T E A T R O N

Emergencia

Murotron — Fri, 11 Sep 2026 10:57:27 GMT

Heeey - 22 de septiembre a las 19h Una actividad que propone adentrarse en el arte generativo y la programación creativa a través de la experimentación en directo, la participación colectiva y la creación audiovisual en tiempo real, con la «totxana» (ladrillo) como elemento transversal y unificador. De lo físico a lo digital. De lo personal a lo comunitario. De la emergencia entendida como aleatoriedad a la emergencia como núcleo de la creación artística. Programa - L'emergència en l'Art Generatiu, conferencia a cargo de Lali Barrière - Totxana en grup, intervención de participación simultánea - Sonic Hues, performance AV (live coding) con el ladrillo como entidad visual. -Refugi de Fauna Salvatge, performance AV (live coding) con los patrones de comportamiento animal como un reflejo de las dinámicas sociales humanas. Más información (entrada libre).

ESTÀRTER. Segunda edición

Murotron — Fri, 11 Sep 2026 10:54:47 GMT

Hina Vagina, Gessamí Olesa, Ainhoa Sayol - 17 de septiembre en La Capella Las jornadas ARTefACTe, organizadas por CLUB9, llegan a su sexta edición. ARTefACTe se determina, desde 2020, como un red fluida de programas de fomento de las prácticas performáticas contemporáneas que se despliega como un laboratorio de nueva institucionalidad cultural que crea contexto en colaboración con el ecosistema de las artes visuales de la ciudad. Este año, ARTefACTe6 se inaugura en La Capella con la actuación de las tres artistas de performance emergentes de ESTÀRTER 2026. Previamente, el fundador de la plataforma, Oscar Abril Ascaso, introducirá los contenidos de las jornadas de esta edición, acompañado de su equipo y parte de las artistas, galerías y espacios participantes. En el ámbito de la mecánica, el estárter es el dispositivo de una máquina que facilita el arranque del motor. A partir de esta referencia, el programa ESTÀRTER es un programa anual de CLUB9, en colaboración con el programa Concèntric, de fomento de las artes de performance emergentes. Con este objetivo, ESTÀRTER apoya a las artistas visuales interesadas en introducirse en las prácticas performáticas, ofreciéndoles monitoreo profesional, marco de exhibición y proyección de su trabajo. En esta segunda edición, ESTÀRTER presenta en La Capella las acciones de tres nuevas artistas de performance emergentes de nuestro territorio: Hina Vagina, Ainhoa Sayol y Gessamí Olesa. ESTÀRTER forma parte de la red de programas de exhibición de las artes de performance contemporáneas ARTefACTe. Hina Vagina Blanc trencat (Blanco roto) Hina Vagina (Palau-solità i Plegamans, 1994) es el nombre artístico de Judit Chulià Orduña, artista híbrida que articula su práctica desde una concepción del cuerpo como espacio de resistencia, desgaste y transformación. Su trabajo se inscribe en un campo expandido que comprende la pintura, la performance, la instalación y el vídeo, mediante los cuales examina las fricciones entre intimidad y exposición, precariedad laboral y agotamiento estructural, así como los procesos de inscripción de estas dinámicas en los cuerpos contemporáneos. La acción Blanc trencat consiste en sacar una máscara del cuerpo, en librarlo de un peso con un cincel y un martillo. A medida que esta capa desaparece, aparece el cuerpo, aparece la piel, aparece el yo. Es como si construyéramos una escultura al revés: de dentro hacia fuera, de fuera hacia dentro. Como si estuviéramos dentro de una tarta de cumpleaños y el cuerpo emergiera desde su interior. También es como estar atrapadas dentro de un túnel del que, finalmente, logramos salir. Es una frontera dura, pero frágil a la vez. Gessamí Olesa La terra porta el compàs (La tierra lleva el compás) La práctica artística de Olesa (Alcanar, 1993) investiga las relaciones entre cuerpo, territorio, memoria y archivo a través de lenguajes híbridos como la instalación, el audiovisual, la performance, la escritura o la poesía. El territorio de las Terres de l’Ebre ocupa un lugar central en su investigación como campo de tensiones entre memoria, ruralidad, desaparición, arraigo y transformación. La acción le interesa como una forma de pensamiento encarnado, un lugar donde lo que no puede explicarse del todo puede aparecer como gesto, fricción y presencia. La terra porta el compàs articula una investigación performativa en torno a la memoria, la herencia y sus formas de inscripción corporal. A partir de las relaciones entre cuerpo, materia y voz, el proyecto indaga en formas de transmisión que desbordan. Así pues, la propuesta se configura como un dispositivo sensible que relaciona la experiencia íntima con la memoria compartida. La performer sostiene contra el esternón un fardo de tierra seca procedente de la herencia familiar mientras se intenta cantar una melodía breve vinculada a los cantos de trabajo. Ainhoa Sayol La meva caixa i castigada al racó (Mi caja y castigada en el rincón) La investigación artística de Ainhoa Sayol utiliza el pliegue como punto en el que la extensión continua se modifica y, por lo tanto, se transforma en un nuevo lugar, un nuevo punto de referencia. Es en este cambio en la superficie homogénea donde se da profundidad a la materia, a través del contacto consigo misma. A partir de aquí, la artista concibe su práctica como un pliegue, un encuentro entre el territorio (lo de fuera) y su cuerpo (lo más interior). La meva caixa i castigada al racó es una performance que explora el rincón como lugar de protección, pero también de incertidumbre. A partir del cambio de dirección del cuerpo y acompañado por el dibujo como herramienta de registro, se encuentra un mecanismo de autoconocimiento del espacio arquitectónico y el propio cuerpo. Con la espalda en contacto con la pared, el rincón es un refugio, una semicaja, mitad puerta, mitad pared. Pero, con la cara en contacto con la pared, se transforma en un espacio de castigo y desprotección. Más información (entrada libre).

