This concept is conveyed in the track RetroFuture, with a quote by the 20th century English writer George Orwell: “Who controls the past controls the future; who controls the present controls the past.”

Other matters covered by the lyrics include conspiracy theories and chemtrails. Black Rain is an atmospheric track that envisages the dawn of the first day after the destruction of the Earth. The apocalyptic post-atomic vision is highly evocative of how the future was pictured in the past. It presents worrying, tragic prospects that still seem possible today, but it also manages to offer messages of love and hope.

Among the many topics discussed in this debut album, there is a look at feelings and emotions as seen through the eyes of an android who is much more human than humans themselves.

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Une route. De celles que le temps a lessivées à grande eau, étrillées, racornies de chaleur. Une route fourbue.

Cette route-là.  Qui avait autrefois la puissance d’un fleuve et poussait devant elle tout l’horizon, villes, bourgades, hôtels, garages, bars interlopes et routiers à prix fixe, tables en lisière de chaussée, parasols fichés dans la poussière. Sur ses bords s’inscrivait une suite ininterrompue de signes et de messages, flèches, triangles, croix, bornes, publicités. Par elle s’humanisait le paysage.

Cette route était autrefois un long tracé sans brisures, allait quelque part, allait droit au cœur.

Elle traverse aujourd’hui la terre gaste des pompes à essence abandonnées, des baraques pétrifiées, des structures métalliques dressées sur le fond du ciel, hiéroglyphes que personne ne sait plus déchiffrer. Elle côtoie des zones sans définition ni destination, jonchées de canettes et souliers crevés, hantées de chiens perdus.

Par endroits son écorce noire a éclaté comme un  vieux pneu. Par endroits elle s’enfonce dans le néant.

Qu’est-ce que c’est, une route qui meurt ? Un point posé, une phrase achevée ?

Une route qui insensiblement redevient  chemin, sentier, piste, une route qui reprend l’histoire à son début, recommence au désir toujours à vif, jamais assouvi, désir pulsant d’une seule chose, partir ?

Dominique Paravel

Olivier Paravel Website

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Three years after their debut album Still Smiling, Teho Teardo and Blixa Bargeld return with a completely new work.
Often the nature of a collaboration is framed within a single episode limited in time, but this is not the case here. This is the result of a special bond, both artistic and personal, where Teho and Blixa reinvent their relationship to explore new territories.

Nerissimo is the title of the new album. Its cover artwork was inspired by a painting from Hans Holbein the Younger titled The Ambassadors (1533). Embedded in the painting are enigmatic references to philosophy, religion, mortality, and illusion, which connect to some of the themes in the album.

“Nerissimo” is the italian superlative for black (“the blackest”) and there is something very black about the music on this record. That doesn’t mean, however, that it is “dark” as the adjective is commonly applied to music: as the colour black contains all colors, the music contains a multitude of possiblities. Written and sung in German, English and Italian, the songs stretch from microscopic dramas played out in a Petri dish (“Ulgæ”) to the surreal epic and cosmic seven minute journey “Animelle”. The title song “Nerissimo” opens the album in its English version and closes it with the Italian version, bracketing the album like book-ends.

New to this collaboration is the use of woodwinds, especially the bass clarinet which plays a deep and very significant role in several of the new songs, amid an arsenal of bells, Teho’s baritone guitar and the arrangement of classical string instruments. Together their sound forms a pear-shaped frequency spectrum to warmly envelope and support Blixa’s low mellifluous voice.

Listening to the album, one undergoes a temporal passage between languages which intimately connects Rome and Berlin, the two cities where the album has been recorded, an emotional journey through the last three years of work together. Travelling in the multi-faceted blackness, the songs shape a diary of apparitions, of colours that could transform the whole universe once you name them, a nighttime flight with the lights off above European capitals.

Blixa Bargeld und Teho Teardo in Berlin

Teho Teardo

Teho Teardo lives in Rome and is a musician, composer and sound designer. He created the soundtracks for several movies from Oscar winner directors Paolo Sorrentino and Gabriele Salvatores. Won various prizes for his music, like the Ennio Morricone Prize and the David Di Donatello.

