T E A T R O N

The dog days are over

Murotron — Tue, 10 Nov 2026 13:32:18 GMT

Jan Martens - 13 y 14 de noviembre en el Teatro Central de Sevilla

«Abrid todos los poros a esta joya. Y, sobre todo, no olvidéis respirar». Así escribió Nieuwsblad en 2014 sobre THE DOG DAYS ARE OVER. Las críticas no exageraban: esta producción supuso el gran salto para Jan Martens, que se tradujo en una amplia gira internacional con más de 100 funciones. En 2025, Jan Martens y GRIP recuperan este exitoso espectáculo con un nuevo reparto.

El fotógrafo estadounidense Philippe Halsman dijo en una ocasión: «Cuando le pides a una persona que salte, su atención se centra principalmente en el acto de saltar y la máscara cae, de modo que aparece la verdadera persona». Con THE DOG DAYS ARE OVER Jan Martens tomó esta idea como punto de partida y utilizó el salto para revelar a la persona que hay detrás del bailarín.

En THE DOG DAYS ARE OVER, el bailarín se presenta como un intérprete puro, empeñado en alcanzar la perfección. Sometidos a una coreografía compleja, matemática, enérgica y físicamente extenuante, ejecutada con una uniformidad forzada, los ocho bailarines acaban cometiendo errores. Y es entonces cuando sus máscaras caen.

Gracias a su radical propuesta coreográfica, THE DOG DAYS ARE OVER cuestionó la forma en que el público percibe a los bailarines, a los coreógrafos, a los espectadores e incluso las políticas culturales de la época. Diez años después, esas preguntas siguen siendo plenamente vigentes ante las actuales tendencias políticas y sociales: ¿Dónde está la delgada línea que separa el arte del entretenimiento? ¿Quiénes somos como público cuando contemplamos el sufrimiento de los bailarines desde la butaca como si asistiera a una corrida de toros? ¿Es la danza contemporánea un tipo de striptease para las élites? La obra invita al espectador a cambiar de posición: de ser un receptor pasivo de la experiencia a convertirse en alguien que reflexiona activamente sobre ella.

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L'Alternativa, 33 Festival de Cine Independiente de Barcelona

Murotron — Tue, 10 Nov 2026 13:29:11 GMT

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Nôt

Murotron — Tue, 10 Nov 2026 10:26:01 GMT

Marlene Monteiro Freitas - 27 y 28 de noviembre en Teatros del Canal (Festival de Otoño)

La reconocida coreógrafa caboverdiana Marlene Monteiro Freitas desarrolla una de las poéticas escénicas más singulares. Su trabajo, entre la danza, el teatro y la performance, se articula a partir de la acumulación, la transformación y el exceso. Formada en Lisboa y en la prestigiosa P.A.R.T.S., fundada por Anne Teresa de Keersmaeker, su trayectoria se ha construido en diálogo con una escena europea que incluye Avignon, Lyon, Viena o Berlín.

NÔT («noche» en criollo), se inspira en Las mil y una noches y en Scheherezade para poner en escena la supervivencia bajo el terror patriarcal. Ocho intérpretes, que son bailarines y percusionistas al mismo tiempo, transitan por un espacio fantasmagórico de amor y guerra, cautiverio y libertad.

Con un marcado carácter carnavalesco, la pieza crea un mundo intenso y caótico en el que las identidades se difuminan y los opuestos chocan. Capas y capas de relatos superpuestos, con el arte como herramienta fundamental para enfrentar un mundo en crisis.

En piezas anteriores como Bacantes, Jaguar o Guintche, el movimiento oscila entre lo ritual y lo grotesco, lo musical y lo físico. Su trabajo ha sido reconocido en la crítica internacional, “por su capacidad de tensar los límites entre belleza y violencia, control y desbordamiento”.

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Mi madre y el dinero

Murotron — Tue, 10 Nov 2026 10:22:45 GMT

De Anacarsis Ramos - 17 y 18 de noviembre en Contemporánea Condeduque (Festival de Otoño)

En 1965, Josefina Orlaineta, madre de Anacarsis Ramos, obtiene su primer trabajo en el estado de Campeche (México), donde nació. Tiene 5 años.

