Sind übernatürliche Erscheinungen nur Einbildung oder gibt es tatsächlich Ereignisse, die sich mit unserem Verstand nicht begreifen lassen? Existiert das Böse wirklich oder ist es das Ergebnis einer verrohten Gesellschaft? Mit solchen und ähnlichen Fragen setzen sich Serien immer wieder auseinander, besonders im Oktober, wenn die Tage kürzer werden und Halloween näher rückt. Von unerklärlichen Phänomenen über düstere Spukhäuser bis hin zu entsetzlichem Grauen ist alles dabei. Für den Rest des „Spuktobers” habe ich fünf schaurig-gute Serien für euch herausgesucht, die für die passende Halloween-Stimmung sorgen.

1. Carrie

Der Horror-Spezialist Mike Flanagan („Spuk in Hill House“) hat sich für Amazon Prime Video Stephen Kings berühmten Debütroman „Carrie“ vorgenommen. Dabei überträgt er die Geschichte eines Mädchens, das von seinen Mitschüler:innen schikaniert wird, gekonnt in die Gegenwart. Was zunächst an Teenie-Dramaserien wie „Tote Mädchen lügen nicht“ erinnert, entwickelt sich allmählich zu einer psychologischen Horrorserie, in der immer mehr klassische Schauerelemente von King zum Vorschein kommen. Die von Summer H. Howell hervorragend gespielte Carrie wächst einem schnell ans Herz. Sie wird nicht nur von ihren Kamerad:innen drangsaliert, sondern leidet auch unter ihrer streng religiösen Mutter. Während der Druck auf sie immer weiter zunimmt, bahnt sich etwas Unaufhaltsames seinen Weg. Flanagan gelingt es, das Leid seiner Hauptfigur spürbar zu machen und die düstere Atmosphäre Stück für Stück zu verdichten. Die acht Folgen bieten gelungenen Schauer und machen Lust auf mehr.

„Carrie“ ist auf Amazon Prime Video verfügbar.

2. Crystal Lake

Die Geschichte aus „Freitag der 13.“ ist unter Horror-Fans längst Kult: In den 1970er-Jahren verschwindet der junge Jason im Sommercamp Crystal Lake. Jahre später kehrt er zurück und wird zum Killer und damit zum Sinnbild des Slasherfilms. Die Prequelserie beleuchtet nun die Ereignisse rund um das berüchtigte Camp neu und liefert zusätzliche Hintergründe zu Jasons Mutter Pamela Voorhees (gespielt von Linda Cardellini), die im ersten Film als die eigentliche Mörderin enttarnt wird. Die Serie fängt die Atmosphäre der klassischen Horrorfilme aus den 1980er-Jahren gekonnt ein und erweitert den bekannten Mythos um neue Facetten. Wer Lust auf düsteren, blutigen Horror und einen neuen Blick auf die Vorgeschichte des Genreklassikers hat, kommt hier voll auf seine Kosten.

„Crystal Lake“ erscheint derzeit wöchentlich mit neuen Folgen auf HBO Max.

3. House of Yang

Auch aus Deutschland kommt in diesem Jahr stimmungsvolle Mystery-Kost. Die sechsteilige Serie „House of Yang“ spielt in einem abgeschiedenen Ort im tiefsten Schwarzwald. Dort sind 1945 und 1999 zwei Mädchen aus dem selben Haus spurlos verschwunden. Als Jessie (Elisa Hofmann) das Haus erbt, ahnt sie nicht, welche Gefahr auf sie und ihre Tochter Mila (Purnima Grätz) wartet. Denn in den dunklen Gemäuern lauert nicht nur etwas Übernatürliches, sondern auch ein lange verdrängtes Familiengeheimnis. Die Serie verbindet stimmungsvolle Horrorelemente mit den Konflikten einer deutsch-chinesischen Familie, deren Geschichte bis in die Gegenwart hineinwirkt. Dabei geht es unter anderem auch darum, ob sich traumatische Erfahrungen über Generationen hinweg wiederholen müssen. Mit jeweils nur rund 30 Minuten Laufzeit sind die sechs Folgen zudem schnell geschaut. Wer Lust auf atmosphärischen Grusel, Spukhäuser und Familiendramen hat, sollte der Serie, die viele Zeitsprünge enthält, eine Chance geben.

„House of Yang“ ist in der ARD Mediathek abrufbar.

4. Haunted Hotel

Wer nach humorvolleren Gruselgeschichten sucht, liegt mit der Zeichentrickserie „Haunted Hotel“ richtig, die anders als der Look es zunächst vermuten lässt, nichts für Kinder ist. Im Mittelpunkt steht eine alleinerziehende Mutter, die gemeinsam mit ihren beiden Kindern ein Spukhotel führt. Unterstützt wird sie von ihrem Bruder, der ebenfalls ein Geist ist. Er hat sich mit den anderen übernatürlichen Bewohner:innen angefreundet und ist überzeugt, dass diese einige ziemlich gute Ideen haben, wie sich ein Hotel mit Spukfaktor betreiben lässt. Die Gags und Filmreferenzen an Genreklassiker machen die Serie zu einer lockeren Alternative für alle, bei denen es nicht ganz so schaurig und blutig ausfallen soll.

„Haunted Hotel“ ist auf Netflix verfügbar.

5. American Horror Story, Staffel 13

Allen, die nach all den Serienschockern noch nicht genug haben, sei die inzwischen 13. Staffel von „American Horror Story“ nahe gelegt. In der neuen Folgen der Anthologieserie von Ryan Murphy wird tief in die Vergangenheit geblickt und zahlreiche bekannte Figuren aus früheren Staffeln kehren zurück. Mit dabei sind unter anderem Charaktere aus den Staffeln „Murder House“, „Coven“, „Freak Show“, „Hotel“ und „Apocalypse“. Besonders erfreulich für langjährige Fans ist, dass Jessica Lange erstmals seit 2018 wieder mit dabei ist und gleich mehrere ihrer früheren Rollen verkörpert, darunter Constance Langdon und Fiona Goode. Auch Evan Peters tritt wieder als Tate Langdon in Erscheinung. Die neue Staffel setzt auf die eigene Seriengeschichte, was vor allem für langjährige Fans spannend werden dürfte. Während die Staffel in den USA bereits gestartet ist, müssen sich Fans hierzulande noch ein wenig gedulden.

„American Horror Story“, Staffel 13 startet am 7.11. bei Disney+.

Welches Gruselhighlight schaut ihr euch an?

Bilder: Prime Video | HBO Max | ARD| Netflix | Disney

Kurz zu den Fakten: Wer beim Namen Disney Channel noch immer zuerst an Micky Maus, Zeichentrickserien und Kinderprogramm denkt, muss sich demnächst umgewöhnen. Am 1. Dezember 2026 wird aus dem Disney Channel in Deutschland Disney TV. Der Sender bleibt kostenlos und frei empfangbar, bekommt aber eine deutlich breitere Ausrichtung.

Disney selbst spricht davon, mit dem Neustart ein „neues Kapitel“ aufzuschlagen. Zwar sollen Kinder und Familien weiterhin eine wichtige Zielgruppe bleiben, gleichzeitig wird das Programm jedoch deutlich stärker für Erwachsene geöffnet. Drama, Comedy, Crime, Action, Dokumentationen und Blockbuster sollen künftig neben den klassischen Disney-Inhalten stehen.

Das lässt sich bereits am angekündigten Programm erkennen. Vormittags und am frühen Abend sind unter anderem „Modern Family“, „Scrubs“ und „Seattle Firefighters“ vorgesehen. In der Primetime kommt mit „Tracker“ eine erfolgreiche US-Serie erstmals ins deutsche Free-TV. Dazu gesellen sich Filme wie „Thor“, „Ant-Man“ und „Doctor Strange“, aber weiterhin auch klassische Disney-Stoffe und Familienfilme wie „Der König der Löwen“, „Die Schöne und das Biest“ oder „Encanto“.

Plötzlich steckt viel mehr hinter dem Namen Disney

Interessanter als einzelne Programmtitel ist allerdings die Markenstrategie: Disney TV soll künftig Inhalte aus nahezu allen großen Bereichen des Konzerns bündeln; Disney und Pixar ebenso wie Marvel, Star Wars, Hulu, FX und 20th Century Studios. Disney bezeichnet den Sender selbst ausdrücklich als „Schaufenster für die Vielfalt des Disney Entertainment Portfolios“.

Damit verändert sich die Funktion des Senders fundamental. Der bisherige Disney Channel war eine vergleichsweise klar definierte Marke für Kinder und Familien. Disney TV wird dagegen zu einer Art frei zugänglichem Appetithappen für das gesamte Disney-Universum – während das komplette Angebot natürlich weiterhin hinter der Bezahlschranke von Disney+ wartet.

Disney-Deutschland-Chefin Eun-Ky Park bringt diese Strategie sehr deutlich auf den Punkt. Disney stelle den neuen Sender als das „kuratierte kostenlose Gegenstück zu Disney+“ auf. Disney behandelt lineares Fernsehen und Streaming offenbar nicht mehr als zwei gegeneinander arbeitende Welten. Vielmehr sollen sie unterschiedliche Aufgaben innerhalb desselben Systems übernehmen.

Diese Annäherung läuft bereits seit einiger Zeit. Im Mai 2026 wurde der Disney Channel selbst als Livestream in Disney+ integriert. Park bezeichnete das seinerzeit als „nächsten logischen Schritt“ und erklärte, Disney verbinde damit „Orientierung und gemeinsames Fernseherlebnis mit der Flexibilität von Streaming“. Nun folgt gewissermaßen der umgekehrte Weg: Nicht nur wandert das lineare Fernsehen ins Streaming – Streaming-Inhalte und Streaming-Marken wandern verstärkt ins lineare Fernsehen.

Das kann durchaus Sinn ergeben: Wer etwa bei Disney TV erstmals eine Serie aus dem Hulu- oder FX-Portfolio entdeckt oder über einen Marvel-Abend wieder auf das entsprechende Universum aufmerksam wird, könnte anschließend bei Disney+ weiterschauen. Der frei verfügbare Sender übernimmt damit eine Funktion, für die Streaminganbieter ansonsten viel Geld für Marketing ausgeben müssen: Er schafft Kontaktpunkte mit den eigenen Marken.

Park beschreibt dahinter im DWDL-Interview das konzernweite Prinzip des sogenannten „Flywheel“, also eines Schwungrads: Verschiedene Disney-Angebote sollen sich gegenseitig verstärken und immer neue Berührungspunkte mit den Marken schaffen. Free-TV sei dabei eine „wirksame Plattform“, um dieses System anzutreiben.

Warum investiert Disney ausgerechnet jetzt ins lineare Fernsehen?

Genau darin liegt der eigentlich bemerkenswerte Punkt. Amazon zum Beispiel hat sein Schaufenster (wenn auch mit etwas anderer Ausrichtung und Verfügbarkeit) Prime TV zum 1. August 2026 nach rund einem jahr wieder eingestellt, auch das als Schaufenster gedachte Angebot freevee wurde längst eingestellt. Und während sich die Medienbranche seit Jahren auf Streaming konzentriert und das klassische Fernsehen kontinuierlich Reichweite verliert, wertet Disney seinen linearen Sender sogar auf.

Dass dieser Widerspruch auch dem Unternehmen bewusst ist, macht Park gegenüber DWDL deutlich: „Wir wissen alle, dass es Reichweitenverluste im linearen Fernsehen gibt. Das will ich gar nicht beschönigen.“ Disney habe sich jedoch gefragt, welche Kontaktmöglichkeiten dem Unternehmen in Deutschland noch fehlten, um neue Zielgruppen zu erschließen. Anders gesagt: Disney muss mit Disney TV gar nicht beweisen, dass lineares Fernsehen die Zukunft ist. Es reicht, wenn dort noch genügend Menschen erreicht werden, die anschließend auch an anderen Stellen des Disney-Ökosystems relevant werden.

Das macht den Relaunch auch aus medienstrategischer Sicht interessant. Disney TV ist dann weniger Gegenmodell zum Streaming als Bestandteil einer Plattformstrategie, bei der Kino, Streaming, lineares Fernsehen, Markenkooperationen und andere Angebote möglichst ineinandergreifen. Unabhängig davon ist in der Diskussion, ob Disney eine kostenlose Streaming-Variante von Disney+ anbieten könnte.

Es geht allerdings auch ums klassische Werbegeschäft

Ein weiterer Punkt darf dabei nicht unterschätzt werden. DWDL verweist auf einen wirtschaftlichen Nebeneffekt der Namensänderung, der in Disneys aktueller Pressemitteilung nicht auftaucht: Für Sender unter der Marke Disney Channel gelten dem Bericht zufolge konzernintern sogenannte „Healthy Living Guidelines“, durch die beispielsweise Werbung für Fast Food und Süßigkeiten ausgeschlossen ist. Mit der breiteren Positionierung eröffnen sich für Disney Advertising entsprechend zusätzliche Möglichkeiten im Werbemarkt. Auch Park spricht über die Vermarktung: Bislang sei Disney im Fernsehen werblich stark auf Kinder und Familien beschränkt gewesen. Künftig ließen sich Kampagnen breiter über TV und Streaming hinweg anbieten. Damit erfüllt Disney TV gleich mehrere Funktionen: mehr erwachsene Zuschauer erreichen, zusätzliche Werbekunden erschließen, das komplette Disney-Portfolio präsentieren und gleichzeitig Disney+ stärken.

Aber was wird aus dem Kinderprogramm?

Ganz verabschieden möchte sich Disney von der bisherigen Identität des Senders allerdings nicht. Kinder und Familien bleiben ausdrücklich Teil des Angebots. Zum Start sind beispielsweise „Micky Maus Wunderhaus+“, „Spidey und seine Super-Freunde“, „Sofia die Erste: Königliche Zauberschule“ und „Miraculous“ angekündigt. Damit entsteht allerdings auch eine interessante programmliche Gratwanderung. Aus einem Sender mit relativ eindeutigem Profil wird ein Vollprogramm innerhalb der Disney-Markenwelt. Fernsehserien.de beschreibt entsprechend, dass Disney TV künftig insbesondere in der Primetime deutlich erwachsener werde und mit Hulu, FX, Pixar, Marvel, Star Wars und 20th Century Studios auf einen enorm großen Programmpool zurückgreifen könne. Die Frage wird sein, ob daraus tatsächlich ein erkennbares Senderprofil entsteht – oder letztlich vor allem eine lineare Auslage des Disney-Katalogs.

Gerade deshalb finde ich die Strategie ziemlich spannend. Lange lautete die Erzählung der Streaming-Ära sinngemäß: Das lineare Fernsehen verschwindet irgendwann, Streaming übernimmt. Disney dreht diese Logik zumindest ein Stück weit um. Warum sollte man einen frei empfangbaren Sender aufgeben, wenn man ihn als zusätzlichen Kontaktpunkt für die eigenen Marken nutzen kann?

Disney TV muss Disney+ schließlich nicht ersetzen. Der Sender muss im Zweifel nur dafür sorgen, dass jemand „Tracker“ entdeckt, wieder Lust auf Marvel bekommt oder feststellt, dass hinter Disney längst wesentlich mehr steckt als Kinderfilme und Micky Maus. Danach ist der Weg zu Disney+ ziemlich kurz.

Bilder: Disney

Vor ein paar Wochen habe ich mich mit Serien beschäftigt, die ich toll finde und daher gerne einfach nochmal sehen möchte, wenn es die Zeit zulässt. Heute wiederum werfe ich einen Blick darauf, welche Serien aus meiner Sicht ein Reboot gebrauchen könnten. Um ganz ehrlich zu sein, nerven mich Reboots zwar eigentlich. Viel zu häufig werden fantastische Serien mehr schlecht als recht neu aufgelegt, obwohl niemand darum gebeten hat. Und viel zu häufig kommt dann der Gedanke auf, dass einfach keine guten neuen Stoffe mehr entwickelt werden, sodass nur noch Altes neu verwertet wird.

Nichtsdestotrotz finde ich Reboots super spannend: zu sehen, wie eine bereits erzählte Geschichte für ein Publikum nochmal neu aufgelegt und neu interpretiert wird. Kann das nach hinten losgehen? Klar! Aber es kann auch sehr gut werden. Die Miniserie „East of Eden“ ist zwar genau genommen eine Neuadaption von John Steinbecks gleichnamigen Roman und kein klassisches Reboot. Sie zeigt aber, dass eine Neuinterpretation auch sehr gut gelingen und total bereichernd sein kann. Ich blicke also heute auf fünf Serien, zu denen ich ein Reboot sehr interessant fände. Und doch bleibt eine gewisse Skepsis bestehen, ob es mir gefallen würde, sollte es diese Reboots wirklich mal geben.

„Buffy the Vampire Slayer“

„Buffy the Vampire Slayer“ oder auch „Buffy – Im Bann der Dämonen“ lief von 1997 bis 2003 und handelt von Buffy Summers, einer jungen Frau, die die Auserwählte ist, um Vampire und sonstige düstere Kreaturen zu töten. Im fiktiven kalifornischen Sunnydale stellt sie sich gemeinsam mit ihren Freund:innen dem Kampf gegen das Böse. Ich habe die Serie damals geliebt. Sarah Michelle Gellar wurde schnell zu einer weiblichen Kultfigur. Ein Reboot in einem modernen Setting der 2020er Jahre hätte durchaus was. Und jetzt, wo ich mich mehr damit beschäftige, sehe ich, dass ein Reboot der Serie tatsächlich sogar noch bis Anfang des Jahres geplant war bis Hulu der Produktion im Frühjahr 2026 den Stecker gezogen hat. Der Pilot hat wohl keinen Anklang gefunden. Vielleicht besser so?

„7th Heaven“

Erinnert sich sonst noch wer von euch an „7th Heaven“ bzw. „Eine himmlische Familie“? In dem Drama über die Großfamilie Camden rund um Vater und Pfarrer Eric und Mutter Annie wurde so manche Herausforderung Heranwachsender behandelt – eingehüllt in einen großen konservativen Ballon. Diese Serie könnte eine zeitgemäße Inszenierung gut gebrauchen. Eigentlich konnte sie das damals schon. Jessica Biel, die damals eine der Hauptrollen in der Serie eingenommen hat, hat erst kürzlich verkündet, dass sie das Format als ausführende Produzentin tatsächlich neu auflegen möchte, mit neuer Besetzung und allem drum und dran. Ich bin sehr gespannt!

„Dark Angel“

Die Sci-Fi-Serie „Dark Angel“ lief von 2000 bis 2002 und wurde damals nach der zweiten Staffel bereits eingestellt. Jessica Alba spielt darin die Hauptrolle der Max Guevara, die als Fahrradkurierin arbeitet. Als Kind gehörte sie einer Gruppe Kinder an, die in einem Laborprojekt in einer geheimen Militäranlage gentechnisch verändert wurden. Durch ihre dadurch gewonnenen besonderen Fähigkeiten ist sie nachts heimlich für das Gute im Einsatz. Stellt euch nur vor, was die Serie heute für Richtungen einschlagen könnte, hat sie doch schon damals mit Cyberjournalismus gespielt. Die Möglichkeiten wären unendlich – und es wäre super spannend herauszufinden, ob sie auch mit allen neuen technischen Möglichkeiten noch ihren Charme behalten würde.

„Charmed“

„Charmed: Zauberhafte Hexen“ war von 1998 bis 2006 zu sehen und folgt dem Leben der drei Schwestern Piper, Phoebe und Prue, die dazu bestimmt sind, mit ihren übernatürlichen Kräften gegen böse Mächte zu kämpfen. Überraschenderweise muss ich feststellen, dass bereits ein Reboot zu der Serie existiert. Offensichtlich lief die Neuauflage von 2018 bis 2022 – ich vermute, es ist kein gutes Zeichen, dass das komplett an mir vorbeigegangen ist. Jetzt trau ich mich gar nicht, dort mal reinzuschauen.

„Lizzie McGuire“

Hilary Duff als heranwachsendes Mädchen, das ein animiertes Alter Ego hat, das ihre Gedanken und Emotionen sarkastisch zum Ausdruck bringt. Hilar-ious! Eine richtig süße Kinderserie, zu der wohl scheinbar auch bereits ein Revival geplant gewesen war: Hilary Duff sollte als erwachsene Lizzie zurückkehren, doch alle Pläne dazu wurden 2020 eingestellt. Aber gegen ein Reboot spricht doch nichts? Oder würde die Live-Action-Animations-Kombi heute eher nicht mehr ziehen?

