Prima puntata di una nuova serie (meglio: categoria) di articoli: Introducing è dedicata a cose musicali che non sono conosciute quanto dovrebbero, soprattutto quelle attive nella infausta terra dei laghi da cui vengo. Un po’ sulla linea del “support your local artist”.

I Downlouders sono una realtà assai local, dove con local intendo proprio concittadini. Nascono nel 2008, raggruppando fin da subito una serie di personaggi noti alla “scena” [molte virgolette, NdA] locale all’interno di quello che, con una buona dose di semplificazione, si può definire un collettivo musicale. A dirla così, però, non si renderebbe giustizia alle varie sfaccettature del progetto: il loro è infatti – per dirla con parole da cartella stampa – un “laboratorio di ricerca basato sull’improvvisazione”, la cui attività si concretizza in una serie di album (lavori di composizione che spaziano all’interno di un certo genere musicale, con regole autoimposte), session (registrazioni estemporanee, live e improvvisate da zero su un tema di fondo) e instant concert (veri e propri concerti che sono infinite jam sempre diverse). Praticamente tutto messo su disco e in video.
Last but not least, tutti i loro lavori sono – e qui il patito di open culture e/o lo scroccone che è in noi giubila e gioisce – distribuiti sotto Creative Commons e quindi assolutamente gratis, ridistribuibili e riutilizzabili: ennesimo buon motivo per andare subito ad approfondire.

Qui ci sono tutti i dischi e le session in fridaunlò. Qui sotto invece una playlist non esaustiva di video tra session e instant concert.

I ragazzi di Fresh Yo! Label ci hanno abituati bene e non mancano un colpo. Poco fa hanno messo fuori queste sette tracce a firma di Godblesscomputers, alias Lorenzo “Nada”, ovvero l’ennesimo dj e producer italiano trapiantato a Berlino. Lorenzo, dopo averci deliziato con vari cigni (The Last Swan e Swanism) e il corposo Freedom is O.K., tutti usciti per la berlinese Equinox, mette le mani e le manopole sui beat dei nostri rapper bianchi preferiti di sempre in occasione della rassegna cinematografico-musicale ‘Across the movies’.Il risultato è splendido: rhodes al posto dello scratch, beat attutiti al limite del dub invece della cassa funk, la stessa atmosfera urbana ma con un tocco in più di notturno, downtempo e avvolgente. E la cosa bella è che le voci del trio di NY non perdono una singola goccia di aggressività nel processo: un passaggio così indolore che se non li conoscessimo già verrebbe da pensare si tratti di pezzi originali. Bravissimo.

John Talabot - ƒIN
La chillwave è morta, lunga vita alla chillwave.

Cody ChesnuTT – Landing on a Hundred
Un compendio enciclopedico di negritudine.

Dirty Projectors – Swing Lo Magellan
Non credo siano esseri umani.

Goat – World Music
Etno-funk-sailcazzo. Un disco da fuori di testa, uno dei pochi davvero interessanti a questo giro.

Beach House – Bloom
Ti ci perdi.

Jack White – Blunderbuss
I White Stripes non ci sono più, ma Jack si difende bene pure da solo.

Drink To Me – S
Disco italiano dell’anno, punto.

Afterhours – Padania
Dopo quella schifezza dei I milanesi… neanche ci speravo più, e invece.

Apash 2012 – Blacker
Mi ha fatto piangere.

Calibro 35 – Ogni riferimento a persone o cose
Ci puoi contare, un po’ come l’amaro a fine cenone.

Black Eyed Dog – Too Many Late Nights
Li avevamo lasciati bravi, li abbiamo ritrovati fenomenali.

Bud Spencer Blues Explosion – Do It
Il blues di merda che non vuol morire, e per fortuna.

Three Steps to the Ocean – Scents
Badilate di gran classe.

Dimartino – Sarebbe bello non lasciarsi mai…
Ho un debole per i cantautori che urlano.

Daniele Celona – Fiori e Demoni
Neanche mi piaceva al primo ascolto, poi mi si è fissato in testa.

The Please – Bitter Gospels Along the Riverside
Bello, bello, bellissimo.

Il Triangolo – Tutte le canzoni
L’estate, la provincia, il lago, il negroni con la vodka, i nostri farlocchi anni ’60.

Iori’s Eyes – Double Soul
Neanche sembrano italiani, in senso buono.

Ronin – Fenice
Sempre loro, sempre bravissimi.

