T E A T R O N

Mediació 360. Del concepte a l'acció en el teu projecte

L'Estruch — Thu, 01 Oct 2026 11:27:37 GMT

Dilluns 26 d'octubre de 2026. Taller 2 de L'Estruch Inscripció gratuïta. Cal omplir el formulari aquí Us proposem una jornada completa en què desplegarem la mediació en les seves diferents vessants per a comprendre el potencial cabdal que pot tenir en les nostres trajectòries. Un espai de pràctica i reflexió al voltant de la mediació artística: un lloc des d’on aturar-se, pensar i posar en qüestió les maneres com ens relacionem amb l’art, amb els públics i amb el territori. L’objectiu és construir un marc discursiu i situat que permeti entendre la mediació de manera transversal, no com una capa afegida al projecte artístic, sinó com una pràctica que forma part del seu propi ecosistema. Un ecosistema viu, connectat amb el territori, amb les comunitats i amb els diferents agents que el sostenen. Aquest laboratori no entén la mediació únicament com una eina d’apropament als públics. La planteja com un espai de relació i de transformació, capaç d’activar pràctiques artístiques compromeses amb les comunitats, de teixir vincles entre agents diversos i de generar diàlegs que obrin altres formes de participació, col·laboració i construcció col·lectiva a través de les pràctiques artístiques. PROGRAMA

9.30 h Benvinguda i cafè
10.00 h Presentació de l'Estruch i inici de la sessió matinal
10.15 h Sessió de matí
13.00 h Pausa per dinar
14.00 h Sessió de tarda
16.00 h Tancament

A qui va dirigida?

Aquesta formació està pensada per a artistes, companyies i altres professionals de les arts escèniques i visuals que volen incloure la mediació en la seva activitat professional per enriquir les col·laboracions amb territoris, equipaments i pràctiques artístiques.

A càrrec de:

Esther Blázquez Artista, pedagoga i investigadora. Ha realitzat projectes d'investigació en l'àmbit de la pedagogia crítica i l'art experimental, explorant connexions i incorporant metodologies que proposen altres formes de coexistència, on es proposa la mediació com un marc de qüestionament col·lectiu sobre les dimensions ètiques, estètiques, polítiques i eròtiques dels espais que ens conformen.

Actividad pública Octubre LAV-C

Tenerife LAV — Thu, 01 Oct 2026 08:53:02 GMT

16 Octubre Apertura residencia Raquel Klein con “Negro Luz” Cruce con Graner (Fábrica de creación, Barcelona) Espacio La Granja, Santa Cruz de Tenerife, 20:00 https://cultura.icdcultural.org/programacion-elg/negro-luz 17 Octubre Sun Dance Family Session, Edición Especial Festival Eólica ITER, Tenerife, 13:00 - 13:45 17 Octubre Encuentro de residencias artísticas, Festival Eólica ITER, Tenerife, 19:00 - 19:45 18 Octubre Sun Dance Family Session, Edición Especial Festival Africamía DJ SG y Sara Maurin Kane Sala de Cámara Teatro Leal de la Laguna, 11:30 - 13:30 23 Octubre PHANTOM de Darío Bardam Danza en Breve Sala de Cámara Teatro Leal de la Laguna, 19:00 https://tickety.es/event/danza-en-breve-dario-bardam-phantom #LAVC

Entrevista a Jacobo Cayetano, Fernando Gandasegui y Javi Cruz sobre Dios me puso sobre la ciudad como al tábano sobre el caballo para que no se duerma ni amodorre

