Es gibt TV-Wochen, die fühlen sich an wie ein ziemlich ehrlicher Querschnitt durch den eigenen Serienkopf. Ein bisschen Mysterium, ein bisschen Anarchie, ein bisschen kompletter Irrsinn – und dann noch diese eine Serie, die sofort wieder das Gefühl von früher auslöst.
So sah’s diesmal bei mir aus.

„FROM“

Da war zuerst die neue Folge von „FROM“. Die Serie läuft aktuell in Staffel 4; Woche für Woche gibts seit dem 19. April 2026 eine Folge.
„FROM“ bleibt bei mir weiterhin eine dieser Serien, die ziemlich genau weiß, wie man Spannung konserviert. Nicht, indem sie groß erklärt, sondern indem sie einen konstant in diesem Zustand zwischen Neugier, Unbehagen und leichter Gereiztheit hält. Dieses Dorf, diese Stimmung, dieses permanente Gefühl, dass dort nichts einfach nur „komisch“, sondern alles grundsätzlich falsch ist – das funktioniert bei mir immer noch sehr gut.

„The Simpsons“

Die obligatorische Folge der „Simpsons“ war natürlich ebenfalls gesetzt. Bei den Simpsons ist das bei mir ohnehin längst kein normales Gucken mehr, sondern eher Fernsehroutine im besten Sinn. Im Februar lief in den USA die 800. Episode, zeitgleich wurde das Ende der 37. Staffel markiert; verlängert ist die Serie bereits bis Staffel 40.
Und genau das ist ja das Bemerkenswerte: Die Simpsons müssen längst nichts mehr beweisen. Springfield funktioniert nicht deshalb noch, weil jede Folge ein Ereignis wäre, sondern weil diese Serie sich seit Jahren den Status einer festen Konstante erarbeitet hat. Homer bleibt Homer, Bart bleibt Bart, Lisa ist weiterhin die Vernunftinsel in einem komplett dysfunktionalen Umfeld – und genau deshalb kehrt man dorthin eben immer wieder zurück. Nicht aus Pflichtgefühl. Sondern weil’s schlicht dazugehört.

„The Boys“

Dann die aktuelle Episode von „The Boys“. Die Serie befindet sich in ihrer fünften und letzten Staffel bei Prime Video; Episode 7 lief am 13. Mai 2026, das Finale folgte leider schon am 20. Mai 2026.
Und auch hier gilt: Die Serie zieht ihr Ding bis zum Ende durch. Keine Zurückhaltung, keine falsche Eleganz, keine Lust auf sanfte Töne. „The Boys“ bleibt boshaft, dreckig, überzogen und in den besten Momenten ziemlich treffsicher. Gerade jetzt im Endspiel merkt man nochmal sehr deutlich, dass diese Serie nie einfach nur Superhelden kaputtmachen wollte. Sie wollte immer die komplette Idee davon durch den Fleischwolf drehen. Und das tut sie weiterhin mit bemerkenswerter Konsequenz.

„Futurama“

Und dann noch „Futurama“. Einfach, weil manche Serien nicht erst „aktuell“ sein müssen, um sofort wieder etwas auszulösen. Hulu hat gerade bestätigt, dass Staffel 14 am 3. August 2026 startet; neue Folgen sollen dann montags erscheinen.
Aber ganz unabhängig von neuen Episoden bleibt „Futurama“ für mich ohnehin so ein sicherer Treffer. Diese Serie hat bis heute etwas, das vielen anderen Animationsformaten fehlt: Witz, Science-Fiction-Ideen und gleichzeitig eine erstaunlich eigene Wärme. Fry, Leela, Bender – das ist kein bloßes Rewatch-Futter. Das ist eine dieser Serien, bei denen sofort wieder klar ist, warum man sich damals in Fernsehen auch einfach mal verlieben konnte.

Unterm Strich war das eine TV-Woche, wie ich sie sehr gern nehme:
„FROM“ fürs Grübeln und Unwohlsein,
die „Simpsons“ als gesetzte Wochenkonstante,
„The Boys“ im maximalen Endzeitmodus
und „Futurama“ als Erinnerung daran, dass „die gute alte Zeit“ manchmal eben doch nicht nur Verklärung ist.

Manche Wochen brauchen kein großes Prestigefernsehen.
Manchmal reichen ein rätselhaftes Höllendorf, eine gelbe Familie, ein Haufen komplett beschädigter Superhelden und ein Lieferjunge aus dem Jahr 3000 völlig aus.

Bilder: Amazon Prime, Disney

Auch in der letzten Staffel bleibt die Serie bis zum Schluss gewohnt bissig, brutal und politisch unkorrekt. Dabei handeln fast alle Figuren in den acht Folgen irgendwann egoistisch, grausam oder rücksichtslos. Und genau das macht diese Staffel stellenweise schwer erträglich. Allen voran Homelander. Antony Starr spielt ihn in dieser letzten Staffel nicht mehr als zwiespältigen Superhelden, sondern als absoluten Irren mit Gottkomplex. Er will nicht mehr nur Macht, sondern echte Verehrung. Dafür arbeitet Homelander mit allerlei religiöser Symbolik. Er lässt sich als Erlöser feiern, bekommt eine eigene Kirche und sogar eine Gospel-Nummer von Supes-Prediger Oh-Father (Daveed Diggs). In der vorletzten Folge tanzen sexy Engel auf der Bühne, Jesus wird verspottet und Homelander lässt sich als Gottheit feiern. Die Serie meint das als Satire auf religiösen Nationalismus und Personenkult und eigentlich sollte das schockieren. Das Problem ist nur, dass die Realität inzwischen oft ähnlich absurd ist. Wenn sich beispielsweise echte Politiker mit Jesus-Motiven inszenieren oder religiöse Rhetorik für politische Mobilisierung missbrauchen. Die Realität wirkt kaum noch parodierbar.

Trotzdem funktionieren viele dieser Szenen hervorragend, da sie Homelander nicht als starken Diktator, sondern als zutiefst kaputten Menschen zeigen. Besonders die Szenen mit Soldier Boy (Jensen Ackles) gehören zu den besten der Staffel. Homelander sehnt sich verzweifelt nach der Anerkennung seines Vaters, plant Freizeitparks voller nationalistischer Motive und versucht, sich eine Familiengeschichte zurechtzulegen. Doch Soldier Boy durchschaut ihn vollkommen. Wenn dieser Homelander nicht als Gott anerkennt, trifft ihn das härter als jede Waffe. Dass Homelander Soldier Boy daraufhin wieder einfriert, zeigt perfekt, wie er funktioniert. Er will Liebe, ist aber nur zu Kontrolle fähig.

„Haltet bloß die Klappe, andernfalls mache ich euch fertig.“ – Billy Butcher

Generell bleibt die Staffel bei ihrer Figurenzeichnung sehr konsequent. Billy Butcher (Karl Urban) bleibt bis zum Schluss ein Killer mit Gewissen, der sich einredet irgendwann wieder „normal” werden zu können. Doch spätestens nach dem Tod seines Hundes Terror kippt endgültig etwas in ihm. Seine Gespräche mit Joe Kessler (Jeffrey Dean Morgan) zeigen, dass der Hass längst sein eigentlicher Antrieb geworden ist. Umso stärker wirkt dann das Finale zwischen Butcher und Hughie (Jack Quaid). Dass ausgerechnet der emotionale Hughie derjenige bleibt, der noch an das Gute glaubt, passt perfekt zur ersten Staffel. Schon damals war er der moralische Gegenpol zu Butcher. Die Serie schließt hier sauber den Kreis. Damals zog Butcher Hughie in diesen Krieg hinein, jetzt ist Hughie derjenige, der ihn beendet. Überhaupt arbeitet die fünfte Staffel immer wieder mit Spiegelungen zur ersten Folge. Hughie und Annie stehen am Ende wieder an einer Straßenkante, wie einst Hughie und seine damalige Freundin Robin ganz am Anfang. Doch diesmal endet es nicht mit einem Trauma, sondern mit einer hoffnungsvollen Zukunft.

Was ich zuletzt eher lästig fand, war die ständige Gewalteskalation. Natürlich war die Serie schon immer brutal, aber in Staffel 5 wird es teilweise übertrieben. Ständig werden Schädel zerdrückt, Menschen explodieren, Körper werden zerfetzt und Gesichter eingeschlagen. Dadurch droht die Gewalt irgendwann ihren Effekt zu verlieren, weil immer noch eine Schippe draufgelegt werden muss. Der Tod von Frenchie (Tomer Capone) in der vorletzten Folge funktioniert dagegen gerade deshalb so gut, weil er ruhig und tragisch inszeniert ist. Sein Opfer hat dadurch Gewicht. Man spürt auch Kimikos (Karen Fukuhara) Schmerz. Wenn dann das Lied „Dream a Little Dream of Me” von The Mamas and The Papas anläuft, gehört dies zu den emotional stärksten Momenten der gesamten Staffel. Gleichzeitig bleiben alle alle Figuren irgendwie abgefuckt. MM (Laz Alonso) verliert beinahe seine Familie und seine Moral. Annie (Erin Moriarty) kämpft mit völliger Hoffnungslosigkeit. Ashley (Colby Minifie) verrät jeden, nur um weiterzukommen und The Deep (Chace Crawford) endet als lächerliche Witzfigur, die weder an Land noch im Wasser akzeptiert wird.

Schade ist auch, wie mit den „Gen V“-Charakteren in der Staffel umgegangen wird. Die Hauptfiguren Marie (Jaz Sinclair), Jordan (London Thor) und Emma (Lizze Broadway) kommen nur am Rande vor. Dadurch wirkt dieser Handlungsstrang, als wäre er nur halb erzählt. Trotz einzelner Kritikpunkte hinterlässt das Ende aber ein Gefühl von Genugtuung. Nicht, weil plötzlich alles gut wäre, sondern weil Figuren wie Homelander keinen heldenhaften Abgang bekommen. Er stirbt nicht als Gott, sondern als jämmerlicher Mensch, der plötzlich um sein Leben bettelt. Und so wird klar, dass nicht die Superkräfte jemanden groß machen, sondern die Menschen.

Fazit

Die letzte Staffel von „The Boys“ bietet einen konsequent brutalen und manchmal kaum zu ertragenden Abschluss. Trotz der überdrehten Gewalt und der stumpfer gewordenen Satire endet sie aber überraschend befriedigend.

Bilder: Amazon Prime Video

Nach dem bereits sehr sehenswerten Trailer zu „Spider-Noir“ legt Prime Video mit einem letzten düsteren Häppchen nach. Dunkle Gassen, korrupte Gangster und ein gebrochener Held bestimmen den Stil der neuen Serie, die optisch stark an klassische Noir-Filme der 1930er Jahre erinnert. Im Mittelpunkt steht Ben Reilly (Nicolas Cage), ein gealterter Privatdetektiv, der nach einem schweren persönlichen Verlust seine Zeit als maskierter Held hinter sich gelassen hat. Doch seine Vergangenheit als „Die Spinne“ holt ihn wieder ein. Während ein brutaler Machtkampf die Straßen New Yorks erschüttert, wird Ben erneut in einen gefährliche Fall hineingezogen. Hier zunächst der Trailer in authentischem Schwarz-Weiß.

Und hier ist die Version in Vollfarbe.

Hier gelangt ihr zum neuen Schwarz-Weiß-Trailer im Original. Und hier zur Farb-Version.

„Weil auf keine Kraft, keine große Verantwortung folgt.“ – Ben Reilly

Die lose auf den „Spider-Man Noir“-Comics basierende Serie bietet nicht nur Krimi-Kost, sondern auch ordentliche Actionszenen wie beispielsweise die Kampfszenen gegen den Schurken Megawatt zeigen. Besonders spannend ist auch der visuelle Ansatz der Serie. Ich werde sie mir in Schwarz-Weiß ansehen, da dies die Atmosphäre des finsteren Detektiv-Abenteuers noch einmal deutlich verstärken dürfte. Ich freue mich jedenfalls weiterhin sehr darauf. Was meint ihr?

„Spider-Noir“ startet am 27. Mai bei Prime Video.

Bilder: Amazon Prime Video

Mit „Lanterns“ wagt sich das DC Studio an eine Adaption der bekannten Weltraumpolizeitruppe, des sogenannten Green Lantern Corps, heran. Während der erste Teaser vor allem auf seine düstere Krimi-Atmosphäre setzte, legt der gerade veröffentlichte zweite Teaser deutlich nach und zeigt endlich mehr von der kosmischen Seite der Serie. Zu sehen sind die typischen Green-Lantern-Kräfte sowie Hal Jordan (Kyle Chandler) im vollständigen Lantern-Outfit. Trotzdem bleibt der Ton überraschend geerdet. Im Mittelpunkt der Serie stehen der erfahrene Lantern Hal Jordan und Neuzugang John Stewart (Aaron Pierre). Gemeinsam untersuchen die beiden intergalaktischen Gesetzeshüter einen mysteriösen Mordfall in den USA. Die Geschichte wird dabei auf zwei Zeitebenen erzählt. Während Hal im Jahr 2016 noch als aktiver Green Lantern im Einsatz ist und einem scheinbar außerirdischen Vorfall nachgeht, scheint John Stewart zehn Jahre später bereits eine deutlich größere Rolle innerhalb des Corps einzunehmen.

„Dieser Ring ist die mächtigste Waffe im Universum.“ – Hal Jordan

Den neuen Teaser im Originalton gibt es hier.

Showrunner Chris Mundy orientiert sich weiterhin klar an Krimi-Formaten wie „True Detective”. Neben Kyle Chandler und Aaron Pierre gibt es auch ein Wiedersehen mit Nathan Fillion, der erneut seine Rolle aus dem „Superman“-Film verkörpert. Insgesamt scheint „Lanterns“ nun die Balance zwischen düsterem Crime-Thriller und großem SciFi-Spektakel besser gefunden zu haben. Schaut ihr rein?

„Lanterns“ startet am 17. August bei HBO Max.

Bilder: HBO

Während wir irgendwie immer noch auf das bessere Wetter warten, steigt die Hoffnung, dass zumindest ab Juni so richtig Sommer einkehrt in Deutschland. Bis dahin halten wir uns mit der richtigen Kleidung (aka für alles gewappnet sein) – und dem richtigen Programm über Wasser. Ein Highlight im kommenden Monat ist der Start der dritten Staffel „House of the Dragon“. Ansonsten besteht das Sky-Programm im Juni vor allem aus Crime- und Naturangebot.

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine Juni 2026

1. Juni

Marilyn Monroe – Ein Opfer der Mafia? (1. Staffel – Sky & WOW; ab 12.6. auf Sky Documentaries)

5. Juni

Cold Case Investigators (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

8. Juni

The Real Murders of Atlanta (3. Staffel, Teil B – Sky Crime, Sky & WOW)

9. Juni

Putins Russland (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

10. Juni

Animal Park (24. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW))
Inside FBI – Die härtesten Fälle (6. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

12. Juni

Champions der Tierwelt (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

17. Juni

Uwe Ochsenknecht präsentiert: die 7 Todsünden (1. Staffel – Sky & WOW)

19. Juni

Die Wikinger – Entstehung eines Imperiums (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

22. Juni

Life Below Zero (8. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
House of the Dragon (3. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

23. Juni

Tatort Hotel (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

29. Juni

Grimm (1. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

Sonderprogramm zum Weltumwelttag

Am 5. Juni auf Sky Nature sowie jederzeit auf Abruf über Sky und WOW

Unsere Erde im Wandel – Das Korallen-Special
Im Zeitalter der Natur
Hüter der Natur
Das Wunder der Wiederkehr
Hoffnungsträger Wald – Können Bäume das Klima retten?
Eden auf Erden – Die letzten Paradiese
Fantastische Pilze – Die magische Welt zu unseren Füßen
Unsere Erde im Wandel – Flüsse in Not
Inside Greenpeace – Was braucht es, um die Welt zu retten?

