T E A T R O N

Residencias artísticas C3A

Convocatorias / Ayudas — Fri, 31 Jul 2026 14:50:19 GMT

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, ha abierto la convocatoria para residencias artísticas para el ejercicio 2026-27. Este programa de ayudas está dirigido a artistas andaluces, nacionales y extranjeros que tendrán la oportunidad de desarrollar sus propuestas creativas en el C3A durante un periodo de tres meses. Los seleccionados contarán con un espacio de trabajo, herramientas y una ayuda económica de hasta 7.000 euros para gastos de producción y residencia. Los artistas interesados en esta cuarta convocatoria deben contar con una trayectoria profesional demostrable en el ámbito de la creación contemporánea, así como una propuesta de proyecto concreta y viable. Además, se valorará la capacidad para trabajar en equipo y su disposición para colaborar con otros artistas y profesionales del sector. El proceso de selección de los creadores se llevará a cabo por un comité de expertos en arte contemporáneo, que evaluará la calidad y el interés de los proyectos presentados, así como la trayectoria y el currículum de los artistas. En las solicitudes tiene que incluirse la información personal del solicitante, así como su currículum vitae, una breve descripción del proyecto que se quiere desarrollar durante la residencia y una memoria descriptiva del proyecto, que detalle el objetivo, la metodología, los recursos necesarios y el calendario de trabajo previsto. También debe adjuntar una muestra del trabajo previo del artista. Plazo para presentar las solicitudes: desde el 14 de julio de 2026 hasta el 13 de agosto de 2026, a las 23:59 h. DOCUMENTACIÓN – Resolución de la Dirección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, por la que se nombran a los miembros de la comisión de valoración que evaluará las solicitudes presentadas en el procedimiento de concesión de subvenciones, en régimen de concurrencia competitiva, para residencias artísticas en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, en Córdoba, para el ejercicio 2026. https://www.caac.es/wp-content/uploads/2026/07/ResolMiembrosComisionRes2026_2027.pdf – Resolución de 2 de junio de 2026, de la Dirección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, por la que se convoca el procedimiento para la concesión de subvenciones, en régimen de concurrencia competitiva, para residencias artísticas en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, en Córdoba, para el ejercicio 2026. https://www.caac.es/wp-content/uploads/2026/07/ConvocatoriaResidencias2026_27.pdf – Extracto de la Resolución de 2 de junio de 2026, de la Dirección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, por la que se convoca el procedimiento para la concesión de subvenciones, en régimen de concurrencia competitiva, para residencias artísticas en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía en Córdoba, para el ejercicio 2026. https://www.caac.es/wp-content/uploads/2026/07/ExtractoConvocatoriaResidencias2026_27.pdf – Bases reguladoras. https://juntadeandalucia.es/eboja/2021/135/BOJA21-135-00020-11907-01_00195736.pdf

Drift: Open call for mid-career choreographers

Convocatorias / Ayudas — Fri, 31 Jul 2026 11:52:37 GMT

DRIFT invites mid-career choreographers to apply for an international programme that offers time, space, and support for artistic research, experimentation, and professional development.Each of the 10 DRIFT partners will select one artist based in their respective country, resulting in a cohort of 10 selected artists.This call is dedicated to artistic research and development. Applicants are not expected to present a finished project — rather, DRIFT is looking for artists who wish to invest in a genuine research process: questioning, experimenting, and building the foundations of a future creation within a supportive international framework.

What DRIFT Offers

Each selected artist will benefit from the following support:

●Research funding — a dedicated budget of 20,000 euros for the research phase, including an Onboarding Lab, two weeks of residency with the local DRIFT partner and participation in the showcase at the Biennale de Lyon. This envelope includes artistic fees, travel and accommodation costs, and, where applicable, any optional collaborators involved by the applicant in the project.
●3 Online Labs — a series of collaborative online working sessions with the full artist cohort
●Showcase participation — presentation of work in progress at the Biennale de la danse (Lyon, France), September 2027
●Artistic and curatorial mentoring — individual support from DRIFT partner organisations
●Professional networking & international visibility — engagement with DRIFT's European and international partner ecosystem

N.B.: In a second phase (subject to a further selection process), 5 of the 10 selected artists will be invited to develop their work through co-production support, with access to touring opportunities across the DRIFT network in Europe and beyond. This open call concerns the research and development phase only. Eligibility Criteria

Who can apply?

The call is open to:

●Professional choreographers with a demonstrated track record in contemporary dance or performance
●Mid-career artists — beyond the emerging stage at the national level, but not yet fully established at an international level
●Artists whose practice would benefit from strengthening the research phase of their work
●Artists wishing to develop their presence and connections at a European level
●Artists with a solid interest in experimentation, transnational collaboration, and artistic research
●Artists with a good command of English (working language of the project)

Residency country requirement

Each DRIFT partner selects one artist based in their country. Applicants must be based in one of the following countries at the time of application:Belgium · France · Germany · Greece · Norway · Italy · Spain · Ukraine · Tunisia · PortugalApplicants are required to submit their application through the partner organisation representing their country of residence.For administrative reasons, in Belgium and Germany the call is specifically open to applicants residing in the French-speaking Community of Belgium (FWB) and the Berlin region, respectively.

Availability requirements

Selected artists must be available for the following key dates:

●30 November – 1 December 2026 — Introductory meeting and pitching session with DRIFT partners and artists in Berlin (Germany)
●1 November 2026 – 17 September 2027 — One Onboarding Lab + two local residencies (2 weeks in total) + three online Lab sessions
●18–21 March 2027 — Participation in the Festival Lab in Tunis (Tunisia)
●18–25 September 2027 — Showcase at the Biennale de la danse, Lyon (France)

Selection Process

Each DRIFT partner is responsible for selecting the artist based in its country. Selection will be based on the following criteria:

●Artistic quality — the strength, coherence, and singularity of the artist's practice
●Relevance of the research proposal — clarity and pertinence of the proposed research direction
●Professional experience — demonstrated career development and engagement with the field
●Motivation — depth of engagement with DRIFT's values and framework
●Potential for international development — capacity to benefit from and contribute to a transnational context
●Availability — confirmed ability to participate in all key project moments

Application Materials

Applications must be submitted via the online form below. The following documents must be attached:

Artistic CV (PDF)
Short description of artistic practice & research proposal (max. 2 pages, PDF). Please indicate whether or not the research project involves a working team (one or more collaborators alongside the applicant artist)
Portfolio & video links to 2–3 representative previous works (to be included directly in the form)

As part of the application evaluation process, we will pay particular attention to diversity, equity, and inclusion considerations, ensuring that applications are reviewed in accordance with the principles of equal opportunity and non-discrimination. Timeline

Call opens1 July 2026

Application deadline31 August 2026

Selection process1 – 30 September 2026

Results announced9 October 2026

Kick off meeting in Berlin30 November – 1 December 2026

Festival Lab in Tunis18 – 21 March 2027

Showcase Lyon18 – 25 September 2027

Online Application Form Click "Candidate" to access the online form. All fields marked with * are mandatory. Candidate → For any questions, use the contact form. Más información.

Festival TNT 2026

Murotron — Fri, 31 Jul 2026 11:17:27 GMT

Más información y programa completo.