50 en libertad — Wed, 30 Sep 2026 12:22:14 GMT

‘Dios me puso sobre la ciudad como al tábano sobre el caballo para que no se duerma ni amodorre’, Lavapiés recupera el espíritu de Tábano, la compañía de teatro independiente que agitó la escena madrileña desde 1968, con una jornada de teatro, performance, música, archivo y memoria. Jimena Marcos “Madrid está áspera” dice Fernando Gandasegui, al teléfono. Cualquiera que viva en esta ciudad sabe perfectamente a lo que se refiere. La capital no lo pone fácil para quienes intentan sacar adelante iniciativas artísticas al margen de los circuitos habituales. Los artistas y gestores culturales Fernando Gandasegui, Javi Cruz y Jacobo Cayetano llevan años explorando esos resquicios para encontrarse, trabajar juntos y hacer posible otras formas de cultura. Ahora los tres impulsan Dios me puso sobre la ciudad como al tábano sobre el caballo para que no se duerma ni amodorre, una jornada de teatro, performance y memoria que ocupará durante todo el día del 3 de octubre distintos espacios del madrileño barrio de Lavapiés. La frase que da título a esta iniciativa procede de una de las imágenes más conocidas de la Apología de Sócrates, de Platón, en la que el filósofo se compara con un tábano enviado por los dioses para despertar del letargo a una ciudad que se ha acomodado. Siglos después, Tábano, la compañía de teatro independiente fundada en Madrid en 1968 y vinculada a la renovación del teatro político y social durante el franquismo, recuperó esa imagen como lema. Ahora son Gandasegui, Cruz y Cayetano quienes, de la mano de Tábano, vuelven a apropiarse de ella. “Entendemos que de ahí se puede sustraer una actitud o un espíritu de contrapoder alegre, colectivo e irreverente”, explica Gandasegui, “y nos servía como metáfora de lo que encontramos hoy en otros artistas en diálogo con Tábano”. Con ese espíritu, la programación reivindica la historia de esta compañía referente del teatro independiente español, y la pone en diálogo con creadores contemporáneos. Durante un día entero, diferentes espacios de Lavapiés se convertirán en escenarios para recuperar su legado y explorar qué queda hoy de aquel teatro que resistió y que se desarrolló durante los últimos años de la dictadura franquista. La propuesta se enmarca dentro del ciclo Plazas y Performances, una de las iniciativas del programa 50 años España en libertad, impulsado por el Gobierno de España para conmemorar cinco décadas de democracia. El ciclo está comisariado por el periodista y gestor cultural Pablo Caruana y ya ha recorrido ciudades como Sevilla, Valencia, León y Pamplona. Para comisariar la edición madrileña, Caruana invitó a Javi Cruz, Jacobo Cayetano y Fernando Gandasegui, quienes comparten una larga trayectoria ligada al teatro y a la creación colectiva. Gandasegui explica que la invitación funciona precisamente a partir de ese trabajo en conjunto, desde donde generan una especie de prisma “de forma que Tábano pasa a través de nosotros y llega hacia otros colectivos y artistas”. “Cuando llegamos al medio escénico vimos que había familias, que había escuelas, que había lenguajes y, probablemente, todo un vórtice que pasa por Tábano y que pasa por la gente que estaba haciendo teatro en aquel momento, que eran los que estaban trayendo a Brecht, a Grotowski y esos lenguajes que conformaban las vanguardias” explica Javi Cruz. “Entender cuál ha sido la historia de la orilla un poco más experimental de lo escénico en España, es muy complicado. Para hacerlo, tienes que quedar con la peña en bares y conseguir que te lo cuenten” añade. Dios me puso sobre la ciudad como al tábano reivindica una forma de entender la historia del arte como una sucesión de personas que, en cada época, han propuesto maneras de hacer que desafiaban, estética y éticamente, la hegemonía de su tiempo. Son, además, movimientos que rara vez surgen de forma individual sino que suelen encontrarse y trabajar juntos, “y ese momento, tristemente, se suele asemejar siempre a la juventud”. Para Gandasegui, esa “juventud” no tiene tanto que ver con la edad biológica, sino con una disposición emocional, política y artística que puede mantenerse y dialogar a lo largo del tiempo. “Las Madres del Cordero son igual de jóvenes que Puttaneska (De Momento). Lo único es que tienen como 70 o 60 años de diferencia, pero comparten la misma actitud artístico-vital”, matiza. La jornada arrancará el sábado 3 de octubre a las 11 horas en el Teatro Valle-Inclán con una proyección del archivo audiovisual de Carlos Sánchez, fundador de Tábano y gestor de la Sala Cadarso, que recupera las películas infantiles y juveniles de los años 60 y 70. A las 12:30h, en el Umbral de primavera, la artista, coreógrafa y travesti Sara Manubens presentará Symphony of the Seas, una performance sobre cuerpo, sobreexposición e intimidad. El programa continuará a las 14h con el actor y traductor libanés Ziad Chakaroun, que aborda la guerra, las lenguas y las formas de narrar el presente en un balcón de la calle Primavera nº 10. Jacobo Cayetano explica cómo, a medida que desarrollaban la propuesta, fueron descubriendo los vínculos que unen a Tábano con el barrio de Lavapiés: “Algunos de los primeros lugares donde Tábano estrenó y presentó sus obras fueron espacios como el cine Olimpia, que estaba en la plaza de Lavapiés, donde hoy se encuentra el Teatro Valle-Inclán. Y, desde ahí, hemos ido explorando esos resquicios/no-resquicios de gente que se lo pasaba bien y con los que hoy queremos recuperar esos lugares de resistencia”. Para los tres, cuantas más capas y más vecinas y vecinos se incorporen al proyecto, mejor. Esa voluntad de participación forma parte de una manera de trabajar muy vinculada al lugar, a los espacios, a sus historias y a las relaciones que se establecen en ellos. “Y hemos trabajado mucho desde esa lectoescritura. Hemos estado abriendo Google Maps, viendo la malla de la ciudad, leyendo posibles itinerarios y posibles lugares” explica Javi Cruz. “Empezamos pensando muy fuerte en el Baobab (que justamente lo están arrasando ahora mismo) y nos preguntamos: ‘¿qué pasa si le encargamos comida a la peña del Baobab? ¿Qué pasa si nos ponemos alrededor de la fuente, que es el único monumento a la República que hay en Madrid? ¿Qué pasa si lo hacemos en los balcones que son como esa membrana entre lo público y lo privado?’ Todos los lugares traen una semántica propia con la cual estamos escribiendo la cosa”. Uno de los momentos clave será a las 15.30h en esa Fuente de Cabestreros de la que habla Javi Cruz, en la plaza de Nelson Mandela, donde tendrá lugar una sobremesa junto a antiguos miembros que pasaron por Tábano para recordar la trayectoria de la compañía y aquellos años en los que la censura no lo ponía fácil para los artistas. Si la censura que enfrentó Tábano era explícita y tenía nombres reconocibles, hoy adopta formas más difusas. Gandasegui propone mirar también hacia las condiciones materiales en las que se produce el arte a día de hoy como es el precio de la vivienda, el tiempo disponible para crear o la clase social de quienes pueden permitirse dedicarse a determinadas prácticas. “Creo que participamos en un contexto que también es conservador porque la gran mayoría del arte ahora mismo, del cine, de la moda, de la literatura y demás, está hecho por gente de clase alta. Y esa gente, si no lo es todavía, llegará a ser conservadora en algún momento”, resume. La programación continuará en la misma Fuente de Cabestreros a las 17h con Nativa Reina Mexicana, artista drag oaxaqueña, que actuará en la misma plaza en una propuesta que conecta el espacio público, el transformismo y la memoria de Lavapiés. Y a las 17.30h, en Travesía de Cabestreros nº 9, Cuqui Jerez trabajará sobre la espectacularidad, el absurdo y el género musical a través de una propuesta coreográfica. “La genealogía bastarda. Esa palabra” concluye Jacobo Cayetano “Yo no sé explicarlo de otra manera”. Por la tarde-noche, el programa incorpora dos propuestas performativas. A las 18h nos encontraremos en la Plaza de Agustín Lara para desplazarnos hasta la ubicación donde El Conde de Torrefiel presentará Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento, una obra que utiliza el baloncesto y el debate entre dos personas para hablar de amor, política, dinero, entretenimiento y muerte. Y a las 20.45h, en la plaza de Lavapiés, Miriam Martín compartirá pasajes de Todavía Madrid, un libro publicado por Ladelfín Editora que reivindica una mirada sobre la ciudad a través de sus lugares y de quienes la habitan. “Entre un tiktoker en Callao y una película de Jonás Trueba tiene que haber un espectro para la gente que trabajamos en Madrid como escenario” ejemplifica Gandasegui. “Hay que decir claramente que es una ciudad que nos ha expulsado a una generación entera, queda muy poco del contexto artístico que nos conformó hace no tanto. Madrid es un poco como Gotham City. Aunque si algo sabe hacer esta ciudad es resistir”. La jornada llegará a su fin a las 21h en la plaza de Ana Diosdado con un encuentro entre Putaneska (De momento) y Las Madres del Cordero, dos generaciones de artistas vinculadas de distintas maneras a Tábano que cerrará el recorrido entre la memoria de la compañía y las formas escénicas contemporáneas como una excusa para detenerse y seguir ocupando la ciudad. Jacobo Cayetano reivindica precisamente la posibilidad de volver a las plazas, caminar por Madrid y encontrarse: “parece que estamos derrotados, pero hay que seguir. Hay que seguir volviendo a Madrid y seguir usando las plazas que tenemos básicamente”. Gandasegui condensa esa voluntad bajo una expresión: la “alegría crítica”, entendida como la posibilidad de producir gestos insólitos, situaciones improbables que también tienen una dimensión política porque ensanchan aquello que creemos que puede suceder. Javi Cruz lo lleva más lejos y lo compara con el teatro medieval que “se producía por condensación, el flujo corriente de la vida de la ciudad de repente se condensaba y pasaba algo que luego se deshacía. Esto es un poco lo que va a pasar el 3 de octubre. Es improbable y es deseable. Así lo sentimos. Así es que no vengáis todes, que menudo follón, pero venid casi todes, a ver qué pasa”.

Jimena Marcos

Muy espectacular e increíble. Fernanda Laguna en Madrid

Murotron — Wed, 30 Sep 2026 08:18:36 GMT

Organizado por el Seminario Euraca

"Fue en noviembre de hace casi dos años que Dalia Rosetti desembarcó y la trajimos a La Rosa, ¿se acordan? Ahí estuvimos todxs lxs hinchxs infinitxs que somos, dentro y fuera con nuestras pelotas y camisetas para que las firmase, y todo, todo al aire. Esta vez: se nos aterriza encima Fernanda Laguna, porque no pudimos esperar a que inaugurara exposición en marzo en el reina así que montamos un imperio textil de camisetas y de bragas, la equipación completa, todo muy informalmente puesto a la venta para hacer pasar esta fantasía de viaje y de lecturas que, como las mejores fantasías, ha crecido hacia una cosa como de ensueño con todavía más brillo, de sudor y con bordes difuminados, se ha extendido como mínimo a tres días, qué días, los días:

VIERNES 9/10 · 20h Fernanda Laguna & Lorena Álvarez Fantasía, lectura y concierto en el salón de espejos del CBA entradas gratuitas xro hay que inscribirse aquí

* * * DOMINGO 11/10 · 15h-23h Comida, pinchadas, piki piki & charla ByF con Fernanda Laguna CSOA La Rosa · C/Bastero, 1 con las djs manodesanta, kbixita, consuelo, kata gaell & karma c.