Blixa Bargeld

Blixa Bargeld was born 1959 in West-Berlin. As an autodidact he is working as a singer, writer, composer and director. He was the guitarist in “Nick Cave and the Bad Seeds” for more than 10 years and is the head and founder of “Einstürzende Neubauten” since 1980. He is currently residing in San Francisco, Berlin and Beijing.

NERISSIMO

TEHO TEARDO AND BLIXA BARGELD

Label:
Specula Records / Rough Trade

Release Date:
22 April 2016

Format:
CD, Vinyl, Download

nerissimo

TRACKLIST

Nerissimo
DHX 2
Ich Bin Dabei
The Empty Boat
The Beast
Animelle
Ulgæ
Nirgendheim
Give Me
Nerissimo (Italian)

…

Tre anni dopo il celebrato debutto con Still Smiling a cui è seguito l’EP Spring!, per Teho Teardo e Blixa Bargeld è arrivato il momento di un secondo album di canzoni.

La copertina dell’album è ispirata al celebre dipinto del 1533 di Holbein il Giovane, Gli Ambasciatori: un’opera che celebra una visita ufficiale, un incontro tra due amici, la fierezza dei loro sguardi ancora forte nonostante il tempo, le distanze, nonostante tutto.

Teho e Blixa tornano con un disco di canzoni nuove, cantate in tedesco, inglese e italiano. Nerissimo è il superlativo di nero e c’è qualcosa di piuttosto nero circa la musica in questo album. Non nel senso di dark, aggettivo spesso usato per definire certe sonorità, ma esattamente come accade con il colore nero, che contiene tutti gli altri colori, così questa musica racchiude una moltitudine di possibilità. Nerissimo è anche il titolo del brano che apre il disco in inglese e lo chiude, come tra due parentesi, in italiano.

Un passaggio temporale tra le lingue che collegano sempre più intimamente Roma e Berlino, dove l’album è stato registrato. Un attraversamento degli ultimi tre anni di lavoro insieme per Teho e Blixa.

Questo disco è anche una storia notturna di apparizioni, di colori che scompaiono dal mondo soltanto nominandoli, di voli aerei con le luci spente in cabina, di oggetti la cui simbologia rappresenta le passioni e gli interessi dei due artisti (a partire dagli oggetti riprodotti sulla copertina); una sorta di racconto attraverso gli oggetti, gli spostamenti continui ed i ritrovamenti di suoni, anche casuali. Suoni intercettati nello spazio di questi tre anni e che sono finiti nel disco come interferenze che hanno messo in discussione la struttura di alcune canzoni, comportando un adattamento di queste all’invasione dei corpi sonori estranei.

“Nerissimo” non contiene soltanto canzoni ma presenta anche brani sperimentali, come ad esempio “Ulgæ”, in cui il testo spiega, come un sottotitolo, i suoni che si susseguono in un racconto. La scelta di presentare a Roma il nuovo album non è un caso. Infatti, esattamente a maggio di tre anni fa, Teardo e Bargeld avevano presentato nella capitale il loro primo album Still Smiling.

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di Barbara Romano

E’ tutto quello che serve per scoprire come sarà il tuo volto, il tuo peso e perfino la tua altezza. Benvenuto nel futuro.

Sembra un film fantascientifico, e invece quei bravi ragazzi della Silicon Valley hanno messo appunto un’autentica rivoluzione genomica. Che ha i colori dell’Italia. Sì perché nel team di ricercatori che ha sviluppato la “formula matematica”, c’è il 34enne bresciano Riccardo Sabatini, un guru della fisica passato alla genomica.

Non a caso, è toccato a lui il compito di annunciare la scoperta al Ted 2016, il palcoscenico delle menti più brillanti al mondo. Gli organizzatori della conferenza, che quest’anno si è tenuta a Vancouver, quando si sono resi conto della scoperta, hanno riaperto le liste già chiuse e hanno piazzato Sabatini davanti a tutti nella sessione principale. Intervistato dal Sole 24 Ore, il fisico italiano, con la semplicità dei grandi geni, ha spiegato:

“con lo stesso approccio con cui prediciamo i caratteri fisici di una persona, attraverso la lettura del genoma arriveremo a studiare farmaci e cure personalizzate. Per prevenire e curare le grandi malattie del nostro secolo.”