CCC#117 Marusya Byzova, Jakob von Kietzell y Renan Capivara

La Caldera — Wed, 29 Jul 2026 09:35:48 GMT

Muestra del trabajo en proceso By Chance of Circumstances Jueves 30 de julio, a las 19h By Chance of Circumstances es un proyecto en curso dedicado a ocupar el espacio y el tiempo teatrales como materia en bruto, plástica y cambiante. Un trío de creadores y performers —Jakob von Kietzell (DE), Marusya Byzova (PT/RU/CA) y Renan Capivara (BR/PT)— inició esta investigación experimental en 2024 en el marco de la 7ª edición del Performing Arts Advanced Programme (PACAP) en Fórum Dança, en Lisboa, Portugal. Desde entonces, han explorado la especulación y la narración como herramientas para crear imaginarios compartidos entre los performers y el público en una actuación en vivo. En lugar de centrarse en un tema específico (qué), investigan herramientas metodológicas (cómo) planteando la pregunta: ¿cómo se convierte la ficción en un verbo de acción? Marusya Byzova (she/her) es performer y artista multidisciplinar de Saint Petersburg, Rusia, con formación en danza contemporánea y de salón, vogue, arte de la performance, teatro, arquitectura y artes visuales. Su trabajo explora estados de transición, el simbolismo y la narración en capas. Ha co-creado e interpretado proyectos liderados por artistas en Saint Petersburg, ha formado parte de una comunidad dedicada al desarrollo de la escena ballroom en Yerevan, Armenia, y ha colaborado con artistas locales en Lisboa, Portugal, tras completar el PACAP7 de Forum Dança, además de sus proyectos en solitario. Marusya es graduada en Architectural Environment Design por la Saint Petersburg State University of Architecture and Civil Engineering (2016–2021). Jakob von Kietzell (he/him) es una persona creativa queer y multidisciplinar situada en la intersección entre la danza, la performance, las artes visuales y el diseño, con base en Berlín y en distintos lugares de Europa. Le apasionan las colaboraciones transversales, la exploración de las relaciones humanas, la narración y el trabajo site-specific. Jakob es graduado en Diseño por la UAS Potsdam (2016–2021), con un año de estancia en la Faculty of Multidisciplinary Arts de Shenkar, en Tel Aviv. Posteriormente completó diversos proyectos de formación en danza contemporánea y creación, entre ellos ‘PERA Short’ en Chipre en el GAU, ‘Anfibia’ en Bolonia en Leggere Strutture y ‘PACAP7’ en Lisboa en Forum Dança. Paralelamente a su trabajo artístico, trabaja en remoto como diseñador UX/UI. Renan Capivara (he/him) es performer y creador que trabaja en la intersección entre la danza, la coreografía y las artes escénicas. Ha desarrollado su formación artística y educativa en Brasil y Portugal, incluyendo una licenciatura en Educación en Danza (UFC, Brasil) y la participación en la 7ª edición del PACAP (Fórum Dança, Portugal). Ha actuado, creado y coreografiado en proyectos independientes, y también ha trabajado como instructor de yoga y docente de artes y movimiento en contextos escolares formales. Actualmente vive entre Lisboa (PT) y Nuremberg (DE), donde cursa un máster en el Live Art Forms Programme de la Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. + info en la web entrada gratuita con reserva

Resolución Convocatoria del programa de residencias de La Caldera 2027 + Beca Extraordinaria Barcelona Crea – Fàbriques de Creació 2026

La Caldera — Wed, 29 Jul 2026 09:29:21 GMT

Ya tenemos la resolución de la Convocatoria del programa de residencias de La Caldera para el período de enero a diciembre de 2027 y de la Beca Extraordinaria Barcelona Crea – Fàbriques de Creació 2026 dirigida a artistas racializadas. Este año se acogerán un total de 10 residencias de creación y 2 residencias técnicas en 2027, además de 1 Beca Extraordinaria Barcelona Crea – Fàbriques de Creació correspondiente a 2026.

La comisión formada por Marion Betriu, Toni Mira, Inés Sybille, Reinaldo Ribeiro, Pedro Barreiro y Javier Cuevas ha seleccionado las siguientes propuestas para el Programa de Residencias La Caldera 2027:

Residencias de investigación y creación:

Itxaso Corral Arrieta Se me prende el cor, em corprèn

Albert Quesada UNICORNSAURUS — La màgia de les criaturas

Daniel Matos WE WORK FOR HONEY

Bibi Dória carnaval na lama

laila tafur santamaría HACER HÁBITO

COWBOYS CORNER Emily da Silva, Isabela Rossi, María Ibarretxe COWBOYS CORNER

Poliana Lima Baile de Máscaras (provisional)

projecte normal - lucía jaén Prácticas Contrasexuales

Mara Solange Sanchez Ortiz Yo, Chacarera

Elisabete Finger Pregnant Archives

Residencias técnicas:

Norma Pérez Las otras

Lara Brown Tórtola Valencia, pienso en ti con mis manos

BECA EXTRAORDINARIA BARCELONA CREA FÀBRIQUES DE CREACIÓ 2026

Camilo Mejia Cortes POTENCIA

Desde La Caldera agradecemos sinceramente el trabajo de todas las artistas presentadas, y abrimos un período de devolución y feedback telefónico para todas aquellas artistas que lo deseen.

Este feedback podrá solicitarse del 7 al 11 de septiembre. A partir del 14 de septiembre, agendaremos estas llamadas durante el otoño en horario de mañana.

Para solicitarlo, escríbenos a: residencies@lacaldera.info

Today I painted nothing. Marc Salas Armengol

L'Estruch — Tue, 28 Jul 2026 17:56:28 GMT

cегодня я ничего не рисовал (today I painted nothing) 2/09/26 al 7/11/26 De dijous a dissabte de 17 a 20 h Inauguració dimecres 2/09 18 h Today I painted nothing es planteja com una exposició al voltant de les idees de contingència i possibilitat, de la tensió entre la contenció i el desplegament, entre allò que es deixa veure i el que queda amagat, que s'intueix, o no, i entre materialitat i immaterialitat. El títol sorgeix a partir d'una anotació del poeta rus Daniil Kharms en un del seus diaris: ‘Today I wrote nothing. Doesn't matter’. Treballant a partir de la relació amb la sala d’exposicions i l’experiència a l’espai, l’exposició es construeix com un procés obert que explora la relació amb els materials que m’envolten i les seves possibilitats. La intenció és mantenir les peces en un estat de provisionalitat proper al que es dona a l’estudi, entenent l’espai expositiu com una oportunitat per a generar obertures més que un lloc on el procés conclou. Marc Salas Armengol (Sabadell, 2002) graduat en Belles Arts per la Universitat de Barcelona (2025). La seva investigació parteix de la pintura però troba sentit en el seu desplegament a l’espai, abordant el medi a partir de les característiques materials i les seves relacions espacials. La recerca se centra en la contingència de l’acció, en allò que pot passar, o no, explorant la potencialitat dels materials i els límits entre materialitat i immaterialitat. Entén la pràctica com un procés en constant transformació, com una cosa viva que té lloc en la trobada entre objecte i subjecte i en l’experiència a l’espai. Ha estat el projecte guanyador dins la convocatòria Estruch Obert 2026. _ Sala d'Exposicions de L'Estruch. Agricultura, 88 Sabadell