* * * LUNES 12/10 · 18h Presentación de Tatuada para siempre Dalia Rosetti y Ladelfín Editora ampliado y acompañado x Eddi Circa y Erea Fernández tatuada x Julio Linares Imprenta San Delfín · C/ San Delfín, 3

* * *

muy espectacular e increíble, sí muy espectacular e increíble, yeah… muy espectacular e increíble, pensado como estandarte que brilla al sol y suelta fium fium destellos plateados rosado / plateados celeste / plateados chin de cumbre, ah, y dejando un ratito que se hinche en el espacio de a poco se siente que empieza a ondear también el corazón y y la emoción se pone grande y pletórica como un globo y y se va hacia arriba, hacia lo alto, ciao

* * *

y, ah, y por si acaso y como no podemos no vibrar con la plaza, puede que nos traslademos para allí el domingo 11, en parte o en toda la tarde. Stay tuned. Porque dónde hablar de un proyecto como ByF si no en un sitio que reconocemos, formamos parte, deslumbra y emociona

Vénganse, todos o cualquiera de los tres días que hay de gira, que habrá música, charloteo, lecturas, poesía, comida, pinxadas, corazones exaltados asomando x el balcón, declarando, en medio de tanto, que somos antirracistas y que apoyamos la huelga de educación, la belleza y la felicidad!

Por ahí nos vemos, m u á".

Más información.

Tableau vivants

Murotron — Tue, 29 Sep 2026 11:29:25 GMT

Elena G. Fraj i Miguel Ángel Ramos - De l’1 al 4 d’octubre a la Fundació Joan Brossa Des dels anys vuitanta, els mitjans de comunicació han recollit vint-i-sis casos de dones que van matar els seus agressors sexuals o maltractadors a Espanya. Tot i que moltes d’elles ho van fer en legítima defensa, van ser condemnades, amb poques excepcions, a llargues penes de presó. Aquest videoassaig amb activacions performatives recupera les seves històries a través de dos personatges recreats que travessen un relat en què es troben ficció i no-ficció. La peça planteja una reflexió sobre com els mitjans construeixen uns imaginaris de la feminitat en què les dones en situació de violència masclista són representades o bé com a éssers passius, és a dir, com a bones víctimes, o bé com a monstres. Finalment, la instal·lació performativa reflexiona sobre l’acostament a la realitat des de les metodologies de la recreació i la ficció audiovisual, constituint-se com un assaig fílmic sobre les imatges i la veritat en temps d’intel·ligència artificial, postveritat i true crime. VIDEOINSTAL·LACIÓ La videoinstal·lació està formada per quatre projeccions simultànies en les quals convergeixen dues peces de ficció i una sèrie de materials gràfics extrets d’articles de premsa. La seva disposició espacial serveix per representar aquesta dualitat i, mentre que en un costat de la sala es mostra la construcció d’una «bona víctima», a l’altre apareixen imatges de la «mala víctima-victimària», constituint dos relats aparentment antagònics que responen a un mateix paradigma. ACTIVACIONS Si la videoinstal·lació treballa a partir de dues imatges fotogràfiques extretes dels mitjans de comunicació, les activacions que l’acompanyen funcionen com una ruptura d’aquell temps i d’aquell espai concrets, expandint-ne ficticiament l’acció cap a situacions i escenes que hi entren en diàleg. D’aquesta manera, partint novament d’aquell instant i adoptant la forma d’una preqüela o una seqüela, l’atenció deixa de caure exclusivament en els personatges protagonistes per desplaçar-se cap als personatges o accions secundàries: la redacció de l’atestat policial previ a la detenció, la construcció d’un mur per ocultar el cadàver o la composició d’un inventari d’armes i d’un bodegó policial. Elena G. Fraj i Miguel Ángel Ramos Treballen amb simulacions i ficcions mediàtiques des de l’audiovisual dins de la sala o bé des de pràctiques activistes, entre el fake i l’humor. Formen part d’experiències col·lectives pioneres a l’estat espanyol com Las Agencias, Yomango, X.net, Enmedio i ara Rodillo. Mes informació i entrades.

The dogs days are over 2.0

Murotron — Tue, 29 Sep 2026 11:25:45 GMT

Jan Martens - 2 y 3 de octubre en Conde Duque "Abre todos los poros a esta joya. Y, sobre todo, no te olvides de respirar", escribió el Nieuwsblad en 2014 sobre la pieza. Las críticas de entonces no mentían: esta producción supuso el gran salto a la fama de Jan Martens, con una extensa gira internacional de más de 100 representaciones. En 2025, Jan Martens y GRIP volverán a poner en escena este exitoso espectáculo con un nuevo reparto. El fotógrafo estadounidense Philippe Halsman dijo una vez: "Cuando le pides a una persona que salte, su atención se centra principalmente en el acto de saltar y la máscara cae, dejando al descubierto a la persona real". Con «THE DOG DAYS ARE OVER», Jan Martens tomó esta afirmación como punto de partida y, a través del salto, dejó al descubierto a la persona que se esconde tras el bailarín. En este espectáculo, el bailarín se define como un intérprete puro, que busca la perfección. Sometidos a una coreografía compleja, matemática, vigorosa y agotadora, ejecutada con una uniformidad forzada, los ocho bailarines acaban cometiendo un error. Y entonces se les caen las máscaras. Gracias a su forma coreográfica radical, «THE DOG DAYS ARE OVER» puso de manifiesto la percepción que tenía el público de los bailarines, los coreógrafos, los espectadores y la política cultural de la época. Diez años después, estas cuestiones siguen siendo muy relevantes debido a las tendencias políticas y sociales actuales: ¿Dónde está la delgada línea que separa el arte del entretenimiento? ¿Quiénes somos como público cuando contemplamos el sufrimiento de los bailarines desde el teatro como si se tratara de una corrida de toros en una plaza? ¿Es la danza contemporánea un striptease para la élite? «THE DOG DAYS ARE OVER» hace que el espectador cambie de postura: de ser meramente un espectador pasivo de la experiencia a reflexionar activamente sobre ella. Más información y entradas.

