Subí que te Leo - Libros, Jazz, Entrevistas, Fragmentos y mucho más

Débora Dixon cerró el Festival de Jazz del subte

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 21 Sep 2009 01:17:00 +0000

Cantó temas conocidos como Hard Times de Ray Charles, el estándar All of me, Blue moon y Fly me to the moon. La acompañó el cuarteto Jazz 4, arrinconados en una esquina de la estación José Hernández de la línea D.

Me mantuvo en un balanceo hipnótico durante 40 minutos y logró que pusiera mi mejor cara de swing.

Gracias Débora por regalarnos una tarde de domingo con jazz.

Perdón por la mala calidad de la foto. Mi celular no es bueno para estas cosas.

Algo más

Sitio oficial de Jazz 4.
Video: Débora Dixon y Gustavo Firmenich (director de Jazz 4) hacen All of me, en 2008. Si bien todas las interpretaciones no son iguales, se puede decir que así sonaron esta tarde.

¿Estuviste en José Hernández viste el concierto?, dejá un comentario y sumá tu punto de vista.

Salió El yeite del nuevo día de Chinelas Persas

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 29 Aug 2009 18:12:00 +0000

Es su segundo disco. Lo presentarán en vivo el viernes 4 de septiembre , gratis.

Desde el título, El yeite del nuevo día se propone como un disco diferente. En lunfardo, yeite se utiliza para decir que de cierta manera se le encontró la vuelta a algo. Chinelas Persas parece haber utilizado el término para decir: encontremos una alternativa, un rebusque que nos aleje del presente que nos hastía. “ Todo se repite, cero evolución ”, se queja Gabriel Biuso (voz y guitarra acústica) en el estribillo de Para quién canto yo hoy .

Hoy no se refiere a este día, sino que su sentido es más amplio, y aparece a lo largo del disco como una idea de presente que no conforma y, para colmo, paraliza (“ No puedo escapar / Mis sueños se quedan en el mismo lugar ”). Quizá por eso, para transmitir su inconformismo, Chinelas Persas echó mano a recursos del rock. El disco suena fuerte, quiere romper. Sin dejar de lado el lirismo (el excelente aporte de la voz de Biuso) y las canciones pop, las guitarras aparecen bien adelante, la eléctrica por momentos con distorsión. Son parte de una mezcla equilibrada de riffs efectivos, logrados contrapuntos y un sutil colchón de pistas y teclados, que en la segunda mitad cobran protagonismo . Puede que los solos de guitarra dejen con ganas de más emotividad, sin embargo el disco funciona bien con los que tiene.

Foto: Anabella Reggiani.

Probablemente, aquellos que escucharon Abre tu mente , el disco debut, notaran que en El yeite …algo suena distinto. Es cierto. Y no se debe sólo al componente que tiñe de rock muchas de las composiciones, sino al aporte de un baterista de carne y hueso (Santiago Suárez); en Abre tu mente , la batería había sido programada por el bajista Orestes di Vruno, fundador de la banda junto a Biuso y el guitarrista Hugo Iribarren. Hoy, la electrónica y programación están en manos de Alejandro Pereyra, quien dosificó sonidos a modo de texturas sobre los temas, y no pecó con ninguna sobredosis. El resultado es un disco musicalmente equilibrado y repleto de matices holofónicos que se perciben mucho mejor con auriculares.

El yeite del nuevo día es definitivamente una alternativa. Su sonido sale de lo convencional y arriesga más que en el primer disco. Los muchachos de Chinelas Persas miraron de otra manera y le encontraron la vuelta al hoy. Después crearon el yeite y les salió para mañana.

Bonus Track

Escuchá Tres días, tema 11 de El yeite del nuevo día.

Algo más

Escuchá más temas de su primer y segundo disco.

Visitá la página de Chinelas Persas.

La Mega Big Band: 4º concierto del Jazz Master Festival

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sun, 23 Aug 2009 14:28:00 +0000

Crónica del concierto que dio la big band el sábado 22 de agosto en el Centro Cultural Borges, con el saxofonista Hugo Pierre y el pianista Manuel Fraga como invitados.

Una base de rhythm and blues irrumpe. El murmullo cesa y las luces de la sala Astor Piazzolla se apagan de a poco. Al bajo y batería se le suma el teclado. El resto de los cuarenta músicos copan de a poco el escenario hasta que Alfredo Palacios , uno de los directores de la Mega Big Band, saluda al público y de su boca salta un, dos, tres…

Así comenzó Gorilla Man , un blues enérgico con contrapuntos y detonaciones agudas de los vientos.

Dirigida por Roberto Martín, llegó Smoked gets in your eyes y el clima en la sala cambió con el solo de flugerhorn. Miré alrededor y sólo vi butacas y público; me quedé con las ganas de encontrar una mesera y pedirle un trago.

Explica Alfredo Palacios:

“El Jazz Master Festival que organizamos con la Mega Big Band intenta homenajear a todos los estilos. Tocamos temas de los compositores y arregladores más grandes de todos los tiempos. Y para ello quisimos incorporar a todos los maestros argentinos. Nos resultó difícil seleccionarlos para esta serie de ocho conciertos, pero muy fácil convocarlos.”

Miró hacia el costado derecho del escenario y presentó al pianista Manuel Fraga, el primer invitado de la noche.

Manuel Fraga. Foto: Emiliano Cosenza.

Sentado en el piano de cola, frente a los músicos, Fraga tocó dos temas, casi sin decir una palabra. Pero sus solos le dieron velocidad y swing al concierto.

Pocos temas antes del final, como si fuera un homenaje con un sentido histórico cronológico, llegó el turno del Bebop. El segundo maestro invitado , un amigo de la casa que hace diez años toca con la big band, fue el saxofonista Hugo Pierre. “El Charile Parker argentino”, dijo Palacios. “¡Epa!” fue la respuesta que se oyó desde las bambalinas, y entre las risas y los aplausos entró Hugo Pierre.

Bebop y un poco de fusión. Pierre tocó una muy buena versión de Libertango , de Astor Piazzolla.

Disfrutalo ahora:

Libertango - Mega Big Band con Hugo Pierre

El cuarto concierto de la Mega Big Band cerró con el standar All of me, en el que los maestros invitados se permitieron un poco de improvisación en medio de tanta partitura y dirección. Luego el público exigió un tema más y finalmente sonó Mack the knife, en voz de los tres cantantes de la banda: Sergio Cantarella, Jimena Mercerdes y Martín Jacubowicks.

Manuel Fraga (piano) - Alfredo Palacios - Hugo Pierre (Saxo). Foto: Emiliano Cosenza.

Algo más

Próximo concierto: Viernes 28 a las 20 hs, con Fats Fernández (trompeta) y J.C. Cirigliano (piano).
Quedan conciertos hasta fin de mes. Mirá el programa completo del Master Jazz Festival .
Una perlita: Hugo Pierre es fotógrafo aficionado, conocé algunas fotos .

Bonus track

La Mega Big Band y Hugo Pierre tocan Sophisticated Lady, un hermoso tema de Duke Ellington. Ver video.

Galería de fotos

Gentileza de Sergio De Simone: su álbum en Flickr.

¿Estuviste en el concierto?, dejá tus comentarios.

Hora de ser humano

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 08 Aug 2009 16:28:00 +0000

Hace más de un año, escribí:

“Hay días en que uno se despierta y lo primero que hace es darle una buena patada a la pared.”

Esa oración era la primera línea del post Varias guerras en marcha, que reproducía un fragmento de una carta que Raymond Chandler le escribió a Edgar Carter, en 1950.

Aquella sensación de “yo contra este maldito mundo” que describía Chandler, era la misma que tenía cuando escribí el post. Fue una mágica coincidencia: leí esa carta mientras me sentía de la misma manera que Chandler se había sentido medio siglo atrás.

Anoche, sucedió lo mismo.