En las siguientes seis décadas, Josefina encadena más de cuarenta trabajos, entre México y España, y es testigo de la pobreza y los desastres ecológicos que perfilan Campeche como uno de los lugares más precarios de México. El petróleo fue una promesa de prosperidad para el pueblo mexicano por parte de su gobierno, escribe Anacarsis, “pero terminó siendo una industria depredadora que se apropió de la costa”.

Junto a su marido y tras pasar dos décadas en España, Josefina vuelve a Campeche y levantan negocios que puedan poner remedio a aquella escasez. Negocios que acaban reconvertidos en espacios comunales donde se encuentran los vecinos del barrio y, en la obra, funcionan como esqueleto de la narrativa propuesta por Anacarsis Ramos.

A partir de conversaciones entre Anacarsis y Josefina, y tras un proceso de exploración escénica y documentación, nace Mi madre y el dinero.

El dramaturgo, considerado una de las voces más genuinas y comprometidas de la escena mexicana, visita por primera vez el Festival de Otoño.

En sus trabajos destacan el manejo de la ironía y la conciencia crítica, y la combinación de lo político y lo íntimo. Ramos, junto al resto de artistas fundadores de la compañía Pornotráfico, utiliza todos los recursos y herramientas digitales y analógicos a su alcance para construir un espacio de experimentación desde el que narrar la lucha de clases.

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'Si fuera una película' de Macarena Recuerda | Festival IF Barcelona

La Caldera — Tue, 10 Nov 2026 09:05:01 GMT

Viernes 27 de noviembre, a las 20h en La Caldera

Si fuera una película es una pieza que explora las posibilidades del sonido en el cine para pensar la escena teatral. Un sonido que dramatiza, ficciona o resignifica las imágenes que toca, que produce extrañeza, humor o se convierte en metáfora viajando de lo verosímil a lo irreal. Esta superposición de elementos narrativos, el sonido ligado a lo cinematográfico y la escena, nos muestran las potencialidades de ambos. El sonido como generador de posibles ilimitados y la escena con su infinito código de representación.

Premio Fira de Titelles de Lleida 2026 «Espectáculo más innovador».

En colaboración con la Alternativa, Festival de cine independiente de Barcelona.

Entradas 8/10/12€
+ info en la Web

'Emerging Still' de Francisco Camacho y Kotomi Nishiwaki | Festival IF Barcelona

La Caldera — Tue, 10 Nov 2026 09:01:43 GMT

Miércoles 25 de noviembre, a las 20h en La Caldera

Emerging Still es una pieza de danza contemporánea que explora la relación entre el cuerpo, el espacio y la materia. A través del movimiento, los dos intérpretes transforman constantemente el espacio que comparten: un gesto provoca otro, un movimiento modifica el entorno y cada cuerpo afecta a la manera en que el otro se mueve y es percibido.

A medida que el paisaje escénico se transforma, los colores y los materiales introducen nuevas tensiones. Entre la voluntad de intervenir sobre el mundo y la fascinación por las formas, las superficies y las apariencias, Emerging Still habita esta dualidad sin buscar una respuesta definitiva.

Esta nueva creación de Francisco Camacho forma parte del programa de colaboraciones internacionales y surge de su colaboración con la coreógrafa e intérprete japonesa Kotomi Nishiwaki, que se une al coreógrafo portugués para crear una pieza en coautoría, tomando el relevo de Meg Stuart y Magnum Soares. La propuesta forma parte del programa de colaboraciones internacionales impulsado por la dirección artística durante este cuatrienio.

Entradas a 8/10/12€
+ info en la web

Appear-Disappear

Murotron — Mon, 09 Nov 2026 17:15:21 GMT

Mila Ercoli - 12 de noviembre en Graner

El programa Estudi obert de Graner, centro de creación de danza y artes vivas, colabora con IF Barcelona para mostrar el trabajo en proceso de Mila Ercoli, artista residente de Graner 2026 en la modalidad de investigación con el proyecto Appear-Disappear, que cuenta con el apoyo del centro. (Estudi obert es el programa anual de Graner que permite compartir los procesos de creación de las artistas residentes y dar a conocer sus investigaciones).