Bianyal 2026

Murotron — Tue, 29 Sep 2026 11:22:27 GMT

La Bianyal XIII es celebra el dissabte 10 d’octubre de 2026 al Mas Sobeies (La Vall de Bianya). Aquesta tretzena edició comptarà amb la participació dels artistes Anna Cornudella, Nilo Gallego, Park Keito, Tau Luna, Martín LLavaneras, Helena Ripoll, Diego Armando Dj. i, per primera vegada a la Garrotxa, el popular dúo musical Hidrogenesse. El Mas Sobeies és una masia ubicada a la Vall de Bianya (Garrotxa) inclosa en l'Inventari del Patrimoni Arquitectònic de Catalunya. Ubicat en un entorn privilegiat, les diverses intervencions transiten entre les estances de la casa senyorial, la masoveria i l’entorn enjardinat del Mas. La selecció d’artistes es realitza de manera coral. Cadascun dels artistes o col·lectius participants són escollits per un membre de Binari. Aquesta elecció es deu a motius diversos: les ganes de conèixer un treball, l’afinitat amb un artista o una determinada pràctica i/o l’encaix específic d’una proposta en l’emplaçament de la Bianyal. La jornada inclou sis intervencions artístiques, un dinar i, a la tarda-vespre, un concert i una sessió de dj. La Bianyal l’organitza l'associació cultural Binari amb la col·laboració de l’Ajuntament de la Vall de Bianya, amb el suport del departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Mes informació i entrades.

Cuando se siente está bien levantarse y hacer. (Sobre la primera jornada de Síntese en Vigo)

Mambo — Tue, 29 Sep 2026 10:58:48 GMT

Al llegar a casa, lo segundo que hago es buscar y escuchar el Feelings de Nina Simone. Después de la segunda o tercera escucha de su grabación en Montreux de 1976, me entra la curiosidad y busco más información. Leo sobre la disputa sobre la autoría de la canción, y el largo pleito entre el francés Louis Gasté y el brasileño Morris Albert, quién la popularizó en 1975. La controversia no se resolvió hasta 1988. 30 años después que Darío Moreno publicara en 1974 una canción titulada Pour toi compuesta por Gasté. Acabo de volver del Museo MARCO de Vigo. De ver la apertura de Síntese 2026, la tercera edición de este Festival de Danza e Performance de Vigo. El edificio que hoy alberga al museo está muy ligado a mis sentimientos. Está ubicado a apenas 50 metros de la casa dónde me crie. Y desde pequeño he pasado en múltiples ocasiones por ese edificio. Las primeras veces, inconscientemente, acompañando a mis padres para visitar a mi tío. Mi tío Xosé cometió un delito inicial sobre el que se edificaron múltiples delitos posteriores: tener conciencia de clase. Estamos en 1972 y en la gran factoría automovilística de Vigo continúan las huelgas. Al gobierno fascista del general Franco no le gusta demasiado que los obreros hagan ruido mientras el hecho biológico avanza hasta la flebitis final. El futuro Museo MARCO es entonces el juzgado y la cárcel de Vigo. Y mi tío es, involuntariamente, asiduo. Comienza el Festival Síntese auspiciado por dos corredoras de fondo en lo que a la danza en Galicia se refiere: Cristina Cameselle a la dirección y Geni Iglesias a la producción. La primera sesión que nos ofrecen es un tríptico compuesto por la muestra de un trabajo en proceso de Alejandra Balboa y Andrés Corchero que denominan Entre tú y yo, el tiempo muerto, seguido de Feelings de la premio nacional de danza Janet Novás y para cerrar un trabajo de vídeo de Virginia Rota, Cadencia, que presentan cómo documental y que quizá es lo que hace muchos años llamábamos video-danza. Al MARCO he ido muchas veces después por voluntad propia. Recuerdo vagamente ir a pedir una fe de vida en el mostrador del juzgado. Pero cuando el espacio de tortura y reclusión se convirtió en espacio de reflexión y práctica artística es cuando más le he visitado. Sobre todo era asiduo la etapa que lo dirigía Iñaki Martínez Antelo y yo vivía en una infravivienda en el cercano barrio chino. Creo que fue su esplendor, sus mejores momentos. El ya desaparecido FestivALT usaba el pequeño auditorio como una de sus sedes. Cómo hito ver Laughing Hole de La Ribot en 2012. Y también Observen cómo el cansancio es la derrota del pensamiento de El Conde de Torrefiel, dos desinfectantes poderosos, programación del propio museo. Al igual que sucede con la Isla de San Simón, en el interior de la ría de Vigo y antiguo campo de concentración de los golpistas de 1936, la recuperación de espacios dónde el fascismo apestó la tierra no es sencilla. Pero cada vez que se baila, se canta o se ríe, se avanza y se fertiliza nuevamente. Se vuelve más humano. Y es una pequeña venganza que hoy sean espacios para el arte. El público se sitúa al fondo de la sala. En cojines, que parecen cómodos, y sillas, dos o tres alturas. Como paisaje a ocupar: un lugar expositivo. Uno de esos espacios museísticos imposibles de iluminar, incluso complicados de alumbrar. Por la puerta de cristal que da al área central del museo, dónde estaba la garita que vigilaba a los presos, aparecen Alejandra Balboa y Andrés Corchero. Nos lo han presentado como un trabajo en proceso y cómo tal lo acogemos. Una introducción dejando caer pequeños recortes de papel para habitar el espacio, cómo reconociéndolo. Sólo es un pequeño prólogo que nos lleva a un trabajo puramente de cuerpo, de dos cuerpos, que se han conocido y que son capaces de juntarse y separarse, para volver a juntarse. Andrés, en el coloquio final, nos habla de seducción. Del juego de la seducción con el público, que no implica necesariamente gustar, va más allá. Cerca del final del trabajo suena Cósmico dancer de T. Rex y de alguna manera es una declaración de intenciones: Bailaba cuando tenía doce años. Bailé hasta salir del útero. Bailaba cuando tenía ocho años. ¿Está mal comprender El miedo que habita en el interior de un hombre? ¿Qué se siente al estar solo? Bailé hasta la tumba. No sé cuánto tiempo llevan trabajando juntos en esta pieza pero tienen gran parte del camino recorrido: hay seducción. Y más allá de lo que llegue al público potencial, la base está. Dan muchas ganas de ver cómo evoluciona y cómo se reviste cuando se le añadan más capas. Sin solución de continuidad, cuando Alejandra y Andrés se van, entra Janet Novas. Y lo hace cantando desde lejos, cuando aún no la oímos. Ahora lo pienso mientras escribo: hoy he oído cuatro versiones Feelings. Es cómo esas novelas que tanto me gustan dónde hay varias visiones sobre el mismo hecho. Cuatro que hablan sobre sus lágrimas para intentar completar el panorama. Las lágrimas. El dolor. El abandono. El desamor. Y esas lágrimas que dejan surcos negros en la cara creando una máscara. Janet, en el coloquio posterior, dice algo tan hermoso sobre el motor del trabajo que no me resisto a no citar: llorar en el espacio público. Una propuesta de Andrea Quintana para un solo en un festival es el punto de partida, el homenaje a la inmensa Nina Simone el primer paso. Un trabajo de libertad a partir de una primera pauta y después un dejarse ir animal, porque todo en Janet tiene algo de tierra. Lo tiene en su voz, lo tiene en su cuerpo. Lo vemos y lo sentimos. Esa potencia para improvisar y ocupar cualquier espacio por muy hostil que sea. Y la importancia del llorar. Cuando Janet se va cantando y se pierde por el horizonte del museo, nos proponen girarnos para ver el trabajo de Virginia Rota Cadencia sobre la pared blanca que antes estaba a nuestras espaldas. Una proyección de 20 minutos que es una mirada de una artista sobre el trabajo de otra artista. Una cámara muy cerca de un cuerpo. Un casi blanco y negro que elimina lo superfluo. Y un sonido de respiraciones y roces que te acerca, cómo si estuvieras dentro de la habitación. Una habitación que no tiene paredes, podría ser cualquier lugar. Lo único que importa es un cuerpo y unos ojos que lo observan. Después, en el coloquio, Janet nos dice que es un trabajo de 2014. El trabajo fin de carrera de Virginia Rota. Pero es tan atemporal, que podría ser de antes de ayer. O de pasado mañana. Terminamos con un breve coloquio. Breve, porque los museos tienen hora de cierre. Pero siempre es interesante escuchar a las artistas. Siempre hay algo que se te había pasado o que ni siquiera alcanzabas a intuir. Algo que sugiere y que motiva. Nos quedan dos fines de semana más de Síntese. Cinco obras de danza, una proyección, varios talleres y coloquios. Hay trabajos que vienen de una residencia artística en A Garagem, un espacio de Melgaço, colaboración transfronteriza. También conoceremos la situación de la danza contemporánea en Mozambique gracias a Pak Ndjamena o performances en el barrio de Bouzas. Un programa variado para empezar este otoño que no termina de llegar.

