Moments Festival presenta la primera edición de Photo Weekend, el nuevo festival de fotografía dentro de Moments: cuatro días dedicados a la imagen, la creación visual y las formas contemporáneas de mirar, sentir y contar el mundo.

Del 5 al 8 de noviembre de 2026, Málaga reunirá a fotógraf@s, artistas visuales, editor@s, autor@s y creador@s de referencia del panorama nacional e internacional en una programación gratuita con más de 25 actividades y más de 30 artistas.

El programa desplegará talleres, presentaciones, exposiciones, conferencias, encuentros profesionales y experiencias únicas en distintos espacios culturales de la ciudad, como MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera, Escuela de Arte y Superior de Diseño San Telmo, Buganvillas Film Lab, Biblioteca Cánovas del Castillo, Museo de Arte Flamenco – Peña Juan Breva y Café de Estraperlo. Todas las actividades serán de acceso gratuito hasta completar aforo, con inscripción previa en aquellas propuestas que lo requieran.

Photo Weekend nace como un espacio de encuentro, inspiración y diálogo para profesionales, estudiantes y amantes de la fotografía que quieran descubrir nuevas perspectivas, generar conversación y acercarse a los discursos visuales que definen nuestro presente.

Una cita para explorar la fotografía como lenguaje, documento, memoria, ficción, archivo y experiencia compartida; un fin de semana para descubrir proyectos, procesos y miradas que amplían la manera en que observamos y narramos el mundo.

Descubre las primeras confirmaciones (programa completo a partir del 5 Septiembre) y cómo inscribirte:

PHOTO WEEKEND – PROGRAMA COMPLETO & INSCRIPCIONES

Miguel Trillo. Madrid, 1984

Jueves 5 noviembre

12:00 h. Encuentros
Entre imágenes: cuerpo, memoria y representación.
— 12:00 a 13:00 h. — Rocío Verdejo & Noelia García Bandera “Reconfigurar lo bello: identidad, experiencia y representación en la fotografía artística”
— 13:00 a 14:00 h. — Marina Reina & Noelia García Bandera “Lo que no se ve, existe”
Escuela de Arte y Superior de Diseño San Telmo

17:30 h. Otras
Photomarket
Buganvillas Film Lab

18:00 h. Exposición
masLucena “Elipsis sentimental”
Biblioteca Cánovas del Castillo

20:00 h. Exposición
Exposición “Donde habite el olvido”, colectiva de fotografía flamenca y subasta benéfica
Museo de Arte Flamenco – Peña Juan Breva

Nikita Teryoshin

Viernes 6 noviembre

16:00 h. Otras / Encuentro
Phot’o’Rama Málaga 2026 con Rocío Verdejo & Noelia García Bandera
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

17:00 h. Encuentro
Alexander Gross “NO CAP #5”. Presentación fotolibro
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

17:00 h. Encuentro
Santi Donaire & Marina Reina “Muerte de un fotógrafo paracaidista: en lo local está la clave”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

18:00 h. Encuentro
Txema Salvans “Sunday Morning, el vacío que nos contiene”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

19:00 h. Encuentro
Premio Moments: Miguel Trillo
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

20:00 h. Exposición
A. Discordia “Últimos latidos, la Málaga underground de los 90’s, el final de la era analógica”
Café de Estraperlo

Txema Salvans

Sábado 7 noviembre

10:00 h. Otras / Encuentro
Print Club
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

12:00 h. Workshop
Miguel Trillo “Fotografía y subculturas juveniles”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

12:00 h. Workshop
Txema Salvans “Lo que sucede cuando aparentemente no pasa nada”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

14:00 h. Workshop
Nikita Teryoshin “The Imperfect Moment”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

14:00 h. Encuentro
Edu Rosa y Juanjo M. Fuentes sobre el fotolibro “The Málaga Years 1969–1971. Photographs by Jürgen Schadeberg”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

17:00 h. Encuentro
Pablo Tosco & Edu Rosa “Un gesto ofrecido”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

18:00 h. Encuentro
Rocío Madrid & Clara Asanza // NOT.TRUE.AI “La persuasión, el retrato fotográfico”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

19:00 Encuentro
Sofía Moro “El retrato que seremos”. La fotografía como documento
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

19:00 h. Encuentro
Nikita Teryoshin “Game Of Chairs” & “O Tannenbaum”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

Rocío Madrid

Domingo 8 noviembre

10:00 h. Otras / Encuentro
Intersecciones Portfolio Review con Jorge G. Higuera
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

10:00 h. Workshop
Alexander Gross “NO CAP: taller lúdico de fanzines”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

14:00 h. Encuentro
Clara Asanza // NOT.TRUE.AI “TODO MENTIRA”. Presentación editorial NOT.TRUE.AI
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

14:00 h. Workshop
Pablo Tosco “La huella de un encuentro”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

14:00 h. Workshop
Rocío Madrid “Taller de Retrato: ficción y mirada desde los márgenes”
MEET Málaga Espacio Expositivo Tabacalera

Con el patrocinio principal de Cervezas Alhambra

Print Club

Pablo Tosco

Clara Asanza // NOT.TRUE.AI

Sofía Moro

Santi Donaire

Alexander Gross

Marina Reina

A. Discordia

Jürgen Schadeberg

Miguel Trillo. Málaga, finales de los 80

Nikita Teryoshin

Txema Salvans

Rocío Madrid

Pablo Tosco

Clara Asanza

Sofía Moro. Fotografía del álbum familiar de un vecino de Picanya, una de las localidades afectada por la DANA de Valencia de 2024.

Alexander Gross

Rocío Verdejo

Noelia García Bandera

masLucena

Edu Rosa

Julián Azcutia

Tamara Pastora

Juanjo M. Fuentes

Intersecciones

Phot’o’rama

Photomarket en Buganvillas Film Lab

Moments Festival 2026 presenta la primera edición de Design&Film Weekend, un nuevo encuentro en Málaga dedicado a las conexiones entre diseño, cine, cultura visual y creación contemporánea.

Durante cuatro días, del 29 de octubre al 1 de noviembre de 2026, el festival reunirá a diseñador@s, cineastas, artistas visuales y creador@s de referencia en una programación con más de 15 actividades entre encuentros, ciclos, presentaciones, proyecciones y workshops. Las propuestas tendrán lugar en algunos de los espacios culturales más destacados de Málaga, como EASD San Telmo, Centre Pompidou Málaga, Museo Casa Natal Picasso, Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales —Museo de Málaga— y Librería Rayuela.

Design&Film Weekend nace como un espacio para pensar, mirar y compartir los lenguajes que están transformando la manera en que construimos imágenes, contamos historias y nos relacionamos con la cultura visual contemporánea.

Descubre las primeras confirmaciones (programa completo a partir del 5 Septiembre) y cómo inscribirte:

DESIGN&FILM WEEKEND – PROGRAMA COMPLETO & INSCRIPCIONES

Letterism con Ausias Pérez y Dano

Jueves 29 octubre

15:00 h. Workshop
Elisa Ogalla y José Fernández “Zonas verdes: poesía, deriva urbana y documentación fotográfica y vegetal”
MUCAC La Coracha

15:00 h. Cine
— 15:00 a 16:30 h. The Last Critic
— 17:00 a 18:30 h. Butthole Surfers: The Hole Truth and Nothing Butt
— 19:00 a 19:45 h. “Costumbrismo fantástico, ciencia ficción doméstica y DIY cinematográfico: las películas de Chema García Ibarra”
Centre Pompidou Málaga

20:00 h. Exposición
José Fernández y Elisa Ogalla “Zonas verdes / Deriva: Reding–Fuente Olletas”
OCOA

19:00 h. Exposición
“Trazo Jondo: Ilustración y Compás Solidario”
Museo de Arte Flamenco – Peña Juan Breva

19:00 h. Otras
Arte, Birras y Croquetas
Drunkorama

Viernes 30 octubre

18:00 h. Encuentro
Encuentros Design&Film Weekend en San Telmo:
— Realmente Bravo, Leonor Díaz y Chema García Ibarra: “Dónde vivir de esto: periferia y creación artística”
— Ausias Pérez y Dano “Letterism: Vintage Lettering Curators Since 2011”
EASD San Telmo – COMPRAR ENTRADA

19:00 h. Exposición
Gema Hamartia “Hipótesis Alternativa de la Geometría del Agua”
Altallama

Realmente Bravo

Sábado 31 octubre

10:00 h. Workshop
Regina Dejiménez “El proceso creativo: de la intuición al arte textil contemporáneo”
Museo Casa Natal Picasso

11:00 h. Workshop
Bouquet by María Ramírez “A Flower with Love. Iniciación al Ikebana”
Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Museo de Málaga)

14:00 h. Workshop
Music Komité “Abitar el Herror”
Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Museo de Málaga)

14:00 h. Workshop
Realmente Bravo “Gráfica Encontrada. Procesos creativos, juego y DIY”
Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Museo de Málaga)

15:45 h. Encuentro
Videoclip español: escenas, archivos y directores con Luis Ángeles, NYSU y Nono Ayuso
Centre Pompidou Málaga

Domingo 1 noviembre

12:00 h. Workshop
Iker Muro “De la pared a la percha”
Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Museo de Málaga)

12:00 h. Workshop
Unbuentipo “El poder de la retórica visual: resignificaciones y metáforas a través de imágenes”
Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales (Museo de Málaga)

Con el patrocinio principal de Cervezas Alhambra

Chema García Ibarra y Leonor Díaz

Realmente Bravo

María Ramírez

Regina Dejiménez

Iker Muro

Unbuentipo

Ausias Pérez – TOT Studio

Calde Ramírez – Music Komité

Videoclip español: Nono Ayuso

Videoclip español: NYSU

Moments Festival 2026 despedirá su XIII edición con su Music Weekend, un fin de semana dedicado a la música en directo, la experimentación sonora y las escenas independientes que están ampliando los límites de la creación musical actual.

Los días 12, 13 y 14 de noviembre de 2026, Málaga acogerá una programación con más de 15 conciertos y actuaciones que reunirá a bandas, artistas y proyectos sonoros destacados del panorama contemporáneo. Las propuestas tendrán lugar en espacios clave de la ciudad como el Antiguo Liceo de Málaga, Museo Picasso Málaga, MUCAC La Coracha y Sala Classic Malagueta.

Music Weekend propone un cierre vibrante para la XIII edición de Moments: tres días para descubrir nuevas voces, dejarse atravesar por sonidos inesperados y acercarse a propuestas que se mueven entre la música experimental, la electrónica, el post hardcore, el punkrock, la independencia y los formatos más libres del directo.

Una cita para quienes entienden la música como experiencia, encuentro y exploración; un espacio donde escuchar el presente, descubrir lo que viene y celebrar el final del festival con intensidad.

Descubre las primeras confirmaciones (programa completo a partir del 5 Septiembre) y cómo inscribirte:

MUSIC WEEKEND – PROGRAMA COMPLETO & ENTRADAS

Electroversos: Faust

Jueves 12 noviembre

16:00 h. Workshop
Caradusanto “Iniciación al Sintetizador Modular”
MUCAC La Coracha

18:00 h. Encuentro / Otras
Listening Sessions con Kike (Orina), Miguel (Alone Records) y Jorge (Goetia)
Drunkorama

20:00 h.
Electroversos 2026 * Avant Poetry & Sounds con:
– Victoria O. Téllez & Víctor Cri du Chat
– Faust & Mar Galera
– La Patri & Miguel Seguí
Antiguo Liceo de Málaga

Geologist

Viernes 13 noviembre

21:00 h.
Geologist (Brian Weitz de Animal Collective)
Museo Picasso Málaga
COMPRAR ENTRADA

22:00 h.
Mala Gestión
Sala Classic Malagueta

Nikka

Sábado 14 noviembre

12:30 h.
Structweird + Caradusanto
MUCAC La Coracha

17:00 h.
Music Komité + Cravat
Centre Pompidou Málaga

19:00 h.
Concierto clausura Moments 2026.
Avant Sounds: Nikka + LaCruz + Durovino + “Dentro” de Sole Villalba & Belén S. Guzmán.
– 19:00 h. “Dentro” con Sole Villalba & Belén S. Guzmán
– 20:00 h. LaCruz
– 21:00 h. Durovino
– 22:00 h. Nikka
Museo Picasso Málaga
COMPRAR ENTRADA

19:00 h.
20 aniversario Drunkorama. Waldo Faldo y banda sorpresa!!!
Sala Classic Malagueta

22:00 h.
Modelo de Respuesta Polar
Sala Classic Malagueta

Con el patrocinio principal de Cervezas Alhambra

Mala Gestión

Modelo de Respuesta Polar

Structweird

Caradusanto

Music Komité

Cravat

Soledad Villalba & Belén S. Guzmán

Waldo Faldo

Electroversos: Miguel Seguí

Durovino

LaCruz

Electroversos: La Patri

Electroversos: Mar Galera

Electroversos: Víctor Cri du Chat

Electroversos: Victoria O. Téllez

Listening Sessions: Kike (Orina)

En Chapinería, en la vertiente madrileña de Gredos, el vino no se limita a lo que ocurre en la copa: es paisaje, memoria y una forma de estar en el mundo. En ese cruce entre lo íntimo y lo colectivo aparece Chapi Wines, el proyecto de Eduardo Muñoz, que ha ido tomando forma sin plan previo, casi como un gesto intuitivo que encuentra sentido a medida que avanza. Más que una marca, es un proceso vivo.

Acercarse a sus vinos es entender esa lógica desde dentro, pero también desde quien los hace. Para conocer realmente el proyecto, hemos tenido la suerte de conocer a Eduardo: un artista en el sentido más amplio y un apasionado profundo de lo que hace. En su manera de hablar se percibe que el vino es solo una de las formas en las que canaliza algo más grande. Pero además de charlar con él, tuvimos la oportunidad de probar cuatro referencias —Bango, Mood, Chapi Roots y Bubbles— que funcionan como puertas de entrada a distintas capas del proyecto. Hay en todos ellos una misma pulsión y la burbuja, presente en varios, no es solo un recurso técnico, sino una manera de hablar de energía, de conexión, de algo que está en movimiento constante. Entre todos, Bango fue el que nos robó el corazón. Hay en su burbuja algo celebratorio pero también profundamente delicado, una tensión entre ligereza y profundidad que lo hace difícil de olvidar. Es un vino que no impone, que sucede, y que encuentra su lugar en lo compartido. A su lado, Bubbles se mueve en un registro más luminoso y expansivo; Mood se vuelve más introspectivo, cambiante, casi emocional; y Chapi Roots conecta con la tierra y la memoria, con esa idea de raíz que no pesa, sino que sostiene.

En conjunto, los cuatro trazan un mapa abierto, sin una única dirección, donde técnica e intuición conviven sin jerarquías claras. Porque en Chapi Wines no se trata de definir el vino, sino de permitir que cuente algo. Y en ese relato —imperfecto, cambiante, honesto— es donde realmente ocurre todo.

¿Cómo empezó Chapi Wines sin una idea clara de “marca” y en qué momento entendiste que ya era algo serio? 
Chapi Wines nació de forma totalmente intuitiva, sin plan ni estrategia de marca. Buscaba un nombre que conectara con la esencia del proyecto y, casi por azar, apareció “Chapi”. Volvía de Georgia cuando una amiga, que trabaja en la Agencia Nacional del Vino, me contó que en georgiano antiguo significa “vasija de barro”. Para mí fue revelador: unía los orígenes del vino con los míos propios y recordaba mi infancia en Chapinería. Supe que el proyecto había trascendido cuando dejó de ser solo mío. El día que la gente empezó a llamarme “Chapi”, creyendo que era un apodo personal, comprendí que aquello ya tenía vida propia y que el vino estaba generando un relato más grande que yo.

¿Qué te dio el vino que no te estaban dando otras formas de trabajar o de vivir? 
Antes de dedicarme al vino, vivía bien, pero sentía que no estaba alineado con mi propósito vital. El vino me ofreció un espacio de libertad emocional y creativa que siempre había relegado: un vehículo para transmitir emociones, una forma de viajar sin moverse. También conecta con lo espiritual y ancestral: me permitió desprenderme de la necesidad de pertenecer a un lugar concreto y, al mismo tiempo, sentirme profundamente enraizado en mis orígenes. Una contradicción hermosa: estar libre y conectado al mismo tiempo.

¿Recuerdas el primer vino que hiciste y qué piensas hoy cuando lo comparas con los de ahora?
Desde el inicio tuve claro que quería trabajar con la uva chelva, que se convirtió en mi uva fetiche. Era ignorada y despreciada, lo que me daba libertad para experimentar sin la presión de un resultado esperado. En 2020 hice mi primer vino en solitario y llevé la experiencia al extremo: con ayuda de amigos, enterré una vasija de barro en mi jardín para emular los qvevri georgianos y el embajador de Georgia ofició la ceremonia. Fue un vino muy expresivo, con demasiadas historias a la vez. Hoy mis vinos son más pausados y reflexivos: siguen siendo expresivos, pero ya no intentan contarlo todo de una sola vez.

Gredos no es un sitio fácil, ¿qué te obliga a aceptar ese territorio que no aceptarías en otro lugar? 
Gredos es mi infancia. Creía conocerlo, pero nunca deja de sorprenderme con nuevos matices bajo su aparente austeridad. Volver en la etapa adulta me permitió aceptar mi identidad y redescubrir lo que sigue atrayéndome de este lugar. Hoy me fascina que aún no exista un estilo definido en los vinos naturales. Esto nos brinda una oportunidad única: intervenir con respeto, recuperar viñedos antiguos y aportar nuestra visión para construir una identidad propia, apostando por vinos ligeros, permeables y profundamente conectados con su herencia ancestral.

¿Qué significa para ti intervenir lo mínimo sin dejar de tomar decisiones importantes? 
La mínima intervención es un mito. Intervenimos siempre, pero lo importante no es la ausencia de acción, sino cómo actuamos: con atención, respeto y sin artificios. Cada decisión —tomarla o no— marca un rumbo distinto. Escuchar lo que pide la uva, sentir su energía y decidir cuánto de la propia quieres aportar es un acto creativo profundo: un diálogo constante entre lo que la naturaleza ofrece y lo que puedes acompañar y potenciar. Es dejar que el vino se exprese con libertad.

¿Qué lugar ocupa lo espiritual o lo invisible en tu forma de hacer vino? 
Lo invisible es el corazón de mi trabajo: la energía que palpita en cada viña y racimo, presente aunque no se vea. Mi papel se parece al de un director de orquesta: escuchar, interpretar y guiar, dejando que cada elemento encuentre su propia voz. En mis viajes por Latinoamérica aprendí de las comunidades indígenas: los objetos y los lugares están vivos y transmiten energía. Esa cosmovisión ha influido en mi manera de trabajar. Cada gesto, cada microdecisión, forma parte de un flujo que hay que acompañar, no dominar. Cada vino cuenta una historia única: se construye con las uvas, la energía colectiva, el contacto con materiales como las ánforas y la fuerza de lo vivo en todo el proceso. Captar ese flujo y dejarlo manifestarse con libertad es lo que da sentido a mi trabajo, y permite transmitir un relato auténtico, vivo y conectado con la energía del mundo que lo vio nacer.

¿Cuánto hay de intuición y cuánto de aprendizaje técnico en lo que haces hoy?
Diría que hay un equilibrio natural. Al principio me guiaba casi exclusivamente por la intuición; necesitaba explorar desde la experiencia directa. Con el tiempo, la técnica apareció a través de la observación y la experimentación. Eso me permite entender mejor cada variable y ser más preciso sin perder la esencia del proyecto. La intuición sigue siendo el punto de partida que mantiene vivo a Chapi Wines.

¿Hay algo que solo se aprende fallando una vendimia entera?
La vendimia es una experiencia casi vital. Hasta que no la vives en primera persona no comprendes la cantidad de factores que intervienen ni la presión de decidir con recursos limitados. Con los años aprendí que solo tiene sentido si se piensa y actúa colectivamente durante todo el ciclo, y que cada decisión se enriquece al compartir y aprender en comunidad.

¿Qué parte del proceso disfrutas menos pero sabes que es imprescindible?
Disfruto casi todas las etapas. Lo más duro es comprender que muchos procesos no se pueden automatizar. Elaborar ancestrales fue un reto constante: degüelle, enfriar y rellenar botellas una a una… horas de trabajo para pocas botellas. Pero cada prueba y error permitió encontrar una metodología que respeta el proceso y mantiene la esencia del proyecto.

Has trabajado mucho con ancestrales, ¿qué te interesa de la burbuja más allá de lo técnico?
La burbuja conecta con mi manera de mirar el vino y la vida. Es paciencia, espera, energía viva que palpita en cada botella. No es solo un efecto técnico: representa unión, conexión y fuerza compartida. En mis vinos —Bango, Bubbles y casi todos los demás— la burbuja está presente como símbolo de unión y conexión.  Me enseña a escuchar, a confiar en los ritmos de la naturaleza y del tiempo, a dejar que la vida fluya y se manifieste con su propio pulso.

Cuando alguien dice “este vino es raro”, ¿cómo lo recibes? 
“Raro” nunca es negativo para mí. Siempre lo entendí como una forma de escapar de la uniformidad y buscar identidad. Mis vinos son extensión de quién soy. Me interesa ese diálogo: leer a las personas y generar relatos con los que puedan empatizar. Bienvenidos los vinos que se atreven a ir más allá para contar historias auténticas.

¿Te sientes más agricultor, más artesano o más narrador cuando hablas de tus vinos?
Me muevo entre la artesanía y la narrativa. Cada añada de un vino implica crear una pieza única e irrepetible que, al mismo tiempo, desarrolla su propio relato. Estar presente en todas las etapas —desde el cultivo de la uva hasta el diseño de la etiqueta y el encuentro con quien lo bebe— permite que cada vino encuentre su ritmo y su identidad. El vino natural es el canal que encontré para expresarme sin perder matices. Mis vinos son como películas en las que intervienen muchos agentes —uvas, materiales, energías, tiempo—, y todos ellos van moldeando la historia que finalmente llega a la copa.

¿Cómo se sostiene económicamente un proyecto pequeño como Chapi sin perder coherencia por el camino?
Chapi Wines se sostiene gracias al equilibrio entre varios proyectos y a la decisión consciente de mantenerlo pequeño. Actualmente elaboro unas 2.500 botellas al año, priorizando la calidad sobre el volumen. Mientras pueda seguir creando con libertad, mejorando procesos y siendo eficiente sin perder coherencia con mis valores, el proyecto tiene sentido. El día que eso se pierda, dejará de tenerlo.

¿Qué papel juegan los bares y la distribución en la vida real de tus vinos, más allá del relato?
Son fundamentales. Bares y distribución son el contacto real entre el vino y las personas; allí el relato se vuelve experiencia. Empecé a distribuir antes de la pandemia y eso me permitió construir una red de clientes con quienes sigo en diálogo constante. Parto de varios proyectos que comparten la misma idea: ir más allá del vino para conectar personas, lugares y territorios.

¿Sientes que el vino natural se ha vuelto más accesible o más confuso para quien se acerca por primera vez?
Ambas cosas. La oferta creciente hace que el vino natural sea más visible y accesible, pero también puede generar confusión, porque a veces se percibe como una tendencia y no como una forma de vivir y relacionarse con el entorno. Para mí, el vino natural no está ligado a una estética concreta, sino a una filosofía de vida. El reto está en equilibrar la difusión con la profundidad del mensaje, apoyándose en personas que lo vivan y lo comuniquen desde su propia experiencia.

En tu forma de trabajar aparecen elementos casi rituales. ¿Qué papel juegan el ritual y lo simbólico en tu manera de hacer vino?
El vino siempre tiene algo ritual. Tiene que ver con cómo te sitúas frente al proceso: con respeto y atención, aceptando que no todo se puede controlar. Georgia fue clave, no solo como origen del vino, sino por su forma de trabajar desde lo ancestral, devolviendo a la tierra lo que recibes de ella. En mi primer vino enterré una vasija de barro en mi jardín (qvevri) como ceremonia, pero entendí que el ritual está en lo cotidiano: en acompañar al vino y aceptar su propio ritmo.

Si tuvieras que condensar todo lo que es Chapi Wines en un solo vino, ¿sería ‘Mar’?
Sí. Mar nace de una ausencia y se alimenta de esa energía, espejo del mar interior que intento sostener y comprender. Está construido en capas superpuestas, cada una con vida propia, entrelazadas como un puzzle: metáfora de la inmersión en el “mar interior” de Gredos y de nuestra mente. Mar es un ritual líquido: deja espacio a lo que no se puede controlar, a lo que sucede más allá de lo técnico. Convergen aprendizajes de Georgia y de Latinoamérica: respeto a lo vivo, conexión con lo ancestral y fuerza de lo invisible. Es un relato emocional, espiritual y profundo, que transforma la ausencia en presencia y fuerza, e invita a habitar el vino mientras lo vivimos.

CHAPI WINES

JOANA VASCONCELOS. TRANSFIGURACIÓN
Exposición del 29 may. al 27 sept. 2026
Museo Picasso Málaga

Antes de que las salas se llenaran, antes de las fotos y del murmullo de inauguración, hubo una conversación. El día anterior, Joana Vasconcelos apareció en el Museo Picasso Málaga casi sin escenografía: fue la palabra la que nos acercó a ella y a su obra. Un gesto estratégico, generar, si cabe, aún más ganas y expectación y poner voz a lo que luego sería exceso, volumen, materia desbordada. Porque lo que vino después, la inauguración de Transfiguración —que puede visitarse del 29 de mayo al 27 de septiembre de 2026 en el Museo Picasso Málaga— no se entiende sin esa antesala.

Ayer, el Museo  Picasso de Málaga no era un espacio silencioso, afuera, un grupo amplio de gente esperaba, no era la típica entrada ordenada: había expectación real, una energía rara, ese momento en que todavía no has visto nada pero ya estás dentro de algo. Gente hablando, mirando hacia las puertas, como si supieran que lo que había dentro no iba a ser neutral. Y no lo es.

Vasconcelos trabaja desde lo reconocible, pero lo lleva al límite. Textiles que dejan de ser domésticos, cerámicas que abandonan lo decorativo, formas que parecen sacadas de la vida cotidiana pero crecen hasta volverse otra cosa. No hay transformación sutil: hay exageración, acumulación, casi exceso. Lo interesante no es solo el resultado, sino el desplazamiento. Lo que antes era íntimo aquí se vuelve público. Lo que parecía menor ocupa ahora el centro. Hay algo claramente político en esa escala, aunque no se subraye: una manera de insistir en que lo cotidiano también construye relato.

Pero hay algo más, y es quizá lo que termina de activar la exposición. La obra de Vasconcelos es profundamente estimulante, seas artista o no, la cantidad de universos que propone y la libertad con la que utiliza los materiales abren posibilidades, desplazan límites, invitan, casi empujan, a hacer, a crear. Y salir de una exposición con esa sensación, con la cabeza en movimiento, con ganas de probar, de pensar distinto, es una de las experiencias más placenteras que puede ofrecer el arte.

La exposición no pide contemplación pasiva. Te obliga a moverte, a esquivar, a rodear piezas que parecen tener vida propia. Por momentos, más que una muestra, funciona como un ecosistema extraño donde todo está ligeramente fuera de lugar. Y, sin embargo, encaja. Quizá porque el gesto de Vasconcelos conecta con algo muy contemporáneo: la necesidad de revisar lo que damos por hecho, de volver extraño lo familiar, de tensar los límites entre cultura popular, artesanía y arte. Lo que ocurrió estos dos días en Málaga tiene algo de secuencia bien medida: primero entender, o creer entender, luego experimentar, es decir, primero la artista, después la obra. Entre ambos momentos, una constante: la gente.

Y también una decisión que no pasa desapercibida, la del Museo Picasso Málaga al apostar por una artista que, no solo por el hecho de ser mujer y portuguesa, del país vecino al que, demasiadas veces, apenas miramos, si no por aportar por una artista que transmite su forma de entender el arte desde una mirada profundamente comunitaria y espiritual y pacífica y esto, en el momento en el que nos encontramos, es profundamente necesario.

Hay acierto en ese gesto: abrir foco, desplazar el centro, recordar que lo cercano también puede ser radicalmente desconocido. Porque si algo quedó claro en la inauguración es que el arte, cuando activa algo, convoca y ayer, antes incluso de entrar, ya estaba pasando.

Más información: Joana Vasconcelos Transfiguración

Vistas de sala de la exposición Joana Vasconcelos. Transfiguración.
Foto: Jesús Domínguez © Museo Picasso Málaga
© Joana Vasconcelos, VEGAP, Málaga, 2026

La ciudad de Vitoria-Gasteiz volverá a convertirse este verano en uno de los grandes epicentros europeos del jazz con la celebración de la 49ª edición del Festival de Jazz, que tendrá lugar del 13 al 18 de julio. Una cita que, fiel a su historia, combina grandes nombres internacionales, propuestas innovadoras y una cuidada apuesta por el talento emergente.

El cartel de este año refuerza la identidad del festival como espacio de encuentro entre tradición y vanguardia. Sobre el escenario principal de Mendizorrotza, el público podrá disfrutar de figuras de enorme peso como el icónico Rubén Blades, que ha elegido Vitoria como punto de partida de su gira española. El artista panameño actuará el 17 de julio acompañado por la big band de Roberto Delgado, en un concierto que promete recorrer tanto su nuevo trabajo Fotografías como algunos de los himnos más emblemáticos de su carrera .

sun ra arkestra

La programación también mira al jazz vocal con una noche destacada protagonizada por Gretchen Parlato y el legendario grupo a capela Take 6. La cantante estadounidense, una de las voces más influyentes de su generación, presentará nuevo material en uno de los primeros escenarios europeos, mientras que Take 6 desplegará su inconfundible virtuosismo coral tras más de cuatro décadas de trayectoria .

Otro de los grandes reclamos será la presencia de Sun Ra Arkestra, auténtico referente del afrofuturismo musical, que llevará su espectáculo “intergaláctico” a Mendizorrotza el 16 de julio. Con más de sesenta años de historia, la formación continúa expandiendo los límites del jazz con una propuesta escénica única que mezcla free jazz, swing y una potente dimensión espiritual .

Más allá de las grandes figuras, el festival mantiene su compromiso con las nuevas generaciones a través del ciclo Jazz en el Europa, que reunirá a algunos de los nombres más interesantes del panorama actual. Artistas como Amaro Freitas, New Jazz Underground, Kris Davis o Isaiah Collier ofrecerán una panorámica de las tendencias más innovadoras del género, en un formato más cercano que permite descubrir el pulso creativo del jazz contemporáneo .

La edición de 2026 también cuenta con una identidad visual renovada, firmada por la ilustradora Andrea Espier, que ha apostado por una imagen expresiva centrada en la intensidad corporal del músico durante la interpretación, alejándose de los clichés habituales del género .

Snarkey Puppy by Annemone Taake

Con esta combinación de estrellas consagradas, exploración sonora y talento emergente, el Festival de Jazz de Vitoria reafirma su posición como uno de los eventos imprescindibles del calendario musical europeo, capaz de atraer tanto a los puristas del género como a nuevas audiencias en busca de experiencias musicales únicas.

Entradas y más información

The Bad Plus by Evelyn Freja

New Jazz Underground by Kasia Idzkowska

Isaiah Collier

Amaro Freitas Trio

Con motivo de la clausura de la exposición de Elena Asins, el jueves por la noche, el Museo Picasso Málaga dejó de ser solo un museo para expandirse más allá de la tradicionalidad de la visitas con un formato en el que además de visitar la obra de Asins, tuvimos la oportunidad de ver creaciones de alumnos de la ESAD y de Bellas Artes, en torno a la obra.

En la penumbra contenida del Museo Picasso Málaga, donde el acero corten de Elena Asins se eleva como un pensamiento hecho estructura, el cuerpo irrumpe. No como ornamento, sino como sistema. Hablar de Asins es hablar de una rareza lúcida dentro del contexto artístico español. Desde finales de los años sesenta, cuando el uso de ordenadores en el arte era todavía territorio incierto, su práctica ya operaba en clave de sistema, lenguaje y lógica matemática. Vinculada al Centro de Cálculo de la Universidad Complutense, fue una de las primeras artistas en España en trabajar con algoritmos, no como herramienta estética, sino como forma de pensamiento. Su obra no representaba: construía. Traducía estructuras invisibles, el lenguaje, la repetición, la variación, en formas rigurosas, casi ascéticas, que desafiaban cualquier lectura emocional inmediata. En ese contexto, Antígona (2015), su última pieza, funciona como síntesis: un intento de convertir el conflicto trágico en arquitectura. No ilustrar el mito de Sófocles, sino procesarlo. Aquí, Antígona no es solo un personaje: es una secuencia, un código en conflicto, una instrucción que falla.

La primera parte de las performances es de parte de los alumnos de la ESAD. Los intérpretes operan como si estuvieran dentro de una lógica invisible: repiten, se desplazan, se interrumpen. Hay algo casi maquínico en sus movimientos, pero también una fricción constante, una resistencia que desborda la estructura. Como si el algoritmo, ese intento de ordenar el mundo, no pudiera contener del todo la urgencia ética del gesto.

Seguidamente los alumnos de Bellas Artes, ampliaban la experiencia, ampliando lo escénico a lo visual con una propuesta en la que interactuaban con la obra. Desde la premisa universal de los museos “no toca”, desafiaban este principio, acercándose desde lo sonoro y lo físico.

Pero más allá de las piezas, la escena se expandía y el evento se desbordaba hacia lo social: música a cargo de Jonh Hurt, cóctel en mano, y una afluencia notable de público joven, que convertían la visita en algo más cercano a un ecosistema cultural que a una simple exposición. No era solo asistir: era habitar el espacio.

Quizá ahí está una de las claves. No solo en la importancia de Elena Asins como pionera en introducir el pensamiento computacional en el arte español, anticipando debates actuales sobre sistemas, datos y estructuras, sino en cómo su legado sigue activando nuevas formas de creación. Porque si algo demuestra esta activación en el museo es que su obra no está cerrada: sigue funcionando como código abierto.

Miguel López-Remiro Forcada, Director del Museo Picasso presentando el acto

alumn@s de Bellas Artes de la UMA

Esta semana arrancó el ciclo “Flamenco lo serás tú 2026” en el Teatro Cervantes de Málaga con “Calentamiento” de Rocío Molina, y con un sold out muchos días antes del espectáculo, no fuimos los únicos que salimos con la sensación de haber presenciado algo que desborda los límites de lo que entendemos como espectáculo de danza.

La pieza se articula en torno a una idea tan sencilla como poco habitual en escena: el calentamiento, ese momento previo que normalmente permanece oculto. Sin embargo, aquí no es un trámite, sino el núcleo de la obra. Ese “antes” se expande, se dilata y se convierte en un territorio escénico en sí mismo, donde el cuerpo se activa, la mente se concentra y la energía empieza a tomar forma sin necesidad de culminar en un clímax convencional. Es casi como si el espectáculo se negara a empezar en el sentido tradicional, obligando al espectador a replantearse su propia expectativa. Desde ahí, lo que se despliega es una investigación profunda sobre el cuerpo y el proceso creativo. Molina no busca construir una narrativa cerrada, sino abrir un espacio donde se pueda observar el trabajo en bruto: la repetición, el desgaste, la insistencia. Hay algo casi obsesivo en determinados pasajes, especialmente en el uso del zapateado, que deja de ser solo virtuosismo para convertirse en lenguaje, en pensamiento rítmico, en resistencia.

Aunque cada vez está más superado, pero uno de los aspectos de la propuesta es cómo desmonta ciertos tópicos muy arraigados sobre el flamenco. Frente a la idea simplificada de espontaneidad o de celebración constante, aquí aparece con claridad el rigor que sostiene este arte. El cuerpo de la bailaora se trabaja con una exigencia equiparable a la de un deportista de élite, llevado al límite físico sin perder precisión. Pero, al mismo tiempo, hay una dimensión intelectual muy evidente: cada gesto, cada silencio, cada decisión escénica parece atravesada por una reflexión. Gracias a artistas como Molina, se pone en valor y se ensalza el trabajo de tantos flamencos y flamencas que construyen su lenguaje desde el estudio, la investigación y una dedicación profunda.

El acompañamiento musical merece un reconocimiento propio, el equipo de cante de voces femeninas, que no se limita a acompañar, sino que dialoga con el cuerpo en escena construyendo una atmósfera que oscila entre lo colectivo y lo íntimo, entre la expansión y el recogimiento.

Destaca especialmente el íntimo momento de Oruco en proscenio: un instante de desnudez escénica en el que todo se reduce a lo esencial y donde la emoción aparece sin artificios. Es un momento de pausa, de verdad, que deja una huella profunda.

La obra avanza así entre distintos estados, y por momentos adquiere una cualidad claramente onírica, donde Molina se muestra polifacética y muy cómoda haciendo uso de otras virtudes, que no se limitan solo al baile. Como si entráramos en la mente de la bailaora, asistimos a esos espacios de soledad que forman parte del proceso creativo: dudas, miedos, bloqueos, pero también descubrimientos. Hay una sensación constante de estar atravesando algo interno, no siempre cómodo, pero sí auténtico. Y es precisamente en ese tránsito donde surgen los momentos de trance, en los que el cuerpo parece dejar de responder a una lógica racional y conecta con algo más profundo, más instintivo.

Lejos de buscar la complacencia, la pieza asume el riesgo como parte de su lenguaje. Hay fragmentos que pueden desconcertar, que exigen tiempo y disposición por parte del espectador, pero esa exigencia es también una invitación: la de implicarse activamente, la de abandonar la mirada pasiva y dejarse atravesar por lo que está ocurriendo.

“Calentamiento” no es un espectáculo fácil ni convencional, pero sí profundamente honesto y estimulante. Es una obra que habla del proceso, del esfuerzo invisible y de todo aquello que no suele mostrarse: el trabajo previo, la fragilidad, la insistencia y la búsqueda constante. Una propuesta que no solo amplía los límites del flamenco, sino que también dignifica y pone en valor la complejidad y la profundidad de quienes lo habitan.

