T E A T R O N

Delfos

Lagartijas tiradas al sol — Sat, 16 May 2026 05:36:20 GMT

Para los antiguos griegos, el omphalos, el ombligo del mundo, es decir, su centro, estaba situado en el templo de Delfos. Y la diosa Gaia había dado nacimiento a La Tierra en ese lugar. La palabra Delfos puede vincularse con la idea de “útero de La Tierra”, pues su raíz está relacionada con la palabra griega “delphis”, que significa útero o matriz.

Estar dentro del útero de mi madre, fue, quizá, estar en el hogar más cálido, el lugar más cercano a otro corazón en el que podré estar nunca. Esa bolsita delicada y poderosa, con su intensa irrigación sanguínea, donde fui concebida, crecí, sentí lo que mi madre sentía, comí lo que ella comía; donde, protegida, empecé a conocer el universo. Estoy cumpliendo 56 días de haber entrado al quirófano para someterme a una histerectomía laparoscópica. 56 días de haber despedido al útero de mi cuerpo y con él la posibilidad de asilar otra vida dentro de mí. 56 días de involucrarme en el proceso para reconocer mis vínculos amorosos, confiar y dejarme cuidar. Es difícil explicar ese momento en que se reconoce en la mirada de las otras personas el valor de la propia existencia. Observar en esa mirada ajena la ternura que procura la vida y la aparta del malestar, la enfermedad y de la muerte. Esos esfuerzos tan humanos y ¿maternales? de la doctora, las enfermeras, les amigues, la familia, la pareja. Prestarme un hogar para recuperarme, cocinarme, tenderme la cama, lavar los trastes, vestirme, prepararme el agua para el baño, levantar algo que se me cayó, no cobrar la consulta, traerme comida, darme un masaje, tomarme la presión, escribirme una postal, mandarme remedios-libros-helados y audios larguísimos para contarme algo, hacer guardia de noche y platicar durante horas haciendo una pausa en medio del frenesí de la vida diaria. Y esos esfuerzos míos, como aprender a pedir, recibir, tener paciencia, sosegar el pánico y esos otros empeños milimétricos, instantáneos y urgentes por preservar mi vida. Mirar, atender, cuidar, proteger, acompañar. Estoy también cumpliendo 68 días de haber hecho un pedimento al Sr. de T. (al agua, a la luna), en una cueva a la orilla de un río en medio de unos cañones en la Mixteca, una tarde que recibiría la primer luna llena del año 2026. Cumplo 70 días de haber visto a don P. tendido sin vida en el campo, sobre un petate, cubierto por una sábana, a la sombra de un enorme árbol de espino. 71 días de haberlo visto caminar, de haber hablado con él, de haberle dado la mano. Y no sé cuántos días han pasado desde que Estados Unidos e Israel comenzaron los bombardeos en Irán y cuántos desde que mataron a 168 personas en una escuela, la mayoría niñas de entre 7 y 12 años. El silbido de los misiles, el estruendo, los gritos, la sangre, el temblor, el fuego, la muerte y las lágrimas de sus madres. Todas las realidades ocurriendo al mismo tiempo: las personas que salvan, las que oran, las que cuidan, las que construyen, las que compran, las que viajan indocumentadas, las que viajan como turistas, las que son indiferentes, las que odian, las que declaran la guerra y mandan matar, las que destruyen y matan con sus propias manos. Una de las respuestas más famosas del oráculo de Delfos fue la que le dio al rey Croesus de Lidia cuando preguntó si debería atacar Persia. La respuesta que obtuvo fue: Si cruzas el río Halys destruirás un gran imperio. Croesus interpretó que el oráculo se refería al imperio persa, sin embargo, cuando cruzó el río fue derrotado por el rey Cyrus de Persia y el imperio de Lidia fue destruido. Desde hace 56 días he tenido una especial consciencia de mi ombligo, el que un día fue el conducto que me unió a mi madre y que fue perforado hace 56 días en un procedimiento casi rutinario pero que tiene sus riesgos: la hemorragia, el daño a los órganos vecinos y la infección. He sido disciplinada, creyente, quizá miedosa, para que no se vuelvan a reventar los puntos internos, para no morir desangrada. Porque hace 33 días esa posibilidad casi se materializó. Fue una lección que me hizo recordar que el cuerpo es finito, frágil e interdependiente. Dice la antropóloga Yayo Herrero La ficción de poder vivir emancipados de la naturaleza, de nuestro propio cuerpo o del resto de las personas, constituye un eje central del proyecto civilizatorio occidental. La inmanencia y vulnerabilidad de cada individuo y la existencia de límites físicos han podido ser temporalmente ignoradas gracias a que los bienes y ciclos naturales, otros territorios, otras especies, las mujeres y otros pueblos sometidos, han soportado las consecuencias ecológicas, sociales y cotidianas de estas vidas falsamente ajenas a la eco dependencia e interdependencia. Construida sobre cimientos patriarcales, antropocéntricos y capitalistas, la arquitectura de las sociedades actuales pone en riesgo los equilibrios ecológicos que permiten la vida humana (y la de otras especies) y amenaza con provocar un verdadero naufragio antropológico. Sobre “El naufragio del hombre” de Alba Rico y Fernandez-Liria. Desde hace 70 días he pensado en cómo nos sacudió empezar el año con la muerte del hombre más firme y alegre de la comunidad en la que vivo. Don P., el último campesino/pastor que recorría con sus animales las laderas, joyas y barrancas de este territorio agreste que cada vez tiene más casas deshabitadas y que, paradójicamente, me hace ser testigo de la maravillosa regeneración del bosque por la ausencia humana. Desde hace 68 días he imaginado cómo sería si yo pudiera fluir más contenta y tener los atributos amorosos, sensuales y envolventes de los signos de agua. ¿Cómo sería si me vinculara conscientemente con los ciclos de la luna y las fluctuaciones del agua? ¿Cómo sería si pudiera entenderlas? El dios Apolo se enamoró de la ninfa Castalia, quien se refugió en el monte Parnaso para escapar de su acoso. Apolo la persiguió y, al no poder alcanzarla, la convirtió en una fuente de agua. La fuente se convirtió en un lugar sagrado, y Apolo fundó el oráculo de Delfos en ese lugar. La Pitia era una sacerdotisa que se encargaba de transmitir los mensajes de Apolo a los mortales. Se creía que la Pitia entraba en trance y que Apolo hablaba a través de ella. La gente iba a Delfos para consultar al oráculo sobre cuestiones importantes, como la guerra, la política y la vida personal. La Pitia respondía con mensajes crípticos y ambiguos. Desde hace quién sabe cuánto, los miomas estaban presentes en mi útero y yo no les puse atención a pesar de que eran monitoreados por la doctora cada vez que iba a hacerme el Papanicolao. Uno de los episodios más significativos en torno a ellos sucedió al final de un retiro de diez días que hice para dietar con ajo sacha en la ceja de selva peruana. Al décimo día me reconcilié, no sé muy bien cómo, con la idea de traer al mundo a un ser vivo. O, mejor dicho, con la idea de ser madre. Desde niña recuerdo haber rechazado esa posibilidad pensando que sería incapaz de criar de una manera sana, sensata y pacífica. Estaba convencida de que antes tendría que saldar profundas cuentas con ese pasado iracundo, voluble, lastimero que traía cargando quién sabe desde cuántas vidas anteriores. Pero también pensaba en esas niñas y niños en necesidad y contextos de violencia a quienes yo podría… en fin. Recuerdo estar en la cima de un cerro y sentir por primera vez paz al respecto. No sentí deseo, pero tampoco sentí rechazo. Esa noche, después de la ceremonia de cierre, la hija de nuestra guía dijo señalando mi vientre: tienes que atenderlo, hay algo malo ahí dentro. Otro de los episodios fue en CDMX: iba caminando por eje 4 y pasé por el consultorio de un iridólogo, me dio curiosidad y entré. No había mucha gente y la consulta costaba 50 pesos, así que me senté a esperar. Cuando tocó mi turno, no me preguntó más que mi nombre y edad. Sacó una hoja con un ojo dibujado y una lista de órganos y sistemas del cuerpo humano y anotó mis datos en ella. Tomó una cámara digital e hizo zoom sobre mi ojo. Los resultados del escaneo de mi iris fueron 4 cosillas que atender. La más significativa, según el iridólogo, estaba en mi útero. Me dijo que él no podía ver particularidades, solo, al igual que la hija de la curandera, pudo ver que algo malo andaba por ahí. Dos oráculos. Dos maneras de ver sin ver. No sé cuántos días después, en revisión y como siempre, la doctora me hizo ver en su pantalla los miomas y sus medidas, entre ellos había uno minúsculo que se había metido al endometrio (o algo así). La doctora me preguntó si había tenido malestar o síntomas de que algo estaba cambiando, le dije que se estaba alargando mi periodo y aumentando el sangrado. Entonces dijo: si este miomita se queda acá, esto se puede poner complicado. Yo no pregunté nada más. Investigué sobre alimentos que ayudan a que los miomas no crezcan: la cúrcuma, por ejemplo. También supe que era bueno no comer carne roja ni lácteos. Investigué ejercicios para evitar el dolor y fortalecer el vientre. Hice tinturas para