T E A T R O N

L'Antic Teatre presenta la seva programació de setembre amb quatre propostes que exploren identitat, dissidència, treball i memòria

Antic Teatre — Wed, 12 Aug 2026 11:01:29 GMT

Queer Falafel, L’Esbord / Pere Seda, Pepe Seguí i LALTRE col·lectiu protagonitzen un mes de creació contemporània que combina performance, dansa d’arrel, teatre d’objectes i arts vives

L’Antic Teatre inicia la nova temporada amb una programació de setembre que reuneix quatre propostes de creadors i col·lectius vinculats a diferents àmbits de la creació contemporània. Al llarg del mes, el teatre acollirà treballs que aborden qüestions com la identitat, la dissidència, la precarietat cultural, les formes de treball, el culte a la imatge i la construcció dels relats col·lectius.

La programació començarà amb YOU DON’T LOOK ARAB, de Queer Falafel, el 3 de setembre, una proposta performativa que combina visuals, música en viu, cos i text per abordar la blanquitud, el racisme i les estructures colonials des d’una perspectiva decolonial i no-binària.

Queer Falafel — YOU DON’T LOOK ARAB

3 de setembre de 2026

Queer Falafel, artista multidisciplinària del Líban, desenvolupa una pràctica que combina performance, música, audiovisuals i text, amb una mirada centrada en les dissidències sexuals, la identitat àrab i les estructures de poder.

YOU DON’T LOOK ARAB es planteja com una manifestació individual que qüestiona els privilegis associats a la blanquitud i les estructures socials i polítiques heretades del colonialisme. A través de l’“Arabsplaining”, l’artista confronta el públic amb els binarismes, el neoliberalisme i les formes d’auto-orientalisme que travessen les identitats contemporànies.

La trajectòria de Queer Falafel inclou treballs com Los Papeles (2018), sobre una relació queer a Beirut i els processos migratoris cap a Europa; PAREMEU (2019), un treball documental sobre el seu pare, la masculinitat, l’homosexualitat i la guerra civil libanesa; i TECNÒCRATA (2021), centrat en la representació de les identitats àrabs queer a les xarxes socials. El 2022 va crear, juntament amb Mad Monkey, el duo electroàrab BLAST.

L’Esbord / Pere Seda — AUTOODI

10–13 de setembre de 2026

El segon espectacle del mes serà AUTOODI, de L’Esbord / Pere Seda, una peça que parteix de la trobada entre la dansa i la música d’arrel tradicional per abordar les contradiccions de viure professionalment de la cultura popular.

Pere i Sònia, formats en música i dansa i vinculats a la tradició popular, comparteixen sobre l’escenari una realitat marcada per la precarietat i les contradiccions de convertir una cultura d’arrel en una pràctica professional. La peça transforma aquest conflicte en un diàleg que celebra les arrels alhora que qüestiona les maneres com són instrumentalitzades o menystingudes.

L’Esbord és una plataforma nascuda el 2022 que pren la dansa d’arrel tradicional com a via d’expressió contemporània. Després de L’HEREU RIERA (2022), la companyia va presentar AUTOODI dins del Grec de Barcelona el 2023. Posteriorment va rebre el Premi Delfí Colomé i va estrenar FOLK AS QUEER (2024), en coproducció amb el Mercat de les Flors, la Fira Mediterrània i diversos festivals de dansa i cultura d’arrel.

Pepe Seguí — Labor

17–20 de setembre de 2026 Dins la programació continuada “Objectes Perduts” de la plataforma IF Barcelona

El programa de setembre continuarà amb Labor, de Pepe Seguí, una proposta de teatre d’objectes que pren com a punt de partida les idees del pensador i dissenyador William Morris sobre el treball, la creativitat i les formes de vida col·lectiva.

A través de la manipulació d’objectes, petits autòmats i audiovisuals d’època, Labor convida a reflexionar sobre les estructures laborals i de consum contemporànies i sobre la manera com aquestes han anat vinculades a formes d’explotació i esclavatge. La peça qüestiona un model en què el benefici econòmic se situa per davant de la llibertat individual, la creativitat i el sentiment de comunitat.

Pepe Seguí va formar part durant més de deu anys de CaboSanRoque, amb qui va crear, estrenar i representar prop d’una desena de produccions. Després d’un període allunyat del focus teatral, però no de la creació, inicia el 2022 una nova etapa que culmina amb Labor, una peça que recupera l’essència artesanal i l’experimentació amb els objectes.

LALTRE col·lectiu — La Sisena [o la democratització del Messies en un miracle i tres actes]

24–27 de setembre de 2026

El mes es tancarà amb La Sisena [o la democratització del Messies en un miracle i tres actes], de LALTRE col·lectiu, un assaig escènic sobre el culte a la imatge, l’aura i els mecanismes de construcció de les icones.

A partir d’un gest aparentment senzill —netejar una cara amb un drap—, la peça revisita la sisena estació del Via Crucis per qüestionar la construcció de les relíquies, la cotització de l’art i la creació de figures capaces de mobilitzar masses.

LALTRE col·lectiu, encapçalat per Antonio Cortijo i Gerard Sancho, treballa principalment des de la plasticitat i l’escena postdramàtica. Entre les seves creacions destaquen La Sisena, Black i És aquesta pluja, així com diferents projectes d’instal·lació i performance. El col·lectiu ha desenvolupat residències a espais com el Muxart-Espai de Creació i Can Serrat, i actualment forma part del programa de companyies residents del CC Can Felipa.

Amb aquesta programació, l’Antic Teatre obre la temporada de setembre amb una selecció de propostes que comparteixen una mirada crítica sobre el present i una aposta per la diversitat de llenguatges, formats i formes de creació. Performance, dansa, música, teatre d’objectes i arts vives conviuen en un programa que reivindica la creació contemporània com un espai de reflexió, qüestionament i transformació.

L’Antic Teatre presenta su programación de septiembre: performance, danza, artes vivas y pensamiento crítico

El Antic Teatre inicia la nueva temporada con una programación que reúne propuestas de artes escénicas contemporáneas que abordan, desde lenguajes híbridos, cuestiones como la identidad, la racialización, la tradición, el trabajo, el poder y la construcción de las imágenes.

Durante septiembre, el espacio acogerá cuatro propuestas que transitan entre la performance, la danza, el teatro documental, los objetos y las artes visuales.

