Sobras.com te invita al evento musical mas grande de toda la vida, El Pepsi Fest 2009. Ya era hora de ver muchisimas bandas sonando como los dioses del olimpo en un acondicionado Arena Movistar. Ya era hr de ver a Peter Gabriel, Sonic Youth, Kiss, Molotov, a Mike Patton o al guapolio de Chris Cornell en un mismo escenario.
Estamos regalando una entrada doble para cada dia, solo debes escribir un mail a concurso@sobras.com con tu nombre telefono y rut y estaras participando x un ticket doble.
Apurate que este concurso termina el 24 de Marzo! y no olvides avisarle a tus amiguitos.

Más info de las bandas y teloneros en este lancelot link

Después de la tormenta, vienen las buenas nuevas con nuestro amigo, colega, compañero y dibujante estrella, don Nelson Daniel. Este martes 6 se abre la expo A-Notas, Tintas de Nelson Daniel, trabajos sobre el clásico post it amarillo y dibujos originales por el director de arte de nuestra productora.

Tenemos algunas invitaciones para este lanzamiento, que se realizará en el Salón Tudor . Quienes deseen asistir envien un mail a info@sobras.com, con el asunto “Yo quiero que me pinten la cara” y automáticamente ganan entradas para ver la primera expo pública de don Nelson.

A-Notas, Tintas de Nelson Daniel parte este Martes 6 de enero y se extiende hasta el 3 de febrero. La entrada es liberada y los horarios los pueden revisar en este lancelot link.

Si quieren ver como dibuja D10s, entra en este link y en este otro.

Amigas y amigos: ya pueden ver SANTOS, en los siguientes cines.

TRAILER Y VIDEOS EN ESTE LINK. Y el blog del Director para que le dejen flores… o escupitos….

El triste escenario actual de las grandes películas épicas de ciencia ficción queda reflejado en El Día que la Tierra se Detuvo (The Day The Earth Stood Still), un remake que podría generar bastantes expectativas en torno a su aparente presentación de ‘acabo de mundo’, pero que a la larga es pura facha a pesar de contar con la dirección de un director de buen registro a la hora de darle consistencia a sus historias (Scott Derrickson, El Exorcismo de Emily Rose). Y es que aquí todo aparenta reflejar el sentido y motivaciones norteamericanas pero, a la larga, no es más que un mero adorno inconsistente, con secuencias de destrucción masiva que dejan con gusto a poco, en un mundo al borde del cataclismo.

El problema radica en que este remake trata de articular tanto sus ideas medioambientales-políticas-pacíficas que, de una u otra forma, eso termina costándole al ritmo de las acciones. La aletarga y deja un sabor de inconsistencia tremendo, ya que sus pretensiones que la carcomen traducen lo predecible de su avance. Y eso es más allá de si uno conoce la historia original o no, ya que pese a eso la película con sus auto-zancadillas termina alejándose del potencial esbozado durante su desarrollo inicial.

En ese sentido, cuando un guión cuenta con resoluciones tan facilistas como las presentadas aquí, termina dañando la credibilidad de sus propuestas. Las mismas que, pese a todo, intenta avanzar hacia el mismo tono del original, aunque con notorias diferencias en la historia. Es en la presentación del arribo de un extraterrestre que viene a cambiar el rumbo de la raza humana, que se dirige directo hacia el precipicio, donde se estructuran las mayores fortalezas, porque la solución que presenta es bien clara: o los humanos comienzan a cambiar o, simplemente, desaparecerán siendo exterminados por el bien del planeta.

Los primeros minutos de la película son prometedores, presentándonos el escenario del primer contacto con la fuerza alienígena y las repercusiones de una política violenta y reaccionaria como la estadounidense (representadas en el personaje de Kathy Bates). En medio de eso tenemos a una mujer científica (Jennifer Connelly) y su hijo ilegitimo de raza negra (Jayden Smith) que se involucran directamente con el destino de la raza, ya que representan ‘el otro lado’ de la humanidad. Su misión es cambiar la opinión de Klaatu (un Keanu Reeves casi perfecto para el inexpresivo rol) respecto al futuro que realmente se merece el hombre, presentándole la existencia de la esperanza al borde del abismo.