Sonderprogramm zum Weltozeantag

Am 8. Juni auf Sky Nature sowie jederzeit auf Abruf über Sky und WOW

Der Ozean – Oase des Lebens
Unsere Erde im Wandel – Das Korallen-Special
Deep Dive North America
Große, blaue Wildnis
Big Pacific: Der gewaltsame Ozean
Blue Whales: Return of the Giants

Das Wesen der Wale
Deep Dive Australia
Der Atlantik: Ein Jahr in der Wildnis

Neue Filme bei Sky:
Starttermine Juni 2026

5. Juni

Unsere Erde im Wandel – Das Korallen-Special (Doku)
The Prosecutor

6. Juni

Mission: Gardener – Der grüne Daumen der Rache

8. Juni

Blue Whales: Return of the Giants (Doku)

12. Juni

Dracula – Die Auferstehung

13. Juni

Fist of the Warrior

19. Juni

Bang – Storm of Bullets

20. Juni

Him – Der Größte aller Zeiten

26. Juni

SpongeBob Schwammkopf: Piraten ahoi!

27. Juni

Dann passiert das Leben

„Stuart Fails to Save the Universe“ startet am 23. Juli 2026 auf HBO Max, alle zehn Episoden auf einmal. Stuart Bloom zerstört versehentlich eine Maschine von Sheldon und Leonard und löst damit ein Multiversum-Armageddon aus. An seiner Seite: Denise (Lauren Lapkus), Bert (Brian Posehn) und Barry Kripke (John Ross Bowie). Showrunner sind Chuck Lorre, Bill Prady und Zak Penn.

Warum Stuart? Der Comic-Book-Store-Besitzer war über zwölf Staffeln hinweg vor allem dafür da, mit hängenden Schultern reinzukommen und einen mitleiderregenden Witz zu kassieren. Eine ganze Sequel-Serie um eine Figur zu bauen, die für ihre Bedeutungslosigkeit bekannt war — das verlangt Erklärung.

Meine Vermutung: Stuart war schlicht der günstigste verfügbare Cast-Member. Die Gagen der echten Hauptdarsteller waren am Ende von „The Big Bang Theory“ legendär hoch — Parsons, Galecki, Cuoco und Co. kamen auf rund eine Million Dollar pro Episode.

Was haltet ihr davon — freut ihr euch auf Stuart im Multiversum, oder hättet ihr lieber Sheldon nach dem Nobelpreis gesehen?

Dann wurde mit großer PR eine neue Trilogie angekündigt — eine, die an die Ereignisse von Endor anknüpfen und die Welt nach dem Ende des Imperiums erzählen sollte. Disney ging 2015 mit „Das Erwachen der Macht“ an den Start. Fans der ersten Stunde freuten sich, dass der alte Cast wieder mit am Start sein sollte, neben neuen Charakteren. Drei Filme erschienen und erweiterten die sechs Filme von George Lucas mit einer Sequel-Trilogie, mit der die Skywalker-Saga endgültig abgeschlossen wurde. Die Kritiken zu den Filmen waren durchwachsen. „Das Erwachen der Macht“ kommt zumindest im IMDb-Rating noch auf recht positive Werte. Die zwei weiteren Filme fallen ab. Die hitzigen Diskussionen und teils heftige Kritik an den Inhalten bilden diese Werte interessanterweise aber nicht ab.

Denn so richtig glücklich war eigentlich keiner mit den neuen Filmen. Diejenigen, die „The Last Jedi“ abgefeiert haben, waren mit der Rückkehr zum Fanservice im neunten Film nicht happy. Diejenigen, die mit „The Last Jedi“ haderten, wurden auch mit dem Versöhnungsversuch nicht glücklich. Dann gab es die übliche Woke-Diskussion um einen weiblichen Hauptcharakter und so weiter. Diese Diskussion will ich nicht aufbrechen.

Was aber spannend ist — und damit kommen wir zum Kern dieses Artikels: Die Masse der Fans schaut sich die neue Trilogie einfach nicht an. Es gab eine interessante Veröffentlichung von Nielsen zum Star-Wars-Tag „May the 4th“. Darin wurden die Top 10 der meistgestreamten Star-Wars-Titel des Jahres 2025 aufgelistet. Dort taucht die neue Trilogie nicht auf. Inzwischen sind sogar die damals heftig kritisierten Prequels beliebter als die Saga um Rey, Finn und Kylo Ren. Und das sagt schon einiges aus. Momentan verteilt sich die Liebe der Star-Wars-Fans wie folgt: Gen Alpha und Baby Boomer mögen „The Mandalorian“, Gen Z feiert „The Clone Wars“, Millennials und Gen X sind bei „Andor“ zuhause.

Was macht Disney aus diesen Zahlen? Statt das zu ignorieren deutet alles auf eine Umpositionierung hin. Am 15. Januar 2026 trat Kathleen Kennedy nach 14 Jahren als Lucasfilm-Präsidentin zurück. Unter ihrer Führung entstanden die neuen Filme. Als Nachfolger kommt Dave Filoni (President & Chief Creative Officer); an seiner Seite steht Lynwen Brennan als Co-Präsidentin. Filoni gilt als George-Lucas-Protegé seit 2005 und ist Schöpfer von „Clone Wars“ und „Rebels“. Das spricht schon eine sehr deutliche Sprache zur zukünftigen Ausrichtung des Franchises.

Diese Personalentscheidungen erklären auch, warum der geplante Rey-Film „New Jedi Order“ offenbar auf der Stelle tritt. Offiziell abgesagt ist er allerdings nicht — Disney hat den Film im November 2024 nur aus dem Dezember-2026-Slot gestrichen und durch „Ice Age 6″ ersetzt. Drehbuchautoren wechselten mehrfach (Damon Lindelof, Justin Britt-Gibson, Steven Knight stiegen aus, aktuell schreibt George Nolfi), Daisy Ridley selbst sagte zu USA Today: „I don’t know about 2026.“ Beim Abschiedsinterview Kennedys wurde das Projekt nicht einmal erwähnt — andere Filme schon. Auch ein Ben-Solo-Projekt wurde vorbereitet: Adam Driver entwickelte mit Regisseur Steven Soderbergh und Drehbuchautor Scott Z. Burns rund zwei Jahre lang „The Hunt for Ben Solo“. Bob Iger und Alan Bergman lehnten ab — der Film kam nie über die Konzeptphase hinaus.

Während die Filmentscheidungen teils auf Gerüchten basieren, gibt es aber einen weiteren unumstößlichen Fakt, dass man bei Disney die neue Trilogie am liebsten beerdigen würde: Im Disneyland wurde am 29. April 2026 die Hälfte von „Galaxy’s Edge“ (Black Spire Outpost) von der Sequel-Ära auf die Original-Trilogie-Ära umgestellt. First-Order- und Resistance-Dialoge wurden aus Oga’s Cantina entfernt, Luke Skywalker, Han Solo und Leia ersetzten Sequel-Charaktere als Hauptzugpferde.

Mit dem Kinofilm zum Mandalorianer („The Mandalorian and Grogu“, Kinostart 22. Mai 2026), der vor „Das Erwachen der Macht“ spielt, wird nun Content geliefert ohne die wenig beliebten neuen Charaktere — und damit vielleicht auch der Weg für weitere Filme und Serien geebnet, welche die neue Trilogie einfach ignorieren. Soweit wir wissen, wird auch der bereits terminierte Film „Starfighter“ (Kinostart 28. Mai 2027) mit Ryan Gosling nach der Rey-Trilogie spielen und neue Charaktere beleuchten — angesiedelt etwa fünf Jahre nach „The Rise of Skywalker“, aber als Standalone-Geschichte mit komplett neuem Ensemble.
In dem Zuge tauchten auch Gerüchte auf, dass man die neue Trilogie komplett archiviert und sogar neue Filme drehen würde, die an „Return of the Jedi“ anknüpfen — über das in „Ahsoka“ und „Rebels“ etablierte „World Between Worlds“-Konzept ließe sich die Continuity sogar mechanisch abzweigen, ohne einen formalen Reboot zu erklären. Aber das sind wohl eher Wünsche der Die-Hard-Fans und basieren auf einer einzigen Insider-Quelle.

Was man aber zusammenfassen kann: Disney hat mit der großen Trilogie nicht den Nerv der Fans getroffen, alles andere im Star-Wars-Universum lässt sich besser vermarkten — und am Ende entscheidet Disney, wenig überraschend, womit es möglichst viel Shareholder Value schaffen kann.

Wie lässt sich das alles zusammenfassen und was können wir erwarten? Wenn man sich das Gesamtbild anschaut, dann geht Disney den Weg des Geldes und des geringsten Widerstandes: keinen Konflikt eingehen, indem man Rey, Finn oder Poe kritisiert, sondern sich einfach gar nicht äußert und sie ohne weitere Filme oder Serien ignoriert.

Was haltet ihr von diesem Schritt — seid ihr traurig oder würdet ihr sogar weiter gehen und lieber eine andere Fortsetzung für Episode 6 sehen?

Bilder: Disney

Es gibt Serien, die spielen in Bayern. Und es gibt Serien, die klingen nach Bayern. Das ist der entscheidende Unterschied.
Ein paar Weißwürste, ein Stammtisch und ein „Servus“ machen noch keine bayerische Serie. Wirklich funktioniert es erst, wenn Sprache, Figuren und Milieu zusammenpassen. Dann wird Dialekt nicht zur Dekoration, sondern zur Haltung: warm, trocken, stur, manchmal melancholisch – und oft ziemlich komisch.

Hier sind fünf Serien, in denen Bayern nicht nur Kulisse ist, sondern hörbar mitschwingt.

„Dahoam is Dahoam“

An „Dahoam is Dahoam“ führt bei diesem Thema kein Weg vorbei. Seit 2007 läuft die BR-Serie rund um den fiktiven Ort Lansing und liefert bayerisches Dorfleben im täglichen Serienformat.

Hier ist der Dialekt kein gelegentliches Gewürz, sondern Grundton. Wirtshaus, Familie, Nachbarschaft, kleine Konflikte und große Gefühle werden konsequent in bairischer Färbung erzählt. Natürlich ist das alles fernsehgerecht geglättet. Das echte Dorfleben dürfte weniger dramaturgisch sauber getaktet sein und mehr Eskalationen in WhatsApp-Gruppen enthalten. Trotzdem: Als bayerischer Serien-Dauerbegleiter ist Lansing fest im Programmkalender einzementiert.

„Irgendwie und Sowieso“

„Irgendwie und Sowieso“ ist Lebensgefühl auf zwei Rädern. Franz Xaver Bogner zeigt in seiner Serie von 1986 wie die 68er in Oberbayern verlaufen sind. Unvergessen das Bullenrennen am Anfang oder wie der „Sir“ auf dem Kirchtum sitzt, seine Himbeerjoghurts löffelt und das ganze Dorf mit Songs der Beatles beschallt. Die Serie erzählt, von Aufbruch, Freundschaft, Musik, Liebe und dem diffusen Wunsch, dass hinter dem nächsten Feldweg vielleicht doch die große Freiheit wartet.

„Beste Zeit? – Unsere!, Beste Gegend? – Unsere? – Bester Song? – Jambalaya!“

Der Dialekt wirkt hier nie ausgestellt. Er gehört zu den Figuren wie Staub an die Schuhe. Sie reden nicht „bayerisch für Zuschauer“, sondern denken, schweigen und granteln in dieser Sprache. Getreu dem Motto

„Dahoam is‘, wo’s Herz is‘.“ – Sir Quickly

Genau das macht die Serie bis heute so glaubwürdig und kultig.

Mit dem noch jungen Ottfried Fischer, Elmar Wepper, Robert Giggenbach und Toni Berger entsteht ein Ton, den man nicht künstlich nachbauen kann: bodenständig, melancholisch, humorvoll und erstaunlich frei.

„Monaco Franze – Der ewige Stenz“

„A bisserl was geht immer.“ – Monaco

Mehr Münchner Serien-DNA passt kaum in einen Satz.
Helmut Dietls „Monaco Franze“ erzählt vom Kriminalkommissar Franz Münchinger, der dienstlich ermittelt und privat vor allem charmant laviert. Helmut Fischer spielt diesen ewigen Stenz (auch bayerisch: ein charmanter, jovialer Frauenheld) mit Eleganz, Schlitzohrigkeit und moralischem Schulterzucken.

Entstanden in der Zeit, als in München noch bairisch gesprochen wurde. Dieses Mal keine dörflicher Lokalkolorit, sondern viel urbaner. Statt Zell oder Lansing München, Schwabing, Schickeria, kleine Lügen und große Gesten. Der Monaco spricht Dialekt nicht einfach – er benutzt ihn: zum Beschwichtigen, Verführen, Ausweichen und Überleben und man kann ihm dabei kaum böse sein.

„Geh, Spatzl, schau wie I schau! Recht viel treuer schaut auch kein Schaf.“ – Monaco

„Meister Eder und sein Pumuckl“

Bei „Meister Eder und sein Pumuckl“ denkt man zuerst an rote Haare, Unsichtbarkeit, Kobold-Chaos und natürlich die legendären Gedichte. So ist die Serie auch ein starkes Stück Münchner Sprachkultur. Gustl Bayrhammer als Meister Eder ist der typische bayerische Grantler: scheinbar immer schlecht gelaunt, aber gutherzig. Er werkelt den ganzen Tag in seiner Hinterhofwerkstatt vor sich hin und bekommt natürlich auch immer wieder Besuch von Kundschaft oder seinem Freund, dem Bernbacher.

Der Reiz entsteht aus dem Gegensatz zwischen Pumuckls Anarchie und Eders bodenständiger Wärme. Für viele war diese Serie vermutlich der erste regelmäßige Kontakt mit bayerischem Dialekt im Fernsehen. Nicht als Volksmusik-Folklore, sondern als Kinderfernsehen mit Herz, Schreinerei und einem Erwachsenen, der zwar schimpft, aber längst verloren hat.

In der neuen Serienfassung übernimmt Florian Brückner als Florian Eder die Werkstatt – der Neffe des legendären Meister Eder. Der bayerische Klang bleibt damit erhalten, nur eine Generation weitergeschoben.

„Café Meineid“

Noch einmal Franz Xaver Bogner, diesmal im Münchner Justizmilieu. „Café Meineid“ macht aus kleinen Fällen große Charakterstudien: Nachbarschaftsstreit, Eitelkeit, Rechthaberei, Betrug und die ewige Frage, welche Version der Wahrheit gerade am günstigsten ist.
Der Dialekt sitzt hier im Dialogrhythmus. In Ausflüchten, beleidigten Nachsätzen und grantigen Kommentaren. Oft erzählt ein halber Satz mehr über eine Figur als andere Serien mit drei Rückblenden.

Neben der teils skurillen, witzigen, aber auf jeden Fall amüsanten Fällen spielt sich auch ein Großteil in der Gerichtskantine bei der „Kathi“ ab, wo alle dann auch außerhalb des Gerichtssaals aufeinander treffen. Irgendwann sitzt man gedanklich selbst dort und wartet darauf, dass der Nächste vorbei kommt und erklärt, warum selbstverständlich alle anderen schuld sind.

Am Ende zeigt sich: Bayerischer Dialekt ist im Fernsehen weit mehr als ein akustisches Heimatfähnchen. Er kann Figuren erden, Pointen schärfen, Melancholie tragen und ganze Milieus mit wenigen Worten öffnen. Und vielleicht ist das die schönste Form von Serienheimat: Wenn man nach zwei Sätzen weiß, wo man ist. Und trotzdem gern noch ein bisserl bleibt.

