Après une année 2018 riche en sorties musicale de qualité, 2019 s’annonce, n’ayons pas peur des mots, stratosphérique. Aux albums de Boogie, Future et Kaaris, déjà disponibles dans toutes les bonnes crèmeries, vont s’ajouter ceux de ScHoolboy Q, Chance The Rapper, Rick Ross ou encore Kanye West. Un plateau de stars, digne de la Ligue des champions, qui sera complété tout au long de la saison par d’autres figures du rap game. Stars en devenir, grands pontes du rap game ou outsiders, ils vont tous essayer de rafler la mise au classement du billboard histoire de mettre la daronne à l’abri ou, à défaut, tenter d’obtenir un succès d’estime, marque des grands classiques auprès des critiques.

Dans l’ombre des mastodontes et malgré une longue carrière débutée en 2004, Freddie Gibbs reste encore un outsider. La faute à un statut de rappeur indépendant récupéré après avoir quitté CTE, le label de Jeezy, en 2013. De fait, et même si tout le monde s’accorde à reconnaître son talent, ses albums ont du mal à se hisser en haut des charts. Et la donne ne risque pas de changer avec Bandana, son nouveau projet réalisé avec Madlib. Pourtant, cet album possède, à première vue, tous les arguments pour être le meilleur album de cette année 2019.

Il l’a déjà dit plusieurs fois dans ses chansons et le martèle régulièrement en interview : « je suis le meilleur d’entre tous ». On pourrait croire que c’est juste une posture, de l’egotrip, comme on en voit souvent dans le rap. Mais si Freddie Gibbs avait raison ? Et s’il était le fameux GOAT — comprendre « Greatest Of All Time » — que tous les fans de rap cherchent depuis si longtemps ?

De nombreux rappeurs se sont auto-proclamés « Best Rapper Alive » au pic de leur carrière, qu’ils soient crédibles, comme Lil’ Wayne époque The Carter 3, ou totalement à côté de la plaque, comme Tory Lanez en ce début d’année. Parmi les fans et les médias, les avis divergent, si bien que pour freiner les guerres entre « @ » qui sévissent sur Twitter et sur les forums, le site Complex a réalisé un article visant à nommer les meilleurs rappeurs, années après années, et ce depuis 1979. On y retrouve Drake en 2015, Kendrick Lamar en 2017, Pusha T en 2018… Freddie Gibbs en 2019 ?

Même s’il reste moins connu que les rappeurs précédemment cités et que ce titre de GOAT reste globalement un concours de popularité, Gangsta Gibbs n’en demeure pas moins un rappeur hors pair — souvent comparé à Tupac — capable de rapper sur d’énormes bangers comme de pousser la chansonnette. Son travail avec de nombreux beatmakers a prouvé qu’il sait s’adapter à n’importe quelle instrumentale pour la plier comme il se doit. L’année dernière par exemple, il a eu l’occasion de collaborer avec The Alchemist et Curren$y pour Fetti, un EP contenant 9 titres de haut vol. Juste avant, il a sorti son 4e album, sobrement intitulé Freddie.

S’il lui est arrivé, à certains moment, de faire preuve de mauvais goût dans le choix de ses instrus, son album à venir, entièrement produit par Madlib, pourrait devenir son tout meilleur projet. Et lui permettre de s’installer à la place au sommet du rap jeu US — au moins pour l’année 2019.

Et cette place de « Best Rapper Alive » serait amplement méritée pour le co-auteur de Cocaine Pinãta. À sa sortie, et malgré ses ventes relativement « faibles », cet album est immédiatement considéré comme un classique. Déjà, parce qu’il ne ressemble à aucun autre disque sorti la même année. Ensuite, parce qu’il réuni deux artistes underground connus pour ne pas faire les choses à moitié et s’investir à fond dans leur projets.

Teasé depuis 2011 avec notamment le morceau « Thuggin », Cocaine Pinãta n’est sorti 3 ans plus tard, preuve du travail et du soin apporté par Freddie Gibbs et Madlib à leur bébé. Plutôt que de suivre la mode, ils ont préféré s’appuyer sur leurs points forts : des samples choisis aux petits oignons par Madlib qui s’accordent à la perfection au flow incisif d’un Freddie Gibbs au top de sa forme.

Si l’on en croit les déclarations du rappeur originaire de l’Indiana, lui et Madlib on gardé la même formule pour la conception de Bandana. Pour le moment, le premier single paru il y a quelques jours, « Flat Tummy Tea », et les différents extraits sortis sur la toile, nous laisse croire que cet album sera le digne successeur de Cocaine Pinãta.

Au-delà du fait que ce disque postule, avant même d’être sorti, au titre d’album de l’année, Bandana risque surtout d’être le dernier projet de Freddie Gibbs. Et c’est lui-même qui l’affirme en interview. Après 15 ans de carrière et une dizaine de projets derrière lui, Gangsta Gibbs sent probablement qu’il est temps de tourner la page pour s’occuper de sa fille et profiter de ces dollars accumulés grâce à la musique. Et quitter le rap game par la grande porte, en donnant un dernier cadeau à ses nombreux fans.

