bindung zu Prime Video insgesamt. Gleichzeitig ermöglicht uns diese kontinuierliche Zusammenarbeit, mit Kreativen an neuen Ideen zu arbeiten und Formate weiterzuentwickeln. Wir wissen, wie diese Talente arbeiten, und sie kennen unsere Erwartungen – das schafft Vertrauen und oft auch eine besondere, kreative Dynamik. Wichtig ist uns dabei aber immer die richtige Balance: Wir wollen sowohl bekannte Gesichter etablieren als auch neuen Stimmen eine Bühne geben. Genau diese Mischung macht unser Portfolio lebendig und relevant.“

Dabei gibt’s ja genug Potenzial, da auch unverbrauchte Gesichter zu platzieren. Das müssen für mich noch nicht einmal unbedingt Comedians sein – möglicherweise bringt auch gerade eine andere Mischung neuen Schwung in das Format. Warum nicht auch einmal mit Gästen starten, die man in dem Format gar nicht erwarten würde. Möglicherweise hängt die Entscheidung dagegen damit zusammen, dass man bei der Produktion auch darauf achten muss, dass das Format funktioniert. Nicht jede:r passt da mutmaßlich hinein. Für Volker Neuenhoff ist die Mischung entscheidend: „Wir wollen Gesichter dabei haben, die das Publikum kennt und liebt – aber auch Fresh Faces, die neue Energie reinbringen. Bei der Auswahl schauen wir auf mehrere Faktoren: Comedy-Talent, Persönlichkeit und Chemie. Wer bringt eine besondere Dynamik mit? Wer traut sich, die eigene Komfortzone zu verlassen? LOL lebt davon, dass die Teilnehmer:innen sich auf das Experiment einlassen. Es geht nicht nur darum, einzelne starke Persönlichkeiten zu besetzen, sondern ein Ensemble zu formen, das miteinander funktioniert und sich gegenseitig herausfordert. Am Ende ist LOL immer ein Zusammenspiel – und der Cast ist so kuratiert, dass genau diese Dynamik entstehen kann.“ Und ich hatte beim Interview mit den Teilnehmenden und Produzenten der 6. Staffel auch in diese Richtung gefragt und rausgehört, dass man sich sehr genau anschaut, dass auch die Chemie unter den Teilnehmenden stimmt. Denn auch wenn keiner der Gäste lachen darf – lustig soll’s ja trotzdem sein.

Bilder: Amazon Prime Video

Eine Folge ist vorbei, der Bildschirm wird schwarz – bis zur nächsten Folge dauert es mindestens ein paar Tage. Ich habe also Zeit, darüber nachzudenken, zu reflektieren, Vorfreude und Spannung zu empfinden und nichts machen zu können, als abzuwarten. Und das genieße ich gerade total, denn die Serie wird für mich über Wochen zum regelmäßigen Begleiter.

Raum für Diskurs

Es ist das ewige Diskussionsthema: Binge Watching oder Genuss in Häppchen? Auch hier im Blog haben wir in regelmäßigen Abständen darüber philosophiert, was besser ist: die Veröffentlichung aller Episoden einer Serie oder neuen Staffel an einem Stück oder in wöchentlichen Etappen. Und auch ich stehe dieser Frage gerade wieder gegenüber.

Stellt euch vor, die finale Staffel von „Stranger Things“ wäre in einem Rutsch veröffentlicht worden. Gut, einige meinen vielleicht, es wären uns allen damit zahlreiche Verschwörungstheorien zum (tatsächlichen) Ende der Serie erspart geblieben. Aber wie cool ist es denn, was für ein Diskurs daraus entstanden ist? Wie viele Leute sich ausgetauscht haben, wie viele coole Theorien ausgearbeitet wurden und wie viele Screenshots aus der Serie als vermeintliche Hinweise für oder wider der Idee, dass die Serie in Wirklichkeit noch gar nicht vorbei ist, dienten, wie viele Marken auf den Zug aufgesprungen sind und offensichtlich Teil dieses kulturellen Moments sein wollten. Herrlich! Natürlich wollte ich hier eigentlich auch immer sofort wissen, wie es weitergeht. Aber ich habe das Aushalten genossen.

Ich schaue aktuell die Reality-Spielshow „The Race“. Es läuft mittlerweile die dritte Staffel der Serie und neue Folgen erscheinen immer donnerstags und sonntags. Und ich hasse und liebe es! Hier kann ich nicht selbst kontrollieren, wie viele Episoden ich nun schaue, sondern habe eine natürliche Begrenzung für meinen Konsum. Und die Konsequenz? Die Serie begleitet mich nun seit einigen Wochen, an der Kaffeemaschine bei der Arbeit tausche ich mich über den aktuellen Stand der Show aus und am Ende jeder Folge bin ich traurig, dass es vorbei ist und ich warten muss – und gleichzeitig freue ich mich, dass sich das Erlebnis dadurch noch ein bisschen weiter streckt und ich noch ein bisschen länger mit den Protagonist:innen mitfiebern kann.

Natürlich könnte ich auch einfach warten bis alle Folgen veröffentlicht sind, um dann alles in einem Zuge zu schauen. Aber ich bin überzeugt, dass man Serien, die man binget, auch ganz anders schaut und anders – vielleicht sogar weniger – schätzt. Was mir an der etappenweisen Veröffentlichung besonders gut gefällt? Dass mir die Entscheidung abgenommen wird, wann und wie viele Episoden ich schaue – denn meistens gibt es sowieso nur eine weitere Folge, wenn ich weiterschaue. Und für weniger entscheidungsfreudige Menschen wie mich ist das genau das Richtige. Insbesondere, wenn im Alltag von morgens bis abends schon viele Entscheidungen getroffen werden müssen, entspannt es mich mehr, mich dann in der Freizeit ein bisschen treiben lassen zu können.

Momentaufnahme

Das ist eine Phase und ja auch gerade nur eine Serie, die das in meinem Leben betrifft. Es kommen auch wieder andere Zeiten und auch dann werde ich wöchentliche Episodenveröffentlichungen wieder verfluchen – vor allem den Faktor, dass ich nicht selbst bestimmen kann, ob ich weiterschaue oder nicht. Und bis dahin genieße ich den aktuellen Status. Denn vielleicht ist genau das der eigentliche Vorteil: nicht alles sofort haben zu können.

Wie der Zufall es allerdings so will, ist „The Race“ seit gestern vorbei und die finale Episode geschaut. Mist. Und jetzt?

In welchem Status befindet ihr euch gerade? Ist dieser an eine bestimmte Serie geknüpft, übertragt ihr eure Seh-Vorliebe einfach auf die Serien, die ihr gerne schaut oder lasst ihr euch treiben, wie es gerade passt?

Bilder: Das Cover-Bild wurde mithilfe von ChatGPT erstellt | Netflix | Fox