Milano, Teatro alla Scala. Fuori è arrivato l’inverno e sotto la neve inizia il consueto balletto di grandi personalità e signore impellicciate di qua, striscioni, fumogeni e cordoni di polizia di là. Tutto come tradizione. Dentro, la prima del Lohengrin, opera ancora giovanile ma già vicina, per tematiche mitologiche, ambientazioni e spunti compositivi, alla produzione principale di Richard Wagner. Io, purtroppo, ieri sera non ero né dentro né fuori la Scala, ma ben accomodato sul divano di casa per seguire la diretta di Rai5. Qui alcune impressioni, con tutta la modestia di un musicofilo che non ha mai scritto di classica.

(Partiamo con) La regia, ovvero la parte più discussa, come da copione. La scenografia di Christian Schmidt è buia, opprimente: non più le rive del fiume Schelda e il X secolo, ma una trasfigurazione del salotto ottocentesco da dramma borghese, di viscontiana memoria, con tanto di pianoforte, cappelli a cilindro e un losco Telramund più vicino a un alto burocrate brillantinato che a un conte altomedievale. Il regista Claus Guth (contestato molto, ma non moltissimo, sul proscenio) ce la mette tutta per trasformare il mitizzante eroe wagneriano in un complesso di colpa freudiana ambulante, costruendo una complessa rete di simbolismi (i due doppelgänger di Lohengrin ed Elsa, le piume del cigno, i piedi scalzi, i rotolamenti e tic nervosi e spingimenti e respingimenti tra i protagonisti) che a conti fatti pecca di eccessiva didascalicità, una plasticità del sentimento che rischia più volte di cadere nel grottesco. Ma in tutto questo e nonostante i suoi limiti, la figura di un Lohengrin eroe fragile, non più immacolato nella sua designazione divina ma umano, troppo umano nella sua incapacità di sopportare quella perfidia perfettamente incarnata dalla coppia Friedrich-Ortrud, fa riflettere, obbliga a pensare e, in ultima battuta, si fa perdonare ogni scivolone al cospetto di un finale tragico nella sua monumentalità.

I ruoli vocali. Kaufmann è bravo, salvo scoprirsi infine bravissimo nell’apice dello svelamento di Lohengrin, un dispiegamento di potenza vocale intensissimo. Annette Dasch, chiamata come sostituta della sostituta della titolare Anja Harteros, entrambe messe fuori combattimento dall’influenza (altro must della prima scaligera), regge il ruolo in modo eccellente e merita comunque un applauso in più per il coraggio di presentarsi in scena con un viaggio notturno alle spalle e una sola, parziale prova del III atto in saccoccia. Passando ai villani, per un Tómas Tómasson nei panni di Friedrich, tutto sommato bravo ma tendente alla stecca plateale, c’è una Evelyn Herlitzius che riesce a dare vita a una Ortrud incredibile, di una perfidia che la fa assomigliare a una Crudelia De Mon diretta da un Tim Burton particolarmente ispirato. Per lei applausi scroscianti e una pioggia di rose al proscenio, tutto meritatissimo. Infine, un coro splendido, specie nel sostenere le complessità sceniche del secondo atto.

La conduzione. Una ouverture morbida, un secondo atto delicatissimo, un inno nuziale che non cade nel cliché della marcetta e anzi esprime al meglio tutta la sua carica tragica, un finale magistralmente condotto ed eseguito fino all’apice del disvelamento, con il fatidico «ich – bin Lohengrin genannt» sostenuto da un’orchestra poderosa, affiatata, impeccabile. Barenboim si (ri)conferma un direttore eccellente, attento alle sfumature e capace di infondere un carattere personale che non si sovrappone alla composizione, ma ne esalta la dirompente forza espressiva. Bravissimo.

Note di merito sparse. Michele dall’Ongaro, semplice e conciso nello spiegare l’opera su Rai5 nonostante i tempi stretti della diretta; il team di @teatroallascala per la diretta perfettamente eseguita, pur nella difficoltà di trasporre in 140 caratteri un evento operistico di questa portata; gli altri che hanno seguito e commentato via Twitter questa prima, esempio interessante di come l’opera può uscire dal circuito delle poltrone a tre zeri e diventare evento culturale crossmediale; la Rai, infine, che quando vuole sa ancora fare un vero servizio pubblico.

Appendice: la diatriba Wagner vs. Verdi. Basta. Veramente, basta. Se siete così duri di comprendonio, ve lo spiega direttamente il M° Barenboim: Richard Wagner è nato a maggio 1813 e la prima di Sant’Ambrogio 2012 è giustamente per lui; Giuseppe Verdi è nato a ottobre 1813 e la prima di Sant’Ambrogio 2013 sarà, coerentemente, La Traviata. Punto.