Pasadas las diez de la noche estaba en la cama. Cerca de las once me costaba sostener la vista sobre La dama en el lago (1943), la cuarta novela de Chandler, que tiene como protagonista al legendario personaje Philip Marlowe.

Marlowe y yo, en ese mismo momento, teníamos algo en común: estábamos agotados.

Sentado sobre un catre en una celda de Bay City, soportaba el dolor varios golpes recientes y relataba:

“Miré mi reloj: las nueve y cincuenta y cuatro. Hora de volver a casa, ponerse las zapatillas y jugar una partida de ajedrez. Hora de tomar una buena bebida helada y fumar una larga y tranquila pipa. Hora de sentarse con los pies arriba y no pensar en nada. De comenzar a bostezar sobre la revista. Hora de ser un ser humano, un hombre de su casa, alguien sin otra cosa que hacer que descansar y aspirar el aire fresco de la noche, juntando energía para la jornada del día siguiente.”

Mientras tanto, yo bostezaba sobre su relato y compartía su sensación. Giré y miré el reloj. Supe que era la hora de cerrar el libro y apagar la luz. Lo hice despacio y sonriendo. Era hora de volver a ser humano y tenía toda la noche para hacerlo.

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Todo Raymond Chandler en Subí que te Leo.

Ya está online 'Así viajamos los porteños'

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Fri, 31 Jul 2009 02:13:00 +0000

Contá cómo viajaste y formá parte de la nota. Todos los pasajeros del transporte público de Buenos Aires pueden dejar registrada su experiencia.

Leé Así viajamos los porteños y participá

Si usás Twitter :

Contá cómo viajaste incluyendo la etiqueta #enViaje.

O dejá tu experiencia en un comentario :

Contá cómo viajaste y enviá el comentario. Aparecerá automáticamente entre los comentarios y tweets del resto de los pasajeros.

La nota está publicada en el blog En el tubo de ensayo, que forma parte del taller de experimentos periodísticos en Internet de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano.

Formá parte de una nota sobre cómo viajamos los porteños todos los días

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sun, 26 Jul 2009 00:04:00 +0000

Es muy fácil:

Si viajás en cualquier medio de transporte público y tenés usuario en Twitter, contá cómo estás viajando o cómo viajaste e incluí la etiqueta (hashtag) #enViaje.

Hacé clic sobre la imagen para agrandarla

¿De qué se trata la nota?

Múltiples voces le contarán al mundo cómo viajamos y qué sensación tenemos los porteños sobre el transporte público.

Incluirá:

Entrevista a la periodista Candelaria Schamun, creadora del blog: Viajé como el orto.
Resultados de encuestas a pasajeros que aún están abiertas: participá ahora de la encuesta en Facebook.
¡Y tus tweets del viernes 31 en vivo, si tienen la etiqueta #enViaje!

¿Cuándo será publicada?

El viernes 31 de julio estará al aire en el blog En el tubo de ensayo, dedicado especialmente al taller de experimentos periodísticos en Internet de la Fundación de Nuevo Periodismo Iberoamericano.

Agendalo ahora: ingresá tu e-mail y se enviará un recordatorio automático.

Periodistas y lectores de España, México, Venezuela, Colombia, Perú, Ecuador y El Salvador conocerán qué sensaciones deja el transporte público en los porteños.

Mirá quiénes ya están contando cómo viajan. Sumate y sumá a tus amigos.

Juan Cruz de Urquiza tocó Kind of Blue

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 01 Jun 2009 02:52:00 +0000

Mi amigo El Juli, trompetista lampiño, me reenvío un e-mail y escribió: “Me llegó esto, no sé si es cierto”. El texto debajo anunciaba que Juan Cruz de Urquiza tocaría temas de Kind of Blue en el hall del Teatro San Martín.

Será cuestión de chequear e ir, le respondí.

Resultó ser cierto y el viernes pasado, a las 19, estuve sentado con las piernas cruzadas como indio en el hall del teatro.

Juan Cruz de Urquiza. Foto: sitio oficial de Juan Cruz de Urquiza.

Durante un poco menos de una hora, Juan Cruz de Urquiza y un sexteto impecable de excelentes músicos, la mayoría reconocidos, nos transportó 50 años atrás y colmó el aire de Kind of Blue.

Junto a Juan Cruz de Urquiza, tocaron:

Rodrigo Domínguez (saxo tenor)

Ricardo Cavalli (saxo alto)

Diego Schissi (piano)

Guillermo Delgado (contrabajo)

Oscar Giunta (batería)

Al comienzo se oyó un yeite del contrabajo de Delgado y nadie dudó, se trataba de So what, el tema que abre el disco de Miles Davis. Luego de una breve presentación del sexteto, tocaron Freddie Freeloader.

El público aplaudió cada solo, excepto en Blue in green, el tercer tema que cambió por completo el clima, al punto que no sólo el teatro, sino hasta en Corrientes hubo silencio absoluto para que la trompeta lo inundase todo.

En All blues Giunta demostró que es un baterista versátil y con mucho swing; aunque por momentos parece cebarse más de lo que la atmósfera del tema exige.

Finalmente, sonó Flamenco sketches y la magia de Kind of Blue se diluyó con el último acorde de un sexteto que estuvo a la altura de la música que se propuso interpretar. Gracias, Juan Cruz.

Algo más

Próximo concierto de Juan Cruz de Urquiza: homenaje a Clifford Brown (12 y 19 de junio).
Escuchá temas de Urquiza en su Myspace.
Algo de Miles Davis en Subí que te Leo.

Vintage Jazz Band en la UTN

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 01 Jun 2009 01:24:00 +0000

Todos los primeros viernes de cada mes hay jazz en la sede Medrano de la Universidad Tecnológica Nacional (UTN). Una excelente oportunidad para sacar de un tirón el cable que te conecta con el trabajo.

En el Aula Magna, a metros de la entrada de Medrano 951, este viernes 5 de junio a las 20.30 escucharemos a la Vintage Jazz Band.

La banda promete un repertorio de clásicos ejecutados por una suerte de dream team:

Esteban Garvie (trompeta)
Alfredo Desiata (saxo soprano)
Juan José Zentilini (trombón)
Ricardo Pereyra (piano)
Mariano Tito (contrabajo)
Oscar Linero (batería)

Oscar Linero (padre) y Ricardo Pereyra han compartido escenario en la Creole Jazz Band, que tocó el primer viernes de abril.

Disfrutá el sólo de batería que hizo Linero aquel día. Quizá sea un adelanto de lo que sucederá este próximo viernes. ¿Habrá bailarines como los que dibujaron pasos de swing mientras sonaba la Creole?

Algo más

Escuchá temas de Ricardo Pereyra en su Myspace. Recomiendo Días de radio.

La novela ausente: La huella del crimen

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 25 May 2009 06:12:00 +0000

Hace unos días compré La huella del crimen, de Raúl Waleis, la primera novela policial escrita en lengua española, que inauguró el género en Argentina. A pesar de que fue publicada por primera vez en 1877, nunca fue reeditada hasta hoy; un maravilloso rescate de la editorial Adriana Hidalgo.

La cuidadosa y erudita edición es de Román Setton, quien escribió además el prólogo, las notas, y un posfacio realmente imperdible.

La huella del crimen fue publicada por primera vez como folletín en el diario La Tribuna, entre julio y agosto de 1877. Fue una publicación en 22 entregas. Cada uno de los episodios había sido cortado por la tijera del espacio, en ningún momento los editores de La Tribuna siguieron la lógica del suspenso de la novela, como solía hacerse con los folletines. Posteriormente, fue publicada completa en un libro.

Algunos apuntes sobre el criterio de esta edición, según Setton:

“Nuestro propósito fue seguir la edición original con la mayor fidelidad posible, y por ello preservamos las peculiaridades de las variedades lingüísticas de la época así como cuestiones que conciernen al idiolecto o al estilo.”

