Un M6 noir, une sangle discrète et un clone chinois à 300 balles. Le kit parfait pour briller en terrasse sans avoir à expliquer à son banquier pourquoi on ne mange plus que des pâtes.

Le fétichisme de la copie

Disons le clairement, visuellement, c’est un hold-up. On retrouve l’ultra compacité, la languette de mise au point iconique et cette ergonomie qui fait du 35mm le prolongement naturel de l’œil. En main, la sensation semble bluffante. On n’est pas devant un gadget en plastique, mais face à un bel objet mécanique. Reste cette question. Peut-on vraiment cloner l’âme d’un caillou mythique avec un budget de King of Bokeh du pauvre ? Comme disait feu Desproges, le doute m’habite.

La sauce Mandler à prix Lidl

Sur le terrain, d’après les tests que j’ai pu en voir, la surprise est de taille. À pleine ouverture, l’objectif ne cherche pas vraiment à être chirurgical et c’est tant mieux. On retrouve le contraste doux et la transition vers le flou qui ont fait la gloire de l’original. Au centre, le Mandler 35mm f/2 a suffisamment de mordant pour justifier l’usage d’un capteur haute résolution.

Pour ce qui est du bokeh, il est bien là où on l’attendait. Il est nerveux, organique, un peu daté, mais efficace pour isoler un sujet avec cette fameuse esthétique « glowy » qui fit la gloire de son original. Évidemment, il ne faut pas trop regarder dans les coins parce que là, c’est la bérézina ! Histoire de nous rappeler que pour 350€ les miracles ont leurs limites physiques.

Le verdict ? Non merci.

Alors, faut-il craquer ? Si vous cherchez la perfection optique, passez votre chemin et achetez vous plutôt un bon Voigtländer Ultron 35mm f/2 ou un Zeiss Biogon 35mm f/2. De vous à moi, je trouve que cette optique est un peu une insulte à la mémoire de Walter Mandler, dont elle usurpe par ailleurs le nom sans vergogne.

Mais si vous acceptez ce rendu imparfait, typé, daté, sans pour autant manger des pâtes pendant six mois, ce clone peut apparaître comme une option redoutable. Il faudra pourtant vous armer de patience. Au moment où j’écris ces lignes, le Mandler 35mm f/2 est en rupture sur le site du fabricant chinois. Prochain lot disponible le 11 avril à 14h00. Be ready.

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Sur Youtube voyez ce comparatif Mandler 35mm f/2 VS Leica Summicron v4

Voir le site Mandler

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Pourtant, étrangement, une question divise souvent les photographes : faut-il protéger sa lentille frontale avec un filtre UV ? Si la réponse est oui, elle s’accompagne d’une condition non négociable : la qualité doit être au rendez-vous. Si je vous en parle aujourd’hui, c’est que j’ai été moi-même récemment confronté à cette problématique. Quel filtre choisir pour mon Voigtländer Ultron 35mm f/2 qui est monté sur mon Leica M6 ?

Filtre UV. On ne lésine pas sur la qualité.

Le maillon faible de la chaîne optique

L’équation est simple et tient en une phrase. C’est par l’optique que passe la lumière. En clair, votre image est le résultat du passage de la lumière à travers une série de lentilles de haute précision. En ajoutant un filtre, vous ajoutez deux surfaces air-verre supplémentaires à ce système complexe. Si ce verre est médiocre, il devient instantanément le facteur limitant de votre équipement.

Utiliser un filtre de piètre qualité sur une optique de qualité (quelque soit la marque), c’est accepter de dégrader volontairement tout ce qui fait la pertinence de cette optique. Un verre bas de gamme induit plusieurs défauts majeurs :
D’abord, la chute du piqué. Un verre non planaire ou mal poli diffuse la lumière de manière erratique, ramollissant les détails les plus fins. Ensuite la présence de flare et de reflets parasites. Sans un traitement multicouche performant, la lumière rebondit entre le filtre et la lentille frontale, créant des images fantômes désastreuses. Enfin et pas des moindres, la dérive chromatique. Un filtre « neutre » bon marché ne l’est jamais vraiment, altérant souvent subtilement la balance des blancs.

