T E A T R O N

Estoy al borde de una pesadilla

Mambo — Fri, 05 Jun 2026 06:03:02 GMT

Con el teatro lleno, Laura Ramírez Ashbaugh estrenó Oasis of Serenity los días 13 y 14 de mayo en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque, en la primera temporada que dirige Jorge Volpi. Oasis of Serenity es el resultado de dos años de investigación en los que Laura ha cursado el Das Choreography, un máster de estudio y práctica coreográfica en Ámsterdam, yendo y viniendo desde la ciudad a Madrid sin perder el vínculo con su casa ni su red. Pero Laura Ramírez Ashbaugh ya llevaba años currándose la escena contemporánea. Yo la conocí en 2016 con una pieza que se levantó como el aire fresco, ¿Cómo se hace una performance? de las Twins Experiment, el colectivo que montó junto a Ainhoa Hernández Escudero (otra argonauta madrileña que vive y trabaja en Ámsterdam desde que cursara sus estudios de posgrado en el DAS Theatre), al tiempo que yo misma participaba en MovLab, un laboratorio que Laura dirigía junto a Raquel Sánchez en La Casa Encendida donde organizaban grupos de aprendizaje en torno a la práctica escénica. Y más recientemente he podido verla en Serenity Rave, un solo de danza que estrenó en Réplika la temporada pasada, donde componía paisajes de la rave con su cuerpo. Desde que la conozco, Laura compagina su trabajo como coreógrafa con el de docente y diría que es una artista que siente el espíritu de la comunidad escénica, algo que quizás le venga de su familia, que tenía una compañía de teatro ambulante llamada “Lope de Rueda”. En un escenario vacío, casi a oscuras, entorno los ojos y distingo a una figura agachada que avanza girando sobre sí misma mientras dibuja una diagonal. El tiempo se ralentiza y me recuesto en mi butaca. Ya en primera línea, panza arriba, alza el pecho poseído y podemos verle la cara, solo un momento. Grita sin que podamos oírla, como en las pesadillas. Laura mueve el aire a su alrededor, pide y se le concede. Avanza esbelta por el escenario y ejecuta una coreografía de imágenes, flechazos pop del mundo de la mística, de la rave, de la moda y del cine. Entre estas visiones, yo veo también a la Laura adolescente que cierra una fiesta mientras clarea el día. El sonido de Fernanda Libman acompaña la actuación, el espacio escénico es cortesía de Javi Cruz, el vestuario de Evadehouse, la dramaturgia de Bryana Fritz y la iluminación de George Marinov que interviene el ambiente componiendo oscuridades, provocando un apagón y un fogonazo que ciega a Laura como ciega quedaba Teresa cuando dice que en su éxtasis “veía un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo, no era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles muy subidos que parecen todos se abrasan. Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande…”. El título de este trabajo, Oasis of Serenity, anuncia la llegada a un lugar de descanso prometido. Sin embargo, en escena, el paisaje no es sereno y sosegado. El escenario recuerda a una nave industrial, suena música techno, Laura corre perseguida, persigue, manotea, le tiemblan las pupilas, encara un terror que nos es ajeno. En la noche oscura, ella corre a encontrarse con sus sombras, a purgar sus ansias. El oasis espera oculto fuera del escenario, después de que Laura atraviese el trance al que asistimos los espectadores. Laura es una bailarina con una gran fuerza física y para alcanzar su anhelo, antes tiene que rendir al cuerpo, cruzar el desierto. La búsqueda artística suele acompañar a la búsqueda personal y creo que eso es lo que ha hecho Laura en los últimos dos años: bailarle a las sombras, enfrentarse a ellas hasta deshacerlas.

Carmen Aldama

Foto de Thomas Lenden

Las Nenas porten Torcidxs a l'Antic Teatre, una sàtira escènica sobre la identitat, la performativitat i les contradiccions de la contemporaneïtat

Antic Teatre — Tue, 02 Jun 2026 11:00:39 GMT

La companyia navarresa presenta una proposta que combina humor, crítica i experimentació escènica per qüestionar els mecanismes de representació del jo i les lògiques del sistema cultural actual

L’Antic Teatre presenta Torcidxs, l’aclamada creació de Las Nenas Theatre, el projecte artístic impulsat per Ane Sagüés Abad i Cristina Tomás Olaya. La peça arriba a Barcelona després del seu pas per diversos espais de l’Estat i es presenta com una proposta escènica irreverent que explora les tensions entre identitat, representació, desig i fracàs dins la cultura contemporània.

A Torcidxs, quatre intèrprets interactuen amb els mecanismes visibles del teatre, convertint l’escena en un cos i un territori de conflicte. Entre discursos teòrics, converses aparentment superficials, cançons desafinades amb autotune i una acumulació de judicis, etiquetes i referències culturals, la peça construeix una experiència escènica que celebra l’error, el dubte i la imperfecció.

“Vull ser una còpia barata d’una altra persona. Tinc una ànima de plàstic. Tant li fot”, proclama una de les veus de l’espectacle, resumint l’univers de Torcidxs: un espai on les identitats es deformen, les aspiracions fracassen i els imaginaris contemporanis són observats amb una barreja d’ironia, tendresa i lucidesa crítica.

La proposta reflexiona sobre la performativitat del jo, la sobreexposició digital, les contradiccions de les arts contemporànies i la necessitat constant de produir una imatge d’èxit. Tot plegat des d’un llenguatge híbrid que combina teatre, performance, humor, autoficció i cultura popular.

Las Nenas defineixen la seva pràctica com una forma radical d’intrusisme professional. Creadores, intèrprets, directores, productores, docents, performers o relacions públiques segons convingui, la companyia construeix un univers escènic que qüestiona les categories i les jerarquies tradicionals de la creació artística. El seu treball es caracteritza per l’ús de l’humor com a eina crítica i per una mirada desacomplexada sobre els mecanismes de producció cultural.

La peça ha estat destacada per la crítica especialitzada. El periodista i crític teatral Oriol Puig Taulé la descrivia a El Núvol com un espectacle “molt divertit”, carregat d’“humor, intel·ligència, crítica esmolada i honestedat a cabassos”, i assenyalava la companyia com una de les veus emergents més estimulants de l’escena contemporània.