Feminismes fílmics

50 en libertad — Mon, 27 Jul 2026 18:15:36 GMT

La filmoteca de Catalunya alberga hasta el 29 de noviembre la muestra “Feminismes Fílmics”, una exposición con motivo del 50 aniversario de las Primeres Jornades Catalanes de la Dona que tuvieron lugar en el Paraninfo de la Universidad de Barcelona en 1976. La exposición contiene mucho material fílmico que precisa su tiempo de visionado, así que vuelvo varios días. Cada día, al entrar, se repite la sensación de que la claridad cegadora del exterior persiste aún en la retina y me cuesta un rato adaptarme a la penumbra de la sala de exposiciones, así que la primera “película “ veo es la que se proyecta dentro de mis ojos: esos estallidos de colores naranjas, amarillos o verdes que aparecen con el cambio de luz y cambian de forma mientras me froto los párpados. Este era uno de mis cines favoritos en la infancia, me podía pasar un rato frotándose los ojos para ver esas formas. El primer día un grupo de escolares ocupa la sala. Una mediadora les contextualiza en lo que supusieron las jornadas. Susurros entre ellas y ellos, algunas risas. La excitación de estar fuera del aula. Al salir, la auxiliar de sala nos hace amablemente unas preguntas por si nos apetece contestarlas. “És clar, sí”. ¿Qué es lo más interesante de esta muestra? ¿Qué hubiéramos cambiado? Pienso que he de escribir una crónica sobre esta expo y que ni siquiera sé muy bien qué contestar a unas preguntas aparentemente tan sencillas. Creo que balbuceo algo sobre la memoria y el archivo. Me siento antigua hablando aún de memoria y archivo. Los días siguientes la auxiliar y yo nos alegramos de vernos y nos saludamos con familiaridad, como dos vecinas. El domingo no trabaja y el lunes está cerrado. “Bon cap de setmana.” “Sí, també per tú”. La exposición es un recorrido audiovisual por los temas que se plantearon en las jornadas del 76: Trabajo, Barrios, Familia, Educación, Medios de comunicación, Política, Legislación, Ruralidad y Sexualidad y leo que “revisa la influencia que los feminismos han ejercido en el campo del cine y la creación videográfica en el contexto catalán”. Consulto cuáles fueron los temas de este año de las Jornades Catalanes de la Dona y veo que se organizaron igualmente en varias categorías o “bloques temàticos”, dentro de los cuales se desarrollaban varias ponencias y otros eventos: artes escénicas, mesas redondas. Los nombres de los bloques temáticos en las jornadas del 2026 eran: Si nosaltres parem el món s’atura: sosteniment de la vida, cures, habitatge i treballs. La nit és nostra, cap agresió sense resposta: violències masclistes i lluita contra la repressió. Aules feministes per uns futurs lliures: educació i pedagogies feministes. Ni les primeres, ni les úniques, ni les últimes: memòries i genealogies feministes i alliberament nacional. Nosaltres no tenim por, nosaltres som: dissidències sexuals i de gènere contra la violecia insttucional, drets de les dones. Els nostres cossos, les nostres decisions: sobirania dels cossos i salut. Ni guerres que ens destrueixin ni pau que ens oprimeixi: antimilitarisme. Algunos de los títulos de las conferencias incluidas en los bloques temáticos citados iban desde una invitación a “Queerizar los estudios del ámbito catalán”, a reflexiones como: “Feminismos en acción para afrontar la ofensiva antigénero: cuerpo, territorio y vida en disputa”, “La transfóbia no es feminista”, “Soberanismo de la muerte” o “Trabajadoras sanitarias y feminismos”. El uso del “nosotras”, la especificidad y la complejización de los temas con respecto a las Jornadas del 76 parece evidentes, pero si estos enunciados actuales nos resultan más complejos es por su porosidad y por los cruces que albergan, como si esa sofisticación en los temas —que precisamente, no son entendidos como unidades temáticas sino como “bloques”— tuviera que ver por un lado, con la ruptura de la ficción de las categorías como algo estable y por otro, con una cualidad más fluida del discurso en sí, en relación a otras metodologías y a otros modos de expresión. La forma en que la exposición está pensada —un archivo fílmico que ha sido construido a partir de la reedición y montaje de fragmentos de diferentes narraciones cinematogràficas— tiene que ver con esa cualidad fluida, con una ampliación del dispositivo crítico y con la relación con otros ámbitos del conocimiento. Al ver los films de la exposición pienso que los feminismos para resistir en tiempos de guerra contra las mujeres necesitan ser un pensamiento en movimiento y asumir su multiplicidad (feminismos decoloniales, feminismos trans y LGTBIQ+, feminismos periféricos…) su mutabilidad, sus disidencias y sus diferencias. La comisaria de la exposición Helena Lumbreras, del colectivo Cine de clase dice en el texto del dossier: “A pesar de todas las revisiones y transformaciones que se han producido a lo largo del tiempo en la manera de enunciar y concebir los sujetos políticos de los feminismos, y todo y las múltiples contribuciones que han enriquecido y ampliado sus debates, los nueve temas que articularon los diálogos de las Primeras Jornadas Catalanas de la Mujer resultan todavía sumamente relevantes y pertinentes a la hora de pensar las condiciones materiales y simbólicas de la vida de las mujeres, de imaginar y plantear nuevas maneras de construir sociedades más equitativas en cuanto a las diversidades y a las disidencias identitarias, y de articular formas de resistencia y acción colectiva en el presente”. En el planteamiento de esta exposición la diversidad de voces está presente a nivel temático, pero también a nivel formal, por la heterogeneidad de los materiales. No me parece que haya, en este sentido, una curadoría que presente una mirada sobre el hecho cinematográfico desde una perspectiva o un criterio puramente estilístico. El criterio de lo temático es el eje y andamiaje conceptual de la exposición e incluso dentro de las temáticas se producen otras combinatorias en parte sugeridas por el interesante montaje de Pilar Monsell. En la selección de materiales ya están presentes muchos tipos de formatos, pero también muchas formas de construir, de hacer relato, desde las más comerciales a otras más experimentales, documentales o ensayísticas donde se cruza lo artístico con narrativas más convencionales. La exposición tiene dos espacios independientes. La primera sala de contextualización de las jornadas que funciona a modo de introducción o prefacio. En esta sala alargada que es también un lugar de tránsito, recorremos documentos diversos: escritos, libros, panfletos, fotografías, carteles, información sobre iniciativas cinematográficas desde el feminismo y proyecciones. Los temas que después se desplegarán en la segunda sala, aparecen aquí ya bosquejados, sobre todo en el material fílmico documental que se ve en tres pantallas: imágenes mudas de esos días en el Paraninfo, un reportaje de la TVE que incluye algunas entrevistas a pie de calle que me recuerdan vagamente a “Comizzi d’amore” de Pasolini y “Feminisme. Els moviments feministes” de Georgina Cisquella, realizado en 1977, que habla de la situación de la mujer en aquel momento y de la necesidad de revisar las leyes que le atañen. Mientras miro los rostros en blanco y negro de las mujeres entrevistadas en los pasillos de la universidad o en las calles, en el afuera. Los fragmentos de manifestaciones o los puestos en los mercados, me llama la atención una cualidad que encuentro en casi todos los materiales que observo en esta sala. Son llamados a la acción: folletos, carteles, manifiestos… Son documentos mucho más vivos de lo que suelen ser los documentos historiográficos. Son urgentes, su función es conativa. Llaman. Interpelan. Buscan. ¿A quién buscan con tanta insistencia? A las mujeres. A las otras. “La asistencia rebasó el aforo del paraninfo, con unas 500 asistentes por sesión, cuatro mil en total a lo largo de los cuatro días. Todos los grupos de mujeres activos en aquel momento participaron, desde las militantes de partidos políticos en la clandestinidad [...] hasta las feministas radicales del Seminario Colectivo Feminista, y feministas independientes que habían empezado a formar grupos de autoconciencia, junto a grupos de los barrios, sindicalistas estudiantes, enseñantes, abogadas, médicas y enfermeras, artistas, escritoras, periodistas, y también muchas que acudieron atraídas por la convocatoria, desde jóvenes obreras hasta amas de casa”. El prólogo a esta exposición y las piezas que la componen estás escritas por todas esas mujeres. Unas mujeres que durante los cuatro días del 27 al 30 de mayo de 1976 construyeron un entorno para pensar y luchar contra esa terrible insistencia en la desaparición del relato de la mujer en la historia y aquellas que desde esa fecha hasta el momento actual han construido ese relato. Eso es lo que más me emociona al mirar las imágenes de estas jornadas y sobre todo, al pasar a la segunda sala. Lo que se despliega allí en cada uno de los fragmentos de las películas que se proyectan en la exposición es, precisamente, la labor de muchas mujeres —desde la lucha, desde los aparatos discursivos y teóricos y por supuesto, desde la práctica cinematográfica y artística— de recuperar y producir esas narraciones. La necesidad de generar un relato propio, que acaso sea tan importante como la necesidad de una habitación propia. La segunda sala contiene nueve pequeñas salitas que parten del centro en disposición radial. Un panóptico liberado de su función de vigilancia. Cada una de estas habitaciones lleva el título de uno de los temas de las Jornadas del 76: familia, barrio, trabajo… y desde el centro de la sala, se pueden ver todas las pantallas proyectando a un tiempo materiales diversos. Me quedo un rato ahí, inventando posibles reediciones del material ya montado. En cada espacio, delante de la proyección hay dos banquetas y dos auriculares. Me acuerdo entonces de la pregunta de la auxiliar de sala y pienso en decirle que como aspecto a mejorar, una silla un poco más mullida y con respaldo no estaría nada mal como homenaje a las que nacimos en el 76. La disposición me recuerda vagamente a las cabinas de un peepshow al revés, ya que cada una de las pequeñas habitaciones-tema, dan la espalda al centro pero comparten con el peepshow cierta sensación de intimidad, de aislamiento. Recorro cada una de estas cabinas y hago ahora el ejercicio de recuperar algunas imágenes en mi propia edición de lo visto. As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty. Estas