Fazit

Irgendwie schön rückblickend zu sehen, dass mich damals schon die Serien mit spannenden weiblichen Charakteren sehr abgeholt haben. Und offensichtlich ist das Thema Reboot immer ganz nah. Bis auf „Dark Angel“ scheint jede der hier genannten Serien unter dem Gesichtspunkt einer Neuauflage bereits beleuchtet worden zu sein. Ist doch gut, wenn der Gedanke oder direkt die ganze Produktion wieder verworfen wird, wenn der Pilot oder das Konzept einfach nicht zündet. Es ist doch schöner, mit etwas Nostalgie und guten Erinnerungen auf eine Serie zurückzuschauen, als dass Enttäuschung über eine mäßige Neuauflage zurückbleibt. „Be careful what you wish vor“ wird sonst schnell zum Leitsatz.

Beitragsbild: Disney | The WB | The CW | The WB | Fox

Kennt ihr das? Die ganze Welt hypt ein Thema, ihr verpasst aber den Einstieg. Erst ist es Scham, nicht dabei zu sein („Wenn jemand merkt, dass ich keine Ahnung habe …“), die dann aber in Trotz übergeht („Pff, sollen die doch machen, ich hab meinen eigenen Kopf“), und am Ende bleibt reines Genervtsein. So in etwa war es bei mir und „The Wire“. Natürlich habe ich mitbekommen, dass die Serie erfolgreich und beliebt ist, aber ich war einfach etwas zu spät dran. Und irgendwann nervten mich nur noch die Lobeshymnen: In jedem Ranking, in jeder Seriendiskussion tauchte die HBO-Serie auf.

Und so kam es, dass ich durchs Leben lief, ohne „The Wire“ gesehen zu haben. Sidenote: Ich habe auch nie „Titanic“ gesehen, ich gestehe. Das passt nicht ganz in das gerade gezeichnete Bild, aber vielleicht gehört die Verweigerung mancher gehypter Serien und Filme auch einfach zu meinem Wesen.

Da man mit dem Alter gerne mal auf sein Leben zurückschaut, habe ich meine erste eingebildete Midlife-Crisis genutzt und mir gesagt: Ach, was soll’s, ich gebe mir jetzt endlich „The Wire“. Das war vor ca. vier Jahren. Ich schaute ein paar Folgen, die mir zwar gefielen, aber aus einem unbekannten Grund blieb ich nicht hängen. Jetzt aber, im Jahr 2026, habe ich mir zum Ziel gesetzt, die Serie dann doch noch komplett zu schauen. Von dieser Erfahrung möchte ich euch berichten und spoilerfrei die Frage beantworten, ob es sich auch 24 Jahre nach dem Start der Serie lohnt, sie zu schauen.

Worum geht es?

Der Name der Serie ist Programm. Das Thema ist das polizeiliche Abhören von Telefongesprächen, und es zieht sich von Anfang bis Ende durch die Serie. Die Handlung spielt in Baltimore, wo die Polizei auf diesem Weg versucht, Drogenbosse ins Gefängnis zu bringen.
Der Hauptcharakter ist Jimmy McNulty, ein Polizist, der seine Aufgabe, Recht und Ordnung nach Baltimore zu bringen, nicht nur als Beruf, sondern als Berufung ansieht. Regeln, die ihn daran hindern, umgeht er gerne. Moral ist dehnbar – alles für ein Ziel: die großen Fische zu überführen und zu verhaften.
Das Besondere an der Geschichte: Der Seite der Drogendealer wird genauso viel Sendezeit gewidmet. Man sieht beide Ebenen. Im Unterschied zu „Breaking Bad“ oder anderen modernen Dramaserien geht es aber nicht darum, die Verbrecher zu vermenschlichen, sodass man mit den Bösen mitfiebert. Klar, man interessiert sich für ihre Geschichten, aber böse ist in „The Wire“ eben auch böse – mit einigen Schattierungen natürlich. Ich zumindest habe mich nie dabei ertappt, mir zu wünschen, dass Verbrecher mit Mord und Drogendealerei durchkommen.

Eine eigene Welt

Das, was „The Wire“ ausmacht, ist die Welt, die sich einem eröffnet. Ich glaube sogar, dass diese fiktive, aber realitätsgetreue Welt noch stärker wirkt, seit man nach dem Ende der Serie dank Streamingdiensten auf alle Folgen auf einmal zugreifen kann. Es macht einen Unterschied, ob man die Serie über sechs Jahre verteilt sieht oder beispielsweise in sechs Wochen. Ich für meinen Teil habe „The Wire“ auf jeden Fall als sehr intensiv und immersiv erlebt – gerade weil ich fast jeden Tag eine Folge geschaut habe.

Über die fünf Staffeln hinweg erleben wir ein Auf und Ab und lernen viele Charaktere mit einer ganz besonderen Tiefe kennen. Was mich beeindruckt: In vielen Serien fühlt sich ein Charakter nach der ersten oder zweiten Staffel auserzählt an. Und man spürt sehr genau, wenn die Autoren krampfhaft etwas ändern, nur um die Geschichte am Laufen zu halten. Das führt dann dazu, dass der Charakter an Glaubwürdigkeit verliert und damit auch die Qualität der Serie sinkt. Bei „The Wire“ ist das nicht der Fall. Besonders spannend: Manche Charaktere tauchen auch mal eine Staffel lang komplett ab, um dann verändert wieder in die Geschichte einzugreifen.

„The Wire“ ist nicht perfekt, und es gab auch Handlungsstränge, die meiner Meinung nach weniger stark waren. Aber alles bleibt von vorne bis hinten glaubhaft. Als Westeuropäer hat man zwar sicherlich keine Berührungspunkte mit der Drogenszene oder der Polizeiarbeit in Baltimore – sagen wir also einfach: Es wirkt sehr authentisch.

Jede Staffel hat einen eigenen Fokus

„The Wire“ schaut sich wie ein gutes Buch, das die Charaktere und die aufgebaute Welt aus unterschiedlichen Blickwinkeln betrachtet. Jede Staffel ist wie ein Kapitel einer großen Saga und setzt einen eigenen Fokus:
In Staffel 1 geht es um Polizei und Drogenhandel, Staffel 2 beleuchtet die Arbeiterschaft und den Niedergang der Industrie, in Staffel 3 stehen die Politik und Reformversuche im Mittelpunkt, Staffel 4 zeichnet den Weg in den Drogenhandel nach und fokussiert sich auf Kinder, Schule und Zukunft. Abgeschlossen wird die Geschichte in Staffel 5 mit den Medien und der öffentlichen Wahrnehmung.

Dementsprechend wurden auch die Intros speziell für jede Staffel angepasst:

Charaktere gehen ins Gefängnis oder kommen wieder heraus. Andere werden als Kinder eingeführt und wachsen im Laufe der Serie ins Erwachsenenalter hinein. Man sieht ihre Entwicklung immer im Kontext des jeweiligen Staffel-Fokus.

„The Wire“ ist eine Unterhaltungssendung, aber auch eine Reflexion der (US-amerikanischen) Gesellschaft. Es geht um die Auswirkungen politischer Maßnahmen, darum, wie sich kurzsichtiges Verhalten langfristig negativ auswirken kann, aber auch umgekehrt darum, wie der richtige Umgang mit Kindern positive Effekte haben und manche Jugendliche aus einem eigentlich vorgezeichneten Lebenslauf herausholen kann.

Das alles geschieht ohne erhobenen Zeigefinger. Ich würde sogar sagen, dass am Ende vor allem die Machtlosigkeit gegenüber dem System bleibt, das all diese Probleme überhaupt erst ermöglicht.

2002 vs. 2026: Wie gut ist die Serie gealtert?

Die Serie hat über 20 Jahre auf dem Buckel. Merkt man das? Tatsächlich weniger, als ich dachte. „The Wire“ ist in HD verfügbar, und das Bild unterscheidet sich auf den ersten Blick kaum von dem heutiger Serien. Die Polizisten sind in Anzügen unterwegs, die Drogendealer in weißen T-Shirts und Baggy Pants – auch das wirkt nicht aus der Zeit gefallen.

Einzig bei den Autos und der Technik merkt man den Fortschritt der letzten Jahre. Das iPhone kam erst 2007 auf den Markt, als die Serie schon in den letzten Zügen lag – Smartphones spielen in „The Wire“ also keine Rolle. Aber das fällt auch nur auf, wenn man wirklich darauf achtet. Wenn man Filme aus den 80ern oder 90ern schaut, vermisst man Smartphones schließlich auch nicht.

Tatsächlich wurde die Illusion für mich nur gelegentlich durch Windows XP oder andere ältere Computersysteme gebrochen. Alles andere – Dumbphones, etwas ältere Autos – geschenkt.

Abseits der technischen Rahmenbedingungen merkt man bei den Charakteren in manchen Bereichen eine Überzeichnung, die man heutzutage, glaube ich, nicht mehr so umsetzen würde. McNulty geht mit seinem Verhalten – gerade gegen Ende der Serie – manchmal zu weit. Auch wenn wir uns im Land der Cowboys und unbegrenzten Möglichkeiten befinden, fragt man sich schon, wie er es schafft, dafür nicht sofort gefeuert zu werden. Er trinkt nach Feierabend ständig, hat Affären und schert sich nicht um Autoritäten. Vielleicht braucht die Serie das auch? Auf mich wirkte es aber etwas befremdlich. Auch die politischen Korruptionsskandale und Ähnliches finde ich teilweise etwas zu extrem. Aber das sind Abzüge in der B-Note, die der Serie insgesamt nicht schaden.

Die goldene Generation der Dramadarsteller

Eine große Freude für jeden Serienfan ist der Cast der Serie. Für mich war es stellenweise, als würde ich ein Prequel zu meinen geliebten Serien wie „Bosch“, „Jack Ryan“, „Fringe“, „Luther“ und vielen weiteren sehen.

Prägende Schauspieler der heutigen Serienlandschaft sind in „The Wire“ zu sehen. Im Kontext seiner späteren Erfolge ist Idris Elba als kalter und berechnender Drogenboss sicher der bekannteste. Aber auch andere Schauspieler werdet ihr zumindest vom Gesicht her sofort erkennen: Lance Reddick, bekannt aus „Fringe“, „Bosch“, „John Wick“ und vielem mehr; Wendell Pierce aus „Jack Ryan“ oder „Suits“; Michael Kenneth Williams, der später auch in „Boardwalk Empire“ zu sehen war; Jamie Hector, der in „Bosch“ mit einer ähnlichen Präsenz die Seiten gewechselt hat – vom Verbrecher zum Polizisten. Und das sind nur einige Beispiele. Für mich stechen diese Schauspieler besonders heraus, aber ihr werdet sicher noch viele weitere wiedererkennen. Viele von ihnen konnten mit ihren starken Leistungen in „The Wire“ den Grundstein für ihre späteren Karrieren legen.

Eine Goldgrube für Memes

Vielleicht habe ich „The Wire“ auch deshalb endlich durchgezogen, weil ich manche Memes oder Ausschnitte verstehen wollte. Beispielsweise die Szene, in der „Snoop“, die Handlangerin eines führenden Drogendealers, eine Nagelpistole kauft. Diese Szene ist nach wie vor sehr populär.

Sollte ich „The Wire“ im Jahr 2026 noch schauen?

Zum Abschluss möchte ich die Frage beantworten, ob man „The Wire“ heutzutage noch schauen sollte: Da ich erst jetzt zur Party dazugestoßen bin und auch ohne dieses Meisterwerk Spaß am goldenen Zeitalter der Serien hatte, steht fest: Ihr kommt auch ohne dieses Standardwerk zurecht.

Aber gerade wenn ihr euch gerne mit Serien auseinandersetzt, euch fragt, warum Drehbücher so aufgebaut sind, wie sie sind, und gerne darüber philosophiert, wie man es dramaturgisch besser hätte machen können, dann – ja, besonders dann – ist „The Wire“ etwas für euch. In vielen Bereichen können heutige Serien noch etwas von diesem HBO-Klassiker lernen. Und auch wenn ihr nur auf der Suche nach guter Unterhaltung seid, solltet ihr mit „The Wire“ auch heute noch glücklich werden. Das Beste an der Serie: Sie hat ein vernünftiges Ende – eines, bei dem vieles abgeschlossen wird, aber auch Themen offenbleiben, über die man nachdenken kann.

Ich habe freudig darauf hingefiebert, dass John Steinbecks Roman „East of Eden“ (dt. Titel „Jenseits von Eden“, 1952) als Miniserie verfilmt und ausgestrahlt wird. Und was soll ich sagen… das Warten hat sich gelohnt!

Am 1. Oktober ist die Miniserie „East of Eden“ auf Netflix an den Start gegangen und nun liegt eine Woche intensiven Dramas hinter mir – aber intensiven, wunderschön anzusehenden und hochwertig produzierten Dramas. Die Geschichte spielt in den USA, unter anderem in Salinas, Kalifornien. Sie handelt von den Brüdern Adam (Christopher Abbott) und Charles Trask (Mike Faist), die ihr junges Leben lang um die Gunst ihres strengen Vaters kämpfen und beide nicht ihren Träumen nachgehen können. Als Adam Cathy Ames (gespielt von der wunderbaren Florence Pugh) kennenlernt und sie heiratet, geht die tragische Familiengeschichte weiter. Nach der Geburt ihrer Zwillinge Caleb und Aron verlässt Cathy die Familie und verdient in einem Bordell, das sie später auch führt, ihr Geld. Adam zieht seine Söhne mit der Hilfe von Lee (Hoon Lee) auf, der gleichzeitig Haushälter und auch Vertrauter Adams wird. Als Cal und Aron älter werden, entstehen auch zwischen ihnen Spannungen, die an die ungelösten Konflikte der früheren Generation erinnern.

Die Geschichte der Serie erstreckt sich über viele Jahre und schafft es, in den sieben, etwa einstündigen Folgen eine tiefgründige Erzählung über mehrere Generationen hinweg zu schaffen. Dabei haben mir die Figuren in allen Altersklassen, in denen sie verkörpert wurden, unglaublich gut gefallen. Für mich jedoch das Herz der Serie: Lee. Dieser ist eine Art moralisches Zentrum der Erzählung und die Serie beleuchtet auch seine chinesisch-amerikanische Identität und seine Rassismuserfahrungen Anfang des 20. Jahrhunderts in Kalifornien. Hoon Lees Stimme ist einfach Balsam für die Serie und trägt die Story mit unheimlicher Kraft.

Die biblischen Anspielungen auf die Geschichte Kain und Abels aus dem Buch Genesis kommen bereits in Steinbecks Roman sehr stark zum Ausdruck und auch in der Serie erhalten sie viel Platz. Ihr Schicksal ist geprägt von Eifersucht und Rivalität zwischen Geschwistern, aber auch dem immensen Wunsch nach Anerkennung sowie der Frage, ob der Mensch den eigenen Impulsen, seiner Herkunft und seinen Gefühlen ausgeliefert ist. Das Schlüsselwort dabei ist das hebräische Wort „Timshel“, was im Englischen so viel bedeutet wie „thou mayest“, „du darfst“ im Sinne von „du hast die Wahl“. Es soll zeigen, dass jede Person selbst die Verantwortung für ihre Taten trägt und sich jeden Tag aufs Neue dafür entscheiden kann, gut oder böse zu sein. Gerade Cal steht in seinem jungen Alter immer wieder in diesem Konflikt.

Einige von euch kennen vielleicht noch den Klassiker „Jenseits von Eden“ von 1955 mit James Dean in der Hauptrolle. Der Film stammt von Elia Kazan, der damals einer der gefragtesten Regisseure, nicht nur im Film- sondern auch Theatergeschäft war. Dieser war sehr gut mit John Steinbeck befreundet. Und beide hielten James Dean damals als zerrissenen jungen Mann mit viel Zorn in sich für die perfekte Besetzung der Hauptrolle des Cal Trask. Ich habe den Film bereits im Jugendalter gesehen – wie soll es auch anders sein bei einem Vater, der James Dean-Fan ist. Spannend ist, dass das Drehbuch des Films lediglich auf dem letzten Teil des Buches basiert und die Vorgeschichte der Familie Trask und der Hamiltons gänzlich außer Acht lässt. Und Lee zum Beispiel taucht im Film überhaupt nicht auf. Gerade deshalb finde ich das Dreieck aus Steinbecks Buch, dem Film aus den 50ern und der brandneuen Miniserie super spannend und genau deshalb habe ich mich diese Woche so gerne damit beschäftigt.

Ein weiterer interessanter Fakt: Die Minisere stammt von Zoe Kazan, die einige von euch sicherlich auch als Schauspielerin („The Big Sick“, „She Said“) kennen. Und nein, natürlich ist es kein Zufall, dass sie Kazan mit Nachnamen heißt. Denn sie ist wirklich die Enkelin von Elia Kazan, der den Klassiker von 1955 geschaffen hat. So schließt sich der Kreis. Verrückt.

Bilder: Netflix

Im Oktober auf Sky und WOW reizt mich persönlich vor allem der Serienstart „War“ mit Sienna Miller und Dominic West in den Hauptrollen. Worauf freut ihr euch besonders?

Neue Staffeln & Serien bei Sky & WOW: Starttermine Oktober 2026

1. Oktober

Accused (1. Staffel)

5. Oktober

War (1. Staffel)

8. Oktober

Memory of a Killer (1. Staffel)

9. Oktober

S.W.A.T. Exiles (1. Staffel)

10. Oktober

Alarm für Cobra 11 (14.-27. Staffel)

15. Oktober

Numb3rs – Die Logik des Verbrechens (1.-6. Staffel)

27. Oktober

Bookish (2. Staffel)

28. Oktober

Gangs of Madrid – El Immortal (3. Staffel)

Neue Dokus bei Sky & WOW: Starttermine Oktober 2026

6. Oktober

Wer ist Ghislaine Maxwell?

7. Oktober

Wild Heroes: Die Zoo-Helden von Auckland (4. Staffel)

19. Oktober

Fights, Camera, Action! (3. Staffel)

22. Oktober

Suburban Nightmare: The Menendez Brothers

23. Oktober

Müller-Wohlfahrt – Der Arzt der Champions

26. Oktober

Killer Stories – Den Mördern auf der Spur (5. Staffel)

29. Oktober

Charmed by the Devil

Neue Filme bei Sky:
Starttermine Oktober 2026

2. Oktober

Der Super Mario Galaxy Film

3. Oktober

Forbidden Floor – The Home

9. Oktober

The Orphans – Blutsbrüder

10. Oktober

The Moment

16. Oktober

Exit Protocol: Killer vs. Killer

17. Oktober

Miau & Wau

23. Oktober

My Mother’s Wedding

24. Oktober

Night Patrol

Sky Cinema Spooky

Sky Cinema Halloween

Wer sich die Szenen aus „Star Wars: Andor“ nochmal vor Augen führt, der wird bemerken: Vor allem die brutalistischen und futuristischen Gebäude der britischen Hauptstadt tauchen in beiden Staffeln immer wieder auf. Wer durch Canary Wharf, die City of London oder das Barbican läuft, kann deshalb erstaunlich viele Schauplätze aus der Serie besuchen – und an manchen Stellen braucht es nur wenig Fantasie, um London gegen Coruscant einzutauschen.

Das Beste daran: Viele der Drehorte liegen vergleichsweise nah beieinander. Aus mehreren Locations lässt sich deshalb problemlos eine eigene „Andor“-Tour durch London zusammenstellen.

1. Adams Plaza Bridge in Canary Wharf: Willkommen beim ISB

In der Serie: Coruscant, Zugang zum Imperial Security Bureau
Adresse/Ziel für die Navigation: Adams Plaza Bridge, Canary Wharf
Nächste Station: Canary Wharf

Der vielleicht bekannteste Londoner „Andor“-Drehort befindet sich im modernen Bankenviertel Canary Wharf. Die Adams Plaza Bridge beziehungsweise der Bereich darunter wird in Staffel 1 zu einem Zugang des Hauptquartiers des Imperial Security Bureau auf Coruscant. Hier begegnen sich unter anderem Dedra Meero und Syril Karn.

Wer dort ankommt, versteht schnell, weshalb sich das Produktionsteam für diesen Ort entschieden hat. Glas, Stahl, geometrische Strukturen, überdachte Passagen und die Hochhäuser von Canary Wharf erzeugen bereits ohne digitale Nachbearbeitung eine erstaunlich glaubwürdige Science-Fiction-Atmosphäre. Die futuristische Umgebung musste für „Andor“ lediglich ergänzt und entsprechend ausgestattet werden.

Vor Ort: Nicht nur die Brücke von außen fotografieren. Der stärkste Wiedererkennungseffekt entsteht unter beziehungsweise im Bereich der überdachten Verbindung. Dort nach den Perspektiven suchen, in denen die geometrische Konstruktion der Brücke den Hintergrund dominiert.

Fototipp: Die symmetrische Perspektive entlang der Brücke funktioniert besonders gut. Möglichst etwas Abstand nehmen und die Linien der Konstruktion als Fluchtpunkt nutzen.
Zeitbedarf: etwa 15 bis 20 Minuten.