Deixa’m els teus ulls

Murotron — Fri, 11 Sep 2026 10:52:01 GMT

Pol López, Enric Farrés Duran, Marc Roca (Amb la col·laboració especial del Bar Trampolí) - 19 de setembre a la Brossa És una performance que pren com a punt de partida la mirada treballadora. En el context audiovisual, es comú organitzar sessions de feedback per compartir amb una audiència concreta una peça audiovisual en procés. En aquests visionats, l’espectador està sumament atent, gairebé treballant, ja que allò que veu està en moviment, obert, és de caràcter temporal, i susceptible a possibles canvis segons les seves intuïcions. A Deixa’m els teus ulls col·locarem aquestes intuïcions al centre, intentant copsar el feedback més complex i irracional, aquell que te a veure amb la part més somàtica alhora de veure una pel·lícula. Per fer això utilitzarem una versió inacabada de la pel·lícula El contracte (15L, 2026). La performance està formada per dues parts; la primera és a la sala de teatre amb la projecció de la pel·lícula inacabada, i la segona és al Bar Trampolí amb la presència de Pol López, Enric Farrés Duran i Marc Roca, amb l’artista visual Neus Masdeu que dinamitzaran el feedback amb l’acompanyament d’una cervesa i un pica pica. Enric Farrés Duran Artista visual / Co-director. La seva pràctica se centra en passejar pels mecanismes que organitzen la veritat i l’autoritat de les coses que té a mà. En aquest deambular –sovint amb col·laboradors variats–, recull imatges, objectes i relats quotidians, que activa de manera subtil a través de vídeos, performances, arbres, llibres o objectes ficcionals presentats, sovint, de forma expositiva. La seva obra, es basa en procesos d’investigació de llarga durada travessats per l’humor, el desajust i una obstinada passió pel malentès, i s’ha llegit com l’intent —tan lúcid com inútil— de lloar un món ridícul en plena descomposició. Actualment, està representat per la galeria Bombon Projects. Recentment ha publicat la seva tesi doctoral, Coses que passen, en forma d’obra de teatre, (Ed. LIO i Ed. Caniche, 2026) i ha co-dirigit la pel·lícula El Contracte (15L, 2026). Pol López Actor i director teatral/ Co-director Format a l’Institut del Teatre de Barcelona, desenvolupa una trajectòria consolidada en teatre, cinema i televisió. Estretament vinculat al Teatre Lliure, on hi ha participat en més de trenta produccions amb direccions d’ Àlex Rigola, Roger Bernat, Lluís Pasqual o Julio Manrique entre d’altres. Al llarg de la seva carrera teatral ha estat guardonat en diverses ocasions obtenint el Premi Butaca a Millor Actor per Hamlet, Premi de la Crítica o Premi Ciutat de Barcelona de Teatre per El Curiós Incident del Gos a Mitjanit, entre d’altres. En l’àmbit cinematogràfic destaca en pel.lícules com Suro, pel qual ha ontingut el Premi Gaudí. Paral·lelament, ha treballat en ficció per a plataformes com Netflix, Movistar+ o Disney+, consolidant-se com una figura destacada de l’escena audiovisual contemporània. Recentment ha obtingut el premi Feroz 2024 a millor actor de repartiment en una sèrie per Nos Vemos en Otra Vida. Compagina aquesta trajectòria amb projectes de creació pròpia o dins el col·lectiu Companyia Solitària, des d’on explora formats escènics híbrids i propostes d’autoria, mantenint una pràctica artística vinculada a la recerca i la reinterpretació dels llenguatges teatrals. Marc Roca Vives Realitzador i muntador / Co-director. Graduat en Comunicació Audiovisual i Filosofia, treballa des de fa més d’una dècada com a realitzador i muntador en llargmetratges de ficció, documentals i sèries. Ha col·laborat amb productores i cineastes de primer nivell i els seus treballs han estat seleccionats i premiats en festivals internacionals. El seu cinema es caracteritza per una aproximació formal rigorosa i una especial atenció a les possibilitats narratives del muntatge. Mes informació i entrades.

/ˈrej.nə/

Murotron — Fri, 11 Sep 2026 10:30:55 GMT

Núria del Toll - 15 de octubre en Santa Mònica /ˈrej.nə/ es una conferencia performativa que se adentra en los lenguajes desarrollados por los pastores para comunicarse con los animales y el territorio. A partir de los espectrogramas de grabaciones de voces y gritos de pastores contemporáneos, la actividad explora el ingenio comunicativo de uno de los oficios ancestrales más importantes de la humanidad: el pastoral. La propuesta toma la figura del pastor como guardián de un patrimonio cultural, lingüístico y sonoro estrechamente vinculado a los procesos que condujeron a las sociedades humanas hacia el sedentarismo y el arraigo en los territorios. En este recorrido, cada territorio, cada tiempo y cada comunidad han generado formas propias de relación con el ganado y han configurado vocabularios, fonemas, gritos y otras formas de comunicación que pertenecen tanto a la lengua como al entorno que los ha producido. Acompañada por las aportaciones recopiladas por Joan Amades en El vocabulari dels pastors, la sesión desgrana chillidos, gritos, sonidos y fonemas propios de diferentes pastores catalanes para aproximarse a una de las formas más primigenias de la palabra: aquella que emerge de la imitación de la naturaleza y del acto comunicativo entre la naturaleza y sus habitantes (los animales). Durante la conferencia, Núria del Toll trabajará con una cardadora Diable, original de Grenoble, mientras desgrana los contenidos de la sesión. Al final del acto, la lana procesada durante la actividad se ofrecerá al público. Núria del Toll (Ripoll, 1991). No es hija de campesinos ni de la tierra que pisa a diario, como dice Jordi Borràs de Liên de Prats de Molló; pero está donde tiene que estar y hace lo que tiene que hacer. Formada en la Escola d’Art de Vic, desarrolló su interés por las prácticas experimentales. Desde 2020 vive y trabaja en El Toll, entre Moià y Collsuspina, donde cría pollos, cultiva cereales y forraje, y pastorea un rebaño de ovejas que contribuye a mantener limpio el sotobosque. Activista y trabajadora incansable, su discurso nace del contacto directo con la naturaleza, la vida y la muerte. Más información (entrada libre).

Joyeuse entrée

Murotron — Fri, 11 Sep 2026 10:28:38 GMT

Victoria Aime - 24 de septiembre en la Ermita de San Miguel Alto (Granada) organizado por La Madraza

«Joyeuse entrée» es el nombre que se le daba a la ceremonia solemne que marcaba la primera visita de un monarca a una ciudad, ceremonia heredada del adventus romano. Esta ceremonia ponía en escena la presentación de los soberanos recién coronados a la ciudad y a sus habitantes, dando lugar a fiestas y celebraciones de varios tipos (banquetes, representaciones teatrales, bailes y música).

Queremos que la explanada situada delante de la Ermita de San Miguel Alto, junto con las amplias vistas de la ciudad de Granada, sea el lugar desde donde imaginar cómo fue la entrada en la ciudad del emperador Carlos V y la emperatriz Isabel de Portugal en el año 1526, cómo fue la procesión que los presentó a los granaínos y cómo fueron las celebraciones y fiestas que se organizaron en su honor.»

Más información (entrada libre).

Residencias Graner 2027

Convocatorias / Ayudas — Thu, 10 Sep 2026 14:08:55 GMT

El Graner abre una nueva convocatoria de apoyo para proyectos en residencia desde enero hasta diciembre de 2027. Esta convocatoria va dirigida a artistas, colectivos y otros profesionales, locales e internacionales, que trabajen en las áreas de la danza y las artes vivas y que desarrollen propuestas de creación o de investigación en diferentes tipos de modalidades. La convocatoria de residencias 2026 se articula en ocho modalidades diferentes:

Artista asociado/a
Creación
BCN Crea – Investigación
BCN Crea – Pensamiento
Internacional
Investigación en espacio escénico
Artistas emergentes
Metodologías prácticas

BASES DE LA CONVOCATORIA Consúltalas aquí Un mismo artista puede presentarse a un máximo de dos modalidades (con la excepción de la modalidad internacional). En caso de ser seleccionado, solo podrá obtener una de las ayudas (con la excepción de la modalidad internacional). Las solicitudes se podrán presentar desde el momento de la publicación de la presente convocatoria hasta el día 29 de septiembre de 2026 a las 14 h (hora Barcelona). La solicitud se presentará de forma telemática a través de los siguientes formularios, según cada modalidad: Modalidad artista asociado/a: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-artista-associada-graner-2027/ Modalidad creación: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-creacio-graner-2027/ Modalidad BCN Crea – Investigación: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-bcncrea-investigacio-2027/ Modalidad BCN Crea – Pensamiento: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-bcncrea-pensament-2027/ Modalidad internacional: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-internacional-graner-2027/ Modalidad investigación en espacio escénico: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-investigacio-espai-escenic-graner-2027/ Modalidad artistas emergentes: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-emergents-graner-2027/ Modalidad metodologías prácticas: https://mercatflors.cat/mdlfrrhh/beca/formulari-convocatoria-ajudes-metodologies-practiques-graner-2027/ Sesión informativa (online) 15 de septiembre a las 16 h en: https://tinyurl.com/sessioinformativa27

LAGRIMA: Katarina Gryvul (live) + Tarara! (live)