Antoine Forgeron

Fotografías de Nando Iglesias

Notas que patinan #152: Están jodidos / dicen que se alegran

Rubén Ramos Nogueira — Mon, 28 Sep 2026 12:56:56 GMT

Rodrigo García estrenó Están jodidos / dicen que se alegran en Contemporánea Condeduque, desde el jueves 24 hasta el domingo 27 de septiembre, en la ciudad de Madrid, en donde parece que asistimos a una recuperación de su trabajo de la mejor de las maneras como se puede homenajear a un artista vivo: permitiéndole que desarrolle sus nuevas creaciones. Este nuevo empuje proviene del lugar más insospechado, La Casa Encendida, a la que nunca hubiésemos relacionado con el trabajo de Rodrigo García porque hasta fechas recientes no nos consta que le hubiese prestado ninguna atención. Pero la nueva dirección de ese centro cultural madrileño parece dispuesta a reparar años de ninguneo (de la ciudad de Madrid y del Reino de España entero, porque el trabajo de Rodrigo García ha tenido que desarrollarse y recibir reconocimientos principalmente en el extranjero) dedicándole un ciclo entero, Foco, con la intención de que produzca nuevas obras (esta última con la participación también de Condeduque), un gesto que permite que los seguidores de Rodrigo García estén de enhorabuena: desde enero hemos podido disfrutar de varias obras de formatos muy diferentes como Hágalo usted mismo (proyección de vídeo con música en vivo), Hamlet está fatal (videocreación acompañada de una instalación), Las chicas (Onna no kojoshi) (pieza sonora con fragmentos de un próximo libro) y este Están jodidos / dicen que se alegran, en formato escénico. Además, el ciclo promete cerrarse con la publicación de un esperado nuevo libro (por cierto, el texto de Están jodidos / dicen que se alegran está disponible ya en edición de La uña rota). Están jodidos / dicen que se alegran es una obra antifascista, en el sentido que John Cage daba al arte fascista. Para Cage, el arte fascista es ese arte que te lleva de la manita constantemente para inducirte en cada momento las emociones que al autor le parezcan convenientes. Es un arte que no permite ninguna libertad al espectador porque lo que pretende es que el espectador se someta al autor, que es quien decide hacia dónde debe dirigir la atención el público. El éxito de estas obras llamadas fascistas por Cage es que el espectador sea conducido con éxito por el artista hacia donde el artista quiera. En este tipo de obras, el público amante de este tipo de arte, siente que la cosa ha ido bien, que la obra es buena, si se ha sentido conducido convenientemente, si no ha notado un bache en su atención, si no ha tenido que trabajar demasiado, si se ha puesto en manos del autor y le han llevado hasta donde el autor quería llevarle sin demasiados contratiempos, con fluidez, sin sentir el paso del tiempo. Llevado al extremo, este sería el objetivo de las obras llamadas de entretenimiento: poner la mente en blanco y sentir que las horas se pasan volando mientras te cuentan una historia entretenida. Sin más. Por contra, otro tipo de arte, el que Cage promovió durante gran parte de su vida, el que estoy llamando provocativamente arte antifascista (aunque no me lo invento yo, así lo llamaba él), procuraba que el arte promoviese la libertad del espectador, para tomar sus propias decisiones, para elegir dónde colocar su atención en cada momento y para no dejarse conducir acríticamente sino más bien elegir su propio camino, o crearlo incluso, durante lo que durase la experiencia artística. Y, ya para acabar de rematarlo, un arte que no le hiciese ningún asco a una cierta sensación de aburrimiento, tan sana, tan depuradora y sobre todo la antesala, la puerta, de otro tipo de percepción, de otras sensibilidades y de un placer más sostenido, que dejase más huella, más estimulante intelectualmente, incluso más profundo en un plano energético o espiritual. Para conseguirlo, Cage (y otros que le siguieron y que le antecedieron) utilizaba estrategias como los tiempos dilatados, la repetición o la simultaneidad. Todo eso estaba en esta última obra de Rodrigo García. Por eso creo que podemos hablar de ella como una obra de arte antifascista, me atrevo a decir que quizá la más antifascista (en el sentido cageano) de las que Rodrigo García ha producido hasta el momento. Al llegar a la sala, en el escenario, sobre linóleo blanco, con lo primero que nos encontramos es con un músico en un costado, Pier Bruera, tocando la batería y diversos instrumentos, la mayoría electrónicos. Este excelente y sensible músico nos regalará una magnífica sesión que durará prácticamente como la obra entera: unas dos horas. Lo siguiente que percibimos es que el escenario está inundado de objetos, como si un camión hubiese descargado el resultado de una compra muy loca en el Rastro o como si alguien hubiese estado acumulando mierda en un piso durante décadas y luego lo hubiesen vaciado en escena, mezclando los sofás con diversos elementos de construcción recogidos en una obra pública de las que inundan las calles de cualquier ciudad española (como si no hubiese un mañana ni otra cosa que hacer). También vemos dos máquinas dispensadoras de latas de bebidas. Y dos performers, vestidos con un mono azul: un hombre, Volmir Cordeiro, y una mujer, A. Livingstone. Y, quizá por llegar un poco tarde (me imagino que no estaban ahí desde el principio), dos personas del público sentadas en uno de los sofás, dando la espalda a la platea para contemplar lo que sucede en escena desde una privilegiada primera fila. Ahí tenemos básicamente todos los elementos con los que la obra se desarrollará en las próximas dos horas. Excepto uno: el texto que, como media hora después, aparecerá proyectado en la pantalla gigante que forma la pared del fondo del escenario. Un texto que se hace esperar más de la cuenta hasta el punto de imaginar si a ver si vamos a estar asistiendo a la primera obra sin texto de Rodrigo García. El texto, como de ordenador antiguo, en mayúsculas, irá pasando de derecha a izquierda, en una sola línea y sin un solo símbolo de puntuación. Pero mucho antes de que el texto aparezca por primera vez, los performers ya están moviéndose por el escenario, trasladando objetos de sitio, construyendo estructuras con ellos, subiéndose a esas estructuras, tirando cosas de un lado a otro, saltando, brincando, bailando, echando líquidos sobre los objetos o sobre el suelo, revolcándose por ese