Wände erklimmen, an Ringen entlanghangeln oder Bälle im Korb versenken und das alles, während einem muskelbepackte Gladiator:innen genau daran hindern wollen. Was heute an Formate wie „Ninja Warrior“ erinnert, sorgte hierzulande bereits ab 1992 mit „American Gladiators“ für ordentlich Nervenkitzel. Insgesamt 139 Episoden lang traten ganz normale Kandidat:innen gegen scheinbar übermenschliche Athlet:innen an und vermittelten dabei das Gefühl, dass jede:r es schaffen kann. Als Kind war ich davon absolut fasziniert und habe mit Freunden versucht, die Spiele nachzustellen, umso größer ist jetzt die Vorfreude auf die Neuauflage. Der Trailer versprüht mit seiner Musik und den klassischen Spielen bereits ordentlich Nostalgie.

„This is the real deal.“

Nach einem eher durchwachsenen Reboot-Versuch im Jahr 2008 könnte die Show nun dank Prime Video ihr Comeback feiern. Diesmal treten 24 Teilnehmer:innen gegen 16 Gladiator:innen an und kämpfen um ein Preisgeld von 100.000 Dollar. Moderiert wird das Ganze von Wrestling-Star The Miz. Wer tiefer in die Geschichte der Show eintauchen möchte, dem sei die Netflix-Doku „Muscles & Mayhem: An Unauthorized Story of American Gladiators“ empfohlen, die einen ungeschönten Blick hinter die Kulissen der Originalproduktion wirft.

„American Gladiators“ startet am 17. April bei Prime Video.

Bilder: Amazon Prime Video

„Star Wars: Maul – Shadow Lord” – Staffel 1 – ab 6. April exklusiv auf Disney+

Nach den Ereignissen von „Star Wars: The Clone Wars“ plant Maul, sein Syndikat auf einem vom Imperium unberührten Planeten wieder aufzubauen. Dort begegnet er einer desillusionierten jungen Jedi-Padawan, die die gesuchte Schülerin sein könnte, die ihm bei seinem Streben nach Rache helfen wird. Ich bin gespannt auf die neue Serie – mir hatte „Star Wars: The Clone Wars“ schon gut gefallen – auch Mauls Rolle darin.

„The Testaments: Die Zeuginnen” – Staffel 1 – ab 8. April exklusiv auf Disney+

„The Testaments: Die Zeuginnen“ basiert auf dem gleichnamigen Roman von Margaret Atwood und erzählt eine Coming-of-Age-Geschichte, die in Gilead spielt. Die Serie setzt an „The Handmaid’s Tale“ an: Im Mittelpunkt stehen zwei Teenagerinnen; die pflichtbewusste Agnes und Daisy, die neu von außerhalb Gileads kommt. Während sie sich durch die prunkvollen Hallen von der Tante-Lydia-Schule für zukünftige Ehefrauen bewegen – einem Ort, an dem Gehorsam mit brutalen Methoden und immer mit göttlicher Rechtfertigung eingeprägt wird – wird ihre Verbindung zum Katalysator, der ihre Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auf den Kopf stellt.

„Malcolm Mittendrin: Unfair wie immer” – Staffel 1 – ab 10. April exklusiv auf Disney+

„Malcolm Mittendrin“ kehrt noch einmal zurück: Nachdem Malcolm sich und seine Tochter über ein Jahrzehnt von seiner Familie abgeschottet hat, wird er wieder in deren Kreis gezogen, als Hal und Lois zu ihrer 40. Jubiläumsfeier auf seine Anwesenheit bestehen.

Die weiteren Neustarts bei Disney+ im April 2026

1. April

+ Den Sommer feiern mit Donna Hay – Staffel 1 (Disney)

+ Dear Killer Nannies: Großgezogen von Mafia-Auftragskillern – Staffel 1 (Hulu)

+ King Kong (Hulu)

+ Mamma Mia! – Der Film (Hulu)

+ Mamma Mia! Here We Go Again (Hulu)

+ Die Braut des Prinzen (Hulu)

+ Marvels „The Hulk” (Marvel)

+ HIP: Ermittlerin mit Mords-IQ – Staffel 1-4

2. April

+ Raising Chelsea – Staffel 1 (Hulu) (OV/UT)

3. April

+ Micky+ Kurzgeschichten: Micky + Spidey (Disney)

+ Pizza Movie (Hulu) (OV/UT)

6. April

+ Brothers in Exile (ESPN)

+ Deion’s Double Play (ESPN)

+ Doc & Darryl (ESPN)

+ The Good, the Bad, the Hungry (ESPN)

+ Long Gone Summer (ESPN)

+ Muhammad and Larry (ESPN)

+ Survive and Advance (ESPN)

8. April

+ The Handmaid’s Tale – Der Report der Magd – Staffel 1-6

10. April

+ Perfect Crown – Staffel 1 (Hulu)

15. April

+ Sisi – Staffel 1-4

22. April

+ Disneynatures „Orangutan” (Disney)

+ Disney Jr. Arielle: Die kleine Meerjungfrau – Staffel 2 Premiere (Disney)

+ SuperKitties – Staffel 3 (Neue Episoden) (Disney)

+ Anaon – Hüter der Nacht – Staffel 1

+ Ghosts – Staffel 1

+ In aller Freundschaft – Staffel 19-26

+ Loriot – Die Fernseh-Edition – Staffel 1-4

+ Schloss Einstein – Staffel 13

+ Schloss Einstein – Staffel 24-26

+ Sherlock – Staffel 1-4

23. April

+ We’ll be fine – Staffel 1 (Hulu)

29. April

+ Grisu – Der kleine Drache – Staffel 1

+ Theresa Wolff – Passion

Bilder: Disney

„Máxima“, Staffel 2, 6 Folgen, wöchentlich in Doppelfolgen, RTL+ Original, exklusiv ab 2. April

Das RTL+ Original „Máxima“ rückt in der zweiten Staffel die Romanze von Máxima (Delfina Chaves) und Willem-Alexander (Martijn Lakemeier) noch stärker ins Zentrum der Weltöffentlichkeit. Unter intensiver medialer und politischer Beobachtung bereitet sich das Paar auf die königliche Hochzeit vor. Paläste, internationale Institutionen und Staatsbesuche bilden die Kulisse, während Máxima versucht, ihre Loyalität zu ihrer Familie mit den Erwartungen einer modernen niederländischen Monarchie in Einklang zu bringen. Die neuen Episoden greifen prägende Momente auf, die vielen noch aus den Nachrichten präsent sind: die Verlobung, die Hochzeit und die ersten Jahre als öffentliches royales Paar. Im Fokus steht dabei nicht nur die wachsende Bindung zwischen Máxima und Willem-Alexander, sondern auch der Balanceakt zwischen persönlicher Loyalität und öffentlicher Verantwortung.

„Das Kanu des Manitu“, am 5. April um 12 Uhr exklusive Premiere auf RTL+

RTL+ und Michael Bully Herbig legen den Zuschauer:innen zu Ostern ein besonderes Geschenk ins Nest. Ostersonntag gibt es den exklusiven Start von „Das Kanu des Manitu“ auf RTL+. Über sechs Millionen Menschen im deutschsprachigen Raum haben das Comeback der Blutsbrüder Abahachi und Ranger im Kino gesehen.

„Kampf der RealityAllstars“, ab 8. April bei RTL+, ab 15.4. auch bei RTLZWEI, immer mittwochs und sonntags 20:15 Uhr

Am thailändischen Star-Strand soll Reality-Geschichte geschrieben werden: Am 15. April 2026 startet bei RTLZWEI die Allstars-Edition von „Kampf der Realitystars“. Erstmals heißt es: Allstars only! 24 bekannte Gesichter des Formats kämpfen um bis zu 50.000 Euro und den Titel „RealityAllstar 2026“. Moderiert wird das Reality-Event von Arabella Kiesbauer.

„Morden auf Öd – Ein Insel-Krimi“, am 14. und 21. April

Das Insel-Trio ist komplett: Neben Maja (Paula Kalenberg) und Klaus (Max Hubacher) mischt jetzt auch Heino Ferch auf der Insel mit und wird als Archivar zum Fixpunkt zwischen Inselmythos und Ermittlungsarbeit. Die zwei neuen Filme von „Morden auf Öd – Ein Insel-Krimi“ starten exklusiv auf RTL+: In „Ödkieker“ (14.04.) entlarvt sich ein vermeintlicher Suizid als perfider Auftragsmord, während ein gesprengtes Unterseekabel die Insel von der Außenwelt abschneidet und ein tödliches Katz- und Maus-Spiel beginnt. In „Der Schrei der Möwe“ (21.04.) endet ein Junggesellenabschied tödlich und führt das Trio tief hinein in ein familiäres Netz aus Lügen und Geheimnissen, Liebe und Verrat. Im Free-TV gibt es die beiden Insel-Krimis erst im Frühjahr 2027 bei RTL zu sehen.

„Highter & Wolkig“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original ab 20. April

In der neuen RTL+ Comedy stolpern zwei maximal unterschiedliche Typen ohne Job einer Geschäftsidee hinterher. Korbi (Nick Romeo Reimann), selbsternannter Business-Mindset-Mogul, und Wolke (Willi Sellmann), Teilzeit-Philosoph mit Dauerhigh, wollen in ihrem bayerischen Dorf das erste legale Cannabis-Café eröffnen. Dumm nur, dass zwischen Gras und Gewinn vor allem eines floriert: Bürokratie. Und diese wird eisern verteidigt von Beamtin Felske (Milena Dreißig). Sechs Folgen über High Hopes, amtliche Hürden und eine Freundschaft, mit Gastauftritten von u.a. Veronica Ferres, Jochen Schropp, Svenja Jung und Anton „Fatoni“ Schneider.

„Mocro Maffia: Tonnano“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original ab 30. April

Kaum ist sein Sohn auf der Welt, wagt Tonnano den radikalen Schnitt: Er verlässt die Amsterdamer Unterwelt und zieht mit seiner Frau Amani und ihrer Familie in die abgelegene Gegend Achterhoek, um einen Neuanfang zu wagen. Doch auch in der beschaulichen Landschaft lauern Gefahren –Amanis Onkel schuldet dem skrupellosen Drogenclan Eysinck eine Menge Geld. Unversehens findet sich Tonnano in einem neuen Kampf wieder und hier sind die Gegner genauso brutal und rücksichtslos wie die Gangs in Amsterdam…

Alle Streaming Highlights bei RTL+ im April 2026 im Überblick

Filme
1. April: „Karl May: Winnetou I“
1. April: „Karl May: Winnetou II“
1. April: „Karl May: Winnetou III“
5. April: „Das Kanu des Manitu“, um 12 Uhr exklusive Premiere auf RTL+
12. April: „Kraven: The Hunter“
14. April: „Morden auf Öd – Ein Insel-Krimi“, am 14.4. und 21.4., exklusiv
15. April: „Der Spion von nebenan“
15. April: „Das Fünfte Element“
15. April: „The Book of Eli“

Serien
1. April: „Bookie“, Staffel 2, 8 Folgen, exklusiv
2. April: „Máxima“, Staffel 2, 6 Folgen, wöchentlich in Doppelfolgen, RTL+ Original, exklusiv
7. April: „The Valhalla Murders“, Staffel 1, 8 Folgen
20. April: „Highter & Wolkig“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original
20. April: „Brooklyn Nine-Nine“, Staffel 1-8
20. April: „Unsere kleine Stadt – Die Coal Valley Saga“, Staffeln 1 und 2, auch bei RTL Passion
30. April: „Dark Phone“, Staffel 1, 4 Folgen, RTL+ Original
30. April: „Mocro Maffia: Tonnano“, Staffel 1, 6 Folgen, RTL+ Original

Reality
8. April: „Kampf der RealityAllstars“, ab 15.4. auch bei RTLZWEI, immer mittwochs und sonntags 20:15 Uhr

LIVE Events
16. April: „Die Reality Awards“

Kids
1. April: „Space Jam“
1. April: „Happy Feet“
1. April: „Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer“
1. April: „Jim Knopf und die wilde 13“

Sport
9. April: „UEFA Europa League & UEFA Conference League – Hinspiele Viertelfinale“
11. April: „LIVE: OKTAGON 86“
11. April: „LIVE: Premier League: FC Arsenal vs. AFC Bournemouth“
16. April: „LIVE: Premier League: Chelsea FC vs. Manchester United“
16. April: „UEFA Europa League & UEFA Conference League – Rückspiele Viertelfinale“
24. April: „NFL Draft – Day 1“
25. April: „LIVE: OKTAGON 87“
25. April: „NFL Draft – Day 2“
25. April: „NFL Draft – Day 3“
30. April: „UEFA Europa League & UEFA Conference League – Hinspiele Halbfinale“

Dokumentationen
4. April: „Isi Glück – Ballermann Backstage“

TV-Highlights in der Preview
5. April: „Hitster – Die Gameshow der größten Hits“, ab 12.4. auch bei RTL

Bilder: RTL

Es ist eine der ältesten Fragen der Kulturgeschichte – und zugleich eine der aktuellsten: Kann man das Werk vom Künstler trennen? Lange war das eine eher akademische Debatte, geführt in Feuilletons, Seminarräumen und gelegentlich an Stammtischen. Doch inzwischen hat sie die Mitte der Popkultur erreicht. Streamingdienste, Social Media und globale Fankulturen haben aus einer theoretischen Frage eine ganz praktische mit dem Label „Consequence Culture“ gemacht: Was schauen wir noch? Und wen unterstützen wir damit? Die Diskussion rund um die geplante „Harry Potter“-Serie ist dafür ein Paradebeispiel. Die Bücher und Filme sind für Millionen Menschen prägende Kulturgüter. Gleichzeitig steht ihre Schöpferin J.K. Rowling seit Jahren wegen ihrer Aussagen zu Transrechten in der Kritik. Für manche Fans ist klar: Boykott. Für andere: Trennung von Werk und Autor. Doch so einfach ist es nicht.

Genie, Wahnsinn, Widerling? Die unendliche Qual der Trennung von Werk und Schöpfer

In der Literaturtheorie gibt es einen klassischen Ansatz: Roland Barthes proklamierte 1967 den „Tod des Autors“. Seine These: Sobald ein Text veröffentlicht ist, gehört er dem Leser. Die Biografie oder die Absichten des Schöpfers sind irrelevant für die Interpretation. Diese Perspektive lebt bis heute fort – und findet sich auch in aktuellen Debatten wieder. So argumentieren Befürworter der Trennung, dass Kunst nach ihrer Veröffentlichung ein Eigenleben entwickelt. Oder, wie es Elise Coelho im „The Suffolk Journal“ formuliert: „Kunst aus einer kritischen Perspektive zu betrachten, bedeutet, ihre Dualität zu erkennen. Sobald ein Werk in die Welt hinausgetragen ist, gehört es nicht mehr allein dem Künstler. Kunst muss von ihrem Schöpfer getrennt werden, um angemessen beurteilt und kritisch analysiert werden zu können. Diese Trennung gelingt, wenn man erkennt, dass Kunst mehr ist als die bloße Darstellung von Gefühlen auf Leinwand oder Papier, sondern eine abstrakte Nachbildung der Gesellschaft.“ Und weiter führt sie aus: „So hart es klingen mag: Auch schlechte Menschen können großartige Künstler sein. Das heißt nicht, dass man ihre Werke nicht mehr konsumieren sollte, sondern vielmehr, dass man sie kritisch betrachten sollte. Es ist entscheidend für die Weiterentwicklung des Künstlers, aufzuzeigen, was ihm gefällt und was er verbessern sollte.“

Auch aus der Praxis kommt Zustimmung. „Harry Potter“-Regisseur Chris Columbus etwa betonte, er versuche, „the artist from the art“ zu trennen – ein Satz, der sinnbildlich für viele steht, die an der emotionalen Bindung zu einem Werk festhalten wollen. Und Daniel Radcliffe formulierte es im „The Guardian“ noch persönlicher mit Blick auf die Fans: „Wenn Sie in diesen Geschichten etwas gefunden haben, das Sie berührt und Ihnen zu irgendeinem Zeitpunkt in Ihrem Leben geholfen hat – dann ist das eine Sache zwischen Ihnen und dem Buch, das Sie gelesen haben, und es ist heilig. Und meiner Meinung nach kann das niemand infrage stellen. Es bedeutet dir, was es dir bedeutet, und ich hoffe, dass diese Kommentare das nicht allzu sehr trüben werden“. Mit anderen Worten: Das, was ein Werk für Menschen bedeutet, gehört ihnen – nicht mehr seinem Urheber.

Es gibt natürlich auch die andere Perspektive, wie sie zum Beispiel Keira Seidenberg in The Bull & Bear formuliert: „In der Welt der bildenden Kunst ist die Betrachtung der Biografie und Persönlichkeit eines Künstlers grundlegend für das Verständnis eines bestimmten Werkes; der Künstler bestimmt Komposition, Ästhetik und Inhalt eines Gemäldes oder Fotos. So spiegelt das Werk die bewussten Entscheidungen des Künstlers wider und dient oft als Ausdruck seiner Persönlichkeit.“

Doch die Realität 2026 sieht vielfach anders aus. Autoren sind heute Marken. Sie twittern, sie politisieren, sie sind Teil unseres Alltags. Der Autor ist lebendiger denn je – und genau das ist das Problem. Wie die Journalistin Kia Vahland treffend in einem lesenswerten Beitrag für die Süddeutsche Zeitung formulierte: „Von einem Künstler erwartet das Publikum sowohl das Böse als auch das Gute im Übermaß. In der kollektiven Vorstellung ist er gleichzeitig das potenziell verbrecherische Genie und der Kämpfer gegen alles Unbill – ein Verfechter des Guten, Wahren, Schönen, als das die Künste seit der Renaissance, mehr noch seit dem 19. Jahrhundert eben auch gelten. Sie sollen uns das hehre andere vor Augen führen, sollen die Welt besser machen und uns Betrachtern, bitte schön, zeigen, dass auch wir eigentlich gut, schön, wahrheitsliebend sind.“

Schauen wir uns die Frontlinien dieser Debatte an vier Beispielen an, die zeigen, dass es keine einfache Antwort gibt.

J.K. Rowling: Wenn das Heiligtum Risse bekommt

Kein Fall spaltet die Gemüter so sehr wie der von J.K. Rowling. Für eine ganze Generation war „Harry Potter“ ein Kompass für Toleranz und den Kampf gegen Unterdrückung. Dass ausgerechnet Rowling nun zur Galionsfigur einer Bewegung wurde, die von Kritikern als transfeindlich eingestuft wird, empfinden viele als Verrat. Wer sichj einlesen möchte – hier geht’s direkt zu Rowlings Ausführungen. Die Ankündigung einer neuen HBO-Serie hat das Feuer neu entfacht. Boykottaufrufe fluten das Netz. Die US-amerikanische Autorin und Kulturkritikerin Roxane Gay brachte das Dilemma in der Irish Times aus ihrer persönlichen Perspektive auf den Punkt: „Sie wurde zu Recht verunglimpft. Sie stilisiert sich zum Opfer, ist es aber nicht. Sie ist eine Milliardärin, die sich eine der am meisten marginalisierten Bevölkerungsgruppen der Welt zum Ziel gesetzt hat. Und das, indem sie ihre Ängste zu einer Art großem Statement über Geschlechterfragen stilisiert. Es ist absurd. Und es ist schockierend, dass sie dafür von anderen Autoren nicht stärker kritisiert wird.“

Hier liegt der Knackpunkt: Rowling ist keine historische Figur wie Richard Wagner. Jeder Klick auf die neue Serie spült Geld in die Kassen einer Frau, die dieses Geld und ihren Einfluss nutzt, um eine Ideologie zu verbreiten, die viele Fans zutiefst ablehnen. Kann man die Welt der Zauberstäbe noch lieben, wenn die Schöpferin den Zauber der Inklusivität für viele gebrochen hat? Auch die Darsteller:innen haben damit ihre Probleme, wie man hier nachlesen kann.

Neil Gaiman: Der Sturz des empathischen Erzählers

Der Fall Neil Gaiman wiegt für viele besonders schwer, weil Gaiman als der „nette Onkel“ der Fantasy galt. Er war der Verfechter der Außenseiter. Als im Jahr 2024 schwere Vorwürfe wegen sexuellen Fehlverhaltens laut wurden, brach für viele eine Welt zusammen – übrigens auch für mich. Es fällt schwer, die Gedanken dazu auszuklammern, derweil man sich mit neuen Folgen von „The Sandman“ beschäftigen möchte. Die Konsequenzen folgten prompt: Die Produktion von „Good Omens“ wurde massiv beschnitten, Pläne für „The Sandman“ gerieten ins Wanken. Hier geht es nicht um politische Meinungen, sondern um strafrechtlich relevante Vorwürfe. Das Ganze artete zwiwchenzeitlich in eine Schlammschlacht aus, die unerträglich geworden ist – und die für mich Neil Gaiman nur noch mehr beschädigt. Bei Gaiman wird die Trennung fast unmöglich, weil seine Identität als „empathischer Heiler“ untrennbar mit dem Marketing seiner Werke verwoben war.