Si chiama, infatti, Human Longevity la start-up che studia il genoma per farci vivere meglio e più a lungo. Nel team americano Sabatini ci è arrivato in poche, semplici mosse. Scrive una email a Craig Venter (l’uomo che per primo ha sequenziato il DNA) e a Peter Diamandis, mente e braccio di Human Longevity.

Dieci giorni dopo Sabatini è assunto e ottiene il visto 01, due numeri che indicano gli stranieri con abilità eccezionali. I due creatori della start-up si sono resi conto che l’italiano doveva assolutamente entrare nella squadra con la più profonda conoscenza al mondo del DNA.

In breve, il gruppo raccoglie 70 milioni di dollari per portare avanti le incredibili ricerche. Istruzioni per l’uso: il team ha costruito la più grande banca dati della storia sull’essere umano.

Decine di migliaia di genomi sequenziati, migliaia di fenotipi fra cui fotografie 3d, voce, scanner della corteccia cerebrale e di tutto il corpo, test attitudinali e psicologici, patologie.

Con questo database, Human Longevity è in grado di studiare come il genoma contribuisce a formare l’altezza di un individuo, il peso, l’età, il colore della sua pelle e anche la sua faccia.

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Global Mind Prints

Link per ascoltare il disco

In attesa di un nuovo album dei Kraftwerk

“Global Mind Prints” è l’album di debutto di Henning Schmitz su Magnetic Records: genere ambient-elettronica con qualche puntatina nella lounge music.

Dal 1978 Henning Schmitz è stato sound engineer delKling Klang Studio di Dusseldorf (e non solo), e dal 1991 membro ufficiale dei Kraftwerk in sostituzione del dimissionario Karl Bartos.

Henning Schmitz of the German band Kraftwerk performs during a concert at the Neue Nationalgalerie (New National Gallery) museum in Berlin on January 6, 2015. With the concert, the electronic music pioneers Kraftwerk kicked off eight nights of concerts with a multimedia performance of their classic album “Autobahn”. Kraftwerk, founded in 1968 and once called “the Beatles of electronic dance music”, is credited with paving the way for acts ranging from Depeche Mode, New Order, Human League, and techno’s DJ stars to Coldplay and Daft Punk. AFP PHOTO / JOHN MACDOUGALL +++ RESTRICTED TO EDITORIAL USE NO MARKETING NO ADVERTISING CAMPAIGNS (Photo credit should read JOHN MACDOUGALL/AFP/Getty Images)

Henning Schmitz, born December 26, 1953 in Germany, is a member of the electronic/experimental pop band Kraftwerk.

Background

Henning Schmitz studied at the Musikhochschule Rheinland and the Fachhochschule Düsseldorf, and in 1980 he received his Diplom-Ingenieur qualification in sound and image technology. From 1978 he began working with Kraftwerk as a sound engineer, was first credited on the sleeve of the 1986 album Electric Café and later replaced short term member Fernando Abrantes in concerts from 1991 onwards. He has also created various pieces of music and sound effects for radio programmes produced by WDR since the mid-1980s, currently also works as a freelance lecturer at the Robert-Schumann-Institut and in addition undertakes occasional sound production work on other artists’ projects.

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Lo studioso: “Bisogna trasformare in conoscenza l’eccesso d’informazione cui siamo sottoposti”

di FABIO GAMBARO

IN questo nostro mondo dominato dall’ipertrofia digitale, i filosofi possono contribuire a trasformare l’eccesso d’informazione in conoscenza. Lo ricorda Michel Serres, il filosofo francese a cui oggi Riga – la rivista diretta da Marco Belpoliti e Elio Grazioli – dedica un ricco numero a cura di Gaspare Polizzi e Mario Porro (Marcos y Marcos), ricostruendo accuratamente il percorso transdisciplinare di uno studioso che da oltre mezzo secolo si confronta con la complessità di una realtà in mutazione.