QUEER FALAFEL — YOU DON’T LOOK ARAB

3 de septiembre de 2026

La artista multidisciplinar libanesa Queer Falafel presenta YOU DON’T LOOK ARAB, una manifestación individual construida a partir de visuales, música en directo, cuerpo y texto. La pieza parte de una perspectiva decolonial y no binaria para abordar la blanquitud, los privilegios, el racismo y las estructuras heredadas del colonialismo.

A través de un lenguaje directo y provocador, Queer Falafel plantea una reflexión sobre las jerarquías raciales y los binarismos impuestos por los sistemas coloniales y capitalistas, situando al público ante una experiencia deliberadamente incómoda.

Queer Falafel combina performance, música, audiovisuales y escritura. Su trayectoria incluye trabajos como Los Papeles (2018), sobre una relación queer en Beirut y los procesos migratorios hacia Europa; PAREMEU (2019), centrado en la relación con su padre, la masculinidad, la homosexualidad y la guerra civil libanesa; y TECNÒCRATA (2021), sobre la representación de las identidades árabes queer en las redes sociales y el autoorientalismo. En 2022 creó, junto a Mad Monkey, BLAST, un dúo electroárabe de carácter queer y decolonial.

L’ESBORD / PERE SEDA — AUTOODI

10-13 de septiembre de 2026

AUTOODI parte del encuentro entre Pere y Sònia, dos artistas formados en música y danza y vinculados a la tradición popular. Desde su experiencia profesional, la pieza pone sobre la mesa las contradicciones y la precariedad asociadas a vivir de la cultura tradicional.

La propuesta transforma este conflicto en un diálogo escénico que reivindica las raíces al mismo tiempo que cuestiona las formas en que son utilizadas, instrumentalizadas o despreciadas. La pieza abre así preguntas sobre identidad, pertenencia y tradición en un contexto cultural globalizado.

L’Esbord nació en 2022 como una plataforma que toma la danza de raíz tradicional como vía de expresión contemporánea. Su primer espectáculo, L’HEREU RIERA (2022), fue coproducido con l’Obrador d’Arrel de la Fira Mediterrània de Manresa. En 2023 presentó AUTOODI dentro del Festival Grec de Barcelona y posteriormente recibió el Premi Delfí Colomé. En 2024 estrenó FOLK AS QUEER, coproducida con el Mercat de les Flors, la Fira Mediterrània y otros festivales.

Pepe Seguí — Labor

17–20 de septiembre de 2026 Dentro de la programación continuada “Objectes Perduts” de la plataforma IF Barcelona

L' Antic Teatre presenta Labor, de Pepe Seguí, una propuesta que utiliza objetos, pequeños autómatas y audiovisuales de época para reflexionar sobre las estructuras laborales y de consumo contemporáneas.

Partiendo de las ideas desarrolladas por William Morris en sus conferencias, la pieza plantea una mirada crítica sobre la relación entre trabajo, creatividad, comunidad y sistemas económicos, cuestionando cómo determinadas estructuras laborales y de consumo pueden limitar la libertad individual y colectiva.

Pepe Seguí formó parte durante más de diez años de CaboSanRoque, con quienes creó y estrenó cerca de diez producciones. Después de más de una década alejado del foco teatral, aunque no de la creación, inició en 2022 una nueva etapa artística que desemboca en Labor, una propuesta vinculada a sus primeros trabajos y a una aproximación escénica basada en objetos y mecanismos.

LALTRE COL·LECTIU — La Sisena [o la democratització del Messies en un miracle i tres actes]

24-27 de septiembre de 2026

La Sisena es un ensayo escénico sobre el culto a la imagen, el aura y la construcción de las iconografías. A partir de la sexta estación del Via Crucis —el gesto de Verónica al limpiar el rostro de Cristo—, LALTRE col·lectiu analiza la relación entre reliquias, arte, imagen y poder.

La propuesta cuestiona cómo se construyen las figuras icónicas y por qué determinadas imágenes adquieren la capacidad de movilizar, generar devoción o alcanzar un valor económico. La pieza incorpora referencias al pensamiento de Walter Benjamin y al caso de Cecilia Giménez, combinando investigación, elementos visuales y sonoros.

LALTRE col·lectiu, encabezado por Antonio Cortijo y Gerard Sancho, desarrolla una práctica centrada en la plasticidad y la escena posdramática. Entre sus trabajos se encuentran La Sisena, Black y És aquesta pluja, además de proyectos de instalación y performance como Fiesta paraíso, presentada en la Biennal de València. Actualmente, el colectivo forma parte del programa de compañías residentes del Centre Cívic Can Felipa.

Con esta programación, el Antic Teatre continúa apostando por las artes vivas contemporáneas y por artistas y colectivos que trabajan desde la investigación, la experimentación y la construcción de nuevos lenguajes escénicos, consolidando su papel como espacio de creación y exhibición independiente en Barcelona.

La rebelión de los significantes. A propósito de Una idea inacabada de Taller Placer

Álvaro Octavio Moliner — Thu, 06 Aug 2026 07:45:35 GMT

Taller Placer presenta en Espai Inestable y en el contexto de Dansa València, la que quizás sea la pieza más atrevida de un festival que este año tiene el lema ‘momento de ternura’. Entre programadores, periodistas, creadores y por supuesto, público de a pie, la sala presentaba un aforo reducido de 40 personas para ver ‘Una idea inacabada’.

Esta ‘idea’ sin forma definida hasta que llega al espectador, tiene relación con el concepto de punctum que esboza Roland Barthes en la ‘Cámara lúcida’. En el teatro postdramático, el cuerpo (y en este caso también, el objeto) destaca por su presencia y no por su cualidad de significar algo. Esta pieza de Miralles y Arlandis tiene mucho de ese ‘punzante’ que hiere o conmueve, que lleva a pensamientos difíciles de definir y que mueren si se les intenta conceptualizar o encontrar un significado. Como dice la compañía: “Toda percepción es selectiva. Sentimos según nuestra disposición, nuestra historia, nuestros acompañantes, nuestras prácticas cotidianas, nuestra educación y, sobre todo, según lo que decidimos hacer con aquello que nos afecta.”