Christian Ulmen: Wenn die Fiktion von der Realität gefressen wird

Ein bemerkenswerter Fall aus dem deutschen Raum ist die aktuelle Kontroverse um Christian Ulmen und Collien Ulmen-Fernandes. Die Vorwürfe wiegen schwer: Ulmen soll unter dem Namen seiner Ex-Frau im Internet agiert haben, um es einmal möglichst neutral zu formulieren, damit wir uns nicht auf dünnes Eis begeben. Tiefer einsteigen kann man bei dem Thema beim SPIEGEL. Was wie ein Plot aus Ulmens Erfolgsserie „Jerks“ klingt, hat bittere reale Konsequenzen. Streamingdienste wie Joyn reagierten drastisch und nahmen Inhalte offline. Hier erleben wir eine neue Form der „Content-Hygiene“. Da Ulmen oft Rollen spielt, die mit seiner eigenen Identität und Peinlichkeit kokettieren, verschwimmen die Grenzen komplett. Wenn der „reale“ Ulmen beschuldigt wird, die digitale Identität seiner Ex-Frau zu missbrauchen, wird das Schauen von „Jerks“ – einer Serie über moralische Grenzüberschreitungen – für viele unerträglich. Es ist kein „Werk“, das man isoliert betrachten kann, wenn die Tat des Künstlers die Ästhetik des Werks spiegelt.

Kevin Spacey: Das juristische und finanzielle Nachspiel

Kevin Spacey ist das Mahnmal des #MeToo-Zeitalters – wir haben das hier im Blog auch schon ausführlich besprochen. Sein Rauswurf aus „House of Cards“ war ein Schockmoment der TV-Geschichte. Während er in einigen Prozessen freigesprochen wurde, bleiben die zivilrechtlichen Auseinandersetzungen und der Imageschaden massiv. Der Fall Spacey zeigt die pragmatische Seite der Trennung: Produktionsfirmen verklagten Spacey auf Millionen, weil sein Verhalten das „Produkt“ entwertet habe. Bei Spacey stellt sich die Frage: Kann man die darstellerische Brillanz eines Frank Underwood noch genießen, wenn man weiß, welche Atmosphäre am Set herrschte? Hier wird das Werk durch die Produktionsbedingungen vergiftet.

Die Freiheit von uns Konsument:innen

Gibt es eine endgültige Antwort? Sicher nicht. Die Trennung von Werk und Künstler ist kein Gesetz, sondern eine individuelle Schmerzgrenze. Für die einen ist das Werk ein autonomes Objekt, das Schönheit spendet, egal wer es erschaffen hat. Für die anderen ist Konsum ein politischer oder unternehmerischer Akt: Wer streamt, finanziert. Wer finanziert, legitimiert. Wir müssen als Publikum akzeptieren, dass Kunst nicht im luftleeren Raum entsteht. Ein Künstler muss kein Heiliger sein, um Großes zu schaffen – die Geschichte ist voll von genialen Scheusalen. Doch wir müssen uns auch fragen, wie viel Dissonanz wir ertragen können. Nochmal keira Seidenberg dazu: „Ich glaube, die Macht liegt wieder einmal beim Publikum. Als Konsument habe ich das Privileg, mich zurückzuziehen, denn das bedeutet, dass ich ein bestimmtes Werk bewerten oder abwerten kann. Nur durch die Interaktion mit dem Publikum erlangt Kunst gesellschaftliche Bedeutung. Indem ich mich aufgrund des Verhaltens des Künstlers abwende, halte ich an meinem eigenen Beitrag zu diesem Prozess fest. Ich entwerte das Werk und seinen Urheber, indem ich ihnen genau jene Handlungen abspreche, die ihm Bedeutung verleihen.“

Ich finde es schwierig, hier eine eindeutige Position einzunehmen. Mein Dilemma mit Neil Gaimans Werk habe schon beschrieben. Noch unangenehmer wird’s dann, wenn man sich mit den Konsequenzen des Trennens oder Nicht-Trennens beschäftigt. Macht man sich moralisch mitschuldig? Steht man plötzlich für andere für etwas, mit dem man sich inhaltlich gar nicht ausführlich auseinander gesetzt hat? Auch bei uns im Blog gibt es Diskussionen dazu – beispielsweise im jüngsten Beitrag zum ersten Trailer der neuen „Harry Potter“-Serie.

Vielleicht ist der ehrlichste Weg, die Dissonanz nicht aufzulösen, sondern sie auszuhalten. Harry Potter zu lieben, während man Rowlings Aussagen verachtet, ist ein schmerzhafter Spagat. Aber am Ende ist es die Magie der Kunst, dass sie größer sein kann als die Person, die sie in die Welt gesetzt hat. Ob wir ihr dieses Eigenleben zugestehen, entscheiden wir bei jedem Klick neu.

Bilder: HBO, Netflix, Joyn

„Sherlock & Daughter“ – bereits verfügbar

Sherlock Holmes wird aus seiner Komfortzone gerissen, denn aus rätselhaften Gründen kann er einen Fall nicht untersuchen, ohne das Leben seiner engsten Freunde zu gefährden, als Amelia, eine junge Amerikanerin, in sein Leben tritt. Nach dem mysteriösen Mord an ihrer Mutter erfährt sie, dass ihr vermisster Vater ausgerechnet der legendäre Detektiv sein könnte. Trotz völlig unterschiedlicher Herkünfte und Einstellungen müssen die beiden zusammenarbeiten, um die globale Verschwörung rund um den Mord an Amelias Mutter aufzuklären und herauszufinden, ob sie wirklich Sherlocks Tochter ist. „Sherlock & Daughter“ ist eine achtteilige Serie, in den Hauptrollen mit David Thewlis („Harry Potter und die Heiligtümer des Todes“), Blu Hunt („The Originals“), Dougray Scott („Fear the Walking Dead“) und Aidan McArdle („Jane Eyre“). Die Drehbücher stammen von Brendan Foley („Cold Courage“). Bryn Higgins („Black Mirror“) führte Regie.

„Billy the Kid“ – Staffel 3 (bereits verfügbar)

„Billy the Kid“ ist eine Western-Serie von Amazon MGM Studios in Zusammenarbeit mit Amblin Television und De Line Pictures und stammt aus der Feder von Michael Hirst („Vikings“). Sie erzählt die Geschichte von William H. Bonney, auch bekannt als Billy the Kid. Die einzelnen Folgen begleiten ihn von seinen bescheidenen irischen Wurzeln über seine Zeit als Cowboy und Revolverheld bis hin zu seiner entscheidenden Rolle im Lincoln-County-Rinderkrieg und darüber hinaus. Billy the Kid wird dabei von Tom Blyth („Die Tribute von Panem – The Ballad of Songbirds and Snakes”) verkörpert. Im Laufe der Serie begegnet er weiteren Legenden des Wilden Westens, wie Jesse Evans, gespielt von Daniel Webber („Marvel’s The Punisher“, „The Dirt“), Sheriff Pat Garrett, gespielt von Alex Roe („The 5th Wave“, „Mysterious Mermaids“) und die tiefgründige, selbstbewusste Dulcinea del Tobosco, gespielt von Nuria Vega („La Hora Marcada“, „Señorita 89“). In der dritten Staffel begeben sich Billy the Kid und seine Regulatoren nach ihrer Niederlage im Lincoln-County-Krieg auf einen letzten, von Rache getriebenen Feldzug gegen die korrupten Mächte New Mexicos – ein Weg, der einen jungen Gesetzlosen in eine amerikanische Legende verwandelt. Als Executive Producer der Western-Serie „Billy the Kid“ zeichnen Donald De Line, Darryl Frank und Justin Falvey verantwortlich.

„Der Salzpfad“ – vereits verfügbar

„Der Salzpfad“ erzählt die wahre Geschichte von Raynor (Gillian Anderson) und Moth Winn (Jason Isaacs), einem Ehepaar in den Fünfzigern, auf ihrer über 1.000 Kilometer langen Wanderung entlang der rauen Küste Südwestenglands. Nach der Zwangsräumung ihres Hofes fassen die beiden den Entschluss, zusammen eine regional bekannte Wanderroute zu begehen – in der Hoffnung, unterwegs in der Natur Trost und Akzeptanz für ihre Schicksalsschläge zu finden. Mit letzten Kräften und Habseligkeiten, die in einen Rucksack passen, treten sie ihren Weg an. „Der Salzpfad“ begleitet die Reise, die allen Widrigkeiten trotzt und dabei gleichermaßen herausfordert, erheitert und befreit. Die Hauptrollen übernehmen Gillian Anderson, bekannt aus den Serien „Akte X“, „The Crown“ und „Sex Education“, sowie Jason Isaacs, der unter anderem in „The White Lotus“, der „Harry Potter“-Reihe und „The Death of Stalin“ zu sehen war.

„Secret Service“ – ab 14. April 2026

Spannend, hochaktuell und filmisch erzählt folgt die britische Serie „Secret Service“ der erfahrenen MI6-Agentin Kate Henderson, gespielt von Ex-„Bond-Girl“ Gemma Arterton („James Bond 007: Ein Quantum Trost“, „The Critic“). Durch verdeckte Ermittlungen fördert sie Hinweise zutage, wonach ein ranghoher britischer Politiker als russischer Agent tätig sein könnte. Der Fall sorgt dafür, dass schon bald Kates Karriere auf dem Spiel steht. Nun muss sie sich durch ein gefährliches Geflecht aus politischer Loyalität, internationaler Bedrohung und persönlichen Opfern kämpfen. Unter der Regie des Oscar-Preisträgers James Marsh („Man on Wire“, „The Theory of Everything“) und mit einem hochkarätigen Cast, darunter Rafe Spall, Alex Kingston, Mark Stanley, Roger Allam, Amaka Okafor, Aoife Hinds, Avi Nash, Alma Prelec und Khalid Abdalla, beleuchtet „Secret Service“ die Welt der Spionage vor dem realen Hintergrund zunehmender Spannungen zwischen Großbritannien und Russland. Die Serie wurde im vergangenen Jahr in Malta und London gedreht und basiert auf dem hochaktuellen Roman des ITV-News-Moderators Tom Bradby. Produziert wurde sie von Potboiler Productions.

Weitere Neustarts im April 2026

THE IRON CLAW (FILM)
In den 1960ern schickte der legendäre Wrestler Fritz von Erich seine Söhne ebenfalls in den Ring. Auf der Basis wahrer Begebenheiten erzählt das US-amerikanische Drama eine bewegende Familiengeschichte. Eine der Hauptrollen verkörpert Zac Efron.
ab 1. April 2026

DAS ATTENTAT – GEHEIMOPERATION BELGRAD (STAFFEL 1)
Die serbisch-deutsche Thrillerserie rekonstruiert die Hintergründe der Ermordung des serbischen Ministerpräsidenten Zoran Đinđić und beleuchtet die Verflechtung von Politik, Geheimdiensten und organisiertem Verbrechen.
ab 1. April 2026

POKER FACE (STAFFEL 1)
Im Mittelpunkt der US-amerikanischen Serie steht Charlie Cale (Natasha Lyonne). Sie verfügt über eine übernatürliche Begabung: Zuverlässiger als jeder Lügendetektor erkennt sie, ob jemand die Wahrheit sagt oder nicht. Damit wird sie unfreiwillig zur perfekten Detektivin.
ab 1. April 2026

FROM (STAFFEL 2)
In der US-Serie „From“ verbreiten mörderische Kreaturen weiterhin Angst und Schrecken. Auch für die mit einem Bus in der albtraumhaften Kleinstadt gestrandeten Neuankömmlinge gibt es kein Entkommen.
ab 1. April 2026

AMSTERDAM (FILM)
Christian Bale, Margot Robbie und John David Washington spielen die Hauptrollen in diesem US-amerikanischen Polit-Krimi: Nach dem Ersten Weltkrieg plant eine Gruppe von Verschwörern, die USA in eine faschistische Diktatur zu verwandeln.
ab 1. April 2026

DER FUCHS (FILM)
Das österreichisch-deutsche Kriegsdrama erzählt die wahre Geschichte eines jungen Soldaten im Zweiten Weltkrieg, der eine tiefe Bindung zu einem verwaisten Fuchsjungen entwickelt.
ab 1. April 2026

ARE YOU THERE GOD? IT’S ME, MARGARET. (FILM)
Die US-amerikanische Tragikomödie nach dem gleichnamigen Kultbuch von Judy Blume erzählt sensibel vom Erwachsenwerden eines elfjährigen Mädchens, das zwischen Familie, Freundschaft, Glauben und den ersten großen Lebensfragen steht.
ab 1. April 2026

BARBARIAN (FILM)
In dem US-amerikanischen Horrorfilm landet Tess (Georgina Campbell) auf dem Weg zu einem Vorstellungsgespräch in einem Haus, in dem seltsame Dinge vor sich gehen. Sie begegnet dort einem Mann namens Keith (Bill Skarsgård) – und macht dann eine grausame Entdeckung.
ab 1. April 2026

DAS LETZTE TABU (DOKUMENTARFILM)
Dokumentarfilmer Manfred Oldenburg setzt sich mit dem Thema Homosexualität im Profifußball auseinander. Dabei präsentiert er persönliche Geschichten von offen homosexuellen Spielern. Zu Wort kommen Thomas Hitzlsperger, Per Mertesacker, Rolf Töpperwien u.v.a.
ab 1. April 2026

ADAM DANGLIESH, SCOTLAND YARD (STAFFEL 3)
Die britische Krimiserie aus dem Jahr 2023 folgt dem sensiblen und analytischen Ermittler Adam Dalgliesh, der im England der 1970er-Jahre anspruchsvolle Mordfälle für Scotland Yard löst. Neben der kriminalistischen Arbeit stehen dabei auch seine persönliche Entwicklung und die moralischen Konflikte der Zeit im Mittelpunkt – basierend auf den Romanen von P.D. James.
seit 1. März 2026

LA FORTUNA (STAFFEL 1)
Diese spanisch-amerikanische Miniserie aus dem Jahr 2021 erzählt die Geschichte eines jungen Diplomaten, der zufällig in den Rechtsstreit um einen wertvollen Schatz aus einem gesunkenen spanischen Schiff verwickelt wird. Der Konflikt entwickelt sich zu einem internationalen Machtkampf zwischen Staaten, Konzernen und historischen Ansprüchen.
seit 1. März 2026

PROTETCTION 8 (STAFFEL 1)
Eine britische Thrillerserie aus dem Jahr 2024, die eine Polizistin begleitet, die im Zeugenschutzprogramm arbeitet und für die Sicherheit gefährdeter Informant:innen verantwortlich ist. Als ein Schutzfall schiefgeht, gerät sie selbst ins Visier krimineller Netzwerke und muss um ihr Leben kämpfen.
seit 1. März 2026

LYLE – MEIN FREUND, DAS KROKODIL (FILM)
Der US-amerikanische Familienfilm aus dem Jahr 2022 erzählt von einer Familie, die ein singendes Krokodil in ihrer New Yorker Wohnung entdeckt und es bei sich aufnimmt. Aus der ungewöhnlichen Begegnung entsteht eine warmherzige Geschichte über Freundschaft, Zusammenhalt und Akzeptanz.
seit 1. März 2026

THE WOMAN KING (FILM)
Dieser US-amerikanische Historienfilm aus dem Jahr 2022 porträtiert die Agojie, eine legendäre, rein weibliche Elitekriegertruppe im westafrikanischen Königreich Dahomey. Im Zentrum stehen ihr Kampf gegen äußere Bedrohungen sowie die Frage nach Freiheit, Tradition und Selbstbestimmung.
seit 1. März 2026

PARALLELE MÜTTER (FILM)
Ein spanisches Drama aus dem Jahr 2021 von Pedro Almodóvar, das von zwei Frauen erzählt, die sich im Kreißsaal kennenlernen und deren Leben auf unerwartete Weise miteinander verbunden bleiben. Der Film verknüpft persönliche Muttergeschichten mit der Aufarbeitung historischer Traumata in Spanien.
seit 1. März 2026

NAHSCHUSS (FILM)
Dieser deutsche Thriller aus dem Jahr 2021 basiert auf wahren Begebenheiten und schildert das Leben eines DDR-Biologen, der zunehmend unter den Repressionen des Staates leidet. Der Film zeigt eindringlich die psychologischen und moralischen Folgen eines Systems, das keinen Raum für Abweichung lässt.
seit 11. März 2026

THE COUPLE NEXT DOOR – PAARE MIT GEHEIMNISSEN
In dieser britischen Psychothriller-Serie geraten zwei frisch Zugezogene in der Vorstadt in den Bann ihrer verführerischen Nachbarn und finden sich bald in einem gefährlichen Geflecht aus Geheimnissen, Begierde und Misstrauen wieder.
bereits verfügbar

Bilder: Magenta

Im März war mal wieder alles drin, was die Serien- und TV-Welt so herrlich anstrengend, aufregend und absurd macht: große Machtverschiebungen mit Paramount, das plötzlich Netflix überbietet und Warner übernimmt, die üblichen Monatsneuzugänge bei Disney+ und Netflix, ein bemerkenswerter ZDF-KI-Fail mit Weckruf-Charakter – und irgendwo dazwischen noch Krankenhausstress in The Pitt, Meme-Krönung für Leonardo DiCaprio, das Malcolm mittendrin-Comeback sowie erste Eindrücke zur neuen Harry Potter-Serie. Kurz: ein Monat zwischen Branchenbeben, Streamingfutter, Kopfschütteln und genau den kleinen popkulturellen Absurditäten, die am Ende dann doch wieder am meisten hängen bleiben.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

1. TV-Aufreger: Paramount überbietet Netflix und übernimmt Warner
2. Disney+: Neu im März 2026 (Serien, Dokus & Filme)
3. Netflix: Neu im März 2026 (Serien & Filme)[[ checken ]]
4. Kommentar: Warum der ZDF-KI-Fail ein Weckruf ist
5. Review: The Pitt – Staffel 1
6. Kommentar: Starfleet Academy wurde abgesetzt – und das ist gut so
7. „Harry Potter“-Serie: Erster Trailer, Szenenfotos und Startdatum zur 1. Staffel der HBO-Serie
   
8. In Klammern: Ha Ha Ha
9. TV-Thema der Woche: Wie Leonardo diCaprio zum „King of Memes“ wurde
10. „Malcolm mittendrin“-Comeback: Trailer zum „Unfair wie immer“-Special

Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Chris Monat

Im März habe ich mich dann auch seriell nicht lumpen lassen: Ich habe die finale Staffel von „Der letzte Bulle“ gesehen und Mick Brisgau noch einmal bei seinem ruppig-herzlichen Abschied begleitet. Außerdem war ich wieder mit „Alex Cross“ auf Ermittlungskurs unterwegs, irgendwo zwischen düsterem Fallaufbau und dem üblichen Drang, doch noch eine Folge dranzuhängen. Angefangen habe ich zudem mit Jo Nesbøs „Harry Hole“, was dem Monat noch eine angenehm kalte, nordisch-raue Note verpasst hat. Und als wäre das nicht genug, läuft nebenbei natürlich auch immer noch „Fallout“ weiter – beziehungsweise schon die zweite Staffel, die sich ganz selbstverständlich ihren Platz im Serienalltag gesichert hat.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Im März habe ich mir die letzten Bond-Filme mit Daniel Craig angesehen. Passend dazu hat Amazon Prime Video die kurzweilige Miniserie „Bait“ mit Riz Ahmed (bekannt aus „Sound of Metal“) veröffentlicht in der dieser einen erfolglosen Schauspieler spielt, der als nächster Bond-Darsteller gehandelt wird. Dabei bekommt er ordentlich Gegenwind, sowohl von den Bond-Fans als auch von seiner Familie – sehr amüsant. Und dann ging es auch eigentlich mit ein paar neuen Superhelden-Serien weiter.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im März habe ich es endlich geschafft, „Emily in Paris“ zu Ende zu schauen – und ich habe mich wirklich durchquälen müssen. Dafür haben mich die beiden finalen Staffeln von „Younger“ gut unterhalten. Was ich derzeit richtig feiere, ist die dritte Staffel von „The Race“. Da lohnt sich das Reinschauen auf jeden Fall.