“Se unificaron y modernizaron la ortografía y puntuación, a la vez que se eliminaron las abundantes erratas presentes en ambas versiones.”

Sin embargo, más adelante Setton señala que en pos de mantener las peculiaridades y riquezas del texto “hemos consentido cierto uso anticuado y expresivo de la puntuación”.

Una novela ausente

Después de 132 años, vuelve a salir a la luz una novela que por algún extraño motivo había quedado en un rincón casi olvidado de la literatura argentina.

Comenta Setton:

“Hasta el momento de esta publicación, existía un único ejemplar íntegro del libro, sólo accesible para investigadores registrados”.

Lo último que se supo de La huella del crimen fue en 2007, gracias a que Vicente Battista publicó un conjunto de relatos bajo ese mismo título, en un declarado homenaje a Waleis.

Según Setton, en diferentes textos sobre literatura argentina siempre se habló de la novela en base a interpretaciones de otros, por dos motivos: porque nadie entonces pareció haber recorrido sus páginas y porque la historia del policial en argentina siempre ha sido enfocada desde la influencia del género en lengua inglesa, mientras que la obra de Waleis se inscribe en el policial francés de folletín.

¿Quién fue Raúl Waleis?

Un impostor. En realidad Raúl Waleis es un anagrama de Luis V. Varela (1845 – 1911), quien por algún motivo prefirió escabullirse en ese seudónimo para escribir una trilogía: La huella del crimen, Clemencia (¿será reeditada también por Adriana Hidalgo?) y Herencia fatal, de la cual no se tiene ningún dato, probablemente ni siquiera la llegó a escribir.

Al igual que su obra, la trayectoria y la literatura de este jurista (llegó a presidente de la Corte Suprema de Justicia de Buenos Aires), poeta, dramaturgo y novelista argentino, apenas fue mencionada en la historia de la literatura argentina.

Pero Waleis – Varela se encargó de dejar claras sus intenciones literarias en la “Carta al editor para que la conozca el lector” que se publicó junto a la edición en libro de 1877. Allí escribió:

“Julio Verne ha popularizado las ciencias físiconaturales con sus novelas. Yo trato de popularizar el derecho con mis romances, sin pretender para estos la gloria inmensa de aquellas”.

Waleis – Varela tenía una visión peculiar sobre el género policial, que había sido iniciado por Edgar Allan Poe pocos años antes, en 1841, con Los crímenes de la calle Morgue. Escribió en esa misma carta: “Este género de literatura es útil. Instruye deleitando y corrige instruyendo”. Al parecer, Waleis – Varela pretendía con sus novelas enseñar la importancia de la ley y del derecho.

El rescate de la editorial Adriana Hidalgo no ha sido menor. Nos ha revelado a los seguidores de este género la base sobre la que se apila una larga tradición de literatura policial argentina que a más de un siglo después, continúa escribiéndose.

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Hasta siempre, Mario

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 18 May 2009 03:17:00 +0000

En una entrevista que Julio Algañaraz le realizó en 2003, el poeta Juan Gelman intentaba responder ¿qué es un poeta?:

“Raúl González Tuñón decía que un poeta es como cualquier hombre, pero cualquier hombre no es un poeta. Supongo que se nace, pero también se hace. El poeta está atento al mundo, tiene a la sociedad, tiene a los otros, a la literatura, a la poesía de los demás, al diarero de la esquina. El mundo está cargado de cosas que entran en la subjetividad del poeta como en la de cualquier persona, o sea que la poesía está llena de mundo. Sólo que creo que en el poeta, como en general en cualquier artista, crean un estado especial, una obsesión por buscar respuesta a preguntas que dentro de él le crean esas realidades.”

Lamentablemente, Mario Benedetti es hoy uno de los poetas que ya no busca respuestas. El uruguayo falleció ayer a los 88 años y nos dejó un mundo con más poesía.

A los ochenta años dijo:

“Tengo tantos libros como años. Al que le ha ido mejor es a La tregua, de lejos,
que ya tiene 148 ediciones. Después vienen Inventario Uno, Gracias por el fuego
y La borra del café, que es el último libro mío que ha caído muy bien, ya debe
andar por las cuarenta ediciones en los distintos idiomas y países. Pero no me
puedo quejar: en España, Rincón de haikus está desde hace varios meses en la
lista de best-sellers.”

A modo de homenaje, transcribo una estrofa de uno de los poemas de La vida ese paréntesis, porque refleja, quizás, el modo en que decidió vivir. Y deja una suerte de enseñanza.

Todos sabemos que nada ni nadie habrá de

ahorrarnos el final

sin embargo hay que vivir como si fuéramos

inmortales

sabemos que los caballos y los perros tienen las

patas sobre la tierra

pero no es descabellado que en una nochebuena se

lancen a volar.

Como si fuéramos inmortales (1997)

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La noche de los feos: un cuento corto que me gusta mucho.

Montaje en video sobre el poema Si dios fuera mujer:

Foto: Poemas revelados, Eduardo Longoni.

Apuntes sobre nuestro policial negro de cada día

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 11 May 2009 16:56:00 +0000

Entré y me abrí paso rápido entre el cardumen inagotable de gente. Atravesé el túnel publicitario de Ñ y ADN Cultura, pasé por el pabellón verde, azul, amarillo, ocre y, finalmente, llegué al blanco. Allí, en un pituco primer piso con salas de actos, la Feria del Libro era otra: había tranquilidad.

En el salón Victoria Ocampo, apenas pasadas las veinte treinta del último viernes de la feria, comenzó la charla “El policial nuestro de cada día: ¿un género para pensar el presente?”. El primero en subir al escenario fue Juan Sasturain. A su espalda, subió Marisa Grinstein, autora del best seller y éxito televisivo Mujeres Asesinas, Pablo de Santis y Jorge Lafforgue, editor y especialista en el género. Tomó la posta el periodista y escritor Vicente Muleiro.

Algunos apuntes que tomé de la charla:

Juan Sasturain:

“Es una literatura en la que los límites del género se diluyen fácilmente. Se mezcla con la literatura de crímenes, por ejemplo, en donde desaparece la figura del detective; y también con lo fantástico.”

En referencia a la historia del género negro en la literatura argentina: “La Serie Negra, que dirigió Ricardo Piglia, fue clave en la historia del género en nuestro país, porque hizo una relectura selectiva del policial norteamericano que ya se venía consumiendo hacía años.”

Jorge Lafforgue:

“Fue considerado el policial como un género ‘menor’ de la literatura, al punto que, como señalaba Piglia , había autores a los que les costaba admitir abiertamente que escribieron o escriben el género.”

“El policial dejó de ser un subgénero y empezó a formar parte del plantel de la literatura general. Muchos autores, si bien no han escrito policiales, han tomado recursos y técnicas del género.”

“En Operación Masacre (1957) están presentes los elementos del policial, que la hacen una obra maestra.”

Pablo de Santis:

Marcó una diferencia interesante: “En las crónicas periodísticas el lector se engancha con los casos que no tienen solución. Curiosamente, en la literatura sucede lo contrario, porque los casos generalmente terminan resueltos.”

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Al sueco Henning Mankell el policial le parece aburrido (Revista Ñ).

Post improvisado en honor a Ornette Coleman

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 09 May 2009 22:23:00 +0000

El jueves 7 de mayo fui a ver el concierto que el padre del Free Jazz, Ornette Coleman, dio en el Gran Rex. En honor a él, este es un Free Post, escrito de un tirón, entre las seis y las siete de la tarde; sin demasiadas mediaciones, escribo sin pensar demasiado; ahora me vino la idea: no lo voy a corregir, termino y publico. Bueno, aunque sea un poquito sí, pero no lo habitual. A ver qué sale.