Todo este escenario queda centrado en las motivaciones de esta lucha constante entre cambio y destrucción, decorado por el ataque furtivo de un robot intergaláctico que ataca comiéndose cada resto de la invasiva tecnología humana. Al mismo tiempo, la relevancia del clima social de la historia – aquella donde Estados Unidos ataca todo lo que se mueve – peca de poca sustancia en sus bases, presentando personajes sin mayor peso: desde militares a asesores muy clichés, con rebuscadas y sobrepensadas excusas.

Es en esa atmósfera, donde la resolución de la película en un cementerio es tan facilista (realmente sepulta cualquier alabanza), que arruina la gran idea del cambio que tratan de presentar. Peor aún, el clímax no es ni entretenido, ni convincente. Todo lo contrario. Pese a que el escenario futuro del planeta que vislumbran en la secuencia final es interesante, ‘El Día que la Tierra se Detuvo’ queda sin ninguna real justificación. Aunque los efectos son muy buenos, y a la vez son muy pocos, todo aquél que espera mega-destrucción debería reconsiderar sus expectativas. Y mientras eso puede jugar en contra, son las propias inconsistencias de la historia las que terminan sepultando este ultimátum que se quedó solo en las intenciones.

Por Paulo Quinteros.

A complete history of my sexual failures, es una de esas películas en que, casi, resulta más interesante que la propia película, la historia que hay detrás. Algo similar a lo que pasa con pelis como Blair Witch Project, o incluso, Super Size me.

ACHOMSF cuenta la historia de Chris Waitt, un artista freak multifacético (músico, cineasta y por lo que se aprecia también dibuja) que consiguió plata para hacer un documental sobre sí mismo, en que decide entrevistar a sus ex novias para saber por qué han fallado sus relaciones. Aunque para conseguirlo tenga que escuchar que era un desastre en el sexo, bancarse los latigazos de una dominatriz sadomasoquista en los testículos para tratar de solucionar su disfunción, y otras vejaciones semejantes.
Es como una mezcla entre Alta Fidelidad y Super Size Me, pero con un protagonista que a ratos parece ser un poco oligofrénico (o insensible, cuesta distinguir). Como Napoleón Dynamite fuera el que está entrevistando.

Y bueno, es en este punto donde falla el afán documentalista de la película y uno en verdad se siente más estúpido que el propio Waitt, porque resulta imposible creerle que eso que uno está viendo sea un documental. Lo que no es necesariamente un defecto, pero en este caso no ayuda mucho a la película, porque la gracia sería que uno empatizara con este pobre despechado, en lugar de estar cuestionándolo…
Por eso, es en otros momentos cuando funciona más como comedia que como documental, porque sus momentos absurdos (como cuando Chris, con una sobredosis de viagra, sale a la calle a buscar a alguna mujer que quiera tener sexo con él), logran sacarte risas ya que uno piensa que la situación es demasiado surrealista y no puede estar pasando de verdad.

Sin embargo, en las relaciones con las ex, en lugar de (o para ser honestos, además de) sacarnos risas, lo que consigue Waitt al portarse como un completo imbécil es que uno entienda que lo hayan dejado y en vez de atraer la atención, la aleja, porque pareciera que todos nos damos cuenta de qué es lo que está haciendo mal, menos él. Entonces, en lugar de intrigarnos la verdadera razón de que lo hayan dejado y el suspenso se consiga por ese lado…toda la intriga se diluye, porque sabemos que finalmete, él no se está tomando tan en serio su propia vida.
De cualquier manera, resulta sumamente entretenida y todos esos prejuicios que tenía se diluyeron cuando –gracias a que sicópatamente me hice amigo de facebook de Waitt- me enteré que muchas cosas que uno tenía por increíbles, sucedieron de verdad. La más importante de todas no la puedo contar para no revelar el final. Lo único que puedo decir es que al final, saca a relucir su sensibilidad, y termina siendo una película bastante bonita y, como leí que alguien dijo, incluso tiene ciertas reminiscencias a Annie Hall. La banda sonora, compuesta también por él, es bastante ad-hoc.

