仮にそうだとして、美術の場合、前2者に対応するのは、最初が「欧州アヴァンギャルドの時代」、次が「アメリカ現代美術の時代」としても、極度にぶれた判断になるとは思えない。少なくとも完全に無視することはできなかろう。では、最後のグローバリズムの時代に対応する美術とはなにか。これは実は「湾岸戦争」「ユーゴ紛争」「9・11同時多発テロ」「対テロ戦争」などを経て、今なお続いている世界体制なので、なかなか即断できないところだ。けれども、ひとつだけはっきりしていることがある。それは、冷戦構造解体以後のグローバライゼーションの過程で、（現在の「国連」による発言力の弱体化を見てもわかるとおり）冷戦期まで続いて来た「インターナショナリズム」が、原理的な部分で大きく後退しているということだ。

インターナショナリズムとグローバリズムは、一見して地球規模の連帯という点で似ているようで、実際にはまったく反対の性格を持つ。「ナショナリズム」を互換（インター）することで消去するのが前者の国際性の基盤であるのに対して、後者においてはむしろ、当のナショナリズムの方が突出する。これは少し考えればわかることなのだが、ひとつには冷戦期に世界を二分していたイデオロギーの大きな対立下で、そうしたネーションをめぐる問題が棚上げをされていたことが挙げられる。しかも、イデオロギーとインターナショナリズムに取って代わるグローバリズムの浸透は、同時に、市場が世界規模で統合されることを意味した。すると何が起こるか。世界の互換性をうたった（もしくは目指した）インターナショナリズムと打って変わって、グローバルでの世界市場は、（たとえそれが文化であろうと）新たな競争相手（＝差異化）を求めて、むしろみずからの属する固有のネーション（やマイナーな属性）を積極的に活用するようになる。つまり、グローバリズムの時代とは、新しいかたちでの「国家」や「民族」、「宗教」や「慣習」が、亡霊のように復活する時代でもあった。むろん、グローバリズムによってそれらの正統性が失われたからこそ、アーティストの自由な活動も可能となり、それらについての批評や流通も可能になったわけなのだが。

なかながと書いてきたのは、美術といえども、社会の激動と無縁では到底ありえないという確信から来ている。断っておくが、これは表現が社会によって丸ごと規定されているというようなことではない。むしろ、ある程度まで社会に規定されながらも、そのことを通じて社会の先へと世界を逆規定することで自律する表現こそが、真の意味で芸術の名に値すると信ずるからだ。表現の自律とは、いずれ崩されるありとあらゆる壁のように、制度によって神経質に、あるいは無神経に守られるものではない。激動し、互いが互いを呑み込み支配しようとする世界のなかで、知恵と技と感性を駆使して、流動する足場として確保されるべきものなのだ。それを文字通り「心臓」（器官としてのそれではなく）と言い換えてもいい。

すぐれたコレクションとは、後世から見たとき、そのような格闘の痕跡をとても具体的に、しかも魅惑的に刻んでいる。反対に、われわれが過去の作品を見るとき、そのような傷跡がない作品は、どこか弛緩して見える。逆に言えば、その程度のことは未来の人に簡単に見抜かれてしまうということだ。コレクションで言っても、単なる趣味人の物好きというのは、けっきょく虚ろだろう。その時代の息吹や苦しみ、喜びまでもが過去の物質を通じて「今」という時に再現され、直接語りかけて来るような作品の「群れ」のことを、僕は真の意味での古典的なコレクションと呼びたい。古典というのはいささか大袈裟かもしれないが、この時代の作品のうちどれかは、いずれそう呼ばれる権利と可能性を潜在している。それは確かだ。が、最初に書いたとおり、何が残るかはわれわれの与り知るところではない。けれど少なくとも、1989年にベルリンの壁が崩壊し、美術をめぐる状況も大きく変化して行くなかで、新しい時代と正面から対峙（ときに、それはとても＜ひっそり＞行われたであろう）して掴み取られた表現を探そうとするとき、日本でそれに値する役割を果たすのは、公の予算を与えられた立派な陣容の美術館の収蔵作品ではなく、高橋龍太郎という1個人によって集められたコレクションを置いて、ちょっと考えられない。

本来なら集められてよかった作品を収蔵できなかった美術館にとって、それが大幅な予算削減の時期に当たっていたなど、悪条件が重なったことは事実だ。けれども、より根本的には、日本の美術館が不透明な「今」を生きる未知の表現よりも、すでに固められた文脈の延長線上でしかコレクションを進めて来なかったことが実は大きい。その頃、元来は美術界とは無縁の人物が、制度や権威とは無縁なところで、もしかしたら全くの無価値かもしれぬ作品を探し当て、対価を払って入手し保管するという作業を、少しずつ、だが着実に進めていった。それは、見かけこそ地味な作業かもしれないけれども、まぎれもなく本物の勇気を必要とする行為だ。それが心臓部にあることを見誤らないかぎり、高橋コレクションはこれからも（集めた本人の手すら離れて）長く、われわれのまだ見ぬ未生の人たちも含め、この時代の美術の実相について、いっそう多くを語り続けていくだろう。