suelo, acercándose al público para ofrecerles algún objeto, e invitando, de vez en cuando, a alguien del público a que los acompañe en escena para disfrutar del espectáculo desde algún punto del escenario. En el momento en que el texto aparece mi atención se dirige a él. Cuando, después de un rato dedicado a leer el texto, vuelvo a centrar mi mirada en lo que sucede en el escenario, aunque pensaba que había seguido la acción con el rabillo del ojo, todo ha cambiado por completo. No sé cómo se ha construido una torre, los perfomers están haciendo el loco sobre una nueva estructura, el público que antes se sentaba en un lugar preferente del escenario ahora se encuentra en otro lugar, todo ha mutado y no me he dado ni cuenta. El texto comienza más o menos así (pero en mayúsculas): ¡oh! este mundo es tan bello que hay que cambiarlo por otro diferente tanto esplendor hace daño a los ojos y a las orejas pubis boquete anal fosas nasales el cutis los tejidos subcutáneos la esperanza ilusiones a puñados ¡oh! este mundo es tan bello que hay que cambiarlo por otro diferente tal magnificencia me reventó los tímpanos vi —en cámara lenta y sin sonido— a la melancolía perder todos sus regimientos en la batalla del honolulu nuestro de cada día ¡waterloo! ¿qué coño honolulu? mermelada y huevos con bacon niños son las siete tenéis las sábanas pegadas ¡oh! este mundo es tan bello que hay que cambiarlo por otro diferente los taciturnos se rindieron desplegaron su improvisada bandera blanca un trapo de fregar toc toc ¿hola? La primera frase me recuerda a esta de Cage: no intenten cambiar el mundo, solo conseguirán estropearlo más. Quizá sea solo una coincidencia. En todo caso, ese texto, en un primer momento, me parece muy diferente a otros de Rodrigo García, muy diferente del estilo de los que nos tiene acostumbrados. Aprecio la novedad. Aunque es una primera impresión. A medida que avanza la obra pienso que quizá no sea tan diferente, en realidad. A este texto le sucederán otros que se parecen más a algunas diatribas corrosivamente humorísticas y despiadadamente críticas de otras obras, textos que algunos de los presentes entre el público celebrarán con sus risas, textos sobre la comida falsificada y sobre la estupidez de cierta educación promovida por familias progres (woke las llama ya) pero también de la de las familias cuya religión es el dinero. A la hora de repartir, Rodrigo García no distingue entre familias ideológicas cuando se embarca en la batalla contra la estupidez maligna, lo cual no siempre es bien recibido por su público, como es lógico. Pero de esta manera se evita caer en el discurso de misa más trillado dirigido a un público previamente convencido. Aunque también se le acusa de eso, de dar discursos como los que dan los curas, cargando contra los que no vienen a misa pero también contra los pecados de sus feligreses. Lo que sucede en escena tampoco es tan diferente de otros escenarios llenos de porquería con los que Rodrigo García ha jugado en el pasado y que le caracterizan. Pero siento que algo ha cambiado. Tengo más espacio a pesar de la confusión, o quizá gracias a ella. Mientras el músico sigue tocando, los performers pinchan discos en un tocadiscos situado en el otro extremo del escenario, a la derecha. Escuchamos dos músicas simultáneamente. Pero cuando leo el texto el disco que suena es una voz que me obliga a esforzarme más para entender lo que estoy leyendo, una voz a veces en inglés, otras en portugués, o en francés. En mitad de la obra me doy cuenta de que al menos una de esas voces está diciendo lo mismo que parte del texto proyectado pero en otro idioma. En la pared del fondo se proyectan imágenes y vídeos donde aparecen Volmir Cordeiro y A. Livingstone liándola parda de la misma manera que les vemos hacerlo en escena. Hay gente que se va de la sala (aunque curiosamente algunos de los que abandonan compran el libro con el texto de la obra que se vende a la salida, según descubriré después) pero otra gente se acerca al escenario espontáneamente y se introduce en él, después de que alguno de los performers los reciban, les hablen al oído y les ofrezcan bebidas que extraen de las máquinas dispensadoras. La confusión aumenta. ¿Acaso podemos subirnos al escenario? No parece que eso esté preparado. Volmir Cordeiro, cuando deja de comportarse como el más moderno de los arlequines, pilla un panel de cartón y lo coloca apaisado sobre el suelo del escenario, cerca del músico. Pilla un proyector, lo coloca en el suelo y lo dirige hacia el panel. Sobre el panel comienza a proyectarse el mismo texto que apareció al principio. Pero en el fondo del escenario se proyecta simultáneamente otro texto diferente. En él se habla irónicamente de que si no pillaste la ola del éxito con treinta años la culpa no es más que tuya. Y que los triunfadores que sí lo hicieron, normalmente unos pijos, son los que fabrican las películas y las series que ves todas las noches, en las que se ensalza la rebelión y la revolución que precisamente ellos se encargan de neutralizar con sus creaciones dirigidas al entretenimiento. Mientras tanto puede que A. Livingstone haya pillado un micrófono y esté hablando en inglés disimuladamente y en voz baja, añadiendo un poco más de caos o abriéndonos una nueva puerta, eso dependerá de cada cual. Ella hará como si en realidad no le importase nada lo que pensemos de ella o de sus compañeros de escena, aunque se mostrará amable con cada miembro del público que suba al escenario y nos ofrecerá sonriente las bebidas que hayan sobrado al final de la actuación, mientras parte del público abandona la sala y el resto se sube al escenario para pasearse por él y contemplar de cerca cada uno de los objetos desperdigados. A la salida, el domingo, algunos del público caminamos hacia Sol, donde un montón de gente, en su mayoría jóvenes que eran niños cuando el 15M, acampan reclamando que el capitalismo retroceda un poco, al menos que nos permita seguir viviendo bajo un techo. A juzgar por la que han montado en pocas horas es evidente que están mejor organizados, quizá por la experiencia de sus antecesores, de la que seguramente habrán aprendido. Esperamos que tengan más suerte. No puedo evitar comparar el follonaco del escenario que hemos pisado hace un rato con el de la plaza que estamos pisando ahora, mientras me adentro entre las tiendas de campaña fijándome en cada uno de los detalles.