Appear–Disappear puede ser una coreografía lumínica, una práctica psicomágica, un juego de ilusionismo y percepción, una oda a lo analógico o un diálogo con el cosmos. La pieza nace de una investigación sobre la relación entre la luz, la óptica y los cristales que, tratados con delicadeza, revelan otra dimensión invisible oculta en el mundo visible. En escena, un cuerpo invoca la luz y la oscuridad a través del movimiento y la manipulación de los materiales, transforma el espacio e invita al espectador a emprender un viaje entre lo visible y lo invisible, entre el sueño y el fantasma. Ciencia y ritual al mismo tiempo, Appear–Disappear abre un espacio para repensar nuestra mirada y el poder de la imaginación.

Mila Ercoli es una artista multidisciplinar chilena afincada en Barcelona. Su práctica transita entre las artes escénicas y visuales, la performance, la fotografía y el audiovisual, y explora la percepción a través de la luz desde un enfoque profundamente analógico. Su trabajo se sitúa en la confluencia entre la ciencia, el ilusionismo, el esoterismo y la psicomagia. A través de cristales y prismas, ha desarrollado un lenguaje propio que dialoga con la luz, el espacio y la percepción, transforma la realidad y hace aparecer aquello que no podemos ver a simple vista. Actualmente, además de Appear–Disappear, también desarrolla i INFINITA [Live AV], un proyecto de visuales analógicas en tiempo real.

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Concierto para zapatillas de deporte y suelo de madera

Mambo — Mon, 09 Nov 2026 14:07:36 GMT

Hace dos años tuve la oportunidad de ver (des)aparecer de Lucía Marote y además de con una buena sonrisa, me volví a casa con una canción que me acompañó un buen trecho de aquel otoño. The Space Lady y su Major Tom le daba una vuelta de tuerca a la odisea espacial de Bowie y la llevaba un par de galaxias más allá a bordo de una nave espacial a pedales. Tiene algo esencial en el uso de la tecnología que me gusta. Algo primitivo y sincero. Cálido. Me gusta traerme regalos a casa, siempre intento hacerlo, y esa canción fue un bonito detalle.

Hoy la escucho mientras ato los cordones de las botas y busco un impermeable. Ha vuelto a llover, al fin, en Vigo y me voy a Ensalle a ver una nueva obra de Lucía Marote.

Bajo un sol de mediodía salen tres mujeres a escena. Forman un triángulo, se miran pausadamente y se tapan las orejas. Entonces comienza un concierto dónde los instrumentos son sus seis pies, embutidos en modernas zapatillas de deporte, percutiendo el suelo. La partitura es, inicialmente, geométrica. Las líneas del pentagrama trazan rectas, pero también círculos. En algún momento creo intuir espirales, pero no podría asegurarlo porque creo ver espirales demasiado a menudo. Crean figuras en el espacio sin sombra. Es cómo un concierto a tres voces que en realidad son una sola voz. La polifonía es monodia visual. Contiene eso de magia que para mí siempre hay en la danza. Cuerpos diferentes que pueden ejecutar el mismo movimiento al mismo tiempo, en la misma frecuencia, con el mismo ritmo cardiaco, con la misma respiración. Sabiendo que hay mucho trabajo detrás, mucha repetición y mucho sudor el resultado es magia porque me sitúa en el territorio de lo que soy incapaz de hacer y eso siempre me gusta. Me atrapa también el misterio que hay detrás de lo que no entiendo por completo porque me da la oportunidad de completarlo con mis vacíos. Somos el resultado de la suma de lo innato y lo adquirido le leí a Yrsa Sigurdardottir esta semana y lo confirmo una vez más. Relleno lo que no conozco de intuición. Y ahí voy. Sumando genética y aprendizaje. Así, intuyo que hay algo muy de tierra, como si lo pudiera oler. De tradición. Ritmos primitivos que seguro tienen origen en actividades cotidianas que se van sublimando hasta encontrar un código simple. Como el tacón, punta, tacón gallego, pero con otro ritmo. Creo confirmarlo más adelante, a medida que se van incorporando otros instrumentos. Primero el instrumento más empleado en los últimos tiempos: el sonido pregrabado. Y después también la voz. Uno de los sonidos grabados resuena a folklore de Costa Rica, el país de origen de Lucía Marote. O eso quiero creer. La voz nos dice para qué vienes al baile si no vas a bailar. Y pienso que desde adolescente he ido a las salas de fiesta a acodarme en la barra mirando la pista y aquí sigo años después. Mirando. Y confirmo que me gusta la asociación de fiesta y baile y que también se puede ir a mirar al baile.