Connaissant le garçon, il va certainement tout donner. Dire ses 4 vérités aux rappeurs qu’il n’a cessé de rabaisser, en clamant haut et fort qu’il était le meilleur. Déjà sur Cocaine Pinãta, il mettait quelques jabs bien senti à Jeezy et Lil’ Wayne avec son fameux « A real G, I never kissed niggas or shot myself » sur le morceau « Uno ».

Alors, qui va t’il s’attaquer pour son dernier tour de piste ? Aux mumbles rappers, souvent accusés de dénaturer le rap ? À Pusha T, qu’il accusait de jouer la montre dans son beef contre Drake ? Ou aux Grammys, pour avoir récompensé l’album de Cardi B ? Au final, peu importe. Ce n’est pas le plus important.

Ce qui compte en revanche, c’est la trace que Gangsta Gibbs va laisser dans le rap à travers son oeuvre. Nul doute qu’il n’aura pas volé sa place parmi les « Best Rapper Alive » si Bandana est à la hauteur des attentes. Et ce, peu importe sa place dans les charts.

Images : Rappcats

L’article Be Ready : l’album « Bandana » de Freddie Gibbs et Madlib sera l’album de l’année est apparu en premier sur SURL.

My name is Paula Abu and I’m a 20 year old self-taught photographer born in Nigeria and raised in South London. I grew up loving everything to do with films as my parents are both cinephiles so my interest spiralled from there and I started taking photos when I was around 15 years old. I would say my style is trying to combine all my favourite aspects of street, fashion and documentary photography in order to achieve the perfect combination between high-end and honesty.

Lorsque l’on a contacté Paula, c’est ainsi qu’elle s’est présentée. C’était assez rafraichissant de voir ses photos sur Twitter et de constater que dans notre quotidien ou nous allons tous très vite, on est happé par ces photos et en quelques secondes tout s’apaise. Londonienne, anglaise, Nigériane, photographe, musique, tous ces termes la qualifie et on retrouve ces qualificatifs dans ses photos, d’un autre style, d’un autre goût. Bien évidemment, c’est avant tout un « certain regard » qui nous a capturé. Au final SURL fait du SURL et s’intéresse à celles et à ceux qui composeront demain.

L’article Paula Abu, ce que Londres a de mieux en réserve. est apparu en premier sur SURL.

Une année de plus. Encore une. On ne va pas se mentir, ça ne nous rajeunit pas. Il y a 20 ans sortait le 1er album des X-Men, Jeunes Coupables et Libre. La même année sortait celui du 113, Les Prince de La Ville et celui de Rohff, Le Code De L’honneur. Clairement, non, ça ne nous rajeunit pas. Mais, à défaut, il nous reste encore l’expérience. C’est le cas pour nous, au quotidien, dans notre boulot et dans nos relations, mais aussi pour les artistes, invités, pour certains, à redoubler d’efforts pour se faire une place, et pour d’autres, à concevoir l’album de la « maturité ». Le fameux.

L’année 2018 aura été marquée par la présence des poids lourds dans les charts. Drake, Travis Scott, Migos, Lil Wayne… Tous on sorti un album, censé valider leur place au panthéon du rap. Mais est-ce que l’on se souviendra de Scorpion dans 20 ans ? Rien n’est moins sûr. A l’heure où la musique se consomme plus vite que des nuggets, les classiques deviennent une denrée rare et le game se cherche de nouveaux héros. Peut-être se trouvent t-il parmi notre sélection des 10 artistes à suivre en 2019 ? Il y a des chances. Ce qui est sûr, c’est qu’ils charbonnent dur pour devenir les nouvelles têtes de gondole du rap jeu. Et, qui sait, sortir un album qu’on écoutera encore dans 20 ans.

De mémoire d’homme, les crossovers entre le rap et le rock n’ont jamais été de grandes réussites. J’irai même plus loin en disant que l’Histoire, avec un grand H, se souvient de morceaux sans grand génie, parfois même indigestes. Mais ça, c’était avant City Morgue et leur trap métal explosive. Les 2 rappeurs, accompagnés de leurs beatmakers de confiance, ont développé leur propre identité sonore mêlant samples de rock et lignes de basses apocalyptiques à même de provoquer l’anarchie dans les fosses de concert. Que ce soit au niveau des prods concoctées par Thraxx et Ronny J ou au niveau de l’ambiance générale, leur premier album  Hell or High Water: Volume 1 est extrêmement bien calibré et homogène avec ses morceaux courts mais intenses. Autant vous dire qu’on salive déjà à l’idée d’écouter le volume 2.

Il lui aura fallu un peu plus de 8 ans et la sortie d’une dizaine de projets pour se faire un nom, mais ses efforts ont fini par payer. JPEGMAFIA n’est pas un rappeur comme les autres et c’est certainement ce qui fait son charme. Il suffit de regarder son passage sur la très populaire chaîne YouTube Colors pour s’en convaincre. Son rap est vivant, brutal, déstabilisant, mais terriblement jouissif. Comme le dernier projet en date du rappeur originaire de Baltimore, Veteran, une pépite de 19 morceaux plus surprenants les uns que les autres, sorti il y a tout juste un an jour pour jour mais qui continue de récolter les éloges. Cette année 2019 devrait être celle de la consécration pour JPEGMAFIA, invité à performer dans les festivals les plus hype du moment et au vu de son parcours, c’est amplement mérité.

