T E A T R O N

NOW 19/06 DANIEL DOMÍNGUEZ, MARIA SOLÀ, XAVIER MICHEL

Estruch Blog — Mon, 08 Jun 2026 15:59:10 GMT

NOW és un recorregut per diferents espais de L’Estruch on veurem una mostra dels processos de creació dels artistes residents d’arts visuals i performance del primer trimestre. El recorregut s’inicia a la Sala d’Exposicions: Àngela. Daniel Domínguez Romero Sala d’exposicions. 19 h Una proposta escultòrica, poètica i audiovisual que reflexiona sobre les transformacions, els desplaçaments i les traduccions que travessen els processos artístics. A partir de l’escriptura de textos, s’explora la relació del llenguatge amb altres materialitats, en aquest cas l’escultura i l’audiovisual, amb l’objectiu d’observar com les idees, els gestos i els cossos implicats es modifiquen en transitar entre diferents mitjans. Nacionalitat espanyola: trampes, evidències i fotos prohibides. Maria Solà. Sala 8. 19.30 h Una crítica als protocols policials, a la seguretat nacional, als sistemes classificadors de persones, als límits identitaris, a les normes, a la veracitat de la fotografia i els sistemes de control. És també una oda al transformisme i un testimoni sobre la flexibilitat d’expressió de gènere. És una evidència, una gosadia i una conquesta. Aquesta mostra de procés vol compartir la descoberta d’una fuga del sistema, una escletxa a on podem expressar-nos en llibertat. Intervals. Xavier Michel Teatre. 20.00 h La performance es desplega a partir d’una sèrie d’objectes i dispositius que semblen pertànyer a universos diferents: una gravadora de veu, una camisa blanca, la roda d’una cadira d’oficina, un encaminador wifi, un pedal de guitarra construïda artesanalment, una bateria electrònica i altres instruments improvisats. Tot plegat s’articula dins d’un sistema d’il·luminació que sosté parets mòbils de paper. Sense que puguem discernir si aquests vestigis anuncien un començament o sobreviuen a un final, l’escena s’instal·la en un territori intermedi, suspès entre la feina, el concert i l’estat de somni. En aquest entorn on conviuen l’ambivalència i la polisèmia, s’obren nous camps d’exploració narrativa que revelen noves maneres d’abordar les relacions de poder i de qüestionar la nostra relació amb l’espectacular.

Estoy al borde de una pesadilla

Mambo — Fri, 05 Jun 2026 06:03:02 GMT

Con el teatro lleno, Laura Ramírez Ashbaugh estrenó Oasis of Serenity los días 13 y 14 de mayo en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque, en la primera temporada que dirige Jorge Volpi. Oasis of Serenity es el resultado de dos años de investigación en los que Laura ha cursado el Das Choreography, un máster de estudio y práctica coreográfica en Ámsterdam, yendo y viniendo desde la ciudad a Madrid sin perder el vínculo con su casa ni su red. Pero Laura Ramírez Ashbaugh ya llevaba años currándose la escena contemporánea. Yo la conocí en 2016 con una pieza que se levantó como el aire fresco, ¿Cómo se hace una performance? de las Twins Experiment, el colectivo que montó junto a Ainhoa Hernández Escudero (otra argonauta madrileña que vive y trabaja en Ámsterdam desde que cursara sus estudios de posgrado en el DAS Theatre), al tiempo que yo misma participaba en MovLab, un laboratorio que Laura dirigía junto a Raquel Sánchez en La Casa Encendida donde organizaban grupos de aprendizaje en torno a la práctica escénica. Y más recientemente he podido verla en Serenity Rave, un solo de danza que estrenó en Réplika la temporada pasada, donde componía paisajes de la rave con su cuerpo. Desde que la conozco, Laura compagina su trabajo como coreógrafa con el de docente y diría que es una artista que siente el espíritu de la comunidad escénica, algo que quizás le venga de su familia, que tenía una compañía de teatro ambulante llamada “Lope de Rueda”. En un escenario vacío, casi a oscuras, entorno los ojos y distingo a una figura agachada que avanza girando sobre sí misma mientras dibuja una diagonal. El tiempo se ralentiza y me recuesto en mi butaca. Ya en primera línea, panza arriba, alza el pecho poseído y podemos verle la cara, solo un momento. Grita sin que podamos oírla, como en las pesadillas. Laura mueve el aire a su alrededor, pide y se le concede. Avanza esbelta por el escenario y ejecuta una coreografía de imágenes, flechazos pop del mundo de la mística, de la rave, de la moda y del cine. Entre estas visiones, yo veo también a la Laura adolescente que cierra una fiesta mientras clarea el día. El sonido de Fernanda Libman acompaña la actuación, el espacio escénico es cortesía de Javi Cruz, el vestuario de Evadehouse, la dramaturgia de Bryana Fritz y la iluminación de George Marinov que interviene el ambiente componiendo oscuridades, provocando un apagón y un fogonazo que ciega a Laura como ciega quedaba Teresa cuando dice que en su éxtasis “veía un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo, no era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles muy subidos que parecen todos se abrasan. Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande…”. El título de este trabajo, Oasis of Serenity, anuncia la llegada a un lugar de descanso prometido. Sin embargo, en escena, el paisaje no es sereno y sosegado. El escenario recuerda a una nave industrial, suena música techno, Laura corre perseguida, persigue, manotea, le tiemblan las pupilas, encara un terror que nos es ajeno. En la noche oscura, ella corre a encontrarse con sus sombras, a purgar sus ansias. El oasis espera oculto fuera del escenario, después de que Laura atraviese el trance al que asistimos los espectadores. Laura es una bailarina con una gran fuerza física y para alcanzar su anhelo, antes tiene que rendir al cuerpo, cruzar el desierto. La búsqueda artística suele acompañar a la búsqueda personal y creo que eso es lo que ha hecho Laura en los últimos dos años: bailarle a las sombras, enfrentarse a ellas hasta deshacerlas.

