T E A T R O N

Elk de Sónia Gòmez

La Caldera — Fri, 06 Mar 2026 11:34:15 GMT

13, 14 y 15 de marzo

ELK de Sònia Gòmez se presenta en La Caldera, dentro del Festival Dansa Metropolitana.

ELK es una pieza de danza performativa que dialoga con materias en crudo o modificadas. Un diálogo entre el cuerpo de la bailarina y otros cuerpos orgánicos como el barro, la lana, el corcho, el vidrio, el látex natural, la seda, la madera, la piedra o las fibras vegetales. Una investigación de propiedades energéticas y escénicas, una dramaturgia con materia visible e invisible para imaginar juntos espacios sanadores, creativos y útiles para la existencia.

SONIA GÓMEZ (La Sénia, Tarragona) Bailarina, performer y coreógrafa. Estudio Danza Contemporánea y Coreografía en el Institut del Teatre (Barcelona) y P.A.R.T.S Bruselas, Bélgica. Desde el año 2004 trabajo en proyectos que tienen como ejes temáticos la construcción identitaria, pero también el descubrimiento de ciertas imposturas sociales a través del arte y de las imposturas del arte a través del cuerpo y la performance. Actuando en: España, Reino Unido, Italia, Alemania, Francia, Estonia, Portugal, EE.UU., Brasil, México, Holanda, Colombia, Chile, China, República Checa y Canadá. Viernes 13 de marzo, a las 20h Sábado 14 de marzo, a las 20h Domingo 15 de marzo, a las 19h 50 minutos Entradas disponibles + info en la web

Mercedes Pimiento y Chuso Ordi abren la temporada en La Capella

La Capella — Thu, 05 Mar 2026 15:43:11 GMT

La nueva temporada de La Capella comenzó a finales de enero con dos exposiciones que se pueden visitar hasta el 12 de abril: Una búsqueda que es un tanteo, de Mercedes Pimiento, y Como un viejo enemigo, de Chuso Ordi. Dos propuestas artísticas muy diferentes pero que comparten una cierta reflexión sobre el tiempo como agente transformador. Una búsqueda que es un tanteo se puede visitar en el Espai Capella, la sala grande. En la nave central encontramos cuatro esculturas realizadas con cera de abeja. En las capillas laterales, dos más, realizadas una con parafina, un hidrocarburo, y otra con colofonia, una resina vegetal. Todas son estructuras circulares. Las de las capillas laterales son cuerpos sólidos, de cierta altura, realizadas mediante encofrados con unos moldes que los más curiosos encontrarán fuera del espacio expositivo, en un pequeño almacén al que se puede echar un vistazo desde las rejas que lo separan del exterior entrando a los Jardines de Rubió i Lluch por el carrer Hospital, nada más traspasar la entrada, a la derecha. Una de esas esculturas instaladas en las capillas laterales da la impresión de que está ahí para recordar las velas de las iglesias, como si la artista la hubiese construido fundiendo todas las velas que ardieron en el pasado en la antigua iglesia que fue La Capella para crear una vela de dimensiones gigantes. En cambio, las cuatro esculturas de la nave central, como circunferencias que apenas sobresalen del suelo, están colocadas sobre unas resistencias programadas para desprender calor según diferentes patrones temporales, de manera que la cera se derrite y se solidifica de múltiples maneras en cada una de ellas. En las más pequeñas el calor provoca que la cerra se derrita por completo, de manera que se convierte en líquido. En la pieza más grande, en cambio, la cera no se derrite de manera uniforme sino que se generan una especie de agujeros sobre la superficie. En todas ellas las formas que se generan al cuartearse la cera siguen ciertos patrones que no pueden controlarse pero que el matemático Alan Turing describió en The Chemical Basis of Morphogenesis en 1952 (Alan Turing, pionero de la informática, el que desencriptó los códigos nazis en la Segunda Guerra Mundial, a quien debemos tanto y a quien los británicos recompensaron condenándolo a castración química por el entonces delito de ser homosexual). Esta misma mañana, el aspecto de la escultura más grande me hacía pensar en una especie de mapa que pretendiese mostrar diversos continentes ignotos, aún por descubrir, en otros mundos. Ese cambio constante, pero lento e imperceptible si pretendemos observarlo en un lapso de tiempo corto, es el que hace pensar en una especie de performance lentísima y dilatadísima en el tiempo. Como si la performance durase casi tres meses. Después de visitar la exposición dan ganas de pasarse de nuevo dentro de una o dos semanas para comprobar de qué manera el tiempo la va a ir transformando. Como un viejo enemigo se puede visitar en el Espai Rampa, la sala pequeña, totalmente forrada de más de quinientos dibujos de las mismas dimensiones, realizados en papel blanco, negro y rojo, cortados con cúter y fijados a la pared con cinta adhesiva de farmacia, una farmacia probablemente impotente para curar las viejas heridas infligidas por el viejo enemigo del título. Todo parte de lo que encontramos en una pequeña vitrina: un par de ejemplares del diario de Nou Barris (donde vivía el artista en los ochenta y a principios de los noventa) y unas fotografías. Uno de los ejemplares del diario, de febrero de 1993, está abierto por una página en la que se pueden leer dos artículos sobre el sida. Los dos aluden al crucial momento en el que el famosísimo jugador de baloncesto de Los Ángeles Lakers, Magic Johnson, declaró que era portador del virus. Era la primera vez que ese anuncio lo hacía un heterosexual. A partir de entonces el sida dejó de verse como un asunto que únicamente afectaba a los homosexuales o a los heroinómanos para pasar a considerarse un problema global y comenzar a actuar en consecuencia. Entre los dos artículos vemos una ilustración del artista, que comenzó a colaborar con el diario nada más salir de la facultad. En esa ilustración observamos el leitmotiv del resto de dibujos que cuelgan en la sala: nueve cabezas idénticas, colocadas en columnas de a tres, ocho en positivo y una en negativo en el centro. Cabezas sin ojos, sin bocas, sin pelo. A su lado, algunas fotografías del artista realizadas a finales de los ochenta. Todas muestran unas pintadas. Una recuerda que el ejército mata y exhorta a eludir el servicio militar, obligatorio para los hombres en aquellos tiempos. Otra, realizada en la ribera del río Besós, en Santa Coloma de Gramenet, es un mensaje contra el ingreso en la OTAN y contra las bases militares norteamericanas en territorio español. La tercera, en el Passeig Maragall, anima a usar tu cóctel molotov contra el ejército. De vez en cuando, en la sala suena un tema de Nirvana desfigurado, ejecutado con una guitarra, muy lentamente, sin voz. En mitad de la sala nos encontramos también con un viejo proyector de cine dirigido a una pantalla donde se proyecta una película de animación que tiene como protagonista al mismo personaje que aparece en todos los dibujos. La película solo se proyecta en 16 mm (su formato original) los viernes entre las seis y las siete de la tarde. La proyecta el propio artista, con el que se puede conversar sobre la exposición durante la proyección. Si le preguntas, el artista te dará innumerables detalles de la exposición y descubrirás que esa exposición es un viaje en el tiempo repleto de historias que no caben en un artículo porque dan para un libro. El miedo, o su exorcismo, es uno de los motores del proyecto. Hace treinta años uno de los miedos del artista era el sida y el otro el militarismo. El sida iba acompañado de una homofobia galopante. Ha pasado el tiempo pero los miedos no han cambiado mucho. El tiempo lo que sí nos ha traído es la desmemoria. Probablemente nos acordamos poco de la extraordinaria movilización antimilitarista (contra el servicio militar obligatorio, contra el ingreso en la OTAN) y de todo lo que removió, además de la represión que desencadenó, condenas de prisión incluidas. Nos acordamos poco de la aparición en escena del sida, de lo que supuso, de las muertes y de las profundas transformaciones sociales que provocó. Los dibujos de Chuso Ordi, una especie de tema con variaciones que sospechamos infinitas, nos recuerdan algunos miedos del pasado con la esperanza de sublimarlos pero al mismo tiempo reciclan esos viejos miedos para construir un extraordinario microcosmos que es un grito al colectivo sin necesidad de ensuciarlo con muchas palabras. A la exposición hay que sumar dos performances, aún no anunciadas, que el artista está preparando para el 26 de marzo y el 9 de abril, a las seis de la tarde.

