T E A T R O N

Presentación de la revista Pedra de La Capella

Espai nyamnyam — Fri, 19 Jun 2026 10:20:37 GMT

Número 1 Martes 30 de junio, a las 19 h. Espai Capella

Con Iñaki Alvarez y Ariadna Rodríguez (LIO, nyamnyam), Ricardo Duque (todojunto), Marta Sesé (equipo curatorial de La Capella) y David Armengol (dirección artística de La Capella).

Con canciones de Turba, de Sinéad Spelman.

Os invitamos a la presentación del primer número de Pedra, la revista de La Capella y de las artes visuales emergentes leídas desde Barcelona. Pedra inaugura una nueva línea editorial que reivindica el tiempo presente como eje vertebrador del centro. Sin voluntad historiográfica ni búsqueda de una proyección futura, Pedra pone en diálogo aquello que marca los ritmos y las intensidades de La Capella en determinadas situaciones y momentos. Pedra nace de diversas conexiones y afinidades. En primer lugar, LIO (La Impremta Oberta), proyecto editorial de nyamnyam y Cultural Rizoma, que edita y acompaña la publicación; en segundo lugar, todojunto, responsable del diseño; y, por último, las personas que forman parte del equipo curatorial del centro durante 2026 —Marta Sesé, Marc Navarro, Jara Rocha, Rubén Ramos Nogueira y Mònica Rikić—, que escriben y hablan de lo que está sucediendo ahora en La Capella. Distribución gratuita en la recepción de La Capella y en otros puntos contextuales.

Relatorías Danza en Breve 2026 / PRINCIPIANTES

Tenerife LAV — Thu, 18 Jun 2026 09:29:39 GMT

El pasado mes de mayo, dentro de nuestro ciclo Danza en Breve, acogimos en el Teatro Leal el trabajo Principiantes, de la creadora Carlota Mantecón. Tras la función, Obdulia Bustos compartió escribe una relatoría que reflexiona sobre la visibilidad de los cuerpos mayores y la necesidad de ampliar nuestra mirada sobre quién ocupa los escenarios y los espacios de representación. “Hay cuerpos que han sido expulsados del imaginario de la danza. Cuerpos lentos. Demasiado cansados. Demasiado reales. Demasiado arrugados. Carlota Mantecón reúne en escena a mujeres mayores que no intentan parecer otra cosa distinta de lo que son. Y en ese gesto, aparentemente sencillo, ocurre una pequeña revolución de la mirada. La pieza no pregunta quién sabe bailar. Pregunta quién tiene derecho al espacio visible, quién merece ser mirada.» Descarga el PDF para leer la relatoría completa: PRINCIPIANTES - Por Obdulia Bustos Descubre más sobre nuestro ciclo y las crónicas de cada pieza en https://www.instagram.com/danzaenbreve

Morfia

Murotron — Wed, 17 Jun 2026 20:07:58 GMT

Macarena Bielski y Manu Pita-Romero - 19 de junio en el C3A Morfia es una performance audiovisual, que plantea las diferentes formas de representar un cuerpo. Macarena Bielski y Manuel Pita-Romero contruyen un espacio sonoro y visual en directo donde el ¿nuevo cuerpo¿ se materializa. La representación matérica de un cuerpo está desafiada por la pieza, poniendo en valor, y a la vez en duda, la realidad sobre la que se construyen las percepciones corpóreas: Morfia es una exposición sensorial donde se construyen en un contenedor de luz y sombra, y el ruido, su nueva piel, expresa la fragilidad y la fuerza de una imagen imposible de sostener en su pureza. Un eco entre lo tangible y lo virtual. Donde la forma humana se pierde y se reinventa. Más información y entradas.

MACARENA BIELSKI (Madrid, 1999) Es bailarina, música y creadora multidisciplinar. Su práctica híbrida entrelaza danza, performance y música en vivo, expandiendo la coreografía hacia territorios sensoriales donde el cuerpo se convierte en un espacio de resonancia emocional y política. Graduada en 2022 en Danza Contemporánea por P.A.R.T.S. (Bruselas), escuela fundada por Anne Teresa De Keersmaeker, desarrolla una práctica que combina movimiento y composición sonora. Ha presentado trabajos como Spooky (con María Jurado) en el Antic Teatre, La Mutant, Réplika Teatro, Festival TNT y MIT Ribadavia, y la performance audiovisual Morfia (con Manu Pita-Romero) en el Festival IN-SONORA13 y Réplika Teatro. Como diseñadora de sonido, colabora en proyectos de María Jurado, Héctor Fuertes y Zoe Lakhnati, y actualmente desarrolla A Sacred Reverie in a Dead Nostalgia, una investigación escénica sobre la nostalgia generacional a través del movimiento, el sonido y la memoria. MANU PITA-ROMERO Es director, artista visual y diseñador de iluminación con base en Madrid. Su trabajo explora la creación visual, lumínica y espacial en contextos escénicos, musicales y audiovisuales. Ha desarrollado la creación visual de Spooky (María Jurado, 2024) y co-dirigido la performance audiovisual Morfia junto a Macarena Bielski (Festival IN-SONORA13). Es coordinador técnico y diseñador visual en Bambi (Candela May) y en varios proyectos de la compañía Paroxa, además de autor del cartel del 38º Certamen Coreográfico de Madrid. En el ámbito musical, ha realizado la dirección visual y de iluminación para artistas como Cruz Cafuné, Nina Emocional, Kora y Hadren, presentando su trabajo en espacios como La Casa Encendida, Palau Sant Jordi, Festival Sónar o La Riviera.