notas son esos destellos. Trabajo Desde la La Sortie de l'usine Lumière à Lyon, de los hermanos Lumière, el cine se ha relacionado con el trabajo de una manera intensa. En Oralia, cortometraje documental de Rocio Quillahuaman, la protagonista es la madre de la artista, trabajadora del hogar. Su hija, que la graba durante todo el tiempo en que ella no deja de hacer cosas: limpia ventanas, friega platos, barre, ordena… le dice en un momento: —Si hubiera estudiado medicina no estaría aquí contigo, grabándote. En Lo que tú dices que soy (Virgina García del Pino, 2007, 28’) diversos trabajadores mirando a cámara centrados, en sus lugares de trabajo, responden a unas preguntas formuladas desde el lado de la cámara. Invisibles. Encarna Martínez, de profesión “parada intermitente” sitauada delante de una oficina de desempleo, dice en un momento del film: “Yo pienso que estar parado tiene incluso más ventajas que no estar parada, porque… tienes tiempo… que eso hoy en día es bastante importante ¿no? aunque sea para… para pensar mal de todo, pero por lo menos, tienes tiempo para poder ver pasar la vida”. Barrios Pasa la vida en la película En la ciudad (Fina Miralles, 1976, [2’]), varios coches atraviesan el plano, calles, gente caminando, una mujer gitana interpela a la cámara que parece que anda “Agarrando pueblo’. La pornomiseria como género cinematográfico formulado por Ospina, Mayolo y el grupo de Cali. Relatos de las otras de las otras. Barrio. Comunidad. Identidad y pertenencia. Una joven traiciona sus orígenes de clase de los que se avergüenza. Chavalas (Carol Rodríguez, 2021, 88’). Y en Una llar de foc. Vivim el barri (Iker Acosta, Marta Carreras, Helena Flò, Noa López, Nefeli Tsitsikli, Sara Vara, 2024, 6’) los planos delicados del temblor de las flores del Ágora del Raval, solar recuperado por los vecinos en el 2014, tras el asesinato de Juan Andrés Benítez a manos de la policía. Educación Me asomo a esta habitación justo cuando en la proyección, un cuerpo cae de un balcón. Reconozco el escenario donde tiene lugar la escena: es la plaza de la Paja, en Madrid, desde hace ya algunos años epicentro de la expansión gentrificadora de La Latina. Pero en el año 83 cuando se hizo la película Escuela de San Ildefonso (Helena Lumbreras, Colectivo Cine de Clase, 1983, 34’) yo iba al cole en esa misma plaza, era una plaza de tierra en cuesta sin cafeterías ni terrazas y veía en la TV a los niños del San Ildefonso cantar los números de la lotería. El director de colegio donde yo iba (una edificio antiguo que funcionaba como escuela) se llamaba Alfonso. Yo pensaba que aquellos niños que salían en la TV eran de la escuela de “salir de Alfonso” (San Ildefonso) y les envidiaba. Una niña respira siguiendo un ritmo pautado por una instructora. The breathing lesson (Dora García, 2001, 6’). Una asamblea de jóvenes en un instituto discuten un proyecto: pasar un día sin profesores en el centro. Salir del aula - Un dia sense profes (Luz Broto, 2017, 47’). Medios de comunicación Una ruleta va asociando imágenes publicitarias de hombres y de mujeres en Boy meets girl (Eugència Balcells, 1978, 9’). Los sonidos electrónicos de la cinta anuncian un match analógico y clarividente, precursor de las aplicaciones de citas actuales. Otra lotería diferente a la de los niños del San Ildefonso. Kioskos de prensa, lectores del periódico en medio de la calle en El cuarto poder (Helena Lumbreras, Llorenç Soler, 1970, 43’) Un recorrido exhaustivo por el papel de la prensa en la España franquista. Política “España es un charco profundo”. “Todas íbamos a ser reinas”. “Como si la imaginación pudiera aliarse con la desobediencia política”. Algunos ecos de frases escuchadas durante el visionado, apuntadas con boli medio a oscuras. ¿A quién pertenecen? “Con mucha frecuencia, contra la violencia no existe otro medio de defensa que la violencia, pero incluso entonces, no es violento el que se defiende, sino el que obliga a otros a tenerse que defender: no es violento el que recurre al arma homicida contra el usurpador armado que atenta a su vida, a su libertad, a su pan. El asesino es el que pone a otros en la terrible necesidad de matar ó morir”. Malatesta Esta es la cita que abre Guerrilleros, 13 Testimonios de la resistencia armada al franquismo (Mercè Conesa i Bartomeu Vilà, 1977, 81’). El increíble testimonio de Enriqueta Otero, con un bastón en una mano y un micrófono enorme en la otra. Con una gorra. La “María Dolores”, una mujer anciana, fuerte y curtida en la guerrilla, que retrata con lucidez y precisión el orden de las estructuras guerrilleras, lo que era para ella la lucha. “La guerrilla no se concibe sin la intervención de la mujer. Fue tan intensa, tan eficaz, tan potente que no tendría estructura el movimiento guerrillero sin ellas. Me siento emocionada al recordar a Carmen, a Marina, a Concha…” Legislación Un rostro tras otro, primeros planos de mujeres. Pienso: “Carmen, Marina, Concha…” Algunos gestos de aquiescencia o de disenso como respuesta a la voz de los magistrados que performan un juicio. El jurado (Virgina García del Pino, 2012, 67’). La policía allana la casa de una mujer. Amparo Soler Leal sale a las escaleras envuelta en una toalla. Se estaba duchando cuando los policías entran a buscar a un supuesto amante para acusarla de adulterio. Vámonos, Bárbara (Ceclia Bartolomé, 1978, 95’). The Poem. A video essay from Human Resources Project (Núria Güell, 2022, 21’) el dispositivo flímico está compuesto por rostros borrosos de ex presos y ex presas que hablan sobre su experiencia en prisión. “A mi me dan a elegir entre el módulo de hombres y el de mujeres, y me voy al de hombres”. Ruralidad Dos mujeres llevan a cabo tareas domésticas en el campo. El setting recuerda al de Semiotics of the kitchen 1975, Martha Rosler. La más mayor, va indicando a la joven cómo se llevan a cabo estas tareas. A veces, se detiene en su propia actividad y la mira para comprobar cómo lo hace. Transmissions (Marta Vergonyós, 2010, 14’). En Caza (Mari Chordà, 1967, 2’) las imágenes de una mujer que carga con un fusil junto a otros dos hombres. En un momento, después de subir un murete de piedra, la cámara les deja y hace una panorámica de las montañas. Del paisaje inmenso, volvemos a ella que hace un amago de apuntar a la cámara con el fusil. Encuentro este fragmento en la entrevista El campo para el hombre (1975): rico cine pobre por Mariano Lisa, acerca de la película del mismo título realizada por él y Helena Lumbreras El campo es para el hombre (Helena Lumbreras, Mariano Lisa, 1973, 50’) Dice Lisa: “Menciono las cuestiones técnicas como ejemplo de un planteamiento artístico en el que la falta de recursos económicos se suple con ingenio y con esfuerzo. Hablo de técnica, porque la técnica define el arte. [...] La cámara no tenía pastilla para sincronizar la imagen con el sonido. Utilizamos deliberada y manifiestamente la asincronía. Nuestras películas eran clandestinas e ilegales. Trabajar sin sincronía facilitaba que la persona que hablaba en pantalla, si era detenida por la policía o guardia civil, pudiera alegar que ella no decía las palabras que se escuchaban, porque las aberturas, cierres y movimientos de su boca no se correspondían con la locución del film”. Sexualidad “El sexo... Me follas bien. ¡Ah! Cómo te amo. Solo tú puedes follarme así. Cómo se engañan las personas. Cómo se lo creen. Solo hay un tú, solo hay un yo. Solo tú puedes follarme así. Solo yo puedo ser follada así por ti... Qué gracioso. Qué horrible y sórdido. Pero joder, qué sórdido y horrible” Eso decía el personaje de Verónika en el film de Jean Eustache de 1973, "La maman et la putain". En la pantalla se suceden las imágenes y testimonios de mujeres hablando de cómo son sus orgasmos. Me quedo enganchada en alguna de las descripciones de Las muertes chiquitas (Mireia Sallarès, 2010, 286’) intentando pensar cómo pondría en palabras los míos. Familia Un cuerpo se sumerge en el agua, una anciana con la expresión ausente se mira en el espejo, Los Tortuga (Belén Funes, 2024, 109’). Dos adolescentes juntan sus cabezas en el césped en un diálogo constante. Mi hermana y yo (Virginia García del Pino, 2009, 10’). Dos niñas juegan al escondite Estiu 1993 (Carla Simón, 2017, 96’). Pienso que cuando se celebraron las Jornadas Catalanas de la Mujer mi madre tenía 31 años y 3 hijas. No escuchó hablar de estas jornadas o más bien, este tipo de actividad estaba simplemente muy lejos de su imaginario, de sus horizontes y de su ámbito de vida. En el fragmento proyectado de la película Memorias, norias y fábricas de lejía (María Zafra, 2011, 17’) encuentro una reflexión que dialoga con el pensamiento en torno a mi madre. En la película hay una interrupción de la dinámica del film que hasta ahora ha recorrido imágenes de archivo de super ocho de escenas familiares, encuentros, etc. y las voces sobreimpresas de trabajadoras que alrededor de los años 60-70 viajaron desde el sur de la península hacia las fábricas catalanas. En esa interrupción aparecen unos textos en la pantalla: “Las imágenes que observa no pertenecen a las voces que se narran. Porque no podrían pertenecerles. Porque no podrían serlo. Porque no tenían los medios para serlo. Porque no tenían permiso para serlo. Porque aunque en las películas familiares todas las familias podrían ser una sola, no todas las familias han sido invitadas a representarse”. El último día que me encuentro con la auxiliar de sala, intento contestar a lo que me preguntó el primero. Le digo que lo que me gusta no tiene nada que ver con la memoria y el archivo... o sí, pero desde un lugar muy concreto. Lo que me interesa es la posibilidad de asistir a la representación de colectivos (mujeres, lesbianas, trans, obreras, paradas, putas, amas de casa o estudiantes) que nunca han sido invitadas a representarse. Me interesa esa representación que se inventa, esa construcción que no pide permiso. Pensar en cómo aparecen los lenguajes que hacen posible nombrar, vislumbrar cómo se articulan esas presencias invisibles y cómo se inventa una representación de las mujeres que no parta desde el afuera, si la categoría de lo femenino, si la marca de género ha sido la forma del poder patriarcal proyectada sobre nuestros cuerpos. En la exposición lo que se proyecta son los deseos y el pensamiento, la sátira y la desesperación, la realidad y el desencanto, la alegría y la revolución… la representación festiva y deseante de “las que no han sido invitadas a representarse”.