L’excellence du B+W Master 010 MRC Nano

Pour préserver l’intégrité de mon optique Voigtländer, j’ai opté pour le filtre UV B+W Master 010 UV Haze MRC Nano. C’est pas du luxe, juste une cohérence technique. Ici, on parle d’un verre optique de haute qualité monté dans une bague en laiton, minimisant les risques de blocage mécanique. Le traitement MRC Nano (pour Multi Resistant Coating) est tout sauf un argument marketing. C’est une barrière technologique qui assure une transmission lumineuse quasi totale tout en offrant des propriétés hydrophobes. La poussière et l’humidité n’adhèrent pas, facilitant le nettoyage sans risquer de micro-rayures sur le précieux revêtement de l’optique.

Conclusion : Protéger sans trahir !

La protection physique de la lentille contre les chocs, les projections, le sel marin, les poussières est une réalité du terrain. Mais cette protection ne doit jamais se faire au détriment de la performance. Choisir un filtre UV de haut vol, c’est s’offrir la sérénité d’un pare-chocs invisible. C’est aussi et surtout respecter l’investissement consenti dans une optique de caractère. En photographie, le respect du matériel commence par le respect de la lumière. Ne la laissez pas s’abîmer sur un bout de verre médiocre.

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Le filtre UV B+W Master 010 UV Haze MRC Nano coûte environ 45€ sur Amazon.

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Capture One. Le rendez-vous manqué.

Conversion des négatifs, la douche froide

On nous l’avait promis, on nous l’avait survendu cet outil de conversion des négatifs. Pour ceux qui, comme moi, continuent de chérir le grain de l’argentique tout en exigeant la précision du flux numérique, c’était plus qu’une promesse, c’était le Graal. On imaginait déjà pouvoir remiser nos vieux plugins ou les méthodes artisanales de l’inversion de courbe.

Sur le papier, l’idée était séduisante. En pratique, c’est un peu une douche froide. On nous avait présenté l’option de conversion des négatifs, en particulier des négatifs couleur, comme l’outil miracle. Un clic sur une icône et le tour était joué. La réalité est nettement plus complexe.

Le calvaire de la couleur reste un calvaire

Si sur du noir et blanc, on s’en sort avec un peu de jugeote, la conversion couleur relève du parcours du combattant. Et de ce point de vue, cette nouvelle option de Capture One ne fait pas de miracles. Une fois le masque orange supprimé, il faut entrer dans un dédale de réglages. Trouver un point gris dans l’image, l’isoler, pour sélectionner la balance des blancs correcte. Pendant la démo, l’image a été soigneusement choisie. Une façade d’immeubles, dont l’un est peint en gris. Encore faut-il trouver une zone de gris sur son image, pour taper la balance des blancs qui équilibre les couleurs.

Il faut jouer avec des curseurs, optimiser les niveaux, tâtonner, sélectionner une option ici, cocher une boîte là… Le flux de travail manque cruellement de fluidité. On multiplie les clics, là où l’intelligence logicielle devait nous simplifier la vie. Finalement, j’ai la désagréable impression que je vais passer passe plus de temps à lutter contre l’outil qu’à peaufiner mes images. Pour un logiciel qui se targue, à juste titre, d’être l’étalon-or des dérawtiseurs, c’est difficilement acceptable.

C’est quand qu’on va où* ?

Au-delà de l’aspect technique, c’est la direction prise par l’éditeur qui interroge. À force de vouloir courir après des fonctionnalités « gadgets » pour séduire un public plus large, Capture One risque de perdre son ADN : la rigueur et la qualité de traitement irréprochable. On ne demande pas la lune. On demande des outils qui fonctionnent, qui respectent notre temps et notre vision photographique. Aujourd’hui, le compte n’y est pas. La déception est là et le rêve de l’outil magique s’estompe. Il va falloir faire mieux, beaucoup mieux, pour me redonner le sourire. En attendant, je retourne à mes anciennes méthodes. C’est plus long, c’est plus artisanal, mais au moins, c’est juste.

Et la mise à jour Capture One, on en parle ?