Parfois il suffit de pas grand chose pour lancer une carrière. En l’occurence, ce « pas grand chose » est un co-sign de Drake, en janvier 2018. Et quand l’interprete de « Controlla » valide un rappeur, on sait jusqu’où ça peut aller. Il n’aura fallu que quelques mois à Octavian pour devenir l’une des nouvelles coqueluches du rap UK. Une position qu’il a confirmée en sortant Spaceman, son tout premier projet en solo et acclamé par la critique, en septembre dernier. Une revanche sur la vie pour celui qui était encore sans domicile fixe à l’âge de 15 ans et qui est aujourd’hui promis à un grand avenir.

Blues man qui chante toute sa sensibilité. Les débuts dans le monde de la musique se font dans un groupe CharlieRED où il exorcise tous les démons des années SoundCloud. Cette voix, puissante, qui transpose la douleur du 21e siècle, est destinée à évoluer hors du groupe. C’est ainsi que dorénavant du côté de L.A., il collabore avec Le Docteur, Snoop Dogg ou Terrace Martin. En somme, la crème de la crème.

L’article 10 artistes qui vont faire du sale en 2019 est apparu en premier sur SURL.

Une petite décennie de fusion où nous avons emmené cette culture là où la plupart des auditeurs ne la soupçonne présente. On a passé des dimanches surréalistes. On a fait se rencontrer l’univers sombrement fataliste de la littérature contemporaine avec la lucidité dure mais bienveillante d’une rappeuse engagée et libertaire. On a flairé un petit wannabe mafioso d’Aubagne, on l’a vu révéler son sacré au public et on lui a reconnu son rôle de désormais parrain. On a donné la parole, trop rare, à ceux qui alimentent le rap et qui comme nous ont eu la volonté de confronter les univers hip-hop à travers Le Monde. On s’est intéressé à ce qui se passe aux quatre coins de la planète, sans frontières. On a diggé des étoiles montantes. On s’est incliné devant des princesses. On a capturé des moments de vie. On a même préparé des guides clés en main pour alimenter (ou pourrir, c’est selon) vos soirées de débats improvisés. En 2015, on a rencontré un drôle de Cupidon qui truste toutes les playlists et ondes radiophoniques de 2018. On s’est pris pour des Modigliani du rap, avec nos plumes. On s’est posé les bonnes questions. On s’est plantés parfois. On a poussé quelques gueulantes, mais on a aussi joué les philosophes du ghetto. Et on a célébré tout ça, jamais assez.

Comme d’autres, on en a eu assez de raconter des événements/concerts que l’on était persuadé de pouvoir orchestrer tout aussi bien. Et du coup, on l’a fait. À Lyon, puis à Paris. Et on a continué à célébrer cette culture, mais cette fois en vous ayant face à nous par packs de cent. Au total, nous avons mis en place avec beaucoup de fierté une cinquantaine d’events variés, allant de notre premier concert avec CunninLynguists à Lyon aux premières dates françaises de Lil Uzi Vert, Princess Nokia ou encore Manu Crook$, cette fois à Paris.

Loin de nous l’idée d’affirmer qu’on a joué toutes les cartes du rap jeu. C’est même tout l’inverse. C’est parce que le game monte en grade et que les ressources de la team SURL sont échaudées qu’on sent un peu l’urgence de se remettre aux fourneaux. En revanche, l’option de vous servir une soupe tiédasse ne nous est même pas parue envisageable, d’où notre silence. La seule certitude, c’est qu’on tolère mal l’idée de manquer de sauce. Ce n’est pas un abandon, on laisse mijoter le temps qu’il faudra, pour revenir plus efficaces et pertinents, avec une équipe différente mais toujours la même exigence. Nous n’excluons d’ailleurs pas de rajouter du contenu de temps à autres, quand nos poils s’hérissent et que l’on ne peut pas se retenir, ou alors simplement parce que l’envie nous vient. En attendant, en mise en bouche avant la suite qu’on espère la plus belle possible, vous avez libre accès d’exploration sur le SURL Hall of Fame. On vous laisse une mosaïque de contenus réactualisée à chaque visite, pour que vous puissiez explorer ce qu’on a produit tout au long de ces (presque) dix années de périple dans l’univers hip-hop, en vous donnant la possibilité de relire et/ou de revoir les travaux qui ont fait notre renommée, et dont nous sommes les plus fier(e)s.

Bienvenue, et à bientôt.

L’article Bienvenue sur le nouveau SURL, et à bientôt est apparu en premier sur SURL.

2017 touche à sa fin. Que retenir ? Qu’a-t-on le droit d’oublier ?

Chaque fin d’année, c’est toujours la même histoire. Tout le monde se demande quels épisodes des 365 jours écoulés feront date, au point d’être toujours marquants demain. Avant de s’attaquer au rap dans sa globalité, on se pose la question : que retenir de l’année 2017 de SURL ?