“Quella che stiamo vivendo è una rivoluzione antropologica”, spiega Serres, il cui ultimo libro tradotto in italiano è Non è un mondo per vecchi (Bollati Boringhieri), dedicato all’inedito mondo dei nativi digitali. “Oggi sta nascendo un uomo nuovo, la cui caratteristica principale è la quasi completa esternalizzazione – nei computer, nei cellulari, in rete – della sua memoria, delle sue conoscenze e delle sue capacità di calcolo.
È l’ultima fase di un processo che ha accompagnato la storia dell’umanità. All’inizio gli uomini conoscevano solo la trasmissione orale, che utilizza il corpo e la voce come supporto del messaggio. Con l’invenzione della scrittura, l’uomo ha cominciato a utilizzare un supporto esterno: la pelle, la pergamena, la carta. Questa prima tappa dell’esternalizzazione ha prodotto enormi cambiamenti, per esempio la nascita della moneta, della legge scritta o delle religioni monoteistiche. Socrate, che vuole solo parlare, è sostituito da Platone che scrive”.

Qual è stata la tappa successiva?
“L’invenzione della stampa, che ha moltiplicato le potenzialità dell’esternalizzazione, producendo altre trasformazioni, dal protestantesimo alla nascita della democrazia. L’eroe è Montaigne, seguito dagli umanisti. Oggi però stiamo vivendo una nuova fase, dato che il supporto digitale consente un’esternalizzazione della memoria e delle conoscenze senza precedenti. Le nuove tecnologie, che sono diventate un’estensione delle nostre facoltà, consentono un accesso facile e permanente a una massa enorme d’informazioni. Anche quest’ultima fase sta producendo enormi conseguenze sul piano sociale, economico e politico. Si pensi per esempio alla quantità di posti di lavori distrutti dalla disintermediazione consentita dalla rete. Dopo Platone e Montaigne, i nuovi eroi sono i giovani nativi digitali, che io ho riassunto in un personaggio chiamato Pollicina, la quale, grazie al suo smartphone, ha tutto a portata di pollice”.

Pollicina ha accesso a un’enorme quantità d’informazioni, immagini e programmi, ma spesso appare in balia di una massa che non riesce a controllare…
“È vero, ma è stato così anche in passato. Leibniz, quando era bibliotecario del duca di Hannover, scrisse che si trovava in presenza di un’impressionante massa di libri di cui non aveva il controllo. Si domandava se tutto quell’accumulo di parole scritte avrebbe favorito la barbarie o la cultura. L’uomo ha sempre cercato di gestire la massa crescente delle informazioni: in passato ha imparato a ordinare e classificare, oggi inventa i motori di ricerca. Tuttavia, più che dominare l’oceano della cultura, noi possiamo solo provare a navigarlo cercando di orientarci tra le sue correnti. Dobbiamo accettare l’idea che le nuove tecnologie ci mettono a disposizione un immenso mare di cultura in cui dobbiamo tuffarci senza però illuderci di controllarlo”.

Questa massa d’informazioni cambia la nostra relazione con la conoscenza e il sapere?
“Quando la scrittura ha sostituito la comunicazione orale, si è verificata una rivoluzione cognitiva. Oggi sta avvenendo la stessa cosa, dato che Pollicina “conosce” in maniera nuova e diversa. Le sue modalità cognitive, tuttora in formazione, sono più intuitive e pragmatiche. Se in passato il sapere è stato dominato dall’astrazione – Platone ha inventato l’idea di cerchio per dominare la totalità degli oggetti rotondi – oggi è dominato dagli algoritmi. A poco a poco, si afferma una cultura meno analitica, più sintetica e concreta, il che implica il superamento di una certa filosofia tradizionale. Le nuove tecnologie consentono forme di conoscenza collaborativa, attraverso le quali è possibile far evolvere il sapere comune con il concorso delle conoscenze individuali. Grazie alla connessione degli uni agli altri, il collettivo diventa cosciente delle proprie conoscenze, diventa meno cieco a se stesso. Non è ancora l’intelligenza collettiva, ma un progresso in tale direzione “.

Significa che la tradizionale trasmissione del sapere dal maestro all’allievo è rimessa in discussione?
“In passato, il maestro poteva presupporre l’incompetenza dei suoi allievi. Oggi non è più così, gli allievi possiedono moltissime informazioni. Dalla presunzione d’incompetenza si è passati alla presunzione d’informazione. È la fine di una certa pedagogia unidirezionale. Naturalmente, ciò non significa che si possa fare a meno dei maestri, perché l’informazione non è la conoscenza. Il maestro, ma anche il filosofo, è colui che aiuta a trasformare l’informazione in conoscenza. Pollicina ha ancora bisogno di qualcuno che l’aiuti a operare questo passaggio”.