tomar, meditaciones diarias y algunas visualizaciones. El dolor agudo y el malestar general fueron casi erradicados. Pero no el sangrado, que pronto se volvió muy abundante. Un sangrado menstrual abundante puede hacer que los niveles de glóbulos rojos y hierro en la sangre sean demasiado bajos. Esto se traduce en anemia por deficiencia de hierro y se produce porque el organismo trata de compensar y utiliza las reservas de hierro para fabricar más hemoglobina y transportar así suficiente oxígeno a los tejidos y órganos. En la década de 1950, mi edad (43 años), era la esperanza promedio de vida de una mujer en México. Las causas de muerte más comunes eran las enfermedades infecciosas, las complicaciones del embarazo y el parto y el cáncer de útero y de mama. Hoy, la esperanza de vida es de 78 a 79 años y las tres principales causas de muerte son enfermedades del corazón, diabetes y el cáncer cervicouterino y de mama. En este contexto de longevidad me intriga cómo pensar mi relación con la enfermedad y la muerte. Me dijo hace 33 días mi cuñada no, pues no te tocaba, porque cuando te toca aunque te quites y cuando no te toca aunque te pongas. Pero ¿qué es quitarse y qué es ponerse? ¿Cómo se decide que te toca, quién decide, desde dónde? ¿Es un asunto de la suerte, el contexto, el sistema, el género, tu karma, todas las anteriores o ninguna? Phoibos [el luminoso Apolo] ya no tiene su casa, ni su bahía mántica, ni su manantial profético; el agua se ha secado. Última profecía del oráculo de Delfos Aquí, en esta casa, en esta montaña donde vivo y estoy escribiendo, nació en 1934, entre muchas hermanas, doña E. Su ombligo fue enterrado aquí mismo. Ella, en su vida, tuvo 14 embarazos, 12 de ellos se lograron: 4 mujeres y 8 hombres. Su último hijo nació de camino durante la peregrinación al Sr de T., hace casi 50 años. Cuando sintió los dolores, en medio del monte, fue guiando a su hija e hijo que la acompañaban para que la ayudaran a dar a luz. El cordón umbilical lo cortaron con la penca de un magueyito. ¿Qué era aquello que la llevó a hacer esa peregrinación embarazada de 7 meses? ¿Qué iba a pedirle al Sr? ¿Qué iba a ofrendar además de su caminar por la barranca? En el mes de noviembre, si fue un buen año de lluvia, ese lugar tiene agua por todas partes y dentro de la cueva del Sr. pareciera que está lloviendo. Doña E. contaba que acá también corría un buen caudal de agua en los ríos que hoy son arroyos. Sus hijos cuentan que los que eran arroyos ya desaparecieron, que los ojos de agua que antes daban agua todo el año, ahora se secan durante 6 meses hasta que empiezan las lluvias, si es que empiezan. Me parece curioso que la gran peregrinación para ver al Sr de T. sea en noviembre, porque es cuando termina la lluvia. Antes de ser una peregrinación católica ¿habrá sido una peregrinación para agradecer que llovió y se pudo sembrar y por ende se cosecharía? Pienso en esas ceremonias que se hacían en primavera en varias zonas de la Mixteca para pedir la lluvia: preparar ofrendas, llevarlas a las casas de agua en procesión, pedir, y regresar a hacer una fiesta en la comunidad. Cuando fuimos hace 68 días a hacer el pedimento a la cueva del Sr de T., durante toda la caminata, en ese camino de peregrinos, lo que más encontramos fue basura. No listones, no imágenes religiosas, no ofrendas, no cartas, no fotos; si no latas y botellas de refresco, vasitos de yogurth, platos y vasos de unicel, envases de redbull. Pienso en el constante relato que se nos cuenta de que en las culturas antiguas se solía ofrendar oración, comida y sangre para que el mundo continuara, para que los dioses hicieran favores. Sangre de niñas, sangre de guerreros, sangre de corderos, sangre de toros y su carne, por supuesto. Tanto valor tenían la carne, la sangre y la oración. ¿Hoy quién ofrenda y qué ofrenda? ¿Quién hace oración? ¿Qué se pide? ¿Qué ceremonias se hacen hoy a cambio de todo lo que tomamos del planeta y de las personas? La sangre es tejido vivo formado por líquidos y sólidos. La parte líquida, llamada plasma, contiene agua, sales y proteínas. La parte sólida de la sangre contiene glóbulos rojos, glóbulos blancos y plaquetas. Los glóbulos rojos suministran oxígeno desde los pulmones a los tejidos y órganos. Los glóbulos blancos combaten las infecciones y son parte del sistema inmunitario del cuerpo. Las plaquetas ayudan a la coagulación de la sangre cuando sufre un corte o una herida. Hay cuatro grupos de sangre: A, B, AB y O. La sangre es Rh positivo o Rh negativo. Saber el tipo de sangre es importante si se necesita una transfusión. Dice la ginecóloga Christiane Northrup: Lo que cree una persona está muy influido por la cultura en la que vive. Las creencias sostenidas en común perpetúan el tipo de sociedad en que vivimos. (….) Prácticamente no se ha estudiado el útero separadamente de su papel en la reproducción, un hecho que refleja los sesgos culturales de fondo de esta sociedad. El útero se considera el hogar en potencia de otra persona y se alora cuando está capacitado para desempeñar ese papel. Una vez que ha acabado su función, o cuando la mujer decide no tener hijos, el útero no tiene ningún valor intrínseco para la medicina moderna. (…) A las mujeres se les enseña a considerarse a sí mismas más o menos del mismo modo, valiosas como madres o compañeras, pero sin ningún valor propio intrínseco. (…) La edad promedio de la mujer que se hace una histerectomía es de 42,7 años. A mí me hicieron la histerectomía a los 5 días de haber cumplido 43 años. Dijo la doctora que mientras iba despertando de la anestesia le pregunté si ya había salido mi útero. Ella me contesto que sí y me dijo que al escucharla mi gesto se fue transformando en uno de profunda tristeza. Ella me dijo estaba muy enfermo, ¿quieres verlo? Yo le dije que sí. No sé por qué no recuerdo la conversación, ni tampoco el haberme sentido tan triste, pero de la imagen de mi útero y los miomas sí me acuerdo. La palabra mioma proviene del griego myo-, que significa músculo o ratón, y el sufijo -oma, que indica tumor, masa o estructura biológica. Literalmente se traduce como «tumor de músculo». Se refiere a tumores benignos que crecen en el tejido muscular, generalmente el útero. Durante la segunda semana de recuperación, tuve una gastroenteritis que me provocó muchísimo dolor: me bajaba la presión, tenía fiebre y temblaba sin control. Estuve acompañada, cuidada, protegida, medicada. Aún así, aunque no lo decía, el dolor era tan intenso que me hacía sentir desesperanza. Para no dejarme llevar por la angustia, pensé en la fortuna de lo transitorio, en que todo, lo que sea, pasaría. Y en las personas que hoy están desplazándose forzosamente desde sus hogares hasta lugares donde quién sabe si les recibirán; seres vulnerables a través de territorios hostiles. Y pensé en las historias de tantas mujeres, como doña N. que parió en su casa del cerro, sola, se fajó y salió al campo cargando al recién nacido y dándole la mano a su otro hijo de 2 años; o como B. que con todo y cesárea, sin cumplir la cuarentena tuvo que salir a trabajar con su recién nacida a cuestas. Y pensé en esas personas que se encuentran en campos de refugiados sin cuidados suficientes, sin certezas, sin curaciones, alejadas de la piedad del mundo que las ignora. Y me pregunté cuándo se va a acabar este tiempo de hombres que procuran la muerte, la represión, la iniquidad; estos hombres que están al frente del mundo mandando arrasar territorios y aquellas comparsas que les aplauden sin consciencia del sufrimiento ajeno. La sacerdotisa Diotima [de quien Sócrates fue alumno sobre temas de amor] le preguntó al oráculo cómo ayudar a su ciudad a superar una plaga. El oráculo contestó Sacrifica a la más bella de tus doncellas. Lo que pensó Diotima fue en sacrificar una idea o un proyecto, entonces ofrendó la escultura de una hermosa doncella, y la plaga cesó. En tres ocasiones me he sentido expuesta a la posibilidad de morir: Una en un choque mientras iba de copiloto y nos estrellamos contra un muro de contención en una autopista. Otra en manos de un hombre armado que bloqueaba un camino rural solitario en Guerrero, a quien observé inhalar cocaína de un bolsita, cuando recargó su pistola en el lado izquierdo de mi cabeza. Otra fue la hemorragia de hace 33 días, porque mi cuerpo simplemente estaba perdiendo toda su sangre. Me internaron de urgencia y suturaron después de otra anestesia general. Al día siguiente recibí una transfusión que ayudó a estabilizarme. Desde entonces me he propuesto no volver a sentir aquel miedo al abandono, la orfandad y la muerte, y reconocer, irremediablemente, sin dudas y con el corazón alegre, todos los vínculos amorosos, humanos y no humanos, que sostienen y nutren mi existencia. Luisa Pardo* Yuxaxino, Oaxaca Marzo 2026 Gracias a toda esa constelación de personas que estuvieron pendientes y me cuidaron. Gracias a Lázaro G. Rodríguez por sus comentarios a la primera versión del texto. *Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte luisitapardo@gmail.com