Au mois de février, nous nous plongions dans l’histoire sombre « d’un type dont la vidéo YouTube la plus populaire était jusqu’alors un best-of de ses bastons ». Un type qui allait devenir le phénomène Xxxtentacion, et qui a de grandes chances aujourd’hui de passer une partie de sa vie en prison. Vous avez été près de 35 000 à lire notre article. Ça nous a fait réfléchir, beaucoup : cautionne-t-on l’homme et ses crimes quand on met en lumière l’artiste ? Nous avons finalement résumé cette réflexion dans un autre article, publié sept mois plus tard : comment s’arranger avec sa conscience quand on écoute du rap ? Entre temps, en mars, et comme le rap a toujours un temps d’avance, on a demandé à l’éminent publicitaire Jacques Séguéla de nous donner son avis sur la stratégie marketing de PNL. Croiser les cultures et forcer les rencontres entre des mondes de moins en moins éloignés a toujours été l’un de nos objectifs. En avril, on a conseillé Emmanuel Macron en lui donnant cinq morceaux de rap qu’il aurait pu correctement citer, avant de partir, en mai, à la rencontre des hommes de l’ombre belges, ceux qui font briller les désormais « stars » que l’on connait. En juin, on a sorti l’artillerie lourde à Marsatac en publiant onze vidéos (lives et capsules) qui ont été vues… 714 000 fois en trois semaines, toutes plateformes confondues. Entre notre nuit à Marseille avec Vald et le retour sur scène de la Fonky Family, on a vécu de beaux moments. En juillet, on a assuré le room service dans la chambre d’hôtel de Lomepal, avant de s’asseoir longuement avec la journaliste Stéphanie Binet le mois suivant. En septembre nous avons rappelé notre amour pour SCH, ce parvenu magnifique, avant de nous interroger sur l’impact de la paresse des auditeurs sur l’industrie musicale en octobre. En novembre, Lil Peep est mort, et ça nous a fait beaucoup réfléchir.

On retiendra aussi, avec un peu de fierté il faut bien l’avouer, les 24 événements que nous avons organisés cette année entre Paris, Lyon et Rennes. On a débuté 2017 avec un beau concert sold-out de Princess Nokia fin janvier, suivi un mois plus tard de la première scène française du géant – non par la taille – Lil Uzi Vert. En mai, vous étiez plus de 2300 à célébrer la dernière date de notre résidence mensuelle au Wanderlust, à Paris, avec les passages sur scène de Sneazzy, S.Pri Noir, Doums, Alpha Wann ou encore Hologram Lo’. Le Wanderlust, salle que nous avons retrouvée cinq mois plus tard pour y tenir cette fois une résidence hebdomadaire : chaque vendredi pendant onze week-ends de suite, vous étiez un petit millier à réchauffer Paname avec nous au fur et à mesure que le mercure chutait – si vous avez manqué à l’appel, vous pouvez vous rattraper avec nos trois dates de janvier. Merci à nos associés de chez Super!, et merci aux artistes et DJs que l’on n’a pas déjà cités et qui ont acceptés notre invitation cette année : 13 Block, 67, Adlanito, Alkpote, Beeby, Butter Bullets, Le Captain Nemo, Cesar, Cheetah, Cheu-B, Dead Obies, Dimeh, Etienne Wesh!, Fixpen Sill, Ichon, Ikaz Boi, Keight, Krisy, Lasmoul, Laylow, Luidji, Nusky, Ocho, Otto Bell, PLK et le Panama Bende, Prince Waly et Big Budha Cheez, Sims, Shkyd, Slimka, Take A Mic et Twinsmatic.

Merci également aux médias que l’on estime et avec qui nous avons collaboré cette année : l’Abcdrduson, SwampDiggers, Grünt, The BackPackerz et Yard.

Surtout, merci à la trentaine de soldats qui ont fait vivre ce projet cette année encore. Les meilleurs, ce sont eux. Maintenant, place aux vraies choses.

L’article 2017, une année rap en 17 actes est apparu en premier sur SURL.

Depuis 2013, Denzel Curry s’efforce de transformer sa colère en musique. La fureur qui l’habite, dont les racines sont intrinsèquement liées à l’histoire violente de Carol City (Floride), a longtemps teinté chacune de ses créations. Aujourd’hui, l’un des derniers véritables rescapés du Raider Klan s’efforce d’aller contre son instinct. A l’occasion de son passage à la Cigale à Paris en novembre, nous nous sommes assis avec lui.

Depuis son émancipation vis-à-vis du Raider Klan, Denzel Curry a pris une toute autre dimension. Et sa carrière avec lui. Depuis 2013, nous suivons la progression de celui qui n’était, avec Chris Travis ou Yung Simmie, que l’un des lieutenants du crew de Floride leadé par le clivant SpaceGhostPurrp.

Au fil des années, Denzel s’est beaucoup cherché. Sous la bannière de sa team, il va sortir trois grosses mixtapes, sous trois blazes différents : King Remembered Underground Tape 1991 – 1995 sous le nom d’Aquarius Killa, King Of The Mischievous South Vol 1 Underground Tape 1996 sous le nom de Raven Miyagi, et Strictly 4 My R.V.I.D.X.R.Z. (1993), sous son nom définitif, Denzel Curry. Mais c’est surtout avec l’excellentissime Nostalgic 64, sorti en septembre 2013, que celui qui n’avait encore que 18 ans a secoué le Sunshine State.