A ratos, el humor se parece a lo que hace Bertrán en el Show del Edo (o Exijo una explicación). Incluso hay una canción que compone Waitt y se la enseña a su terapista sexual, que es de lo más gracioso que tiene la cinta. En fin, es difícil que le cambie profundamente la vida a alguien (además de Waitt), pero a mí, con todos sus defectos, realmente me encantó, y me inspiró muchísimo…no sólo porque te das cuenta que una buena historia se puede contar sin nada de presupuesto (cosa que ya deberíamos saber desde hace un buen tiempo), sino que además, porque sirve como consuelo darse cuenta de que siempre hay tipos más enfermos que uno y que después de todo, como dice un amigo, “a nadie le falta Dios…”

El trailer:

Y un corto anterior del director, que también trata el tema de las rupturas amorosas (después de ver ACHOMSF, queda claro por qué) en:
(buscar en youtube “how to COPE with rejection chris waitt”)

Por Gianfranco Raglianti

Una experiencia totalmente desabrida. Max Payne no es mucho más de lo que uno podría esperar de la típica película basada en videojuegos a las que estamos acostumbrados. Peor aun, la presentación no tiene nada que uno rescate como novedad, considerando que todo es una mera cinta de suspenso barato. Y es que aunque visualmente está bien, pese a que nada sorprende en dicho ámbito, el mayor problema de la película es que su ejecución – en guión, actuaciones y dirección - es sin brillo, desganada, fome, trivial, obvia y trillada.

Aquí la maraña nos presenta a Max Payne (un soso Mark Whalberg), un tipo antisocial que trabaja en un rincón del departamento de policía dedicado a los casos sin resolver. De hecho, su mujer e hijo fueron asesinados tres años atrás y el caso fue archivado sin encontrar culpables. Como ya se imaginarán, durante todo este tiempo Max ha buscado al asesino que se le escapó de las manos. De este modo, todo gira en torno a una droga adictiva que causa alucinaciones y demencia en forma de criaturas aladas. Y claro, el asesinato tiene relación con dicha sustancia ilegal.

¿El resto?, mucha cosa de relleno. Minas que están de adorno (Olga Kurylenko y Mila Kunis realmente son cero aporte), villanos calvos, villanos tránsfugos y 5 minutos de acción en total (Sí, es poco. Poquísimo). Lo peor es que no es una película mala a secas. Es plana. Muy plana. No tiene nada con lo que destacar. Sus escenas de acción son totalmente desperdiciadas, no existe una secuencia con la que uno sienta que el asunto valió la plata de la entrada. La experiencia se transforma en algo tan insípido, que todo pasa sin pena ni gloria.

Y eso es una lástima, considerando el potencial que Max Payne tenía. El videojuego se caracteriza por estar lleno de acción y balas. Aunque uno no espera una joya digna de ser exhibida en el Louvre, la película peca de soberbia al tratar de darle sustento a una trama que, realmente, sólo necesitaba acción a diestra y siniestra. Los misterios son resueltos de la forma más evidente posible o, de hecho, de la más estúpida. Por ejemplo, en una secuencia Payne busca el significado de un tatuaje de un drogo. ¿Quién le da la respuesta?, un tatuador que poco menos tiene una biblioteca y un doctorado sobre mitología nórdica. Un verdadero chiste.

Así, la cinta dirigida por John Moore (Del remake de “La Profecía”) es un remedo de adaptación que se dedica a estirar el chicle con una historia que tiene mucho blabla sin sentido, un desarrollo sin ritmo y un guión que no tiene chispa, en donde las sorpresas solo radican en lo pasmado e inexpresivo del resultado final. Eso si, aclaro que Max Payne no es la peor película basada en un videojuego. Pero ello tampoco dice mucho, considerando que sí es una de las más desabridas. Y ojo, después de los créditos aparece una secuencia que deja la puerta abierta para una secuela. Totalmente innecesario.

TRAILER

Por Paulo Quinteros.