Lo vi dirigirse despacio al atril en el centro del escenario en medio de una ovación. Las primeras notas que se desprendieron de su saxofón me sorprendieron y me golpearon en el pecho. Fue como un potente riff a toda velocidad. ¿De dónde sale toda esa energía, toda esa gran cantidad de música?: de aquel cuerpo delgado de 79 años que hace 50 revolucionó el jazz.

Leo “La gramática del sonido”, nota de Diego Fischerman, publicada el sábado pasado en RADAR. Con muy buen tino, Fischerman cita una anécdota que cuenta el pianista Keith Jarret. Es un buen ejemplo de lo que me sucedió anteanoche cuando sonó el primer tema que Coleman tocó en nuestro país. Cuenta Jarret:

“Después de un pasaje especialmente free cuando tocábamos con el trío en Le
Camilion, adonde Miles había ido a escucharme, él me hizo un gesto para que me acercara a su mesa (creo recordar que nadie bebía nada) y me preguntó: ‘¿Cómo lo haces?’. ‘¿El qué?’, respondí. ‘Tocar a partir de la nada’, comentó. ‘No lo sé –le dije–. Lo hago. Ya está.’ Miles estaba anonadado ante aquella presunta facilidad mía para crear en tiempo real, sin un material previo”.

Mientras escribo, acabo de encontrar este video de Keith Jarret.

El resto de la noche en el Gran Rex fue similar, Coleman parecía tocar a partir de la nada; el saxo hablaba y el contrabajo, el bajo y la batería estaban ahí como fieles interlocutores. “Es un jazz medio loco… Free Jazz”, les dije al día siguiente a algunos compañeros de trabajo. A Ella le dije: “Hace el tipo de jazz que no te gusta”. Algún día me declararé amante oficial del hot jazz, o jazz tradicional; del bebop y amante touch and go del cool jazz. Pero mi declaración no sucederá ahora, primero deberán haber pasado unos años y varios discos más por mis orejas. Sí puedo declarar que el Free Jazz nunca estuvo dentro de mis amantes. Sin embargo no deja de sorprenderme. Durante un poco más de una hora, Coleman me atrapó con sus mixturas, con sus solos de violín y trompeta; con el contrabajo que espesaba el aire, la batería inquieta, repleta de matices, y el bajo que por momentos sonaba como una guitarra.

Fue un concierto exquisito y efímero. Los temas pasaron casi como en un disco, ordenadamente uno detrás del otro, sin ningún tipo de intervención. Ninguno de los que estábamos allí pudimos conocerle la voz; la imaginé finita e inquieta, como el sonido de su saxo. Pero lo que importa en Coleman no es el sonido de su voz, sino el de su música. En una entrevista con Fischerman, explica:

“La gramática del sonido, al contrario de la de las palabras, no diferencia unos pueblos de otros: los une.”

Restan cinco minutos para que se cumpla la hora, se acaba mi Free Post.

Todos los que estuvimos en el Gran Rex asistimos a un momento histórico, de esos que los libros de historia del jazz mencionarán bajo el subtítulo “Ornette Coleman en Argentina”. La visita de un “sobreviviente” (como dice Fischerman) de una época en que el jazz construía la historia de la música. ¿Qué carajo pasó en el universo para que en sólo tres años, entre 1959 y 1961, dos tipos iluminados revolucionaran el jazz para siempre? Hablo de Kind of Blue (1959) de Miles Davis y de Free Jazz (1961) de Ornette Coleman. Fueron años tocados por la varita mágica de algún dios jazzero. Alabado sea él.

Algo más

Gillespi tocó como soporte: su anécdota con el maestro, en su blog.

Video aficionado de uno de los temas del concierto en el Gran Rex:

Ezequiel Acuña: “A las películas en competencia se las mira de un modo distinto”

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 11 Apr 2009 15:51:00 +0000

El sábado pasado estuve en el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), fui a entrevistar a Ezequiel Acuña, director y realizador de la película ‘Excursiones’. En medio del Shopping Abasto, nos sentamos a una mesa de esos café-bar autoservicio y pude hacerle algunas preguntas.

Al terminar, me comentó que su productora editaba discos y le pregunté de qué tipo. Acuña me respondió con un regalo: abrió su mochila y sacó un disco de La Foca, la banda de 'indie rock' uruguaya, cuya música forma parte de la banda de sonido de 'Excursiones'. Aún no pude escucharlo atentamente, pero la primera impresión fue buena; en algún punto de su sonido me hizo acordar a Las Pelotas.

De aquella entrevista salió esta nota:

En la undécima edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), el director y realizador argentino Ezequiel Acuña decidió nadar solo. Prefirió no competir con Excursiones, una película que se desprende de su cortometraje Rocío (1999), como si se tratara de una segunda parte. Los mismos personajes del corto, incluso los mismos actores que los interpretan, se encuentran después de diez años y llevan adelante una historia que, a diferencia del clima melancólico que predomina en otros trabajos de Acuña (Nadar solo y Como un avión estrellado), desborda humor.

-¿Por qué decidiste dejar Excursiones fuera de la competencia?

Como era mi tercer trabajo, no podía competir en la Selección Internacional. Entonces me propusieron que formara parte de la Selección Argentina y estuvo a punto de exhibirse en la apertura del festival. Pero mi objetivo era otro. A las películas que están en competencia se las mira de un modo distinto, y Excursiones tiene un tono de comedia que la hace fresca, distendida, y que no encaja con el rigor de los premios. A su vez, al haber ganado el BAFICI de 2005 con Como un avión estrellado, no sentí la necesidad o la presión de competir.

-¿Excursiones se rodó con la misma metodología de improvisación que utilizaste en Rocío?

Con Alberto Rojas Apel y Matías Casteli (protagonistas y co-guionistas), veníamos en plan de cagarnos de risa y filmar con mucha tranquilidad. Sentíamos que la química que se había dado en Rocío se basaba en las improvisaciones sobre las que habíamos establecido ciertas pautas; quisimos repetir esa metodología. Comenzamos a filmar ensayos de algunas escenas, más allá de que faltara un año para rodar la película. Luego vimos entre los tres ese material y decidimos qué chiste podía repetirse y cuál teníamos que descartar porque era una mierda. Así fuimos armando la película y elaborando lo que tiene que ver con el trabajo actoral. Lo más divertido de la metodología era que el laburo ya estaba vivo; era como pensar la película y al mismo tiempo filmarla.

-¿Recomendás esta manera de hacer cine para aquellos que comienzan a filmar su primera película?

Totalmente. Los estudiantes de cine que vean Excursiones se van a dar cuenta de que no hay tanto, que es una película chica en cuanto a producción: pocas locaciones, pocos actores; el peso está en el texto y en el trabajo actoral. La pasamos bien, fueron pocas jornadas de rodaje y el resultado es muy positivo. El modelo está bueno, se puede hacer cine en este sentido.

Antes de que finalice la entrevista, Acuña dice que ahora se preocupará en “terminar de pagar algunas deudas y ver cómo sigue la película afuera”. Eximido de la adrenalina que produce la entrega de premios, señala luego que falta mucho para que Excursiones se estrene comercialmente. Mientras tanto continuará con su programa de radio por Internet, sus clases de cine y filmará pronto un video clip de Fidel Nadal.

Algo más

Video entrevista a Ezequiel Acuña y Matías Casteli (Vía AhoraCine.com.ar)

Foto de Ezequiel Acuña: autor desconocido.

Rayuela más jazz: Jazzuela

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Fri, 03 Apr 2009 02:46:00 +0000

Marzo fue un mes complicado y me alejé un poco de Subí que te Leo. Pero aquí estoy de nuevo, con algo que hace un tiempo Ella descubrió de casualidad.

Ya he hablado de Cortázar y su relación con el jazz. Creo que hablé bastante. Quizá esa ligera tendencia a volverme monotemático se deba a que Rayuela y el jazz son clichés a la hora de referirse a Cortázar. Prometo que estaré un tiempo sin tocar el tema, pero ahora quiero hablar una vez más.