Carmen Aldama

Foto de Thomas Lenden

Las Nenas porten Torcidxs a l'Antic Teatre, una sàtira escènica sobre la identitat, la performativitat i les contradiccions de la contemporaneïtat

Antic Teatre — Tue, 02 Jun 2026 11:00:39 GMT

La companyia navarresa presenta una proposta que combina humor, crítica i experimentació escènica per qüestionar els mecanismes de representació del jo i les lògiques del sistema cultural actual

L’Antic Teatre presenta Torcidxs, l’aclamada creació de Las Nenas Theatre, el projecte artístic impulsat per Ane Sagüés Abad i Cristina Tomás Olaya. La peça arriba a Barcelona després del seu pas per diversos espais de l’Estat i es presenta com una proposta escènica irreverent que explora les tensions entre identitat, representació, desig i fracàs dins la cultura contemporània.

A Torcidxs, quatre intèrprets interactuen amb els mecanismes visibles del teatre, convertint l’escena en un cos i un territori de conflicte. Entre discursos teòrics, converses aparentment superficials, cançons desafinades amb autotune i una acumulació de judicis, etiquetes i referències culturals, la peça construeix una experiència escènica que celebra l’error, el dubte i la imperfecció.

“Vull ser una còpia barata d’una altra persona. Tinc una ànima de plàstic. Tant li fot”, proclama una de les veus de l’espectacle, resumint l’univers de Torcidxs: un espai on les identitats es deformen, les aspiracions fracassen i els imaginaris contemporanis són observats amb una barreja d’ironia, tendresa i lucidesa crítica.

La proposta reflexiona sobre la performativitat del jo, la sobreexposició digital, les contradiccions de les arts contemporànies i la necessitat constant de produir una imatge d’èxit. Tot plegat des d’un llenguatge híbrid que combina teatre, performance, humor, autoficció i cultura popular.

Las Nenas defineixen la seva pràctica com una forma radical d’intrusisme professional. Creadores, intèrprets, directores, productores, docents, performers o relacions públiques segons convingui, la companyia construeix un univers escènic que qüestiona les categories i les jerarquies tradicionals de la creació artística. El seu treball es caracteritza per l’ús de l’humor com a eina crítica i per una mirada desacomplexada sobre els mecanismes de producció cultural.

La peça ha estat destacada per la crítica especialitzada. El periodista i crític teatral Oriol Puig Taulé la descrivia a El Núvol com un espectacle “molt divertit”, carregat d’“humor, intel·ligència, crítica esmolada i honestedat a cabassos”, i assenyalava la companyia com una de les veus emergents més estimulants de l’escena contemporània.

Las Nenas llevan “Torcidxs” al Antic Teatre, una sátira escénica sobre la identidad, la performatividad y las contradicciones de la contemporaneidad

La compañía navarra presenta una propuesta que combina humor, crítica y experimentación escénica para cuestionar los mecanismos de representación del yo y las lógicas del sistema cultural actual

El Antic Teatre presenta Torcidxs, la aclamada creación de Las Nenas Theatre, el proyecto artístico impulsado por Ane Sagüés Abad y Cristina Tomás Olaya. La pieza llega a Barcelona tras su paso por distintos espacios del Estado y se presenta como una propuesta escénica irreverente que explora las tensiones entre identidad, representación, deseo y fracaso dentro de la cultura contemporánea.

En Torcidxs, cuatro intérpretes interactúan con los mecanismos visibles del teatro, convirtiendo la escena en un cuerpo y un territorio de conflicto. Entre discursos teóricos, conversaciones aparentemente superficiales, canciones desafinadas con autotune y una acumulación de juicios, etiquetas y referencias culturales, la pieza construye una experiencia escénica que celebra el error, la duda y la imperfección.