J’ai acheté une licence perpétuelle en 2024, au prix fort (369€). Je pensais, naïvement j’en conviens, que j’aurais la possibilité de faire la mise à jour de ma licence ? Que nenni et c’est écrit sur le site Capture One : « La licence perpétuelle est valable pour la version en vigueur au moment de son activation. Elle n’inclut pas les mises à jour ultérieures ». Tout au plus Capture One me propose une remise de 20% sur l’achat d’une nouvelle licence perpétuelle, au prix fort. En clair, si je garde ma licence pendant deux ans et que je la renouvelle pour deux ans, la facture totale s’élève à 664€. On l’a compris, Capture One n’a pas d’intérêt à nous vendre des licences perpétuelles. On veut nous vendre des abonnements mensuels à trente balles (19,33€ par mois si vous payez une année d’avance), marchant ainsi dans les pas d’Adobe Lightroom.

Alors ? Suis-je donc condamné à mettre à jour ma licence perpétuelle qui n’a de perpétuelle que le nom ? Oui, d’autant que si je ne le fais pas avant la fin de la période des 24 mois, je ne pourrai plus le faire du tout. C’est le genre de diagonale du fou que je déteste. C’est aussi le prix de la fidélité à un logiciel que j’utilise et que je recommande depuis des lustres.

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*une pensée pour Renaud Séchan, à qui j’ai emprunté le titre d’une de ses chansons.

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Conversion des négatifs et Capture One Pro

Le calvaire du négatif en numérique

On ne va pas se raconter d’histoire, numériser ses films avec un boîtier hybride a toujours été une source de frustration logicielle, quand on bosse comme moi avec Capture One Pro. Jusqu’ici, inverser un négatif couleur relevait de l’alchimie. Il fallait jouer avec les niveaux, inverser les courbes, se battre contre ce satané masque orange qui pollue les ombres… Pour finir, bien souvent, par exporter un TIFF et le retravailler dans Photoshop ou céder aux sirènes de plugins tiers. J’en suis même arrivé à me demander si je n’allais pas acheter Negative Lab Pro et prendre une licence Lightroom, c’est vous dire mon niveau de désespoir.

Pour un logiciel qui se targue d’offrir la meilleure gestion des couleurs du marché – et je confirme, pour être un utilisateur assidu de C1Pro depuis des lustres – c’était une lacune criante. Une verrue sur un workflow par ailleurs exemplaire. Mais les choses devraient changer, c’est du moins la promesse.

L’outil dont j’ai rêvé, sans jamais oser le demander.

Ce que Capture One nous promet avec cette mise à jour, ce n’est pas un simple filtre inversion, mais une intégration profonde. Imaginez deux secondes le schéma. J’importe mes fichiers RAW issus de ma numérisation avec Z9. D’un clic, le logiciel identifie le type de film, neutralise la base orange et me rend une image positive avec des curseurs d’exposition qui fonctionnent… à l’endroit !

C’est là que réside la magie. En mode manuel, augmenter l’exposition sur un négatif inversé via les courbes assombrit l’image. Un non-sens ergonomique qui brise la créativité. Ici, l’outil réinterprète la donnée RAW pour que le curseur de luminosité agisse naturellement sur le positif. On retrouve la fluidité de traitement que l’on a sur nos fichiers natifs.

Un bond de géant pour l’hybride.

J’en ai souvent parlé ici : la numérisation par boîtier numérique est devenue la norme pour ceux qui exigent à la fois de la résolution ET de la rapidité. Avec un capteur comme celui du Z9 (45mp), le potentiel de détail dans un négatif 24×36 est phénoménal. Seul bémol, le logiciel doit suivre.

En intégrant cette fonctionnalité nativement, Capture One ne se contente pas de rattraper son retard sur Lightroom. Il offre aux puristes de la couleur une plateforme unique. On connaît la science des couleurs de Phase One : si le rendu des tons chair sur un négatif Kodak Portra est aussi fidèle que ce qu’ils proposent sur leurs profils boîtiers, nous allons atteindre un niveau de réalisme inédit.

Le grain et le pixel. Vers la réconciliation ?