Muchos podrían argumentar que lo que más destaca en Red de Mentiras (Body of Lies) es la factura técnica. Claro, con el consistente Ridley Scott al mando de esta película de espías – considerando su excelsa filmografía - eso no sería de sorprender. Sin embargo, y a pesar que cuenta con una secuencia de acción en medio del desierto que deberían pasarle a cada director para que aprendan como rodar una escena de sublime emoción, el terreno en donde se mueve – uno donde las fachadas, mentiras y juegos mentales están muy presentes – permite que los actores se luzcan de gran forma, a pesar que la historia se estanca por momentos, mermando su ritmo.

A pesar de ello, Scott es un director que logra presentar escenarios que se sientes factibles. En este caso, el desarrollo de la política de la ‘Guerra contra el Terror’ es presentado con un tono que logra recrear una visión que perfectamente podría ser considerada como posible. Lo suyo no radica en la espectacularidad de efectos o una rápida edición que sirva de voladero de luces. No, Scott nos lleva por un sendero en donde los personajes son el foco de una historia atractiva. Y eso lo logra llevando el peligro a escenarios completamente concebibles.

Con un guión de William Monaghan (Los infiltrados), la historia nos traslada hasta el hervidero del Medio Oriente. Ahí, al agente encubierto de la CIA Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) se mueve en los terrenos trazados por la política exterior de Estados Unidos. En ese escenario, Ferris debe lidiar con las maniobras de Ed Hoffman (Russel Crowe), un molesto tipo rechoncho que es su jefe directo y que desde su hogar, con un mero ‘manos libres’, puede llevar a su hijo al colegio al tiempo que ladra una orden. Maquina los hilos de una estrategia basada en una política que intenta ser preventiva, pero que peca de reaccionaria.

Sin embargo, cuando Ferris se involucra en un caso para desbaratar a una célula terrorista comandada por una verdadera mente maestra islámica, debe lidiar tanto con una operación en terreno que trabaja entre las sombras, como con la politiquería que choca con el servicio secreto de Jordania comandado por Hani Salaam (Mark Strong). Ahí es cuando los escenarios comienzan a chocar. El mundo de oficina y resguardo de Hoffman v/s el día a día del trabajo sucio de Ferris. El accionar norteamericano basado en la tecnología v/s el boca a boca y la información informal utilizada por el servicio secreto jordano y la labor de terroristas. El Quid pro quo vs el imperialismo gringo.

Red de Mentiras logra escudriñar su visión sobre el día a día de los espías, aquél alejado de cualquier tipo de falsa elegancia. Uno turbio, sucio y agraz, en donde la confianza es un valor que continuamente es puesto en la balanza. Un terreno el que sólo se pueden realizar sucias maniobras para conseguir la información. En ese punto, la presencia de un Leonardo DiCaprio muy sólido es el principal motor de la película. Con cinco interpretaciones al hilo a tener en cuenta (Pandillas de Nueva York, Atrápame si Puedes, El Aviador, Los Infiltrados y Diamantes de Sangre), Leo – alguna vez un detestable foco de atención femenino – se ha transformado en uno de los mejores actores hollywoodenses. Lejos.

Asimismo, las interpretaciones de Crowe y, sobre todo, Strong, logran destacar como soporte de una trama que expone a la guerra más en términos de diálogos, estrategias y concesiones, que en balazos. Claro, también por meterse tanto en el día a día, la película termina alargando su cuento.

Pese a ello, Red de Mentiras lleva las cosas por senderos atractivos (como la secuencia de un ataque terrorista en una feria), a pesar de no traer temáticas nuevas al género. Aunque estructurar una visión clara sobre el modo de hacer estadounidense, y lo mal que la dejan, más queda de la forma en que un ser humano debe lidiar en ese mundillo. En definitiva, las actuaciones y el siempre consistente trabajo de Ridley Scott son razones suficientes para destacar y transformarse en la mejor alternativa dentro de la alicaída cartelera actual. No se mientan y elijan a este espía, en vez del que estrenó hace un par de semanas.

TRAILER:

El próximo 20 de Noviembre se estrena en Chile, la premiada película alemana Ping Pong y gentileza de FourFilms, estamos regalando invitaciones dobles para que asistan. Deben escribir un correo a concurso@sobras.com con sus datos (nombre edad y comuna) para participar.