Las Nenas llevan “Torcidxs” al Antic Teatre, una sátira escénica sobre la identidad, la performatividad y las contradicciones de la contemporaneidad

La compañía navarra presenta una propuesta que combina humor, crítica y experimentación escénica para cuestionar los mecanismos de representación del yo y las lógicas del sistema cultural actual

El Antic Teatre presenta Torcidxs, la aclamada creación de Las Nenas Theatre, el proyecto artístico impulsado por Ane Sagüés Abad y Cristina Tomás Olaya. La pieza llega a Barcelona tras su paso por distintos espacios del Estado y se presenta como una propuesta escénica irreverente que explora las tensiones entre identidad, representación, deseo y fracaso dentro de la cultura contemporánea.

En Torcidxs, cuatro intérpretes interactúan con los mecanismos visibles del teatro, convirtiendo la escena en un cuerpo y un territorio de conflicto. Entre discursos teóricos, conversaciones aparentemente superficiales, canciones desafinadas con autotune y una acumulación de juicios, etiquetas y referencias culturales, la pieza construye una experiencia escénica que celebra el error, la duda y la imperfección.

“Quiero ser una copia barata de otra persona. Tengo un alma de plástico. Me da igual”, proclama una de las voces del espectáculo, resumiendo el universo de Torcidxs: un espacio donde las identidades se deforman, las aspiraciones fracasan y los imaginarios contemporáneos son observados con una mezcla de ironía, ternura y lucidez crítica.

La propuesta reflexiona sobre la performatividad del yo, la sobreexposición digital, las contradicciones de las artes contemporáneas y la necesidad constante de producir una imagen de éxito. Todo ello desde un lenguaje híbrido que combina teatro, performance, humor, autoficción y cultura popular.

Las Nenas definen su práctica como una forma radical de intrusismo profesional. Creadoras, intérpretes, directoras, productoras, docentes, performers o relaciones públicas según convenga, la compañía construye un universo escénico que cuestiona las categorías y jerarquías tradicionales de la creación artística. Su trabajo se caracteriza por el uso del humor como herramienta crítica y por una mirada desprejuiciada sobre los mecanismos de producción cultural.

La pieza ha sido destacada por la crítica especializada. El periodista y crítico teatral Oriol Puig Taulé la describía en El Núvol como un espectáculo “muy divertido”, cargado de “humor, inteligencia, crítica afilada y honestidad a raudales”, y señalaba a la compañía como una de las voces emergentes más estimulantes de la escena contemporánea.

Sienten las piedras

Murotron — Mon, 01 Jun 2026 14:43:19 GMT

Raquel G. Ibáñez - 19 de junio en el Museu Tàpies Si nos sumergiéramos en el agujero del Calcetín de Antoni Tàpies, quizás veríamos el cielo. O las entrañas de la tierra. O aquel rincón tan familiar al que nunca antes habíamos prestado atención. El agujero aparecería entonces como una apertura, un umbral desde el cual mirar hacia una terraza expuesta al sol y a los agentes atmosféricos; un espacio donde la contemplación de lo cotidiano se volvería extrañamente misteriosa. Como si la percepción, al desviarse apenas un poco de su curso habitual, abriese una pequeña fisura. Un intersticio que, siguiendo las reflexiones de Tim Ingold, no encerraría un significado fijo sino que permanecería entre líneas. «Un nudo aéreo». Quizás bastaría entonces con estirar del hilo y detenerse a escuchar. Escuchar el viento, el agua fluyendo, la nieve derritiéndose o el crujido lejano de un árbol al caer. Escuchar también aquello que vibra entre cuerpos y objetos. A partir de esta atención sostenida, se desplegaría, así, una forma de ritual a pequeña escala. Si nos sumergiéramos en el agujero. … A partir de esta invitación, la artista propone una sesión de escucha en la que grabaciones de fenómenos atmosféricos y entornos naturales dialogan y se distorsionan. Como un hilo más dentro de una trama expandida, se entrelazan lo ancestral y lo tecnológico, lo íntimo y lo geológico, sin jerarquías. En resonancia con la sensibilidad poética de Mary Oliver hacia las dimensiones asombrosas de lo cotidiano, la pieza desplaza sutilmente la percepción y abre, aunque sea momentáneamente, otras formas de relación con el entorno. La práctica artística de Raquel G.Ibáñez investiga la liminalidad y las fronteras entre sonido, lenguaje e imagen visual, utilizando la escucha –humana y más que humana –como herramienta metodológica desde la acustemología. Sus líneas de trabajo se centran en lo intangible y en los umbrales entre lo humano, lo espiritual y lo natural, explorando también la tensión entre lo ancestral y el futuro en un contexto de crisis global. Sus procesos destacan la fragilidad e interdependencia de la vida biológica, y se materializan en diversos formatos como el sonido, el dibujo, la performance, la instalación y la edición expandida. Ha desarrollado proyectos en instituciones como el CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Tsonami Arte Sonoro, CDAN, Sonandes, La Casa Encendida o el MACBA, y ha recibido premios y becas como el Premi Miquel Casablancas 2024, Circuitos Artes Plásticas 2024, las Ayudas a la Creación de artes visuales de la Comunidad de Madrid o las Ayudas públicas para la creación, investigación y producción de proyectos artísticos del Ministerio de Cultura. Su trayectoria incluye residencias artísticas en espacios como aadk, Jazz ao Centro o Bulegoa, así como la participación en festivales de arte sonoro y música experimental como Insonora 14, Sur Aural, Rota Music Festival y Soundtiago, entre otros. Su participación en el colectivo de poesía y performance Una fiesta Salvaje y la publicación de su libro Granate, consolida una práctica que combina creación, investigación y escritura. Actividad realizada en el marco del ciclo Siguiendo el sol. Destapando la mirada del Museu Tàpies, comisariado por Carolina Ciuti.