Murotron — Thu, 10 Sep 2026 10:04:47 GMT

19 de septiembre en Réplika Teatro La plataforma artística LAGRIMA, cuya práctica se enmarca en el campo de la música electrónica experimental, comienza la temporada con una nueva propuesta de música en vivo. Para esta ocasión contarán con Katarina Gryvul —violinista, compositora e intérprete ucraniana— y con Tarara! —el proyecto de ambient y pop experimental de Marco Henri y Valeria Baret—, dos propuestas de marcado carácter electroacústico que convergen en su apuesta por generar universos propios en torno a lo emocional y narrativo. Katarina Gryvul estará presentando SPOMYN, su proyecto más reciente, mientras que Tarara! actuará de forma inédita en Madrid. Más información y entradas. https://www.youtube.com/watch?v=Bo6-JabRTgA Katarina Gryvul es una compositora, productora musical, educadora y multiinstrumentista ucraniana que desarrolla su actividad en los ámbitos de la música contemporánea, la composición electroacústica, el audio espacial y el arte sonoro. Su trabajo explora el sonido como espacio físico y psicológico, centrándose en el timbre, la encarnación, el contraste y la escucha inmersiva. Combinando instrumentos acústicos, electrónica y sonido espacial, crea obras para conjuntos, instalaciones y entornos multicanal. Su música ha sido interpretada a nivel internacional por conjuntos como el Ensemble Modern, la Black Page Orchestra y la Sinfonietta Cracovia, y ha recibido encargos de festivales como el Otoño de Varsovia, el Rainy Days Festival y el Festival Présences. Como intérprete, ha actuado en festivales como CTM, Rewire, Ars Electronica y PRÉSENCES électronique de INAgrm. Katarina llega a Madrid para presentar la adaptación al directo de su último trabajo, SPOMYN. https://www.youtube.com/watch?v=uV5eHLLce4Q Tarara! es un proyecto de ambient y pop experimental formado por Marco Henri y Valeria Baret. A través de una producción minuciosa y una fuerte narrativa sonora, Tarara! construye paisajes que invitan a la imaginación. El proyecto se dio a conocer con los lanzamientos Tarara Tales! y Tarara Tales! Pt. 2, trabajos que definieron las bases de su universo sonoro, combinando voces aéreas y distorsionadas, guitarras eléctricas atmosféricas, pianos, órganos y texturas metálicas. Años después de sus primeros lanzamientos, Tarara! lleva su propuesta al directo, presentando música inédita y expandiendo su mundo sonoro. El próximo sábado 19 de septiembre estarán actuando en Madrid por primera vez. LAGRIMA collective opera como una plataforma artística que propone explorar los territorios de la música electrónica desde una perspectiva multidisciplinar a través de la curaduría de proyectos alejados las corrientes estéticas y sonoras hegemónicas en formato de sesiones de escucha, eventos de sonido e imagen en directo, performances, fiestas club, streamings o colaborando en la programación con otros colectivos o festivales del territorio nacional. Nace de la necesidad de crear una red entre artistas underground, venues y público, generando espacios donde la electrónica sea más libre, sensible y arriesgada, y conviva con la conversación y la reflexión. Por sus eventos han pasado más de 50 artistas de distintas nacionalidades. En los últimos años han desarrollado su actividad en el Centro Internacional de Creación Réplika Teatro en Madrid.