Cecilia Molano

Imágenes: cartel de la exposición, Fotograma de Noticiari de Barcelona, núm 12 (ICC, 1977), Jornades Catalanes de la Dona (foto de Pilar Aymerich), Oralia de Rocío Quillahuaman, The breathing lesson de Dora García, cartel de Guerrilleros, 13 Testimonios de la resistencia armada al franquismo, Mari Chordà, La maman et la putain de Jean Eustache y Mi hermana y yo de Virginia García del Pino.

La Mancha más ciega

Murotron — Mon, 27 Jul 2026 09:09:31 GMT

Ana Martínez - Del 14 de julio al 27 de septiembre en La Capella

La Mancha más ciega parte del no argumento y la densidad de la voz propia para, a base de tanteos y desplazamientos, establecer conexiones en la ilegibilidad que da forma a la vida cotidiana.

El proyecto propone explorar la oralidad como materia a través de movimientos de la forma lingüística que encuentran presencia fijándose en lo efímero y en la manipulación del lenguaje a la que nos exponemos diariamente. Pero también busca reconsiderar la sensualidad de esas propias señales, mostrando y estirando un gesto de mucha modestia y de mucha intención al trabajar con un material que desea imitar.

Una madera sin prestigio, una intentona de querer ser.

Más información.

CCC#118 Marusya Byzova, Jakob von Kietzell y Renan Capivara

Murotron — Mon, 27 Jul 2026 08:39:25 GMT

Muestra del trabajo en proceso By Chance of Circumstances By Chance of Circumstances es un proyecto en curso dedicado a ocupar el espacio y el tiempo teatrales como materia en bruto, plástica y cambiante. Un trío de creadores y performers —Jakob von Kietzell (DE), Marusya Byzova (PT/RU/CA) y Renan Capivara (BR/PT)— inició esta investigación experimental en 2024 en el marco de la 7ª edición del Performing Arts Advanced Programme (PACAP) en Fórum Dança, en Lisboa, Portugal. Desde entonces, han explorado la especulación y la narración como herramientas para crear imaginarios compartidos entre los performers y el público en una actuación en vivo. En lugar de centrarse en un tema específico (qué), investigan herramientas metodológicas (cómo) planteando la pregunta: ¿cómo se convierte la ficción en un verbo de acción? Más información y reservas.