Rubén Ramos Nogueira

Fotografías de Pep Herrero

Entrevista a AzkonaToloza: "El teatro es un refugio"

Mercat de les Flors — Thu, 05 Mar 2026 12:53:58 GMT

La compañía AzkonaToloza estrena del 7 al 22 de marzo Nuestro refugio galáctico en el Mercat de les Flors. Fernando Gandasegui: Nuestro refugio galáctico cierra la trilogía escénica Falla, de la que forman parte vuestros anteriores trabajos Canto mineral y Cuerpos celestes. Falla empieza cuando Fermina Pichumilla, una lonco o líder mapuche, os dijo que incluso las piedras están vivas. En otras ocasiones habéis hablado de que la trilogía trata sobre los límites minerales del universo, y de intentar entender quiénes vamos a ser en el futuro. ¿Cuáles son las preguntas particulares de Nuestro refugio galáctico? Txalo Toloza: Somos una compañía que trabaja sobre preguntas, sobre cosas que no sabemos. Siempre partimos de preguntas de trabajos anteriores que han quedado inconclusas. Y en este caso, viene de Fermina Pichumilla, a la que entrevistamos para Tierras del Sud en 2017. Ella nos contó sobre la relación cosmogónica que tiene el pueblo mapuche con su entorno. Que todo su entorno, su comunidad, y no solamente la gente que está en la comunidad, sino todo lo que está alrededor, el río, el aeropuerto que hay en otro estado, la carretera… todo es sujeto de derecho. Nada es objeto, todo es sujeto de derecho. Y a nosotros se nos quedó dando vueltas eso, que en su momento quizás no lo conseguimos entender, y lo olvidamos un poco. Pero cuando hicimos Canto Mineral volvimos a retomar esta idea. Después de escuchar durante años a los pueblos originarios latinoamericanos nos preguntamos a quién tocaba escuchar, y decidimos escuchar a una voz que no fuera humana, la más silenciada de los no humanos en el planeta: la geología. En el ordenamiento cristiano, las piedras teóricamente no han sido creadas por Dios, como el mundo natural de los animales, las plantas, los hongos… pero las piedras están fuera, no son divinas. Para nosotros hacía mucho sentido porque estaban antes de que llegase el lobo humano, y van a seguir estando, pase lo que pase. Y ahí empezamos a investigar todo lo que tenía que ver con las montañas, y caímos en la idea de límite natural, del límite mineral del planeta, sobre cuánto realmente podemos seguir excavando sin que eso se nos pase de madre. Después llegamos a la astrofísica, que es como lo mismo pero a otra escala. Y ahora estamos en esta idea del refugio de la montaña nuevamente. La montaña como lugar no de conquista, sino de encuentro. Siempre las cordilleras han sido explicadas por los estados nación como fronteras. En cambio, para los pueblos que viven ahí son lugares de paso, un puente. Y esto es algo que nos interesa mucho. Fernando Gandasegui: Nuestro refugio galáctico es vuestra primera obra intergeneracional. Además, no está solamente dirigida a un rango amplio de edad, sino que en esta ocasión la investigación se ha ido haciendo con públicos más jóvenes. ¿Por qué en esta obra decidís trabajar también para con niñxs y cómo lo habéis hecho? Txalo Toloza: Es una idea que teníamos pendientes desde hace tiempo. Cristina Alonso, ex-directora de Graner, nos dijo de broma cuando hacíamos Pacífico, que nuestra hija Lur se estaba criando escuchando tragedias, y que algún día tendríamos que hacer algo que no no fuera sobre la barbarie. Ha sido muy buena idea hacer una obra para público intergeneracional, ha sido un proceso bonito porque básicamente el tema lo conocemos, nuestra poética la conocemos, nuestra forma de entender el hecho escénico y el hecho visual también, lo que no sabíamos era tratar con niñxs en escena, aunque seamos padre y madre. Lo primero que intentamos entender, por ejemplo, es cómo gestionar la energía. La pieza se ha hecho en base a talleres que hemos ido haciendo en la escuela de Lur, en el Casal Infantil de Nyamnyam en Mieres… El límite energético de los niños es muy frágil. Si la energía es muy baja se aburren, si es mucha la energía no hay quien los pare. ¿Cómo consigues que todo a nivel energético, no solo la danza, también el texto, la música, todo se encuentre en ese límite? La otra cosa que queríamos buscar es que fuese también para adultos, que no tuvieses que venir solamente porque viene tu crío o tu cría, sino que puedes venir con tu colega y que el discurso textual y visual siga funcionando a distintos niveles. Si tienes 7 años entiendes una cosa, si tienes 45 entiendes otra, pero la obra no te deja tirado, y eso es lo bonito porque creo que lo hemos conseguido. Cuando trabajamos en Mieres, propusimos construir un refugio entre todos como actividad libre. Y resulta que los primeros que volvieron fueron tres niños que nos dijeron: “Vale, hemos terminado nuestro refugio. Esto es propiedad privada. Solo se puede enterar si tienen permiso nuestro y no les vamos a dar permiso”. Vivimos en un mundo en el que tu libertad y tu propiedad están por encima de todo. ¿Cómo hacemos que esto se transforme en otra cosa? Entonces creamos un dispositivo para construir entre todas. Algo que realmente necesitaste de ti para hacerse. En las obras anteriores de AzkonaToloza se ha ido consolidado un método de hacer que va componiendo espacio y escenografía en el transcurrir de la obra, de sus coreografías, textos, luces, música y objetos. En Nuestro refugio galáctico esa maquinaria escénica es coprotagonista de la obra, junto con lxs espectadorxs que la construyen juntxs. ¿Cómo ha sido este trabajo coreográfico-espacial? Txalo Toloza: Cuando hicimos Tierra quemada, que fue nuestra primera pieza juntos, estábamos en el post 15M, y la sensación era que, visto lo que había pasado, lo único que podíamos hacer era quemarlo todo y seguir huyendo al desierto y allí aguantar hasta que tocase volver. 