Sobre Estudios para un ecce homo, de Shantí Vera y Fernando Renjifo, vista en Box Levante - Centro escénico del Estrecho, Festival SUR (Algeciras), el 6 de junio de 2026. Por Nadia Lartigue y Juan Francisco Maldonado

Box Levante - Centro escénico del Estrecho — Wed, 17 Jun 2026 18:13:39 GMT

Asistimos a un pre-estreno de lo que oficialmente se estrenará en el 48º Festival Citemor, en Montemor-o-Velho (Portugal), a inicios de agosto de este año. Qué delicia poder probar las piezas que aún no se acaban de cocinar, uno de los lujos que ofrece el contexto de Sur, el Festival de escénicas del Estrecho en los boxes de Alcultura. Soplan vientos suaves en Algeciras bajo un sol ya muy potente de inicios del mes de junio. Texturas sonoras sintéticas, pequeños y suaves crujires electrónicos en una caja negra. Aparece un hombre (he aquí), con el torso desnudo. Camina hacia el centro del espacio y comienza a moverse. Este espacio va a ser intervenido por un cuerpo sólo, un cuerpo vestido de blanco casi beige en una caja negra. El foro del Box Levante es sin duda demasiado pequeño para él, pero lo estrecho y oscuro a veces tiene sus ventajas; nos agarra fuerte y nos permite verlo todo desde muy cerca. Shantí Vera es un bailarín muy especial que juega entre lo virtuoso y lo apacible, que desdobla el espacio y ensancha las paredes del estrecho foro del estrecho (de Gibraltar). Cada tanto Shantí nos mira, primero muy serio, pero conforme el espacio se va armando y una serie de signos se terminan de establecer como cosa común entre él y nosotres, su mirada se va endulzando, como una estrategia para establecer una complicidad con el público. Poco a poco comenzamos a reconocer el material que nos propone y a medida que eso sucede, se empieza a formar, si no un vocabulario, una colección de gestos que se ensamblan de una u otra forma a medida que los pone en relación. Gestos de manos. Un rompecabezas que va produciendo sentidos espaciales casi siempre abstractos. Cada tanto, de esa masa de movimiento surge una imagen clara, reconocible, casi alegórica, que se vuelve a disolver en la composición abstracta, en la maleabilidad del cuerpo y el espacio, en el flujo del movimiento que nos va llevando, absortos, de una cosa a otra. Las manos de Shantí, sus deditos, miden el espacio, lo tocan. Su masa cae y traza enormes diagonales, o pequeños remolinos hacia atrás. Sus coditos golpean el aire y en algún momento, después de sugerir una salsa o una cumbia, se tapa el sexo y nos mira un poco. Detrás, aparece un texto en sobretítulos que comienza aparentemente oracular o prescriptivo: serás, harás, sentirás, mirarás, pensarás. El peso y la autoridad del indicativo, apuntando. Pero la apariencia de sentencia muy rápidamente se transforma en introspección, lo que pareciera mandato es en realidad búsqueda y deseo, lo que pareciera flecha es en realidad superficie, campo de acción. El texto continúa interpelando así por un largo rato, pero en su insistencia revienta a la persona gramatical y nos sumerge en el ritmo, en el recorrido del deseo y en una sensación de familiaridad profunda. Cada vez más uno descubre que el ritmo del texto se diluye en el ritmo de uno, de las preguntas internas. Es un recorrido biográfico por el ego, la frustración, el placer, la amistad, la muerte, la insignificancia, que baila en flashazos en un solo de texto en la pared. Vamos reconociendo que, discretamente, la voz del texto se ha tornado en nuestra propia voz, puesta ahí en haces de luz proyectada. Una especie de emanación de nuestros sentires, más que algo que seguir con la mirada. Texto y cuerpo son los dos principales elementos compositivos de la pieza, y cada uno tiene un ritmo y una agencia propias. Conviven pero ninguno se circunscribe al otro, más bien se acercan, cada tanto se encuentran en ciertos puntos o se ignoran francamente para volver a converger en otro punto. Por momentos el texto sucede detrás del cuerpo, y por momentos el cuerpo para, se coloca al costado y mira al texto como lo miramos nosotres. El ejercicio de desaparecer de la mirada del espectador sin desaparecer físicamente es algo que Fernando Renjifo lleva muchos años explorando. Es muy sutil y agudo a la vez; un gesto simple, sólo mirar juntes para escuchar. Y eso probablemente lo comparte con Shantí Vera, quien también lleva muchos años ejercitando una mirada, un olfato y una escucha de lo simple, de las tensiones del espacio y las reverberaciones en el silencio. Otro gesto, que no es periférico pero establece otra posición de percepción, es el del cuerpo tumbado. Un cuerpo polisémico. Descansa. Renuncia. Pesa. Algo que se repone pero contiene melancolía. Una situación de escucha, de observación del cielo, de sentir el mundo todo alrededor, de aceptación no resignada, de lugar desde el cual se podría todo, pero no se espera nada. Una posición que parece pasiva pero que contiene potencia. Una posición, de la que ese cuerpo sale de manera totalmente repentina, con un impulso que va de 0 a 100 al segundo en que se empieza a escuchar un piano. O de 2 a 100, porque ese cuerpo no estaba muerto, ni apático, ni nada. En esa tercera parte de la pieza, con un piano y un Beethoven, se descubre a un Shantí de impulsos brutalmente precisos, que pueden romper una idea con otra sin previo aviso. Desde el instante en que se levanta, empieza a pasar por la película completa: un resumen caótico de todo lo que anteriormente construyó, pero desdibujado, desordenado y comprimido. A la velocidad de las notas vienen las ideas físicas. No se puede construir, no hay tiempo para tanto. Es como el cuerpo que intenta ir a la velocidad del cerebro. Esta sección baila una síntesis, roza cada gesto anterior, pero sin afirmación. Pasar por ahí nomás, sin tiempo para que el dibujo se entienda del todo; es un juego cognitivo y de memoria, arropado por la emocionalidad de una pieza sonora conocida que nos lleva, nos trae, nos empuja, nos jala y nos permite bailar un poco con el bailarín. En la pantalla, el texto ha desaparecido ya, sustituído por la música tal vez. Es un juego de memoria para el bailarín pero también para el espectador. En esta sección, flashes de esos signos corporales previamente presentados y organizados se ensamblan de otras formas frente a nuestros ojos y nos llevan también a recordar fragmentos de texto, como al azar, revueltos en la misma premura del cuerpo y su baile sintético. Nos descubrimos completando las imágenes, las asociaciones previas y fallando en completarlas; pero también nos descubrimos moviéndonos con Shantí, sorprendiéndonos de lo que nuestro propio cuerpo hace en respuesta a su estímulo. Hacia el final hay una suerte de epílogo, un torso y unos pies con residuos de lo acontecido. Un dejar que las cosas vuelvan a bajar, que el aire se asiente de nuevo antes de soltarnos. Lo vemos de espaldas avanzando lentamente hacia atrás, y a lo lejos, más atrás, se percibe muy bajito (por suerte) una versión para cello y voz de un concierto en re menor de Vivaldi. Nos quedamos pensando si esa direccionalidad tan clara no cierra los sentidos que la pieza había logrado liberar. Nos había invitado a soltar, a abstraer, a no asir… y por el uso del espacio, y tal vez de esa música que muchos reconocemos, aparece una especie de moraleja no deseada. ¿Qué pensará Alberto Trabajos, el compositor algecireño de la música de la primera parte de este Estudio para un ecce homo? Ese día, él está ahí, sentadito en el piso, viendo la función y mirando a Shantí con dulzura y seguramente muchas preguntas. Porque mientras miramos y escuchamos nos hacemos preguntas que no tienen por qué ser contestadas. A la función también acudieron unes 15 jóvenes no algecireñes, artistas de la escena y participantes de un programa del Injuve. Su estado de atención fue hermoso, fino, paciente, y su aplauso cálido y sincero. Fernando, Shantí y varios espectadores estamos de acuerdo en que esta obra pide un espacio mucho más grande, con más aire, menos negro, con huecos. En la sala se encontraba un grupo de mujeres no tan jóvenes; por lo visto, las asiduas. En cuanto acabó la pieza y se empezó a dispersar el público, se escuchó, a manera de cierre de su etapa espectadora, un fragmento de conversación hecha de frases inacabadas: –eso de la existencia y de la no existencia… –hmmmm… –es filósofo –sí, es filósofo Y con esto nos fuimos a tomar el fresco.