（さわらぎ・のい　美術批評家）

インタビューアー　小崎哲哉
Interviewer Tetsuya Ozaki

Part1

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Part2

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Part3

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インタビューアー　小崎哲哉
Interviewer Tetsuya Ozaki

Part  1

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オープニング・セレモニーでは、高橋コレクションを擁する精神科医・高橋龍太郎氏をはじめ、司会に小崎哲哉氏（REALTOKYO/REALKYOTO 発行人兼編集長）、ゲストに三潴末雄氏（ミヅマアートギャラリー）、山下裕二氏（美術史家）、山本裕子氏（山本現代）を迎え、高橋コレクションへの想いやアートにおける物語性についてなど、1時間に及ぶ熱いトークを繰り広げました。ぜひご覧ください。

オープニング・セレモニー①

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オープニング・セレモニー②

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オープニング・セレモニー③

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オープニング・セレモニー④

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「現代美術では人を呼べない」というのは、日本の疲弊した地方美術館の常套句である。「予算がない」というのもしかり。そもそも、高度経済成長期とバブル期という、ふたつの時代の金余りの産物として、さしたる理念もないまま「箱モノ」として建てられた多くの美術館は、九〇年代以降の日本経済の低迷にあえいで当然だった。私はこれから、少なくとも公立美術館は適正な統廃合をなされなければならないと思っている。しかし、そんな地方美術館で開催された「ネオテニー・ジャパン」は、老館長の予想を超える観客を集めた。なぜか。

まずは、当の美術館スタッフたちも予測できていない、ブログ、ツイッターなどによる情報の拡散。「高橋コレクションなう」がどれほどつぶやかれたか、検証してみるべきだろう。そしてなによりも、高橋コレクションの作品がもつ、良い意味でのドメスティックな性格が、地方で受け容れられたのではないかと思う。もし、これが欧米の価値観に盲従するだけのスカした現代美術のコレクションであったら、決してこれだけの動員を果たすことはできなかったと思う。

高橋龍太郎氏が本格的なコレクションをはじめた一九九七年ごろ、日本経済も、現代美術市場も、先が見えない低迷期にあった。しかし、そのころ彼がコレクションを始めたのは、かえって僥倖だったというべきだろう。村上隆、会田誠、山口晃といった、いまではトップランナーとなった作家の初期作品をいまでは考えられない安い価格で購入でき、さらにその後の現代美術シーンで加速度的に評価が高まっていく作家たちの作品も、高橋コレクションという磁場に吸い寄せられるように集まっていった。

高橋氏と最初にお会いしたのは、たしか一九九九年ごろだったと思う。私はそのころ現代美術に深入りして、ささやかなコレクションをはじめていた時期だったが、買いたいと思う作品は、ことごとく高橋氏によって先に買われていた。会田誠の「紐育空爆之図」しかり、山口晃の「頼朝像図版写し」しかり。資金力には雲泥の差があるから仕方ないのだが、そんな高橋氏の買い方を見て、以後、私はもっとうんとマイナーな、世間の誰も注目していない作家に、まるで献血するような買い方をするようになっていったのだった。

一個人のテイストで集められた現代美術作品が、これほどの認知度を得て、全国の公立美術館で巡回展が開催されるという事例は、はじめてのことだ。戦後、コレクターの眼の力がたしかに認められ、一般的な拡がりを持ち得た例としては、洲之内徹（一部は宮城県美術館に寄贈）と白洲正子（ほとんど散逸したが旧蔵品の展覧会が頻繁に開催されている）が双璧だろうが、いずれも同時代の作家のコレクションではない。洲之内の場合は近過去の、白洲の場合は古美術のコレクションである。しかし、いまでも人気が衰えない洲之内も白洲も、「保証された価値」となってからずいぶん時間が経った。

では、かつて一九九〇年代後半から、「保証された価値」ではなかったものを凄まじい勢いで集めた高橋コレクションは、今後、どういう行く末をたどっていくのだろうか。公立美術館で全国巡回展が開催されて成功し、コレクターとしてメディアに登場することも頻繁になった高橋氏は、むしろ、自らが「価値を保証する」立場に立たされてしまったのである。責任は重い。

九〇年代から二〇〇〇年代にかけて、ドメスティックな現代美術シーンは「高橋コレクションの時代」だった。では、そんな国内市場が、こと大きな国際経済の状況下におけるマーケットではほとんど意味を持たなくなってしまった今後、高橋コレクションはどう推移していくのか。いや、マーケットなどどうでもいい。要は、高橋龍太郎というコレクター、パトロンのありようが、今後どうなっていくのか。公開施設が日比谷から日の出に移転し、新たなステージを迎える今後、私はといえば、高橋氏も知らない作家の絵を買いながら、このコレクションの行く末を注視していきたいと思っている。