“Quiero ser una copia barata de otra persona. Tengo un alma de plástico. Me da igual”, proclama una de las voces del espectáculo, resumiendo el universo de Torcidxs: un espacio donde las identidades se deforman, las aspiraciones fracasan y los imaginarios contemporáneos son observados con una mezcla de ironía, ternura y lucidez crítica.

La propuesta reflexiona sobre la performatividad del yo, la sobreexposición digital, las contradicciones de las artes contemporáneas y la necesidad constante de producir una imagen de éxito. Todo ello desde un lenguaje híbrido que combina teatro, performance, humor, autoficción y cultura popular.

Las Nenas definen su práctica como una forma radical de intrusismo profesional. Creadoras, intérpretes, directoras, productoras, docentes, performers o relaciones públicas según convenga, la compañía construye un universo escénico que cuestiona las categorías y jerarquías tradicionales de la creación artística. Su trabajo se caracteriza por el uso del humor como herramienta crítica y por una mirada desprejuiciada sobre los mecanismos de producción cultural.

La pieza ha sido destacada por la crítica especializada. El periodista y crítico teatral Oriol Puig Taulé la describía en El Núvol como un espectáculo “muy divertido”, cargado de “humor, inteligencia, crítica afilada y honestidad a raudales”, y señalaba a la compañía como una de las voces emergentes más estimulantes de la escena contemporánea.

Sienten las piedras

Murotron — Mon, 01 Jun 2026 14:43:19 GMT

Raquel G. Ibáñez - 19 de junio en el Museu Tàpies Si nos sumergiéramos en el agujero del Calcetín de Antoni Tàpies, quizás veríamos el cielo. O las entrañas de la tierra. O aquel rincón tan familiar al que nunca antes habíamos prestado atención. El agujero aparecería entonces como una apertura, un umbral desde el cual mirar hacia una terraza expuesta al sol y a los agentes atmosféricos; un espacio donde la contemplación de lo cotidiano se volvería extrañamente misteriosa. Como si la percepción, al desviarse apenas un poco de su curso habitual, abriese una pequeña fisura. Un intersticio que, siguiendo las reflexiones de Tim Ingold, no encerraría un significado fijo sino que permanecería entre líneas. «Un nudo aéreo». Quizás bastaría entonces con estirar del hilo y detenerse a escuchar. Escuchar el viento, el agua fluyendo, la nieve derritiéndose o el crujido lejano de un árbol al caer. Escuchar también aquello que vibra entre cuerpos y objetos. A partir de esta atención sostenida, se desplegaría, así, una forma de ritual a pequeña escala. Si nos sumergiéramos en el agujero. … A partir de esta invitación, la artista propone una sesión de escucha en la que grabaciones de fenómenos atmosféricos y entornos naturales dialogan y se distorsionan. Como un hilo más dentro de una trama expandida, se entrelazan lo ancestral y lo tecnológico, lo íntimo y lo geológico, sin jerarquías. En resonancia con la sensibilidad poética de Mary Oliver hacia las dimensiones asombrosas de lo cotidiano, la pieza desplaza sutilmente la percepción y abre, aunque sea momentáneamente, otras formas de relación con el entorno. La práctica artística de Raquel G.Ibáñez investiga la liminalidad y las fronteras entre sonido, lenguaje e imagen visual, utilizando la escucha –humana y más que humana –como herramienta metodológica desde la acustemología. Sus líneas de trabajo se centran en lo intangible y en los umbrales entre lo humano, lo espiritual y lo natural, explorando también la tensión entre lo ancestral y el futuro en un contexto de crisis global. Sus procesos destacan la fragilidad e interdependencia de la vida biológica, y se materializan en diversos formatos como el sonido, el dibujo, la performance, la instalación y la edición expandida. Ha desarrollado proyectos en instituciones como el CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Tsonami Arte Sonoro, CDAN, Sonandes, La Casa Encendida o el MACBA, y ha recibido premios y becas como el Premi Miquel Casablancas 2024, Circuitos Artes Plásticas 2024, las Ayudas a la Creación de artes visuales de la Comunidad de Madrid o las Ayudas públicas para la creación, investigación y producción de proyectos artísticos del Ministerio de Cultura. Su trayectoria incluye residencias artísticas en espacios como aadk, Jazz ao Centro o Bulegoa, así como la participación en festivales de arte sonoro y música experimental como Insonora 14, Sur Aural, Rota Music Festival y Soundtiago, entre otros. Su participación en el colectivo de poesía y performance Una fiesta Salvaje y la publicación de su libro Granate, consolida una práctica que combina creación, investigación y escritura. Actividad realizada en el marco del ciclo Siguiendo el sol. Destapando la mirada del Museu Tàpies, comisariado por Carolina Ciuti.