Ahí reside buena parte de su singularidad. El libro no se limita a encadenar episodios curiosos, sino que revela todo un mundo de gestos, malentendidos, diálogos y situaciones que humanizan un ámbito normalmente asociado a la frialdad administrativa. Esa mirada, cercana pero también reflexiva, conecta con la trayectoria de su autora, Mari Ángeles Pulido González (Málaga, 1963), vinculada tanto a la escritura como a la investigación y al estudio de la Filología Hispánica.

La acogida de la primera edición, presentada el pasado noviembre, confirmó que la propuesta tenía un alcance mayor del esperado: los ejemplares se agotaron rápidamente y el libro comenzó a circular entre lectores que lo han compartido incluso desde lugares lejanos. Ahora aparece una segunda edición ampliada con dos nuevos capítulos, surgidos a petición del propio público. Uno de ellos aborda la Educación Tributaria desde una perspectiva divulgativa, combinando pedagogía, experiencia y nuevas anécdotas.

Solo con cita previa demuestra, en definitiva, que la literatura también puede nacer en los lugares más inesperados y que hasta detrás de un mostrador hay historias capaces de conquistar a los lectores.

La autora estará en la Feria del Libro de Málaga el día 7 de mayo, a partir de las 19:00 h., en la caseta de la Asociación de Editores de Andalucía. Podréis conversar con ella y, por supuesto, os firmará el libro.

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Háblanos de tus comienzos en el skateboard y la fotografía Sem, de donde vienes…
Soy de Blanes, Girona. He patinado desde los 10 años, pero descubrí la fotografía bastante tarde, a los 25 años. Llevaba una racha de lesiones que me hizo replantearme qué hacer. Hasta entonces todo había girado en torno a patinar y la fotografía fue la forma de seguir conectado al skate de una forma directa.
A partir de ahí empecé a trabajar como fotógrafo en la revista Kingpin a principios de los 90, y luego alrededor de 2008 empecé a trabajar con Juice Design en San Francisco haciendo fotos de campañas publicitarias mayoritariamente para Adidas Skateboarding durante unos diez años.

¿Recuerdas la primera vez que viste a Mark patinar? ¿eras seguidor de su skateboard y su trabajo antes de hacer su libro?
En video fue en el “Video Days” de Blind que también descubrí bastante tarde ya que no teníamos casi acceso a videos al vivir lejos de la ciudad. Sabía que escribía poesía y siempre me habían gustado los gráficos de sus tablas. Al empezar a trabajar con Adidas fue cuando le conocí y empecé a conocer su arte más. La primera vez que le vi en directo e hice fotos con él fue en Brasil, 2010. A partir de ese momento sí me interesé más por su arte, aunque era difícil de encontrarlo. Por suerte, coincidí en un par de exposiciones que hizo donde pude ver como trabajaba, y también visité muchas veces su estudio en Chinatown.

¿Cuál es la génesis de este proyecto? 
Este proyecto empezó un poco por causalidad. Hacía años que conocía a Mark, pero siempre que habíamos coincidido en medio de viajes donde tenías tiempo de centrarte en trabajo, trabajo y más trabajo con una lista de 200 obligaciones que hacer y con cada hora del día cronometrada. Tenía muchas ganas de volver a hacer un viaje de skate como los de antes, ya sabes… sin obligaciones de ningún tipo por parte de las marcas ni catálogos ni todo eso que es tan importante para la industria y tan profundamente aburrido para los patinadores… y en 2017 se dio la oportunidad. Le pregunté a Mark si quería hacer un viaje de skate-rats y le encantó la idea. Él tenia ganas de ir a Palermo desde hacía tiempo, ya que la familia de su mujer, Tia, es original de allí y además le interesaba mucho las culturas antiguas.
Así que monté el viaje a Palermo con Mark, Lucas Puig y Blondey McCoy. Al principio pensaba en hacer un artículo para Thrasher o algo así, pero al ver todo el material que habíamos sacado en solo 3 días con Mark divirtiéndonos… me pregunté qué pasaría si hiciéramos un par de viajes más como ese. Les pasé a Mark y Tia un boceto de libro solo con las fotos que hicimos en Palermo, con unas 50 paginas y les gustó mucho, así que dieron luz verde al libro de fotos con Mark.

El libro lo edita Rizzoli, una de las editoriales más prestigiosas del mundo. ¿Cómo surge esa gran oportunidad? 
Una vez me puse a trabajar en el proyecto del libro necesitaba gente que pudiera hacer tareas que yo no podía hacer. Así que conté con mis amigos de Cascade Berlin (Julian Dykmans y Lou Savoir) para que me ayudasen en tareas de producción. Ellos se encargaron de presentar mi proyecto a Rizzoli entre muchas otras cosas y lo aceptaron. Estamos super contentos por esto. De hecho, el listón del libro subió muchísimo al conocer que Rizzoli lo iba a publicar.

El libro son fotografías de un solo skater (Mark) realizadas por un solo fotógrafo (tu, Sem Rubio). Háblanos de estas fotografías. ¿Qué recorrido hacen, en años, en lugares, en momentos…? ¿El libro tiene un orden, discurso o concepto más allá que el de fotografiar a Mark durante unos años de su vida en diferentes partes del mundo?
Las fotos han sido tomadas en los últimos 10 años. El libro tiene un formato no-lineal de la vida de Mark Gonzales actual: su arte, su skate, sus amigos, su familia. Queríamos que fuese así, bastante caótico a primera vista, porque Mark es así y el libro no podía ser de otra forma; digamos que es más un poema visual que otra cosa.
Desde el principio tuve claro que tenía que ser algo actual y que no estuviera centrado en el Mark de los 80 y 90, tanto en la fotografía como en el arte de Mark. El Gonz de los 80 está muy bien, pero se ha escrito, grabado y fotografiado más que suficiente. Me interesaba mucho más mostrar al Gonz de ahora que al del pasado… eso creo que también encaja mucho con su forma de ver las cosas.
Por lo demás, me centré en explicar una historia que tuviese sentido para Mark, Tia y para mí. El lector ya encontrará su propio sentido en todo ese caos, lo cual es algo que siempre me ha gustado del arte en la fotografía o cualquier otra disciplina.
Dicho esto, trabajé mucho en el orden de las fotos y del arte. He intentado que no haya nada gratuito y que cada foto estuviese ahí por una razón, bien por una alusión a una entrevista, bien por una conexión a una pieza de arte, bien por una conexión a otra fotografía.  El fin del libro no era hacer una cronología de la historia de Mark sino meterte en su universo actual durante un rato.

¿Hay arte y poemas en el libro de Mark? ¿Que nos puedes decir al respecto de esa otra parte del contenido?
¡Por supuesto! Hay poemas, dibujos y pinturas, la gran mayoría recientes. Era imprescindible contar con todo esto, no hubiera tenido sentido de otra forma. La fotografía está directamente relacionada con el arte que se muestra, y viceversa. De nuevo Tia ayudó muchísimo compilando todos los archivos de Mark en diferentes galerías de arte por todo EEUU.

El libro nos parece una maravilla del diseño editorial ¿Quién te ha acompañado en la realización de este trabajo, en el diseño, incluso viajando por el mundo con Mark, etc…? Por no hablar de los textos de todos los que participantes como Spike Jonze, Tommy…. ¿Quiénes son estos amigos de Mark que escriben en el libro? ¿Quién te ha sorprendido más de todos?
Albin Holmqvist es el diseñador gráfico del libro, un tipo estupendo de Suecia con un gusto y profesionalidad que te echan para atrás. Luego como mencioné antes mis amigos de Cascade Berlin: Julian Dykmans y Lou Savoir, que se encargaron de ayudarme con partes de la producción donde yo no llegaba, sobretodo con los textos. Las entrevistas las hizo exclusivamente Lou, excepto alguna que hizo algún otro colaborador externo. De ahí la importancia de tener un buen equipo, estoy super contento del resultado y se que todos se dejaron la piel en un proyecto con muy poco dinero, pero mucha pasión.
En cuanto a las entrevistas, el gran mérito de todo esto es de Tia que nos abrió las puertas a estos grandes nombres del cine, el diseño y el arte. Me encantan todos, quizás el que más es Spike Jonze, no solo porque siempre me ha gustado lo que ha hecho en el cine sino porque a pesar que fue la primera persona que quería que participase en el libro no fue hasta los últimos días que lo confirmó con su entrevista y con las fotos que nos envió.

¿Cómo crees que ha influido Mark Gonzalez en el skateboard? ¿No crees que es uno de los mayores representantes del skate art de toda esa generación de los 90 junto a Templeton, Jason Lee, Guerrero, Spike Jonze, Andy Jenkins, Natas Kaupas…?
Creo que representa una parte importantísima del patín en los 80-90, donde introdujo una forma de patinar y de ver el skate que no se había visto hasta entonces. Pero el skate es una rueda colectiva donde lo que hace uno empuja al que tiene al lado y de esta forma la rueda nunca para de girar. Mark es un genio, pero también lo fue Natas, Hensley, Guerrero, Jason Lee y tantísimos otros que con su talento hicieron que la rueda siguiera girando. Cada uno de ellos se merece todo el reconocimiento.

Vienes del movimiento skate de los 90 y de trabajar en una industria que ha cambiado mucho en los últimos años, por las redes sociales. ¿Qué opinas de todo este cambio en la industria? Uno tiene la sensación de que han desaparecido las marcas medianas y solo hay o muy grandes o muy pequeñas, que llevan algunos amigos con sus redes sociales. También parece que han desaparecido maneras de difundir el skateboard años atrás, como eran campeonatos, realización de videos largos, colaboraciones con artistas… al parecer por una falta de presupuestos que ahora están destinados a redes sociales, sobre todo, al ser un terreno donde competir a diario por vender la ropa y el producto core….
Las redes sociales están destrozándolo todo, ¿es que hay alguien que no se haya dado cuenta aún?
Es básicamente un escaparate falso que aplaude ideas mediocres y perfiles hinchados.
Culturalmente, el skate siempre ha marcado la diferencia precisamente porque se ha alejado de los ‘mainstreams’ y de lo comercial. Los patinadores le daban la espalda a todo lo que fuese comercial, siempre fue la Moda que seguía el Skate. Ahora es todo lo contrario.

Las revistas y la fotografía, los videos que tardaban años en hacerse, las exposiciones, las colaboraciones con artistas, los zines, los campeonatos épicos… todo eso era clave en la continuidad de esta cultura. Pero sobre todo, es que no era tan fácil acceder a toda esta cultura. Estaba escondida y encontrarla era un tesoro. En mi opinión esa era la esencia que hizo que millones de niños se enamorasen del skate durante años… pero eso ya no está. Ya no es “cool” leer revistas de Skate, es más “cool” ver 5000 clips malos en Instagram y colgar emojis.
Creo que tenemos que de redescubrir de nuevo la forma de huir de todo este rio de comercialidad en el que nos han metido y hacer de la cultura del patín algo especial de nuevo como cultura underground, tan increíblemente RICA, tan creativa en otras épocas y tan vacía ahora en comparación.

¿Este libro va a ir más allá y se va a convertir en exposición o documental, etc…? ¿Qué nos puedes contar al respecto?
Se va a convertir en exposición y estoy super ilusionado. Debido a la pandemia no pudimos hacer nada público al sacar el libro, así que la primera exposición del libro será en el festival Moments de Málaga, en octubre de 2021.

¿Has editado otros libros aparte de este? Háblanos de otros trabajos tuyos, tanto del pasado como algunos que planteas de cara al futuro.
Hice un libro para Adidas en 2016 (Away Days) pero no lo edité, solamente puse mis fotos y la gente de Juice Design lo diseñó casi todo.
Este es el primer libro que hago completamente yo de principio a fin, siempre con el visto bueno de Mark y Tia en cada paso. Pero sí, ha sido una experiencia muy guapa contar con un equipo de amigos y super profesionales bajo mi supervisión, trabajando en el diseño, la edición, la producción y los textos. Una montaña rusa también…y muchas veces nadando en contra dirección ya que es un proyecto independiente y me costó muchísimo encontrar los fondos para financiarlo. Pero al final lo conseguimos, pese a los obstáculos que activamente o pasivamente nos iban poniendo algunas personas. Todo ha sido gracias a gente que genuinamente creyó en el proyecto y que ayudó desinteresadamente. Yo me quedo con esa parte de la cultura del skate.

www.semrubio.com

RIZZOLLI

This is an invitation to dive into the spirit of art + culture, with creations designed for those who look beyond products — pieces that tell stories and become part of everyday life.

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Cuatro días que mezclan tradición, vanguardia y un pulso independiente innegociable

El Primavera Sound Porto regresará al Parque da Cidade del 11 al 14 de junio de 2026 con una edición que, más que sumar nombres a un cartel, parece querer definir un mapa musical: un territorio donde conviven artistas que arrastran décadas de influencia con proyectos que operan desde márgenes creativos muy alejados de las dinámicas comerciales. La organización ha presentado la programación completa, confirmando un recorrido que va del pop global al post-hardcore histórico, pasando por el noise, el post-punk y las ramas más recientes de la electrónica.

 

idles

 

A diferencia de años anteriores, la edición de 2026 se articula como un relato sonoro continuo, donde cada jornada persigue un clima específico. El jueves se abre con la vuelta a los escenarios de The XX, que encabezan un día centrado en la intimidad expansiva: melodías contenidas, narrativas personales y un tono emocional que se completa con propuestas de sensibilidad afín dentro del indie contemporáneo.

 

Duquesa

 

El viernes, en cambio, aparece como la jornada más transversal, con Gorillaz al frente de un programa que combina electrónica accesible, pop experimental y bandas de guitarras que rehúyen la previsibilidad. En esta capa intermedia del cartel se encuentran varios de los proyectos que refuerzan la identidad del festival: grupos que funcionan como bisagra entre escenas —ni masivos ni estrictamente minoritarios— y que permiten entender por qué Oporto mantiene un carácter más orgánico que otras ediciones del Primavera Sound.

 

 

La jornada del sábado se perfila como la más intensa. Massive Attack asumirán el papel central, pero buena parte del interés de este día se desplaza hacia el terreno subterráneo del cartel: ahí aparecen bandas que, aun sin protagonismo mediático, aportan una textura que define el ADN del festival. El retorno puntual de algunas formaciones históricas del underground, la presencia de propuestas contemporáneas afiladas y las lecturas actuales del post-punk británico construyen una jornada con peso propio, donde las guitarras abrasivas, las estructuras tensas y las narrativas fragmentadas conviven sin necesidad de compartimentos.

El domingo, ya en formato diurno, queda reservado para la electrónica y los ritmos más físicos. Con Peggy Gou y Dixon como figuras centrales, el cierre será na despedida por todo lo alto. La transformación del recinto en una gran pista al aire libre confirma que el festival sigue apostando por una clausura que respira otro tempo y otro tipo de interacción con el público.

 

 

La edición más transversal: grandes nombres, memoria alternativa y nuevas voces

Uno de los rasgos distintivos del Primavera Sound Porto 2026 es la manera en que el cartel integra propuestas de procedencias muy distintas sin generar rupturas. Entre los artistas independientes que completan la arquitectura del festival destacan nombres vinculados al post-hardcore, al noise neoyorquino de última generación, al post-punk renovado, al indie experimental, al rock abrasivo y a la electrónica inquieta. Su presencia —que incluye a formaciones históricas, bandas de culto y proyectos recientes— no aparece como un guiño simbólico a la escena alternativa, sino como un pilar estructural de esta edición.

Precisamente esa convivencia —entre artistas capaces de llenar titulares y otros que mantienen su obra lejos del circuito mayoritario— define la identidad de Porto dentro del universo Primavera: un festival donde el riesgo no es un eslogan, sino una decisión concreta dentro de la programación.

 

Nation of Language

 

Un festival que mantiene escala y espíritu

El Parque da Cidade vuelve a ser determinante. Su amplitud, su geografía natural y su integración en la ciudad permiten una experiencia menos masificada que otros grandes eventos veraniegos. La propuesta de 2026 mantiene esa escala contenida, reforzando una sensación de proximidad entre público y artistas que distingue a la edición portuguesa desde sus primeros años.

Los abonos y pases diarios ya están a la venta. Se prevé una alta afluencia de público procedente tanto de Portugal como del resto de Europa, especialmente en las jornadas centrales. Durante esos cuatro días, Oporto volverá a experimentar el cambio habitual que trae el festival: aumento de actividad cultural, ocupación hotelera al límite y una ciudad que, más allá del recinto, respira un ambiente musical continuo.

TICKETS – PRIMAVERA SOUND PORTO

 

 

Una edición que propone un mapa, no solo un cartel

El Primavera Sound Porto 2026 no se presenta únicamente como una suma de artistas, sino como una lectura del estado actual de la música: sus tensiones, sus capas superpuestas y sus escenas que se resisten a desaparecer. La combinación de grandes referentes con proyectos de culto —desde veteranos del underground hasta nuevas propuestas que rehúyen la comodidad— convierte esta edición en una de las más cohesionadas y significativas del festival en Portugal.

 

Criolo, Amaro y Dino

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Hay libros que documentan una escena y hay libros que la devuelven a la vida. “’93 Til: A Photographic Journey Through Skateboarding in the 1990s” no intenta explicar el skate noventero, colo mostrarlo sin filtros y sin nostalgia impostada.

Estamos hablando de una década donde el skate no era contenido: era pertenencia e identidad y era además, sobrevivir a la periferia, a los suburbios, al aburrimiento estructural. Aquí hay asfalto agrietado, spots robados, hay caídas que duelen y miradas que desafían y todo ello, antes de los likes, antes de los parks perfectamente diseñados, antes del branding milimétrico.

El libro funciona como cápsula del tiempo pero sin la solemnidad museística. Las imágenes respiran grano, flash directo, encuadres urgentes. Nada está domesticado. La fotografía no busca la perfección técnica: busca la verdad del momento. Y eso lo cambia todo. Se siente el espíritu DIY. Se siente que nadie estaba pensando en el legado, sino en la siguiente sesión.

Lo interesante de “’93 Til” es que no se queda en el truco, si no que se mete en el backstage emocional de la época: el punk, el hip hop crudo, los fanzines, los vídeos VHS que se copiaban cien veces hasta volverse fantasmas. El skate en los 90 no era deporte olímpico, era contracultura. Era decir “no” a casi todo y este libro entiende eso sin romantizarlo en exceso.

No hay glorificación forzada, hay una generación construyendo su propio lenguaje visual. La energía de lo irrepetible

Mirar estas páginas es enfrentarse a algo que ya no existe del todo y no porque el skate haya muerto, sino porque esa inocencia rabiosa, ese anonimato libre, esa sensación de estar haciendo algo que solo le importa a tu crew… eso sí es irrepetible. “’93 Til” captura el momento previo a la profesionalización total, el instante donde todo era posible y nada estaba asegurado y quizá por eso, emociona.

Este libro es sin duda, para todos los amantes del skate, tanto para quien vivió esa década y quiere recordar cómo olía el grip nuevo, como para quien no la vivió y quiere entender por qué los 90 siguen siendo referencia estética constante. Porque al final, este libro no trata de nostalgia, trata de energía y la energía, cuando es real, no envejece.

Oro Editions, bajo el sello Goff Books

En esta entrevista con STAF Magazine, los Hasegawa revelan cómo su experiencia como diseñadores en Nueva York y su pasión por el surf dieron forma al ADN único de la marca. Su enfoque radica en crear prendas que sean cómodas tanto en entornos urbanos como en la naturaleza, con un diseño que rinde homenaje al espíritu aventurero de épocas pasadas. Desde chaquetas técnicas hasta mochilas y pantalones utilitarios, cada pieza está elaborada con materiales de alta calidad, priorizando la durabilidad y el detalle artesanal.

Battenwear no solo es ropa, es un estilo de vida para los exploradores modernos. Los diseños versátiles permiten a los usuarios moverse con libertad, ya sea caminando por la ciudad, surfeando en la costa o explorando senderos. Este equilibrio entre lo retro y lo contemporáneo ha conquistado a un público global que busca autenticidad y funcionalidad en su guardarropa.

Para los Hasegawa, Battenwear es un tributo al amor por los pequeños placeres de la vida al aire libre, uniendo lo mejor de ambos mundos: el diseño atemporal y las demandas de la moda actual. Si buscas prendas que cuenten historias, Battenwear es la elección perfecta. Y si quieres descubrir Battenwear, sumergete en esta entrevista y gozalo!

¿Cómo surge la creación de una marca como Battenwear y de dónde proviene el nombre? ¿Cuál es la historia detrás de ella, qué te inspiró, qué experiencias de vida te llevaron a crear Battenwear?

Battenwear surgió porque amamos la historia de la ropa deportiva y de outdoor en Estados Unidos, y queríamos poder usar ropa con una estética vintage específica pero con formas y telas contemporáneas. Nos gustaba la idea de resumir todos los mejores detalles (costuras, refuerzos, solapas, correas) de décadas de nuestra ropa favorita en cada prenda que hacíamos. Básicamente, queríamos hacer ropa simple, inteligente y cómoda, y esperábamos hacerlo de una manera que se sintiera diferente e interesante.

Para poneros en contexto, cuando comenzamos la marca a principios de la década de 2010, la ropa outdor aún se categorizaba principalmente como deportiva en lugar de lifestyle. Tuvimos la suerte de ser una de las primeras marcas en ese momento en reutilizar detalles de ropa de outdoor para la moda. Ahora nadie se sorprende al ver parkas de montaña combinadas con prendas más tradicionalmente elegantes. Básicamente, tuvimos buen timing, y hemos estado haciendo lo mismo y creciendo muy lentamente desde entonces.

De hecho, para esta entrevista, decidimos sacar a la luz nuestro primer comunicado de prensa, en el cual escribimos que Battenwear tiene como objetivo “identificar el punto de encuentro entre funciónal y moda. Motivado por la idea de una mochila perfectamente empacada, Shinya Hasegawa diseñó esta línea para el aventurero que necesita un equipo que funcione tan bien para un día de outdoor como para moverte en la ciudad. Creemos que la ropa debe poder desempeñar roles complementarios de comodidad y vanguardia en la moda, de simplicidad y atención al detalle”.

Eso es lo que seguimos buscando con cada nueva prenda que hacemos. El tipo de cumplido que más disfrutamos para la marca es cuando la gente se entusiasma con un bolsillo de la chaqueta o nos dice que han usado nuestros pantalones todos los días durante dos semanas seguidas o nos escriben para decir que les encanta llevar nuestras bolsas al mercado de agricultores y a la biblioteca cada sábado. Tenemos la suerte de que Battenwear se venda en tiendas divertidas y aparezca en revistas de lujo, pero lo más importante para nosotros es que Battenwear sea útil y cómodo, algo en lo que puedas confiar como en un viejo amigo.

“Battenwear” tiene sus raíces en un nombre de familia: cuando nos casamos, Carrie eligió usar el apellido de Shinya, Hasegawa. Y cuando empezamos la empresa, Shinya decidió usar el apellido de soltera de Carrie, Batten.

ph: Eric Kvatek

Mencionas que empezaste Battenwear con la intención de crear ropa que quisieras usar tú mismo. ¿Cuál fue el primer diseño que realmente te emocionó ver terminado y por qué?

La Travel Shell Parka fue el primer diseño de Shinya para Battenwear, y el modelo azul que ves aquí es la primera muestra que hicimos (también venía en naranja). Su idea era tener una chaqueta práctica que se pudiera usar en caminatas y en la naturaleza, pero que también se viera bien para una salida nocturna en la ciudad. Básicamente, no quería empacar varias chaquetas para viajar.

Y… una vez que se dio cuenta de que iba a viajar con ella, pensó que debería añadir muchos bolsillos interiores y exteriores para pasaportes, teléfonos, boletos y demás. La forma de la parka es ajustable mediante un cordón interior y una cremallera frontal de dos vías, por lo que se puede coordinar de diferentes maneras.

La TSP es nuestra chaqueta multifuncional y esperamos poder hacerla para siempre. Nos gusta imaginar que, en el futuro, alguien encontrará una Travel Shell Parka de la primera temporada hecha en Nueva York en alguna tienda vintage y se emocionará. (Consejo para los cazadores de tesoros: la etiqueta de esa temporada dirá “Batten Sportswear Brooklyn”). Tal vez sea un sueño raro, pero lo tenemos.

La filosofía de iniciar y dar vida a una marca de ropa se puede abordar de cien maneras diferentes, al igual que la vida misma. ¿Qué significa Battenwear para ti en tu vida cotidiana? ¿Crees en la filosofía de gestionar una marca como un estilo de vida? ¿En el romanticismo de hacer algo que es tu pasión y da sentido a tu vida?

Bromeamos diciendo que Battenwear es nuestro hijo mayor. Fundamos la empresa aproximadamente un año antes de que naciera nuestro hijo, y el parto de la marca fue más difícil que cualquiera de nuestros dos hijos. La marca siempre ha sido parte de nuestra familia: es la razón por la que podemos hacer cosas interesantes en todo el mundo, pero también es la razón por la que a veces debemos quedarnos en casa los fines de semana y estar frente a la computadora durante largas horas en lugar de salir a jugar. Queremos hacer las cosas bien y ofrecer un buen servicio al cliente, y ambas cosas requieren tiempo.

Ahora que nuestros dos hijos (y la marca) ya no son bebés, Battenwear se siente más como una mascota de la que toda la familia cuida. A nuestros hijos y a sus amigos les encanta pasar el rato en nuestra oficina de diseño y en los eventos de trabajo. Nos ayudan a crear contenido para nuestra página web y a contar los materiales para la producción. Un par de veces, nuestra mesa del comedor en casa se ha convertido en un espacio de almacén con abuelos y niños poniendo etiquetas y bolsas en los sombreros.

Nuestro vecindario en Los Ángeles también se ha convertido en un grupo de apoyo para Battenwear. Tenemos grandes amigos que viven en nuestra calle y que trabajan como estilistas y en la industria del cine/televisión. Todos prueban nuevos artículos para nosotros y nos ayudan con ideas y proyectos.

Nos sentimos afortunados de tener un trabajo que es parte de lo que somos. Es un inmenso privilegio y, en su mayoría, una alegría poder construir una marca y una filosofía de marca, y luego ver cómo se desarrolla de manera tan hermosa a tu alrededor. “Pasión” y “romanticismo” son palabras correctas para describir la búsqueda de tu vida, pero generalmente solo se siente como “trabajo duro” y “demasiado ocupado”. Tener amigos y familia con nosotros hace que el trabajo sea mucho más significativo.

Comenzaste en el Garment District de Nueva York, un barrio famoso por su historia en la fabricación de ropa. ¿Cómo ha sido tu experiencia trabajando con fabricantes locales y qué desafíos has enfrentado, tanto en tus primeros días como ahora?

Durante los primeros cinco años o más, casi toda la producción de Battenwear se hacía en un radio de tres manzanas desde nuestra oficina en el Garment District de Manhattan. Teníamos un mapa del tesoro súper local de socios comerciales, ubicados entre nuestras cafeterías y restaurantes de ramen favoritos: proveedores de telas, tiendas de adornos, nuestro creador de patrones, cortadores, los viejos que dirigían la imprenta de camisetas… Pasábamos mucho tiempo subiendo en ascensores y rodando carritos y cajas por Manhattan, y fue genial. Muchos de nuestros amigos tenían sus propias marcas en el vecindario, y siempre había fiestas, lanzamientos y eventos creativos. No podríamos haber pedido un mejor laboratorio para crear los primeros años de Battenwear.

Por supuesto, todo lo bueno llega a su fin, y para nosotros fue un tema de costos. Con la expansión de la escena de los condominios en Manhattan hacia el Garment District, los alquileres subieron y muchos de nuestros socios locales se mudaron. Eventualmente, nosotros también tuvimos que mudarnos. Decidimos dar un gran salto hasta Los Ángeles, donde Carrie había crecido.

El mayor choque cultural resultó ser lo diferente que era el proceso de fabricación de ropa en la costa oeste. Siempre hemos pensado que las personas y el entorno donde se fabrica la ropa son tan importantes como las máquinas o los materiales, por lo que tratamos de conocer a nuestros costureros y ajustar nuestros diseños a sus fortalezas.

Puede parecer un ejemplo menor de las diferencias entre la costa este y la oeste, pero en Manhattan, los costureros suelen sentarse en cuadrados para compartir herramientas de manera eficiente mientras trabajan. Cuando llegamos, éramos solo otro elemento del ruido y el caos general, y era fácil observar y aprender. Podíamos sentarnos con los costureros y doblar la tela juntos para encontrar soluciones a mejores puños y costuras.

En cambio, en Los Ángeles, la mayoría de las fábricas tienen estaciones separadas que miran en la misma dirección, como pupitres de clase. Es igualmente eficiente, pero de manera diferente.

Al mudarnos a Los Ángeles, intentamos pasar tanto tiempo en nuestras nuevas fábricas como lo habíamos hecho en las anteriores para acostumbrarnos a los nuevos ritmos, pero la ciudad está muy extendida. En Manhattan, podíamos visitar todas nuestras fábricas antes de almorzar y aún tener tiempo para sentarnos, diseñar y tener reuniones. En Los Ángeles, tal vez podíamos visitar dos fábricas si pasábamos todo el día conduciendo y volvíamos sudados por el tráfico.

Luego, todo cambió una vez más durante la pandemia. Nadie estaba entrando en las fábricas para charlar. Algunos días, solo había un par de costureros, o dependían de personal completamente nuevo que llegaba a última hora. Muchas de nuestras fábricas cerraron o comenzaron una larga caída que llevó a que cerraran más tarde o aumentaran drásticamente sus mínimos.

De todos modos, durante ese periodo tuvimos que comenzar a hacer más de lo que Shinya describe como “diseño imaginario”, haciendo algunos de nuestros artículos de manera remota en Japón. Somos de muy baja tecnología, y todavía usamos dibujos a mano y descripciones en lugar de paquetes técnicos generados por computadora. Afortunadamente, tenemos algunos socios excelentes en Japón, y la comunicación fue fluida y fácil.

Nuestros diseños imaginarios pronto se convirtieron en artículos reales en nuestras manos. Nunca habíamos imaginado realmente hacer Battenwear principalmente en Japón, ya que es una estética inspirada en América, pero ha resultado tener mucho sentido. Obtenemos lo mejor de ambos mundos: precisión y calidad japonesa con ingenio y estilo estadounidense.

Ahora nos estamos preparando para trasladar todo a Japón el próximo año: nuestra familia, la oficina de diseño, etc. Así que estad pendiente porque estoy seguro de que pronto tendremos más cosas que contar.

La década de 1960 a la de 1990 es una era y cultura inspiradora para ti. ¿Puedes contarnos sobre esa época, por qué la cultura outdoor estadounidense de esas décadas pasadas, y ese estilo de vida, es tan emocionante?

Para nosotros, la cultura outdoor estadounidense durante ese período es un testimonio de la solución creativa de problemas. Había tantos cambios ocurriendo en el mundo y en la cultura popular en ese momento, y la gente se sentía muy libre para crear cosas que no se ajustaban a las expectativas del pasado. Todo estaba cambiando y era dinámico. Al mismo tiempo, las personas estaban explorando el mundo natural que rodeaba las grandes ciudades en todo el planeta. Querían ponerse a prueba frente a la naturaleza y querían inventar ropa y equipo para ayudarles. Hay algo muy genial en prepararse para lo desconocido.

Tenemos muchos libros de fotos de los primeros escaladores, surfistas y excursionistas. Abrieron nuevos caminos no solo en el logro físico humano, sino también en la moda y el estilo. De manera similar, nos gusta coleccionar viejos catálogos de Patagonia y Banana Republic que se centraban en la utilidad de su ropa en entornos naturales.

Hablas sobre la importancia de que las prendas mejoren con el uso y el tiempo. Y, por ejemplo, comparas la visión de Battenwear con los discos de vinilo, algo para atesorar y pasar a la siguiente generación. ¿Puedes explicar cómo diseñas específicamente para esa durabilidad, sostenibilidad y evolución en tus productos?

No hay forma de detener el mundo digital, pero nos tocó crecer en una época analógica y somos personas lentas, no tecnológicas. Tratamos de no ser demasiado pretenciosos al respecto, pero preferimos que nuestro arte, música y herramientas sean objetos físicos, creados e inherentemente imperfectos por manos humanas. Nos encantan las indicaciones de un diseño pensado: cuando puedes ver que la persona detrás del objeto dedicó tiempo a hacerlo lo mejor posible. Nos encanta aún más cuando esa persona descubrió cómo lograr la perfección de una manera inesperada o sorprendente. Todo se trata de ingenio humano para nosotros.

Para la ropa, que se usa y se lava repetidamente, una forma de ser ingenioso es elegir telas, hilos y técnicas de costura que estén específicamente pensados para envejecer bien con el proceso de uso y lavado. Hacemos muchas pruebas y estudiamos piezas vintage para llegar a las fórmulas adecuadas.

¿Cómo crees que tu mudanza a Topanga Canyon ha cambiado tu perspectiva sobre tus procesos creativos y decisiones de diseño en comparación con tu base anterior en Nueva York?

Nuestra oficina en Manhattan estaba en la misma calle que una estación de bomberos importante y a solo unas cuadras de Times Square. Siempre era ruidoso, y sucedían muchas cosas extrañas, como cuando una tapa de alcantarilla explotó a una cuadra de distancia y arrojó fuego durante media hora. Había reportajes frecuentes sobre la plaga de ratas en el Dunkin Donuts de la esquina y redadas de drogas en el McDonald’s de la calle. Era caótico, y nos encantaba.

Nuestra oficina en Topanga está junto a un arroyo que se llena de ranas cantando cuando llueve. A veces, los ciervos vagan y roban tomates de las plantas que crecen en nuestro estacionamiento. Podemos cruzar la calle y caminar por la colina hacia un parque estatal con vistas al océano. Podemos subirnos al coche y estar en la playa para surfear en 15 minutos. Es pacífico, y nos encanta.

Ambos han sido lugares maravillosos para nosotros, pero Nueva York era definitivamente más propicio para el diseño. El viaje en metro por la mañana y las multitudes en la calle siempre fueron una inspiración para nuestras elecciones de colores y telas. La vibrante vida cotidiana nos mantenía activos y creativos todo el tiempo. Siempre teníamos una audiencia para nuestras ideas.

En Topanga, el ritmo es mucho más lento y la gente es menos y más distante. Sin embargo, la contrapartida es que estamos rodeados de una naturaleza hermosa, lo cual es inspirador y vigorizante de una manera diferente.

Estamos ansiosos por ver cómo será nuestro nuevo espacio en Tokio y cómo afectará lo que hacemos.

Mencionas que el color es lo primero que consideras al diseñar. ¿Puedes describir cómo seleccionas una paleta de colores para una nueva colección?

Nos gusta tener hilos visuales y temáticos que conecten los elementos de cada colección. El color de las telas y los estampados/patrones son el primer hilo que trabajamos, porque es la forma más eficaz de atraer y mantener la atención.

En cuanto a qué color o patrón elegir, intentamos prever lo que será tendencia, pero más importante aún, nos enfocamos en algo que nos haya inspirado recientemente. Por ejemplo, para nuestra colección primavera/verano 2024, nos inspiramos en el libro “75-85 Surfing Japan”, que es una compilación de fotos de revistas de surf de Japón. El libro tiene colores y patrones muy vivos, con un fondo de océano azul brillante y cabañas de playa arenosas. Todo el mundo tiene bigotes, un bronceado espectacular y parece que pueden dominar la pista de baile. Para esa temporada, nos centramos en la imagen mental de los surfistas japoneses de antaño (como cuando una canción se te queda en la cabeza) y seleccionamos los colores y patrones en consecuencia.

Para nuestra próxima colección de invierno FW24, nos inspiramos en álbumes de fotos de acampadas en coche con nuestras familias y amigos en los años 80 y 90. Ya sea en Japón (Shinya) o California (Carrie), había un estilo similar en esas fotos: chaquetas acolchadas, telas sintéticas en colores desgastados, tiendas de campaña elegantes y neveras de plástico. Fue muy divertido trabajar con ese ambiente al elegir las telas y los acabados.

Cuando empezamos la marca, estábamos tan comprometidos con la idea de tener un tema cohesivo para cada colección que escribíamos una historia breve para incluirla al inicio de cada catálogo estacional. Inventábamos un personaje y una situación con un arco narrativo rápido para preparar el escenario antes de que los compradores vieran la colección. No sabemos cuántas personas realmente leían las historias, pero fue una técnica divertida para plasmar nuestras ideas de la temporada.

La experiencia del usuario se ha convertido en una herramienta poderosa para promover una marca. Hoy, al elegir qué productos o servicios consumir, parece que expresamos nuestro apoyo o rechazo a las empresas. ¿Crees que el consumidor tiene más influencia de la que percibe?

Cuando pensamos en por qué Battenwear es valiosa como marca, nuestros clientes siempre están en primer lugar. Tenemos mucha suerte de contar con clientes comprometidos, apasionados, divertidos y amables. Por supuesto, también hay personas a las que no les gustamos o que solo quieren quejarse, pero hemos tenido muchas más que nos han dicho que conectan con Battenwear a nivel artístico, nostálgico o de calidad. A través de conversaciones por correo electrónico o mensajes directos, hemos conocido a personas interesantes de todo el mundo. Lo disfrutamos muchísimo. Más importante aún, vemos cómo nuestros clientes se conectan entre sí en redes sociales, elogiándose por sus atuendos o recomendando artículos a amigos. Es maravilloso ser parte de esta comunidad.

Así que sí, estamos 100% de acuerdo en que el consumidor tiene una influencia significativa en nosotros, probablemente más de la que sabe. Sin el apoyo de nuestros clientes durante estos años, habríamos dejado de hacerlo hace tiempo y simplemente haríamos ropa genial para nosotros mismos y buscaríamos otro trabajo.

Has trabajado con Daiki Suzuki y Takeshi Ohfuchi en colaboraciones para Battenwear. Cuéntanos sobre su trabajo, ya que en España no son muy conocidos. ¿Qué aprendizajes y perspectivas obtuviste de estas colaboraciones que impactaron tu trabajo futuro en Battenwear?