Les sachants, toujours les mêmes suivez mon regard, vous diront que l’argentique doit rester au labo (bla bla bla). Je pense au contraire que la technologie doit servir l’intention. Pouvoir traiter ses scans de Kentmere ou de Kodak Portra avec la même puissance de calcul, le même moteur de dématriçage et la même précision d’accentuation que nos fichiers de reportage numérique, c’est un luxe dont on ne pourra plus se passer.

En conclusion, est-ce parfait ? J’attends de voir, il faudra juger sur pièce, notamment sur la gestion des hautes lumières (les noirs du négatif) et la capacité du logiciel à mémoriser des profils de films personnalisés. Mais une chose est sûre : mon workflow s’apprête à prendre un sacré coup de jeune.

Film is not dead. Il vient juste de trouver son meilleur allié numérique. On attend la version finale avec une impatience non dissimulée. On en reparle très vite, test à l’appui. Nous allons vers les beaux jours.

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Consulter les notes de version de Capture One 16.7.4

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Numériser et sauvegarder ses négatifs.

La fragilité de l’instant physique

On se croit immortel, alors on pense que nos archives le sont aussi. C’est une parfaite illusion. Le film est une matière organique. Il subit les outrages du temps, l’humidité, les moisissures et, parfois, le drame absolu.

J’ai encore en mémoire le tragique incendie de l’atelier Plisson en 2010. Ce jour-là c’est toute une partie du travail de ce photographe qui est partie en fumée. Plus récemment des archives de photographes de presse ont disparu dans les flammes lors d’incendies de studios ou de laboratoires. Quand le feu passe, il ne reste rien. Rien. Pas même une ombre. Un négatif qui brûle – et croyez-moi, un négatif ça brûle vite et bien – c’est une mémoire qui s’efface définitivement de la surface du globe.

La numérisation c’est l’assurance vie.

Numériser, ce n’est pas trahir l’argentique. C’est lui offrir une assurance vie. Aujourd’hui, avec des boîtiers haute définition comme le Nikon Z, le scan au capteur permet de récupérer une dynamique et un piqué que nos vieux agrandisseurs ne pouvaient que rêver d’extraire.

La numérisation permet de figer l’état de la pellicule à un instant T. On nettoie les poussières numériquement, on redonne du contraste à un film voilé, mais surtout, on crée un double numérique capable de voyager, d’être stocké à l’abri de l’outrage du temps.

Le Cloud, la sauvegarde hors site

Avoir ses scans sur un disque dur externe, c’est bien. Disons que c’est un bon début. Mais si votre maison brûle ou si l’on vous cambriole, le disque part avec le reste. C’est là que le cloud entre en scène.

Certains puristes (toujours les mêmes, suivez mon regard) froncent le sourcil : « Le cloud, c’est l’ordinateur des autres ». Certes. Mais c’est surtout un coffre-fort dématérialisé, redondant, accessible de partout. Envoyer ses fichiers RAW de numérisation sur une solution cloud sécurisée, c’est s’assurer qu’en cas de catastrophe thermique ou hydrique, votre regard sur le monde survivra.

En conclusion, au boulot !

On est d’accord, le négatif reste l’original, la pièce maîtresse. Mais le fichier numérique stocké sur le cloud est son ange gardien. Ne faites pas l’économie d’une réflexion sur votre archivage. On ne regrette jamais d’avoir sauvegardé, on ne regrette que de ne pas l’avoir fait à temps. Alors, sortez vos vieux classeurs (ou vos boîtes à chaussures), allumez le scanner ou sortez le banc de reproduction. Il est temps de mettre vos souvenirs à l’abri.

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Nikon Z9 II. Le futur monstre aiguise ses griffes.

En attendant Nikon Z9 II.

Le spectre du global shutter.

Le nerf de la guerre, c’est la vitesse. Depuis que Sony a dégainé son A9 III et son obturateur global (Global Shutter), tout le monde attend la réponse du berger à la bergère. Est-ce que Nikon pourrait céder à la tendance pour intégrer un global shutter ? Pas sûr, d’autant que cette technologie n’est pas sans désavantages (elle sacrifie un peu de dynamique). Non, on évoque un capteur hyper-stacked de 45,7 Mpx (voire de 61 Mpx pour les gourmands).

