TEM PREGUIÇA NÃO!

Mickey e Pateta – Pé na Estrada: o encontro improvável entre Disney e a geração beat

2026-05-29T09:31:27.990-03:00

As histórias da Disney sempre tiveram uma relação muito próxima com a cultura pop e os grandes clássicos da literatura e do cinema. Não é raro encontrar versões de obras como Moby Dick, Os Três Mosqueteiros, A Ilha do Tesouro ou filmes como Casablanca e Star Trek reinterpretados com Pato Donald, Mickey ou Tio Patinhas. Na Itália, isso acabou virando praticamente uma tradição editorial, com décadas de paródias e homenagens que transformaram os personagens Disney em protagonistas de releituras culturais inesperadas.

Mas poucas histórias são tão improváveis e ao mesmo tempo bem-sucedidas quanto Mickey e Pateta - Pé na Estrada, escrita por Fausto Vitaliano e desenhada por Paolo Mottura. A HQ adapta livremente “On the Road” (Pé na Estrada), clássico de Jack Kerouac e uma das obras mais importantes da geração beat. E aí está justamente o que torna essa história tão curiosa.

“On the Road” está muito longe do tipo de obra normalmente associado ao universo Disney. Não é uma aventura juvenil tradicional, nem uma fantasia ou um romance de capa e espada. O livro de Kerouac fala sobre liberdade, inquietação, estrada, improviso e busca existencial. É uma obra profundamente ligada à contracultura americana dos anos 1950, à espontaneidade e à rejeição da vida tradicional.

Transformar tudo isso em uma HQ Disney parece improvável. Mas Vitaliano consegue preservar o espírito da obra original sem descaracterizar Mickey e Pateta. A história foi publicada originalmente na revista Topolino #3109 na Itália em 2013. No Brasil, em 2019 foi publicada pela Panini em uma bela edição capa dura no formato Graphic Disney, com tradução e edição de Marcelo Alencar. São 80 páginas, sendo 65 dedicadas aos quadrinhos e o restante recheado de extras, esboços e materiais de bastidores.

Na trama, Mickey é um escritor que acaba de concluir seu romance e sonha em conseguir uma editora para publicar sua obra. Antes disso, recebe a missão de entregar bobinas de papel do outro lado dos Estados Unidos para uma editora chamada Scribner, uma referência direta à editora que recusou o primeiro romance de Jack Kerouac.

Convencido de que aquela viagem pode ajudá-lo a mudar sua vida, Mickey parte estrada afora e acaba cruzando com Pateta, aqui retratado quase como um andarilho filosófico. Sem dinheiro, sem rumo definido e vivendo de favores, improvisos e amizades ocasionais, Pateta viaja simplesmente porque ama viajar.

A relação entre os dois funciona como o verdadeiro coração da HQ. Mickey representa o planejamento, o controle e a necessidade de ter um objetivo claro. É alguém racional, bem ingênuo e preso às próprias expectativas. Pateta é exatamente o contrário: vive o presente, aceita os imprevistos e transforma qualquer acaso em experiência. Aos poucos, Mickey vai percebendo que talvez o mais importante não seja o destino final, mas tudo aquilo que acontece durante o caminho.

Essa ideia aproxima diretamente a HQ da obra de Kerouac. Assim como em “On the Road”, a estrada passa a representar descobertas e transformações dos personagens. Claro que a Disney suaviza os elementos mais pesados da geração beat. Não existem aqui os excessos, as crises existenciais destrutivas ou a rebeldia amarga presentes no livro original. Em vez disso, a HQ aposta em amizade, contemplação, humor e crescimento emocional.

Isso mostra algo muito interessante sobre os quadrinhos Disney: eles não apenas adaptam obras famosas, mas filtram culturalmente certos símbolos para torná-los acessíveis a leitores mais jovens sem eliminar completamente suas camadas originais.

Os quadrinhos Disney funcionam como uma forma de alfabetização cultural quase invisível. Uma criança ou alguém que não tem o costume de ler provavelmente não entenderá as referências à geração beat ou a Jack Kerouac, mas ainda assim absorverá ideias sobre liberdade, amizade, improviso e descoberta.

No Brasil, dá até para fazer um contraponto com aquela velha justificativa de quem nunca conseguiu desenvolver o hábito da leitura porque foi apresentado cedo demais a clássicos considerados “pesados” na escola. Talvez, a porta de entrada ideal fosse justamente uma paródia como “Memórias Póstumas de Brás Donald”, permitindo que o leitor criasse primeiro um vínculo afetivo com a obra, quase sem perceber que estava entrando em contato com o clássico da literatura de Machado de Assis.

Isso deve ter ainda mais força no Brasil porque os quadrinhos Disney circulam durante décadas em bancas, alcançando leitores que talvez nunca tivessem acesso fácil às obras originais. Para muita gente, as histórias em quadrinhos são uma introdução informal à literatura, ao cinema e até à história mundial. Essas paródias acabam cumprindo um papel raro: conseguem divertir, educar e transmitir patrimônio cultural ao mesmo tempo, sem parecer uma aula.

Arte de Mottura inspirada no quadro Nighthawks (1942) de Edgard Hopper.

Vizinho de Mickey inspirado em Neal Cassady, amigo de viagem de Jack Kerouac.