Hangar obert

Murotron — Wed, 09 Sep 2026 12:49:56 GMT

¡El próximo sábado 19 de septiembre volvemos con una nueva edición de Hangar Obert! Artistas, proyectos residentes y habitantes de Hangar compartirán sus procesos de trabajo, investigación y producción a través de talleres abiertos y un programa de intervenciones distribuidas por el centro, para conocer de primera mano la diversidad de prácticas, investigaciones y metodologías que conviven en Hangar. A lo largo del día contaremos con radio en directo a cargo de dublab BCN, visitas guiadas y una comida popular. La jornada finalizará con un programa festivo que incluirá performances y sesiones de DJ. — Residentes estancia larga: Kate Bohunnis / Mourae / Laura Subi / Silvia Zayas — Residentes de programa: Gerard Borràs / Meritxell de Soto / Dennis Dizon / Albert Gironès / Helena Laguna Bastante / María Rojo — Residentes Wetlab: Efe Ce Ele / Lara Campos — Residentes internacionales: Carola Gelabert / Maïa Lacoustille — Becadxs: Duncan Gibbs / Amanda Triano / Ricardo Trigo / Grandeza Studio + Locument — Proyectos en residencia: lumbung press / #Blendícete — Habitantes: Hamaca — Orbitantes: dublabBCN — Artista invitada: Verushka PROGRAMA 11 a 14 y 16 a 19 h | Nave 1 Talleres, espacios y archivo abierto 11 a 14 y 16 a 19 h | Nave 1 trusssssssst me, bb, Dennis Dizon Sin título _(2026). pdf, Sin título _(2026). mp4, Sin título _(2026). mp3 ft. Ari Cardozo, María Rojo En serio, subid cervezas, Gerard Borràs To grow the length of the river, Kate Bohunnis Le son et son double, Meritxell de Soto Neuro Interacción Audiovisual, Efe Ce Ele Gigantes Durmientes (Sleeping Giants), Grandeza Studio + Locument Malas Hierbas, Amanda Triano 12 y 16 h | Punto de encuentro Puerta M Visita guiada talleres y espacios 12 a 22 h | Plaza Can Ricart dublabBCN, ràdio en directe 13:30 h | Antiguas oficinas A les palpentes, Helena Laguna Bastante 14 a 16 h | Plaza Can Ricart Comida popular a cargo de nün ن 18:30 a 19:30 h | Sala Polivalente Secreciones, Lara Campos 19:15 a 20 h | Talleres Nave 1 Hora daurada (Glòria), Albert Gironès 20 h | Antiguas oficinas De l’esquema al poema, Laura Subi 20:30 h | Sala Ricson performance VI, Meritxell de Soto 21:15 h | Sala Ricson Escalfament, Mourae 21:45 h | Sala Ricson bug sons [sons bicho], Silvia Zayas 22:45 h a 0:45 h | Sala Ricson Verushka Dj set Barra a cargo del Pony Bar Paradita de comida a cargo de nün ن Hora daurada (Glòria), Albert Gironès | Talleres | 19:30 a 20 h La Gloria es un fenómeno óptico atmosférico en el que la sombra de un cuerpo se proyecta sobre la niebla, rodeada por un halo irisado, visible únicamente desde la posición del cuerpo que lo produce. La intervención recrea las condiciones necesarias para que este fenómeno aparezca, en el momento en que su manifestación es más probable, pero desplaza el lugar desde el que puede ser percibido. Una cámara ocupa la posición desde la cual la Gloria es visible y transmite su visión en directo a través de un visor. Acompañado de un archivo de representaciones históricas, el dispositivo explora la distancia entre la experiencia del fenómeno y sus formas de representación. Malas Hierbas, Amanda Triano | Talleres El proyecto aborda la paradoja del cardo borriquero (Onopordum acanthium), condenado culturalmente como mala hierba, pero provisto de una de las arquitecturas defensivas más sofisticadas del reino vegetal. Tomando esa aspereza como dispositivo apotropaico de resistencia, la propuesta establece una analogía entre las geometrías biológicas de contención (semillas, nidos, corazas) y los moldes de embalaje industrial diseñados para proteger tecnología de uso efímero. trusssssssst me, bb, Dennis Dizon | Talleres trusssssssst me, bb es una serie de intervenciones que juegan con las incómodas exploraciones de la (in)certidumbre. Entre lo ritual y lo psicoanalítico, las obras en proceso deconstruyen el lenguaje a través de la lente de la muerte. “reason X” retrata una escena del pagtatawas —un ritual de adivinación practicado en las zonas rurales de Filipinas que utiliza cera de vela fundida para determinar qué puede estar causando una enfermedad o angustia— tal como fue experimentado a través de la muerte del abuelo de la artista. Mediante el texto escrito, reason Y pone a prueba los límites y el potencial de la “libre asociación” a través del duelo, una práctica psicoanalítica que busca acceder a los procesos “inconscientes”. De este modo, las obras registran las tensiones entre composición y decadencia, lógica y afecto, memoria y tiempo. Sin título _(2026). pdf, Sin título _(2026). mp4, Sin título _(2026). mp3 con Ari Cardozo, Maria Rojo | Talleres “Ella escribirá un relato realista, tomará ejemplos de la realidad que sean lo más “eso”, lo más cosa posible. Un relato dónde no haya nada de elementos con significados dobles. Cosas, imágenes, actitudes que tengan un poco de algo “poco común” y de “algo raro”. Ella lo está haciendo ¡Ya! Por ejemplo, palabras que no citará (ella me lo dijo) fantasma, sombra misteriosa, extraño, oculto, hada, brillante y fantástico.” Fragmento de Reflexiones automáticas ds. 3º Parte de Fernanda Laguna, leído en Lírica de María Salgado. En serio, subid cervezas, Gerard Borràs | Talleres La lectura de un texto apunta algo sobre la casa, el refugio, la ayuda mutua y la ocupación de espacios dentro y fuera del contexto de las artes. To grow the length of the river, Kate Bohunnis | Talleres To grow the length of the river explora cómo la subjetividad se vuelve paralela a la práctica, emergiendo a través de la repetición, la revisión y la atención. A través de textiles escultóricos, Kate Bohunnis indaga en la identidad y los procesos de sanación como dinámicas no lineales. Los hilos se aflojan, las formas ceden y las piezas se desmontan y reconfiguran. La incompletitud se plantea como una posición deliberada, a la vez material y filosófica, que revela la identidad como una construcción en permanente tensión: tejida, destejiéndose y reconstruyéndose continuamente. A les palpentes, Helena Laguna Bastante | Antiguas oficinas | 13:30 h Pienso el espacio con gestos, palabras y posturas. Me oriento desde ahí. Como cuando una camina a tientas, el tacto, el sonido y la ficción intervienen para formular nuevos lugares. En un momento en que el espacio de Hangar transmuta, al igual que le ocurre a mi práctica entre distintos talleres y contextos, A les palpentes propone la intervención escultórica y la palabra como un juego y un espacio desde el que observar cómo un contexto específico reconfigura nuestras formas de estar, de trabajar y de relacionarnos. Le son et son double, Meritxell de Soto | Antiguas oficinas Vinilo en reproducción continua. Secreciones, Lara Campos | Sala Polivalente Los flujos / Las mucosidades / Los excrementos / La gelatina / Las emanaciones / La espuma / Los fluídos / El deseo / El oxígeno / El calcio / El pie / El riñón / La concha / La baba / El moco / El estómago / El movimiento / El epifragma / El opérculo / Los tentáculos / Las antenas / Las paredes / Las membranas / Las capas / El caparazón / El dardo Los jugos / Los órganos / Las mucosas / Los tejidos / Las vísceras / Los poros / Las heridas / Los pliegues / Las antenas / Los ojos / Las grietas / Los nervios / Las papilas / Los neumogástricos / Las proteínas / La espiral / Las curvas / Las capas / Las células / Los pulmones / Las solidificaciones / Las piedras / Los músculos / El manto / El ano / Los dientes / El intestino / El corazón / La respiración / La pigmentación / La reproducción / La alimentación / La reptación / La humedad / La vista / El olfato / La cabeza / El orificio / El cuerpo / El pene / El neumostoma / La rádula / La boca / El refugio / Las paredes / La alfombra / La piel / La espina / Las contracciones / La hibernación / La adaptación / Los huevos / Las piedras / La viscosidad Neuro Interacción Audiovisual, Efe Ce Ele | Talleres Efe Ce Ele muestra el proceso de un proyecto de investigación que explora el uso de neurotecnologías aplicadas al arte. A partir de un dispositivo interactivo, lxs participantes intervienen en tiempo real sobre imagen y sonido a través de sus propios estados de actividad cerebral, generando un prototipo audiovisual que experimenta estéticamente con el biofeedback y las señales biológicas de nuestra comunicación propioceptiva y exteroceptiva. Proyecto desarrollado en colaboración con Innative Lab (Berlín). Gigantes Durmientes (Sleeping Giants) de Jorge Valiente-Oriol y Amaia Sánchez-Velasco (GRANDEZA STUDIO) + Romea Muryń y Francisco Lobo (Locument) | Talleres Grandeza Studio y Locument proponen un viaje fílmico-expositivo de extrañamiento, teoría-ficción situada y mitología crítica desde la montaña de sal de Sallent —una mole de apariencia extraterrestre formada por 48 millones de toneladas de residuos salinos derivados de la extracción de potasa. Entendiendo la montaña como escenografía alegórica de las tensiones pasadas y presentes entre fertilidad y pulsión de muerte, el proyecto formula preguntas desde las que repensar otros futuros político-territoriales: ¿Alimentamos los campos de cultivo o el campo de batalla? ¿Qué es la fertilidad? Crecimiento infinito, ¿a qué precio? De l’esquema al poema, Laura Subi | Antiguas oficinas | 20 h Conferencia performativa Partiendo de un archivo personal en constante acumulación —notas, capturas, listas, fragmentos, copias, etc.—, Laura Subi investiga cómo habitamos el exceso de información y cómo este puede generar nuevas formas de memoria e identidad. La lectura se plantea como una activación en proceso, entre el ensayo y la ficción, donde el texto funciona a la vez como partitura y espacio de pensamiento. performance VI, Meritxell de Soto | Sala Ricson | 20:30 h Performance Meritxell de Soto abre una investigación que está desarrollando en Hangar en torno a la práctica coreográfica que ha desarrollado durante los últimos años junto a Guillem Jiménez. La performance sonora parte del concepto de “pinchar con el cuerpo”, una práctica que convierte las máquinas de DJ en objetos de afecto y erotismo, revelando, desde su dimensión técnica, el entramado de relaciones de poder que articulan todo encuentro entre dos cuerpos. Escalfament, Mourae | Sala Ricson | 21:15 h Conferència performativa Subí ao monte vou cara o mar. Así empezaba la anterior performance de Mourae. En esta ocasión, la artista abre su práctica para contextualizar el giro hidrofeminista de su práctica en un formato cuentacuentos donde se entrecruzan mediante sonido y voz en directo historias de biología marina, leyendas y memorias de su relación con el mar. bug sons [sons bicho], Silvia Zayas | Sala Ricson | 21:45 h La apertura en canal de una experiencia performática despliegue#2 de mateRial giRls (en proceso) V☉.cola de bicho sonoro desaparece en la noche // pelearabiosababa // acumular-cantar ⤳ y vino el perro ⤳ que mordió la vara ⤳ que pegó al cabrito ⤳ y que y que ⤳ // aparición brutal de una sexualidad extraña // canciones amateur // masa unitaria de niñas con lengua pocha // oscuridad súbita en un lugar que no parece limpio // últimos 4 beats antes del desmayo // gurruños que no vienen a cuento, ahí, en esa esquina V⇡⇣⇡⇣⇡⇣⇢ Verushka Dj set | Sala Ricson | 22:45 h Verushka es DJ y artista interdisciplinaria originaria de Caracas, Venezuela y afincada en Barcelona. Co-fundadora y residente de Me Siento Extraña, entiende el club como un espacio de encuentro, resistencia y experimentación para voces queer & FLINTA*. Su sonido se mueve entre grooves profundos, percusión hipnótica y vocales sugerentes, construyendo sets que se desarrollan de forma gradual y envolvente. Mezcla de energía rave con una sensibilidad progresiva. Verushka ha actuado en festivales como Primavera Sound, Whole Festival, BBK, Embassat y Tropikali, Sónar (2024) y ha llevado su sonido a ciudades como Londres, Madrid, Berlín, Nueva York, París, Ámsterdam, Roma, Bruselas y Marsella. Es residente de TORAX by Human Club y ha compartido su universo sonoro en radios como RINSE, NTS, Refuge Worldwide, Foundation FM, The Muddshow, Operator, Gimic, Piñata Radio, Daisy Chain, Dublab y Nítido. También ha pasado por cabinas de clubs y colectivos como Razzmatazz, Corsica Studios, Nitsa, Lofi, EGG London, Dabadaba, Soundit, BAM, Barbieturix, Howl, Joyride, Maricxs, MESS, MUSA, Deepdowneast, Golpe de Amistad, Karne Kulture, Room Trax…

Talleres abiertos en La Escocesa

Murotron — Wed, 09 Sep 2026 12:40:44 GMT

El sábado 12 de septiembre abrimos las puertas de La Escocesa para mostrar los talleres y procesos creativos de les artistes residentes. Durante el día podréis visitar los distintos espacios, os recomendamos que os apuntéis a una de las Visitas Guiadas. Por la noche seguiremos la fiesta con Bonbonribbon69, Djane Karma, y otras sorpresas!