Ce nouveau capteur serait 3,5 fois plus rapide que l’actuel. On évoque une vitesse de synchronisation flash montant au 1/720s. Pour le photographe de terrain, c’est la fin définitive du rolling shutter, même sur les pales d’un hélicoptère en plein virage. Et on rêve que le LED banding ne soit plus qu’un mauvais souvenir ?

ADN RED et révolution vidéo

C’est l’éléphant dans le magasin de porcelaine. Depuis le rachat de RED Digital Cinema par Nikon, on attendait de voir quand le sang de la caméra de cinéma coulerait dans les veines d’un boîtier Z. Le Z9 II devrait être le premier vrai bébé RED. Et naturellement, qui dit ADN RED dit fonctionnalités vidéo de course. Intégration du REDCODE RAW, très haute définition et colorimétrie à la sauce RED.

Autant de fonctionnalités qui intéresseront les vidéastes. Pour les autres, j’entends nous les photographes, on attend surtout un processeur Expeed 8 capable de calculs monstrueux, permettant un autofocus prédictif dopé à l’IA encore plus infaillible. Quand on sait ce que vaut actuellement l’AF d’un Z9, ça laisse rêveur.

Z9 II. Ergonomie et connectivité.

Le Z9 est une brique, solide, lourde, aussi lourde que rassurante. Le deuxième du nom ne devrait pas changer de philosophie mais affiner la partition. On murmure une connectivité 5G native pour envoyer ses fichiers vers les agences en un battement de cil. Mais la vraie pépite, ce serait le Pre-Capture en RAW. Pouvoir déclencher avant d’avoir appuyé, sans sacrifier la qualité du fichier, c’est le Graal pour l’animalier ou le sport.

Mais en attendant, sœur Anne ne voit rien venir !

Soyons clairs : le Z9 actuel reste une machine ultime. Mais Nikon Z9 II s’annonce comme l’aboutissement d’une vision où la barrière entre photo et cinéma explose. L’annonce de développement est murmurée pour le printemps 2026 voire au delà. Les photographes de sport qui espéraient shooter au Z9 II pour les JO italiens tirent un peu la gueule. En regardant bien, on apercevra peut-être des boîtiers Nikon inédits, qui sait ?

D’ici là, je garde mon Z9 bien en main. Car finalement, ce n’est pas le capteur qui fait la photo, c’est l’œil. Mais avoir un tel monstre entre les mains, je ne vais pas vous mentir, ça aide sacrément à ne pas rater l’instant, quand la lumière bretonne décide enfin de percer les nuages.

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Leica Noctilux 35mm. L’inaccessible étoile ?

Leica Noctilux 35mm. Enfin !

Pour ceux qui, comme moi, traînent leurs godasses dans les coins sombres des salles de concert ou sur les pavés de Brest à l’heure bleue, le 35 mm est une focale de prédilection. D’ailleurs c’est un 35mm (Voigtländer) qui équipe mon Leica M6. Proposer un Noctilux à cette focale, c’est offrir la vision de l’œil humain avec un super-pouvoir : celui de voir là où il n’y a plus de lumière.

Alors oui, je vous entends déjà me dire pourquoi craquer 9130 balles pour un f/1.2 alors qu’un excellent Summilux f/1.4 fait déjà le taff ? C’est juste une question de signature. Ici on ne parle pas de piqué chirurgical de labo, on parle de caractère. Avec ses 10 lentilles et son diaphragme à 11 lamelles, ce caillou promet un bokeh d’un velouté qui ferait passer une motte de beurre de baratte de chez Le Gall pour du papier de verre.

Techniquement, ça pèse son poids

Si du côté tarif c’est du brutal, côté fiche technique, c’est du sérieux. On a une distance minimale de mise au point à 50 cm (un vrai luxe en monture M pour aller chercher du détail) et un diamètre de filtre de 49 mm. La bête accuse ses 416 grammes à la pesée. C’est dense, c’est du métal. C’est du Leica. Pas de fioritures, pas d’autofocus (évidemment), juste une bague de map aussi douce que fluide et un diaph bien cranté.