Sinopsis
Paul, un niño de 16 años, es desinvitado por familiares. Habiendo recién perdido su padre, Paul está en busca de un mundo ideal e investiga a la supuesta familia perfecta. Pese a que la tí­a Anna no lo quiere al principio, después le toma cariño. Paul se siente atraí­do por ella. Solamente cuando es muy tarde, Paul se da cuenta que está bajo el control y a la merced de ella. La angustia de Paul lo lleva a cometer un acto desesperado… Protagonizada por Sebastian Urzendowsky y Marion Mitterhammer.

Cada película estrenada del mítico 007 llega con un cierto nivel de expectativas, con tanta comparación entre agentes, chicas Bond, locaciones o villanos que han marcado la popular saga. Con esa pesada mochila sobre los hombros, esta semana se estrena la nueva aventura del agente con licencia para matar: Quantum of Solace, patrocinada por toda la algarabía e interés que despiertan las grabaciones realizadas en el norte del país (alcaldes patrioteros incluidos). Las preguntas son múltiples, mientras las respuestas son bastante claras: ¿Es entretenida?, pues si. ¿Tiene acción?, claro y bastante. ¿El desierto?, interesante. ¿Es mejor que Casino Royale?, lamentablemente no. ¿Vale la pena?, léelo a continuación.

Bastante del sabor agridulce que deja la entrega oficial número 22 de las aventuras de James Bond, radica en el estilo que intenta implementar el director Marc Forster (Encontrando el País de Nunca Jamás) en una saga revitalizada recientemente. En Quantum of Solace existe una especie de bipolaridad que deja el material siempre en la balanza de las dudas, es decir, nunca logra construir un propio estilo y aplica copy/paste de lo que logró el director Martin Campbell en la película anterior. Ese traslado implica que algunas cosas funciones, otras no y, a la larga, esto se considere como algo que quedó a medias.

Por ejemplo, nuevamente dice presente el estilo parkour – eso de saltar por edificios y todo lo que sea urbano con velocidad y agilidad – implementado en Royale. Sin embargo Forster imprime un estilo con quiebres de ritmo que descolocan debido a una edición que trata de envolver en la acción, tratando de ‘embolinar la perdiz’ para que todo suceda rápido, uno no se de cuenta de las falencias y olvide rápidamente para seguir con lo siguiente.

Mientras Bond es sinónimo de acción, también tiene un lugar especial en la franquicia la trama de turno. En esta ocasión, la historia comienza – por vez primera - breves minutos después de la anterior y superior entrega. Bond hilvana los hechos que llevaron a la muerte de Vesper Lynd (Eva Green) en búsqueda de los culpables. Eso lo lleva a tantear terreno peligroso, al acercarse poco a poco a una oscura organización - que algunos llaman simplemente como Quantum - que se mueve entre las sombras, con personas instaladas incluso en el MI6. Esto lleva a Bond a través del globo, directo al desierto boliviano en donde un plan involucra el recurso más importante del planeta.

Aunque suena interesante, y no quiero contar mucho sobre la trama, el desarrollo nunca es óptimo ya que el guión queda al debe con personajes mal utilizados, clichés latinoamericanos odiables – aunque sí, el desierto se ve bien - y un misterio que nunca da respuestas concretas y mucha cosa dejada entre las sombras para construir la siguiente entrega. Quantum of Solace queda relegado a un mero puente, una visión de lo que podría ser la siguiente matanza de un Bond versión definitiva.

Claro, porque lo mejor de la película es Daniel Craig. Su Bond es una máquina letal asesina, sin remordimientos, enfocada en saciar su sed de venganza. Sus primeros pasos como agente 00 están lejos de la sofisticación clásica del personaje. Lo suyo es demostrar a un Bond en continuo crecimiento. Aquí se nota una maduración entre esta y la anterior, ya que el accionar físico del agente secreto de su majestad nuevamente saca aplausos. Incluso, llega a eclipsar tanto al resto del elenco que, en esta ocasión, el villano (Mathieu Almaric) queda relegado a un tercer plano, al no representar amenaza alguna para 007.

