Uma adolescente entediada nos confins da China, ansiosa por menstruar, ansiosa por morrer. Ao seu redor, apenas pedra e ovo e chuva e os costumes de um país feudal, arcaico e camponês. Sua vida, ao lado dos tios, passa lentamente. Se arrasta. Goteja. Escola, Casa, Escola. Um Namorado. Então mais ovos, mais pedra, mais descobertas, enfim, mais peculiaridades dessa China. Do outro lado do mundo – na cidade – seus pais a ignoram. Não tem tempo para ela. Sua vida. Seu tédio.

Então que seja a diretora Huang Ji a ter. A contar essa história – a sua história – de tantos detalhes autobiográficos, de tantos silêncios, de tantos segredos. Filma como tantos outros cineastas chineses: No minimalismo, no realismo, com não-atores. Sem música, sem dinheiro. Apenas com a imagem em movimento, em tons escuros, precários. Com som de fazenda, com cacarejos e ovos. Ruína e madeira. Antepassados e religião. Poesia e memórias.

Há uma obsessão com essa menstruação que não vem. Esse sangue que não desce e que um dia – apenas um dia – desceu. Então, entendemos a necessidade dessa historia, desse filme. Entendemos a solidão, a neurose, o desabafo da diretora. Sua coragem de contar essa história. De filmá-la.

EGG AND STONE é tão simples como um ovo, tão poderoso como uma pedra. Extremamente sincero e duro. Uma narrativa que flerta com o cinema de Jia Zhang-ke. Um tema que remonta ao cinema de Cristian Mungiu. Não à toa, levou o Tigre de Ouro no Festival de Rotterdam.

Spoiler Rating: 72
LBC Rating: ~

E ao fazê-lo, ao se concentrar na Primeira Guerra Mundial, o cineasta olha para a devastação de quatro anos de luta por todos os lados, por todas as trincheiras e por todos os sacrifícios. Como de costume, Spielberg nos fascina com suas maravilhas narrativas criando pinturas impressionistas em movimento, tudo enaltecido pela fotografia crepuscular de Janusz Kaminski. Sim, trata-se de uma pintura de água de rosas, um pouco doce, um pouco melodramática, um pouco clássica, mas mesmo assim não há nada do que reclamar do plano de trabalho e da notável abordagem técnica.

Spielberg tem controle total de sua fabula: O seu gosto pelos sobrenquadramentos delineia todos os limites de um microcosmo (A vida de uma família de camponeses em dívida) antes de a encenação ganhar onisciência e nos trazer para o meio do conflito e seus cavalos e canhões. Filma essa historia no tom épico dos melhores westerns antigos, com todas as suas qualidades e limitações. Filma sob a música de John Williams, pontuando cada partícula de emoção e cada galope desse cavalo, o herói do cinema e símbolo da esperança, que passa de proprietário em proprietário sem que nenhum fique conosco.

E de esquete em esquete, vemos, às vezes extasiados, às vezes entediados, a vítima de uma guerra, vagando de acampamento em acampamento, à frente de sua sobrevivência, à sua coragem e, acredite, à sua humanidade. É essa sinergia entre fotografia, música e guerra que Spielberg filma. Essa confusão de sentimentos, sofrimento e medo que ele exalta e que deixa claro para todo o publico e todas as gerações.

Spoiler Rating: 75

Foi assim porque Edgar foi obcecado com sua carreira e fama, decorrente de perseguir criminosos e levá-los a justiça. Por outro lado, é o retrato da arrogância policial e política contra o qual lutou a mãe obstinada de Angelina Jolie. É, enfim, o emblema que justifica qualquer maldade, interceptando, interrogando, batendo; O homem que espia, frauda e chantageia amigos e inimigos; A síntese da América paranóica que luta contra seus inimigos se tornando como eles e que desarma o ‘radical’ empunhando as mesmas armas de terror.