Este año abrirán su taller les artistas: Ana Lucia García Hoefken, Anna Irina Russell, Antoni Hervàs, Arash Fayez, Bárbara S. Barroso, Consol Llupià García, Florencia Toro N., Gelen Jeleton, Helena Civit, La Metro, M0nster.L4B, Marta Velasco Velasco, Mariona Cañadas y Pedro Murúa, Paula García-Masedo, Paula Vicente Puiggròs, Portal Fuga, Rae Teitelbaum, Sofía Romeo, Taxio Ardanaz, Andi Icaza-Largaespada, Caterina Miralles, Diana Rangel, Elena Maravillas, Julia Gorostidi, Mireia Molina Costa, Sara Yaoska Herrera Dixon, Sonia Villar y Yazel Parra Nahmens.

horarios

11h — Apertura de puertas 11h a 14h — Apertura de los Talleres de les artistes residentes 11h y a las 12:30h — Visitas en Catalán (Punto de encuentro: Puerta Azul) 11h y a las 12:30h — Visitas en Castellano (Punto de encuentro: Puerta Azul) 14h a 16h — Cierre de los Talleres para comer 16h a 19h — Apertura de los Talleres de les artistes residentes 16h y a las 17:30h — Visitas en Catalán (Punto de encuentro: Puerta Azul) 16h y a las 17:30h — Visitas en Castellano (Punto de encuentro: Puerta Azul) 17h — Visita Diska (Punto de encuentro: Punto Diska) 19h — Cierre de la Nave Johnson y el taller de les artistes 19h a 1:30h — Fiesta 21h a 22h — Ritual para una fiesta/encuentro de vestuario con Muerte a la Norma 22h a 23:30h — Djset de Bonbonribbon69 23.30h — Cremà del capgros 23:30h a 1:30h — Djane Karma 1:30h — Cierre visitas guiadas En los Tallers Oberts habrá visitas guiadas en català y en español (mañana y tarde) y también una visita específica para el colectivo diska (por la tarde). Cada visita será para un máximo de 15 personas. Si quieres participar, ¡pásate por el punto de encuentro y apúntate! Los puntos de encuentro son: la puerta azul de la nau Johnston para las visitas en català y español, y el Espai M para la visita diska. Búscalos en el mapa. comida y bebida De 12 a 23h habilitaremos una zona de comida (con opción vegana y sin gluten) en la Nau Foseco. La comida será de Saberes y Sabores, un proyecto de Kantina Migrante. A lo largo de la jornada habrá servicio de bar con opciones con y sin alcohol. Durante la fiesta contaremos con un servicio de bebidas organizado por el Bar Pony. Desde La Escocesa haremos un donativo a partir de los beneficios de barra a Por La Guaira y más en soporte a las personas afectadas por el terremoto en La Guaira, Venezuela. para unos Tallers Oberts diskas Como personas diskas que habitamos y construimos este espacio, nos encontramos cotidianamente con la realidad capacitista, que sistemáticamente nos excluye de actividades públicas y privadas del ámbito cultural y social, al no responder a nuestras necesidades. Comando Diska — Asesoría Tallers Oberts Desde La Escocesa, nuestro deseo es abrazar y disfrutar realidades y cuerpos diversos: no bípedos, no normativos, enfermos o discapacitados. Para conseguir unos Tallers Oberts diskas, y en la medida de nuestras posibilidades, proponemos intervenir las barreras arquitectónicas y otras formas de impedimento capacitista. La propuesta incluye crear un espacio horizontal (espacio de descanso diska) para estar en el lugar de otras maneras, mobiliario con uso preferente, una visita guiada diska, una señalética específica, una mesa sensorial con materiales cedidos por parte de cada artista, y unas audiodescripciones y un video que recogen y acercan todos los talleres de les artistes residentes de La Escocesa, incluso aquellos del piso de arriba que no son accesibles. También tenemos a disposición personas de apoyo (APs) para quienes lo soliciten, tanto previamente, para llegar a La Escocesa, como para tener apoyo durante la jornada de Tallers Oberts.

¿dónde encontrar los distintos servicios?

Punt Diska + mesa sensorial: Entrada del recinto (Nau Foseco)
Espacio de descanso Diska: Plató de la Nave L, Planta baja (Acceso desde el patio de la chimenea)
Punto de encuentro Visitas Guiadas Diskas: Espai M, Planta baja (Nau Johnston)
Mural informativo: Espai M, Planta baja (Nau Johnston)
Baño Accesible: Al final del pasillo de la (Nau Foseco)

punt diska Este es un punto de información que encontrarás al llegar a La Escocesa. Aquí es donde se puede solicitar el servicio de personas de apoyo (AP). Tendremos programas y el mapa del espacio para poderse orientar, además de una mesa sensorial con materiales cedidos por parte de cada artista residente de La Escocesa. El acompañamiento en el punto diska tendrá el horario de 12 a 22h. espacio de descanso diska Es un espacio con baja estimulación visual y sonora, con mobiliario para el descanso horizontal, iluminación tenue, steaming toys, tipi de desconexión sensorial. En este espacio no está permitido hablar, ni usar ningún tipo de dispositivo electrónico, ya que podríamos molestar a otras personas. A partir de las 19h el espacio de descanso diska seguirá abierto, pero habrá música en el patio que puede afectar a las condiciones de baja estimulación. mesa sensorial Espacio de investigación y accesibilidad donde las obras y materiales pueden descubrirse a través del tacto, abriendo otras formas de percepción y relación con el arte. Invitamos a todes les artistes residentes a compartir materiales, prototipos, maquetas, texturas u otros elementos táctiles de sus procesos para construir colectivamente este dispositivo expositivo y hacerlo accesible a personas ciegas y con baja visión. visitas guiadas diskas + mural informativo La visita guiada diska se realizará de 17h a 18:30h. Nos encontraremos en el Espai M (Planta baja de la Nau Johnston) para transitar los espacios de la fábrica de creación de una forma accesible. Nos ayudaremos de un vídeo que nos mostrará los talleres no accesibles, y podremos pedir que les artistes de esos talleres del piso de arriba vengan a explicarnos en qué están trabajando, y sus procesos creativos y de investigación. Durante la Visita Guiada Diska nos acompañará une AP, que hará la transcripción en directo a lenguaje de signos. Cuando no suceda la visita guiada diska, en este espacio podrás encontrar un mural con información de les artistes y su trabajo, y un video que nos mostrará el interior de los talleres no accesibles. audiodescripción de los talleres Les artistes de La Escocesa han descrito sus talleres para las personas que no pueden acceder físicamente a verlos. Puedes acceder a los audios y transcripciones en este link. ¿necesitas une AP* para venir, o durante los Tallers Oberts? Durante los Tallers Oberts habrá personas de apoyo (AP) disponibles para ayudar a quienes lo soliciten en el momento (servicio de transcripción, desplazamientos por el espacio, acompañamiento al lavabo y apoyo para la alimentación). Si tienes claro que vas a venir y puedes necesitar alguna ayuda, puedes avisarnos antes. Y también puedes venir desde casa con le AP de tu confianza. Para ello, ofrecemos cubrir los gastos del desplazamiento. Si lo necesitas, ponte en contacto con gerencia@laescocesa.org. *¿qué es une AP? La asistencia personal (AP) es un servicio de apoyo que permite a las personas con diversidad funcional realizar las tareas cotidianas que no pueden hacer por sí mismas, con el objetivo de promover su autonomía y participación social. Le asistente personal trabaja directamente con la persona usuaria, siguiendo sus indicaciones y respetando sus decisiones. espai families “Familia subversiva: crianza mutua, extensivas como tentáculos sensoriales, posibles y vivibles” es una instalación participativa que propone prototipos de imaginación y cuidado intergeneracional desde las maternidades radicalmente caracolas. Espacio abierto de 11 a 19h, facilitado por Parque Creativo. Podrás encontrarlo en el patio de la chimenea. Les niñes SIEMPRE tienen que estar acompañades de une adulte, tanto en este espacio como en los demás de la fábrica de creació La Escocesa. ediciones La Escocesa También tendremos a la venta los libros de Edicions la Escocesa. Podrás encontrarlos en el puesto montado en el espai principal de la Nau Foseco, cerca de la zona de comida y bebida. Si tienes alguna necesidad o pregunta en relación a la accesibilidad de esta actividad, visita nuestra página de "acceso a La Escocesa" haciendo clic aqui