15 años después retomamos la idea, pero en este caso decidimos que con la que está cayendo lo que toca es hacer un refugio entre todas desde la base para poder estar juntos, esperar a que esto pase, y a la venganza seguramente. Ahora toca construir algo entre todas donde podamos aguantar el chaparrón lo mejor que podamos mientras vemos qué hacemos. En Tierra quemada teníamos una montaña de bolsas, quemábamos nuestra casa, y ahora tenemos que conseguir algo que realmente necesite de todas, en el que yo te puedo dar las pautas, pero no te tengo que decir cómo lo tienes que hacer, sino que tienes tú que entenderlo, es tu responsabilidad. La coreografía tiene que incluir a todo el mundo. Y creo que la reflexión es esa. Ahora necesitamos de todas para que esto aguante, porque el individualismo ya no nos funcionó. ¿Por qué un refugio? ¿Qué clase de refugio se construye en la obra? Txalo Toloza: Siempre que hacemos obras tienen 5 inicios y 5 finales. Aunque esta tenía que durar 50 minutos, tiene un final donde se cuentan las posibilidades de un refugio, acabando con una noche que dura cientos de horas, pero acaba de día, con una fiesta, acabamos arriba. Vamos a ser melancólicos, entendemos lo que está pasando, sabemos lo duro que se viene, pero vamos a acabar arriba. Y hacemos una cosa muy bonita para mí, que es terminar dándole las gracias a todo el mundo, que es como decir que no van a conseguir que acabemos deprimidos. Esta vez vamos a acabar arriba porque hemos hecho una cosa juntos. Estos que hemos hecho entre todos es bonito, funciona, no se cae, nos sirve para estar tranquilos un rato, pues celebremos que todavía somos capaces de construir cosas en el beneficio de todos. No es la típica fiesta escénica en que te ponen el Bolero de Ravel y montamos la fiesta una música súper fuerte, o un hip hop reivindicativo por la cara. Estamos contentos de haber construido algo con sentido. Los niños son básicamente la poética del futuro. Son los que tienen que entender nuevas formas de ver esto. Yo tengo 50 años, ya hice lo que pude. Me quedan años, pero Lur es el futuro. De hecho, el texto es una conversación con Lur. ¿Cómo es la intervención de vuestra hija Lur en Nuestro refugio galáctico? Txalo Toloza: Yo siempre escribo textos para alguien, me cuesta escribir un texto para que lo diga cualquiera. Para esta obra me di el gusto de escribir un texto con nuestra hija Lur, es como una doble conversación con ella, en la que cambia quién pregunta y responde. En un momento es un adulto que habla con una niña, el adulto en el papel de adulto y la niña en el de niña. En la segunda conversación es la niña la que te explica astrofísica. Yo soy yo el que digo, explícame esto para que lo entienda. Escuchamos a una niña de 10 años explicando conceptos de astrofísica súper locos. Podemos aprender de los niños un montón de cosas de las que no nos hemos enterado o que olvidamos, Para mí es muy emocionante porque el último texto es un texto muy bonito. Es como un poema sobre las posibilidades de un refugio, que puede ser desde una cueva en la montaña a un plato de lentejas. Esto es algo que salió de un taller que hicimos en la escuela de Lur. Al principio de todo les pedimos que dibujasen un refugio. En su momento no revisamos los dibujos. Pero estando meses después en Azala empezamos a verlo con Lur, y son los que describimos en la obra. Para Nuestro refugio galáctico colaboráis de nuevo con Ana Rovira en las luces, Xesca Salvà en el espacio, Rodrigo Rammsy en la música, Jorge Dutor en el vestuario, Raquel Cors en la asistencia de dirección, y João Lima y Carlota Grau como performers. Se podría decir que AzkonaToloza es una de las compañías más estables en cuanto a colaboradoras. Entre todas habéis conseguido crear un lenguaje singular y compartido. ¿Cómo ha sido el trabajo colaborativo para esta ocasión? Txalo Toloza: Siempre decimos que somos como un circo pobre. Todos los diciembres organizamos una cena de empresa, yo hago tacos y pisco sour, y durante el día pasan como 25 personas. La compañía se entiende como una familia. Nos gusta trabajar con la misma gente. Hay cosas de la poética, de la manera de hacer, de entender la vida, que ya no te las tenemos que explicar. Somos una compañía de gente que se tiene afecto, y que si la cagamos la cagamos juntos. Suelen etiquetar vuestro trabajo como “teatro documental”, aunque en otras ocasiones os he escuchado o leído hablar de “teatro no antropocéntrico” o de “teatro audiovisual”. ¿Cómo se relacionan estas categorías con Nuestro refugio galáctico? (Se incorpora Laida Azkona a la conversación) Laida Azkona: En esta obra lo documental quizás no esté tanto, aunque provenga de una investigación documental. La obra es como un cuento o una conversación