Picnic Sessions 2026

Murotron — Mon, 01 Jun 2026 14:37:50 GMT

Del 28 de mayo al 2 de julio en el CA2M «Pierdo los días, la vida, el sueño. Pero yo no tengo la culpa si deseo, a la vez, la muerte y la vida, al mismo tiempo, a la misma hora. Y lo quiero todo al mismo tiempo.» Alejandra Pizarnik PROGRAMA

Jueves 28 de mayo. Guillem Jiménez | Okkre
Jueves 4 de junio. Los Voluble
Jueves 11 de junio. Laura Morales | Fantasma Sur
Jueves 18 de junio. TEMPO DE FURIA (Egozkue y Paz) | Eddi Circa
Jueves 25 de junio. Carmen Muñoz | Derek van den Bulcke
Jueves 2 de julio. Natalia Fernandes | Las Víctimas Civiles

Horario de 21:00 a 23:00 MESAS EDITORIALES

Jueves 28 de mayo. Clavos y chinchetas
Jueves 4 de junio. Librería Delirio
Jueves 11 de junio. Ediciones Comisura
Jueves 18 de junio. Arrebato Libros
Jueves 25 de junio. Proyecto editorial Conde Galí
Jueves 2 de julio. Editorial Disbauxa

Muchachas (susurrando): Hey, queridas, ¿estáis despiertas? Tristura: Sí, mucho... Imposible dormir con este calor. Muchachas: Ya, nosotras estamos completamente desveladas... Tristura: ¿Qué pasa? ¿Qué tenéis en la cabeza? Muchachas: No es nada en especial... Es solo esa sensación de que quizás podríamos estar en otro lugar ahora mismo, ¿no? Tristura: Ya, a veces pasa... ¿Queréis venir a casa? Podemos hacer algo, cualquier cosa. Muchachas: Estábamos pensando en que hace tiempo que no vamos a una fiesta. Una fiesta genial, brillante, sorprendentemente tierna, dramática y luminosa... ¡Una fiesta que nos represente! Tristura: Ya, claro, ¡si os ponéis así! Es una época extraña para fiestas.... Pero bueno, venid para acá, algo nos inventaremos, veníos ya ¡No hace falta ni que os quitéis el pijama! Muchachas: Vale, ya estamos de camino. De todas maneras... no debería de ser tan difícil hacer una fiesta en esta época, ¿no? En esta época, una fiesta puede ser simplemente estar, detenernos juntas. En esta época, una fiesta puede ser amar y recordarnos amables. Tristura: Totalmente. En esta época, una fiesta puede ser una hora bien bailada. Una hora bien cantada. Una hora bien contada. Muchachas: Invocar la noche para conseguir, aunque sea por un segundo, ver las estrellas. Invocar la noche y dilatarla hasta la extenuación. Y ya cansadas, sudadas, escuchar una historia, una idea, un canto. Tristura: Como decía Juan de Mairena, una hora bien contada no se acabaría nunca de contar. Una fiesta puede ser también celebrar el tiempo y celebrar la noche. Muchachas: Un picnic con amigas juntas al anochecer. Podría ser bonito. Tristura: Genial, lo tenemos entonces, ¿no? Solo necesitamos: un bonito lugar al aire libre, un poco de música y cien o doscientas personas majas. Y ya con eso que la noche cambie por completo, que se vaya hacia lugares que no imaginamos... como que se abra, ¿no? Muchachas: Sí, eso es. Que la noche se abra. Que se abra la noche. La tristura y Mucha Muchacha llegan al Museo CA2M este año para proponer juntas las Picnic Sessions 2026. Para proponer un tiempo escuchando, bailando, observando. Dicen los antropólogos que antes de compartir una lengua, compartíamos ya rituales, que es esencialmente lo que nos hace humanos. Queremos compartir este antiguo ritual con la gente de la ciudad, compartir el sentido de ser hospitalarios en este siglo. Hemos buscado a diferentes artistas con los que pasar unas horas al anochecer, artistas que trabajan por establecer una relación singular con nuestro tiempo, que saben mantener la mirada en la oscuridad de la época que vivimos, y que perciben a la vez, en esa oscuridad, una luz. Que ven la grieta. Y así entre el 28 de mayo y el 2 de julio, nos reuniremos en la terraza del museo para abrir la noche juntos. «Cuando se va la luz y el cielo es negro, no hay nada que mirar, terminó el día. Eso es todo.» Robert Creeley. COMISARIADO POR: Celso Giménez y Violeta Gil, de La tristura, llevan desde que cumplieron veinte años trabajando alrededor de las artes escénicas. Tratando de generar “situaciones humanas” dentro y fuera del escenario. Investigando los límites entre la presentación y la representación, con un interés por el teatro contemporáneo, y un compromiso con la intuición de que la intimidad y la poesía son, esencialmente, conceptos políticos. Durante este tiempo, La tristura colabora con espacios como los Teatros del Canal de Madrid, el Festival Grec de Barcelona, Cena Contemporânea de Brasilia, el Théâtre de la Ville de París, el Noorderzon de Groningen o el Festival AUA de Berna, entre otros. En estos años generan también contextos como la Escuela de Invierno, el Festival Salvaje o la Gran Convocatoria Mundial. Con el deseo de seguir conectando diferentes agentes y artistas, confiando en que de esos enlaces saldrán movimientos inesperados e inspiradores. En los últimos años además inician proyectos en solitario y nuevas colaboraciones en el ámbito del cine, la escena y la literatura. Su trabajo sigue vinculado a Madrid, ciudad en la que viven y desarrollan sus proyectos. Ana Botía y Belén Martí dirigen desde 2016 la compañía de danza Mucha Muchacha junto a Marina de Remedios y Marta Mármol. Desde sus inicios han orientado su trabajo hacia la investigación del cuerpo como espacio de memoria, identidad y transformación, articulando una propuesta que combina tradición y contemporaneidad. Su lenguaje escénico integra elementos del folclore, la música popular y los códigos de la danza española, reconfigurados desde una mirada crítica y actual. Desde su nacimiento ha creado Volumen 1 (2019), Mucha Muchacha (2021), Para cuatro jinetes (2023) y proyectos más recientes como Cantar de gesta (2026), en los que continúan explorando la relación entre cuerpo, relato y colectividad. Mucha Muchacha ha desarrollado una práctica colaborativa con artistas de distintas disciplinas, generando proyectos de investigación y mediación como SERÉ FOLCLORE o el proyecto TALLER-FIESTA. Más información.