Hablemos entonces de lo que sí hay. En el centro del escenario totalmente aforado, hay una ventana en la que se ve el rincón formado por dos paredes de azulejo blanco, como las de un cuarto de baño. Esa blancura de las baldosas tiene algo de quirúrgico y de laboratorio. En realidad se trata de una maqueta a escala 1:10 del Cine Rialto inaugurado en 1935 en la plaza del Ayuntamiento, edificio que ahora es el teatro (y filmoteca) con el mismo nombre. No hay ningún rastro de la arquitectura art-decó ni nada que se le asemeje, lo que vemos es simplemente un rectángulo de luz en formato 16:9 que podría ser perfectamente la pantalla de ese cine, o de cualquier otro. La idea de un teatro dentro de un teatro ya aparece mientras las espectadoras nos vamos acomodando. Algo de cinematográfico, algo de teatro de marionetas, mucho de asociación libre.

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Residencias artísticas C3A

Convocatorias / Ayudas — Fri, 31 Jul 2026 14:50:19 GMT

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, ha abierto la convocatoria para residencias artísticas para el ejercicio 2026-27. Este programa de ayudas está dirigido a artistas andaluces, nacionales y extranjeros que tendrán la oportunidad de desarrollar sus propuestas creativas en el C3A durante un periodo de tres meses. Los seleccionados contarán con un espacio de trabajo, herramientas y una ayuda económica de hasta 7.000 euros para gastos de producción y residencia. Los artistas interesados en esta cuarta convocatoria deben contar con una trayectoria profesional demostrable en el ámbito de la creación contemporánea, así como una propuesta de proyecto concreta y viable. Además, se valorará la capacidad para trabajar en equipo y su disposición para colaborar con otros artistas y profesionales del sector. El proceso de selección de los creadores se llevará a cabo por un comité de expertos en arte contemporáneo, que evaluará la calidad y el interés de los proyectos presentados, así como la trayectoria y el currículum de los artistas. En las solicitudes tiene que incluirse la información personal del solicitante, así como su currículum vitae, una breve descripción del proyecto que se quiere desarrollar durante la residencia y una memoria descriptiva del proyecto, que detalle el objetivo, la metodología, los recursos necesarios y el calendario de trabajo previsto. También debe adjuntar una muestra del trabajo previo del artista. Plazo para presentar las solicitudes: desde el 14 de julio de 2026 hasta el 13 de agosto de 2026, a las 23:59 h. DOCUMENTACIÓN – Resolución de la Dirección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, por la que se nombran a los miembros de la comisión de valoración que evaluará las solicitudes presentadas en el procedimiento de concesión de subvenciones, en régimen de concurrencia competitiva, para residencias artísticas en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, en Córdoba, para el ejercicio 2026. https://www.caac.es/wp-content/uploads/2026/07/ResolMiembrosComisionRes2026_2027.pdf – Resolución de 2 de junio de 2026, de la Dirección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, por la que se convoca el procedimiento para la concesión de subvenciones, en régimen de concurrencia competitiva, para residencias artísticas en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, en Córdoba, para el ejercicio 2026. https://www.caac.es/wp-content/uploads/2026/07/ConvocatoriaResidencias2026_27.pdf – Extracto de la Resolución de 2 de junio de 2026, de la Dirección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, por la que se convoca el procedimiento para la concesión de subvenciones, en régimen de concurrencia competitiva, para residencias artísticas en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía en Córdoba, para el ejercicio 2026. https://www.caac.es/wp-content/uploads/2026/07/ExtractoConvocatoriaResidencias2026_27.pdf – Bases reguladoras. https://juntadeandalucia.es/eboja/2021/135/BOJA21-135-00020-11907-01_00195736.pdf

Drift: Open call for mid-career choreographers

Convocatorias / Ayudas — Fri, 31 Jul 2026 11:52:37 GMT

DRIFT invites mid-career choreographers to apply for an international programme that offers time, space, and support for artistic research, experimentation, and professional development.Each of the 10 DRIFT partners will select one artist based in their respective country, resulting in a cohort of 10 selected artists.This call is dedicated to artistic research and development. Applicants are not expected to present a finished project — rather, DRIFT is looking for artists who wish to invest in a genuine research process: questioning, experimenting, and building the foundations of a future creation within a supportive international framework.

What DRIFT Offers

Each selected artist will benefit from the following support:

●Research funding — a dedicated budget of 20,000 euros for the research phase, including an Onboarding Lab, two weeks of residency with the local DRIFT partner and participation in the showcase at the Biennale de Lyon. This envelope includes artistic fees, travel and accommodation costs, and, where applicable, any optional collaborators involved by the applicant in the project.
●3 Online Labs — a series of collaborative online working sessions with the full artist cohort
●Showcase participation — presentation of work in progress at the Biennale de la danse (Lyon, France), September 2027
●Artistic and curatorial mentoring — individual support from DRIFT partner organisations
●Professional networking & international visibility — engagement with DRIFT's European and international partner ecosystem

N.B.: In a second phase (subject to a further selection process), 5 of the 10 selected artists will be invited to develop their work through co-production support, with access to touring opportunities across the DRIFT network in Europe and beyond. This open call concerns the research and development phase only. Eligibility Criteria

Who can apply?

The call is open to:

●Professional choreographers with a demonstrated track record in contemporary dance or performance
●Mid-career artists — beyond the emerging stage at the national level, but not yet fully established at an international level
●Artists whose practice would benefit from strengthening the research phase of their work
●Artists wishing to develop their presence and connections at a European level
●Artists with a solid interest in experimentation, transnational collaboration, and artistic research
●Artists with a good command of English (working language of the project)

Residency country requirement

Each DRIFT partner selects one artist based in their country. Applicants must be based in one of the following countries at the time of application:Belgium · France · Germany · Greece · Norway · Italy · Spain · Ukraine · Tunisia · PortugalApplicants are required to submit their application through the partner organisation representing their country of residence.For administrative reasons, in Belgium and Germany the call is specifically open to applicants residing in the French-speaking Community of Belgium (FWB) and the Berlin region, respectively.