Au point que, progressivement, sa musique pleine de rage, survoltée, viole les esprits des amateurs de rap bien au-delà des frontières de son Etat. Depuis, Denzel a sorti un album, Imperial (2016), et deux EP : 32 Zel/Planet Shrooms en 2015, et l’énervé 13 cette année. Un projet explosif, dans tous les sens du terme, qui semble nous dire que l’ami Denzel a retrouvé cette fureur qui le caractérisait tant et qu’il avait plus ou moins tenté de canaliser avec Imperial. Est-ce liée au regain de racisme exacerbé – il était dans le même lycée que le défunt Trayvon Martin – qui caractérise l’Amérique de Donald Trump ? Est-ce en réaction à son nouveau statut d’artiste auréolé par les médias ? Est-ce seulement sa vraie nature, lui qui a n’a jamais tant dilué sa musique et ne l’a jamais conçue autrement que comme un exutoire ? Plongée dans la colère de Denzel Curry.

Vidéo : Guillaume Durand, avec l’aide de Célestin Soum / Droits réservés
Photos : Antoine Laurent / Droits réservés

L’article Denzel Curry : ‘Si je ne sors pas tout ce qui est en moi, ça me tuera’ est apparu en premier sur SURL.

La pub fait depuis près d’un siècle partie intégrante de nos vies. Quelle que soit notre appartenance à une cible marketing, nous sommes en moyenne exposés à près de 400 messages publicitaires par jour, que nous le voulions ou non. Passés les prémices de la publicité provoqués par la notion de concurrence dans les années 30, les annonceurs ont très vite su profiter de l’impact des « leaders d’opinion » pour booster leurs campagnes. A l’heure où la France pleure son Johnny national, qui ne se souviendra pas qu’il avait prêté sa voix à Optic 2000 ? Les publicitaires surfent sur les l’évolution des tendances. Le rap étant devenu le mouvement international le plus prisé des 15 – 25 ans (et au-delà), il ne pouvait pas échapper à l’appétit sans pareil des annonceurs et des agences de communication. Et cela n’est pas tout à fait récent. En 1986, les Run DMC chantaient « My Adidas » après ce qu’on appelle un endorsement deal négocié par les premières équipes de Def Jam Records avec la firme allemande.

Fin des années 90, l’industrie publicitaire constate un essoufflement de l’efficacité des messages publicitaires dit « display », c’est-à-dire ayant pour seule vocation de présenter un produit ou un service et d’inviter à sa consommation. Nos petits porte-monnaie sont surexposés, la bataille pour l’obtention des meilleurs espaces publicitaires fait rage, et le bonheur des grandes agences médias se négocie sans partage. Tout le métier des communicants tend alors à se renouveler, et comme c’est dans les vieux pots que l’on fait les meilleures soupes, les professionnels (ré)inventent le « brand content », « publishing » ou encore « story telling ». Selon la définition du Mercator, la bible académique du marketing, le « brand content » représente « des contenus éditoriaux de toute nature créés par une marque qui devient une marque médias une fois ces contenus développés ». En d’autres termes, la marque doit proposer du contenu informatif, divertissant et/ou pratique afin de créer du lien avec sa cible et d’insérer cette relation dans le temps. C’est une véritable fausse révolution qui a eu pour mérite de redynamiser l’industrie publicitaire mondiale – notamment grâce à la facilité de diffusion de contenus éditoriaux sur internet et ses réseaux sociaux.

Aujourd’hui en France, on retrouve très peu de personnalités hip-hop dans des campagnes publicitaires dites traditionnelles. Par contre, l’ère du brand content se conjugue parfaitement avec cet univers de par son coeur de cible mixte/jeune/urbain/connecté et les méthodes de consommation médias de ses adeptes. Le rap et ses personnalités sont désormais mûrs pour attirer l’attention des publicitaires. Commence alors une relation parfois ambiguë entre la création artistique, l’image des artistes et leur récupération à des fins de promotion.

Récemment, le fabriquant de téléphone Wiko s’est offert les services de Soprano comme ambassadeur de sa marque. Outre le basique (et grossier) placement de produit dans les contenus de l’artiste, Soprano devient l’égérie d’un spot publicitaire et sort le morceau « Mon Précieux » qui traite de l’univers de la téléphonie mobile. Jackpot pour Wiko vu l’impact de Soprano auprès de la cible visée. Le storytelling du morceau – se raconter sans se la raconter – est somme toute intéressant. C’est alors que revient la question de l’œuf et de la poule : Wiko a-t-il commandé ce morceau de Soprano ? A quel moment et dans quelle mesure l’annonceur intervient-il dans la création artistique ? Quelle sont les limites à vendre son art à des fins publicitaires ?

Akhenaton avait lui défrayé la chronique suite à sa collaboration avec The Coca Cola Co. à qui il avait prêté sa plume. Il s’en était défendu au printemps 2015, expliquant de manière censée que « les artistes ont échoué dans la confrontation avec les multinationales » en dépit du fait que ces gains avaient été reversés à des associations. La limite de « l’artiste vendu » est très floue et le restera. Mais lorsque l’on se heurte à un marché du disque en crise et à des pouvoirs publics léthargiques quand il s’agit de promouvoir les cultures qui font vibrer leur pays, il est logique que les marques montent au créneau, prennent le relais des mécènes – et bien sûr, se servent au passage leur part du gâteau.