que resuena con nuestros temas de investigación. Seguimos trabajando todo lo que es la construcción de un espacio en constante transformación y sumamos al público. Lo importante aquí es hacerlo juntas, abrir el dispositivo y habitarlo con el público, que aporta un punto de vista bastante bonito. Creo que es diferente a nuestras otras obras. Se da un giro grande. Txalo Toloza: El audiovisual siempre ha sido lo que nos ha interesado, entendido como todo lo que se ve y se escucha. En lo que proponemos tienen el mismo valor las luces de Ana Rovira que el texto que escribo yo. Nuestro trabajo es muy transversal, todo el mundo coge su su parte, la elabora, tiene independencia. Ramsey no solamente hace música, cuenta una cosa. Podríamos quitarle el texto y la música seguiría funcionando igual, y el dispositivo seguiría funcionando igual. Trabajamos con una gente que ya entendió eso. Por eso empezamos las colaboraciones de los proyectos siempre muy al principio. Empezamos este proyecto hace dos años y de entrada ya llamamos a la gente. No nos sirve la idea de la iluminadora que llega en los últimos dos meses a la residencia técnica. Para este dispositivo, como era muy claro que queríamos construir un refugio juntas, las primeras reuniones fueron con Xesca. Laida Azcona: Con Xesca queríamos idear un objeto que nos obligara a hacer algo juntas y que si no, no funcionase. Eso junto a los talleres que fuimos haciendo para conocer a las más pequeñas fue lo que sentó las bases. Ante el individualismo tan fuerte que nos encontramos, decidimos hacer un dispositivo que desde que entras, ojalá fascine para construir algo, que no es tu refugio personal, sino que es de todos. Con cada grupo con el que lo hemos hecho, dependiendo de la energía, se han dado todo todo tipo de situaciones. Nos ha pasado por ejemplo de grupos que vienen con una energía de mierda, en el que hay alguien que controla por allí, algún bully, y nadie se soltaba, y entramos en crisis hasta que vimos que salieron transformados. El dispositivo propone un viaje. Tú llegas con lo que traes, pero al final construimos algo que es fascinante, escuchamos un cuento, descansamos bajo un refugio juntos… es una experiencia comunitaria. Txalo Toloza: Hay una cosa que me gusta, aunque sea políticamente incorrecta. En todas las comunidades hay haters, y estos son normalmente prohibidos. Pero aquí, si has decidido ser un hater, a diferencia de afuera, yo no te voy a intentar cambiar, no voy a gastar más energía en ti que en el resto. Bienvenido seas. El teatro tiene que preparar también para la vida. Si en tu vida optas por hacer eso, esto te va a cuidar, aquí te vamos a ayudar a que no te hagas daño. ¿Cómo trabajáis con el público en la obra? Txalo Toloza: Hacemos un pacto de ficción. Al empezar la obra hablamos con el público y elegimos otros nombre, otra fecha, y nos vamos inventando una realidad futura paralela. No es el pacto de ficción del teatro en el que tú tienes que venir acá a hacer como que te lo crees. Porque si no el cambio no funciona. No, yo te estoy diciendo que esto es mentira. Pero vamos a hacer que nos la creemos, porque si nos la creemos nos salvamos. Si nos inventamos una ficción y nos la creemos es una posibilidad de sobrevivir. Esa es la base de todo. Y eso hace que el público entra en un juego simbólico. Vamos a inventar una realidad entre todos, unas características de este día futuro y a partir de ahí construimos otra cosa, un futuro conjunto. Después está el refugio, la obra se basa en que originalmente hubo gente que se juntaba cada ciertos años en el claro de la montaña a bailar con las estrellas. Y para bailar con las estrellas, lo primero que tenían que hacer era construir un refugio donde pudiesen esperar el momento preciso. Pero después nos dimos cuenta de que realmente la prioridad era construir este refugio. La montaña es en verdad el refugio, el refugio básicamente es el planeta. O sea, nos están vendiendo la moto de que nos tenemos que ir a vivir a Marte cuando realmente el refugio lo tenemos acá. Y en último caso, este teatro en el que estamos es un refugio. El teatro es un refugio. Un refugio arquitectónico y también un refugio de palabras, de movimientos, de sentimientos. Todo lo que nos puede servir para sobrevivir lo tenemos acá. Somos los 50 que estamos, no lo podemos perder. El teatro debe ser un refugio en el que nos pudiésemos plantear cosas, no un sitio en el que estar pasivos, sino un sitio en el que nos podemos plantear preguntas entre todos e intentar darle la vuelta a esto. No es un sitio en el que yo voy a ver lo que me echen y ya está. No, esto lo construimos entre todos. Nos vamos a creer la ficción, vamos a hacer un pacto, lo vamos a construir entre todos, lo vamos a armar entre todos y vamos a decidir qué hacemos. Pero necesitamos que estén todos. Porque la única forma de aguantar es esa. Y creo que lo hemos conseguido. ¿Qué es lo siguiente de AzconaToloza? Laida Azkona: Tenemos un paseo sonoro que hemos hecho un par de veces. Txalo está con un nuevo trabajo alrededor de las cartas en el que yo acompaño. También dependerá de la subvenciones que hemos pedido. Pero lo siguiente va sobre agua, los ríos, mares, lagos… Ahora salimos de la tierra y nos metemos en el mar.