Daiki Suzuki es el diseñador de Engineered Garments, pero a principios de los 2000 también diseñó para el proyecto Woolrich Woolen Mills, encargado por la empresa italiana WP Lavori en colaboración con los históricos molinos de lana Woolrich en Pensilvania. Daiki eligió a Shinya como su asistente de diseño para este proyecto, no por su experiencia en diseño (de la cual Shinya casi no tenía), sino por su conocimiento de ropa deportiva y de exterior vintage estadounidense. Así, Shinya pasó cuatro años aprendiendo diseño de Daiki, ¡como un master universitario de cuatro años!

Takeshi Ohfuchi es el diseñador de Post O’Alls y amigo desde hace más de 20 años. Shinya nunca diseñó con él en Nueva York, pero pasábamos mucho tiempo juntos y aprendimos mucho al observarlo y conversar con él. Es un maestro del enfoque profundo: sus diseños están muy bien investigados y creados con detalle. Gran parte de lo que hacemos en Battenwear lleva su influencia.

Hicimos colaboraciones con Engineered Garments y Post O’Alls para el 10º aniversario de Battenwear. Fue un honor inmenso trabajar con cada diseñador para esta ocasión especial. Nos regalaron su conocimiento y experiencia, y ese orgullo que sentimos al recibirlo es una gran motivación para los próximos 10 años.

Mientras hay una gran tendencia hoy en día de llevar tecnología ultramoderna a las marcas de outdoor y deportes, vosotros habéis optado por materiales duraderos en lugar de tejidos técnicos ultramodernos. ¿Podrías explicar más sobre esta elección y cómo ves el equilibrio entre la tecnología avanzada y las técnicas tradicionales de confección en la moda outdoor actual?

Nos encanta la ropa y los equipos outdoor de alta tecnología. Muchas marcas están haciendo cosas emocionantes, y el estilo es muy atractivo y moderno. Definitivamente nos sentimos tentados por algunos de ellos.

Sin embargo, aunque creemos que hay un lugar para lo ultramoderno y/o lo de alta tecnología en la moda, no es lo que nos interesa personalmente hacer. Lo “ultramoderno” tiene un período de vigencia corto: no pasa mucho tiempo antes de que parezca desactualizado. Queremos que sigas usando tu Battenwear hasta que esté completamente desgastado… o que lo pases como herencia si creces y ya no te queda bien.

En términos de sostenibilidad, ¿qué prácticas implementa Battenwear para garantizar una producción responsable con el medio ambiente? ¿Y qué opinas de las campañas de marketing de las grandes marcas que promueven la sostenibilidad pero, al final, no son tan sostenibles?

Creemos que lo mejor que puede hacer una empresa de nuestro tamaño por el medio ambiente es crear ropa que sea menos propensa a terminar en vertederos. Sí, nos gusta la idea de usar tejidos reciclados, pero el objetivo final debe ser que las personas compren menos cosas y desechen menos cosas. Convertir basura en ropa es genial, siempre y cuando no vuelva a convertirse en basura casi de inmediato. Intentamos hacer prendas que nuestros clientes amen y no quieran desperdiciar.

En cuanto a tu segunda pregunta, el marketing es marketing, y todo es válido en el amor y la guerra, pero es un poco desagradable cuando las marcas intentan ganar dinero explotando la ansiedad de los clientes sobre el medio ambiente.

En general… ¿Cómo ves el mundo de la moda hoy en día, con grandes marcas, pequeñas marcas, tiendas online, tiendas físicas, mercados callejeros, segunda mano… y una producción prácticamente infinita? ¿Cómo crees que todo esto puede sostenerse con el tiempo y cómo crees que afectará al mundo en el que vivimos?

¡Es una gran pregunta! En lo que a nosotros respecta, estamos viviendo un momento de cambio decisivo en la industria de la moda. Uno de los mayores catalizadores de este cambio es internet y las redes sociales. La forma en que las personas fabrican, venden, anuncian y compran ropa ha cambiado drásticamente en las últimas décadas, y el cambio parece estar acelerándose ahora mismo. Nunca antes las marcas habían tenido la capacidad de llegar directamente a personas de todo el mundo. Ha sido una verdadera explosión de tendencias nicho.

La moda rápida es solo uno de muchos vicios humanos insostenibles, y no está haciendo nada bueno por el planeta.

¿Y Europa y Battenwear? ¿Es Europa un lugar que os inspira? ¿Cómo esperáis que influya en el futuro de Battenwear?

¡Sí! Nuestro primer mercado importante fue el Reino Unido, pero nunca hemos tenido una representación amplia en toda Europa. Dado que no tenemos oficina ni distribuidor en Europa, no podemos importar productos directamente allí y dependemos de que las tiendas lo hagan desde nuestro almacén en EE. UU. Esto no es algo que muchas tiendas estén dispuestas a hacer, y puede ser costoso. Sin embargo, muchas otras marcas han encontrado soluciones, así que estoy seguro de que, una vez que crezcamos un poco más, nosotros también lo haremos. Crucemos los dedos, porque siempre ha sido un objetivo nuestro tener mayor alcance en Europa.

Cuéntanos sobre la historia de los Local Shorts. ¿Qué te inspiró específicamente de los pantalones cortos Ocean Pacific de los años 70 para crear los Local Shorts de Battenwear?

Comenzamos a hacer los Local Shorts en 2013 porque nos encantaban los pantalones cortos de skate de pana de Ocean Pacific, y queríamos crear una versión para el uso diario. Pasamos las primeras temporadas probando diferentes largos, formas y detalles para los shorts, y eventualmente encontramos la versión que nos encanta a nosotros y a todos nuestros amigos. La gente se enfadaría si seguimos cambiándolos.

Y para terminar, ¿Puedes hablarnos de los 11 pasos para crear los Local Shorts y cómo han evolucionado? 

Para ofrecer a nuestros clientes una idea de nuestro proceso de diseño, dividimos la producción de los Local Shorts en 11 pasos en el Journal de nuestro sitio web. Aquí hay un resumen:

1. Dibujar a mano la prenda.
2. Elegir la tela según la paleta de colores de la colección.
3. Investigar y seleccionar accesorios.
4. Anotar y editar con cinta adhesiva piezas vintage como referencia para el patronista.
5. Crear el patrón.
6. Hacer una muestra, corregir problemas, hacer otra muestra, repetir según sea necesario.
7. Fotografiar planos y con modelos, mostrar las muestras finales a los socios y tomar pedidos.
8. Calcular el metraje de tela y la cantidad de accesorios necesarios.
9. Reservar espacio en la fábrica y actuar como enlace con los proveedores.
10. Producción en la fábrica.
11. Control de calidad, doblado, etiquetado, embolsado y etiquetado de cada prenda.

www.battenwear.com

English:

Battenwear

Exploring Functional Aesthetics: A Conversation with Shinya & Carrie Hasegawa, Founders of Battenwear.

Founded in 2011 by Japanese designer Shinya Hasegawa, Battenwear has positioned itself as an iconic brand that combines the nostalgia of the 60s and 70s with modern functionality. Inspired by the culture of surfing and outdoor activities, Battenwear celebrates the connection between vintage style and the practical needs of those seeking versatile, durable clothing with personality.

In this interview with STAF Magazine, the Hasegawa’s reveal how their experience as designers in New York and their passion for surfing shaped the brand’s unique DNA. Their focus lies in creating garments that are comfortable in both urban and wilderness environments, with design that pays homage to the adventurous spirit of bygone eras. From technical jackets to backpacks and utility pants, each piece is made with high quality materials, prioritizing durability and handcrafted detail.

Battenwear isn’t just clothing, it’s a lifestyle for modern explorers. Versatile designs allow wearers to move freely, whether walking around town, surfing the coast or exploring trails. This balance of retro and contemporary has won over a global audience looking for authenticity and functionality in their closet.

For the Hasegawa’s, Battenwear is a tribute to the love of the small pleasures of outdoor living, bringing together the best of both worlds: timeless design and the demands of fashionable performance.

How does the creation of a brand like Battenwear come about and where does the name come from? What is the story behind it, what is the vision, what inspired you, what life experiences led you to create Battenwear?

Battenwear began because we love the history of American outdoor- and sports- gear, and we wanted to be able to wear clothing that had a specific vintage aesthetic but in contemporary shapes and fabrics. We liked the idea of summarizing all the best details (seams, gussets, flaps, straps) from across decades of our favorite gear in each item we made. We basically wanted to make simple, smart, comfortable clothes, and we were hoping to do it in a way that felt different and interesting.

For context, when we started the brand in the early 2010s, outdoor clothing was still mostly categorized as gear rather than lifestyle. We were lucky to be among the first few brands at the time to repurpose outdoor details for fashion. Now no one is surprised to see mountain parkas mixed with more traditionally stylish items. Basically, we had a case of good timing, and we’ve been doing the same thing and very slowly growing ever since.

Actually, for the purpose of this interview, we decided to dig out our first press release, in which we wrote that Battenwear aims to “pinpoint the intersection between function and fashion. Motivated by the idea of a perfectly packed bag, Shinya Hasegawa designed this line for the adventurer who needs gear that works equally well for an action-filled day outdoors as for a gathering in the city. We believe clothes should be able to fill complementary roles of comfort and cutting-edge fashion, of simplicity and careful detailing.”

That is still what we strive for with each new item we make. The kind of compliment we enjoy most for the brand is when people nerd out about a jacket pocket or tell us they wore our pants every day for two weeks straight or write to say they love to take our totes to the farmer’s market and library each Saturday. We are lucky Battenwear is sold at fun stores and featured in glossy magazines, but it’s most important to us that Battenwear be useful and comfortable–something you can count on like an old friend.

“Battenwear” has its roots in a family name—when we married, Carrie chose to use Shinya’s last name, Hasegawa. And when we started the company, Shinya chose to use Carrie’s maiden name, Batten.

You mention that you started Battenwear with the intention of creating clothes that you wanted to wear yourself, what was the first design that you were really excited to see finished and why?

The Travel Shell Parka was Shinya’s first design for Battenwear, and the blue one here is first sample that we made (it also came in orange). His idea was to have a practical jacket that could be worn on hikes and in nature, but that also looked good for an evening out in town. Basically, he wanted not to pack multiple jackets for travel.

And . . . once he realized that he was going to be traveling in it, he figured he should add a bunch of inner and outer pockets for passports and phones and tickets and everything. The parka’s shape is adjustable via inner drawstring and 2-way front zipper, so you can coordinate in different ways.

The TSP is our Jacket-of-all-trades and we hope to be able to make it forever. We like to imagine that in the future, someone will find that first season made in NYC Travel Shell Parka in a vintage shop somewhere and be excited. (Hint to loot diggers: the label that season will say “Batten Sportswear Brooklyn”) Maybe that’s a weird dream to have.

The philosophy of starting and bringing a clothing brand to life can be approached in a hundred different ways, just like life itself. What is Battenwear for you in your life, in your day-to-day? do you believe in the philosophy of running a brand as a way of life? in the romanticism of doing something that is your passion and gives meaning to your life?

We joke that Battenwear is our oldest child. We founded the company about a year before our son was born, and the brand’s labor and delivery into the world was even harder than either of our human kids. The brand has always been a part of our family—it’s the reason we get to do interesting things all over the world, but it’s also the reason why we must stay home on weekends sometimes and be in front of the computer long hours instead of playing. We want to make good things and be good at customer service, and both of those things take time.

Now that our two kids (and the brand) are no longer babies, Battenwear feels more like a pet that the whole family takes care of. Our kids and their friends love to hang out at our design office and work events. They help us make content for our website and count trim for production. A couple of times, our dining room table at home has become a warehouse workspace with grandparents and kids applying hangtags and bags to hats.

Our neighborhood in Los Angeles has become a Battenwear support group too. We have great friends living on our street who are stylists and film/tv people. They all test new items out for us and brainstorm/help us on projects.

We feel lucky to have a job that is so much a part of who we are. It is an immense privilege and mostly a joy to be able to build a brand and a brand philosophy and then to be able to see it play out so beautifully all around you. “Passion” and “romance” are correct words to use for one’s life pursuit, but it usually just feels “hard” and “too busy.” Having friends and family with us makes the work a lot more meaningful.

You started in the Garment District in New York and that neighborhood is famous for its history of clothing manufacturing. What has your experience been like working with local manufacturers and what challenges have you faced, both in your early days and today?

For the first five years or so, we made almost all Battenwear in a three-block radius of our office in Manhattan’s Garment District. We had a super local treasure map of business partners tucked in between our favorite neighborhood coffee shops and ramen restaurants: fabric suppliers, trim stores, our pattern maker, grader, cutting room, the old men who ran the tee shirt printer. . . We spent lots of time riding in elevators and rolling carts and boxes around Manhattan, and it was great. Lots of our friends had their own brands in the neighborhood, and there were always parties and launches and creative events. We could not have asked for a better laboratory to make the first several years of Battenwear.

Of course, all good things must come to an end, and for us it was a cost issue. With Manhattan’s condo scene expanding into the garment district, rents were rising and a lot of our local partners moved out. Eventually we needed to move too. We decided to take a big leap all the way out to Los Angeles where Carrie had grown up.

The biggest culture shock turned out to be how different the process of making clothes was on the west coast. We have always thought that the people and environment where clothing is made is just as important as the machines or materials, which is why we try to get to know our sewers and adjust our designs to their strengths.

This may seem like a minor example of east coast/west coast differences but in Manhattan, sewers tend to sit in squares so that they can share tools efficiently while they work. When we walk in, we are just another piece of the overall noise and chaos, and it’s easy to watch and learn. We could sit together with our sewers and bend and fold the fabric to figure out solutions to better cuffs and seams.

Meanwhile, In Los Angeles, most clothing factories have separate stations all facing the same direction, like classroom desks. It’s equally efficient but just in different way.

Upon moving out to LA, we tried to spend as much time in our new factories as we had in our old, so that we could get used to the new rhythms, but the city is so spread out. In Manhattan, we could visit each of our factories before lunch and still have time to sit and design and have meetings. In Los Angeles, we could maybe visit two factories if we spent all day driving and got home sweaty from traffic.

Then, everything changed once more during the pandemic. No one was getting into any of the factories to chat anymore. Some days, there were only a few sewers, or they had to rely on completely new staff to come in at the last minute. A lot of our factories closed or started a multiyear slide that led to them closing later or dramatically raising minimums.

Anyhow, during that period, we had to start doing more of what Shinya describes as “imaginary designing”—making some of our items remotely in Japan. We are very low tech, and we still use hand drawings and descriptions rather than computer generated technical packs. Fortunately, we have some great partners on the ground in Japan, and the communication was smooth and easy.

Our imaginary designs were soon real items in our hands. We never really had envisioned making Battenwear primarily in Japan, since it’s an American inspired aesthetic, but it has turned out to make a lot of sense. We get the best of both worlds: Japanese precision and quality with American ingenuity and style.

Now we are getting ready to move everything out to Japan next year—our family, the design office, etc. So stay tuned and I’m sure we’ll have more to say soon.

The 1960s-1990s is inspiring era and culture for you. Can you tell us about that era, why is the American outdoor of those past decades, and that lifestyle, so exciting?

For us, American outdoor culture during that period is a testament to creative problem solving. There was so much change going on in the world and in popular culture at the time, and people felt very free to make things that didn’t conform to the expectations of the past. Everything was shifting and dynamic. At the same time, people were exploring the natural world surrounding the big cities across the planet. They wanted to test themselves against nature and they wanted to invent clothing and equipment to help. There’s something so cool about gearing yourself up for the unknown.

We have a lot of photobooks of early rock climbers and surfers and hikers. They blazed new paths not only for human physical achievement but also fashion and style. Similarly, we like to collect old Patagonia and Banana Republic catalogs that focused on the utility of their clothing in natural settings.

You talked about the importance of garments getting better with wear and time. And for example you compare Battenwear’s vision to vinyl records, something to treasure and pass on to the next generation. Can you explain how you specifically design for that durability, sustainability and evolution in your products?

There’s no stopping the digital world, but we happened to grow up in an analog time and are slow moving, non-tech people. We try not to be too pretentious about it, but we prefer our art and music and tools to be physical objects, created and inherently flawed by human hands. We love indications of thoughtful design—when you can see that the person behind the object put time into making it the best thing it can be. We love it even more when that person figured out how to achieve perfection in an unexpected or surprising way. It’s all about human ingenuity for us.

For clothing, which is worn and washed repeatedly, one way to be ingenious is to pick fabrics, thread, and sewing techniques that are specifically meant to age well through the wash and wear process. We do a lot of testing and studying vintage pieces to come up with the right formulas.

How do you think your move to Topanga Canyon has changed your perspective on your creative processes and design decisions, compared to your previous base in New York?

Our office in Manhattan was on the same street as a major fire station and just a handful of blocks from Times Square. It was always loud, and lots of weird things happened like a manhole cover exploding down the block and spewing fire for half an hour. There were regular news expos on the rat infestation of the Dunkin Donuts on the corner and the drug infestation of the McDonald’s down the street. It was chaotic, and we loved it.

Our office in Topanga is next to a creek that fills with singing frogs when it rains. Sometimes deer wander in and steal tomatoes from the plants growing in our parking lot. We can cross the street and walk up the hill to a state park with views of the ocean. We can pop into the car and be at the beach for a quick surf in 15 min. It is peaceful, and we love it.

Both have been wonderful locations for us, but New York was definitely more conducive to design. The subway ride in the morning and the crowds on the street were always inspirational for our color and fabric choices. The vibrancy of everyday life kept us active and creative all the time. We constantly had a sounding board for our ideas.

In Topanga, the pace is much slower and the people are fewer and farther between. However, the tradeoff is that we are surrounded by beautiful nature, which is inspiring and invigorating in a different way.

We can’t wait to see what our new space in Tokyo will be like and how it’ll affect what we do.

You mention that color is the first thing you consider when designing, can you describe how you select a color scheme for a new collection?

We like to have visual and thematic threads that run through each collection, interconnecting the items. Fabric color and prints/patterns are the first thread that we work on because it’s the most efficient way to attract and sustain the eye.

As for which color/pattern, we do try to guess what will be most on trend next, but more importantly, we try to focus on something that has sparked our imagination recently. For example, for our spring/summer 2024, we were really inspired by the book 75-85 Surfing Japan which is a compilation of photos from early surf magazines in Japan. The book has so many vivid colors and patterns against a backdrop of sparkling blue ocean and sandy surf shacks, and everyone has a mustache and a spectacular tan and looks like they can really let loose on the dance floor. So, for that season, we focused on the mental image of Japanese surfers of yesteryear (sort of like how a song gets stuck in your head) and selected the colors and patterns to match.

Or for our FW24 winter collection, we focused on photobooks of us car camping with our childhood families and friends in the 1980s and 90s. Whether it was in Japan (Shinya) or California (Carrie), there was a very similar vibe in our pictures—the puffy jackets, the synthetic fabrics in washed out colors, the sleek tents and plastic coolers. That was a fun vibe to work with when choosing our fabrics and trim, too.

When we first started the brand, we were so into the idea of having a cohesive theme for each collection that we wrote a short story to put it at the start of each seasonal lookbook. We’d make up a character and a situation and do a quick narrative arc, all to set the scene for the buyers before they previewed the collection. We don’t know how many people actually read the stories, but they were fun to write and a great technique for pinning down our ideas for the season.

The user experience has become one of the most powerful tools for promoting a brand. Today, by choosing which products or services to consume, it seems that we are, in a way, expressing our support or disapproval of companies. Could it be that the consumer has a greater influence than he or she perceives?

Whenever we think about why Battenwear is valuable as a brand, our customers are always at the very top of the list. We are incredibly lucky to have such engaged, passionate, funny, kind customers.  Of course, we also get people who don’t like us or just want to complain, but we have had so many more people reach out to tell us that they really resonate with Battenwear on artistic, nostalgic, or quality wavelengths. We’ve gotten to know interesting people from all over the world through our ongoing conversations over email or DM. We love it. And more importantly, we can see that our customers connect with each other on social media, complimenting each other on their outfits and suggesting items to friends. It’s wonderful to be part of this community.

So, yes, we 100% agree that the consumer has significant influence on us, and probably more than they know. If we hadn’t had our customers’ support all these years, we would have probably stopped long ago and just made some cool clothes for ourselves and found another job.

You have worked with Daiki Suzuki and Takeshi Ohfuchi in collaborations for Battenwear. Tell us about their work, because these two geniuses are not well known in Spain. And what learnings and new perspectives came out of these collaborations that impacted your future work at Battenwear? 

Daiki Suzuki is the designer of Engineered Garments, but in the early 2000s, he additionally designed for the Woolrich Woolen Mills project—commissioned by Italian company WP Lavori in collaboration with the historic wool mills of Woolrich, Pennsylvania. Daiki chose Shinya to be his assistant designer for this project, not because of his design experience (of which Shinya had almost none at the time) but because of his knowledge of vintage American sportswear and outdoor clothing. So, Shinya spent 4 years learning how to design from Daiki, much like a four-year college program!

Takeshi Ohfuchi is the designer of Post O’Alls, and he’s also been a friend for over 20 years. Shinya never designed with him when we were all living in NYC, but we hung out a lot and learned so much by watching him and talking to him. He is the master of the deep dive—his designs are so well researched and so finely created. A lot of what we do at Battenwear has Takeshi’s influence stamped on it somewhere.

We made collaborations with both EG and Post O’Alls for Battenwear’s 10^th Anniversary, and it was such an immense honor and pleasure to be able to work with each designer for this special occasion. They gave us a real gift by sharing their knowledge and experience with us, and the feeling of pride that we have in receiving that gift is good motivation for our next 10 years.

While there is a big trend today to bring ultramodern technology to outdoor and sports brands, you have opted for durable materials rather than ultramodern technical fabrics. Could you explain more about this choice and how you see the balance between advanced technology and traditional tailoring techniques in today’s outdoor fashion?

We love the new high-tech outdoor clothing and gear! A lot of brands are doing exciting things, and the style is very sleek and attractive. We definitely drool over some of them.

While we believe there is a good place for ultramodern and/or high tech in fashion, we’re glad it’s not what we’re personally interested in making.  “Ultramodern” has a narrow window of viability—it’s not long before it looks outdated. We want you to keep wearing your Battenwear until it gets thoroughly worn out . . . or you grow out of it and pass it along as a hand-me-down.

In terms of sustainability, what practices does Battenwear implement to ensure environmentally responsible production? And what do you think about all the marketing campaign of the big brands that sell us sustainability but in the end there is not much sustainability behind everything they sell us?

We believe that the best thing a company our size can do for the environment is to make clothes that are less likely to end up in the landfill. Yes, we like the idea of using recycled fabrics, etc, but the end game has to be people buying less stuff and throwing away less stuff. Making trash into clothes is great, as long as it doesn’t almost immediately revert back to trash. We try to make items that our customers will love and not want to waste.

As for your second question, marketing is marketing, and all is fair in love and war, but it’s kind of gross when brands try to make money off customers’ anxiety about the environment.

And in general… How do you see the fashion world today with big brands, small brands, medium brands… online stores, physical stores, street markets, second hand… where production is practically infinite… how do you think all this can be sustained over time and how do you think it will affect the world we live in?

That’s a big question! As far as we are concerned, we are living through a huge watershed moment in the fashion industry. One of the biggest catalysts for change is the internet and social media of course. The way that people make, sell, advertise, and buy clothing has changed dramatically in the last several decades, and the change only seems to be speeding up right now. Never before have brands had the ability to directly reach people all over the world. It’s been a real explosion of niche trends.

Fast fashion is just one of many unsustainable human vices, and it’s not doing anything good for the planet.

What about Europe and Battenwear? Is Europe a place that inspires you? How do you expect it to influence the future of Battenwear?

Yes! Our first big market was the UK, but we have never had wide representation throughout Europe. Since we don’t have an office or a distributor in Europe, we’re not able to import goods there ourselves, and instead we rely on stores to import the goods directly from our US warehouse. This is not something a lot of stores want to do, and it can be expensive. However, plenty of other brands have figured out solutions, so I’m sure once we are a bit bigger, we will too. Fingers crossed because it’s always been a goal of ours to have wider reach in Europe.

Tell us about the history of Local Shorts, what specifically inspired you from the Ocean Pacific shorts of the 70’s to create Battenwear’s Local Shorts?

We started making the Local Shorts in 2013 because we loved the Ocean Pacific corduroy skate shorts, and we wanted to make an everyday version. We spent the first several seasons trying out different lengths and shapes and details for the shorts, and then we eventually found the version that we love and all of our friends love. People would get mad if we kept changing it.

To finish… Can you tell us about the 11 steps to creating Local Shorts, and how Local Shorts continues to evolve?

To give our customers a glimpse into our process of design, we broke Local Shorts production into 11 steps for our website Journal. Here’s a recap:

Step 1: Hand draw item
Step 2: Pick fabric based on the collection color scheme
Step 3: Research and select trim
Step 4: Annotate and masking tape edit vintage items for patternmaker’s reference
Step 5: Make pattern
Step 6: Make sample, fix problems, make another sample, repeat as necessary
Step 7: Photograph flat and on-model, show final samples to partners, take orders
Step 8: Calculate fabric yardage and trim count
Step 9: Book space at the factory, continue as liaison with suppliers
Step 10: Production at factory
Step 11: Quality control, folding, hang-tagging, bagging, and stickering each item.

“Mountaineering Women” es el ejercicio de ponerse unas gafas que dejan ver lo que antes estaba invisible. No hablamos de paisajes bonitos ni de postales alpinas, hablamos de mujeres que escalan, que desafían alturas y prejuicios, que gritan sin voz desde las cumbres. Mujeres que transforman la roca, el hielo y la nieve en terreno propio.

El libro recopila más de 250 páginas de historias, fotografías, mapas y dibujos, cada página es un golpe de realidad y poesía al mismo tiempo: desde pioneras victorianas que ignoraron convenciones, hasta alpinistas contemporáneas que reinventan el límite cada día. Cada relato demuestra que la montaña no distingue género: sólo se conquista con valentía, con determinación, con audacia.

Lo potente de este volumen es la combinación de técnica y emoción. No solo hay rutas, glaciares, picos y piolets. Hay sacrificio, comunidad, deseo, miedo, resistencia. Hay rostros que jamás olvidarán la altura ni el frío, y que nos enseñan que conquistar una cumbre es también conquistar barreras sociales. Cada fotografía, cada gesto, cada mirada tiene una historia que desafía el olvido.

Joanna Croston no busca el heroísmo vacío. No hay épica disfrazada ni artificios. Aquí se muestra la humanidad en su forma más intensa: esfuerzo, miedo, alegría, triunfo y caída. Cada mujer retratada ha tenido que escalar doble: montañas y expectativas que la sociedad puso frente a ella. Cada historia es un acto de resistencia y de visibilidad. El libro también funciona como memoria colectiva, nos recuerda que la historia oficial del alpinismo ignoró muchas voces, que durante décadas hubo mujeres allí arriba, pisando nieve, clavando piolets, abriendo rutas… y que sus nombres quedaron ocultos. “Mountaineering Women” las rescata, las nombra, las celebra.

Y hay inspiración en cada página, porque mirar estas fotos y leer estas historias nos cambia, nos enseña que los límites están para romperlos. Que el miedo puede ser compañero, no enemigo. Que la audacia no depende del género. Que la montaña, y la vida, se conquistan paso a paso, cuerda a cuerda, decisión a decisión.

Editorial: Thames y Hudson 

After the urban pulse of Lisbon, Ericeira appears as a necessary pause. Here, the sea is not a backdrop: it is wild, dominant, and sets the rhythm for everything that happens around it. Ericeira is, rightly so, considered the surfing mecca of Europe. It was the first -and remains the only- World Surfing Reserve on the continent, a distinction that protects not only its waves, but also its natural environment and way of life. Along just eight kilometers of coastline, breaks for all levels are concentrated, from the gentle waves of Foz do Lizandro, where many learn to glide for the first time, to the technical demands of Coxos, one of the most respected spots among expert surfers. All of this unfolds in an old fishing village of cobblestone streets and white houses, where surf culture coexists naturally with local tradition and a gastronomy deeply connected to fresh fish. This combination -landscape, ocean, community, and authenticity- is what makes Ericeira a world-class destination.

Ericeira

Ericeira

Just over half an hour from the capital, this former fishing village maintains a direct relationship with the ocean, the wind, and a way of being that invites you to slow down almost without realizing it. Here, time is not measured in hours, but in tides.

But Ericeira is not a seasonal destination. It is a village with a life of its own, active throughout the year, where it doesn’t have to be summer to be enjoyed. Its streets never feel empty, and the atmosphere brings together locals, travelers, and a creative community that has found here a balance that is difficult to replicate elsewhere along the coast.

Ericeira

Ericeira

Even before arriving, the landscape begins to set the tone for the journey. Stopping at Praia do Guincho, with its constant wind and open horizon, is a way of remembering who is in charge here. The sea asserts its presence, and the surroundings invite observation more than intervention. Further along, Azenhas do Mar appears almost like a postcard suspended over the cliff, a place where ocean and architecture converse without the need for words. These are stops not experienced in a rush, but as part of the journey itself, gradually adjusting the rhythm to that of the Atlantic.

Although surfing is an essential part of Ericeira’s identity -and in some way shapes the relaxed character of the place- it is by no means a requirement to connect with it. The options are many and varied: wandering aimlessly through the historic center, sitting down to eat well, discovering small local shops, or simply observing how the village moves at its own pace. Ericeira adapts to different types of travelers without losing authenticity, always offering the feeling of being in a place that is lived in, not consumed.

Wavegliders

Wavegliders

That spirit is also felt in spaces like Wavegliders, a multidisciplinary shop that goes far beyond surfing. It’s not just about what is sold, but about what is shared. We went in almost out of curiosity and left with the feeling of having truly connected, exchanging interests and enjoying a relaxed conversation with its owner—one of those conversations that aren’t forced and arise naturally. Encounters like these say a lot about the place: here, relationships matter just as much as objects.

Mornings, meanwhile, find their rhythm in places like Magic Quiver, a shop-café that perfectly captures the spirit of the village. Place well known to us, as Rui had the Staf there for many years! An ideal place to have a specialty coffee, browse through books at a leisurely pace, and indulge in a small treat. Here, time stretches once again: no one seems to be in a hurry, and that is appreciated.

Magic Quiver

Magic Quiver

For two nights, Ericeira became a refuge. A place where architecture dialogues with the landscape and where rest is not a luxury, but a natural consequence of the surroundings. At Immerso, this idea takes shape through an architecture that does not intrude, but integrates. The hotel seems to emerge from the land itself, with discreet lines, natural materials, and a color palette that evokes the sea, the sand, and the surrounding vegetation. Everything is designed so that the true protagonist is the landscape.

Time there passes without disruption. Large windows, silence, shifting light, and a constant sense of sustained calm. Dining at EMME extends this same philosophy: a cuisine connected to the territory, with the Atlantic as its point of departure, based on local produce, clean flavors, and an open, contemporary technique that looks both to Portuguese tradition and to a more international sensibility. The space, which opens onto the veranda and blurs the boundaries between interior and exterior, complements the experience without imposing itself. The “Naturalmente” tasting menu structures the gastronomic journey with delicacy, moving naturally between sea and land, fish and meat, in an honest reading of the landscape and its pantry. The final touch comes with a sweet rice ice cream, a discovery for us; a dessert deeply rooted in our culture that, presented in this unexpected format, pleasantly surprised us and closed the experience on a memorable note.

Immerso Hotel *

Immerso Hotel *

Another evening took us to Aethos, where we found the restaurant Onda. Here the approach is different, more cosmopolitan, but Ericeira’s relaxed essence remains: coastal luxury with contemporary design, a carefully curated atmosphere, and always the sea as a backdrop. At Onda, the gastronomic proposal is built on a contemporary взгляд at coastal cuisine. The commitment to responsible, seasonal products is reflected in every dish, made with ingredients sourced from local producers and fresh fish from the port of Peniche. The experience is completed by a carefully selected bar offering, ranging from curated wines to classic cocktails, designed to accompany the meal and adapt to different preferences. Dining here is an exercise in connection with the Atlantic and with the region, where each dish feels like an extension of its surroundings.

Emme Restaurante *

Emme Restaurante *

The menu allows you to travel freely between coast and land: ceviche of the day, Bulhão Pato clams, Atlantic octopus, and a soupy rice dish that recalls more homely flavors. Eating, drinking, and letting time pass becomes a true ritual, a meeting point where locals and travelers come together and where the day ends without haste, with good food and a relaxed energy that perfectly matches the character of Ericeira.

Two nights are enough to understand why Ericeira has become a recurring destination for those seeking more than sun and beach. Here there is landscape, local life, conscious architecture, and a gastronomy that follows the rhythm of the place. But above all, there is a way of being that invites you to stay.

Ericeira is not visited in a hurry; it stays with you, and it always leaves the impression that next time, one should stay a little longer.

Onda restaurante *

Onda restaurante *

More information:

– Hotel Immerso / Instagram
– Restaurante Emme / Instagram
– Restaurante Onda / Instagram
– Wave gliders Instagram
– Magic quiver Instagram

Contact:

– Hotel Immerso – R. Bica Da figueira, 2640-065 Santo Isidoro, Portugal
– tel: + 351 261 104 420

– Restaurante Emme – . Bica Da figueira, 2640-065 Santo Isidoro, Portugal
– tel: + 351 261 104 420

– Restaurante Onda –  R. da Estalagem, 2640-255 Encarnação, Portugal
-tel: + 351 261 244 510

Immerso Hotel *

Immerso Hotel *

Immerso Hotel *

Onda restaurante *

Onda restaurante *

Ericeira

Ericeira

Ericeira

Forte do Zambujal

Ericeira y Mafra

Ericeira

Ericeira

Azenhas do Mar

Capela de Sao Juliao

Capela de Sao Juliao

Castellano:

Ericeira, donde el tiempo se mueve al son del mar.

Después del pulso urbano de Lisboa, Ericeira aparece como una pausa necesaria, aquí el mar no es un telón de fondo: es salvaje, dominante y marca el ritmo de todo lo que ocurre a su alrededor. Ericeira es, con razón, considerada la meca del surf en Europa. Fue la primera —y sigue siendo la única— Reserva Mundial de Surf del continente, un reconocimiento que protege no solo sus olas, sino también su entorno natural y su forma de vida. En apenas ocho kilómetros de costa se concentran rompientes para todos los niveles, desde las olas amables de Foz do Lizandro, donde muchos aprenden a deslizarse por primera vez, hasta la exigencia técnica de Coxos, uno de los spots más respetados por los surfistas expertos. Todo esto sucede en un antiguo pueblo pesquero de calles empedradas y casas blancas, donde la cultura del surf convive de manera natural con la tradición local y una gastronomía profundamente ligada al pescado fresco. Esa combinación —paisaje, océano, comunidad y autenticidad— es lo que convierte a Ericeira en un destino de clase mundial.

A poco más de media hora de la capital, este antiguo pueblo de pescadores mantiene una relación directa con el océano, con el viento y con una forma de estar que invita a bajar el ritmo casi sin darse cuenta. Aquí, el tiempo no se mide en horas, sino en mareas.

Pero Ericeira no es un destino estacional. Es un pueblo con vida propia, activo durante todo el año, donde no hace falta que sea verano para disfrutarlo. Sus calles nunca se sienten vacías y el ambiente combina vecinos, viajeros y una comunidad creativa que ha encontrado aquí un equilibrio difícil de replicar en otros puntos de la costa.

Antes de llegar, el paisaje ya empieza a marcar el tono del viaje. Parar en Praia do Guincho, con su viento constante y su horizonte abierto, es una forma de recordar quién manda aquí. El mar impone su presencia y el entorno invita más a observar que a intervenir. Más adelante, Azenhas do Mar aparece casi como una postal suspendida sobre el acantilado, un lugar donde el océano y la arquitectura dialogan sin necesidad de palabras. Son paradas que no se viven con prisa, sino como parte del camino, ajustando poco a poco el ritmo al del Atlántico.

Aunque el surf forma parte esencial de la identidad de Ericeira —y marca, en cierto modo, el carácter relajado del lugar—, no es en absoluto un requisito para conectar con ella. Las opciones son muchas y variadas: pasear sin rumbo por el centro histórico, sentarse a comer bien, descubrir pequeñas tiendas locales o simplemente observar cómo el pueblo se mueve a su propio compás. Ericeira se adapta a distintos tipos de viajeros sin perder autenticidad, ofreciendo siempre la sensación de estar en un lugar que se vive, no que se consume.

Ese espíritu se percibe también en espacios como Wavegliders, una tienda multidisciplinar que va mucho más allá del surf. No es solo lo que se vende, sino lo que se comparte. Entramos casi por curiosidad y salimos con la sensación de haber conectado de verdad, intercambiando intereses y manteniendo una charla relajada con su dueño, de esas que no se fuerzan y que surgen de manera natural. Ese tipo de encuentros dicen mucho del lugar: aquí las relaciones importan tanto como los objetos.

Las mañanas, por su parte, encuentran su ritmo en espacios como Magic Quiver, una tienda-cafetería que resume muy bien el espíritu del pueblo. Lugar conocido por nosotros, ya que Rui durante muchos años tuvo los Staf allí! Un lugar perfecto para tomar un café de especialidad, hojear libros con calma y darse algún pequeño capricho. Aquí, el tiempo vuelve a estirarse: nadie parece tener prisa, y eso se agradece.

Durante dos noches, Ericeira se convirtió en refugio. Un lugar donde la arquitectura dialoga con el paisaje y donde el descanso no es un lujo, sino una consecuencia natural del entorno. En Immerso, esa idea se materializa con una arquitectura que no irrumpe, sino que se integra. El hotel parece emerger del propio terreno, con líneas discretas, materiales naturales y una paleta cromática que remite al mar, a la arena y a la vegetación que lo rodea. Todo está pensado para que el verdadero protagonista sea el paisaje.

Las horas allí transcurren sin sobresaltos. Grandes ventanales, silencio, luz cambiante y una sensación constante de calma sostenida. Cenar en EMME prolonga esa misma filosofía: una cocina conectada con el territorio y con el Atlántico como punto de partida, basada en producto de cercanía, sabores limpios y una técnica abierta y contemporánea que mira tanto a la tradición portuguesa como a una sensibilidad más internacional. El espacio, que se abre hacia la veranda y diluye los límites entre interior y exterior, acompaña sin imponerse. El menú degustación, “Naturalmente”, articula el recorrido gastronómico con delicadeza, transitando con naturalidad entre mar y tierra, pescado y carne, en una lectura honesta del paisaje y de su despensa. El broche final llega con un helado de arroz dulce, un descubrimiento para nosotros; un postre muy presente en nuestra cultura que, presentado en este formato inesperado, nos sorprendió gratamente y cerró la experiencia con una nota memorable.