No entanto, o J.Edgar que Eastwood filma é um dos maiores talentos nacionais, o protagonista de uma historia que mergulha suas raízes nos mitos fundadores da cultura americana e da imaginação. É o duplo de James Cagney, astro de G-MEN CONTRA O IMPÉRIO DO CRIME (1935), um filme que celebra os métodos científicos e a abnegação de seus agentes do FBI contra o INIMIGO PÚBLICO (1931), curiosamente promovido pelo mesmo ator.

Leonardo DiCaprio, já usado por Scorsese para encarnar outro ícone megalomaníaco do sonho americano (O AVIADOR), empresta seu rosto e sua “máscara” para um homem que concebeu seus relacionamentos meticulosamente como um jogo de xadrez e, portanto, sem qualquer paixão ou inspiração para se comprometer com as mulheres e a vida. Eastwood fecha seu personagem em um limbo de sentimentos contraditórios, congelados ao longo da fronteira entre a legalidade e a ilegalidade, deixando ao espectador, sua meticulosa biografia, ou, pelo menos, aquela que o personagem acreditou ter visto e vivido.

Então, na antítese do envelhecimento, já com um Edgar feio e corrupto, vemos um beijo roubado e uma dança silenciosa que desperta um sentimento incomum de piedade e que inverte completamente o sentido do filme. Se em A TROCA, havia um caso de amor que se tornou político, em J. EDGAR havemos um drama político – entre Hoover e Tolson – que se torna emocional e garante, de certa forma, a empatia do público com o protagonista.

Tudo filmado com certa integridade estética, um pouco austera demais, fria demais, mas no tom certo para embalar as emoções do personagem. Sim, a maquiagem é um desastre, mas também um truque para esse mundo e suas máscaras: Uma biografia emocionalmente reservada e reticente que esconde sob um relatório formal, um apelo palpável e crescente de linhas quase imperceptíveis. E eis a perspicácia política do autor. Afinal, de seus filmes: Um cinema em busca de um brilho de inocência no coração negro da América.

Spoiler Rating: 65

Até o mais leigo dos mais leigos escalaria David Fincher para esse projeto. Seria, mesmo, inconcebível pensar em uma versão americana diferente do do diretor de SE7EN e ZODIACO: A genial abertura, ao som de um rock pungente, se torna quase irrelevante ao lado da violência brutal que se segue. A mão fria do cineasta envolve o filme por completo, seja nos escritórios da Revista Millennium, seja nos apartamentos decadentes do centro, nas paisagens insulares, ou no neon gelado do metro, não importa, em cada cena, em cada frame, o diretor nos sufoca em uma mise en scène gráfica, em perfeição dramática, sempre oscilando entre o silêncio moribundo e os olhares desumanos.

Seu roteiro fala de violência, respira violência, principalmente daquela nascida da misoginia e fascismo. Então revisitamos atos bárbaros contra mulheres do passado e do presente. Uma temporalidade descrita sem concessões, da forma visceral e genuína. Sim, o filme é ruim porque é certo. Como no romance.

E no palco de tantas perdições, dois atores capazes de enfrentar os desafios emocionais e físicos necessários para a vingança que precisam se render. Rooney Mara e Daniel Craig – sempre esquivos, brutais, estóicos – encarnam a raiva. Duas fortalezas de vidro a planar como fantasmas, impassíveis, insensíveis, invisíveis, sempre em guerra com seu mundo.

Mas é a caracterização de Mara que beira o sublime. Sua Lisbeth parece um menino mal-nutrido, de 13 anos, cuja cabeça parece ter tido um contratempo com a lâmina de barbear. Piercings, tatuagens e palidez adornam uma atitude anti-social hermética à morte. Bissexual, hacker, gênio desajustado, seu personagem é avassalador. Tão absorvente, tão intrigante que quase esquecemos Daniel Craig.

E, assim, embalado em plástico, insanamente gelado, ao som de uma trilha state-of-art de Trent Reznor & Atticus Ross, OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES é um filme que se intromete sob a pele ou, mais especificamente contra a pele. Como uma tatuagem desenhada com a câmera, cuja tinta é indelével.