2. Lloyd’s Building: Coruscant mitten in der City

In der Serie: Coruscant
Adresse: 1 Lime Street
Nächste Stationen: Bank, Monument oder Liverpool Street

Das Lloyd’s Building gehört ohnehin zu den ungewöhnlichsten Gebäuden Londons. Der von Richard Rogers entworfene und 1986 eröffnete Sitz des Versicherungsmarktes Lloyd’s of London folgt dem sogenannten „Inside-out“-Prinzip: Aufzüge, Treppen, Rohre und große Teile der technischen Infrastruktur liegen außen.

Damit sieht das Gebäude bereits im normalen Londoner Alltag so aus, als hätte jemand eine Star-Wars-Kulisse zwischen die historischen Gebäude der City gestellt.

Für Staffel 2 von „Andor“ wurde genau dieser Effekt genutzt. Das Lloyd’s Building ist unter anderem in Folge 4, „Ever Been to Ghorman?“, als Bereich von Coruscant zu sehen. Berichte von den Dreharbeiten dokumentierten Diego Luna und Stellan Skarsgård hier gemeinsam als Cassian Andor und Luthen Rael.

Interessant ist zudem, dass das Gebäude die Produktion noch auf andere Weise inspirierte: Production Designer Luke Hull erklärte, dass das Lloyd’s Building zunächst sogar als möglicher Standort beziehungsweise Inspiration für das mehrstöckige Lina-Soh-Krankenhaus auf Coruscant diente.

Vor Ort: Am besten von der Lime Street aus betrachten. Besonders die außenliegenden silbernen Rohre, Treppen und Aufzüge erzeugen den typischen futuristischen Eindruck.
Fototipp: Nicht nur die komplette Fassade aufnehmen. Eine schräge Perspektive von unten entlang der technischen Außenhaut wirkt wesentlich stärker nach Coruscant.
Gut zu kombinieren: Das Lloyd’s Building liegt unmittelbar neben dem Leadenhall Market. Wer neben „Andor“ auch „Harry Potter“-Drehorte sammelt, bekommt hier zwei völlig unterschiedliche Filmwelten praktisch nebeneinander geliefert.
Zeitbedarf: 10 bis 15 Minuten.

3. Guildhall: London wird zu Ghorman

In der Serie: Ghorman, Umfeld des House of Rylanz
Ziel für die Navigation: Guildhall Yard
Nächste Stationen: Bank, Moorgate oder St Paul’s

Beim Guildhall findet einer der interessantesten Verwandlungstricks der zweiten Staffel statt. Denn diesmal stellt London nicht Coruscant dar, sondern den Planeten Ghorman.
In Staffel 2 reist Cassian unter dem Decknamen „Varian Skye“ nach Ghorman. Der vermeintliche Modedesigner sucht Kontakt zum ghormanischen Widerstand und gelangt zum House of Rylanz. Teile dieser Sequenzen aus Folge 5, „I Have Friends Everywhere“, entstanden am Guildhall Yard. Besonders gut wiederzuerkennen ist der Korridor an der Nordseite des Platzes, durch dessen Fenster die Guildhall Art Gallery sichtbar ist. Das Spannende beim Vergleich von Realität und Serie: Zahlreiche Details des Vordergrunds wurden übernommen, während die Produktion die Umgebung digital zu Ghorman erweiterte.

Vor Ort: Auf den Guildhall Yard gehen und sich Richtung Guildhall Art Gallery orientieren. Besonders interessant ist der überdachte Gang mit seinem markanten, zackigen Dach.
Fototipp: Der Korridor ist wesentlich interessanter als ein klassisches Frontalfoto der historischen Guildhall. Wer einen Screenshot der entsprechenden Szene auf dem Smartphone dabeihat, kann die Perspektive ziemlich gut nachstellen.
Kurioses Detail: Im Pflaster des Guildhall Yard ist der Grundriss des römischen Amphitheaters von Londinium markiert. Reales Imperium trifft hier also gewissermaßen auf galaktisches Imperium.
Zeitbedarf: 15 bis 20 Minuten.

4. Barbican Centre: Hier sieht London wirklich nach Coruscant aus

In der Serie: verschiedene Bereiche von Coruscant
Adresse: Barbican Centre, Silk Street
Nächste Station: Barbican

Wenn es einen Londoner Ort gibt, der wie für „Andor“ gebaut scheint, dann ist es das Barbican. Der riesige brutalistische Komplex entstand auf einem Gebiet, das im Zweiten Weltkrieg stark zerstört worden war. Chamberlin, Powell and Bon entwarfen eine regelrechte Stadt in der Stadt: Wohnungen, Kulturzentrum, Seen, Gärten und vor allem ein System aus Fußgängerwegen auf unterschiedlichen Ebenen.

Genau diese Betonlandschaft verwandelt sich in „Andor“ in Coruscant. Das Barbican selbst führt die Serie inzwischen sogar ausdrücklich unter den Produktionen auf, die dort gedreht wurden, und beschreibt seine Türme und labyrinthartigen Wege als Teil der imperialen Hauptstadt. Schon in Staffel 1 treffen sich Kleya Marki und Vel Sartha hier heimlich nach dem Überfall auf Aldhani. Für Staffel 2 kehrte die Produktion zurück. Unter anderem laufen Cassian und Bix durch das Areal zu einem Lebensmittelgeschäft namens „Samo’s Deli Grocery“. Für die Dreharbeiten wurde ein entsprechender Laden mit Aurebesh-Beschriftung in den Barbican-Komplex eingebaut.

Vor Ort: Nicht am Haupteingang stehen bleiben. Unbedingt die erhöhten Highwalks erkunden. Gerade die Betonbrüstungen, Treppen, Durchgänge und verschiedenen Ebenen sorgen für den Wiedererkennungseffekt. Wer gezielt nach der Staffel-2-Kulisse sucht, sollte sich insbesondere im Bereich der Cromwell Highwalks und der höher gelegenen Wege umsehen.
Fototipp: Entlang eines Highwalks fotografieren und möglichst einen der Wohntürme oder weitere Betonbauten in den Hintergrund nehmen. Dann sieht das Foto bereits ohne Bildbearbeitung erstaunlich nach Coruscant aus.
Zeitbedarf: mindestens 30 Minuten. Wer Architektur mag, kann hier problemlos deutlich länger bleiben.

5. Brunswick Centre: Zu Hause bei Syril Karn

In der Serie: Coruscant, Wohnkomplex von Syril Karn und seiner Mutter Eedy
Adresse: The Brunswick Centre, Bloomsbury
Nächste Station: Russell Square

Noch mehr Brutalismus gibt es im Brunswick Centre in Bloomsbury. Der Wohn- und Geschäftskomplex aus den 1960er- und 1970er-Jahren wurde in Staffel 1 als Teil von Coruscant verwendet. Hier befindet sich in der Serie der Wohnkomplex, in dem Syril Karn nach dem Desaster auf Ferrix wieder bei seiner Mutter Eedy landet. Kameramann Frank Lamm nennt Syrils Heimkehr ausdrücklich als eine der Sequenzen, bei denen reale Londoner Architektur und digitale Erweiterungen miteinander kombiniert wurden.

Das ist gleichzeitig ein gutes Beispiel dafür, weshalb „Andor“ visuell so glaubwürdig wirkt. Die reale Architektur bleibt erkennbar. Statt sie komplett zu ersetzen, erweitert die Produktion sie zu einer größeren Welt.

Vor Ort: Der öffentlich zugängliche Einkaufsbereich lässt sich problemlos besuchen. Die Wohnbereiche sind dagegen privat – das sollte man respektieren. Der östliche Gebäudeteil wird als der für die Dreharbeiten relevante Bereich beschrieben.
Fototipp: Die langen, gestaffelten Betonterrassen und die offenen Achsen zwischen den Gebäuden ins Bild nehmen. Gerade symmetrische Aufnahmen vermitteln das sterile Coruscant-Gefühl.
Zeitbedarf: etwa 15 bis 20 Minuten.

6. London Wall: das Lina Soh Medical Center

In der Serie: Coruscant, Umfeld des Lina Soh Medical Center
Ziel: London Wall / Bereich beim ehemaligen Museum of London
Nächste Stationen: Barbican oder St Paul’s

Wer Staffel 2 gesehen hat, kann noch einen weniger offensichtlichen Londoner Schauplatz ergänzen. Nachdem Luthen Rael schwer verletzt ins Lina Soh Medical Center gebracht wird, versucht Kleya, in das Krankenhaus einzudringen. StarWars.com bestätigt, dass Kleyas Weg zum Krankenhaus an der modernen Straße London Wall gedreht wurde – unmittelbar neben Resten der historischen römischen und mittelalterlichen Londoner Stadtmauer. Das eigentliche Krankenhaus entstand als aufwendiges Set. Für die Außenwelt von Coruscant griff die Produktion aber wieder auf reales London zurück.

Vor Ort: Interessant sind die erhöhten Wege, die moderne Bebauung und die erhaltenen Mauerreste rund um London Wall. Wer ohnehin Barbican und Guildhall besucht, kann den Standort relativ leicht ergänzen.
Fototipp: Hier lohnt sich vor allem ein vorher gespeicherter Screenshot aus der Serie. Der Ort ist weniger offensichtlich als Adams Plaza Bridge oder Barbican und lebt vom direkten Bildvergleich.
Zeitbedarf: etwa 10 bis 15 Minuten.

Bonus: Canary Wharf Underground Station – „Rogue One“

Wer seine „Andor“-Tour an der Adams Plaza Bridge beginnt, sollte unbedingt noch einen zweiten Star-Wars-Drehort mitnehmen. Er liegt praktisch direkt darunter. Die Canary Wharf Underground Station spielte bereits Jahre vor „Andor“ eine Rolle in Cassian Andors Geschichte. Für „Rogue One: A Star Wars Story“ wurde die Jubilee-Line-Station zum Inneren der imperialen Anlage auf Scarif.

Regisseur Gareth Edwards und sein Team suchten einen realen Ort, der die enorme Dimension einer imperialen Anlage vermitteln konnte. Production Designer Doug Chiang erklärte, dass Canary Wharf gerade wegen seiner räumlichen Tiefe und seiner futuristischen Gestaltung ausgewählt wurde. Große Teile blieben real; vorhandene Architektur wurde ergänzt und digital erweitert.

Gedreht wurde unter ungewöhnlichen Bedingungen: Die Produktion hatte nur wenige Stunden während der nächtlichen Betriebspause zur Verfügung. Die Dreharbeiten fanden laut Produktionsbericht ungefähr zwischen 1 Uhr und 5:30 Uhr morgens statt. Besonders die riesigen Rolltreppen, die metallischen Oberflächen und die Bahnsteigtüren sind im Film wiederzuerkennen. Disney selbst nennt Canary Wharf als Drehort der imperialen Basis auf Scarif.

Vor Ort: Wer mit der Jubilee Line ankommt, befindet sich automatisch mitten im Drehort. Nicht sofort nach draußen laufen, sondern kurz die Rolltreppen- und Bahnsteigbereiche ansehen.
Fototipp: Von einer der oberen Ebenen entlang der Rolltreppen nach unten fotografieren. Durch die Symmetrie und die metallischen Oberflächen entsteht sofort der imperiale Look.

Eine „Andor“-Tour durch London planen

Das Schöne an den Londoner Drehorten ist, dass man daraus relativ einfach eine eigene Tour machen kann. Ich würde sie folgendermaßen aufbauen: Canary Wharf / Adams Plaza Bridge → Elizabeth Line nach Liverpool Street → Lloyd’s Building → Guildhall → London Wall → Barbican Centre → optional Brunswick Centre. Canary Wharf liegt etwas außerhalb des Zentrums. Sobald man aber in der City angekommen ist, liegen Lloyd’s Building, Guildhall, London Wall und Barbican vergleichsweise dicht beieinander und lassen sich weitgehend zu Fuß verbinden. Wer nur wenig Zeit hat, sollte sich auf Adams Plaza Bridge, Lloyd’s Building, Guildhall und Barbican konzentrieren. Das sind zugleich die Orte, an denen der Wiedererkennungseffekt besonders groß ist.

Für eine ausführliche Tour sollte man inklusive Fahrten ungefähr vier bis fünf Stunden einplanen. Das Barbican verdient dabei am meisten Zeit, weil es nicht den einen Drehort gibt, sondern der gesamte Komplex immer wieder als Teil von Coruscant genutzt wurde. Praktisch ist außerdem die Elizabeth Line: Von Canary Wharf kommt man schnell nach Liverpool Street und damit direkt in die Nähe der meisten City-Locations.

Warum London so gut zu „Andor“ passt

Bei einer solchen Tour wird etwas deutlich, das man beim normalen Anschauen der Serie leicht übersieht: Ein erheblicher Teil der Wirkung von „Andor“ entsteht nicht dadurch, dass reale Orte hinter digitalen Effekten verschwinden. Das Gegenteil ist der Fall. Canary Wharf sieht bereits futuristisch aus. Das Lloyd’s Building sieht bereits aus wie eine riesige Maschine. Barbican und Brunswick Centre liefern den monumentalen Beton einer dicht bebauten Metropole. Guildhall wiederum bietet eine völlig andere Architektur, aus der sich mit digitalen Ergänzungen Ghorman entwickeln lässt. Die realen Orte bilden das Fundament, auf das die digitale Welt gesetzt wird. Genau dieses Prinzip beschrieb „Rogue One“-Production-Designer Doug Chiang schon für Canary Wharf: Die reale Umgebung liefert Tiefe und Glaubwürdigkeit, die digitale Technik erweitert sie. Vielleicht fühlt sich „Andor“ deshalb anders an als viele andere „Star Wars“-Produktionen: Eben die weit, weit entfernte Galaxis steht hier mit beiden Füßen auf realem Boden.

Bilder: Lucasfilm / Michael Braun (sAWE.tv)

Konkret geht’s um die Preisanpassungsklausel, auf die sich Amazon bei seiner Erhöhung für bestehende Amazon-Prime-Abos im Jahr 2022 stützte. Die ist unzulässig, hat der Bundesgerichtshof in Karlsruhe entschieden. Damit bestätigt das höchste deutsche Zivilgericht die Rechtsauffassung der Verbraucherzentrale NRW. Amazon EU S.à r.l. hatte die Preiserhöhung auf eine Klausel in seinen Allgemeinen Geschäftsbedingungen gestützt. Nach den Urteilen des Landgerichts Düsseldorf und des Oberlandesgerichts Düsseldorf ist nun auch höchstrichterlich geklärt: Die verwendete Preisanpassungsklausel ist unwirksam.

„Verbraucher:innen müssen vor unkalkulierbaren Preiserhöhungen geschützt sein. Der BGH hat jetzt klargestellt: Nicht jede Preisanpassungsklausel ist ein Freifahrtschein für Unternehmen. Das ist ein wichtiger Erfolg für Verbraucher:innen“, sagt Wolfgang Schuldzinski, Vorstand der Verbraucherzentrale NRW. „Besonders wichtig ist uns jetzt, dass die betroffenen Verbraucher:innen auch ihr von Amazon zu Unrecht gefordertes Geld zurückbekommen.“

Sammelklage gegen Amazon Prime Video soll zu viel gezahltes Geld zurückbringen

Amazon hatte die Preise für bestehende Prime-Mitgliedschaften zum September 2022 erhöht. Der monatliche Beitrag stieg von 7,99 Euro auf 8,99 Euro, der Jahrespreis von 69 Euro auf 89,90 Euro. Auch die Preise für Prime Student wurden angehoben. Als Grund nannte das Unternehmen unter anderem „generelle und wesentliche Kostenänderungen aufgrund von Inflation“.

Mit der parallel laufenden Sammelklage vor dem Oberlandesgericht Hamm setzt sich die Verbraucherzentrale NRW dafür ein, dass Betroffene die Differenz zwischen dem ursprünglich vereinbarten und dem erhöhten Preis zurückerhalten. Verbraucher:innen können sich weiterhin ins Klageregister eintragen und damit ihre Chance auf eine Rückzahlung sichern. Die Registrierung ist kostenlos und ohne eigenes Prozessrisiko möglich. Wie hoch der individuelle Anspruch ausfällt, hängt unter anderem davon ab, wie lange der erhöhte Beitrag gezahlt wurde und welches Prime-Modell genutzt wurde. Wer also eine entsprechende Mail im Postfach findet, darf sich freuen – die Preissenkung ist echt.

Neue Staffel, alte Bekannte – und bei mir zunächst ein kleiner Umweg: Bevor es mit Staffel 2 weiterging, habe ich mir Staffel 1 kurzerhand noch einmal komplett einverleibt. Viel Freizeit ist aktuell zwar nicht vorhanden, aber für Eddie Horniman, Susie Glass und diesen sehr speziellen Mix aus britischem Adel und organisiertem Verbrechen hat es dann doch gereicht. Über die erste Staffel hatte ich bereits ausführlich geschrieben. Damals gefiel mir vor allem genau diese Guy-Ritchie-Mischung aus schrägen Figuren, schwarzem britischem Humor und Kriminalität im Maßanzug. Wer nochmal nachlesen möchte: mein Review von Staffel 1.

An der Ausgangslage hat sich grundsätzlich nichts geändert – wohl aber an Eddie selbst. Theo James spielt Edward „Eddie“ Horniman, den unfreiwilligen Duke von Halstead, der in Staffel 1 nicht nur das Familienanwesen erbte, sondern gleich noch eine gigantische Cannabis-Plantage darunter. Was anfangs eher wie ein ungewolltes Zusatzpaket zum Adelstitel wirkte, entwickelte sich bekanntlich recht schnell zu einer ganz neuen Karriereoption. An seiner Seite: Kaya Scodelario als Susie Glass, die das Tagesgeschäft des kriminellen Familienimperiums ihres Vaters Bobby Glass (Ray Winstone) führt.

Ein Jahr später ist Eddie jedenfalls nicht mehr der widerwillige Neueinsteiger. In Staffel 2 sitzt er selbst ziemlich fest im Sattel – und hat offensichtlich Gefallen daran gefunden. Das Geschäft wurde ausgeweitet, der Radius größer und Eddies Ehrgeiz gleich mit. Netflix beschreibt ihn inzwischen ziemlich treffend als Mann, der die Möglichkeiten beider Welten für sich entdeckt hat: Adel und Verbrechen. Natürlich sind auch die bekannten Problemfälle wieder da. Allen voran Daniel Ings als Freddy, Eddies älterer Bruder und zuverlässigster Lieferant für schlechte Entscheidungen. Dazu Vinnie Jones als Geoff, Joely Richardson als Lady Sabrina und Giancarlo Esposito als Stanley Johnston. Neu dabei sind unter anderem Hugh Bonneville, Benjamin Clementine und Benedetta Porcaroli – die Runde wird also nicht gerade kleiner.

Bislang habe ich zwei Folgen der neuen Staffel gesehen – und den schnellen Rewatch vorher keine Sekunde bereut. Man ist sofort wieder drin. Das Tempo stimmt, die Dialoge sitzen und diese eigenartige Welt funktioniert weiterhin nach ihrer ganz eigenen Logik: Auf der einen Seite Landhäuser, Titel und bestens geschnittene Anzüge, auf der anderen Drogenhandel, Erpressung und Menschen, deren Lebenserwartung durch eine falsche Bemerkung drastisch sinken kann.

Besonders gut funktioniert weiterhin das Zusammenspiel von Theo James und Kaya Scodelario. Eddie und Susie sind Partner, Konkurrenten und gegenseitiges Sicherheitsrisiko in Personalunion. Keiner traut dem anderen wirklich vollständig – und genau das macht die Sache interessant.
Auch optisch bleibt „The Gentlemen“ unverkennbar Guy Ritchie: schnell, stilisiert, etwas selbstverliebt und immer kurz davor, aus einer halbwegs normalen Unterhaltung ein handfestes Problem entstehen zu lassen. Und Eddie selbst? Der wirkt diesmal deutlich weniger wie jemand, der versehentlich in diese Welt geraten ist. Der Mann hat Blut geleckt. Im übertragenen Sinn – bislang zumindest.

Nach zwei Folgen kann ich jedenfalls sagen: Staffel 2 macht genau dort weiter, wo die erste Runde aufgehört hat, ohne einfach nur denselben Trick nochmal auszupacken. Mein Staffel-1-Rewatch war damit die perfekte Vorbereitung. Jetzt fehlen nur noch sechs Folgen.
Die Freizeit dafür muss sich eben irgendwo finden lassen….

Bilder: Netflix

Auf in den Oktober, auf ins finale Quartal 2026! Der Oktober auf Netflix ist gefüllt mit so manchen Neustarts, darunter auch einige Highlights, die definitiv auf meine Watchlist wandern. Ganz vorne mit dabei ist die Miniserie „East of Eden“, die auf John Steinbecks gleichnamigem Roman basiert, der 1955 schon einmal mit James Dean in der Hauptrolle verfilmt wurde. In der Serie sind neben Florence Pugh auch Mike Faist und Christopher Abbott zu sehen. Darüber hinaus geht „Nobody Wants This“ in die dritte Runde, „Lupin“ in die vierte Staffel und mit der neuen Serie „Below“ bekommen wir Josh Hartnett mal wieder zu sehen. Was darf bei euch im Oktober nicht fehlen?