Availability requirements

Selected artists must be available for the following key dates:

●30 November – 1 December 2026 — Introductory meeting and pitching session with DRIFT partners and artists in Berlin (Germany)
●1 November 2026 – 17 September 2027 — One Onboarding Lab + two local residencies (2 weeks in total) + three online Lab sessions
●18–21 March 2027 — Participation in the Festival Lab in Tunis (Tunisia)
●18–25 September 2027 — Showcase at the Biennale de la danse, Lyon (France)

Selection Process

Each DRIFT partner is responsible for selecting the artist based in its country. Selection will be based on the following criteria:

●Artistic quality — the strength, coherence, and singularity of the artist's practice
●Relevance of the research proposal — clarity and pertinence of the proposed research direction
●Professional experience — demonstrated career development and engagement with the field
●Motivation — depth of engagement with DRIFT's values and framework
●Potential for international development — capacity to benefit from and contribute to a transnational context
●Availability — confirmed ability to participate in all key project moments

Application Materials

Applications must be submitted via the online form below. The following documents must be attached:

Artistic CV (PDF)
Short description of artistic practice & research proposal (max. 2 pages, PDF). Please indicate whether or not the research project involves a working team (one or more collaborators alongside the applicant artist)
Portfolio & video links to 2–3 representative previous works (to be included directly in the form)

As part of the application evaluation process, we will pay particular attention to diversity, equity, and inclusion considerations, ensuring that applications are reviewed in accordance with the principles of equal opportunity and non-discrimination. Timeline

Call opens1 July 2026

Application deadline31 August 2026

Selection process1 – 30 September 2026

Results announced9 October 2026

Kick off meeting in Berlin30 November – 1 December 2026

Festival Lab in Tunis18 – 21 March 2027

Showcase Lyon18 – 25 September 2027

Online Application Form Click "Candidate" to access the online form. All fields marked with * are mandatory. Candidate → For any questions, use the contact form. Más información.

Festival TNT 2026

Murotron — Fri, 31 Jul 2026 11:17:27 GMT

Más información y programa completo.

CCC#117 Marusya Byzova, Jakob von Kietzell y Renan Capivara

La Caldera — Wed, 29 Jul 2026 09:35:48 GMT

Muestra del trabajo en proceso By Chance of Circumstances Jueves 30 de julio, a las 19h By Chance of Circumstances es un proyecto en curso dedicado a ocupar el espacio y el tiempo teatrales como materia en bruto, plástica y cambiante. Un trío de creadores y performers —Jakob von Kietzell (DE), Marusya Byzova (PT/RU/CA) y Renan Capivara (BR/PT)— inició esta investigación experimental en 2024 en el marco de la 7ª edición del Performing Arts Advanced Programme (PACAP) en Fórum Dança, en Lisboa, Portugal. Desde entonces, han explorado la especulación y la narración como herramientas para crear imaginarios compartidos entre los performers y el público en una actuación en vivo. En lugar de centrarse en un tema específico (qué), investigan herramientas metodológicas (cómo) planteando la pregunta: ¿cómo se convierte la ficción en un verbo de acción? Marusya Byzova (she/her) es performer y artista multidisciplinar de Saint Petersburg, Rusia, con formación en danza contemporánea y de salón, vogue, arte de la performance, teatro, arquitectura y artes visuales. Su trabajo explora estados de transición, el simbolismo y la narración en capas. Ha co-creado e interpretado proyectos liderados por artistas en Saint Petersburg, ha formado parte de una comunidad dedicada al desarrollo de la escena ballroom en Yerevan, Armenia, y ha colaborado con artistas locales en Lisboa, Portugal, tras completar el PACAP7 de Forum Dança, además de sus proyectos en solitario. Marusya es graduada en Architectural Environment Design por la Saint Petersburg State University of Architecture and Civil Engineering (2016–2021). Jakob von Kietzell (he/him) es una persona creativa queer y multidisciplinar situada en la intersección entre la danza, la performance, las artes visuales y el diseño, con base en Berlín y en distintos lugares de Europa. Le apasionan las colaboraciones transversales, la exploración de las relaciones humanas, la narración y el trabajo site-specific. Jakob es graduado en Diseño por la UAS Potsdam (2016–2021), con un año de estancia en la Faculty of Multidisciplinary Arts de Shenkar, en Tel Aviv. Posteriormente completó diversos proyectos de formación en danza contemporánea y creación, entre ellos ‘PERA Short’ en Chipre en el GAU, ‘Anfibia’ en Bolonia en Leggere Strutture y ‘PACAP7’ en Lisboa en Forum Dança. Paralelamente a su trabajo artístico, trabaja en remoto como diseñador UX/UI. Renan Capivara (he/him) es performer y creador que trabaja en la intersección entre la danza, la coreografía y las artes escénicas. Ha desarrollado su formación artística y educativa en Brasil y Portugal, incluyendo una licenciatura en Educación en Danza (UFC, Brasil) y la participación en la 7ª edición del PACAP (Fórum Dança, Portugal). Ha actuado, creado y coreografiado en proyectos independientes, y también ha trabajado como instructor de yoga y docente de artes y movimiento en contextos escolares formales. Actualmente vive entre Lisboa (PT) y Nuremberg (DE), donde cursa un máster en el Live Art Forms Programme de la Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. + info en la web entrada gratuita con reserva

Resolución Convocatoria del programa de residencias de La Caldera 2027 + Beca Extraordinaria Barcelona Crea – Fàbriques de Creació 2026

La Caldera — Wed, 29 Jul 2026 09:29:21 GMT

Ya tenemos la resolución de la Convocatoria del programa de residencias de La Caldera para el período de enero a diciembre de 2027 y de la Beca Extraordinaria Barcelona Crea – Fàbriques de Creació 2026 dirigida a artistas racializadas. Este año se acogerán un total de 10 residencias de creación y 2 residencias técnicas en 2027, además de 1 Beca Extraordinaria Barcelona Crea – Fàbriques de Creació correspondiente a 2026.