Depuis quelques semaines, certains ont pu découvrir le rappeur Médine sur des formats vidéos 100% web faisant la promotion des montres G-shock. Si le choix d’un rappeur aussi engagé pour une campagne de pub peut surprendre, il est toutefois compréhensible, à la fois du point de vue du marketeur, de l’artiste et du public. « Le hip-hop est d’abord un univers que nous connaissons bien, G-SHOCK ayant évolué parallèlement à la street-culture depuis la création de la marque en 1983. Médine porte nos produits au quotidien, nous étions déjà en contact avec lui. Lorsque notre projet « Challenge The Limits » s’est vraiment mis en place, nous avons tout de suite pensé à lui, par ce qu’il incarne, son travail d’écriture, sa personnalité et tant qu’artiste mais aussi en tant qu’homme », nous confie la direction marketing France de G-Shock via son agence North Communication.

Et lorsque que nous abordons les limites artistiques de ce type de collaboration : « nous lui avons présenté le projet, notre mantra, les artistes et sportifs qui l’accompagnent ainsi que l’histoire de G-Shock. Ensuite nous lui avons donné carte blanche, ni contraintes, ni consignes, mis à part la durée de la vidéo à respecter. Nous souhaitions qu’il puisse totalement exprimer son art, de manière très brute, sans retouches, sans limites et avec une liberté totale. Nous avons fonctionné de la même manière avec les autres ambassadeurs, Drawnowo (dessin) ou Diablo Premier (danse) par exemple. » Puis d’ajouter : « Il n’y a aucune difficulté particulière à impliquer des artistes du milieu hip-hop. Les choses sont allées très vite, il a tout de suite dit « oui » et s’est investi à 100% sur le projet ». Basique. Vraiment ?

En matière de dérives mercantiles, les exemples ne manquent malheureusement pas. Par exemple, les exclusivités outrancières développées par Apple Music représentent un cas d’école à la dérive. Souvenez-vous de cette mode qui semble heureusement avoir fait son temps : Apple – ou son concurrent Tidal – se réservaient l’exclusivité du stream de certains projets sur leur plateforme. Il faut considérer Apple Music comme un média « publishing », dont l’objectif ultime est de vendre des produits et des contenus à l’effigie de la Pomme. Or lorsque les artistes sont violemment associés à la marque sous couvert de sorties exclusives, on ressent une démarche mercantile allant à l’encontre de l’intérêt du public. Le streaming n’est-il pas un moyen d’élargir l’accès à la musique au plus grand nombre grâce aux nouvelles technologies ? Drake, Chance The Rapper ou encore Franck Ocean se sont prêtés au jeu de ces exclusivités qui ont dû leur rapporter gros. Mais la transition de la firme à la pomme de diffuseur à producteur n’a pas fait que des heureux. Le coup de grâce sera porté par le deal avec U2, imposant de force l’album du groupe de Dublin dans toutes les bibliothèques musicales des utilisateurs d’iTunes. Chez les mécontents comme Tyler, The Creator, les murs ont tremblé.

Trop souvent, le public s’est retrouvé floué avec ces artistes estampillés Apple Music comme s’ils participaient à une campagne publicitaire, sauf que le produit d’appel n’était autre que leur œuvre et servait bien plus l’intérêt de la plateforme que le leur. Aussi, les plateformes de streaming ne sont pas bien différentes des autres types d’annonceurs, et les difficultés actuelles de Tidal nous prouvent bien que se déroule sur ce marché une bataille comparable à OMO contre Ariel sur le marché de la lessive. Mention spéciale pour Franck Ocean qui s’était défait de son exclusivité Apple Music sur l’album Blonde, en sortant un album similaire en physique intitulé Blond (sans e). De quoi remettre en place les géants et leur appétit démesuré et réaffirmer la volonté d’indépendance de certains artistes. Reconnaissant à demi-mots la faute stratégique, Apple Music semblerait avoir fait une croix sur ce procédé désavoué par l’industrie.

On le voit, toute la réussite d’une campagne repose sur une poignée de critères : une relation d’égal à égal entre la marque et l’artiste, une affinité réciproque et un public respecté. Et il en va de la survie artistique, de l’éthique et de l’authenticité, autant que de l’efficacité des campagnes publicitaires de respecter cette adéquation. Ces procédés permettent après tout de démocratiser encore plus la culture hip-hop : n’est-ce pas là une revendication historique du mouvement que d’accroître sa visibilité médiatique ? Si les journalistes généralistes ont longtemps sous-estimé ce mouvement de manière arbitraire, les publicitaires eux ne se laissent guider que par leur démarche libérale et adoptent un cynisme d’une autre forme, sans doute moins hypocrite. On ne peut pas chanter à tue-tête « du biff, du, du, du biff » et s’émouvoir de l’entrée massive du hip-hop dans la publicité. Mais attention à ce que le piège ne se referme pas, et à ce que les nouvelles créations ne deviennent pas trop dépendantes de l’industrie publicitaire. Il faudra alors crier au loup, et fort, pour permettre à l’art de garder toute son essence.

Pour aller plus loin, on ne saurait vous conseiller de lire nos cinq questions au légendaire publicitaire Jacques Séguéla sur la communication de PNL.

L’article Le rap, eldorado des nouvelles techniques de pub est apparu en premier sur SURL.

« J’ai connu l’age d’or. L’époque des disque de platine. L’époque des vrais disque d’or, pas les 75 000. » Dans « C’est la vérité » en 2009, Disiz mettait déjà le doigt sur un débat qui allait prendre de l’ampleur au fil des années, au point d’être plus vivace que jamais aujourd’hui. Achats de streams et niveaux de certifications figurent de plus en plus parmi les sujets favoris des auditeurs de rap en 2017. Pourtant, une rehausse immédiate du seuil d’obtention du disque d’or serait, pour le moment, clairement prématurée. Oui, il faudra surement rehausser les seuils de certifications, mais aucune raison de se hâter. Bien au contraire.