Nadia Lartigue y Juan Francisco Maldonado

Sobre Estudios para un ecce homo, de Shantí Vera y Fernando Renjifo, vista en Box Levante - Centro escénico del Estrecho, Festival SUR (Algeciras), el 6 de junio de 2026. Por Silvia Alba y Lucía Feijóo Robles (viva roberta)

Box Levante - Centro escénico del Estrecho — Wed, 17 Jun 2026 18:10:45 GMT

Catorce kilómetros: esa es la brecha del estrecho de Gibraltar. La distancia que separa el punto más meridional del continente europeo del continente africano. Es nuestro destino, el final de un camino y el principio de otro. Un viaje conducido por la suerte de Ahmed Ben Attia, de Carmen Aldama y de Cuqui Jerez. Un camino de esos que te cambian un poco el cuerpo. La vivencia de un ritual. El puerto, enorme, estaba ahí como una presencia difícil de ignorar. Hay algo en esa inmensidad que te vuelve pequeña de una forma extrañamente cómoda. Como si el tamaño del mar, de los contenedores, de las grúas, de las distancias, viniera a recordarte que no hace falta entenderlo todo para estar ahí. Un espacio, un lugar, una atmósfera energética vasta y densa, pero que atraviesa. El aire pesa distinto aquí, guarda existencias; tiene suspendidos restos de voces: pasados y futuros. El horizonte y el mar, lugar santo que respira lento al pensamiento de nombres e historias con un mezquino lecho. Fuerza de supervivencia, una presencia reflejada en el escenario. Absortas en esa escala llegamos a Box Levante, tras un viaje de casi dos días de la mano de Ahmed. Un trayecto que no termina. El ensueño continuó con la afectuosa acogida del equipo y sus residentes, un cuscús con sabor a casa, un espacio que nunca nos resultó ajeno y que en todo momento nos invitó a formar parte. Un contenedor que ya es hogar. En el teatro más al sur de Europa asistimos al preestreno de Estudios para un ecce homo de Shantí Vera y Fernando Renjifo en el marco de SUR Festival de escénicas del Estrecho antes de su estreno internacional. Una danza nacida en residencia artística en este mismo lugar. Y entonces la obra. Estudios para un ecce homo se presenta como una pieza que piensa con el cuerpo y con la palabra. Como quien deja que la idea se encarne, se desgaste, tiemble, se contradiga. La palabra aparece proyectada, suspendida. Queda el cuerpo. Vera en un espacio vacío. Un cuerpo que se sabe visto, un cuerpo que se ofrece a la mirada y al mismo tiempo la complica. Un cuerpo que observa, que duda, que se desplaza. Un cuerpo que piensa su finitud mientras sigue moviéndose. La pieza insiste. Repite. Repetición como forma de pensar. Repetir para mirar otra vez. Repetir para que una imagen no se cierre demasiado pronto. Repetir para ver si en esa segunda, tercera, cuarta vez aparece una grieta, una variación mínima, un temblor nuevo. La pieza trabaja con gestos pequeños, con el filo de lo casi nada, con el modo en que un cuerpo ocupa el aire. A veces lo sencillo es lo único que de verdad permite que algo se diga. La palabra y la danza no compiten; se acompañan, se escuchan. El texto no tapa al movimiento y el movimiento no ilustra al texto. Se abren uno al otro. Se sostienen. A ratos uno tiene la impresión de estar viendo un poema escénico que podría ser también manifiesto, paisaje o celebración. Y quizá la gracia está precisamente en que no se decide por una sola de esas formas. Prefiere permanecer en ese umbral donde algo todavía está naciendo. Amerita mencionar la propuesta musical de Alberto Trabajos, una música que impacta antes de poder decidir. Una llamada que obliga a estar, a atender. Es casi una privación de los sentidos. Después el silencio. Y detrás, Beethoven y su Tempestad, literal y figurada. El cuerpo entra en su pulso, y es que la elección de la pieza no es baladí, el patrón rítmico continuo, casi mecánico, casa perfectamente con la partitura de movimientos, con su calidad y desplazamientos. La pieza, que se sitúa como colofón de los Estudios, golpea y resume la acumulación de tensión e intensidad recogida a lo largo de la pieza. La armonía y el ritmo del alegretto manifiestan una inestabilidad contenida. Atraviesa el temblor, y de manera muy precisa todo se encuentra con un sentido compartido entre los contados elementos de la obra. Es aquí cuando nos vuelve a la cabeza el espacio vacío, y Peter Brook. En el teatro dentro de un contenedor, la energía poseída por Shantí Vera y un mar de posibilidades en un espacio despejado de artificios, una economía de medios donde surge y ocurre todo lo que ya estaba ahí. Vuelve también el orden de lo ritual, el presente, aquí y ahora, nosotras. Así, la pieza conecta con la raíz de lo escénico, la necesidad primitiva, la pulsión de la escena, crear y compartir. Hay algo muy bonito en llegar a un sitio para ver una obra y salir con curiosidad por todo lo demás. Estudios para un ecce homo deja algo abierto. Una especie de confianza en que merece la pena seguir mirando. Así que habrá que volver a SUR y ver qué más pasa. Ver otras propuestas, ver qué otras preguntas aparecen y ver como otros cuerpos están pensando cosas y mirando el mundo delante de nosotros.