Notas que patinan #150: Això al poble no li agradarà

Rubén Ramos Nogueira — Fri, 29 May 2026 18:41:08 GMT

Acaba de celebrarse la cuarta edición de Això al poble no li agradarà, festival de artes vivas de las comarcas de Girona, construido “sobre la base de una estructura de gobernanza compartida” con los equipos de artes escénicas de los municipios de Banyoles, Celrà, Figueres, Girona, Lloret de Mar, Olot, Porqueres y Rupià y con los agentes Espai nyamnyam (Mieres), Monte Isla (Sils), Mutte Cultural (Pontós), Lo Relacional (Ultramort), Cultural Rizoma (Celrà) y Artistas Salchichas (Olot). Por el festival han pasado este año una larga lista de artistas: Artistas Salchichas, AzkonaToloza, Azucena Momo – Cia. Irregulars, Balago, Óscar Bueno, Colectivo Casa·Teatro, Ernesto Collado y Piero Steiner, Javi Cruz, La Chachi, Anna Dot, Mar García y Javi Soler, María García Vera, Las Huecas, Les Eminències, Joan Montserrat, Federica Porello y Elvira Prado-Fabregat. Desde el 14 de febrero el festival ha ofrecido laboratorios, residencias y muestras en varios municipios hasta desembocar en tres días de programación, gratuita y al aire libre en su mayoría, y en múltiples espacios. Asistí al último día de festival, el sábado 23 de mayo, en Pontós, quince años después de la última edición del añorado Festival Mapa, un festival que se caracterizaba por sus propuestas site-specific y que se celebró en ese mismo pueblo del Empordà durante siete ediciones. El nombre del festival, Això al poble no li agradarà, promete algo que, al menos en el caso del pueblo de Pontós, no se cumplió en absoluto: todas las propuestas fueron recibidas por el numeroso público allí congregado con un enorme entusiasmo, con gente levantándose de su asiento para ovacionar a los artistas, cosa que no se ve todos los días. Dicen que el nombre del festival proviene del comentario de un miembro del gobierno municipal de un pueblo de esas comarcas quien, después de presenciar una de las propuestas artísticas del estilo de las que el festival ofrece, comentó que eso al pueblo no le iba a gustar. Un visionario, vamos, como la mayoría de los políticos que nos gobiernan en el ámbito del arte y la cultura. Comencé mi periplo por el festival a las siete de la tarde, en la plaza mayor del pueblo, donde La Chachi y la cantaora Lola Dolores esperaban al público sentadas en lo alto de una tarima mientras se liaban unos cigarrillos. Presentaban Taranto aleatorio, una pieza de cincuenta minutos sin luces ni escenografía de ningún tipo ni más acompañamiento musical que el que las propias intérpretes fueron capaces de generar con lo puesto: sus voces y sus cuerpos. Los tarantos ya son eso: un palo flamenco que en origen no tenía ni acompañamiento de guitarra. La Chachi y Lola Dolores parten del taranto para aparentemente dejarse llevar hasta darle la vuelta por completo a lo que acostumbramos a ver cuando asistimos a una sesión de flamenco, sin ningún asomo de caspa y con muchas dosis de humor, en un ambiente festivo y al mismo tiempo profundo. La Chachi bailaba y Lola Dolores cantaba pero a veces bailaban las dos con coreografías que parecían extraídas de un videoclip de música urbana y otras veces era como si estuviesen rapeando o más bien como si fuesen una reencarnación de los Accidents Polipoètics. La Chachi viste como si viniese del trap y no del flamenco. Hay humor, hay improvisación, hay casi diría que insolencia, energía desbordante que en algunos momentos provocaba interrupciones debido a los aplausos del público, un público que comenzó sentado en sus sillas de madera plegables de fiesta de pueblo, que observaba con expectación y respeto pero que acabó dándolo todo, entregado, como las intérpretes, en comunión con ellas. Fue casi una hora de lo que me pareció una conexión profunda con un público popular y rural que el prejuicio presupondría no habituado a estas propuestas, ni por el lado de la danza actual ni por el del flamenco. El trabajo parecía absolutamente comprometido con lo uno y con lo otro: con la tradición flamenca y con las estéticas del presente, tanto en el baile como en el cante. La cosa fluyó de una manera absolutamente natural e inesperada y acabó con una larga ovación. A continuación caminamos unos metros para adentrarnos en los jardines del Convent para asistir al segundo movimiento de esta sinfonía. Era el turno de La Vía Láctea de María García Vera, que nos esperaba en un cobertizo, sin más escenografía que tres pilas de libros en el suelo, una silla, una mesa y un ordenador conectado a un equipo de sonido, vestida con una camiseta y unos pantalones cortos y sosteniendo algunos papeles en sus manos. María García Vera comenzó presentando lo suyo de una manera que para nada hacía presagiar lo que luego nos ofrecería. Introdujo su actuación metida de lleno en el código que usan los artistas del arte contemporáneo, advirtiéndonos de que lo que iba a compartir era parte de la investigación en la que se encuentra inmersa, como rebajando las expectativas del público, a lo que contribuía que pareciese que nos fuese a leer uno por uno los numerosos papeles que sostenía en su mano. Pero lo que sucedió a continuación fue asombroso. A partir de una estética absolutamente sencilla que flirteaba con lo cutre, María García Vera realizó un despliegue de medios que mantuvo al público clavado en sus asientos durante prácticamente hora y media, acompañándola de la manita sin abandonarla ni un momento, a pesar de lo exigente de su propuesta, que requiere meterse al público en el bolsillo y no ser abandonada por él ni por un instante. Fue muy emocionante ver su trabajo en solitario después de una ya larga trayectoria con la compañía de la que forma parte, Los Detectives, además de otras muchas colaboraciones en trabajos escénicos y cinematográficos. Pero sobre todo fue emocionante la conexión con el público que consiguió generar partiendo de su cotidianeidad, de sus filias y sus fobias, para conducirnos a una incisiva reflexión sobre conflictos contemporáneos que nos afectan a todos, como la insufrible aceleración vital en la que estamos inmersos, el auge de movimientos fascistoides o la hipocresía de los supuestamente bienintencionados, apuntando en todas direcciones, sin dejar títere con cabeza, con mucha rabia pero sin caer en ningún momento en la desesperanza sino más bien proporcionándonos un chute de energía extra del que la mayoría vamos más que necesitados. Para conseguir eso y que no se convierta la cosa en un aburrido mitin el objeto artístico tiene que dar la talla. No es suficiente disponer de un buen discurso, eso no es lo que le pedimos a los artistas. Lo que le pedimos es que se ocupen del arte. Ocuparse del arte es lo más revolucionario que pueden hacer los artistas (eso más o menos decía Orson Wells). María García Vera dio una buena demostración de ello: nos conquistó con su arte. La Vía Láctea va sobre el inicio, o sobre los inicios, sobre el volver a empezar eternamente, sobre cómo mantenerse en un estado de inicio infinito, quizá, o de cómo reiniciarlo todo en este momento actual en el que la vida se ha acelerado de malas maneras y en donde parece que todo se sostiene por los pelos, a punto de explotar. Con un personaje construido a medida por ella y para ella parece como si María García Vera hubiera decidido mostrar de pronto todo lo que es capaz de hacer pero sin recurrir a ningún virtuosismo, apelando a lo más profundo a partir de materiales y referencias absolutamente populares y totalmente cultas, extraídas del cine, la televisión, los libros, la ciencia y la filosofía, mezcladas sabiamente por ella misma para conseguir un caldo sabroso de los que te devuelven el ánimo. Y tirando también de lo puesto: su voz y su cuerpo, sin apenas aditivos ni colorantes más que algunas músicas que ella misma pinchó desde su portátil. Pero al mismo tiempo sin renunciar a ningún recurso, aprovechando todo al máximo y mezclándolo absolutamente todo: la rapidez y la contemplación, el amor y la violencia, la verborrea y el silencio, la voz y el movimiento, la cita y lo genuino, el respeto y la irreverencia hacia los referentes, la seriedad y el humor. María García Vera, sin pretenderlo, nos dio una hermosa lección y esas son las mejores. Todo el pueblo se puso en pie para ovacionarla. Fue algo realmente emocionante. Después de eso había ganas de encontrarse con el prójimo, de comentar, de beber, de celebrar y también de cenar. Hubo una estupenda cena popular inspirada en la cocina norteafricana y servida en los jardines del Convent por Mutte, el colectivo que gestiona el Convent. Y ya de noche entramos en el salón del edificio para escuchar una sesión de música electrónica a cargo de Balago, con el público ocupando toda la sala, en un ambiente íntimo, sentados en sofás, en sillas, algunos de pie, con poca luz y con bebidas considerablemente más baratas que en cualquier bar urbano catalán, servidas en la barra que se encontraba en una de las salas del propio convento, un poco más allá, a la que se entraba desde el jardín. David Crespo se enfrentó al público desde una mesa repleta de aparatos que manipuló ininterrumpidamente sin apelar al baile en ningún momento sino más bien a una escucha contemplativa, con los ingredientes necesarios para que cada oyente construyese su propio viaje. Como el resto de las propuestas, y en contra del nombre del festival, como ya he dicho, su actuación fue recibida con largos aplausos. Para acabar, Les eminències, el grupo formado por Ingrid Picanyol (voz y guitarra), Enric Farrés Duran (batería) y Miguel Ángel Blanca (bajo y voz) nos esperaban otra vez en un pequeño escenario del jardín para compartir con nosotros energéticas canciones de un minuto con sarcásticas letras sobre racistas de perro o posadas del Delta de l'Ebre que podrían albergar a terroristas o a sucios turistas, no se sabe. Les eminències hacen gala de equivocarse a menudo en sus conciertos para volver a comenzar sus canciones una y otra vez (como si recogiesen los inicios infinitos de María García Vera). No sabría decir si eso es una contradicción con el espíritu punk del que hacen gala (porque no permitirse ni un fallo sería en teoría de gente amante del virtuosismo, no de punks) o si lo hacen aposta con toda la intención (y ahí estaría la gracia). El caso es que el público, entregado, después de bailar incluso algunos pogos, acabó pidiéndoles a gritos que repitiesen alguno de los temas que, después de por lo menos tres interrupciones, habían conseguido por fin llevar a buen puerto. Lo hicieron encantados. Era más de medianoche. La fiesta continuó aún un poco más. Fotos: Sebastià Masramon