草間彌生の作品の展開は、もっぱら“制作された場所”と“ジャンル”に即して記述されてきた。他のいかなるアーティストの場合と同様に、そのような方法は草間の制作の固有性を検討する上でも正当かつ不可欠であり、また彼女自身のクロノロジーと意味のある照応を見せてもいる。彼女の制作の推移は戦後美術の弁証法的展開の中に適切に位置づけられうるものなのである。彼女は敗戦後の日本の状況のなかで自己形成したアーティストであり、1957年に渡米してからはニューヨーク・スクールにおける抽象表現主義からポップ・アート、ミニマル・アートへの転換点に立つ存在として目覚ましい活動を展開した。60年代の半ばには頻繁にヨーロッパと往復し、グループ・ゼロやヌルの展覧会などに参加している。60年代半ば以降は環境芸術的な傾向や社会的、政治的なメッセージを掲げたハプニングにおいて先駆的な役割を担い、また彼女自身がフェミニズムに無関心であったにもかかわらず、フェミニスト・アートのシンボル的な人物とも見なされてきた。1970年代半ばに東京に拠点を移してからは、広い意味でのポスト・モダニズム的な時代感覚ともシンクロする世界を繰り広げてきたのである。

しかし彼女のあまりにも特異な才能は、そうしたクロノロジカルな考察だけでは把握しえない側面を有しているといわなければならない。端的にいえば“場所”と“ジャンル”のドラスティックな変遷にもかかわらず、草間の作品は一貫して同じ原理に基づいているのだ。いかなるイズムにも関心を示さないという意味では、典型的なアウトサイダーであるといってもよい。戦後美術のさまざまな動向の先駆者であることを自負しつつも、制作においては内発的なモチベーションのみに忠実であり続けてきた、不可思議といえばいかにも不可思議なアーティストなのである。今日においてもなお弛緩することのないきわめて多様な領域にわたる豊饒なる世界が、無限の反復という単純きわまりない方法にのみ依拠しているという事実は、驚嘆に値しよう。

周知のように、そうした制作を飽くことなく持続させてきたのは、草間が幼時から抱えている精神的な病理である。空間を同じパターンで埋め尽くさざるをえないという強烈なオブセッションが、際立って聡明なアーティストである彼女には常に付きまとっている。しかし誤解されてはなるまい。草間は、良くも悪くも同時代のアートとは無縁に同じ作風を維持し続ける、いわゆるアールブリュト的な存在ではない。彼女は紛れもなく自らの時代の先端を切り開くアーティストであり、むしろ意思的に大胆な自己更新を遂げてきたのだ。衝動的であることと意志的であることは、彼女にあっては何ら矛盾したものではない。どうしてそのようなことが可能なのか、私にとっては大いなる謎というほかはないが、事実として私たちの前には、単純な原理によりながらも、時に意表をつくまでの斬新な発想をもった多種多様な作品のバリエーションが生み出され続けてきたのである。

＊

オブセッシブな衝動と明晰なる意志が一つに結びついていること。その具体的な様相を1960年前後のオールオーバーなネット・ペインティングに見てみよう。

それらの画面は単調ではあっても、決して均質ではない。網目の大きさは微妙な粗密の変化を見せ、それが奥行きの方向とキャンバスに並行した方向との振動感を同時に生み出しているのである。優美に、だが見方によっては不穏に揺らいでいるその画面は、禁欲的なモノクロームの世界であるにもかかわらず、空間としての堅牢さとディグニティーとを兼ね備えている。

近年に刊行された自伝（「無限の網」作品社）の中で、草間はネット・ペインティングについて、こう記している。

これらの絵は、静的な分割されぬ一面の空間がカンヴァス上にフラットに定着したもので、微視的な塊の一つ一つが陸続とつづき、その表面は可能なかぎりのコンクレートな肌を持ち、この異様に膨大なマッスの集合を明示する。このタッチの一つ一つの行為を時間の中で反復することによって、ドライな白い絵具の層は極めて現実的な可視的視野の中で、空間に無限の具体性を加える。

この限りなく繰り返しうるリズムとモノクロームの表面が、規定された絵画の約束上のコンストラクションや方法論によっては定義できないところの、異質の「光」をもって新しい絵画への試みを提出する。

ネット・ペインティングの「コンクレートな肌」や「異質の『光』」は、まさしく本能的に達成されたものだが、しかし自らの営為を見据える自己批評的な眼差しは意外なまでの客観性を印象付けずにおくまい。草間は自らのオブセッションに基づく方法の新しさに対して自覚的であり、それをフォーマルに観察しうる分析的理性の持ち主でもあるのだ。