Entrevista a Tomàs Aragay sobre La felicidad no importa

Fundació Joan Brossa - Centre de les Arts Lliures — Fri, 15 May 2026 21:26:11 GMT

Tomás Aragay (Societat Doctor Alonso) estrena La felicidad no importa en la Fundació Joan Brossa del 21 al 24 de mayo dentro del ciclo Portabella: agent provocador, donde también se ha presentado Els polítics de Leonardo V. Granados con texto de Wolfram Lotz, este finde puede verse Fasting Girls de Marta Azparren, y próximamente ¡Yo me transformo! Strip-conference de Banda Esfèrica 29 y 30 de mayo, y Guerrilla de El Conde de Torrefiel del 11 al 18 de junio. Fernando Gandasegui entrevista a Tomàs Aragay con motivo del estreno de su última obra. Fernando Gandasegui: La felicidad no importa trata sobre un día en la vida/trabajo de Joan Forner, con quien tienes una relación de amistad. ¿Cómo nace ese vínculo y cómo y por qué acaba convirtiéndose Joan en el protagonista y colaborador artístico de esta película/performance? Tomàs Aragay: A Joan le conocí en el máster que coordinábamos en el IVAM, donde ya hubo gestos que derivaron en la obra que vamos a estrenar. En una clase con Suely Rolnik, él escribió un texto sobre sus dudas con respecto a su futuro laboral. Su padre es camionero, y Joan había estudiado Historia del Arte. Así que no sabía si sacarse el carnet de camionero o continuar con su carrera. Ese texto me gustó mucho, plantea una cuestión de siempre, pero quizás más de ahora por lo precarizada que está esta generación, y por los dos mundos laborales que ponía en relación. Se me quedó grabado. Luego Joan fue alumno de un taller que doy en casa de guión, y ahí desarrolló la posibilidad de hacer un documental sobre él y su padre. Al tiempo empezó a trabajar de conserje o chico para todo en un centro cultural paupérrimo aquí en Valencia, de esos que los ayuntamientos mantienen abiertos pero descuidados. Algunas mañanas le iba a visitar, y veía a Joan pasando el tiempo esperando a poner una sillas por la tarde para un evento. Esa situación me interesó. Luego Georgina Oliva de la Fundació Joan Brossa me invitó al ciclo que estaban preparando sobre Portabella, y decidí aprovechar para hacer una película. Al contrario de lo que hago normalmente, que es escribir un guión súper serio, hice un esquema muy sencillo a partir de la realidad de Joan y lo que veníamos hablando juntos, y el proyecto se convirtió en acompañar a Joan en una jornada laboral suya y empezamos a rodar. En la película se dice: “El infierno es llegar al trabajo”, pero también transita por el vacío existencial, o el individualismo consecuencia del turbocapitalismo que vivimos y los nuevos vínculos en la era de las redes sociales. ¿Cuál es la temática que vertebra la obra? Lo que ha sido sido interesante durante el proceso ha sido descubrir la película según la íbamos haciendo, porque si bien un día en la vida laboral de Joan siempre ha sido la estructura y algunos ítems más que estaban claros, las capas que se han ido añadiendo y quitando a la película la han ido afinando poco a poco. De hecho, hemos rodado, y vuelto a rodar. Ha habido mucha elaboración en el proceso. Por ejemplo al principio habíamos tirado mucho de reel de Instagram o TikTok de pensadores que hablaban del trabajo, que nos han servido para entender la estructura pero luego los hemos quitado. Hemos intentado varias voces en off. Más tarde se incorporó Nilo Gallego, que hace la banda sonora en directo. Al final entró Sofía Asencio como acompañante. La película trata de un joven en la crisis global que vivimos, también del trabajo, y reflexiona sobre la función del arte y si tiene sentido dedicar la vida a trabajar de ello. La película es muy contemplativa, no tiene mucha peripecia, conflicto ni acción dramática, se centra en una persona que es normal, como somos la gran mayoría de las personas, pero que no es en quien suele fijarse el cine. La película atiende a momentos del día de impás que todo el mundo tenemos y que normalmente no se filman porque supuestamente no tienen interés, pero aquí yo quería poner el ojo justamente ahí, cuando no estamos haciendo nada. El proyecto lo defines como “una película que es una performance con una película en el centro”. ¿Qué formato final va a tener La felicidad no importa en su estreno? Es complicado, porque cuando pones una pantalla delante de un espectador, sabemos que captura mucho su atención. Hay varios niveles en el formato. En uno estarán Joan y Nilo haciendo la banda sonora en directo, una banda sonora rítmica a partir de la batería de Nilo, que para mi también es el ruido del cerebro del personaje a lo largo de la peli, y que intenta expresar algo interno a través del beat. Luego Joan estará dando voz a su propio personaje. Y en un tercer nivel, la película se interrumpe y Joan hace una acción performativa. Como si saliera de la pantalla a explicar otra capa del personaje. Joan también estará recibiendo al público en la Brossa como hace en el centro cultural. Camina entre la ficción y la realidad. Nilo trabaja desde la performance para la película exclusivamente, y luego ya la peli es el hilo conductor. En el dossier de proyecto, más allá de la ficción y la realidad, hablas de la veracidad de los discursos y de las imágenes. ¿Cómo trabajáis esa veracidad en la obra? Nos ha costado mucho encontrar la relación de la voz en off con la película. Si esa voz estuviera inserta en la película es cine, y al cine le damos total veracidad dentro de la ficción, pero al decirla desde fuera el personaje, desde la realidad del espectador, esa voz se permite el lujo estar dentro de la película, entre la película y el personaje, como una reflexión totalmente alejada de la película pudiendo opinar sobre ella. Hemos encontrado un juego interesante sobre a qué da más veracidad el espectador, intentando hacerle ver que hay más de una capa en el discurso audiovisual, a qué se da más importancia. Me ha interesado mucho trabajar con Joan porque tiene 25 años y otra relación con lo internáutico, trabaja como historiador del arte a partir de muchas cosas de TikTok, y hace unos vídeos muy interesantes. Este mundo con pastillas de conocimiento enlatadas, nos lleva a un nuevo paradigma de pensamiento que no tiene que ver con la profundización si no con la combinación y lo relacional. Esta película es más lenta y contemplativa, pero para su discurso hemos bebido y nos ha sido útil la exploración de TikTok. Llama la atención siempre en tu trabajo y en el de la Societat Doctor Alonso con Sofía Asencio, cómo en cada obra os inventáis casi un nuevo género o formato escénico. Esta obra se parece mucho al Live Cinema, que hemos visto los últimos años en artistas escénicos con altos presupuestos, pero tratado son la ligereza y agilidad con la que soléis trabajar, casi haciendo de La felicidad no importa un Live Home Cinema. Siento tú además de creador escénico guionista de cine, ¿cómo has hibridado estos dos mundos para esta ocasión? Yo soy guionista, entre comillas en un ámbito más convencional, y me interesan muchísimo otros cines, y por fin me he permitido el lujo de empezar a entender qué es esto de rodar. Esta peli está hecha con un móvil, una ayudante y una zoom. Es muy low-tech. El montaje ha sido con Virginia García del Pino. Ha sido un aprendizaje brutal sobre qué es grabar y montar. He entrado en el proceso de amasar por dentro las imágenes. Ha sido rico y divertido y difícil, pero muy guay. Estamos en un formato pequeño, simple. A mí la simplicidad me parece siempre el camino. Lo más difícil ha sido encontrar el camino entre las intervenciones externas y la película, y que ninguna cosa se coma a la otra, que se sumen, integrarlas pero que sean independientes y con vuelo, y que el espectador pueda gozar. Ha sido un proceso mucho más largo que hacer un montaje escénico, pero gustoso. El verano pasado Joan y yo ya quedamos para trabajar, en septiembre empezamos a rodar, primero yo hice un montaje muy largo y con Virginia García del Pino se acortó un montón, después empezamos a discutir sobre la voz en off y rodamos nuevas escenas… y estrenamos casi un año después. El audiovisual tiene esto de que lo tienes ahí, no necesitas quedar para ir a un ensayo. Lo puedes volver a mirar, cortar y pegar. Es muy agradecido. Pero también pasan cosas como que al rodar te enamoras de algo que cuando se lo das a ver a otra gente, te dicen que es un mierda y tienes que reconocer el rapto y cortar, aunque otras hay que ser fiel a la propia poética. Otra de las características de vuestro modo de hacer, es trabajar con lo que tenéis alrededor. Para esta obra ha sido la colaboración con Joan Forner, y para la anterior, Despierta Polifemo!, fue con Héctor Arnau, también del entorno valenciano, donde además gestionáis el espacio independiente El Consulado. ¿Cómo estáis en Valencia? Las últimas dos obras son con dos personas cercanas a la vida diaria y artística de la ciudad. El Consulado sigue en marcha. Hay un grupo de 9 personas muy consolidado. Es una experiencia artística y humana muy enriquecedora. El grupo es muy variopinto en edades, prácticas y formas de ser, pero funciona muy bien. Yo estoy aprendiendo mucho de la gente joven. De cómo se organizan, trabajan y se cuidan. En Valencia estamos peor que hace unos años a nivel de política cultural, pero hay un grupo de gente bastante sostenido que nos alimentamos, vemos, acompañamos y apoyamos. Estamos bien.