Un certo pragmatismo anglosassone riconduce tutto alla coppia soluzione/problema, alimentando l’ideologia del “soluzionismo” tipica dei giganti della Silicon Valley. Che ne pensa?
“È vero, alcune aziende sono ossessionate dal processo che risolve un problema. Ma la cultura non è solo trovare soluzioni a problemi pratici, è anche conoscenza e spirito critico. Le nuove tecnologie veicolano molta cultura anglosassone, sta a noi europei cercare di bilanciare questa invasione strisciante. Nell’accesso alle informazioni consentito dalle nuove tecnologie, al di là della dimensione pratica, c’è una dimensione universale che per me è quasi un’utopia culturale. Pollicina infatti tiene in mano tutti i luoghi, tutte le informazioni e tutte le persone. In passato questa era la condizione dei potenti, di Augusto o di Luigi XIV. Oggi è la condizione di milioni di persone”.

Ma affidando la memoria e la conoscenza a un supporto esterno, non si corrono grandi rischi?
“Effettivamente l’esternalizzazione implica anche una debolezza, perché il supporto esterno può andare perso o distrutto. Come pure si rischia la dipendenza da chi ne controlla le procedure, per non parlare delle questioni legate alla proprietà. Insomma, i problemi da risolvere sono molti. Senza dimenticare che, affidando la memoria e le conoscenze agli oggetti tecnologici, a poco a poco si perdono alcune funzioni intellettuali. Tuttavia, ogni volta che si perde qualcosa, il vuoto viene riempito da qualcos’altro. La perdita ci fa paura, ma è portatrice di una potenzialità che per ora non possiamo neanche immaginare.

Stiamo perdendo la memoria, ma l’oblio è una facoltà cognitiva molto importante. In fondo, Galileo ha potuto interessarsi all’esperienza perché ha “dimenticato” Aristotele. È per questo che resto ottimista, anche se ogni tanto me lo rimproverano “.

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Musique Pour Trois Films De Man Ray

Musica per visioni, il pentagramma come occhio inconscio, il disco come summa di un sentire artistico (e di un procedere compositivo) a tutto tondo, spesso mai lineare ma sempre foriero di sorprese. È ormai da tempo che Teardo ci ha abituati a commistioni tra arti figurative, cinema e musica, non solo per le colonne sonore commissionate da registi di prim’ordine (Salvatores e Sorrentino, per dirne due), per le sonorizzazioni di spettacoli teatrali (l’ottimo e pluripremiato Ballyturk dello scorso anno) o per le ispirazioni derivanti dalla fotografia (Music For Wilder Mann), quanto proprio per un approcciarsi alla materia musicale come fosse una sceneggiatura, un quadro, una immagine e viceversa.

Non sfugge alla regola questo Le Retour À La Raison che, come indica il sottotitolo, (ri)prende l’ispirazione da tre film muti di Man Ray, noto ai più in qualità di fotografo, ma anche pittore e, appunto, regista d’ambito dada, e nasce da una sfida proposta da Villa Manin in occasione di una retrospettiva sull’artista americano. Sfida che Teardo ha accettato nella consapevolezza di trovarsi di fronte ad una sonorizzazione particolare, diversa dal solito, e pertanto da affrontare con modalità nuove sia nel percorso strettamente compositivo che nel rapporto (in)diretto con l’autore dei film “musicati”. Non una vera sonorizzazione, dunque, né, tanto meno, una colonna sonora dedicata, quanto una musica che fosse ispirata dai tre film manrayani La Retour à la Raison del 1923, Emak Bakia del 1926 e L’etoile de Mer del 1928. Da lì al disco la via non è stata breve, dato che quelle musiche sono state testate live in varie sedi e poi ripensate e risistemate in studio al fine di ottenere la conformazione attuale: una splendida, evocativa, sognante, leggiadra ed emozionante colonna sonora in absentia che vive benissimo anche a distanza dalle immagini in bianco e nero che evoca, richiama, riprende e (perché no?) ispira a sua volta, in una sorta di circolarità irregolare.