冒頭に述べたように、草間は1950年代のニューヨークを未だに支配していた抽象表現主義のエモーショナルな筆触を払拭する画家として登場したといいうるだろう。ジャッドやステラが作品を発表時に購入したことに明らかなように、それはミニマリズムのシステミックな反復の方法を啓発するものであったが、当然ながら草間自身は自らが影響を与えたはずのその方向性に対してもアウトサイダーであった。彼女にとって反復するネットはいわば真空恐怖の産物であり、リテラルな平面を確認するだけの無機的な作業とは程遠いものなのである。

1962年に草間はアームチェアーに男根状のクッションをびっしりと生やした、最初のアキュミュレーションの作品を制作した。この作品についても多様な文脈的解釈が可能であろう。一つのパターンで埋め尽くすという点ではネット・ペインティングと原理を同じくするが、蝟集するクッションの異様さは性的オブセッションを感じさせるものであり、日常的な事物が用いられているところはポップ・アート的であり、さらに言えばソフト・スカルプチャーのもっとも早い例でもあるのだ。もっともそのどれが究極的な解釈というわけではない。彼女の無限の反復は自己への没入であると同時に自己消滅でもあり、そのことが一種の戦慄感を伴った普遍性に結び付いているのである。

＊

環境的な作品についてはどうであろうか。草間はナビリオ画廊での個展、フォンタナとの交遊、1993年のベネチア・ビエンナーレの日本館での回顧展などを通じて、イタリアとも関係の深いアーティストであるが、中でも特筆すべきなのは1963年のベネチア・ビエンナーレの野外会場に半ば押しかけ的に出品した「ナルシスの庭」である。1500個のミラー・ボールを芝生の上に直接に敷き詰めたもので、私が見たのは1998年のロサンジェルス・カウンティー美術館の回顧展で再現された作品だが、ベネチアでも雲や周囲の木立の反射が一つ一つにさざめき、目が潤むような美しい光景が繰り広げられたことは想像に難くない。2001年の横浜トリエンナーレでは、海面に2000個のミラー・ボールを浮かべるという「ナルシスの海」が試みられたが、波にうねり風に揺れ動く無数の鏡面に街並みと空がきらめく神秘的な眺めは、あらゆる環境的な要素を作品に奉仕させてしまう草間の才能の芳醇さを改めて納得させるものであった。

草間によれば、このプロジェクトはフォンタナが600ドルの資金援助をすることによって実現したものであった。彼女はフィレンツェに行き、その金でミラー・ボールを購入したのである。フォンタナは、他にも個展の手助けをし、アトリエとして地下室を提供するなど、亡くなるまで親密な交流があったという。他のアーティストの仕事にはまったく興味を示さない彼女にしては、フォンタナは唯一、人となりについても作品に対しても称賛を惜しまない人物なのである。

さてベネチア・ビエンナーレでの「ナルシスの庭」の展示を当局は黙認したが、彼女が現場で始めたミラー・ボールを一個1200リラで観客に売るという行為は直ちに阻止されてしまった。草間にしてみれば歴史と権威を誇るビエンナーレの会場で、あえて「アイスクリームのように」一個、一個のボールを売ることで、美術界の制度そのものを挑発的に揶揄しようということであったのかもしれない。その意味では1969年のニューヨーク近代美術館のロックフェラー彫刻ガーデンでの、大勢のヌードの若者を引き連れて裸体彫刻などと乱交するというハプニング（「MoMAにて死者を目覚めさせるためのグランド・オージー」）とも軌を一にする試みともいえよう。

しかし「ナルシスの庭」の中に彼女自身が身を横たえている写真が残されているように、無限の反復の中への自己消滅と自己への没入（ナルシシズム）は、ここにあっても一体化させられている。彼女のアンビバレントな果てしない欲望を野外の環境へと持ち出し、法外に拡大させた作品でもあるのだ。

草間の作品への反映論的な解釈は可能だが、それは一面の真実であるに過ぎない。ベネチアの「ナルシスの庭」は、ボールを売る行為も含めて、1960年代という時代のヒッピー・カルチャーな反体制のイデオロギーをなにかしら受けてはいるが、彼女の固有のオブセッションはより普遍的な世界につながっており、そうであるがゆえにロサンゼルスや横浜でのバリエーションが単なる再制作とは異なった、新たなる表現としてのインパクトを勝ち得ているのである。草間の作品は、つねに“単純にして複雑”な性格を有しているのだ。

＊

言い方を変えるなら、草間は普遍的な領域へのEXILEである。彼女のオブセッションは自らの特異性を、そのことによる孤立感を深めつつも、普遍的な摂理として救済しようとする方途なのである。今年（2009年）のニューヨークのガゴーシアン画廊で開催された草間彌生展のカタログで、山村みどりが、レビナスを引用しつつ、以下のように記しているのは、その点で示唆に富む。