Silvia Alba y Lucía Feijóo Robles

viva roberta

Presentación de la Revista Pedra

Murotron — Tue, 16 Jun 2026 14:03:07 GMT

Martes 30 de junio a las 19h en La Capella Os invitamos a la presentación del primer número de Pedra, la revista de La Capella y de las artes visuales emergentes leídas desde Barcelona. Pedra inaugura una nueva línea editorial que reivindica el tiempo presente como eje vertebrador del centro. Sin voluntad historiográfica ni búsqueda de una proyección futura, Pedra pone en diálogo aquello que marca los ritmos y las intensidades de La Capella en determinadas situaciones y momentos. Pedra nace de diversas conexiones y afinidades. En primer lugar, LIO (La Impremta Oberta), proyecto editorial de nyamnyam y Cultural Rizoma, que edita y acompaña la publicación; en segundo lugar, Todojunto, responsable del diseño; y, por último, las personas que forman parte del equipo curatorial del centro durante 2026 —Marta Sesé, Marc Navarro, Jara Rocha, Rubén Ramos Nogueira y Mònica Rikić—, que escriben y hablan de lo que está sucediendo ahora en La Capella. Distribución gratuita en la recepción de La Capella y en otros puntos contextuales. Más información.

Taller 'Aullar Manada. Eu vou pintar o mar no fundo do seu olho' amb Gabriela Cordovez

La Caldera — Tue, 16 Jun 2026 09:10:47 GMT

Miércoles 8 de julio, de 17 a 20h

Gabriela Cordovez propone un taller como parte de su proyecto Aullar Manada que esta en residencia en La Caldera con una Beca Barcelona Crea. Este taller se desprende de Sal da boca, una investigación que nace del deseo de acompañar una materia inestable —el aire, el viento, el aliento— y explorar sus manifestaciones en el cuerpo, la voz y el espacio. A partir de un estado de atención y escucha compartida, trabajaremos lo sonoro como materia que emerge de fricciones físicas y relacionales.A través de prácticas de respiración, movimiento y emisión vocal, exploraremos distintas maneras de dejar aparecer paisajes en el cuerpo, en sus diferentes escalas.En este proceso, el sonido emerge de la interacción entre respiración y voz, mientras el cuerpo trabaja con nociones de continuidad y erosión. Tres territorios afectan este encuentro: el mar Atlántico, el sertão brasileño y el Valle de Ricote. Pienso en estos territorios como estados de la materia, fuerzas poéticas y memorias.GalCosta, Caetano Veloso, Jadsa y Lia de Itamaracá son presencias fantasma que acompañan la práctica con palabras, ritmos, afectos y canciones. Pienso en procesos de transformación de la materia: el vapor que se condensa en lluvia, el viento que anuncia la lluvia.

Gabriela Cordovez. Soy artista del cuerpo, nacida en Colombia y criada en Brasil. Resido en España desde 2022 y actualmente vivo en Barcelona. Con especial interés en la antropología y el arte sonoro, mis obras exploran la posibilidad de deconstruir la noción de agencia mediante la creación de diferentes tecnologías de deformación y afectación del cuerpo, partiendo de la idea de que, en todo momento, somos a la vez agentes y sujetos afectados por nuestro entorno. Inscripción gratuita con reserva previa No es necesaria experiencia previa

Ben Attia: "Donde está la homogeneización es la muerte"