Fernando Gandasegui

Dansa Metropolitana a La Caldera

La Caldera — Thu, 05 Mar 2026 10:18:07 GMT

La Caldera colabora anualmente con el festival Dansa Metropolitana, un programa impulsado por el Ayuntamiento de Barcelona que propone actividades en torno a la danza en el Área Metropolitana de Barcelona. Este año proponemos dos programas para Dansa Metropolitana. El primer fin de semana con la propuesta ‘ELK’ de Sònia Gómez, y el segundo fin de semana con ‘Chantal, el texto es un cuerpo anhelando perspectiva ’ de Veza Fernández. Elk de Sònia Gómez 13, 14 y 15 de marzo Una pieza de danza performativa que dialoga con materias en crudo o modificadas. Un diálogo entre el cuerpo de la bailarina y otros cuerpos orgánicos como el barro, la lana, el corcho, el vidrio, el látex natural, la seda, la madera, la piedra o las fibras vegetales. Una investigación de propiedades energéticas y escénicas, una dramaturgia con materia visible e invisible para imaginar juntos espacios sanadores, creativos y útiles para la existencia. Entradas disponibles Leer más Chantal, el texto es un cuerpo anhelando perspectiva de Veza Fernández 19, 20 y 21 de marzo Un espectáculo anatómico e íntimo que muestra el cuerpo como un texto lleno de significado. Chantal se despliega en múltiples voces que atraviesan el cuerpo en el amor, el pensamiento y el dolor. Entre Venus lesbiana y figura de cera, poeta y bailarina, la pieza explora cómo experimentar el teatro más allá de la piel, revisando normas patriarcales y proponiendo formas nuevas de percibir y sentir. Entradas disponibles Leer más Actividades paralelas: Laboratorio El cuerpo como texto desbordado de Veza Fernández Martes 17 de marzo, de 9 a 11h A través de la activación de diferentes prácticas y herramientas, Veza Fernández propone un laboratorio en el que abordar la metabolización de la voz, el cuerpo como teatro anatómico, la Venus lesbiana - Canción, herida y pensamiento, donde trabajar afecto y pensamiento como materia coreográfica, regímenes de la atención y un cuerpo de muchos cuerpos. Los ejes transversales del laboratorio serán, el cuerpo como archivo político y afectivo, la voz como órgano expandido, la idea de traducción constante (lenguaje / gesto / sonido), la multiplicidad identitaria y la desobediencia a la linealidad narrativa. Gratuito con inscripción previa Leer más

Convocatòria oberta residència de llarga durada de circ 2026-2027

Estruch Blog — Wed, 04 Mar 2026 11:44:58 GMT

Convocatòria oberta RESIDÈNCIA PROFESSIONAL DE LLARGA DURADA DE CIRC 2026-2027 L’ESTRUCH, FÀBRICA DE CREACIÓ DE LES ARTS EN VIU DE SABADELL EN COL·LABORACIÓ AMB L’APCC I EL SEGON PLA D’IMPULS DEL CIRC DE CATALUNYA (2023-2026). El programa de Residències de Llarga durada 2026-2027 tindrà lloc a l’Estruch, fàbrica de creació de les arts en viu i té com a objectiu oferir un suport integral, estable i continuat als processos de creació i producció d’espectacles de circ. Es preveu una aportació econòmica destinada tant a la producció com al desenvolupament d’activitats vinculades a l’equipament, amb la voluntat de millorar i consolidar els diàlegs entre els centres de creació, els projectes artístics i el territori. El període de residència va del 15 de setembre de 2026 al 17 de desembre de 2027 amb un mínim de dotze setmanes de residència i un màxim a determinar segons necessitats del projecte i disponibilitat d’espais. Obertura convocatòria: del 3 al 27 de març de 2026 Resolució: 17 d’abril de 2026 Dotació: 15.000 € (+IVA) BASES FORMULARI INSCRIPCIONS