Picnic Sessions 2026

Murotron — Mon, 01 Jun 2026 14:37:50 GMT

Del 28 de mayo al 2 de julio en el CA2M «Pierdo los días, la vida, el sueño. Pero yo no tengo la culpa si deseo, a la vez, la muerte y la vida, al mismo tiempo, a la misma hora. Y lo quiero todo al mismo tiempo.» Alejandra Pizarnik PROGRAMA

Jueves 28 de mayo. Guillem Jiménez | Okkre
Jueves 4 de junio. Los Voluble
Jueves 11 de junio. Laura Morales | Fantasma Sur
Jueves 18 de junio. TEMPO DE FURIA (Egozkue y Paz) | Eddi Circa
Jueves 25 de junio. Carmen Muñoz | Derek van den Bulcke
Jueves 2 de julio. Natalia Fernandes | Las Víctimas Civiles

Horario de 21:00 a 23:00 MESAS EDITORIALES

Jueves 28 de mayo. Clavos y chinchetas
Jueves 4 de junio. Librería Delirio
Jueves 11 de junio. Ediciones Comisura
Jueves 18 de junio. Arrebato Libros
Jueves 25 de junio. Proyecto editorial Conde Galí
Jueves 2 de julio. Editorial Disbauxa

Muchachas (susurrando): Hey, queridas, ¿estáis despiertas? Tristura: Sí, mucho... Imposible dormir con este calor. Muchachas: Ya, nosotras estamos completamente desveladas... Tristura: ¿Qué pasa? ¿Qué tenéis en la cabeza? Muchachas: No es nada en especial... Es solo esa sensación de que quizás podríamos estar en otro lugar ahora mismo, ¿no? Tristura: Ya, a veces pasa... ¿Queréis venir a casa? Podemos hacer algo, cualquier cosa. Muchachas: Estábamos pensando en que hace tiempo que no vamos a una fiesta. Una fiesta genial, brillante, sorprendentemente tierna, dramática y luminosa... ¡Una fiesta que nos represente! Tristura: Ya, claro, ¡si os ponéis así! Es una época extraña para fiestas.... Pero bueno, venid para acá, algo nos inventaremos, veníos ya ¡No hace falta ni que os quitéis el pijama! Muchachas: Vale, ya estamos de camino. De todas maneras... no debería de ser tan difícil hacer una fiesta en esta época, ¿no? En esta época, una fiesta puede ser simplemente estar, detenernos juntas. En esta época, una fiesta puede ser amar y recordarnos amables. Tristura: Totalmente. En esta época, una fiesta puede ser una hora bien bailada. Una hora bien cantada. Una hora bien contada. Muchachas: Invocar la noche para conseguir, aunque sea por un segundo, ver las estrellas. Invocar la noche y dilatarla hasta la extenuación. Y ya cansadas, sudadas, escuchar una historia, una idea, un canto. Tristura: Como decía Juan de Mairena, una hora bien contada no se acabaría nunca de contar. Una fiesta puede ser también celebrar el tiempo y celebrar la noche. Muchachas: Un picnic con amigas juntas al anochecer. Podría ser bonito. Tristura: Genial, lo tenemos entonces, ¿no? Solo necesitamos: un bonito lugar al aire libre, un poco de música y cien o doscientas personas majas. Y ya con eso que la noche cambie por completo, que se vaya hacia lugares que no imaginamos... como que se abra, ¿no? Muchachas: Sí, eso es. Que la noche se abra. Que se abra la noche. La tristura y Mucha Muchacha llegan al Museo CA2M este año para proponer juntas las Picnic Sessions 2026. Para proponer un tiempo escuchando, bailando, observando. Dicen los antropólogos que antes de compartir una lengua, compartíamos ya rituales, que es esencialmente lo que nos hace humanos. Queremos compartir este antiguo ritual con la gente de la ciudad, compartir el sentido de ser hospitalarios en este siglo. Hemos buscado a diferentes artistas con los que pasar unas horas al anochecer, artistas que trabajan por establecer una relación singular con nuestro tiempo, que saben mantener la mirada en la oscuridad de la época que vivimos, y que perciben a la vez, en esa oscuridad, una luz. Que ven la grieta. Y así entre el 28 de mayo y el 2 de julio, nos reuniremos en la terraza del museo para abrir la noche juntos. «Cuando se va la luz y el cielo es negro, no hay nada que mirar, terminó el día. Eso es todo.» Robert Creeley. COMISARIADO POR: Celso Giménez y Violeta Gil, de La tristura, llevan desde que cumplieron veinte años trabajando alrededor de las artes escénicas. Tratando de generar “situaciones humanas” dentro y fuera del escenario. Investigando los límites entre la presentación y la representación, con un interés por el teatro contemporáneo, y un compromiso con la intuición de que la intimidad y la poesía son, esencialmente, conceptos políticos. Durante este tiempo, La tristura colabora con espacios como los Teatros del Canal de Madrid, el Festival Grec de Barcelona, Cena Contemporânea de Brasilia, el Théâtre de la Ville de París, el Noorderzon de Groningen o el Festival AUA de Berna, entre otros. En estos años generan también contextos como la Escuela de Invierno, el Festival Salvaje o la Gran Convocatoria Mundial. Con el deseo de seguir conectando diferentes agentes y artistas, confiando en que de esos enlaces saldrán movimientos inesperados e inspiradores. En los últimos años además inician proyectos en solitario y nuevas colaboraciones en el ámbito del cine, la escena y la literatura. Su trabajo sigue vinculado a Madrid, ciudad en la que viven y desarrollan sus proyectos. Ana Botía y Belén Martí dirigen desde 2016 la compañía de danza Mucha Muchacha junto a Marina de Remedios y Marta Mármol. Desde sus inicios han orientado su trabajo hacia la investigación del cuerpo como espacio de memoria, identidad y transformación, articulando una propuesta que combina tradición y contemporaneidad. Su lenguaje escénico integra elementos del folclore, la música popular y los códigos de la danza española, reconfigurados desde una mirada crítica y actual. Desde su nacimiento ha creado Volumen 1 (2019), Mucha Muchacha (2021), Para cuatro jinetes (2023) y proyectos más recientes como Cantar de gesta (2026), en los que continúan explorando la relación entre cuerpo, relato y colectividad. Mucha Muchacha ha desarrollado una práctica colaborativa con artistas de distintas disciplinas, generando proyectos de investigación y mediación como SERÉ FOLCLORE o el proyecto TALLER-FIESTA. Más información.