¿Las chicas Bond?, pasan sin pena ni gloria en esta ocasión. El personaje de Olga Kurylenko solo sirve de contrapunto en base a las motivaciones de venganza que guían al hombre de la Walther PPK, por ahí aparece una colorida que aparece y desaparece muy rápido, mientras la ‘vieja bond’ – M (Judie Dench) – sigue estructurada en base a con la relación amor/odio, madre/tutora que evoluciona en cada entrega. Es decir, el aporte está creado para ensalzar al compadre que representan el pináculo de la evolución de los machos.

En definitiva, la dualidad es lo que marca a la nueva película de James Bond. Mientras el inicio es muy entretenido y rítmico, a pesar de una canción sin gracia, Craig está excelso y el resto, menos peso que un paquete de papas fritas. Quizás uno de los puntos bajos más imperdonables radica en que el metraje final queda apurando el tranco en demasía, estructurando un epílogo apresurado y falto de chispa. Es más, la secuencia del típico último enfrentamiento – en medio de un resort desabrido – queda muy al debe y sin gracia con el desierto de fondo. Y así, en la suma, la balanza queda subordinada a esta continua batalla en donde a Quantum of Solace siempre le faltan tres chauchas para el peso.

TRAILER:

Este es el primer trailer de “Monsters Vs. Aliens” la nueva pelicula del estudio Dreamworks y que será estrenada en Marzo del 2009 con tecnología 3D.
Los responsables de prestar sus voces son: Reese witherspoon (Legalmente rubia), Rainn Wilson(The office), Hugh Laurie (House), Seth Rogen (Knocked Up), Will Arnet y Kiefer Sutherland de la serie 24.

VTR tiene una señal HD y desde hace un tiempo está programando cine chileno para sus usuarios. El turno de hoy lunes va para “Promedio Rojo” que se exhibirá a las 22:00 hrs por el Canal 800 de la d-BOX. Para mayor informacion , horarios y otros contenido del canal hd, pincha este link.

Jack, Hurley, Kate+Aroon, Sun y Sayid vuelven a la isla en Enero o Febrero del 2009 en la nueva temporada y final de LOST. El clip de arriba es el trailer oficial y sobre esta última, uno de los guionista dijo:

“la quinta temporada definitivamente será lo más impactante que se ha hecho nunca en una cadena de televisión”.

Ya veremos si es la mejor, mientras tantos vean el trailer que hace un recuento de la 4ta y muestra pedazitos de la 5ta.
Via SDP

El brasileño Fernando Meirelles es un director siempre a tener en cuenta. A su haber cuenta con una filmografía que incluye la gloriosa Ciudad de Dios (2002) y la sólida El Jardinero Fiel (2005), por lo que cualquier trabajo en el que esté relacionado interesa bastante. Ceguera (Blindness), basada en una novela de Jose Saramago, es su más reciente apuesta que, pese a las altas expectativas que existen en torno a cualquier trabajo del carioca, cumple de buena forma gracias a una cinematografía notable y una historia atractiva. Un estudio con tintes apocalípticos de las relaciones humanas, los costos morales y el caos de una sociedad moldeada bajo ese dicho de “ojos que no ven, corazón que no siente”.

Así, es presentado el caos que se instala en la sociedad una vez que una epidemia de ceguera blanca comienza a expandirse. Mark Ruffalo (Zodiaco) interpreta a un doctor que se transforma en uno de los primeros afectados, luego que uno de sus pacientes (Yusuke Iseya) desarrolla esta enfermedad que no tiene explicación alguna, mientras su esposa (Julianne Moore) es inmune a la epidemia. Mientras el gobierno decide apartar en cuarentena a los contaminados - en un centro de retención que cuenta con limitados recursos - el caos, la anarquía, la violencia y el descontrol comienzan a adueñarse de los diferentes pabellones del recinto, con una única testigo ocular de la pesadilla social.

‘Ceguera’, simplemente, no admite puntos medios. Te puede apestar o encantar, como en mi caso. Gran parte de esta respuesta dual se debe a que esta es una película en donde las significaciones juegan un rol con el espectador. El devenir metafórico de las acciones presentadas, entra en una balanza disímil donde se interactúa con el material presentado de forma distinta. Las acciones pueden mediar entre lo desagradable e incoherente hasta lo real y, ciertamente, congruente. Por ello la consecuencia moral es variable, todo depende de si el espectador logra contrastar la parábola en constante desenfoque.