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine Oktober 2026

1. Oktober

The Ramparts of Ice (2. Staffel)
Matlock (1. Staffel) (nur in Deutschland und Österreich)
Maya the Bee (Die Biene Maja) (2. Staffel)
East of Eden (1. Staffel)

2. Oktober

#Love (1. Staffel)
The Hunting Wives (1. Staffel)

3. Oktober

Ranma1/2 (3. Staffel)

4. Oktober

Blue Box (2. Staffel)

5. Oktober

Mayor of Kingstown (1.-4. Staffel) (nur in Deutschland und Österreich)

6. Oktober

Love Village (3. Staffel)
My Hero Academia: Vigilantes (1.-2. Staffel)

7. Oktober

Inside The Circle (Im Kreis der Korruption) (1. Staffel)
Real Men (Maschi veri) (2. Staffel)

8. Oktober

Unicorn Academy: Secrets Revealed (Enthüllte Geheimnisse) (2. Kapitel)
Below (1. Staffel)

9. Oktober

Haunted Hotel (2. Staffel)
Is It Cake? Halloween (Ist das Kuchen? Halloween) (2. Staffel)
Take Charge of My Heart (1. Staffel)

10. Oktober

100 Days of Deception (1. Staffel)

12. Oktober

Fire Spike

13. Oktober

The Trap (Die Falle) (1. Staffel)

14. Oktober

Love Is Blind: Boston (11. Staffel)

15. Oktober

Hollywood Arts (1. Staffel)
The Diplomat (Diplomatische Beziehungen) (4. Staffel)

16. Oktober

Money Trap: The Karun Treasure (Krumme Dinger am Bosporus) (1. Staffel)

20. Oktober

Cyberpunk: Edgerunners (2. Staffel)

21. Oktober

The New Stanford Prison Experiment (Das neue Stanford-Prison-Experiment) (1. Staffel)
The Mothers of Penguins (Mütter der Pinguine (2. Staffel)

22. Oktober

Did Someone Happen to Mention Me? (1. Staffel)
Nobody Wants This (3. Staffel)

23. Oktober

Fading Grandeur (Der Grande de España) (1. Staffel)
Lupin (4. Teil)

26. Oktober

Minimum Wage (1. Staffel)

28. Oktober

The Gift of Deceit (Das Talent zur Täuschung) (1. Staffel)

29. Oktober

Balaraw: Blood Island (1. Staffel)

30. Oktober

A Couple of Lies (Haustausch) (1. Staffel)
Akka (1. Staffel)
How to Ruin Diwali: Meet the Parents (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine Oktober 2026

6. Oktober

Mojo Brookzz: I Know You Lying

27. Oktober

Zainab Johnson: Toxically Optimistic

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine Oktober 2026

2. Oktober

Schumacher ’94 — The Birth of a Legend (Schumacher ‘94 – Die Geburt einer Legende)

7. Oktober

Who Is Martin Mull?

13. Oktober

TYSON

16. Oktober

Norm: The Tale of Norm Macdonald
The Disciple (The Disciple: Cilvaringz und der Wu-Tang Clan)

23. Oktober

Paralyzed by Hope: The Maria Bamford Story

27. Oktober

The One About Matthew Perry

30. Oktober

SCTV: The Greatest Show You’ve Never Heard Of

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine Oktober 2026

1. Oktober

Crazy Rich, Incredibly Broke

2. Oktober

Doing Life

5. Oktober

The Alto Knights

6. Oktober

Die Ironie des Lebens

7. Oktober

Less of a Stranger (Mniej obcy)

9. Oktober

Animals

15. Oktober

The Storm (Der Schneesturm)
Extrawurst (nur in Deutschland und Österreich)

16. Oktober

SERIOUSLY SINGLE TOO
Therapy Done Right (Lo dejamos acá)

19. Oktober

A Minecraft Movie (Ein Minecraft Film)

20. Oktober

Halloween Kills

23. Oktober

Surviving Hurricane Otis (Gegen den Hurrikan)

29. Oktober

You, Me, Us (Wir – nur ein bisschen besser)

30. Oktober

The Birthday Gift (Das Geschenk)
Collision Course (Auf Kollisionskurs)

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine Oktober 2026

10. Oktober

WWE Money in the Bank: 2026 (17. Staffel)

21. Oktober

Six Kings Slam (2. Staffel)

30. Oktober

Beat Luke Littler

Neue Podcasts bei Netflix:
Starttermine Oktober 2026

22. Oktober

Couldn’t Agree Less with Allison & Isaac

Während ich diese Zeilen schreibe, startet gerade das dritte Spiel unserer Nationalmannschaft mit dem neuen Trainer König Klopp. Dass unser neuer Bundesfußballlehrer keine Wunder vollbringen würde, das hätte man eigentlich wissen müssen. Dennoch bin ich enttäuscht – ich hätte mir dann doch einen Effekt gewünscht. Denn wenn man ehrlich ist, waren die zwei Spiele gegen die Niederlande und Griechenland eine exakte Kopie der furchtbaren WM.

Warum steige ich mit diesen Worten ein? Weil die Nationalmannschaft noch im Fernsehen stattfindet, im linearen Fernsehen. Eine Welt, die zunehmend ausstirbt. Selbst unser Vorzeige-Moralapostel Jan Böhmermann will sich neu erfinden. Aber ob das im linearen Fernsehen klappt?

Wie dem auch sei: Streaming-Services liefern – leider (weil einfach zu viel) – nach wie vor ab. Was man sich anschauen kann? Dazu helfen euch die Top-Artikel und die persönlichen Rückblicke weiter unten.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

Diese Beiträge sind im Laufe des Augusts auf seriesly AWESOME veröffentlicht und von euch am meisten geklickt worden.

1. TV-Thema der Woche: Netflix erhöht die Preise – Basis-Abo fällt weg
2. „Serial Cleaner“: Trailer zum neuen deutschen Crime-Drama
3. Ich habe keinen Fernseher: Das neue Statussymbol der Bildungsangeber im Speckgürtel
4. TV-Aufreger der Woche: Das Urteil fällt die KI – wie RTL sein Strafgericht recycelt
5. Awesome 5: Serien, die ich gerne noch einmal schauen möchte
6. Rewatch Review: „Ghostbusters“ S01E04 – Die Freiheitsstatue
7. Meine TV-Woche: Von „From“ bis „Resident Alien“
8. Meine TV-Woche: Der Fernseher als Datenkrake
9. Netflix: Neu im September 2026 (Serien & Filme)
10. Sky & WOW: Neu im September 2026 (Serien & Filme)

Persönliche Monatsrückblicke

Und hier gibt es noch die subjektiven Monatsrückblicke aus unserem Autor:innenteam. Wir führen persönliche Highlights auf und schenken euch einen Einblick in die eigene Watchlist.

Kiras Monat

Mein September war richtig gut gefüllt. Es gab Schmankerl, aber auch Serien, die ich einfach etwas zähneknirschend durchgezogen habe wie „Outer Banks“. Es war aber auch ein echtes Serien-Highlight mit dabei und zwar „Sterling Point“. Eine schöne Coming-of-Age-Serie, die im traumhaften Kanada spielt. Große Empfehlung dafür!

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Im September stand bei mir vor allem ein großes Highlight auf dem Programm: ein Besuch in New York. Neben vielen schönen Eindrücken blieb auch Zeit für die eine und andere Serie, darunter „Stranger Things – Tales from ’85“. Im kommenden Schauermonat Oktober freue ich mich nun besonders auf die neue Marvel-Serie „VisionQuest“ und auf die Neuverfilmung des Stephen King-Romans „Carrie“.

Habe ich gesehen

Jonas Monat

Ich habe mich im letzten Monat sehr intensiv der neuen Staffel von Silo gewidmet. Der Aufhänger hatte mich damals sofort gefangen, und die erste Staffel hat dieses Mysterium wunderbar aufgebaut. Mit dem Ende und der anschließenden Wartezeit erlebte ich ein aufgeregtes Kribbeln wie beim damaligen Lost-Staffelfinale.

Doch die zweite Staffel war zäh, sodass ich mich gar nicht richtig auf die dritte Staffel gefreut habe. Aber am Ende wollte ich dann doch wissen, wie es weitergeht. Und zur großen Überraschung bot sie alles, was das Mystery-Herz liebt: ein gutes Maß an Auflösungen und neuen Mysterien.

Also Leute, wenn ihr Silo noch auf eurer Watchlist habt: Ich kann die Serie nur empfehlen.

Habe ich gesehen

Technischer Fortschritt erklärt diese Entwicklung zum Teil. Unterhaltungselektronik erfreut sich großer Beliebtheit, und neue Fertigungsmethoden bei Panels sorgen für mehr Spielraum in der Preisgestaltung. Der andere, gewichtige Teil lässt sich auf Daten zurückführen. Smart-TVs heißen smart, weil sie eigentlich Computer sind. Mit dem Internet verbunden, können sie jeden erdenklichen Content abspielen. Aber eben nicht nur Content, sondern auch Werbung: indirekt über Streaming-Apps, aber auch direkt, denn gerne werden Angebote auf der Startseite des Fernsehers eingeblendet. Werbung im Fernsehen ist nichts Neues. Neu ist aber, dass über den Internetanschluss Daten über das Sehverhalten zurückgesendet werden und so die passende Werbung beim passenden Kunden ausgespielt werden kann. Ein Smart-TV ist eben kein Monitor.

Über die Tatsache, dass Smart-TVs Daten sammeln, informieren die Hersteller natürlich nicht gerne. Die Datenkraken an Bord eines Smart-TVs werden oft als Features verkauft, die das Seherlebnis individualisieren. Der harmlose Klick auf „Akzeptieren“ führt dann dazu, dass der Fernseher den gläsernen Konsumenten schafft.
Das passiert natürlich auch beim normalen Surfen. Aber meine Sehgewohnheiten als Datensatz? Irgendwie fühlt sich das problematischer an als die Info, ob ich Spiegel Online besuche.

Was mich dann aber doch hochgradig irritiert hat, ist eine umfassende Recherche von Gamers Nexus zur aggressiven Art und Weise, wie LG-Fernseher Daten sammeln. Demnach werden Geräte im Heimnetzwerk identifiziert und sogar Ton aufgenommen. Auch wenn der Fernseher nicht mit dem Internet verbunden ist, sammelt er Daten und sendet sie, sobald er wieder zur Basis funken kann.
LG weist die von Gamers Nexus erhobenen Vorwürfe in Teilen zurück. Aber wenn man sich die Reportage anschaut, fällt es schwer, den Herstellern von Smart-TVs, insbesondere LG, weiterhin zu vertrauen.
Es mag Teil der heutigen Welt sein, aber dass ein Gerät und nicht eine Plattform spioniert, finde ich schon schwierig. Zumal so ein Fernseher, auch wenn er im Vergleich vielleicht preiswert ist, doch hart erarbeitete Euros kostet. Und auf der Packung steht eben nicht: „Ein Teil des Preises wurde durch den Verkauf deiner Daten an die Werbebranche reduziert.“

Ich für meinen Teil habe mich nach dem Anschauen der Reportage noch einmal mit allen Einstellungen meines Fernsehers auseinandergesetzt. Aber habe ich wirklich alle Einstellungen gefunden? Geht das überhaupt? Und wie problematisch ist das im Vergleich zur Bequemlichkeit, die die Smart-Funktionen mitbringen?

Wie seht ihr das? Macht ihr euch Gedanken darüber, oder akzeptiert ihr es und freut euch einfach über erschwingliche Fernseher, egal, was sie mit euren Daten machen?

Titelbild mit KI erstellt

Da sitzt eine Angeklagte vor Gericht, wird freigesprochen – und einige Jahre später plötzlich doch verurteilt. Eine Mutter und ihr Sohn verwandeln sich in Geschwister, an anderer Stelle wechselt sogar das Geschlecht einer Hauptfigur. Willkommen bei „Ulrich Wetzel – Das Strafgericht“. Oder genauer: Willkommen bei „Ulrich Wetzel – Das Strafgericht“, nachdem Künstliche Intelligenz noch einmal über die Akten gegangen ist.

RTL hat gemeinsam mit Constantin Entertainment fünf bereits produzierte Folgen der Gerichtsshow mit generativer KI überarbeitet und im Nachmittagsprogramm ausgestrahlt. Dabei ging es keineswegs nur darum, einen Hintergrund auszutauschen oder technische Fehler in der Postproduktion zu korrigieren; Bildbearbeitung, Sprachsynthese und Lipsync-Verfahren wurden genutzt, um Figuren, Dialoge, Handlungsverläufe und Urteile zu verändern. Ein neuer Angeklagter wurde beispielsweise von einem realen Schauspieler dargestellt und anschließend mithilfe von KI in das vorhandene Material integriert. RTL selbst spricht von einem Produkt „zwischen neuer Folge und Wiederholung“ – und hatte den Test Anfang September ausführlich angekündigt. Die Beschreibung trifft den Kern ziemlich gut; denn hier entsteht nicht einfach eine neue Fernsehproduktion mit KI-Unterstützung, RTL macht das eigene Archiv vielmehr zur Rohstoffquelle für vermeintlich neues Programm.

KI ist im Fernsehen längst angekommen

Grundsätzlich ist daran erst einmal wenig Überraschendes: Künstliche Intelligenz hält längst Einzug in die Fernsehproduktion. Sie kann Material transkribieren und sortieren, Schnitt- und Postproduktionsprozesse unterstützen, Kulissen erzeugen, Stimmen synthetisieren oder große Mengen an Audio- und Videomaterial analysieren.

RTL selbst hat bereits Erfahrungen gesammelt. Für die neuen „Pumuckl“-Produktionen wurde die Stimme des verstorbenen Hans Clarin mithilfe von KI reproduziert. Bei „Unter uns“ wurde die von Christiane Maybach gespielte Figur Margot Weigel mithilfe der Technologie noch einmal in die Serie eingebunden. Für Reality-Produktionen arbeitet RTL zudem an einem „AI Director“, der Material analysiert, transkribiert und bei der Strukturierung von Storylines unterstützt. Virtuelle Produktionsumgebungen und weitere KI-Werkzeuge gehören ebenfalls zur Strategie.

Stephan Schmitter und Inga Leschek von RTL

Dahinter steckt eine klare Unternehmensstrategie: RTL Deutschland hat das Ziel formuliert, sich zum führenden „Agentic AI Medienhaus“ im deutschsprachigen Raum zu entwickeln. Max Orgonyi, Chief Transformation & AI Officer von RTL Deutschland, erklärte anlässlich des Strafgerichts-Piloten sogar, RTL wolle bis 2030 einen Wert von mehr als 150 Millionen Euro durch KI generieren. Neue Geschäftsmodelle für Broadcaster, Streaminganbieter, Kreative und Produktionspartner sollen daraus entstehen.

Es wäre deshalb naiv, den Einsatz von KI im Fernsehen ausschließlich als kreatives Experiment zu betrachten: Natürlich geht es um neue technische Möglichkeiten; es geht aus meiner Sicht aber genauso um Effizienz, Produktionskosten und die Frage, wie sich vorhandenes Material erneut verwerten lässt.

Das geschieht nicht im luftleeren Raum – sondern „live on air“: RTL Deutschland hatte Ende 2025 darauf hingewiesen, dass die linearen TV-Werbeumsätze in Deutschland seit 2019 um mehr als 20 Prozent zurückgegangen seien. Parallel dazu wuchs RTL+: Von 0,8 Millionen zahlenden Abonnenten Ende 2019 stieg die Zahl nach Unternehmensangaben bis Ende September 2025 auf mehr als 6,6 Millionen. RTL richtete daraufhin Unternehmens- und Kostenstrukturen stärker auf das Streaminggeschäft aus, und vor diesem Hintergrund bekommt das „Strafgericht“-Experiment eine zusätzliche Bedeutung: Was passiert, wenn man nicht mehr jedes Stück Programm komplett neu produzieren muss, sondern einen umfangreichen Archivbestand mit KI immer wieder neu zusammensetzen kann?

Aus alt mach neu – zumindest irgendwie

Klar: Eine Gerichtsshow eignet sich für diesen Test besonders gut. Die Inszenierung folgt einem stark standardisierten Muster: Gerichtssaal, Richter, Staatsanwaltschaft, Verteidigung, Angeklagte und Zeugen. Die Kameraeinstellungen ähneln sich, die Dramaturgie ist klar vorgegeben, die Fälle sind fiktional und folgen einem Skript. Es ist kein besonders großer Aufwand, keine produktionstechnisch große Herausforderung – ich hab’s mir selbst vor einigen Jahren mal bei der Produktion von „Barbara Salesch“ angesehen.
Auch ich finde: Das ist natürlich ideales Versuchsgelände für generative KI! Wo Bildsprache, Dramaturgie und Produktionsweise ohnehin stark schematisiert sind, lässt sich vorhandenes Material leichter neu kombinieren als bei einem aufwendig inszenierten Fernsehfilm oder einer hochwertigen Serie.

Ganz reibungslos funktioniert das allerdings noch nicht. Medienjournalist Timo Niemeier hat sich für DWDL.de die Ausgaben genauer angesehen. Er beschreibt unter anderem genuschelte Wörter, nicht immer passende Lippenbewegungen und teilweise hölzern wirkende Interaktionen. Sein Gesamturteil über die technische Umsetzung: „durchwachsen“. Auch Quotenmeter reagierte deutlich kritischer. In der Auseinandersetzung mit den Folgen stellten die Autoren unter anderem die Frage, ob diese Form der Produktion langfristig einen weiteren „Ausverkauf des Fernsehens“ begünstigen könnte.

RTL und Constantin Entertainment betrachten den Test naturgemäß aus einer anderen Perspektive. Constantin-Geschäftsführer Otto Steiner bezeichnete die Produktion als technisches und kreatives Neuland. RTL wiederum betont, es handele sich um einen Praxistest unter realen Produktionsbedingungen. Die Rechte mit den beteiligten Personen seien geklärt worden, außerdem würden die Inhalte redaktionell verantwortet, geprüft und qualitätsgesichert. Das ist aus meiner Sicht ganz wichtig – zu präsent ist noch die Auseinandersetzung zwischen Netflix und deutschen Synchronsprecher:innen – die doch bitte dem Streamingdienst erlauben sollen, dass Netflix deren Stimmen mittels KI weiternutzen kann. Was man auch sagen muss: Der Ansatz beantwortet nach den ersten Schritten noch nicht wirklich die Frage, ob das Ergebnis für das Publikum wirklich einen Mehrwert darstellt.

Den meisten Zuschauer:innen war die KI offenbar ziemlich egal

Zumindest die linearen Quoten liefern keinen Hinweis darauf, dass die KI-Folgen beim Publikum eine Revolution ausgelöst hätten. Quotenmeter hat die fünf Sendetage ausgewertet. Die Reichweiten bewegten sich zwischen rund 700.000 und 900.000 Zuschauerinnen und Zuschauern. Der Marktanteil beim Gesamtpublikum erreichte zum Auftakt 11,9 Prozent. Bei den 14- bis 49-Jährigen lagen die Werte im Verlauf der Woche zwischen 3,4 und 7,5 Prozent.

Das Experiment brachte damit zumindest kurzfristig keinen erkennbaren Quotensprung. Auffällig bleibt zugleich die Altersstruktur: Ein großer Teil des „Strafgericht“-Publikums gehört nicht zur jüngeren klassischen Werbezielgruppe. Aus Sicht eines Senders könnte genau das allerdings bereits interessant sein. Wenn sich vorhandenes Material perspektivisch günstiger in vermeintlich neue Folgen verwandeln lässt und anschließend ungefähr genauso viele Menschen einschalten wie zuvor, entsteht ein wirtschaftlich durchaus reizvolles Modell.

Für das Fernsehen selbst ist diese Rechnung weniger erfreulich: Denn plötzlich lautet die entscheidende Frage nicht mehr: Wie können wir mithilfe von KI besseres Programm machen? Sondern: Wie können wir mithilfe von KI mit weniger Aufwand noch genügend Programm herstellen, damit das verbliebene Publikum weiterhin einschaltet? Das ist dann doch schon ein erheblicher Unterschied.