Mientras Marta Minujín preparaba las enormes rayuelas que desplegaría por la 9 de Julio a fines de marzo, Ella deambulaba por Internet. En aquel viaje anárquico por el mundo del hipertexto, descubrió algo que, a los pocos minutos, me envió a mi e-mail. Entonces, leí: ‘Jazzuela’, y sonreí por lo simpático que sonaba el término.

Jazzuela es un disco-libro que la española Pilar Peyrats, erudita en jazz, publicó en su país en 2001. El disco propone un recorrido musical a través de 22 temas que se mencionan en Rayuela; todos comentados y explicados por la autora.

Peyrats le dio sonido a Rayuela y propuso una nueva lectura, que se complementa con las que Cortázar había imaginado. Si cada vez que se menciona un tema en el texto de la novela, lo escuchamos mientras seguimos leyendo, ¿qué obtenemos? Ni más ni menos que una experiencia multimedia. Jazzuela es ideal, porque ni siquiera tenemos que ir a buscar los temas, Peyrats los compiló por nosotros.

Descubrí que un profesor de lengua en su blog propone leer un fragmento de la novela y escuchar jazz:

Leé un fragmento del capítulo 10 de Rayuela con música de Bix Beiderbecke.

Después leí un artículo en el que se plantea que el jazz en Rayuela no es sólo un elemento de ambiente, una decoración de contexto de cada personaje. Es más que eso, el jazz interviene en cada personaje, modifica sus acciones. El artículo está escrito por Leslie Bary, profesora en literaturas hispánicas y estudios latinoamericanos.

Leé aquí la primera parte del artículo Jazz en Rayuela.

Lamentablemente, Jazzuela no está editado en Argentina. Ojalá alguna editorial se anime a hacerlo. Y si ya lo han hecho, por favor, alguien que me diga dónde comprarlo. Pueden enviarme un e-mail a subiqueteleo@gmail.com

Algo más

Feo que te quiero feo: Nº 2 de Posta Data

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Tue, 10 Mar 2009 02:12:00 +0000

Salió el número 2 de la revista Posta Data. El tema de este mes: La fealdad.

Un fragmento de la editorial que abre el número:

Podrán decir que no parecemos. Que a veces sólo giramos en círculos.

Podrán decir de nosotros mucho. Quizás no puedan decir casi nada. Pero nunca podrán decir que no intentamos. Que no nos tiramos al agua. Que nunca desafiamos al vacío, o que nunca gritamos hasta quedarnos sin voz.

Por eso hoy, con esta garganta cansada, con estos ojos rosados y con estas manos listas, les presentamos el número 2 de PostaData. Esa que muestra un poco quiénes somos, esa que nos hizo volver a intentarlo, esa que sumó gente con nuestras mismas ganas, esa que va a intentar que ustedes puedan decir siempre algo más, al menos, sobre nosotros.

En nota central: entrevista a María Victoria Menis, directora de la película La cámara oscura.

Esta vez, a pesar de la libertad que me dieron los editores, quise ajustarme al tema del dossier.

Y salió: Pavorosos y repugnantes, tres feos de la literatura. Leé un resumen en el blog de la revista .

Algo más

Más información y puntos de venta de Posta Data en su blog.

El número anterior de PostaData.

En el fondo, todo inédito sabe que será descubierto

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Mon, 02 Mar 2009 00:20:00 +0000

Febrero tuvo un pequeño boom de inéditos. En los primeros días del mes se conoció la noticia de que en mayo se publicarán textos que por algún motivo Cortázar decidió arrumbar en una cómoda. A fin de mes, la discográfica EMI Music obligó a YouTube a quitar del sitio un registro inédito de los Beatles, la toma veinte de Revolution, que duraba 10 minutos y 47 segundos, y que por algún motivo quedó afuera del Álbum Blanco.

La entrevista que Jorge Urien Berri le realizó a Adolfo Bioy Casares en 1987, se mantuvo inédita hasta que este sábado 28 de febrero fue publicada en ADN Cultura.

Si usted es un cazador de materiales inéditos, atentti con el siguiente fragmento de la entrevista: puede darle una valiosa pista sobre una novela que el amigo de Borges decidió descartar.

Dijo Bioy:

Muchas veces he dejado libros inconclusos porque iban por mal camino. A los 17 o 22 años era lógico, pero me sucede ahora. El año pasado estaba escribiendo una novela de la que tengo 80 páginas, bastante para un inventor rápido pero un escritor lento, y me di cuenta de que había que dejarla.

¿La guardó? —preguntó Urien Berri.

Ahí está, para que un profesor la descubra cuando uno esté muerto y se entretenga con esas estupideces.

Solidaridad: tema del Nº 20 de la revista Teína

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 28 Feb 2009 00:15:00 +0000

"No sé si vivimos en un mundo más solidario; pero sí en uno donde hace falta mucha solidaridad"

La frase pertenece a la socióloga Lucila Aragó, una de los tantos entrevistados del número veinte de la revista de análisis sociocultural Teína, que hoy aborda el tema la solidaridad.

¿Qué es Teína?

Dicen sus editores:

Teína es una publicación electrónica trimestral que surgió en julio de 2002 en Valencia, España, tras varias reuniones en una tetería marroquí del barrio de Ruzafa.
La revista la formamos un grupo de treintañeros argentinos y españoles —más una chilena— que por el azar de las migraciones vivimos entre Buenos Aires,Valencia y Madrid. ¿Y qué clase de revista hacemos? Dos adjetivos bastante atinados para definir nuestra criatura serían estos: artesanal y gratuita. Después, para decir algo de mayor enjundia, habría que entrar en el empalagoso terreno de calificativos como sociocultural y similares. Sin embargo, esa partese la dejamos a quienes nos leen; ellos saben mejor que nadie sobre qué escribimos.

Tuve el inmenso honor de colaborar en el dossier de Teína con la nota Los pobres con los pobres, y los ricos con los ricos.

Algunos artículos del Dossier:

Entrevista a Susan George, autora de Informe Lugano y pilar teórico del movimiento antiglobalización.
Entrevista a la cubana Yoani Sánchez, creadora del blog Generación Y. El blog recibe 4 millones de visitas mensuales y ella fue considerada una de las cien personas más influyentes del mundo, según la revista Time.
El filosofo Santiago Alba reflexionó sobre la solidaridad asalariada.

Teína no se acaba en el Dossier. También van a encontrar excelentes entrevistas en la sección Literatura, y no pueden dejar de pasar por Cine, Teatro, Música y Fotografía. Ponganse cómodos que con Teína tienen para deleitarse un buen rato.

Espero disfruten la nota y la revista. Dejáme tus comentarios después de leerla, serán más que bienvenidos.

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"Es una literatura invasiva, que roe todos los géneros", Álvaro Abós

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 21 Feb 2009 16:28:00 +0000

A comienzos de enero escribí Antología del crimen, con respecto al libro Asesinos, una robusta antología de cuentos de crímenes seleccionados y traducidos por el escritor Álvaro Abós, que en ese entonces, según anunciaba Vicente Muleiro en Clarín, estaba a punto de lanzar la editorial Adriana Hidalgo.

Hablé con Álvaro Abós sobre la génesis de su compilación y sobre la literatura del crimen como género. Al igual que El Recomendador, el amigo personal de Subí que te Leo, no pude evitar poner a Álvaro en el problema de hacer un ranking de los mejores autores del género.

¿Cuál fue tu primer contacto con la literatura de crímenes?

Comencé a leer mucho de los cuentos que componen Asesinos en mi adolescencia, allá por los años cincuenta, en plena edad de oro del género policial en Buenos Aires. Cada mes llegaba a librerías y quioscos una nueva entrega de la colección Séptimo Círculo dirigida por Jorge Luís Borges y Adolfo Bioy Casares o de la Serie Naranja de Hachette, seleccionada y a veces traducida por Rodolfo Walsh.
Mi padre traía a casa revistas como Leoplán o Vea y Lea, semanarios sin ninguna ínfula culturosa pero que solían traer cuentos de estos y otros maestros.