Marusya Byzova (she/her) es performer y artista multidisciplinar de Saint Petersburg, Rusia, con formación en danza contemporánea y de salón, vogue, arte de la performance, teatro, arquitectura y artes visuales. Su trabajo explora estados de transición, el simbolismo y la narración en capas. Ha co-creado e interpretado proyectos liderados por artistas en Saint Petersburg, ha formado parte de una comunidad dedicada al desarrollo de la escena ballroom en Yerevan, Armenia, y ha colaborado con artistas locales en Lisboa, Portugal, tras completar el PACAP7 de Forum Dança, además de sus proyectos en solitario. Marusya es graduada en Architectural Environment Design por la Saint Petersburg State University of Architecture and Civil Engineering (2016–2021). Jakob von Kietzell (he/him) es una persona creativa queer y multidisciplinar situada en la intersección entre la danza, la performance, las artes visuales y el diseño, con base en Berlín y en distintos lugares de Europa. Le apasionan las colaboraciones transversales, la exploración de las relaciones humanas, la narración y el trabajo site-specific. Jakob es graduado en Diseño por la UAS Potsdam (2016–2021), con un año de estancia en la Faculty of Multidisciplinary Arts de Shenkar, en Tel Aviv. Posteriormente completó diversos proyectos de formación en danza contemporánea y creación, entre ellos ‘PERA Short’ en Chipre en el GAU, ‘Anfibia’ en Bolonia en Leggere Strutture y ‘PACAP7’ en Lisboa en Forum Dança. Paralelamente a su trabajo artístico, trabaja en remoto como diseñador UX/UI. Renan Capivara (he/him) es performer y creador que trabaja en la intersección entre la danza, la coreografía y las artes escénicas. Ha desarrollado su formación artística y educativa en Brasil y Portugal, incluyendo una licenciatura en Educación en Danza (UFC, Brasil) y la participación en la 7ª edición del PACAP (Fórum Dança, Portugal). Ha actuado, creado y coreografiado en proyectos independientes, y también ha trabajado como instructor de yoga y docente de artes y movimiento en contextos escolares formales. Actualmente vive entre Lisboa (PT) y Nuremberg (DE), donde cursa un máster en el Live Art Forms Programme de la Akademie der Bildenden Künste Nürnberg.