Spoiler Rating: 88

HISTÓRIAS CRUZADAS
Dreamworks Pictures | Touchstone Pictures
Jessica Chastain | Viola Davis | Bryce Dallas Howard | Allison Janney | Chris Lowell | Ahna O’reilly | Sissy Spacek | Octavia Spencer | Mary Steenburgen | Emma Stone | Cicely Tyson | Mike Vogel

Melhor Ator

Jean Dujardin | O ARTISTA

Melhor Atriz

Viola Davis | HISTÓRIAS CRUZADAS

Melhor Ator Coadjuvante

Christopher Plummer | TODA FORMA DE AMOR

Melhor Atriz Coadjuvante

Octavia Spencer | HISTÓRIAS CRUZADAS

Melhor Elenco de Dublês

HARRY POTTER E AS RELÍQUIAS DA MORTE: PTE.2

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Screen Actors Guild Awards | 2012
Indicados | Premiados

Screen Actors Guild Awards | 2011
Indicados | Premiados

Screen Actors Guild Awards | 2010
Indicados | Premiados

Screen Actors Guild Awards | 2009
Indicados | Premiados

Screen Actors Guild Awards | 2008
Indicados | Premiados ]]> http://spoilermovies.com/2012/01/29/screen-actors-guild-awards-2012/feed/ 2 http://spoilermovies.com/2012/01/29/directors-guild-awards-2012/ http://spoilermovies.com/2012/01/29/directors-guild-awards-2012/#comments Sun, 29 Jan 2012 23:54:24 +0000 Maurício http://spoilermovies.com/?p=13126 ]]> Melhor Diretor

Michel Hazanavicius
O ARTISTA
(1º Indicação ao DGA Awards)

Comentários: Em 60 anos, somente em 6 vezes que o vencedor do Directors Guild Awards não venceu o Oscar de Melhor Filme. A vitória de Michel Hazanavicius, somado ao Prêmio da Guilda de Produtores para O ARTISTA e suas 10 Indicações ao Oscar (2 concedidas pelo Branch de Atores) simplesmente sela seu favoritismo ao Oscar 2012, tanto em Melhor Filme, como Melhor Diretor. E só para registro: A última comédia/musical a ganhar ambos os Oscars foi OLIVER! E isso foi em 1968… Desde então, esse gênero pode até levar o Oscar de Melhor Filme, mas não de Diretor.

Sundance 2011 emplacou sete indicações ao Oscar 2012. É mais do que Wood Allen conseguiu com sua MEIA NOITE EM PARIS, que Alexander Payne conseguiu com seu OS DESCENDENTES e que Spielberg conseguiu com seu CAVALO DE GUERRA. Foram quatro indicações em Documentário, duas em filme, duas em curta; E, claro, teve uma indicação em Filme Estrangeiro e outra em Roteiro Original, além de vários contenders fortes nas categorias de Melhor Ator e Atriz.

E assim é Sundance: Berço do cinema independente americano, realizado no local mais mórmon de Utah, o festival é (in)discutivelmente a maior referência (marco?) do cinema experimental, barato e cult do mundo, o centro da controvérsia e das esperanças dos novos autores, terra dos negócios, das oportunidades e uma das maiores vitrines do Oscar na categoria de Documentários e Roteiros.

O que Sundance 2012 reservou para o Oscar 2013? Difícil dizer… Mas certamente há muito que especular: Fox Searchlight, the Weinstein Co., Sony Pictures Classics, Oscilloscope Films e IFC Films leiloaram cada fotograma de BEASTS OF THE SOUTHERN WILD, filme de estréia de Benh Zeitlin, Melhor Filme e Fotografia segundo o Júri e, certamente um dos Melhores Filmes do ano.