Fini le Klondike : jamais une ruée vers l’or n’a paru aussi simple. Fixé à 50 000 ventes depuis juillet 2009 par le Syndicat national de l’édition phonographique (SNEP), le seuil du disque d’or est l’objet de débats houleux depuis l’adoption des équivalents ventes. Ces derniers permettent de convertir les écoutes en streaming en « ventes », et entrainent avec eux une hausse logique du nombre de certifications, via des chiffres reboostés. Au point qu’une rehausse du seuil soit nécessaire ? La réponse à cette question n’est pas aussi évidente qu’on pourrait le penser au premier abord.

C’est une critique qui est de plus en plus souvent formulée par le public : le disque d’or serait devenu trop accessible et par conséquent aurait perdu de sa valeur. Pourtant, si on en croit les données de Rap Genius France et du SNEP, la proportion de projets certifiés en 2017 est à peu près équivalente à celle de 1997, où environ le quart des projets sortis avaient été certifiés. Toujours en 1997, IAM sort L’école du micro d’argent qui est certifié disque d’or le jour de sa sortie alors que le disque d’or est encore fixé à 100 000 ventes. En comparaison, Orelsan, qui a réalisé le meilleur démarrage de 2017 avec La fête est finie, a dû attendre trois jours pour être certifié disque d’or, et huit jours pour atteindre les 100 000 ventes. L’impression de dévalorisation du disque d’or semble en réalité attribuable à plusieurs facteurs. D’une part, si la proportion de certifications n’a pas beaucoup augmentée depuis la fin des années 1990, la quantité de certifications, elle, a grimpé en flèche depuis la prise en compte du streaming. On aurait tendance à penser que cette multiplication a pour origine l’extrême diversité de la nouvelle scène rap francophone, dans laquelle on peut dénombrer une douzaine de têtes d’affiche, et des dizaines d’artistes intermédiaires. Une situation inenvisageable il y a quelques années encore, quand le rap français était polarisé entre quelques rappeurs majeurs et leurs satellites. D’autre part, le facteur streaming a considérablement allongé les périodes d’exploitation d’un album, et ce d’autant plus qu’il est possible d’en relancer les ventes en intégrant de nouveaux morceaux dans la tracklist. C’est ainsi que des artistes intermédiaires a priori encore éloignés du disque d’or finissent par l’obtenir ; même logique pour les gros poissons qui décrochent un disque de platine sur le long terme. Enfin, les certifications de singles, presque quotidiennes, contribuent largement à cette impression générale de certifications faciles d’accès.

En réalité, il est trompeur de se demander si le disque d’or a la même valeur qu’autrefois. Par la force des choses ce n’est pas sa valeur qui a changé, mais plutôt sa signification. En prenant en compte les streams comme équivalents ventes, on a changé le paradigme d’évaluation. A titre de comparaison, si le format physique et le téléchargement qui reposent sur une logique d’achat sont comparables à des livres papiers ou numériques, le streaming ressemblerait lui à une bibliothèque. En établissant une formule de conversion de l’abonnement en achat, on affirme la volonté de certifier la consommation de musique et non plus la consommation d’albums. Le disque d’or n’est pas forcément représentatif des vendeurs les plus importants, il matérialise désormais un palier de consommation. Ce palier semble suffisamment bas pour que des artistes de moyenne envergure commerciale finissent pas l’obtenir, mais aussi suffisamment haut pour que seuls les artistes avec une certaine exposition l’atteignent.

RECORD HISTORIQUE DE STREAMS EN 1 SEMAINE. DISQUE D’OR EN UNE SEMAINE AVEC STREAMS UNIQUEMENT. #laconcurrencevenddesmarrons #61500albumsvendus #TRŌNE #merciàtousmêmeauxhaineux

Une publication partagée par KOPP92i In üs we trust (@boobaofficial) le 8 Déc. 2017 à 12h06 PST

Dans ce sens, ce n’est plus l’obtention d’un disque d’or qui témoigne du potentiel commercial d’un artiste, mais la rapidité d’obtention, tout comme dans une course ce n’est pas le fait d’atteindre la ligne d’arrivée qui démontre la capacité physique du sportif mais le fait de l’atteindre plus rapidement que les autres sportifs présents, voire que des records établis dans des courses précédentes. En fait, le débat semble avoir été déplacé, et la question n’est si celle de la valeur, ni celle de la signification du disque d’or. Dans un contexte où le streaming est amené à devenir le mode de consommation musicale dominant dans les deux années à venir – si ce n’est pas déjà le cas –, il semble plus pertinent de se demander si ce ne serait pas plutôt les ventes qui devraient être converties en streams. C’est ce que la logique voudrait – a fortiori, la logique voudrait qu’on ne puisse pas convertir des abonnements à la bibliothèque en ventes de livres, ni l’inverse. Problème : le public n’a pas une idée précise de ce que représentent les chiffres en streaming.