Otra de las noches nos llevó hasta Aethos, donde encontramos el restaurante Onda. Aquí el enfoque es distinto, más cosmopolita, pero la esencia relajada de Ericeira se mantiene: un lujo costero con diseño contemporáneo, atmósfera cuidada y, siempre, el mar como telón de fondo. En Onda, la propuesta gastronómica se construye a partir de una mirada actual sobre la cocina del litoral. El compromiso con el producto responsable y de temporada se refleja en cada plato, elaborado con ingredientes procedentes de productores locales y pescado fresco del puerto de Peniche. La experiencia se completa con una cuidada oferta de bar, que va desde vinos seleccionados hasta combinados clásicos, diseñada para acompañar la comida y adaptarse a diferentes preferencias. Comer aquí es un ejercicio de conexión con el Atlántico y con la región, donde cada plato se siente una extensión del entorno.

El menú permite recorrer la costa y la tierra con libertad: ceviche del día, almejas Bulhão Pato, pulpo atlántico y un arroz caldoso, que recuerda a los sabores más caseros. Comer, beber y dejar pasar el tiempo se convierte en un verdadero ritual, un punto de encuentro donde locales y viajeros coinciden y donde la jornada se cierra sin prisas, con buena cocina y una energía relajada que encaja perfectamente con el carácter de Ericeira.

Dos noches bastan para entender por qué Ericeira se ha convertido en un destino recurrente para quienes buscan algo más que sol y playa. Aquí hay paisaje, vida local, arquitectura consciente y una gastronomía que acompaña el ritmo del lugar. Pero, sobre todo, hay una manera de estar que invita a quedarse.

Ericeira no se visita con prisa, se queda dentro y siempre deja la impresión de que, la próxima vez, uno debería quedarse un poco más.

Magic Quiver

Magic Quiver

Wavegliders

Ericeira

Hay trayectorias que no se entienden como una línea recta, sino como un viaje. La de Simbad Romero empieza en la música, en la guitarra flamenca y en la intuición artística, pasa por la química en Austria y por vendimias encadenadas entre hemisferios, y termina encontrando su centro en la Serranía de Ronda. O quizá no termina: simplemente se asienta. Porque en su caso el vino no nace como herencia ni como plan cerrado, sino como revelación. Primero fue la fascinación por la química del vino; después, la certeza de que la técnica sola no basta y que hacer vino es también interpretar, arriesgar y asumir una mirada propia.

Tras recorrer bodegas en Italia, Nueva Zelanda, Francia, Sudáfrica, California o Argentina, Simbad decidió volver al sur con la voluntad de aportar algo al vino andaluz desde la libertad. Su proyecto homónimo no busca encajar en moldes ni responder a contratos de estilo: fermentaciones espontáneas, mínima intervención y una confianza consciente en la uva y en el lugar. Para él, el vino es ciencia y es arte, pero sobre todo es honestidad. No se trata de maquillar, homogeneizar o corregir, sino de acompañar el proceso y aceptar que cada añada es un organismo vivo, con sus riesgos y su energía. Más que cumplir expectativas prefabricadas, hay una búsqueda constante de coherencia.

En sus botellas, desde blancos salinos hasta ancestrales vibrantes o tintos ligeros y expresivos, hay algo más que un resultado técnico: hay preguntas. Sobre el territorio, sobre el oficio, sobre qué significa hoy hacer vino natural sin convertirlo en consigna vacía. Sus vinos, “El Marino, León, La Utopía o Las mil y una noches” funcionan casi como capítulos de un mismo relato, pequeñas historias donde el paisaje, la experiencia y la personalidad del enólogo se filtran sin filtros innecesarios. Y probarlos es, en cierto modo, escuchar esa historia sin que nadie la explique: la de alguien que eligió ir a contracorriente no por rebeldía, sino por coherencia; que entiende el vino como acto cultural y social; y que sigue buscando, botella a botella, una forma cada vez más libre y sincera de contar el lugar que habita.

¿Dónde empieza tu historia antes del vino, y qué recuerdos o influencias crees que ya estaban marcando el camino sin que tú lo supieras?
Bueno, yo soy músico, guitarrista flamenco desde pequeño, siempre tuve esa atracción artística y cultural. También diría que, desde muy niño, viajé con mi madre. Luego, mientras estudiaba en la universidad, ya empecé a viajar mucho por mi cuenta y, sin saberlo, me estaba creando quizás la necesidad de conocer el mundo y vivir relacionado de alguna manera con el arte como desarrollo profesional.

¿Cuándo aparece el vino en tu vida como una revelación y no solo como un oficio posible?
Cuando termino mis estudios de química en Austria, trabajando para una empresa alemana muy potente, me doy cuenta de que no quiero trabajar en un laboratorio el resto de mi vida. A la misma vez, estaba realizando proyectos de investigación en varias bodegas de la zona con variedades de uva de allí y me enamoré de la química del vino. Fue cuando vi bastante claro que tenía que seguir estudiando, era joven y quería aprender a hacer vino. Me iba a permitir trabajar y viajar a la vez, al menos durante un tiempo en los inicios.

En esos primeros años de formación y viajes, ¿Qué buscabas realmente: conocimiento, identidad, huida o pertenencia?
Mi primera vendimia en Italia, el enólogo de la bodega, que hoy en día es un gran amigo mío, me inculcó la pasión por esto del vino y las ganas de trabajar en muchos países, cuantos más mejor: abrir la mente, esforzarme y aprender de todo el mundo con el que tratara, conocer diferentes filosofías, viticultura de cada lugar, maneras de trabajar, de interpretar los procesos de bodega. Ahí sabía que me iría creando mi identidad y, sobre todo, un gran conocimiento, además de la repercusión que tuvo en mi vida y en mi persona.

¿Qué personas fueron clave para que empezaras a cuestionar las formas establecidas de hacer vino?
Pues todos los profesionales que me he cruzado en todos y cada uno de los países y bodegas. Al final es un aprendizaje muy amplio y una visión global de esto de hacer vino y trabajar la viña, muchas maneras y pensamientos. Quizás hay dos personas que me marcaron algo más, que fueron Donato Antonio Giuliani en Italia y Steve Gill en Nueva Zelanda, pero como digo, hay mucha gente que me ha aportado mucho, de los que he podido absorber sus conocimientos: por ejemplo, el jefazo Franco Festa, que es la primera persona que me enseñó a moverme en una bodega; los viticultores en California, Argentina o Francia; mi gran amigo Pumlani de Sudáfrica que me hizo mejor persona. En fin, sería una larga lista de gente importante que me ha hecho ser el profesional que soy ahora e influyó en mi manera de enfocar la enología que tengo actualmente.

¿En qué momento sentiste que necesitabas construir una voz propia, aunque eso implicara ir a contracorriente?
El vino tiene una parte de ciencia fundamental, pero también otra más artística, de interpretación. Con el paso del tiempo y de las experiencias, y una vez que me asenté en España, empecé a sentir que no quería hacer lo que me dijera un contrato, tengo mis ideas, mis formas, sobre todo mi ilusión, quería salirme de lo convencional y asumir riesgos, es excitante. Ir a contracorriente no quiere decir ir en mala dirección, porque soy un tío bastante serio y responsable con mi trabajo y creo que hay mucho esfuerzo detrás de mis vinos para que sean limpios, agradables y lleguen al público, que gusten. Sí que es verdad que hay mucho desconocimiento sobre lo que me gusta hacer, sobre esos vinos más libres, y a veces critican incluso sin haber probado de qué se trata, solo porque hago cosas diferentes a lo “normal”. Voy haciendo mi camino y eso es lo importante, siempre respetando toda opinión, pero a la vez educando cuando no hay conocimiento.

Cuando decides volver y enraizarte en un territorio como Ronda, ¿Qué estabas buscando a nivel vital además de vitícola?
Pues después de todos esos años dando vueltas por el mundo de hemisferio norte al hemisferio sur, haciendo 2 y 3 vendimias al año, decido volver a España, llego a Cataluña, pero al año de estar ahí me doy cuenta de que debo ir a mi tierra, Andalucía, y poner mi granito de arena para llevar el vino andaluz al nivel que le corresponde. Ronda es un lugar mágico que en ese momento estaba creciendo mucho y lo vi como una oportunidad para mí, para desarrollarme. Llegué en 2014. Empecé mis asesoramientos aquí y me fui moviendo bastante también, al principio por el Condado de Huelva, Arcos de la Frontera, el Marco de Jerez, Mijas, tratando de aplicar todo lo aprendido y siendo partícipe de varios proyectos. Ya desde hace años solo trabajo para mí, para mis diferentes marcas de vino. Sigo feliz en este bonito lugar donde tengo mi vida y mi familia.

¿Cómo te ha transformado el paisaje en tu manera de mirar, trabajar y relacionarte con el tiempo?
Pues aquí el paisaje es una suerte, la verdad que se disfruta mucho y verdaderamente es inspirador. Intento respetar la expresión que ofrece este lugar (aunque eso lo dicen todos, jaja), que considero que debe tener el vino, por eso no uso aditivos que modifiquen lo que la uva nos regala cada año. No me gusta ser parte de ese negocio tampoco, de añadir, homogeneizar y maquillar; veo innecesario ese gasto. Aunque admito que está bien usarlo, depende de qué mercado quieres trabajar; para eso se han inventado. Eso sí, prefiero mirar el paisaje y pensar en cómo hacer para no desvirtuar el vino, hay mucha gente que demanda eso, me parece más honesto y el camino a seguir.

¿Qué parte de tu aprendizaje ha venido más del error y la observación que de la técnica aprendida?
Cuando acabas la carrera no eres capaz de hacer vino tú solo, quiero decir que solamente trabajando, observando, escuchando y equivocándote empiezas a hacerlo bien. La técnica viene después, la vas perfeccionando, aunque siempre la puedes liar y equivocarte; en ese caso también lo veo muy positivo, es aprendizaje. Para los vinos que hago hay una parte de confianza en la naturaleza, en el proceso, de que todo va a salir bien. Intento controlar todo, que todo fluya, pero son vinos donde se asumen más riesgos, me hace sentirme vivo.

A mitad de camino, ¿Qué has tenido que desaprender para poder seguir avanzando con coherencia?
Pues ahora no pienso igual que hace 20 años cuando empecé; lo aprendido ahí queda en alguna parte de tu “disco duro”, pero es verdad que ahora veo otra realidad. Me entusiasma hacer vinos buenos y que muchos no los entiendan, creo que es una buena señal porque seguramente algo he removido. Para mí es ser fiel a mí mismo, no engañarme; así tampoco engañas a nadie. Este soy yo y tú decides lo que bebes y cómo lo disfrutas. He tenido que hacer en mi carrera creo que casi todo lo que está inventado en cuanto a trabajos de campo y bodega se refiere, y sé perfectamente lo que no quiero. Más que desaprender, es seleccionar quizás.

¿Cómo se va filtrando tu forma de entender la vida —lo social, lo ético, lo cultural— en cada vino que haces?
Pues imagino que está altamente relacionado con mi forma de ser. No tengo pelos en la lengua y tampoco me dejo llevar por el qué dirán. Sé defender bien lo que hago y creo que también en mi vida, en cierto modo, pasa eso. Me gusta más el ambiente de autenticidad, artístico, bohemio, que el postureo y el traje de chaqueta. Mis vinos van para toda esa gente con la que seguramente me siento mejor y son más propensos a apreciar de otro modo, sin complejos. Siempre he sido una persona muy libre y mis vinos deben ser igual o más libres que yo, jaja. Nacimos en un lugar con mucha cultura vinícola; aquí el consumidor medio asume corcho en la botella, pero en otros países un tapón de rosca es magnífico, por ejemplo, ¿no? Hay que adaptarse. Lo ético, ahí ya podemos entrar en polémicas, jaja, no sé qué decirte.

¿Hasta qué punto consideras el vino una herramienta cultural más que un producto?
Beber vino es un acto social en sí. Bueno, quizás alguna vez me tome una copa cocinando, o leyendo un libro, o tocando la guitarra, pero lo disfruto más con amigos, charlas, comidas o reuniones varias. Beber un vino no es beberte otra cosa; debe haber un pensamiento, un aprecio al lugar de donde viene, a quien lo ha hecho, pensar cómo o por qué. Es un disfrute más emocional, al menos para mí. Hay mucho trabajo detrás y debe trascender y transmitirte algo.

¿Qué diálogos te interesa generar hoy entre vino, arte, territorio y comunidad?
El vino es arte hasta que se convierte en un proceso industrializado, quiero decir, cuanto más artesanal y respetuoso sea el proceso para mí, es mejor. En cada territorio hay unas pautas y una herencia que se deben respetar también. Todo lo que sea conversar sobre hasta dónde se ha de llegar, pues me parece fantástico, pero eso sí, siempre con respeto; el vino no puede ser motivo de discusión. Me interesa generar debate sobre muchos temas, pero quizás esto del vino natural, que si es una cosa que sí o no lo es, si tiene o no tiene argumentos, que si los sulfitos que si no, creo que se le están atribuyendo conceptos inapropiados que vienen desde el desconocimiento, del hablar por hablar, para criticar. Hoy en día hay vinos magníficos sin sulfuroso y sin defectos, a la misma vez hay vinos sobretratados con grandes cantidades de sustancias no muy sanas para el organismo, incluso con malos olores, y te llegas a plantear hasta cómo llamarlos. No nos podemos perder en esas tesituras ni caer en los engaños de algunos/as por diversos motivos. La ignorancia es peligrosa, pero pasa en todos los ámbitos.

Mirando tu trayectoria con distancia, ¿qué decisiones marcaron un antes y un después, aunque en su momento parecieran pequeñas?
Pues ha habido muchas, pero diría que el primer viaje me sirvió para coger una buena inercia y no parar de trabajar y descubrir este mundo de la enología durante varios años. Cuando decidí volver a España también fue la primera piedra de todo lo que he podido construir desde entonces. Pero bueno, toda la trayectoria ha estado marcada por pequeñas o grandes decisiones que he ido tomando y sintiendo en cada momento: la gente que me crucé en el camino, los lugares, la cantidad de situaciones a las que me enfrenté, buenas y malas, los ratos de soledad por el mundo tan necesarios… En fin, si miro atrás podría llevarme un rato hablando contigo.

¿Qué preguntas sigues haciéndote ahora que no te hacías al principio?
La primera carrera que hice fue química, la terminé y comencé a trabajar para una empresa conocida. Ese trabajo no me gustaba, no me entusiasmaba la profesión. Me fui a estudiar enología; una vez terminé esa carrera, me preguntaba si esta sí sería mi dedicación y si me iba a enamorar. Hoy en día eso ya lo sé, encontré algo que me llena de verdad. Pero, a la vez, desconozco si seguiré muchos más años o exploraré otras opciones, como volver a la música o estudiar algo nuevo. Siempre me gustó la fisioterapia y el conocimiento del cuerpo humano, ¡quién sabe! Cuando sienta que esta etapa ha terminado, ya veré qué camino tomar.

Si cerramos el círculo, cuando alguien descorche uno de tus vinos dentro de años, ¿qué te gustaría que entendiera de tu historia sin que nadie se la explique?

Bueno, en general me gusta que, cuando alguien prueba uno de mis vinos, se sorprenda, le llame la atención y piense que realmente merece la pena, o que no ha probado nada igual. Quizás en el futuro (o ahora) se pueda llegar a decir al degustar algo que yo haya hecho aquí que sea mío; no sé si es realista o no, no me quita el sueño. Me importa más, sinceramente, el presente: el reconocimiento ahora de estar haciendo cosas bien, con sentido. Eso me hace sentir fenomenal y me da alas para seguir. En este aspecto estoy muy contento porque noto ese “feedback” de la gente, y eso es guay; parece que tanto esfuerzo da sus frutos. Hay que ser feliz recorriendo el camino, eso intento. Me gustaría que me recuerden mi familia, mis amigos y conocidos por ser tan libre y haber intentado plasmar esa sensación en lo que hago.

Lisbon is today a deeply modern city. Not through urgency, but through a calm modernity that understands design as a form of care: care for spaces, for architecture and, above all, for those who inhabit them, even if only for a few days. The city treats its interiors, its tables and its hotels with affection, creating environments designed to make the visitor feel comfortable, welcome, almost at home.

Although tourism is visible, Lisbon does not feel saturated or overwhelmed by it. It knows how to coexist with visitors with an uncommon naturalness. Neighborhoods continue to have a life of their own, tables are shared and the daily rhythm is not altered. As a foreigner, one does not feel like a spectator, but rather part of the landscape. Lisbon has that rare ability to make you feel like one of its own, even when you are just passing through.

Isco Bakery *

That feeling appears from the very first moment, sometimes in small, almost invisible gestures. Like walking into ISCO Bakery, one of the temples of artisanal bread in the city, and leaving with the certainty of having been received with genuine kindness. And the truth is that there are many things we love about Portugal, and yes, bread is one of them; so we are, then, in the perfect place. There we discovered a refuge where breakfast gives you life: one of the best natural fermentation proposals in Lisbon. Bread, as could not be otherwise, is the star, and we left delighted with our gift. A simple detail, but deeply revealing, which very well summarizes the character of the city: hospitable, generous and authentic, without the need for grand gestures.

The morning starts well and we set out with energy to walk the streets, to discover what’s happening here, which is what we enjoy most when exploring a city. Lisbon is understood by walking it, letting yourself be carried by its hills and by that unhurried rhythm that seems to invite you to look rather than to arrive. It is the city of hills, and far from being an effort, this becomes an urban gift: climbing only to then stop, breathe and observe. And that is exactly what we do; walk and stop in the places we like and that catch our attention; we love discovering new corners and shops. This time we came across the now classic Latte Lisbon (streetwear) and Louie Louie (records), which we hadn’t visited in years.

If there is something that defines life on Lisbon’s streets, it is that very simple -and very valuable- habit of stopping. At sunset, the viewpoints fill with people. It is a pleasure to stroll and see how, despite the cold, young people and not-so-young people sit on the walls, lean their backs against the stone, share a beer, a conversation or simply silence. These are corners that demand nothing in return: there are no tickets or schedules, just the willingness to be there. A free luxury that the city offers and that is worth taking advantage of and appreciating. In these viewpoints, Lisbon shows its most real pulse. There one understands the rhythm of much of its young population, a way of living that is less accelerated, more present, where public space is a natural extension of the home. There is a very marked urban vibe, spontaneous, not at all forced, that coexists with tradition without friction.

When it comes time to sit down at the table, that coherence remains. At Restaurante Brilhante, for example, the experience is unhurried and honest: a slow tasting that allowed us to explore a large part of the Portuguese pantry. Fish treated with respect, flavorful and well-executed meats, and a selection of regional wines that accompanied without imposing themselves, reinforcing the feeling of eating exactly what was right, in the right place. A recognizable, honest cuisine that does not seek unnecessary reinterpretations and that finds its strength in product and in time.

Brilhante Restaurante *

Brilhante Restaurante *

The space supports that same idea of comfort and authenticity. The décor is warm and welcoming, designed to invite you to stay, and the kitchen open to the dining room allows you to see the rhythm of the restaurant, generating an unusual and very welcome sense of closeness. Nothing is hidden; everything happens in plain sight, reinforcing that feeling of trust and transparency.

The team’s service, attentive but never intrusive, makes you feel comfortable from the very first moment, as if the restaurant were part of the neighborhood… and you, for a few hours, too.

Inspira Hotel *

Inspira Hotel *

Rest comes in neighborhoods where creativity is felt in the streets. At Inspira Santos Boutique Hotel, the contrast between the almost palatial façade and the contemporary interior, with an industrial aesthetic and sustainable materials, perfectly summarizes the character of the surroundings. It is not just a place to sleep: it is a living space, connected to the neighborhood, where you can work, have a drink or let the afternoon pass in its Backyard, a bright garden that invites you to stay longer than planned. Art, music and community are a natural part of the experience, without the need to program them.

The diversity of accommodations—from Solo Rooms to family suites, urban lofts or a penthouse with views of a work by the artist OSIR—responds to a clear idea: to offer flexible hospitality, adapted to different types of travelers and both long and short stays. All of this under a strong sustainability policy, which ranges from the use of carbon-neutral materials to ecological footprint compensation programs and a close relationship with the local environment.

Sublime Hotel *

Sublime Hotel *

In a quieter area of the city, Lisbon shows another of its faces. Sublime Lisboa, located in an old early-20th-century mansion, is experienced more like a private home than a hotel. With only 15 rooms, all different from one another, Sublime Lisboa feels more like a private residence than a hotel. The design by Andringa Studio respects the original elements -high ceilings, moldings, hydraulic tiles- and combines them with natural fibers, soft tones and contemporary pieces. Everything is designed to create a feeling of refuge, of pause, of a home away from home. The common spaces, such as the mezzanine, invite you to linger: to read, converse, work or simply be. A silent, serene luxury that does not need to impose itself and that fits perfectly with the city’s tempo.

Nights tend to stretch effortlessly. Sometimes around a table like the one at Davvero, the Italian-inspired restaurant inside Sublime Lisboa, where fresh pasta is made daily and the product sets the pace. Davvero has established itself as one of those restaurants that transcend the hotel and open themselves to the city. Its proposal travels through different regions of Italy with an authentic cuisine, based on product and respect for tradition. Fresh pasta is made in-house and some key ingredients, such as Parmesan or bottarga, are imported directly from small Italian producers; the rest of the product is Portuguese and seasonal. Each night, a special off-menu dish introduces an element of surprise. At the helm of the kitchen is chef Isaac Kumi, whose international background translates into precise, elegant and deeply cultural cuisine.

Davvero Restaurante *

Davvero Restaurante *

This city always leaves something pending; however brief the trip may be, a getaway to the Portuguese capital is always a sure bet, and for us it was an exercise in balance: between the new and the familiar, between rest and curiosity, between urban rhythm and the need for pause. A city that reveals itself in the details: in well-made bread, in a long after-dinner conversation, in a hotel that dialogues with its neighborhood.

Lisbon never ends, and that, perhaps, is its greatest charm.

Davvero Restaurante *

Sublime Hotel *

More information:
– Isco Padaria  / Instagram
– Restaurante Brilhante / Instagram
– Inspira Santos / Instagram
– Sublime Lisboa / Instagram
– Restaurante Davvero / Instagram
– Latte Lisbon Instagram

Contact:

– Isco Padaria – R. José d’Esaguy 10D, 1700-267 Lisboa, Portugal.
– Tel: +351 211 345 751

– Restaurante Brilhante – R. da Moeda 1I, 1200-066 Lisboa, Portugal.
– Tel: +351 210 547 981

– Inspira Santos – Av. Dom Carlos I 59, 1200-815 Lisboa, Portugal.
– Tel: +351 934 591 143

– Sublime Lisboa – R. Marquês de Subserra 10, 1070-012 Lisboa, Portugal.
– Tel: +351 218 462 121

– Restaurante Davvero – R. Artilharia 1 70, 1070-013 Lisboa, Portugal.
– Tel: +351 911 771 610

Latte Lisbon

Latte Lisbon

* Castellano:

Lisboa, o el arte de bajar el ritmo.

Lisboa es hoy una ciudad profundamente moderna. No desde la urgencia, sino desde una modernidad tranquila que entiende el diseño como una forma de cuidado: de los espacios, de la arquitectura y, sobre todo, de quienes los habitan, aunque solo sea por unos días. La ciudad trata con cariño sus interiores, sus mesas y sus hoteles, creando entornos pensados para que el visitante se sienta cómodo, bienvenido, casi en casa.

Aunque el turismo es visible, Lisboa no se siente saturada ni ahogada por él. Sabe convivir con los visitantes con una naturalidad poco común. Los barrios siguen teniendo vida propia, las mesas se comparten y el ritmo cotidiano no se altera. Como forastero, uno no se siente espectador, sino parte del paisaje. Lisboa tiene esa rara habilidad de hacerte sentir uno más, incluso cuando estás de paso.

Esa sensación aparece desde el primer momento, a veces en gestos pequeños, casi invisibles. Como entrar en ISCO Panadería, uno de los templos del pan artesanal de la ciudad, y salir con la certeza de haber sido recibido con una amabilidad genuina. Y es que hay muchas cosas que nos encantan de Portugal, y sí, el pan es una de ellas; estamos, entonces, en el lugar perfecto. Allí descubrimos un refugio donde el desayuno te da la vida: una de las mejores propuestas de fermentación natural de Lisboa. El pan, como no podía ser de otra forma, es la estrella, y nosotros nos fuimos encantados con nuestro obsequio. Un detalle sencillo, pero profundamente revelador, que resume muy bien el carácter de la ciudad: hospitalaria, generosa y auténtica, sin necesidad de grandes gestos.

La mañana empieza bien y vamos con fuerzas a recorrer las calles, a descubrir qué se cuece por aquí, que es lo que más nos gusta a la hora de explorar una ciudad. Lisboa se entiende caminándola, dejándose llevar por sus cuestas y por ese ritmo pausado que parece invitar a mirar más que a llegar. Es la ciudad de las colinas, y lejos de ser un esfuerzo, eso se convierte en un regalo urbano: subir para luego detenerse, respirar y observar. Y es justo lo que hacemos, caminar y detenernos en los sitios que nos gustan y nos llaman, nos encanta descubrir nuevos rincones y tiendas. En esta ocasión nos topamos con las ya clásicas Latte Lisbon (streetwear) o Louie Louie (discos) que hacía años que no visitábamos.

Si algo define la vida en la calle lisboeta es esa costumbre tan sencilla —y tan valiosa— de parar. Al atardecer, los miradores se llenan de gente. Da gusto pasear y ver cómo, a pesar del frío, jóvenes y no tan jóvenes se sientan en los muros, apoyan la espalda en la piedra, comparten una cerveza, una conversación o simplemente el silencio. Son rincones que no exigen nada a cambio: no hay entradas ni horarios, solo la voluntad de estar. Un lujo gratuito que la ciudad ofrece y que conviene aprovechar y apreciar. En esos miradores, Lisboa muestra su pulso más real. Allí se entiende el ritmo de mucha de su gente joven, una forma de vivir menos acelerada, más presente, donde el espacio público es una extensión natural de la casa. Hay un rollo urbano muy marcado, espontáneo, nada impostado, que convive con la tradición sin fricciones.

A la hora de sentarse a la mesa, esa coherencia se mantiene. En Restaurante Brilhante, por ejemplo, la experiencia es sosegada y honesta: una degustación pausada que permitió recorrer buena parte de la despensa portuguesa. Pescados tratados con respeto, carnes sabrosas y bien ejecutadas y una selección de vinos de la región que acompañaban sin imponerse, reforzando la sensación de estar comiendo exactamente lo que toca, en el lugar adecuado. Una cocina reconocible, honesta, que no busca reinterpretaciones innecesarias y que encuentra su fuerza en el producto y en el tiempo.

El espacio acompaña esa misma idea de confort y autenticidad. La decoración es cálida y acogedora, pensada para invitar a quedarse, y la cocina abierta al comedor permite ver el ritmo del restaurante, generando una cercanía poco habitual y muy agradecida. Nada se esconde, todo sucede a la vista, reforzando esa sensación de confianza y transparencia.

El trato del equipo, atento pero sin invadir, hace que uno se sienta cómodo desde el primer momento, como si el restaurante formara parte del barrio… y uno, por unas horas, también.

El descanso llega en barrios donde la creatividad se respira en la calle. En Inspira Santos Boutique Hotel, el contraste entre la fachada casi palaciega y el interior contemporáneo, de estética industrial y materiales sostenibles, resume bien el carácter del entorno. No es solo un lugar donde dormir: es un espacio vivo, conectado con el barrio, donde se puede trabajar, tomar algo o dejar pasar la tarde en su Backyard, un jardín luminoso que invita a quedarse más de lo previsto. El arte, la música y la comunidad forman parte natural de la experiencia, sin necesidad de programarlo.

La diversidad de alojamientos —desde Solo Rooms hasta suites familiares, lofts urbanos o un penthouse con vistas a una obra del artista OSIR— responde a una idea clara: ofrecer hospitalidad flexible, adaptada a distintos tipos de viajeros y estancias largas o cortas. Todo ello bajo una fuerte política de sostenibilidad, que abarca desde el uso de materiales neutros en carbono hasta programas de compensación de huella ecológica y una estrecha relación con el entorno local.

En una zona más tranquila de la ciudad, Lisboa muestra otra de sus caras. Sublime Lisboa, ubicado en un antiguo palacete del inicio del siglo XX, se vive más como una casa privada que como un hotel. Con solo 15 habitaciones, todas diferentes entre sí, Sublime Lisboa se siente más como una casa privada que como un hotel. El diseño de Andringa Studio respeta los elementos originales —techos altos, molduras, azulejos hidráulicos— y los combina con fibras naturales, tonos suaves y piezas contemporáneas. Todo está pensado para crear una sensación de refugio, de pausa, de hogar lejos de casa. Los espacios comunes, como la mezzanine, invitan a quedarse: leer, conversar, trabajar o simplemente estar. Un lujo silencioso, sereno, que no necesita imponerse y que encaja perfectamente con el tempo de la ciudad.

Las noches suelen alargarse sin esfuerzo. A veces alrededor de una mesa como la de Davvero, el restaurante de inspiración italiana dentro de Sublime Lisboa, donde la pasta fresca se elabora a diario y el producto marca el ritmo. Davvero se ha consolidado como uno de esos restaurantes que trascienden al hotel y se abren a la ciudad. Su propuesta recorre distintas regiones de Italia con una cocina auténtica, basada en el producto y en el respeto por la tradición. La pasta fresca se elabora en el propio restaurante y algunos ingredientes clave, como el parmesano o la botarga se importan directamente de pequeños productores italianos, el resto del producto es portugués y de temporada. Cada noche, un plato especial fuera de carta introduce un elemento de sorpresa. Al frente de la cocina está el chef Isaac Kumi, cuya trayectoria internacional se traduce en una cocina precisa, elegante y profundamente cultural.

Esta ciudad siempre deja algo pendiente, por breve que sea, una escapada a la capital portuguesa es siempre acierto seguro y para nosotros fue un ejercicio de equilibrio: entre lo nuevo y lo de siempre, entre el descanso y la curiosidad, entre el ritmo urbano y la necesidad de pausa. Una ciudad que se revela en los detalles: en un pan bien hecho, en una sobremesa larga, en un hotel que dialoga con su barrio.

Lisboa no se termina y eso, quizá, sea su mayor encanto.

Inspira Hotel *

Inspira Hotel *

Brilhante Restaurante *

Brilhante Restaurante *

Brilhante Restaurante *

Isco *

Isco *

Te propongo que nos remontemos a los inicios de tu historia. ¿De dónde eres y en qué ambiente te criaste de joven? Además, tu familia tiene un gran vinculo con el mundo del surf…
Nací y crecí en Santa Bárbara, California. Soy el más joven de los tres hijos de un padre comerciante y de una madre costurera. Mis padres se criaron en el condado de San Diego… mi madre en la ciudad de Coronado y mi padre en la zona de Mission Beach y La Jolla. En los años 50, mi padre formaba parte del primer grupo de surfers que pasaban los inviernos en el North Shore y cogían olas en Waimea Bay. Después de varios años en Hawái, mis padres se trasladaron a Santa Bárbara, formaron una familia y mantuvieron ese estilo de vida de playa y de surf, que heredamos mi hermano, mi hermana y yo. Mi hermano fue un exitoso surfer de competición y yo intenté seguir sus pasos, pero me di cuenta de que los campeonatos no eran lo mío. Así que me dediqué a hacer diarios de viajes, primero como surfer y después como surfer y fotógrafo. Tuve la oportunidad de visitar lugares como Escocia y Tasmania, que entonces se consideraba que estaban fuera de las rutas habituales.

Siento curiosidad por saber cuándo te aficionaste a la fotografía…
Mi pasión por la fotografía fue el resultado de mis viajes. En seguida me di cuenta de que era una buena manera de aprovechar al máximo el tiempo libre de mis trayectos. Viajar a lugares con paisajes muy bonitos también contribuyó a esta afición porque me pareció una buena oportunidad de construir algo para el futuro. Lo primero que hice fue fotografía de paisaje porque me gustaba el trabajo de Ansel Adams y de otros fotógrafos clásicos. Me atraía la idea de trabajar al aire libre y en lugares hermosos. Parecía un buen estilo de vida. He hecho muy pocas fotos de gente practicando surf a lo largo de los años, principalmente porque yo también estaba en el agua cuando había buenas olas. Sin embargo, mi objetivo siempre ha sido centrarme en los detalles del viaje y en retratar lo que sucede entre sesiones.

¿Podrías hacernos una breve descripción de tu carrera profesional? ¿Por qué te apasiona tanto lo que haces?
Como surfer no paré de viajar entre 1992 y 2010. En 1999 empecé una segunda carrera como fotógrafo que me llevó a organizar exposiciones y me animó también a empezar a fabricar mis propios marcos de madera. Actualmente todavía hago fotos y vendo copias a través de mi web. También he abierto una tienda de marcos artesanales en Crescent City, donde acepto encargos para clientes locales y también mandó productos a diversos artistas de todo el país. Y sigo fabricando tablas de surf “custom”. Me gusta trabajar por mi cuenta, disfruto siendo creativo y me gusta trabajar con mis manos.

Tom Curren

Fuiste pionero de una generación de fotógrafos de surf que decidieron dar más relevancia a los paisajes antes que a las escenas de acción. ¿Te atreverías a explicar tu concepto personal de la fotografía de surf?
Me gusta hacer fotos de lo que sucede entre ola y ola. No sé exactamente por qué… puede que haya muchas razones. Cuando empecé a hacer fotos a finales de los años 90, la fotografía de surf se centraba, básicamente, en las escenas de acción con colores brillantes y encuadres con ojo de pez desde dentro del agua. En mi opinión, eso no cuenta realmente ninguna historia. Viajé con varios de los fotógrafos de surf que huían de este estilo y se atrevían con una visión más sutil y artística. Aprendí todo lo que pude de ellos porque siempre me han interesado todos los aspectos de la experiencia de viajar. Cuando era joven, mi revista favorita era una australiana que se llamaba Surfing World. Actualmente sigue publicándose, pero en los años 80 estaba editada por dos fotógrafos, Bruce Channon y Hugh Mcleod, que también hacía de diseñador. Ellos iban de viaje por Australia, pasaban un mes acampando en N.W o recorriendo un fin de semana la costa… entonces editaban unos libros muy bien maquetados y unos diarios de viaje con fotos de surf artísticas, que mezclaban paisajes y retratos. Puede que simplemente fuera mi edad, pero esos artículos me impresionaron mucho porque lograban transportarte a los lugares y me inspiraron a viajar para lograr lo mismo con mis fotos

¿Tuvo algún tipo de influencia la trayectoria de tu padre en el mundo del surf?
Mi padre viene de una época en la que los hombres eran mucho más completos que ahora. Tenía intereses mucho más diversos que el surf. Le gustaban los barcos, el buceo y la pesca. También llevaba a toda la familia a hacer excursiones de dos semanas con acampadas en los bosques de Santa Bárbara. Tengo buenos recuerdos de estar allí en las montañas o de jugar en la playa, muchos años antes de empezar a practicar surf. Estoy convencido de que todo esto me influyó y marcó mi manera de hacer las cosas… no sólo por lo que se refiere a la fotografía, sino en la vida en general.

Pat Curren

¿Cuáles son tus métodos creativos y de trabajo en disciplinas como el shaping, el trabajo en madera y la fabricación de marcos?
Para la fabricación de marcos utilizo moldes de madera que diseño y compongo a partir de materiales locales. Los acabados son completamente artesanales y hechos a medida, y eso hace que sean más resistentes y tengan una mejor apariencia. El tema de carpintería es, normalmente, un encargo concreto de un cliente, como puede ser una mesa para el comedor, una vitrina o elementos más pequeños como estanterías o tablas de cortar, pero siempre a partir de materiales locales. Por lo que se refiere a las tablas de surf, las fabrico de manera artesanal con tablas de madera de secuoya y también hago las quillas con madera local.

¿Cuál es el viaje que más te ha impresionado entre todos los que has hecho? ¿Y el lugar más hermoso en el que has hecho fotos para tu colección personal?
Pasé temporadas muy divertidas en el suroeste de Francia a principios de los años 90. Justo había terminado el instituto y me dedicaba a acampar y a practicar el surf todos los días con amigos de mi ciudad. Me gustaba esa cultura, el surf era divertido y las playas no estaban tan repletas de gente como ahora. Mi primer viaje a Escocia fue en 1996 y me abrió los ojos. Solamente había visto un par de fotos del surf que se hacía allí, pero acabó siendo uno de los mejores viajes de mi vida porque me inició en el surf de aguas gélidas. Mi primera aventura a Nueva Zelanda fue en 1999 y allí tomé la decisión de ser fotógrafo. Fue un viaje especial porque me recordó al oeste de los Estados Unidos y me sentí como en casa. Otros lugares perfectos para hacer fotos son Sri Lanka, Grecia, Islandia y Hokkaido en Japón.

F: Kanoa Zimmerman

¿Podrías contarnos quiénes son tus fotografos favoritos, tanto de surf como de otras disciplinas?
Algunos de mis fotógrafos de surf favoritos son: Ron Stoner, Art Brewer, Hugh Mcleod (Aitionn), Jon Frank, Andrew Kidman, Patrick Trefz y Kanoa Zimmerman. Y los que no están centrados en el surf son: Sam Abell, Peter Beard, Earnst Haas, Anton Corbijn y Aaron Huey. Todos ellos me gustan porque su trabajo mezcla arte, retrato y fotoperiodismo. También me encanta el trabajo paisajista de Ansel Adams, Elliot Porter y Michael Kenna.