¿Cómo surgió Asesinos?

Llevé a Adriana Hidalgo la siguiente idea: un libro en el que grandes autores que no pertenecen al género, escribieran un cuento en el que indefectiblemente hubiera un crimen. Cuando aceptaron la idea, recorrí mi biblioteca y archivo, fruto de largos años de hurgar en librerías de viejo, búsquedas que últimamente complemento en Internet. Junté tanto material que me alcanzaría para hacer varios tomos más.

Foto: Marcelo Omar Gómez – La Nación.

Teniendo en cuenta la colección de policial negro que prometió Mondadori para abril y el éxito de las novelas del italiano Andrea Camilleri y del norteamericano Michael Connelly, ¿creés que se está incrementando el interés por el género?

Quisiera hacer una precisión: No estoy de acuerdo con la expresión policial negro, me parece una redundancia. Si es policial es negro. Tampoco me convence a esta altura la anticuada división cronológica entre la escuela inglesa y el hard boiled o escuela americana. Prefiero la expresión literatura criminal, que comprende todo: la crónica periodística, el testimonio, la ficcionalización de la historia, la indagación en la mente criminal, el juego intelectual... Como narrador, en mis cuatro novelas y dos libros de cuentos publicados y en la novela que publicaré en 2009, he tratado de desarrollar estas ideas.

¿Y qué sucede hoy con la literatura criminal?

El homicidio o sea el escándalo de que un ser humano mate a otro, es una escena fundadora en la literatura, desde los griegos, pasando por Dante y Shakespeare y siguiendo hasta el día de hoy, en que la violencia es omnipresente en la vida cotidiana, y en los medios. La literatura siempre lo ha reflejado. Creo que lo criminal es central en la ficción que hoy mismo se escribe entre nosotros. Basta ver la lista de los últimos premios de novela, casi todos juegan con lo policial. Se trata de una literatura invasiva, que roe todos los géneros, subgéneros, estilos o tendencia; los motivos son múltiples: desde la generalización de la violencia urbana hasta la necesidad que tienen los lectores de recuperar la intriga, la trama, la narratividad, valores que tanta experimentación literaria no colmaban.

¿Podés dar un ejemplo de la literatura argentina?

El mejor libro escrito en el siglo XIX fue la historia de un crimen político: Facundo, de Sarmiento. En el siglo XX, Borges y Arlt llenaron sus ficciones de crímenes.

Para terminar, ¿cuáles son los mejores autores de la literatura del crimen?

Imposible contestar esta pregunta vastísima, por otra parte, cada uno debería hacer su ranking. Modestamente, expongo el mío: En el siglo XIX, Joseph Conrad. En el siglo XX, Leonardo Sciascia y en América Latina, Fernando del Paso y Rubem Fonseca.

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25 años sin Julio: apuntes a modo de rayuela

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Fri, 13 Feb 2009 01:10:00 +0000

Estuve buceando. Metí mi nariz aquí y allá y, adelantándome a las 300 que Marta Minujín instalará sobre la 9 de Julio el 21 de marzo, saqué en limpio estos apuntes a modo de rayuela.

Tierra

Nace en Bruselas, Bélgica, apenas dos meses después del asesinato del heredero austrohúngaro que detonó la Primer Guerra Mundial. Dijo Julio una vez: “Fue un nacimiento sumamente bélico. Lo cual dio como resultado a uno de los hombres más pacifistas que hay en este planeta".
A los cuatro años Julio regresa a Argentina y se instala en Banfield. “Como todo pibe me olvidé del francés en una semana y comencé a hablar español”, dijo marcando suavemente las “r” en 1973; jamás pudo deshacerse de aquel acento francés de la infancia.
Entre 1939 y 1945, fue maestro en dos escuelas al borde de La Pampa, en Bolívar y Chivilcoy. En 1945 enseña literatura francesa en la Universidad de Cuyo, pero deja el cargo en 1946 cuando la universidad huele demasiado a un peronismo fascista.
Ese mismo año se publica Casa tomada en la mítica revista Sur. Cinco años después, la historia de Irene y su hermano abriría Bestiario, el primer libro de cuentos que publicó.
En 1951 se mudó a París. Años después, de visita en Argentina, le preguntaron por qué no vivía en Buenos Aires, Julio respondió cortésmente: “Yo estoy viviendo aquí, porque me da la impresión de que los ocho o diez libros que llevo escritos son libros muy argentinos. No hubiera podido escribirlos sin estar, en lo entrañable, viviendo aquí.”
En 1955 se casa con Aurora Bernárdez, su primera mujer y la primera en leer Rayuela, la extraordinaria novela que se publicó en 1963. Dijo Julio en una carta: “Su opinión del libro puedo quizá resumírtela si te digo que se echó a llorar cuando llegó al final”.
En 1973, Abelardo Castillo conoce a Cortázar. Recuerda Castillo: “Lo que nos asombró ese día fue no encontrar en Cortázar el humor de su libros, o el de Cronopios o el de algunos capítulos de Rayuela. Era un alto señor muy serio, casi circunspecto, muy tímido, que hablaba en voz muy baja y, cuando reía, se tapaba la boca con la mano. No habló mal de ningún escritor argentino, cosa muy rara entre escritores argentinos, aunque yo creo que, en parte, lo hacía por astucia, no por las mismas razones por las que Marechal nunca hablaba mal de nadie, Cortázar se cuidaba un poco, por su condición de argentino a medias”. Sin embargo, cuenta Castillo, cuando comieron en algún bodegón de la calle 25 de Mayo “apareció el verdadero Cortázar. Después de dos copas de vino, el humor de Cortázar era irrefrenable. Estaba hecho de cosas mínimas como las que a veces ponía en sus libros.”
Seis años después de aquel encuentro en Buenos Aires con algunos amigos escritores, Julio se casó con la última de sus tres mujeres, la escritora canadiense Carol Dunlop. Ese mismo año viajó a Nicaragua y se comprometió a apoyar la Revolución Sandinista. No era la primera vez que Cortázar mostraba su costado político: en 1962 había viajado a Cuba para apoyar la Revolución Cubana.
En 1983 Julio regresa a Buenos Aires en un momento clave: Argentina renacía después de siete años de dictadura. Con respecto al gobierno que se venía, señaló: “Tiene que haber una crítica, una crítica generosa, que no sea una crítica desgraciada para jabonarle el piso al gobierno. Porque si la oposición al gobierno es una oposición negativa, los milicos van a volver a salir, aunque parezca impensable ahora”.

Cielo

Desde hace 25 años, Julio Cortázar vive ahí, en el último casillero, en el final de su propia rayuela.

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El swing en palabras

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Fri, 06 Feb 2009 01:56:00 +0000

Desde hace un mes estoy leyendo poco a poco Jazz al sur, la historia de la música negra en Argentina que el historiador y escritor Sergio Pujol publicó por primera vez en 1992. En 287 páginas, Pujol cuenta con una sencillez, claridad y ritmo envidiable, la historia del género en nuestro país: sus músicos, sus estilos, tendencias, influencias extranjeras y el contexto social y cultural. Un trabajo formidable y muy necesario para nosotros, los humildes aficionados.

Como música popular, desde comienzos del siglo XX el jazz le inyectó un poco de swing a una Buenos Aires que sólo bailaba y transpiraba tango. El contagio al resto de los ámbitos de la cultura y el arte, fue inevitable. Es interesante ver un poco cómo pegaba el jazz en la literatura.

Para definir la percepción que se tenía del género en los años 20, Pujol reproduce unas líneas de Roberto Gache, un cronista de la noche.