Entrevista a María Jurado y David Corral (Segunda Juventud) sobre Angelical

Fernando Gandasegui — Thu, 24 Sep 2026 12:55:35 GMT

Tras la gran acogida de Spooky, su anterior trabajo, María Jurado y David Corral, quienes conforman la compañía Segunda Juventud, una de las agrupaciones más singulares y con mayor proyección del panorama escénico actual, estrenan Angelical en el Festival TNT. Fernando Gandasegui: Hace dos años entrevistaba a María justo antes del estreno en Antic Teatre de Spooky, alrededor de la que os reunís trabajando por primera vez el equipo que ahora repite en Angelical: David Corral, Macarena Bileski y Manu-Pita Romero. ¿Qué ha supuesto Spooky para vosotras? María Jurado: El estreno de Spooky fue un parto muy heavy. Me recuerdo saliendo del Antic diciendo, ¿qué acaba de pasar? A partir del estreno fuimos entendiendo en lo que se había convertido. Hasta entonces eran una serie de materiales que no tenían forma concreta. Ha sido una experiencia muy bonita el compartir junto con Maca, Manu y David. Hemos podido ir a un montón de sitios en España, algo que no nos había pasado antes, y ver cómo reaccionaba la gente. Tenemos muchas anécdotas, la obra nos ha dado muchísima vitalidad y nos ha unido como un grupo que dos años después se sigue manteniendo con cariño. Si bien es verdad que quizá Spooky llegó a su fin, yo la seguiría haciendo, sobre todo para la gente que no la haya visto. David Corral: Yo la siento como una pieza que, aunque fuera la primera, parece de transición hacia algo. La pieza fue como un sueño que se va concretando en su recurrencia. De Spooky han salido muchas herramientas y muchos links. Para mí además fue mi estreno en las artes escénicas, donde tuve la suerte de estar rodeado de estas personas. Spooky me sigue sirviendo como vara de medir, fue inaugurar una forma de trabajar. María Jurado: Una forma de trabajar muy vinculada a la técnica, a la interpretación y a la creación en escena. Después de este tiempo somos conscientes de las posibilidades que hay en ese juego técnica/escena. Angelical ha significado la toma de conciencia de que podemos hacer otra obra con una serie de herramientas y técnicas que podemos nombrar y desarrollar. Entre Spooky y Angelical, María y David fundáis la compañía Segunda Juventud. ¿Cómo describís vuestros modos de hacer? ¿Cómo son esas herramientas y técnicas que decís provienen de Spooky y se consolidan en Angelical? María Jurado: En la entrevista que nos hiciste sobre Spooky, se nombraron algunas cosas que nos han dado claves para intentar acercarnos a ese lugar que proponemos y que creo tiene que ver con la plasticidad de la escena, con cómo se establecen relaciones entre la plasticidad de la técnica, la plasticidad del cuerpo filosófico, la plasticidad de los objetos… El ejercicio es traer cosas a escena y ver qué plasticidades generan, tenerlas en cuenta, escucharlas y trabajar con ellas. Al inicio del proceso de Angelical nos obsesionó mucho cómo intentar trabajar desde el materialismo. David Corral: Trabajamos con cosas que se puedan ver y tocar o accionar para, en realidad, trabajar el tiempo. Nos gustan los tiempos raros que suelen empezar por cosas concretas. Aunque a veces manejemos conceptos o cuestiones difíciles de explicar, siempre intentamos encontrar símiles, traslaciones o portales objetuales y concretos. Con respecto al modo de trabajar el tiempo en vuestras obras, pareciera que instauran un tiempo quebrado, el tiempo del que tanto se ha hablado a partir de Derrida y Fisher, el tiempo de los fantasmas para los que el teatro, aunque a veces no lo parezca, siempre ha sido uno de sus escenarios predilectos. Los mundos del tiempo quebrado, entre otras cosas, pueden ser terroríficos. Después de ver Spooky, pero sobre todo después de ver Angelical en un contundente pre-estreno en el Mercat de les Flors, sentí un terror improbable de sentir en escena. ¿Cómo y por qué vuestras obras provocan esas reacciones? María Jurado: A veces siento que me gustaría ir hacia otros sitios, pero es como una especie de pulsión la de ir hacia esos lugares. Hay algo que me pide ir ahí para sostener ciertas cuestiones. Cuando pensamos la pieza y después entramos a investigarla, nos dimos cuenta de que hay algo que se genera con el público al intentar sostener juntos un lugar que te compromete. A mí me compromete con el público, me compromete cómo sostenerlo, me compromete cómo estar ahí, no siento que me abandone a nada, sino que me comprometo a sostener con el público algo y esos lugares del sostener son los que se vuelven un poco pesadillescos. No sé decir por qué son así, simplemente creo que la pieza exige mantenernos en esos lugares para llegar a una especie de intensidad. Angelical es una obra muy poética, a la vez que literal, es una obra muy rara en el sentido de que no podría definir lo que es directamente. Para mí es un ensayo filosófico muy poético, pero a la vez muy real, es onírico y cinematográfico. Siento que el estado de la pieza y el tiempo de la pieza llega a un lugar o se convierte en algo en lo que hay muchos matices posibles. Al final de la obra, creo que hay una metáfora de lo que es Angelical. Una figura inmóvil llegando a una imagen. Tú estás viendo la luz que hay en esa imagen que te hace ver un montón de cosas que no están sucediendo realmente, pero que parece que están sucediendo. Creo que también hay algo de intentar ir a esos lugares de terror por nuestras referencias, sobre todo cinematográficas. Por ejemplo, el cine de Haneke, que es como el maestro para mí de darle la vuelta a un tiempo y que de repente el tiempo se te venga encima y señale al público. Ese jugar con un tiempo contundente para después hacer entrar al público. Esos juegos temporales y de peso me interesan y veo en qué referencias o qué cosas los tienen para acercarme a ellos. David Corral: Para mí ha sido un hallazgo ver cómo este tiempo quebrado o terrorífico hace que la escena se vuelva más plástica, en el sentido de que puedan aparecer monstruos, cosas horrorosas, que invitan a imaginar que pueda suceder algo al espectador y a nosotros. Seguramente hay gente que ha explicado muy bien esto de lo extraño o lo espeluznante, pero yo creo que en escena lo estamos haciendo sin saber decir cómo aún. Luego tú, María, me decías un día que ahora quizás te tocaba ser "la del miedo", que es algo que puedes hacer y está bien, aunque dudo que sea para siempre, pero de momento es así. En el pre-estreno en el Mercat de las Flors hubo personas que salieron durante la obra afectadas, y otras lo estaban visiblemente al terminar, como tú misma María. ¿Cómo vivís estas reacciones y qué creéis que las provocan? María Jurado: Yo lo vivo y lo paso mal. Aunque estoy trabajando, entre comillas, es verdad que voy hacia lugares exigentes y que para mí son profundos también. A mí me encanta cuando me llevan a donde me quieran llevar, así que es lo que intento hacer cuando me toca. Durante toda la pieza se ronda el miedo, lo que acecha, pero llega un momento en el que aparece la crudeza dentro de ese lugar. Estamos cargados de algo irracional, y de repente aparece una crudeza salvaje. Yo lo vivo con miedo y tengo que separarme mucho de lo que estoy haciendo cuando por ejemplo tengo que hablar con la gente después de la obra. Yo confío mucho en los lugares a donde voy, por eso me tiro y voy, pero los vivo con miedo de representar lo que hago. Por eso no me gusta que vengan mis padres a ver lo que hago. Me quiero sentir libre. Luego vienen y todo bien, pero hay una parte de mí que sufre con tratar a la vez con cuidado a la gente. David Corral: Tus piezas cuestionan ideales presentados como tal y no como verdades, pero das herramientas para que no piensen que te estás autorrepresentando. Luego es inevitable no negociar con la tiranía de la