50 en libertad — Mon, 15 Jun 2026 15:56:52 GMT

Ben Attia (Granada, 1991) estrena nuevo trabajo en el festival TACHÁN, del 19 al 21 de junio en la Nave de Fomento del Museo del Ferrocarril de Madrid, dentro de la Celebración de los 50 años de España en libertad. El festival, comisariado por la periodista cultural Marta García Miranda, está concebido como una fiesta y una verbena teatral con un título que se inspira en las Mujeres y los Hombres-tachán, personajes que nacen en la novela de Francisco Casavella, El secreto de las fiestas, “para contagiar a otros en las calles y la vida, que se reconocen entre ellos y se distinguen porque te cuentan una cosa muy rara que tú, en el fondo, tenías muchas ganas de que te contaran”. En TACHÁN se presentarán cinco piezas inéditas de treinta minutos cada una. Junto a Ben Attia intervendrán Rodrigo García, Los Voluble, Los Bárbaros, Paula Quintana, Teresa Garzón, Juan Luis Matilla y Laura Morales, en una sesión continua de dos horas y media para la que ya no quedan entradas. Aunque sus primeros trabajos se remontan a más de una década, Ben Attia llamó poderosamente la atención con el estreno de Opus cero en el Teatro Pradillo dentro del Festival Surge hace poco más de un año y medio (próximamente en el Antic Teatre dentro del Festival Grec), trabajo al que un año después siguió el estreno de Opus nigrum en el Festival Free Tour el pasado septiembre. Ben Attia es uno de esos creadores pertenecientes a las generaciones nacidas después de la muerte de Franco a los que TACHÁN quiere dar voz, “creadores y creadoras con una mirada política sobre la sociedad en la que vivimos” que han crecido con las sucesivas crisis económicas, climáticas y de todo tipo en una época en la que la sensación es que todo se ha vuelto muy complicado, y más si te dedicas a la creación escénica. Además de dirigir sus propias obras, Ben Attia dirige Box Levante – Centro escénico del Estrecho, en Algeciras, junto con su compañera María Moncada. Pero, como él mismo cuenta en esta entrevista, sigue trabajando como guía turístico para musulmanes que visitan España. ¿Cómo se va a llamar la pieza que presentas en TACHÁN? La pieza se llama Ysabel. Un título a la antigua usanza, de una sola palabra, directa. ¿Qué nos puedes contar de Ysabel? Es una pieza corta, un encargo de TACHÁN, enmarcado en 50 años en libertad, que es una efeméride que curiosamente celebra la muerte de un tipo, que es un dictador, no el año en que se instauró la democracia sino que se está celebrando la muerte de este hombre, que ya para empezar es toda una declaración de intenciones porque el planteamiento, desde mi punto de vista, es bastante radical. Bueno, en palabras de Carmina Gustrán Lascos, comisionada para la Celebración de los 50 años en libertad, el festival TACHÁN pretende “dar a conocer nuestro pasado reciente; celebrar (sin triunfalismos) los avances políticos, sociales, económicos y culturales vividos en estas últimas cinco décadas; conversar sobre lo mucho que nos queda por conseguir y, sobre todo, imaginar juntas, juntos, qué hacemos ahora: cómo construimos el presente e imaginamos el futuro”. ¿Cómo se relaciona esta nueva creación con todo eso? Básicamente la pieza parte de un taller que vengo haciendo desde hace ciertos años en Algeciras, en Box Levante – Centro escénico del Estrecho, con jóvenes migrantes, sobre todo relacionados con el CEAR, la Comisión Española de Ayuda al Refugiado, y con gente de CEPAIM también, el Consorcio de Entidades para la Acción Integral con Migrantes. Cuando nos plantearon este encargo la idea era trabajar con estos jóvenes y traerlos a escena, traer sus vidas. Lo que se les propone es que de alguna forma lideren ellos la dramaturgia, lo que quieren contar, e invito a Juan Navarro a que dirija el proyecto porque tengo especial interés en formar parte del elenco, o sea, de estar con ellos trabajando codo con codo, y él tiene mucha experiencia en realizar talleres de este tipo. Y también tengo especial interés en involucrar tanto a María Moncada, que es mi pareja y compañera de proyectos, como a mis hijos Musa y Mansur, que de alguna forma están en la pieza. ¿Con quién trabajas en esta ocasión? ¿Quién interviene en esta nueva pieza? El elenco está formado por Juan Navarro, María Moncada, que encarna a Ysabel, Naser Ben Hammoud, Najee Ben Hammoud, Mikail, Fray Francisco, Fray Domingo, Carmen Aldama en la dramaturgia y como ayudante de dirección y Antoine Forgeron en el diseño de iluminación. ¿Sobre qué estáis trabajando? La pieza es una carta de amor. Hay cosas que no quiero adelantar porque lo que quiero es que se vean. ¿Quieres que el público vaya sin saber demasiado? Quiero que vaya virgen. Pero lo que te puedo contar es que este taller del que te hablaba está concebido como un espacio en el que abordar desde la escena la vocación poética de estos jóvenes en situación de desamparo. La invitación llega, por tanto, en un momento oportuno. Y para dar una vuelta de tuerca al dispositivo, decido abandonar el lugar de poder que me confiere la coordinación del taller para unirme a ellos como “actor”. Es así como propongo a Juan Navarro, con quien he estado trabajando recientemente, dirigir este dispositivo escénico en el que participamos tanto el grupo de jóvenes y yo como mi pareja y compañera María Moncada, planteando una suerte de experimento donde se diluyen los límites entre dirección, interpretación y experiencia vital. En el desarrollo del trabajo, se propone al grupo trabajar a partir de una figura histórica como detonante dramatúrgico. Son los propios jóvenes quienes, de una lista, eligen a Isabel I de Castilla, activando así un diálogo inesperado entre relato histórico y vivencias contemporáneas, entre la construcción de la identidad nacional y las trayectorias migrantes que hoy la atraviesan. En este sentido, resulta especialmente significativa la elección: Isabel es la figura que, en los albores del siglo XVI, impulsa un proyecto de