Girar sin centro: sobre las Batallas de Aura

Mambo — Wed, 09 Sep 2026 10:58:09 GMT

Ego tanquam centrum circuli

[Yo como el centro de un círculo]

Dante; Vita Nuova, XII.4

El pasado viernes 28 de agosto asistí, junto a cientos de adolescentes, varias televisiones locales, algún que otro influencer y una discreta, pero siempre atenta, Remedios Zafra, a la celebración de la primera gran Batalla de Aura multitudinaria, autoorganizada, de Madrid. Y la mayor sorpresa que me llevé fue encontrar tantas cosas que nunca había visto como tantas otras que conocía muy bien, y todas merecieron tomar estas notas. De entrada, me parece claramente una nueva iteración de uno de los fenómenos estéticos más estables históricamente: la ritualización lúdica e inviolenta de una competición entre jóvenes por agenciarse su propia capacidad para establecer relaciones, valoraciones y jerarquías de forma no supervisada ni sancionada por adultos. Su morfología es antiquísima: se performa en corro, que es la estructura social primaria por la cual el propio público constituye el espacio físico en el que la acción adquiere valor. Esto es un motivo coreográfico recurrente al menos desde el mesolítico. La participación es voluntaria e inmediata, en solos o dúos, salen por turnos y se decide al ganador por aclamación, con un organizador o maestro de ceremonias aparentemente espontáneo que va rigiendo el evento. Visten de forma ecléctica pero llamativa, entre estridente, desordenada y un poco descocada (como seguirán haciéndolo los adolescentes mientras los siga habiendo), pero sin patrones uniformes o consignas explícitas, como antaño fuera el caso de las tribus urbanas o de las pandillas, aunque sí con apropiaciones evidentes de referencias cosméticas y meméticas salidas de ese castrapo invertebrado o pidgin caleidoscópico que es la actual cultura visual generalista en internet. Algunos nacidos en los noventa no tuvimos un móvil que no fuera un ladrillo con botones hasta segundo de carrera: ellos sí son los verdaderos primeros nativos digitales. Es lógico, por tanto, que de primeras resulten una comunidad aún desarticulada estética e ideológicamente, pero extremadamente estimulada y ya muy dispuesta a presentarse al mundo con el mismo movimiento con el que están descubriendo, y construyendo, lo que son. La música no parece importarles apenas: la ponen muy baja y son sonidos genéricos virales de reels y tiktoks. En un momento dado incluso hubo una batalla de gallos, y luego todo se transformó en un botellón. Si la forma de ese círculo es antigua, su eje es constantemente nuevo: una morfología estable para una axiología variable. Pues en el centro del corro se hacen despliegues de cualidades corporales celebrables y deseables, preferibles, las cuales sí varían, y mucho, históricamente, porque no se valora lo mismo en una danza pírrica espartana que en una roda de capoeira o en un walk de ballroom, aunque distintas culturas reinventen una y otra vez dispositivos semejantes de exposición, comparación y jerarquización corporal. Así que hay formato antes que estilo. Por lo que vi el viernes, en las Batallas de Aura valoran el descaro, la impasibilidad, el timing, la autoironía con el ridículo y el conocimiento —y capacidad de variación y recombinación— de un repertorio meme/brainrot/emote/viral/gamer/anime de pasos (steps) autocontenidos y separados: la gran mayoría de movimientos son inmediatos, autoevidentes y discretos, es decir, no hay casi estructura, transición, flujo ni, en suma, sintaxis entre ellos. Empalman un paso tras otro sin apenas solución de continuidad, como ocurría en aquella fase de repertorios inconexos de los party dances afroamericanos sesenteros (Funky Chicken, Hully Gully, Boogaloo, etc.) que luego los funk styles o bailes Hip-Hop heredaron, recombinaron y transformaron en gramáticas corporales plenas, en sistemas generativos capaces de llevar esas figuras aisladas más allá de sí mismas y articularlas entre sí con sentido. Me sentí asistiendo, pues, a un posible momento fundacional de aún no se sabe el qué. Y por encima de ello, en el caso de estos performers neófitos, digo que evidentemente están compitiendo, como siempre harán los adolescentes, por soberanía microsocial: demostrar qué poco te gobierna la mirada ajena frente a cuánto la gobiernas tú. Es precioso ver un movimiento así en su fase tentativa y exploratoria; se notaba al público muy cargado de ganas de jalear cualquier cosa. Es energía social pura buscando su propia forma a partir de los materiales culturales disponibles, sometiéndolos a su propia preferencia y criterio según dinámicas de exposición —aún— no reglada. Hay que decir que el interés u obsesión por descifrar y dominar qué códigos corporales permiten acceder a mayor aceptación y prestigio social no sólo es natural en el caso de los adolescentes (y de poblaciones adultas marginalizadas), sino que es incluso previo al Homo sapiens. Si tuviese que reducir toda la biología evolutiva a un solo criterio estético, sería este: que tienen más opciones de reproducirse y sobrevivir aquellos cuerpos que mejor aparenten (!) ser más capaces de producir, con mayor facilidad, más energía de la necesaria para hacerlo. Si queremos ponernos exquisitos: cuerpos que desplieguen capacidad excedentaria bajo dominio. Esto puede calificarse de sublime, majestuoso o formidable, y es generalmente atractivo. Desde un pez globo tratando de impresionar a la hembra al dibujar en la arena del fondo oceánico un complejísimo mandala, de veinte veces mayor diámetro que la longitud de su propio cuerpo, hasta un pavo real, un alce con veinte kilos de hueso en la cabeza que tiene que regenerar cada año o una orca que migra para degustar la lengua de crías de ballena jorobada, pero también un potlatch amerindio, un moka neoguineano o la horterada del nuevo rico que se compra un Ferrari. Sin olvidarnos de las altas damas de la dinastía Qing, que se dejaban crecer uñas imposiblemente largas como prueba de no necesitar hacer ningún trabajo manual, símbolo corporal de élite social que hoy reivindican con tanto entusiasmo nuestras divas musicales más queridas. Presenciar ese tipo de cuerpos genera un efecto sensorial autocontradictorio (“oximorónico”, diría un filósofo) que sería la primera posible definición de “aura”: a la vez atraen la atención y disuaden de acercarse, y así resultan grandiosos. Como un tsunami, un volcán en erupción o un flechazo de enamoramiento: su grandeza está en que no podemos apartar la mirada de aquello que nos paraliza. Es la famosa definición de Rilke en su primera elegía: “Lo Bello es el comienzo de lo Terrible que aún podemos soportar; y lo admiramos tanto porque, sereno, desdeña el destruirnos”. Toda la tarde los chavales rumoreaban, con gran expectación, que había venido “Kappah” (sobreentendí que un youtuber o similar), y efectivamente, en un momento dado una figura con capa al viento se nos irguió mesiánicamente, brazos en cruz y faz al cielo, caminante sobre el mar de hormonas, desde una de las asimétricas cúspides de la plaza de AZCA, esa fantasía tridimensional y tecnocrática del urbanismo franquista más eufórico y laberíntico, Rockefeller Center cañí, haciéndome entender de un plumazo que la figura alzada en un podio, púlpito o balcón cumple exactamente la regla aurática que nos hemos propuesto: es fácil de mirar, difícil de alcanzar, y está en lo alto de ti. La chavalada rugiente lo aclamó, por supuesto, con un gran furor. La genealogía estética del “aura” creo que debería empezar por la de “magia”. Aunque es un concepto que ha atravesado infinitas reapropiaciones posteriores, la definición