レビナスの論拠によると、草間の核をなすオブセッションとは、美的瞑想ではなく、倫理的意識であることになる。オブセッションは、長い間忘れていた不安を喚起し、あるいは再生させることによって、人間を、慣習的な価値を超えた、真の意識へと覚醒させる助けになる。さらには、強迫概念につきものの苦しみは、その「不快な過剰」やそれが引き起こす無力な状態ゆえに、他者からの助けを必要とし、それが、人間関係の倫理的な地平を開く。そして人の主体性を他者へのより善意ある、創造的な観点へと取って換え、また拡大するのだ。つまり、オブセッションは、近代的な個人主義とは異なった、自己の特異性を確立する助けになるのである。

オブッセションが自らの特異性を、人間関係に対して開かれたものにするという、逆説的な真実は、まさに自己没入と自己消滅の相互性の謎と草間の無限の反復が生み出す世界の豊饒さを証す言葉であるだろう。アンビバレントであるはずのナルシスティックな自己没入と自己消滅は、草間にあっては一つのことであり、つまるところ自己と世界の同時的な救済の祈りに結び付いているのである。

ただなお私が彼女を普遍的な領域への“EXILE”と呼ばざるをえないのは、彼女の作品にはつねに地上的ではないアナザーワールドの雰囲気、宇宙的とも、天国的とも、あるいは悪夢的ともいいうるような雰囲気が感じられるからである。

＊

今回のPACでの展覧会にも同じことが言いうるはずである。「ナルシスの庭」も出品されるが、中心はここ一、二年の作品で、80歳になっても衰えを知らない草間の創造のエネルギーが会場を圧倒することであろう。

近作では反復のパターンはよりシンプルになり、色彩も明るく鮮やかものになってきている。カラフルな巨大な花の彫刻のシリーズは、しばしばネオ・ポップという言葉で語られるようなおおらかなユーモアと同時に、どこか不気味な官能性を印象付けずにはおくまい。しかし見逃してはならないのは、それらはいずれも密かに、いや時には歴然と、霊的（スピリチュアル）な気配を宿してもいることだ。「Aftermath of Obliteration of Eternity」（2009年）は、その典型をなす作品で、天井と壁は鏡で覆われ、床には水がたたえられている。天井から吊るされたコードには、無数のLEDの小さなランプが点滅しているが、それらの蛍のような光は鏡の反射で無限に増殖し、小部屋の中に茫漠と広がる薄暗い異界の光景を出現させている。

あるいは草間のこうした幻想的なイメージにシュールリアリズムとの近接性を指摘する論者もいるかもしれない。だが、シュールリアリズムが意識下の世界にオートマチズムなどの方法によって降りて行き、そのイメージを手にして再び昼の世界に帰還してくることを目ざした（帰還に失敗した者も少なくないのだが）のに対し、草間はそうした“方法論的な狂気”を必要としない。なぜなら意識下の世界は（もしそのようなものがあるとしての話だが）彼女を拘束している現実の檻であり、そのイメージはあいまいな夢想などではなく、環境的な作品では光学的な鏡の反射として、また絵画にあっては「コンクレートな肌」として、彫刻では蝟集する男根や野放図なまでに巨大な花として、傲然と外在化されているのである。

最後に付け加えておくべきなのは、草間の近作は無垢な精神の輝きを宿してもいるということである。誤解を恐れずに言うならば、それはこの天才の無償の愛らしさであり、あどけなさでもある。草間がこだわり続けている「太っ腹の飾らぬ容貌」をしたカボチャなどに、私たちは彼女ならではの茶目っけと、ほのぼのとした笑いの感覚を見て取ることができるに違いない。根負けした悪魔を戦友にしてしまう、あどけなくもまた類まれなる知性と強固な意志に恵まれた天使。“単純にして複雑な”草間彌生の世界は、やはり私の理解の及びえない途方もない謎というほかはない。

建畠晢（たてはた・あきら）
1947年、京都生まれ。1972年に早稲田大学文学部卒業後、国立国際美術館主任研究官、多摩美術大学教授を経て、2005年から2010年まで国立国際美術館館長を務める。2011年1月に京都市立芸術大学学長に就任。専門は近現代美術。1990年、1993年のヴェネツィア･ビエンナーレ日本館コミッショナー、横浜トリエンナーレ2001のアーティスティック・ディレクター、あいちトリエンナーレ2010の芸術監督などを歴任。アジアの近現代美術の企画にも多数参画。詩人としても活躍し、1991年に歴程新鋭賞、2005年に高見順賞を受賞。