Talvez porque seja uma historia de amor, filmada com paixão, cujo resultado é poesia e êxtase. Cheiro e gosto. Água e terra. BEASTS OF THE SOUTHERN WILD é simplesmente o que A ÁRVORE DA VIDA deveria ter sido e não foi. A vida que TIO BOONMEE viveu e esqueceu: Exuberante, gramíneo, lamacento, lodoso, frondoso, fedido, primordial, escorregadio, aguado; Uma história de fragmentos ligados entre si como clipes de papel. Uma história que, confesso, odiaria ter, mas amei ver e que a Fox Searchlight comprou por uma exorbitância. Talvez com a idéia de concorrer ao Oscar 2013 e, não seria muita pretensão dizer, em Melhor Filme, Diretor, Roteiro Original, Fotografia e Atriz com essa extraordinária menina, Quvenzhané Wallis.

Por $6 Milhões, a Fox Searchlight comprou ainda THE SURROGATE e não é novidade: Depois de INVERNO DA ALMA e MARTHA MARCIE MAY MARLENE, estávamos ansiosos para ver o que John Hawkes tinha a nos oferecer como protagonista. E aqui ele vive aprisionado em um pulmão de ferro. Um homem de vidro com aspirações de perder a virgindade… com Helen Hunt! Enfim, um filme que respira Premiações na temporada Ouro de Hollywood.

Assim como SIMON KILLER promete uma boa carreira no circuito de Festivais. Com Direção de Antonio Campos, produção de Sean Durkin e o ator fetiche de Lars Von Trier e Gragg Araki, eis um fenomenal estudo de personagem, o lado negro de UMA LINDA MULHER arrebatado por uma quantia desconhecida pela IFC Films. O retrato de um sociopata, o sexo explícito e o Rating NC-17 não ajudarão no Oscar, mas a fita promete trilhar o mesmo caminho de sucesso visto com AFTERSCHOOL e MARTHA MARCIE MAY MARLENE e, com sorte, chega ao Brasil, no Festival do Rio ou Mostra SP.

Para o Festival Mix Brasil, duas jóias: A primeira é um filme gay, de um cineasta gay (Ira Sachs), com musica de um gay (Arthur Russell), sobre um gay fazendo um documentário sobre um artista gay (Avery Willard). Enfim, o tipo de cinema de consumo ideal para o público GLBT, com fortes pretensões de levar o Teddy no Festival de Berlim. O segundo, é mais delicado e, não à toa, levou o Prêmio de Roteiro. O chileno YOUNG & WILD fala de Religião e sexo e lembra uma espécie de SCOTT PILGRIM CONTRA O MUNDO, só que com meninas e mais sexo.

Também do Chile, veio o postulante ao Oscar 2012 de Melhor Filme Estrangeiro, VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS, co-produção entre Chile, Brasil, Argentina e Espanha que conta a tumultuosa e excitante vida da cantora e ícone popular Violeta Parra. Foi um dos destaques do Festival, como também foi o cinema canadense (INDIE GAME: THE MOVIE e MONSIEUR LAZHAR), indiano (VALLEY OF SAINTS) e australiano (WISH YOU WERE HERE). O tenso filme de Kieran Darcy-Smith, aliás, consagra a mesma escola vista em REINO ANIMAL, SNOWTOWN e SANSÃO E DALILAH e coloca Joel Edgerton em rota de colisão com a fama.

Houve, naturalmente, decepções: O novo filme de Stephen Frears, LAY THE FAVORITE, provou ser inconseqüente demais, fútil demais. Deve vender bem nos EUA, comercial do jeito que é, mas no Brasil, certamente sai direto em DVD, como foi O RETORNO DE TAMARA. O novo filme de Rodrigo Cortés (ENTERRADO VIVO) foi chamado de “Caça-Fantasmas” o que, convenhamos, não é um elogio para um filme de suspense. De fato, não é um mau filme, mas é bem inferior a estréia do Diretor. E WRONG, do mesmo diretor do nonsense RUBBER, provou ser, digamos, um erro como diz o titulo.