Il tutto basandosi sull’eclettismo ormai noto del Teardo compositore, amante dei contrasti e delle dicotomie, degli attriti e delle contrapposizioni tra ambienti sonori diversi, come testimoniano il quartetto d’archi e l’elettronica, le oltre 10 chitarre affidate a collaboratori e amici, la sega, i synth, il piano elettrico, le ocarine, le campane tibetane e quant’altro utilizzato per creare paesaggi sonori sempre in bilico tra sogno e (sur)realtà. Tra il pizzicare di corde e l’elettronica glitchy (le increspature di Rrose Sèlavy che annegano in una landa ambient), le chitarre sature e i crescendo strumentali (Emak-Bakia, in cui riascoltiamo anche la voce di Teardo, dimenticata dai tempi dei Meathead), i flutti di feedback (la conclusiva L’Etoile De Mer (Marcia Funebre Del 900) col suo esercito di chitarre) e un romanticismo di fondo che permea molte di queste ispirate composizioni, Teardo dimostra, se ce ne fosse ancora bisogno, il proprio spessore e la propria capacità di superare ogni barriera. Fosse anche quella tra un autore vivo e un suo mentore defunto ma aleggiante.

Stefano Pifferi

Articolo tratto da Sentire Ascoltare

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Call out the dogs / Gary Numan / MACHINE MUSIC TOUR 2012 from Stefano Meneghetti on Vimeo.

Gary Numan’s ‘Machine Music’ tour might be a journey through his key single releases from 1978’s ‘That’s Too Bad’ to 2011’s ‘The Fall’, but it leaves you in absolutely no doubt that, despite his well-deserved legacy as an pioneer of electronic music, Numan is a rock artist through and through. There are electronics on display tonight of course, lots of them, but generally they are used to add a melodic veneer to an impressive rock performance that has more in common with the likes of Nine Inch Nails than it has with any of his early career electro-peers.

On paper that might sound like a bad thing, but it really isn’t, because Gary Numan is a great rock star and he absolutely plays the role to the full. Opening number ‘Berserker’ is a case in point, it’s a full on rock performance, conveniently lacking in much in the way of lead vocals leaving Numan free to strike rock-star poses for the photographers at his feet, to prowl the stage like a caged animal, and to receive the adulation of his loyal and enthusiastic audience. ‘Berserker’ very much sets the pace of the first half an hour of the show which sees Numan rattle through half a dozen fine performances – with special mention for sterling versions of ‘Crazier’ and ‘Dominion Day’ – before a crowd-pleasing excursion into his earlier output with a powerful version of ‘This Wreckage’, perhaps the first track in the set to be universally recognised by tonight’s diverse audience.

‘Absolution’ slows the pace right down and for the first time this evening a hint of vulnerability creeps into Numan’s performance, something fragile and alien, though that is quickly forgotten as the band immediately and joyfully launch into the demented rock and roll of ‘That’s Too Bad’. ‘Down In The Park’ gets the biggest cheer of the night so far, an updated version which is more about the bass and the guitar than about the original electronics, which lay over the song adding extra sparkle to one of my favourite Numan tracks. ‘RIP’ bridges the rock and electronic facets of Numan’s output best, opening with the most overtly electronic sounds of the evening so far before turning into a dark, brooding, powerful rock number – accompanied by equally unnerving and disturbing images flickering on the video screen over the stage.

Numan’s first words to his audience come over an hour into the show when he dedicates ‘Love Needs No Disguise’ to Cedric Sharpley, his former drummer who passed away recently – and introduces former bandmates Rrussell Bell and Chris Payne to the stage to play on the track alongside his current band. The pulsing introduction and the funky bassline running through ‘Warriors’ keeps the audience mobile and upbeat until the magical moment when every hand in the venue is in the air to greet the opening notes of ‘I Die You Die’ this version fairly faithful to the original, and ‘We Are Glass’ which pushes the audience’s excitement up yet another notch.

True to the old adage of leaving the audience wanting more the band then promptly disappear, emerging again a few minutes later to launch back into the show’s earlier industrial style with ‘Healing’. With the stage bathed in white light and swirling with dry ice, a chugging, rocked-up version of ‘Cars’ comes next, throwing the crowd into a riot and updating the song effortlessly without losing any of the essence of the original track. A trick that is pulled off again, even more successfully, with an excellent updated ‘Are ‘Friends’ Electric?’ with each verse made eerie and intimate by the echoing sounds and whispered vocals before exploding into each chorus in a final frenzy of white light and dry ice.