Escribió Gache:

Son cinco o seis señores que, en silencio y con aire aburrido, nos miran comer desde la pequeña y filarmónica altura en la que se hallan. Es sin embargo la de ellos una falsa calma. Porque de pronto, a una señal de su director, estos cinco hombres de apariencia inofensiva se lanzan en incontenible furia a sacar a cual más todo el ruido posible de sus instrumentos. Es el paroxismo musical. El delirium tremens de la armonía.

En la década siguiente, el poeta Rául González Tuñón pintaba su visión del jazz en el poema Jazz-Band, publicado en el libro La calle del agujero en la media. Los hombres de jazz en ese poema no miraban a los comensales desde una filarmónica altura, sino más bien desde una tarima improvisada en una cantina de puerto, entre el humo, los vapores del alcohol barato, las prostitutas y, por supuesto, los marineros. Allí, el jazz era un tónico para la vida.

Algunos pases que escribió Tuñón:

Abre las piernas, descontorsiónate en el chárleston
epiléptico y bullicioso, reconcíliate con la vida que una nueva alegría me ha venido a los ojos y un nuevo deseo me ha venido a las manos.

(…)

Prepara el sonoro cocktail y recién mañana me hablarás de
la guerra, de los obuses que caen de los astros, de la trinchera fangosa y los tanques que escupen la muerte.

(…)

El jazz latiendo su sonido irregular, loco, sobre la tarima, es el corazón del tiempo.

Varios años después, en 1959, el jazz ya había mutado: cambiaron los ritmos, las formaciones, y una hermosa desfachatez estilística gobernaba a los mejores músicos.

En Subí que te Leo ya hablamos de El perseguidor, el cuento que Julio Cortázar publicó en 1959, en su libro Las armas secretas, y que representa una oda literaria al excepcional saxofonista Charlie Parker.

El cuento demuestra que Cortázar entendía perfectamente qué le pasaba a un aficionado cuando escuchaba jazz, sencillamente porque él sentía eso mismo en carne propia.

Escribió Julio:

Decidí no tocar la segunda edición del libro, seguir presentando a Johnny como lo que era en el fondo: un pobre diablo de inteligencia apenas mediocre, dotado como tanto músico, tanto ajedrecista y tanto poeta del don de crear cosas estupendas sin tener la menor conciencia (a lo sumo un orgullo de boxeador que se sabe fuerte) de las dimensiones de su obra. Todo me inducía a conservar tal cual ese retrato de Johnny; no era cosa de crearse complicaciones con un público que quiere mucho jazz pero nada de análisis musicales o psicológicos, nada que no sea la satisfacción momentánea y bien recortada, las manos que marcan el ritmo, las caras que se aflojan beatíficamente, la música que se pasea por la
piel, se incorpora a la sangre y a la respiración, y después basta, nada de
razones profundas.

No cabe duda, el jazz invadió el arte y lo cambió para siempre: la pila de años de historia de un género aún vivo, el libro de Pujol, las palabras de Tuñón, de Cortázar y, sobre todo, la alegría de generaciones y generaciones de aficionados en el mundo, lo confirman.

Miles side of the moon

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Fri, 30 Jan 2009 21:36:00 +0000

Hace poco vi un documental sobre una de las obras de arte más grandes del mundo: Dark side of de moon, de Pink Floyd.

A través de entrevistas los protagonistas y a algunos periodistas especializados, el documental cuenta cómo fue concebido el disco desde lo intelectual hasta lo estrictamente musical. Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason y Richard Wrigth, junto Alan Parsons (el ingeniero de sonido), revelan algunos trucos de la grabación que se llevó a cabo entre junio de 1972 y enero de 1973, en los legendarios estudios Abbey Road.

Aquí va una perla que me pareció interesante. Richard Wrigth, a cargo de los teclados de la banda, confesó que, poco antes de encerrarse en el estudio, se había enamorado de un acorde muy bajo, quizás oscuro, que Bill Evans tocó en las sesiones de Kind of Blue (1959), el disco que Miles Davis grabó junto a sus músicos en apenas diez horas, y que muchos lo consideran como uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos.

Ese acorde funcionó como una musa, fue la pieza que le faltaba a Wrigth para armar la secuencia de “Breathe”, el tema que abre Dark side of the moon.

De alguna forma, algo de lo que flotaba entre Miles Davis, Bill Evans, John Coltrane, Paul Chambers, James Cobb, Wynton Kelly y Julian “Cannonball” Adderley en el estudio de Columbia Records de New York en 1959, se repitió trece años después, a miles de kilómetros de distancia.

Acabo de oír de nuevo Dark side of the moon y no cabe ninguna duda: las paredes de Abbey Road, una vez más, transpiraron magia.

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Mirá y escuchá Breathe en vivo:

Un poco de El interior de Martín Caparrós

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Tue, 27 Jan 2009 02:04:00 +0000

Fin de semana de paseo con ella, en un hotel de campo a tres kilómetros de San Antonio de Areco. Algo de pileta, sol, cotorrerío de gallos y pavos y las miradas sin gesto de las vacas. Fueron dos días y una noche en La posta de Vagues, un sitio en el que el tiempo es liviano como una camisa secándose al sol. Ella me regaló esos días y jamás voy a dejar de agradecer ese gesto de amor y esa excelente idea.

Además de campo, silencio y quietud, La posta de Vagues tiene una hermosa mesa de pool, juegos de mesa y una pequeña biblioteca que me acerqué a revisar, debo admitir, sin mucha esperanza; nadie deja libros buenos a merced de las manos rápidas de algunos pasajeros. Encontré novelas de títulos que no me decían nada y de autores que tampoco me decían nada. Uno o dos libros sobre autos, viejas enciclopedias repletas de fotografías, dos novelas de Agatha Cristhie y algunas novelas en inglés que descarté de inmediato. Entre todo eso, saltó a mis ojos un libro gordo, del que había oído hablar hacía un tiempo.

Leí: El interior de Martín Caparrós. Es un librote de seiscientas páginas y miles de kilómetros de crónicas de viaje por Argentina, que Planeta publicó en 2006. Incliné la cabeza hacia la izquierda y lo tomé prestado. Mi falta de esperanza frente a la biblioteca, se había convertido en cierta expectativa ante el libro de Caparrós. Pero cuando lo abrí, comenzó la decepción

Una mala edición: el libro tenía hojas en blanco que interrumpían la lectura. Entre la 36 y la 39 había dos hermosas hojas que hubieran atravesado sin dificultad el desafío de la blancura. A lo largo del libro esto se repetía.

Las páginas en blanco no me decepcionaron. El punto es que de Caparrós me esperaba otra cosa. Me esperaba crónicas más ágiles y mejor escritas. Me topé con varias palabras que faltaban (pasa en las mejores familias) y con una cadencia de cuaderno de apuntes que no está mal, pero que no la esperaba de él: las crónicas que leí no parecían tener estructura clara.

Más de una vez tuve la sensación de que el relato tuviera saltos, inconsistencias propias de los sueños: abría la puerta de mi dormitorio y de pronto estaba en un parque de diversiones. Las voces de los personajes no tenían límites claros, se mezclaban con la del narrador, que por momentos desaparecía.

No suelo hacer crítica, pero estoy decepcionado. Son seiscientas páginas que me suenan más a anecdotario que a crónica. El contenido es muy interesante y muchas veces es sorprendente y revelador de mundos tan cercanos y tan desconocidos. Pero le falta clima. Evidentemente, Caparrós prefirió no echarle mano a los recursos literarios. Qué pena, me hubiera gustado vivir un poco lo que él había vivido.

Los 200 de Poe (1809 - 2009)

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 17 Jan 2009 16:46:00 +0000

Si Dante nos llevó a conocer el infierno, Poe nos demostró que también podíamos sentirlo. A través de sus cuentos de piel de gallina vivimos los más increíbles horrores y misterios. Y también, en vano, nos rompimos la cabeza intentando descifrar la composición química de su obra, a pesar de que él se encargó de dejarnos algunos textos a modo de manuales para facilitarnos la vida, como el conocido Método de composición, publicado en la revista Graham's Magazine de Filadelfia en 1846, en el que Poe describe minuciosamente cómo escribió su famoso poema “El cuervo”.