homogeneización religiosa (la llamada “limpieza” de la sangre) mediante la conversión forzosa de los musulmanes españoles y el establecimiento de la Santa Inquisición, y que siglos más tarde será una de las figuras más ensalzadas por el régimen franquista como símbolo de unidad nacional. Sin embargo, esta genealogía se ve atravesada por una ironía histórica: será el propio Francisco Franco quien, en el contexto del Protectorado y de la Guerra Civil, reactive vínculos con el mundo musulmán, promoviendo la apertura de mezquitas y cementerios en territorio español y llegando a presentarse como protector del islam en una entrevista en la prensa francesa en noviembre de 1937. De este proceso nace el material que ahora presentamos: una pieza construida desde los cuerpos, las voces y las experiencias de quienes también forman parte, de manera ineludible, de la historia contemporánea de España. ¿Nos puedes hablar al menos del punto de partida de la pieza? Lo que me interesa aquí es que en el momento en el que Marta García Miranda me contacta para hacer esta historia está ocurriendo una cosa aquí en Algeciras que tenía que ver con un cementerio musulmán. En los acuerdos entre el Estado español y la Comisión Islámica de España, que se firmaron sobre los años ochenta, igual que existen unos acuerdos con la Iglesia Católica, se incluyeron la aceptación de los ritos musulmanes, la apertura de mezquitas y de otros tipos de espacios como pueden ser los cementerios, que es el punto de partida de la pieza. Justo estaba ocurriendo que, a petición de la Comisión Islámica en Algeciras, una jueza había ordenado que el Ayuntamiento permitiera la apertura de un cementerio musulmán, que no existe actualmente, y al cual tienen derecho los ciudadanos musulmanes. En toda la Península Ibérica hay muy pocos cementerios musulmanes. Hay alguno en Granada, otro en Córdoba, otro en Madrid, pero son muy pequeños y además son de época franquista, que es lo interesante. Pero, rápidamente, el Ayuntamiento y toda la comunidad de la derecha empieza a esgrimir argumentos hasta el punto de decir: oye, si tanto piden la asimilación y la integración ¿por qué quieren separarse con muros en cementerios diferentes? En fin, que realmente genera un montón de rechazo esta historia de un cementerio musulmán. Pero es curioso que una comunidad es imposible que esté integrada, aunque yo no creo en la asimilación, si una cuestión como el enterramiento... si un musulmán, sobre todo si es de origen migrante, sabe que cuando se muera no va a poder ser enterrado en España. Va a tener que volverse a Marruecos o a donde sea. ¿Pero y la gente de segunda o tercera generación, que ya no tienen ese país al que volver realmente? El encargo de 50 años en libertad me llega en este momento en el que estaba pasando todo esto en Algeciras. Y yo me involucré porque una de las periodistas que estaba en Algeciras es colega mía y le propuse que fuera a ver el cementerio musulmán de Granada. Es curioso porque el cementerio, que es superbonito porque está dentro del recinto expandido de la Alhambra, al lado del cementerio municipal, en un olivar que está encima de la Alhambra, es de la época de Franco, al igual que el cementerio de Griñón, en Madrid. Franco abrió esos cementerios y algunas pequeñas mezquitas para la Guardia Mora y los Regulares que combatían en el bando nacional. ¿Franco los construyó durante la Guerra Civil? Sí, durante la Guerra Civil y los años inmediatamente posteriores. Es curioso porque las cosas que más se prohibieron durante las conversiones forzosas y todas las leyes que hubo para la persecución de los moriscos fueron las circuncisiones, las abluciones y los hamam, y por supuesto los enterramientos según el rito islámico. Esos ritos eran las formas de descubrir si alguien era criptojudío o criptomusulmán. Durante un montón de siglos eso estuvo prohibido, no hubo ni un solo cementerio musulmán ni judío hasta que vino Franco, con la cuestión un poco rara de que es Franco quien ensalza de nuevo la figura de Isabel la Católica. Con él se afianza el resurgimiento de toda la idea de la Reconquista y de toda la identidad nacional basada en Isabel la Católica, que además es una figura que a mí me genera muchísimo respeto y fascinación. Me parece una tía increíble, la verdad, en todos los aspectos. ¿Por qué? Porque era una tía muy fuerte, con fuertes convicciones. Me da la sensación de esos personajes que están tocados por el destino, como que cargan a sus espaldas el destino, de alguna forma. Son los grandes personajes que escriben la historia de la humanidad. En este caso, en la historia de la España moderna, es una figura central. [caption id="attachment_88" align="alignnone" width="650"] "Auto de Fe en la plaza Mayor de Madrid"
Francisco Rizi 1683. Óleo sobre lienzo, 277 x 438 cm[/caption] ¿Pero por qué te fascina tanto este personaje, y además en este contexto, cuando fue una reina que decretó la conversión o, en caso contrario, expulsión de los judíos y que una década después se aplicó también a los musulmanes? Me fascina, en el sentido de que me genera mucho interés y admiración, quizá por su fanatismo. En politología, en historia política, el famoso príncipe de Maquiavelo, al parecer, está inspirado en los Reyes Católicos, tanto Fernando el Católico como Isabel la Católica. Es decir, que el nacimiento del estado moderno, tal y como lo conocemos, es una idea de ellos. Y además es una figura con la que tengo bastante relación porque yo me dedico a hacer de guía turístico con musulmanes que vienen a visitar a España y estoy hablando todo el día de la historia de al-Ándalus y de ese momento específico. De ahí viene un poco el proyecto. Luego, hay otra cuestión interesante para mí, a partir del trabajo que proponen estos chicos y la figura de Isabel la Católica. A mí me interesa porque en mi familia, con María Moncada y nuestros hijos Musa y Mansur, me veo reflejado en esas posibles parejas del siglo XV y