Never overly keen on spending too much time dwelling on past glories, tonight Numan has pulled off the difficult task of presenting his past while reinventing it, reminding us of his legacy but with one eye firmly on the future. Great stuff.

Gary Numan web site

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Lorenzo Palmeri

lorenzopalmeristudio.it erbamattaproject.com mescalmusic.com

La tracklist:

01 Memorie selettive
02 Luce della sera
03 Cosa vedi tu?
04 Scrittura automatica
05 Il punto
06 Gli anelli di Saturno
07 Parole malate
08 Gli spaventapasseri
09 Milano muore
10 Cenere
11 Tutto scorre
12 Essere me

Testi e musiche: Lorenzo Palmeri
Lorenzo Palmeri, Erbamatta, Mescal 2014
…
un grazie a Véronique che mi è sempre accanto in questo lungo viaggio
e un grazie di cuore per i suggerimenti a Giampaolo Allocco ( brillante amico ) e Michele Bruttomesso ( illustratore talentoso )
…
Il video è nato grazie ai contributi video di:

• Giuseppe Vetrano
• Kipara Production
• Matteo Mattana
• Colto
• Leonardo Dalessandri
• Good Shorts Films
• Sonny Anzellotti
• Filippo Sole
• Thomas Piper

I diritti d’autore degli estratti video appartengono ai legittimi proprietari.
Per le citazioni delle fonti inserite in questo video, nonché per eventuali non volute omissioni nei riferimenti o nelle attribuzioni, sono a disposizione per qualsiasi chiarimento. stefano.meneghetti@yahoo.it

BIOGRAFIA

Lorenzo Palmeri è un musicista ed è un designer. Una figura unica nel panorama italiano.

Instancabile sperimentatore, fonda uno studio/laboratorio nel quale le due discipline si incontrano e a volte si abbracciano.

Come designer ha lavorato per le più importanti aziende, accreditandosi tra le figure di spicco del nuovo design italiano e progettando in ambiti diversi: dalla progettazione d’interni al prodotto industriale, dalla direzione artistica di diverse aziende fino ai cioccolatini per Ernst Knam. I suoi progetti sono stati esposti in musei di tutto il mondo; ha vinto vari premi ed è stato chiamato a insegnare e/o a tenere lezioni nelle più importanti università italiane e straniere.

Lorenzo Palmeri è quindi prima di tutto un progettista ed è proprio nella categoria trasversale della “progettazione” che musica e design s’incontrano, dando vita a realtà come “Paraffina”, chitarra in alluminio, esposta in diversi musei del design, diventata la preferita di Lou Reed che in seguito ha voluto dedicarle la copertina del suo libro “The Lou Reed Songbook”.

In campo musicale ha scritto colonne sonore per teatro, performance e installazioni. Tra i vari side projects, i concerti in duo con il Maestro Elio Marchesini(percussionista della Scala) con brani di musica d’ambiente e sperimentale.

Con una formazione classica e con grande passione per i linguaggi pop, ha scritto l’album “preparativi per la pioggia”, sua prima raccolta di canzoni pubblicata nel 2009. Il disco vanta la collaborazione di ospiti prestigiosi quali Saturnino al basso, Livio e Andy dei Bluvertigo e Franco Battiato con cui duetta nel singolo “qualsiasi spinta”. Da “preparativi per la pioggia” sono stati tratti un video per la canzone “neroblu” e un “videogioco” utilizzato come lancio del duetto con Franco Battiato.

Lorenzo Palmeri oggi torna con “erbamatta”, un progetto visionario che fonde i due mondi dell’autore. erbamatta è un disco composto da dodici brani scritti e arrangiati da Lorenzo Palmeri e ricco di ospiti/complici/amici: Saturnino al basso, Davide Ferrario alla chitarra e all’elettronica (oltre che alla co-produzione artistica), le Lovecats, Gaetano Cappa e Pacifico con cui duetta nel primo singolo “memorie selettive”, in radio dal 2 Settembre 2014.

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