Quand on aime, etc…

Est-ce que c’est raisonnable ? Absolument pas. Est-ce que c’est nécessaire ? Probablement pour 1 % d’entre nous. Mais la photographie, c’est aussi cette part d’irrationnel. Ce 35 mm n’est pas juste un objectif, c’est une promesse : celle de pouvoir isoler un sujet dans une bulle de douceur.

En attendant de pouvoir poser l’œil derrière le viseur, avec cette optique vissée sur un M11, on peut déjà rêver du rendu des lumières urbaines et des contrastes profonds qu’il va générer. Comme disait Alexey Brodovitch : « Si vous voyez quelque chose que vous avez déjà vu, n’appuyez pas sur le déclencheur ». Avec ce Noctilux, il y a de fortes chances qu’on voie des choses qu’on n’avait jamais vues auparavant.

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Envie de rêver un peu ? Allez donc faire un tour sur le site Leica.

Une pensée pour Bashung qui m’a inspiré le titre de cet article.

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Vivian Maier. Autoportrait.

Street Photo. Le syndrôme du petit maître.

Le fantôme de Vivian, le flash de Bruce

Il y a d’abord l’armée des Vivian Maier du dimanche. Ils cultivent le mystère par procuration. Ils shootent au niveau de la poitrine, l’œil baissé sur un écran orientable (faute de Rolleiflex), espérant qu’en capturant un reflet dans une vitrine ou l’ombre d’un passant chapeauté, ils hériteront miraculeusement de la mélancolie tragique de la nourrice de Chicago. On ne photographie plus le réel, on photographie l’idée qu’on se fait d’une icône découverte à titre posthume. Spoiler : sans le talent et le contexte social, c’est juste une photo de rue floue d’un mec en imperméable.

Et puis, on croise les nervis de la Gilden-mania. Vous les connaissez ? Mais si, voyons, ils surgissent du coin d’une rue, le flash à bout de bras, pour agresser la rétine d’une grand-mère qui n’avait rien demandé. Ils sont persuadés de capturer la « vérité brute » de la condition humaine. En réalité, ils ne font que collectionner les grimaces de gens surpris par une lumière violente. Bruce Gilden a une démarche, une rage, une raison d’être. Ses imitateurs, eux, n’ont qu’un réglage manuel et un manque flagrant de politesse élémentaire.

Martin Parr et la saturation du vide

Enfin, n’oublions pas les esthètes du kitsch, les adorateurs du dieu, feu Martin Parr. Pour eux, le monde est un buffet à volonté de couleurs criardes et de détails grotesques. On scrute l’allemand en short, la sandale-chaussette, la glace qui fond sur un bide proéminent, le cadrage serré sur un objet absurde. Mais là où Parr signait une critique sociale acerbe du consumérisme britannique, ses clones ne produisent que du bruit visuel saturé. Faire du « moche-coloré », non, ce n’est pas faire du Parr, c’est juste documenter l’ordinaire avec la subtilité d’un marteau-piqueur.

Sortez du déguisement !

Le problème de cette génération « copier-coller », c’est l’absence totale de point de vue personnel. On ne voit plus l’œil du photographe, on voit sa bibliothèque de références. À force de vouloir être le nouveau Doisneau ou le prochain Alex Webb, on finit par n’être personne. La street photo est devenue un exercice de style, un karaoké visuel où l’on chante les tubes des autres en espérant que le public ne remarque pas que la voix sonne faux.

La rue n’est pas un studio de cinéma pour nostalgiques. Elle est vivante, ici et maintenant. De grâce, arrêtez de chercher l’ombre de Vivian au coin de la rue. Rangez votre flash de cow-boy de pacotille. Regardez le monde avec vos propres yeux, même s’ils sont un peu myopes. C’est sans doute moins prestigieux sur Instagram que de taguer #StreetPhotoLikeGilden, mais au moins, ce sera votre photo.

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Casio M-Edition. À l’heure de Wetzlar.

L’esthétique du point rouge

Dès le premier coup d’œil, on n’est pas perdu. Casio M-Edition reprend les codes immuables du Leica M. Ce n’est pas une simple montre, c’est un hommage mécanique. On y retrouve ce noir mat profond, cette texture vulcanite sur le bracelet qui rappelle le gainage des boîtiers de Wetzlar, et bien sûr cette petite touche de rouge, discrète mais électrique, qui évoque immédiatement la célèbre pastille.