Habe ich gesehen

Dass sich Netflix intensiv mit dem Thema KI beschäftigt, ist nicht neu – wir haben es hier im Blog bereits thematisiert, zum Beispiel in Sachen Synchronisation von Serien. Zuletzt hat Netflix das KI-Unternehmen InterPositive des US-Schauspielers Ben Affleck gekauft. Mit dem Zukauf wolle der Streamingdienst nach eigenen Angaben die Möglichkeiten der Künstlichen Intelligenz in der Filmproduktion nutzen, ohne ​dabei Arbeitsplätze von Kreativen zu gefährden, heißt es dazu beispielsweise beim SPIEGEL.

Die Idee einer interaktiven KI-Serie klingt zunächst nach einer konsequenten Weiterentwicklung von Experimenten wie „Black Mirror: Bandersnatch“, geht laut Insidern deutlich darüber hinaus. Während frühere interaktive Formate auf vorproduzierten Entscheidungspfaden basierten, soll das neue Konzept hybride Technologien nutzen: eine Kombination aus klassischen Dreharbeiten, vorberechneten Story-Varianten und KI-generierten Szenen, die dynamisch eingefügt werden können.

Eingreifen per Live-Voting-System

Kern des Formats wäre ein Live-Voting-System; und falls jetzt ältere Semester an TED-Abstimmungen wie den ZDF-Wunschfilm in den 80ern zurückdenken – nein, so wird’s sicher nicht werden. Fernsehen zum Mitspielen gibt es immerhin seit dem 23. November 1953, als es zum ersten Mal „Ich seh‘ etwas, was Du nicht siehst“ hieß. Damals konnte man noch per Postkarte mitspielen – Christian Richter hat die Welt der Mitspiel-Sendungen wunderbar in diesem Beitrag aufbereitet. Und Fernsehen zum Mitbestimmen hat sogar eine noch längere Tradition – seit dem 2. Juli 1946 im CBS Radio Theater #3 in New York. Auch das hat Christian Richter hier prima aufbereitet.

Was ist jetzt hier in der Zukunft möglich? Denkbar wäre eher, dann an bestimmten Punkten innerhalb einer Episode uns Zuschauer:innen Entscheidungsoptionen eingeblendet werden – etwa, ob eine Figur eine riskante Entscheidung trifft, eine Beziehung beendet oder ein Geheimnis offenbart. Die Abstimmung erfolgt innerhalb weniger Sekunden, das Ergebnis wird aggregiert und beeinflusst unmittelbar den weiteren Verlauf der Episode. In einem globalen Modus sehen dabei alle Zuschauer:innen dieselbe, durch Mehrheitsentscheidungen bestimmte Version der Geschichte. Parallel dazu soll es auch personalisierte Modi geben, in denen individuelle Entscheidungen zu eigenen Handlungsverläufen führen.

Technisch könnte Netflix demnach auf eine sogenannte „adaptive narrative engine“ setzen. Diese analysiert in Echtzeit Abstimmungen, Nutzerverhalten und dramaturgische Parameter und entscheidet, welche vorproduzierten Szenen abgespielt oder welche KI-generierten Sequenzen eingefügt werden. Gerade bei Übergängen und Dialogvarianten kommt generative KI zum Einsatz: Sie kann Gespräche leicht abwandeln, Perspektiven verändern oder Nebenfiguren dynamisch anpassen, ohne dass jede Variante zuvor vollständig gedreht werden muss.

Besonders weitreichend ist die geplante Personalisierung von Charakteren. Zuschauer:innen könnten demnach Einfluss auf Aussehen, Stimme oder sogar grundlegende Charakterzüge einzelner Figuren nehmen. Möglich wird dies durch KI-basierte Avatare und synthetische Stimmen, die bereits heute in Ansätzen verfügbar sind. In der Praxis könnte das bedeuten, dass ein Nebencharakter in einer Version der Geschichte zum moralischen Gegenpol wird, während er in einer anderen als Antagonist agiert.

Das Geschäftsmodell ändert sich – mal wieder

Mit diesen Eingriffsmöglichkeiten geht ein Geschäftsmodell einher, das deutlich an Mechaniken aus dem Gaming erinnert – hier ist Netflix ja auch bereits ziemlich engagiert, wie hier im Blog nachzulesen ist. Neben dem klassischen Abo könnten zusätzliche Interaktionsoptionen kostenpflichtig sein. So wird in internen Präsentationen offenbar mit Funktionen wie „alternative Story-Pfade freischalten“, „verlorene Figuren zurückholen“ oder „Entscheidungsgewicht erhöhen“ experimentiert. Einzelne Features sollen dabei zu kleinen Beträgen angeboten werden – vergleichbar mit Mikrotransaktionen in Spielen.

Ein besonders diskutierter Ansatz sind sogenannte „Influence Boosts“. Dabei könnten Nutzer ihre Stimme im Abstimmungsprozess verstärken und so die Wahrscheinlichkeit erhöhen, dass ihre bevorzugte Handlung umgesetzt wird. Kritiker sehen darin bereits eine mögliche „Pay-to-influence“-Mechanik, die die kollektive Idee des Formats untergraben könnte. Befürworter argumentieren hingegen, dass genau diese Dynamik neue Formen der Zuschauerbindung und Monetarisierung ermögliche.

Premiere bei der Serie „Shifted“?

Als Testumgebung dient laut Berichten eine Sci-Fi-Serie mit dem Arbeitstitel „Shifted“. Im Mittelpunkt steht eine Welt, in der Realitätsebenen manipuliert werden können – ein Setting, das sich besonders gut für alternative Handlungsverläufe eignet. Entscheidungen der Zuschauer verändern dabei nicht nur einzelne Szenen, sondern ganze Zeitlinien. Erste Beta-Tester berichten von deutlich divergierenden Episodenverläufen, je nachdem, welche Entscheidungen getroffen wurden.

Parallel dazu müsste Netflix an einer Infrastruktur arbeiten, die diese Form des Streamings überhaupt erst ermöglicht. Dazu gehören reduzierte Latenzzeiten, cloudbasierte Rendering-Prozesse und eine enge Verzahnung von Content-Produktion und Datenanalyse. Denn ein zentraler Vorteil des Systems liegt in den Daten selbst: Jede Entscheidung liefert Hinweise auf Vorlieben, moralische Tendenzen und narrative Erwartungen der Zuschauer:innen. Diese könnten künftig direkt in die Entwicklung neuer Inhalte einfließen.

Innerhalb der Branche wird das Projekt aufmerksam beobachtet. Wettbewerber wie Amazon Prime Video und Disney+ dürften ebenfalls mit interaktiven Formaten experimentieren, bislang hat man allerdings offiziell noch nichts von Piloten mit vergleichbarer Integration von KI und Echtzeitmechaniken gehört. Sollte sich das Konzept durchsetzen, könnte es die Grenzen zwischen Streaming und Gaming weiter verwischen – und Netflix in eine neue Rolle als Anbieter interaktiver Story-Erlebnisse bringen.

Wie weit geht die KI-Integration?

Gleichzeitig wirft das Modell grundlegende Fragen auf. Wie viel Kontrolle sollte das Publikum über eine Geschichte haben? Was passiert mit der künstlerischen Vision von Autoren und Regisseuren, wenn narrative Entscheidungen demokratisiert oder sogar monetarisiert werden? Und wie verändert sich das Seherlebnis, wenn jede Entscheidung potenziell Auswirkungen auf den Verlauf hat? Und was mich persönlich interessiert: Wird es irgendwann möglich sein, seine eigenen Figuren zu integrieren, oder sich selbst sogar?

Von Netflix selbst hört man bislang nichts Offizielles. Doch die Richtung ist klar: Der nächste Evolutionsschritt im Streaming könnte weniger darin bestehen, was erzählt wird – sondern wie und von wem die Geschichte überhaupt gestaltet wird.

Hinweis: Ihr habt es womöglich gemerkt – bei dieser Meldung handelte es sich um unseren diesjährigen Aprilscherz. Interessant bleibt natürlich die Frage: Wie realistisch ist ein solches Format in den nächsten Jahren? Und wer würde das nutzen wollen?

Bilder: KI-generiert mit Midjourney

Das Serienprogramm von Netflix ist im April wieder prall gefüllt. Besonders gespannt bin ich da auf „Stranger Things: Tales from ‘85“ und die zweite Staffel „BEEF“. Alle Wrestling-Fans kommen auch auf ihre Kosten, denn es gibt zahlreiche WWE-Live Events im April. Und David Attenborough gibt mal wieder seine Stimme für eine Doku her: „A Gorilla-Story“ lässt uns in die Welt einer erstaunlichen Gruppe von Gorillas abtauchen. Was darf bei euch im April nicht fehlen?

Neue Staffeln & Serien bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

Love on the Spectrum (Liebe im Spektrum) (4. Staffel)

2. April

Agent from Above (1. Staffel)
The Ramparts of Ice (1. Staffel)
The Bad Guys (Die Gangster Gang) (2. Staffel)
XO, Kitty (3. Staffel)
Sins of Kujo
Alkhallat+: The Series (1. Staffel)

3. April

Bloodhounds (2. Staffel)
High Tides (Knokke Off) (3. Staffel)
Maamla Legal Hai (2. Staffel)
Gangs of Galicia (Clans) (2. Staffel)

9. April

Bandi (Bandi – Unter Geschwistern) (1. Staffel)
Big Mistakes (1. Staffel)

10. April

Turn of the Tide (Rabo de Peixe) (3. Staffel)

12. April

At Home With The Furys (Zuhause bei den Furys) (2. Staffel)

14. April

Crooks (2. Staffel)

15. April

The Middle (1.-9. Staffel)
Million Dollar Secret (2. Staffel)
Fake Profile (Perfil falso) (3. Staffel)
Made with Love (1. Staffel)
The Law According to Lidia Poët (Das Gesetz nach Lidia Poët) (3. Staffel)

16. April

BEEF (2. Staffel)

17. April

Alpha Males (Machos alfa) (5. Staffel)

18. April

We Are All Trying Here (1. Staffel)

20. April

Funny AF with Kevin Hart (1. Staffel)
CoComelon Lane (CoComelon: Unser Viertel) (7. Staffel)

21. April

Unchosen (1. Staffel)

22. April

Santita (1. Staffel)
Sold Out on You (1. Staffel)

23. April

Flunked (Recalé) (1. Staffel)
Running Point (2. Staffel)
Stranger Things: Tales from ‘85 (1. Staffel)

27. April

Straight to Hell (1. Staffel)

29. April

Shadow Leaks (Schattenseite) (1. Staffel)

30. April

Man on Fire (1. Staffel)

Demnächst verfügbar

Dandelion (1. Staffel)
If Wishes Could Kill (1. Staffel)

Neue Comedy Specials bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

Sarah Millican: Late Bloomer

7. April

Sheng Wang: Purple

Neue Dokus bei Netflix:
Starttermine April 2026

3. April

The Truth and Tragedy of Moriah Wilson (Moriah Wilson: Die tragische Wahrheit)

7. April

Untold: Chess Mates

8. April

Trust Me: The False Prophet (Vertrau mir: Der falsche Prophet)

13. April

Noah Kahan: Out of Body

14. April

Untold: Jail Blazers

16. April

Ronaldinho: The One and Only

17. April

A Gorilla Story: Told by David Attenborough (Eine Gorilla-Story erzählt von David Attenborough)

21. April

Untold: The Shooting at Hawthorne Hill

22. April

Lainey Wilson: Keepin‘ Country Cool
This Is a Gardening Show

29. April

Should I Marry A Murderer?

Neue Filme bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

It Takes a Village (Podlachien – Alle für eine)
The Giant Falls (El último gigante)
Eat Pray Bark – Therapie auf 4 Pfoten

3. April

Feel My Voice (Fühlt ihr meine Stimme?)

9. April

18th Rose
Transformers One

10. April

Thrash

17. April

180
Roommates

18. April

Joker: Folie à Deux
Kangaroo (Lilly und die Kängurus)

22. April

Smile 2 (Smile 2: Siehst du es auch?)

24. April

Apex

26. April

Say Anything… (Teen Lover)

29. April

Je m’appelle Agneta (Bonjour Agneta)

Neue Live Events bei Netflix:
Starttermine April 2026

1. April

WWE SummerSlam: 2025 (nur in Deutschland & Österreich)
WWE Crown Jewel: 2025 (nur in Deutschland & Österreich)
WWE Survivor Series: 2025 (nur in Deutschland & Österreich)
Royal Rumble: 2026 (nur in Deutschland & Österreich)
WWE Elimination Chamber: 2026 (nur in Deutschland & Österreich)

11. April

Tyson Fury vs. Arslanbek Makhmudov

18. April

WWE WrestleMania: 2026 (42. Ausgabe)

20. April

Supernova: Genesis (Supernova Strikers: Genesis)

For All Mankind – 5. Staffel der Sci-Fi-Dramaserie seit 27. März

Die fünfte Staffel von „For All Mankind“ setzt Jahre nach dem Goldilocks-Asteroidenraub ein. Happy Valley hat sich zu einer florierenden Kolonie mit Tausenden von Bewohner:innen und zu einer Basis für neue Missionen entwickelt, die noch weiter in das Sonnensystem führen. Da die Nationen der Erde nun Recht und Ordnung auf dem Roten Planeten durchsetzen wollen, nehmen die Spannungen zwischen den Menschen auf dem Mars und ihrer ehemaligen Heimat weiter zu. 10 Folgen gibt’s insgesamt, die Staffelpremiere war am Freitag, 27. März, gefolgt von einer neuen Episode jeden Freitag bis zum 29. Mai.

Beschütze sie – Staffelfinale der 2. Staffel am 3. April

In der zweiten Staffel von „Beschütze sie“ taucht Owen (Nikolaj Coster-Waldau) nach fünf Jahren auf der Flucht wieder auf. Hannah (Jennifer Garner) und ihre Stieftochter Bailey (Angourie Rice) müssen nun schnellstmöglich einen Weg finden, ihre Familie wieder zusammenzuführen, bevor die Vergangenheit sie einholt. 8 Folgen hat die Staffel insgesamt, das Staffelfinale gibt es am Freitag, 3. April.

Your Friends & Neighbors – 2. Staffel der Dramaserie ab 3. April

In der zweiten Staffel von „Your Friends & Neighbors“ führt Andrew Cooper (Jon Hamm) sein Leben als untypischer Vorstadtdieb fort, bis ein neuer Nachbar droht, seine Geheimnisse aufzudecken und seine Familie zu gefährden. Insgesamt gibt es 10 Folgen, die erste Episode ab Freitag, 3. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Freitag bis zum 5. Juni.

Outcome – Neuer Dark-Comedyfilm ab 10. April

In der düsteren Komödie „Outcome“ muss sich der beliebte Hollywood-Star Reef Hawk (Keanu Reeves) seinen inneren Dämonen stellen, nachdem er mit einem mysteriösen Video erpresst wird, das sein Image zerstören und seine Karriere beenden könnte. Mit Unterstützung seiner besten Freund:innen aus Kindertagen, Kyle (Cameron Diaz) und Xander (Matt Bomer), sowie seines Krisenanwalts Ira (Jonah Hill) begibt sich Reef auf eine Selbstfindungsreise und bittet alle um Entschuldigung, die er womöglich verletzt hat – um so hoffentlich herauszufinden, wer ihn erpresst.

Only Margo – Neue Dramedyserie ab 15. April

„Only Margo“ ist ein herzerwärmendes und komödiantisches Familiendrama über Margo (Elle Fanning), die kürzlich ihr Studium abgebrochen hat und Schriftstellerin werden möchte. Sie ist die Tochter einer ehemaligen Hooters-Kellnerin (Michelle Pfeiffer) und eines Ex-Profi-Wrestlers (Nick Offerman). Margo ist gezwungen, sich mit einem Neugeborenen, einem wachsenden Berg an Rechnungen und immer weniger Möglichkeiten, diese zu bezahlen, durchs Leben zu schlagen. 8 Folgen gibt es insgesamt – drei Episoden ab Mittwoch, 15. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Mittwoch bis zum 20. Mai.

Criminal Record – 2. Staffel der Thrillerserie ab 22. April

In der zweiten Staffel von „Criminal Record“ werden die rivalisierenden Ermittler:innen June Lenker und Daniel Hegarty zu einer widerwilligen Zusammenarbeit gezwungen, als ein junger Mann bei einer politischen Kundgebung erstochen wird. Was als Mordermittlung beginnt, weitet sich zu einem verdeckten Einsatz aus, um einen rechtsextremen Bombenanschlag im Herzen Londons zu verhindern. Die Staffel wird 8 Folgen haben – die erste Episode ab Mittwoch, 22. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Mittwoch bis zum 10. Juni.

Widow’s Bay – Neue Horror-Comedyserie ab 29. April

„Widow’s Bay“ ist eine idyllische Inselstadt, etwa 40 Meilen vor der Küste Neuenglands. Doch unter der Oberfläche lauert etwas. Bürgermeister Tom Loftis (Matthew Rhys) ist verzweifelt bemüht, seine angeschlagene Gemeinde wiederzubeleben. Es gibt kein WLAN, nur lückenhaften Handyempfang, und er muss sich mit abergläubischen Einwohner:innen auseinandersetzen, die meinen, ihre Insel sei verflucht. Er möchte, dass diese Leute ihn respektieren. Das tun sie nicht. Sie halten ihn für weich und feige. Und das ist er auch. Doch Loftis ist fest entschlossen, für seinen jugendlichen Sohn eine bessere Zukunft aufzubauen und die Insel in ein Touristenziel zu verwandeln. Wie durch ein Wunder hat er Erfolg: Endlich kommen Tourist:innen. Leider hatten die Einheimischen recht. Nach jahrzehntelanger Ruhe beginnen die alten Geschichten, die viel zu absurd schienen, um wahr zu sein, sich plötzlich wieder zu ereignen – über 10 Folgen, drei Episoden ab Mittwoch, 29. April, gefolgt von einer neuen Episode jeden Mittwoch bis zum 17. Juni.

Imperfect Women – Staffelfinale am 29. April

Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Araminta Hall, erzählt „Imperfect Women“ von einem Verbrechen, das eine jahrzehntelange Freundschaft zwischen drei Frauen (Elisabeth Moss, Kerry Washington und Kate Mara) erschüttert. Der unkonventionelle Thriller setzt sich mit Schuld und Vergeltung, Liebe und Verrat sowie den Kompromissen auseinander, die wir eingehen und die unser Leben verändern. Im Laufe der Ermittlungen wird klar, dass selbst die engsten Freundschaften nicht immer das sind, was sie zu sein scheinen. 8 Folgen hat die Staffel mit wöchentlich neuen Fole bis zum Staffelfinale am Mittwoch, 29. April.

Monarch: Legacy of Monsters – 2. Staffel der Sci-Fi-Dramaserie am 1. Mai

In der zweiten Staffel steht das Schicksal von Monarch und der Welt auf dem Spiel. Die Saga enthüllt verborgene Geheimnisse, die die Held:innen (und Schurk:innen) auf Kongs Skull Island wieder zusammenführen sowie ein neues, geheimnisvolles Dorf, in dem ein mythischer Titan aus dem Meer aufsteigt. Die Auswirkungen der Vergangenheit schlagen Wellen in der Gegenwart und verwischen die Grenzen zwischen Familie, Freund:innen und Feind:innen, während die Bedrohung durch einen Titanen am Horizont lauert. 10 Folgen hat die 2. Staffel, das Staffelfinale gibt es am Freitag, 1. Mai.

Bilder: Apple

Marshals: A Yellowstone Story – Staffel 1 seit 2. März 2026

In „Marshals: A Yellowstone Story“ spielt Luke Grimes erneut die Rolle des Kayce Dutton. Nachdem er die Yellowstone Ranch hinter sich gelassen hat, tritt Dutton einer Eliteeinheit der US-Marshals bei und kombiniert seine Fähigkeiten als Cowboy und Navy SEAL, um in Montana für Gerechtigkeit zu sorgen. Kayce und seine Teamkollegen müssen den hohen psychologischen Preis, den sie als letzte Verteidigungslinie im Kampf gegen die Gewalt in der Region zahlen, mit ihrer Pflicht gegenüber ihren Familien in Einklang bringen. Los ging’s mit der 1. Staffel am 2. März 2026, jetzt gibt’s wöchentlich eine Folge, 13 sind insgesamt geplant.

The Madison – Staffel 1 seit 14. März 2026

Die Handlung von „The Madison“ entfaltet sich zwischen zwei gegensätzlichen Welten – der Weite Montanas und der Dynamik Manhattans – und erzählt, was Familien zusammenhält. Die sechsteilige erste Staffel folgt der New Yorker Familie Clyburn im Madison River Valley in Zentral-Montana und setzt sich intensiv mit Themen wie Trauer und menschlicher Verbundenheit auseinander.