XVI, mestizas, en ese momento de asimilación de los moriscos. Me pareció oportuno cuando los chicos escogieron esa figura porque me sentí interpelado. Mi experiencia siempre ha sido desde ahí: me identifico mucho con los moriscos. No por la persecución ni nada de eso sino por todas las cuestiones culturales que hay, tan bonitas. El romance andalusí, toda esa riqueza... Porque en el fondo no son dos culturas que se encuentran, son dos culturas que chocan. De esa colisión catastrófica aparecen cosas muy bonitas. Y creo que todo el Siglo de Oro tiene mucho que ver con esa presencia. Creo que España se vuelve gris cuando expulsan a los moriscos. Y que el único color que queda es en Andalucía con algunos bandoleros, que son de alguna forma los que mantienen la tradición. Son los monfíes, una gente que se echa al monte, al bandolerismo. Pero no porque sean moriscos o judíos, no es por la cultura de ellos - y fíjate que uso la palabra ellos- sino justamente porque cuando hay fricción entre culturas aparecen las cosas potentes. Donde está la homogeneización es la muerte. Isabel es la que establece ese proyecto de homogeneización porque en el fondo ella es cartesiana. No es cartesiana aún porque no existía Descartes pero es un protorracionalismo, es un deseo de hacer las cosas bien, como deben ser hechas. Y para hacerlo bien hay que limpiar la sangre, homogeneizar, y todos moros o todos cristianos. Y entonces ahí se muere España, así te lo digo, desde mi punto de vista. Y además todos los problemas que eso acarrea. En fin, cosas históricas. Sí que estoy completamente convencido de que al hablar de 50 años en libertad tenía que hablar de Isabel la Católica. Y no sé por qué. Si me lo preguntas directamente no sabría decirte por qué. Es una intuición. Veo una relación, aunque sea tan lejana en el tiempo. Como que hay una conexión directa. Espera un momento porque ahora mismo en el Raval nos está visitando el máximo pontífice de la religión católica y se cuela por las ventanas el ruido del helicóptero que nos vigila desde las alturas. Voy a cerrarlas. ¿Sobre qué más podemos hablar? Sobre el hermetismo. ¿Quieres que hablemos sobre el hermetismo? Sí. Tengo mucho que decir sobre el hermetismo dentro del teatro. Adelante. Te escucho. Pues otra intuición: la predominancia del texto dramático en las artes escénicas durante todos estos años tiene que ver con que era el único medio de registrar lo que ocurría en escena. Y desde que aparece el medio audiovisual hay una eclosión también de formas escénicas paralelas. Digo esto porque en el fondo lo escénico reside en un lugar que no puede ser capturado, que no puede ser ni grabado en vídeo ni fijado exclusivamente en un texto. Y lo escénico tiene que ver con el secreto y tiene que ver con algo a lo que asistes que luego no puedes contar. No porque no puedas porque está prohibido, que también en mi caso me interesa eso, sino porque eres incapaz de narrarlo. Te estás relacionando con cuestiones que Lacan nombra como lo Real y lo Real es aquello que está vedado a la palabra, aquello a lo que la palabra no tiene acceso. Eso por un lado. Y por otro lado, hablando de judíos sefardíes, en una entrevista muy bonita, en un documental que le hacen a Derrida por España, lo llevan a Almería, porque él considera que su familia venía de Almería, y en un momento dado dice una cosa - lo vi hace muchos años pero se me quedó grabado-: él habla de que el afán de la cultura occidental -no recuerdo si habla de la cultura occidental pero yo lo sitúo ahí- por revelar el secreto, por acceder al secreto, es una forma de autoritarismo. Porque desde una perspectiva poscolonial es totalmente cierto. Es decir, quiero conocer tu cultura, quiero desvelar tu secreto, cuéntame, para así, de alguna forma, acceder a tu ser, acceder a tu esencia. Y de ahí un poco el hermetismo. Y también hay una cuestión y es que la cultura musulmana es una cultura en la que la representación de las imágenes está vedada o al menos está conflictuada. Y entonces eso sitúa toda la transmisión, tanto de saberes racionales como de saberes ocultistas, a través de la palabra. Entonces el símbolo último es la palabra, la palabra escrita, y por eso hay tanta tradición en torno al trazo, al símbolo como elemento mágico. Las letras árabes tienen un poder de curación, porque no existen la imagen ni la talla, tanto la imagen escultórica como la imagen pictórica. Con algunas excepciones, que tienen su origen en tradiciones anteriores como son los persas o los turcos, que vienen de una tradición que precede al islam. Y además creo que nosotros, que nos dedicamos a las escénicas, negar esa condición de lo escénico, la incapacidad de reproducir y de fijar, negar eso es una suerte de sacrilegio, le estás faltando el respeto a lo escénico. Tienes que aceptarlo, que no es reproducible, que no es fijable, que traspasa la vida y no puede ser fijado, ni en un texto, por supuesto, ni en imágenes, ni en vídeo. No puede ser fijado. No es que no pueda ser fijado es que no debe ser fijado. Es como profanar una virgen. No debes hacerlo. ¿Quieres decir algo más para acabar? Hay una cosa que me interesa y que no sé si hemos conseguido abordarla en esta historia, con estos jóvenes, que es, al hilo de lo que te acabo de contar, que en una entrevista a Romeo Castellucci él contaba que en el núcleo de lo escénico está la imagen, que esa es la unidad nuclear de lo escénico. Creo que ahí se equivoca. En el sentido de que ahora hay una predominancia de creadores escénicos que vienen de las artes visuales. Él, por supuesto, contrapone la imagen a la palabra. Pero ahí no está la imagen ni la palabra. Yo creo que, el núcleo de lo escénico, su esencia absoluta, es la acción. Estamos en esa búsqueda. Ir contra la representación e intentar encontrar la acción, que todavía no hemos conseguido definirla del todo. Lo digo porque es algo que hemos intentado movilizar en este proyecto. Por otro lado, en media hora, a ver en qué queda.