Notas que patinan #148: Núria Lloansi, Pierre Peres y Sofía Montenegro en el Géiseres del MNAC

Rubén Ramos Nogueira — Tue, 03 Mar 2026 17:43:31 GMT

El sábado pasado asistimos a la última jornada del ciclo Enmedio, una serie de intervenciones artísticas comisariada por Marc Caellas en el Museu Nacional d'Art de Catalunya dentro de su programa público Géiseres. Durante la mañana pudimos disfrutar de un programa doble a cargo de Núria Lloansi y Pierre Peres, que presentaban Tourist a la una del mediodía, y Sofía Montenegro con Ángulo de visión, en tres pases, a las once, las doce y la una. Núria Lloansi y Pierre Peres llevan un tiempo trabajando en el proyecto Tourist. La primera presentación pública fue en septiembre, en Madrid, en la galería Cruce de Lavapiés, dentro del festival Free Tour (en Teatron podéis encontrar la crónica de Carlos Pulpón y el comentario de Miguel Valentín sobre aquella presentación). Pero, respecto a aquella primera presentación, este nuevo episodio solo conserva el título, las coloristas batas con las que se visten la pareja de performers y las alusiones al turismo que invade nuestras ciudades. Y cierta actitud misteriosa, desenfadada, poética, humorística y alucinada que comenzamos ya a asociar a la propuesta artística de esta pareja. La intervención se desarrolló en las salas dedicadas al maravilloso y sorprendente arte gótico medieval. Como si se tratase de una visita guiada a la colección, se invitó al público a seguir a los dos performers, que iban realizando sucesivas paradas ante algunas de las obras de arte expuestas. Pierre Peres transportaba un altavoz portátil cuadrado con una circunferencia luminosa que emitía una sintonía como de serie de televisión de misterio o de ciencia ficción. Al pararse ante las obras de arte, los performers comentaban las obras con la ayuda de un micrófono, en diversos idiomas, mezclando el idioma propio de estas tierras con el alemán, el inglés o el francés. A través del altavoz también escuchamos comentarios en chino. La utilización de idiomas extranjeros daba la sensación de habernos colado por error en una visita turística para extranjeros. Podría ser que conociésemos alguno de esos idiomas y por tanto pudiésemos entender algo de lo que nos estaban contando pero resultaba improbable que una misma persona conociese todos esos idiomas a la vez. Daba igual entender o no lo que se estaba diciendo, casi mejor era no entenderlo porque no entender el idioma era la puerta para entrar en otro modo de experimentar la visita, para acceder a un cierto extrañamiento que permitía contemplar ese sorprendente y bello arte medieval de otra manera. Pero, de pronto, un comentario hecho en algún idioma conocido, o en una mezcla de ellos, nos arrancaba una sonrisa. Por ejemplo, cuando Núria Lloansi se arrancó a cantar uno de los cánticos mantra de los hinchas de fútbol catalanes customizado para la ocasión: gòtic gòtic gòtic motherfucker qui no gòtic (una versión de boti boti boti fill de puta qui no boti, en su versión original). También nos hicieron reír las diversas alusiones a las imágenes de diversos asados a la parrilla de turistas del siglo XIV por parte de los habitantes de la ciudad de Barcelona para su posterior ingesta colectiva, resignificaciones de imágenes extraídas de las múltiples pinturas que mostraban ese tipo de torturas, y otras igual o más bestias, que encontramos en una colección que a veces parece que se llame gótica por otras razones más modernas y no solo por pertenecer a una determinada época de la Edad Media. Como Núria Lloansi se encargó de señalar era curioso comprobar cómo los torturados solían mostrarse con el rostro sereno mientras que sus torturadores parecían estar pasándolo realmente mal. La intervención estaba llena de detalles, como el burdo (y al mismo tiempo entrañable) marketing que aprovechaba la excusa del más ínfimo elemento de cualquiera de las obras expuestas para meter una cuña publicitaria al tiempo que repartían entre el público merchandising de negocios locales de, cómo no, el Barri Gòtic de Barcelona. También sorprendió el colorido retablo restaurado e intervenido por Pierre Peres, que representaba la Última Cena, y que se exponía en una de las salas a pesar de que su adquisición, como Núria Lloansi nos contó mientras lo contemplábamos, la hizo su padre hace unos años en los Encants. Ahí es donde la intervención conectaba con las psicofonías y los fenómenos paranormales, como un testimonio grabado sugería al contarnos a través del altavoz que la pareja iba transportando cómo ese retablo había caído una noche de la pared de la que colgaba en casa de Núria Lloansi, sin hacer el más mínimo ruido pero rompiéndose en dos. Se nos informó de que el retablo se vendía al precio de 20.000€, precio que un turista que perteneciese a ese mal llamado turismo de calidad que a veces nuestros políticos se empeñan en vendernos hubiese podido comprar sin pestañear. El público que asistíamos a esta intervención, por supuesto, no. La performance también tuvo su momento musical cuando Pierre Peres cantó un tema medieval, acompañado de su guitarra eléctrica y un enorme amplificador, ante el enorme retrato de lo que parecía un obispo. Los rasgos medievales del tema fueron convirtiéndose en una inquietante pieza sonora ruidista con la ayuda de la colección de pedales que Pierre manipulaba con sus pies, pero sin perder ese aroma de tintes místicos, como si su intérprete fuese una especie moderna de ángel caído. Para acabar la visita se nos invitó a adentrarnos en la puerta secreta del MNAC. El público siguió a los performers a través de esa puerta que conducía a una salita donde nos esperaba una mesa en la que reposaban unas copas y unas botellas de vino y cava acompañadas de patatas chips. En el centro, los performers descubrieron muy lenta y delicadamente una tela que escondía lo que resultó ser una estupenda pata de jamón que, sugestionados como estábamos por las truculentas imágenes que acabábamos de contemplar, bien podría haber sido un cadáver embalsamado de algún turista. El caso es que sabía de maravilla. Dos horas antes, Sofía Montenegro, nos invitó a subir los cinco pisos de escaleras que conducían a la terraza del majestuoso edificio. Allí nos repartió auriculares y nos pidió que tuviésemos cuidado y vigilásemos dónde poníamos los pies. Desde la terraza del MNAC la vista es espectacular. Lo más cercano es el Anillo Olímpico de Montjuïc y los maravillosos jardines del Palacete Albéniz, residencia de la realeza que dan ganas de ocupar para darle algún uso más interesante. También se ve el mar, la Sagrada Familia, Barcelona entera. Sobre el tejado observamos unos focos como de baterías antiaéreas que aún hoy algunas noches lanzan unos haces de luz que se observan desde toda Barcelona. Mientras íbamos haciéndonos con el lugar, por los auriculares escuchábamos una conversación entre Sofía Montenegro y Álvaro García, físico investigador. Comenzaba fijándose en las torres que coronan el tejado del palacio en el que nos encontrábamos, inspiradas en las de la catedral de Santiago de Compostela. Poco a poco, los pasos de Sofía Montenegro y la conversación nos fueron conduciendo a bordear la cúpula de la inmensa Sala Oval, que podíamos ver desde las alturas a través de los cristales, hasta que llegamos a una pasarela desde la que podíamos observar, allí abajo, un pequeño patio en el que crecían unas palmeras. El patio se ve desde el hall del museo gracias a unos enormes ventanales pero realmente es uno de esos detalles arquitectónicos que puede pasar absolutamente desapercibido desde el interior, entre otras razones, probablemente porque entramos al museo en busca de las obras de arte que custodia pero también, como la conversación que escuchábamos señalaba, porque el museo está construido para conducir la mirada hacia los tesoros que encierra y no hacia la belleza desaliñada y caótica que la naturaleza crea en los rincones más recónditos en cuanto se le da un mínimo de espacio y libertad para que actúe. La conversación, en un tono desenfadado, se fue adentrando poco a poco en temas profundos alrededor de la luz, desde el punto de vista físico pero también histórico y filosófico, sin perder de vista el patio de las palmeras, como si la conversación se hubiese grabado en el mismo lugar en el que nos encontrábamos en ese momento. Mientras tanto, nos dedicábamos a la contemplación del patio y de las estructuras acristaladas vecinas. Hasta que, sin palabras, se nos invitó a penetrar de nuevo en el edifico y a bajar por otras escaleras. De pronto, aparecimos en la sala que ahora es el restaurante del museo, un espacio diáfano con unas magníficas vistas a las fuentes de Montjuïch y las torres venecianas, que se aprecian gracias a unos ventanales enormes, con Barcelona al fondo, vista a la que hay que sumar los reflejos que se producen gracias a los espejos colgados del techo en el extremo opuesto de la sala. Atravesamos el restaurante y bajamos más escaleras hasta llegar a una puertecita que nos dio acceso al patio que antes habíamos contemplado desde las alturas. Nos pidieron los auriculares. Caminamos en silencio entre las palmeras, encontramos unas sillas desplegables y nos sentamos en ellas. Durante un rato contemplamos el lugar refugiados bajo las palmeras. Se encendieron unas luces en el suelo. Sofía Montenegro nos dio las gracias y desapareció mientras aplaudíamos.