Santa Clara 1271-2026. 'Nas marxes' desempolvando el rito

Mambo — Thu, 23 Jul 2026 21:15:09 GMT

Tiempo de resurrección, el regreso Como reza la propia página web de la bienal: La Bienal de Pontevedra surgió en 1969 por iniciativa de la Diputación de Pontevedra a partir de la labor de promoción artística que la entidad desarrolla ininterrumpidamente desde el siglo XX, especialmente desde 1925. La idea era reunir en una exposición conjunta todo el arte realizado en la provincia, lo que dio origen a la I Bienal de Arte. A lo largo de los años la bienal pasó por diferentes etapas, fue creciendo y expandiéndose de la mano de diferentes directores. Hasta que en el 2010 interrumpió su crecimiento por un periodo de 3 lustros de ausencia. En 2025 la bienal resucita con el título de Volver a ser humanos. Ante el dolor de los demás. En esta edición, dirigida por Antón Castro, la bienal de artes se abre a las disciplinas de las artes vivas en un programa dirigido por Iñaki Martínez Antelo. Esta programación fue el germen de lo que hoy estamos viviendo como la primera bienal de artes vivas bajo el nombre de Nas marxes (En los márgenes). Parece que en muchas ocasiones las bienales escénicas complementan, adornan o hacen de teloneros de la propia bienal de artes plásticas. Sería interesante que la declaración de intenciones del presidente de la bienal de dotar de una propia bienal a las artes vivas, en alternancia de años, sea un hecho, elevando así con este gesto a “arte” lo escénico, lo vivo, lo efímero. El convento, desempolvando el rito, la fraternidad En el 2025 la programación de artes vivas se extendió en el tiempo y en el territorio: 12 propuestas a lo largo de 3 meses en diferentes lugares de la geografía pontevedresa. En la edición de 2026 son 11 días, del 2 al 12 de julio, y 22 propuestas y todo gira en torno a tres espacios dentro del convento de Santa Clara: la iglesia, el coro y los jardines. Espacios que los que seguimos la bienal vemos transmutar. ¿Cómo es posible que esta sensación de espacio renovad la sienta con tanta potencia en estos días y no la sienta cuando voy al teatro, donde la caja negra se transforma por el efecto de los artistas, de la iluminación, de los elementos escénicos? Os daré una pista muy obvia, la clave está en la mutación del enclave de escenario-patio de butacas y en la rotura de la cuarta pared. Los márgenes se desdibujan, se borran las fronteras, se difuminan las miradas, escuchamos la respiración de los artistas casi hasta poder conectar su respiración a la nuestra. ¡Esta es la clave! El continente en este caso, de por sí, aporta contenido a cada una de las performances. Es inevitable no incluirlo en la dramaturgia consciente o inconsciente del ojo que observa. El espacio en sí me ha llevado a mil lugares, a mil territorios de mi memoria. Desde que en el 1271 se fundó el convento hasta que en septiembre de 2017 sor Purificación y sor Sagrario lo abandonan, imagino los ritos celebrados en estos espacios: “la toma del hábito” , la ceremonia de los “votos simples” o los “votos solemnes o perpetuos”. Ceremonias que conducían a las jóvenes postulantes en su recorrido a la espiritualidad. Después de 9 años de inactividad el convento se abre de nuevo al rito con un programa híbrido, en los márgenes de la danza, de la teatralidad, de la música, de la performance. Un programa que parece concebido para este espacio. Un programa que nos conduce como espectadores a una espiritualidad no buscada. Espiritualidad que se va forjando a lo largo de los días y que acaba por devolverme una sensación de fraternidad con los artistas, con los espectadores, con el equipo técnico y de producción, con el espacio. Así a lo tonto, casi sin darme cuenta me veo sentada el último día de la bienal, después de la increíble presentación “mística” de Marco Bertani, charlando con algunas amigas, con algunas bailarinas, con algunas amigas bailarinas, con el propio Marco. Sí, me veo, allí sentada en las escaleras del acceso norte a la capilla con el juicio final de la puerta como testigo, no queriendo irme. No queriendo que mi retiro espiritual de 11 días concluya, aún sabiendo que el poso de lo vivido no se desvanecerá tan fácilmente con el tiempo. Es cierto que no he podido ver las 22 propuestas del programa pero sí la mayoría y en un acto de conexión de propuestas buscando dibujar esa constelación de la que Iñaki (el artífice de esta programación) nos habla en el programa, encuentro algunos hilos conductores que acercan y unen gran parte de las propuestas: la exploración de la voz en sus límites, llevar los cuerpos a los límites del tiempo, de la resistencia, de la deformidad, a los límites de la inactividad, de lo imperceptible. Otro hilo casi implícito por la propia utilización de algunos de los espacios es la búsqueda de la proximidad, de la apelación al público por la complicidad generada por el espacio compartido, la búsqueda de la revelación del secreto, de lo oculto, de lo prohibido, de la cara b de las cosas. Y es que nada es lo que parece o sí, según se mire. Y con estos hilos que unen y dibujan esta constelación me lanzo a dar una pincelada emocional de lo vivido. Porque así me siento yo, emocional. La bienal se abre el jueves 2 con 2 propuestas: la de Blanca Tolsá en la iglesia con su Microdesfase y la de Clo plas, Diego Sites e Javi Álvarez en el jardín con Clo Pau Plas Pedra. Blanca Tolsá aun a pelo nos resonaba el alma Blanca surge de la puerta de la sacristía directamente al altar en una conversación vocal con el espacio, buscando resonancias, leyendo huecos y surcos, dibujando poco a poco el espacio que ocupamos tímidamente los espectadores. Dejándose dibujar en ese cuerpo que parece una extensión de sus resonadores craneales. Algunos nos movemos, nos acercamos a veces para escuchar o para sentir cómo cambia el sonido, la vibración. En algunos momentos la conexión del micro con la mesa se pierde de manera accidental, así que las resonancias quedan a expensas de la maestría y entrega de Blanca, del espacio y tal vez del espíritu de Sor Purificación animando a dar vida de nuevo a la iglesia. Personalmente me siento conmovida por estos momentos. Blanca a pelo, sin trampa ni cartón, llenándolo todo con casi nada. Haciendo vibrar de nuevo este espacio de comunión, esta vez entre el artista y el espectador. A la salida de la función una espectadora me comenta, yo veía como algunos os acercabais y lo sentía como una profanación. Sin decírselo pensé: claro como si te vas al Louvre a ver la Venus de Nilo y decides abrazarla. Lo que ella no sabe es que Blanca nos propone movernos en el espacio, buscando resonancias al igual que ella lo hacía, buscando que nuestros cuerpos se transformasen por esa escucha. Clo Pau Plas Pedra un espacio que invade los cuerpos, una fealdad que se torna bella, una voz que desganada desmigaja la emoción de lo cotidiano. A las nueve después del viaje de Blanca pasamos al jardín del convento. Un espacio abierto bordeado por una alta muralla y como fondo de escenario una fachada trasera de un edificio de los setenta. Una fachada que percibo como fea, cutre, con sus pequeñas chimeneas de aireación, viejas, torcidas. Es cuando salen a escena los 4 integrantes de la formación, cabezudos maquineros, de almacén, los olvidados, es ahí cuando todo hace “Match” y el espacio se dibuja acorde, forma parte de ellos y de ahí torna bello, belleza que inexplicablemente se mantiene en el tiempo a lo largo de los 11 días. La voz livianamente descarada de Xiana Arias está envuelta por un espacio sonoro que juega con ella, con los cabezudos, con las ridículas coreografías. El todo funciona, Xiana atrapa, se hace atractiva, muy atractiva. Una atracción con toques gatunos y sutilmente insolentes. Viernes 3, Martín Flores Cárdenas en programa único ocupando iglesia y coro con La fuerza de la gravedad. Martín Flores Cárdenas y la profundidad de la gravedad o la gravedad del vivir La segunda propuestas la de Martín Flores comienza como una lectura de casi un testamento o una declaración de intenciones que propone leer a Laura López Moyan, su amiga actriz. Martín tiene grandes amigos, al menos 137, yo diría que casi 200, a través de los cuales va relatando una vida, un hacer, un transcurrir del tiempo, un relato de los momentos compartidos, devorados a veces. Yo tengo un amigo sentado a mi izquierda que dice que la palabra en sí sola no le conecta, que le molesta escuchar la cantidad de amigos que tiene Martín, como una lista interminable de pertenencias. Yo tengo una amiga sentada a mi derecha que se emociona, se ríe y a veces siento sus ojos cargados, tal vez por el recuerdo de momentos perdidos, o amigos perdidos. Laura se mantiene al principio ajena a la lectura, para ir poco a poco, opinando de ella con una ironía sutil, bufona y que pretende inocente. Y el texto se va apoderando de la emoción ahora si amigo de la izquierda, en una pausa final que la identifica, que la atraviesa, a ella la amiga actriz y también a mí. Después de esta lectura en el altar, con solemnidad y en silencio la seguimos a través de una diminuta puerta al coro de la iglesia. Allí nos espera Martín con sus raíces en forma de pluma en la cabeza, en medio de un espacio desdibujado por el humo, en un espacio que invoca y que ahora sí o sí nos agarra con la fuerza de la gravedad aun sintiéndonos en la luna. Una atracción entre lo más terrenal y lo más estratosférico cierra el viaje. Me veo de nuevo en medio de mis dos amigos y pienso en lo bonito que es la atracción de los cuerpos. El sábado 4 la bienal nos ofrece tres propuestas la de Lara Brown con Tórtola Valencia pienso en tí con mis manos, Isabel do Diego con Bestia sagrada y Vacaburra con O raro é que bailar sea raro. Una programación que se articula con mimo desde una mirada queer. Accedemos al coro desde una puerta lateral que nos guía atravesando una sala abovedada en plena excavación arqueológica y un lagar que antaño trituró la uva que daría lugar al mosto que las monjas Clarisas fermentaban en la gran bodega del convento. María, mi amiga arqueóloga, me cuenta que el convento tiene un escrito en el que otorgaban el derecho al consumo de dos litros de vino diario a cada una de las mojas que lo habitaban. Me imagino que esto vino abriría las puerta a lo espiritual como lo puede hacer cualquier estímulo que produzca un pequeño estado alterado de la conciencia. Lara Brown la memoria que reconstruye y crea nuevos posibles. Lara Brown nos cuenta con suavidad, simpatía y amor a raudales cómo lleva ya un tiempo investigando la vida y obra de Tortola Valencia. Una investigación que empezó con la intención de acercarse a su mundo más personal para a partir