Sinéad Spelman y Mikel Adán Tolosa en La Capella

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:57:46 GMT

Turba de Sinéad Spelman - Del 22.4.2026 al 5.7.2026 La práctica artística de Sinéad Spelman (Dublín, 1978) se centra en el dibujo, o más bien en una manera muy específica de entender su narrativa visual. Desde ahí, el dibujo transita hacia otros lenguajes afines, como la escultura o incluso el sonido; un sonido que en realidad es canción, es decir, un sonido que es palabra. Y es que, quizá, para la artista, el primer estímulo del dibujo es algo más cercano a la escritura que a las artes visuales. Sin pretensión literaria, hay algo muy literario en su modo de hacer arte. Más información. Perquè m'agrada viure aquí (Porque me gusta vivir aquí) de Mikel Adán Tolosa - Del 22.4.2026 - 5.7.2026 tiene un carácter más especulativo que programático o afirmativo. Su planteamiento inicial es, en apariencia, sencillo: hacer que convivan dos materialidades contrarias, la de la piedra y la de la mantequilla. Pero del mismo modo en que al adoptar la piedra como material de trabajo Mikel Adán Tolosa hace una interpelación a una tradición formal y a unos procedimientos ya establecidos, al incorporar la mantequilla lo hace consciente de que se trata de un material sin una filiación disciplinar, no convencional y no cooperativo: el material se convierte en un problema. Más información.

Lorea + Plinio

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:47:19 GMT

29 de abril en Réplika Llegan por primera vez a Réplika Teatro dos de las propuestas más singulares de la escena musical alternativa española: la cantante y compositora Lorea y el músico y cineasta Plinio, en un doble concierto organizado por la agencia Live in Dallas en colaboración con Réplika Teatro para estrenar en Madrid el reciente último álbum de Lorea, Miel de Mosca, y el concierto con proyecciones de cine analógico Historia Natural de Plinio. La música de Lorea levanta un sueño de fiebre que puede sonar a ambient, pop o música religiosa. Sofisticados delitos de amor, los dientes por el suelo, milagros torpes, peligro íntimo, el pelo suave… Su proyecto “los problemas se frotan” le ha situado en la escena española avantgarde como un nombre a tener en cuenta. Este 2026 se ha juntado con sus amigas (Adriana Jornet, Mateo Benguria y Lucía O’brian) para interpretar su nuevo disco Miel de Mosca que ha sido publico en el sello Urpa i Musell de Barcelona y que será presentado en esta ocasión en Réplika Teatro. Plinio presenta Historia Natural , un live que mezcla un concierto con una proyección de cine analógico. Un programa de películas en Super 8 se hace desfilar sobre canciones que evocan cuentos, cotilleos y recuerdos de un mundo antiguo. En una puesta en escena que revisita el género del travelogue, Plinio propone una conferencia sobre la creación artística, interrumpida por personajes que entran y salen a placer de sus película. Más información y entradas.