Hora bruixa

Centre Cívic Guinardó — Tue, 03 Mar 2026 14:18:12 GMT

Cia. Application Rejected Divendres 6 de març, a les 19:30h

Nous llenguatges

Hora Bruixa és un concert teatral punk, ritual i irreverent. Un viatge a través del temps protagonitzat per les tres bruixes de Macbeth, que tornen per explicar-nos la seva versió dels fets... i de la història. Convertides en una banda punk femenina, les bruixes revisiten els grans moments de resistència liderats per dones - de Salem al #MeToo, passant per les sufragistes, les obreres tèxtils catalanes o el moviment Riot Grrrl - i connecten màgia, lluita i música en directe. Aquestes bruixes no han marxat mai: han estat de gira. A cada parada han encès una revolució, han xiuxiuejat a calders invisibles i han posat en marxa moviments que han sacsejat l’ordre establert. Ara arriben a l’escenari per invocar els fantasmes del passat, creuar-los amb els dimonis del present i fer tremolar els fonaments del poder a ritme de crit i guitarra. Creació i dramatúrgia: Paula Castillo i Charlie Mills; Direcció: Charlie Mills i Jana Serra; Intèrprets: Paula Castillo, Natàlia Mas i Marta Niell; Disseny de llums: Isa Joaniquet; Composició i assessorament musical: Albert Martí; Disseny i direcció de titelles: Charlie Mills. Amb el suport de: Teatre de l’Aurora, Sala Trono, Teatre Nu, Mercantil de Balaguer, Estrena’t al Territori, Festival RBLS, Festival Z, Can Grau – Cardant Cultura, CC Guinardó, CC Joan Oliver Pere Quart Durada: 60 minuts - Inscripcions obertes 15 dies abans de l’activitat -