Ascoltate i preludi del #Lohenegrin, ascoltateli con gli occhi chiusi, voi che apprezzate i #sigurros… #PrimaScala #rai5 #emozionepura

7 December 2012 21:56 via Tweetbot for iOSReplyRetweetFavorite

@giusambr

L'OnorNon èChirurgo

(foto © Ansa)

Loro li conosciamo già e il loro disco di esordio ha messo seriamente alla prova le nostre casse. Ora c’è qualcosa di nuovo: One To Nothing, quattro tracce di sangue & sudore come già sapevamo, tutte costruite attorno al diddley bow, che poi altro non è se non un rumoroso pezzo di legno con una corda e un pick-up. Registrato in un pomeriggio alla Sauna di Varese, spedito in Australia al domilio corrente del cantante per registrare le voci e rispedito indietro per essere distribuito da mamma Ghost Records. Bello, cattivo, dannatamente breve.

Streaming & download qui sotto.

L’indie-rock è moribondo? Forse. Le chitarrine segate, le armonie a più voci, il charleston in levare sulla cassa dritta hanno rotto? Probabile. È ancora possibile tirare fuori qualcosa di buono da tutto questo? Sì, e ci volevano quattro torinesi giovani, giovanissimi, praticamente ragazzini (insieme non arrivano neanche a cent’anni) per farcelo capire. Concordia è il primo disco dei Foxhound e dentro ci sono: suono brit che un grammo in più metterebbe la nausea e invece è perfetto, arrangiamenti minimi col riverbero di ordinanza, riff ruvidi ecumenicamente distribuiti uno per pezzo, tempi veloci, tre minuti e spicci a brano come si conviene. Non c’è il singolone di spicco, ma neanche sbalzi o incertezze. C’è invece mezz’ora di muscoli tesi, otto canzoni che citano e rimasticano e risputano i numi tutelari del genere, Strokes e Franz Ferdinand in testa, e poi indietro fino ai Television e avanti fino agli Hot Chip e – perché no – ai concittadini Drink To Me, vedi Movin’ Back. Fuori concorso la stralunata di I beat that bitch with her bats, scuola Girls e felice chiusura (anticipazione?) nella maledettamente buona mezz’ora di Concordia.

(originariamente pubblicato su Viva! Varese Magazine, ottobre 2012)

Tornati dalle (im)meritate vacanze estive direttamente dentro il settembre freddo e umido, c’è ancora un barlume di bellezza prima di ributtarsi definitivamente nell’inverno buio della provincia senza sole. Dal 6 all’8 settembre è imperativo piantare le tende a Cardano al Campo, ché c’è l’edizione apocalittica (poi finisce il mondo, lo sanno anche i bambini) di Paesaggi Sonori.

Paesaggi Sonori è – grazieadiocivoleva – un festival indie per vocazione, non per etichetta. Tant’è che nel comunicato stampa l’amata-odiata parola non compare mai. In sostanza, sono tre giorni ripieni di concerti, stand di distribuzione musicale e di etichette discografiche indipendenti, presentazioni editoriali, workshopcreativi, videoproiezioni dentro e fuori i boschi, reading e live drawing.
Il biglietto è irrisorio (5 euro compresa consumazione, gratuito giovedì) e il tutto è messo in piedi da 26per1 insieme a Frohike, con l’aiuto di regione/provincia/comune.

Sul tumblr c’è tutto il programma, bello grosso e bello aggiornato; qui sotto metto giusto la locandina con gli orari di giovedì, tanto per cominciare.

Ci vediamo là giovedì.

Update
Gli orari di sabato, cioè oggi, cioè l’ultimo bellissimo giorno del festival.

Non scrivo — quasi — mai live report. È un lavoro ingrato: se racconti la tua esperienza finisci per sembrare una fangirl, se fai la disanima pezzo per pezzo ti prendono per l’indiesnob seduto lontano dal palco a prendere appunti e nel migliore dei casi il lettore non si ritrova nel tuo racconto perché – giustamente – i concerti sono sempre un’esperienza molto personale, oltre che collettiva.
Excusatio non petita a parte, giovedì scorso ho fatto trasferta a Ferrara per Bon Iver.  Dentro all’onesto quanto poco romantico Motovelodromo di Ferrara c’è la fiera dell’hipster, come previsto: c’è da star male alla vista di così tanti baffetti, camicie a scacchi, occhiali spessi, pantaloni rivoltati. Ma tant’è, ce lo si aspettava. Opening act i Polica, scelti personalmente da Vernon perché in effetti sarebbero bravi se solo dal vivo osassero un po’ di più invece di limitarsi a suonare quello che c’è sul disco.
Verso le dieci arriva il protagonista, versione canotta, ciccia e barba tagliata male (chissenefrega, potrebbe presentarsi anche in mutande per quanto mi riguarda). La prima metà del concerto se ne va piuttosto veloce, esecuzione quasi sempre perfetta e arrangiamenti egregiamente appesantiti in senso buono dalla formazione a nove elementi.  Nota di enorme merito al light design, uno dei migliori che abbia avuto occasione di vedere. La svolta arriva con una Skinny Love, calata senza preavviso, che ovviamente tira fuori la voce ai quattromila che occupano il Motovelodromo (come ci manca Piazza Castello). Da lì in poi è in salita, con una sentitissima re:Stacks al Rhodes, una bella Calgary e poi la sorpresa di Beth/Rest, così discussa nella versione su disco per il suo piglio anni ’80 e che dal vivo si trasforma in un dieci minuti di botta assoluta (di nuovo, nota di stra-merito alle luci). Non bastasse, l’encore mette lì The Wolves, introdotta da un appello di Vernon a cantare tutti, anche quelli che “I don’t go to concerts and sing, I play with other people to sing”, perché «Fuck that» [applausi]. Quindi giù di what might have been lost e veramente, veramente, veramente brividi. Poi si sdrammatizza con For Emma e via a sdraiarsi sul prato, ché tanto la voce è andata via. Bellissimo.