The Lost Symbol – Staffel 1 ab 2. April 2026

Die Serie „The Lost Symbol“ handelt von den frühen Abenteuern des jungen Harvard-Symbologen Robert Langdon, der eine Reihe tödlicher Rätsel lösen muss, um seinen entführten Mentor zu retten und eine erschreckende globale Verschwörung zu vereiteln. Los geht’s mit der zehnteiligen Staffel am 2. April 2026.

Station Eleven – Staffel 1 ab 2. April 2026

„Station Eleven“ ist eine postapokalyptische Dramaserie über die Folgen einer verheerenden Grippepandemie, die den Großteil der Weltbevölkerung auslöscht. Die Geschichte folgt mehreren miteinander verbundenen Charakteren über verschiedene Zeitachsen hinweg und konzentriert sich dabei insbesondere auf Kirsten, eine junge Schauspielerin, die den Zusammenbruch der Gesellschaft überlebt. Los geht’s mit den 10 Episoden am 2. April 2026.

King & Conqueror – Staffel 1 ab 11. April 2026

Vor tausend Jahren wurde ein neuer König von England gekrönt, was eine Reihe von Ereignissen auslöste, die den Lauf der englischen und europäischen Geschichte für immer veränderten. Zwei Männer, Harold von Wessex und Herzog Wilhelm von der Normandie, befinden sich in „King & Conqueror“ im Kampf um eben jene Krone, die sie nie wollten und auch nie erwartet hatten. Beide beginnen als Verbündete, enden jedoch als Feinde in der Schlacht von Hastings, in der einer von ihnen sterben muss. Start der Serie ist am 11. April 2026, die 1. Staffel hat 8 Episoden.

Willkommen bei den Louds: Der Europatrip – ab 15. April 2026

Von den heimischen vier Wänden direkt in die großen Metropolen Europas: In „Willkommen bei den Louds: Der Europatrip“ verlässt die elfköpfige Geschwisterbande ihr gewohntes Terrain für eine unvergessliche Expedition. Was als Sightseeing-Tour beginnt, entfacht eine Kette von Ereignissen, die nicht nur die Louds, sondern auch die europäischen Sehenswürdigkeiten für immer verändern könnten. Zwischen London, Paris und Berlin kämpfen Lincoln und seine Schwestern um den perfekten Urlaubs-Moment, nur um festzustellen, dass das wahre Abenteuer oft abseits der Reiseführer wartet.

FROM – Staffel 4 ab 20. April 2026

Auf die Fortsetzung von „FROM“ dürften viele Serien-Fans gewartet haben. In der vierten Staffel wird die Suche der Einwohner:innen nach Antworten umso erschreckender, je näher sie der Wahrheit kommen. Wer ist der Mann in Gelb und was will er? Sind die Enthüllungen von Jade und Tabitha der Schlüssel, um endlich nach Hause zurückzukehren? Während Boyd versucht, den Zusammenhalt der Stadt trotz seines körperlichen und geistigen Verfalls aufrechtzuerhalten, öffnet die vierte Staffel Türen, deren Öffnung einige in der Stadt am Ende bereuen werden. Stafel 4 hat 10 Episoden und startet am 20. April 2026.

Alle Teufel sind hier – ab 24. April 2026

Nach einem Raubüberfall verstecken sich in „Alle Teufel sind hier“ vier Kriminelle in einem abgelegenen Unterschlupf und warten auf weitere Anweisungen. Während die Paranoia unaufhaltsam wächst, wird eines klar: Die wahre Gefahr liegt möglicherweise nicht draußen, sondern unter ihnen.

Bilder: Paramount

Doch kurz nachdem die Fans die ersten Folgen gesehen hatten, fing es an, ungemütlich zu werden. Während sich die Kritiker zwischen „ich sehe Potenzial“ und „naja, man muss es halt mögen“ bewegten, waren die Stimmen aus der Community deutlich kritischer und teilweise auch sehr hässlich.

Gestartet mit der Discovery-Hypothek

Dazu möchte ich größer ausholen. „Star Trek: Starfleet Academy“ spielt direkt im Anschluss an „Star Trek: Discovery“. Wir befinden uns – im Vergleich zu Kirk, Picard und Janeway – tausend Jahre in der Zukunft. Nach interessanten zwei Staffeln „Star Trek: Discovery“, die zu diesem Zeitpunkt das Potenzial der Serie aufzeigten, aber auch die Probleme, die offensichtlich im Writers’ Room herrschten, entschied man sich für einen kompletten „Star Trek“-Reboot. 1000 Jahre in der Zukunft, ein grünes Feld neue Geschichten zu erzählen.

Damals dachte ich: Ja, das wird helfen – aber es kam leider anders. Die Geschichten wurden noch dämlicher, die Föderation verkam zu einer Regionalmacht und der Egoismus von Michael, einfach zu tun, was sie wollte, prägte die Serie. Dazu kam aus meiner Sicht ein sinnfreier Fokus auf sogenannte woke Themen. Ein trans Crewmitglied führt eine Beziehung zu einem anderen trans Wesen, das stirbt und dann noch ein trans Geist wird. Und trotz gewollter Normalität dürfen diese nur eine Freundschaft mit dem schwulen Arzt führen? Das ist alles fein – „Star Trek“ hat seit jeher die konservativen Gesellschaftsnormen ausgehebelt – nur hatten diese Themen keine Relevanz für die übergeordnete Story. Die Charaktere waren nicht prägend, und so wirkte es einfach wie aufgesetzt. Aber auch das hätte die Serie ausgehalten, wenn die Geschichte, die sie erzählte, wenigstens spannend gewesen wäre. Aber man verzettelte sich damit, dass man einerseits in noch fernerer Zukunft war, dann aber auch wieder einen Schritt durch den Brand zurückgegangen ist. Ihr könnt gerne in meine alten Reviews eintauchen, dort ist die Kritik detailliert aufgelistet.

Das, was mich aber am meisten störte – und damit schließe ich den Bogen – ist die fehlende Reife der Charaktere. Neben Michael und ihrem ersten Offizier gab es eigentlich nur einen großen Kindergarten. Wenn man sich die IMDb-Ratings anschaut, fiel die Serie mit dem Zeitsprung in der Gunst der Zuschauer ab. Kurtzman schaffte es aber, einen langfristigen Vertrag abzuschließen und am Ende tatsächlich auf fünf Staffeln zu kommen. Mit diesem Qualitätsanspruch hätte man eigentlich „Star Trek: Enterprise“ für zehn Staffeln laufen lassen können.
Damit will ich sagen: Der Start von „Star Trek: Starfleet Academy“ war von vornherein schon auf sehr dünnem Eis, denn auch zu den letzten Folgen und Staffeln von „Star Trek: Discovery“ gab es viel Gegenwind.

Statt aus Fehlern lernen diese noch verstärken

Statt aus den Fehlern zu lernen, präsentierte sich „Star Trek: Starfleet Academy“ als Serie, die alles, was bei „Star Trek: Discovery“ schlecht war, noch weiter auf die Spitze trieb (oder besser gesagt: treibt, schließlich wird die zweite Staffel noch ausgestrahlt). Die ganze Föderation, die als moralische Institution mit hohen Maßstäben an Offiziere und Kadetten in Filmen und Folgen präsentiert wurde, machte den U-Turn zu einer Art „Beverly Hills, 90210“ im Weltraum.
Das mögen manche Zuschauer anders sehen und sich über den Humor freuen oder darüber, dass man mal etwas anderes gemacht hat. Für „Star Trek“-Fans war das aber ein Schlag ins Gesicht – und, so weit lehne ich mich aus dem Fenster, auch für diejenigen, die an eine hohe Streaming-Serienqualität gewohnt oder besser gesagt verwöhnt sind. Anders kann man die große Wut nicht erklären.
„Star Trek: Starfleet Academy“ hätte unter Umständen eine Network-TV-Chance im Disney Channel der 90er Jahre gehabt – locker, leicht, aber positioniert, ohne das Franchise anzugreifen. Aber dann kommen Dinge dazu wie, dass die Klingonen – Kern der „Star Trek“-Marke – degradiert und damit verbrannt werden. Dann logische Katastrophen wie Sam, die eigentlich ein Hologramm ist, angeblich erst wenige Monate existiert, sich aber wie eine Teenagerin aus der Bronx verhält. Sie kann programmiert werden, dann aber wieder nicht. Hat sie einen mobilen Emitter oder nicht? Keiner weiß es, keiner schert sich darum, eine glaubhafte Geschichte und Erklärung für sie aufzubauen.

Scheindebatte um Wokeismus

Viele Diskussionen gab es um Wokeness und LGBTQ im Rahmen der Kritik. Das ist zum Teil gesellschaftliche Realität, dass diese Themen häufig größere Konflikte offenbaren. Aber es legt den Fokus auf einen komplett falschen Aspekt. Die Serie hätte durchaus alle Charaktere lesbisch, schwul, trans oder nonbinär machen können – wenn es gut geschrieben wäre und wir spannende „Star Trek“-Abenteuer erleben würden. Wenn aber diese Themen so weit im Vordergrund stehen, dass man vergisst, worum sich die Serie eigentlich dreht, dann sollte doch jedem klar sein, dass die Skripte nicht gut sind.
Aber auch das ist egal, auch das ist nicht relevant für eine rein wirtschaftliche Entscheidung, ob man eine (sehr) teure Science-Fiction-Serie weiter produziert oder nicht. Ich bin zufrieden mit der Entscheidung, dass schlechte Drehbücher sich nicht mehr durchsetzen, und hoffe auch, dass damit das gesamte Kurtzman-„Star Trek“ beendet ist.
Doch auch das hätte Paramount verkraftet, wenn die Serie genügend Zuschauer gefunden hätte. Vielleicht hätte man sich sogar ein wenig über die hitzigen und aufmerksamkeits¬erzeugenden Diskussionen gefreut – was unter Umständen auch bei „Star Trek: Discovery“ schon so war. Aber schlechte Ratings und zu wenig Zuschauer sind nun mal eindeutige Gründe, eine Serie abzusetzen.

Und am Ende ist es das, was von dem Experiment „Star Trek: Starfleet Academy“ bleibt: im Kern eine noble Idee, aber eine schlechte Umsetzung und leider eine sinnfreie Diskussion um Woke und LGBTQ.

Was ich mir von „Star Trek“ wünsche

Zum Abschluss noch ein Wunsch aus meiner Sicht – eines „Star Trek“-Fans seit den 80er Jahren: Es muss nicht immer das Alte sein, aber bleibt dem Kern der Marke treu. Genau wie bei „Star Wars“: Holt Leute in die Autorenteams, die Kontinuität der Erzählung ermöglichen. Am Ende ist es doch nicht mehr und nicht weniger, was die Fans wollen.
Tatsächlich – und da reihe ich mich auch ein – wollen wir neue Geschichten sehen. Warum nicht mal eine Serie, die sich um ein romulanisches Schiff dreht? Oder eine dunkle Erzählung zum Dominion-Krieg? Oder, wenn es schon humoristisch sein soll, dann voll auf die Zwölf: eine Serie um den blauglatzköpfigen Friseur aus „Star Trek: The Next Generation“? Mit „Star Trek: Lower Decks“ hat das doch auch geklappt. Die Serie hat – auch durch die Animation – ganz klar gesagt, was sie will, und liefert.

Wenn man aber an das Fundament der Sternenflotte geht – die ehrenwürdige Academy mit dem Maruishi-Mauro-Test – dann muss man der Erzählung eben treu bleiben. Man kann nur hoffen, dass die Entscheider wieder Leute auf den „Star Trek“-Captain’s Chair lassen, die „Star Trek“ lieben und eine gute Science-Fiction-Geschichte erzählen wollen – ohne den Selbstzweck, einfach alles neu zu machen, nur weil man es neu machen will.

Bilder: Paramount+ / CBS Studios

Das wechselhafte Wetter haben wir jetzt schon – mal schauen, was der April noch so für uns bereithält. Für anhaltende Kälte, Regen und Schnee gibt es ja vielleicht das ein oder andere Schmankerl im TV. Ein Highlight im April ist auf jeden Fall die dritte Staffel „Euphoria“. Wer von euch schaut noch rein?

Neue Staffeln, Serien und Shows bei Sky & WOW: Starttermine April 2026

1. April

Jürgen Klopp: Die Ära Liverpool (1. Staffel – Sky & WOW)

6. April

Into the Blue – Indonesiens Unterwasserparadiese (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

8. April

Ancient Apocalypse (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)

9. April

The Blacklist (1.-8. Staffel – Sky & WOW)

13. April

Life Below Zero (6. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
Euphoria (3. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

14. April

Der Mond – Geheimnisvolle Kraft der Natur (1. Staffel – Sky Nature, Sky & WOW)

15. April

Tschernobyl – Chronik einer Katastrophe (1. Staffel – Sky & WOW)

16. April

The Body: Spuren des Bösen (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

21. April

Diese Ochsenknechts (5. Staffel – Sky One, Sky & WOW)
Crime Scene Cleaners (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

22. April

Earth – Die frühe Erde (1. Staffel – Sky Documentaries, Sky & WOW)
Murdered or Missing? – Die ausgelöschte Familie (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

29. April

The Girl on the Milk Carton (1. Staffel – Sky Crime, Sky & WOW)

30. April

Miniature Wife (1. Staffel – Sky Atlantic, Sky & WOW)

Neue Filme bei Sky:
Starttermine April 2026

3. April

Wasp Woman – Mord in Hollywood (Doku)
In The Lost Lands

4. April

Heidi – Die Legende vom Luchs

5. April

Die Gangster Gang 2

6. April

Die nackte Kanone

10. April

Honey Don’t!

11. April

Asphalt City

17. April

The Long Walk – Todesmarsch

18. April

Der phönizische Meisterstreich

22. April

Unsere Erde im Wandel – Flüsse in Not (Doku)

24. April

Together – Unzertrennlich

25. April

Bad Genius

„Der letzte Bulle“

Ich habe zwei Folgen der aktuellen Staffel von „Der letzte Bulle“ gesehen, und was soll ich sagen: Mick Brisgau bleibt für mich ein dauerhafter, gern gesehener Alltagsbegleiter. Die Serie lief ursprünglich von 2010 bis 2014, ist dann aber tatsächlich mit einer sechsten Staffel zurückgekehrt – seit 31. Oktober 2025 bei Prime Video, kurz darauf auch im linearen TV bei Sat.1 ab 24. November 2025.

Und ja, Mick ist älter geworden. Sichtbar sogar. Aber gerade das macht den Reiz dieses Comebacks für mich aus. Henning Baum spielt diesen Typen noch immer mit derselben Mischung aus Brechstange, Bauchgefühl und entwaffnender Unverhandelbarkeit. Einer, der in jeden Raum geht, als müsse er ihn erstmal persönlich auf seine Tauglichkeit prüfen. Dass die neuen Folgen dabei nicht auf halber Strecke plötzlich elegant oder gar zeitgeistig werden wollen, ist eher ein Vorteil. Im Gegenteil: Schon die offizielle Inhaltsbeschreibung macht klar, dass die neue Staffel wieder genüsslich einen Schritt zu weit geht – mit Kannibalenfall, KI-Sexpuppen-Bordell und anderen Fällen, bei denen man Mick eigentlich beim Kopfschütteln zusehen möchte.

Vielleicht gefällt mir genau das so gut: „Der letzte Bulle“ will keine geschniegelt wichtige Serie sein. Keine, die ständig in den Spiegel schaut und sich fragt, ob sie noch relevant genug ist. Mick ist einfach da. Er poltert sich durch die Gegend, wirkt dabei angenehm aus der Zeit gefallen und bleibt trotzdem – oder gerade deshalb – jemand, den ich gern wiedersehe. Das hat fast etwas Tröstliches.

„The Simpsons“

Dann gab’s natürlich auch wieder die „Simpsons“. Wobei man da inzwischen eigentlich nicht mehr von einer Serie sprechen kann, sondern eher von einem Fernsehzustand. Springfield ist ja längst kein Ort mehr, den man besucht, sondern einer, der einfach immer da ist. Egal, wie viele Jahre vergehen, egal wie sehr sich Fernsehen verändert: Homer bleibt Homer, Bart bleibt Bart, und Lisa muss weiter für alle anderen mitdenken.

Und die Serie läuft eben nicht nur gefühlt ewig, sondern tatsächlich in absurden Dimensionen. Am 15. Februar 2026 zeigte FOX in den USA die 800. und 801. Episode als Finale der 37. Staffel; zugleich ist die Serie bereits bis Staffel 40 verlängert. Das ist nicht mehr einfach nur Langlebigkeit. Das ist popkulturelle Infrastruktur.

Klar: Die Simpsons sind nicht mehr permanent auf dem Niveau ihrer besten Jahre. Das erwartet vernünftigerweise auch niemand mehr. Aber sie haben etwas geschafft, was nur sehr wenige Serien schaffen: Sie funktionieren als Ritual. Man schaltet ein und ist sofort wieder in dieser Welt. Das ist fast weniger eine Qualitätsfrage im klassischen Sinn als eine Frage der Verlässlichkeit. Und vielleicht ist genau das der Grund, warum ich sie nach wie vor so selbstverständlich mitnehme.

„Alex Cross“

Zum Abschluss meiner TV-Woche lief dann noch die letzte Folge der zweiten Staffel von „Cross“. Ein ziemlicher Kontrastprogramm-Wechsel, denn wo Mick rumpelt und Springfield dauerhaft flimmert, will „Cross“ einen eher nicht gemütlich in den Feierabend entlassen. Prime Video hat die Serie mit Aldis Hodge als Alex Cross am 18. März 2026 ins Staffelfinale geschickt – und direkt am selben Tag auch Staffel 3 bestellt. Mehrere Branchenmedien berichten übereinstimmend, dass die dritte Staffel wieder acht Episoden umfassen soll.

Ich mag an „Cross“, dass die Serie sich angenehm wenig Mühe gibt, gefällig zu sein. Sie bleibt düster, angespannt und trägt dieses latente Unbehagen ziemlich konsequent durch. Aldis Hodge hat genug Präsenz, um Alex Cross nicht bloß wie den nächsten TV-Ermittler mit Privatschaden wirken zu lassen. Das Staffelfinale hatte für mich jedenfalls genau die richtige Wirkung: Druck, Zuspitzung, ein bisschen Schwere – und danach diesen kurzen Moment, in dem man erstmal nicht sofort wieder irgendetwas Leichtes einschalten möchte.

Unterm Strich war das eine erstaunlich runde TV-Woche, obwohl diese drei Serien wirklich wenig gemeinsam haben. Mick Brisgau poltert weiter durch eine Welt, die ihm längst davongelaufen sein müsste. Die Simpsons bleiben die vermutlich gemütlichste Form von Fernseh-Ewigkeit. Und Alex Cross erinnert einen zum Schluss daran, dass gute Spannung eben nicht nett sein muss.

Vielleicht ist genau das ja das Schöne an solchen Wochen: Dass Fernsehen nicht aus einem Guss sein muss. Mal braucht es den vertrauten Polterer, mal die gelbe Dauerinstitution, mal das düstere Finale zum Runterziehen statt Runterkommen.

Und manchmal passt genau diese Mischung ziemlich gut zusammen.

Bilder: Amazon, Disney+, Joyn

Im Mittelpunkt stehen die Sinclairs, eine Dino-Familie, die unserer Gesellschaft den Spiegel vorhält. Familienoberhaupt Earl arbeitet als Baumfäller für einen Konzern, der Wälder rodet, um Platz für Wohngebiete zu schaffen. Eine herrlich überspitzte Kritik am Kapitalismus und der Umweltzerstörung. Mit seiner geduldigen Frau Fran, den Kindern Robbie und Charlene, dem neugeborenen Baby („Nicht die Mama!“) und Schwiegermutter Ethyl ergibt sich eine Dynamik, die zugleich vertraut und herrlich absurd ist. Ich habe kürzlich angefangen, mir die Serie noch einmal anzuschauen, und die Episode „Der Schleudertag“ (Staffel 1, Folge 3) ist für mich besonders herausstechend.