Fernando Gandasegui

(DE)TOUR DE FORCE A ARNAU ITINERANT

Pedro Bennaton — Fri, 15 May 2026 17:21:38 GMT

¿Puede una ciudad entera convertirse en un espectáculo turístico en el que cada persona interpreta un rol exigido por esta situación? ERRO Grupo presenta a DE(TOUR) DE FORCE, una pieza itinerante que invita al público a recorrer las fricciones entre el urbanismo y las pasiones humanas, cuestionando hasta qué punto una ciudad puede convertirse en espectáculo turístico. La obra pone en tensión la lógica semántica de los urbanistas, la publicidad y el capital -que tienden a simplificar y empaquetar la realidad- con lo ambiguo, inclasificable y profundamente humano. En este proceso, la ciudad corre el riesgo de convertirse en un parque temático autófago, donde el espacio urbano se transforma en mercancía. Apropiándose de la expresión francesa que alude a una acción de alta dificultad y gran destreza, DE(TOUR) DE FORCE articula una experiencia deambulante que explora los códigos de las rutas turísticas, la mercantilización de los entornos urbanos y las luchas cotidianas que configuran constantemente la calle como constantemente la calle. Dirección y dramaturgia: Luana Raiter y Pedro Bennaton/// Performer:SantiagoBastidas/// Voces:Alice Raiter Bennaton, Joan Mardorella con la participación de las IAs Carolina, David, Charlotte, Enric y Joana /// Dirección de arte y sonido: ERRO Grupo /// Capgròs: Montse Pieroni/// Registro audiovisual: Rafael Frazão/// Producción: ERRO Grupo/// Dos fechas: 23 de mayo 2026 y 30 de mayo 2026 Inicio: 11:30 h (recorrido de 55 minutos) Punto de encuentro: Plaza Bella Dorita (Frente al Molino) Acceso gratuito Actividad programada como resultado del 4º llamamiento de proyectos de artes vivas para la programación del Teatro Arnau Itinerante en el Sant Antoni en conexión con los objetivos de la Mesa Comunitaria y la Comisión de Cultura del Sant Antoni. Pot una ciutat sencera convertir-se en un espectacle turístic on cada persona interpreta un rol exigit per aquesta situació? ERRO Grupo presenta DE(TOUR) DE FORCE, una peça itinerant que convida el públic a recórrer les friccions entre l’urbanisme i les passions humanes, tot qüestionant fins a quin punt una ciutat pot convertir-se en espectacle turístic. L’obra posa en tensió la lògica semàntica dels urbanistes, la publicitat i el capital —que tendeixen a simplificar i empaquetar la realitat— amb allò que és ambigu, inclassificable i profundament humà. En aquest procés, la ciutat corre el risc d’esdevenir un parc temàtic autòfag, on l’espai urbà es transforma en mercaderia. Apropiant-se de l’expressió francesa que al·ludeix a una acció d’alta dificultat i gran destresa, DE(TOUR) DE FORCE articula una experiència deambulant que explora els codis de les rutes turístiques, la mercantilització dels entorns urbans i les lluites quotidianes que configuren constantment el carrer com a espai de convivència i conflicte. Direcció i dramatúrgia: Luana Raiter i Pedro Bennaton/// Performer:SantiagoBastidas/// Veus:Alice Raiter Bennaton, Joan Mardorellamb la participació de les IAs Carolina,David, Charlotte, Enric i Joana /// Direcció d’art i so: ERRO Grupo /// Capgròs: Montse Morreres///Comunicació i difusió: Gabriella Pieroni/// Registre audiovisual: Rafael Frazão/// Producció: ERRO Grupo/// Dues dates: 23 de maig 2026 i 30 de maig 2026 Inici: 11:30 h (recorregut de 55 minuts) Punt de trobada: Plaça Bella Dorita (Davant el Molí) Accés gratuït Activitat programada com a resultat de la 4a crida de projectes d’arts vives per a la programació del Teatre Arnau Itinerant al Sant Antoni en connexió amb els objectius de la Taula Comunitària i la Comissió de Cultura del Sant Antoni.

L’Antic Teatre acull “DÍPTICO #3”, la proposta d’Estévez / Paños y Compañía sobre flamenc, percussió i silenci

Antic Teatre — Fri, 15 May 2026 11:42:17 GMT

El programa reuneix les peces “Landscape” i “Silencios” en una investigació coreogràfica sobre el zapateado i els límits entre dansa contemporània i flamenc

L’Antic Teatre presenta DÍPTICO #3, una proposta d’Estévez / Paños y Compañía que forma part d’una sèrie numerada de programes coreogràfics construïts a partir de peces de curta i mitjana durada. El projecte planteja una investigació escènica on els mateixos ballarins assumeixen múltiples funcions dins la representació: s’assisteixen mútuament amb la veu, la llum, els cossos, les presències i petits instruments, generant una escena construïda des de la col·laboració i la fisicitat compartida.

En aquesta ocasió, DÍPTICO #3 inclou les coreografies Landscape i Silencios, dues peces que dialoguen entre elles per construir una experiència experimental i sinestèsica al voltant del “zapateado”, la percussió corporal, el silenci, l’aleatorietat i el ball flamenc. La proposta situa el ritme i el cos com a eixos centrals d’una exploració que travessa tant la tradició flamenca com els llenguatges contemporanis de la dansa.

El tàndem artístic format per Rafael Estévez i Valeriano Paños desenvolupa des de 2003 una trajectòria marcada per la investigació i l’obertura de nous llenguatges dins la dansa espanyola i el flamenc contemporani. Al llarg de la seva carrera han coreografiat i dirigit artistes com Lola Greco, Rocío Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Patricia Guerrero o Miguel Poveda, entre molts altres, i han treballat en espais com el Teatro Real de Madrid, les exposicions universals d’Aichi i Saragossa o el Ballet Flamenco de Andalucía, que també han dirigit.

La seva trajectòria ha estat reconeguda amb el Premio Nacional de Danza 2019 en la modalitat de creació, “per la seva labor d’obrir nous llenguatges i per la seva investigació de la dansa espanyola, flamenc i contemporani, des de la tradició a l’avantguarda”. Les seves creacions combinen rigor formal, investigació històrica i experimentació escènica, articulant un llenguatge propi que connecta el flamenc amb les pràctiques contemporànies.

Entre els seus espectacles destaquen La Consagración —guardonada amb el Premi Giraldillo a la millor coreografia de la Biennal de Flamenc de Sevilla—, Muñecas, Bailables, El sombrero, La Confluencia o Retablo experimental sobre el baile flamenco. També formen part del seu repertori les peces Campanillero, Nondedéu i Landscape, integrades dins els programes Dípticos y Trípticos.

Aquest espectacle forma part de T’apropem allò que ens mou, un cicle impulsat per situar la dansa dins la programació estable dels teatres de proximitat, afavorint-ne la continuïtat, la visibilitat i el contacte directe amb els públics. El projecte, impulsat per On el teatre batega, neix en el marc del II Pla d’Impuls de la Dansa de Catalunya 2023-2026, amb el suport de l’Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, la col·laboració d’ADETCA i la complicitat de l’APDC i l’ACPDC.

El Antic Teatre acoge “DÍPTICO #3”, la propuesta de Estévez / Paños y Compañía sobre flamenco, percusión y silencio

El programa reúne las piezas “Landscape” y “Silencios” en una investigación coreográfica sobre el zapateado y los límites entre danza contemporánea y flamenco

El Antic Teatre presenta DÍPTICO #3, una propuesta de Estévez / Paños y Compañía que forma parte de una serie numerada de programas coreográficos construidos a partir de piezas de corta y media duración. El proyecto plantea una investigación escénica en la que los propios bailarines asumen múltiples funciones dentro de la representación: se asisten mutuamente con la voz, la iluminación, los cuerpos, las presencias y pequeños instrumentos, generando una escena construida desde la colaboración y la fisicidad compartida.

En esta ocasión, DÍPTICO #3 incluye las coreografías Landscape y Silencios, dos piezas que dialogan entre sí para construir una experiencia experimental y sinestésica en torno al “zapateado”, la percusión corporal, el silencio, la aleatoriedad y el baile flamenco. La propuesta sitúa el ritmo y el cuerpo como ejes centrales de una exploración que atraviesa tanto la tradición flamenca como los lenguajes contemporáneos de la danza.

El tándem artístico formado por Rafael Estévez y Valeriano Paños desarrolla desde 2003 una trayectoria marcada por la investigación y la apertura de nuevos lenguajes dentro de la danza española y el flamenco contemporáneo. A lo largo de su carrera han coreografiado y dirigido a artistas como Lola Greco, Rocío Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Patricia Guerrero o Miguel Poveda, entre muchos otros, y han trabajado en espacios como el Teatro Real de Madrid, las exposiciones universales de Aichi y Zaragoza o el Ballet Flamenco de Andalucía, que también han dirigido.

Su trayectoria ha sido reconocida con el Premio Nacional de Danza 2019 en la modalidad de creación, “por su labor de abrir nuevos lenguajes y por su investigación de la danza española, flamenco y contemporáneo, desde la tradición a la vanguardia”. Sus creaciones combinan rigor formal, investigación histórica y experimentación escénica, articulando un lenguaje propio que conecta el flamenco con las prácticas contemporáneas.

Entre sus espectáculos destacan La Consagración —galardonada con el Premio Giraldillo a la mejor coreografía de la Bienal de Flamenco de Sevilla—, Muñecas, Bailables, El sombrero, La Confluencia o Retablo experimental sobre el baile flamenco. También forman parte de su repertorio las piezas Campanillero, Nondedéu y Landscape, integradas dentro de los programas Dípticos y Trípticos.

Este espectáculo forma parte deT’apropem allò que ens mou, un ciclo impulsado para situar la danza dentro de la programación estable de los teatros de proximidad, favoreciendo su continuidad, visibilidad y el contacto directo con los públicos. El proyecto, impulsado por On el teatre batega, nace en el marco del II Pla d’Impuls de la Dansa de Catalunya 2023-2026, con el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, la colaboración de ADETCA y la complicidad de la APDC y la ACPDC.