¿Qué diferencias has notado de vivir en Santa Bárbara a estar en Oregón? Supongo que lo has notado en el surf y en las oportunidades profesionales…
Técnicamente vivo en California, aunque sólo a 20 millas de la frontera con Oregón, en el extremo sur del noroeste del Pacífico y de los bosques templados del Pacífico. El paisaje se parece más a Oregón que al lugar donde me crié en California. Las mayores diferencias con Santa Bárbara son el número de gente y el clima. Crescent City, el pueblo donde vivo, es uno de los más aislados en los Estados Unidos fuera del territorio de Alaska. Por el contrario, Santa Bárbara se encuentra a 90 millas de Los Ángeles y tiene 10 millones de habitantes. Aquí los inviernos pueden ser muy húmedos, pero los veranos son secos. Tenemos un promedio de 60″ de lluvia al año, mientras que en Santa Bárbara sólo es de 18”. A causa de la poca población y de estar aislados, no hay demasiadas oportunidades laborales. Sin embargo, estamos rodeados por la naturaleza, los bosques y los ríos salvajes. También hay surf aquí, pero las olas no tienen la calidad de Santa Bárbara. Aunque, después de haber viajado durante años, me he dado cuenta de que no hay ningún sitio con el clima y las condiciones de los spots del lugar donde me crié.

¿Qué apareció antes en tu vida, el shaping o el trabajo de la madera?
Mi interés por la carpintería y por el shaping se remonta a una edad muy temprana. Cuando era un crío, mi padre era un experto carpintero que estaba especializado en puertas a medida y en vitrinas. También hacía preciosas tablas de surf de madera, barcas y elementos de decoración. He utilizado tablas de surf “custom” desde que tenía 11 años, así que pasé mucho tiempo mirando como Al Merrick y otros shapers las hacían. Realmente, mi primer trabajo consistió en limpiar el polvo de foam en su taller. Por este motivo, el shaping siempre fue algo que tuve muy presente y era necesario que lo intentara. Recuerdo que primero empecé a trabajar la madera, haciendo marcos para mis exposiciones de fotos, y un par de años después construí un taller de shaping. Actualmente, fabrico unas cuantas tablas para mí y acepto entre 5 y 10 encargos para tablas “custom” cada mes.

¿Qué proyectos estás desarrollando actualmente? Puede que alguna exposición de fotos en el horizonte…
No tengo planeado hacer ninguna exposición de fotos. Pasé la mayor parte del 2015 reconstruyendo un viejo edificio en el downtown de Crescent City, donde pienso trasladar mi tienda. Es una construcción de 1952 que ha sobrevivido al peor tsunami que azotó los Estados Unidos en 1964. Fue un antro de bar hasta 1998 y entonces quedó abandonado hasta el año pasado. Allí fabricaré mis marcos y también tendré un espacio para mostrar mis fotos y los trabajos de madera, además de las tablas. Como puedes ver, ésta ha sido mi principal dedicación durante una buena temporada… abrir mi nueva tienda, estar en casa, llevar una vida normal y disfrutar de esta zona.

F: Chris Burkard

¿Cuál es tu rol como embajador de Patagonia y en qué consiste tu colaboración con la marca?
Mi función consiste en probar sus equipos y darles feedback. También les mando fotos para sus catálogos y para su web, además, escribo algunos textos para su blog. Es una empresa de la que estoy orgulloso de formar parte porque me gusta lo que representan, su modelo de negocio y su dedicación para preservar el medio ambiente. Además, fabrican el mejor equipo y lo hacen para que dure. Y están centrados en todas las cosas que me gusta hacer: surf, pesca, snowboard, excursionismo, etc. Descubrí esta marca cuando era muy joven porque entonces vivía en Ventura, que es donde tienen la sede. Puede sonar extraño, pero el hecho de haber crecido rodeado de surfers y de haber practicado este deporte toda mi vida, hace que acabes saturado del tema. Por este motivo me gusta que sea una marca tan atípica dentro de la industria del surf. Realmente empezaron como una empresa de material de escalada.

Para terminar la entrevista, ¿qué maneras tienes de desconectar de la rutina del día a día?
Actualmente, si no puedo practicar surf, me gusta ir al Smith River que está cerca de mi tienda con el coche. Entonces hago una buena caminata y en verano me animo a nadar. El Smith tiene el agua más limpia que cualquier río de los Estados Unidos y pasa por un desfiladero profundo y por un bosque de secuoyas. Así que pasar un tiempo allí nunca es aburrido.

F: Kanoa Zimmerman

F: Kanoa Zimmerman

F: Kanoa Zimmerman

F: Kanoa Zimmerman

English:

JOE CURREN.
THE WAVE CRAFTSMAN

You can be one of the most respected surf photographers of a generation and live in a place where there are no good waves? Over the years, Joe Curren has shown that there are more important things in life than to chase currents each day with a board under the arm and that the secret to live peacefully is to dive in those little things that we are passionate about. Not surprisingly, he tried to follow his brothers steps getting into the surf competition but soon he realized that he was way more comfortable making landscape pictures and letting fly his imagination through woodworking. He currently lives in Crescent City, an isolated village in California, sets photo exhibitions and fills his days making custom frames. Occasionally, he locks himself shaping sequoia wooden tables to his own use and for some lucky friends. In a time when the wildest wilds called more his attention than the Santa Bárbara beaches did, he did not hesitate to remind his beginnings in the surf world with his father and say that waves will always be part of his personal history. We spoke to this elite athlete turned into artist to explore his world view and his fascinating daily life between exotic woods.

Where did you grow up and what is your background? Can you tell us about your family roots in surf?
I was born and raised in Santa Barbara, California, the youngest of 3 children born to a tradesman father and seamstress mother. My parents grew up in San Diego, my mother in Coronado and my father in the Mission Beach and La Jolla area. In the 50’s my dad was part of a crew of surfers who were among the first to spend winters on the North Shore, and ride Waimea Bay. After a few years in Hawaii, my parents moved to Santa Barbara, started a family and continued the beach and surfing lifestyle, which was passed onto my older brother and sister and I. My brother was a very successful competitive surfer. I tried to follow in his footsteps, but discovered contests weren’t my thing. So, instead I did travelogues, first as a surfer, and later as a surfer and photographer, visiting places like Scotland and Tasmania, places at the time that were considered off the beaten path.

How did you start in photography? Did you start with general photography and after you got interested in surf photography?
Photography was a result of the travel. I found that photography was a good way to make the most of all the down time on my trips. Traveling to a lot of very scenic places, it also seemed like a good opportunity, something I could build on for the future. I was originally drawn to landscape photography. I looked at Ansel Adams and other classic landscape photographers. I liked the idea of working outside in a beautiful place. It seemed like a good life. I’ve taken a couple photos of people surfing over the years, but very few. In part, it was because I was always surfing when the waves were good, but my focus was always on the incidentals of the trip –I liked to photograph what was happening in between sessions.

Please, could you make a brief description of your professional profile? What do you do and why do you love it so much?
I travelled as a professional surfer from about 1992-2010. Around 1999 I started to pursue a second career in photography, which led to doing photo exhibits, which led to making wood frames for the photo exhibits. Nowadays, I still shoot photos and sell prints through my website. I have a custom frame shop in Crescent City, where I frame for local clients and ship to several artists around the country. I also shape custom surfboards. I like working for myself, I enjoy being creative and working with my hands.

You were pioneer in a generation of surf photographers who focused more on the place than the action happening. Could you tell us more about your idea of a good surf photo?
I like to shoot the in-between stuff. I’m not exactly sure why, there are probably many reasons. When I started shooting in the late 90’s, surf photography was, for the most part, full frame front-lit color action and fish eye water shots. In my opinion, that doesn’t really tell a story. I travelled with a few of the surf photographers who diverted from this, who took a more subtle and artistic approach. I learned what I could from them. I’ve always been drawn to the entire experience of a trip. My favorite magazine when I was young was Australia’s Surfing World. The magazine is still around, but in the 80’s it was put together by two photographers, Bruce Channon and Hugh Mcleod, who was also the graphic designer. They’d go on trips all over Australia –a month long camping trip in the N.W or a weekend trip down the coast– and then put together beautifully laid-out books and travelogues with artful surf shots, mixed with landscapes and portraiture that were given a lot of attention. It could have just been my impressionable age, but those articles made a huge impact on me. They did a really good job of creating a sense of place, and inspired me to travel and do the same with my photography.

What about your father’s influence in your personal way to see the surfing scene?
My dad comes from an era where guys were more well rounded. He had diverse interests other than just surfing. He was into boats, diving, and fishing. He’d also take the whole family on two week hiking and camping trips into the Santa Barbara backcountry. I have good memories of just being in the mountains, or hanging out at the beach for years before I started to surf. I’m sure all of this was an influence on me and my approach, not just with photography, but life in general.

Could you tell us about your working methods and the process that you follow? Shaper, woodwork, frame…
For my framing, I use wood moldings that I design and mill from locally sourced materials. I custom finish my frames after they’re joined, which makes for stronger joinery and a cleaner finish. Woodworking is usually a request for a custom job like a dining table, cabinets, or smaller items like shelves and cutting boards, all made from locally sourced materials. As for surfboards, I’m hand shaping from blanks with redwood stringers, and making redwood fins from wood sourced here on the Redwood Coast.

What is the most impressive travel you have done so far? And the most amazing place to make photos for yourself?
Southwest France in the early 90’s was a really fun time. I was just out of high school, and I was camping and surfing everyday with friends from home. I really liked the culture. The surf was fun, and it wasn’t as crowded as it is there today. My first visit to Scotland in 1996 was a big eye opener. I had only seen a couple photos of the surf there beforehand. It ended up being one of the best surf trips of my life. It got me started on cold-water surf travel. My first trip to New Zealand in 1999 was where I decided I wanted to be a photographer. It was a special trip because it reminded me of the Western US, and it felt like home. Other places I’ve been that are great to photograph are Sri Lanka, Greece, Iceland and Hokkaido.

Who are your favorite surf photographers and non-surf photographers?
Some of my favorite surf photographers are Ron Stoner, Art Brewer, Hugh Mcleod (Aitionn), Jon Frank, Andrew Kidman, Patrick Trefz and Kanoa Zimmerman. Some of the non-surf photographers I like are Sam Abell, Peter Beard, Earnst Haas, Anton Corbijn and Aaron Huey. I like them because their work is a nice mix of fine art, portraiture and photojournalism. I also like the landscape work of Ansel Adams, Elliot Porter and Michael Kenna.

What are the differences between living in Santa Barbara and Oregon? From a surf perspective, but also from a job career perspective and daily life…
Well, I’m technically still in California, but only 20 miles from the Oregon border, at the southern edge of the Pacific Northwest and the Pacific temperate rain forest. So, it is more like Oregon, than the California where I grew up. The main differences between here and Santa Barbara are population and climate. Crescent City, the town where I live, is one of the most isolated in the US outside of Alaska. Santa Barbara is 90 miles away from Los Angeles and 10 million people. Here the winters can be very wet but summers are dry. We average about 60” of rain a year, whereas Santa Barbara gets 18”. Because of the isolation and the small population, there are not many job opportunities here. What we do have is lots of wilderness, forests and wild rivers. There’s surf here, but it’s nowhere near the quality of Santa Barbara. Although, after traveling for many years, I’ve learned there’s really nowhere with the climate, the quality and the conditions of the points in Santa Barbara.

What was first, shaper or woodwork? How did you start shaping?
My interest in woodworking and shaping goes back to an early age. Growing up, my dad was a finish carpenter specializing in custom doors and cabinets. He also made beautiful wood surfboards, boats and furniture. I’ve been getting custom boards since I was 11, so I spent a lot time watching Al Merrick and others shape my boards. Actually, my first job was cleaning up the foam dust in his bay at the same age. So shaping was always in the back of my mind and I always wanted to try it. I started woodworking first, making frames for my photo exhibits, and then I built a shaping bay a couple years after. Now I’m making a few boards for myself and taking custom orders; averaging 5-10 a month.

What projects are you developing right now and how would you like it to evolve? Are you planning any exhibition about photography?
I don’t have any plans to exhibit my photos at the moment. As far as projects, I spent the better part of 2015 remodeling an old building in downtown Crescent City where I’m moving my shop. It is a mid-century modern building built in 1952. It survived the worst tsunami to hit the US in 1964. It was a dive bar until 1998 and then sat empty from then until last year. I’ll be making my frames there and will have a space to display my photos and some woodwork and surfboards. So that has been my focus for a while now, getting my new shop open, and just being at home, living a regular life and enjoying the area here.

You are a Patagonia ambassador. Can you tell us about it and what does it involve?
My role is to test their gear and give them feedback. I submit photos for use on their catalogs and website and do a bit of writing for their blog. It’s a company that I’m proud to be a part of. I like what they represent, their business model and their dedication to conservation and improving the environment. They make the best gear, and it’s made to last. And they make it for all the things I like to do: surfing, fishing, snowboarding, backpacking, etc. I’ve known about the brand from a young age, living near Ventura where they are based. Growing up around surfers and surfing your whole life, as weird as this may sound, you become saturated with it. I like that they are atypical of the surf industry, I like that they started as a mountain company.

In order to finish the interview, what is your favorite way to get away from the routine after a busy day working? 
Nowadays, if I can’t go for a surf, I like to go up to the Smith River, a close drive from my shop, to maybe take a hike, or I’ll go for a swim in the summer time. The Smith has some of the cleanest water of any river in the US, and runs through deep gorge and a redwood grove, so spending time there never gets old.

www.joecurren.com

Hemos hablado con 5 fotógrafos malagueños (Paco, Alberto, Edu, Pillo y Antonio) que representan distintas épocas del skateboard de la ciudad para que nos den sus puntos de vista sobre su visión a través de su herramienta inseparable, la CÁMARA.

Este es el resultado. Esperamos que os guste.

Nombre y edad:
– PACO: Paco Núñez, 51 años.
– ALBERTO: Hola me llamo Alberto Rodríguez pero todos mis amigos me llaman Magoo y tengo 39 primaveras.
– EDU: Eduardo Lester, 35.
– PILLO: Me llamo Pillo y tengo 24 años.
– ANTONIO: Antonio González Hijano. 22 años.

Jorge. Sw Heelflip. Foto: MAGOO

¿Cuándo empezaste con la fotografía y qué te llevó a hacerlo?
– PACO: Pues cuando empecé a patinar allá por el 1978 cayó en mis manos una revista llamada “SKATEBOARDER” y me quedé alucinado viendo las imágenes de skaters deformadas por el “ojo de pez”, con esos cielos tan azules y esos sitios tan increíbles, ahí empezó mi interés por la fotografía.
– ALBERTO: Pues fue curioso, Con 18 años en un Tour que hice con Francisco Burgos de Stance, en el que fuimos al mítico campeonato de Radlans en Inglaterra y al de Munster en Alemania, como llegamos tarde, como buenos españoles jeje, ya no habían entradas. Francisco tiro de contactos y el equipo Powell nos hizo el suport diciendo que si no entrabamos nosotros ellos se iban, y al final entramos. Los que mejor patinaban tenían que participar, entre ellos mi homie Paco Carbón, y los que menos pasábamos con pase de prensa y teníamos acceso a todo el complejo. Aprovecho para darle las gracias a Francisco porque me dejo una Nikon F-1 con ojo de pez, hoy comparable al mejor pepino de cámara, y me dio carretes por tubería. Me dijo cuatro cosas básicas y hala!, a hacer fotos en uno de los mejores campeonatos del mundo de la época. Jamás vi los negativos, no se que salió de ahi pero la experiencia fue lo que me engancho a esto. Llegue a Málaga y mi padre que es aficionado me dio su réflex, que aun guardo, la primera que salió con auto enfoque.
– EDU: Exactamente no sabria decir cuando empece. Lo que hizo que me llamase la atencion, pues supongo que fue cuando mi abuelo me enseñaba fotos que habia hecho en sus viajes, cuando estaba en la marina. Un buen tiempo despues me encontre una camara en un cajon de casa y pensè, anda igual puedo hacer alguna foto como las de mi abuelo…
– PILLO: Cuando mi Padre se compró su primera cámara digital, una Sony, se la quitaba para hacerle fotos a mis amigos que hacían skate, parkour o cualquier cosa se nos pasase por la cabeza. Supongo que una mezcla entre aburrimiento y curiosidad es lo que me llevo a hacerlo, me sorprendí mucho cuando vi que podía tomar la imagen en el momento justo que yo quería.
Fue mas o menos en 2012-2013 cuando tuve cámara propia y empecé a tener la fotografía como hobbie.
– ANTONIO: Empeze en la fotografía gracias al patin. Siempre me llamaba la atencion los videos de skate que veía por internet y como se hacían y con el grupo de amigos empezamos a grabar y yo tenia cámara de fotos y de hay empece a engorilarme y me compre una de fotos y video y de ese engorile empece a hacer mas fotos.

Fly. Heelflip. Torremolinos. 2015. Foto: EDU LESTER

¿Recuerdas cual fue la primera foto de skate que tomaste? ¿Y la última?
– PACO: Uf! La primera no recuerdo me imagino que sería alguna escena en el Paseo del Parque o en el Paseo de la Farola de Málaga, eran los lugares más frecuentados por skaters de aquella época, es posible que fuera alguno de mis amigos haciendo handstand sobre el skate, era el truco de moda. La última fue el otro día, me hice uno de esos tan “odiados” selfies en el skatepark de Málaga Rubén Alcántara, es la actual foto de portada de mi facebook.
– ALBERTO: La primera que hice con la réflex de mi padre fue en la Plaza de la marina a mi hermano Peluca, un Fs Noses en la plataforma. Y la ultima así en plan serio y con flashes a mi colegón Alejandro Martinez, hicimos una entrevista para Staf luego la ultima así de strangis mientras grabo, que últimamente estoy enfocado también en eso, hago fotos mas sencillas aprovechando la luz, pero no por eso menos bonitas.
– EDU: Eso fue hace bastante tiempo. Casi seguro que fuese un ollie de Chiri o de Fly con camara de carrete, antes de la era digital. ¿Y la última? La ultima fue con El Negro de Chiclana, Backside Ollie.
– PILLO: La primera foto de skate no la recuerdo, probablemente una con esa Sony bajando un escalón o intentando hacer freestyle como Rodney Mullen hahaha. La primera que me gustó fue la de un Fs krooked de Ale Martinez. Y la última un Kickflip enorme que hizo Biru en el último campeonato del skatepark de Málaga.
– ANTONIO: Siempre. Cada foto de skate tiene un recuerdo por la historia que tiene detrás y el recuerdo de aquel dia. La primera fue un wallie de Alvaro Griptape saltando por encima de la palmera de la Plaza de la Marina y la ultima fue un bs blunt de Adri Mena.

Cuando vas a realizar una sesión con uno o varios skaters, ¿llevas preparada en la cabeza una idea de cómo hacerlo o improvisas según se vaya desarrollando dicha sesión?
– PACO: Cuando estaba metido más de lleno en la fotografía de skate simplemente mi equipo fotográfico me acompañaba allá donde iba a patinar, tomaba imágenes según iban apareciendo ante mis ojos, es cierto que intentaba prepararlas pero no era lo que predominaba. Se podría decir que era un poco más espontáneo que preparado aunque las sesiones tenían un poco de las dos vertientes.
– ALBERTO: Yo algo pensado llevo si se a donde voy, pero cuando llegas tienes que improvisar siempre. Lo mejor, llevarte el mochilote con todo, confiar en uno mismo, en el Skater también para que se motive y a cuadrar el set, eso siempre es lo primero, y luego dejo que fluya.
– EDU: Bueno, mas que una sesion salimos a patinar. Ya depende de quienes salgamos de “mision”, pues pensamos donde podriamos ir o si alguien quiere hacerse un truco especifico igual se me ocurre algun spot que tenga fichado y le pueda venir bien. Cuando todo cuadra, incluso conseguimos ir a varios spots en una sola tarde, todos caen sus trucos, se llevan una foto y echamos una cervecita para cerrar el día. Otras veces es bastante mas complicado y no sale tan bien…
– PILLO: Siempre llevo una cámara de fotos en la mochila. Voy a patinar y si hay algo que me gusta, hago la foto. Me gusta la espontaneidad que tiene el skate y la capacidad de improvisar.
– ANTONIO: Me gusta mas improvisarlo no llevar nada premeditado que engorile de ese dia vaya surgiendo.

Jake White. Rock to Fakie. Foto: ANTONIO

¿Qué equipo fotográfico usas o has usado? ¿Has realizado fotos de skate con película de negativos o diapositivas alguna vez?
– PACO: La mayoría de mis fotos las he captado con negativo o diapo, era lo que había. Solía disparar con uno o dos flashes aunque al principio era un calvario porque la cámara que tenía por aquel entonces tenía una sincronización de flash muy baja. Más tarde llegó mi Nikon FM2 y mi primer 16mm nikkor, fue la reostia.
– ALBERTO: Ahora mismo tengo una Canon 7D, un juego de lentes que he ido comprando con los años, flashes, disparadores de flashes y mi carta de grises que me flipa desde que la descubrí. Claro que he disparado en analógico, es lo que había. Empecé con negativos y rápido me pase a la diapositiva, me gustaba mas, pero en cuanto pude me pase a digital porque hacer fotos de skate en analógico es caro. .
– EDU: Para las fotos de patín dos cuerpos digitales de Canon con varios objetivos, gran angular, un tele y un 50mm junto con un par de flashes. A veces también uso una cámara de carrete de medio formato. Para otras fotos ya depende de para que sean, me gusta usar camara de carrete.  Cuando empecé es lo que había y, como mencione antes, a veces sigo usandolo.
– PILLO: Empecé con una Canon digital que no uso ya casi nunca para fotografía, una Fuji digital y recientemente una Olimpus analógica. Siempre estaba con ganas de disparar con carrete, este año empecé a probar y me flipa. Te obliga a pensar mucho mas antes de disparar.
– ANTONIO: El equipo que uso sobre todo para fotos de skate es digital. Pero para reportajes de otro tipo de skate más callejero nocturno suelo usar de carrete. Me encanta!

En los tiempos que corren la tecnología de recogida de imágenes se ha “democratizado” y está al alcance de prácticamente cualquier persona. Cámaras y dispositivos móviles con buena calidad y con precios asequibles se han convertido en accesorios inseparables de los usuarios del patín ¿te ayuda de alguna manera o por el contrario encuentras cierta competencia en algún sentido?
– PACO: Pues encuentro alguna diferencia pero no es negativa, quizás puede que ayude a “relajar” al fotografiado ya que seguro ha sido objetivo de las cámaras en algún momento, esto hace que las sesiones sean más efectivas al no existir ese nerviosismo del que se siente en el foco de atención. Cuando las fotos de skate no eran tan habituales, las sesiones se podían convertir en un calvario para el que las tomaba y para el que patinaba, esto era debido a las ganas de hacer bien los trucos a la primera porque quizás no habría una segunda sesión.
– ALBERTO: Para nada competencia, al contrario mientras mas asequible mejor. Siempre uso la frase “lo importante no es la flecha, es el indio”. Así que mientras mas al alcance este la tecnología mas fácil es para ti también.
– EDU: Siempre va haber alguien mejor que tu y mas con esta nueva generacion que esta tan informada y a la ultima en cualquier nueva tecnologia. Cosa que veo bien. Ademas, hace que uno este un poco mas “despierto”.
– PILLO: Con un Smartphone hoy día se pueden hacer maravillas. A mi me ayuda, antes era mas difícil descubrir o conocer fotógrafos, ahora puedes seguir su trabajo e incluso preguntarles. Todos los días puedes aprender o ver algo nuevo en cualquier red social, creo que esto es lo mas positivo de todo.
– ANTONIO: Ayuda a que se difunda más y mejor el aprecio de una fotografía de calidad. No creo que ningún fotógrafo profesional se vea amenazado en ese sentido ya que esto ayuda a que más skaters y revistas reconozcan y conozcan su trabajo.

XXL Skateshop. 1993. Foto: PACO NUÑEZ

Es bastante común oír a algunos skaters veteranos decir que los chavales de ahora tienen como único deseo el ser grabados o fotografiados para aparecer en redes sociales en detrimento del engorile de patinar ¿notas esa sensación entre los skaters más jóvenes?
– PACO: Cada generación está influenciada por el ambiente que le rodea, lo quieran o no. En mi adolescencia (en la mía, no sé en la de otros) era un ambiente politizado al 100% debido a la transición democrática que estábamos viviendo. En el momento actual vivimos la mayor parte de nuestro día a día dentro de las redes sociales, también lo queramos o no. Deberíamos usarlo como una herramienta de ayuda y creo que los chavales lo están haciendo, no creo que ese afán de protagonismo por aparecer en dichas redes sea la norma general entre los chavales de ahora.
– ALBERTO: Lo que veo es que ahora vivimos en un mundo de redes sociales y los chavales de hoy pues es lo que ven, mil vídeos cada día y quieren grabarse, lo veo lo mas normal. En mi época también nos preocupábamos de grabar y hacer fotos lo único que era otra manera en la que se distribuía. Mas underground. Si se engorilan así pues adelante que se graben y patinen a muerte y dejemos la nostalgia del skate aparte.
– EDU: Mola!. Si los veteranos hubiesemos tenido las mismas facilidades seguro que habriamos hecho igual. Aunque tambien es cierto que hay algunos chavales que estan un poco obsesionados y estan mas tiempo con el movil intentando capturar algo para poder colgarlo en las redes que en disfrutar del patin.
– PILLO: Desde que empecé a patinar escucho eso, no había redes sociales pero si se decía eso de “solo patinan para conseguir un Sponsor” . Cuando empecé, nos gustaba grabarnos, luego veíamos las tomas en casa, nos reíamos, hacíamos un remix etc… eso no a cambiado, solo que ahora es mucho mas fácil y todo el mundo puede hacer un video y compartirlo en el momento.
– ANTONIO: En cierta manera si que se nota pero no considero que sea motivo de que el engorile sea menor. Lo importante es patinar siempre pero si que ensucia un poco la esencia de disfrutar de patinar ese como se dice ahora “postureo”.

La fotografía ¿es una pasión para ti? ¿se ha llegado a convertir en una obligación en algún momento? ¿Te ganas la vida con ella?
– PACO: Fue una pasión muy grande durante largos años pero con el paso del tiempo se ha convertido en un amor más sosegado y estable. Por suerte o por desgracia se convirtió en una obligación ya que me dediqué profesionalmente a ello durante varios años aunque alejado de la escena skater. He intercambiado puntos de vista con otros profesionales de la fotografía de otros ámbitos y a muchos les ha pasado un poco lo mismo, pienso que es normal.
– ALBERTO: Para mi es una pasión, tengo un buen trabajo no relacionado, que me permite disfrutar parte de las tardes y fines de semana. Cuando puedo siempre estoy intentando grabar algo de patin, hoy en día los medios lo reclaman mas.
– EDU: Por ahora para nada una obligacion, todo lo contrario y espero que siga asi. Bueno, aunque si fuese una obligación seria que estoy ganandome la vida con esto e igual no estaría tan mal.  Me gustaría poder decir que si, pero no.
– PILLO: Pasión, nunca obligación. No me gano la vida con ella pero si hice algún trabajo.
– ANTONIO: La fotografía para mi es mi vida. Trabajo y disfruto de la fotografía, hoy día es mi trabajo y con lo que me gano la vida en ello, pero obviamente no en el mundo del patín. Trabajo como fotógrafo con unos Dj`s malagueños llamados “Les Castizos”.

Jaime Bueno. Bs tail. Paseo del parque. 2015. Foto: PILLO

¿Patinas habitualmente? En caso afirmativo ¿Dónde y cuándo?
– PACO: Desde que empecé a finales de los setenta he tenido altibajos, patinaba un tiempo y lo dejaba, volvía y retomaba el hábito un tiempo, volvía a dejarlo… Es curioso que en las ocasiones en las que dejaba de patinar pensaba que ya sería la última vez que me subiría a un patín y hasta ahora no ha sido así. Ahora estoy en una de esas rachas en las que patino varias veces en semana y las sensaciones son las mismas aunque las limitaciones físicas son evidentes debido a los años vividos. El skatepark de Rubén Alcántara es el lugar en el que estoy el 100% del tiempo, concretamente en el halfpipe y en el bowl, pero nada de locuras, patino tranquilo, muy tranquilo, no doy para más.
– ALBERTO: Patinar, no patino desde hace 12 años lo deje por lesiones. Pero nunca me he separado de Álvaro de Griptape y hace 4 años empece a salir a grabar con mi 7D video y foto antes no hubiese podido con la peña de ahora y claro, si que patino. No hago trucos pero me gusta sentirme deslizado sobre el patín. Cuando me vengo muy arriba me hago algunos trucos pero nada poca cosa, lo que no se olvida y se que no me voy a caer. Lo hago en el Rio, en el centro por sus calles normalmente aparco el coche cojo el patin y el troli con la mochila con las cosas y para adelante.
– EDU: Que va! Como mucho unos rules en skatepark. Estoy seguro de ser el unico haciendo fotos de patin, que no patina.
– PILLO: Si, siempre que puedo. Me gusta patinar donde sea pero en general suelo ir al Rio o a la Plaza de la Marina.
– ANTONIO: Si. Suelo ir cuando puedo ir a patinar a El Rio o a La Marina o por algún Skatepark como el de Cartama o Rincon de la Victoria.

Dinos cual es o ha sido el mejor sitio para hacer fotos de skate en Málaga.
– PACO: Pues Málaga en sí misma, no importa el lugar, puedes encontrar multitud de cosas interesantes si le echas imaginación. Aunque me ha parecido siempre más atractivo hacerlo fuera de skateparks o de sitios habituales donde se patina.
– ALBERTO: No se, eso para mi no tiene respuesta. La mejor foto sale en cualquier sitio.
– EDU: Creo que toda Málaga es buen sitio. Hay montones de spots, buen tiempo, sol casi todo el año y buena luz para las fotos. Que mas se puede pedir.
– PILLO: El mejor, no lo sé, pero el mas completo creo que es la Plaza de la Marina, tienes todo lo que necesites para patinar.
– ANTONIO: Cualquier sitio es bueno siempre que sea con amigos y disfrutando de estar patinando y echando fotos con engorile!!

Chiri. Nollie. Gamonal. Foto: MAGOO

Descríbenos la que ha sido tu mejor foto de skate desde tu punto de vista.
– PACO: Tengo algunas a las que tengo especial cariño por lo que representan más que por su valor técnico o artístico. Una foto de la rampa de Juvensur en 1988, en la que aparezco patinando mientras un montón de chavales esperan para entrar. Preparé la cámara en el trípode, coloqué el diafragma y la velocidad de obturación adecuados, encuadré, enfoqué y le dije a un amigo que la accionara a través del cable disparador cuando me viera en el coping. Aunque no disparé directamente, preparé la escena para que aparecieran todos los que habitualmente patinaban allí, yo solo era un complemento más. Hicimos varias tomas y salió esa. El resultado superó lo esperado años después ya que representa un momento de inflexión en la escena skater de Málaga con todo lo vivido en ese lugar. Esto demuestra una vez más que a veces, los resultados de las imágenes tomadas pueden cobrar valor con el tiempo, en esa foto aparecen chavales adolescentes que continúan patinando y rondan los 40 años.
– ALBERTO: Mi mejor foto… No se, si me dices una te la comento pero así a bote pronto… jeje, por ejemplo una que hice con una cámara de bolsillo de 3mega pixle y un mini trípode. Que le hice a Raulito. O una de Campi en un plano al atardecer que la hice con un solo flash. Me gustan por eso, “no importa la flecha, sino el indio”. Os las dejo aquí y la veis.
– EDU: ¿La mejor foto…? Por mi parte no se la verdad. Pero por parte del skater y todo el esfuerzo que a veces conlleva el hacer un truco, algunas fotos se te quedan grabadas. Una por ejemplo es de Misha, cuando hizo un frontside-boardslide en una barandilla de doce escaleras, la barra desde arriba te llega a la altura del pecho, eso te lo dice todo. Creo que en situaciones así cuando el skater cae su truco, personalmente y creo que todos los presentes, sienten una alegría especial, casi como si lo hubiese hecho uno mismo.
– PILLO: Uf, no tengo favorita, pero por seleccionar me gusta la de David (pln) haciendo un ollie sobre un vagabundo. David se estampó un par de veces con la zapatilla en la cara, pero al final el vagabundo movió la cabeza en el momento justo y David salto por encima de su hombro. Lo que mas me gusta es el mensaje del cartel “Da la cara”.
– ANTONIO: La de Alex de fs ollie sobre el sofá no se si es la mejor foto pero me trae muy buenos recuerdos esa foto! Fue en Granada con muchos amigos patinando y estuvimos hasta las tantas patinando de furtivo por la cuidad. Fue la bomba!

Nachete. Ollie en Rio DIY. 2015. Foto: EDU LESTER

Alex. Fs Ollie. Granada. Foto: ANTONIO

Ricky. 1997. Foto: PACO NUÑEZ

Nachete. Sw Flip. Foto: MAGOO

Alejandro Tamayo. Krooked. Torrox. Foto: PILLO

Jorge. Flip. Marbella. 2011. Foto: EDU LESTER

Ale. Sw Flip. Foto: MAGOO

Carlos Del Amo. Fs Noseslide. 2014. Foto: PILLO

Adrian Morales. 2002. Foto: PACO NUÑEZ

Ale Martinez. Blunt en PLN 2009. Foto: EDU LESTER

Adri Mena. Bs Slide. Foto: ANTONIO

Diegardo. HardFlip. Foto: MAGOO

David PLN dando cera. Foto: ANTONIO

David. Ollie over a homeless. 2014. Foto: PILLO

Pillo. Fs Tail. Foto: ANTONIO

Álvaro Rodríguez. 360flip Mientras llueve, Puente de la esperanza. 2013. Foto: PILLO

El talento y los logros de Brooke más allá de la fotografía son conocidos y apreciados en todo el mundo (su carrera como actriz norteamericana no la vamos a descubrir ahora, vete a google y veras el por qué), y con este trabajo fotográfico y la edición de este magnifico libro nos ha sorprendido a todos, realizando un trabajo muy importante, muy necesario para documentar una epoca del new york hardcore que destaca por encima de las demás.

¿Cual es el punto de partida del libro? ¿en que año empiezas a fotografiar? 
Fui a mi primera matiné cuando tenía unos 15 años, en 1982. Una de las únicas clases que me gustaban en el instituto era la de fotografía, así que me llevaba la cámara a todas partes. Empecé a fotografiar espectáculos y a mis amigos casi de inmediato.

¿Por qué un libro las “Sunday Matinee” del CBGB? ¿Por qué crees que es tan importante que se conozca esa historia?
Las matinés de los domingos en el CBGB fueron el lugar donde nació nuestra escena. Los espectáculos eran para todas las edades; se suponía que tenías que tener 16 años, pero todos encontrábamos la manera de entrar aunque no los tuviéramos. No había separación entre los artistas y el público y creo que es importante que la gente conozca la escena NYHC porque, en mi opinión, fue una de las últimas veces que hubo un movimiento artístico en nuestro país completamente DIY. Estaba hecho por nosotros y para nosotros y no intentábamos hacernos ricos o famosos.
Una de las cosas a las que responden los más jóvenes con mis fotografías es que se dan cuenta de que esos chicos vivían una vida auténtica, sólo con ver las fotos. No representaban sus vidas para las redes sociales. Creo que hoy en día hay una verdadera sed de conexión real. Espero que los jóvenes se sientan inspirados para salir y crear sus propias escenas allí donde estén.

¿Esas matinees eran solo de hardcore?
Las matinés de los domingos eran exclusivamente de música hardcore.

¿A quién se le ocurrió crear las Sunday matinees? 
Creo que Hilly Kristel empezó a dar conciertos por la tarde porque la mayoría de los chicos a los que les gustaba el hardcore eran menores de edad. Luego empezó a ganar dinero con esos espectáculos a medida que la escena crecía. Max’s Kansas City cerró en 1981 y A7 y Great Gildersleeves cerraron en 1984, así que los domingos por la tarde eran el lugar al que ir en Nueva York para ver esas bandas de hardcore.

¿Cómo era la ciudad y la escena antes de las Sunday matinees?
En mi libro hay unas cuantas fotos de Alphabet City y el East Village a principios de los años ochenta. Una de las primeras personas que conocí allí era un tipo llamado Fran, que formaba parte de una banda de hardcore y vendía hierba a todo el mundo de la escena. Así que pasar el rato allí fue una forma estupenda de conocer a todo el mundo. Era un poco como el salvaje oeste por aquel entonces, y la policía te dejaba en paz si estabas al este de la Avenida A. La ciudad era peligrosa, pero parecía que nos pertenecía. Recuerdo que la gente de la calle te insultaba y te escupía por llevar las pintas que teníamos.

¿Tu vivias en esa área o venias de otro barrio o ciudad? ¿Qué recuerdas de aquellos años del comienzo de todo?
Crecí en los suburbios, a unos 30 minutos en coche de Manhattan. Antes de los 16 años cogía el autobús para ir a la ciudad. Cuando me saqué el carné, tenía una vieja ranchera verde en la que llevaba a los grupos a los conciertos. Me mudé a la ciudad a tiempo completo el mismo día que terminé el instituto. Alquilé un estudio en la calle 76 oeste y viví allí con John Joseph, y después con Alexa Poli. HR siempre dejaba allí su maleta cuando estaba en la ciudad. Recuerdo que había un poco de violencia en ese entonces … había peleas con las bandas locales sobre todo en Tompkins Square Park.

Aparte de la escena hardcore… ¿Cómo era la vida en esos años? 
Creo que todos teníamos en común algún tipo de trauma infantil. Éramos hijos de padres divorciados, alcohólicos y drogadictos, y muchos de nosotros sufrimos abusos físicos o sexuales. Creo que estar en pozos físicos, peligrosos e íntimos fue una forma de empezar a superar los abusos sexuales que sufrí de niña. Elegí estar allí, que era diferente de cuando sufrí abusos. Pude empezar a aprender a confiar en la gente. Nos cuidábamos los unos a los otros y todos nos cubríamos las espaldas. También nos divertíamos mucho: era nuestra ciudad y nuestro ambiente, y nos encantaba.