Notas que patinan #150: Això al poble no li agradarà

Rubén Ramos Nogueira — Fri, 29 May 2026 18:41:08 GMT

Acaba de celebrarse la cuarta edición de Això al poble no li agradarà, festival de artes vivas de las comarcas de Girona, construido “sobre la base de una estructura de gobernanza compartida” con los equipos de artes escénicas de los municipios de Banyoles, Celrà, Figueres, Girona, Lloret de Mar, Olot, Porqueres y Rupià y con los agentes Espai nyamnyam (Mieres), Monte Isla (Sils), Mutte Cultural (Pontós), Lo Relacional (Ultramort), Cultural Rizoma (Celrà) y Artistas Salchichas (Olot). Por el festival han pasado este año una larga lista de artistas: Artistas Salchichas, AzkonaToloza, Azucena Momo – Cia. Irregulars, Balago, Óscar Bueno, Colectivo Casa·Teatro, Ernesto Collado y Piero Steiner, Javi Cruz, La Chachi, Anna Dot, Mar García y Javi Soler, María García Vera, Las Huecas, Les Eminències, Joan Montserrat, Federica Porello y Elvira Prado-Fabregat. Desde el 14 de febrero el festival ha ofrecido laboratorios, residencias y muestras en varios municipios hasta desembocar en tres días de programación, gratuita y al aire libre en su mayoría, y en múltiples espacios. Asistí al último día de festival, el sábado 23 de mayo, en Pontós, quince años después de la última edición del añorado Festival Mapa, un festival que se caracterizaba por sus propuestas site-specific y que se celebró en ese mismo pueblo del Empordà durante siete ediciones. El nombre del festival, Això al poble no li agradarà, promete algo que, al menos en el caso del pueblo de Pontós, no se cumplió en absoluto: todas las propuestas fueron recibidas por el numeroso público allí congregado con un enorme entusiasmo, con gente levantándose de su asiento para ovacionar a los artistas, cosa que no se ve todos los días. Dicen que el nombre del festival proviene del comentario de un miembro del gobierno municipal de un pueblo de esas comarcas quien, después de presenciar una de las propuestas artísticas del estilo de las que el festival ofrece, comentó que eso al pueblo no le iba a gustar. Un visionario, vamos, como la mayoría de los políticos que nos gobiernan en el ámbito del arte y la cultura. Comencé mi periplo por el festival a las siete de la tarde, en la plaza mayor del pueblo, donde La Chachi y la cantaora Lola Dolores esperaban al público sentadas en lo alto de una tarima mientras se liaban unos cigarrillos. Presentaban Taranto aleatorio, una pieza de cincuenta minutos sin luces ni escenografía de ningún tipo ni más acompañamiento musical que el que las propias intérpretes fueron capaces de generar con lo puesto: sus voces y sus cuerpos. Los tarantos ya son eso: un palo flamenco que en origen no tenía ni acompañamiento de guitarra. La Chachi y Lola Dolores parten del taranto para aparentemente dejarse llevar hasta darle la vuelta por completo a lo que acostumbramos a ver cuando asistimos a una sesión de flamenco, sin ningún asomo de caspa y con muchas dosis de humor, en un ambiente festivo y al mismo tiempo profundo. La Chachi bailaba y Lola Dolores cantaba pero a veces bailaban las dos con coreografías que parecían extraídas de un videoclip de música urbana y otras veces era como si estuviesen rapeando o más bien como si fuesen una reencarnación de los Accidents Polipoètics. La Chachi viste como si viniese del trap y no del flamenco. Hay humor, hay improvisación, hay casi diría que insolencia, energía desbordante que en algunos momentos provocaba interrupciones debido a los aplausos del público, un público que comenzó sentado en sus sillas de madera plegables de fiesta de pueblo, que observaba con expectación y respeto pero que acabó dándolo todo, entregado, como las intérpretes, en comunión con ellas. Fue casi una hora de lo que me pareció una conexión profunda con un público popular y rural que el prejuicio presupondría no habituado a estas propuestas, ni por el lado de la danza actual ni por el del flamenco. El trabajo parecía absolutamente comprometido con lo uno y con lo otro: con la tradición flamenca y con las estéticas del presente, tanto en el baile como en el cante. La cosa fluyó de una manera absolutamente natural e inesperada y acabó con una larga ovación. A continuación caminamos unos metros para adentrarnos en los jardines del Convent para asistir al segundo movimiento de esta sinfonía. Era el turno de La Vía Láctea de María García Vera, que nos esperaba en un cobertizo, sin más escenografía que tres pilas de libros en el suelo, una silla, una mesa y un ordenador conectado a un equipo de sonido, vestida con una camiseta y unos pantalones cortos y sosteniendo algunos papeles en sus manos. María García Vera comenzó presentando lo suyo de una manera que para nada hacía presagiar lo que luego nos ofrecería. Introdujo su actuación metida de lleno en el código que usan los artistas del arte contemporáneo, advirtiéndonos de que lo que iba a compartir era parte de la investigación en la que se encuentra inmersa, como rebajando las expectativas del público, a lo que contribuía que pareciese que nos fuese a leer uno por uno los numerosos papeles que sostenía en su mano. Pero lo que sucedió a continuación fue asombroso. A partir de una estética absolutamente sencilla que flirteaba con lo cutre, María García Vera realizó un despliegue de medios que mantuvo