Bilder: ARD, Amazon Prime Video, NETFLIX, RTL+

Denn nachdem alle 9 Gäste versammelt waren, öffnete sich die Aufzugtür für Gast Nummer 10 – und es war Horst Schlämmer, die Kult-Figur von Hape Kerkeling. Das an sich wäre natürlich schon eine großartige Besetzung gewesen, obwohl sich Hape Kerkeling selbst bislang immer gegen eine Teilnahme gesträubt hatte. Damit war der Überraschungscoup von Amazon allerdings noch nicht durch: Denn nachdem auch Host Bully Herbig zur Gruppe dazugestoßen war, tauschten Horst Schlämmer und er kurzerhand die Rollen: Bully wird zum 10. Kandidaten, Horst zum Host. Das ist wirklich richtig gut gelungen – Kompliment. Jetzt kann man nur hoffen, dass das auch positive Auswirkungen auf die Gesamt-Staffel hat und Bully nicht gleich als erster Kandidat rausfliegt.

Für alle nochmal im Überblick – diese Gäste sind neben Bully Herbig dabei:

– Elton war in Staffel 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Max Giermann war in den Staffeln 1, 2 und 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Martina Hill war in den Staffeln 2 und 4 dabei, dann einmal Gast in Staffel 5 und bei einem Special dabei
– Michelle Hunziker war in Staffel 3 dabei, außerdem in einem Special
– Carolin Kebekus war in den Staffeln 1 und 3 dabei
– Barbara Schöneberger war in Staffel 1 dabei
– Olaf Schubert war in den Staffeln 3 und 5 dabei, in Staffel 4 als Gast sowei bei einem Special
– Torsten Sträter war in den Staffeln 1 und 5 dabei, in Staffel 2 als Gast sowie bei einem der Specials
– Tedros „Teddy“ Teclebrhan war in Staffel 1 dabei, außerdem in einem Special.

Bilder: Amazon Prime Video

Scheinbar hat Frank Castle seine Mission beendet. Die letzten Mitglieder jener Verbrecherfamilien, die mit dem Mord an seiner Familie in Verbindung standen, sind tot. Zurück bleibt ein gebrochener Mann, der allein in einer heruntergekommenen Wohnung lebt, Schmerzmittel mit Alkohol nimmt und sich durch hartes Training langsam selbst zu Grunde richtet. Die Wände seines Apartments sind mit Fotos und Zielscheiben tapeziert. Ständig durchlebt er die Hölle des Krieges in seinem Kopf erneut. Das Special macht schnell klar, dass Frank seine Feinde zwar beseitigt hat, nicht aber seine Traumata.

Die Handlung selbst ist dabei erstaunlich simpel gestrickt. Im Grunde läuft alles auf einen letzten Rachefeldzug hinaus. Die verbliebene Matriarchin Ma Gnucci fordert Vergeltung für ihre getötete Familie. Das erinnert stark an „John Wick“. Vor allem eine Szene, in der ein Hund getötet wird, wirkt wie eine Hommage an Keanu Reeves’ Auftragskiller. Allgemein setzt das Special weniger auf komplexe Storywendungen als auf Stimmung, Gewalt und Franks psychischen Zustand. Dabei funktioniert gerade die rohe Inszenierung erstaunlich gut. Wenn Frank durch brennende Hausflure marschiert und Gegner gnadenlos ausschaltet, entwickelt das Ganze eine intensive Sogwirkung. Das ist extrem brutal und teilweise schwer auszuhalten, macht aber gleichzeitig auf verstörende Weise Spaß. Hier liefert Marvel einige der härtesten Gewaltszenen, die das MCU bislang hervorgebracht hat. Die Gewalt verkommt dabei nie zum Selbstzweck, sondern unterstreicht vielmehr, wie kaputt diese Figur eigentlich ist. Jon Bernthal, der auch am Drehbuch mitgewirkt hat, trägt die Folge dabei nahezu im Alleingang. Er hat nicht viel Dialog, stattdessen lebt vieles von seinen finsteren Blicken und seiner körperlichen Präsenz. Immer wieder wird er von Erinnerungen an seine Familie, seine Kriegseinsätze oder Weggefährt:innen wie Karen Page (Deborah Ann Woll) und Curtis (Jason R. Moore) heimgesucht. In solchen Momenten erscheint Frank als jemand, der vollkommen verlernt hat, außerhalb eines gewaltvollen Lebens zu existieren.

Allerdings merkt man „The Punisher: One Last Kill“ seine begrenzte Laufzeit deutlich an. Viele Ideen werden nur angerissen. Die Gnuccis bleiben blasse Gegenspieler. Dadurch wirkt das Special manchmal wie ein zu stark gekürzter Film. Gerade die psychologischen Ansätze hätten durchaus mehr Raum verdient. Zurück bleibt ein kompromissloser Antiheld, bei dem es spannend bleibt, wie er sich mit dem freundlichen Spider-Man versteht.

Fazit

Fans von Actionfilmen wie „John Wick“ dürften mit dem kurzen Special auf ihre Kosten kommen. Mehr Tiefgang und eine etwas längere Laufzeit hätten dem Ganzen jedoch gutgetan.

Bilder: Disney

Nächsten Samstag ist wieder Eurovision Song Contest (ab 21:00 Uhr live im Ersten)! Der ESC 2026 findet in Wien statt und wird noch besser, wenn man das traditionelle ESC-Trinkspiel &-Tippspiel dazu spielt. Wie im letzten Jahr (und einige zuvor) haben wir wieder gemeinsam mit LangweileDich.net eine aktualisierte Fassung des Spaßes für euch aufbereitet.

Einfach die kostenlosen Spielmaterialien herunterladen, vorbereiten und Spaß haben. OBACHT: Aktuell handelt es sich bei den verlinkten Daten um eine Vorabfassung, Freitag wird es die finalen Unterlagen geben. Dann stehen alle teilnehmenden Länder sowie deren Startreihenfolge fest.

Wie läuft das Trink- & Tippspiel zum ESC ab?

Eigentlich ganz einfach: Ihr schaut gemeinsam Eurovision Song Contest und befolgt die Anmerkungen auf den Spielmaterialien. Die haarkleine Detailerklärung von Ablauf und Spielregeln gibt es drüben im Blog – hier noch die Kurzform für euch.

Das ESC-Trinkspiel

Zunächst bereitet ihr alles vor. Ladet Freunde ein, kauft ein bisschen was zu trinken (und essen), druckt Spielunterlagen aus, bastelt Lose. Letztere sind wichtig, da ihr alle gleich zwei Varianten zieht: Zum einen Stilmittel für die Auftritte, zum anderen Patenländer für die Punktevergabe.

Bei den Stilmitteln müsst ihr jeweils trinken, wenn eines eurer Lose im Zuge eines Auftrittes passiert. Anstelle von Papierlosen aus dem PDF-Druck könnt ihr auch einfach am digitalen Stilmittel-Glücksrad drehen (das ihr auch auf Wunsch anpassen könnt).

Bei den Patenländern trinkt ihr immer, wenn eines eurer Lose von einem Land 8, 10 oder 12 Punkte erhält. Prost!

Das ESC-Tippspiel

Beim Tippspiel versuchen alle, das finale Top-10-Ranking möglichst genau vorherzusagen. Dazu stellen alle während der Votingphase ihre eigene Liste zusammen. Bei der Auswertung gibt es dann Punkte – je näher man mit der getippten an der echten Position ist, desto mehr Punkte kriegt man. Keine Angst, das müsst ihr nicht selbst ausrechnen, das macht eine schlaue Excel-Tabelle für euch.

Viel Spaß!

Am Ende steht vor allem ein spaßiger TV-Abend. Wir wünschen euch ganz viel Vergnügen – sowohl mit der Musik als auch mit unserem kleinen Spiel.

„Xatar: Ein Leben ist nicht genug“

Diese Woche hat die Dokumentation „Xatar: Ein Leben ist nicht genug“ einen großen Eindruck bei mir hinterlassen. Am Donnerstag, dem 7. Mai, jährte sich der Todestag des berüchtigten Rappers Xatar zum ersten Mal. Zufällig habe ich mir genau an diesem Tag die dreiteilige Dokumentation in der ARD-Mediathek angesehen. Die Doku blickt auf dessen außergewöhnliches Leben zurück. Dabei geht es um seine Flucht nach Deutschland, seine Musikkarriere und den berühmten Goldraub, aber auch um die Menschen, die er geprägt hat. Die Doku führt viele unterschiedliche Perspektiven zusammen. Weggefährten wie SSIO, Apache 207 oder sogar Moritz Bleibtreu erzählen von einem Mann, der gleichzeitig Unternehmer, Familienmensch, Rapstar und rastloser Künstler war. Vor allem die Aussagen seiner Ehefrau Farvah verleihen der Serie eine sehr persönliche Ebene. Die Dokumentation romantisiert nicht jede Entscheidung ihres Protagonisten und reduziert ihn auch nicht auf den Skandal-Rapper. Hier wird das Bild einer Figur gezeigt, die ständig versucht hat, irgendwo anzukommen, und dabei immer wieder mit ihren eigenen Traumata zu kämpfen hatte. Gerade das viele Archivmaterial und die nachdenklichen Momente machen die Dokumentation sehenswert. Wer sich für außergewöhnliche Lebenswege oder ein Stück Deutschrap-Geschichte interessiert, sollte hier definitiv mal reinschauen.

„Daredevil: Born Again“ – Staffelfinale

Mit dem Finale der zweiten Staffel von „Daredevil: Born Again” hat Marvel die Fehde zwischen Matt Murdock und Wilson Fisk konsequent weitergeführt. Mir hat die Staffel insgesamt deutlich besser gefallen als der etwas holprige Neustart zuvor. Besonders überzeugend fand ich erneut Vincent D’Onofrio als Kingpin. Das Finale diese Woche lieferte dann noch einmal einige starke Momente. Trotz guter Kritiken hat die Serie scheinbar auch mit sinkenden Zuschauer:innenzahlen zu kämpfen. Die Serie baue zu sehr auf den alten Netflix-Serien auf. Wer nicht von Anfang an dabei war, hat hier einiges aufzuholen, um alle Referenzen und Beziehungen zu verstehen. Ebenfalls nicht sonderlich förderlich dürfte die Tatsache gewesen sein, dass die Serie parallel zu anderen Superheldenformaten wie „Invincible“ und „The Boys“ lief. Wer sich aber auf den Teufelskerl aus Hell’s Kitchen einlässt, bekommt eine der gelungensten Marvel-Comic-Umsetzungen der letzten Zeit geboten. Mehr zur zweiten Staffel erfahrt ihr in meiner Review.

Was lief bei euch diese Woche auf dem Bildschirm? Schaut ihr aktuell eher Serien, Filme oder Dokus?

Bilder: NDR | Disney

Während die erste Staffel aufgrund interner Umstrukturierungen und Streiks künstlich zusammengeflickt wirkte, erscheint die Fortsetzung nun deutlich konsequenter erzählt. Alles beginnt mit einem Schiff, das mit geschmuggelten Waffen beladen ist und versenkt wird. Für New Yorks Bürgermeister Wilson Fisk wird es zur Belastung, denn einige Leute wollen ihre Waffen zurück. Als dann auch noch seine Frau Vanessa (Ayelet Zurer) den Auftragskiller Bullseye (Wilson Bethel) engagiert, spitzt sich die Lage immer weiter zu. So entfaltet sich die düstere Serie über Macht, Schuld und die Frage, ob Menschen sich wirklich ändern können. Während die Rivalität zwischen Fisk und Murdock in den vorherigen Staffeln klar in Held und Schurke getrennt war, verwischt diese Staffel diese Grenzen zunehmend. Fisk beginnt als wohlmeinender Politiker, der versucht, New York nach seinen Vorstellungen neu zu gestalten. Nach dem Mord an seiner Frau Vanessa zerbricht diese Fassade Stück für Stück. Übrig bleibt ein Mann, der glaubt, Ordnung durch Angst herstellen zu müssen, dabei aber nicht merkt, dass er genau das Chaos erzeugt, das er zu bekämpfen vorgibt. Parallel dazu befindet sich Matt in einer existenziellen Krise, die sich durch die gesamte Staffel zieht. Sein Glaube an das Rechtssystem, der ihn lange definiert hat, wird systematisch untergraben. Gerichte sind korrupt und die Polizei wird instrumentalisiert. Die Serie inszeniert diesen inneren Konflikt sehr gut. Matt steht zwischen seinem katholischen Glauben, seinem Wunsch nach Gerechtigkeit und der brutalen Realität auf der Straße.

Besonders gut gefallen hat mir in dieser Staffel die visuelle Sprache. Farbkontraste ziehen sich konsequent durch alle Episoden. Kaltes Blau steht dabei für Macht und Kontrolle, während warmes Rot konsequent für Emotionen und Chaos steht. Spiegelungen, Perspektiven und Lichtsetzung werden zudem gezielt eingesetzt, um innere Zustände sichtbar zu machen. Dies wirkt nie wie ein Selbstzweck, sondern unterstützt die Handlung. Etwas an Erzähltempo verliert die Staffel jedoch, wenn sie sich zu sehr auf ihre Nebenfiguren fokussiert. Dabei finden jedoch auch einige spannende Charakterentwicklungen statt. So verwandelt sich Karen Page von der klassischen Verbündeten zur eigenständigen Figur, die zunehmend radikalere Positionen einnimmt. Ihr Weg zeigt, wie dünn die Linie zwischen Gerechtigkeit und Rache tatsächlich ist. Bullseye wiederum fungiert als dunkles Gegenstück zu Matt. Er ist ein Mann, der verzweifelt versucht, seine Taten wiedergutzumachen, dabei aber nie wirklich aus dem Kreislauf der Gewalt ausbrechen kann. Neugierig macht auch die schleichende Transformation der Psychologin Heather Glenn (Margarita Levieva). Was als Trauma-Bewältigung beginnt, kippt zunehmend in eine Faszination für Gewalt und Kontrolle. Das Staffelfinale deutet an, dass sie zu einer weiblichen Muse werden könnte. Eine Entscheidung, die nächste Staffel interessantes Potenzial birgt.

Mit dem Staffelfinale liefert Marvel einen emotionalen Höhepunkt. In der letzten Folge werden sämtliche Themen der Staffel, Identität, Schuld, Machtmissbrauch und Selbstjustiz, aufgegriffen. Besonders eindrucksvoll ist die Gerichtssequenz inszeniert. Fisk wird wie ein Herrscher von unten gefilmt, begleitet von Chormusik. Matt dreht das Machtspiel um und macht schließlich aus seiner größten Schwäche, seiner Geheimidentität, eine ultimative Waffe. Das „Ich bin Daredevil“ gehört zu den stärksten Momenten der Staffel und lehnt sich an bekannte Comic-Momente an. Das Ganze gipfelt schließlich in einer physischen Auseinandersetzung. Ein Protest vor dem Gerichtsgebäude erinnert bewusst an reale politische Unruhen in den USA. Dabei macht die Serie klar, dass Selbstjustiz immer zwei Seiten hat. Einerseits können Menschen wie Daredevil Hoffnung geben, andererseits können Mobs ebenso schnell in Gewalt abrutschen. Gerade deshalb müssen Matt und die zurückgekehrte Jessica Jones (Krysten Ritter) am Ende sogar Fisk retten. Nicht, weil er es verdient hätte, sondern weil die Stadt sonst ihre moralische Orientierung verlieren würde. In den letzten Minuten wird überraschend deutlich die Tür zur Zukunft geöffnet: Luke Cage (Mike Colter) taucht auf und deutet damit an, dass es in Staffel 3 vermutlich ein Wiedersehen der „Defenders“ geben wird. Allgemein verspricht das Staffelende eine Neuausrichtung für den Mann ohne Furcht. Nach fünf Staffeln nervenaufreibender Kämpfe zwischen Daredevil und Kingpin ist es aber auch höchste Zeit.