La comisión formada por Marion Betriu, Toni Mira, Inés Sybille, Reinaldo Ribeiro, Pedro Barreiro y Javier Cuevas ha seleccionado las siguientes propuestas para el Programa de Residencias La Caldera 2027:

Residencias de investigación y creación:

Itxaso Corral Arrieta Se me prende el cor, em corprèn

Albert Quesada UNICORNSAURUS — La màgia de les criaturas

Daniel Matos WE WORK FOR HONEY

Bibi Dória carnaval na lama

laila tafur santamaría HACER HÁBITO

COWBOYS CORNER Emily da Silva, Isabela Rossi, María Ibarretxe COWBOYS CORNER

Poliana Lima Baile de Máscaras (provisional)

projecte normal - lucía jaén Prácticas Contrasexuales

Mara Solange Sanchez Ortiz Yo, Chacarera

Elisabete Finger Pregnant Archives

Residencias técnicas:

Norma Pérez Las otras

Lara Brown Tórtola Valencia, pienso en ti con mis manos

BECA EXTRAORDINARIA BARCELONA CREA FÀBRIQUES DE CREACIÓ 2026

Camilo Mejia Cortes POTENCIA

Desde La Caldera agradecemos sinceramente el trabajo de todas las artistas presentadas, y abrimos un período de devolución y feedback telefónico para todas aquellas artistas que lo deseen.

Este feedback podrá solicitarse del 7 al 11 de septiembre. A partir del 14 de septiembre, agendaremos estas llamadas durante el otoño en horario de mañana.

Para solicitarlo, escríbenos a: residencies@lacaldera.info

Today I painted nothing. Marc Salas Armengol

L'Estruch — Tue, 28 Jul 2026 17:56:28 GMT

cегодня я ничего не рисовал (today I painted nothing) 2/09/26 al 7/11/26 De dijous a dissabte de 17 a 20 h Inauguració dimecres 2/09 18 h Today I painted nothing es planteja com una exposició al voltant de les idees de contingència i possibilitat, de la tensió entre la contenció i el desplegament, entre allò que es deixa veure i el que queda amagat, que s'intueix, o no, i entre materialitat i immaterialitat. El títol sorgeix a partir d'una anotació del poeta rus Daniil Kharms en un del seus diaris: ‘Today I wrote nothing. Doesn't matter’. Treballant a partir de la relació amb la sala d’exposicions i l’experiència a l’espai, l’exposició es construeix com un procés obert que explora la relació amb els materials que m’envolten i les seves possibilitats. La intenció és mantenir les peces en un estat de provisionalitat proper al que es dona a l’estudi, entenent l’espai expositiu com una oportunitat per a generar obertures més que un lloc on el procés conclou. Marc Salas Armengol (Sabadell, 2002) graduat en Belles Arts per la Universitat de Barcelona (2025). La seva investigació parteix de la pintura però troba sentit en el seu desplegament a l’espai, abordant el medi a partir de les característiques materials i les seves relacions espacials. La recerca se centra en la contingència de l’acció, en allò que pot passar, o no, explorant la potencialitat dels materials i els límits entre materialitat i immaterialitat. Entén la pràctica com un procés en constant transformació, com una cosa viva que té lloc en la trobada entre objecte i subjecte i en l’experiència a l’espai. Ha estat el projecte guanyador dins la convocatòria Estruch Obert 2026. _ Sala d'Exposicions de L'Estruch. Agricultura, 88 Sabadell