The 2012 Sundance Film Festival Awards Winners

Prêmio do Júri
BEASTS OF THE SOUTHERN WILD | Benh Zeitlin (DRM)
THE HOUSE I LIVE IN | Eugene Jarecki (DOC)
VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS | Andrés Wood – Chile (WDR)
THE LAW IN THESE PARTS | Ra’anan Alexandrowicz – Israel (WDC)

Prêmio do Público
THE SURROGATE | Ben Lewin (DRM)
THE INVISIBLE WAR | Kirby Dick (DOC)
VALLEY OF SAINTS | Musa Syeed – Índia (WDR)
SEARCHING FOR SUGAR MAN | Malik Bendjelloul – Inglaterra (WDC)

Melhor Diretor
Ava DuVernay | MIDDLE OF NOWHERE (DRM)
Lauren Greenfield | THE QUEEN OF VERSAILLES (DOC)
Mads Matthiesen | TEDDY BEAR – Dinamarca (WDR)
Emad Burnat & Guy Davidi | 5 BROKEN CAMERAS – Palestina, Israel (WDC)

Melhor Roteiro
Derek Connolly | SAFETY NOT GUARANTEED (DRM)
Marialy Rivas, Camila Gutiérrez, Pedro Peirano & Sebastián Sepúlveda | YOUNG & WILD – Chile (WDR)

Melhor Montagem
Enat Sidi | DETROPIA (DOC)
Lisanne Pajot & James Swirsky | INDIE GAME: THE MOVIE – Canadá (WDC)

Melhor Fotografia
Ben Richardson | BEASTS OF THE SOUTHERN WILD (DRM)
Jeff Orlowski | CHASING ICE (DOC)

Melhor Interpretação (Ator/Atriz)
John Hawkes, Helen Hunt, William H. Macy, Moon Bloodgood & Annika Marks
THE SURROGATE (DRM)

Prêmio Especial
LOVE FREE OR DIE | Macky Alston (DOC)
AI WEIWEI: NEVER SORRY | Alison Klayman (DOC)
SMASHED | Andrea Sperling & Jonathan Schwartz – Produção (DRM)
NOBODY WALKS | Andrea Sperling & Jonathan Schwartz – Produção (DRM)
CAN | Rasit Celikezer – Turquia (WDC)

Prêmio Especial – Filme de Estréia
ROBOT & FRANK | Jake Schreier (DRM)
VALLEY OF SAINTS | Musa Syeed – Índia (WDR)

Legenda: (DRM) Seleção Drama | (DOC) Seleção Documentário | (WDR) Seleção World Cinema: Drama | (WDC) Seleção World Cinema: Documentário ]]> http://spoilermovies.com/2012/01/29/sundance-2012-the-awards/feed/ 0 http://spoilermovies.com/2012/01/28/simon-killer/ http://spoilermovies.com/2012/01/28/simon-killer/#comments Sat, 28 Jan 2012 12:30:23 +0000 Maurício http://spoilermovies.com/?p=13110 ]]>

Responsável por um dos Melhores Filmes do Festival de Sundance 2011, MARTHA MARCY MAY MARLENE, Sean Durkin retorna ao festival que lhe consagrou, agora, como produtor do igualmente tempestuoso Antonio Campos (AFTERSCHOOL). E, assim, ambos apresentam seu segundo (e doloroso) filme, SIMON KILLER, um novo e assustador estudo de personagem que poderia funcionar perfeitamente como o lado negro de UMA LINDA MULHER.

Brady Corbet, o ator fetiche de Gragg Araki e Lars Von Trier, vive agora o tal Simon do titulo, um jovem e confuso estudante, de coração partido, que viaja à Paris, sem quaisquer planos, além de esquecer seu recém-terminado relacionamento de cinco anos. Com apenas um iPod e uma sensação amarga de solidão, vemos a vagar pela cidade das luzes, filando cigarros e tentando estabelecer qualquer tipo de contato humano. De volta ao quarto de hotel, ele se masturba e escreve cartas detalhadas para um amor que não existe.

O desespero – a solidão – leva à solução fácil e fra(n)ca para seu problema: Um bordel, uma prostituta chamada Victoria (Mati Diop, a revelação de Claire Denis em 35 SHOTS DE RUM) e, assim, um consolo, um relacionamento que se estende além das obrigações de um cliente comum. A partir daqui, a espiral descendente de decisões ruins começa a dilapidar as cascas de Simon revelando uma psique arruinada.