Desde tu punto de vista, ¿Quién o qué banda o grupo de amigos crees que trabajo más en la escena y le dio esa forma y sentido a lo que hoy conocemos como New York Hardcore?
No llaman a Agnostic Front “Los Padrinos del Hardcore” por nada. En mi opinión, AF siempre estuvieron ahí y fueron una de las bandas que más se implicaron en la creación de la escena. Los vi tocar muchas, muchas veces. También Warzone, Murphys Law y Cro-mags. Siempre podías encontrar a Roger, Ray, Jimmy o John y Harley si sabías dónde buscar. También teníamos un grupo de chicas (una crew) que se llamaba Warzone Women, formado por mis amigas de la escena.

Y hablemos de ese sonido tan peculiar…, ¿A tu juicio, quiénes fueron los arquitectos del sonido NYHC?
Cause For Alarm, The Mob, Agnostic Front, Cro-mags y Murphys Law.

¿En aquel momento era solo gente del Lower East Side o venía gente de otras ciudades o paises?</strong
Muchos chicos venían de los distritos periféricos: Brooklyn, el Bronx, Queens… y otros venían de las afueras, como yo. Algunos de otros estados como Connecticut o Nueva Jersey. Frenchie era un gran tipo y roadie de AF y vino de Canadá. Sólo lo supe porque tenía un tatuaje que decía “Made In Canada” en la frente, jejeje. También conocí a algunos ingleses.

Creemos que es muy importante reivindicar el papel de la mujer en la escena NYHC, ya que parece que aquello era solo un grupo de chicos duros haciendo moshing (LOL), pero tenemos entendido que todas las amigas hicieron mucho, ¿verdad? Es lo que suele pasar con la historia, que siempre las personas que trabajan duro, y que como solemos decir, están el almacen y en la trastienda, se mantienen al margen porque no les interesa salir en la foto, solo les interesa ayudar a construir una comunidad. Y realmente el NYHC tenia eso, y es algo que la gente no lo sabe. Una parte importante de amigos y amigas estaban en la trastienda trabajando a destajo y creando una escena y movimiento. Aunque suelen ser en muchos casos olvidados, triste e injustamente. Lo bonito es que tu libro les da el sitio que se merecen en la historía.
Tienes toda la razón. Aunque la escena estaba definitivamente dominada por los hombres, había muchas mujeres. Algunas tenían bandas como Scab, PMS, Scum Goddess, Frightwig… Algunas chicas escribían fanzines. Amy Keim, BJ Papas y yo hacíamos fotos, junto con otras mujeres que no conocía. Amy también era la cantante de Nausea. Y como ya he dicho, había un grupo de chicas que siempre estábamos por allí y que siempre estábamos dispuestas a ayudar en lo que pudiéramos: hacer y colocar folletos, llevar a las bandas a los conciertos, hacer camisetas y pegatinas, etc…

Había algún tipo de conexión con otras subculturas como el hiphop, la new wave, el reggae…? ¿Cómo convivían todos en el Manhattan de esos años?
Una de las mejores cosas de Nueva York es que obliga a todo tipo de gente a estar junta. Estaba la conexión entre el hiphop y el hardcore con Beastie Boys. Luego llegaba el reggae de Bad Brains. Conozco a un tipo que venía del Bronx y de la escena musical Freestyle de allí. La new wave no se extendió mucho: actuaban en Peppermint Lounge, Limelight y Danceteria. Yo trabajaba de guardarropa en el Ritz, así que allí veíamos todo tipo de actuaciones.

¿Nos puedes contar alguna anécdota curiosa de aquellos días?
En el verano de 1985, cuando mis padres estaban fuera de la ciudad, monté una fiesta en la piscina de lo más hardcore. Tocaron Warzone y Nausea y algunas bandas más. Hay fotos de la fiesta en mi libro. Desafortunadamente, la policia local estaba al tanto de mi y cuando vieron una furgoneta con skinheads dentro, los pararon y los registraron ilegalmente. Roger, de AF, acabó en la cárcel (porque ese día había estado entregando drogas a alguien). Eso fue una movida gordísima.

Personalmente, ¿cómo fue el final de todo aquello? ¿Dejaste de ir a las matinales o dejaste de fotografiar? Háblanos un poco de lo que hiciste después…
Mi hermano pequeño murió en un accidente de surf en agosto de 1985. Obviamente cambió toda mi vida. Recuerdo que sentí que había llegado el momento de madurar y empezar mi vida. A partir de 1986 fui a menos espectáculos, y en 1987 ya tomaba clases de interpretación en la American Academy Of Dramatic Arts. Poco después conseguí mi primer papel en una película y empecé a trabajar como actriz a partir de entonces. “El Silencio de los Corderos” fue mi primera gran oportunidad. Sigo haciendo fotos con una cámara y hace poco fotografié a Sick Of It All y Agnostic Front cuando tocaron en Los Ángeles.

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¿Cómo recuerdas tu infancia; fue en esa época cuando se despertó tu interés por el arte?
Tuve una infancia bastante despreocupada y normal en el sur de California. Mi padre era piloto de línea aérea, así que terminamos moviéndonos un poco, pero me alegro por ello y estoy agradecido por todas las experiencias y situaciones que me tocó vivir en Long Beach, Seattle y Denver siendo un niño. Tengo dos hermanos y una hermana por lo que siempre había movimiento en casa…Yo terminé siendo el único realmente artista, pero varios miembros de mi familia son aficionados a la fotografía, y mi madre y mi abuela siempre estaban cosiendo edredones y haciendo patrones, etc …y eso es algo que, sin saberlo, tuvo una influencia sutil en mí. En cuanto al arte, cuando era niño, aproveché todas las oportunidades para transformar todo lo que podía en un proyecto artístico… todos mis trabajos escolares tenían dibujos por todos lados, y siempre que podía me escabullía de mis clases para dibujar. Dibujaba todo el rato y hacía dibujos para mi zine, camisetas y cosas relacionadas con el mundo del skate también. Empecé a patinar en 1976, a los cuatro años de edad, por lo que esa siempre fue una gran influencia igualmente. Y el tema del punk y el material de música comenzó bastante temprano alrededor de los 11 años – más o menos 1983. Definitivamente, me encantaba hacer zines, diseñar cosas, y el camino en el que todavía estoy comenzó  a esa edad tan joven. Sabía que era lo que necesitaba hacer, y no podía hacer mucho más. Afortunadamente, ha funcionado y puedo seguir haciéndolo. Mis padres a pesar de que eran un poco conservadores, me apoyaron lo suficiente como para permitirme hacer lo que estaba haciendo, creo que sabían que iba a suceder de cualquier manera. También sus ideas conservadoras probablemente ayudaron a empujarme más a ser un punk joven, y un skater antisocial ¡un efecto secundario indeseable sin duda! Como padre ahora considero siempre este tipo de cosas con respecto a criar a mi hijo. Él es un buen chico y bastante más independiente que la mayoría de los niños de 7 años, lo cual es bueno por lo menos y esperamos que le funcione.

¿Has tenido algún tipo de formación académica?
Sí, he tenido algún tipo de formación académica. Cuando era joven tomé muchas clases de arte. Probé la Escuela de Arte y luego pasé a dedicarme a ello a tiempo completo en lugar de estudiar o dedicarme a lo que los demás hacían o pensaban hacer. Yo me considero mayoritariamente autodidacta ya que en la práctica no uso mucho de lo que aprendí en la escuela en comparación con lo que he aprendido a través de la práctica y tratando de permanecer abierto a experimentar y aprender cosas nuevas a medida que avanzo.

¿Cómo surgió hacer tu primera exposición?
Bastante casualmente: Pensé que por qué sólo hacer lo que todo el mundo estaba ya haciendo o ya había hecho ¿por qué no hacer algo que es más personal, que reflejara mis intereses? Así que traté de hacer eso. Yo en realidad no quería ser como cualquier otra persona y tenía relativamente poco contacto con lo que otros artistas estaban haciendo de todos modos…parte de eso fue a propósito y parte fue resultado de ser un joven tímido, aislado y tal vez ingenuo, y también el hecho de no estar saturado ni atado a ningún método o escuela de pensamiento en particular. Creo que esto me ayudó en esta búsqueda probablemente. Mi primera exhibición fue pequeña, humilde y muy seguramente extraña: recuerdo haberla llevado a cabo muy pronto, en la habitación de la casa de un amigo que estaba siempre de gira y por alguna razón me habló de hacer una exposición en su habitación. Creo que llené prácticamente toda la habitación desde el suelo hasta el techo con mis dibujos y pinturas. Invitamos a un montón de gente más y todos vinieron. Fue sorprendente y catártico para mí hacerlo. Recuerdo literalmente sudar una tonelada al instalarla, como si fuera un efusión física de energía física para llegar a mostrarlo. Tuve que dejar de ser tan tímido y decidí mostrarle a la gente lo que había mantenido en privado en mis cuadernos, en los blocs de dibujo y en mi habitación. Fue una experiencia intensa para mí. Yo era bastante sensible y me sentía tan crudo y desnudo mostrando a otros lo que había inventado…pero fue muy importante para mí, ya que me enseñó que podía hacerlo, y eso es lo más importante que puedes saber: es posible si haces que las cosas sucedan…esa fue una lección que aprendí durante años de ser un joven skater, punk y solitario…pero también es por eso por lo que encontré esas cosas para empezar.

¿Qué es lo que te inspira para dibujar? ¿eso que te inspira ha sido constante a lo largo de tu trayectoria?
A mí la inspiración para hacer arte me viene de adentro, está siempre allí … es inconsciente y puedes difícilmente nombrarla o definirla realmente pero hay cosas que la alimentan y le añaden razones para continuar adelante. Definitivamente es constante y ha estado allí desde que podía recordar sentir algo realmente. A veces es suficiente un lienzo vacío o un pedazo de papel para motivarme o inspirarme para ver lo que puede suceder, es así de simple.

¿Cuáles son las técnicas que más utilizas?
Disfruto tratando de conseguir no estar nunca demasiado marcado o cómodo con materiales o técnicas. Solía sentir que era necesario dominarlos de alguna manera, pero desde entonces he abandonado esa noción. Para mí es más divertido no saber cómo algo va a funcionar o salir. Por ejemplo, usar acuarelas puede enseñarte una lección: puedes intentar controlarla, pero finalmente, se controla sola. Me gusta y estoy totalmente abierto a descubrir o explorar todas las posibilidades. Creo que algunos de los momentos más significativos son accidentes o experimentos. Sólo hay que estar listo para admitir que no puedes saber todo y que hay cosas que pueden suceder si estamos preparados y permitimos que sucedan. A veces nosotros como artistas lo único que hacemos es iniciar el proceso o ponerlo en marcha, pero el arte adquiere una vida propia por sí mismo…

Como artista y como comisario se tiene una relación diferente con el arte ¿con cuál disfrutas más? ¿qué es lo que te aporta cada una de diferente?
Sí, ambas son muy diferentes, pero realmente las disfruto las dos porque juegan papeles diferentes pero también están conectados. Como artista desarrollas el tipo de trabajo que deseas ver, y como comisario te ocupas del trabajo que deseas ver y que otros vean. Es simple pero cierto. Mi idea de una buena exposición en solitario es la que se vería como si varias personas hicieron el trabajo, y una buena exposición de grupo puede ser divertida si parece que una sola persona la hizo. ¿Por qué no? No es necesario adherirse a ninguna fórmula, pero me gusta jugar a veces en mi papel de comisario. Pero honestamente, sólo apuesto por lo que me gusta. Las razones para que algo me guste varían, pero ¿por qué hacer algo que no te gusta? Parece un poco extraño. Mejor dejar que los demás hagan lo que quieran y hacer lo que te gustaría ver. Espero que mi visión no sea demasiado egoísta y que inspire a la gente a ser interesante y hacer sus propia cosas ¿Sabes a lo que me refiero? Me encanta que cada persona tenga su propia versión de cómo deberían ser las cosas. Ahora solo haz eso, no esperes que otros lo vean como tú lo haces … si lo sientes de verdad, entonces haz que suceda.

Es evidente que el skate es una de tus fuentes de inspiración. Al tratarse de algo siempre cambiante ¿serías capaz de señalar exactamente qué es lo que te atrae tanto de él?
Haber crecido bajo la influencia de la tabla de madera debajo de tus pies con el viento soplando en tu pelo o en lo que queda de él…es embriagador…Es difícil de explicar que a alguien que no lo ha hecho, pero una vez que lo has experimentado, realmente cambia quién eres desde ese momento. Me siento atraído por el lado creativo del skateboarding y por las personas que lo hacen. A veces lo que más me gusta de él cambia. A veces todo lo que tengo que hacer es ver un viejo número de uno de mis skatezine fotocopiados preferidos como Bend, Swank, Scrap, Skate Fate, Gut Feelin’, I’m your Momma, Naughty Nomads, 7, Tiki, Dancing Skeleton, Contort,Body Slam,  Karmaboarder , Ten foot Boneless, Paste, Preparation S,  Skate Punk, Skate Scene, Local Chaos, the Monthly Shredder, Air zine, The Frontside, Tight Transitions, Pool Dust, Skate Core, Joke ,408,Beefstreet, Shred, I Be Sompin , Ooni Flakeski, Fun zine, Revenge against Boredom , Elk,any Dancing Fish zine, Robzine, Hardcore, Contortion,  Sad zine, the Harsh Realm,Texas Skate Monthly, Sj Skate Ripper, Skate Attack, Street Issue, Skater Of Fortune, Scheme,Five-0, Deathbox,Fran, Gus, Halo Perro ,Death zine, Seekin, Generic, Go for it, Roll in, Stuff,  Surreal, Clueless, Harsh Vibes, Sacto Strert Damage, Skate Slate,  Smelly Curb,Skate Threat,Squid Meat, Altered Skates, Rolling Papers, Rusty Kitchen,Very Sketchy,Speed zine,  Severe Head Injury, Geek Attack, Skate Rat, Rise Above, Just for Fun, Kook, Chud zine, Kick Turn, Death Skate, Wonder Rolling News, Media Local, Underground Skate Mag,  United Skates of America,Skate Among Us, Disobedience, your coping stinks,Vila Vila COLA ZINE, Monthly Rot, any Gonz poetry zine ,Ed Templeton, Sergej Vutuc, Push, Ben Gore , Jai Tanju…o cualquiera de los nuevos, e incluso no relacionados con el skate…

“There is Xerox on the Insides of Your Eyelids” fue una exposición en la que recopilaste fanzines de skate de  los 80’s; me imagino que tuvo que ser una labor casi de tipo arqueológico ¿es así? ¿crees que estas expresiones tan DIY son entendidas dentro del arte más oficial?
Crecí haciendo zines como muchos otros artistas, lo hicimos porque nadie nos prestaba atención, era lo suficientemente barato como para que pudiéramos hacerlo nosotros mismos y sentimos que era lo suficientemente importante como para hacer un montón de ellos…independientemente de que el mundo del arte reconozca que existen o que importan, lo hacen y los he puesto en museos, y también lo han hecho artistas como Raymond Pettibone, Berry Mcgee y varios otros. Al mundo del arte no le asustan los zines, pero son visto como esa especie de cosa que se hace antes de estar realmente establecido como artista. Sin embargo algunos de nosotros seguimos haciéndolos de todos modos. Por ejemplo Printed Matter lleva una feria de zines y  libros dondeen el transcurso de tres días casi 30.000 personas tienen la oportunidad de echarles un vistazo. Eso es algo que nunca hubiera pensado que pasaría, pero ocurre en Los Ángeles y Nueva York. Hay ferias de libros con zines en ellos en todo el mundo ahora. Las clases de la universidad enseñan sobre ello. Las instituciones pagan mucho dinero por las colecciones de zines para sus bibliotecas. Por lo tanto los zines en general son cada vez más populares, los niños siguen haciéndolos  a veces sin ni siquiera darse cuenta de su historia…todo esto está bien o es un desastre dependiendo del punto de vista. Tal vez no es necesario que lo sepan todo, pero es conveniente que sepan que hay raíces que van bastante atrás. Es inspirador ver lo que la gente ha sido capaz de hacer con un pequeño presupuesto en un momento que se remonta a casi cien años en este momento. Es poderoso darse cuenta de que puede imprimir cualquier cosa que crea que vale la pena imprimir.

Me encanta el Minor Threat Tree ¿podrías explicarnos cómo fue la génesis de esta obra?
¡oh, eso fue bastante divertido! Paul, un tipo que conozco, estaba haciendo una exposición y me pidió que estuviera en ella. Hice un árbol genealógico Minor Threat por diversión y porque me gustan las referencias históricas. Alguien vio esa exposición y estaba haciendo un festival de música en Canadá, me pidió que usara eso y otra imagen y pusieron carteles en toda su ciudad, London Ontario, pero todas eran vallas publicitarias relacionadas con la música. Así que el mío era este árbol genealógico de Minor Threat, y un enorme dibujo de Sun Ra que había hecho y que pusieron cerca de una parada de autobús. El de Minor Threat voló durante una tormenta por lo que tuve que rehacerlo. Supe que los miembros de la banda habían oído hablar de él, que era divertido y cool. Le envié una foto a Ian para comentárselo, pero alguien más la había enviado a algunos de los otros miembros y me la devolvió. Lo hice como un guiño a ellos, pero también como una obra de arte sólo por diversión… el contexto había cambiado, pero era la misma obra. Vi uno en un zine que Jim Saah un fotógrafo de DC hizo una vez cuando era un niño, fue un poco más un guiño a la manera en la que el hardcore se ha fetichizado…me parece interesante ya veces divertido. Lo entiendo, pero creo que es extraño también en que era tan anti-dinero y anti-comercial en ese entonces, la gente parece haber olvidado esa parte. Tal vez la gente ha cambiado desde entonces también tal vez … pero la mejor parte de todas estas cosas y lo peor también, es que cualquiera puede hacerlo. Ahora tienes muchas versiones de la idea. Lo cual es probablemente bueno…

Otra de tus constantes es tu interés por la música, con portadas de discos , camisetas…¿cómo empezaste a trabajar en ese campo?
Creo que inicialmente fue por necesidad, lo hice para bandas en las que estaba y de las que era amigo. Real natural y orgánico. Prefiero tener alguna conexión con ello, pero estoy abierto a conocer gente y hacer cosas de esa manera también. Me encantan los discos y escucho mucha música todo el rato. Una de mis fuentes de energía son los libros, los discos y los zines. Me gusta esa sensación y esa energía, y a veces realmente puedo apreciar la estética también: siempre me atrajo el diseño y el packaging. Cuando era niño, miraba los discos y podía entender mucho con sólo mirarlos. Me gusta mucho que me sorprendan pero la verdad es que ahora rara vez ocurre. La imagen es la primera impresión de la expresión de alguien. Es importante y puede ser muy poderosa.

En parte de tu obra aparecen muchos rostros con palabras o frases: por favor, cuéntanos el porqué de este interés en el rostro humano.
Puedo admitir que las caras son una parte de lo que uso para expresarme. Creo que las elegí para expresarme porque marcadores, guardianes de su propia historia y hablan sobre lo que la gente experimenta y pasa en sus propias vidas. Cuando la gente dice cosas como que una imagen vale más que mil palabras, me gusta verlo como una manera de contar una historia en forma de imagen. La primera cosa que la gente ve o suele mirar es la cara de alguien, y luego su cuerpo por alguna razón. Pienso en las cosas que conforman nuestra experiencia, permanecen con nosotros, las llevamos, en nuestros ojos, nuestras caras traen con nosotros nuestras elecciones, caminos y sentimientos, cicatrices, arrugas, momentos de alegría, decepción y desesperación, lo muestran todo . Me gusta tratar de transmitir matices sutiles en la cara que también significan detalles más pequeños. Algunos sentimientos son complejos y tienen múltiples significados, añadidos al lenguaje corporal, hacemos suposiciones y adivinamos de qué se trata, a veces injustamente. Pero hay mucho que aprender de nuestros rostros y por qué juzgamos tanto cuando los miramos. Es fascinante para mí todavía. También me gusta hacer arte abstracto también y muchas obras basadas en patrones.

¿Cuándo empezaste a poder dedicarte enteramente a vivir de tu trabajo? ¿qué les dirías a quienes están empezando?
Lo intenté enseguida después de abandonar la escuela de arte. Siento que la suerte, la perseverancia y una cierta obstinación para seguir con ella va a lo largo del camino. Lo que cada uno de nosotros haría para expresarnos es personal. Y así debería ser. Todos somos diferentes.

Has comentado alguna vez que eres un adicto tanto a mirar las cosas como a usar materiales diversos ¿de qué manera se construye ese diálogo fructífero a la hora de crear?
Encontrar un equilibrio es difícil pero vale la pena esforzarse por ello. Trato de seguir encontrando nuevos materiales y nuevas ideas. Ver cosas nuevas, leer, buscar, oír y vivir. También la comprensión de la luz, el amor y sus sentimientos son lo que se procesa en la fabricación de las cosas, experiencias de vida que ayudan a dar forma a quién eres, los materiales son menos importantes. Trato de ver lo que hay por ahí y encontrar un montón de cosas al azar.

¿Qué es lo último que estas haciendo?
En un montón de cosas relacionadas con libros y proyectos, murales, zines, también estoy trabajando en algunas pinturas más grandes para una exposición que esperamos hacer  en Italia. Y algunas otras cosas que son secretas. También ayudo en una imprenta, hago zines…y criar a mi hijo que tiene casi 8 años. Eso me mantiene bastante ocupado.

¿Hay algún trabajo que consideres especialmente fundamental en tu carrera?
Tal vez mis primeros trabajos y los murales…son donde concentro mucha de mi energía ahora. Me gusta tratar de hacer trabajos grandes y pequeños, pero los grandes son desafiantes y gratificantes y son diferentes. Me gustan ambos.

¿Cómo es el día a día en tu trabajo?
Mi estudio está debajo de donde vivo. Eso me permite trabajar en diferentes momentos y en mi propio horario. Trato de hacer cosas nuevas todo el tiempo. Pero algunas veces me siento más productivo que otras. Me distraigo como cualquiera. A veces toco algo de música para expresar esa parte de mí también. Veo a mi hijo la mitad de la semana, así que en esos días mi horario es diferente a cuando no lo hago. Voy a las tiendas de discos, las librerías, el parque, voy de paseo, trato de ayudar a otros cuando puedo. Trato de apoyar a otros en sus esfuerzos e ir a sus espectáculos de arte o de música. Vivo bastante sencillamente, pero me siento feliz y sobre todo hago lo que me gusta, lo cual sé que es un verdadero lujo del primer mundo, pero me siento muy agradecido de poder hacer cosas y por el hecho de que alguien le preste cualquier atención a lo que hago… siento es una bendición total. Sé lo raro que es, me siento humilde. Quiero siempre empujarme a seguir haciendo cosas diferentes y las nuevas ideas vienen a mí al hacer nuevo trabajo. Obtengo más de las ideas que me vienen que cuando la obra está acabada a veces. Mis días están llenos de pequeñas cosas a las que aplico significado, y estoy constantemente buscando tratar de mejorarme a mí mismo también. Pero no soy demasiado duro conmigo mismo. Hay mucho espacio para crecer como cualquiera. La vida es una constante cuesta arriba que tienes que reconocer y ajustar a medida que avanza. Siento que es bueno buscar nuevas aventuras, nuevos significados y cosas que van a proporcionar una felicidad duradera en lugar de una alegría o placer a corto plazo. Lo cual, por supuesto, es mucho más divertido y atractivo. Trato de encontrar razones para sonreír y reír más que cuando era más joven. ¿Para qué vale eso …?

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English:

RICH JACOBS.
CURIOSITY FOR LIFE.

Rich Jacobs is one of those artists and curators for whom inspiration is found in all facets of life: passing them through his creativity filter gives us a curious and surprising look at the world around us. We had the opportunity to interview him for this issue, where he told us about his career and his latest projects.

How do you remember your childhood; Was it at that time when your interest in art awoke?
I had a fairly mellow and pretty normal childhood in Southern California, my father was an airline pilot ,so we ended up moving a bit , but I am glad and grateful for all the experiences and situations I was exposed to living in Long Beach, Seattle, and Denver basically as a kid. I have two brothers and a sister so there was always something going on… I ended up being the only artist really but some of my family is into photography, and my mom and grandma were always into crafting and sewing making quilts and patterns etc….that was unknowingly a subtle influence I think on me. As far as art goes as a kid – I took every opportunity to turn everything into an art project I could sort of…all my school work had drawings all over the sides and back, I would draw in all my other classes as much as I could get away with. I drew all the time and would make drawings for my zine, band here,t shirts and skate related stuff too. I started skating in 1976, at four years old, so that was always a big influence as well ,or informed what I was doing. And the punk or music stuff started pretty early around age 11 – around 1983. I definitely always was totally into drawing, making art, and a mess. I loved doing zines, designing things, and started on the path I am still on at that young age. I knew that is what I needed to do, and couldn’t do much else. Luckily it has worked to keep doing it. My parents while they were sorta conservative, were supportive enough to let me do what I was doing, I think they knew it was gonna happen either way. Also their conservative ideas probably helped push me more into being a young punker,and anti social skateboarder ,an undesired side effect no doubt. As a parent now I always consider this sort of thing, in regards to raising my son. He is a good kid and way more independent than most 7 year olds, so that is good at least. That will hopefully serve him well.

Have you had any type of academic training?
Yeah I had some or always took a lot of art classes when I was young, I did try art school and then moved on to just doing art full time instead of studying it or what others did or thought of it… I am mostly self taught though in terms of my art making practices, I don’t use much of what I learned in any school to do much ,compared to what I have found through practicing and actually just making things and trying to stay open to being experimental about still learning new things as you go.

How did you make your first exhibition?
Pretty casually much in the same way I would put on a punk show for my band, that was kinda my model or what I knew already how to do when it came time for art shows. I thought why just do what everyone is doing or has already done, why not do something that is more personal or reflects my interests, so I tried to do that . I didn’t really want to be like anyone else and had relatively little exposure to what other artists were doing much anyway…some of that was on purpose and some was just being young and kinda shy, isolated and niave perhaps. Also not being jaded or tied to any particular method or school.of thought I think helped me in this pursuit probably. My very first show was small humble and weird I am sure, i remember doing a show very early at a friends house in his room, he was always on tour and rarely ever in his room and for some reason talked me into doing a show in his room. I think I filled almost the entire room floor to ceiling with my drawings and paintings. invited a bunch of people over and they actually came. It was surprising and cathartic for me to do it. I remember literally sweating a ton installing it , like it was a physical outpouring of energy to actually show it. I had to let go of being so shy. And decided to show people what I had mostly kept private in notebooks , drawing pads and in my room. It was a heavy experience for me . I was pretty sensitive and it felt so raw and naked to show others what I had come up with. But it was real important for me in that it taught me I could do it , and that is the most important thing you can kmow- it is possible if you make things happen, that was a lesson I learned from years of being a loner and punker, skater kid. But that is also why I found those things to begin with as well.

What inspires as an artist? Has your inspiration been constant throughout your career?
To me the inspiration to make art comes from within, it is always there…it is unconscious in a way, hard to actually name it or define it but there are things that fuel it or add to the reasons to continue doing it.Yeah it is constant and has been there ever since I could remember feeling anything really. Sometimes an empty canvas or piece of paper alone  is enough to motivate or inspire me to see what can happen ,it is simple in that way.  Pure really in that way.

Which techniques do you use the most?
I enjoy trying to never get too dialed in, or comfortable with materials or techniques honestly, I used to feel like you needed to master them in some way, but I have since abandoned that notion. To me it is funner to not know how something will work or come out. Using something like say for instance watercolors can teach you that lesson – you know that you can try to control it, but ultimately it sorta controls itself. I like that and am totally open to finding out or exploring  the possibilities. I think some of the most meaningful moments are sorta accidents or experiments. Just being ready to admit we may not know everything and there are things that can happen if we are just ready and allow them to happen. Sometimes we as artists are just the ones who instigate the process or start it into motion, but the art takes on a very re al life if it’s own. Does that make sense. I see it almost as a conduit or facilitator almost situation.

As an artist and curator you have a different relationship with art, which one do you enjoy the most?
Yeah they are both very different but I really enjoy both. Both serve different roles in a way but are also connected. You make hopefully the kind of work you want to see, and as a curator hopefully you curate work that you want to see and others to see. It is simple but true. My idea of a good solo show is that is would look like several people made the work, and a strong group show can fun if it looks like one person did it. Why not? Doesn’t have to stick to any formula but I like messing around with what I curate sometimes . But honestly I just put what I like and moves me into group shows usually. If I am gonna be totally honest. The reasons for liking it vary but why do something you don’t like?  Seems kinda strange. Like just let others do what they like, and do what you wanna see. Hope that view isn’t too selfish. Hopefully that inspires people to be interesting and do their own thing. You know what I mean? I love that every person has their own version of how things should be. Now just do that, don’t expect others to see it the way you do….if you feel strongly then make it happen.

Clearly skateboarding is one of your sources of inspiration. Being something ever-changing, would you be able to point out exactly what attracts you so much from it? Growing up under the influence of the wooden plank underneath your feet , wind blowing what ever hair you have (or have left…) it feels intoxicating . Hard to explain that to someone who hasn’t done it , but once you have – it changes who you are from then on. That feeling of being stoked, weightlesas or free, whatever it is you personally feel, it is yours and it is what drives you to keep looking for it. I am drawn to the creative side of skateboarding and or the people who do it. Sometimes the thing I like most about it changes. Sometimes all I have to do is see an old issue of a favorite photocopied skatezine like Bend, Swank, Scrap, Skate Fate, Gut Feelin’, I’m your Momma, Naughty Nomads, 7, Tiki, Dancing Skeleton, Contort,Body Slam,  Karmaboarder , Ten foot Boneless, Paste, Preparation S,  Skate Punk, Skate Scene, Local Chaos, the Monthly Shredder, Air zine, The Frontside, Tight Transitions, Pool Dust, Skate Core, Joke ,408,Beefstreet, Shred, I Be Sompin , Ooni Flakeski, Fun zine, Revenge against Boredom, Elk, any Dancing Fish zine, Robzine, Hardcore, Contortion,  Sad zine, the Harsh Realm,Texas Skate Monthly, Sj Skate Ripper, Skate Attack, Street Issue, Skater Of Fortune, Scheme,Five-0, Deathbox,Fran, Gus, Halo Perro ,Death zine, Seekin, Generic, Go for it, Roll in, Stuff,  Surreal, Clueless, Harsh Vibes, Sacto Strert Damage, Skate Slate,  Smelly Curb,Skate Threat,Squid Meat, Altered Skates, Rolling Papers, Rusty Kitchen,Very Sketchy,Speed zine,  Severe Head Injury, Geek Attack, Skate Rat, Rise Above, Just for Fun, Kook, Chud zine, Kick Turn, Death Skate, Wonder Rolling News, Media Local, Underground Skate Mag,  United Skates of America,Skate Among Us, Disobedience, your coping stinks,Vila Vila COLA ZINE, Monthly Rot, any Gonz poetry zine ,Ed Templeton, Sergej Vutuc, Push, Ben Gore , Jai Tanju photozines, and any good new ones.plus lots of non skate stuff too.

There is Xerox on the Insides of Your Eyelids was an exhibition in which you collected skate fanzines from the 80’s; I guess it had to be an almost archaeological work, right? Do you think these expressions so DIY are understood within the more official art?
I grew up making zines like many other artists did, we did it because no one was paying attention, it was cheap enough we could do it ourselves and felt it was important enough to do so we made lots of them….whether or not the Art world gets that or acknowledges them ever kinda doesn’t even matter, but they do, I have put them in museums , and so have Artists like Raymond Pettibone, Berry Mcgee, and several others. The Art World isn’t scared of zines , but it is sorta looked at as this thing people did before they were “established”  in a way…but some of us still keep on making them anyway..I mean Printed Matter runs a zine fair and book fair where like over the course of three days nearly 30,000 people  one check it out. That is something I never would have thought would ever happen but it does in LA and New York. There are bookfairs with zines in them all over the world now. College classes teach about it. Institutions pay lots of money for zine collections for their Libraries. So overall Zines are getting more popular , kids make them now sometimes not even realizing the history of them, and that is both fine and a bummer depending on your viewpoint. Maybe they don’t need to know about all of it, but realising that there are roots that go pretty far back doesn’t seem like a bad idea. Seems each Art movement had some form of self published ephemera. It is inspiring to see what people have done on a small budget going back almost a hundred years at this point. It is powerful to realise you can print anything you think is worth printing.

I really love the Minor Threat Tree. Could you explain how the genesis of this work was?
Oh that was pretty funny, a guy I know up there Paul was doing some show and asked me to be in it. I made a minor threat family tree for fun, I like the historical reference and found the fact that people like things but don’t realise what goes into a band or its members sometimes funny , so I did that. Some one saw that show and was doing a music festival in Canada , he asked me to use that and another image and they put up billboards all over their city, London Ontario , but they were all music related billboards. So mine was this Minor Threat family tree, and a huge Sun Ra drawing I had made which they put near a bus stop. The Minor Threat one actually got blown over in a wind storm so they had to remake one . It blew apart and flew down the street. I had heard about the members of the band finding about it, which was funny and cool. I sent a photo  to Ian to tell him , but someone else had sent it to some of the other members and it got back to me. I did it as a nod to them but also as a art piece just for fun sorta….the context changed but it was the same piece. I saw one in a zine that Jim Saah a photographer from DC did once as a kid, it was kinda more a nod to that and the sorta way hardcore has become so fetishized almost now I find interesting and sometimes funny. I get it but think it is strange too in that it was so anti money and commercial back then, people seem to have forgot that part. Maybe the demographic has changed since then too maybe…but the best part of all this stuff and the worst maybe too , is that anyone can do it. Now you have lots of versions of the idea. Which is probably ok.

Another of your constants is your interest in music, with album covers, T-shirts … how did you start working in that field?
I think initially it was out of necessity , I did them for bands I was in and was friends with. Real natural and organic. I prefer to have some connection to it, but am open to meeting people and doing stuff that way as well. I love records and listen to lots of music all the time. Books and zines and records are what I find alot of energy in. I like the way it can be window in. New information. I like the feeling and energy mostly though. And sometimes I really can appreciate the aesthetics obviously too, that is different than fashion to me, but everyone sees that their own way. I like the packaging and design of records, I always was drawn to that . When I was a kid I would look at records and could gather alot from just looking at them. I like getting surpriesed by it.  But it rarely happens now for some reason..Graphics are your first impression or glimpse at someone’s expression. It is important and can be  very powerful.

In part of your work many faces appear with words or sentences: please tell us the reason of this interest in the human face.
I can admit that faces are a part of what I use to express myself for sure, it is one part and I think why I chose to convey my expression on them is that I feel like they are like scoreboards, keepers of ones own history and tell a story what people experience and go through in their own lives. When people say things like a picture is worth a thousand words, I sorta see that as way to tell a story in picture form. The first thing people see or usually look at is someone’s face , and then their body for some reason. I think of the things that shape our experience stay with us, we carry them,in our eyes, our faces bring with us our choices, paths and feelings, scars, wrinkles, moments of joy ,disappointment , and despair, it shows it all. I like trying to convey subtle nuances in the face too that signify more tiny details. Some feelings are complex and have multiple meanings , added with body language we make assumptions and guess what people are all about , sometimes unfairly. But there is alot to learn from our faces and why we judge so much when we look at them. It is fascinating to me still. I also like to make abstract art too and lots of pattern based works.

When did you start living only from your work? What would you say to those who are starting?
I tried to right away after dropping out of art school. I feel luck and perseverance and a certain stubbornness to stick with it goes along way. What each of us Would do to express ourselves is personal. And should be. We are all different right.

Sometimes you have tell that you are addicted both to looking at things and to use different materials, how do you build that fruitful dialogue when it comes to creating?
Finding a balance is tricky but worth striving for. I try to keep finding new materials and supplies, and new ideas. Seeing new things, reading looking hearing and living . These things make it in the end. Also understanding light, love , and your feelings are what gets processed in making things, your life experiences that help shape who you are come out, the materials are less important. I try to see what is out there and find lots of random things.

What are you working on lately?
Lots of book related things and projects, murals, zines, working on some larger paintings for a show hopefully coming up in Italy . And some other things that are secret . I also help Run a press and make zines alot. And raise my son who is almost eight . That keeps me pretty well busy.

Is there a work that you consider to be especially important in your career?
Hmm? maybe the early work and murals are where I focus alot of my energy now. I like trying to make large works and small . But going big is challenging and rewarding and feels different. I like both.

To end, could you explain how is your daily work?
Hmm. I try to change it up often but my studio is below where I live. That also allows me to work at different times and on my own schedule. I try to make new stuff all the time. But some times I feel more productive than others. I get distracted like anyone. I play music sometimes too express that side of me too. I watch my son half the week  , so on those days my schedule is different than when I don’t . I go to record stores , book stores, the park, I go on walks , I try to help others when I can. I try to support others in their endeavors and go to their shows , art or music. I live pretty simply but feel happy and get to do mostly what I like and I know that is a real first world luxury. But I feel extremely grateful to be able to make things, the fact anyone pays it any attention I feel is a total blessing. I know how rare that is, I feel humbled. I want to always push myself to keep making different things and new ideas come to me when making new work. I get more from the ideas that come to me than the finished piece sometimes. My days are filled with little things that I apply meaning to, and i am constantly looking to try to improve myself as well. But I am not too hard on myself . There is lots of room to grow like anyone though. I am nowwhere near perfect and am trying to get better at things that are hard for me. Life is a constant uphill thing you have to recognize and adjust as you go. Rather than putting on a life suit I feel it is good to look for new adventure ,meaning and things that are gonna provide lasting happiness rather than only short term joy or pleasure. Which of course is way more fun and appealing. I try to find reasons to smile and laugh more than when I was younger. For what that is worth…?

Laura Wilson. New Mexico, 2013

¿Qué te atrajo de la fotografía en primer lugar?
Cuando era muy joven, las fotografías me absorbían por completo. Me di cuenta de que una fotografía podía responder a preguntas que ni siquiera sabía que tenía ¿Así era mi madre antes de que yo naciera? ¿Este es el aspecto de mi padre y sus hermanos de pie sobre las rocas con vistas al océano en Maine? Una fotografía guarda recuerdos. Puede disolver el tiempo. Puede mantener intactas la familia, el lugar y las experiencias.