＜展覧会お知らせ＞

メッセージズ−高橋コレクション　草間彌生からチームラボまで　十和田市現代美術館

この度、十和田市現代美術館にてメッセージズ−高橋コレクションと題した展覧会を開催致します。

本展は、青森県内で初めてとなる高橋コレクション展の紹介にふさわしく、草間彌生の貴重な初期作品や、1990年代後半から2000年代を代表する奈良美智、村上隆、会田誠、山口晃、小沢剛、ヤノベケンジ、鴻池朋子、加藤泉らの作品を展示します。さらに若手の竹川宣彰、Chim↑Pom、熊澤未来子、華雪、話題のチームラボまで、絵画の力作を中心に、ユニークな映像、立体作品もご覧いただきます。同時代を生きるアーティスト14組の作品をぜひ、体感してください。

皆様のご来場、心よりお待ち致しております。

＜展覧会会期＞

十和田市現代美術館

2015年9月19日（土）−2016年1月11日（月）

＜開館時間＞

9:00−17:00（入場は閉館の30分前まで）

＜休館日＞

月曜日（月曜日が祝日の場合はその翌日）

ただし、12月24日（木）〜2016年1月1日（金）は冬期休館

＜観覧料＞

企画展＋常設展セット券1000円。

企画展の個別料金は一般600円。団体（20名以上）100円引き。高校生以下無料。

＜関連イベント＞

ギャラリー・トーク

ゲスト｜出品アーティスト（華雪、加藤泉、竹川宣彰ほか[予定]）

デモレーター｜児島やよい（本展ゲストキュレーター）

日時｜9月19日[土]13:30−（要企画展チケット、高校生以下無料）

会場｜企画展示室

＜お問い合わせ＞

十和田市現代美術館

青森県十和田市西二番町10−9

Tel.0176-20-1127

info@towadaartcenter.com

http://towadaartcenter.com

−高橋コレクション展　ミラー・ニューロン−

特別シンポジウム「ミラーニューロンで占う」

出演者（五十音順）

＜パネリスト＞

会田誠　（美術家）

岩渕貞哉　（美術手帖　編集長）

佐伯知紀　（映画・メディア芸術研究者、前文化庁芸術文化調査官）

西尾康之　（彫刻家）

山口晃　（画家）

＜デモレータ＞

橋本麻里　（ライター、エディター）

日時：2015年6月7日（日）14:00〜16:00

会場：東京オペラシティビル7F　第1・2会議室（定員160名　[全席自由]）

〒163−1403　東京都新宿区西新宿3−20−2　 03−5777−8600（ハローダイヤル）

参加費：無料（展覧会の入場は別料金）

参加方法： 当日11：00より東京オペラシティアートギャラリー入口[東京オペラシティビル３F]にて整理券配布、おひとり1枚のみ。 13：45から会場[東京オペラシティビル7F　第1・2会議室] 入り口にて整列入場お願い致します。

主催：高橋コレクションによる日本現代美術発信プロジェクト実行委員会 公益財団法人　東京オペラシティ文化財団

協力：niconico 企画：児島やよい

− 展覧会のお知らせ −

この度、東京オペラシティアートギャラリーにて高橋コレクション展を開催させて頂く運びとなりました。 本展は、日本のアートと文化を考えるためのキーワードとして提案する「ミラー・ニューロン」をタイトルに揚げ、歴史的な視野から作品を選んで、日本の現代アートの流れを読みといていくものです。草間彌生、舟越桂、Chim↑Pom、名和晃平ら52作家、約140点の作品から、現代アートの息吹が生き生きと体感できるでしょう。

2009年上野の森美術館にて開催されました「ネオテニー・ジャパン　高橋コレクション展」以来、6年ぶり東京の美術館での展覧会となります。 皆様のご来場心からお待ち致しております。  

  − 展覧会概要 −

高橋コレクション展　ミラー・ニューロン

会 場：  東京オペラシティアートギャラリー

〒163- 1403 東京都新宿区西新宿3−20−2

Tel:03-5777-8600（ハローダイヤル）

URL:http://www.operacity.jp/ag/

会期：     2015年4月18日（土）ー6月28日（日）

開館時間：  11：00-19：00(金・土は20:00まで/最終入場は閉館の30分前まで）

休館日： 月曜日（ただし5月4日は開館）

入館料： 一般1200（1000）円　大学生・高校生800（600）円　中学生以下無料　 ※（）内は15名以上の団体料金

出品作家：  会田誠、青木陵子、青山悟、淺井裕介、荒木経惟、安藤正子、池田学、伊藤存、井上有一、榎倉康二、大岩オスカール、岡田謙三、小沢剛、小谷元彦、風間サチコ、樫木知子、加藤泉、加藤美佳、金坂健二、草間彌生、鴻池朋子、小林孝亘、小林正人、近藤亜樹、塩保朋子、菅木志雄、須田悦弘、関根伸夫、辰野登恵子、束芋、Chim↑Pom、中村一美、奈良美智、名和晃平、西尾康之、蜷川実花、橋本雅也、舟越桂、町田久美、松井えり菜、丸山直文、Mr. 、宮永愛子、村上隆、村瀬恭子、森村泰昌、森山大道、やなぎみわ、ヤノベケンジ、山口晃、横尾忠則、李禹煥