Concrete Matter

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:41:52 GMT

Los detectives - Del 28 al 30 de maig a la Fundació Joan Brossa Concrete Matter és una proposta escènica que parteix d’un gest íntim i radical: pujar a escena amb les nostres pròpies mares. A partir d’aquesta trobada intergeneracional, articulem una relectura lliure de Les tres germanes d’Anton Txékhov, convertint l’obra clàssica en un dispositiu dramatúrgic que ens permet explorar el vincle maternofilial i les tensions entre la projecció, el desig i la realització personal. En aquesta tercera peça tornem a abordar allò femení, però aquesta vegada ho fem des del lloc més proper i arrelat: les nostres mares. Totes elles, nascudes entre els anys 1951 i 1958, formen part d’una generació situada entre la dictadura i la democràcia, en un moment de transició profunda i de canvi de paradigma al nostre país —especialment pel que fa al paper i la identitat de la dona. Amb aquesta peça reivindiquem una reescriptura del desig, l’humor i l’erotisme com a acte polític. I ho fem, a més, des de la mirada d’una dona que ja no és jove, una dona que va viure la seva joventut en una societat repressiva i castradora. Ens allunyem del relat hegemònic on la mirada masculina configura el desig, i proposem desplaçar aquest eix per situar-lo en primera persona. Des d’aquest lloc, redefinim què vol dir desig per a nosaltres, tot construint una nova mirada cap a una mateixa —més lliure, més plural i més complexa. Més informació i entrades.

Constelaciones & Asterismos III

Murotron — Fri, 29 May 2026 10:37:25 GMT

Taller Placer - 27 de junio en La Mutant En esta tercera y última edición de Constelaciones & Asterismos proponemos un ejercicio de videncia entendido como la capacidad de percibir lo que no se muestra. Seguiremos reflexionando sobre la dualidad luz/oscuridad y la relación entre la visión y la construcción mental de la imagen. Para ello emprendemos un camino que no necesariamente tendrá lugar ante nuestros ojos, sino en la penumbra, detrás de los párpados. A lo largo de estos dos años, una pregunta central ha guiado nuestra investigación: ¿qué es la luz? En esta nueva edición retomamos esa cuestión para explorar otras formas de visualidad, no necesariamente ligadas a la mirada ocular. Para ello hemos diseñado un itinerario abierto y colectivo, que tendrá lugar entre enero y junio de 2026, y que incluirá un taller de dibujo orientado a explorar la luz a través del gesto manual, una conferencia performativa, dos excursiones y una Jornada Cósmica final. Nuestro objetivo es darle cuerpo a lo inmaterial, indagando cómo percibimos, interpretamos y estimulamos la experiencia de la luz. DESCARGA EL PROGRAMA COMPLETO AQUÍ Durante los últimos tres años, CONSTELACIONES & ASTERISMOS ha sido mucho más que un programa público. Ha funcionado como un ensayo abierto en el que hemos compartido preguntas, descubrimientos y aprendizajes sobre nuestra relación con la ciencia, el cosmos y los fenómenos naturales junto a astrónomas, meteorólogas, músicos, arquitectos y artistas. A lo largo de este tiempo, se ha ido construyendo un espacio común de reflexión y pensamiento, acompañado por un grupo de personas que nos ha seguido y sostenido durante todo el proceso. Para cerrar este recorrido, proponemos una JORNADA CÓSMICA, un encuentro concebido como cierre de la temporada y de nuestra investigación. Será una ocasión para compartir con las personas asistentes los materiales, las experiencias y las preguntas que han atravesado todo el proceso. La jornada contará además con la participación del grupo de dibujo que se ha reunido durante el curso en la sala y está pensada como un espacio de contemplación, pausa y disfrute: una invitación a recibir el verano desde el cuerpo y desde otras formas de experimentar la luz, el sol y el tiempo. BIO ARTISTA Taller Placer es un colectivo artístico formado por Vicente Arlandis y la actriz y Paula Miralles. Desde esta plataforma promueven el uso y la creación de prácticas de diferentes tipos que sean en sí mismas críticas y que puedan ser utilizadas como herramientas de transformación social y personal. Sus proyectos se desarrollan en varias líneas: proyectos de investigación, trabajos de creación artística, talleres de formación, programación de artes vivas, propuestas de mediación artística y otras actividades que son una excusa para estar juntas y tratar de construir formas de vida más llenas y placenteras. Han colaborado con instituciones como Conde Duque Madrid, MediaLab Prado, La Mutant, IVAM y Museo Reina Sofía, y han desarrollado proyectos seleccionados en convocatorias públicas.

La Guerra Civil es actualidad. Entrevista con Andrés Lima sobre 1936. Los protagonistas de la guerra