Lírica: La frase permanece

Mambo — Thu, 14 May 2026 18:31:44 GMT

Crónica sobre de noche / de plata / hacia de María Salgado con Eddi Circa. Vamos porque vamos con ánimo de todo al Círculo, las que vamos siempre y la tronca de la tronca de la tronca (que) trajo a una amiga del trabajo1, y así somos cientos y sumadas a las otras muchas que no pudieron esta noche venir, formamos (quizá añadiendo alguna barba y alguna cana más) el convoy de unicornios, mullets, camisas estampadas, camisas leñador, varias épocas y periodos de camisas, rejillas, aros, piercings, gafas redondas, gafas montura aviador fina metálica2, que dice María trae Eddi Circa. Y horas antes ya se perciben los nervios, esperamos las colas, intentamos conseguir entradas de estraperlo a los amores que se durmieron, compartimos la excitación. Oímos decir parece esto el concierto de Rosalía, y también oímos contestar, sin pizca de sarcasmo, más quisiera Rosalía. Si lo pensamos fríamente, aunque nos cueste en ese momento horrores, estamos haciendo cola para asistir a la lectura por la noche de un libro sobre poesía, Lírica de María Salgado, que sacó en la editorial La Uña Rota hace unos meses. Ese bello desajuste se subraya con la poderosa performance que el convoy de las maravillas hace sólo ocupando un sitio como sabemos que es y para quien es, o si no sabemos sí creo será fácil de imaginar, este espacio que se llama La Sala de Billares del Círculo de Bellas Artes. El convoy aplaude con devoción cuando toca y a veces porque se muere de ganas y guarda un silencio ceremonial para cuidar la velada, porque sabe que es un lujo frágil y es a su vez fuerte que María Salgado y Eddi Circa se junten en un escenario para leer, cantar y hacer pasar las frases que contiene Lírica. Frases que algunas ya oímos antes, sentimientos privados encontrados escuché yo concretamente el 12 de julio de 2014 la primera vez en una azotea en Móstoles en una Picnic del CA2M y, cuando la oí sudando en los billares el 24 de abril de 2026, esas palabras ya las tenía grabadas a fuego en la memoria desde entonces. Los versos de María se mueven con nosotres, saltan de un formato a otro y cuando menos te lo esperas, se te aparecen. No sólo en la cabeza que también y mucho, sino escritas en la vida real, como en aquel 8 de marzo histórico de 2018 que entre los cientos de lemas que lucían en cartelería casera, leí en uno de los cartoncitos: es mujer y es mujer no, exponencial es el sujeto de la era3 que yo tan bien conocía porque pertenece al manifiesto que se grita en la pieza Jinete Último Reino. Frag. 34. O, sin ir tan atrás, en el 8m de este año, no tan histórico pero sí muy de verdad, cuando la corriente llegó a la calle Alcalá y en la fachada del Círculo aparecieron sus frases, esta vez gigantes y en banderolas impresas5, intervención que forma parte, al igual que esta lectura, de la muestra La lechuza de Minerva comisariada por Isabella Lenzi. VAMOS PORQUE VAMOS CON ÁNIMO DE TODO Lírica es un libro de ensayos y poemas que ensanchan la idea misma de escritura. Recoge una galaxia de formas que evidencian el poder inmenso que la lengua tiene de hacer realidad y viceversa y, por si esto fuera poco, lo hace a través del goce que se siente con la combinación de palabras, sonidos y ritmos. Incluye poemas maravillosos de, entre otres, Luz Pichel, Fernanda Laguna, Mariano Blatt o las propias letras de Eddi Circa. Por lo que leer con sus canciones en los billares era también revivir lo que escribe en el capítulo que le dedica, Contracultura la sibila. Notas sobre las barras de Eddi. Como Lírica ya se había publicado, algunas de las del convoy lo releyeron en directo y buscaron los efectos de esas dos voces distintas pero profundas, hondas, enormes que muchas conocían bien pero por separado, asombrándose de cómo se adaptan la una a la otra y de los brillos que relucen al sonar juntas. Me pidieron esta crónica diez días después de la noche de los billares, así que hago el ejercicio de recordar sin ver vídeos qué frases se me han quedado. Eddi le dice a María si jugara al fútbol te dedicaría un gol, justo antes de cantar Demonio español, single donde están los versos que María mete después en su ensayo: Lírica: me lavaba el pelo pensando en tu pelo arrodillada en la bañera peinando tu pelo se me enreda se me enreda se me enreda el pelo (Eddi Circa)6 Así, el juego infinito del hilo de oro eléctrico que se intercambia y mueve en la devoción entre ellas y entre ellas y el convoy que transmite la frasecita a una mani, a un póster al lado de una cama, a una canción, a un tatuaje, a un mail perdido de una amiga que luego se vuelve a imprimir en un libro para hacer que reverbere. María en su escritura recoge múltiples formas de escribir en el mundo y en su lectura despliega múltiples formas de leer, como directamente con el libro, con micro, a través de grabaciones o a viva voz de memoria, mientras que en sus poemas nos advierte de que sospechemos de esas maneras que quizá no sean lo que parecen. Y en la lectura no para quieta, lee en todos los puntos de la sala para repartir la magia, nos repite manteneos a distancia de voz mientras se va alejando hasta uno de los fondos, pero es fundamental subrayar aquí que se aleja no como performer sino como poeta. ¿Qué cuál es la diferencia? Ahora mismo no os la sé explicar, pero es una diferencia importante. La performance de ser poeta. En esta lectura se van sucediendo acciones así evidentes e infinitos movimientos pequeños, ritmos y energías sutiles que hacen que se le vaya el cuerpo y la garganta al leer. Recordé que la artista Rosa Romero dijo que la danza de flamenco piensa que las otras danzas clásicas están mudas, no entiende por qué no salen sonidos de esos otros cuerpos bailando. María combina los gestos de todo el cuerpo con las palabras, sobre todo en las que lee de memoria, como si fuera esa su forma lógica. Como bailando. Como cantando. Explica en Lírica con muchas razones de peso por qué Eddi Circa es una poeta natural por hechizo. Y mientras lee de memoria por ejemplo el verso almizcle floral amaderado mueve el pie para marcar las tres palabras al ritmo y, aparte de ese gesto, con la mano que no tiene micro, que es su izquierda, hace círculos hacia dentro justo al leer la frase que viene después que es casi igual que la anterior, pero es muy diferente: almizcle floral amanerada7. A raíz de esta lectura pensé qué pasaría si considerásemos a María Salgado cantante y bailarina. Esto parece Bolleras al Vapor de Barna, me acuerdo también que dice Eddi, porque realmente hacía muchísimo calor en los billares. De hecho, hubo un momento en el que María se tiene que sentar para poder seguir leyendo, pide agua y el convoy provee (así, de una mano a otra, a otra, a otra, como flotando le llega), abrimos los ventanales de la sala y entra una brisa que alivia nuestras 400 nucas y, a la vez, el ruido de la calle. En ese momento algo se expande hacia afuera y algo se contamina hacia dentro, y es bonito de verdad que esto ocurra. Algo se abrió ahí esa noche. Eddi adelantó temas inéditos de su próximo disco como Yo soñaba que le hablara y se notó que entre ellas está empezando algo que no puede más que continuar. No se puede decir que ninguna de las dos sea en escena tímida, aunque creo que esta noche, por ser la primera juntas, un poco sí lo fueron. Como por dejar espacio a la otra, por admiración y respeto, leí yo. Pero sé que saben la potencia que tuvo cuando leyeron juntas las frases que en Lírica están en tinta flúor rosa al final, que saldrán como canción en el próximo disco de Eddi y como tal se nos quedó grabada a todas, o por lo menos con las que estuve yo, y la cantamos en la calle después medio voladas, muchísimo tiempo, muchísimas veces y palpitaba en nuestras cabezas antes de dormir y por ahí se metió en nuestros sueños. Y me imagino en el invierno de 2038, en el búnker de la resistencia de algún barrio quizá de la periferia norte de Madrid, en donde María y Eddi nos convoquen, se oiga salir de sus dos voces de noche de plata hacia y el convoy recuerde emocionado.

Vito Gil-Delgado

Fotos de Rubén García-Castro (@anfivbia)

1 Frase de la canción Cierva Imperio Perreo. Del disco En el bosque un claro (Eddi Circa, 2023). 2 Página 129, Lírica. 3 Se lo vi llevar a la escultora Julia Spínola. Ahí me di cuenta de que María Salgado, entre otras muchas cosas, es además la poeta de nuestra generación de artistas, como pasaba en las vanguardias del XX. 4 Pieza escénica de María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, estrenada en 2017. 5 Y que en el libro están escritas en un fanzine artesanal llamado en el panfleto al día siguiente frente a los portones impreso en L’automática. Gráfica de ANFIBVIA (Rubén García-Castro y María Salgado). 6 En la página 161 de Lírica. 7 Ambos versos de su poema contradicción que recoge Lírica en la página 201.

L'Antic Teatre presenta Quan sigui gran, el nou procés escènic del seu Projecte Artístic Comunitari

Antic Teatre — Thu, 14 May 2026 10:22:25 GMT

La peça, creada per Les Iaies juntament amb la performer i formadora teatral Ilaria Weis, es presenta el 19 de maig com una obertura de procés que entrellaça memòria, identitat i experiència col·lectiva

L’Antic Teatre presenta el pròxim dimarts 19 de maig a les 20.00 h l’obertura de procés de Quan sigui gran, la nova proposta escènica desenvolupada dins del Projecte Artístic Comunitari de l’Antic Teatre, iniciativa activa des de 2011 i adreçada a persones majors de 65 anys.

La peça ha estat creada per Les Iaies, el grup comunitari estable del projecte, juntament amb Ilaria Weis, performer i formadora teatral especialitzada en teatre físic i creació comunitària. La proposta pren la forma d’un aniversari simbòlic on cada espelma encesa es converteix en una oportunitat per recordar allò viscut i donar valor a les experiències compartides al llarg dels anys.

A través de textos autobiogràfics, teatre físic i teatre dansa, les participants construeixen un relat col·lectiu fet de memòries, desitjos i fragments de vida. Dins l’escena, les seves veus, cossos i emocions esdevenen eines per explicar qui han estat, qui són avui i qui voldrien arribar a ser.

Quan sigui gran articula així una història compartida i coral que reflexiona sobre el pas del temps, la transformació i la identitat des de l’experiència directa de les seves protagonistes. La peça posa en relació passat i present, convertint l’escena en un espai de trobada entre memòria personal i creació col·lectiva.

El Projecte Artístic Comunitari de l’Antic Teatre forma part fonamental de la trajectòria de l’espai des de fa més d’una dècada. Concebut com un espai d’experimentació dels llenguatges del teatre contemporani, el projecte situa la comunitat i la persona al centre del procés creatiu. Al llarg dels anys, les participants han treballat amb diferents artistes vinculats a l’Antic Teatre, explorant pràctiques escèniques diverses i construint un espai compartit de recerca, expressió i relació.

El Antic Teatre presenta “Quan sigui gran”, el nuevo proceso escénico de su Proyecto Artístico Comunitario

La pieza, creada por Les Iaies junto a la performer y formadora teatral Ilaria Weis, se presenta el 19 de mayo como una apertura de proceso que entrelaza memoria, identidad y experiencia colectiva

El Antic Teatre presenta el próximo martes 19 de mayo a las 20:00 h la apertura de proceso de Quan sigui gran, la nueva propuesta escénica desarrollada dentro del Proyecto Artístico Comunitario del Antic Teatre, iniciativa activa desde 2011 y dirigida a personas mayores de 65 años.