Fazit

Die Marvel-Serie nimmt wieder Fahrt auf und erzählt die Fehde zwischen Daredevil und Kingpin konsequent zu Ende. Das sieht vor allem visuell großartig aus, echte Neuerungen bleiben jedoch aus.

Bilder: Disney

KI kann viel – aber darf sie alles?

Die Möglichkeiten generativer KI im kreativen Bereich sind längst keine Spielerei mehr. Drehbücher lassen sich von Sprachmodellen entwerfen, Stimmen klonen, Gesichter synthetisch erzeugen. Deepfake-Technologien können verstorbene Schauspieler „zurückholen“, Dialoge nachträglich verändern oder ganze Performances generieren.

Während KI beeindruckend gut imitieren kann, stellt sich eine grundlegende Frage: Ist das noch Kunst? Oder nur noch Simulation von Kunst? Die Academy beantwortet diese Frage jetzt zumindest teilweise. In den neuen Regeln heißt es, dass nur Leistungen berücksichtigt werden, die „nachweislich von Menschen mit deren Zustimmung erbracht wurden“, und dass Drehbücher „von Menschen verfasst“ sein müssen. Das ist keine komplette Absage an KI im Film – aber eine klare Priorisierung menschlicher Urheberschaft.

Hollywoods Streik: Der eigentliche Wendepunkt

Wer diese Entscheidung isoliert betrachtet, verpasst den Kontext. Die neuen Oscar-Regeln sind auch ein Echo auf die massiven Konflikte der letzten Jahre – allen voran den Streik der Drehbuchautor:innen und Schauspieler:innen in Hollywood 2023 – wir haben hier ausführlich darüber berichtet. Damals ging es nicht nur um Gagen oder Arbeitsbedingungen, sondern um Existenzängste. Autor:innen befürchteten, durch KI ersetzt zu werden. Schauspieler:innen wollten verhindern, dass ihre Gesichter und Stimmen digital reproduziert werden – ohne Kontrolle, ohne faire Bezahlung.

Die zentrale Forderung: klare Regeln für den Einsatz von KI. Die Oscar-Entscheidung wirkt wie eine späte, aber symbolisch wichtige Antwort darauf. Sie institutionalisiert das, wofür Kreative auf die Straße gegangen sind: dass menschliche Kreativität nicht zur optionalen Zutat wird.

Der Konflikt ist längst global – und auch in Deutschland angekommen

Was in Hollywood begann, ist längst auch in Europa angekommen. Besonders sichtbar wird das aktuell im Streit zwischen Streamingdiensten wie Netflix und Synchronsprecher:innen in Deutschland. Hier geht es um die Frage, ob Stimmen künftig einfach digital reproduziert werden dürfen – etwa für Übersetzungen oder alternative Sprachfassungen. Und falls so vorgegangen wird – wie Synchronsprecher:innen dafür zu bezahlen sind. Für die Sprecher:innen steht dabei viel auf dem Spiel: ihre künstlerische Identität, aber auch ihre wirtschaftliche Grundlage. Mehr dazu hier im Blog.

Die Debatte zeigt: KI ist nicht nur ein technisches Tool, sondern ein Machtinstrument. Wer kontrolliert die Stimme? Wer besitzt die Performance? Und wer wird dafür bezahlt? Die Oscars greifen genau diesen Kern auf – zumindest indirekt.

Was konkret jetzt gilt

Die neuen Regeln für die 99. Oscars sind dabei sehr präzise, wie hier nachzulesen ist.

– Schauspiel-Kategorien: Nur menschliche Performances mit Zustimmung sind zugelassen – „In der Kategorie Schauspiel können Schauspieler für mehrere Darbietungen in derselben Kategorie nominiert werden, wenn diese Darbietungen zu den fünf besten Stimmen gehören, was mit den Leistungen in anderen Preiskategorien übereinstimmt. Darüber hinaus werden in der Kategorie Schauspiel nur Rollen berücksichtigt, die im Abspann des Films aufgeführt sind und nachweislich von Menschen mit deren Einverständnis gespielt wurden.“
– Drehbuch-Kategorien: Nur von Menschen verfasste Skripte sind nominierbar – „In den Kategorien für Drehbücher ist festgelegt, dass Drehbücher von Menschen verfasst sein müssen, um zugelassen zu werden.“
– KI im Film allgemein: Der Einsatz ist nicht verboten, aber die Academy bewertet, wie stark menschliche Kreativität beteiligt war – mehr dazu hier.
– Transparenz: Die Academy kann zusätzliche Informationen zur KI-Nutzung einfordern – mehr dazu hier.

Das Entscheidende: KI wird nicht ausgeschlossen – aber sie darf nicht die kreative Hauptrolle übernehmen.

Zwischen Fortschritt und Schutzraum

Man könnte diese Entscheidung als konservativ abtun. Als Versuch, eine Branche vor der Zukunft zu schützen. Aber vielleicht ist sie eher das Gegenteil: ein Versuch, die Zukunft aktiv zu gestalten. Spielarten könnte es schließlich viele geben – wir selbst haben ja in einem unserer Beiträge (der als Aprilscherz angelegt war) spekuliert, dass mit KI Interaktivität in Serienproduktionen einziehen könnte, über die wir Zuschauer:innen selbst die Entwicklung von Handlung von Charakteren beeinflussen können. Andererseits haben wir in den letzten Monaten auch schon diverse Fails sammeln können, wo der Griff ins KI-Regal definitiv daneben ging oder wo der KI-Einsatz definitiv nicht angebracht war.

Denn ohne Regeln droht ein Szenario, in dem Studios Kosten sparen, indem sie digitale Schauspieler einsetzen, Drehbücher automatisieren und kreative Prozesse industrialisieren. Die Oscars setzen hier bewusst einen Gegenpol. Sie sagen: Technologie darf unterstützen, aber nicht ersetzen.
Klar ist aber auch: Die spannende Frage ist nicht, ob diese Regeln Bestand haben, sondern wie lange. Denn die Entwicklung der KI ist rasant – und die Versuchung groß, ihre Möglichkeiten voll auszuschöpfen. Studios werden weiterhin experimentieren. Plattformen werden neue Geschäftsmodelle testen. Und das Publikum? Wird sich vielleicht schneller an digitale Performances gewöhnen, als man denkt. Ich gehe davon aus, dass sich die Frage irgendwann nicht mehr darum drehen wird, was KI kann oder darf, sondern wie wichtig es dem Publikum ist, ob Inhalte von KI generiert sind oder nicht.

Die Oscars haben jetzt eine Grenze gezogen; natürlich keine endgültige, aber eine sichtbare. Und vielleicht ist genau das ihre wichtigste Funktion in dieser Debatte: nicht die Zukunft aufzuhalten – sondern ihr einen Rahmen zu geben.

Bilder: KI generiert mit Midjourney

Nächsten Samstag ist es wieder soweit: Der „Gratis Comic Tag 2026” lädt euch in Comic-Shops und ausgewählte Buchhandlungen ein, um kostenlos neue Geschichten zu entdecken. Zahlreiche Verlage stellen auch in diesem Jahr wieder eigens produzierte Hefte zur Verfügung. Das ist die perfekte Gelegenheit, um in neue Reihen reinzuschnuppern oder altbekannte Figuren neu zu erleben. Der Fokus liegt auch diesmal wieder auf Comics für Kinder und Jugendliche. Auch Serienfans kommen nicht zu kurz: Mit „Star Wars: The Mandalorian” gibt es den offiziellen Comic zur Erfolgsserie auf Disney+. Die perfekte Einstimmung auf den „Star Wars“-Kinofilm „The Mandalorian & Grogu“. Ein spaßiges Abenteuer dürfte auch „Phineas und Ferb” werden. Die beiden Brüder stellen sich darin mutierten Kreaturen. In „Avatar – Der Herr der Elemente” gibt es gleich drei Kurzgeschichten aus der Welt von Aang und seinen Freunden. Für Superhelden-Fans dürfen natürlich auch „Spider-Man” und „Batman” nicht fehlen. Beide Hefte bieten zwei abgeschlossene Geschichten. In „Batman” schließt sich der nicht ganz so dunkle Ritter mit der Spürnase Scooby-Doo zusammen.

Wer jetzt Lust auf mehr bekommen hat, findet online eine Übersicht aller teilnehmenden Shops und der verfügbaren Hefte. Ein kurzer Check vorab lohnt sich, denn neben den Gratis-Comics bieten viele Läden zusätzliche Aktionen wie Signierstunden, kleine Ausstellungen oder Workshops an. Der Gratis Comic Tag ist also der perfekte Anlass, um die regionale Comicszene und den Buchhandel zu unterstützen und vielleicht den nächsten Lieblingscomic zu entdecken. Schaut ihr beim Gratis Comic Tag vorbei?

Bilder: Ayşe Klinge | Cross Cult, Panini Comics, Egmont, Splitter

Es ist schon lustig, direkt am Ende des Aprils wird das Wetter gut. Ich hoffe, ihr habt den warmen Tag heute genutzt und seid den Bildschirmen entflohen. Ich für meinen Teil habe einen schönen Ausflug gemacht: Ich bin mit Frau und Kindern mit einer kleinen Fähre über die Elbe und zurück geschippert. Dazu musste ich mir wehleidiges „Ich will ein Eis!“ in Dauerschleife anhören – der Ort, an dem wir waren, hatte den Wetterbericht offenbar nicht gelesen und es gab kein auffindbares Eis. Am Ende rettete nur die Tankstelle mit einer gut sortierten Kühltruhe die Stimmung.

Aber wenn die Sonne untergegangen ist, dann ist wieder Zeit für Serien. Inspirationen dazu findet ihr in den Top-Artikeln oder im Serienmonat der Serieslyawesome-Crew.

Wir wünschen einen guten Start in den Mai!

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

1. RTL+: Neu im April 2026 (Serien, Reality-Shows und Filme)
2. Disney+: Neu im April 2026 (Serien, Dokus & Filme)
3. Kolumne: Rowling, Gaiman, Ulmen, Spacey – kann man zwischen Werk und Künstler trennen?
4. TV-Aufreger der Woche: Immer die gleichen Comedians bei „LOL: Last One Laughing“
5. TV-Thema der Woche: 100 Tage HBO Max in Deutschland – eine erste Bilanz
6. Star Trek steckt in seiner tiefsten Krise
7. Magenta TV+: Neu im April 2026 (Serien, Dokus und Filme)
8. Amazon Prime Video: Neu im April 2026 (Serien, Dokus und Filme)
9. Sky & WOW: Neu im Mai 2026 (Serien & Filme)
10. Netflix: Neu im Mai 2026 (Serien & Filme)

Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Jonas Monat

Im April hat mich die Star Trek: Starfleet Academy-Thematik noch umgetrieben. Nein, ich habe keine weitere Folge dieses Machwerks geschaut, aber ich habe endlich weiter „Star Trek: Strange New Worlds“ geschaut. Viele Kritiker von Academy finden ja auch die Serie um Christopher Pike gewöhnungsbedürftig. Ich finde, diese Serie hat einen Platz im Franchise verdient und ich freue mich schon auf die zwei finalen Staffeln der Serie.
Ansonsten schaue ich gerade sehr selektiv Serien; hervorheben möchte ich Mobland. Die Serie hat keinen Binge-Anfall ausgelöst, aber sie erfreut mich trotzdem und ab und zu gebe ich mir eine Episode. Pierce Brosnan gefiel mir als James Bond und jetzt als Bösewicht umso mehr – der Mann hat es einfach drauf.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Der April wusste wettertechnisch nicht so recht, was er wollte. Zwischen Winterjacke und T-Shirt war alles dabei. Deutlich verlässlicher zeigte sich dagegen mein Streamingmonat. Dort bestimmten vor allem Comic- und Manga-Adaptionen das Programm und sorgten für konstanten Nachschub.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im April habe ich die dritte Staffel „The Race“ abgeschlossen und es war im wahrsten Sinne des Wortes eine tolle Reise! Ganz große Empfehlung für dieses Format. Darüber hinaus habe ich mit „Arcane“ angefangen und auch, wenn ich normalerweise eigentlich keine Animationsserien schaue, habe ich hier echt Gefallen dran gefunden.

Habe ich gesehen

Während sich der Frühling hier gerade von seiner besten Seite zeigt, herrscht im kleinen US-Örtchen Hawkins tiefer Winter. In der schneebedeckten Landschaft tauchen plötzlich neue, unheimliche Kreaturen auf, was natürlich die Nerd-Freunde aus „Stranger Things“ auf den Plan ruft. Mit „Stranger Things: Tales from ’85“ erweitert Netflix sein Erfolgsuniversum um eine Animationsserie. Eigentlich eine gute Idee, denn der Schritt ins Zeichentrickformat eröffnet neue erzählerische Freiheiten und bietet gleichzeitig die Chance, bekannte Figuren in einem neuen Stil weiterzuerzählen. Ich habe in die ersten Folgen reingeschaut: Das Ganze sieht ordentlich aus. Ein klassischer Animationsstil wie bei „The Real Ghostbusters“ hätte zur Serie allerdings besser gepasst. Vermutlich wollte man junge Zuschauer:innen aber nicht verprellen und setzt daher eher auf einen angesagten Look à la „Arcane“. Aber auch so ist die neue Animationsserie gespickt mit Referenzen, Soundbites und Songs aus den 1980er Jahren. Doch ausgerechnet bei einem zentralen Element hakt es bei der Serie gewaltig: den Stimmen.

Anstatt auf die etablierten deutschen Synchronstimmen der Originalserie zurückzugreifen, scheint man hier neue Stimmen ausgewählt zu haben. Das Ergebnis ist irritierend. Figuren, die man über Jahre hinweg mit bestimmten Klangfarben, Betonungen und Eigenheiten verknüpft hat, wirken plötzlich seltsam entkoppelt von ihren Figuren. Gerade auf dem deutschen Markt ist Synchronisation mehr als eine reine Übersetzung. Stimmen sind ein Wiedererkennungsmerkmal und oft ein entscheidender Teil der Charaktere. Wenn Dustin, Max oder Hopper plötzlich anders klingen, entsteht erst einmal Distanz. Ich habe mich zumindest erst nach drei Episoden an die neuen Stimmen gewöhnt. Ein Blick auf andere Produktionen zeigt, wie wichtig die Stimmen sein können. Bei der Trickserie „Avengers: Gemeinsam unbesiegbar!” hat man sich im Deutschen bewusst für die bekannten Stimmen aus den Kinofilmen entschieden und der Serie so einen Mehrwert gegenüber dem US-Original geboten.

Warum klingen die Stimmen in „Stranger Things: Tales from ’85“ anders?

Gerade bei der Synchronisation des ersten Ablegers der Erfolgsserie will der Streamingriese Netflix offenbar Kosten sparen. Die bisher bekannten Sprecher:innen sollten ihre Stimmen vertraglich für KI-Schulungszwecke zur Verfügung stellen, damit sie bei zukünftigen Projekten möglicherweise nicht mehr benötigt werden. Die Sprecher:innen haben dem verständlicherweise widersprochen, woraufhin sie letztlich durch neue Stimmen ersetzt wurden. Zukünftig darf damit gerechnet werden, dass die KI-Synchronisation dauerhaft zum Einsatz kommt. Klar, sie ist schneller und günstiger. Wenn Stimmen jedoch als Datensätze behandelt werden, gerät schnell aus dem Blick, dass sie das Ergebnis von Erfahrung, Schauspiel- und Regiearbeit sind. Serien leben von Pausen, Betonungen und kleinen Nuancen. Hinzu kommt ein weiterer Punkt: Die Entscheidung, ob KI-Stimmen zum Einsatz kommen sollen oder nicht, sollte nicht den Zuschauer:innen überlassen werden. Nicht jede:r erkennt sofort, ob mit KI gearbeitet wurde, und noch weniger können überprüfen, wie die Synchronfassung entstanden ist. Transparenz wäre hier eigentlich Pflicht.