Rubén Ramos Nogueira

Fotografías de Blanca Morales

Jornada agotadora Hamlet

Murotron — Mon, 15 Jun 2026 08:56:16 GMT

Rodrigo García - 26 de junio en La Casa Encendida Una inmersión en los Hamlets de Rodrigo García. Proyección de Hamlet Kebab, coloquio con Laurent Berger y Óscar Cornago, encuentro con el artista e inauguración de la instalación Hamlet está fatal. Hamlet Kebab, de Rodrigo García. Francia, 2016. 82’ Una performance filmada basada en la obra de Shakespeare. En El Hayal, un acogedor restaurante de kebab de Aubervilliers, Rodrigo García presenta una adaptación cinematográfica de Hamlet, rodada en directo e interpretada por los vecinos del barrio. De este modo, devuelve a Shakespeare la dimensión de poeta popular que tuvo en su época y que su incorporación al repertorio nos ha hecho olvidar con el tiempo. Ficha artística Dirección: Rodrigo García. Texto: William Shakespeare. Colaboración artística: Laurent Berger y Sarah Chaumette. Actores: Nana Bamba, Gaye Diabira, Alain Ferrer, Stephane Foulgoc, Muhammad Javed, Suzanne Jeanjean, Lyna Khoudri, Chloé Richer-Aubert, Razek Salmi, Reda Sourhou, Clément Tang y Mamadou Traoré. Conferencias sobre Hamlet Kebab y Hamlet está fatal a cargo de Laurent Berger y Óscar Cornago, seguidas de un coloquio con el público y con Rodrigo García. Laurent Beger Director, investigador y docente de teatro. Se formó como actor en el Conservatorio de Arte Dramático de París y como director en las Universidades de París y Estocolmo. Es Licenciado en Artes del Espectáculo de la Universidad de París. Se desempeña como investigador en el Centro Nacional Francés de Investigación (Dramaturgia Shakespeariana, Teatro de experimentación). Desde 1992 ha dirigido varias puestas en escena de Brecht, Berkoff, Shakespeare, Borchert y Synge en París, Avignon, Suiza, España, Suecia, Croacia, Japón. Actualmente es director de la compañía “Un Autre Monde” en París y docente en Artes del Espectáculo en la Universidad de Montpellier, Paul Valéry. Óscar Cornago Viene del campo de la investigación académica en Ciencias Humanas y Sociales. Su trabajo, desarrollado desde el Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid, se ha especializado en artes escénicas, estética, arte público y teoría comparada de los medios. Es autor de numerosas publicaciones y ha impartido cursos y conferencias por Latinoamérica y Europa, además de comisariar proyectos, encuentros y seminarios teórico-prácticos en colaboración con artistas y plataformas de creación en torno a la idea de teatralidad y comunidad, economía de las prácticas artísticas, archivo y memoria o la relación entre artes y entornos públicos. Forma parte del equipo de investigación ARTEA desde su fundación. Ha sido coordinador del Archivo Virtual de las Artes Escénicas y profesor en el Máster de Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Castilla-La Mancha en colaboración con el MNCARS y los Teatros del Canal de Madrid. Entre sus últimos trabajos se encuentra Ensayos de teoría escénica. Teatralidad, público y democracia, o volúmenes colectivos como  O teatro como experiência pública, Hacernos un mundo. Ficciones colectivas y Conversar, habitar. Perspectivas críticas sobre la idea de participación. Hamlet está fatal, de Rodrigo García. España, 2026. 50’ Videocreación a partir de la obra de Shakespeare protagonizada por niñas y niños y adolescentes + una instalación. Un perturbado Hamlet y una Ofelia nada inocente viven su primer amor con diez años. Un malvado padrastro, el rey Claudio, redescubre el amor y la pasión en Gertrudis, la madre de Hamlet, ambos de quince tacos. En esta videocreación todos los personajes de Shakespeare son chavalas y chavales que viven en Madrid. Una versión muy libre de Hamlet a partir de la obra original, grabada íntegramente en un solo espacio, una sala de exposiciones de La Casa Encendida. La película se podrá ver en loop como núcleo, como centro de una Instalación-Detritus-Hamlet: lo que quedó en el plató luego de las jornadas de rodaje. Ficha artística Dirección: Rodrigo García. Texto: William Shakespeare. Actores: Amara Molina, Blanca Tranche, Carlos Conde, Carmen Brigos, Daniela Jarreto, Eliot Xia, Leo Castellanos, Mateo Jorreto, Nayla López, Noa Arranz, Noe Famoso. Más información.

Hamlet está fatal, de Rodrigo García

Murotron — Mon, 15 Jun 2026 08:52:26 GMT

Rodrigo García - 27 de junio en La Casa Encendida Videocreación a partir de la obra de Shakespeare protagonizada por niñas y niños y adolescentes que podrá verse en la exposición-instalación Hamlet está fatal.

Una versión muy libre de Hamlet a partir de la obra original, grabada íntegramente en un solo espacio, una sala de exposiciones de La Casa Encendida. La película se podrá ver en loop como núcleo, como centro de una Instalación-Detritus-Hamlet: lo que quedó en el plató luego de las jornadas de rodaje. Un extracto de la obra dice: Te tenía y ya no te tengo Qué poco le costaría a Dios, si lo quisiera, retrasar el mundo una vuelta o dos Corregir el dolor y devolverle el júbilo Nuestra unidad era tal que no pensé que la muerte pudiera separarnos No pensé que podría moverme y tú estar rígida y quieta Una parte de tu corazón aún sufre en mi pecho, una parte de mi corazón yace fría en la tumba contigo Oscuro, oscuro… no encuentro metáfora mejor Edna St. Vincent Millay Colaboran: Arturo Iturbe, Johnny Ryan, Ricardo Cases. Más información.