KI bei RTL: Da wäre dann noch diese Sache mit der Kennzeichnung

Noch grundsätzlicher wird die Debatte bei der Frage, ob das Publikum überhaupt darüber informiert werden muss, dass es gerade KI-manipulierte Inhalte sieht. An dieser Stelle wird das RTL-Experiment für mich besonders interessant, weil ich mich intensiv mit dem Thema Kennzeichnungspflicht beschäftige. Grundsätzlich ist zu sagen: Seit dem 2. August 2026 gelten die Transparenzverpflichtungen aus Artikel 50 des europäischen AI Act. Das bestätigt auch die Europäische Kommission in ihren im Juli veröffentlichten Leitlinien zur Umsetzung. Artikel 50 Absatz 4 betrifft ausdrücklich sogenannte Deepfakes. Heißt in der Praxis: Betreiber eines KI-Systems, das entsprechende Bild-, Ton- oder Videoinhalte erzeugt oder manipuliert, müssen grundsätzlich offenlegen, dass der Inhalt künstlich erzeugt oder verändert wurde.

Dabei gibt es für fiktionale oder kreative Werke tatsächlich eine Besonderheit – aber keine pauschale Ausnahme von jeder Transparenzpflicht. Im Wortlaut der EU-Verordnung heißt es, dass bei offensichtlich künstlerischen, kreativen, satirischen oder fiktionalen Werken die Transparenzpflicht darauf beschränkt werden kann, das Vorhandensein der manipulierten Inhalte „in geeigneter Weise“ offenzulegen, ohne Darstellung oder Genuss des Werks zu beeinträchtigen.

Mit anderen Worten: Niemand verlangt, dass während einer fiktionalen Fernsehsendung dauerhaft ein riesiger Warnhinweis „ACHTUNG: KI“ im Bild steht. Eine Offenlegung kann wesentlich zurückhaltender erfolgen. Die EU-Kommission hat die Vorgaben inzwischen dahingehend ja auch weiter konkretisiert. Nach ihren Leitlinien muss zunächst geprüft werden, ob ein KI-generierter oder manipulierter Inhalt überhaupt als Deepfake im Sinne der Verordnung einzustufen ist. Dabei spielen unter anderem der Grad der Ähnlichkeit, der Einsatzkontext und die Erwartungen des Publikums eine Rolle. Klassische künstliche Hintergründe, Spezialeffekte oder technische Standardbearbeitungen im Film dürften deshalb häufig nicht unter die Deepfake-Regel fallen.

Liegt dagegen ein Deepfake vor, soll die Offenlegung nach den Leitlinien spätestens beim ersten Kontakt des Publikums mit dem Inhalt erfolgen. Sie muss für Menschen verständlich und wahrnehmbar sein, etwa durch einen sichtbaren oder hörbaren Hinweis. Eine ausschließlich maschinenlesbare Kennzeichnung genügt dafür nicht.

Genau deshalb ist der RTL-Fall rechtlich interessanter, als ein einfaches „RTL verstößt gegen den AI Act“ vermuten ließe. Dass reale Personen mithilfe von Sprachsynthese und Lipsync Sätze sprechen, die in der ursprünglichen Produktion so nicht aufgenommen wurden, spricht dafür, die Deepfake-Regel zumindest ernsthaft zu prüfen. Auf der anderen Seite kann RTL darauf verweisen, dass „Das Strafgericht“ erkennbar ein fiktionales Scripted-Format ist und das Publikum keine dokumentarische Aufzeichnung eines realen Gerichtsverfahrens erwartet. Eine abschließende behördliche Entscheidung, dass RTL mit den betreffenden Ausstrahlungen gegen den AI Act verstoßen hat, ist mir bislang noch nicht untergekommen. Bemerkenswert bleibt allerdings, wie pragmatisch RTL die Transparenzfrage gelöst hat.

Bei RTL+ ein Hinweis, im linearen TV keiner

Nach Recherchen von DWDL.de enthalten die betreffenden Folgen bei RTL+ im Abspann den Hinweis: „Teile der Inhalte wurden unter Einsatz von Künstlicher Intelligenz erstellt.“ Bei der linearen Fernsehausstrahlung gab es dagegen keinen entsprechenden Hinweis. RTL argumentierte gegenüber DWDL.de, der AI Act berücksichtige ausdrücklich den besonderen Charakter fiktionaler Werke. Man verzichte deshalb auf eine Kennzeichnung unmittelbar im laufenden Programm und setze stattdessen auf eine „formatgerechte Transparenz“. Entscheidend sei außerdem, ob beim Publikum überhaupt der Eindruck entstehen könne, die KI-generierten oder bearbeiteten Inhalte seien authentische oder wahrheitsgetreue Aufnahmen.

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Die für das lineare RTL-Programm zuständige Niedersächsische Landesmedienanstalt bewertet den Fall kritischer. Sie verwies gegenüber DWDL.de ausdrücklich auf Artikel 50 Absatz 4 und erklärte: „Aus Sicht der NLM wäre nach dieser Definition eine Kennzeichnung im TV-Programm folgerichtig.“ Damit ist noch nicht abschließend geklärt, wie der konkrete Fall juristisch zu bewerten wäre. Aber unabhängig von dieser Detailfrage bleibt für mich eine viel einfachere medienethische Frage: Warum sollte man es nicht einfach kennzeichnen? RTL macht schließlich überhaupt kein Geheimnis aus dem Experiment. Der Sender verschickt Pressemitteilungen, stellt Vergleichsmaterial zur Verfügung, lässt Führungskräfte über das Projekt sprechen und bewirbt seine KI-Strategie offensiv. Warum ausgerechnet die Menschen, für die das Programm hergestellt wird, im linearen Fernsehen nichts davon erfahren sollen, erschließt sich mir nicht.

Experimentieren ja – verschleiern nein

Ich habe grundsätzlich überhaupt kein Problem damit, wenn Fernsehsender mit KI experimentieren. Im Gegenteil: Fernsehen und Film waren schon immer technische Medien. Schnitt, digitale Effekte, CGI, virtuelle Studios oder computergestützte Nachbearbeitung haben das Medium immer wieder verändert. Generative KI wird der nächste große Schritt in dieser Entwicklung sein. Genau deshalb braucht es aber Transparenz, in der Differenzierung, wie sie der EU AI Act liefert. Ich meine damit: Wenn ein realer Schauspieler in einer Aufnahme plötzlich Sätze spricht, die er bei der ursprünglichen Produktion nie gesagt hat, möchte ich das wissen. Wenn ein vorhandener Handlungsverlauf nachträglich verändert wird und daraus eine angeblich neue Folge entsteht, möchte ich das ebenfalls wissen. Deswegen finde ich es gut, dass zum beispiel bei den Oscars klare Regeln aufgesetzt worden sind.

Dafür braucht es weder Warnhinweise im Minutentakt noch eine blinkende KI-Banderole. Ein kurzer, klarer Hinweis zu Beginn oder eine andere gut wahrnehmbare Lösung wäre vollkommen ausreichend. Genau für solche verhältnismäßigen Formen der Offenlegung lässt der AI Act bei fiktionalen Werken ausdrücklich Spielraum. Dass RTL diese Information bei RTL+ offenbar problemlos unterbringen kann, im klassischen Fernsehen aber darauf verzichtet, macht die Sache eher schwerer verständlich.

Noch interessanter finde ich allerdings die Frage, was dieses Experiment über den Zustand des Fernsehens erzählt. KI funktioniert ausgerechnet dort ganz gut, wo die Produktionssprache ohnehin standardisiert, der ästhetische Anspruch überschaubar und die Geschichten hochgradig schematisiert sind. Anders gesagt: Vielleicht ist nicht die KI besonders gut darin, Fernsehen zu produzieren. Vielleicht ist ein Teil des Fernsehens inzwischen nur so vorhersehbar produziert, dass eine KI problemlos darin herumfuhrwerken kann.

Wenn Künstliche Intelligenz genutzt wird, um aufwendige visuelle Ideen möglich zu machen, Kreative von Routinetätigkeiten zu entlasten oder Geschichten zu erzählen, die bislang nicht finanzierbar waren, kann daraus etwas Spannendes entstehen. Wenn sie dagegen hauptsächlich dazu dient, längst ausgestrahlte Folgen aus dem Archiv zu holen, neu zusammenzuschrauben und mit möglichst wenig zusätzlichem Aufwand noch einmal als „neu“ zu senden, steht am Ende vielleicht ein wirtschaftlich effizientes Produkt – aber nicht unbedingt besseres Fernsehen.

Klar, wir haben auch schon Schlimmeres mit KI gesehen, aber trotzdem: Brauchen wir das so in dieser Form?

Es ist günstig – ja. Aber: Das lineare Fernsehen kämpft ohnehin darum, relevant zu bleiben. Selbst RTL beschreibt, wie stark sich Werbeeinnahmen und Nutzung in Richtung digitaler Angebote verschieben. Darauf mit noch stärkerer Kostenoptimierung zu reagieren und das verbliebene Publikum mit KI-recyceltem Archivmaterial zu versorgen, könnte kurzfristig funktionieren. Langfristig droht daraus jedoch eine Abwärtsspirale zu werden: geringere Reichweite, weniger Investitionen, billigere Inhalte, noch weniger Attraktivität.

Und – was mich abschließend noch interessieren würde – wie lautet eigentlich das Urteil von Ulrich Wetzel dazu?

Bilder: RTL / Grellert / Werner / Marina Rosa Weigl / Constantin Entertainment / Stefan Gregorwius

Als ich als Kind in der Fernsehzeitschrift las, dass „Ghostbusters” läuft, war ich hellauf begeistert. Beim Einschalten merkte ich aber, dass statt der mir bekannten Geisterjäger wie Peter, Egon, Ray und Slimer plötzlich eine ganz andere Truppe über den Bildschirm lief. Erst später verstand ich, dass hinter der von der Trickfilmschmiede Filmation („Masters of the Universe“) realisierten Serie eine Adaption einer alten Live-Action-Serie steckte. Die von 1986 bis 1987 ausgestrahlte Zeichentrickserie umfasste 65 Folgen und versuchte, an dem Kinoerfolg von „Ghostbusters“ anzuknüpfen. Die bereits 1975 ausgestrahlte Sitcom „The Ghost Busters“ handelte von drei eher tollpatschigen Geisterjägern namens Kong, Spencer und dem Gorilla Tracy. In der Trickserie sind es deren Söhne, die nun Jagd auf Geister machen. Jake Kong Jr., Eddie Spencer Jr. und der Gorilla leben gemeinsam in einem alten Haus, das zahlreiche fantastische Dinge bereithält. Dazu gehören das Geistophon, das Anrufe selbstständig entgegennimmt, ein sprechender Fernseher namens Skelevision und ein sprechendes Fahrzeug namens Ghost Buggy, das sich bei Bedarf sogar in ein Flugzeug verwandeln kann. Unterstützt werden die Ghostbusters von Jakes Bekannter, der Reporterin Jessica, ihrer sprechenden Fledermaus Belfry und einer Frau aus der Zukunft namens Futura. Ihre Gegenspieler sind der finstere Prime Evil, das Roboterskelett Scared Stiff, der Werwolf Haunter und Mysteria. Für meinen Rewatch habe ich mir die vierte Folge „Die Freiheitsstatue“ angesehen. Darin soll in New York die renovierte Freiheitsstatue eingeweiht und neue Amerikaner:innen eingebürgert werden. Als die Feier von Mysteria und Prime Evil gestört wird, werden die Ghostbusters aktiv. Prime Evil will die Freiheitsstatue durch eine teuflische Statue von sich selbst ersetzen und somit das Symbol der Freiheit zerstören.

Die Ghostbusters machen sich daran, Prime Evil und seine Geistertruppe aufzuhalten. Neben den harmlosen Actionszenen punktet die Serie mit kleinen Fantasy-Einfällen. Beispielsweise gibt es ein mystisches Fließband aus einer anderen Dimension, durch das die Helden jede Folge hindurchgehen, um sich in ihre Arbeitskluft zu werfen. Auch die Musik hat ihren ganz eigenen Charme. Allerdings merkt man der Serie an, dass sie vor allem jüngere Zuschauer:innen ansprechen soll. Während die Geschichten von „The Real Ghostbusters” häufig etwas düsterer waren, die Figuren vielfältiger und der Humor auch für ältere Zuschauer:innen interessant war, wirkt die Filmation-Serie dagegen sehr viel kindlicher. Das gilt auch für die „Freiheitsstatue“-Episode. Die Handlung ist recht simpel gestrickt und folgt einem klassischen Muster. Trotzdem hat sie eine sympathische Botschaft, demnach hängt die Freiheit nicht allein an einem symbolischen Bauwerk, sondern steckt vielmehr in uns selbst. Eine einfache Prämisse, die für eine Kinderserie aber durchaus funktioniert.

Fazit

„Ghostbusters“ von Filmation kann nicht ganz mit „The Real Ghostbusters“ mithalten. Die Serie wirkt zu harmlos und kindlich. Gleichzeitig haben die Macher:innen aber eine fantasievolle Welt geschaffen, die jüngeren Zuschauer:innen oder Nostalgikern wie mir eine kurzweilige Zeitreise in die Fernsehvergangenheit ermöglicht.

„Ghostbuster“ ist derzeit bei Joyn abrufbar.

Bilder: Filmation

Endlich! „FROM“ ist durch. Zumindest die vierte Staffel. Die letzten Folgen lagen jetzt doch eine ganze Weile auf meiner Watchlist herum, weil irgendwie ständig etwas anderes dazwischenkam. Diese Woche habe ich sie mir endlich vorgenommen – und natürlich macht „FROM“ genau das, was die Serie am besten kann: ein paar Antworten liefern und dafür gefühlt doppelt so viele neue Fragen aufwerfen. Typisch „FROM“ eben. Jetzt heißt es wieder warten.

Deutlich zuverlässiger bin ich aktuell bei „Reacher“ unterwegs. Die wöchentliche neue Folge wurde natürlich nicht verpasst. Alan Ritchson darf sich weiterhin ziemlich kompromisslos durch seine Probleme arbeiten und die vierte Staffel liefert bislang genau das, was ich von der Serie erwarte: schnörkellose Action, trockene Sprüche und einen Reacher, der meistens schon beim Betreten eines Raumes klarmacht, wer ihn am Ende wieder verlassen wird.

Die „Simpsons“ gehen sowieso immer. Springfield gehört inzwischen einfach fest zu meinen TV-Wochen dazu. Mal ist eine Folge stärker, mal schwächer – aber nach all den Jahren schaue ich immer noch gerne bei Homer, Marge, Bart, Lisa und Maggie vorbei.

Und dann gab es noch einen alten Bekannten: „Resident Alien“ ist mit seiner vierten Staffel inzwischen auch bei Netflix eingezogen. Alan Tudyk als Harry Vanderspeigle und seine etwas spezielle Interpretation menschlichen Verhaltens haben für mich nach wie vor ihren ganz eigenen Charme. Die Mischung aus Science-Fiction, Kleinstadtgeschichten und herrlich schrägem Humor funktioniert einfach.

Damit war die Woche eigentlich ziemlich ordentlich gefüllt: ein längst fälliges Staffelfinale abgehakt, bei „Reacher“ auf dem aktuellen Stand geblieben, der obligatorische Abstecher nach Springfield – und mit „Resident Alien“ steht direkt der nächste Kandidat bereit, der wieder ein paar Abende füllen dürfte.

So kann die nächste TV-Woche gerne kommen.

Bilder: Amazon Prime, Disney, Netflix, Paramount+

Kennt ihr das? Ihr seid auf der Suche nach Unterhaltung für den Sofaabend und statt die ewig lange Watchlist abzuarbeiten, greift ihr lieber auf etwas Altbekanntes zurück? So geht es mir auch immer wieder. Da gibt es so ein paar Serien, die immer wieder über den Bildschirm flackern, zum Beispiel „Friends“ oder „Gilmore Girls“. Aber es gibt auch Serien, die nicht regelmäßig einem Rewatch unterliegen, die ich aber unbedingt nochmal als Ganzes sehen möchte. Fünfen davon widme ich mich heute.

„Fleabag“

Eine Comedy-Serie mit viel schwarzem Humor und deutlich mehr Tiefgang, als zunächst erwartet: „Fleabag“ ist das Meisterwerk von Phoebe Waller-Bridge, das es schafft, mich beim Schauen nicht nur einmal die Luft vor Fremdscham anhalten zu lassen. Doch eigentlich erzählt die Serie die Geschichte einer jungen Frau in London, die versucht mit ihrer Trauer zurechtzukommen. Dabei erlebt sie in ihrem eher chaotischen Leben so manche herausfordernden Situationen – sei es beim Dating oder in der Beziehung zu ihrer Schwester.

Das Besondere an der Serie ist, dass die Protagonistin immer wieder die vierte Wand durchbricht und uns Zuschauer:innen direkt adressiert. Das ruft in den unangenehmen Szenen direkt noch mehr Unbehagen hervor. Gleichzeitig spielt die Serie auch mit genau diesem Durchbruch der vierten Wand und das verleiht ihr zusätzlich komödiantische Züge. Es gibt leider nur zwölf halbstündige Episoden von „Fleabag“. Das bedeutet aber auch, dass die ganze Serie gut an einem Wochenende durchzubingen ist. Bei der Besetzung – Phoebe Waller-Bridge, Olivia Colman, Andrew Scott, Brett Gelman, Bill Paterson – einfach nur ein Highlight.

„Mr. Robot“

Bei „Mr. Robot“ und mir verhält es sich wie folgt: Ich habe die erste Staffel geschaut, für sehr gut befunden, die zweite Staffel angefangen und bin nach ein paar Folgen rausgekommen – und seitdem nicht wieder eingestiegen. „Mr. Robot“ ist eine Cyber-Thriller-Serie, in der Elliot, ein introvertierter Cybersecurity-Experte und Hacker, gemeinsam mit der Hackergruppe fsociety versucht, den korrupten Konzern auszuschalten, für den er arbeitet. Die Serie kommt mit sehr viel Gesellschaftskritik daher und überrascht vor allem mit ihrer Erzählweise und den Wendungen in der Geschichte.

Seit Jahren steht die Serie auf meiner Watchlist ganz oben, aber ich weiß auch, dass ich dafür Zeit brauche – und viel Konzentration. Die erste Staffel nochmal zu erleben, diesmal aber mit dem Wissen, was der spätere Twist in der Handlung offenbaren wird, wird definitiv, vor allem mit so viel zeitlichem Abstand, eine Erfahrung wert sein. Und ab der zweiten Staffel ist es dann im Grunde auch kein Rewatch mehr für mich. Für diese Serie benötige ich allerdings weitaus mehr als nur ein kurzes Binge-Wochenende.

„Ted Lasso“

Selten bringt mich eine Serie so sehr zum Lachen und lässt mich gleichzeitig so viele Emotionen fühlen wie „Ted Lasso“. Die Serie folgt dem ehemaligen American Football-Trainer Ted Lasso, der von Kansas in den USA nach London in Großbritannien zieht, um die Fußballmannschaft vom AFC Richmond zu trainieren – auch wenn er von diesem Sport kaum eine Ahnung hat. Es entwickelt sich eine Geschichte über Freundschaft und Beziehungen, die sich auf Vertrauen und Optimismus stützt, ohne dabei in eine übertrieben naive Richtung abzudriften. Dabei gibt es so viele liebevolle Charaktere, die im Laufe der Staffeln immer mehr ans Herz wachsen. Ted, der von Jason Sudeikis verkörpert wird, möchte ich einfach immer drücken.

Eine Feel-Good-Serie wie „Ted Lasso“ sollte man viel häufiger in den Alltag einbauen. Das trainiert nicht nur die Lachmuskeln, sondern ist schlichtweg einfach nur schön.

„Sterling Point“

In „Sterling Point“ erben Annie und ihr Zwillingsbruder Connor überraschend eine kleine kanadische Insel von ihrem verstorbenen Großvater. Annie macht sich daraufhin auf, diesen Ort kennenzulernen, an dem ihre Mutter aufgewachsen ist und der kaum in einem größeren Kontrast zu ihrer Wohnung und ihrem Leben in New York City stehen könnte. Was zunächst als eher klassisches Coming-of-Age-Drama daherkommt, entpuppt sich schnell als mehr als das. Die Charaktere sind interessant gezeichnet und haben Tiefgang. Und auch wenn die Geschichte mit dramatischen Elementen daherkommt, bleibt das übertriebene, intrigante Teenie-Drama á la „Gossip Girl“ auf jeden Fall aus und das gefällt mir.

Ich habe die Serie erst kürzlich an zwei Abenden durchgebinget und mochte vor allem, welche Atmosphäre sie geschaffen hat. Das würde ich also direkt nochmal machen – vor allem, weil die Serie mein Reisefieber in Richtung Kanada noch einmal verstärkt hat. Bei den paar Folgen ist ein schnelles Rewatch von „Sterling Point“ so gut wie immer machbar.

„Breaking Bad“

Wie sicher kann ich sein, dass mir mein All-Time-Favourite „Breaking Bad“ auch heute noch so unglaublich gut gefällt wie damals? Ich habe bereits mehrmals den Piloten erneut gesehen – aber die ganze Serie? Klappt es nochmal, zuzusehen, wie das Leben des Walter White, eines Highschool-Chemielehrers, der nach einer Krebsdiagnose ins Crystal Meth-Geschäft einsteigt, einmal umgekrempelt wird und alles vollkommen eskaliert? Ich bin mir ziemlich sicher.