Gerade für eine weltweit erfolgreiche Serie wie „Stranger Things“ ist das ein nicht nachvollziehbarer Schritt. „Stranger Things: Tales from ’85“ zeigt exemplarisch, welchen Einfluss die Synchronisation auf das Seherlebnis haben kann. Zwar sparen Streamingdienste hier kurzfristig Geld, riskieren aber langfristig die Bindung ihres Publikums.

Bilder: Netflix

Den neuen Monat mit einem Feiertag zu starten, ist immer eine gute Idee. Der Mai ist da jedes Jahr wohlwollend. Dieses Jahr liegt der Feiertag auch so, dass direkt ein langes Wochenende daraus entsteht – optimal für ausgiebigen Seriengenuss. Ich persönlich freue mich im Mai besonders auf „The Boroughs“, das hier und da als die erwachsene Version von „Stranger Things“ beschrieben wird. Auch spannend: Ab dem 6. Mai stehen alle sechs Staffeln von „The Handmaid’s Tale“ auf Netflix zum Abruf bereit.

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

Glory (1. Staffel)

4. Mai

Dr. Seuss’s Horton! (2. Staffel)

6. Mai

Worst Ex Ever (2. Staffel)
Love is Blind Poland (1. Staffel)
The Handmaid’s Tale (1.-6. Staffel)

7. Mai

The Chestnut Man: Hide and Seek (Der Kastanienmann: Versteckspiel) (1. Staffel)
Legends (1. Staffel)

8. Mai

Thank You, Next (Danke – Nächster!) (3. Staffel)
My Royal Nemesis (1. Staffel)

11. Mai

Pop Culture Jeopardy! (1. Staffel)

12. Mai

Devil May Cry (2. Staffel)

13. Mai

Perfect Match (4. Staffel)
Between Father and Son (Entre padre e hijo) (1. Staffel)
Roosters (Gockel) (2. Staffel)

14. Mai

Nemesis (1. Staffel)
Soul Mate (1. Staffel)

15. Mai

Berlin and the Lady with an Ermine (Berlin und die Dame mit dem Hermelin) (1. Staffel)
The WONDERfools (1. Staffel)
ER (Emergency Room: Die Notaufnahme) (1.-15. Staffel)

20. Mai

Carizzma (Carísima) (1. Staffel)

21. Mai

The Boroughs (1. Staffel)

22. Mai

Mating Season (1. Staffel)

26. Mai

Jae-seok’s B&B Rules! (1. Staffel)

27. Mai

My 2 Cents (Due spicci – Das nötige Kleingeld) (1. Staffel)

28. Mai

Murder Mindfully (Achtsam Morden) (2. Staffel)
The Four Seasons (2. Staffel)

29. Mai

Calabasas Confidential (1. Staffel)
Brazil ’70: The Third Star (Brasilien 70: Der dritte WM-Stern) (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

19. Mai

Wanda Sykes: Legacy

31. Mai

AFI Life Achievement Award: A Tribute to Eddie Murphy

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

6. Mai

Countdown: Rousey vs. Carano

7. Mai

USA 94: Brazil’s Return to Glory (USA 94: Brasiliens Rückkehr an die Spitze)

12. Mai

Untold UK: Jamie Vardy
Marty, Life Is Short

13. Mai

The Bus: A French Football Mutiny (Der Bus: Die Revolte der Les Bleus)

15. Mai

The Crash (The Crash: Wenn junge Liebe toxisch wird)

19. Mai

Untold UK: Liverpool’s Miracle of Istanbul

21. Mai

James.

26. Mai

Untold UK: Vinnie Jones

29. Mai

Rafa

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

Son-In-Law (Der Schwiegersohn)
Swapped (Swapped – Getauscht)
Trauzeugen
My Dearest Señorita (Meine geliebte Señorita)

3. Mai

Sonne und Beton

4. Mai

Mädchen Mädchen

7. Mai

My Dearest Assassin

8. Mai

Remarkably Bright Creatures (Das Glück hat acht Arme)

13. Mai

Begin Again (Can a Song Save Your Life?)

22. Mai

Ladies First

28. Mai

Gladiator II

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine Mai 2026

5. Mai

Funny AF with Kevin Hart

11. Mai

The Roast of Kevin Hart

17. Mai

Ronda Rousey vs. Gina Carano

Ab nächsten Monat schwingt Nicolas Cage als düstere Spider-Man-Version durch die neue Serie „Spider Noir”. Cage leiht der Figur nicht nur seine Stimme, wie er es bereits in den „Spider-Verse“-Animationsfilmen getan hat, sondern er steht auch tatsächlich vor der Kamera. Wie zuletzt im Teaser-Trailer und jetzt auch im frisch veröffentlichten Trailer zu sehen ist, steht ihm die Rolle des Privatermittlers Ben Reilly und des netzschwingenden Helden namens The Spider ganz gut. Welchen Fall der Detektiv aus den 1930ern lösen muss, ist nach wie vor nicht ganz klar. Dafür bekommen wir mehr von den Schurken zu sehen, mit denen es der Held aufnehmen muss. Mit dabei sind Brandon Gleeson als Mafiaboss Silvermane, Abraham Popoola als einschüchternder Tombstone, Jack Huston als Sandman und Andrew Lewis Caldwell als Superschurke Megawatt.

Je mehr ich von der Serie sehe, desto zuversichtlicher bin ich, dass die erste Staffel, die aus acht Folgen besteht, gelungene Superhelden-Krimi-Kost bieten wird. Das Ganze gibt es sowohl in stilechtem Schwarz-Weiß als auch in Farbe. Ich vermute, dass sich die Macher:innen dann doch nicht getraut haben, den bunten Sehgewohnheiten der heutigen Zuschauer:innen ausschließlich eine Schwarz-Weiß-Version zu bieten. Ich werde jedenfalls in Schwarz-Weiß einschalten. Und ihr?

„Spider-Noir“ ist ab dem 27. Mai bei Prime Video verfügbar.

Bilder: Amazon Prime Video

– Elton war in Staffel 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Max Giermann war in den Staffeln 1, 2 und 4 dabei, in Staffel 3 als Gast
– Martina Hill war in den Staffeln 2 und 4 dabei, dann einmal Gast in Staffel 5 und bei einem Special dabei
– Michelle Hunziker war in Staffel 3 dabei, außerdem in einem Special
– Carolin Kebekus war in den Staffeln 1 und 3 dabei
– Barbara Schöneberger war in Staffel 1 dabei
– Olaf Schubert war in den Staffeln 3 und 5 dabei, in Staffel 4 als Gast sowei bei einem Special
– Torsten Sträter war in den Staffeln 1 und 5 dabei, in Staffel 2 als Gast sowie bei einem der Specials
– Tedros „Teddy“ Teclebrhan war in Staffel 1 dabei, außerdem in einem Special.

Ich meine, ich konnte mit dem Format sowieso nie viel anfangen, obwohl ich mich hier im Blog immer gerne mit dem Format beschäftige, wie auch zur letzten Ausgabe. ich find’s aber noch ermüdender, wenn sich dann auch immer die gleichen Personen um den „Sieg“ bemühen.

„LOL: Last One Laughing“ – warum nicht mal anderen Gästen eine Chance geben?

Es geht ja auch anders, wie das Spin-Off-Format „LOL Next“ zum Beispiel gezeigt hat, wo man mit Hazel Brugger zwar auf ein bekanntes Gesicht am Moderationsplatz gesetzt hat, sonst aber auf frische Teilnehmer:innen geachtet hat, in dem Fall Influencer:innen.

Auch Staffel 6 bot einiges an Abwechslung, das fand ich vom Ansatz her erfrischend. Mit Ariane Alter, Florian David Fitz, Giovanni Zarrella, Helene Bockhorst, Jürgen Vogel, Lutz van der Horst, Riccardo Simonetti und Till Reiners waren 8 der 10 Kandidat:innen Premierengäste, nur Ralf Schmitz und Hazel Brugger waren Wiederholungstäter.

Die Weiterentwicklung von „LOL“ ist für Volker Neuenhoff, Leiter Unterhaltung Deutsche Originals bei Amazon MGM Studios, ein bewusster Balanceakt: „Einerseits lebt das Format von seiner klaren, einfachen Grundidee – genau diese muss wiedererkennbar sein. Andererseits bietet das Universum genug Flexibilität, um neue Varianten zu entwickeln. Die kreativen Grenzen liegen dort, wo wir das Kernversprechen der Show gefährden würden: die unmittelbare, authentische Komik im Raum und das klare Regelwerk. Solange diese Elemente erhalten bleiben, sehen wir viel Spielraum für neue Ansätze – sei es durch unterschiedliche Cast-Konstellationen oder thematische Rahmungen. Wir prüfen kontinuierlich, wie sich das Format weiterdenken lässt, dabei geht es weniger darum, das Konzept radikal zu verändern, sondern es intelligent zu erweitern und für unterschiedliche Zielgruppen neu zu interpretieren. Unser Fokus bleibt dabei immer: die Marke LOL frisch zu halten, ohne ihre DNA zu verlieren.“

Klar ist auch: Gerade bei dem Format hängt eine Menge von den Gästen ab, insofern waren „LOL Next“ und Staffel 6 mal frische Ansätze. Wie gut diese beim Publikum ankamen, kann ich jetzt nicht einschätzen. Jetzt aber zehn Comedians ins Rennen zu schicken, die alle Wiederholungstäter:innen sind, ist dann irgendwie verschenkt. Sie kennen das Format, wissen, worauf zu achten ist, und die Gefahr ist für mich da, dass jeder nur noch mehr sein individuelles Comedy-Programm in Häppchen dort abspult, bunt aneinandergereiht und verbunden durch Bully Herbigs Moderation.

Philip Pratt, Leiter Deutsche Originals bei Amazon MGM Studios, erklärt die Häufung bekannter Gesichter in der Staffel 7 so: „Die wiederkehrende Zusammenarbeit mit bestimmten Talenten ist für uns ein wichtiger Bestandteil unserer inhaltlichen Strategie. Wir verstehen Prime Video nicht nur als Service, sondern auch als kreatives Zuhause, in dem langfristige Partnerschaften entstehen können. Wenn Talente in unterschiedlichen Formaten auftauchen – sei es in LOL oder anderen Originals – entsteht für das Publikum eine gewisse Vertrautheit und Wiedererkennbarkeit. Das stärkt die Bindung zu Prime Video insgesamt. Gleichzeitig ermöglicht uns diese kontinuierliche Zusammenarbeit, mit Kreativen an neuen Ideen zu arbeiten und Formate weiterzuentwickeln. Wir wissen, wie diese Talente arbeiten, und sie kennen unsere Erwartungen – das schafft Vertrauen und oft auch eine besondere, kreative Dynamik. Wichtig ist uns dabei aber immer die richtige Balance: Wir wollen sowohl bekannte Gesichter etablieren als auch neuen Stimmen eine Bühne geben. Genau diese Mischung macht unser Portfolio lebendig und relevant.“

Dabei gibt’s ja genug Potenzial, da auch unverbrauchte Gesichter zu platzieren. Das müssen für mich noch nicht einmal unbedingt Comedians sein – möglicherweise bringt auch gerade eine andere Mischung neuen Schwung in das Format. Warum nicht auch einmal mit Gästen starten, die man in dem Format gar nicht erwarten würde. Möglicherweise hängt die Entscheidung dagegen damit zusammen, dass man bei der Produktion auch darauf achten muss, dass das Format funktioniert. Nicht jede:r passt da mutmaßlich hinein. Für Volker Neuenhoff ist die Mischung entscheidend: „Wir wollen Gesichter dabei haben, die das Publikum kennt und liebt – aber auch Fresh Faces, die neue Energie reinbringen. Bei der Auswahl schauen wir auf mehrere Faktoren: Comedy-Talent, Persönlichkeit und Chemie. Wer bringt eine besondere Dynamik mit? Wer traut sich, die eigene Komfortzone zu verlassen? LOL lebt davon, dass die Teilnehmer:innen sich auf das Experiment einlassen. Es geht nicht nur darum, einzelne starke Persönlichkeiten zu besetzen, sondern ein Ensemble zu formen, das miteinander funktioniert und sich gegenseitig herausfordert. Am Ende ist LOL immer ein Zusammenspiel – und der Cast ist so kuratiert, dass genau diese Dynamik entstehen kann.“ Und ich hatte beim Interview mit den Teilnehmenden und Produzenten der 6. Staffel auch in diese Richtung gefragt und rausgehört, dass man sich sehr genau anschaut, dass auch die Chemie unter den Teilnehmenden stimmt. Denn auch wenn keiner der Gäste lachen darf – lustig soll’s ja trotzdem sein.

Bilder: Amazon Prime Video

Eine Folge ist vorbei, der Bildschirm wird schwarz – bis zur nächsten Folge dauert es mindestens ein paar Tage. Ich habe also Zeit, darüber nachzudenken, zu reflektieren, Vorfreude und Spannung zu empfinden und nichts machen zu können, als abzuwarten. Und das genieße ich gerade total, denn die Serie wird für mich über Wochen zum regelmäßigen Begleiter.

Raum für Diskurs

Es ist das ewige Diskussionsthema: Binge Watching oder Genuss in Häppchen? Auch hier im Blog haben wir in regelmäßigen Abständen darüber philosophiert, was besser ist: die Veröffentlichung aller Episoden einer Serie oder neuen Staffel an einem Stück oder in wöchentlichen Etappen. Und auch ich stehe dieser Frage gerade wieder gegenüber.

Stellt euch vor, die finale Staffel von „Stranger Things“ wäre in einem Rutsch veröffentlicht worden. Gut, einige meinen vielleicht, es wären uns allen damit zahlreiche Verschwörungstheorien zum (tatsächlichen) Ende der Serie erspart geblieben. Aber wie cool ist es denn, was für ein Diskurs daraus entstanden ist? Wie viele Leute sich ausgetauscht haben, wie viele coole Theorien ausgearbeitet wurden und wie viele Screenshots aus der Serie als vermeintliche Hinweise für oder wider der Idee, dass die Serie in Wirklichkeit noch gar nicht vorbei ist, dienten, wie viele Marken auf den Zug aufgesprungen sind und offensichtlich Teil dieses kulturellen Moments sein wollten. Herrlich! Natürlich wollte ich hier eigentlich auch immer sofort wissen, wie es weitergeht. Aber ich habe das Aushalten genossen.

Ich schaue aktuell die Reality-Spielshow „The Race“. Es läuft mittlerweile die dritte Staffel der Serie und neue Folgen erscheinen immer donnerstags und sonntags. Und ich hasse und liebe es! Hier kann ich nicht selbst kontrollieren, wie viele Episoden ich nun schaue, sondern habe eine natürliche Begrenzung für meinen Konsum. Und die Konsequenz? Die Serie begleitet mich nun seit einigen Wochen, an der Kaffeemaschine bei der Arbeit tausche ich mich über den aktuellen Stand der Show aus und am Ende jeder Folge bin ich traurig, dass es vorbei ist und ich warten muss – und gleichzeitig freue ich mich, dass sich das Erlebnis dadurch noch ein bisschen weiter streckt und ich noch ein bisschen länger mit den Protagonist:innen mitfiebern kann.