Autre point à prendre en compte : les auditeurs de rap ont peut-être conscience de l’augmentation en flèche du nombre d’artistes qu’ils écoutent, mais ils ne se rendent pas forcément compte que ce phénomène n’est pas propre à tous les genres. A l’échelle du Top 200 du premier semestre 2017, le streaming représente 73 % des ventes des musiques urbaines, et 65 % des ventes de l’électro/dance. A l’inverse, les ventes physiques sont encore prédominantes à 78 % pour la variété et à 67 % pour le pop rock. Pourtant, un an après le premier semestre 2016, les parts de marché des ventes de disques en physique sont passées de 53,5 à 44,9 %. Bien sûr, cette tendance à la baisse n’est certainement pas proportionnelle dans tous les genres musicaux, il est probable qu’elle soit plus forte dans ceux où le streaming représente une part importante des ventes d’albums. Il n’empêche qu’il y a tout juste un an que la chute continue des revenus de l’industrie de la musique enregistrée s’est arrêtée, et si tous les indicateurs sont au vert, le niveau reste très faible en comparaison de celui de 2002.

Il est tout simplement trop tôt pour rehausser le niveau des certifications. Quel que soit le secteur économique concerné, une sortie de crise se négocie en douceur et non en arrachement brutalement les tuteurs sur lesquels la croissance s’appuyait. De plus, le niveau relativement bas des certifications joue un autre rôle : celui de stimulateur de consommation. Pour comprendre ce phénomène, il faut s’intéresser au travail du sociologue américain Robert King Merton, qui travaille sur les fonctions manifestes de l’action sociale et notamment des prophéties auto-réalisatrices. Dans la continuité de ces travaux, il développe en 1968 la théorie de l’effet Matthieu selon laquelle les plus favorisés ont tendance à accroître leur avantage par rapport aux moins favorisés. Encore perçues par une grande partie du public comme des indicateurs de succès, les certifications sont un moyen de soutenir la croissance du chiffre d’affaires de la musique enregistrée en créant une impression de hausse globale des ventes, mais aussi de succès individuel pour chaque artiste.

On le constate d’année en année : le streaming est loin d’avoir optimisé son déploiement. Des genres entiers semblent encore cantonnés au format physique, le streaming seul ne représente pas encore 50 % des parts de marché en France, un tournant qu’il devrait prendre entre 2018 et 2019 à l’International, selon le réseau d’experts PricewaterhouseCoopers (Pwc). Mais les enjeux vont plus loin encore. En effet, la récente montée en flèche d’Amazon Music – qui talonne désormais Apple Music – mais également les efforts répétés de développement de Google Music sont autant de signes précurseurs de l’adaptation du streaming à l’Internet des objets, c’est-à-dire une extension d’Internet à des entités physiques.

Ce marché, dont l’essentiel du développement est encore à venir, repose essentiellement sur des environnements intelligents. L’environnement domestique est l’une des principales applications en matière musicale. Ainsi, des algorithmes ont d’ores et déjà été développés pour adapter la musique diffusée, de manière automatique, à l’ambiance d’une pièce et au nombre de personnes présentes dans cette dernière, tout en respectant les habitudes d’écoute du consommateur – cette application a déjà été développée par la startup parisienne Prizm. De son côté, Amazon a développé dès 2014 l’Echo Dot, un palet permettant d’enregistrer des commandes vocales et d’actionner de la musique à la demande. Avec une visée ouvertement domotique, Google a développé l’assistant Google Home, qui permet entre autres applications de jouer la même musique dans plusieurs pièces de la maison… La bataille du streaming ne fait donc que commencer. En conséquence, les écoutes augmenteront en flèche dans les années à venir. Est-il donc vraiment pertinent de fixer de nouveaux paliers si ceux-ci sont voués à être dépassés sur un très court terme ? Peut-être serait-il plus juste d’attendre une stabilisation des ventes associées au streaming, ou du moins des projections suggérant une telle stabilisation, avant de s’engager dans une nouvelle modification des niveaux de certification.

Le fait même que ce débat soit aussi polémique chez les auditeurs de rap français en montre bien la spécificité, car la question est loin de passionner les amateurs d’autres genres. Si une hausse immédiate du niveau de certification serait peut-être prématurée, il serait raisonnable de l’envisager à moyen terme. Rien n’empêche non plus d’augmenter les niveaux de certifications de manière progressive, tout comme ils ont été baissés progressivement en 2006 et 2009. Faudrait-il également restaurer les certifications supprimées en 2006, à savoir le disque d’argent et le double disque d’or, dans cette logique d’échelons de consommation ? Beaucoup de ces questions restent encore en suspens.

L’article Est-il nécessaire de rehausser le disque d’or ? est apparu en premier sur SURL.

En attendant le reste d’un programme qui s’annonce alléchant, voici déjà une bonne séance de rattrapage – dans une salle de 6 000 places au lieu de 17 000 – pour ceux qui n’ont pas pu obtenir leur précieux sésame pour les trois dates (quasi) sold out des parents terribles du rap français à l’Accor Hôtel Arena, au mois de mars 2018. Les premières places pour le Chorus sont déjà disponibles (ici), alors un conseil, ne traîne pas trop.

L’article NTM, stars de la 30e édition du festival Chorus est apparu en premier sur SURL.

L’article À l’écoute : le nouvel LP de Butter Bullets, ‘Air Mès & Hermax’, est sombre à souhait est apparu en premier sur SURL.