62 Episoden, ca. 48 Minuten pro Folge: Wenn ich also das nächste Mal ca. 50 Stunden Zeit habe, widme ich mich einem ernsthaften Rewatch von „Breaking Bad“ und werde hoffentlich feststellen, dass die gesamte Serie unglaublich gut gealtert ist. Das wünsche ich mir.

Welche Serien würdet ihr gerne nochmal vollständig sehen, wenn Zeit keine Rolle spielen würde? Gibt es Serien, die ihr immer wieder schaut und die ihr genauso gut findet wie am Anfang? Lasst es uns in den Kommentaren wissen.

Bilder: Prime Video | Prime Video | Apple TV+ | USA Network | AMC

Netflix Preiserhöhung 2026: Das sind die neuen Tarife und Preise beim Streamingdienst

Damit muss für die nächste Zeit gerechnet werden:

– Netflix Standard mit Werbung bisher 4,99 Euro, zukünftig 6,99 Euro, also +2 Euro oder rund +40 %
– Netflix Standard bisher 13,99 Euro, zukünftig 15,99 Euro, also +2 Euro oder rund +14 %
– Netflix Premium bisher 19,99 Euro, zukünftig 21,99 Euro, also +2 Euro oder rund +10 %

Vor allem beim werbefinanzierten Modell fällt die Erhöhung damit ziemlich deutlich aus. Wer bislang 4,99 Euro gezahlt hat, landet künftig bei 6,99 Euro – also rund 40 Prozent höher.

Ausgerechnet das günstige Abo wird relativ am stärksten teurer – das finde ich durchaus bemerkenswert. Denn Netflix hat in den vergangenen Jahren schließlich viel Energie darauf verwendet, sein werbefinanziertes Modell als günstigen Einstieg in die Plattform zu etablieren.

Immerhin: An den Leistungen der drei regulären Tarife soll sich durch die Preiserhöhung zunächst nichts ändern. Das Standard-Abo mit Werbung und das werbefreie Standard-Abo bieten weiterhin Full-HD, Premium bleibt unter anderem das Modell für 4K-Streaming und 3D-Sound. Für Neukund:innen gelten die neuen Preise sofort; Bestandskund:innen sollen vor der jeweiligen Erhöhung informiert werden.

Netflix mit Werbung oder nicht? Was tun?

Was macht man jetzt als Netflix-Kunde – oder solcher, der es werden wollte? Zwischen dem werbefinanzierten Tarif für 6,99 Euro und dem werbefreien Standard-Abo für 15,99 Euro liegen künftig neun Euro im Monat – beziehungsweise 108 Euro im Jahr. Netflix macht damit zwei Dinge gleichzeitig: Der günstige Einstieg wird teurer, bleibt aber immer noch deutlich vom werbefreien Angebot entfernt. Wer Werbung akzeptiert, spart also weiterhin ordentlich Geld. Wer sie nicht akzeptieren möchte, muss inzwischen tief in die Tasche greifen. Und genau das dürfte strategisch durchaus gewollt sein. Werbung ist für Streamingdienste längst nicht mehr nur ein notwendiges Zugeständnis an preisbewusste Kund:innen, sondern ein zusätzlicher Erlöskanal, wir haben uns das hier im Blog ausführlich angesehen.

Klar: Die neue Preisstruktur macht das werbefinanzierte Modell trotz seiner kräftigen Verteuerung also keineswegs bedeutungslos. Im Gegenteil: Der Abstand zum klassischen Standard-Abo bleibt groß genug, um Nutzer:innen weiterhin einen finanziellen Anreiz für die Werbung zu geben. Aber: Im gesamtkontext, sind’s wieder 2 Euro mehr im monatlichen Streamingpaket – denn viele haben ja nicht nur Netflix.

Auch das Teilen des Netflix-Kontos wird teurer

Übrigens: Netflix schraubt außerdem an einem weiteren Hebel: den Zusatzmitgliedern. Seit der Streamingdienst verstärkt gegen das Teilen von Accounts außerhalb eines Haushalts vorgeht (mehr dazu hier im Blog), können zusätzliche Personen gegen Gebühr offiziell einem bestehenden Konto hinzugefügt werden. Auch hier steigen nun die Preise: Im werbefinanzierten Tarif erhöht sich die monatliche Gebühr für ein Zusatzmitglied von 3,99 auf 4,99 Euro. Bei den beiden werbefreien Modellen werden künftig 5,99 statt bislang 4,99 Euro fällig. Damit wird auch die einst recht verbreitete Rechnung „Wir teilen uns einfach Netflix“ noch einmal etwas unattraktiver. Netflix hat das Account-Sharing in den vergangenen Jahren ohnehin Schritt für Schritt von einer geduldeten Praxis in ein eigenes Bezahlmodell verwandelt.

Das alte Basis-Abo lässt Netflix endgültig verschwinden

Wie bei vielen Angeboten gibt’s auch bei diesem Drehen an der Preisschraube mal wieder einen Nachteil für treue Kund:innen: Es betrifft das frühere werbefreie Basis-Abo. Neukund:innen können diesen Tarif schon länger nicht mehr buchen, Bestandskund:innen konnten ihn bislang jedoch teilweise weiter nutzen. Damit ist nun ebenfalls Schluss: Netflix lässt das Modell auch für verbliebene Bestandskund:innen auslaufen. Wer den alten Basis-Tarif noch besitzt, sollte bei einer bevorstehenden Umstellung deshalb genau hinschauen.

Zeit für den eigenen Netflix-Tarifcheck

Mit der neuen Preisrunde lohnt sich deshalb vielleicht mehr denn je ein Blick darauf, wofür man Netflix tatsächlich nutzt. Wer beispielsweise das Premium-Abo vor allem wegen der 4K-Auflösung gewählt hat, diese aber gar nicht benötigt (oder technisch umsetzen kann – soll’s auch geben), könnte durch einen Wechsel auf Standard vier Euro monatlich beziehungsweise 48 Euro im Jahr sparen. Noch wesentlich größer fällt der Abstand zum werbefinanzierten Modell aus: Zwischen Standard ohne Werbung und Standard mit Werbung liegen künftig 108 Euro pro Jahr.

Netflix argumentiert mit seinen regelmäßigen Investitionen in neue Filme, Serien und andere Inhalte. Der Mehrwert für die Mitglieder werde kontinuierlich gesteigert, deshalb seien gelegentlich höhere Preise notwendig. Gleichzeitig zeigt die Entwicklung des Unternehmens bislang, dass die Strategie funktioniert: Trotz verschiedener Preiserhöhungen ist Netflix weiterhin der dominierende Videostreaming-Anbieter und das Geschäft wächst weiter. Ich selbst bin vor einiger Zeit in das werbefinanzierte Modell gewechselt – einfach weil die Werbeinseln kaum stören und das Netflix-Angebot jetzt nicht (mehr) so überragend ist. Heißt für mich – ich bleibe im werbefinanzierten Abo, der Sprung zu den anderen Modellen ist für mich einfach zu groß. Aber das muss jede:r für sich selbst entscheiden – natürlich.

Bilder: Netflix

Im September startet das neue deutsche Crime-Drama „Serial Cleaner“ im ZDF-Streamingportal. Darin wird die Reinigungskraft Teri bei ihrer Arbeit in einem Luxushotel Zeugin eines Mordes – und dabei von den Tätern gesehen. Um nicht auch selbst Opfer zu werden, bietet sie an, den Tatort zu reinigen und wird damit tief in gefährliche Machenschaften verstrickt. Doch eine lebensnotwendige und teure Therapie für ihre immunkranke Tochter treiben sie trotz moralischem Konflikt an.

Hier seht ihr den Trailer zur Serie, in der Aylin Tezel die Hauptrolle der Teri spielt:

„Serial Cleaner“ ist ab dem 14. September im ZDF-Streamingportal abrufbar. Ab dem 30. September laufen an drei Mittwochabenden hintereinander um 21:45 Uhr jeweils zwei Folgen bei ZDFneo.

Bild: ZDF | Raimonds Birkenfelds

Ich wette, ihr kennt das auch: Im Gespräch mit Freunden oder Bekannten kommt man auf das Thema Serien, Filme oder einfach nur Fernsehen im Allgemeinen. Auf die Frage „Kennst du auch die neue Serie auf Netflix?“ oder „Hast du in der ARD die Talkshow zur wirtschaftlichen Lage gesehen?“ bekommt man die rote Karte gezeigt, mit den Worten: „Nein, ich habe gar keinen Fernseher.“ Das Gegenüber erhebt sich, wenn diese Worte ausgesprochen werden, mindestens 10 cm über die Erde, es erscheint ein Heiligenschein, und der liebe Gott nickt zustimmend vom Himmel herab. So zumindest scheinen sich diese Menschen zu fühlen, wenn sie diese Worte äußern. Studenten, die einfach keinen Platz oder kein Geld haben, nehme ich bei dieser Darstellung natürlich aus. Aber bei der typischen Vorstadtfamilie, Reihenhaus und zwei Kindern, da kommt genau dieser Geist zum Vorschein. Fernsehen verdirbt, die Leute sollten lieber Bücher lesen oder einfach rechtzeitig schlafen gehen. Sich am Ende sogar noch mit Reality-Fernsehen unterhalten zu lassen, erntet keinen Applaus, sondern nur Verachtung.

Wer dieses Konstrukt tatsächlich so lebt, dem gratuliere ich. Es ist nichts, was ich anstrebe, aber dann ist es wenigstens konsequent. Meine Beobachtung ist aber, dass diese Personen dann doch das ein oder andere schauen, über die ein oder andere Serie Bescheid wissen, und wenn man dann nachhakt, stellt sich heraus: Sie haben zwar keinen Fernseher, schauen aber trotzdem – nur eben auf einem Laptop oder auf einem Handy. Wenn ich das herausgearbeitet habe, würde ich am liebsten „Na, herzlichen Glückwunsch“ herausposaunen. Für den intellektuellen Persilschein sich die Augen zu verrenken und dabei viel schlechtere Inhalte zu konsumieren, nur damit man sich auf dem Nachbarschaftsfest etwas abheben kann, weil der Universitätsabschluss dafür nicht mehr ausreicht, hat ja eh schon jeder.

Ich für meinen Teil stehe dazu: Seit einem Jahr schaue ich auf 80 Zoll und bereue es keinen Tag. Bei den ganzen Verpflichtungen kommt man leider zu selten dazu, aber gerade dann will ich die wenige Zeit nutzen und genießen. Ich für meinen Teil halte nichts davon, den Nichtbesitz als Statussymbol einzusetzen, wenn man gleichzeitig ungemütlich am Küchentisch mit lautem Lüfter und matschigem Display, ohne HDR, reinzieht. Ist man deswegen schlauer oder besser? Nein, keinesfalls.

Mein Plädoyer: Steht zu eurem Fernseher, und wenn ihr gerne schaut, dann gönnt euch den großen OLED.

Bilder: KI Generiert

Im August gab’s in der Streamingwelt definitiv kein Sommerloch. Bei Prime Video kehrte „Reacher“ mit Staffel 4 schlagkräftig zurück, während Apple TV+ tatsächlich noch einmal „Ted Lasso“ aufs Feld schickte. Netflix verabschiedete sich mit Staffel 5 von „Outer Banks“ und legte zugleich mit neuen Animationsprojekten nach.

Bei HBO Max gehörte „Lanterns“ zu den spannendsten neuen Serienprojekten aus dem DC-Universum. Disney+ setzte unter anderem auf „The Shards“ und weiteren Nachschub aus dem „Star Wars“-Kosmos. Daneben wurde wieder fleißig verlängert, beendet und aussortiert. Auch die steigenden Streamingpreise blieben im August ein großes Thema. Gleichzeitig wird der Wettbewerb zwischen Netflix, Disney+, Prime Video und Co. immer stärker zum Plattformkampf.

Spannend ist dabei auch die Idee, fremde Streamingangebote künftig stärker in bestehende Apps zu integrieren. Unterm Strich also: viel Franchise, viele Fortsetzungen – und mindestens genauso viel Bewegung hinter den Kulissen. Weiter könnt ihr, wie üblich, die beliebtesten Artikel im Monat August nachlesen. Unter der Liste findet ihr wie immer ausgewählte Rückblicke und Serien-Tipps der Redaktion.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

Diese Beiträge sind im Laufe des Augusts auf seriesly AWESOME veröffentlicht und von euch am meisten geklickt worden.

1. Awesome 5: Fahrzeuge in Serien
2. Disney+: Neu im August 2026 (Serien, Dokus & Filme)
3. Netflix: Neu im September 2026 (Serien & Filme)
4. TV-Aufreger der Woche: Werbung inklusive, Werbefreiheit kostet extra – Amazon gewinnt den Prime-Video-Streit
5. TV-Thema der Woche: Endlich ein Zuhause für „The Walking Dead“
6. Sky & WOW: Neu im September 2026 (Serien & Filme)
7. Review: „Batman: Caped Crusader“ – Staffel 2
8. Meine TV-Woche: Sonnenfinsternis und „Ted Lasso“
9. Drehorte: Serien, die in Seoul gedreht wurden
10. „The Pitt“-Cast liest „Star Trek“

Persönliche Monatsrückblicke

Und hier gibt es noch die subjektiven Monatsrückblicke aus unserem Autor:innenteam. Wir führen persönliche Highlights auf und schenken euch einen Einblick in die eigene Watchlist.

Chris Monat

Mein eigener Serienmonat im August war diesmal eine ziemlich angenehme Mischung aus neuen Folgen, Wiederentdeckungen und dem üblichen Dauerprogramm. „Reacher“ habe ich natürlich weiter verfolgt, außerdem bin ich noch einmal bei „Where’s Wanda?“ hängen geblieben – eine Serie, die ich tatsächlich sehr gerne wiederentdeckt habe. Und meine „Simpsons“ laufen sowieso immer irgendwo mit, die gehören inzwischen fast schon zur Grundversorgung.

Abseits des Bildschirms war im August aber auch genug geboten: ein paar Tagesausflüge, die Sonnenfinsternis als kleines Highlight und zwischendurch immer wieder die Flucht ins Freibad, wenn es draußen zu heiß wurde. Insgesamt also ein Monat, in dem Serien zwar ihren festen Platz hatten, aber eben auch noch genug Sommer drumherum stattfand.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im August bin ich nur so durch die Staffeln von „Ted Lasso“ durchgerauscht, um dann auch direkt mit der brandneuen vierten Staffel anschließen zu können. Eine natürliche Pause verschafft der wöchentliche Veröffentlichungsrhythmus der neuen Season, sodass ich für die Phasen zwischendurch auf „Shrinking“ ausgewichen bin. Eine ebenfalls lustige Serie mit liebenswerten Charakteren.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Im August war es bei mir etwas ruhiger als in den vergangenen Monaten. Dafür blieb mehr Zeit für kleine Tagesausflüge in die nähere Umgebung und den einen oder anderen entspannten Tag zu Hause. Bei den Serien konnte ich liegen gebliebene Stoffe abschließen, darunter „The Bear“, und gleichzeitig interessante Neustarts entdecken, wie die Superhelden-Crime-Serie „Lanterns“.

Habe ich gesehen

Das September-Programm auf Netflix ist ziemlich üppig gefüllt. Ich persönlich freue mich besonders auf die zweite Staffel von „The Gentlemen“. Was darf bei euch im kommenden Monat nicht fehlen?

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine September 2026

2. September

Lovesick (Emilia) (1. Staffel)

3. September

The Gentlemen (2. Staffel)

4. September

Earle Meets World (1. Staffel)

8. September

DANG! (1. Staffel)
Fauda (5. Staffel) (nur in Deutschland und der Schweiz)

10. September

Crew Girl (1. Staffel)
The Perfect Lie (Und hüte dich vor dem Bösen) (1. Staffel)

11. September

Stolen Heartbeats (En coma – Zwischen Leben und Tod) (1. Staffel)

14. September

Gabby’s Dollhouse (14. Staffel)
Hot Ones: Extra Heat (2. Episode)

16. September

The Doll (Die Puppe) (1. Staffel)

17. September

Monster: The Lizzie Borden Story (Monster: Die Geschichte von Lizzie Borden) (1. Staffel)
Plastic Beauty (1. Staffel)
The Fixers (1. Staffel)
Not a Stranger (Keine Fremde) (1. Staffel)
Stranger Things: Tales From ’85 (2. Staffel)

22. September

Minerva Academy (Die Minerva-Akademie) (1. Staffel)

23. September

Habeas Corpus (1. Staffel)
Wonka’s The Golden Ticket (1. Staffel)

24. September

Delusion (1. Staffel)
A Different World (1. Staffel)
My Sad Dead (Meine traurigen Toten) (1. Staffel)

25. September

The Final Problem (Das letzte Problem) (1. Staffel)
STEEL BALL RUN JoJo’s Bizarre Adventure (2.–3. Phase)

29. September

LEGO ONE PIECE (1. Staffel)

30. September

The Arena (Die Arena) (1. Staffel)

Demnächst

Medusa (2. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine September 2026

1. September

Jared Freid: The Family Plan

8. September

Stavros Halkias: Uncle Stav

15. September

Jo Koy: Blue in the Face

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine September 2026

1. September

Untold Raygun: Breaking Badly

2. September

Turning Point: Generation 9/11 (Wendepunkt: Generation 9/11)

3. September

Fito Páez: The World Within a Song (Fito Paez: El mundo cabe en una canción)

8. September

Untold Mr. T: I Pity The Fool

30. September

The Widower: ‚Til Death Do Us Part (Der Witwer: Bis dass der Tod uns scheidet)

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine September 2026

3. September

Dune: Part Two

5. September

The Sixth Sense

7. September

We Are Your Friends

9. September

Why Did I Get Married Again? (Auch Liebe macht mal Ferien 3)

10. September

Call My Agent! The Movie
King of Thieves (Ein letzter Job)
Rheingold

11. September

Go Team! (Danke, Team!)

12. September

The AI Doc: Or How I Became an Apocaloptimist

13. September

Wunderschöner

17. September

Don’t Worry Darling (nur in Deutschland und Österreich)

18. September

Best of the Best

21. September

Mickey 17

24. September

Weekend Rebels (Wochenendrebellen)

25. September

UNABOMBER

29. September

Mononoke The Movie: Chapter Ⅲ – The Curse of the Serpent

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine September 2026

11. September

NFL Melbourne Game

Manchmal braucht es gar keine neue Serie. Manchmal hat man einfach Lust, noch einmal irgendwo vorbeizuschauen, wo man sich beim ersten Mal schon ziemlich wohlgefühlt hat. Und genau so ging es mir mit „Where’s Wanda?“. Dabei ist „wohlfühlen“ angesichts der Ausgangslage vielleicht ein etwas seltsamer Begriff. Die 17-jährige Wanda (Lea Drinda) ist verschwunden, ihre Eltern Carlotta (Heike Makatsch) und Dedo (Axel Stein) verzweifeln zunehmend an den Ermittlungen der Polizei und beschließen irgendwann, die Sache selbst in die Hand zu nehmen. Gemeinsam mit ihrem technikaffinen Sohn Ole (Leo Simon) beginnen sie kurzerhand damit, die Nachbarschaft zu überwachen. Und siehe da: Hinter den Fassaden der vermeintlich beschaulichen Vorstadt tun sich einige ziemlich interessante Abgründe auf.

Beim Rewatch ist mir noch stärker aufgefallen, wie ungewöhnlich gut diese Mischung funktioniert. Eigentlich haben wir es mit einer Vermisstengeschichte zu tun, zwischendurch wird es durchaus spannend und auch mal düster – trotzdem entwickelt „Where’s Wanda?“ eine erstaunliche Wohlfühl-Atmosphäre.

Das liegt für mich vor allem an den Figuren. Heike Makatsch und Axel Stein harmonieren als Carlotta und Dedo einfach wunderbar miteinander. Sie wirken tatsächlich wie zwei Menschen, die schon eine ganze Weile miteinander durchs Leben stolpern. Sie streiten, improvisieren, treffen fragwürdige Entscheidungen und halten trotzdem zusammen.

Und dann natürlich Heike Makatsch.
Es war einfach schön, sie hier wieder einmal in einer größeren Serienrolle zu sehen – und sie spielt Carlotta richtig prima. Bei mir kommt dabei zwangsläufig auch ein bisschen Nostalgie auf. Makatsch ist eben eine alte Bekannte aus den guten alten VIVA-Zeiten. Wer diese Ära selbst erlebt hat, verbindet mit ihr wahrscheinlich automatisch ein kleines Stück deutsche Fernsehgeschichte. Umso schöner, dass sie hier nicht einfach nur als prominentes Gesicht funktioniert, sondern ihrer Figur Wärme, Witz und gleichzeitig die nötige Ernsthaftigkeit gibt.