Natürlich könnte ich auch einfach warten bis alle Folgen veröffentlicht sind, um dann alles in einem Zuge zu schauen. Aber ich bin überzeugt, dass man Serien, die man binget, auch ganz anders schaut und anders – vielleicht sogar weniger – schätzt. Was mir an der etappenweisen Veröffentlichung besonders gut gefällt? Dass mir die Entscheidung abgenommen wird, wann und wie viele Episoden ich schaue – denn meistens gibt es sowieso nur eine weitere Folge, wenn ich weiterschaue. Und für weniger entscheidungsfreudige Menschen wie mich ist das genau das Richtige. Insbesondere, wenn im Alltag von morgens bis abends schon viele Entscheidungen getroffen werden müssen, entspannt es mich mehr, mich dann in der Freizeit ein bisschen treiben lassen zu können.

Momentaufnahme

Das ist eine Phase und ja auch gerade nur eine Serie, die das in meinem Leben betrifft. Es kommen auch wieder andere Zeiten und auch dann werde ich wöchentliche Episodenveröffentlichungen wieder verfluchen – vor allem den Faktor, dass ich nicht selbst bestimmen kann, ob ich weiterschaue oder nicht. Und bis dahin genieße ich den aktuellen Status. Denn vielleicht ist genau das der eigentliche Vorteil: nicht alles sofort haben zu können.

Wie der Zufall es allerdings so will, ist „The Race“ seit gestern vorbei und die finale Episode geschaut. Mist. Und jetzt?

In welchem Status befindet ihr euch gerade? Ist dieser an eine bestimmte Serie geknüpft, übertragt ihr eure Seh-Vorliebe einfach auf die Serien, die ihr gerne schaut oder lasst ihr euch treiben, wie es gerade passt?

Bilder: Das Cover-Bild wurde mithilfe von ChatGPT erstellt | Netflix | Fox

Auch die neue Staffel beweist: Die Serie ist immer dann am stärksten, wenn sie nah an ihren zentralen Charakteren bleibt. Genau dort entfaltet die vierte Staffel ihre größte emotionale Wucht, während sie in Momenten, in denen der Fokus zu stark auf Nebenfiguren oder Schauplätzen außerhalb der Hauptgeschichte verschoben wird, spürbar etwas an Zugkraft verliert. Die Ereignisse aus den vorherigen Episoden haben tiefe Spuren hinterlassen. Mark Grayson befindet sich in einem emotionalen Konflikt, der sich wie ein roter Faden durch die Handlung zieht. Seine Angst, seinem Vater immer ähnlicher zu werden, verleiht der Serie eine bemerkenswerte Tiefe. Diese innere Zerrissenheit ist es, die Mark Grayson so nahbar macht. Die Serie nimmt sich Zeit, um diese Entwicklung entsprechend aufzuzeigen. Marks erster bewusster Kill legt besonders eindrucksvoll dar, dass sich die Serie nicht für die Gewalt per se interessiert, sondern für die Konsequenzen. Auch Omni-Mans Versuch, Wiedergutmachung zu leisten, ist nicht so einfach. Stattdessen zeigt die Comic-Adaption, wie kompliziert und widersprüchlich echte Reue sein kann. Omni-Man ist kein klassischer geläuterter Bösewicht, sondern eine Figur, die zwischen alten Ideologien und neuen Einsichten schwankt. Seine Interaktionen mit Mark, aber auch mit seiner Ex-Frau Debbie und seinem zweiten Sohn Oliver gehören zu den emotionalen Höhepunkten der Staffel. Gerade die Gespräche zwischen Vater und Sohn sind oft intensiver als jede Actionszene.

Ein weiteres zentrales Thema der Staffel ist der Krieg im All. Mit der Eskalation des Konflikts zwischen den Viltrumiten und der Koalition der Planeten rückt die Serie die Konsequenzen von Gewalt zunehmend in den Mittelpunkt. Dabei gelingt es ihr, beide Seiten differenziert darzustellen. Zwar sind die Viltrumiten eindeutig als Aggressoren positioniert, doch auch die Gegenseite bleibt nicht frei von moralischen Grauzonen. Figuren wie Thaedus verkörpern diese Ambivalenz besonders deutlich. Dies wird in einigen Episoden eindrucksvoll umgesetzt, etwa wenn gezeigt wird, dass Kriege nicht nur von Helden, sondern vor allem von namenlosen Soldaten und Zivilisten getragen werden. Kriegsmontagen, in denen sich Kampfhandlungen mit ruhigen Momenten abwechseln, verdeutlichen auch die wahren Konsequenzen eines Krieges. Damit geht die Trickserie wieder einmal weit über klassische Superhelden-Erzählungen hinaus.

Allerdings zeigt sich auch, dass „Invincible“ nicht in jeder Episode das gleiche Niveau erreicht. Insbesondere dann, wenn der Fokus stärker auf Nebenfiguren oder neue Handlungsstränge gelegt wird, verliert die Serie etwas an Intensität. Episode vier ist ein gutes Beispiel dafür: Die Idee, einen offenen Handlungsstrang um die Verbannung des Ermittlers Damien Darkblood zu schließen, klingt grundsätzlich spannend. Doch im Vergleich zu den auf Mark und seine Familie fokussierten Episoden wirkt sie weniger packend, dabei stammt die eigens für die Serie geschriebene Folge von „Invincible“-Schöpfer Robert Kirkman persönlich. Auch visuell bleibt die Staffel auf gewohnt gutem Niveau. Die Actionsequenzen sind wieder brutal, dynamisch und teilweise erschreckend explizit inszeniert. Gerade die Kämpfe gegen die Viltrumiten gehören zu den intensivsten Momenten der Serie. Gleichzeitig nutzt die Animation gezielt ruhigere Szenen, um emotionale Augenblicke wirken zu lassen. Dieser Kontrast zwischen Gewalt und Intimität funktioniert auch in der vierten Staffel wieder gut. Ein weiterer Pluspunkt ist der Umgang mit wiederkehrenden Motiven und Running Gags wie beispielsweise der Auftritt der Mumie Ka-Hor. Dabei verliert sich die Serie nie in bloßem Fanservice, sondern integriert diese Elemente beiläufig in die Handlung. Gegen Ende der Staffel spitzt sich die Handlung zunehmend zu und mündet in einem Finale, das die Zuschauer:innen mit voller Wucht trifft. Die letzte Folge punktet dabei nicht mit einer großen Weltraumschlacht, sondern mit zwischenmenschlichen Situationen, die zu Tränen rühren. Ein Beispiel ist Eves bewegendes Geständnis. Die Entwicklungen rund um Mark, Omni-Man und die Viltrumiten deuten darauf hin, dass die Serie noch lange nicht am Ende ihrer Möglichkeiten angekommen ist.

Fazit

Auch die vierte Staffel ist eine überzeugende Fortsetzung, die vor allem durch ihre starken Charaktere und ihre emotionale Tiefe überzeugt. Einige kleinere Schwächen in einzelnen Episoden ändern nichts daran, dass die Serie weiterhin zu den spannendsten Vertretern des Superhelden-Genres gehört.

Bilder: Prime Video

Nach dem Ende von „Star Trek: Discovery“ und dem angekündigten Abschluss von „>„Star Trek: Strange New Worlds“ mit Staffel 5 sollte „Star Trek: Starfleet Academy“ dem Franchise neue Perspektiven eröffnen. Schon im Vorfeld wurde das Projekt jedoch von hitzigen Online-Debatten begleitet. Teile des Publikums kritisierten die Serie früh als „zu woke“, während andere darauf hinwiesen, dass sich hinter mancher Kritik weniger inhaltliche Einwände als vielmehr altbekannte Kulturkampfmuster verbergen. Jetzt ist „Star Trek: Starfleet Academy“ abgesetzt worden und Star Trek steckt in der Krise.

In diesem Artikel möchte ich auf die jüngere Vergangenheit des Franchise blicken und einordnen, welche Entwicklungen tatsächlich greifbar sind – und welche vor allem aus Gerüchten, Hoffnungen und Enttäuschungen bestehen.

Das Ende der Star-Trek-Filme

Bevor wir uns dem eigentlichen Heimterritorium von Star Trek widmen – den Serien –, lohnt sich zunächst ein Blick auf die Kinofilme.

Star Trek hat sein Publikum nicht nur im Fernsehen, sondern auch auf der großen Leinwand über Jahrzehnte begleitet. Obwohl das Franchise seine Fans mit Hunderten Episoden in insgesamt 11 Serien begeistert hat (mit „Short Treks“ wären es 12), war es auch im Kino lange präsent: zunächst mit der Original-Crew rund um Kirk in sechs Filmen, später mit der Crew aus „The Next Generation“ um Picard in vier weiteren. Nach „Star Trek: Nemesis“ (2002) war jedoch zunächst Schluss, bevor 2009 ein für Hollywood typischer Reboot folgte.

Die ersten beiden Filme der neuen Zeitlinie – „Star Trek“ (2009) und „Star Trek Into Darkness“ – fanden durchaus Anklang und waren kommerziell erfolgreich. Mit „Star Trek Beyond“ (2016) verlor die Neuauflage jedoch sichtbar an Momentum. Seitdem wurden zwar immer wieder neue Kinoprojekte angekündigt, darunter auch ein möglicher vierter Film mit der Crew um Chris Pine, doch ein echter Durchbruch blieb aus. Inzwischen wirkt es zumindest fraglich, ob diese Besetzung noch einmal in einem weiteren Film zurückkehren wird.

Ganz verschwunden sind Filmpläne rund um Star Trek allerdings nicht. Parallel zu den Diskussionen um einen möglichen vierten Kelvin-Film befanden sich zeitweise weitere Projekte in Entwicklung, darunter auch ein neuer Film mit anderer Ausrichtung. Ein konkreter Starttermin oder eine klare Perspektive für die Rückkehr von Star Trek ins Kino lässt sich daraus bislang aber nicht ableiten.

Einen Sonderfall stellt „Sektion 31“ dar. Dabei handelt es sich nicht um einen klassischen Kinofilm, sondern um einen direkt für das Streaming produzierten Film. Ursprünglich war das Projekt als Serie geplant, wurde nach Verzögerungen durch die Pandemie und veränderten Produktionsbedingungen schließlich in ein Filmformat umgewandelt. Die Reaktionen fielen überwiegend negativ aus, weshalb man nicht mit einer Fortsetzung rechnen sollte.

Das Ende der Serien

Seit dem Ende der klassischen „TNG-Ära“ mit „Star Trek: The Next Generation“, „Star Trek: Deep Space Nine“ und „Star Trek: Voyager“ hat das Franchise mehrfach versucht, sich neu zu erfinden.

Zunächst geschah das mit „Star Trek: Enterprise“. Die Serie stand von Beginn an unter Druck, an frühere Erfolge anzuknüpfen, und suchte erst nach und nach zu ihrer eigenen Identität. Gerade in den späteren Staffeln gewann sie deutlich an Profil, wurde am Ende aber dennoch nach vier Staffeln eingestellt.

Danach dauerte es fast zwölf Jahre, bis mit „Star Trek: Discovery“ der große TV-Neustart erfolgte. Die Serie startete mit viel Aufmerksamkeit, großem Budget und dem Anspruch, Star Trek für ein neues Publikum zu modernisieren. Aus meiner Sicht war gerade die erste Staffel in vielerlei Hinsicht mutig und experimentierfreudig. Auch die zweite Staffel hatte noch starke Momente. Danach verlor die Serie für viele Zuschauer allerdings zunehmend an Klarheit und Richtung.

Ähnlich zwiespältig fällt der Blick auf „Star Trek: Picard“ aus. Die Serie profitierte enorm von der Rückkehr Patrick Stewarts und vom Nostalgiefaktor, konnte die hohen Erwartungen aber vor allem in den ersten beiden Staffeln nur teilweise erfüllen. Erst die dritte Staffel sorgte mit ihrer starken TNG-Rückbindung bei vielen Fans für eine versöhnlichere Gesamtwahrnehmung.

„Star Trek: Strange New Worlds“, das aus „Discovery“ hervorging, ist für viele Zuschauer die bislang gelungenste Live-Action-Serie der neuen Trek-Ära. Der episodischere Ansatz, die stärkere Nähe zum klassischen Seriengefühl und die insgesamt leichtere Tonalität kamen deutlich besser an. Umso bemerkenswerter ist es, dass auch diese Serie mit einer fünften Staffel enden soll.

Hinzu kommen die animierten Serien „Star Trek: Lower Decks“ und „Star Trek: Prodigy“. Beide haben ihr Publikum gefunden, wenn auch auf sehr unterschiedliche Weise. „Lower Decks“ funktioniert als schnelle, selbstreferenzielle Comedy innerhalb des Franchise, während „Prodigy“ eher als familienfreundliches Abenteuerformat angelegt ist. Für die Gesamtwahrnehmung der Marke spielen beide eine Rolle, stehen aber weniger im Zentrum der öffentlichen Diskussion.

Mit „Star Trek: Starfleet Academy“ wurde der bislang jüngste Versuch gestartet, dem Franchise im Live-Action-Bereich neue Energie zu geben. Gerade deshalb hingen an dieser Serie besonders hohe Erwartungen. Sie sollte nicht nur als eigenständiges Format funktionieren, sondern auch die Frage beantworten, wie Star Trek nach „Discovery“ und „Strange New Worlds“ weitergehen kann. Das ist eine enorme Last für ein einzelnes Projekt.

Mit dem Aus der Serie und ohne weitere aktuelle Projekte steht Star Trek aktuell still und steckt in einer tiefen Sinnkrise.

Die Rolle von Alex Kurtzman

Alex Kurtzman ist seit 2009 eine der prägenden Figuren des modernen Star Trek. Schon beim Kinoreboot war er kreativ beteiligt, später wurde er zur zentralen Schlüsselfigur des Franchise im Serienbereich. Auch außerhalb von Star Trek ist sein Name in Hollywood längst etabliert; Produktionen wie „Fringe“ gehören ebenfalls zu seiner Laufbahn.

Innerhalb des Franchise fällt die Bilanz allerdings gemischt aus. Einerseits hat Kurtzman maßgeblich dazu beigetragen, Star Trek nach langer Pause überhaupt wieder als laufendes Serienuniversum zu etablieren. Ohne ihn gäbe es die aktuelle Fülle an Trek-Produktionen vermutlich nicht. Andererseits wird gerade diese Ära von vielen Fans als inhaltlich sehr schwankend wahrgenommen: ambitioniert, teuer und produktiv, aber qualitativ nicht immer konstant.

Dazu kommt, dass Kurtzmans Name inzwischen für einen sehr bestimmten Stil steht: stärker serialisiert, emotionaler, oft actionbetonter und deutlich näher an modernen Franchise-Erzählweisen als viele klassische Trek-Serien. Für manche war das eine notwendige Modernisierung, für andere eine Entfremdung von dem, was Star Trek eigentlich ausmacht.

Sein aktueller großer Deal mit CBS Studios läuft nach bisherigem Stand bis 2026. Gerade deshalb wird seit Längerem spekuliert, ob das Franchise vor einer Neuordnung steht. Offiziell ist dazu wenig bekannt, doch vieles deutet darauf hin, dass Star Trek in den kommenden Jahren zumindest strategisch neu ausgerichtet werden könnte.

Gerüchte, Wunschprojekte und misslungene Ideen

Wie bei fast jedem großen Franchise existiert auch rund um Star Trek eine dauerhafte Gerüchteküche. Manche Ideen schaffen es nie über die Fan-Diskussion hinaus, andere werden intern offenbar ernsthaft erwogen, ohne jemals offiziell bestätigt zu werden.

Besonders häufig genannt wird seit dem Ende von „Star Trek: Picard“ ein mögliches Spin-off um Seven of Nine, Raffi Musiker und die neue Enterprise-Crew. Im Fandom läuft dieses Projekt meist unter dem Titel „Star Trek: Legacy“. Terry Matalas hat mehrfach deutlich gemacht, dass er an einer solchen Fortsetzung interessiert wäre. Offiziell angekündigt oder in Auftrag gegeben wurde die Serie bislang allerdings nicht.