En ese sentido, ninguno de los personajes tiene un nombre para identificarlos. Estos son sujetos lanzados en medio del quiebre en donde el desconcierto de esta sociedad (o suciedad, la diferencia es en una vocal) trata de ser abordado de forma realista, en el estilo de aquella película superior conocida como “Hijos del Hombre” (Children of Men). La gran diferencia es que aquí la trama toma control de los personajes, en vez de desarrollar su mensaje en base al quiebre de esta epidemia. Los personajes están ciegos, soltados a su suerte, en donde su no-habituación a esta incapacidad desenfoca el trastoque de su moralidad (o, simplemente, despierta sus turbias fijaciones).

De esta forma, Meirelles desarrolla las bases del concepto de caos social al confrontar un entorno basado en la tecnología y la comodidad. Y es que este mundo, de hecho, está moldeado para vivirlo de una sola forma. Si existe incapacidad, es la de adaptarse a un mundo que no está dispuesto para aquellos que no son ‘normales’. Por ello, no sorprende que el personaje que es ciego desde su nacimiento se adecue con facilidad y saque provecho, previendo el tejemaneje del caos (sic).

La dirección recrea una atmósfera opresiva, en donde existe mucho desenfoque. Ahí, en cada plano, se esboza un confinamiento entendido no solo como una ceguera visual, si no como una ceguera social. Los personajes son embutidos en una sociedad de ocultas intenciones donde la ceguera, en este caso, permite ver la esencia de los personajes. El sólido elenco es encabezado por una Julianne Moore que, gracias a su gran actuación, logra transformarse en un creíble eje moral y emocional de una sociedad que ha perdido el rumbo de sus creencias aparentes.

Las actuaciones solventan una historia que busca en demasía profundizar. Inclusive, en ocasiones se encauza por senderos en donde las decisiones de los personajes no encuentran lugar a mayores identificaciones, cayendo en el terreno de lo inconcebible. En un momento, por ejemplo, me dieron ganas de golpear la pantalla y quemar la sala con todo y comentaristas de medios tradicionales en ella (Demás alguien lo agradecía). Para esquematizar la idea sin mucho spoiler, podemos identificar al personaje conocido como ‘El Rey del Pabellón Tres’ (Gael García Bernal) representando la denigración de forma creíble, a pesar que sus acciones depredadoras se instalan en el terreno en donde no existe mayor explicación de sus motivaciones (aunque ello tampoco importe mucho a la larga). Por otro lado, personajes como el de Danny Glover dan cuenta de aquellos que, en la ceguera, encuentran un amparo ausente en el resto de sus vidas. De todo hay en la viña del señor Mereilles, dice el dicho.

En suma, las interpretaciones logran encausar de cierta forma un material depresivo en donde domina la respuesta metafórica de múltiples sentidos – cada uno puede entender lo que más le parezca - y decisiones ciertamente cuestionables. Mereilles nos propone deambular por la verdad humana, y a veces meter la nariz en el excremento, trascendiendo en los espíritus de sus personajes, a pesar de las limitaciones argumentales de una historia en donde algunas propuestas quedan a medio camino. Sin embargo, ‘Ceguera’ logra presentar un escenario apocalíptico creíble en base a un notable apartado visual (las secuencias en la ciudad son lo mejor) en donde la base de los cuestionamientos sociales, y el resto de significaciones, nos invita a sacarnos la venda y ver, independiente de los compromisos morales individuales.

Por Paulo Quinteros

TRAILER:

Como parte de la promoción de “Solos” el director Jorge Olguín estará participando este sábado 18 de octubre a las 12:00hrs en un evento que tiene su punto de encuentro en la Plaza Italia, y es una gran caminata donde las personas que participan llegan disfrazadas de zombies para realizar un paseo que termina en la Plaza Constitución y es un acto de parodia social.

Esta marcha se llama Zombie Walk y alrededor del mundo ya son muy conocidas. Lugares como Vancouver, Buenos Aires, Brasilia, Barcelona, y Ámsterdam ya han sido epicentro de la epidemia zombírica que cada vez cubre más el mundo y que apunta a que nos hemos transformado en muertos vivientes.