Si bien en el “Método de composición” Poe intentó racionalizar y describir su técnica como si los mecanismos de la inspiración pudieran entenderse como lo entienden las musas, el verdadero secreto de su arte difícilmente pueda ser revelado algún día.

Mientras pensaba cómo describir qué significa zambullirse en el mundo Poe, encontré unas líneas del escritor argentino Marcelo Di Marco que me solucionaron el problema. Escribe Di Marco:

La literatura fantástica no suelta al morder. Sin pedir permiso, habla de lo que
no se puede hablar: de la muerte, de la inclinación al mal, del aguijón de la culpa, del castigo y la redención. Leer a Edgar Allan Poe, tal vez el más grande autor del género, es entrar en esta frecuencia de onda por el mejor camino. Es dejarse invadir por las sombras, es asistir a la irrupción de lo absurdo y de lo horripilante dentro de las fronteras de la realidad que el gran autor norteamericano se dedicó minuciosamente a tirar abajo.

Pero no sólo fue el más grande autor del género fantástico, sino también fue el más grande del género policial, sencillamente por una razón: lo inventó. Con “La carta robada” y “Los crímenes de la calle Morgue”, entre otros cuentos en los que un asesinato se descubre gracias al intelecto y razonamiento lógico de un hombre, Poe dibujó las bases del género sobre las que luego se levantarían Chesterton con los cuentos del Padre Brown y Conan Doyle con el famoso Sherlock Holmes y su fiel y elemental amigo Watson.

La idea de Poe como padre del género policial es de Borges y, aunque discutida, ha sido mayormente aceptada. Y atada a la idea de la creación de un género, Borges señalaba que Poe también había inventado al lector de policiales. ¿Pudo Poe inventarnos? Sí. Dijo Borges en 1978:

Los géneros literarios dependen, quizás, menos de los textos que del modo en que
éstos son leídos. El hecho estético requiere la conjunción del lector y del texto y sólo entonces existe. Es absurdo suponer que un volumen sea mucho más que un volumen. Empieza a existir cuando un lector lo abre.

Cuando el lector lo abre, para Borges comienza el “hecho estético”; es decir, la magia. A partir de ese momento queda atrapado en las implacables garras del relato. Cerrado el libro, a nadie se le ocurrirá gritar: ¡Never more!

El 19 de enero, Edgar Allan Poe cumpliría 200 años. Feliz cumple, maestro.

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Antología del crimen

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 10 Jan 2009 19:46:00 +0000

Una nota de Vicente Muleiro publicada el viernes 9 en la versión digital de la Revista Ñ, anuncia la edición de "Asesinos"( Adriana Hidalgo), una antología de cuentos en los que, por supuesto, el crimen es la sustancia que ensalsa cada narración. No encontré una foto del libro ni el detalle completo de la selección que realizó el escritor Álvaro Abós .

La selección abarca una amplia ventana de tiempo, por eso Muleiro dice que se encuentran grandes autores del canon universal: Victor Hugo, Thomas de Quincey, Arthur Conan Doyle; así como también Abós le hace lugar a la narrativa rioplatense (Paul Groussac, Ricardo Güiraldes y Horacio Quiroga) influenciada por los cuentos de Poe, el padre del género policial enigma en el siglo XIX.

Escribe Mueleiro:

El crimen como posibilidad de saldar la brecha personal o social con el otro. El
crimen pasional. La muerte programada institucionalmente por el Estado ante
quien ha juzgado transgresor de sus leyes. La muerte programada solapadamente
por el Estado ante quien ha entrevisto amenazante. El asesinato como oscura
reivindicación, como retorcida afirmación existencial. El asesinato cometido
como reivindicación política o reparación. El homicidio planificado. El
homicidio de apariencia casual.

Leí: “El asesinato como oscura reivindicación, como retorcida afirmación existencial” y recordé inmediatamente “El general hace un lindo cadáver” (1956), el cuento de Enrique Anderson Imbert, que no sé si Abós ha querido incluir en la antología.

Al comienzo del relato, el narrador cuenta cómo el cirujano Alfonso Quiroga deviene en criminal, curiosamente, a partir de un exceso de lectura y de la ocurrencia de una idea ambiciosa y macabra. Disfruten el comienzo:

En un lugar de Sudamérica, de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho
tiempo vivía un cirujano cincuentón, tan rico que no necesitaba trabajar. En los
ratos de ocio, que eran los más del año, se daba a leer novelas de detectives.
Se enfrascó tanto en su lectura que se le pasaban las noches leyendo de claro en
claro y los días de turbio en turbio; y así, del poco dormir y del mucho leer,
se le secó el cerebro de manera que perdió el juicio. Se le llenó la fantasía de
todo aquello que leía en los libros; y vino a dar en el más extraño pensamiento
que jamás dio loco en el mundo, y fue que, picado porque en todas las novelas
que leía la justicia acababa siempre por descubrir al delincuente, decidió
cometer un crimen tan perfecto que a él sí que no lo descubrirían.

Para los que nunca leyeron el cuento, sólo puedo decirles que finalmente elige un hombre y comete el crimen perfecto. Pero tranquilos, eso no revela nada, el cuento va más allá de ese crimen. No suelo contar finales, no suelo ser esa clase de criminal.

Muleiro escribe al cierre de su nota:

El volumen es, al fin y al cabo, un gran homenaje a la circulación de una
literatura que tuvo entre nosotros y desde el siglo antepasado, enérgicos
difusores y traductores que entendieron la frase de Oscar Wilde que cierra su
cuento Pluma, lápiz y veneno. Estudio en escarlata: "No hay acto más importante
que el de inspirar a la ficción"

Me quedé con ganas de saber si la antología ya está en la calle o estará muy pronto. Si cuenta con un prólogo de Abós (imagino que sí) y qué plantea sobre el criterio de selección: en qué pensó al elegir esos cuentos y no otros; por qué dejó afuera a los que dejó afuera, etc.

Esperaré a tenerlo en mis manos...

Felicidades para todos, sigamos adelante

subiqueteleo@gmail.com (Emiliano Cosenza) — Sat, 03 Jan 2009 13:20:00 +0000

Hace 75 años, cuando aún quedaban resabios de la Gran Depresión, el poeta y periodista argentino, Raúl González Tuñon, escribió:

Fíjate cómo se amontona la historia,
Cómo muere y renace todo,
cómo los que creíamos vivos han desaparecido,
cómo los que creíamos muertos están presentes.
Las historias de Jack el Destripador,
la cursilería de los sombreros con flores,
las primeras pantallas japonesas,
los globos cautivos y las novelas por entregas,
los angelitos de los cielorrasos
y las czardas de los restaurant a la moda,
¿dónde, dónde han ido a parar?

Tus muñecas, tu retrato de novia —parecías menos joven—,
Aquella madurez tuya prematura, y hoy deslumbrante,
¿dónde, dónde ha ido a parar?
Fíjate en los tiempos que nos toca vivir.
No se sabe cuándo pararemos, no tenemos destino fijo,
somos seres en borrador,
inconclusos,
desparramados.
La fotografía de cada año nuestro
significa un acontecimiento tras otro.

Este es un pequeño fragmento del extenso poema Historia de veinte años, publicado en 1934 en el libro Todos bailan, poemas de Juancito caminador.

Hoy, en la puerta de una nueva crisis global, continúa amontonándose la historia a centímetros de nuestros talones. Sigamos siempre adelante, no vaya a ser cosa que nos alcance y nos pase por encima.

¡Feliz 2009! para los 1415 lectores que pasaron por Subí que te Leo durante 2008, su primer año de vida.

Algo más

Raúl González Tuñón en Wikipedia.

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