La pieza ha sido creada por Les Iaies, el grupo comunitario estable del proyecto, junto a Ilaria Weis, performer y formadora teatral especializada en teatro físico y creación comunitaria. La propuesta adopta la forma de un aniversario simbólico en el que cada vela encendida se convierte en una oportunidad para recordar lo vivido y dar valor a las experiencias compartidas a lo largo de los años.

A través de textos autobiográficos, teatro físico y teatro danza, las participantes construyen un relato colectivo hecho de memorias, deseos y fragmentos de vida. En escena, sus voces, cuerpos y emociones se convierten en herramientas para explicar quiénes han sido, quiénes son hoy y quiénes querrían llegar a ser.

Quan sigui gran articula así una historia compartida y coral que reflexiona sobre el paso del tiempo, la transformación y la identidad desde la experiencia directa de sus protagonistas. La pieza pone en relación pasado y presente, convirtiendo la escena en un espacio de encuentro entre memoria personal y creación colectiva.

El Proyecto Artístico Comunitario del Antic Teatre forma parte fundamental de la trayectoria del espacio desde hace más de una década. Concebido como un espacio de experimentación de los lenguajes del teatro contemporáneo, el proyecto sitúa a la comunidad y a la persona en el centro del proceso creativo. A lo largo de los años, las participantes han trabajado con diferentes artistas vinculados al Antic Teatre, explorando diversas prácticas escénicas y construyendo un espacio compartido de investigación, expresión y relación.

Las Nenas y su teatro triatlón

50 en libertad — Wed, 13 May 2026 11:49:50 GMT

Ane Sagües y Cristina Tomás forman Las Nenas Theater, compañía de teatro radicalmente actual afincada en Pamplona, son el núcleo que reúne colaboraciones de diversas disciplinas para cada obra que reflejan el especial momento artístico que vive la ciudad, y llenan teatros no acostumbrados a recibir a la Generación Z como si hicieran conciertos. Tras la gran acogida de Torcidx y su nominación al Premio Max, aunque ellas mismas pongan en crisis con humor la noción de éxito en sus trabajos, el 16 de mayo presentan en la Ciudadela de Pamplona junto con tras artistas su última creación Oficina de turismo: Las Nenas free tour, dentro del programa Plazas y performances impulsado por España en Libertad. 50 años. Fernando Gandasegui les entrevista para la ocasión. Fernando Gandasegui: Vuestra obra Trocidxs ha sido nominada al Premio Max como espectáculo revelación. ¿Cómo vivís esta nominación? Ane Sagües: La verdad es que estamos tan ocupadas que se nos olvida, es como una gestión más. Nos apetece ir a la gala a Mérida, pero al mismo tiempo qué pereza un viaje de 7 horas. Está bien que se valore el trabajo. Ganéis o no el premio, parece que tanto Torcidxs como vuestros demás trabajos están recibiendo una gran acogida y cariño, ¿es así? Ane Sagües: Estamos teniendo un recibimiento muy bueno de la obra. Está nominación, esperemos, sirva para seguir haciéndola más tiempo. Tenemos miedo de que deje de interesar. Hasta ahora hay funciones cerradas hasta noviembre, pero luego ya no. Cristina Tomás: Hace poco estuvimos en unas jornadas en las que alguien dijo que las obras tienen una vida de 2 años, y pensamos que qué bajón porque es el tiempo de Torcidxs, pero aún no ha tenido el recorrido que tendría que tener. ¿Cuál es el recorrido que deseáis para la obra? ¿Cómo sabríais que Torcidxs ya ha cumplido su tiempo? Cristina Tomás: Cuando se presente en todas las comunidades autónomas, o cuando necesitemos un cambio de lenguaje, como pasó entre nuestra anterior obra y Torcidxs. Ane Sagües: Cuando la obra ya no encaje con el contexto actual o con nosotras, cuando no nos represente. Antes de Torcidx, hicisteis vuestra primera obra que se llamó Ramos y gramos, pero también habéis creado conferencias performativas como Manual para dos cuerpos desorientados o el taller-performance inmersivo Soy yo 24h. ¿Cómo describís vuestro modo de entender y hacer teatro? ¿Qué teatro hacen Las Nenas Theatrer? Ane Sagües: Es como el triatlón. Las circunstancias y el contexto nos van ofreciendo cosas, y nosotras les damos nuestra teatralidad. Es una mezcla entre un lenguaje puramente teatral con otros mainstream, mamarrachos, de televisión, reality y de redes sociales. Luego siempre hay algo de supervivencia. Como Torcidxs es una obra de teatro con seis personas que cuesta mucho mover, luego hacemos una actividad paralela más fácil de presentar y desde lo performativo como Manual, que unas veces dura una hora y otras dos. Esa imprevisibilidad es parte de nuestro triatlón. A veces corremos mejor, otras nadamos y otras nos da por montar en bici. Cristina Tomás: Nuestro trabajo está siempre en relación a lo que vivimos en cada momento, es un documental interminable de nosotras mismas. Os conocisteis en el laboratorio de William Layton en Madrid, una de las escuelas en las que desde hace más de 60 años se habrán formado miles de intérpretes en metodologías clásicas, pero Las Nenas Theater se crean en Iruña, ciudad en la que vivís, de donde es Ane, y en donde Cristina hace el máster en Huarte, más vinculado al arte contemporáneo. ¿Cómo surgen Las Nenas y vuestro primeros trabajos? Cristina Tomás: La primera vez que nos juntamos intentamos romper todas las normas que nos pusieron en la escuela de teatro, pero era el momento de la pandemia y no encontramos el contexto. Entonces nos cedieron espacio para ensayar en la Escuela Navarra de Teatro, y por eso surgió Ramos y gramos. La idea era crear la obra aquí porque teníamos espacio para hacerlo y luego irnos a Madrid, pero ya llevamos 5 años aquí. Ane Sagües: Gracias a estar en Pamplona, por el contexto que ahora mismo hay aquí, nos juntamos con muchas personas durante los procesos de creación. En Ramos y gramos por ejemplo, todas las semanas hacíamos talleres abiertos en los que compartimos los materiales con personas del arte contemporáneo, del ballroom o de la música, pero también con otras que nos encontrábamos de fiesta y de otros contextos. Siempre hay algo de ser muy generosas con los procesos y compartirlos y dejar que sean manoseados por personas distintas a nosotras, eso enriquece mucho todo, permite verlo desde otros lugares y que no se convierta en una paja. En concreto creo que Navarra es una provincia que da un montón de ayudas. Tanto a nivel económico como de espacios hay posibilidades. Nos sentimos arropadas. En mi caso hay un miedo muy grande a quedarme aislada. Pamplona es como una isla amurallada. A veces pienso que estamos teniendo suerte, pero que se va a acabar, y que nos quedaremos encerradas. Cristina Tomás: Tenemos miedo a que Instagram nos vete y no lleguemos a nadie. Parece que actualmente quienes trabajamos en el contexto cultural en este estado estamos obligados a vivir en Madrid, Barcelona o unas pocas ciudades más. Vosotras que vivís en Pamplona, ¿veis otro horizonte de futuro? Ane Sagües: Sería tan icónico llegar al punto en que solo actuáramos en Navarra y quien quisiera vernos tuviera que venir aquí. Esa sí que es una meta. Que se descentren las capitales y que la gente tuviera que trasladarse en masa para ver algo. Cristina Tomás: Si ganamos el Max, yo se lo quiero dedicar a las provincianas. Ane Sagües: En provincias se tiende mucho a glorificar a las personas que están fuera. Aquí pasa con Alfredo Sanzol, que es de Pamplona y ha conseguido dirigir el Centro Dramático Nacional y cuando viene es como oh!, éxito. Pero los que se han quedado es como que hacen lo que pueden. Llama la atención la edad del público que llena teatros para ver vuestras obras. ¿A quién va dirigido vuestro trabajo? ¿Cómo os relacionáis con la idea de juventud? ¿Por qué creéis que va tan poca gente joven a los teatros? Ane Sagües: Yo primero tengo la duda de qué es la juventud. Da la sensación de que cada vez es más amplia, como que hasta los 40 eres joven, pero quizás pienso así porque estoy llegando a los 30. Nosotras vamos a ser emergentes hasta los 40, porque una vez que te dan ese título ya se te queda, pero si hablamos de emergencia real ya no lo somos creo, estamos más consolidadas. Hay cierta juventud que sí que acude a vernos, de 25 años para arriba, pero con la más joven, como ahora que hemos hecho la obra en un instituto, ahí sí que sentimos una brecha. Nos sentíamos un poco boomers, como si no nos entendieran, como a veces nos pasa a nosotras. Cristina Tomás: Yung Beef será un viejo para ellos. Siento que estamos un poco entre medias, como que los adolescentes pillan cosas, y la gente más mayor también. Abarcamos distintas generaciones. Ane Sagües: Ahora somos jóvenes para el contexto teatral más consolidado. ¿Cuándo te empiezas a consolidar en el teatro? ¿A los 30? Nosotras estamos empezando a entrar en esa edad. Cristina Tomás: Nosotras trabajamos con la generación que nos ha tocado vivir, y eso lo plasmamos constantemente. Para que la gente más joven vaya al teatro, tiene que haber gente de su edad haciéndolo. Eso nos pasó a nosotras cuando empezamos, y se ha convertido en nuestro público más fijo. Hay que darle paso a las compañías de gente de 20 años, y que las estructuras les ayuden a profesionalizarse, y a que lo que hagan tenga calidad, que la tiene. ¿Por qué no puede pasar como en la música donde la gente que canta tiene 20 años y mueve a esa generación? Me encantaría poder ayudar en este sentido. Ane Sagües: Tiene que haber una estructura que los avale. Pero que no solo las avale artísticamente, también a nivel de producción, de trabajar con equipos, de distribuir y de comunicación. Nosotras tuvimos la suerte de que ya sabíamos algo al empezar. ¿Qué artistas de vuestra generación o más jóvenes os interesan? Ane Sagües: Tenemos unas amigas titiriteras que se llaman La dona calba. Cristina Tomás: La Perrerie, que son las amigas con las que hicimos Soy yo 24h. Unas chicas que se llaman A Ciegas que son de mi zona, pero viven en Madrid. Llevan el Festival Lazarillo y sobreviven haciendo lo que pueden, si les llaman para hacer lago de la Guerra Civil pues lo hacen. Ane Sagües: Pauleta Puchalt desde la danza. Ahora hay un colectivo de danza contemporánea en Pamplona que se junta para compartir entrenamientos y los lenguajes que hace cada una, y que se llama metienesarte. Cristina Tomás: Alazne Astorga y muchas más. ¿Y Puttaneska (de momento)? Aea Sagües: Puttaneska es una referencia y las sentimos como paralelas, además somos amigas y de Pamplona. Hay también en ellas algo de abarcar mogollón de cosas, son unas músicas de la hostia pero luego cada una de sus performances son increíbles. Para mí lo que hicieron en Puwerty fue una locura. Todo el rato es como que quieres más porque no sabes lo siguiente que se les va a ocurrir. Recuerdo su primer concierto en Madrid en Casa filete o algo así porque ese mismo día fui a ver una performance de un artista, que mejor no digo quién era, porque fue un circo y pagué 20 euros para verlo. Por culpa de esa mierda llegué tarde al primer concierto de Puttaneska en el que cantaban mientras hacían salsa putanesca, y los ritmos los hacían con los cuchillos al cocinar. En el underground nau tienes nada que perder, no tienes que cumplir con subvenciones, tiempos ni con nada. Esa noche me pasó que fui a ver algo supuestamente contemporáneo, dentro de la estructura, con un derroche de dinero obsceno, pero estaba totalmente vacío, y me produjo tanta rabia que en un bar con 0 euros hicieran una maravilla. Luego pienso que el sistema se alimenta de lo underground y se lo lleva a lo mediático, y se repite esa basura de que lo contemporáneo se vuelve mainstream y solo se va a lo que funciona, se descontextualiza de donde viene, se explota y pierde todo su significado. Eso sí que me da miedo, convertirnos en una parodia de nosotras mismas. El día 16 de mayo presentáis en la Ciudadela de Pamplona Oficina de turismo: Las Nenas free tour, dentro del marco de España en libertad. 50 años. Es vuestro último trabajo, un encargo específico, y solo sucederá un día. ¿Qué va ocurrir? Ane Sagües: Va a haber dos tours turísticos paralelos, uno guiado por Cristina y otro por mí, que se van entrelazando, donde cada grupo vivirá una experiencia, y queremos que haya un momento de encuentro y transmisión de nuestra historia. La generación de nuestros abuelos se está muriendo y no ha habido una transmisión de la Dictadura y de la Transición. La vuelta de los fascismos que estamos viviendo es en parte por ese no contar. Cristina Tomás: Me vuelve a resonar eso de que en nuestro trabajo hablamos de nuestra generación. Quizás somos esa generación que dice que no nos están contando, y que ni siquiera estamos preguntando. Partimos más del desconocimiento hacia nuestra propia cultura e historia más que de hechos históricos. Con respecto a la teatralidad triatlón de Las Nenas que contabais, ¿qué habéis preparado para esta nueva performance inmersiva? Ane Sagües: Hay un montón de colaboradores. Ya sólo la cuestión inmersiva en la que el público está participando es una movida. Tenemos a mucha gente que nos ayuda con la logística del espacio, porque la Ciudadela es un lugar muy grande, son muchos espacios con muchas distancias. Hasta el propio día no sabremos cómo va a funcionar porque no podemos medir los tiempos. Es un triatlón extremo. Hemos trabajado con gente mítica del teatro navarro, pioneros del momento de la Transición. Pero también adolescentes de un instituto. A nivel teatral, nosotras iremos narrando la movida, y en cada parada habrá un artista haciendo su cosa. Lo que iremos contando son pequeños cuentos que hacen referencia a cosas históricas o actuales, es bastante poético. Cristina Tomás: Es como un programa de televisión en directo, pero no podemos estar fuera en redacción dirigiendo, si no que estaremos dentro, así que tendrá mucho de lo que vaya surgiendo en el directo con todas las personas implicadas. Sobre los cuentos, tiene más que ver con un simbolismo que con algo real. En un free tour, la gente presta mucha más atención y recuerda los cotilleos que otras cosas. Nadie se acuerda que tal catedral tiene una fachada barroca, pero sí de que ahí esa reina perdió un anillo. ¿Qué será lo siguiente de Las Nenas? Ane Sagües: El 1 de diciembre hacemos una lectura dramatizada en el Teatro Gayarre de un monólogo que estoy escribiendo, en colaboración con una cantante asturiana, y Maia Ros, cantante navarra que también participará este sábado. Aunque no sé si será un monólogo, en un principio lo era porque me dieron un premio y tenía que economizarlo. Cristina Tomás: Yo tengo el deseo de hacer un película, no sé si de miedo o un documental, en Almansa, mi tierra. Quizás una historia true crime, o lo que pasa a su alrededor, y que también tiene que ver con nuestra generación, con que nos decían lo que pasó pero no nos dieron más datos. Aunque no tenemos herramientas del audiovisual, una película dura lo mismo que una obra de teatro, así que no creo que sea tan difícil.