In the American West, de Avedon, se ha convertido en un libro imprescindible de la fotografía del siglo XX. A Robert Frank se le acusó de ser un forastero, alguien que no entiende la idiosincrasia del lugar ¿Pero puede ser que venir de otro lugar le sirve para tener una visión más lúcida?
Sin duda. El forastero suele ver las cosas con más claridad. Sus observaciones se agudizan por lo desconocido y ve lo que diferencia a un tema. Así fue en el caso de Frank, que vino de Suiza y vio América de forma elemental y sorprendente. Richard Avedon, como Frank, era un forastero. Richard Avedon, al igual que Frank, era un forastero, que vino de Nueva York al Oeste americano y, como forastero, tenía una visión muy clara. Contradijo el Oeste de John Wayne y John Ford para ofrecer una visión más realista y mordaz de esta diversa región.

Hutterite Girl in Wheatfield, 1991

La idea de la frontera es una constante en la cultura estadounidense (me viene a la mente Huckleberry Finn). ¿Qué te parece interesante de estos territorios?
Siempre me ha gustado esta cita de Archibald MacLeish: “Al este estaban los Reyes muertos y los sepulcros recordados: Al oeste estaba la hierba” y todavía me conmueve su significado. La frontera americana representa la libertad. Esto es cierto incluso en el siglo XXI y a pesar del caos causado por los cárteles de la droga a lo largo de la frontera entre Estados Unidos y México. El camino abierto del Oeste americano es un símbolo de independencia y expresión individual. El extenso paisaje de amplias praderas y grandes cielos, la falta de asentamientos y la mentalidad sin tonterías, todo ello conduce a un espíritu independiente que todavía nos atrae al Oeste. 

Hutterite Girls During Hay Making Season, 1991

En una entrevista dijo que lo más difícil del retrato es romper con la imagen que tenemos de nosotros mismos. ¿Cómo planifica una sesión de retrato?
Para que una sesión de retrato tenga éxito, necesito saber lo suficiente sobre el sujeto para poder interactuar con él, para poder aportar un punto de vista a la sesión. Para mí, sin embargo, hay una delgada línea entre estar preparado para un retrato y estar demasiado impresionado por los logros de mi sujeto. Si sé demasiado sobre alguien, eso puede interferir en la forma en que yo, como fotógrafa, respondo a ellos. Es mejor ver claramente su rostro y su forma, en lugar de estar agobiado por demasiados conocimientos. Las personas son complicadas y los mejores retratos requieren enfoque, respuestas rápidas y agilidad emocional.

Tus fotografías reflejan en cierta medida mundos cerrados, tanto geográfica como socialmente ¿qué historias buscas en estos espacios?
Sí, en casi todos los casos mis fotografías reflejan mundos cerrados y apartados. Estas comunidades pueden estar aisladas geográficamente, o socialmente, o por sus logros. Tal vez hayan sido vistas con menos frecuencia o examinadas de forma poco significativa. Esto me permite decir algo sobre ellos que otro fotógrafo no ha tenido la oportunidad de hacer.

Hutterite Boy on Appaloosa, 1993

También vemos estos mundos cerrados en tus fotolibros, donde hablas de las raíces y de tener un lugar en el mundo. ¿Cree que todos sus libros tienen en cierta medida un hilo conductor?
Sí, todos mis libros son un intento de abrir el telón, de permitir que uno vea vidas diferentes a la suya. No se trata de juzgar, sino de responder a la verdad de la persona que está delante de la cámara. El hilo conductor de todos mis sujetos es su sentido del lugar. Por ejemplo, en mi proyecto actual de fotografiar escritores, busco sus raíces, sus influencias, lo que responden en sus entornos. En el pasado, he documentado a personas alejadas del mainstream estadounidense y, del mismo modo, estos escritores de alto nivel se han alejado en cierta medida de la sociedad principal. Todos ellos comparten la fuerza de la soledad y la independencia con mis anteriores temas.

Hand and Spur, 1992

Ese día fue una exposición importante, en la que repasó 35 años de tu carrera. ¿Fue un punto de inflexión en el autoconocimiento de su obra?
Ese día fue un punto de inflexión para mí porque me impulsó a trabajar más y con más intensidad y conciencia. Ver las 84 imágenes, impresionantes por su tamaño y alcance en la pared, me hizo estar ansiosa por volver a trabajar y seguir profundizando en mi fotografía.

Greg Wakabayshi fue el editor del libro de la exposición (In That day), un libro donde la narrativa juega un papel muy importante. ¿Es importante el texto a la hora de dar claridad a una fotografía?
Las mejores fotografías, pensemos en las de Henri Cartier Bresson o Robert Frank, no necesitan texto porque la combinación de geometría y contenido es tan fuerte y tan clara, que el mensaje del fotógrafo llega directamente al corazón. En un libro, se incluyen algunas imágenes que no podrían sostenerse por sí solas, pero que, al añadirse al conjunto de la obra, aportan contexto y significado. En este caso, el texto es muy importante para ampliar el significado o los matices de un tema concreto.

Cowboys Galloping, 1996

La generación de Stieglitz toma como referencia las nubes y las olas. Para la generación de Evans la referencia eran otros y las imágenes de películas o de publicidad. ¿En qué momento cree que se encuentra la fotografía americana?
Me complace pensar que la fotografía estadounidense está volviendo a la tradición de la fotografía documental. Me he impacientado los últimos 30 años con la fotografía conceptual porque no creo que sea tan convincente como la pintura o la escritura. Pero es terriblemente difícil, cuando respondes a la realidad que tienes delante, superar el impacto de una buena fotografía. Creo que la gran fuerza de la fotografía es cuando está impulsada por la realidad.

Creo que muchas de tus fotos trabajan para la posteridad, buscan dejar constancia del paso por el mundo. ¿Cree que esta búsqueda de la posteridad es una de las cualidades del retrato?
Absolutamente, ¿cómo podríamos saber el aspecto de Abraham Lincoln o de Pablo Picasso si no tuviéramos la cámara? Es un invento increíble, la invención de la fotografía fue realmente una revolución.

Favorite Roping Horse, Corazon, 1992

En los últimos años ha habido un gran interés por el formato del fotolibro, que se ha convertido en un género fotográfico en sí mismo. ¿Qué aporta el formato libro a la fotografía?
El formato libro permite al fotógrafo una visión ampliada de un tema y secuenciar las imágenes de forma que aporten fuerza y claridad a un tema. Un buen libro es una exploración sostenida y profunda de un tema. En un libro, el fotógrafo puede reforzar los temas que impulsan su creación. Dicho esto, todos los libros necesitan una edición sólida y el fotógrafo no siempre es la persona más adecuada para hacerlo. Todos tenemos nuestras favoritas, la toma que esperamos, la imagen que tardó años en ejecutarse, pero eso no siempre las convierte en la mejor fotografía. Los fotolibros deben ser editados rigurosamente para que el resultado final tenga la mayor fuerza posible.

Dentro de la amplia tradición de la fotografía estadounidense, ¿dónde te gustaría insertarse?
Me gustaría que mi trabajo se insertara entre los fotógrafos documentales más fuertes. No quiero que se me considere únicamente como una mujer fotógrafa o una fotógrafa del suroeste. Los temas del aislamiento, la familia, las dificultades y el sentido del lugar, son temas universales.

Cowboys on Horseback, Y-6 Ranch, 1992

¿Cómo te ayudó a desarrollar sus ideas sobre la fotografía trabajar con Avedon durante tantos años?
Avedon fue muy influyente. Vi lo serio que se tomaba a sí mismo y a su talento. Su energía, su curiosidad y su capacidad para trabajar sin limitaciones fueron atributos importantes en su carrera. No se preocupaba por el diafragma o las velocidades de obturación, aunque sabía cómo hacer, e imprimir, una bella fotografía. Para Avedon, al hacer un retrato, se trataba de revelar algo dentro de la persona, hacer una imagen que pudiera “sostener la pared”. Al observarlo, un fotógrafo en la cima de su carrera, vi claramente lo que hacía una fotografía fuerte.

¿Qué es lo que le inspira ahora la fotografía?
Exactamente lo mismo que me inspiraba cuando tenía seis años: el misterio absoluto, la emoción y el entusiasmo de una fotografía. Y ahora me siento muy afortunada de tener la habilidad y la capacidad técnica para realizar las fotografías que tanto deseo.

www.laurawilsonphotography.com

Watt Matthews, Stone Ranch, 1986

Jim Harrison, Montana, 2012

J.M. Coetzee, Vienna, 2019

Seamus Heaney, Dublin, 2011

Gabriel Garcia Marquez, Mexico City, 2012

Avedon Photographing Johnson Sisters, 1983

Avedon Balancing on Pole, 1982

Avedon and Ronald Fischer, 1981

Red Headed Sisters, 1995

English:

LAURA WILSON. REALITY-DRIVEN PHOTOGRAPHY

Laura Wilson is a representative in her own right of the generation of photographers who dedicated themselves to documenting life in the USA and who were largely the ones who laid the foundations of what we know as documentary photography. In her photographs we find that timeless sparkle that made many of us fall in love with this medium, the curiosity for the other, the enigma that presents itself to us when observing a portrait. Her work exudes a timeless way of understanding documentary photography that is still very much alive as a way of approaching the enigma that is the world.

What attracted you to photography in the first place?
As a very young child, I was completely absorbed by photographs. I realized a photograph could answer questions I didn’t even know I had. This is what my mother looked like before I was born? This is what my father and his brothers looked like standing on rocks overlooking the ocean in Maine? A photograph holds memories. It can dissolve time. It can keep family and place and experiences intact.

Avedon’s In The American West has become a must-have book of 20th century photography. Robert Frank was accused of being an outsider, someone who doesn’t understand the idiosyncrasies of the place. Could it be that coming from somewhere else serves to give you a more lucid vision?
Absolutely. The outsider can often see things more clearly. His observations are sharpened by the unfamiliar and he sees what sets a subject apart. This was true of Frank, who came from Switzerland and saw America in elemental and surprising ways. Richard Avedon, like Frank, was an outsider. Avedon came from New York City to the American West and, as an outsider, he had a clarity of vision. He saw the American West in a less romantic way. He contradicted the West of John Wayne and John Ford to deliver a more realistic and biting view of this diverse region.

The idea of the frontier is a constant in American culture (Huckleberry Finn comes to mind). What do you think is interesting about these territories?
I’ve always loved this quote by Archibald MacLeish, “East were the dead Kings and remembered sepulchers: West was the grass” and am still moved by its significance. The American frontier represents freedom. This is true even in the twenty-first century and in spite of the chaos caused by drug cartels along the U.S. Mexico Border. The open road of the American West is a symbol of independence and individual expression. The expansive landscape of wide, open prairies and big skies, the lack of settlements, and nonsense mindset, all lead to an independent spirit that still draws us to the West.

In an interview you said that the most difficult thing about portraiture is to break with the image we have of ourselves. How do you plan a portrait session?
For a successful portrait session, I need to know enough about my subject to be able to interact with them, to be able to bring a point of view to the session. For me, however, there is a fine line between being prepared for a portrait and being overly awed by my subject’s accomplishments. If I know too much about someone, that can get in the way of how I, as a photographer, respond to them. It is best to see clearly their face and their form, rather than being burdened by too much knowledge. People are complicated and the best portraits require focus, quick responses, and emotional agility.

Your photographs to some extent reflect closed worlds, both geographically and socially, what stories do you look for in these spaces?
Yes, in almost all cases my photographs reflect closed, secluded worlds. These communities can be isolated geographically, or socially, or by their accomplishments. Perhaps they have been seen less often or examined in less meaningful ways. This allows me to say something about them that another photographer hasn’t had the opportunity to do.

We also see these closed worlds in your photobooks, where you talk about roots and having a place in the world. Do you think that all your books to some extent have a common thread?
Yes, all my books are an attempt to part the curtain, to allow one to see lives different from one’s own. This is not meant to judge, but to respond to the truth of the person in front of the camera. The common thread for all of my subjects is their sense of place. For instance, in my current project photographing writers, I am looking to their roots, their influences, what they respond to in their environments. In the past, I have documented people removed from mainstream America and, similarly, these highly accomplished writers have removed themselves to a certain extent from mainstream society. They all share the strength of solitude and independence with previous subjects of mine.

That Day was an important exhibition, where you reviewed 35 years of your career. Was it a turning point in the self-knowledge of your work?
That Day was a turning point for me because it spurred me on to work harder and with more intensity and awareness. To see the 84 images, impressive in their size and range on the wall, made me anxious to get back to work and to continue to dive deeper into my photography.

Greg Wakabayshi was the editor of the book of the exhibition (In That day), a book where narrative plays a very important role. Is text important when it comes to giving clarity to a photograph?
The greatest photographs, think of those by Henri Cartier Bresson or Robert Frank, do not need text because the combination of geometry and content is so strong and so clear, that the photographer’s message goes straight to your heart. In a book, you include some images that could not stand on their own, but when added to the body of work, they provide context and meaning. In this case, text is very important in amplifying the significant nuances of a particular subject.

Stieglitz’s generation takes clouds and waves as a reference. For Evans’ generation the reference was others and film or advertising images. Where do you think American photography is now?
I am pleased to think that American photography is returning to the tradition of documentary photography. I have been impatient the last 30 years with conceptual photography because I don’t think it is as compelling as painting or writing. But it is awfully hard when you are responding to the reality in front of you to beat the impact of a good photograph. I believe that photography’s great strength is when it´s propelled by reality.

I think that many of your photos work for posterity, they seek to leave a record of the passage through the world. Do you think this search for posterity is one of the qualities of portraiture?
Absolutely, how else would we know what Abraham Lincoln or Pablo Picasso looked like if we didn’t have the camera? It is an incredible invention- the invention of photography really was a revolution. A longing for posterity is at the heart of portraiture, and of all photography really.

In recent years there has been a great interest in the photobook format, becoming a photographic genre in itself. What does the book format bring to photography?
The book form allows a photographer an extended view of a subject and to sequence the images in a way that brings strength and clarity to a subject. A good book is a sustained, in depth exploration of a subject. In a book, a photographer can reinforce the themes driving its creation. That said, all books need to be strongly edited and the photographer is not always the best person to do that. We all have our favorites, the shot we waited on, the image that took ages to execute, but that does not always make them the best photograph. Photobooks need to be stringently edited so that the final result has as much power as possible.

Within the broad tradition of American photography, where would you like to be inserted?
I would hope that my work will be inserted among the strongest documentary photographers. I don’t want to be thought of solely as a woman photographer or a photographer of the Southwest. The themes of isolation, family, hardship, and sense of place, are universal subjects.

How did working with Avedon for so many years help you develop your ideas about photography?
Avedon was very influential. I saw how seriously he took himself and his talent. His energy, curiosity, and ability to work without constraints were important attributes on his career. He didn’t care about F-stops or shutter speeds, although he knew how to take, and print, a beautiful photograph. For Avedon, in doing a portrait, it was about revealing something within the person, making an image that could “hold the wall.” In watching him, a photographer at the top of his game, I saw clearly what made a strong photograph.

What is it about photography that inspires you now?
The exact same thing that inspired me when I was six years old- the absolute mystery, excitement, and thrill of a photograph. And I feel so lucky now to have the skill and technical ability to accomplish the photographs I long to take.

Steve Olson se ha ganado a pulso el estatus de leyenda puesto que empezó sus andanzas en el mundo del patín a finales de los años 60 y logró revolucionar el patinaje en la vertical con su técnica transgresora. Su carrera lo llevó a recibir el premio “Skater of the Year” en 1978 y a fundar la famosa empresa Independent Truck Company, pero este pionero no puede obviar sus orígenes en Long Beach (California) y, por este motivo, sus entrevistas siempre acaban salpicadas por las olas del océano que tanto le gusta surfear y por su gran afición al arte, que en la última década se ha convertido en casi una dedicación exclusiva que lo ha llevado por todo el mundo. Incluso contando con la estrecha complicidad de su hijo Alex, un reputado skater profesional. Nos hemos encontrado con este icono en su casa para descubrir la fascinación que siente por el arte y su inagotable pasión por la cultura del patín.

Me gustaría empezar la entrevista buscando la relación entre el skate y el arte que hiciste a finales de los años 70 y principios de los 80…
El skate ha influido al arte y viceversa. Para ponerlo en perspectiva y saber cómo distintas generaciones se hacen mayores… durante los años 50 y los 60 hasta llegar a los 70, cuando empecé a ir al instituto, tenías que elegir un taller que te gustara y que estuviera relacionado con lo que querías dedicarte en el futuro. Yo me apunté al taller de carpintería y acabamos haciendo skates de madera. Se trataba de una cultura que empezaba a ganar popularidad, así que construimos nuestras propias tablas. ¡Todos los de mi generación se construían sus propios skates! Utilizábamos cualquier tipo de madera que encontráramos, puesto que estábamos aprendiendo a trabajar con ese material y también con piezas de metal. Yo tenía un hermano mayor que era un experto en artesanía y en arte, ya fuera fotografía, pintura o cine. Resulta que él también acostumbraba a fabricar tablas de surf y las pintaba él mismo. Éste era el ambiente donde me crié, aunque yo estaba más interesado en practicar actividades como el skate, la natación o el surf antes que en dedicar mi tiempo al arte.

¿Recuerdas cuando creaste tu primera obra?
Hice cosas artísticas en los años 80 que nunca enseñé a nadie. Y ahora han desaparecido. Sin embargo, me encantaría tener esas piezas para verlas. Lo que sí que hice fueron muchos gráficos para tablas de skate con mi hermano, con la idea de que otro artista los realizara de manera más profesional. Entonces la escena del punk rock era enorme y había muchos estudiantes de arte a los que les encantaba esa música. Eso fue antes de la llegada del hardcore y había grupos que hacían cosas artísticas, como Devo, The Clash, The Sex Pistols e incluso las bandas de New York como The Ramones que se atrevían con ese tipo de cosas. Todo eso sucedió antes del hardcore y antes de que todo el mundo se tatuara. No estoy en contra de esa escena, pero cuando veía a mis amigos pensaba que no sabían donde se metían y realmente daban miedo.

¿Cuándo viste que el arte era una posibilidad real y no un sueño de adolescente?
Entonces di un giro a mi vida y, a finales de los años 90, esos tíos que son grandes artistas me dijeron: “estamos organizando una exposición y te dejamos esta tabla de madera para que hagas lo que quieras con ella”. Yo me animé a hacer algo y fue la primera pieza que quise mostrar a la gente. La respuesta que recibí fue muy buena, aunque ya había ganado dinero haciendo cosas comerciales, pero resulta que la vendí por mucho dinero. Entonces estaba a cargo de mi hijo y pensé que estaría bien hacer más cosas relacionadas con el arte… mi hijo vivía conmigo en Malibú y nos gustaba el surf y el skate. Entonces empecé a hacer mis cosas y encontré un estilo propio, sin imitar a nadie.

Steve Olson Sculpture

¿Querías transmitir algún mensaje con tus obras?
Simplemente estaba expresando lo que pensaba que era interesante o aquello que realmente me atraía. Lo que sí tengo claro es que el punk rock tuvo una gran influencia en mi manera de trabajar, sobre todo por esa idea de luchar por hacer algo único que refleje tu propio estilo. Y creo que lo conseguí, aunque es algo muy subjetivo y había gente que lo amaba y otra que lo odiaba. Es como cuando vas a los museos y ves todas esas cosas… a mi me gustaban los Dadaistas y Duchamp, aunque no los entendía demasiado. Lo que me impactaba era su manera de presentarse y sus gráficos. También me atraían algunos artistas de pop art, aunque no todos, y por supuesto los clásicos.

¿Hay algún artista actual que te haya impresionado?
Hay muchos tíos con un talento enorme ahí fuera. No te puedo decir nombres concretos porque realmente hay muchos. Estuve en una expo en New York el verano pasado y fue increíble y también visité otra en Praga. Me encantó andar por la ciudad, admirar los edificios y ver esa exposición. Pero siempre vuelvo a los artistas con los que crecí, como Rick Griffin, y todos esos tíos que estaban en la escena de las carreras de Hot Rods en los años 60 y principios de los 70. Me encantaba la psicodelia y Rick Griffin era un genio utilizando los aerosoles.

¿Te gustaría exponer en Europa?
En 2012 estuve en Venecia con mi hijo para la Bienal e hicimos un par de piezas abstractas relacionadas con el skate mientras patinábamos en una rampa que habían construido. Fue genial poder hacer eso con mi hijo y tener la posibilidad de viajar por Europa. Me encanta el estilo de vida que llevo y mi trabajo, por ejemplo, la escultura que estoy haciendo ahora, que está completamente relacionada con el mundo del patín. Es una obra pensada para un nuevo skate park en Houston (Texas), así que tiene un carácter público y urbano.

¿Echas de menos alguna cosa del pasado?
El skate de principios de los años 80, cuando no había grandes marcas, ni marketing y patinabas por el simple placer de hacerlo. Fue la mejor época. El skate es algo sorprendente y te das cuenta de ello cuando lo practicas y sientes esa sensación única de poner los pies encima de la tabla. Aunque es divertido ver a toda esta nueva generación de chavales que hacen cosas muy técnicas. Supongo que sigo amando mucho esta cultura. Tony Alva, Hosoi, Lance Mountain, yo mismo… nunca lo hemos dejado y también sigo practicando surf siempre que puedo, sobre todo en Malibú, y este año he estado en Indonesia. El snowboard es algo distinto, pero todo está conectado.

Tengo entendido que también actuaste en varias películas…
Sí, de vez en cuando, aunque donde más he aparecido ha sido en anuncios.

Por curiosidad, ¿qué te pareció el documental “Dogtown & Z-Boys”?
Fue genial. Increíble. Al principio no pensaba que lo fueran a lograr porque ya se había contado esa historia otras veces, pero tuve la oportunidad de ver un pre-montaje en la sala de edición porque era amigo del montador. ¡Recuerdo que me puso un fragmento de una escena en una piscina y duraba 16 minutos! Yo le pregunté si me estaba tomando el pelo y que no podía poner esa escena tan larga porque era demasiado. Le dije: “ponedla mejor en los extras del DVD”. Hay más cosas bonitas para contar que esa mierda. Luego volví a ver la película terminada y pensé que la gente quedaría asombrada porque aparecían cosas que nadie había visto antes. Eso era cine en mayúsculas y ganaron en el Festival de Sundance. No podía creerlo.

En tus años de formación en el Reino Unido, ¿estudiaste diseño o algún tipo de carrera artística?
Siempre me interesó el arte cuando estaba en el instituto, y mi profesor de arte me instó a asistir a la escuela de arte, cosa que hice. Estudié durante cuatro años en dos escuelas técnicas diferentes en Inglaterra, estudiando una amplia gama de disciplinas artísticas y de diseño, como fotografía, grabado e historia del arte. Nunca asistí a una escuela de arte clásica. No era tan bueno. No soy un artista. Después de la universidad, mi primer trabajo de diseño gráfico fue en una pequeña agencia de mi última escuela técnica. Era increíblemente aburrido, pero el hecho de tener mi propia llave me daba acceso al lugar y al equipo fuera de horario. Así fue como empecé a trabajar dentro de la escena musical punk (trabajé en la portada de mi primer disco como freelance mientras estaba allí), y comencé mi primer fanzine.

¿Es esa mezcla de arte, diseño y mensaje político lo que te atrajo del punk?
Sí, pero mi interés inicial por el punk derivó de la música y de su energía. Sólo tenía 13 o 14 años cuando me introduje en la escena punk, así que mi interés por el diseño gráfico ni siquiera se percibía en ese momento. Llegó un poco más tarde a nivel consciente, pero supongo que me atrajo hasta cierto punto por el aspecto visual; simplemente no se había convertido en el objetivo principal para mí.
Una vez que empecé a aprender sobre bandas fuera de lo que se podía ver en la prensa de la época (The Clash, Sex Pistols, etc.), creo que fue cuando empecé a conectar realmente los puntos en términos de música y lenguaje visual, y me incliné fuertemente hacia el lenguaje visual como declaración política. Sabía que la música podía ser política, y al encontrar grupos como Crass y Discharge, me di cuenta de que lo visual también podía ser igual de político, si no más. Fue entonces cuando todo encajó para mí.

¿Cuáles son tus influencias desde el punto de vista musical, diseñadores que te gustan, grupos, portadas…?
Bueno, los sospechosos habituales; Jamie Reid, Gee Vaucher, Barney Bubbles, Winston Smith, John Heartfield, Reid Miles (más tarde, pero en menor medida) en cuanto a diseñadores/artistas. Mis gustos musicales eran algo dispares, pero mis principales influencias eran Crass, Discharge, Dead Kennedys y The Clash (sin ningún orden en particular). Creo que otra influencia no musical fue el trabajo de los Monty Python, que era básicamente anarquía en el horario de máxima audiencia de la época. Me enseñaron que no había nadie que no mereciera el ridículo, que no había objetivos fuera de los límites. Había crecido con ellos antes de descubrir el punk rock, pero cuando descubrí el punk rock, de repente los Monty Python tenían mucho más sentido.Para explicar la influencia de Reid Miles/Blue Note, supongo que mi interés por el jazz vino de mis abuelos, que escuchaban mucho jazz, y yo revisaba mucho su colección de discos (mi madre soltera no tenía más que un puñado de discos). Les gustaban sobre todo las grandes bandas, pero tenían algunos discos de Blue Note en su colección. Seguramente fue por la fotografía, ya que siempre fui un niño visual, pero me fascinaban esas portadas.
Si me preguntas por algunas de mis portadas favoritas, es difícil. Cambia todo el tiempo. Tengo algunas que puedo mencionar, pero no sería nada concreto más allá de mi tiempo de escribir. Sin ningún orden en particular: Hüsker Dü Zen Arcade, Dead Kennedys Plastic Surgery Disasters, Black Flag My War, Crass The Feeding Of The Five Thousand, Buzzcocks A Different Kind of Tension, Sex Pistols Never Mind The Bollocks Here’s The Sex Pistols, Gang of Four Entertainment!,The Clash Give Em Enough Rope, Discharge Hear Nothing See Nothing Say Nothing, y eso es todo lo que se me ocurre por el momento.

¿Cómo empezaste a trabajar en Alternative Tentacles y qué trabajo hacías?
Empecé a trabajar con Alternative Tentacles cuando todavía vivía en el Reino Unido. Solía pedir discos por correo a la oficina londinense del sello en aquella época (crecí en una región bastante remota del Reino Unido, así que compraba muchos de mis discos por correo). Cuando empecé a hacer un pequeño fanzine, empecé a enviarlo, junto con otras obras de arte, porque sí. Sin saberlo, la oficina de Londres enviaba mi material a Biafra en Estados Unidos. Empecé a hacer algunas cositas para la oficina de Londres por correo -algunos anuncios, pegatinas, eventualmente algunas portadas- hasta que Biafra se puso en contacto conmigo para preguntarme si quería ayudarle a confeccionar el libreto del álbum recopilatorio de Dead Kennedys, Give Me Convenience Or Give Me Death.
Biafra me envió por correo un montón de recortes de periódico, letras y otras ilustraciones, y yo creé diseños para cada página del folleto. Se los envié por correo a Estados Unidos, donde los editó y los modificó, y luego vi los diseños finales cuando salió el disco. Fue una auténtica locura haber trabajado en un disco de los Dead Kennedys (aunque después de su disolución), siendo sólo un fan. Después de eso, me fui a la oficina de la discográfica en San Francisco durante un par de meses, volví al Reino Unido y me ofrecieron un trabajo a tiempo completo unos meses después si podía volver y si estaba interesado. Me fui casi tan pronto como pude y he estado en USA desde entonces.

El cambio a vivir en San Francisco fue muy emocionante, supongo. ¿Cómo fue tu contacto con la escena? ¿Cómo era SF en el 89 cuando llegaste?
Mudarme a San Francisco desde el norte de Inglaterra en aquella época fue simplemente la noche y el día. Nunca había vivido en una gran ciudad (no es que San Francisco sea especialmente grande comparada con otras ciudades americanas), y sólo la cantidad de cosas chulas que pasaban, todo el tiempo, fue suficiente para que me enamorara del lugar. Eso, y el clima, y la cultura. Me mudé rápidamente a la casa desde la que operaba Maximum Rock’n’Roll, y allí viví y trabajé en el fanzine durante un par de años. Mi trabajo diurno era trabajar en Alternative Tentacles, y mis noches y fines de semana los pasaba trabajando en el fanzine. Fue una época increíble. Me encantaba, me encantaba la escena y me encantaba la oportunidad que me daba de expresarme.
El San Francisco de entonces era muy diferente al de ahora. Hoy en día apenas voy a la ciudad (y lo mismo ocurría antes de COVID). Sigo viviendo en la zona de la bahía, pero desde hace muchos años vivo en el este de la bahía. Lo prefiero. La creatividad y la vitalidad de lo que solía existir en San Francisco es una sombra de lo que solía ser, ciertamente en términos de la escena punk y de un estilo de vida alternativo; no pretendo sonar como un viejo hastiado, pero en cierto modo es lo que siento. No es realmente el San Francisco del que me enamoré en ningún sentido real estos días. Tristemente.

En Allied Records tienes más de cien referencias, desde Spitboy hasta J Church. ¿En esa época trabajabas en Alternative Tentacles? ¿Siempre hacías los diseños? ¿Qué tipo de bandas te interesaban?
Dirigía Allied Recordings al mismo tiempo que trabajaba en Alternative Tentacles. Por aquel entonces, me encargaba de la mayor parte del material gráfico del sello, así como de la fabricación de los discos, casetes y CD, así que sabía cómo hacer todo eso, pero nunca había sacado un disco por mi cuenta y quería intentarlo. Sólo pretendía hacer un disco (era amigo de Neurosis por aquel entonces y me ofrecí a sacar un single en directo), pero acabaron siendo 100 a lo largo de casi una década. Fue divertido mientras duró, pero yo era una pésima persona de negocios, siempre lo he sido, y por eso, aunque disfrutaba encontrando nuevas bandas con las que trabajar, y (sobre todo) diseñando todos los lanzamientos, no era capaz de ofrecer mucho apoyo a las bandas, aparte de publicar su disco. Nunca había suficiente dinero, y siempre utilizaba el mío propio para todos los huecos. No ganaba mucho en mi trabajo, así que se hizo insostenible y acabé cerrando el sello.
Tendía a trabajar con bandas bastante oscuras, con algunas excepciones. Me gustaba poder sacar el primer single o álbum de un grupo, pero cuando haces eso no sueles vender muchos discos, ya que el grupo sólo puede hacer pequeñas giras locales o no puede hacer ninguna gira, así que la mayoría de los discos no llegaban a ser rentables. Los pocos grupos que se vendieron mejor y para los que acabé sacando discos me ayudaron a pagar los que perdí. Nunca pretendí que fuera mi trabajo diario. Era un hobby, y esa no es una forma de hacer que funcione en serio, o al menos esa fue mi experiencia. Lo intenté. Lo hice lo mejor que pude, pero al final no tuvo éxito.

¿Por qué Jawbreaker era tu banda favorita del sello discográfico?
Era muy amigo de la banda, sobre todo de Adam, ya que trabajamos juntos en el diseño de la mayoría de los lanzamientos de Jawbreaker a lo largo de los años. Siempre fueron una gran banda, así que cuando hablé con Adam en su momento sobre el cierre del sello, me preguntó si me gustaría publicar una grabación en directo antes de hacerlo. Fue una decisión fácil, y así fue como decidí cerrar el sello. Sólo puse a disposición 100 copias a través de un sorteo. Si hubiera tenido sentido común, habría convencido a Adam para que me dejara hacer un lanzamiento regular, ¡y probablemente habría obtenido finalmente beneficios con el sello!

Llevas años trabajando con el colectivo Ak Press, con el que editaste un libro con tus fanzines. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
Conozco y trabajo con AK Press desde que conocí al fundador original, Ramsey Kanaan, hacia 1990. Empecé a trabajar para ellos en libros, y alguna que otra portada de disco, como un favor, pero acabó siendo una relación de trabajo que sigue vigente, aunque Ramsey ya no está asociado a AK Press, pues se fue para fundar su actual colectivo editorial, PM Press. AK Press me preguntó si quería hacer una antología de mi trabajo para mi primer libro, y dije que sí. Siempre he disfrutado trabajando con AK y PM a lo largo de los años, aunque no comparta necesariamente sus convicciones políticas anarcosindacalistas (me considero socialista).

Has comentado en alguna ocasión que una de tus mayores influencias ha sido el trabajo artístico de Gee Vaucher de los Crass. ¿Qué otros autores te han influido?
Anteriormente mencioné artistas y diseñadores que me inspiraron e influyeron. Gee fue la mayor influencia, pero mi trabajo no se parece en nada al suyo y nunca podrá serlo, porque no sé dibujar una mierda. Me encantaba toda la estética, la inteligencia y la originalidad de Crass/Crass Records. Establecieron una identidad visual colectiva -a falta de una descripción mejor, un aspecto corporativo- que nunca ha tenido rival. Era un identificador inmediato. Entrabas en una tienda de discos, veías un disco de un grupo del que nunca habías oído hablar, pero lo comprabas porque era un lanzamiento de Crass Records (o de un subsello). Para mí era una belleza. Y la estética en blanco y negro realmente destacaba en la paleta de colores (en aquel momento) muy vibrante de la escena punk de la primera ola de finales de los 70.
La siguiente gran influencia sería el trabajo que Winston Smith hizo, a veces junto con Biafra, para Dead Kennedys. Cuando conseguí el álbum de debut de la banda, Fresh Fruit For Rotting Vegetables, y vi el póster, y la estética combinada de los visuales reciclados de los medios de comunicación principales de Winston y Biafra, vi algo que podía hacer. No sabía dibujar, pero podía reciclar. Y eso es esencialmente lo que sigo haciendo con gran parte de mi trabajo. No pretendo ser original, salvo lo que ocurre por accidente. Reúno cosas y espero que algo funcione. Y otra influencia a mencionar fuera de la escena punk tendría que ser Barbara Kruger. Si tengo un estilo reconocible, es sólo porque he canalizado su trabajo de diseño. Prefiero un recorrido más corto en cuanto a la entrega del mensaje que Kruger -ella es mucho más cerebral y existencial que yo-, pero dejando eso de lado, no trataré de negar que claramente estuve muy influenciado por su trabajo.

Siendo socialista… ¿Cuál es su opinión sobre la política de principios del siglo XX, como las repúblicas en España, la guerra civil, etc.?
Me fascina la guerra civil española. Mi abuelo era un socialista declarado, y me contaba historias -lecciones de historia- de ciertos acontecimientos cuando era pequeño. Tuvo una gran influencia en mi política, y en cómo intento moverme por la vida. Cuando me hice mayor, busqué y leí mucho sobre la introducción, la experimentación, el fracaso y los éxitos de diversas formas de socialismo. Uno de los aspectos generales que me interesaban del socialismo era su oposición diametral al fascismo, y que la creencia fundamental era el sentido de la equidad humana. Se puede discutir la semántica del éxito o el fracaso, pero el bien común es lo que me hablaba.
Cuando me trasladé a Estados Unidos, descubrí, para mi auténtica sorpresa, que la mayoría de los estadounidenses equiparaban el socialismo con el comunismo (esto ocurría todavía en la época de la Guerra Fría). Ha sido muy interesante ser testigo del lento crecimiento del concepto de socialismo en este país, especialmente en los últimos ciclos electorales. Todavía se demoniza, pero creo que se entiende mejor lo que es y, sobre todo, lo que no es.

También recreaste portadas clásicas del punk pero desde la perspectiva de los diseños de Blue Note, ¿es sólo un ejercicio de estilo? ¿Qué ha dado a tu trabajo esa nueva perspectiva?
Empecé a hacer portadas por libre para grupos que no estaban en Alternative Tentacles bastante pronto. En aquella época, no había muchos diseñadores gráficos que hicieran ese tipo de trabajo (de forma regular). Conecté con Jade Tree porque conocí a los chicos que dirigían el sello, Darren y Tim, cuando eran distribuidos por Mordam Records, que era el distribuidor de Alternative Tentacles (y otros, como Lookout! Records). Me preguntaron si estaba interesado en hacer algún trabajo para ellos, y así fue como empezó. No hice demasiados trabajos para ellos -unos cuantos álbumes y algunos singles-, pero mi primer homenaje a Blue Note (al trabajo de Reid Miles y Francis Wolff) fue para el álbum Jersey’s Best Dancers de Lifetime.
A lo largo de los años he hecho algunos más, pero cuando llegó la pandemia, y estuve tres meses de baja en mi trabajo, además de romper con una novia al mismo tiempo, decidí que necesitaba algo en lo que centrarme para tener salud mental y emocional. Con eso en mente, y habiendo empezado recientemente a colgar trabajos en Instagram, decidí que reimaginaría discos clásicos de punk rock, pero tratándolos al estilo Blue Note. Empecé haciendo una docena o algo así, pero luego me metí de lleno en ello, y acabé creando alrededor de 250. Fue un proyecto divertido, que me mantuvo en contacto con la gente. Fue un proyecto muy divertido, me mantuvo cuerdo y me llevó a realizar algunos proyectos de packaging musical, algo que no había hecho tanto en muchos años (las portadas de libros se han convertido en mi mayor objetivo como autónomo). Así que ha sido un resultado muy bienvenido.

¿Cómo ves la escena del punk rock en la actualidad?
Sinceramente, tengo muy poca idea de lo que es la escena punk rock actual. Sigo algunos sitios de la escena, solía ir a algunos conciertos aquí y allá (antes de la pandemia), y recibía recomendaciones de discos de amigos, pero en términos de que yo esté involucrado o inmerso en ella va, he estado fuera durante bastante tiempo. Todavía escucho música, todavía me gusta mantener una conexión limitada, pero no es mi día a día como solía ser. Y estoy bien con eso. Quiero decir, ahora tengo 55 años. Además, el punk siempre ha sido más un enfoque de la vida. Para mí, que me importe un carajo es punk rock. Hacer preguntas es punk rock para mí. Ser un ser humano decente es punk rock para mí.