50 en libertad — Fri, 29 May 2026 10:16:31 GMT

El programa España en libertad. 50 años promovido por el gobierno a través del Ministerio de Política Territorial y Memoria Democrática se lanzó en 2025 para celebrar el medio siglo de democracia y libertades alcanzadas tras la muerte del dictador Francisco Franco el 20 de noviembre de 1975. Busca “homenajear la transición, celebrar la transformación del país y transmitir la memoria democrática a la juventud”, según su página web. Miguel Valentín habla con Andrés Lima, que con el impulso de este programa ha hecho una adaptación de su espectáculo 1936, estrenado con éxito en la temporada 24-25 y repuesto con el mismo éxito o más en la siguiente. 1936. Los protagonistas de la guerra es una reducción del espectáculo a un formato de conferencia escénica, en la que se cruzan los discursos reales de figuras históricas generando un diálogo teatral que confronta las voces y posiciones de los distintos protagonistas del conflicto. La próxima presentación será el 4 de junio en el Espacio Tangente de Burgos. Miguel Valentín: ¿Cómo te llega la propuesta de participar en España en Libertad 50 años? Andrés Lima: El Ministerio de Memoria democrática nos propuso colaborar y yo les comenté que aparte de la función, en la que colaboró también en la gira, había algo que queríamos hacer precisamente para llegar a sitios donde no pudiera llegar la función o por coste económico o sencillamente porque no tenían las condiciones teatrales necesarias, sitios más desfavorecidos, y sobre todo a estudiantes. Una conferencia en donde yo, gracias a la dramaturgia de la obra y siguiéndola, comprimía los hechos, contaba lo esencial de la guerra civil y lo hacía en modo conferencia, pero de vez en cuando le daba paso a los protagonistas. Sobre todo con Juan Vinuesa y María Morales, a quienes después se han sumado otros miembros de la compañía (Paco Ochoa, Cristina Arias o el propio Lima). De repente tomaba la voz Azaña, de repente tomaba la voz Franco, Queipo de Llano, José Antonio primo de Rivera, o cualquiera de de los demás, ¿no? Entonces digamos que es una conferencia donde se cuentan los hechos esenciales desde el 36 hasta el hasta el 39, pasando por un flashback a la Segunda República, pero con momentos actuados a través de los discursos y declaraciones de sus protagonistas, incluido el pueblo español, de uno y otro bando. Y esto lo hacemos también o nosotros tres solos o en una modalidad que es con coro, que hago también una versión reducida del coro de la obra con 10 componentes y entonces también se transitan las músicas que canta el coro en las funciones; es una conferencia muy espectacular. Nosotros, ayudados por el programa España en libertad. 50 años, hemos hecho unas cuantas, no me acuerdo del número ahora, unas cuantas conferencias donde lo han pedido: en institutos, en ayuntamientos, en casas de cultura, en sitios así, ¿no? En universidades… Y ahora parece que ya se acaba, pero como hay mucha demanda, seguiremos haciendo y creo que es una labor didáctica y pedagógica bastante interesante sobre la guerra civil. Me consta que el proceso de preparación de 1936 fue muy arduo, fueron como tres años. La obra original fue escrita por Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga, a partir de una serie de talleres en que trabajasteis con todo el equipo y con una serie de historiadores: Ángel Viñas, Mirta Núñez, Paul Preston… ¿Y cómo habéis hecho para hacer este destilado, digamos, o esta esencialización? Ese proceso y las dos temporadas que ha estado 1936 en cartelera, me han servido para tener una idea muy clara de lo que se quiere contar teatralmente, pero también históricamente. Entonces hice una dramaturgia para la conferencia donde consideraba que debía estar lo esencial sin irme más allá de una hora cuarenta o cuarenta y cinco, para que su dinamismo también fuera parte de lo didáctico. Estás hablándole a jóvenes que muchas veces no han oído hablar nunca de los personajes de los que se les habla y necesitas no solamente una lección histórica, que no es que huyera de eso porque eso estaba también, pero era importante conservar ese pulso teatral que hace atractivo lo didáctico. En ese sentido es verdad que la obra original tanto como tus tus obras dos obras anteriores, (Shock 1: El Cóndor y el Puma y Shock 2: La Tormenta y la Guerra), tienen algo como de gran panorámica o de fresco brechtiano, en que hay un componente didáctico, pero al mismo tiempo estás contando y divirtiendo. Sí, yo creo que la historia es es puro teatro. Es idónea para ser representada. Y de hecho, antes de nacer la historia como tal, nace La Odisea, por ejemplo, y luego nacen Los Persas, que son al fin y al cabo relatos históricos, en donde se habla de cosas que pasaron, cambiándole a veces la época o los nombres. Pero también en La Ilíada la guerra de Troya es puro espectáculo, es novela y es historia también. Incluso con su fantasía también dentro, ¿no? La Biblia tres cuantos de lo mismo. Todos los relatos míticos beben mucho de la ficción, pero también mucho de la historia, evidentemente. ¿Y qué crees que hace que esta parte de nuestra historia en concreto sea tan teatral? Yo creo que cualquier parte de nuestra historia lo es, lo que pasa es que la guerra civil, hoy en día, es actualidad. Y entonces es algo que la gente demanda, es decir, quiere ver cosas, quiere saber cosas de la guerra. Ten en cuenta que muchos de nuestros padres la han vivido, muchos de nuestros abuelos lo han vivido. Y entonces eso ya hace que te ataña directamente. Pasamos todos los días por la Gran Vía, que fue bombardeada terriblemente. Aunque en la educación se nos haya hurtado el relato histórico auténtico, la guerra civil en literatura historiográfica, en los libros de historia, digamos, es el cuarto suceso o el tercero del que más se ha publicado en el mundo. El primero es la Segunda Guerra Mundial. El segundo acontecimiento histórico más el que más se ha publicado es la Primera Guerra Mundial. El tercero, la revolución francesa, y casi casi a la par la guerra civil española. El hecho de que la guerra civil sea metáfora de todas las guerras y el hecho de que gran parte de los elementos historiográficos hoy estén de actualidad como el renacimiento del fascismo o la España vertebrada en comunidades en estatutos de autonomía… Hay muchísima realidades para las que nos sirve de ejemplo la guerra civil. O la desaparición de toda la cultura que nació en España potentísimamente desde antes de la Segunda República y que fue eliminada, y que todavía Antonio Machado, Miguel Hernández o García Lorca siguen siendo los primeros poetas, más todas las desaparecidas, como las Sinsombrero, o artistas como Maruja Mallo, de quien se acaba de hacer una exposición en el Reina Sofía… Entonces todos estos elementos hacen que esto, más que los reyes visigodos, sea algo que el público demanda. Y además la guerra es uno de los espectáculos por excelencia. ¿Sabes que hubo una manifestación de falange española en Callao la semana pasada (con el lema “contra su invasión: remigración”)? Algo me enteré, no mucho, pero porque no me llaman mucho la atención los falangistas, pero sí, es teatral. Y es algo tan reaccionario y por otro lado tan ignorante que es interesante que lo tengamos en cuenta para no repetirlo. Una pregunta un poco absurda, pero ¿cómo te imaginas que sería nuestro teatro si la generación del 27 no hubiera sido interrumpida? Qué complicado. Bueno, igual no es tan complicado. Hubiera ido parejo a lo que se hizo en Europa. Es decir, pasamos por una guerra igual que toda Europa y lo que pasa es que se instauraron regímenes democráticos en toda Europa menos en España. Entonces, yo creo que la