Setlist
Perth
Minnesota, WI
Michicant
Towers
Brackett, WI
Beach Baby
Hinnom, TX
Wash.
Holocene
Skinny Love
Creature Fear
re: Stacks
Calgary
Lisbon, OH
Beth / Rest

Encore
The Wolves (Act I and II)
For Emma

Accompagnati da un nome che chiunque abbia – come chi scrive – speso migliaia di ore della sua infanzia alle prese con le avventure grafiche di Ron Gilbert non può non riconoscere (e apprezzare) e preceduti da un comunicato stampa supercazzola come pochi mai, i milanesi The Maniacs se ne escono con questo secondo disco per i tipi della Against ‘em all Records. Come tanti altri hanno deciso di compiere il grande passo e affrontare la – ostica, sicuramente – lingua madre dopo un primo e naturale approccio anglosassone: il risultato è Cattive madri, disco corposo, quattordici tracce per quaranta minuti di ottimo rock italico. Il sound è considerevolmente debitore alla frangia più rockettara del panorama indie, dall’incazzatura socio-psicologica dei Ministri all’emo(tività) urlata dei Gazebo Penguins con l’aggiunta di un’ampia parentesi power-pop nella parte centrale del disco, pericolosamente – ma non irrimediabilmente – vicina al punk melodico di casa The Fire e Prozac+ (niente paura, qui non ci sono inni all’acidità). Dall’aggressività di Scivola via  all’introspezione di Odio, passando per la pregevole citazione agnelliana di Tu eri, io ero, i pezzi vanno via veloci dall’inizio alla chiusura, quella della classicissima ballad Aria e quella della coda finale di Doppio sogno, inaspettata e piacevole virata elettronica che aggiunge una prospettiva più marcatamente sperimentale, forse unico elemento mancante dentro un disco per il resto decisamente godibile.

Info: maniacmansionmusic.tumblr.com

(originariamente pubblicato su Viva! Varese Magazine, giugno 2012)

mi avevan detto che arrivato su sarebbe stato bello
che ne sarebbe valsa la pena
ma ascolta un cretino, la pena rimane

L’altro giorno ho trovato per caso questo video che è bellissimo, soprattutto per via di quel tizio barbuto si abbraccia Jacopo che surfa la folla. Ecco, l’ho trovato e l’ho visto e ho pensato che io dei Fine Before You Came ne farei il caso di uno etno-socio-antropo-zoologico sulla fauna da concerto, perché questa cosa di prendere il pubblico a urla e abbracci è affascinante. Però sono laureato in dadams quindi niente trattato.
Dicevo che questo disco qua (lo Splittone Paura, che già che siamo tra parentesi è un titolo così cazzone che lo si ama o lo si ama) è nato dall’unione di Do Nascimiento, Gazebo Penguins e Verme, cioè quelli che più o meno sono tra i massimi rappresentanti di quella strada italianissima all’emocore che inflaziona i social network di mancaroni, lacrimoni e affezioni da parte di metallari fuori, teneroni dentro (ciao, compari). Lo splittone è pubblicato da un cartello di etichette piccole e minuscole, e cioè To Lose La Track, Two Two Cats, Que Suerte! e Neat Is Murder. Dentro ci sono sei tracce tutte inedite che vanno da un gruppo all’altro, all’altro e ritorno: non dura un cazzo ed è giusto così (non dimentichiamoci il core dentro emocore).
Tutto bello, tutto urlato, tutto in fridaunlò da scaricare sulla fiducia e poi, volendo, tutto in vinile a dieci euro.

lo splittone in fridaunlò | accattati il vinile