académica de magia, como concepto estético fundamental del arte paleolítico según autores como Frazer o Hauser, serían los principios “simpáticos” de que “lo semejante produce lo semejante” y “lo que ha estado en contacto mantiene una influencia recíproca”. Es decir, la idea de que dos realidades que se parecen entre sí, o que mantuvieron contacto, comparten causalidad o transitividad entre sus estados, como en un muñeco vudú. Es una tecnología estética que aún no distingue del todo entre representación y realidad: las pinturas de bisontes que tenían marcas de lanza indican que apuñalar la pintura era ya estar contribuyendo a cazarlo. El pensamiento mágico, por ende, es la creencia de que la similitud entre algo presente y algo ausente hace que esa ausencia se manifieste, al menos parcialmente. Es exactamente el mismo principio por el que hacemos efigies y retratos de los muertos, por el que guardamos amuletos en nuestros bolsillos y por el que colgamos en la pared de nuestra habitación fotos de nuestra familia y amigos al mudarnos a otra ciudad. Y es también exactamente la famosa definición de “aura” que da Walter Benjamín: “la aparición de una lejanía por cerca que se esté”, que es justo lo que se pierde con la industrialización estética capitalista, porque el crucifijo hecho en serie ya no manifiesta al carpintero que aparentemente lo talló, pero que nunca lo hizo. Lo mismo con las latas Campbell de Andy Warhol, etc. El aura se pierde cuando las cosas dejan de ser la prueba de lo que aparentan. Esa sería la explicación más simple de las Batallas de Aura: una sana reacción joven por recobrar la autenticidad y la dignidad de las que carece el cajón de sastre digital post-cultural al que los ha arrojado el consumo sistemático de un internet algorítmico. Pero creo que va mucho más allá. En 2019 di una conferencia titulada “Coreología y Fortnite: notas desde el Floss”, que luego amplié como artículo en 2022 bajo el título “Danza y mercancía: constelación y fetiche”, en la que argumentaba, a partir de la capitalización coreográfica de los emoticonos del Fortnite, cómo la cultura coreográfica digital estaba siendo industrialmente transformada en aglomeraciones inconexas de pasos aislados sin sintaxis propia ni coherencia interna, que es exactamente lo contrario de lo que habían hecho movimientos como el Break o el Vogue: articular referencias puntuales disgregadas en gramáticas corporales estructuradas y funcionales. En aquel momento aproximé la cohorte que estaba viviendo esa transformación como entre los 8 y los 14 años. Ahora, siete años después, coincide con que las participantes de Batallas de Aura tienen entre 15 y 21. En la Japan Weekend de 2014 descalificaron a un amigo mío del torneo de Halo porque, después de matar a su rival, le hacía “tea-bag” sentándose repetidamente sobre su cadáver, cosa que se consideraba poco deportiva. Al fin y al cabo la FIFA impone sanción si un gol se celebra denigrando al contrario, y casi lo primero que hizo el futuro emperador Tito al conquistar Jerusalén tras la Gran Revuelta Judía del 70 d. C. fue sacrificar un cerdo entre los escombros del Segundo Templo. El Fortnite explotó ese nicho de la celebración humillante hasta que los jóvenes disfrutan de bailar esos emotes como si en sí mismos contuviesen la prueba de una superioridad, como Ilia Topuria apuntándose la victoria en su palmarés antes de haber peleado o Randy Orton posando cual escultura griega antes de hacerle el RKO a su rival: lo que más me interesa de las Batallas de Aura es que parecen estar aglomerando distintas versiones de celebración corporal de una victoria innecesaria tratando de extraer de ello un nuevo lenguaje performativo. La pregunta por supuesto es ¿y qué movimientos o figuras consideran que despliegan las cualidades que con sus cuerpos quieren presentar? Tengo varias ideas al respecto después de lo que vi. Damón, el músico tan admirado por Platón, asentó pedagógicamente el concepto de los “bíou mimémata” (imitaciones de la vida), según el cual hay una doble circulación entre que las almas bellas producen movimientos bellos y los movimientos bellos producen almas bellas. Es la típica kalokagathía griega: lo bueno es bello y lo bello es bueno. De ahí viene quizá la tradición estética corporal más antigua de Occidente: la creencia de que la apariencia es sustancia y que, por tanto, la danza no sólo permite demostrar nobleza, sino adquirirla. La coreografía occidental, por tanto, es una tecnología de producción corporal de posiciones sociales. Ser consiste en parecer. Performing is becoming. Esquines admiraba el gesto de apoyar el brazo dentro del manto al hablar, como hacía Solón, para demostrar serenidad eminente y autoridad contenida: de nuevo un símbolo de potencia controlada. Es la inmortal “noble simplicidad y tranquila grandeza” con la que definió Winckelmann la estatuaria griega, que “permanece compuesta aun en medio de la pasión”. El famoso manual de etiqueta de François Nivelon prescribió en el siglo XVIII exactamente lo mismo a los burgueses europeos (“audacia viril templada por la modestia”), y por eso tenemos tantos retratos de Napoleón con la mano metida en la chaqueta. Y es que la tradición mágica que mencionamos sin duda se vuelve mística: “aura” en griego (y en latín) significa “brisa”, y la iconografía cristiana la representa con mandorlas, nimbos y aureolas (del latín aurum, “dorado”) en torno a personajes santificados, o sea, aquellas personas a través de las cuales consideramos que lo espiritual se está canalizando en la realidad. He ahí la “lejanía” de Benjamin. Es también el concepto teológico de “Gloria”: la manifestación visible de una Gracia invisible, la irradiación de una profundidad, el esplendor sensible de un misterio, la aparición de una forma flagrante, es decir, aquella cuya comparecencia conlleva su propia credibilidad, insumisa a toda previa autoridad, y que por tanto, en ese sentido, es joven. El castellano antiguo era riquísimo para referirse a estas cualidades inmateriales, pero ostensibles, de los cuerpos: garbo, donaire, flema, despejo, empaque, tronío, majeza, prestancia, cuajo, hondura, aplomo, gallardía, salero, dicacidad, donosura... Hoy ya casi sólo usamos el tener "pluma". En España este vocabulario aurático apenas sobrevive en el léxico taurino o marcial y, como importación cultural anglosajona, en la práctica queer del reading (throwing shade, “it's giving…”, etc.), y así aprendemos del sociolecto digital imperial que nos domina las mismas funciones que olvidamos de nuestra propia lengua. Y la nobleza o virtud que se pretende demostrar es, por supuesto, la del poderío inesforzado. Sea con la sprezzatura italiana, el demure inglés o el despejo castellano. Quintiliano prescribía repetir los gestos correctos hasta eliminar toda “rusticidad e inelegancia” y que saliesen naturales. Resultar casual y effortless: mantenerse nonchalant. Quien no coge un canapé en una entrevista de trabajo pese a estar muerto de hambre para no parecer necesitarlo. Esa es la retórica corporal de la aristocracia: que tu grandeza emerja a través de ti, ya sea por tus maneras o por tu apellido, sin que tengas que esforzarte para lograrla pero tampoco para demostrarla. Y cuando esa nobleza no está dada, se finge igual, cultivando la apariencia de que no se cultiva nada, ya seas un rockero grunge que se peina durante media hora para lucir despeinado o el escudero que, en el Lazarillo de Tormes, sale a la calle hurgándose los dientes con una paja pese a llevar días sin comer. Corporalmente, lo mismo da que la dignidad sea un punto de partida o uno de llegada: en