El mediodía se va transformando en atardeceres, porque las puestas de sol son varias. Son muchos soles en forma de PAR 64 las que Cristina Bolívar, a los mandos de la mesa de luces, crea. El poder de un PAR 64 sobre una piel desnuda es algo que el led aún no ha conseguido imitar.

Y cuando llega la noche ya no es tan necesario seguir un pentagrama. Podemos salirnos del ritmo, de la geometría, de la cotidianidad impuesta. La carne sigue temblando, la piel se cubre de sudor, la visión se puede fragmentar y todo puede ser sorpresa.

Aun así hay algo compartido en toda la pieza que no se acaba de perder. El cuerpo es uno. Y creo que ahí está la fuerza del trabajo de Aurora Costanza, Rocío Barriga y Lucía Marote. Que usan sus cuerpos como colectivo. Y que lo ponen, de alguna manera, para defendernos. Como antes otros cuerpos se expusieron y nos defendieron. Y otros lo harán después. Hoy toca otra vez. Tiempos de colectivo y de poner los cuerpos. Para poder decir: este cuerpo, este increíble cuerpo, resiste guerras, rechaza dudas / Este cuerpo, este increíble cuerpo, se hace viejo y sus arrugas son victorias.

Ha empezado el XXI festival Catropezas que organiza el Teatro Ensalle, un festival de otoño periférico en la Costa Oeste, la que mira al Atlántico a los ojos. Nos esperan próximamente Ábrego, un viento que propician Ana Erdozain y Alba González, felizmente recién instaladas frente el océano; Clara Pampyn con su evolución de La Intérprete; y un fin de fiesta titulado SixSeven dónde se reúnen el equipo habitual de Ensalle con Gonzalo Munilla, uno de esos talentos que han navegado muchos años bajo el radar. Y lo hacen para recordarnos que las ideas que pudieron cambiarnos la vida y fueron castigadas con el olvido pueden retornar. Muchas ganas. Hacer y mostrar, una fórmula habitual en la práctica de Ensalle que siempre es un lujo poder disfrutar. Creación colectiva y riesgo, dos conceptos ante los que no queda otra que abrir todos los poros de la mente y dejarse llevar. Y así podamos llamar al teatro sala de fiestas sin miedo.

Me traigo de vuelta a casa, además de otra sonrisa que espero me dure un buen tiempo, un nuevo Pliego de Teatro y Danza, el 79. Se estrena en esta colección maravillosa Oscar Gómez Mata con dos obras: Makers e Inactuales. Antonio Fernández Lera se encarga, nuevamente, de rellenar el vacío. Aunque sigo la trayectoria de Oscar y su compañía L´Alakran desde hace mucho tiempo y soy un entusiasta de su trabajo, aún no lo había incorporado a mi biblioteca. Esta noche he podido remediarlo. Gracias Antonio.

Traigo también un cartel de la convocatoria de huelga general del 11 de noviembre. Unas chicas jovencísimas estaban, caldero con cola y escoba en mano, pegándolos por ese Vigo nocturno y distópico. Les he pedido uno para poner en la puerta de mi casa. Ellas también estaban poniendo su cuerpo esa noche para que el miércoles seamos millones los que lo hagamos.

Antoine Forgeron

Ruido Jondo

Murotron — Mon, 09 Nov 2026 13:17:54 GMT

22 de noviembre en Casa Montjuïc

RUIDO JONDO llega a Casa Montjuïc con FLAMANTE, el proyecto de investigación y experimentación sonora del artista audiovisual Derek van den Bulcke, que explora las tensiones entre el flamenco, la electrónica y el noise.

Para esta ocasión, FLAMANTE reúne a Baulou (guitarra), Carmela Muñoz (baile), Curro Rodríguez (cante) y Jordi Latorre (audiovisuales) en una performance donde la tradición flamenca se encuentra con la improvisación, la distorsión y los lenguajes contemporáneos.

Abrirá la noche Lato con un DJ set entre techno, ambient, noise y ritmos flamencos.

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Fiar

Murotron — Mon, 09 Nov 2026 13:15:40 GMT

Con Idoia Zabaleta, Cláudia Müller, Andy Smith y Lynsey O'Sullivan, Cía La Soledad, Natalia Fernández, Alba María y Alma María.

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