Daneben kursieren seit geraumer Zeit Überlegungen zu einer möglichen Fortsetzung rund um James T. Kirk in der von „Strange New Worlds“ eingeführten Version mit Paul Wesley. Teilweise fällt in diesem Zusammenhang der Name „Star Trek: Year One“. Bisher handelt es sich dabei aber eher um ein öffentlich geäußertes Wunschprojekt als um eine konkret bestellte Serie.

Auch im Filmbereich zeigt sich dieses Muster immer wieder: viele Ideen, viele Schlagzeilen, aber nur wenige wirklich belastbare Fortschritte. Genau das verstärkt den Eindruck, dass Star Trek momentan zwar alles andere als tot ist, seine kreative Richtung aber noch nicht wieder klar gefunden hat.

Star Trek ist nicht am Ende – aber in einer schwierigen Phase

Trotz aller Rückschläge wäre es verfrüht, Star Trek abzuschreiben. Dafür ist die Marke zu bekannt, zu traditionsreich und wirtschaftlich zu wertvoll. Franchises dieser Größenordnung verschwinden in der Regel nicht einfach – sie pausieren, sortieren sich neu und kehren irgendwann in veränderter Form zurück.

Gleichzeitig zeigt die Vergangenheit, dass eine große Marke auch längere Übergangsphasen durchlaufen kann. Zwischen „Star Trek: Enterprise“ und „Star Trek: Discovery“ lagen fast zwölf Jahre. Diese Zeitspanne erinnert daran, dass selbst ein Franchise mit so großer Geschichte nicht automatisch und ohne Unterbrechung präsent bleibt.

Star Trek mag also nicht am Ende sein, könnte aber in eine längere Phase des Tiefschlafs übergehen. Sollte Alex Kurtzman das Franchise tatsächlich nicht weiterführen – wovon derzeit einiges ausgeht –, wird Paramount wohl nach einer neuen kreativen Leitung suchen. Gleichzeitig dürfte man sehr vorsichtig sein, bevor eine neue Serie oder ein weiterer Film beauftragt wird. Star Trek ist schließlich ein teures Franchise, und die bislang eher verhaltene Resonanz auf „Starfleet Academy“ zeigt, dass neue Projekte keineswegs Selbstläufer sind. Insofern ist Star Trek vielleicht nicht am Ende, befindet sich aber in einer Art Koma – mit der Ungewissheit, wann und in welcher Form das Franchise wieder erwacht.

Bilder: Paramount+ / CBS Studios

… und damit auch der Grund, warum sich Warner Bros. Discovery so lange Zeit gelassen hat mit einem Start. Denn schließlich gab es eine umfangreiche Kooperation mit dem deutschen Pay- und Streaminganbieter, der sich selbst in Deutschland als „Home of HBO“ bezeichnete. Dazu gab es eine Vereinbarung zwischen Sky und HBO, nach der ein Großteil der HBO-Eigenproduktionen exklusiv und direkt bei Sky landen, von „Euphoria“ über „Game of Thrones“ bis „True Detective“. Eine ähnliche Vereinbarung hatte Sky auch mit Netflix: Lange vor dem Start des Streamingdienstes in Deutschland hatte Sky sich „House of Cards“ exklusiv gesichert – so dass die Serie auch dann noch lange exklusiv bei Sky lief, obwohl Netflix selbst längst buchbar war. Sowohl in dem Fall als auch bei HBO hat Sky entsprechend clever agiert.

Eine gewisse Verunsicherung ist da – was läuft auch bei Sky, was nur bei HBO?

Netflix‘ Vorteil war, dass es sich nur um eine Serie aus dem Portfolio handelte. Bei HBO ist gleich ein sehr großer Teil des HBO-Kataloges bei Sky gelandet – und bis heute noch verfügbar, was die Lage etwas undurchsichtig für die Kund:innen macht und den Entschluss erschwert, HBO Max zu buchen. Der Deal, den wir hier im Blog ausführlich beschreiben haben, sieht vor, dass abgeschlossene HBO-Serien zu HBO wandern, laufende Serien von Sky zu Ende geführt werden können – und parallel bei HBO anlaufen. Diese Übergangsfrist ist komfortabel für Sky und natürlich auch erstmal bequem für uns Kund:innen, denn wer den Fokus auf bestimmte aktuelle HBO-Serien gelegt hat, kann entspannt weiter bei Sky bleiben. Aber es ist dennoch ein Abo auf Zeit, denn neue HBO-Serien, die gibt es nur noch bei HBO Max.

Ich selbst bin seit Jahren Sky-Kunde, habe mich dann aber doch für eine Kündigung entschieden, weil gefühlt abseits der HBO-Serie bei Sky nicht mehr viel übrig bleibt. Und die neuen Serien, die es nur bei HBO gibt, sind für mich absolut überzeugende Argumente gewesen, dann doch OK zu klicken beim HBO-Abo: „A Knight of the Seven Kingdoms“ zum Beispiel, oder die vielfach ausgezeichnete Serie „The Pitt“, die HBO mutmaßlich für den Deutschland-Start Sky vorenthalten hatte, oder auch „DTF St. Louis“ – alles wirklich tolle Serien, die ich ohne Wechsel verpasst hätte. Und es kündigt sich ja noch mehr an, wie die „Harry Potter“-Serie zum Beispiel.

Überrascht war ich, dass es zum Start von HBO Max keine Aktionsangebote gab. Lediglich ein Kombiabo mit RTL+ war möglich, ich hätte aber auf Einführungsangebote gehofft. Nach einiger Zeit des Abwartens bin ich dann trotzdem zu HBO gegangen und habe Sky gekündigt – nur um Sky jetzt übrigens doch wieder zu abonnieren, weil jetzt hier nämlich günstige Aktionsangebote auf den Markt kamen. Für den Preis gönne ich mir Sky jetzt weiter, um zum Beispiel „The Rookie“ weiter zu schauen, eigentlich eine bei Disney+ beheimatete Serie, die Sky irgendwann mal – genau – ebenfalls exklusiv lizensiert hatte.

Erster Eindruck von HBO – so läuft der Streamingdienst im Alltag

Wie ist jetzt der erste Eindruck bei HBO Max nach 100 Tagen am Markt? Hier im Blog hatten wir ja schon einen Einblick direkt nach dem Start gegeben. Auch da hatte sich schon gezeigt: Erstmal ist es natürlich ein Streamingdienst wie jeder andere. Plattform und Handhabung machen jetzt keinen großen Unterschied zu Netflix oder Paramount+. HBO Max besticht natürlich durch die Qualität des Angebotes, mit den vielen, wirklich hochwertigen HBO- und Max-Originalen. Das macht schon Spaß, als Serien- (und auch als Film-)Fan reinzuschauen und neue Titel zu entdecken. Dazu kommen zahlreiche Klassiker-Titel von HBO oder aus dem Warner-Archiv, so dass man erstmal gut zu tun hat, sich mit den Titeln zu beschäftigen. Aufgeteilt ist der Dienst ganz simpel in Serien, Filme, HBO und – Sport; etwas überraschend, ja, aber HBO Max war ja extra zu den Olympischen Winterspielen 2026 gestartet, um möglichst öffentlichkeitswirksam zu sein. Hier laufen nach wie vor exklusive Sportsendungen, auch viel Live-Sport, allerdings nicht gerade von den beliebtesten Hauptsportarten. Gewundert hat mich bis hierhin, dass HBO nicht mehr aus seinen Film- und Serienuniversen macht. Das „Game of Thrones“-Universum, die DC-Welt oder die „Harry Potter“-Kollektion finden sich nur als einfache Kachel irgendwo im Wust der anderen Angebote. Da hätte ich eher erwartet (und fänd’s auch praktischer), wenn HBO das als prominente Kachel ganz oben im Dienst platzierte, wie Disney das mit Star Wars, Marvel & Co. macht.

Unsicher bin ich, ob es erfolgsversprechend für HBO Max ist, auf Eigenproduktionen für Europa zu setzen. „Banksters“ heißt das erste deutschsprachige Original, und dann steht noch „4BLOCKS ZERO“ an, ein Spin-Off zur deutschen Warner-Erfolgsserie „4BLOCKS“. Generell deutschen Produktionen einen Platz einzuräumen, nachdem sich Paramount+ & Co. sang- und klanglos davon zurückgezogen haben, ist definitiv schonmal lobenswert.

Nicht gerade erleichtert haben dürfte HBO Max den Start die Diskussion um die Zukunft des Medienunternehmens. Immerhin hatten sowohl Netflix als auch Paramount Interesse an Warner gezeigt – das führte zu einem Bieterstreit und zu einem Gezerre über die Zukunft von HBO. Wird Max Teil von Netflix? Oder von Paramount+? Oder bleibt’s eigenständig? Zu viel Unsicherheit für den einen oder anderen möglicherweise – auf jeden Fall eine weitere Herausforderung für den Anbieter, HBO Max sorgfältig im deutschen Markt einzuführen und zu etablieren. Aber es sind ja erst 100 Tage – mal sehen, wie sich das weitere Jahr entwickelt – vor allem dann, wenn zu Weihnachten 2026 die Harry Potter-Serie startet – exklusiv, nur bei HBO Max; und dann auch sicher verbunden mit einem ganz speziellen Weihnachtsangebot für alle, die noch nicht bei HBO Max sind.

Bilder: HBO

Der April macht ja bekanntlich, was er will – also lasst uns schon mal einen Blick auf den Mai und dessen Sky-Programm werfen. Da freue ich mich besonders auf die Sonderprogrammierung zu David Attenboroughs 100. Geburtstag. Was steht auf eurer Watchlist?

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine Mai 2026

4. Mai

A Plan to Kill (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

6. Mai

Inside FBI – Die härtesten Fälle (5. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)
Boston Blue (1. Staffel – Sky One, Sky & WOW)

7. Mai

The Blacklist (9. & 10. Staffel – Sky & WOW)

13. Mai

Wetterwahnsinn weltweit (5. Staffel – Sky & WOW)

17. Mai

Nationalparks – Geschützte Naturwunder (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

18. Mai

Life Below Zero (7. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

21. Mai

Die Freeway-Killer: Drei Serientäter, ein Muster (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)
Ralf & Étienne: Wir sagen Ja! (4-teilige Doku – Sky One, Sky & WOW)

22. Mai

Deadly 60 – Die gefährlichsten Tiere der Welt (6. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

25. Mai

Chicago Fire (14. Staffel – Universal TV, Sky & WOW)
Chicago Med (11. Staffel – Universal TV, Sky & WOW)

26. Mai

Geheimakte Nazi-Wissenschaft (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

30. Mai

Matlock (2. Staffel – Universal TV, Sky & WOW)

Neue Filme bei Sky:
Starttermine Mai 2026

1. Mai

The Negotiator

2. Mai

The Dogs

8. Mai

Counting Crows: Chronik einer Kultband (Doku)
Kindermusik: Zwischen Kunst und Klicks (Doku)
The Smashing Machine

9. Mai

The Bad Shepherd

14. Mai

The Boston Strangler: Unheard Confession (Doku)

15. Mai

Ein Sommer in Italien – Die WM 1990 (Doku)
Black Phone 2

16. Mai

Bugonia

22. Mai

Benetton Formula (Doku)
Wicked – Part 2

23. Mai

Gabby’s Dollhouse: The Movie

28. Mai

The Strangers: Chapter 2

29. Mai

Die Schule der magischen Tiere 4

Sonderprogrammierung:
100. Geburtstag David Attenborough

Die Frequenz der Themen, die eine extreme Dringlichkeit haben und die Berichterstattung dominieren, ist so dermaßen gestiegen, dass man gar nicht mehr weiß, worauf man sich eigentlich konzentrieren soll – oder worüber man sich gerade sorgen bzw. echauffieren sollte.
Und während ich diese Zeilen schreibe, bahnt sich wahrscheinlich schon das nächste weltbewegende Ereignis an.

Ganz neu ist dieser Zustand nicht – aber die Intensität schon.

Was macht das mit uns?
Typischerweise konsumieren wir mehr Nachrichten, sobald eine Krise herrscht. Man möchte informiert sein, um sich ein Gefühl von Kontrolle und Sicherheit zu verschaffen und nicht überrascht zu werden.

Da Krise aber inzwischen fast ein Dauerzustand ist, gibt es auch eine gegenläufige Tendenz: Überforderung. Niemand kann dauerhaft im Alarmzustand bleiben.
Was macht man also? Man vermeidet Nachrichten. Nicht komplett, aber dosiert – etwa im Sinne von: Ich muss mir nicht auch noch die Sondersendung oder die Talkshow nach den Nachrichten anschauen.

Studien zeigen, dass dieser Trend real ist.
Der Digital News Report 2024 des Reuters Institute for the Study of Journalism, eine der weltweit größten Untersuchungen zum Nachrichtenkonsum mit Daten aus 47 Ländern, kommt zu dem Ergebnis, dass ein wachsender Anteil der Bevölkerung Nachrichten bewusst meidet. Ein zentraler Grund: Viele empfinden die Berichterstattung als zu negativ, zu überwältigend oder emotional belastend. Rund vier von zehn Befragten geben an, sich durch Nachrichten erschöpft zu fühlen.
Gleichzeitig zeigt die Studie, dass die Menschen sich nicht vollständig abwenden, sondern selektiver konsumieren: kürzer, gezielter und oft mit dem Versuch, belastende Inhalte zu reduzieren.

Ich für meinen Teil kann das absolut unterschreiben. Mir ist es zu viel geworden. Eigentlich war ich immer ein sehr nachrichteninteressierter Mensch – aber das eigene Seelenheil braucht eben auch Priorität.

Wie sieht es bei euch aus? Reduziert ihr euren Nachrichtenkonsum inzwischen auch bewusst?

Ich komme gerade erst von einer kleinen Ruhrpott-Tour zurück. Ein bisschen treiben lassen, ein bisschen gucken, ein bisschen dieses sehr spezielle Gefühl aufsaugen, das man zwischen Hafenbecken, Backstein, Brücken, Industriekulisse und Trinkhalle eben nur dort bekommt. Und wie das dann so ist: Kaum läuft man durch solche Ecken, fängt das Serien- und Filmhirn automatisch an zu rattern. Moment mal – hier könnte doch auch … Und ja: Genau so ist es. Im Ruhrgebiet wurde und wird deutlich mehr gedreht, als man im ersten Moment auf dem Schirm hat.

Klar, „Der letzte Bulle“ fällt einem sofort ein. Muss auch. Die Serie gehört zu Essen und zum Reviergefühl wie Mick Brisgau zu seinem völlig unzeitgemäßen Charme. Dabei ist Essen nicht nur inhaltlich die Heimat der Serie, sondern tatsächlich auch einer ihrer wichtigen Drehorte. Genannt werden unter anderem das Essener Rathaus, die Grugahalle, das Haus der Technik und die Alte Synagoge. Ganz sauber muss man allerdings dazusagen: Nicht alles wurde im Ruhrgebiet gedreht, manches entstand auch in Köln und Umgebung. Aber selbst mit diesem Zusatz bleibt der Eindruck derselbe: Diese Serie lebt auch deshalb, weil sie nach Revier aussieht, nach Revier klingt und dieses leicht raue, ehrliche Stadtbild mitnimmt.