Le cadran, lui, joue la carte de la sobriété radicale. Pas de complications inutiles. On est dans l’épure, dans la lisibilité propre aux viseurs télémétriques. La typographie des chiffres rappelle celle des bagues d’ouverture des objectifs Summicron. C’est précis, c’est sec, c’est efficace.

Le sens de l’instant (décisif).

Porter cette montre, c’est un peu comme avoir un rappel constant au poignet : celui de l’instant décisif. Casio a eu l’intelligence de ne pas tomber dans le gadget technologique. Ici, pas d’écran OLED ou de notifications invasives. Casio M-Edition c’est une montre, point barre. Elle donne l’heure comme un Leica capture la lumière : avec une simplicité qui confine à la perfection. Sur le terrain, elle se fait oublier. Elle est légère, robuste (c’est du Casio, hein ?), elle possède ce côté toolwatch que les puristes affectionnent. Elle ne hurle pas sa richesse, elle murmure son appartenance à une certaine philosophie de l’image.

En conclusion

Alors, est-ce un simple coup marketing ? Peut-être. Mais pour celui qui a déjà ressenti le déclic feutré d’un obturateur M (suivez mon regard, si j’ose dire), cette Casio M-Edition a une saveur particulière. Elle célèbre un mariage de raison entre la robustesse japonaise et l’élégance allemande. C’est un bel objet, sans prétention mais avec une identité forte. Une montre pour ceux qui préfèrent regarder le monde plutôt que leur smartphone. Et rien que pour ça, elle mérite sa place au poignet.

• cet article n’est pas sponsorisé (mais si Casio veut m’offrir une montre je ne dis pas non)

Cette montre Casio est commercialisée au Royaume Uni, elle est pour le moment sold out.

Une dédicace à mes amis Leicaïstes, afficionados du point rouge, au premier rang desquels, évidemment, mon ami Gérald Géronimi photographe.

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Nikon ZR. ADN RED, monture Z.

Nikon ZR, c’est le meilleur des deux mondes. On prend la science des couleurs et la compression R3D Raw qui ont fait la gloire de RED, et on les injecte dans un boîtier qui accepte nativement la monture Z. Pour ceux qui ont investi dans les superbes cailloux de la gamme S-Line, c’est Noël avant l’heure. Plus besoin de bagues d’adaptation capricieuses, la communication est totale, fluide, instantanée.

La fin des compromis ?

Ce qui impressionne immédiatement, c’est l’ergonomie. On oublie les menus labyrinthiques. L’interface est claire, pensée pour ceux qui ont les mains dans le cambouis, sur le terrain. Le flux de travail est optimisé pour la post-production lourde, mais la magie opère déjà à la prise de vue.

Capteur 8K Global Shutter : fini les déformations sur les mouvements rapides, c’est propre, c’est net.

Plage dynamique délirante : on va chercher des détails dans les hautes lumières, là où les autres ne voient que du blanc brûlé.

Compacité : on n’est plus sur un rig de 10 kg. Le ZR se monte sur un gimbal sans avoir besoin de faire de la musculation.

Pourquoi c’est un tournant.

Nikon n’est plus seulement le challenger en vidéo. Avec Nikon ZR, ils s’installent dans le fauteuil du réalisateur. On n’est plus dans l’appareil photo qui fait « aussi » de la vidéo. On est devant une caméra de cinéma qui bénéficie de l’expertise de Nikon en matière d’autofocus hybride. C’est un outil qui s’adresse à ceux qui veulent raconter des histoires avec une esthétique cinéma, sans les contraintes techniques d’une infrastructure lourde. C’est l’outil de la liberté.

Le verdict du terrain

Alors ? Nikon ZR est-il l’arme ultime ? Sur le papier, c’est un sans-faute. Reste à voir comment le marché va digérer cette fusion culturelle. Mais une chose est sûre. En mariant sa précision optique à la puissance de calcul de RED, Nikon vient de redistribuer les cartes de la vidéo pro. Et entre nous, ça fait un bien fou de voir les lignes bouger à ce point.

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