Estamos viendo desde hace unos años que las marcas de ropa colaboran con otros artistas de la cultura de la calle, del hiphop, del skate, pero también desde hace unos años vemos que colaboran con artistas de la escena punk hardcore, lo cual es bastante genial. ¿Cómo te asociaste con Stüssy?
Trabajé con Stüssy hace años cuando se pusieron en contacto conmigo, ya que conocían mi trabajo de la escena punk rock. Creo que el director creativo que me localizó era un fan de mi trabajo, y pensó que podría ser interesante ver qué podía hacer con mi enfoque para su línea de ropa. Hice algunos diseños de camisetas para Estados Unidos, y creo que iba a haber una chaqueta vaquera con algunos parches que diseñé para su mercado japonés, pero nunca lo vi, así que supongo que no se hizo (eso pasa mucho con las grandes empresas: se acercan a un diseñador y lo contratan, y luego no les gusta, o deciden no hacerlo, y se archiva). Fue divertido trabajar con ellos, pero sólo ocurrió una vez.

¿Tienes más proyectos con marcas de ropa como Stussy u otras?
Además de Stüssy, he tenido trabajos por encargo con Burton Snowboards, Ksubi Jeans y Mighty Healthy NYC, con diferentes grados de “éxito”. Fue genial trabajar con Burton. Tengo una tabla de snowboard en mi armario que nunca he utilizado.

stealworks.com

English:

John Yates. 

A love story (to Punk)

In love with the energy of punk and its message, from a very young age John Yates began to be interested in its visual impact and to see the creative possibilities of the conjunction between music and politics. He is a record designer for Alternative Tentacles Records and militant posters, as well as founding a record label (Allied Recordings). John Yates develops a style that drinks from the punk of the first period, in which the aesthetics was at the service of a revolutionary message.

In your formative years in the UK, did you study design or any kind of artistic career?
I was always interested in art when in high school, and my art teacher urged me to attend art school, which I did. I studied for four years at two different technical colleges in England, studying a broad range of art and design disciplines, including photography, printmaking, and art history. I never attended a classic art school. I wasn’t that good. I am not an artist. After college, my first graphic design job was at a small agency run by my last technical college. It was incredibly dull, but having my own key gave me access to the place and equipment after hours. This was how I started my work within the punk music scene (I worked on my first freelance album cover while there), and started my first zine.

Is it that mix of art, design and political message that attracted you to punk?
Yes, but my initial interest in punk derived from the music, and the energy of it. I was only 13 or 14 when I got into the punk scene, so my interest in graphic design wasn’t even realized at that point. That came a little later on a conscious level, but I suppose I must have been attracted to it to some degree for the visual aspect—it just hadn’t become the main focus for me that it would.
Once I started learning about bands outside of what you might see in the mainstream press at the time (The Clash, Sex Pistols etc.), I think that’s the I started to really connect the dots in terms of the music and the visual language, and I skewed heavily toward the visual language as political statement. I knew music could be political, and through finding bands like Crass and Discharge, I realized that the visual could also be just as political, if not more so. That’s when it all came together for me.

What are your influences from the music taste, designers you love, bands, covers…?
Well, the usual suspects; Jamie Reid, Gee Vaucher, Barney Bubbles, Winston Smith, John Heartfield, Reid Miles (to a later, but lesser degree) as far as designers/artists go. My musical tastes were somewhat all over the map, but my main influences were Crass, Discharge, Dead Kennedys, and The Clash (in no particular order). I think another non-musical influence was the work of Monty Python, which was basically anarchy in primetime at the time. They taught me that there was no one who didn’t deserve ridicule, that there were no targets off limits. I’d grown up with them before I discovered punk rock, but when I did discover punk rock, all of a sudden Monty Python made a lot more sense.
By way of an explanation for the Reid Miles/Blue Note influence, I guess my jazz interest came from my grandparents, who listened to jazz a lot, and I would pour over their record collection a lot (my single mom didn’t have but a handful of records herself). They were mostly into big band stuff, but did have a few Blue Note records in their collection. It was likely the photography, as I was always a visual kid, but I was fascinated by those covers.
If you’re asking me for some of my favorite covers, that’s tough. It changes all the time. I have a few I can mention, but it wouldn’t be anything concrete beyond my time of writing. In no particular order; Hüsker Dü Zen Arcade, Dead Kennedys Plastic Surgery Disasters, Black Flag My War, Crass The Feeding Of The Five Thousand, Buzzcocks A Different Kind of Tension, Sex Pistols Never Mind The Bollocks Here’s The Sex Pistols, Gang of Four Entertainment!, The Clash Give Em Enough Rope, Discharge Hear Nothing See Nothing Say Nothing, and that’s all I can come up with at the moment.

How did you start working at Alternative Tentacles and what work were you doing?
I started working with Alternative Tentacles when I still lived in the UK. I used to mail-order records from the label’s London office at the time (I grew up in a pretty remote region of the UK, so I purchased a lot of my records through the mail). Once I started doing a little zine, I started to send that, along with some of my other artwork, for the hell of it. Unbeknownst to me, the London office was forwarding my stuff to Biafra in the States. I started to do a few little things for the London office through the mail—some ads, stickers, eventually some covers—until Biafra contacted me to ask if I’d like to help him put together the booklet for Dead Kennedys’ swansong compilation album, Give Me Convenience Or Give Me Death.
Biafra sent me a bunch of newspaper clippings, lyrics, other artwork in the mail, and I created layouts for each page of the booklet. I then mailed them back to him in the States, where he made his edits and generally tinkered with them, and then I saw the final layouts when I the record came out. It was really insane that I had got to work on a Dead Kennedys record (albeit after they broke up), having just been a fan. After that, I went out to the label’s San Francisco office for a couple months, returned to the UK, and then got offered a full-time job a few months later, if I could get myself back out there and was interested. I left almost as soon as I could, and have been here, in the States, ever since.

The change to live in San Francisco was very exciting, I guess. How was your contact with the scene? How was SF in 89 when you arrive?
Moving to San Francisco from northern England at that time was simply night and day. I’d never lived in a big city (not that San Francisco is particularly big compared to other American cities), and just the amount of cool things going on, all the time, was enough to make me fall in love with the place. That, and the weather, and the culture. I moved in pretty quickly to the house that Maximum Rock’n’Roll operated out of, and lived and worked on the zine there for a couple years. My day job was working at Alternative Tentacles, and my evenings and weekends were spent working on the zine. It was an amazing time. I loved it, I loved the scene, and I loved the opportunity it gave me to express myself.
San Francisco back then was vastly different than it is today. I rarely go into the city these days (and it was the same pre-COVID). I still live in the Bay Area, but have lived in the East Bay for many years now. I much prefer it. The creativity and vibrancy of what used to exist in San Francisco is a shadow of what it used to be, certainly in terms of the punk scene and an alternative lifestyle—I don’t intend to sound like a jaded old dude, but in some ways that’s how I feel. It really isn’t the San Francisco that I fell in love with in any real sense these days. Sadly.

In Allied Records, you got more than a hundred references, from Spitboy to J Church. At that time were you working in Alternative Tentacles? Did you always make the designs? What kind of bands were you interested in?
I ran Allied Recordings at the same time I was working at Alternative Tentacles. I was doing the majority of the artwork for the label at the time, as well as having the records, cassettes, and CD’s manufactured, so I knew how to do all that stuff—I’d just never put out a record myself, and I wanted to try it. I only intended to do one record (I was friends with Neurosis at the time, and offered to put out a live single), but one ended up being 100 over just shy of a decade. It was fun while it lasted, but I was a lousy businessperson, always have been, and so while I enjoyed finding new bands to work with, and (mostly) designing all the releases, I wasn’t able to offer much in support of the bands, other than releasing their record. There was never enough money, and I was always using my own to all the gaps. I didn’t make a lot at my day job, so it just became untenable, and I eventually folded the label.
I tended to work with pretty obscure bands, with a few exceptions. I liked being able to put out a band’s first single or album, but when you do that you tend to not be able to sell a lot of records, as the band can only do smaller local tours, or can’t tour at all, so most records didn’t really break even. The few better selling bands I ended up putting out records for pretty much helped pay for those I lost money on. It was never intended to be my day job. It was a hobby, and that’s not a way to seriously make it work—or at least that was my experience. I tried. I did the best I could, but ultimately it didn’t succeed.

Why Jawbreaker was your favourite band of the record label?
I was good friends with the band, Adam mostly, as we worked on the artwork together for most of Jawbreaker’s releases over the years. They were always a great band, so when I was talking to Adam at the time about closing the label, he asked if I’d like to release a live recording before I did. It was a no brainer, and that’s the way I decided to end the label. I only made 100 copies available via a lottery. If I’d had any sense, I would have persuaded Adam to let me make it a regular release—and would likely have finally made a profit with the label!

For years you have been working with the Ak Press collective, with whom you edited a book with your zines.What was it like working with them?
I have known and worked with AK Press since meeting the original founder, Ramsey Kanaan, in around 1990. I started working on book, and the occasional record cover, for them as a favor, but it ended up being a working relationship that is still ongoing—although Ramsey is no longer associated with AK Press, having left to start his current publishing collective—PM Press. AK Press asked me if I wanted to do an anthology of my work for my first book early on, and I said yes. I have always enjoyed working with AK and PM over the years, even if I don’t necessarily share their anarcho-sydacalist political beliefs (I consider myself a socialist).

You have commented on some occasions that one of your greatest influences has been the artwork of Gee Vaucher of the Crass. What other authors have influenced you?
I previously mentioned artists and designers that inspired and influenced me. Gee was the biggest influence, but my work is nothing like hers and never could be, because I can’t draw for shit. I just loved the entire Crass/Crass Records aesthetic, intelligence, and originality. They established a collective visual identity—for want of a better description, a corporate look—that has never been rivaled. It was an immediate identifier. You went into a record store, you saw a record by a band you’d never heard of, but you bought it, because it was a Crass Records (or sub-label) release. It was a thing of beauty to me. And the black and white aesthetic really stood out in the (at the time) very vibrant color palette of the late 1970’s first wave punk scene.
The next biggest influence would be the work that Winston Smith did, sometimes together with Biafra, for Dead Kennedys. When I got the band’s debut album, Fresh Fruit For Rotting Vegetables, and saw the poster, and the combined aesthetic of Winston and Biafra’s recycled mainstream media visuals, I saw something I could do. I could’t draw, but I could recycle. And that’s essentially what I still do with a lot of my work. I don’t claim originality, except that which occurs by accident. I throw stuff together and hope that something works.
And another influence to mention outside of the punk scene would have to be Barbara Kruger. If I have a recognizable style, it’s only because I have channeled her design work. I prefer a shorter run up in terms of message delivery than Kruger does—she’s far more cerebral and existential than me—but that aside, I won’t try to deny that I was clearly heavily influenced by her work.

Being a socialist… What’s your opinion about politics in the beginning of XX century, like the republics in Spain, civil war, etc…?
I am quite fascinated by the Spanish civil war. My grandfather was an avowed socialist, and would tell me stories—history lessons—of certain events as a small child. It had a very big influence on my politics, and how I try to move through life. As I got older, I sought out and read a lot about the introduction, experimentation, failure, and successes of various forms of socialism. One of the overarching aspects that interested me about socialism was its diametric opposition to fascism, and that the fundamental belief was in a sense of human equity. You can argue the semantics of success or failure, but the common good is what spoke to me.
When I moved to the United States, I discovered, to my genuine surprise, that most Americans equated socialism with communism (this was still during the age of the Cold War). It’s been very interesting to witness the very slow growth of the concept of socialism in this country, particularly in the last few election cycles. It’s still demonized, but I think there’s a better understanding of what it is and, more importantly, what it isn’t.

Also, you were recreating classic punk covers but from the perspective of Blue Note’s designs, is it just an exercise in style? What has given your work that new perspective?
I started doing freelance cover work for bands that were not on Alternative Tentacles quite early on. At the time, there were not that many graphic designers that did that sort of work (on a regular basis). I connected with Jade Tree because I met the guys who ran the label, Darren and Tim, when they were being distributed by Mordam Records, who were Alternative Tentacles (and others, like Lookout! Records) distributor. They asked if I’d be interested in doing some work for them, and that’s how it started. I didn’t do too many for them—a few albums and some singles‚—but my first Blue Note homagé (to the work of Reid Miles and Francis Wolff) was for Lifetime’s Jersey’s Best Dancers album.
I have done a few others over the years, but when the pandemic hit, and I was furloughed from my job for three months, as well as breaking up with a girlfriend at the same time, I decided I needed something to focus on for mental and emotional health. With that in mind, having recently started putting work up on Instagram, I decided I would reimagine classic punk rock records, but treat them in a Blue Note style. I started out doing an initial dozen or so, but then really got into it, and ended up creating around 250. It was a fun project, it kept me sane, and it resulted in me getting some music packaging projects, which I haven’t done as much of in many years (book covers having become my biggest freelance focus). So, that’s been a very welcome result.

How you see the punk rock scene nowadays?
I honestly have very little idea what the current punk rock scene is. I follow a few scene sites, I used to go to a few shows here and there (pre-pandemic), and I got record recommendations from friends, but in terms of me being involved or immersed in it goes, I’ve been on the outside for quite some time. I still listen to music, I still like to maintain a limited connection, but it’s not my day-to-day life like it used to be. And I’m fine with that. I mean, I’m 55 now. Also, punk has always been more about an approach to life. Giving a fuck is punk rock to me. Asking questions is punk rock to me. Being a decent human being is punk rock to me.

We are seeing from few years ago that clothing brands collaborate with others artists from the Street culture, from hiphop, skateboard, but also from few years ago we see they collaborate with artists from punk hardcore scene, which is pretty cool. How you team with stussy? 
I worked with Stüssy years ago when they contacted me, having been familiar with my work from the punk rock scene. I think the creative director who located me was a fan of my work, and thought it might be interesting to see what I could do with my approach for their clothing line. I did some tee shirt designs for the States, and I think there was going to be a denim jacket with some patches that I designed for their Japanese market, but I never saw that, so I assume it didn’t happen (that happens a lot with big companies—they approach and hire a designer, then they either don’t like it, or they decide against it, and it gets shelved). It was fun to work with them, but it only happened the once.

Do you have more projects with clothes brands like Stussy or others?
Besides Stüssy, I have had commissioned work with Burton Snowboards, Ksubi Jeans, and Mighty Healthy NYC, with varying degrees of “success.” Burton were cool to work with. I have a snowboard in my closet that I have never used.

“Por skaters, para skaters”, ese es el lema, creado por Tod Swank, de Tum Yeto, la distribuidora de skate que montó a finales de los 80. Comenzó a patinar allá por 1979-80, y es autor de mogollón de fotos míticas protagonizadas por entre otros, Natas Kaupas, Hosoi, Mark Gonzales, Jason Jessee, Tony Hawk o el fallecido Jeff Phillips, de esas que seguro que has visto más de una vez si eres seguidor de la cultura de la tabla y las 4 ruedas, y que tienes  alojadas en esa zona situada entre la memoria y el alma.

Natas Kaupas, Pacifica Banks, Los Angeles 1988

La carrera fotográfica de Tod Swank se desarrolló principalmente a lo largo de la década de los 80. Creció patinando en el Del Mar Skate Ranch, y terminó trabajando en Transworld a las ordenes de Grant Brittain, amigo suyo y el gerente de DMSR antes de eso. Él le llevó al TWS. El patín era el 110% de todo lo que hacían en esa época, tirar fotos y patinar iban de la mano siempre, eran los pilares de su vida.

A los 13 años aprovechaba los momentos en los que patinaba para hacer fotos y luego usarlas para los trabajo de su clase de fotografía en Jr. High.

Comenzó haciendo fanzines con otros skaters de diferentes puntos del globo, intentando cubrir el vacío que existía en cuanto a periodismo de skate.

Mike Smith with Tony Hawk and Gator, 1985

En aquel entonces estaba documentando lo increíble que era el mundo del patín y lo creativos que eran los skaters, que hacían cosas que nunca jamás nadie había hecho, en cualquier lugar o en la historia. Tod sentía emoción al ser testigo de esto y poderlo inmortalizar. Prefería la luz natural sobre el uso de flashes , y las fotos arriesgadas por su iluminación, ángulo o composición, que quizás no encajaban con la idea de foto perfecta.

En 1989 montó Foundation Super Co., su propia compañía de skate, y con esto comenzó a hacer menos fotos, por falta de motivación, aunque era algo que aún le gustaba mucho, el ver a peña haciendo cosas nuevas, inventando nuevos trucos. Sacar adelante una empresa le mantenía muy ocupado, pero dio sus frutos y ahí sigue, este año se celebra su 25 aniversario. Según él, una locura.

Todavía hace fotos, pero por placer, de manera personal. Es un hombre de familia, amigo de sus amigos, y su hija Zoë, que en este 2014 cumple 3 años, es su ojito derecho, su prioridad en la vida en estos momentos.

Del Mar Head to head placings. Tracker Pro Am, 1981

Skate Betties Mt Trashmore, Virginia Beach, 1986

Salba Dolphin Pool, Los Angeles, 1987

Duane Peters, Del Mar Pro Am, 1981

Don Brown, Freestylin in Cali, 1985

Tom Groholski, Skeeters Ramp? Hunnington Beach?, 1986

A young Hosoi at Marina Del Rey, early 80’s

TS Selfie Montegue Banks, San Jose, 1986

Hosoi, Sacto, 1985

Mark Gonzales, Sacto, 1985

Jeff Phillips, RIP, 1986

Tony Hawk, Swedish Summer Camp, 1985

Mike Smith, Nude Bowl, 1987

Jeff Phillips, Houston 1986

Joshua Zues, Beagle 1991

Nude Bowl Camping, 1990

Mark Rogowski, Indy Air over channel, later 80’s

Duane Peters, Tracker Pro Am with Glen Friedman, 1981. One of Tod’s favorite shots.

Neil Blender, Jump Sweep, G&S Factory 1986

Jason Jessee, Finland’s Ramp, Oceanside 1985

Mike Smith with Tony Hawk and Gator, 1985

Del Mar Head to head placings. Tracker Pro Am, 1981

Tony Hawk, Mar Skate Ranch, 1981

Neil Blender, Del Mar, 1985

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En l’Albera, Joan Carles y Bárbara han construido La Gutina como quien aprende a leer un territorio: sin domesticarlo, aceptando sus límites y dejando que cada año escriba algo distinto. No todo empieza con una idea, a veces empieza con un lugar del que ya no te puedes ir. Esta bodega es una decisión sostenida en el tiempo, una casa, unas viñas, un puñado de hectáreas que no se entienden por separado. Joan Carles y Bárbara no llegaron a imponer nada, han aprendido a leer el territorio y trabajan con lo que hay, no con lo que falta, y eso, en un lugar así, lo cambia todo. El vino aparece después y no hay voluntad de corregirlo todo, de estabilizarlo todo. Hay más bien una aceptación —a veces incómoda— de que cada añada es distinta, de que no todo se puede controlar, de que lo vivo no se repite.

Tuvimos la oportunidad de probar algunos de sus vinos y su aceite, y descubrir cómo cada producto es un reflejo único de esta tierra mediterránea. Anyet, un blanco de Garnacha blanca, brilla por su frescura y mineralidad; ligero y delicado, con aromas de flores blancas, cítricos suaves y hierbas mediterráneas, reflejando la luz y el aire de la finca en cada sorbo. Barba Roig, un rosado de Garnacha roja, captura la energía del paisaje: frutos rojos frescos, matices florales y un toque salino que recuerda la brisa mediterránea, elegante y largo. Sin duda, nuestro favoritos. Glu Glu sorprende por su vivacidad: un tinto joven y natural, con notas jugosas de fruta roja y un perfil fresco y directo que habla de la autenticidad del viñedo. Idó, más profundo y estructurado, combina la riqueza de la Garnacha negra con matices especiados y minerales, un vino que exige paciencia y atención, revelando la personalidad intensa y cálida de la tierra de La Gutina, un paisaje donde cada vez quedan menos manos. Y es por eso que mantener una finca así es también una forma de resistencia. Sin ruido, solo la repetición diaria de gestos que, con el tiempo, construyen algo que no necesita explicarse demasiado. Basta con estar. Y entre viñas también florecen olivos centenarios de argudell, recuperados poco a poco, que nos regalan un aceite singular —el Oli d’en Grau— fruto de la misma tierra y cuidado meticuloso que los vinos, un producto que transmite igualmente la esencia del lugar.

Para empezar desde cero, ¿qué es La Gutina hoy y cómo explicaríais el proyecto a alguien que nunca ha estado en l’Albera?
La Gutina es nuestra vida, ante todo, es el espacio que vivimos, es nuestra casa y nuestro mundo cotidiano.
La Gutina es un rincón de L’albera que vivimos y cuidamos Joan Carles y Bárbara, desde hace 19 años. Es un lugar mágico, salvaje y aún poco habitado, en la frontera con Francia y volcado al mediterráneo. Una zona con un alto valor medioambiental y paisajístico que tenemos la suerte de habitar. Ninguna infraestructura ni edificación la invade o interrumpe: es un parque natural desconocido y por esto aún virgen.
L’albera es también un lugar con mucha energía y nuestra zona, con terreno granítico y grandes plutones que conforman el paisaje, tiene una fuerza dulce e intensa que atrapa.
Nuestro proyecto de vida empieza al heredar la finca de la familia de Joan Carles en el 2006, con estanques naturales, monumentos megalíticos, bosques de alcornoques y alguna viña plantada por el padre de Joan Carles en los años 60 y por él mismo en el 2000. En aquel momento, 5 hectáreas en total y una masía con anexos, habitable pero un poco en ruina.
Nuestra vida, y nuestro proyecto, ha sido y es aún mantener viva la complejidad de una casa de campo con su territorio. vivirla, hacerla vivir y mantener viva una agricultura Extensiva de media montaña: viñas, olivares, huertos, prados de pastura, todo esto cuidando, con conexiones, en red y colaboraciones, los estanques, su vida y recuperación, como patrimonio ambiental único y de altísimo valor ambiental y social.

¿Quiénes sois las personas que sostenéis La Gutina y cómo se ha ido construyendo el proyecto con el tiempo?
La Gutina somos Joan Carles y Bárbara. Al empezar éramos los dos solos, ayudados por todos los voluntarios que pasaban por casa y por mucha energía y pasión, pero, como siempre decimos, la gutina no existiría sin todos los amigos, los voluntarios y las personas que, durante todos estos años, nos han acompañado, ayudado y sostenido. Nuestra casa siempre ha estado abierta a personas de todo el mundo que han pasado temporadas más o menos largas con nosotros para aprender los trabajos de viña o de vida en el campo, quitando alguna experiencia un poco complicada, hemos tenido personas extraordinarias en casa sin las cuales no estaríamos donde estamos ahora.
Luego, durante muchos años, han trabajado con nosotros los dos hijos mayores de Joan Carles, pero ahora volvemos a estar solos los dos, con la ayuda de Júlia, la hija más pequeña, y de un trabajador que nos ayuda puntualmente y con el cual estamos muy felices porque le encanta nuestro proyecto.
Nos cuesta mucho trabajar si no hay pasión o interés a nuestro alrededor. Nuestro trabajo es duro y se necesita amar lo que haces y dónde lo haces para poder hacerlo: si no, no tiene sentido ni futuro.

La finca reúne viñas, olivos, bosque, espacios no productivos y una casa abierta a visitantes. ¿Qué idea común mantiene unido todo eso?
Todo es parte de un uno: la finca es una unidad viva que se nutre de las conexiones que hay entre las parcelas cultivadas, las parcelas de mata baja, los bosques…
Las viñas y el vino son el motor económico gracias al cual todos los otros elementos pueden vivir. El vino para nosotros siempre ha sido un medio y no un objetivo final: descubrir nuevas parcelas, ajardinar espacios perdidos, recuperar algún bosque, expresar la delicadeza y la frescura del granito… todo esto para que la finca se mantenga en equilibrio entre naturaleza anárquica y agricultura humana, no invasiva, y su valor medioambiental se mantenga vivo y mejore.
Ahora, y cada vez más, estamos incluyendo el aceite como punto firme y fuerte de nuestro proyecto.
Fue natural abrir una casa para recibir gente que quiera realmente desconectar y estar en un lugar donde la agricultura existe de verdad y la conexión con la tierra es práctica y real cada día.

El paisaje de L’albera no es solo un fondo, sino una presencia constante. ¿Qué os exige trabajar en un territorio tan marcado y poco domesticado?
Ante todo es un privilegio: no hay luces, no hay ruidos (¡menos los militares cuando hacen maniobras, pero esto es otro discurso, muy largo y pesado!), no hay vecinos (a nivel agrícola)… no hay nada de contaminación visual y, en consecuencia, ninguna polución, es naturaleza en estado puro y esto da vida, energía y salud, luz, aire limpio, soledad y naturaleza.
Aparte de esto, hay cosas que marcan mucho nuestra vida: la tramontana, que es un viento muy frío y fuerte que, aparte de condicionar la vida diaria, dirige y determina todo el trabajo agrícola. Exige control constante de la condición meteorológica, rapidez de decisión y acción según el periodo del año y los trabajos que hay que hacer, técnicas de protección y gestión de la viña durante el crecimiento, resistencia física y desarrollo del amor al viento. ¡Si no, es realmente imposible vivir aquí!
La fauna cinegética, que vive en estado de total libertad reproductiva y nos provoca muchos daños y muchísimas horas de trabajo para proteger los cultivos de sus ataques. Es algo que hace que nuestro trabajo se multiplique antes de la vendimia, exigiéndonos presencia constante en las viñas para vigilarlas y protegerlas.
La soledad: no la entendemos como una palabra negativa, sino como la realidad de estar muchísimas horas solos durante el día de trabajo y también durante los momentos de descanso. L’albera no está muy habitada y vivir en una masía fuera del pueblo implica también no moverse mucho de casa y aceptar convivir con el silencio, la tranquilidad y la naturaleza.
Al mismo tiempo, L’albera ha perdido mucha parte del mosaico agrario que la conformaba hace unos cuantos años, así que hay un trabajo de recuperación de la cultura del trabajo agrícola, de la gestión agrícola del territorio que no siempre es fácil, ya que la tendencia ahora es convertir los lugares de naturaleza en lugares de descompresión y relajación para el fin de semana y la convivencia se está haciendo un poco complicada.
La gente es muy cerrada aquí en L’albera, esto a veces es un poco complicado de gestionar. En los últimos años se han instalado en Rabós d’Empordà, un pueblo a 5 km de nuestra casa, tres proyectos vitivinícolas jóvenes con los cuales compartimos y construimos red, amistad y proyectos: esto es magnífico.
Somos alberadinámica, si queréis buscar en instagram. Al ser un espacio muy poco habitado, l’albera está muy a menudo en el centro de intereses especulativos en relación con la producción de energía eólica: estamos siempre listos y en primera línea para defender un lugar único, frágil y patrimonio de todos.
Es un lugar seco y árido, de muy poca producción. Esto requiere un gran esfuerzo comunicativo para explicar la singularidad y la artesanía que hay detrás de cada botella.

Habláis de memoria y de futuro agrícola al mismo tiempo. ¿Qué prácticas o saberes del pasado os parece importante recuperar hoy?
Desde el principio, para nosotros fue muy importante recuperar el trabajo artesanal y humano del viticultor y elaborador. en catalán hay una palabra: vinyataire.
Parece muy básico, pero hay muy pocas personas que cuidan sus viñas, elaboran sus vinos ellos mismos y luego salen a la calle a venderlos. todo esto implica una serie de conocimientos que tienen raíces en lo que siempre se ha hecho para cultivar las viñas en este lugar.
La recuperación de la garnacha gris (el lledoner roig) como variedad simbólica de nuestra región, un poco abandonada y devaluada, al menos hace 20 años, fue la primera cosa que encaramos: tenemos una viña plantada en 1959 por el padre de Joan Carles, injertada con unos sarmientos provenientes de unas viñas viejas de un pueblo vecino. Esto es un tesoro genético que no podíamos dejar perder.
Aprendimos a injertar gracias a unos hombres andaluces muy buenos maestros y ampliamos nuestras viñas con una hectárea más de garnacha gris (lledoner roig, así se llama en nuestra región). Injertar es una tarea de la que estamos muy orgullosos de haber aprendido: somos autónomos y autosuficientes en la reproducción de nuestras viñas.
Recuperamos el sistema de vaso bajo con tutor, que hacía el padre de Joan Carles en sus viñas. Hace 20 años aún aquí se plantaba en espaldera, un sistema que se está revelando nefasto con el cambio climático.
Tener animales que conviven con nosotros y que pueden estar en las viñas es algo también muy natural en un sistema agrícola como el nuestro: empezamos con dos burros, ahora tenemos también una mula y un caballo. pero, sobre todo, desde hace 15 años colaboramos con ganaderos para la gestión colaborativa de los espacios de pastura y de los bosques, además del pastoreo de invierno en viña. Un sistema del pasado que creemos tiene muchísimo futuro.
Así mismo, la vida en la masía, antes y ahora, implica autosuficiencia: la leña para calentar, el huerto para comer, los trabajos agrícolas del año. Nuestra idea era y es que somos una masía y somos agricultores: hasta donde podemos mantenemos viva la vida autogestionada y autosuficiente de una casa de campo.

Vivir y trabajar en el mismo lugar cambia la relación con el tiempo. ¿Cómo se organiza la vida cuando no hay una separación clara entre trabajo y casa?
Viniendo de una gran ciudad, yo (Bárbara) adoro no tener un confín claro entre trabajo y vida privada, entre espacios y tiempos. Es verdad que el trabajo acaba ocupando muchísimo tiempo de la vida personal, pero al final nuestro trabajo es nuestra vida y las relaciones que se crean gracias al vino son intensas y muy agradables.
Dicho esto, a veces cerramos la puerta de casa e intentamos “desaparecer”. O nos vamos directamente, porque en casa siempre habrá alguna cosa por hacer.

El contexto agrícola actual está lleno de presiones económicas y climáticas. ¿Qué decisiones tomáis pensando primero en el lugar y no en el mercado?
Realmente nuestro primer pensamiento siempre está concentrado en el lugar: las viñas, su sanidad, su prolongación de vida, la biodiversidad en la tierra, la protección del paisaje…
Estamos pasando de cordón a vaso las únicas parcelas que tenemos en espaldera: aunque tengamos menos producción, el objetivo principal es que la planta sufra menos y haga siempre menos esfuerzo para vivir y madurar las uvas.
Es verdad que, ante los cambios climáticos de los últimos años y las necesidades y estímulos del mercado, nuestros vinos han cambiado un poquito de perfil: más ligeros, menos alcohólicos, menos potentes. Las viñas maduran de manera diferente y nos adaptamos a lo que nos dan.
Estamos convencidos de que el proyecto debe tener fuerza, solidez, discurso, profundidad, personalidad y contenidos. Sin todo esto, los vinos pueden ir bien para el mercado durante un periodo o un target, pero son mucho más frágiles delante de un mundo que cambia muy rápidamente de “amante”.
por esto siempre ponemos por delante la fidelidad a nosotros, a nuestra vida y a nuestro lugar.

En ese marco más amplio del proyecto, ¿qué lugar ocupa el vino dentro de La Gutina?
Como escribía antes, el vino es el motor de todo. Lo que nos abre al mundo, lo que nos mueve hacia fuera y lo que lleva a la gente hacia nosotros.
Es una parte fundamental del proyecto que sustenta económicamente todo lo demás que, por su naturaleza, no tiene rendimientos económicos (en específico hablo del mantenimiento del sistema hídrico de los estanques, la recuperación de las parcelas perdidas para la prevención de incendios…).

Cuando empezáis una vendimia, ¿Qué es lo primero que miráis para decidir cómo va a ser ese año?
No empezamos nunca una vendimia con una idea de cómo tendrá que ser la añada o para decidir cómo tendrán que ser los vinos, es una sensación difícil de explicar, pero es la observación constante y las sensaciones que vives cuando estás en las viñas lo que te dará una idea de cómo será y cómo irá todo.
Obviamente tenemos una idea de lo que nos gusta de cada uno de nuestros vinos, pero son seres libres y varían cada año en función de cómo ha ido todo. simplemente buscamos vendimiar con un buen equilibrio de azúcar, acidez y maduración fenólica. Controlamos mucho la maduración de la uva e intentamos estirar lo más posible el punto de encuentro entre estos tres valores.
A partir de esto, cada vino tiene su proceso de elaboración: prácticas y técnicas que nos han gustado y nos han dado buenos resultados, así que vamos repitiendo y añadiendo siempre mejoras para que el resultado sea cada vez más limpio y expresivo.
Una cosa muy importante que nos dará un poco la idea de cómo será la vendimia es el equipo de trabajo que se va construyendo antes de empezar: para nosotros es muy importante vendimiar en un buen ambiente, con personas que tengan ganas de compartir un momento tan intenso, duro y satisfactorio como la vendimia. con alegría, buen humor y espíritu de colaboración salen unas vendimias increíbles.

Trabajáis con fermentaciones espontáneas y mínima intervención. ¿En qué momentos sentís que el vino os marca el ritmo y no al revés?
Desde que empezamos a hacer controles de maduración, la uva, el mosto y el vino son los que mandan nuestros ritmos. En realidad, desde la primavera con la brotación hasta el final de la fermentación, yo me siento un cuerpo, dos manos, un cerebro, un alma a disposición de las plantas y de sus frutos.
La única cosa que nos permitimos hacer para tener un poco de “control” sobre nuestras levaduras locas es el control de temperatura durante la fermentación: lo introdujimos en 2018, después de una vendimia en 2017 en la que las fermentaciones de los tintos llegaron a casi 37 grados.
Los vinos de aquella añada son estrepitosos aún hoy (fermentaron en 4 días acabando todos los azúcares), pero nos asustamos tanto que decidimos organizarnos para tener un sistema eficaz de control de temperatura.
Estamos un poco escépticos sobre el término “mínima intervención”: no hay una definición clara y no entendemos bien dónde empieza lo mínimo y dónde acaba… y hablar de vinos naturales… también aquí hay bastante confusión ahora.
Así que creemos en la viticultura hecha por quien hace el vino, en la honestidad de la explicación de cómo se hace el vino y en el resultado del vino en la mesa donde se comparte.

Cada añada obliga a reajustar decisiones. ¿Qué parte del proceso os resulta hoy más imprevisible?
Seguramente, y después de la experiencia de las últimas añadas, el proceso de maduración de la uva ha dejado de ser regular y es absolutamente imprevisible, con bajadas de acidez, falta de azúcar, pieles que no maduran y graduaciones alcohólicas bajas a las cuales no estamos acostumbrados.

Vuestros vinos no buscan corregirse ni estabilizarse en exceso. ¿Cómo convivís con la variabilidad entre botellas o entre añadas?
Nuestros vinos no están corregidos en ningún momento. La estabilización está principalmente en que la fermentación siga tranquila y en asegurarse de que acabe bien. En segundo lugar, en la espera en la botella y en la bodega: un proceso lento empezado hace años y que ahora, poco a poco, intentamos permitirnos y permitirles a los vinos. Desde hace unos años tenemos un almacén con aire acondicionado para dejar los vinos a una buena temperatura durante todo el año, y placas solares que nos aseguran en parte energía limpia.
La variabilidad entre añadas la aceptamos bien e insistimos muchísimo con los clientes finales y con quien nos vende el vino en que es normal que haya variabilidad entre añadas; lo contrario sería muy preocupante. añadimos que, aun teniendo añadas distintas en las mismas referencias, hay un común denominador que hace reconocer siempre el vino, sobre todo a nivel olfativo.
La variabilidad entre botella y botella es un rompecabezas, aunque no tenemos muchos problemas con esto y, generalmente, los problemas nos vienen de los corchos, que pueden echar a perder todo el trabajo hecho.

¿En qué momento decidís que un vino está listo para salir y qué señales os hacen esperar un poco más?
En primer lugar, cada vino tiene su perfil y esto lo podemos reconocer bebiéndolo y probándolo, hasta que no tenga este perfil, generalmente no lo vendemos. así como si notamos algún defecto que pueda prevalecer sobre el vino: estas botellas se quedan en casa y a veces ni lo embotellamos. Hay vinos que se han ido del depósito de fermentación a las barricas de la bodega vieja, con destino: vino rancio.
También el vino tiene que estar estable una vez abierta la botella, siempre puede haber problemas de oxidación, pero el vino tiene que poder estar abierto en una mesa sin que se oxide rápidamente.
Si estas dos cosas se cumplen, el vino sale al mercado.

¿Qué parte del proceso de elaboración genera más debate entre vosotros y por qué?
justamente una de las cosas en que debatimos más es cuándo sacar un vino al mercado. Durante la vendimia no tenemos muchos puntos de debate: generalmente yo (bárbara) me ocupo de controlar la maduración de las viñas y de decidir el momento de vendimia.
Juntos sabemos cómo queremos elaborar el vino y Joan Carles se ocupa de la parte técnica de la elaboración y de los movimientos de los vinos (trasiegos, embotellados, etc.) tenemos siempre una buena confrontación sobre el despalillado manual: yo (bárbara) insisto en hacerlo y joan carles nos deja, aunque no le gusta nada.

¿Qué os gustaría hacer a partir de ahora que todavía no habéis podido permitiros —por tiempo, por dinero o por energía—, pero sentís que forma parte del sentido del proyecto?
Tenemos muchos proyectos; cuando hacemos bromas hablamos del proyecto nº 4356, el 3978. Un sueño que tenemos es aprender a montar y trabajar las viñas con caballos, al menos las viñas viejas… Este año quizá vamos a realizarlo, pero gracias a una asociación que ofrece estos trabajos a los viticultores.
Un sueño que hemos empezado poco a poco y que requiere mucha energía y tiempo es la recuperación de todos los acebuches que tenemos en la finca: sería una recuperación paisajística genial y un nuevo producto, el aceite de acebuche, que nos encantaría elaborar. Otro sueño es acabar de rehabilitar la masía: tenemos aún una ruina que sería preciosa una vez arreglada y la casa tiene muchas cosas que requieren intervención para su mantenimiento.
Nos encantaría arreglar también el edificio de la antigua bodega del padre de joan carles: está habilitada para hacer degustaciones y es nuestra tienda y punto de reunión, pero tenemos ideas que sería bonito realizar un día y tener una giratoria para arreglar caminos y muchas paredes de la finca que necesitan intervención.
Podríamos continuar, sin duda, porque proyectos hay muchos, posibilidades también y ganas de hacer no faltan.