Spannend ist aber, dass es mit Der letzte Bulle eben längst nicht getan ist. Beim „Tatort“ etwa lohnt sich ein zweiter Blick, weil „Ruhrpott-Tatort“ eigentlich mehrere Dinge gleichzeitig meint. Da wäre natürlich der Dortmund-Tatort, der seine Stadt immer wieder sichtbar mitspielt: Phoenix-West, der Hafen, diese harten Kanten, diese Übergangsorte, dieses Gefühl von urbaner Fläche, die nicht geschniegelt wurde, bevor die Kamera kam. Und dann gibt es eben noch die eigentliche Legende des Revier-Krimis: Schimanski. Die Stadt Duisburg pflegt diese TV-Geschichte bis heute so offensiv, dass es dort sogar eigene Schimmi-Touren zu den legendären Drehorten in Ruhrort, in der Innenstadt und am Innenhafen gibt. Mehr Auszeichnung als das bekommt ein Fernsehmythos eigentlich nicht: Wenn aus einer Figur irgendwann Stadtführung wird, hat sie ihren Platz im kollektiven Gedächtnis sicher.

Überhaupt ist Duisburg bei so einer Recherche ein erstaunlich ergiebiger Treffer. Wenn man sich anschaut, was die Stadt selbst zu Film- und Fernsehdrehs aufführt, wird ziemlich schnell klar, dass Duisburg weit mehr ist als nur „auch mal Kulisse“. Gerade die Mischung aus Hafen, Wasser, Industrie, Brache, Weite und Stahl macht die Stadt offensichtlich seit Jahren attraktiv für Produktionen. Das Interessante daran: Duisburg spielt vor der Kamera nicht nur Duisburg. Es spielt Milieu, Atmosphäre, Härte, Übergang, Vergangenheit – manchmal sogar Zukunft. Das Ruhrgebiet ist eben nicht bloß Hintergrund, sondern bringt fast immer schon ein Gefühl mit ins Bild.

Ein besonders schönes Beispiel dafür ist „Babylon Berlin“. Dass eine so stilisierte, historisch aufgeladene Serie auch im Ruhrgebiet andockt, klingt auf dem Papier vielleicht erst mal überraschend. Vor Ort ergibt es sofort Sinn. Der Landschaftspark Duisburg-Nord wurde für mehrere Szenen genutzt und taucht genau deshalb in dieser Recherche fast zwangsläufig als Schlüssellocation auf. Denn der Ort kann etwas, das nur wenige Drehorte können: Er ist extrem konkret und gleichzeitig komplett verwandelbar. Er sieht nach Industriegeschichte aus, aber auch nach dystopischer Fantasie, nach Weltkriegsnachhall, nach Parallelwelt, nach allem, was Regisseurinnen und Regisseure gern „Atmosphäre“ nennen, wenn sie eigentlich meinen: Dieser Ort erzählt schon, bevor eine Figur den Mund aufmacht.

Und dann wird es fast ein bisschen absurd – im besten Sinn. Denn derselbe Landschaftspark Duisburg-Nord taucht eben nicht nur in deutschen Prestigeproduktionen auf, sondern auch bei „Die Tribute von Panem: Das Lied von Vogel und Schlange“. Das ist so ein Fund, bei dem sich das Bild vom Ruhrgebiet ganz elegant einmal um die eigene Achse dreht. Die alte Industriearchitektur, die man hierzulande lange vor allem mit Strukturwandel, Ruß und Malocherromantik verbunden hat, funktioniert plötzlich auch als internationale Blockbuster-Kulisse. Nicht trotz ihrer Rauheit, sondern gerade wegen ihr. Weil diese Orte eben nicht glatt sind. Weil sie Widerstand im Bild haben. Weil sie nicht so aussehen, als wären sie gestern von einer Architekturvisualisierung ausgespuckt worden.

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Erkenntnis nach so einer kleinen Tour durchs Revier: Der Ruhrpott ist als Drehort nicht deshalb interessant, weil er geschniegelt oder postcard-ready wäre. Sondern weil er Charakter hat. Weil er Ecken zulässt. Weil er Geschichte nicht versteckt. Und weil er in Serien und Filmen genau das liefert, was vielen austauschbaren Hochglanzkulissen fehlt: Textur. „Der letzte Bulle“, Schimanski, der Dortmund-Tatort, „Babylon Berlin“ oder selbst ein Hollywood-Abstecher wie „Die Tribute von Panem“ zeigen letztlich alle auf ihre Weise, dass das Ruhrgebiet keine x-beliebige Kulisse ist. Es bringt seine eigene Erzählung immer schon mit.

Und genau deshalb macht es so einen Spaß, dort herumzulaufen und immer wieder diesen einen Gedanken zu haben:
Klar. Natürlich wurde genau hier gedreht. Wo denn sonst? Alle Bilder in diesem Artikel sind übrigens von mir selbst „gehandy-knippst“ worden. Und vielleicht passt genau das ja auch ganz gut zum Ruhrpott: nicht geschniegelt, nicht geschniegelt werden wollend, aber ziemlich genau hingesehen.

Bilder: Chris Wright

Ende Juli wird Jon Bernthal als Punisher sein Leinwanddebüt in „Spider-Man: Brand New Day“ feiern. Zuvor spendiert Disney+ dem Antihelden noch ein eigenes TV-Special. Viel ist zur Handlung noch nicht bekannt. Im Fokus steht jedoch erneut Frank Castle, der sich mit seinen Kriegstraumata und dem Verlust seiner Familie auseinandersetzt und dabei offenbar versucht, einen neuen Lebensweg einzuschlagen. Dass dieser Weg nicht ohne brutale Konfrontationen auskommt, deutet der erste Trailer bereits an.

„Mehr hast du nicht drauf? Das ist alles?“

Den Trailer im O-Ton findet ihr hier.

Seinen ersten Auftritt als Punisher hatte Jon Bernthal in Staffel 2 von „Daredevil“. Es folgten zwei Staffeln der Solo-Serie „The Punisher“ sowie zuletzt ein Wiedersehen in Staffel 1 von „Daredevil: Born Again“. Am neuen Special war Bernthal diesmal auch kreativ beteiligt und schrieb gemeinsam mit Regisseur Reinaldo Marcus Green am Drehbuch. Neben bekannten Gesichtern wie Jason R. Moore als Curtis Hoyle sind auch Neuzugänge dabei, darunter Mila Jaymes als die aus den Comics bekannte Gegenspielerin, Ma Gnucci.

„The Punisher: One Last Kill“ ist ab dem 13. Mai bei Disney+ verfügbar.

Bilder: Disney

„The Boys“ Staffel 5, exklusiv verfügbar ab 8. April 2026

Die mehrfach mit dem Emmy ausgezeichnete Serie „The Boys“ steuert mit der 5. Staffel auf ihr Finale zu. Die neue Staffel startet am 8. April 2026 mit zwei Episoden, gefolgt von einer neuen Folge pro Woche bis zum Serienfinale am 20. Mai 2026. In der fünften und letzten Staffel ist die Welt in Homelanders Hand vollständig seinen unberechenbaren, egozentrischen Launen ausgeliefert. Hughie, Mother’s Milk und Frenchie sind in einem „Freedom Camp“ gefangen. Annie kämpft verzweifelt darum, einen Widerstand gegen die überwältigende Supe-Macht aufzubauen. Kimiko ist spurlos verschwunden. Doch als Butcher wieder auftaucht – bereit und willens, ein Virus einzusetzen, das alle Supes auslöschen würde – löst er eine Kette von Ereignissen aus, die die Welt und jeden darin für immer verändern wird.

„Balls up“, exklusiv verfügbar ab 15. April 2026

Die neue Komödie „Balls Up“ von Regisseur Peter Farrelly startet am 15. April 2026 weltweit bei Prime Video. In den Hauptrollen sind Mark Wahlberg und Paul Walter Hauser zu sehen. Sie verkörpern zwei Marketing-Manager, die mit einer gewagten Idee für einen Sponsoring-Deal bei der Fußball-Weltmeisterschaft für Aufsehen sorgen. Zum weiteren Cast gehören unter anderem Benjamin Bratt, Eva De Dominici und Daniela Melchior sowie Molly Shannon, Sacha Baron Cohen und Eric André. Worum geht’s? Nach einer eskalierenden Partynacht in Brasilien geraten die zwei Marketingmanager in einen internationalen Skandal – und müssen sich auf eine turbulente Flucht vor wütenden Fans, Kriminellen und mächtigen Strippenziehern begeben, um ihre Karrieren und ihr Leben zu retten.

„Mission Unknown“, exklusiv verfügbar ab 22. April 2026

Die Challenges sind in vollem Gange und Prime Video gibt die ersten Teilnehmer:innen von „Mission Unknown: The Unexpected“ bekannt: Neben Jens „Knossi“ Knossalla begeben sich Nadine Breaty, Otto „Bulletproof“ Karasch, Max Schradin und Paul „Paulomuc“ Fischer auf die Reise zu unbekannten Zielen und Herausforderungen. „Mission Unknown: The Unexpected“ ist ab dem 22. April 2026 bei Prime Video verfügbar. Wer noch die Reisen antritt, welche Orte bereist werden und welche Teams ihre Missionen bestreiten, wird in den nächsten Wochen bekannt gegeben. Mission Unknown: The Unexpected erscheint bei Prime Video und zwei Wochen später auf Knossis YouTube-Kanal.

„Das Geisterhaus“ Staffel 1, exklusiv verfügbar ab 29. April 2026

Die neue Prime Original-Serie „Das Geisterhaus“ wird ab dem 29. April bei Prime Video verfügbar sein. Die erste Spanisch-sprachige Fernsehadaption basierend auf Isabel Allendes international gefeiertem gleichnamigen Roman wird eine achtteilige Familiensaga. Sie begleitet drei Generationen von Frauen – Clara, Blanca und Alba – über ein halbes Jahrhundert hinweg und erzählt von den Klassenkämpfen, politischen Umwälzungen und der Magie ihres konservativen südamerikanischen Heimatlandes. In „Das Geisterhaus“ wird Alfonso Herrera die Rolle des Esteban Trueba übernehmen, während Nicole Wallace und Dolores Fonzi die Clara del Valle in verschiedenen Lebensabschnitten darstellen. Zur Besetzung gehören außerdem Fernanda Castillo als Férula, Aline Kuppenheim als Nivea del Valle, Eduard Fernández als Severo del Valle, Sara Becker und Fernanda Urrejola als Blanca, Rochi Hernández als Alba, Juan Pablo Raba als Tío Marcos, Pablo Macaya und Nicolás Contreras als Pedro Tercero.

Amazon Prime Video: Die weiteren Neustarts und Katalogtitel im April 2026

SERIEN

Schnick Schnack – Pumuckl treibt Schabernack | Staffel 1 | Exclusive
ab 1. April 2026

Nippon Sangoku: Die drei Nationen der roten Sonne | Staffel 1 | Original
ab 5. April 2026

The Boys | Staffel 5 | Original
ab 8. April 2026

The Handmaid’s Tale | Staffel 6 | Exclusive
ab 8. April 2026

Fist of The North Star | Staffel 1 | Exclusive
ab 11. April 2026

Bones | Staffel 1-12
ab 13. April 2026

Absolute Value of Romance | Staffel 1 | Exclusive
ab 17. April 2026

American Gladiators | Staffel 1 | Original
ab 17. April 2026

Kevin | Staffel 1 | Original
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #01 (2013/14)Year 3 | Staffel 1
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #02 (2014/15)Year 3 | Staffel 2
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #03 (2015/16)Year 3 | Staffel 3
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #05 (2017/18)Year 3 | Staffel 5
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #06 (2018/19)Year 3 | Staffel 6
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #07 (2019/20)Year 3 | Staffel 7
ab 20. April 2026

Brooklyn Nine-Nine #08 (2021/22)Year 3 | Staffel 8
ab 20. April 2026

Mission Unknown: The Unexpected | Staffel 2 | Exclusive
ab 22. April 2026

LOL: Chi Ride È Fuori | Staffel 6 | Original
ab 23. April 2026

Cangaco Novo | Staffel 2 | Original
ab 24. April 2026

Cochinas | Staffel 1 | Original
ab 24. April 2026

Pam & Tommy | Staffel 1
ab 27. April 2026

Das Geisterhaus | Staffel 1 | Original
ab 29. April 2026

FILME

Spectre
ab 1. April 2026

House of Gucci
ab 1. April 2026

Skyfall
ab 1. April 2026

James Bond 007 – Ein Quantum Trost
ab 1. April 2026

James Bond 007 – Casino Royale
ab 1. April 2026

James Bond 007 – Keine Zeit zu sterben
ab 1. April 2026

Megamind: Der Knopf des Verbrechens
ab 1. April 2026

Der Fall Collini
ab 2. April 2026

Ready or Not
ab 2. April 2026

Mission: Impossible – Fallout
ab 2. April 2026

Stromberg – Wieder alles wie immer | Exclusive
ab 5. April 2026

Sonic the Hedgehog
ab 9. April 2026

Sonic the Hedgehog 2
ab 9. April 2026

The Longest Ride
ab 10. April 2026

Kung Fu In Rome | Exclusive
ab 11. April 2026

The Maze Runner
ab 11. April 2026

Maze Runner: The Death Cure
ab 11. April 2026

Maze Runner: The Scorch Trials
ab 11. April 2026

Pompeii
ab 12. April 2026

Balls Up | Original
ab 15. April 2026

Auslöschung
ab 15. April 2026

The Dark Knight
ab 15. April 2026

Batman v. Superman: Dawn of Justice
ab 15. April 2026

Batman Begins
ab 15. April 2026

The Exorcism
ab 16. April 2026

Jerry West: Das Logo | Original
ab 16. April 2026

Nachts im Museum
ab 16. April 2026

Nachts im Museum 2
ab 16. April 2026

Night at the Museum: Secret of the Tomb
ab 16. April 2026

Waiting for the Barbarians
ab 17. April 2026

Venganza | Original
ab 17. April 2026

Project Darwin
ab 17. April 2026

Zack Snyder’s Justice League
ab 19. April 2026

Sugar Baby
ab 19. April 2026

Gone Girl – Das perfekte Opfer
ab 20. April 2026

Dune
ab 20. April 2026

Love Again
ab 21. April 2026

Super Charlie | Exclusive
ab 23. April 2026

Wild Robot | Exclusive
ab 24. April 2026

American Sniper
ab 25. April 2026

Pretty Woman
ab 25. April 2026

Never Let Go | Exclusive
ab 26. April 2026

Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn
ab 28. April 2026

Chroniken der Unterwelt
ab 30. April 2026

The Astronaut | Exclusive
ab 30. April 2026

Bilder: Amazon Prime Video

Wände erklimmen, an Ringen entlanghangeln oder Bälle im Korb versenken und das alles, während einem muskelbepackte Gladiator:innen genau daran hindern wollen. Was heute an Formate wie „Ninja Warrior“ erinnert, sorgte hierzulande bereits ab 1992 mit „American Gladiators“ für ordentlich Nervenkitzel. Insgesamt 139 Episoden lang traten ganz normale Kandidat:innen gegen scheinbar übermenschliche Athlet:innen an und vermittelten dabei das Gefühl, dass jede:r es schaffen kann. Als Kind war ich davon absolut fasziniert und habe mit Freunden versucht, die Spiele nachzustellen, umso größer ist jetzt die Vorfreude auf die Neuauflage. Der Trailer versprüht mit seiner Musik und den klassischen Spielen bereits ordentlich Nostalgie.

„This is the real deal.“

Nach einem eher durchwachsenen Reboot-Versuch im Jahr 2008 könnte die Show nun dank Prime Video ihr Comeback feiern. Diesmal treten 24 Teilnehmer:innen gegen 16 Gladiator:innen an und kämpfen um ein Preisgeld von 100.000 Dollar. Moderiert wird das Ganze von Wrestling-Star The Miz. Wer tiefer in die Geschichte der Show eintauchen möchte, dem sei die Netflix-Doku „Muscles & Mayhem: An Unauthorized Story of American Gladiators“ empfohlen, die einen ungeschönten Blick hinter die Kulissen der Originalproduktion wirft.

„American Gladiators“ startet am 17. April bei Prime Video.

Bilder: Amazon Prime Video