In dieser Folge wird Ethyl 72 Jahre alt und nach uralter Tradition ist es nun an der Zeit, sie in eine Teergrube zu schleudern. Was für Earl zunächst wie eine ehrenvolle Pflicht wirkt (und nicht ganz uneigennützig erscheint), stellt sein Sohn Robbie offen infrage. Der sogenannte „Schleudertag“ geht auf eine archaische Stammestradition zurück, bei der ältere Mitglieder „würdig“ aus dem Leben scheiden sollen, um die Gemeinschaft nicht zu belasten. Die Serie nutzt dieses absurde Ritual, um eine erstaunlich ernste Frage zu stellen: Welche Traditionen sind sinnvoll und welchen folgen wir nur, weil es schon immer so war? Was die Folge so stark macht, ist ihr Balanceakt zwischen Humor und gesellschaftlicher Kritik. Die Idee, die eigene Schwiegermutter feierlich von einer Klippe zu stoßen, ist zwar bewusst überzeichnet, trifft aber einen Nerv, wenn es um den Umgang mit älteren Generationen geht. Rückblickend wirkt die Episode unheimlich aktuell. Parallelen zu modernen Stoffen wie „Midsommar” sind kaum zu übersehen. Auch dort spielt ein ähnliches Ritual eine zentrale Rolle, bei dem Menschen ab dem 72. Lebensjahr aus der Gemeinschaft „entfernt” werden. Ein Zufall, der die zeitlose Relevanz des Themas unterstreicht.

Fazit

„Die Dinos“ genießt bis heute Kultstatus und die Folge „Der Schleudertag“ zeigt exemplarisch, warum. Hinter der bunten Fassade dieser Familien-Sitcom verbirgt sich eine überraschend scharfe Satire, die auch Jahrzehnte später noch funktioniert.

„Die Dinos“ ist auf Disney+ verfügbar.

Bilder: Disney

Darum geht’s in der 1. Staffel „Harry Potter und der Stein der Weisen“

Natürlich basiert die Serie auf den klassischen Romanvorlagen von J.K. Rowling. Und für uns Zuschauer:innen geht’s auch ganz am Anfang los: An Harry Potter ist nichts Besonderes – zumindest behauptet das seine Tante Petunia. Doch an seinem elften Geburtstag öffnet ein Aufnahmeschreiben für die Hogwarts-Schule für Hexerei und Zauberei eine bislang verborgene Welt für Harry. Mit diesem neuen Abenteuer wächst jedoch auch die Gefahr, denn Harry muss sich einem gefährlichen Feind aus seiner Vergangenheit stellen.

Der Cast der HBO-Serie

Den Cast haben wir hier im Blog ja schonmal vorgestellt: In den Hauptrollen sind Dominic McLaughlin als Harry Potter, Arabella Stanton als Hermine Granger, Alastair Stout als Ron Weasley, John Lithgow als Albus Dumbledore, Janet McTeer als Minerva McGonagall, Paapa Essiedu als Severus Snape, Nick Frost als Rubeus Hagrid, Rory Wilmot als Neville Longbottom, Lox Pratt als Draco Malfoy, Leo Earley als Seamus Finnigan, Elijah Oshin als Dean Thomas, Tristan Harland als Fred Weasley, Gabriel Harland als George Weasley, Ruari Spooner als Percy Weasley, Alessia Leoni als Parvati Patil, Sienna Moosah als Lavender Brown, Finn Stephens als Vincent Crabbe, William Nash als Gregory Goyle, Warwick Davis als Filius Flitwick und Sirine Saba als Pomona Sprout zu sehen.

Weitere Rollen übernehmen Daniel Rigby als Vernon Dursley, Bel Powley als Petunia Dursley, Paul Whitehouse als Argus Filch, Johnny Flynn als Lucius Malfoy, Bertie Carvel als Cornelius Fudge, Luke Thallon als Quirinus Quirrell, Katherine Parkinson als Molly Weasley, Amos Kitson als Dudley Dursley, Gracie Cochrane als Ginny Weasley, Richard Durden als Cuthbert Binns, Louise Brealey als Rolanda Hooch, Bríd Brennan als Poppy Pomfrey, Leigh Gill als Griphook und Anton Lesser als Garrick Ollivander.

Die Serie wurde von Executive Producer Francesca Gardiner geschrieben. Mark Mylod wird ebenfalls als Executive Producer fungieren und mehrere Episoden der Serie inszenieren. Produziert wird sie für HBO in Zusammenarbeit mit Brontë Film and TV und Warner Bros. Television. Weitere Executive Producer sind J.K. Rowling, Neil Blair und Ruth Kenley-Letts von Brontë Film and TV sowie David Heyman von Heyday Films.

Bilder: HBO

Genau genommen ist dieses Rewatch Review für mich ein ganz normales Review. Denn auch wenn „Younger“ bereits 2015 erschienen ist und über sieben Staffeln bis 2021 lief, habe ich erst kürzlich das erste Mal in das Feel-Good-Comedy-Drama reingeschaut – und großen Gefallen daran gefunden. 2018 hat Maik euch die Serie schon mal als Serientipp vorgestellt. Ich tauche jetzt nochmal in die Serie ab – so spoilerarm wie möglich.

Die Handlung

Liza Miller ist 40 Jahre alt, als sie wieder in ihren alten Job im Verlagswesen einsteigen will. Fast 20 Jahre lang hat sie den Job nicht mehr ausgeübt, da sie ihre Tochter Caitlin, zum Teil alleine, großgezogen hat. Von ihrem Mann lebt sie mittlerweile getrennt, denn der ist so tief in seine Spielsucht versunken, dass er Liza fast mit in den Ruin getrieben hat. Doch als Liza ihren Bewerbungslauf startet, merkt sie, dass es für eine Frau in ihrem Alter mit der langen Arbeitspause keinen Platz in der Arbeitswelt zu geben scheint. Sie steckt eine Absage nach der anderen ein.

An einem Abend, den sie mit ihrer Freundin und Künstlerin Maggie Amato in einer Bar verbringt, wird sie von dem 26-jährigen Josh ebenfalls für 26 Jahre gehalten – und korrigiert ihn nicht. In der Tat bringt sie das sogar auf eine bahnbrechende, aber auch verheerende Idee: sich generell für jünger ausgeben, um einen Job zu finden. Und das klappt: Wenig später startet sie bei Empirical Press als Assistentin von Diana Trout und lernt auch ihre Kollegin Kelsey Peters sowie ihren Chef Charles Brooks kennen. Je tiefer die Beziehungen in ihrem Umfeld werden, desto schwieriger wird es für Liza, ihre Lüge aufrecht zu erhalten.

Die Charaktere

Was mir an der Darstellung der Charaktere in „Younger“ gut gefällt, ist, dass die Altersdarstellung überwiegend sehr akkurat und real ist. Sutton Fuster beispielsweise war zum Zeitpunkt der ersten Staffel 40 Jahre alt, als sie Liza Miller, ebenfalls 40 Jahre alt, verkörpert hat. Hilary Duff, die Kelsey Peters spielt, und Nico Tortoretta, der Josh verkörpert, sind fast gleichaltrig und spielen in der Serie beide Ende 20-Jährige, ebenfalls übereinstimmend mit ihrem damaligen Alter. Das hat sehr viel zur Glaubwürdigkeit (des Alters und der Altersunterschiede) beigetragen.

Liza Miller ist eine lebensfrohe und offene Frau, der nichts wichtiger ist, als ihre Tochter versorgen und unterstützen zu können. Dieser Grund treibt sie in ihre Lüge. Als sie in die Wohnung ihrer besten Freundin Maggie (Debi Mazar) zieht, natürlich in ein großes cooles Loft mitten in New York City, erhält das Thema WG-Leben ganz neuen Charme. Vor allem, weil Maggie ihre Kunst in erster Linie dort auslebt.

Maggie ist in „Younger“ wirklich eine der spannendsten Figuren: sie ist laut, selbstbewusst, steht zu ihrem Alter und ihrer Sexualität und sie ist allem voran eine wirklich gute Freundin und bringt mich mit ihrem stumpfen Humor so manches Mal zum Lachen. Das toppen kann da nur Diana Trout (Miriam Shor), Lizas abgehobene, strenge Chefin, die wirklich keinen Finger krümmt, wenn nicht auch Liza diese Aufgabe für sie übernehmen könnte. Egal ob es der Kaffee am Morgen, eine tatsächlich arbeitsbezogene Aufgabe ist oder aber nur die Hose aus der Wäscherei abgeholt werden muss: Liza macht das schon. Dianas Figur ist sehr unterhaltsam gezeichnet, unbeholfen komisch, in Kommunikation und Erwartungshaltung an ihr Umfeld, eine Diva durch und durch und gleichzeitig irgendwie auch liebevoll. Zudem macht ihre Figur die meiste Entwicklung in der Serie durch.

Die Highlights und Lowlights

Die Serie lebt von den Generationsunterschieden, die dadurch, dass wir Zuschauer:innen häufig mehr wissen als die Charaktere in der Serie, nämlich eben, dass Liza nicht zu den Millenials gehört, einige Male Komik mit sich bringen und einige Male auch echt irgendwie flach wirken. Hier wird schon auch viel mit Klischees gearbeitet. Das ist manchmal ganz witzig, wenn Liza mal wieder nicht weiß, was gerade in den Sozialen Netzwerken trendet oder wie man die überhaupt so richtig bedient. Häufig wird die Millenial-Darstellung gerade an den Stellen auch ein bisschen übertrieben, ja fast schon ins Lächerliche gezogen.

Apropos übertrieben: Das Kostüm-Department hat bei dieser Serie wirklich ganze Arbeit geleistet. Die Wahl der Outfits für die Charaktere ist oft wirklich fragwürdig und kann ich mir nur so erklären, dass da mitunter auch mit einem dicken Augenzwinkern drauf geschaut wurde. Vor allem Dianas Ketten sind der Wahnsinn: von riesengroßen Schleifen und Schmetterlingen bis hin zu Schwänen ist hier im Grunde alles dabei. Devise: je größer und auffälliger desto besser. Und das allein hat schon Unterhaltungswert.

Auch spannend finde ich, dass mit dem Fokus auf dem Verlagswesen und den (sicherlich nicht immer naturgetreuen) Einblicken in den Alltag eines Publishing Unternehmens mal ein ganz anderes Thema aufgemacht wird und sich viel um Bücher dreht – und Stories, die erzählt und vermarktet werden sollen. Das fand ich erfrischend und auch, dass um den Medienwandel und die Abkehr von analogen Inhalten hin zu digitalen Formaten, kein Bogen gemacht, sondern dies als reale Bedrohung des Verlagswesen behandelt wurde.

Und dann wäre da noch das ganze Thema Empowerment: „Younger“ schafft es, viele relevante, ja ich behaupte mal „woke“ Themen zu platzieren, Frauen in den Mittelpunkt zu rücken und ihre Freundschaften und ihre Karriere zu fokussieren. Das ist immer wieder schön anzusehen, hier und da auch edukativ, aber verliert über den Verlauf der Serie ein bisschen an Kraft. Hier frage ich mich, ob es nicht vielleicht besser gewesen wäre, der Serie nur vier oder fünf Staffeln zu schenken als sieben. Ich habe mich zwar bis zum Ende unterhalten gefühlt, aber nicht nur die Liebesbeziehungen der Protagonistin, sondern vor allem von Kelsey wirkten irgendwann sehr konstruiert. Ihre Stories haben sich irgendwann fast ausschließlich um die Männer gedreht, was dem starken Start der Serie und dem ursprünglichen Weg aus meiner Sicht irgendwann nicht mehr ganz gerecht wurde.

Ich hatte zum Ende hin immer häufiger das Gefühl, dass sich die Geschichten immer weniger natürlich anfühlten und dadurch vieles an Logik (und Charakterentwicklung) eingebüßt haben. Gerade Lizas Lüge hat die Geschichte lange getragen, sie war der Motor der Handlung, hätte aber für mich insgesamt schneller aufgelöst werden können, um der Serie nochmal einen kleinen positiven Schwung zu geben, statt so lange mit denselben Mitteln überzeugen zu wollen.

Fazit

Auch wenn vieles übertrieben und überzogen wirkt, so schafft „Younger“ es doch, auch ernste Themen zu platzieren. Für kurzweilige Unterhaltung zwischendurch (oder einfach viele kurze Folgen am Stück) eignet sich die Serie ganz hervorragend. Sie bringt zum Lachen, sie ist was fürs Auge, wenn die Charaktere durch New York City strollen, sie lässt uns fühlen und irgendwie vermittelt sie häufig einfach ein gutes Gefühl.

Schade finde ich, dass die Serie absolut empowernd begann, was sie im Verlauf der Staffeln ein wenig verloren hat. Hier stand dann nach einer Weile doch zu sehr die Dreiecksbeziehung zwischen Liza, Josh und Charles im Fokus, die aus meiner Sicht insgesamt hätte weniger Raum einnehmen dürfen. Vor allem aber hat mich die fehlende Charakterentwicklung von Kelsey gestört, die zum Ende hin immer stärker über ihre Beziehungen definiert wurde. Anstelle dessen hätte ihre Figur auch anders wachsen können. Wenn ich so darüber nachdenke, merke ich, dass sich meine Sympathie über den Verlauf der Staffeln gegenüber Diana, Maggie und Josh gesteigert, während sie sich gegenüber den Figuren von Liza, Kelsey und Charles etwas zurückentwickelt hat.

Nichtsdestotrotz lohnt es sich auf jeden Fall, sich selbst ein Bild davon zu machen. Alle sieben Staffeln von „Younger“ stehen aktuell bei Netflix zum Abruf bereit.

Bilder: Netflix

Der Moment, der das Netz am Sonntag stillstehen ließ

Es war mal wieder Oscar-Zeit in Hollywood, Leonardo diCaprio war mal wieder nominiert, und ja – er hat den Goldjungen mal wieder nicht bekommen. Aber nicht schlimm – trotzdem spricht alle Welt über ihn, denn er hat gleich Material für ein neues Meme geliefert. Gala-Moderator Conan O’Brien kündigte gleich zu Beginn der Gala an, er wolle mit dem Schauspieler spontan ein Meme kreieren.

Auf der Leinwand wurde DiCaprio im Publikum gezeigt, dann erschien unter seinem Bild die Einblendung „TFW you didn’t agree to this“ („Das Gefühl, wenn du dem nicht zugestimmt hast“). Der Schauspieler schaute leicht erstaunt und amüsiert in die Kamera, hob die Arme – fertig war das neue Meme, das seitdem zigfach im Netz auftaucht. Für zusätzliche Würze sorgt DiCaprios Look: Der Schnauzer, der auf Fotos ohnehin schon nach „neuem Reaction-Material“ schreit, wird im Netz prompt als visuelle Steilvorlage für ein frisches Meme beschrieben. Und O’Brien hatte ihn zuvor ja sowieso als „König der Memes“ bezeichnet – und drei seiner prägendsten Memes auf der Leinwand gezeigt.

Conan O’Brien makes a new Leonardo DiCaprio meme #Oscars pic.twitter.com/OX62X798Mx

— Deadline (@DEADLINE) March 15, 2026

Der Clou: Wie später Oscar-Verantwortliche gegenüber Variety erzählen, wusste DiCaprio vorher nichts von diesem kleinen Meme-Stunt – er war genauso überrascht wie alle anderen.

Dass ein Oscar-Host mittlerweile ganz selbstverständlich ein Segment baut, in dem er live ein Meme mit einem Nominierten produzieren will, zeigt, wie tief Internetkultur im Kern-TV-Event angekommen ist. Die Academy Awards waren lange das Symbol für lineares Event-Fernsehen, doch 2026 denkt man offensichtlich (auch) in Clips, Loops und Reposts – und DiCaprio ist dabei das ideale Rohmaterial. Interessant fand ich die kleine Reibung im Saal: Das Publikum spürt, dass hier ein Moment „fürs Netz“ erzeugt werden soll, niemand ist sich aber sicher, ob das auch funktioniert – genau die Art von „Sideways“-Moment, die Conan O’Brien im Vorfeld sogar ausdrücklich als reizvoll beschrieben hatte. Damit schließt sich ein Kreis: Die Oscars versuchen, den Geist des Internets einzufangen, indem sie auf die Figur setzen, die das Netz ohnehin schon seit Jahren in hunderttausendfach geteilter Form benutzt. Und es wird sich weiter verselbstständigen, wenn wir zum Beispiel daran denken, dass Disney die Oscar-Liveübertragung bald wird abgeben müssen – an YouTube, das gerade auch in dieser medialen Hinsicht viel mit den Oscars vor hat – ich hab’s hier im Blog bereits ausführlich beschrieben.

Das Phänomen: Warum ausgerechnet Leo?

Arnie Grape, Frank Abagnale, Hugh Glass, Calvin Candie, Jay Gatsby, Edward Daniels, Dominick Cobb und Jordan Belfort könnten kaum unterschiedlicher sein. Sie sind exzessiv lebende Multimillionäre, menschenverachtende Plantagenbesitzer, totgeglaubte Fallensteller, brilliante Betrüger. Sie alle eint, dass Leonardo DiCaprio sie verkörpert: „Einer der wohl wandlungsfähigsten Schauspieler seiner Zeit. Das Internet dankt es ihm“, wie es bei t3n heißt.

Tatsächlich liefert der Schauspieler mit seiner expressiven Mimik in seinen Filmen immer wieder Vorlagen für virale Memes. DiCaprio ist gleichzeitig markant und unfreiwillig komisch. Er steht für große Rollen, große Filme, große Emotionen – und gleichzeitig für Momente, die sich perfekt aus dem Kontext lösen lassen.Aber was macht DiCaprio zur „Meme-Maschine“? Schließlich gibt es hunderte Stars mit markanten Gesichtern. Doch Leo besitzt eine seltene Kombination aus Prestige-Schauspielerei und extremer mimischer Ausdruckskraft. Oder wie es bei Moviepilot so treffend heißt: „Leonardo DiCaprio hat keine Angst vor überzeichneten Rollen und expressiver Mimik, die die Basis eines guten Film-Memes bilden. Und seine Karriere blühte gleichzeitig mit der Meme-Kultur auf.“

Wenn wir ein Meme von ihm nutzen, nutzen wir nicht den privaten Leo, sondern prägende Momente in seinen Rollen. Sie sind oft überlebensgroß – der reiche Gatsby, der wahnsinnige Jordan Belfort, der rachsüchtige Plantagenbesitzer Calvin Candie. Wenn diese Figuren dann menschliche – oder schlichtweg absurde – Emotionen zeigen, entsteht diese großartige Fallhöhe, die wir so lieben.

Die Hall of Fame: Die besten Meme-Vorlagen von Leonardo DiCaprio

Der aktuelle Oscar-Hype ist das eine, aber es gibt eben auch das reich gefüllte Archiv an Leo-Memes. Denn DiCaprio hat uns über die Jahre eine Menge Reaktionen geschenkt, die heute zum Standard-Repertoire jeder Teams- oder WhatsApp-Diskussion gehört:

Der „Gatsby-Toast“ (The Great Gatsby): Der Goldstandard: Leo im Smoking, ein Feuerwerk im Hintergrund, ein Champagnerglas in der Hand und dieses wissende Lächeln. Es ist das ultimative Symbol für „Du hast es geschafft“ oder – ironisch verwendet – „Herzlichen Glückwunsch zum absoluten Fail“.

Das „Django-Lachen“ (Django Unchained): Leo als böser Plantagenbesitzer, der mit einem Glas Drink in der Hand hämisch lacht. Es ist das Meme für Schadenfreude schlechthin. Wer hat es nicht schon verschickt, wenn der nervige Kollege im Meeting korrigiert wurde?

Der „Pointing Leo“ (Once Upon a Time in Hollywood): Leo sitzt mit Bier und Zigarette auf der Couch und zeigt auf den Fernseher. Die Geburtsstunde des „Ich erkenne das!“-Moments.

Und dann ist da noch Leos eigene Jagd nach dem Oscar: Jahrelang war diCaprios verzweifeltes Warten auf den Goldjungen selbst das größte Meme:
– 1994 nominiert als Bester Nebendarsteller in „Gilbert Grape – Irgendwo in Iowa“
– 2005 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „Aviator“
– 2007 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „Blood Diamond“
– 2014 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „The Wolf of Wall Street“
– 2014 nominiert in Bester Film für „The Wolf of Wall Street“ (als Produzent)
– 2020 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „Once Upon a Time in Hollywood“
– 2026 nominiert als Bester Hauptdarsteller in „One Battle After Another“

Als er 2016 für „The Revenant“ endlich gewann, trauerte das Internet fast ein bisschen – eine Ära der Witze war vorbei. Doch wie wir am Sonntag sahen: Er liefert zuverlässig Nachschub – so wie jetzt.

Wie reagiert Leonardo DiCaprio selbst?

Man könnte meinen, ein Weltstar seines Formats fände es lästig, wenn seine ernsthafte schauspielerische Arbeit zu 10-sekündigen Endlosschleifen degradiert wird. Doch DiCaprio zeigt sich – ganz der Profi – gelassen bis amüsiert. Das ist sicher auch ein Faktor für die Langlebigkeit dieses Meme-Status. Er gehört nicht zu den Prominenten, die sich gegen Internetkultur stemmen oder sie ignorieren. Gleichzeitig ist er auch keiner, der aktiv versucht, daraus Kapital zu schlagen. Seine Haltung lässt sich am besten als stille Akzeptanz beschreiben. In Interviews hat er wiederholt erkennen lassen, dass er sich der Meme-Kultur bewusst ist – und sie mit einem gewissen Humor nimmt. Keine große Inszenierung, keine Selbstvermarktung, sondern eher ein „Ich weiß, dass das passiert“, und genau das funktioniert.