Feminismes fílmics

50 en libertad — Mon, 27 Jul 2026 18:15:36 GMT

La filmoteca de Catalunya alberga hasta el 29 de noviembre la muestra “Feminismes Fílmics”, una exposición con motivo del 50 aniversario de las Primeres Jornades Catalanes de la Dona que tuvieron lugar en el Paraninfo de la Universidad de Barcelona en 1976. La exposición contiene mucho material fílmico que precisa su tiempo de visionado, así que vuelvo varios días. Cada día, al entrar, se repite la sensación de que la claridad cegadora del exterior persiste aún en la retina y me cuesta un rato adaptarme a la penumbra de la sala de exposiciones, así que la primera “película “ veo es la que se proyecta dentro de mis ojos: esos estallidos de colores naranjas, amarillos o verdes que aparecen con el cambio de luz y cambian de forma mientras me froto los párpados. Este era uno de mis cines favoritos en la infancia, me podía pasar un rato frotándose los ojos para ver esas formas. El primer día un grupo de escolares ocupa la sala. Una mediadora les contextualiza en lo que supusieron las jornadas. Susurros entre ellas y ellos, algunas risas. La excitación de estar fuera del aula. Al salir, la auxiliar de sala nos hace amablemente unas preguntas por si nos apetece contestarlas. “És clar, sí”. ¿Qué es lo más interesante de esta muestra? ¿Qué hubiéramos cambiado? Pienso que he de escribir una crónica sobre esta expo y que ni siquiera sé muy bien qué contestar a unas preguntas aparentemente tan sencillas. Creo que balbuceo algo sobre la memoria y el archivo. Me siento antigua hablando aún de memoria y archivo. Los días siguientes la auxiliar y yo nos alegramos de vernos y nos saludamos con familiaridad, como dos vecinas. El domingo no trabaja y el lunes está cerrado. “Bon cap de setmana.” “Sí, també per tú”. La exposición es un recorrido audiovisual por los temas que se plantearon en las jornadas del 76: Trabajo, Barrios, Familia, Educación, Medios de comunicación, Política, Legislación, Ruralidad y Sexualidad y leo que “revisa la influencia que los feminismos han ejercido en el campo del cine y la creación videográfica en el contexto catalán”. Consulto cuáles fueron los temas de este año de las Jornades Catalanes de la Dona y veo que se organizaron igualmente en varias categorías o “bloques temàticos”, dentro de los cuales se desarrollaban varias ponencias y otros eventos: artes escénicas, mesas redondas. Los nombres de los bloques temáticos en las jornadas del 2026 eran: Si nosaltres parem el món s’atura: sosteniment de la vida, cures, habitatge i treballs. La nit és nostra, cap agresió sense resposta: violències masclistes i lluita contra la repressió. Aules feministes per uns futurs lliures: educació i pedagogies feministes. Ni les primeres, ni les úniques, ni les últimes: memòries i genealogies feministes i alliberament nacional. Nosaltres no tenim por, nosaltres som: dissidències sexuals i de gènere contra la violecia insttucional, drets de les dones. Els nostres cossos, les nostres decisions: sobirania dels cossos i salut. Ni guerres que ens destrueixin ni pau que ens oprimeixi: antimilitarisme. Algunos de los títulos de las conferencias incluidas en los bloques temáticos citados iban desde una invitación a “Queerizar los estudios del ámbito catalán”, a reflexiones como: “Feminismos en acción para afrontar la ofensiva antigénero: cuerpo, territorio y vida en disputa”, “La transfóbia no es feminista”, “Soberanismo de la muerte” o “Trabajadoras sanitarias y feminismos”. El uso del “nosotras”, la especificidad y la complejización de los temas con respecto a las Jornadas del 76 parece evidentes, pero si estos enunciados actuales nos resultan más complejos es por su porosidad y por los cruces que albergan, como si esa sofisticación en los temas —que precisamente, no son entendidos como unidades temáticas sino como “bloques”— tuviera que ver por un lado, con la ruptura de la ficción de las categorías como algo estable y por otro, con una cualidad más fluida del discurso en sí, en relación a otras metodologías y a otros modos de expresión. La forma en que la exposición está pensada —un archivo fílmico que ha sido construido a partir de la reedición y montaje de fragmentos de diferentes narraciones cinematogràficas— tiene que ver con esa cualidad fluida, con una ampliación del dispositivo crítico y con la relación con otros ámbitos del conocimiento. Al ver los films de la exposición pienso que los feminismos para resistir en tiempos de guerra contra las mujeres necesitan ser un pensamiento en movimiento y asumir su multiplicidad (feminismos decoloniales, feminismos trans y LGTBIQ+, feminismos periféricos…) su mutabilidad, sus disidencias y sus diferencias. La comisaria de la exposición Helena Lumbreras, del colectivo Cine de clase dice en el texto del dossier: “A pesar de todas las revisiones y transformaciones que se han producido a lo largo del tiempo en la manera de enunciar y concebir los sujetos políticos de los feminismos, y todo y las múltiples contribuciones que han enriquecido y ampliado sus debates, los nueve temas que articularon los diálogos de las Primeras Jornadas Catalanas de la Mujer resultan todavía sumamente relevantes y pertinentes a la hora de pensar las condiciones materiales y simbólicas de la vida de las mujeres, de imaginar y plantear nuevas maneras de construir sociedades más equitativas en cuanto a las diversidades y a las disidencias identitarias, y de articular formas de resistencia y acción colectiva en el presente”. En el planteamiento de esta exposición la diversidad de voces está presente a nivel temático, pero también a nivel formal, por la heterogeneidad de los materiales. No me parece que haya, en este sentido, una curadoría que presente una mirada sobre el hecho cinematográfico desde una perspectiva o un criterio puramente estilístico. El criterio de lo temático es el eje y andamiaje conceptual de la exposición e incluso dentro de las temáticas se producen otras combinatorias en parte sugeridas por el interesante montaje de Pilar Monsell. En la selección de materiales ya están presentes muchos tipos de formatos, pero también muchas formas de construir, de hacer relato, desde las más comerciales a otras más experimentales, documentales o ensayísticas donde se cruza lo artístico con narrativas más convencionales. La exposición tiene dos espacios independientes. La primera sala de contextualización de las jornadas que funciona a modo de introducción o prefacio. En esta sala alargada que es también un lugar de tránsito, recorremos documentos diversos: escritos, libros, panfletos, fotografías, carteles, información sobre iniciativas cinematográficas desde el feminismo y proyecciones. Los temas que después se desplegarán en la segunda sala, aparecen aquí ya bosquejados, sobre todo en el material fílmico documental que se ve en tres pantallas: imágenes mudas de esos días en el Paraninfo, un reportaje de la TVE que incluye algunas entrevistas a pie de calle que me recuerdan vagamente a “Comizzi d’amore” de Pasolini y “Feminisme. Els moviments feministes” de Georgina Cisquella, realizado en 1977, que habla de la situación de la mujer en aquel momento y de la necesidad de revisar las leyes que le atañen. Mientras miro los rostros en blanco y negro de las mujeres entrevistadas en los pasillos de la universidad o en las calles, en el afuera. Los fragmentos de manifestaciones o los puestos en los mercados, me llama