al público clavado en sus asientos durante prácticamente hora y media, acompañándola de la manita sin abandonarla ni un momento, a pesar de lo exigente de su propuesta, que requiere meterse al público en el bolsillo y no ser abandonada por él ni por un instante. Fue muy emocionante ver su trabajo en solitario después de una ya larga trayectoria con la compañía de la que forma parte, Los Detectives, además de otras muchas colaboraciones en trabajos escénicos y cinematográficos. Pero sobre todo fue emocionante la conexión con el público que consiguió generar partiendo de su cotidianeidad, de sus filias y sus fobias, para conducirnos a una incisiva reflexión sobre conflictos contemporáneos que nos afectan a todos, como la insufrible aceleración vital en la que estamos inmersos, el auge de movimientos fascistoides o la hipocresía de los supuestamente bienintencionados, apuntando en todas direcciones, sin dejar títere con cabeza, con mucha rabia pero sin caer en ningún momento en la desesperanza sino más bien proporcionándonos un chute de energía extra del que la mayoría vamos más que necesitados. Para conseguir eso y que no se convierta la cosa en un aburrido mitin el objeto artístico tiene que dar la talla. No es suficiente disponer de un buen discurso, eso no es lo que le pedimos a los artistas. Lo que le pedimos es que se ocupen del arte. Ocuparse del arte es lo más revolucionario que pueden hacer los artistas (eso más o menos decía Orson Wells). María García Vera dio una buena demostración de ello: nos conquistó con su arte. La Vía Láctea va sobre el inicio, o sobre los inicios, sobre el volver a empezar eternamente, sobre cómo mantenerse en un estado de inicio infinito, quizá, o de cómo reiniciarlo todo en este momento actual en el que la vida se ha acelerado de malas maneras y en donde parece que todo se sostiene por los pelos, a punto de explotar. Con un personaje construido a medida por ella y para ella parece como si María García Vera hubiera decidido mostrar de pronto todo lo que es capaz de hacer pero sin recurrir a ningún virtuosismo, apelando a lo más profundo a partir de materiales y referencias absolutamente populares y totalmente cultas, extraídas del cine, la televisión, los libros, la ciencia y la filosofía, mezcladas sabiamente por ella misma para conseguir un caldo sabroso de los que te devuelven el ánimo. Y tirando también de lo puesto: su voz y su cuerpo, sin apenas aditivos ni colorantes más que algunas músicas que ella misma pinchó desde su portátil. Pero al mismo tiempo sin renunciar a ningún recurso, aprovechando todo al máximo y mezclándolo absolutamente todo: la rapidez y la contemplación, el amor y la violencia, la verborrea y el silencio, la voz y el movimiento, la cita y lo genuino, el respeto y la irreverencia hacia los referentes, la seriedad y el humor. María García Vera, sin pretenderlo, nos dio una hermosa lección y esas son las mejores. Todo el pueblo se puso en pie para ovacionarla. Fue algo realmente emocionante. Después de eso había ganas de encontrarse con el prójimo, de comentar, de beber, de celebrar y también de cenar. Hubo una estupenda cena popular inspirada en la cocina norteafricana y servida en los jardines del Convent por Mutte, el colectivo que gestiona el Convent. Y ya de noche entramos en el salón del edificio para escuchar una sesión de música electrónica a cargo de Balago, con el público ocupando toda la sala, en un ambiente íntimo, sentados en sofás, en sillas, algunos de pie, con poca luz y con bebidas considerablemente más baratas que en cualquier bar urbano catalán, servidas en la barra que se encontraba en una de las salas del propio convento, un poco más allá, a la que se entraba desde el jardín. David Crespo se enfrentó al público desde una mesa repleta de aparatos que manipuló ininterrumpidamente sin apelar al baile en ningún momento sino más bien a una escucha contemplativa, con los ingredientes necesarios para que cada oyente construyese su propio viaje. Como el resto de las propuestas, y en contra del nombre del festival, como ya he dicho, su actuación fue recibida con largos aplausos. Para acabar, Les eminències, el grupo formado por Ingrid Picanyol (voz y guitarra), Enric Farrés Duran (batería) y Miguel Ángel Blanca (bajo y voz) nos esperaban otra vez en un pequeño escenario del jardín para compartir con nosotros energéticas canciones de un minuto con sarcásticas letras sobre racistas de perro o posadas del Delta de l'Ebre que podrían albergar a terroristas o a sucios turistas, no se sabe. Les eminències hacen gala de equivocarse a menudo en sus conciertos para volver a comenzar sus canciones una y otra vez (como si recogiesen los inicios infinitos de María García Vera). No sabría decir si eso es una contradicción con el espíritu punk del que hacen gala (porque no permitirse ni un fallo sería en teoría de gente amante del virtuosismo, no de punks) o si lo hacen aposta con toda la intención (y ahí estaría la gracia). El caso es que el público, entregado, después de bailar incluso algunos pogos, acabó pidiéndoles a gritos que repitiesen alguno de los temas que, después de por lo menos tres interrupciones, habían conseguido por fin llevar a buen puerto. Lo hicieron encantados. Era más de medianoche. La fiesta continuó aún un poco más. Fotos: Sebastià Masramon