autora de mundo autoportante que se representa constantemente. María Jurado: Entiendo que el trabajo despierte miedo, dolor o sufrimiento, porque son emociones que normalmente cancelamos o reprimimos. Entonces, es verdad que, joder, yo quiera explotar o cagarme encima y es normal que a la gente le despierte cosas. Para mí, el arte también tiene que ver con la emoción, no como metodología, sino como algo que aparece y te confronta, te informa y te remueve, sin que tenga que convertirse en terapia. En cuanto al cuerpo filosófico de la obra, también habéis dialogado con Walter Benjamin, Simone Weil o Julia Kristeva. Otra de las referencias directas es El Cielo sobre Berlín (1987) de Wim Wenders coescrita con el dramaturgo Peter Handke. El Cielo sobre Berlín retrata al Ángel de la Historia, de aquel preciso momento histórico, a través del personaje del ángel de Bruno Ganz. En 1940 Benjamin describe el Angelus Novus como un ángel que mira consternado las ruinas del pasado, pero que una fuerza irresistible llamada progreso lo empuja hacia el futuro sin permitirle detenerse a reparar el dolor. En 2026, Angelical dialoga con esta genealogía, proponiendo una relectura actual a partir de la figura de María. ¿Cómo es vuestro Angelus Novus y qué recorrido tiene en Angelical? María Jurado: Cuando decidimos que la pieza iba sobre lo angelical, me acerqué a referencias como esta película. El Cielo sobre Berlín es una de las materializaciones del ángel contemporáneo. Lo angelical me interesaba como punto de partida para imaginar el ángel en nuestras vidas, el acercamiento del ángel al sujeto contemporáneo. Y desde este lugar realicé la comparativa con el ángel de la historia de Walter Benjamin. ¿Qué ha cambiado desde el ángel de Wim Wenders al sujeto actual? Si al inicio de la película se escuchan los pensamientos de las personas de entonces, ¿qué pensamientos se escucharían hoy? Intentando acercarme al sujeto contemporáneo, notaba diferencias que marcan las personalidades de nuestro tiempo y que se han introducido en nuestras vidas, como el sujeto digital o la alienación de la vida. El ángel de la historia me hacía pensar también en el artista. Lo quise relacionar con una figura que me apela en cuanto a mi ambición y mis ganas de hacer esta pieza. El yo artista, el que se planta en escena a querer decir algo, el que se pregunta el para qué de lo que hace. Para construir este universo del sujeto contemporáneo, también me preguntaba por lo que tengo que reprimir. ¿Qué tengo que reprimir para ser el mejor ángel? ¿Qué tengo que reprimir para ser la mejor persona? ¿Qué tengo que reprimir para ser la mejor actriz? ¿Qué tengo que reprimir para seguir queriendo crear a pesar de estar hecha una mierda? De ahí nació el anverso de lo angelical, que en este caso fue lo abyecto, lo que tenía que esconder o reparar para alcanzar mi ideal. David Corral: El otro día estaba trabajando con unas personas en algo relacionado a la frustración del éxito, y siento que últimamente ha habido interés o un lore en hablar sobre lo frustrante que es hacerse famoso en las artes escénicas. Esta obra también consiste en lo oscuro de eso. No tanto en hablar de la frustración de no conseguir convertirte en una persona exitosa o de realizarte, sino de la mitificación y la metaficción del éxito y del fracaso. ¿Cómo lleváis todo este universo a lo concreto de la escena? ¿Cuáles son vuestras decisiones corográficas, plásticas, dramatúrgicas, etc.? María Jurado: Intentamos por un lado encarnarlo físicamente a través de mi cuerpo que luego se va relacionando con una puesta en escena que va respondiéndole y generando estados con el público. Hemos querido trabajar con objetos muy concretos. Uno de los lemas que dijimos al principio era que no queremos trabajar la escena desde lo burgués. Queremos ser directos en lo material, trabajar desde lo que se ve, desde lo que se hace, desde lo que dice, desde cómo se dice. Para nosotros es significativo que yo empiece en un colchón o que haya una gran H (que para nosotros es de Hollywood aunque la gente puede hacer sus lecturas) y las geometrías en el espacio entre esos dos objetos. Para nosotros había una idea potente a la hora de imaginar a una actriz llegando a Hollywood con las luces de Los Ángeles y a la mañana siguiente, esa misma actriz detrás de la H como, no sé, puesta de fentanilo. Imaginamos el reverso de la imagen de alcanzar una meta y de ver que la meta no es ningún lugar en concreto. Y quizás en esa imposibilidad de querer ser ángeles es donde está el sentido de nuestra obra. David Corral: Le dedicamos mucho tiempo a pensar qué tenía que estar en escena. Ha habido la misma dosis de exigencia que de capricho. No se ha querido poner algo para representar. Lo que hay en la escena podría ser incluso un desliz. Ha habido una retahíla de imágenes y objetos muy grande en el proceso. Todos estamos en el brainrot de imágenes, hemos cogido de muchos lugares sin querer que se convierta en un moodboard de nada. Hay un lore como de un backroom escénico. Luego ha habido un estudio minucioso y obsesivo del porqué de cada cosa, como mirar y pensar las imágenes de referencia, y el significado de las que producimos. Entro, por ejemplo, la cama de Tracey Emin, cuya transparencia e intimidad serían hoy impensables públicamente, ahora esa cama se contaría desde la austeridad burguesa. También trabajamos la noción de naufragio, de monumento o la de transparencia en arquitecturas como la de Mies van der Rohe. Hace dos años preguntaba a María por sus referencias artísticas, pero ahora me gustaría hacerlo por vuestros alrededores inmediatos. ¿Cuál es vuestro contexto artístico y no artístico? ¿Cómo son vuestras interlocuciones? ¿Con quién dialoga vuestro trabajo? María Jurado: Con mis amigas aquí en Barcelona. (María se emociona). Siento que hay una sensación de pérdida bastante compartida. De estar en el momento en que nos preguntamos dónde está lo que nos habían prometido. Y sentir que aunque se vaya emborronando la sensación de futuro, todavía hay algo de querer seguir estando a pensar todo. Esta pieza nace de esas conversaciones con muchas amigas del contexto que nos encontramos un poco en el mismo lugar y que no sabemos dónde estamos depositando un montón de sentimientos. A nivel profesional, una de las personas de las que más he aprendido es Søren Evinson, alguien que me despierta interés por preguntarme sobre la forma de expresión que he elegido, y que es el movimiento, la acción o el estar en escena. David Corral: Igual es muy naif decirlo, pero para mí estar con Maca y Manu (diseño sonoro y luz de la compañía), ha supuesto un antes y un después, algo que es inseparable a la idea de amistad, de prácticas artísticas que desarrollas con amistades. También, aunque suene pelota, vosotros dos sois dos personas referentes para mí en las artes escénicas. Luego creo que cuando hemos estado haciendo la pieza, han venido los fantasmas de pensarla en el contexto, de cómo opera en la carrera de cada uno, entendiendo la carrera como un fantasma también, como algo que viene a verte y sobre lo que hay que pensar. ¿Qué deseáis que ocurra después del estreno de Angelical? María Jurado: A mí me fliparía poder llevarla fuera y viajar mucho. Pero sobre todo creo que Angelical es una oportunidad para que mucha gente que no conoce nuestro trabajo lo haga. También necesito que nazca esto y que sea de otra gente y hablar de ello con otras personas. Pero también ya tengo ganas de hacer otra. Me encanta hacer piezas, disfruto mucho los procesos y los momentos previos. Aunque todavía estamos aprendiendo a hacer obras, estamos en la efervescencia del hacer. Siento que en Angelical se pueden ver más cosas que en Spooky, pero todavía se podrían ver más. Deseamos hacer más obras, deseamos seguir.

Fernando Gandasegui