la atención una cualidad que encuentro en casi todos los materiales que observo en esta sala. Son llamados a la acción: folletos, carteles, manifiestos… Son documentos mucho más vivos de lo que suelen ser los documentos historiográficos. Son urgentes, su función es conativa. Llaman. Interpelan. Buscan. ¿A quién buscan con tanta insistencia? A las mujeres. A las otras. “La asistencia rebasó el aforo del paraninfo, con unas 500 asistentes por sesión, cuatro mil en total a lo largo de los cuatro días. Todos los grupos de mujeres activos en aquel momento participaron, desde las militantes de partidos políticos en la clandestinidad [...] hasta las feministas radicales del Seminario Colectivo Feminista, y feministas independientes que habían empezado a formar grupos de autoconciencia, junto a grupos de los barrios, sindicalistas estudiantes, enseñantes, abogadas, médicas y enfermeras, artistas, escritoras, periodistas, y también muchas que acudieron atraídas por la convocatoria, desde jóvenes obreras hasta amas de casa”. El prólogo a esta exposición y las piezas que la componen estás escritas por todas esas mujeres. Unas mujeres que durante los cuatro días del 27 al 30 de mayo de 1976 construyeron un entorno para pensar y luchar contra esa terrible insistencia en la desaparición del relato de la mujer en la historia y aquellas que desde esa fecha hasta el momento actual han construido ese relato. Eso es lo que más me emociona al mirar las imágenes de estas jornadas y sobre todo, al pasar a la segunda sala. Lo que se despliega allí en cada uno de los fragmentos de las películas que se proyectan en la exposición es, precisamente, la labor de muchas mujeres —desde la lucha, desde los aparatos discursivos y teóricos y por supuesto, desde la práctica cinematográfica y artística— de recuperar y producir esas narraciones. La necesidad de generar un relato propio, que acaso sea tan importante como la necesidad de una habitación propia. La segunda sala contiene nueve pequeñas salitas que parten del centro en disposición radial. Un panóptico liberado de su función de vigilancia. Cada una de estas habitaciones lleva el título de uno de los temas de las Jornadas del 76: familia, barrio, trabajo… y desde el centro de la sala, se pueden ver todas las pantallas proyectando a un tiempo materiales diversos. Me quedo un rato ahí, inventando posibles reediciones del material ya montado. En cada espacio, delante de la proyección hay dos banquetas y dos auriculares. Me acuerdo entonces de la pregunta de la auxiliar de sala y pienso en decirle que como aspecto a mejorar, una silla un poco más mullida y con respaldo no estaría nada mal como homenaje a las que nacimos en el 76. La disposición me recuerda vagamente a las cabinas de un peepshow al revés, ya que cada una de las pequeñas habitaciones-tema, dan la espalda al centro pero comparten con el peepshow cierta sensación de intimidad, de aislamiento. Recorro cada una de estas cabinas y hago ahora el ejercicio de recuperar algunas imágenes en mi propia edición de lo visto. As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty. Estas notas son esos destellos. Trabajo Desde la La Sortie de l'usine Lumière à Lyon, de los hermanos Lumière, el cine se ha relacionado con el trabajo de una manera intensa. En Oralia, cortometraje documental de Rocio Quillahuaman, la protagonista es la madre de la artista, trabajadora del hogar. Su hija, que la graba durante todo el tiempo en que ella no deja de hacer cosas: limpia ventanas, friega platos, barre, ordena… le dice en un momento: —Si hubiera estudiado medicina no estaría aquí contigo, grabándote. En Lo que tú dices que soy (Virgina García del Pino, 2007, 28’) diversos trabajadores mirando a cámara centrados, en sus lugares de trabajo, responden a unas preguntas formuladas desde el lado de la cámara. Invisibles. Encarna Martínez, de profesión “parada intermitente” sitauada delante de una oficina de desempleo, dice en un momento del film: “Yo pienso que estar parado tiene incluso más ventajas que no estar parada, porque… tienes tiempo… que eso hoy en día es bastante importante ¿no? aunque sea para… para pensar mal de todo, pero por lo menos, tienes tiempo para poder ver pasar la vida”. Barrios Pasa la vida en la película En la ciudad (Fina Miralles, 1976, [2’]), varios coches atraviesan el plano, calles, gente caminando, una mujer gitana interpela a la cámara que parece que anda “Agarrando pueblo’. La pornomiseria como género cinematográfico formulado por Ospina, Mayolo y el grupo de Cali. Relatos de las otras de las otras. Barrio. Comunidad. Identidad y pertenencia. Una joven traiciona sus orígenes de clase de los que se avergüenza. Chavalas (Carol Rodríguez, 2021, 88’). Y en Una llar de foc. Vivim el barri (Iker Acosta, Marta Carreras, Helena Flò, Noa López, Nefeli Tsitsikli, Sara Vara, 2024, 6’) los planos delicados del temblor de las flores del Ágora del Raval, solar recuperado por los vecinos en el 2014, tras el asesinato de Juan Andrés Benítez a manos de la policía. Educación Me asomo a esta habitación justo cuando en la proyección, un cuerpo cae de un balcón. Reconozco el escenario donde tiene lugar la escena: es la plaza de la Paja, en Madrid, desde hace ya algunos años epicentro de la expansión gentrificadora de La Latina. Pero en el año 83 cuando se hizo la película Escuela de San Ildefonso (Helena Lumbreras, Colectivo Cine de Clase, 1983, 34’) yo iba al cole en esa misma plaza, era una plaza de tierra en cuesta sin cafeterías ni terrazas y veía en la TV a los niños del San Ildefonso cantar los números de la lotería. El director de colegio donde yo iba (una edificio antiguo que funcionaba como escuela) se llamaba Alfonso. Yo pensaba que aquellos niños que salían en la TV eran de la escuela de “salir de Alfonso” (San Ildefonso) y les envidiaba. Una niña respira siguiendo un ritmo pautado por una instructora. The breathing lesson (Dora García, 2001, 6’). Una asamblea de jóvenes en un instituto discuten un proyecto: pasar un día sin profesores en el centro. Salir del aula - Un dia sense profes (Luz Broto, 2017, 47’). Medios de comunicación Una ruleta va asociando imágenes publicitarias de hombres y de mujeres en Boy meets girl (Eugència Balcells, 1978, 9’). Los sonidos electrónicos de la cinta anuncian un match analógico y clarividente, precursor de las aplicaciones de citas actuales. Otra lotería diferente a la de los niños del San Ildefonso. Kioskos de prensa, lectores del periódico en medio de la calle en El cuarto poder (Helena Lumbreras, Llorenç Soler, 1970, 43’) Un recorrido exhaustivo por el papel de la prensa en la España franquista. Política “España es un charco profundo”. “Todas íbamos a ser reinas”. “Como si la imaginación pudiera aliarse con la desobediencia política”. Algunos ecos de frases escuchadas durante el visionado, apuntadas con boli medio a oscuras. ¿A quién pertenecen? “Con mucha frecuencia, contra la violencia no existe otro medio de defensa que la violencia, pero incluso entonces, no es violento el que se defiende, sino el que obliga a otros a tenerse que defender: no es violento el que recurre al arma homicida contra el usurpador armado que atenta a su vida, a su libertad, a su pan. El asesino es el que pone a otros en la terrible necesidad de matar ó morir”. Malatesta Esta es la cita que abre Guerrilleros, 13 Testimonios de la resistencia armada al franquismo (Mercè Conesa i Bartomeu Vilà, 1977, 