Sinéad Spelman y Mikel Adán Tolosa en La Capella

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:57:46 GMT

Turba de Sinéad Spelman - Del 22.4.2026 al 5.7.2026 La práctica artística de Sinéad Spelman (Dublín, 1978) se centra en el dibujo, o más bien en una manera muy específica de entender su narrativa visual. Desde ahí, el dibujo transita hacia otros lenguajes afines, como la escultura o incluso el sonido; un sonido que en realidad es canción, es decir, un sonido que es palabra. Y es que, quizá, para la artista, el primer estímulo del dibujo es algo más cercano a la escritura que a las artes visuales. Sin pretensión literaria, hay algo muy literario en su modo de hacer arte. Más información. Perquè m'agrada viure aquí (Porque me gusta vivir aquí) de Mikel Adán Tolosa - Del 22.4.2026 - 5.7.2026 tiene un carácter más especulativo que programático o afirmativo. Su planteamiento inicial es, en apariencia, sencillo: hacer que convivan dos materialidades contrarias, la de la piedra y la de la mantequilla. Pero del mismo modo en que al adoptar la piedra como material de trabajo Mikel Adán Tolosa hace una interpelación a una tradición formal y a unos procedimientos ya establecidos, al incorporar la mantequilla lo hace consciente de que se trata de un material sin una filiación disciplinar, no convencional y no cooperativo: el material se convierte en un problema. Más información.

Lorea + Plinio

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:47:19 GMT

29 de abril en Réplika Llegan por primera vez a Réplika Teatro dos de las propuestas más singulares de la escena musical alternativa española: la cantante y compositora Lorea y el músico y cineasta Plinio, en un doble concierto organizado por la agencia Live in Dallas en colaboración con Réplika Teatro para estrenar en Madrid el reciente último álbum de Lorea, Miel de Mosca, y el concierto con proyecciones de cine analógico Historia Natural de Plinio. La música de Lorea levanta un sueño de fiebre que puede sonar a ambient, pop o música religiosa. Sofisticados delitos de amor, los dientes por el suelo, milagros torpes, peligro íntimo, el pelo suave… Su proyecto “los problemas se frotan” le ha situado en la escena española avantgarde como un nombre a tener en cuenta. Este 2026 se ha juntado con sus amigas (Adriana Jornet, Mateo Benguria y Lucía O’brian) para interpretar su nuevo disco Miel de Mosca que ha sido publico en el sello Urpa i Musell de Barcelona y que será presentado en esta ocasión en Réplika Teatro. Plinio presenta Historia Natural , un live que mezcla un concierto con una proyección de cine analógico. Un programa de películas en Super 8 se hace desfilar sobre canciones que evocan cuentos, cotilleos y recuerdos de un mundo antiguo. En una puesta en escena que revisita el género del travelogue, Plinio propone una conferencia sobre la creación artística, interrumpida por personajes que entran y salen a placer de sus película. Más información y entradas.