de ahí reconstruir sus danzas desde el sentir y como única referencia las imágenes de archivo que atesora. Una aproximación no solo a la bailarina de éxito de principios del siglo XX, sino una aproximación e ella, a la persona, a esa mujer libre, rompedora de tabúes sociales que cruza el Atlántico, lejos de la mirada conservadora de la ciudad que la vio nacer. Es así y desde este aproximación como Lara se vuelve canal, construir desde el sentir, no obligar al cuerpo a nada, dejar que él reconozca a partir de la realidad construida, a partir de mirar con lupa el mundo de Tortola Valencia. Lara nos hace participes de su propósito invitándonos a sostener esas fotos guía que inspiran su baile. Salgo del coro con una sensación de intimidad muy calentita, con la inocente ilusión de haber contribuido a que Lara dé un paso más en su acercamiento al mundo de Tórtola. Salimos de la intimidad del coro y de la sonrisa amable de Lara para entrar en el profundo mundo de Isabel do Diego, el alter ego del artista cordobés Juan Diego Calzada. Un concierto con tintes cabareteros que en su ritmo hipnotizante me lleva a fusionar la imagen de Isabel con el retablo Barroco de la iglesia que le sirve de fondo. Una fusión que con el cambio de iluminación que acompaña su voz, parece dar vida a los querubines que lo custodian. Sonríen y se entristecen al ritmo de las voces cavernarias o de falsete que Isabel va alternado en una suerte de aquelarre electrónico ritualizado. Salgo desconcertada, con una sensación de irrealidad y también con el delicioso regusto de la irreverencia. Vacaburra cierra el programa del viernes con, O raro é que bailar sea raro. Un solo interpretado en los teatros por Andrea Quintana y que para la bienal Vacaburra recrea para cuatro cuerpos, los de Andrea, Ailen, Gael y Olga. Cuatro cuerpos no normativos para la danza, cuerpos habitados por almas que expresan con su presencia una reivindicación a ser lo que uno quiera, habitar el mundo sin artificios, sin estereotipos. El espacio está limpio y de nuevo admiro ese fondo de escenario con esos 4 cuerpos vestidos de negro, simples, bellos, siendo lo que quieren ser. Las circunstancias del vivir me hacen saltarme el programa del domingo y el lunes y perderme las propuestas de Pista Cuatro con Sen Patrón, Javier Hernando (Los Bárbaros) con Extraña Alegría y Noela Covelo Velasco y Élise Moreau con Aplauso, vacío; y retomo el martes 7 con Jérôme Bel en programa único para este día. María Roja presta su cuerpo y su presencia a Jérôme para la pieza Jérôme Bel. Una conferencia a modo de las autobiocoreografías ya ensayadas con otros bailarines o coreógrafos como la de Veronique Doisneau o la de Isabel Torres, o incluso como la colaboración con su admirado Xavier Le Roy. Maria Roja con su magnética presencia va tejiendo la autobiografía con la vida, la obra y los pensamientos ético-políticos de Jérôme Bel. Maria-Jérôme nos habla de sí mismo en primera persona de una manera pausada, clara, con una dicción cuidada, dándonos tiempo a la masticación, al pensamiento, a la construcción mental de nuestros propios argumentos. Jérôme se nos muestra humano, humilde y reflexivo en la mirada de su obra que continuamente actualiza conforme avanza la pieza. Me siento como en la sala de estar escuchando a mi colega después de haber hecho un proceso largo con su terapeuta. Me quedo con la resonancia de que el artista a través de su obra acaba mostrando su manera de estar en mundo. La autobiografía comienza con un encuadre que anuncia 2 horas de duración, advirtiéndonos y animándonos a abandonar la sala si así lo necesitamos. Para mí las 2 horas vuelan, se crea en la iglesia un estado de atención plena y cuando salimos a la calle se activan las ganas de hablar con las colegas de la vida, de arte, de política, de dolor y de ecologismo. De regreso a casa compruebo que para ver tu obra Jérôme, he recorrido 60 kilómetros en mi Toyota Yaris, he consumido casi 4 litros de gasolina y he emitido 7 Kilos de CO2 a la atmósfera. C’est la vie. Día 8. Maria Jurado con Angelical y Fran Martínez con Transfixión. Iglesias y Coro. Maria Jurado, una pasarela a la transformación, a la deformidad, a lo no mostrable. Vivimos en un mundo tremendamente polarizado y en continua lucha por ocultar, aniquilar el polo opuesto. Lo angelical parece vender y sin embargo lo que a mí más me atrae de María es lo dionisíaco. Esa pasarela de transformación y de bajada a los infiernos. Para Aristóteles “La virtud está en el término medio” a mí lo que me gusta es el baile entre los polos. Ah y esa luz “efecto Dios o Espíritu Santo de los libros de religión” que iluminaba a María en la pasarela que se crea disponiendo al público en dos largas filas a ambos lados de la iglesia. Esta mismo efecto de luz, esta vez natural y del atardecer, ilumina el coro para mostrarnos a un Fran pausado, dejándose llevar por el espacio ocupado por nosotros, por su espesura interna, por su sensibilidad externa. Un Fran en proceso de creación con una sensibilidad exquisita a flor de piel y un estar sin prisa, sin tiempo. Es una delicia dejar que la mirada busque posarse en Fran o en quién esté en la linea entra la luz y mi ojo. El día 9 Ángela Millano con Scarlet y Manuel Rodríguez con Alien, no estuve allí. Día 10 iglesia, coro y jardín, Alejandra Pombo Su con E os ocos comenzaron a pegarse, Thiago Granato con Out of sight, out of mind, Leonor Leal y Antonio Moreno con En Talleres. Alejandra emite alaridos desde el coro alto de la iglesia. No la vemos pero su voz parece acercarse, se transforma en graznidos, aullidos, gruñidos, berridos, guarridos, bramidos, ronquidos, balidos, lamentos, o en un llanto desesperado, visceral. Aparece a través de la puerta del coro bajo habitado un cuerpo, que aun siendo humano, se ve despojado de todo signo de humanidad. Alejandra deambula con su cuerpo carcasa por la iglesia, se encarama a lo que se encuentra, se me antoja que buscando dónde regurgitar su aliento. Thiago Granato nos recibe en la entrada al coro y nos explica que lo que vamos a contemplar es un trabajo en proceso que presentará en Montemor o Velho en el Festival Citemor en un par de semanas. Nos acompaña al coro y comienza a moverse en una danza que dibuja el espacio escénico. Una vez creado el espacio, sale para hacer un cambio de vestuario. En este tiempo, el público que está sentado a dos bandas, se mira, se pregunta, se da calma, se reconoce. Thiago no sé si este tiempo de espera es buscado, pero si no lo es, te diría que lo apuntes en tu cuadernillo de notas. Thiago se mueve ahora en un pequeño espacio y en un non stop va creando imágenes con la ayuda de 4 elementos que sus brazos asistentes ejecutan. Un continuo a cámara lenta que atrapa. Thiago comparte la lectura que le inspira y nos regala sus reflexiones en una danza que muestra un cuerpo fuerte, contundente e inequívoco. Leonor leal y Antonio Moreno nos presentan en el jardín un diálogo de baile y percusión. Una ejecución con una limpieza total y absoluta nos lleva a escuchar con una claridad finísima el chasquido de los dedos de Leonor o el susurro de Antonio. Un diálogo cómplice y muy jugado que acaricia el final del día. El día 11 me pierdo a Celso Fernández Sanmartín con su Contar no apagón y me incorporo a la performance de Ana Borralho e Joao Galante en la iglesia. Vamos pasando poco a poco a una iglesia a oscuras dónde varios cuerpo yacen inmóviles en el suelo (los cuerpos de un grupo de teatro del centro Asociado a la UNED). Tienen los ojos cerrados, a veces hablan muy bajito, apenas se les oye. Esto hace que nos tengamos que acercar mucho para escucharlos. Poco a poco se van creando composiciones de dos, tres, cuatro cuerpos alrededor de los cuerpos yacientes que hablan. Nos van contando una historia que se va repitiendo en distintos tiempos, en distintas voces. De repente todas las voces confluyen en una frase, en un mantra, para después de unos instantes de nuevo volver cada uno a un momento distinto del relato. A veces todos callan. Nosotros esperamos tranquilos a su lado. Los espectadores cada vez se ablandan más, se acercan mas, se va creando una intimidad que relaja los cuerpos, que nos invita a acomodarnos cada vez mas pegaditos, mas cómplices. Laia Estruch y Zunzún parece que llevan toda la vida juntos aunque el programa anuncia que se han juntado para la bienal. La bestia parda de Laia irrumpen con su voz que parece surgir del fondo de la tierra o de un volcán en erupción o de una caverna y parece surfear en un mar bravo que conoce como la palma de su mano. Grande Zunzún la banda Pontevedresa que la acompaña y que llena el jardín del convento. Jo em penso que sóc i no sóc res, però sóc quan sóc i puc ser allò que sóc, que sempre em penso que no sóc. (Yo pienso que soy y no soy nada, pero soy cuando soy y puedo ser lo que soy, que siempre pienso que no soy.) Salgo cargada de energía, con ganas de ser lo que creo que no puedo ser, con ganas de bailar. Cenamos con amigas, bailamos música mala y reímos y somos felices mientras bailamos. Gràcies Laia, deus cho page Zunzún. Y llegamos al último día, Montdedutor en el coro con sus Danzas románticas/antena fantasma y el solo de Alessandro Sciarroni en la interpretación de Marco Bertani en la Iglesia con Don’t be frightened of turning the page. Dos hombres con cuerpos grandes, con una presencia inmensa, con una simpatía arrolladora. Dos hombres con trabajos muy diferentes y que sin embargo atrapan hasta hacer que pierda la conciencia de mi propia realidad y me meta en su mundo, a fondo, a muerte. Los dos llenan el espacio de maneras muy distintas con fuerzas opuestas. Marco Bertani lo llena con la fuerza centrífuga de sus giros y los dibujos que surgen de su movimiento, que parece no tener fin y que me lleva a perder las coordenadas del tiempo. Un final que me deja un sabor de boca dulce, suave, tranquilo. Me siento Feliz de estos días de bienal, feliz de los momentos compartidos. 11 días y 22 propuestas. Google me dice que el 11 y el 22 son los llamados números maestros en numerología, representando vibraciones espirituales elevadas. El 11 es el Mensajero o Iluminador, asociado con la intuición, la clarividencia y la inspiración. El 22 es el Constructor Maestro, vinculado a la materialización, el liderazgo y la capacidad de construir grandes proyectos en el plano terrenal. Me pregunto si fue el azar o la intuición lo que llevo a Iñaki a dar este orden a la constelación de propuestas. Fuera como fuere, ojalá esto represente un ancla al futuro. Larga vida a la bienal de artes vivas, larga vida a estos espacios de creación, intercambio y comunión. AMEN

Uxía I. Lodeiro

Fotos de Romina Doce y Miguel Rubio