ambos casos la danza hace del cuerpo no un indicio, sino una prueba. Por eso Hugo de San Víctor, en sus reglas para novicios, cree firmemente en que el cuerpo ordenado exteriormente del fraile le ayuda a ordenar interiormente su alma. Cuerpo y aura se han de indistinguir. Al fin y al cabo, el cuerpo del rey es a la vez el del gobierno y el de todos a quienes gobierna, como en la famosísima portada del Leviatán de Hobbes, o pensemos en aquel joven Luis XIV bailando varios papeles del Ballet Royal de la Nuit durante toda la noche, hasta que —cuenta la leyenda— descorrían las cortinas al alba y el Sol nacía detrás de él, completada su apoteosis y hecho ya Apolo Musageta. Con esa misma soberanía enseño a bailar a mis alumnas, aunque no se den cuenta: si el rey no quiere lo bueno porque sea bueno sino que lo bueno lo es porque lo quiere el rey, la danza bella no será otra que la que a ellas les haga felices bailar. Así que si Giovanni Gallini insistía en que no conviene que el noble muestre el aire y porte de un mecánico, pero no sería reprochable que un mecánico mostrara el porte y aire de un noble, tal vez no lo decía sólo porque él, de hecho, llegó a aristócrata a fuerza de bailar bien, sino porque aquello que elevamos al ponerle el cuerpo nos lo eleva a la vez también. Por eso una raíz histórica del Vogue podría estar en esas bailarinas pobres que revolucionaron la sociedad parisina dieciochesca aprendiendo a desplegar más nobleza aparente de la que las nobles tenían, provocando casi de inmediato una crisis de adulterios que llegó hasta el Moulin Rouge y no se sabe si hasta Broadway o Hollywood. Y por cierto que lo único que contuvo esa revolución fue el registro civil y que les era imposible perder su acento plebeyo al hablar. El caso es que estar en boga, in vogue, a la última, ser hip, hippie, hipster, Hip-Hop, aura farming, distinguirse, molar, es siempre lo mismo: cotizar al alza en el espacio donde las posiciones sociales valiosas estén siendo replanteadas, dando a entender mucha capacidad implícita con poco esfuerzo explícito como prueba de merecer estatus. Para por supuesto luego intentar transferir ese rango de lo lúdico y microcultural a la jerarquía social real. Más clara no pudo ser Willi Ninja en su entrevista para el tan icónico como controvertido documental Paris is Burning (1990) de Jennie Livingston: “I want to take Voguing (…) to the real Paris, and make the real Paris burn”. Llegamos así, por fin, a las conclusiones. “Aura” sería el efecto estético por el cual un cuerpo hace inferir una reserva extraordinaria de energía o capacidad (corporal, espiritual, afectiva, cultural o simbólica), de la que parece disponer sin esfuerzo o que se manifiesta a través de él, atrayendo la mirada sin solicitarla a la vez que impone una distancia física y social. Una “Batalla de Aura” sería el dispositivo agonístico y ritualizado por el cual los participantes se disputan reconocimiento público en un duelo coreográfico pacífico y espectacular mediante actuaciones breves destinadas a demostrar posibles cualidades corporales preferibles (que aún no han sido definidas), cuyo resultado transforma momentáneamente esa diferencia estética percibida en estatus social reconocido y, al mismo tiempo, pone a prueba empíricamente qué cualidades corporales merecen considerarse valiosas. Formalmente, están yuxtaponiendo citas aisladas hasta averiguar si de ahí puede emerger un lenguaje. Y los materiales con los que lo hacen, extraídos espontáneamente de su culturización digital nativa, son una aglomeración aún inconexa de poses, provocaciones y aspavientos triunfalistas o burlones que anticipan una victoria que aún no se ha producido, usando gestos que no celebran una superioridad ya demostrada sino que la proclaman performativamente para tratar de producirla. Por último, existe un paralelismo directo entre el funcionamiento del algoritmo y el de las Batallas de Aura: hay un bucle de retroalimentación, a saber, el algoritmo te enseña más de lo que predice que te gusta y, por tanto, como reaccionas más a eso, concluye que su predicción era correcta. Es una profecía autocumplida: produce —parcialmente— aquello que predice. No se sabe qué movimientos tienen aura, pero cuando el público reacciona a uno, pasa a tenerla como si ya la hubiera tenido antes de que el público reaccionase. Es una dinámica circular: ¿por qué gana? Porque tiene aura. ¿Por qué tiene aura? Porque gana. El corro es el mecanismo recursivo de entrenamiento del repertorio corporal que está proponiendo predicciones posibles sobre qué movimiento es correcto. Si compruebo que el mewing después del six-seven produce una reacción positiva, la próxima vez que haga (o vea) un six-seven se crea la expectativa de un posible mewing: es el ejemplo puro de un coreolecto (por así llamarlo) naciendo. Es sintaxis por expectativa: una gramática comienza cuando, dado un elemento, se comprueba que es probable que otros en concreto le puedan seguir según unas reglas reconocibles, y así el caos inicial se va transformando en un horizonte de continuaciones plausibles y previsibles sin, por supuesto, llegar nunca a ser tan predecible que no aporte información. La novedad exige estructura suficiente para comprenderse pero desviación suficiente para sorprender. Y en este caso, la única autoridad que va informando ese proceso es la de los mismos jóvenes que se turnan entre mirar y bailar. Entonces no es sólo que la apariencia sea signo (que indique aura) o sustancia (que produzca aura) sino que cada paso es el molde específico que permite que la aprobación de la comunidad lo dote de un aura que el paso, en sí mismo, ni indicaba ni producía. El corro a la vez descubre y crea lo que valora (el aura). Me parece, pues, que están desafiando al algoritmo mediante una práctica que reproduce su estructura selectiva recursiva, pero sometiéndola a su propio criterio de disfrute presencial grupal y no al que maximice atención, viralidad ni beneficios empresariales. Se han reapropiado la facultad y la autoridad de decidir qué merece celebrarse y repetirse, imitarse y recordarse. Sólo cabría añadir que es espontáneo el acontecimiento, pero no el archivo. De hecho creo que son conscientes de que es un archivo contaminado y sesgado, y de ahí la intensa ironía con la que lo abordan. Lo que veo es que se agencian creativamente y según su propio criterio los desechos discretizados del vertedero algorítmico de su educación digital estética, y los purgan sometiéndolos a una nueva iteración del rito ancestral de selección social de lo excelente (y deseable) a través del encuentro presencial de adolescentes exponiéndose performativamente entre sí. Y como en todo momento caliente o constituyente, igual que en la política, no se compite por ejecutar mejor un criterio ya establecido, sino que cada ejecución consiste en la propuesta de un nuevo criterio con el que juzgarse a sí misma y las siguientes. Lo que en la tradición estética desemboca en la “consagración”, “artista consagrado”, etc. Así, los resultados del proceso (la aclamación del público) acaban retrodeterminando a los sujetos, movimientos y códigos que los produjeron: parecen ganar porque tenían aura, pero pasan a “haberla tenido” porque ganaron. La prueba o huella de la identidad (aurática) resulta ser, en realidad, la máquina que la produce. Y eso completará una nueva fase de quizá el proceso antropológico más arcaico de todos: el recorrido desde el archivo cultural al ritual social, y desde ahí, finalmente, a la identidad personal (con +1000 de aura).

Miguel Ballarín

Fotos de Miguel ballarín tomadas el 28 de agosto en Azca (Madrid)