Concrete Matter

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:41:52 GMT

Los detectives - Del 28 al 30 de maig a la Fundació Joan Brossa Concrete Matter és una proposta escènica que parteix d’un gest íntim i radical: pujar a escena amb les nostres pròpies mares. A partir d’aquesta trobada intergeneracional, articulem una relectura lliure de Les tres germanes d’Anton Txékhov, convertint l’obra clàssica en un dispositiu dramatúrgic que ens permet explorar el vincle maternofilial i les tensions entre la projecció, el desig i la realització personal. En aquesta tercera peça tornem a abordar allò femení, però aquesta vegada ho fem des del lloc més proper i arrelat: les nostres mares. Totes elles, nascudes entre els anys 1951 i 1958, formen part d’una generació situada entre la dictadura i la democràcia, en un moment de transició profunda i de canvi de paradigma al nostre país —especialment pel que fa al paper i la identitat de la dona. Amb aquesta peça reivindiquem una reescriptura del desig, l’humor i l’erotisme com a acte polític. I ho fem, a més, des de la mirada d’una dona que ja no és jove, una dona que va viure la seva joventut en una societat repressiva i castradora. Ens allunyem del relat hegemònic on la mirada masculina configura el desig, i proposem desplaçar aquest eix per situar-lo en primera persona. Des d’aquest lloc, redefinim què vol dir desig per a nosaltres, tot construint una nova mirada cap a una mateixa —més lliure, més plural i més complexa. Més informació i entrades.

Constelaciones & Asterismos III

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:37:25 GMT

Taller Placer - 27 de junio en La Mutant En esta tercera y última edición de Constelaciones & Asterismos proponemos un ejercicio de videncia entendido como la capacidad de percibir lo que no se muestra. Seguiremos reflexionando sobre la dualidad luz/oscuridad y la relación entre la visión y la construcción mental de la imagen. Para ello emprendemos un camino que no necesariamente tendrá lugar ante nuestros ojos, sino en la penumbra, detrás de los párpados. A lo largo de estos dos años, una pregunta central ha guiado nuestra investigación: ¿qué es la luz? En esta nueva edición retomamos esa cuestión para explorar otras formas de visualidad, no necesariamente ligadas a la mirada ocular. Para ello hemos diseñado un itinerario abierto y colectivo, que tendrá lugar entre enero y junio de 2026, y que incluirá un taller de dibujo orientado a explorar la luz a través del gesto manual, una conferencia performativa, dos excursiones y una Jornada Cósmica final. Nuestro objetivo es darle cuerpo a lo inmaterial, indagando cómo percibimos, interpretamos y estimulamos la experiencia de la luz. DESCARGA EL PROGRAMA COMPLETO AQUÍ Durante los últimos tres años, CONSTELACIONES & ASTERISMOS ha sido mucho más que un programa público. Ha funcionado como un ensayo abierto en el que hemos compartido preguntas, descubrimientos y aprendizajes sobre nuestra relación con la ciencia, el cosmos y los fenómenos naturales junto a astrónomas, meteorólogas, músicos, arquitectos y artistas. A lo largo de este tiempo, se ha ido construyendo un espacio común de reflexión y pensamiento, acompañado por un grupo de personas que nos ha seguido y sostenido durante todo el proceso. Para cerrar este recorrido, proponemos una JORNADA CÓSMICA, un encuentro concebido como cierre de la temporada y de nuestra investigación. Será una ocasión para compartir con las personas asistentes los materiales, las experiencias y las preguntas que han atravesado todo el proceso. La jornada contará además con la participación del grupo de dibujo que se ha reunido durante el curso en la sala y está pensada como un espacio de contemplación, pausa y disfrute: una invitación a recibir el verano desde el cuerpo y desde otras formas de experimentar la luz, el sol y el tiempo. BIO ARTISTA Taller Placer es un colectivo artístico formado por Vicente Arlandis y la actriz y Paula Miralles. Desde esta plataforma promueven el uso y la creación de prácticas de diferentes tipos que sean en sí mismas críticas y que puedan ser utilizadas como herramientas de transformación social y personal. Sus proyectos se desarrollan en varias líneas: proyectos de investigación, trabajos de creación artística, talleres de formación, programación de artes vivas, propuestas de mediación artística y otras actividades que son una excusa para estar juntas y tratar de construir formas de vida más llenas y placenteras. Han colaborado con instituciones como Conde Duque Madrid, MediaLab Prado, La Mutant, IVAM y Museo Reina Sofía, y han desarrollado proyectos seleccionados en convocatorias públicas.