Las abejas pican los rostros tristes

Centre Cívic Guinardó — Tue, 03 Mar 2026 14:08:11 GMT

Nelson Jara

Divendres 27 de febrer, a les 19:30h

Teatre Las abejas pican los rostros tristes és una obra que parla dels somnis i dels desitjos. Des dels somnis i desitjos més bàsics, els més mundans, fins als impossibles de complir. Els somnis que hem complit, els que estan per fer-ho i els que sembla que mai es compliran. Per què si de sobte tots els somnis es fessin realitat... a on anirien els desitjos? Viuríem sense un anhel pendent i la vida seria avorrida. Amb alguns elements del llenguatge sensorial i amb petites intervencions del públic, entrarem i recorrerem algunes històries que ens parlen de grans somnis, de desitjos col·lectius i coneguts; aquells que pensem que donen sentit a la nostra vida. Al final també parlarem dels nostres somnis més íntims, d’aquells somnis quotidians, que en realitat són els de verdaders. Durada: 60 minuts - Inscripcions obertes 15 dies abans de l’activitat -

Actividad pública Marzo LAV-C

Tenerife LAV — Sat, 28 Feb 2026 09:50:08 GMT

Actividad pública LAV-C en marzo: 6 de marzo Presentación del Cuadernillo de Artistas en Crianza. 17.30h Museo Casa de Colón, Gran Canaria. Con la actuación de Élida Dorta y el diálogo de Alfredo Ramos, Beatriz Bello y Raquel Ponce 10 de marzo Apoyamos y defendemos, junto al equipo de capitalidad, la candidatura de Las Palmas de Gran Canaria 2031 a Capital Europea de la Cultura con “ La rebelión de la Geografía”. En el Ministerio de Cultura 15 de marzo Sun Dance Family Sessions con las grandísimas Nathaly de la Cruz y Kali Ninmah. 11.30-13.30h en Sala de Cámara del Teatro Leal de La Laguna. Edición especial en colaboración con Aldeas Infantiles ☘️ 25 de marzo Dentro de la programación de Danza en Breve, Laura Morales presenta “Ser Pastora”. 19.00h en Sala de Cámara del Teatro Leal de La Laguna 23-28 de marzo Springlab en Córcega, parte del proyecto Island Connect de Europa Creative ¡Más información en nuestras redes y canales de comunicación! ❤️ http://instagram.com/laboratorioartesvivas/

II Encuentro Sobre Objetos Voladores NO Identificados

Murotron — Fri, 27 Feb 2026 20:30:43 GMT

Organizando por rosanayaris en Las Cigarreras del 6 de marzo al 11 de abril Los testimonios nos dejan solamente una sensación, emociones, un mensaje cósmico pero, pueden ser manipulados por lo que nos gustaría ver. Si estamos buscando un lugar que no existe es porque este, aquí donde estamos, no nos convence. Los Objetos Voladores No Identificados proyectan una expectativa de salvación, no necesariamente de todos los males globales, pero al menos de nuestros esfuerzos inútiles para descifrar los misterios del universo. Más allá de las luces que uno ve en el cielo también existen los sonidos, las ondas electromagnéticas, las partículas o las sensaciones que podemos captar pero realmente no podemos asegurar qué son o de dónde vienen. Alrededor del 2% de los objetos voladores no identificados de los que oímos hablar no pueden ser calificados, todavía. Seguramente habrá una explicación razonable, pero hasta el momento hay misterios. ¿Podrán los análisis de expertos explicar todas estas cosas? Esperemos que no. El misterio es una dimensión fundamental de nuestra existencia. Explicarlo todo siempre será imposible y sinó aburrido. Programación. Caja Negra. Actividades gratuitas limitada al aforo. ¿ES LA VERDAD LA QUE NOS ASUSTA? VIE 06/3. TALLER De 18 h a 20 h Chapa y Pintura OVNI Un taller de gráfica impartido por el artista Vicente Aguado para explorar el imaginario popular y los estereotipos sobre la vida alienígena y los platillos voladores SAB 07/3 FORO De 19 h a 20 h Imaginería Extraterrestre una conversación entre Pablo Vergel (reediciones anomalas) y Vicente Aguado para excavar en el imaginario OVNI y ayudarnos a soportar tanto lo desconocido como lo que ya conocemos. MÁS ALLA DE LAS LUCES VIE 27/3 TALLER A las 18 h Antenas QFH. Un taller práctico con el artista Rafael Frazão donde vamos a crear alternativas populares con tecnologías caseras para intervenir el imaginario espacial colonizado e inaccesible durante años. SAB 28/3 RUTAS A las 19 h Ondas Electromagnéticas Rutas por la ciudad de Alicante con el artista Rafael Frazão para interceptar imágenes y señales que provienen del espacio, un encuentro con las órbitas ocultas que ocupan nuestros cielos. PUEDE QUE NO FUERA YO VIE 10/4 TALLER De 18 h a 20 h No Se Puede Ocultar Se acerca el día. En el taller con la directora artística Leonor Díaz crearemos la indumentaria recomendada para un posible encuentro cercano, que será el sábado 11 de abril. Si quieres hacer y/o reservar tu disfraz resérvalo en eventbrite.es. SAB 11/4 MÚSICA A las 19 h ¡ Ya están aquí !. Recogemos la indumentaria recomendada y entramos. En el interior de la Caja Negra muchas partes se mueven al ritmo de la música de Los Manises, si miras alrededor solo se ven criaturas raras. Por cada entrada hicimos un traje que te podrás llevar. Acceso libre hasta completar el aforo. Si quieres hacer y/o reservar tu disfraz resérvalo en eventbrite.es (el taller se realizará el viernes 10 de abril) Organiza rosanayaris y Las Cigarreras.