−関連イベント−

◎ギャラリートーク「コレクターVSアーティスト」

高橋龍太郎と出品作家が展示室の作品を前にしてトークします。

・ 第1回　4月18日（土）16：00〜17：00▶高橋龍太郎、青山悟、風間サチコ、

加藤泉ほか  

・ 第2回　5月24日（日）16：00〜17：00▶高橋龍太郎、鴻池朋子、近藤亜樹、

松井えり菜、 宮永愛子ほか

会場：東京オペラティアートギャラリー内　参加には当日入場券が必要です。（申し込み不要。ただし参加状況により入場制限を行う場合がございます。）

◎対談「名和晃平VS鈴木芳雄」

美術ジャーナリスト、編集者の鈴木芳雄氏と出品作家の名和晃平氏がアートをめぐり語り合います。

日時：5月16日（土）14：00〜15：00

会場：東京オペラティビル7F第1会議室（定員80名［全席自由］）

参加費：無料（展覧会の入場は別料金）

参加方法：当日11：00から東京オペラシティアートギャラリー受付（東京オペラシティビル3F）にて整理券配布、おひとり1枚のみ。13：45から会場（東京オペラティビル7F第1会議室）入口にて整列入場お願いいたします

・アーティスト・トーク

・山口晃 アーティスト・トーク（サイン会）

・高橋龍太郎氏トーク（聞き手：内田真由美、児島やよい）

・展覧会解説会

・鴻池朋子 ワークショップ

高橋龍太郎と、古典の翻案から漫画まで美術の世界を縦横無尽に活躍する画家の山口晃氏がアートの持つ魅力を語ります。

会場：名古屋市科学館　生命館地下2階　サイエンスホール、

日時：11月17日（日） 午後2時〜4時、受付は午後1時30分から

内容

第１部

午後2時から午後3時30分

山口氏による講義

高橋と山口氏による対談

第２部

午後3時30分から午後4時

高橋、山口氏、中高生による会場トーク

「私の選んだ道」

進行:名古屋市美術館副館長（学芸員）　深谷　克典氏

お問い合わせ :名古屋市美術館

TEL 052-212-0001

FAX 052-212-0005

札幌芸術の森美術館にて「高橋コレクション展　マインドフルネス！」を開催いたします。ぜひご高覧賜りたく、ご案内いたします。 会期：2013年9月14日(土)～11月24日(日) 会場：札幌芸術の森美術館 URL：http://www.artpark.or.jp/ 休館日：11月5日(火), 11日(月), 18日(月) 観覧料：一般1,000(800)円、高校･大学生500(400)円、小･中学生200(160)円 ＊（　）内は前売、あるいは20名以上の団体料金 ＊前売券は8月2日(金)より発売！ 主催：札幌芸術の森美術館（札幌市芸術文化財団）、北海道新聞社 後援：北海道、札幌市、札幌市教育委員会 協力：テレビ北海道、北海道放送 特別協力：高橋龍太郎、高橋コレクション、医療法人こころの会 企画協力：内田真由美、児島やよい ［出品作家］ 草間彌生／横尾忠則／李 禹煥／森山大道／荒木経惟／菅 木志雄／辰野登恵子／舟越 桂／森村泰昌／小林正人／宮島達男／畠山直哉／奈良美智／鴻池朋子／村上 隆／会田 誠／大岩オスカール／ヤノベケンジ／福井 篤／落合多武／小出ナオキ／川島秀明／塩田千春／平野 薫／安藤正子／鈴木ヒラク／藤田桃子／大野智史／小西紀行／橋爪 彩／塩保朋子／樫木知子／名知聡子／熊澤未来子／坂本夏子／松井えり菜／佐藤 允／近藤亜樹／ob／Chim↑Pom