Auch beim zweiten Durchlauf funktioniert der eigentliche Kniff der Serie noch hervorragend: Während die Klatts verzweifelt nach Wanda suchen, bekommen wir Stück für Stück Einblicke in das Leben ihrer Nachbarn. Und ziemlich schnell stellt sich heraus, dass in dieser scheinbar normalen Vorstadt praktisch jeder irgendeinen kleinen oder größeren Dachschaden im Keller liegen hat.

Das ist skurril, manchmal herrlich absurd, aber nie so überdreht, dass die Figuren völlig unglaubwürdig würden. Dazu kommen die schöne Inszenierung, der Humor und dieses angenehm warme Zusammenspiel der Hauptdarsteller.

Einziger Wermutstropfen beim Rewatch: Nach acht Folgen ist schon wieder Schluss.

Ich war tatsächlich davon ausgegangen, dass es das gewesen sei. Schließlich wurde „Where’s Wanda?“ ursprünglich als achtteilige Serie angekündigt. Gerade wegen dieser besonderen Atmosphäre und der Harmonie zwischen Makatsch, Stein, Drinda und Simon hätte ich davon wirklich gerne mehr gesehen.

Tja – manchmal lohnt es sich, noch einmal nachzuschauen.

Denn glücklicherweise muss ich meinen kleinen Abschiedsschmerz direkt wieder einkassieren: Apple hat „Where’s Wanda?“ längst um eine zweite Staffel verlängert. Weitere acht Folgen sind bestellt und starten am 21. Oktober 2026.

Perfektes Timing also. Mein Rewatch hat nämlich ziemlich deutlich gezeigt, dass es mir gar nicht ausschließlich darum geht zu erfahren, wo Wanda steckt. Ich verbringe schlicht gerne Zeit mit den Klatts und dieser etwas durchgeknallten Nachbarschaft.

Rewatch-Fazit: Die Überraschungen sind bekannt, der Charme ist geblieben. Vielleicht funktioniert „Where’s Wanda?“ beim zweiten Durchlauf sogar noch ein bisschen besser, weil man sich stärker auf die Figuren und all die kleinen Absurditäten konzentrieren kann. Und das Beste: Diesmal muss ich mich nach Folge acht gar nicht endgültig verabschieden.

Bilder: Apple

Mit großen Schritten gehen wir auf den Herbst zu. Doch ein kleines sommerliches Aufbäumen könnte auch im September noch im Bereich des Möglichen liegen. Welches Programm den nächsten Monat bei Sky und WOW schmückt, schauen wir uns jetzt einmal an.

Neue Staffeln, Serien, Shows & Dokus bei Sky & WOW: Starttermine September 2026

1. September

Shit Show – Welcome to Reality (Doku)
Mocro Maffia (1.-6. Staffel)

2. September

Wild Heroes: Die Zoo-Helden von Auckland (3. Staffel)

3. September

Wale hinter Gittern (Doku)
Mörderische Liebe – Der Fall Jodi Arias (Doku)
Die Flodders (1. Staffel / Neuauflage)

4. September

ACES: Der Club der Tennisgiganten (Doku)

7. September

Possession (1. Staffel)

10. September

CIA (1. Staffel)
Mörderische Liebe – Der Fall Gabby Petito (Doku)

11. September

Tage, die die Welt erschütterten (Doku)

12. September

The Game – Die NFL erobert Deutschland (Doku)

16. September

The Killer You Know – Tödliches Vertrauen (Doku)
The Paper (2. Staffel)

17. September

Doñana – Spaniens Garten Eden (Doku)
Mörderische Liebe – Wo ist Mami? (Doku)

18. September

Ted Bundy: Das Monster von nebenan (Doku)

21. September

Philly Homicide (2. Staffel)
Wildest Places (4. Staffel)
Nachtstreife (1.-3. Staffel)

22. September

Yeliz & Jimi: We are Family?! (2. Staffel)

30. September

Einfach überirdisch! (Doku)

Neue Filme bei Sky:
Starttermine September 2026

4. September

Song Sung Blue

5. September

Bad Cop

9. September

Sky Cinema Special: Adam Sandler (Sonderprogramm zum 60. Geburtstag)

11. September

Primitive War

16. September

In Cold Light

18. September

Armor

19. September

Hamnet

25. September

Dirty Angels

26. September

Splitsville

Zunächst wäre da „Lanterns“, die neue DC-Serie, die im Vorfeld als eine Art „True Detective“ mit Superhelden angekündigt wurde. Nach den ersten beiden Folgen kann sie mit ihrem Vorbild noch nicht ganz mithalten, doch gerade der ungewöhnlich bodenständige Ansatz gefällt mir. Anstatt sich sofort in die kosmischen Dimensionen des DC-Universums zu stürzen, konzentriert sich die Serie zunächst auf einen mysteriösen Fall im Mittleren Westen der USA. Im Mittelpunkt stehen abgehalfterte Pilot Hal Jordan (Kyle Chandler) und der junge John Stewart (Aaron Pierre). Hal ist schon seit Jahren als Green Lantern aktiv, inzwischen aber deutlich desillusionierter und zunehmend auf Konfrontationskurs mit seinen Vorgesetzten, den Wächtern des Universums. John wurde von den Wächtern selbst als Nachfolger ausgewählt und soll nun von Hal ausgebildet werden. Die beiden könnten aber kaum unterschiedlicher sein. Während Hal ruppig und arrogant wirkt, geht John überlegt und ruhig vor. Der eigentliche Kriminalfall nimmt erst allmählich an Fahrt auf. Ein Mensch entpuppt sich als Außerirdischer, während im Hintergrund merkwürdige Technologien und mögliche Drahtzieher auftauchen. Besonders gut gefällt mir bisher, wie die Serie immer wieder zwischen den verschiedenen Zeitebenen springt. Die Handlung spielt überwiegend im Jahr 2016, während Rückblenden bis ins Jahr 1996 Johns Kindheit und Hals Aufstieg zur Green Lantern beleuchten. Die zweite Zeitebene führt schließlich ins Jahr 2026, in dem John einen schockierenden Mord untersuchen soll. In der zweiten Folge („Nicht von dieser Welt“) deutet sich zudem an, dass hinter dem Fall weitaus größere kosmische Zusammenhänge stecken.

Passend zu den warmen Sommertagen führt mich meine zweite Serienreise nach Los Angeles ins Jahr 1981. „The Shards“ basiert auf dem gleichnamigen Roman von Bret Easton Ellis und verbindet ein Coming-of-Age-Drama mit Serienkiller-Elementen. Im Mittelpunkt steht der 17-jährige Bret (Igby Rigney), der sein letztes Schuljahr an der Privatschule verbringt und gleichzeitig davon träumt, Schriftsteller zu werden. Während er mit seiner Sexualität hadert, erschüttern die Morde eines Serienkillers die Stadt. Bret lebt mit seiner Freundin Debbie (Hayes Warner), dem Sportler Thom (Graham Campbell) und der beliebten Susan (Cind Crawfords Tochter Kaia Gerber) in einer Welt voller Privilegien, in der schicke Häuser, teure Autos, Partys und Drogen zum Alltag gehören. Doch das scheinbar sorgenfreie Leben bröckelt immer mehr. Besonders der neue Mitschüler Robert Mallory (Richard Geres Sohn Homer Gere. Fun Fact: Im Roman erwähnt Bret mehrmals, dass er auf Richard Gere steht) macht Bret misstrauisch. Er glaubt, in ihm den Serienkiller zu erkennen, und beginnt, ihn zu beschatten. Dabei spielt die Serie geschickt mit der Frage, wie viel an Brets Verdacht tatsächlich stimmt und wie viel seiner eigenen Fantasie entspringt. Ryan Murphy setzt das Ganze wie gewohnt sehr stylisch um. Die luxuriösen Buden in den Hollywood Hills, die perfekt sitzenden Outfits, die aufwendigen Frisuren und die Synthie-Sounds vermitteln das Gefühl eines verführerischen, aber ziemlich kaputten Los Angeles in den 1980ern. Gleichzeitig zeigt die Serie, dass hinter der glamourösen Fassade oft Einsamkeit, Leistungsdruck und verdrängte Probleme stecken. Selbst nach der Doppelfolge („Homecoming Teil 1 und 2“) diese Woche, bin ich mir noch nicht ganz sicher, wohin „The Shards“ führen wird, aber bislang finde ich die Serie recht spannend. Mein bisheriges Highlight ist die fünfte Folge, in der Ryan Murphy selbst Regie führt und einen Tanzwettbewerb im Fernsehen inszeniert.

Was gab es diese Woche bei euch zu sehen? Lasst es mich gerne in den Kommentaren wissen!

Bilder: Warner Bros. | Disney

Denn es gab ja eine Zeit, da war „The Walking Dead“ für mich Pflichtprogramm – die Älteren erinnern sich. Auch ein Rewatch der ersten Folgen war es mir letztens nochmal wert. TWD war für mich auch nicht einfach irgendein Titel, sondern eine dieser Serien, bei denen man wissen wollte, wie es weitergeht. Rick, Daryl, Carol, Michonne, Negan – das waren Figuren, über die gesprochen wurde. Und natürlich über die Frage, wer wohl als Nächstes das Zeitliche segnen würde. Die Zombies waren dabei irgendwann fast nur noch Kulisse. Im Kern ging es um Menschen, Gemeinschaft, Macht, Moral und die Frage, was von einer Gesellschaft übrigbleibt, wenn ihre Regeln verschwinden. Aber: Irgendwann ist mir „The Walking Dead“ allerdings abhandengekommen.

Das lag zum einen an der Serie selbst: Geschichten zogen sich, dramaturgische Muster wiederholten sich, Figurenkonstellationen wurden ausgereizt und manches fühlte sich irgendwann eher nach Verwaltung eines erfolgreichen Franchise an als nach einer Geschichte, die unbedingt weitererzählt werden musste. Dazu war auch vieles einfach unlogisch erzählt, die CGI-Grafik schlecht – und irgendwann konnte ich den Satzz „Ich muss es einfach tun“ nicht mehr hören, wenn sich eine der Hauptfiguren mal wieder auf irgendeinen absurden Trip begeben hat.

„The Walking Dead“ – welche Spin-Offs gibt es, und wo laufen sie?

Aber während meine Begeisterung für die Hauptserie nachließ, wuchs das Universum munter weiter: „Fear the Walking Dead“, „World Beyond“, „Tales of the Walking Dead“, „The Ones Who Live“, „Daryl Dixon“, „Dead City“ – aus einer Serie wurde ein ganzes Geflecht aus Serien. Eigentlich genau das, was ein erfolgreiches Franchise tun soll: seine Welt vergrößern, neue Perspektiven eröffnen, populäre Figuren weitererzählen und neue Zielgruppen erschließen. Nur muss man es dem Publikum dann auch ermöglichen, dieses Universum vernünftig zu verfolgen, und genau da wurde es in Deutschland ziemlich absurd. Zunächst einmal war die Serie bei FOX zu Hause, das gehörte damals zum Sky-Paket. Nach dem Ende von FOX landete die Mutterserie bei Disney+. Wer sich also noch einmal durch die elf Staffeln und 177 Episoden arbeiten oder verspätet in „The Walking Dead“ einsteigen wollte, hatte dort eine Heimat. Die neueren Ableger wiederum fanden ihren Weg zu MagentaTV. Dort konnte man dann beispielsweise verfolgen, wie es mit Daryl, Maggie, Negan oder Rick und Michonne weitergeht – nur eben ohne die Serie, aus der diese Figuren überhaupt stammen. Das mag sich aus Lizenzsicht irgendwie erklären lassen, aber aus Sicht von uns Zuschauer:innen ergab das natürlich wenig Sinn.

Gerade bei einem Franchise wie „The Walking Dead“, das so stark von seiner eigenen Geschichte und seinen Figuren lebt, ist diese Zersplitterung eher ungünstig, um es einmal vorsichtig zu formulieren. Wer neu einsteigen möchte, braucht beinahe schon einen kleinen Streaming-Fahrplan: Was muss ich zuerst schauen? Wo läuft das? Welches Abo brauche ich dafür? Und ist die nächste Serie, die chronologisch dazugehört, dort eigentlich auch verfügbar? Das ist kein besonders attraktiver Einstieg in ein Serienuniversum.

Ab 2027 alle Zombie-Serien an einem Ort

Umso interessanter finde ich die jetzt verkündete Vereinbarung zwischen AMC Global Media und Netflix. Ab 2027 sollen neben der kompletten Originalserie auch alle sechs Spin-offs weltweit bei Netflix verfügbar werden, die ich oben erwähnt habe. Insgesamt sprechen wir von 371 Episoden. Bestehende Lizenzvereinbarungen sorgen zwar dafür, dass nicht überall alles gleichzeitig starten wird, perspektivisch entsteht aber genau das, was diesem Franchise seit Jahren fehlt: eine zentrale Heimat.

Und das könnte wichtiger sein, als es zunächst klingt, denn Streamingdienste sind längst nicht mehr nur Abspielstationen. Sie entscheiden mit darüber, wie Serien entdeckt werden – nicht umsonst setzen alle Streamingdienste darauf, eigene Serienuniversen zu beheimaten, wie Paramount+ mit Star Trek, Disney+ mit Marvel oder Star Wars, HBO mit Game of Thrones. Das kann den schönen Effekt haben, dass eine alte Staffel plötzlich in den Empfehlungen auftaucht, jemand aus Neugier die erste Folge startet, hängen bleibt und sich anschließend durch ein komplettes Franchise arbeitet. Genau diesen Effekt hat Netflix bei zahlreichen älteren Serien bereits gezeigt. Und bei kaum einem Franchise dürfte ein zentraler Einstiegspunkt wichtiger sein als bei einem inzwischen derart verzweigten Universum. AMC-CEO Kristin Dolan spricht entsprechend von einer globalen Plattform für „alle Serien, alle Episoden“.

Vielleicht liegt darin sogar eine Chance für „The Walking Dead“ selbst. Denn mein Problem mit dem Franchise war zuletzt nicht nur seine Verfügbarkeit. Ich hatte schlicht das Gefühl, dass man aus einem großen Erfolg immer noch ein bisschen mehr herauspressen wollte: Noch eine Figur, deren Geschichte weitererzählt werden kann; noch ein Schauplatz. Und dafür jeweils natürlich noch ein Spin-off.

Natürlich ist das ein schmaler Grat: Ein Serienuniversum kann durch Erweiterungen größer und interessanter werden. Es kann sich aber auch so weit diversifizieren, dass sein eigentlicher Kern kaum noch erkennbar ist. Bei „The Walking Dead“ hatte ich zeitweise eher letzteres Gefühl. Vielleicht hilft die neue Streamingordnung deshalb auch dabei, das Franchise wieder als ein Universum wahrzunehmen und nicht als Ansammlung verschiedener Produktionen, die zufällig denselben Namen tragen. Und vielleicht eröffnet die Vereinbarung AMC sogar neue Möglichkeiten für die weitere Entwicklung. Wenn Netflix künftig weltweit als Schaufenster für das komplette Franchise dient, können neue Zuschauer leichter hineinkommen, ausgestiegene Fans zurückkehren und neue Produktionen auf einem wesentlich breiteren Fundament aufsetzen. 15 Jahre nach dem Start von „The Walking Dead“ ist das keine schlechte Voraussetzung.

Ob mich das persönlich wieder zurückholt? Das weiß ich tatsächlich noch nicht. Dafür müsste auch die Qualität der Produktionen wieder wesentlich besser werden. Oder es müssten sich nochmal ganz neue Perspektiven ergeben. „The Last of us“ macht für mich so ein bisschen vor, wie gut „The Walking Dead“ sein könnte, oder wieder werden könnte.

Habt ihr auch das Gefühl, dass immer wieder so Jahrhundertereignisse auftreten, denen man unbedingt beiwohnen sollte, die für eine kurze Zeit extrem gehypet werden und die sich dann ein paar Jahre später irgendwie doch schon wiederholen? So ging es mir mit der Sonnenfinsternis, die am 12. August in einigen Teilen der Welt zu beobachten war. Und nein, ich habe sie leider nicht gesehen. War das nun wirklich die einzige Chance, so etwas Unglaubliches mit eigenen (geschützten) Augen zu sehen?

Zuerst hatte ich ein paar News zu den Perseiden gesehen und mir vorgenommen, auf jeden Fall am Mittwochabend nach Sternschnuppen Ausschau zu halten. Irgendwann hat sich die Sonnenfinsternis-News eingereiht und ich dachte, dass man die wohl schon irgendwie mitbekommen wird. Als dann aber plötzlich nur noch Warnungen ausgesprochen wurden, dass man die Sonnenfinsternis wirklich unbedingt und ausnahmslos nur mit einer speziellen Brille anschauen dürfe, war ich erstmal demotiviert. Kurz danach kam aber auch in mir das Gefühl auf, dass ich mir so eine Brille kurzfristig auf jeden Fall noch zulegen müsse. Das hatten sich allerdings auch ziemlich viele andere Menschen gedacht, sodass die Optiker (zumindest in Hamburg) entweder ihre Geschäfte bereits mit einem dicken Warnschild „Hier KEINE Sonnenfinsternisbrillen mehr“ versehen oder aber sich einen Spaß daraus gemacht haben, eine Strichliste für die Anfragen zu führen – natürlich trotzdem ohne noch Brillen ausgeben zu können. Ich hatte entsprechend keine Brille, also gab es für mich keine Sonnenfinsternis, aber immerhin hat der NDR einen Livestream übertragen, sodass man dem Ereignis auch so hätte beiwohnen können. Aber mal ehrlich: Dann passiert so etwas vor der eigenen Haustür und dann schaue ich den Livestream? Das hat mich jedenfalls nicht überzeugt.

„Ted Lasso“

Was mich seit einigen Wochen allerdings immer wieder aufs Neue überzeugt, ist „Ted Lasso“. Ich habe leider noch nicht in die neue Staffel der wunderbaren Comedy-Serie reingeschaut. Aktuell befinde ich mich in der dritten Season und bin total froh darüber, dass ich noch ein paar Folgen vor mir habe, bevor ich in die letzte Staffel eintauche. Diese Serie hat es mir so angetan. Seit Jahren wird sie mir immer wieder empfohlen, doch bislang hatte ich kein Apple TV und dementsprechend kam der Moment irgendwie nie zustande, die Serie zu beginnen. Bei einem Langstreckenflug im letzten Jahr gab es im Flieger dann tatsächlich ein paar Folgen im Bord-Programm und natürlich habe ich die Chance genutzt, mal reinzuschauen. Und was soll ich sagen? Ich wurde direkt mitgerissen.

Diese Serie ist einfach nur wundervoll. Und das, obwohl es (auch) um Fußball geht und das nun so gar nicht meine favorisierte Sportart ist. Aber „Ted Lasso“ ist definitiv keine Fußballserie, sondern eine Feel-Good-Serie, hinter der überraschend viel Tiefe steckt und in der der Fußballverein lediglich die Bühne für den Erzählkontext darstellt. „Ted Lasso“ versprüht so viel Optimismus und ist so positiv, ohne aber naiv oder kitschig zu wirken. Sie zeigt, dass Freundlichkeit und Vertrauen Werte sind, die Menschen verändern können. Sie ist unglaublich lustig, rührt mich aber zugleich in jeder Folge auf eine ganz andere Art und Weise zu Tränen. Und die Charaktere sind bis in die kleinste Nebenrolle durchdacht. Auch Nebenfiguren bekommen ihre eigenen Geschichten und durchlaufen Entwicklungen.

Lasst euch gesagt sein: Falls ihr noch nicht in „Ted Lasso“ reingeschaut habt – es wird Zeit! Die Serie ist den Hype wirklich wert. Und zum Glück können wir sie auf Abruf schauen und müssen dafür nicht das nächste Jahrhundertereignis abpassen.

Beitragsbild: Apple TV

Nach „WandaVision“ und „Agatha All Along“ findet die magische Marvel-Saga mit „VisionQuest“ in diesem Herbst ihren Abschluss. Auf der D23, der hauseigenen Disney-Messe, wurde jetzt der erste Trailer veröffentlicht und gibt einen Vorgeschmack auf die Rückkehr von Paul Bettany als Vision. Die achtteilige Serie soll sich mit der Frage beschäftigen, was es eigentlich bedeutet, menschlich zu sein. Vision ist zuletzt am Ende von „WandaVision“ als White Vision aufgebrochen, nachdem ihm die Erinnerungen des ursprünglichen Vision zurückgegeben worden waren. Nun versucht er herauszufinden, wer er eigentlich ist und wie er mit Erinnerungen umgehen soll, die er zwar besitzt, aber nicht selbst erlebt hat. Der Trailer rückt dabei offenbar auch seine Vergangenheit und seine künstliche Existenz stärker in den Mittelpunkt.