Apesar de estarmos na bela cidade de Paris, Campos filma pouco a urbe: Sua câmera permanece apertada em Corbet, fotografada belamente por Joe Anderson. Este ponto de vista firme, junto com o estilo predileto do cineasta, o “slow-burn” (A vibração em câmera lenta), torna seu filme irresistível ao olhar. Dando um respiro visual para os eventos traumáticos, o diretor usa asfixiantes efeitos de fade in até ocupar a tela inteira, fraturando a nossa visão, assim como Simon torna-se cada vez menos um narrador confiável.

O que prova que nosso protagonista não é de boa índole ou simpático. Com suas ações cada vez mais repugnantes, sua conexão com o público logo se desfaz. E eis a genialidade do roteiro que não está interessado em construir um herói, mas adentrar pela mente fraturada de um sociopata de 23 anos. Quer se trate de Ezra Miller em AFTERSCHOOL ou Elizabeth Olsen em MARTHA MARCY MAY MARLENE, o fato é que esses cineastas têm uma habilidade exemplar de retratar profundamente seus personagens nos colocando diretamente com sua mentalidade alarmante. Campos garante isso em todos os ângulos de sua câmera, em sua música e diálogos, só nos trazendo ainda mais perto desse abismo.

No final, há um momento de felicidade desconfortável em um clube noturno, com Simon finalmente conseguindo sua conexão tão sonhada em sua jornada descendente. Odiamo-lo por isso, mas curiosamente nos sentimos atraídos. Graças a um desempenho fenomenal de Corbet, a uma direção impecável tambem, esta noção entre assassino e sedutor nos confunde. A sensação é de vergonha, que obviamente divide o público. Mas, sim, esse é o jogo. Era o plano. E é formidável.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

A vida inteira de Joachim Trier ficou registrada na película. Com quatro anos, esse diretor norueguês recebeu de presente uma Super 8 e, desde então, filmou com o seu pai. Trinta e dois anos e três filmes mais tarde, OSLO, 31 DE AGOSTO (OSLO, AUGUST 31ST) foi apresentado na Un Certain Regard de Cannes.

Oslo, o seu porto, a sua catedral… O patrimônio da capital norueguesa inspirou esse filme: Anders, 37 anos, vagueia nas ruas da cidade. Ele chega ao final de sua cura de desintoxicação e recebeu uma permissão para ir à cidade. Ali, ele encontra pessoas que há muito não via. Pessoas que decepcionou. Oportunidades que perdeu. Mas, pouco a pouco, os problemas dolorosos do passado ressurgem e transtornam as suas as perspectivas de futuro.

Então o que se vê é um duplo fresco. Á medida que o retrato de Anders se tece, a imagem de Oslo se desenha. Joachim Trier mostra a Cidade do Tigre com todo o seu esplendor, à maneira de Eric Rohmer e a sua exploração de Paris, sob as luzes de um final de Verão. Esta capacidade de capturar e conservar uma pegada de Oslo é primordial para o cineasta: “Filmei lugares específicos de tal modo que poderão ser vistos nos anos a seguir. A documentação das coisas me interessa”.

Mas, em contrapartida, Anders fica desencantado. Aos 37 anos, já perdeu a fé na vida. Paradoxalmente, é um personagem inteligente. Um belo homem, mas prisioneiro de um passado no qual se obcecou em seguir. Uma trajetória que não era a sua.

E eis um trabalho forte e comovente, surpreendentemente humilde e original de um jovem cineasta a contar sobre outro. É, também, um pretexto para contar a transição para a idade adulta e sua consequente desilusão. E aí reside a força do filme: A incrível exatidão da descrição deste estado entre duas eras. Um olhar poético e intimista, que vai muito bem com o nostálgico vagando pelo personagem principal, interpretado por um ator amador, mas convincente. O resultado é um filme que encena a perda de si próprio e, pouco a pouco, a solidão que a acompanha.

Spoiler Rating: 77
LBC Rating: ~

Pela Assessoria de Imprensa de Cannes e TIFF11