展覧会風景

オープニングパーティーの様子

鹿児島県霧島アートの森では、夏の特別企画展として「高橋コレクション展　マインドフルネス！」を開催します。 「マインドフルネス！」とは、「あるがままにアートを受け入れること」「今、ここにあることの気づき」を促し、作品を制作するアーティストと、その作品を観る私たちとをつなぐ言葉です。日本をアートの力で元気にしたい、という高橋の想いが強く込められています。 高橋コレクションの原点である草間彌生は初期作品から近作まで14点を一堂に展示。戦後のアートシーンを牽引してきた菅木志雄、李禹煥、横尾忠則、荒木経惟、森山大道から、世界でも人気の高い奈良美智、村上隆、会田誠ら中堅世代、そして若手のChim↑Pomまで、日本が誇るアーティストたちの力みなぎる作品をご覧ください。 【出展作家（50音順）】 会田誠／荒木経惟／安藤正子／大岩オスカール／大野智史／落合多武／ ob／樫木知子／川島秀明／草間彌生／熊澤未来子／小出ナオキ／ 鴻池朋子／小西紀行／小林正人／近藤亜樹／坂本夏子／佐藤允／塩田千春／塩保朋子／菅木志雄／鈴木ヒラク／辰野登恵子／Chim↑Pom／ 名知聡子／奈良美智／橋爪彩／畠山直哉／平野薫／福井篤／藤田桃子／舟越桂／松井えり菜／宮島達男／村上隆／森村泰昌／森山大道／ ヤノベケンジ／横尾忠則／李禹煥 【主催】鹿児島県／鹿児島県文化振興財団霧島アートの森／南日本新聞社／ KTS鹿児島テレビ 【特別協賛】トヨタカローラ鹿児島株式会社 【協力】湧水町／霧島山麓湧水町観光協会／第一交通産業株式会社 【助成】平成25年度 文化庁 地域発•文化芸術創造発信イニシアチブ 【特別協力】高橋龍太郎／高橋コレクション／医療法人こころの会 【企画協力】内田真由美／児島やよい 【前売券販売所】南日本新聞社、KTS鹿児島テレビ、霧島山麓湧水町観光協会加盟店舗、霧島温泉市場、What、コープかごしま、 鹿児島大学生活協同組合、県職員生協、山形屋プレイガイド、宮崎県立美術館、都城市立美術館、宝山ホール（鹿児島県文化センター）、 大谷画材、集景堂、高木画荘、国分進行堂、チケットぴあ（Pコード:765—712）、ローソンチケット(Lコード:86706)、e＋イープラスhttp://eplus.jp 【協力ギャラリー（50音順）】 アートフロントギャラリー／アラタニウラノ／イムラアートギャラリー／オオタファインアーツ／カイカイキキ／ ギャラリー小柳／ケンジタキギャラリー／ 小山登美夫ギャラリー／シュウゴアーツ／白石コンテンポラリーアート／タカ・イシイギャラリー／西村画廊／ミヅマアートギャラリー／ 無人島プロダクション／山本現代

※「高橋コレクション展　マインドフルネス！」は鹿児島県立霧島アートの森での会期を終了いたしました。皆様ご来場いただき誠にありがとうございました。

展覧会風景

オープニングパーティーの様子

展覧会出品作家の鈴木ヒラクさんによるトーク

４月１４日（日）より河口湖美術館で開催いたします、「ワンダフル・マイ・アートー高橋コレクションの作家たち」をご案内させていただきます。

本展は、高橋コレクレクションの中から１９名の作家による２３点の作品を展示いたします。

また、新たにコレクションに加わる、この展覧会のために制作をした西尾康之の新作も初展示されます。

ぜひご高覧賜りたく、ご案内いたします。

タイトル： 「ワンダフル・マイ・アートー高橋コレクションの作家たち」

会 場： 河口湖美術館（山梨県南都留郡富士河口湖町河口3170)

会　期： 2013年4月14日（日）ー9月16日（月・祝）

開館時間： 9：30-17：00(入館は16:30まで）

休　館　日： 火曜日　※4/30は開館　※6月～8月は無休

入　館　料： 大人・大学生800（720）円　高校生・中学生500（450）円　カッコ内は8名以上の団体料金

出品作家： 安藤正子、池田光弘、大畑伸太郎、加藤泉、加藤美佳、草間彌生、桑久保徹、鴻池朋子、五木田智央、近藤亜樹、千葉正也、天明屋尚、戸田沙也加、名知聡子、奈良美智、西尾康之、濱田樹里、町田久美、山口晃　19名

主 催： 河口湖美術館／山梨日日新聞／山梨放送

協 力： 高橋コレクション、オオタファインアーツ、コバヤシ画廊、小山登美夫ギャラリー、シュウゴアーツ、カ・イシイギャラリー、西村画廊、ミヅマアートギャラリー、山本現代、ユカリアート、サンエムカラー

構 成・ アートディレクション：仲世古佳伸

監 修： 三潴末雄（ミヅマアートギャラリー）

共同企画： 本庄俊男（彩鳳堂画廊）、ミヅマアートギャラリー

河口湖美術館オフィシャルサイト

http://kgmuse.com/

◎トークイベントを開催いたしました。

・展覧会の出品作家である鴻池氏がギャラリートークを開催いたしました「鴻池朋子　ギャラリートーク」

5月6日（月・祝）14時

・展覧会の出品作家である西尾康之氏と高橋龍太郎のトークイベントを開催いたしました。

日時：2013年8月4日（日）14:00

ご参加くださった皆様、誠にありがとうございました。

展覧会、会場風景

西尾康之「FUJI」

大畑信太郎「線香花火」
名知聡子「幸福と絶望」

展示室

濱田樹里「焰にたつ華」