Fernando Gandasegui

Nueva convocatoria de Residencias de creación e investigación 2027 + Becas Barcelona Crea 2026

La Poderosa — Mon, 11 May 2026 08:34:27 GMT

Residencias de creación e investigación 2027

Para La Poderosa, cada convocatoria es una nueva oportunidad para abrirse al encuentro con nuevas artistas y, al mismo tiempo, para fortalecer y dar continuidad a los vínculos que se han ido generando con el tiempo. Esta convocatoria está dirigida a personas y colectivos de creadoras e investigadoras vinculadas a las artes vivas, la danza, la coreografía y la performance, que sitúan el cuerpo en el centro de sus prácticas como materia, herramienta y cuestión central del trabajo en curso. Abrimos dos modalidades de residencias (A y B): MODALIDAD A__ / IN_prescindibles ¿Qué son los IN_prescindibles? Los IN_prescindibles son unas residencias donde las artistas seleccionadas conviven al mismo tiempo en La Poderosa, favoreciendo el encuentro y la oportunidad de compartir sus procesos. El objetivo de esta residencia es potenciar la fricción, el diálogo y la convivencia entre las artistas y sus trabajos, que confluirán en dos veladas diversas y mixtas. Se trata de un espacio de prueba y error, y de investigación, aún poroso y flexible, donde la apertura al público es un paso más para ayudar a las creadoras a entender y evolucionar sus prácticas artísticas. Requisitos para participar en esta modalidad:

Comprometerse al uso del espacio todos los días de residencia asignados.
Tener la necesidad de probar y practicar una idea incipiente, un proceso o un experimento escénico que se quiera presentar en formato experimental o como práctica ante el público.
La duración aproximada del proyecto / práctica / pieza será de un máximo de 35 minutos, ya que formará parte de una presentación colectiva.
Disponibilidad e interés por propiciar momentos de encuentro e intercambio con el resto de artistas durante la semana previa a la apertura pública.

Se ofrece:

Las diversas propuestas seleccionadas convivirán en una residencia de 13 días, incluyendo 2 días de presentación, donde cada proyecto dispondrá de un mínimo de 6 horas diarias de estudio.
Oportunidad de participar en diversos contextos de conversación y reflexión sobre los trabajos en curso (Radio Visible, charlas post-función, etc.).
Presentación pública (entendida como parte del proceso) con una mínima asistencia técnica.
Grabación en formato vídeo y fotografía de las muestras.
Dotación de 600€ por proyecto.

Se seleccionarán 6 propuestas para la modalidad A / IN_prescindibles. Duración de la residencia: 13 días. MODALIDAD B__ / Residencias procesadas Modalidad de residencias de creación y/o investigación destinadas a acoger propuestas en fase de práctica procesual. En este caso son residencias "burbuja" con estancias individuales y sin necesidad de cruce con otras artistas. No obstante, invitamos a compartir la metodología de trabajo a través de una sesión práctica dentro del Programa PEPA: PEPA (Encuentros y Prácticas Artísticas) es un espacio a través del cual cada residente tiene la posibilidad de abrir su código de trabajo (herramientas, prácticas etc.. ) a modo de sesión-taller, generando un tiempo compartido donde la práctica y la reflexión van de la mano. Requisitos para participar en esta modalidad:

Comprometerse al uso del espacio todos los días de residencia asignados.
Dirigida a artistas con un proyecto de creación o de investigación en artes vivas / danza contemporánea.
Disponibilidad para compartir la metodología de trabajo con la comunidad a través de una sesión práctica (programa PEPA).

Se ofrece:

Sala de ensayo equipada.
Acceso a espacios de reuniones, oficina y cocina.
Dotación de 400€ por proyecto.

Se seleccionarán 6 propuestas para la modalidad B / Residencias Procesadas Duración de la residencia: 14 días Criterios de valoración para las modalidades A y B:

Se valorarán proyectos y artistas que pongan énfasis en los procesos de investigación y la experimentación constante.
Trabajos que exploren nuevas miradas y lenguajes escénicos.
Proyectos centrados alrededor de los conceptos expandidos sobre cuerpo, movimiento y coreografía
Se tendrá en cuenta tanto la trayectoria de artistas emergentes como consolidados.
No se valorará en función de criterios de territorialidad o generacionales.

Para participar será necesario completar el formulario especificando a qué modalidad se opta y las temporalidades elegidas. Para cualquier duda, escribid a info@lapoderosa.es CRONOGRAMA Convocatoria:

Convocatoria abierta del 11 de mayo al 8 de junio de 2026 hasta las 14:00h

Resolución de la convocatoria el 16 de septiembre de 2026.

FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN A LA CONVOCATORIA Y SOLICITUD DE MATERIALES

--- Abrimos la Convocatoria de Becas Barcelona Crea - Fábricas de Creación 2026 de La Poderosa Se acogerá un total de 2 proyectos que contribuyan a profundizar en la investigación de la danza y las prácticas contemporáneas del cuerpo y el movimiento desde diferentes campos de acción o modalidades. A: Transmisión, metodologías, pensamiento teórico y práctico Dirigida a proyectos individuales o colectivos que pongan el foco en la transmisión de conocimiento y metodologías o tecnologías derivadas de prácticas artísticas o procesos de investigación y creación. Se valorarán especialmente los proyectos que contemplen la posibilidad de compartir saberes, ya sea a través de la escritura y conceptualización o mediante propuestas que requieran participación activa e interacción práctica. B: Cuerpo, archivo y dispositivos de la memoria Esta línea tiene como objetivo apoyar proyectos individuales o colectivos de investigación, recuperación y/o reorganización de materiales, así como propuestas que revisiten o reactiven prácticas y saberes desde el cuerpo, estableciendo vínculos entre pasado, presente y futuro. Se valorarán especialmente las iniciativas que activen la memoria desde lo sensible, que tracen genealogías, desborden relatos lineales y generen dispositivos capaces de actualizar, encarnar y compartir estas memorias en el presente. Las dos modalidades A y B están dirigidas a artistas y colectivos con trayectorias provenientes de cualquier ámbito artístico que consideren el cuerpo y/o el movimiento como materia, herramienta o pregunta central en su proyecto de investigación-creación, y que mantengan una relación con la ciudad de Barcelona o su área metropolitana. Importe y residencia: Las becas consisten en una dotación económica de 6.000 € y un período de residencia que será tutorizado por la Asociación Cultural La Poderosa. Periodo de ejecución del proyecto, justificación y cierre:

Publicación de la convocatoria: 11 de mayo 2026
Cierre de solicitudes: 8 de junio 2026
Resolución definitiva: 22 julio 2026
Desarrollo de proyectos: julio 2026 – febrero 2027
Cierre administrativo: enero 2027
Aperturas y retornos: enero-febrero

VER BASES COMPLETAS FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN A LA CONVOCATORIA Y SOLICITUD DE MATERIALES

Notas que patinan #149: Dispararse un tiro en el pie

Rubén Ramos Nogueira — Fri, 08 May 2026 20:05:32 GMT

Núria Corominas presentó Disparar-se un tret al peu en la Sala Bar del Santa Mònica dentro de la programación de los Dijous de veu i paraula, comisariada en esta ocasión por el PEN Club Català, organización que defiende la libertad de expresión y la lucha por la liberación de los escritores perseguidos. El encargo tenía un tema: la autocensura. Para la ocasión, Núria Corominas se acompañó de los músicos Dani Ruiz (sintetizador) y Joel Beltrán (guitarra y voz). Ellos comenzaron la sesión, con un tema musical repetitivo y sosegado. Núria Corominas apareció un poco después para colocarse de pie detrás de una mesa que sostenía unos papeles y ayudada por un micrófono. Lo primero que hizo fue llorar ostensiblemente. A continuación, lentamente, en diálogo con la música que interpretaban sus compañeros de escenario, comenzó a leer sus papeles, escritos en catalán, interrumpiéndose de vez en cuando para tomar aire, haciendo esfuerzos evidentes para relajarse, como si intentase recuperar el control que los nervios supuestamente le hacían perder, saliendo por la puerta para gritar fuera de la sala, saludando al público luego, provocando aplausos que evidenciasen que el público estaba con ella, que deseaban que siguiese con lo que estaba comenzando a hacer, que no abandonase, mostrándole su apoyo y su cariño. El tono era bufonesco, un registro que Núria Corominas ha utilizado en otras ocasiones en sus trabajos en solitario, un recurso que le proporciona la máscara para decir verdades como puños provocando risas que a veces se quedan congeladas en los rostros de quienes la observan. Un registro que le permite también salpicar su discurso de cierta poesía sin caer en la pesadez, evitando el riesgo de volverse demasiado seria o de tomarse demasiado en serio. La historia que contó, porque era una historia, era la historia de una artista sin demasiado éxito, una artista con la que la narradora decía identificarse a veces pero con la que marcaba distancias en otras ocasiones, porque Núria Corominas, en sus propias palabras, ha tenido cierto éxito, es una artista que ha podido trabajar a sus treinta y cinco años en varios teatros públicos importantes, que ha podido vivir de su trabajo en el teatro durante un tiempo. La artista sin demasiado éxito, nos cuenta, se levanta un jueves por la mañana hecha polvo después de un sueño inducido por los somníferos tomados la noche anterior. Un sueño que para sacudirse debe contrarrestar con la ingesta de dos cafeteras completas. La artista sufre por su trabajo de artista, por su vocación de artista, por intentar vivir de la profesión de artista enfrentándose a toda la mierda que una artista sin demasiado éxito tiene que sortear aquí y ahora. Esa mierda, porque no tiene otro nombre, es la que todo artista sin demasiado éxito conoce: escribir constantemente dosieres para infinitas convocatorias, darse publicidad en las redes sociales del demonio, dar muchos me gusta a gente influyente, hacer relaciones sociales, practicar cierto activismo político de sofá para que no se diga pero sin pasarse para no volverse una pesada, intentar convertirse en alguien que pisa fuerte, que cree en sí mismo, que si es necesario dará los codazos pertinentes para que nadie le quite el pan de la boca, vender su mercancía con la agresividad justa que el mercado del arte promueve, perseguir a programadoras y comisarias que son las que le podrían dar trabajo, caerles simpática y lamerles el culo si llega la ocasión y no hay más remedio. O no. También puede escoger pasar de eso y convertirse en una artista maldita, encarnar un personaje mítico que es el que predomina en los libros de historia del arte, el del artista consagrado después de su muerte que pasó su vida pasando hambre sin que nadie le hiciese ni puto caso. Pero esos artistas revolucionaron el arte, se dice la artista sin demasiado éxito, en cambio ella, ¿acaso tiene algo que decir que ponga patas arriba el arte de su tiempo? No lo cree. Y además tiene que comer y, lo más jodido, pagar el alquiler. Mientras la música va sonando, Núria Corominas nos cuenta que la artista sin demasiado éxito tiene una entrevista con varios programadores. La situación se vuelve surrealista. La artista les pide a los programadores que se coloquen de espaldas y que se bajen los pantalones para que quede al descubierto su culo, un culo que se dispone a lamer. Pero la cosa se le va de las manos. La artista se hace pequeña, adelgaza muchísimo hasta que se convierte en un hilo que se introduce en el ano de uno de los programadores. Una vez en el interior del recto de ese programador la artista sin demasiado éxito se siente perdida y se frota los ojos para comprobar si está en medio de una pesadilla. Pero no consigue despertar porque no está durmiendo. La situación es real. Todo está a oscuras pero la artista sin demasiado éxito comienza a palpar las paredes y descubre protuberancias que no parecen orgánicas. Parecen escrituras cuneiformes. No es braille, nos dice Núria Corominas, pero, como si lo fuera, la artista sin demasiado éxito, con sus dedos en contacto con esas cenefas, comienza a ver imágenes como si esas inscripciones en las paredes del recto del programador le estuviesen hablando. Son imágenes maravillosas, como si la transportasen a su infancia, a un paraíso edénico perdido. Y entonces comienza a cantar. No sabemos si quien canta es Núria Corominas o la artista sin demasiado éxito. Pero canta en francés, como si fuese Carla Bruni, acompañada por sus músicos. Una canción francesa salpicada de catalán en la que las imágenes edénicas de la artista sin demasiado éxito acaban venciendo a la oscuridad que la envuelve en el recto de un programador. Disparar-se un tret al peu tiene que ver con una reflexión poética en torno a todo lo que no se encuentra en el orden de ser dicho. A veces dejamos de hablar para no perder lo que tenemos: la posición, el reconocimiento, el estatus, el trabajo. A veces dejamos de hablar para decir la verdad, pero seguimos hablando: con eufemismos, falacias, palabras trampa o clave, metáforas malas, mentiras y verdades a medias. A veces, sin embargo, alguien habla para decir la verdad.

Turismo Las Nenas: free tour

Murotron — Thu, 07 May 2026 12:59:00 GMT

16 de mayo en Pamplona La Ciudadela de Pamplona acoge el ciclo “Plazas y Performances” bajo el título Oficina de Turismo Las Nenas: free tour. Se trata de una propuesta escénica que transforma el formato de las rutas turísticas en una experiencia performativa e inmersiva para reflexionar sobre la memoria, el espacio y las formas de habitar lo colectivo. Guiada por Las Nenas (Ane Sagües y Cristina Tomás), la pieza divide al público en dos itinerarios simultáneos: uno marcado por la norma, la censura y el control; y otro atravesado por la celebración, la liberación y el disfrute. A través del cuerpo, la música y la acción escénica, ambos recorridos construyen un relato no lineal que culmina en un encuentro final donde compartir lo vivido. La performance cuenta con la participación de artistas de distintas generaciones y disciplinas como Maia Ros, Paula Puchalt, Maddi Muñoz, Amarga Teatro, Aurora Moneo y Asun Abad. El cierre corre a cargo de plazeratu.klub, colectivo de DJs que explora la fiesta desde una perspectiva queer. Creada por Las Nenas Theatre y producida por El Punto Gunea, la propuesta plantea una exploración sobre la transmisión intergeneracional, la necesidad de nombrar la memoria y la capacidad de lo performativo para imaginar nuevos futuros colectivos. Ficha técnica: Dirección, creación e investigación: Las Nenas Theatre (Ane Sagüés y Cristina Tomás) Producción: El Punto Gunea Diseño y dirección artística: Adrián Romero Teaser: Garazi San Martín Comunicación: Garazi San Martín, Nerea Merino y Cristina Tomás Mediación: Lara Molina Participan: Aurora Moneo y Asun Abad, Maia Ros, Paula Puchalt y Maddi Muñoz, Amarga Teatro, el IES Alaitz BHI y plazeratu.klub