Und: Ein Meme mit Leo ist nie „trashig“. Wir Zuschauer:innen glauben ihm jede Bewegung, jede Aussage, jedes Augenzwinkern und jede Mimik. Leonardo DiCaprio spielt so authentisch mit seinen Gesichtszügen und Bewegungen, „dass es fast schon eine Schande wäre, aus seinen oft überspitzten, karikativen Charakteren keine Memes zu produzieren. Dieses besondere Talent DiCaprios erkannte die Generation Internet zum Glück schneller als die eingestaubte Oscar-Jury“, fasst es t3n passend zusammen. Und solange Leo weiterhin so herrlich intensiv guckt, lacht und trinkt, müssen wir uns um die Zukunft der digitalen Kommunikation keine Sorgen machen. In diesem Sinne: Heben wir das Glas – natürlich im Stile von Jay Gatsby. Auf dich, Leo!

Bilder: ABC, Columbia, Warner Bros, Sony

Eigentlich hat der CIA-Analyst Jack Ryan (gespielt von John Krasinski) seinen letzten Einsatz in der vierten Staffel von „Tom Clancy’s Jack Ryan“ bereits absolviert. Doch nun wird er für einen Spielfilm noch einmal aus dem Ruhestand geholt. Diesmal wird er widerwillig in die Welt der Spionage zurückgerufen, um sich einer abtrünnigen Black-Ops-Einheit zu stellen. Der jetzt veröffentlichte erste Teaser verspricht gewaltige Action.

„Welcome back.“ – James Greer

An der Seite von John Krasinski sind erneut bekannte Gesichter zu sehen, darunter Wendell Pierce als James Greer und Michael Kelly als Mike November. Neu im Team ist Sienna Miller, die als MI6-Agentin Emma Marlowe eine Schlüsselrolle einnimmt. Gemeinsam bewegen sie sich durch ein Netz aus Verrat und Geheimoperationen.

„Tom Clancy’s Jack Ryan: Ghost War“ ist ab dem 20. Mai bei Prime Video verfügbar.

Bilder: Amazon Prime Video

Danach habe ich lange ohne dieses Genre mein Serienleben verbracht. Bis zu „The Pitt“.
Und eigentlich wollte ich „The Pitt“ auch gar nicht schauen. Der Hype ist viel zu groß und die Nähe zu „Emergency Room“ zu offensichtlich. In der Hauptrolle sehen wir Noah Wyle, der auch schon in „Emergency Room“ lange der Hauptcharakter war, wieder in einer Notaufnahme. Aber am Ende habe ich gedacht: Was soll’s – ich gebe der Serie mal zwei Folgen. Und dann war es um mich geschehen.

Extremer Realismus – nichts für schwache Nerven

Ich bin kein Arzt, aber bevor ich auf den Inhalt der Serie eingehe, möchte ich den Punkt Realismus ansprechen. Das hat mich fast dazu gebracht, direkt abzubrechen.
Als Jugendlicher habe ich mich unsterblich gefühlt, alle Krankheiten und Gebrechen waren abstrakt. Inzwischen ist das anders. Mit Mitte 40 hat man eine Krankengeschichte und kennt aus der Familie oder dem Bekanntenkreis auch schlimmere Schicksale. Das ändert auch mein Sehverhalten. Mich nehmen die Geschichten viel mehr mit.
Allein die Szene, in der ein kleines Kind stirbt, konnte ich als Familienvater nur sehr schwer ertragen. Aber nicht nur die Tatsache, dass Tod stattfindet – auch die Art, wie „The Pitt“ das darstellt, ist extrem. Da schaut einem das Köpfchen eines Babys aus dem Körper einer Frau entgegen, die gerade entbindet. Alles wird gezeigt. Wer damit Probleme hat, sollte sich sehr gut überlegen, ob „The Pitt“ die richtige Serie ist.

Nichts Neues – aber mit hoher Intensität

„The Pitt“ macht eigentlich nichts Neues. Bzw. das, was heraussticht – weil es schon eine Weile her ist, dass eine Serie so arbeitet – ist der Echtzeitansatz. „The Pitt“ zeigt eine komplette Schicht pro Staffel. Jede Folge entspricht einer Stunde dieser Schicht.
Das führt zu einer hohen Intensität. Patienten tauchen mehrfach auf, sie müssen nicht innerhalb einer Folge „abgearbeitet“ werden wie in anderen. Schicksale treten dadurch stärker in den Vordergrund. Wenn ein Kind oder ein Jugendlicher stirbt, kommen später die Eltern hinzu, es gibt Gespräche, Seelsorge. Die Fälle, Krankheiten oder auch psychischen Probleme wirken dadurch echter und rücken näher an den Zuschauer heran.

Alles dreht sich um den guten Doktor

In der Hauptrolle sehen wir – wie schon erwähnt – Noah Wyle, der bereits in „Emergency Room“ das Stethoskop geschwungen hat. Er ist Oberarzt, er weiß alles, er ist ein Mensch, der auch Emotionen zeigt, und gleichzeitig Lehrer für die vielen Ärzte in Ausbildung im Krankenhaus.
Dieser Teil funktioniert bei „The Pitt“ exakt wie früher bei „Emergency Room“: junge Ärzte, die noch viel lernen müssen und gerne auch mal anecken.
Die Emotionalität von Noah Wyles Figur wird durch Rückblenden in die Corona-Zeit unterstrichen. Dort musste er sich gegen die Behandlung seines Mentors entscheiden, weil dessen Chancen schlechter waren als die eines jungen Patienten. Am Ende verlor er beide – und das steckt ihm bis heute in den Knochen.
Ich finde allerdings, diese Backstory hätte es meiner Meinung nach nicht gebraucht. Auch so nehme ich einem End-40er- oder Anfang-50er-amerikanischen Notarzt ab, dass er gebrochen und völlig fertig ist. Was dagegen gut funktioniert: Man nimmt dem gesamten Cast ab, dass sie schon lange zusammenarbeiten und miteinander vertraut sind. Es ist fast so, als würde man eine Serie schauen, die schon seit zehn Jahren läuft – und man schaltet mitten hinein.

Etwas anstrengende junge Ärzte

Während das Stammpersonal rund um Noah Wyle etabliert und mit allen Wassern gewaschen ist, sind die Ärzte in Ausbildung entsprechend jung und unerfahren.
Für mich sind diese Charaktere allerdings etwas zu extrem gezeichnet. Wir haben die viel zu coole und arrogante Ärztin, den sehr naiven Kollegen, die einfühlsame Ärztin mit schwieriger Familiensituation und die extreme Streberin, deren Mutter ebenfalls im Krankenhaus tätig ist.
Beim Schauen ertappe ich mich dabei, dass ich bei manchen Auftritten gerne zum Second Screen greife. Dabei nicht falsch verstehen: Die Schauspieler machen ihre Sache alle super. Eine der Darstellerinnen, Isa Briones, kennen wir auch aus „Star Trek: Picard“ – dort fand ich sie eher schwach, hier meistert sie als Doktor Santos ihre Rolle deutlich besser.
Hätte ich es mir aussuchen können, hätte man die Serie vielleicht mit nur einem oder maximal zwei Ärzten in Ausbildung gestalten sollen.

Eine Krankenhausschicht und alle nur denkbaren Notfälle

„The Pitt“ ist am Ende eine Dramaserie, die nach den üblichen Mustern funktioniert. Das Staffelfinale wird dementsprechend mit einen ordentlichen „Wumms“ gestaltet: Ein Amoklauf sorgt für noch mehr Intensität, Tod und menschliches Drama.
Klar, in den USA ist dieses Szenario leider nicht undenkbar. Aber nachdem wir zuvor schon ein totes Kind, einen hirntoten Jugendlichen und weitere schwere Fälle gesehen haben, fühlt sich das fast etwas überladen an. Es ist mir eine Schippe zu viel. Für mich nimmt das ein wenig vom Realismus der Serie. Ich finde, die Staffel hätte auch ohne diesen Höhepunkt sehr gut funktioniert.

Eine Serie mit Makeln, die am Ende trotzdem in den Bann zieht

Es gibt viel zu kritisieren an der Serie – oder zumindest vieles, was relativ belanglos ist. Beispielsweise wird ein Krankenwagen gestohlen, die Assistenten und Security Mitarbeiter wetten, ob dieser noch vor der Stadtgrenze von der Polizei gestoppt wird oder nicht. Diese eher belanglosen Elemente braucht es aber, ohne ein paar Entspannungsphasen würde man die Geschwindigkeit auch kaum aushalten.
Aber am Ende führen die einzelnen Teile der Serie, die Intensität durch die Echtzeitstruktur und der Realismus der Fälle dazu, dass „The Pitt“ absolut binge-tauglich ist.
Wie gesagt: Am Anfang war ich kurz davor abzubrechen. Am Ende ertappe ich mich immer wieder dabei, wie ich in den „Ach, eine Folge geht noch“-Modus verfalle und eine Stunde später als geplant ins Bett falle.
Und damit verstehe ich auch, warum die Serie so viele Preise abgeräumt hat.

Bilder: HBO Max / Warner Bros. Discovery

Die Streamingwelt bietet derzeit eine Vielzahl interessanter Formate, die nur darauf warten, von mir geschaut zu werden. Ob die deutsche Thrillerserie „Unfamiliar“ über zwei Ex-Spione oder Guy Ritchies neues Abenteuer um den jungen Detektiv „Young Sherlock“ – an Seriennachschub mangelt es aktuell nicht. Und schon nächste Woche geht es mit der vierten Staffel der Comicadaption „Invincible“ weiter. Trotzdem war diese Woche bei mir serienmäßig eher mau. Stattdessen habe ich mich auf die in der Nacht von Sonntag auf Montag stattfindende Oscarverleihung vorbereitet. Die Preisverleihung gehört seit Jahrzehnten zu meinen persönlichen TV-Highlights. Abends mit einer Tasse Kaffee auf der Couch zu sitzen und den glamourösen Reigen aus Los Angeles zu verfolgen, fühlt sich ein bisschen wie der Super Bowl für Filmfans an. In der Kategorie „Bester Film“ sind dieses Jahr einige spannende Kandidaten dabei, darunter auch der Genrebeitrag „Blood & Sinners“. Tatsächlich habe ich es diesmal geschafft, alle zehn nominierten Filme zu sehen. Den letzten Titel auf meiner Liste habe ich diese Woche on Demand nachgeholt: den brasilianischen Spionagefilm „The Secret Agent“, der zusätzlich als bester internationaler Film nominiert ist. Der in den 1970er-Jahren angesiedelte Film erzählt die Geschichte eines Forschers, der vor einem repressiven Militärregime flieht. In der Rolle des Forschers ist Wagner Moura („Narcos“) zu sehen, der dafür ebenfalls eine Oscar-Nominierung als bester Schauspieler erhielt. In satten Bildern zeichnet das Drama nach, wie die Gewalt der Diktatur das Leben der Menschen prägt und bis in die Gegenwart nachwirkt.

Die YouTube-Crew von Screen Junkies hat sich übrigens ebenfalls alle nominierten Werke der Kategorie „Bester Film“ vorgenommen und sie in einer ihrer typischen Trailer-Parodien aufs Korn genommen – einfach großartig.

Wenn möglich, schaue ich mir auch gerne die nominierten Kurzfilme an. Meiner Meinung nach bekommen sie viel zu wenig Aufmerksamkeit. Drei davon konnte ich diese Woche sehen. „Papillon“ und „Two People Exchanging Saliva“ sind auf YouTube kostenlos verfügbar. Ersterer ist ein malerischer Animationsfilm über einen jüdischen Schwimmer aus Frankreich. Letzterer erzählt in Schwarz-Weiß von einer verbotenen Liebschaft. Außerdem hat Netflix mit „The Singers“ einen Oscar-Kurzfilm im Programm, in dem sich mehrere Männer in einer Bar gegenseitig mit Gesang herausfordern. Was lief diese Woche bei euch über den Bildschirm? Und: Wer schaut sich die Oscars 2026 ebenfalls live an?

Bilder: Tommao Wang, Neon

Ich möchte jetzt ungerne darauf herumhacken, dass „Life’s Still Unfair“ ein wunderbarer Titel für ein Comeback-Special der Serie „Malcolm mittendrin“ ist, sich „Malcolm Mittendrin: Unfair wie immer“ aber total bezugslos anfühlt. Lasset uns doch einfach froh darüber sein, dass es überhaupt neue Folgen der Comedy geben wird. Inhaltlich bietet sich das wie ich finde durchaus an und wie dem offiziellen Trailer zu entnehmen ist, dürfte man nicht an Rückbezügen auf die alten Staffeln sparen.

„Welcome (back) to the family.“

„Malcolm Mittendrin: Unfair wie immer“ wird vier Episoden umfassen und am 10. April bei Disney+ aufschlagen. Das Leben ist halt doch ein bisschen fairer als gedacht.

Was die Übernahme von Warner Bros. Discovery durch Paramount Skydance bedeutet

Faktisch entsteht hier ein kolossaler Medienverbund, der klassische Studios, lineares Fernsehen, Kabelsender und gleich mehrere Streaming-Marken unter einem Dach bündelt. Wie Deadline aufführt, bringt Paramount nicht nur das eigene Filmstudio und Marken wie CBS mit, sondern auch Paramount+, während Warner Bros. Discovery mit Warner Bros. Pictures, HBO, dem Streamingdienst Max (vormals HBO Max), CNN, sowie einem ganzen Strauß an Kabelmarken von TNT bis Discovery einsteigt. Der Zusammenschluss bringt zwei der fünf großen Major-Studios unter ein Dach und vereint Marken wie Harry Potter, DC Comics und Game of Thrones mit Mission: Impossible, Top Gun und Star Trek. Es ist schon ein ziemlicher Konzentrationsprozess, wie ich finde, der die gesamte Branche vor grundlegende Fragen stellt: Wie viel Wettbewerb verträgt Hollywood noch? Und was bedeutet diese Machtfülle für die Schöpfer:innen von Inhalten und die Zuschauer:innen weltweit? Man darf gespannt sein auf die kartellrechtlichen Prüfungen, die unter der aktuellen US-Administration – mit US-Präsident Donald Trump als Befürworter dieses Deals – zwar als wohlwollend gelten, angesichts der schieren Marktdominanz aber dennoch Hürden bereithalten könnten. Da wird’s auch auf einzelne Bundesstaaten ankommen, und das ist auch nachvollziehbar: Regulatorisch ist dieser Deal ein Drahtseilakt. In den USA bereiten sich Justizministerium und einzelne Bundesstaaten – etwa Kalifornien – auf eine genaue Prüfung vor, während man in der EU laut Reuters eher mit überschaubaren Auflagen und wenigen, gezielten Veräußerungen rechnet. Im Mittelpunkt steht weniger die klassische Frage nach einem Filmstudio-Monopol, sondern die nach vertikaler Integration: Was passiert, wenn ein Konzern zugleich Inhalte produziert, Plattformen betreibt und wesentliche Distributionswege kontrolliert? Dass ausgerechnet Paramount, traditionell alles andere als ein Tech-Konzern, nun in eine Rolle rückt, die sonst eher bei Silicon-Valley-Playern vermutet wurde, ist schon außergewöhnlich.

Um die Tragweite dieses Deals zu verstehen, muss man sich die Dynamik der letzten Wochen vor Augen führen. Netflix hatte bereits ein detailliertes Abkommen mit WBD ausgehandelt, das einen Wert von rund 83 Milliarden Dollar hatte. Ich hatte es schon beschrieben – es schien die perfekte Symbiose zu sein: Die Bibliothek von Warner als Treibstoff für den Netflix-Motor. Doch Paramount Skydance intervenierte mit einem „Superior Proposal“, wie The Guardian berichtete: Netflix-Co-CEO Ted Sarandos erklärte nach dem Rückzug nüchtern: „Zu dem Preis, der erforderlich gewesen wäre, um das Angebot von Paramount Skydance zu übertreffen, war das Geschäft finanziell nicht mehr attraktiv.“ Dieser Satz markiert einen Wendepunkt im Selbstverständnis der Streamer: Wachstum ist wichtig, aber nicht um jeden Preis – außer man ist David Ellison und hat die finanzielle Rückendeckung der Ellison-Familie und von RedBird Capital. Dass Netflix letztlich nicht mit dem Paramount-Angebot von 31 Dollar je Aktie mitgezogen ist, werten Märkte und Branche inzwischen eher als kluge Selbstbeschränkung denn als verpasste Chance: Die Netflix-Aktie legte nach dem Ausstieg deutlich zu, während Paramount nun mit einem der größten Schuldenpakete der jüngeren Hollywood-Geschichte leben muss.

Paramount-CEO David Ellison spricht von der Vision eines „Next-Generation-Medien- und Entertainment-Powerhouse“, das die „ikonischen Studios, komplementären Streaming-Dienste und kreativen Talente“ vereine, um „größeren Wert für Publikum, Partner und Investoren“ zu schaffen. Warner-Boss David Zaslav wiederum betont, man habe „maximalen Wert“ für die WBD-Aktionäre gesichert und zugleich „größtmögliche Sicherheit“ für die Zukunft der Traditionsmarken geschaffen. Hinter diesen wohlfeilen Formulierungen steckt aber vor allem eines: ein massiver Kostendruck, der durch Synergien, Integration und Effizienzgewinne in Milliardenhöhe abgebaut werden soll.

Für die Filmbranche bedeutet dieser Zusammenschluss vor allem eines: Skaleneffekte. Das neue Unternehmen hat laut Variety bereits Diverses angekündigt, bis hin zu jährlich mindestens 30 Kinofilmen die man produzieren wolle. Das ist eine Kampfansage an Disney und Universal. Durch die Bündelung der Produktionskapazitäten und der Marketingbudgets entsteht ein Apparat, der Blockbuster am Fließband liefern kann. Doch Kritiker warnen vor einer kulturellen Monokultur. Wenn nur noch ein einziger Vorstand über die Zukunft von Batman und Captain Kirk gleichzeitig entscheidet, könnte die kreative Vielfalt leiden. Auf der anderen Seite sehe ich in der enormen Finanzkraft von Paramount Skydance auch die Chance, selbst riskante Großprojekte zu finanzieren, die sich kleinere Studios nicht mehr trauen würden.

Was heißt der Zusammenschluss für die Serienwelt?

Im Seriengeschäft dürften die Auswirkungen nicht weniger drastisch sein. Warner Bros. Television, eine der produktivsten TV-Schmieden der Welt, trifft auf das Know-how von Paramount. Hier geht es vor allem um die Kontrolle über das „Prestige-TV“. HBO, die Goldstandard-Marke von Warner, bleibt laut Ellison zwar als eigenständige Identität erhalten – „HBO sollte HBO bleiben“, betonte er –, aber die Synergien in der Produktion werden massiv sein. Das Ziel dürfte klar sein: Man will der unangefochtene Marktführer für High-End-Serien werden. Aufträge zu diversen Warner-Produktionen kommen schließlich auch zum Beispiel von Apple. Die Kombination der kreativen Talente hinter Hits wie „Succession“ oder „The White Lotus“ mit den prozessoptimierten Strukturen von Skydance könnte eine neue Ära des Fernsehens einläuten. Doch für die Showrunner und Produzenten bedeutet die Fusion auch, dass es einen Käufer weniger auf dem Markt gibt, was die Verhandlungsposition der Kreativen schwächt.

Das Herzstück des Deals ist jedoch unbestreitbar das Streaming-Geschäft. Die Zusammenlegung von Paramount+ und HBO Max (in vielen Märkten wie bei uns in Deutschland bereits als Max bekannt) zu einem einzigen „Super-Service“ wurde bereits bestätigt. Mit zusammen weit über 200 Millionen Abonnenten rückt der neue Dienst in die unmittelbare Nähe von Netflix und Disney+. Wie die Washington Post analysierte, positioniert sich das neue Unternehmen damit als unverzichtbarer Bestandteil jedes Haushalt-Abos. Das erwartbare Vorgehen auf organisatorischer Seite: Der technologische Stack wird konsolidiert, was Milliarden an Synergien freisetzen soll. Was wie ein Paradies für uns Serienfans klingt – ein Abo, alle Hits – hat jedoch seinen Preis. Kurzfristig könnten Kund:innen, die bisher beide Dienste parallel abonniert haben, tatsächlich von einer Bündelung profitieren, sei es durch Paketpreise oder ein einheitliches Angebot. Mittelfristig aber liegt das Machtgefälle klar beim neuen Riesen: Je weniger relevante Konkurrenz am Markt, desto leichter lassen sich Preise anheben, werthaltige Inhalte exklusiv halten und Lizenzfenster verschieben. Genau vor diesem Muster warnen Analyst:innen mit Blick auf die Erfahrung nach Disneys Fox-Übernahme: Weniger Studios im Markt, weniger Filme im Jahr – dafür dominierende Mega-Marken und steigende Ticket- und Abo-Preise. Es ist die Vollendung des „Streamer-Shakeouts“, den viele Experten seit Jahren prophezeit haben und über den wir hier im Blog auch bereits ausführlich berichtet haben.