81’). El increíble testimonio de Enriqueta Otero, con un bastón en una mano y un micrófono enorme en la otra. Con una gorra. La “María Dolores”, una mujer anciana, fuerte y curtida en la guerrilla, que retrata con lucidez y precisión el orden de las estructuras guerrilleras, lo que era para ella la lucha. “La guerrilla no se concibe sin la intervención de la mujer. Fue tan intensa, tan eficaz, tan potente que no tendría estructura el movimiento guerrillero sin ellas. Me siento emocionada al recordar a Carmen, a Marina, a Concha…” Legislación Un rostro tras otro, primeros planos de mujeres. Pienso: “Carmen, Marina, Concha…” Algunos gestos de aquiescencia o de disenso como respuesta a la voz de los magistrados que performan un juicio. El jurado (Virgina García del Pino, 2012, 67’). La policía allana la casa de una mujer. Amparo Soler Leal sale a las escaleras envuelta en una toalla. Se estaba duchando cuando los policías entran a buscar a un supuesto amante para acusarla de adulterio. Vámonos, Bárbara (Ceclia Bartolomé, 1978, 95’). The Poem. A video essay from Human Resources Project (Núria Güell, 2022, 21’) el dispositivo flímico está compuesto por rostros borrosos de ex presos y ex presas que hablan sobre su experiencia en prisión. “A mi me dan a elegir entre el módulo de hombres y el de mujeres, y me voy al de hombres”. Ruralidad Dos mujeres llevan a cabo tareas domésticas en el campo. El setting recuerda al de Semiotics of the kitchen 1975, Martha Rosler. La más mayor, va indicando a la joven cómo se llevan a cabo estas tareas. A veces, se detiene en su propia actividad y la mira para comprobar cómo lo hace. Transmissions (Marta Vergonyós, 2010, 14’). En Caza (Mari Chordà, 1967, 2’) las imágenes de una mujer que carga con un fusil junto a otros dos hombres. En un momento, después de subir un murete de piedra, la cámara les deja y hace una panorámica de las montañas. Del paisaje inmenso, volvemos a ella que hace un amago de apuntar a la cámara con el fusil. Encuentro este fragmento en la entrevista El campo para el hombre (1975): rico cine pobre por Mariano Lisa, acerca de la película del mismo título realizada por él y Helena Lumbreras El campo es para el hombre (Helena Lumbreras, Mariano Lisa, 1973, 50’) Dice Lisa: “Menciono las cuestiones técnicas como ejemplo de un planteamiento artístico en el que la falta de recursos económicos se suple con ingenio y con esfuerzo. Hablo de técnica, porque la técnica define el arte. [...] La cámara no tenía pastilla para sincronizar la imagen con el sonido. Utilizamos deliberada y manifiestamente la asincronía. Nuestras películas eran clandestinas e ilegales. Trabajar sin sincronía facilitaba que la persona que hablaba en pantalla, si era detenida por la policía o guardia civil, pudiera alegar que ella no decía las palabras que se escuchaban, porque las aberturas, cierres y movimientos de su boca no se correspondían con la locución del film”. Sexualidad “El sexo... Me follas bien. ¡Ah! Cómo te amo. Solo tú puedes follarme así. Cómo se engañan las personas. Cómo se lo creen. Solo hay un tú, solo hay un yo. Solo tú puedes follarme así. Solo yo puedo ser follada así por ti... Qué gracioso. Qué horrible y sórdido. Pero joder, qué sórdido y horrible” Eso decía el personaje de Verónika en el film de Jean Eustache de 1973, "La maman et la putain". En la pantalla se suceden las imágenes y testimonios de mujeres hablando de cómo son sus orgasmos. Me quedo enganchada en alguna de las descripciones de Las muertes chiquitas (Mireia Sallarès, 2010, 286’) intentando pensar cómo pondría en palabras los míos. Familia Un cuerpo se sumerge en el agua, una anciana con la expresión ausente se mira en el espejo, Los Tortuga (Belén Funes, 2024, 109’). Dos adolescentes juntan sus cabezas en el césped en un diálogo constante. Mi hermana y yo (Virginia García del Pino, 2009, 10’). Dos niñas juegan al escondite Estiu 1993 (Carla Simón, 2017, 96’). Pienso que cuando se celebraron las Jornadas Catalanas de la Mujer mi madre tenía 31 años y 3 hijas. No escuchó hablar de estas jornadas o más bien, este tipo de actividad estaba simplemente muy lejos de su imaginario, de sus horizontes y de su ámbito de vida. En el fragmento proyectado de la película Memorias, norias y fábricas de lejía (María Zafra, 2011, 17’) encuentro una reflexión que dialoga con el pensamiento en torno a mi madre. En la película hay una interrupción de la dinámica del film que hasta ahora ha recorrido imágenes de archivo de super ocho de escenas familiares, encuentros, etc. y las voces sobreimpresas de trabajadoras que alrededor de los años 60-70 viajaron desde el sur de la península hacia las fábricas catalanas. En esa interrupción aparecen unos textos en la pantalla: “Las imágenes que observa no pertenecen a las voces que se narran. Porque no podrían pertenecerles. Porque no podrían serlo. Porque no tenían los medios para serlo. Porque no tenían permiso para serlo. Porque aunque en las películas familiares todas las familias podrían ser una sola, no todas las familias han sido invitadas a representarse”. El último día que me encuentro con la auxiliar de sala, intento contestar a lo que me preguntó el primero. Le digo que lo que me gusta no tiene nada que ver con la memoria y el archivo... o sí, pero desde un lugar muy concreto. Lo que me interesa es la posibilidad de asistir a la representación de colectivos (mujeres, lesbianas, trans, obreras, paradas, putas, amas de casa o estudiantes) que nunca han sido invitadas a representarse. Me interesa esa representación que se inventa, esa construcción que no pide permiso. Pensar en cómo aparecen los lenguajes que hacen posible nombrar, vislumbrar cómo se articulan esas presencias invisibles y cómo se inventa una representación de las mujeres que no parta desde el afuera, si la categoría de lo femenino, si la marca de género ha sido la forma del poder patriarcal proyectada sobre nuestros cuerpos. En la exposición lo que se proyecta son los deseos y el pensamiento, la sátira y la desesperación, la realidad y el desencanto, la alegría y la revolución… la representación festiva y deseante de “las que no han sido invitadas a representarse”.

Cecilia Molano

Imágenes: cartel de la exposición, Fotograma de Noticiari de Barcelona, núm 12 (ICC, 1977), Jornades Catalanes de la Dona (foto de Pilar Aymerich), Oralia de Rocío Quillahuaman, The breathing lesson de Dora García, cartel de Guerrilleros, 13 Testimonios de la resistencia armada al franquismo, Mari Chordà, La maman et la putain de Jean Eustache y Mi hermana y yo de Virginia García del Pino.

La Mancha más ciega

Murotron — Mon, 27 Jul 2026 09:09:31 GMT

Ana Martínez - Del 14 de julio al 27 de septiembre en La Capella

La Mancha más ciega parte del no argumento y la densidad de la voz propia para, a base de tanteos y desplazamientos, establecer conexiones en la ilegibilidad que da forma a la vida cotidiana.

El proyecto propone explorar la oralidad como materia a través de movimientos de la forma lingüística que encuentran presencia fijándose en lo efímero y en la manipulación del lenguaje a la que nos exponemos diariamente. Pero también busca reconsiderar la sensualidad de esas propias señales, mostrando y estirando un gesto de mucha modestia y de mucha intención al trabajar con un material que desea imitar.

Una madera sin prestigio, una intentona de querer ser.

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