„Who am I? I was an Avenger, but I’m not a hero anymore.“ – Vision

Für einen besonderen Nostalgiefaktor sorgt die Rückkehr von James Spader als Ultron. Dazu kommen unter anderem James D’Arcy als J.A.R.V.I.S., Orla Brady als F.R.I.D.A.Y., Emily Hampshire als E.D.I.T.H. und T’Nia Miller als Jocasta. Ebenfalls dabei ist Ruaridh Mollica als erwachsener Tommy Maximoff. Damit könnte „VisionQuest“ nicht nur die Geschichte von Vision fortsetzen, sondern gleichzeitig zahlreiche offene Fäden aus dem bisherigen MCU zusammenführen. Nach dem ungewöhnlichen Stil von „WandaVision“ und „Agatha All Along“ darf man gespannt sein, welchen eigenen Ton Marvel dem Abschluss der Trilogie verpasst.

„VisionQuest“ startet am 14. Oktober bei Disney+.

via: geektyrant

Die Fortsetzung der klassischen Zeichentrickserie war 2024 ein überraschender Nostalgietrip und auch eine der emotionalsten Marvel-Serien seit Langem. Nach dem verheerenden Angriff auf Genosha am Ende der ersten Staffel von „X-Men ’97“ kämpfen Cyclops und Jean Grey in der Zukunft, wo Cable versucht, Apocalypse aufzuhalten. Schon bald wird klar, dass Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft untrennbar miteinander verbunden sind. Am Ende kehrt sogar der totgeglaubte Gambit zurück und stellt Rogue vor die vielleicht schwerste Entscheidung ihres Lebens. Die zweite Staffel erweitert das ohnehin schon große Figurenensemble noch einmal erheblich. Neben den bekannten Mutanten kommen X-Force, X-Factor, die Externals und sogar die Celestials hinzu. Dabei springt die Handlung immer wieder zwischen verschiedenen Zeitebenen hin und her. Das macht die Serie ambitionierter, aber stellenweise auch unnötig kompliziert. Die Formel, spektakuläre Action mit Soap-Opera-Elementen zu verbinden, bleibt gleich, nur ist diesmal alles eine Nummer größer. So wird beispielsweise die Familiengeschichte von Cyclops, Jean und Cable weiter vertieft. Jean erfährt, dass sie Erinnerungen an ihr eigenes Leben und an ihren Klon Madelyne Pryor in sich trägt. Und Cable betrachtet seine Eltern nicht mehr nur als X-Men, sondern als seine Familie. Als er Scott im Verlauf der Staffel schließlich „Sohn” sagen hört, wird aus der verwirrenden Zeitreisegeschichte plötzlich ein sehr persönlicher Moment.

Bereits im zweiteiligen Staffelauftakt reisen die X-Men in die Vergangenheit und begegnen dem jungen En Sabah Nur, der später zu Apocalypse werden wird. Dadurch entsteht ein faszinierendes Zeitparadoxon: Die X-Men versuchen, Apocalypse zu verhindern, tragen aber gleichzeitig selbst dazu bei, dass er zu dem wird, der er ist. Diesmal beschäftigt sich die Serie nicht nur mit der Frage, ob Mutanten und Menschen zusammenleben können, sondern auch damit, ob die Zukunft überhaupt veränderbar ist. Ausgerechnet Magneto versucht, die Geschichte umzuschreiben. Nachdem er in der ersten Staffel versucht hat, Xaviers Erbe fortzuführen, ist er nun bereit, alles zu riskieren, um Apocalypse aufzuhalten. Damit setzt er seine Entwicklung vom radikalen Mutantenführer zum selbstlosen Helden fort. Apocalypse hingegen glaubt an das Überleben des Stärkeren. Für ihn ist der Tod nicht das Ende, sondern ein notwendiger Schritt zur Weiterentwicklung. Später wird diese Vorstellung mit der Philosophie der Celestials in Verbindung gebracht. Diese betrachten das Leben ebenfalls aus einer Perspektive der Evolution und des Überlebens. Charles hingegen glaubt an Zusammenarbeit und Empathie.

Die Vielschichtigkeit der zweiten Staffel sorgt zwar für Abwechslung, hat allerdings auch ihre Schwächen. Während die erste Staffel ihre zahlreichen Wendungen noch relativ geradlinig aufbaute, springt die zweite immer wieder durch die Zeit. Wer nicht mehr genau weiß, wen Nathan wann wohin geschickt hat oder welche Ereignisse bereits passiert sind, kann schnell den Überblick verlieren. Hinzu kommt, dass viele Figuren aus den Comics eingeführt werden, denen nur wenig Zeit eingeräumt wird. Das fällt besonders bei X-Force und X-Factor auf. Cable führt X-Force an, während Valerie Cooper X-Factor als staatlich kontrolliertes Team etabliert. Dabei ist gerade Val Cooper eine interessante Figur. Sie war zunächst eine Verbündete der X-Men und arbeitete sogar mit Cyclops zusammen. Nach Genosha erkennt sie jedoch zunehmend die Gefahr, die von Mutanten ausgeht. Ihre Lösung besteht darin, Mutanten für die Kontrolle anderer Mutanten einzusetzen. Ihr X-Factor-Team wird somit zu einer Art Gegenentwurf zu den X-Men.

Fanliebling Wolverine erhält in all dem eine eigene Geschichte, in der er sich erneut mit Waffe X und Sabretooth auseinandersetzen muss. Er bekommt sein Adamantiumskelett zurück und muss sich erneut mit der Frage auseinandersetzen, wer er eigentlich ist. Dabei wird er von Morph unterstützt. Letzterer kann jede beliebige Gestalt annehmen und sorgt so für einige humorvolle Momente. Wenn er sich beispielsweise in Cyclops verwandelt, um Wolverine zu provozieren, oder sich später als Psylocke ausgibt und sogar Doctor Octopus imitiert, ist das sehr unterhaltsam. Auch Nightcrawler durchläuft eine schöne Entwicklung. Er bekommt wesentlich mehr Raum eingeräumt und wird zum moralischen Kompass der Staffel. In der siebten Folge trifft er auf Graydon Creed, den Sohn von Mystique und Sabretooth. Creed ist ein fanatischer Mutantenhasser, dessen Weltbild auf Angst und Missbrauch basiert. Nightcrawler weigert sich trotzdem, ihn als Bösewicht abzutun. Denn er glaubt, dass selbst ein Feind Vergebung verdient. Dabei werden seine religiösen Überzeugungen nicht zur bloßen Charaktereigenschaft, sondern bestimmen seine Handlungen. Diese Entwicklung zahlt sich im Finale aus. Als Rogue bereit ist, ihr eigenes Leben für Gambit zu opfern, entscheidet sich Nightcrawler seinerseits sein Leben zu opfern, um Rogue zu retten und seinen Freunden eine bessere Zukunft zu ermöglichen. Die Parallelen zur christlichen Selbstaufopferung sind offensichtlich, werden aber nicht plump vermittelt. Apropos Rogue und Gambit: Nach Gambits Tod in Genosha war seine Geschichte eigentlich abgeschlossen. Genau deshalb ist seine Rückkehr als apokalyptischer Reiter des Todes zunächst ein gewagter Schritt. Damit riskiert die Serie, einen der stärksten Momente der ersten Staffel nachträglich abzuschwächen. Tatsächlich funktioniert Gambits Rückkehr nicht von Anfang an. Als Reiter wirkt er wie eine künstlich wiederbelebte Figur. Seine Geschichte gewinnt jedoch zunehmend an Emotionalität, da sie eng mit Rogue verbunden ist. Sie hatte Gambit kurz vor seinem Tod zurückgewiesen. Sie wollte Magneto eine Chance geben und konnte sich damit abfinden, dass sie Gambit wegen ihrer Kräfte niemals wirklich berühren konnte. Als Rogue gegen Gambit kämpft, funktionieren ihre Kräfte zunächst nicht. Doch als sie in seinen Geist eindringt, wird ihr klar, dass genau das, was sie beide jahrelang voneinander getrennt hat, nun seine Rettung ermöglicht. Rogue kann Apocalypse aus Gambit herausziehen und nach langer Zeit können sie sich endlich berühren. Spätestens, wenn sich Rogue und Gambit im Finale küssen und anschließend gemeinsam Nightcrawlers Bibel lesen, funktioniert die Geschichte wieder ganz gut.

Im Finale werden schließlich die Handlungsstränge zusammengeführt. Apocalypse übernimmt Gambits Körper und stellt Xavier vor eine schwierige Entscheidung. Er könnte Gambit töten und damit endlich den Mann vernichten, der Magneto getötet hat. Doch er weigert sich, seine Prinzipien aufzugeben. Stattdessen muss sich Rogue Apocalypse stellen. Sie begegnet dem Celestial Eon und erhält die Möglichkeit, dessen Sicht auf Evolution zu verstehen. Der entscheidende Moment ist, dass Rogue nicht akzeptiert, dass Evolution zwangsläufig Opfer fordert. Sie beweist, dass Zusammenarbeit ebenfalls Stärke hervorbringen kann. Damit setzt sich letztlich Xaviers Philosophie gegen Apocalypses Weltbild durch. Der Sieg wird allerdings teuer bezahlt. Nightcrawler opfert sich, damit Rogue leben kann. Apocalypse wird schließlich aus Gambit herausgelöst und in einem Juwel gebannt. Ob er damit wirklich endgültig besiegt ist, lässt die Serie bewusst offen. Immerhin hat Marvel bestätigt, dass es im nächsten Sommer weitergehen soll. Die After-Credits-Scene bietet am Schluss einen ersten Blick auf die kommende Bedrohung. Graydon Creed wird zum Präsidenten gewählt. Damit ist ein bekennender Mutantenhasser plötzlich der mächtigste Mann der Vereinigten Staaten. Gleichzeitig untersucht Val Cooper eine Akte über Mystique und wir erfahren, dass Mystique offenbar ihre Identität übernommen hat.

Fazit

Eine gelungene Fortsetzung, die stellenweise aber zu überladen wirkt und durch die zahlreichen neuen Figuren und Zeitsprünge nicht immer leicht nachvollziehbar ist.

Bilder: Disney

Vor 140 Jahren haben zwei Herren aus meiner Stadt das Pferdegespann gegen ein motorisiertes Fahrzeug eingetauscht. Seitdem ist das Auto das mit Abstand meistgenutzte Fortbewegungsmittel. Zugegebenermaßen habe ich mich nie für Hubraum, Pferdestärken oder sonstige technische Daten interessiert. Dennoch haben einige Fahrzeuge, die im Fernsehen immer wieder präsent waren, bleibenden Eindruck hinterlassen. Zeit also für meine ganz persönliche Top 5.

K.I.T.T. aus „Knight Rider“

Während Autos in vielen Serien lediglich ein praktisches Fortbewegungsmittel sind, war der schwarze Pontiac Trans Am namens K.I.T.T. (Knight Industries Two Thousand) in „Knight Rider“ tatsächlich ein gleichwertiger Co-Star an der Seite von Michael Knight (David Hasselhoff). Mit seiner eingebauten künstlichen Intelligenz war das Auto in den 1980er-Jahren seiner Zeit weit voraus. Es konnte sprechen und fungierte oft als moralischer Gegenpol zu seinem menschlichen Partner. Das unverkennbare rote Lauflicht an der Frontseite wurde von „Battlestar Galactica” inspiriert. Das ist kaum überraschend, stammen beide Serien doch von Glen A. Larson, der mit dem futuristischen Wagen eine TV-Legende schuf.

Flintmobil aus „Familie Feuerstein“

In der Steinzeit wurde das Auto noch mit reiner Muskelkraft betrieben. Zumindest wenn man das Flintmobil aus „Familie Feuerstein“ als Referenz heranzieht. Fred Feuerstein bewegt dazu einfach seine Füße über den Boden, wodurch der Holzrahmen samt der beiden gewaltigen Steinzylinder in Bewegung gesetzt wird. Der Antrieb ist technisch recht reduziert, dafür aber umweltfreundlich und ein ordentliches Fitnessprogramm gibt es inklusive. Dank dieses absurden Antriebs genießt das Auto einen hohen Wiedererkennungswert.

Homers Limousine aus „Die Simpsons“

Auch die Simpsons verfügen über ein ganz besonderes Fahrzeug. Zwar traten in der Trickserie immer wieder kuriose Autos auf, doch am meisten hat sich die rosafarbene Familienlimousine eingeprägt, die seit den Anfangstagen zur Familie gehört. Seit Jahrzehnten prägen dabei die kleinen Macken das Erscheinungsbild: Der linke vordere Kotflügel ist beschädigt, die Antenne ist verbogen und im Wagen befindet sich noch ein altes Radio. Und obwohl das Auto schon einiges einstecken musste, gehört es bis heute zum festen Inventar der Familie. Lange rätselten die Fans über den Hersteller und das Modell, doch erst in der 28. Staffel wurde das Geheimnis schließlich gelüftet: Es handelt sich um einen Plymouth Junkerola.

Mini Cooper aus „Mr. Bean“

Für einen Chaoten wie Mr. Bean braucht es natürlich auch ein passendes Auto. In diesem Fall ist es ein kleiner grüner Mini, in dem er mit seinen Knien am Lenkrad fast schon deplatziert wirkt. Trotzdem, oder gerade deswegen, erfreut sich der Mini großer Beliebtheit und tauchte später sogar in der „Mr. Bean“-Zeichentrickserie wieder auf. Eine der verrücktesten Autofahrten gibt es in der ersten Staffel. Weil Bean seinen Mini nicht selbst fahren kann, nachdem er ihn mit einer Sitzgarnitur beladen hat, entwickelt er eine höchst ungewöhnliche Lösung: Er montiert einen Sessel auf dem Dach des Wagens und bastelt eine Konstruktion, mit der er das Auto von dort aus steuern kann. Das passt perfekt zum absurden Humor der Serie.

Batmobil aus „Batman“

Zuletzt mein persönlicher Favorit: das Batmobil. In den vergangenen Jahrzehnten hat sich das Aussehen des Autos des dunklen Ritters in Comics, Filmen und Serien immer wieder verändert. Besonders gut in Erinnerung geblieben ist mir aber das Fahrzeug aus der Realserie von 1966 mit Adam West. Während die späteren Versionen oft an Militärfahrzeuge erinnern, passt das Batmobil der 1960er-Jahre perfekt zum deutlich leichteren und knalligeren Ton der Serie. Mit seinen markanten Heckflossen, roten Zierelementen und dem futuristischen Design sieht es aus, als wäre es direkt den bunten Seiten eines Comics entnommen. Verantwortlich dafür war der legendäre Designer George Barris, der das Konzeptauto Ford Lincoln Futura innerhalb von nur drei Wochen umbaute. Allerlei technische Spielereien wie das Batphone machten das Auto zudem zu weit mehr als einem gewöhnlichen Wagen.

Und was ist euer Favorit auf vier Rädern?

Bilder: NBC | ABC | Disney | ITV | Warner Bros.

Seoul in Südkorea steht auf meiner Reisewunschliste ganz weit oben. Das liegt zum einen daran, dass mir schon viele Menschen unabhängig voneinander eine Reise dorthin empfohlen haben. Das liegt aber auch daran, dass ich Teile der Stadt bereits in einigen Filmen und Serien gesehen habe und dies einen Reiz ausgelöst hat, der seitdem nur größer wird. Denn Seoul ist dank dem internationalen Erfolg koreanischer Serien längst zu einem der spannendsten Serienschauplätze überhaupt geworden. Heute schauen wir uns daher ein paar Serien an, die in Seoul gedreht wurden.

„Squid Game“ (2021-2025)

Allen voran ist natürlich das Psycho-Drama „Squid Game“ (im Original: „Ojing-eo geim“) zu nennen, eine der international wohl bekanntesten koreanischen Produktionen überhaupt. Darin kämpfen 456 verzweifelte und hochverschuldete Kandidat:innen in einem geheimnisvollen und tödlichen Überlebensspiel gegeneinander. Am Ende winkt zwar ein riesiges Preisgeld. Doch dass nur eine Person die Spiele überhaupt überleben wird, ist den Teilnehmenden nicht bewusst.

Auch wenn ein Großteil der Serie in einem Studio gedreht wurde und gerade die ikonischen Sets extra für die Serie gebaut wurden, sehen wir ab und zu auch Orte in Seoul. Da wäre das reale Wohnviertel Ssangmun-dong, das im Norden von Seoul im Bezirk Dobong liegt und die ärmliche Nachbarschaft des Protagonisten Seong Gi-hun darstellt. Verschiedene U-Bahn-Stationen Seouls spielen ebenfalls eine große Rolle in der Serie, denn hier werden die Spieler:innen für das gefährliche Squid Game geworben. Unter anderem dienten die Stationen Hyehwa, Hangangjin und Oksu als Kulissen. Auch der Seoul Grand Park ist als echter Vergnügungspark, der auch in der Realität besucht werden kann, Teil der Serie.

„Extraordinary Attorney Woo“ (2022)

Als nächstes werfen wir einen Blick auf die Miniserie „Extraordinary Attorney Woo“ (im Original: „Isanghan byeonhosa Woo Young-woo“). Darin geht es um die autistische Nachwuchsanwältin Woo Young-woo, die anfängt in der fiktiven Großkanzlei Hanbada zu arbeiten und alle mit ihren „extraordinary“ Fähigkeiten überrascht.

Die Aufnahmen der Anwaltskanzlei Hanbada wurden im Centerfield-Gebäude in Gangnam gemacht, das für seine Drehtüren bekannt ist, mit denen Young-woo immer wieder Probleme hat. Der Vater der Protagonistin hat einen Kimbap-Laden, der in der Serie häufiger zu sehen und der in Wirklichkeit ein japanisches Restaurant mit dem Namen „Kajaguruma“ in Suwon ist, das laut Google Maps allerdings mittlerweile geschlossen ist. Und dann wäre da noch der „Soso Pub“ („소소주점“), der Arbeitsplatz von Young-woos bester Freundin Dong Geu-ra-mi, der als Ort dient, an dem die Hauptcharaktere in der Sendung immer wieder zusammenkommen. Die Par ist ein echter koreanischer Retro-Pub mit dunkler Atmosphäre, Vintage-Interieur und traditioneller koreanischer Küche.

„My Name“ (2021)

In dem Thriller-Drama „My Name“ (im Original: „마이 네임“) will Yoon Ji-woo den Mord ihres Vaters aufklären. Dafür schließt sie sich einem Drogenkartell an und ist als Maulwurf in den Reihen der Polizei tätig. Doch während sie sich nach Rache sehnt, geraten einige schockierende Wahrheiten ans Licht.

Viele der Szenen der Serie wurden direkt in der Großstadt Seoul gedreht. Einige dunkle und enge Gassen von Euljiro sind Kulisse für die Momente gewesen, in denen die Protagonistin nach Hinweisen sucht. Auch das Münztelefon, das ihr Vater benutzt, gibt es tatsächlich in Euljiro. In dem (realen) belebten koreanischen Grillrestaurant „Seodaepojip“ sehen wir Yoon Ji-woo und ihre Kolleg:innen essen. Die Szenen in der Hafenstadt wurden jedoch hauptsächlich in Busan gedreht.

„Our Beloved Summer“ (2021-2022)

Nach dunklen Gassen und Thriller-Vibes kommen wir wieder zu sonnigerer Stimmung und zwar im Coming-of-Age-Drama „Our Beloved Summer“ (im Original „Geu hae urineun“). Choi Woong und Gook Yeon-soo waren einmal ein Paar, doch als ihre Beziehung auseinander ging, versprachen sie sich, sich nie wieder zu sehen. Niemals hätten sie gedacht, dass ihr gemeinsamer Dokumentarfilm aus High School-Zeiten zum Hit werden wird und sie mehr oder weniger gezwungen werden, noch einmal zusammen vor die Kamera zu treten.

Die Szenen, welche die beiden während ihrer Schulzeit zeigen, wurden an der Choongang High School im Bezirk Jongno-gu in Seoul gedreht. Yeon-soo nimmt an einem Ort, an dem ein altmodischer Supermarkt auf der Ecke zweier Straßen zu sehen ist, den Bus zur Arbeit. Der Laden heißt „Jaha Super“ („자하슈퍼“) und liegt in einer ruhigen und gewöhnlichen Gegend. Zudem wurden viele Szenen in traditionellen Vierteln wie dem Bukchon Hanok Village und der Gamgodang-gil in Seoul gefilmt. Hier gibt es viele schöne Cafés, Märkte und Mauern, die eine besondere Atmosphäre verleihen.

Welchen Serien, die in Seoul spielen, habt ihr auf eurer Watchlist? Und wart ist schon mal in Südkorea und konntet einen der genannten Orte selbst besuchen? Erzählt es uns in den Kommentaren!

Beitragsbild: Netflix