Was Netflix nicht interessiert hat, steht jetzt mit im Fokus: die Kabelsender

Ein spannender Aspekt der Fusion ist die Zukunft der linearen Kabelsender, die zu Warner gehören. Discovery, CNN, TNT und TBS sind Schwergewichte im klassischen Fernsehen, doch das Modell bröckelt. Interessanterweise wurde im Zuge des Deals deutlich, dass die linearen Netzwerke von Discovery möglicherweise in eine separate Einheit namens „Discovery Global“ ausgegliedert werden könnten, um die Bilanz des neuen Konzerns nicht durch das rückläufige Kabelgeschäft zu belasten. CNN hingegen, das Flaggschiff der Nachrichten, bleibt ein zentraler Bestandteil des Deals und wird nun zusammen mit CBS News unter einem Dach agieren. Diese Konzentration von Nachrichtenmacht hat bereits für politische Diskussionen gesorgt. Sky News wies darauf hin, dass die Nähe von David Ellison zur aktuellen US-Regierung zu Befürchtungen über eine politische Neuausrichtung der Berichterstattung führt. Die Personalie Bari Weiss, die zur Chefredakteurin von CBS News ernannt wurde, wird als deutliches Signal für eine konservativere Ausrichtung gewertet.

Experten bewerten die Transaktion zwiespältig. Während die Börse das Synergiepotenzial von über sechs Milliarden Dollar feiert, mahnen Branchenbeobachter zur Vorsicht. Auf dem Portal Simply Wall St hieß es dazu treffend: „Der Deal mit Warner Bros. Discovery konzentriert noch mehr Medienassets unter einem Dach. Das könnte die Größe und Verhandlungsmacht von Paramount Skydance völlig neu definieren, bringt aber auch enorme Integrationsrisiken und eine hohe Verschuldung mit sich.“ Tatsächlich muss der Konzern nun beweisen, dass er die unterschiedlichen Unternehmenskulturen – den traditionsbewussten Warner-Stolz und die dynamische Skydance-Mentalität – harmonisieren kann.

Bilder: Warner

Die Superheld:innen-Satire „The Boys” steuert auf ihr großes Finale zu. Nach einem ersten Teaser-Trailer hat Prime Video nun auch einen Trailer zur fünften und letzten Staffel veröffentlicht. Politische Intrigen haben das Land ins Chaos gestürzt und Homelander steht an der Spitze. Der Trailer zeigt ihn bereits wie einen Herrscher mit reichlich religiöser Symbolik. Doch auch auf der Gegenseite tut sich etwas: Billy Butcher hat erfahren, dass es ein Virus gibt, das Supes töten kann, und er will es unbedingt in die Hände bekommen. Gleichzeitig hat Butchers früherer Konsum von Temp-V schwere Folgen. In seinem Kopf wächst eine tödliche Mutation, die ihm tentakelartige Kräfte verleiht und ihn selbst zu einer Art Supe macht. Während er körperlich immer instabiler wird, verfolgt er seinen Plan, die Supes komplett auszulöschen.

„Well if you can’t beat ‚em, join ‚em. Then f***ing beat ‚em.“– Billy Butcher

Zu Beginn der Staffel ist das „Boys“-Team weitgehend zerschlagen. Während viele Mitglieder festgenommen wurden, konnte Starlight entkommen. Nun organisiert sie gemeinsam mit Verbündeten wie A-Train eine Widerstandsbewegung. Einige Szenen im Trailer deuten darauf hin, dass sie versuchen werden, die übrigen Teammitglieder zu befreien. Auch andere Figuren wie Soldier Boy und Sister Sage dürften im Finale eine wichtige Rolle spielen. Und auch wenn die Serie endet, bleibt das Universum bestehen. Das Spin-off „Gen V” hat bereits neue Figuren eingeführt. Weitere Projekte sind ebenfalls geplant, darunter das Prequel „Vought Rising”, das die frühen Tage von Soldier Boy beleuchten soll. So ganz muss man sich also nicht von der „The Boys“-Welt verabschieden.

„The Boys“, Staffel 5 startet am 8. April bei Amazon Prime Video.

via: geektyrant

Mit „Lanterns“ bringt HBO Max eine neue Serie um die Space-Cops aus dem DC-Universum an den Start. Der nun veröffentlichte erste Trailer fällt dabei vor allem durch das auf, was er nicht zeigt: große Superheld:innen-Action. Anstelle intergalaktischer Einsätze des Green Lantern Corps konzentriert sich die Serie auf eine deutlich bodenständigere Geschichte. Im Mittelpunkt stehen Hal Jordan (Kyle Chandler) und John Stewart (Aaron Pierre), die gemeinsam einem mysteriösen Vorfall in einer abgelegenen Kleinstadt in den USA nachgehen. Während Hal seinen möglichen Nachfolger ausbildet, geraten die beiden immer wieder aneinander.

„Something is off here. I can feel it.“ – Hal Jordan

Vom eigentlichen Green-Lantern-Mythos ist im Trailer bislang nur wenig zu sehen. Ein kurzer Blick auf den klassischen Ring, das Kostüm von Hal Jordan und eine Flugszene liefern jedoch erste Hinweise auf die kosmische Seite der Geschichte. Der Fokus liegt jedoch eindeutig auf der Ermittlungsarbeit und der Dynamik zwischen den beiden Hauptfiguren. Dabei orientieren sich die Macher:innen offenbar bewusst an düsteren Krimi-Serien wie „True Detective“. Ob die Serie tiefer in die fantastische Comicwelt der Green Lanterns eintaucht, bleibt vorerst offen.

„Lanterns“ startet im August bei HBO Max.

via: gamesradar

In knapp zwei Wochen ist es soweit: Die Comic-Adaption „Invincible“ geht in die vierte Runde. Diesmal bekommt es der junge Held mit dem gefährlichsten Viltrumiten überhaupt zu tun: Thragg. Dieser steht auch im Mittelpunkt des neuen Teasers, der andeutet, dass selbst der gefürchtete Viltrumit Conquest im Vergleich zu Thragg fast harmlos wirkt. Das könnte für Mark bedeuten, dass er ausgerechnet mit seinem Vater Omni-Man zusammenarbeiten muss, um die drohende Eroberung aufzuhalten.

„However strong you think you are, Thragg is stronger.“

Im Original wird Thragg von Lee Pace gesprochen, der dem fanatischen Eroberer eine bedrohliche Präsenz verleiht. Sein Ziel ist die vollständige Expansion des Viltrumiten-Imperiums: Jeder Planet im Universum soll unter ihre Herrschaft fallen. Damit steuert die Animationsserie langsam auf das große Finale zu. Denn auch in der Comicvorlage von Robert Kirkman ist Thragg der zentrale Antagonist der finalen Geschichte.

„Invincible“, Staffel 4 startet am 18. März bei Prime Video.

via: gamesradar

Es gibt Serien, die man „wieder“ schaut – und es gibt Serien, die man „zurück“ schaut. „ALF“ gehört für mich ganz klar in Kategorie zwei. Ein Stück Wohnzimmer-Zeitmaschine, die sofort anspringt, sobald irgendwo eine Garage, ein Familienvater mit latentem Kontrollbedarf und ein pelziger Störfaktor aus dem All auftauchen.

Der Pilot ist dabei herrlich simpel – und genau das macht ihn so stark. Das Raumschiff knallt rein, die Tanners stehen da, und plötzlich ist das bürgerliche Vorstadtleben offiziell im Ausnahmezustand. Und ALF? Der ist nicht „süß“. Der ist ALF aka Gordon Shumway: Laut, neugierig, respektlos, witzig – und praktisch allergisch gegen jedes Konzept von „unauffällig sein“.

ALF ist in dieser Welt weniger „Gast“ als Dauer-Fehlermeldung: Er redet, bevor er denkt, denkt selten länger als bis zum nächsten Spruch – und schafft es trotzdem, dass man ihm nie wirklich böse sein kann. Sein Verhalten pendelt irgendwo zwischen Kind im Süßwarenladen und zynischem Stand-up-Comedian, der aus Versehen in einer Vorstadtsitcom gelandet ist. Er will dazugehören, aber auf seine Art: mit Ansagen, mit Neugier, mit Chaos. Und natürlich mit dieser konstanten Grundhaltung, dass die Regeln der Tanners eher… Vorschläge sind.

Was den Reiz ausmacht: ALF bleibt nicht nur im Wohnzimmer sitzen und macht Gags. Er baut sich ein Leben auf – heimlich, schräg, aber erstaunlich konsequent. Allen voran Lynn, die oft genau die richtige Mischung aus „genervt“ und „okay, komm“ liefert, während Brian ALF als den großen, verbotenen Kumpel sieht, den man eigentlich nicht haben darf. Und Willie ist der tragische Held, der jedes Mal denkt, er hätte das im Griff – und jedes Mal vom nächsten ALF-Manöver überrascht wird.

Dann wäre da noch Kate, die viel zu häufig die Vernünftige spielen muss, und genau deshalb so wichtig ist: Ohne sie wäre das Ganze längst eskaliert. Und außerhalb der Familie? ALF macht das, was man nicht machen sollte: Er telefoniert, er mischt sich ein, er knüpft Kontakte, als wäre „geheim halten“ nur ein optionales Feature. Genau daraus entstehen diese typischen ALF-Momente: kleine Missverständnisse, große Konsequenzen, und am Ende irgendwie doch wieder alle am Küchentisch – erschöpft, aber am Leben.

Was beim Rewatch auffällt: Die Serie funktioniert nicht nur als Nostalgie-Träger, sondern auch als handwerklich sauberes Setup. Figuren werden schnell gesetzt, Dynamiken sitzen, und du weißt nach wenigen Minuten: Das hier wird ein Dauerzustand. Willie versucht zu managen, Kate versucht zu retten, die Kids sind erstaunlich schnell bei „okay, Alien, passt“ – und ALF macht aus jeder Szene einen kleinen Kontrollverlust.

Und dann ist da noch diese ganz spezielle Sorte Retro-Gefühl, die man heute kaum noch bekommt: Nostalgie pur ist es, die alten Hörspiel-Kassetten von ALF herauszukramen und sich, stilgerecht, im SONY Walkman anzuhören, mit Rauschen, Bandsalat und allem, was eben dazugehört. Das ist nicht einfach „früher war alles besser“-Quatsch – das ist eher so ein Soundtrack zur eigenen Serien-Sozialisation. Und plötzlich riecht’s im Kopf wieder nach Plastikhülle, Magnetband und Samstag.

Unterm Strich: ALF ist wie Comfort Food. Nicht kompliziert, aber exakt richtig gewürzt. ALF ist ein Konzept, das heute vermutlich erstmal in 14 Writers-Room-Meetings zerredet würde. Damals hat man’s einfach gemacht – und genau deshalb knallt’s.

Kurz gecheckt: Wo läuft ALF aktuell?

Free-TV: Aktuell keine laufenden Sendetermine.
Streaming (Abo): alle vier Staffeln sind auf RTL+ verfügbar!

Kaufen/Leihen: Über die üblichen Stores ist ALF als Kauf/Download gelistet (z.B. Amazon Video, Apple TV Store; JustWatch führt das so für die Staffeln).

Ich wünsche Euch viel Spass, diesem ALF erneut zu begegnen, egal auf welchem Weg. Sehr gerne auf MC ;)

Bilder: RTL+

Der Februar ist immer der kürzeste Monat, hat aber gefühlt immer wesentlich mehr zu bieten als andere Monate, wie ich finde. Bei uns im Blog hat nochmal das Dschungelcamp dominiert, aber auch unsere wöchentlichen Aufreger waren für Euch interessant. Wie immer gibt’s auch unsere persönlichen Serien-Tipps gesammelt in diesem Beitrag.

Die meistgeklickten Blogartikel des Monats

1. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Alle Voting-Ergebnisse der Dschungelcamp-Folgen bis zum Finale
2. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Das ist an Tag 15 im Dschungelcamp passiert
3. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Das ist an Tag 11 im Dschungelcamp passiert
4. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Das ist an Tag 16 im Dschungelcamp passiert
5. Wie schlimm ist „Star Trek: Starfleet Academy“ wirklich?
6. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Das ist an Tag 14 im Dschungelcamp passiert
7. TV-Aufreger der Woche: „Verbrecher“, Fake-Video, „Betrüger‑Gen“ – wenn das Dschungelcamp zum Gerichtssaal wird
8. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Das ist an Tag 13 im Dschungelcamp passiert
9. „Ich bin ein Star – Holt mich hier raus!“: Das ist an Tag 12 im Dschungelcamp passiert
10. TV-Aufreger der Woche: Synchronsprecher:innen verweigern Netflix‘ KI-Deal

Persönliche Monatsrückblicke

Zum Abschluss werfen wir noch einen Blick in die Redaktion: Jede:r teilt die persönlichen Highlights des Monats und gibt einen kleinen Einblick in die eigene Watchlist.

Michaels Monat

Ich habe ja ein wenig gezögert, mir inzwischen aber doch einen HBO Max-Account zugelegt – und konnte nicht aufhören, „The Pitt“ durchzuschauen. Eine wirklich tolle Serie – und jetzt freue ich mich schon auf die 2. Staffel. Ein weiterer Grund für HBO Max – „A Knight of the Seven Kingdoms“, gefällt mir bisher auch sehr gut. Ansonsten bin ich bei den aktuellen, durchlaufenden Serien drangeblieben. Schauen wir mal, was der März bringt.

Habe ich gesehen

Fabios Monat

Im kalten Februar hat serientechnisch nichts wirklich gereizt. Also habe ich mich stattdessen alten Bond-Klassikern gewidmet, die kürzlich ins Netflix-Portfolio gewandert sind. Die teils über 60 Jahre alten Actionfilme bieten noch immer beeindruckende Schauwerte und mit ihrer klaren Dramaturgie und Vorhersehbarkeit fast so etwas wie ein Gefühl von Ordnung und Kontrolle. Mit „A Man On The Inside“ habe ich dann doch noch eine rührende Comedy-Serie entdeckt. Lasst euch vom reichlich missglückten deutschen Titel „Undercover im Seniorenheim“ bloß nicht abschrecken, hinter dem sperrigen Namen verbirgt sich deutlich mehr Herz, als man zunächst vermuten würde.

Habe ich gesehen

Kiras Monat

Im kurzen und zunächst kalten Februar ging es bei mir weiter mit der herrlichen Comedy-Serie „Younger“, bei der ich mich mittlerweile bis zur sechsten Staffel vorgearbeitet habe. Parallel quäle ich mich weiter durch „Emily in Paris“, um die fünfte, wirklich dürftige Season endlich abschließen zu können. Und die vierte Staffel von „Bridgerton“ hat für mich schließlich den Frühling eingeleitet.

Habe ich gesehen

Academy Awards® 2026 (98th Annual) – Am 16. März live auf Disney+

YouTube hat sich die Übertragungsrechte für die Oscars gesichert – wir hatten hier im Blog darüber berichtet. Doch noch liegen die Rechte bei Disney; jetzt steht die 98. Oscar®-Verleihung an – am Montag, den 16. März um 00.00 Uhr morgens live in Deutschland. Zum zweiten Mal in Folge wird der mit dem Emmy® Award ausgezeichnete Fernsehmoderator, Autor, Produzent und Komiker Conan O’Brien die Show moderieren. Auf Disney-Seite sind mehrere Titel nominieert, darunter „Elio“ für „Bester Animationsfilm”, „A Friend of Dorothy“ für „Bester Live-Action-Kurzfilm” und „Retirement Plan“ für „Bester Animationskurzfilm”. Zur Feier der Nominierungen von „Zoomania 2“ in der Kategorie „Bester Animationsfilm“ und „Avatar: Fire and Ash“ in den Kategorien „Kostümdesign“ und „Visuelle Effekte“ können Fans auch die früheren Oscar®-Gewinner „Zoomania“, „Avatar“ und „Avatar: The Way of Water“ auf Disney+ streamen.

„The Secret Lives of Mormon Wives“ – Staffel 4 ab 12. März exklusiv auf Disney+

„The Secret Lives of Mormon Wives“ geht in die 4. Runde. Durch die Folgen ihres wachsenden Ruhms steht für #MomTok mehr auf dem Spiel als je zuvor. Als Taylor als „Bachelorette“ verkündet wird während Jen und Whitney bei „Dancing with the Stars“ antreten, sorgt der entstehende Wettbewerb für Chaos. Versuchungen nehmen zu und Traditionen werden auf den Kopf gestellt. Angesichts zerbrechender Ehen, persönlicher Dämonen und familiärer Geheimnisse müssen sie sich entscheiden, ob sie sich gegenseitig unterstützen oder ihrem Schicksal allein auf der Weltbühne entgegentreten. Werden die Frauen ihrer Schwesternschaft treu bleiben, um sie zu retten? Oder wird #MomTok für immer zerbrechen?

Marvel Televisions „Daredevil: Born Again” – Staffel 2 ab 25. März exklusiv auf Disney+

Hoppla, Disneys Neuauflage von „Daredevil“ geht ja schon in die 2. Runde. Ich hab‘ ja noch nichtmal Staffel 1 geschaut. Worum wird’s gehen? New York ist in den Fängen von Bürgermeister Wilson Fisk. Der ist auf der Jagd nach Daredevil, dem Maskierten aus Hell’s Kitchen. Unter der gehörnten Maske steckt nach wie vor Matt Murdock, der aus den Schatten heraus zurückschlägt, um das korrupte Imperium des Kingpin zu zerstören und seine Heimatstadt zu retten. Mehr dazu auch hier im Blog.

„Scrubs” – Staffel 1 ab 25. März exklusiv auf Disney+

Definitiver Pflichteintrag für die Watchlist: Nach langer Zeit sind J.D. und Turk endlich wieder im Sacred Heart vereint. Die Medizin hat sich verändert, die Assistenzärzte auch, doch ihre Bromance ist so stark wie eh und je. Alte und neue Gesichter meistern in „Scrubs“‚ Rückkehr den Krankenhaus-Alltag mit viel Humor, Herz und so mancher Überraschung – mehr dazu hier im Blog.

Disneys „Die neuen Zauberer vom Waverly Place“ – Staffel 2 ab 25. März exklusiv auf Disney+

In der zweiten Staffel von „Die neuen Zauberer vom Waverly Place“ entdeckt Billie, dass das Leben mit den Russos komplizierter ist als gedacht – besonders jetzt, da sie nicht mehr die einzige Zauberin im Haus ist. Justin muss nun drei junge Zauberer und Zauberinnen für den Familienwettbewerb trainieren, denn Roman und Milo haben magische Kräfte bekommen. Während der Druck innerhalb und außerhalb der Familie steigt, taucht eine neue Gefahr auf, die die Russos für immer zerstören könnte.