potencia literaria que tenía España en aquel momento tanto en teatro como en poesía y novela, como en cualquiera arte y en ciencia, si el régimen democrático hubiera seguido con normalidad, con su alternancia, imagino con lo que fuera, habríamos tenido figuras tan importantes, pues como Heiner Müller, o como muchos de los dramaturgos italianos, alemanes o ingleses que han nacido después, ¿no? Eso sí que es una pena porque los tuvimos a muchos pero muchos no pudieron desarrollar su trabajo, con lo cual no dejaron una herencia clara para que nosotros la recogiéramos. Hace poco, por motivos personales, me llamaron para un homenaje a José Ruibal en Galicia. Yo no había leído a José Ruibal, no sé si tú lo has leído alguna vez. No, la verdad es que no. Es uno de los de los teatreros de los 50-60 que se oponen directamente al régimen y prácticamente vive un exilio. No forma parte ya del exilio, pero sí del exilio obligado porque aquí no se le representaba, no se le hacía caso, etcétera, etcétera. Y en Estados Unidos, sin embargo, pega un pelotazo. He leído la obra que nunca fue representada más que una vez bastante mal en España, El hombre y la mosca, y es magnífico. Magnífico. Heredero de Ionesco y que va mucho más allá. Entonces, bueno, lo perdimos, tuvimos la suerte los que somos del 60, pero que nos desarrollamos a finales de los 70 y los 80, de nacer frescos al mundo y eso aporta una mirada diferente a lo que es la dramaturgia española a partir de los 80, yo creo. Pero nos perdimos mucha carrera de fondo y de profundidad. ¿Hay algo que te parezca algo importante contar sobre la conferencia? Sobre la conferencia es importante recalcar el carácter espectacular y que va de la mano de lo didáctico y pedagógico. Que allí donde nos llamen tengan en cuenta que el público más necesario es el joven. Que es el que tiene que descubrir un periodo apasionante. No solamente la guerra es apasionante, como hecho histórico y la República es apasionante, como histórico y político también, ¿no? Entonces, la deuda que tengo ahora es con el franquismo, me parece un poco siniestro decirlo, pero sí que me gustaría, aunque quiero descansar un poco, quiero hacer algo sobre el franquismo y lo tengo planeado, no tanto por hacer historias, sino por los nuevos franquistas y el nuevo fascismo que puebla Europa. Hay algo en la conferencia aparte de lo que te ha dicho de la música y tal, que son los discursos. A mí me gustan mucho los discursos en teatro, recuperarlos. La oratoria, ¿no? que normalmente está sujeta a la propaganda. La propaganda es un terreno muy bonito para hacer teatro. Pero hay algo que me llamó mucho la atención, sobre todo el personaje de Azaña, que nunca hizo propaganda en sus discursos y eran igualmente efectivos o más. Son discursos con disertaciones filosóficas y sociológicas en muchos casos. Más que políticas, incluso. Lo que pasa es que todo eso está dicho por un político que tiene un destino político, por así decirlo, y eso es lo que llama la atención el discurso. Pero cuando escuchas a Azaña escuchas a un pensador, y eso es muy interesante, y eso lo matamos en España. Lo llevamos a al exilio y ahí se murió muy prontito a los pocos días de acabar la guerra. Hay algo dentro de la situación teatral de España de este momento, que creo que es un poco insólito que se puedan hacer cosas así, como el programa de este de España en Libertad y estas conferencias y otros eventos que van a producir ellos, como el Festival Tachán comisariado por Marta García Miranda (con Rodrigo García, Ben Attia, Paula Quintana, Los Bárbaros, Los Voluble, Laura Morales…), y piezas escénicas singulares, en términos de producción y de formato. Estoy un poco inquieto por el momento político que hay. Aunque el PSOE no sea precisamente la panacea, ahora mismo permite de algún modo estas singularidades, como que esté Sanzol en el CDN (que ha abierto entre otras cosas la entrada a un teatro nacional de gente como Las Huecas, El Conde de Torrefiel, Edurne Rubio, Cris Blanco…) me inquieta que el cambio político que pueda haber en los próximos años y la inminente reforma del INAEM, dificulte que haya contextos como este. Sí, no hace falta hacer especulaciones, eso lo vemos en la política teatral de la Comunidad de Madrid. No existe nada de esto. Ya está. Eso es lo que vamos a tener a nivel nacional. Ha habido momentos en que ha sido igual también, ¿eh? Y hemos seguido trabajando, con menos apoyo, evidentemente, pero… He de decirte que aunque el PSOE para mi gusto tampoco es la palancea, yo voto a la izquierda, pero el PSOE ha hecho posible en este último gobierno de coalición, no sé si por la coalición o por la voluntad de Pedro Sánchez, el que haya políticas de izquierdas. Aunque no en todos casos, por ejemplo, en el INAEM echo de menos una política más de izquierdas. Pero por lo menos en igualdad, en memoria histórica, se están haciendo cosas más interesantes, ¿no? Sí, por eso lo decía también, porque me parece inminente el bandazo. También es fruto del gobierno de coalición. Yo no quiero echar ninguna flor especial a nadie, porque no va de eso lo que comento. Pero evidentemente Isla Aguilar está ahí metida y no es precisamente porque sea del PSOE, sino todo lo contrario. Es gente muy progresista que está propiciando cosas, acciones progresistas dentro del gobierno. El PSOE anterior a Pedro Sánchez, incluso con los primeros pasos de Pedro Sánchez, era mucho más pacato. Un Felipe González, ya lo ves ahora mismo, nunca hubiera dicho “no a la guerra”. Todo eso hay que valorarlo. Votes o no votes a Pedro Sánchez, pero hay que valorarlo, yo creo. Se le está atacando por ser prácticamente el demonio, según la nueva derecha. El nuevo Stalin. Totalmente. surrealista, pero bueno. Yo por eso te decía que es muy teatral el discurso político basado en la propaganda y el discurso contemporáneo, de ahora, basado en la propaganda, es ridículo. Es Donald Trump, el que ha dado el pistoletazo de salida. Da igual, vale cualquier cosa con tal de llamar la atención. Cualquier cosa. Yo creo que ni Goebbels era tan efectivo, y eso que es el que implanta ese tipo de propaganda. Pero Goebbels yo creo que tenía más clase, más estilo, más cultura estética. Pero esta gente no, y los hijos de esta gente, los trumpistas españoles son además muy chabacanos. No hay más que escuchar a Jaime de los Santos. Es impresionante. Les da igual que les denuncie. Ya en Shock 1 sacabas la cita esta de Trump “podría pegar un tiro a alguien por la calle en pleno día e igualmente me seguirían votando”. Sí, sí, sí. Es impresionante. Es estrategia, no es casual. Toda la estrategia de Donald Trump, el que piense que es un loco que vamos a ver qué es lo que se le ocurre ahora, yo no lo sé, pero yo me inclino más por que todo eso está bastante estudiado. Tiene detrás una gente que le interesa eso, concretamente eso. Hay algo también en esto de teatralizar los discursos que es interesante también en el nivel pedagógico, digamos, porque permite pararse más a escucharlos, al ponerlos en otro contexto Y eso abre una escucha distinta. El discurso de hecho juega con la visceralidad. Con el momento. Y más los que sacamos en la Guerra Civil. Porque no existe, por supuesto ni la televisión, ni internet, pero juega mucho con el momento, ¿no? Digo esto, algo que le hierva la sangre al mayor número de gente posible y esto va para adelante. Sí, es lo mismo lo que están haciendo ahora el PP y Vox en la citación política que tiene como objetivo derribar al gobierno única y exclusivamente. Cuanto más extremo y más le hierva a la gente la sangre es mejor. Entonces, es muy presente, es muy de ahora. Por eso es muy teatral también.

Miguel Valentín

Fotos de Baldesca Samper