Disney+: Alle Neustarts, Katalogtitel und neuen Staffeln im März 2026 (Serien, Dokus & Filme)

1. März

+ National Geographics „Enthüllt: Geheimnisse der Meere“ – Staffel 6 (National Geographic)

+ National Geographics „Europa von oben“ – Staffel 5+6 (National Geographic)

+ National Geographics „Der Holocaust: Die wahren Ausmaße“ (National Geographic)

+ National Geographics „Zweiter Weltkrieg: Geschichte von oben“ – Staffel 2 (National Geographic)

+ American Psycho

+ Buffalo ‘66

+ Pitch Perfect

+ Pitch Perfect 2

+ Pitch Perfect 3

+ The Huntsman & The Ice Queen

+ Snow White & The Huntsman

+ Twister

+ 2012 – Das Ende der Welt

+ The Equalizer

+ The Equalizer 2

+ Godzilla

+ Hitch – Der Date Doktor

+ Men in Black

+ Men in Black 2

+ Men in Black 3

+ Venom: Let There Be Carnage

4. März

+ Marvels „Triff Spidey und seine Super-Freunde“ (Shorts) – Staffel 4 (Marvel)

8. März

+ National Geographic’s „Ghost Elephants – Die Geister im Hochland Angolas“

11. März

+ Solar Opposites – Staffel 6 (Hulu)

12. März

+. „The Secret Lives of Mormon Wives“ – Staffel 4

16. März

+. Academy Awards® 2026 (98th Annual)

18. März

+ 9-1-1: Notruf L.A. – Staffel 9 (Batch 1)

+ Armorsaurs – Staffel 1 (Hulu)

+ Magda macht das schon! – Staffel 1-4

+ Sankt Maik – Staffel 1-3

+ Bettys Diagnose – Staffel 11

+ Blutige Anfänger – Staffel 6

+ Die Rosenheim-Cops – Staffel 24

+ Dr. Nice – Staffel 3

+ The Fall – Staffel 1-3

+ Hameln – Staffel 1

+ Love Sucks – Staffel 1

+ A Good Girl’s Guide to Murder – Staffel 1

+ Maria Brand und das tote Au-Pair

20. März

+ National Geographics „Titanic: Die digitale Wiedergeburt“ (National Geographic)

23. März

+ Lucky Luke – Staffel 1 (Disney)

24. März

+ MagiCampers – Staffel 1 (Batch 1) (Disney)

25. März

+. „Scrubs” – Staffel 1

+. Marvel Televisions „Daredevil: Born Again” – Staffel 2

+. Disneys „Die neuen Zauberer vom Waverly Place“ – Staffel 2

+ National Geographics „Bombenanschlag in Oklahoma City: Ein Tag in Amerika“ (National Geographic)

+ In aller Freundschaft – Staffel 14-18

+ Tierärztin Dr. Mertens – Staffel 1-6

+ Weissensee – Staffel 1-4

27. März

+ Mike & Nick & Nick & Alice (Hulu)

31. März

+ Dienstag bedeutet Mord – Staffel 1 (Hulu)

+ Bad Boys – Harte Jungs

+ Bad Boys II

+ Schlaflos in Seattle

Bilder: Disney

Jedes Jahr frage ich mich: Warum tue ich mir das an? Und damit meine ich nicht den Eurovision Song Contest selbst, sondern das Vorereignis – das sogenannte deutsche Finale, also die Auswahl für den deutschen Beitrag.

Dabei hat sich in den letzten zwei Jahren durchaus etwas getan. Während der Vorentscheid früher gerne unter der Woche und nicht unbedingt zur Prime Time weggesendet wurde, kehrte er im letzten Jahr dank der RTL-Kollaboration zurück auf die große Bühne. Und das war insgesamt durchaus eine schöne Veranstaltung. Es gab zwar viele spitze Kommentare, aber die Teilnehmenden konnten singen, haben ihre Texte nicht vergessen (ja, das ist tatsächlich schon einmal passiert – 2022 Emily Roberts) und man hatte zumindest das Gefühl, zwischen Qualität wählen zu können.

Nun ist der Vorentscheid zurück in der ARD. Der große Samstagabend-Slot um 20:15 Uhr wurde beibehalten. Aber – und das ist ein großes Aber – das Teilnehmerniveau ist wieder auf das dunkle Level früherer ARD-Vorentscheide zurückgefallen.

Dem angepasst haben sich auch Hazel Brugger und Barbara Schöneberger. Auf gewohnt hohem Moderationsniveau lieferten sie ihren üblichen Standard ab. Vielleicht habe ich mich inzwischen daran gewöhnt, aber man hat diese Art von Humor einfach schon zu oft gesehen. Flache Bahn-Jokes inklusive.

Die Teilnehmer

1. BELA – „Herz“
2. Dreamboys The Band – „Jeanie“
3. MYLE – „A OK“
4. RAGAZZKI – „Ciao Ragazzki“
5. Laura Nahr – „Wonderland“
6. Malou Lovis – „When I’m With You“
7. wavvyboi – „Black Glitter“
8. Sarah Engels – „Fire“
9. Molly Sue – „Optimist (Ha Ha Ha)“

Einschätzung im Schnelldurchgang

BELA – „Herz“

Vor lauter Kuscheln war vom Text kaum etwas zu verstehen.

Dreamboys The Band – „Jeanie“

Wirkte wie der letzte Platz einer Schulband-AG: keine Bühnenpräsenz, schwache Stimmen.

MYLE – „A OK“

Hier konnte man sich ernsthaft fragen, ob jemand versehentlich im falschen Studio gelandet ist – beim Schiefsing-Wettbewerb vielleicht.

RAGAZZKI – „Ciao Ragazzki“

Einfach, aber unterhaltsam. Der typische Spaß-Track. Bis dahin tatsächlich noch das Beste des Abends.

Laura Nahr – „Wonderland“

Hängen geblieben ist vor allem der DDR-Gedächtnisanzug. Musikalisch leider kaum etwas.

Malou Lovis – „When I’m With You“

Sie konnte singen – immerhin. Aber der Song eignet sich bestenfalls als Hintergrundmusik in einer H&M-Umkleidekabine.

Die Finalisten im Zuschauervoting

Die letzten drei Songs qualifizierten sich für das Zuschauervoting. Zuvor hatte eine internationale Jury ausgesiebt. Wo diese Jury allerdings vor der Sendung war, bleibt fraglich – dann hätte man sich einige Ohrenschmerzen sparen können.

wavvyboi – „Black Glitter“

Bei dieser Entscheidung war ich voll dabei. Retro-Glitter-Rock, der die Bühne endlich ausfüllte. Vielleicht etwas zu komplex für einen Sieg, aber wenigstens ein Song, für den man sich nicht verstecken muss. Nebenbei: Der Mann könnte problemlos Werbung für 3 Wetter Taft machen – passt also perfekt zum ESC.

Molly Sue – „Optimist (Ha Ha Ha)“

ESC-Standardkost. Austauschbar. Nicht schlecht, aber leider meines Erachtens belanglos.

Sarah Engels – „Fire“

Sie füllte die Bühne – und man mag über sie denken, was man will, aber sie versteht ihr Handwerk. Der Song bringt starke „Waka Waka“-Vibes aus dem Jahr 2010 zurück. Meiner Meinung nach wirkt das allerdings etwas aus der Zeit gefallen.

Und dann …

Am Ende gewinnt Sarah Engels.

What?

Das ist ein ehrliches „What?“, denn ich schreibe diesen Text parallel zur Show und kann es kaum glauben. Wenn überhaupt, hätte wavvyboi gewinnen müssen. So sind die Null Punkte gefühlt schon vorprogrammiert.
Sarah Engels war die einzige wirklich bekannte Künstlerin im Feld – und das hat offenbar gereicht. Schade.

Fazit

Für mich bleibt „Ha Ha Ha“, aus dem Titel des Songs von Molly Sue, das passende Label für diesen Wettbewerb. Die ARD probiert es nicht wirklich. Stattdessen wirkt der Wettbewerb wie eine weitgehend aus Schülerbands zusammengewürfelte Veranstaltung. Dabei müsste man doch wissen, dass diese Qualität international nicht ausreicht.

Ha Ha Ha. Wir tun nur so, als würden wir eine Gewinnerin suchen.

Bilder: SWR/EBU

KI-Material zur Illustration eines News-Beitrages

Der Fall ist schnell erzählt – und gerade das macht ihn so brisant: In der „heute journal“-Ausgabe vom 15. Februar zeigte das ZDF in einem Beitrag zu Abschiebungen von Minderjährigen durch die US-Einwanderungsbehörde ICE KI-generierte Bilder, ohne diese als solche kenntlich zu machen oder journalistisch einzuordnen. Zu sehen waren unter anderem Szenen, in denen Kinder von Einsatzkräften abgeführt werden – stark emotionale Bilder, die für das Publikum wie authentisches Nachrichtenmaterial wirken mussten. Hinzu kam, dass eine weitere Sequenz zwar real, aber älter und aus einem anderen Kontext stammte – also ebenfalls nicht das zeigte, was der Beitrag im Moment der Ausstrahlung nahelegte.

Das ZDF räumte den Fehler ein und erklärte, die Kennzeichnung der KI-Bilder sei „bei der Überspielung des Beitrags aus technischen Gründen nicht übertragen worden“. Gleichzeitig betonte der Sender, in den eigenen KI-Grundsätzen sei festgelegt, dass KI-generiertes Bildmaterial „immer transparent gekennzeichnet“ werden müsse. Genau diese Diskrepanz – ein klarer Grundsatz auf dem Papier, eine eklatante Verletzung in der Praxis. Zumal das ZDF zusammen mit ARD, Deutschlandradio und Deutsche Welle erst kurz vorher noch einen gemeinsamen KI-Kodex verabschiedet haben (hier geht’s zum vollständigen Kodex).

Wir haben ja erst kürzlich hier im Blog darauf verwiesen, wie nah KI-generiertes Material rein optisch inzwischen an der Realität oder realistisch gedrehten Szenen sein kann – und auch von der Problematik berichtet, wie sich der Einfluss von KI auch auf den Audio-Bereich, insbesondere bei Moderation und Synchronisation, auswirken kann. Der ZDF-Fail macht das ganze Thema nochmal plakativer.

Entschuldigung des ZDF wegen KI-Nutzung

Die Reaktion des ZDF folgte in mehreren Etappen: Zunächst wurde der Beitrag in der Mediathek ausgetauscht, die KI-Bilder entfernt und durch andere Videosequenzen und Standbilder ersetzt. Über den betreffenden Passagen liegt nun ein Balken mit dem Hinweis „Video aus redaktionellen Gründen nachträglich geändert“ – ein sichtbares Zeichen dafür, dass hier etwas grundlegend schief gelaufen ist. Parallel erklärte der Sender, die Redaktion habe den Fehler korrigiert und arbeite den Vorfall auf. Anne Gellinek, stellvertretende Chefredakteurin und Leiterin der Aktualität, erklärte: „Wir entschuldigen uns in aller Form für diese Fehler. Der Beitrag entspricht nicht unseren Standards und hätte in dieser Form nicht gesendet werden dürfen. Wir haben ihn deshalb von allen Plattformen entfernt und werden auf ZDFheute sowie an gleicher Stelle im ‚heute journal‘ heute Abend korrigierend berichten.“

ZDF-Chefredakteurin Bettina Schausten und ZDF-Nachrichtenchefin Anne Gellinek moderieren Sendungen wie die „Was nun?“-Reihe. Die Frage muss sich das ZDF jetzt einmal selbst stellen.

In weiteren Stellungnahmen kündigte das ZDF einen Maßnahmenkatalog an, „um Abläufe bei der Verifikation von Bewegtbildmaterial noch strenger zu regeln“. Dazu gehören verpflichtende Schulungen für Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter, mit denen die „hohen journalistischen Standards des ZDF“ gesichert werden sollen. Öffentlich stellte der Sender klar, dass der „Einsatz KI-generierter Bilder und Videos von Menschen, Ereignissen und politischen Zusammenhängen“ im Genre Nachrichten und Information grundsätzlich nicht erlaubt sei – außer dann, wenn KI-Fakes selbst Thema des Beitrags sind und für das Publikum „klar erkennbar“ eingeordnet werden. Zudem wurde die verantwortliche Mitarbeiterin abberufen, was zwar die Ernsthaftigkeit der internen Konsequenzen unterstreicht – ZDF-Chefredakteurin Bettina Schausten spricht davon, dass das ZDF nach der KI-Affäre beschädigt sei – , aber auch durchaus kontrovers diskutiert wird, mit allen Folgen auch auf das Arbeitsklima für die Redaktion.

Damit ist der Fall formal sauber bearbeitet: Fehler eingeräumt, Beitrag korrigiert, Verantwortliche abgezogen, Maßnahmenpaket angekündigt. Und doch bleibt die eigentliche Frage offen: Wie konnte es überhaupt so weit kommen – in einem Umfeld, das zu Recht für sich beansprucht, höchste Sorgfalt und Transparenz walten zu lassen? Hier geht es nicht um einen beliebigen Social-Media-Clip, sondern um eine der zentralen Nachrichtensendungen des öffentlich-rechtlichen Rundfunks.

KI-generierte Inhalte müssen gekennzeichnet sein, gerade wenn sie täuschend echt aussehen

Ich halte genau an diesem Punkt zwei Dinge für unverhandelbar: Erstens müssen KI-generierte Inhalte immer erkennbar gekennzeichnet werden, wenn eine Verfälschung vorliegt – dann ohne Ausnahmen, ohne Ausreden, ohne technische Fußangeln. Zweitens ist die Schwelle für den Einsatz von KI-Bildmaterial in Nachrichtenbeiträgen deutlich höher anzusetzen als in anderen Genres. Wer Fakten berichtet, darf keine Fiktion bebildern, ohne das glasklar zu machen. Je näher sich KI-Bilder an dokumentarischem Material anlehnen, desto größer ist das Risiko, dass Zuschauerinnen und Zuschauer manipuliert werden – auch dann, wenn die inhaltliche Aussage des Beitrags für sich genommen korrekt sein mag.

Meiner Ansicht nach sollte Kennzeichnung dort erfolgen, wo eine semantische Verfälschung vorliegt – also wenn eine falsche Realität suggeriert wird. Wenn ich ein klar erkennbares Comicbild mit KI erstelle, liegt keine Irreführung vor. Wenn aber ein manipuliertes Bild als echte Fotografie verkauft wird, dann schon. Warum diese Differenzierung? Über-Kennzeichnung birgt die Gefahr eines Gewöhnungseffekts – wie bei Cookie-Bannern.

Wenn ich Redaktionen, Unternehmen und öffentliche Einrichtungen bei der Einführung generativer Systeme begleite, tauchen auch immer wieder genau diese Fragen auf: Wie kennzeichnen wir KI-Inhalte? Welche Transparenz erwarten unterschiedliche Zielgruppen? Wie verhindern wir, dass Deepfakes und synthetische Bilder unbemerkt in seriöse Kommunikationskanäle einsickern? Ich erlebe immer wieder das gleiche Muster: Sobald der Produktionsdruck steigt, werden Kennzeichnungen als lästig, störend oder gestalterisch „unschön“ wahrgenommen – und damit schnell zur Variablen, an der man zuerst spart. Genau das darf im Journalismus, und schon gar nicht im öffentlich-rechtlichen Nachrichtenbetrieb, nicht passieren.

EU AI Act sagt, DASS man kennzeichnen muss – aber nicht WIE

Der EU AI Act setzt an dieser Stelle formal den richtigen Rahmen: Er verpflichtet dazu, KI-generierte Inhalte zu kennzeichnen und schafft damit eine Transparenzpflicht, die ab August 2026 in Europa verbindlich gilt. Artikel 50 unterscheidet dabei unter anderem zwischen audiovisuellen Inhalten wie Deepfakes und automatisch generierten Texten und verlangt, dass KI-Medien sowohl maschinenlesbar als auch für Menschen erkennbar markiert werden. Betroffen sind nicht nur die Anbieter der Systeme, sondern auch die Betreiber – also zum Beispiel Medienhäuser, die generative KI im redaktionellen Alltag einsetzen.

Doch genau hier liegt aus meiner Sicht der blinde Fleck der aktuellen Regulierung: Der EU AI Act sagt, dass gekennzeichnet werden muss – aber nicht, wie. Er schreibt Transparenz vor, definiert aber nicht konkret, ob ein winziger Hinweis im Kleingedruckten reicht oder eine klare, visuelle und sprachliche Kennzeichnung direkt am Bild oder im Beitrag erforderlich ist. Für Nachrichtensendungen, Live-Berichterstattung und Beiträge öffentlicher Stellen ist das ein Problem, weil Unklarheit bei der Ausgestaltung am Ende fast immer zulasten der Zuschauerinnen und Zuschauer geht. Formales „Compliance-Häkchen gesetzt“ ersetzt keine echte Verständlichkeit im Sinne des Publikums.

Positiv ist, dass die EU an genau dieser Stelle nachschärfen will: Derzeit arbeitet die Kommission an umsetzenden Richtlinien und ergänzenden Regelungen. Der Code of Practice soll konkretisieren, wie KI-generierte Inhalte kenntlich zu machen sind – insbesondere im Bereich audiovisuelle Medien und Plattformen. Hier geht es um Fragen wie Mindestgröße, Platzierung und Verständlichkeit von Hinweisen, aber auch um technische Standards für maschinenlesbare Markierungen. Für Medienhäuser bietet sich gerade jetzt die Chance, nicht auf die kleinste zulässige Lösung zu warten, sondern proaktiv höhere Transparenzstandards zu definieren, die über das rechtlich Gebotene hinausgehen. Adobe geht hier übrigens mit gutem Beispiel voran und hat sich selbst verpflichtet, Transparenz in der Erzeugung von KI-Material durch Adobe-Werkzeuge zu dokumentieren.

Code of Practice des AI Office der EU muss kommen – bald!

Genau hier kommt das AI Office der EU ins Spiel: Es arbeitet derzeit an einem Code of Practice, der festlegen soll, wie KI-generierte Inhalte konkret zu kennzeichnen sind – und zwar so, dass Transparenz nicht nur juristisch, sondern auch praktisch und für uns Nutzer:innen und Konsument:innen verständlich wird. In diesem Code geht es unter anderem um Mindestanforderungen an Sichtbarkeit und Platzierung von Hinweisen, um klare, standardisierte Formulierungen („Mit Hilfe von KI erzeugt“ statt technokratischer Fachbegriffe), um wiedererkennbare Icons oder Labels für KI-Medien und um technische Standards für maschinenlesbare Markierungen, etwa über Metadaten. Hinzu kommen Vorgaben, wie Plattformen und Medienhäuser diese Kennzeichnungen konsistent in ihre Player, Mediatheken und Social-Media-Formate integrieren sollen.

Der ZDF-Fall zeigt in erschreckender Klarheit, was auf dem Spiel steht, wenn man das Thema Kennzeichnung als reine Formalie behandelt: Vertrauen ist in Sekunden verspielt, aber nur in Jahren wieder aufzubauen. Wer in Nachrichten mit KI-Bildern arbeitet, bewegt sich auf einem schmalen Grat – selbst dann, wenn die Bilder „nur“ stellvertretend für ein reales Geschehen stehen sollen. Für das Publikum ist nicht entscheidend, ob die Pixel technisch korrekt eingeordnet wurden, sondern ob es den Eindruck hatte, tatsächliche Dokumentation zu sehen.

Vier klare Schritte bei der KI-Nutzung erforderlich

Als jemand, der regelmäßig mit Redaktionen arbeitet, würde ich mir vier klare Schritte wünschen: Erstens eine strengere Selbstbindung, die den Einsatz von KI-Bildern in Nachrichten tatsächlich auf Ausnahmefälle begrenzt, in denen KI selbst Gegenstand der Berichterstattung ist. Zweitens ein sichtbares, einheitliches Kennzeichnungssystem – on air, in der Mediathek und in Social-Media-Clips – das für Zuschauer:innen und Nutzer:innen auf den ersten Blick verständlich ist. Drittens eine offene Fehlerkultur, die nicht nur erklärt, was schiefgelaufen ist, sondern transparent macht, welche konkreten Änderungen im Arbeitsalltag erfolgen. Und viertens eine breit angelegte Aufklärungs- und Trainingsarbeit zu KI-Medienkompetenz: in Schulen, in der Erwachsenenbildung, bei kommunalen Weiterbildungsträgern, in Behörden – und ja, auch in den öffentlich-rechtlichen Häusern selbst. Wenn wir wollen, dass Bürger:innen und Konsument:innen KI-Bilder richtig einordnen, müssen wir sie systematisch dazu befähigen.

Der Vorfall im „heute journal“ ist kein Ausrutscher einer einzelnen Redaktion, sondern ein Symptom eines größeren Problems: Wir unterschätzen die Wucht, mit der generative KI unsere Bilderwelt verändert, und wir überschätzen die Robustheit etablierter redaktioneller Routinen. Wenn öffentlich-rechtliche Nachrichten beginnen, mit synthetischen Bildern zu arbeiten, ohne dies klar auszuweisen, verschwimmt die Grenze zwischen Dokumentation und Inszenierung – und genau diese Grenze ist das Fundament, auf dem journalistische Glaubwürdigkeit steht.

Umso wichtiger ist es, gerade jetzt präzise zu sein: KI-Bilder sind mächtige Werkzeuge, aber in der Berichterstattung über reale Ereignisse sind sie ohne eindeutige Kennzeichnung fehl am Platz. Der EU AI Act liefert den Rahmen, doch die Verantwortung, daraus verständliche, verlässliche und für das Publikum nachvollziehbare Standards zu machen, liegt bei den Redaktionen, Intendanturen und Medienhäusern selbst. Der ZDF-Fall sollte deshalb nicht als technischer Fehler abgehakt werden, sondern als Weckruf: Wer heute mit KI experimentiert, experimentiert immer auch mit Vertrauen – und genau damit sollte man äußerst sparsam umgehen.

Bilder: ZDF