Depois desse leve desvio, voltamos à estrada. A influência da obra original aparece em vários detalhes espalhados pela narrativa. Existem referências ao personagem Dean Moriarty, reinterpretado na história como um vizinho de Mickey. Dean é o companheiro de viagem de Sal Paradise, na obra original “On the Road” Sal é o próprio Jack Kerouac e Dean é Neal Cassady, também escritor e amigo de Kerouac.

Neal Cassady e Jack Kerouac.

Falando nisso, “On the Road” foi escrita em 1951, mas publicada em 1957. É baseada nas viagens rodoviárias reais e de caronas que Kerouac fez pelos Estados Unidos e México. Ele documentou suas aventuras junto ao amigo Neal. O tal rolo de papel que Mickey precisa levar ao extremo oeste, é uma referência ao rolo de papel de 36 metros em que Kerouac datilografou a história, freneticamente em apenas três dias. Seu estilo de escrita era chamado de “prosa espontânea”, inspirado no ritmo do jazz.

Os desenhos de Paolo Mottura ajudam muito nessa atmosfera. As paisagens amplas, os cenários de estrada, os trens de carga, os motéis decadentes e os longos horizontes reforçam constantemente a sensação de movimento. Em formato maior, na edição da Panini, a arte ganha ainda mais impacto. As páginas respiram, valorizando detalhes e enquadramentos cinematográficos que muitas vezes passam despercebidos no formato tradicional de revista, especialmente nas versões publicadas anteriormente na revista Mickey da Editora Abril.

Embora exista um mistério envolvendo personagens perseguindo Mickey e Pateta ao longo da trama, isso funciona quase como pano de fundo. O verdadeiro foco da HQ está no clima contemplativo da viagem e na relação construída entre os protagonistas.

Em vários momentos, a narrativa assume até um tom filosófico. Frases como “é bonito ter um destino, mas a melhor parte da viagem é viajar” resumem perfeitamente a proposta da obra. Existe uma reflexão constante sobre a diferença entre ser turista e ser viajante, entre apenas chegar a um lugar e realmente viver o caminho.

Talvez por isso “Pé na Estrada” tenha conquistado tantos leitores adultos. É uma história que conversa diretamente com experiências reais da vida: amizade improvável, amadurecimento, frustração, improviso e a sensação de que algumas jornadas acabam mudando as pessoas sem que elas percebam. Ela funciona tanto para crianças quanto para adultos, o que talvez explique tantos leitores a considerarem uma das melhores aventuras de Mickey e Pateta já produzidas.

Tex e a Vingança de Carvalho Vermelho

2026-05-27T09:49:28.293-03:00

Tex #636 – Flechas Mortais marcou uma mudança importante para o ranger no Brasil. Foi a partir desta edição que a Editora Mythos passou a publicar a série no tradicional formato italiano (16 x 21cm) e papel offset, abandonando aos poucos o velho formatinho (13,5 x 17,5cm) em papel jornal. A HQ também iniciou uma nova numeração, transformando esta edição na “Primeira” dessa nova fase de Tex.

Com o tempo, tanto a editora quanto os leitores acabaram abraçando a mudança. O formato italiano se consolidou e até as edições anteriores começaram a ser republicadas nesse novo padrão, a partir da edição #586. Mais do que uma simples troca de formato, era também uma oportunidade perfeita para novos leitores finalmente começarem a acompanhar Tex sem a resistência que muitos tinham ao antigo formatinho. E, felizmente, a história inaugural foi bem adequada.

“Flechas Mortais” e sua continuação, “Vingança Vermelha”, originalmente publicadas na Itália Tex #736 e #737, formam uma aventura clássica de western escrita por Pasquale Ruju e desenhada por Giuseppe Prisco. É uma história que aposta no básico da série: conflitos indígenas, perseguições, vingança, grandes paisagens e muitos tiroteios. E justamente por isso funciona tão bem.

A trama acompanha Carvalho Vermelho, um velho chefe comanche que, após a morte da esposa, decide se afastar de sua tribo para esperar serenamente o fim da própria vida. Durante sua ausência, porém, sua aldeia é atacada, destruída e sua família acaba massacrada. Consumido pela dor e pela raiva, o velho guerreiro encontra um novo motivo para continuar vivendo: vingança.

Em uma das imagens mais simbólicas da história, Carvalho Vermelho recolhe as flechas usadas no massacre e decide seguir o rastro do homem responsável pela tragédia. Esse homem é Chogan.

Tex e Kit Carson já estão em seu encalço quando a história começa. Chogan é um guerreiro extremamente violento, responsável por ataques contra aldeias comanches, sequestro de mulheres e formação de um pequeno exército pessoal composto por bandidos e jovens guerreiros manipulados por sua liderança brutal.

O roteiro de Pasquale Ruju trabalha muito bem as motivações do vilão. Chogan nasceu cheyenne, mas foi arrancado de sua tribo ainda criança e criado entre os comanches. Cresceu sem pertencimento, desprezado pelos jovens da aldeia e marcado por um ressentimento profundo contra o próprio povo que o acolheu. Esse trauma se transforma em ódio e violência, fazendo com que ele volte sua fúria justamente contra os comanches.

Existe também um elemento interessante na forma como o personagem recruta jovens guerreiros. Chogan manipula adolescentes vulneráveis, oferecendo sensação de pertencimento, poder e propósito. Entre eles está Kimy, um garoto dividido entre o fascínio pela figura forte de Chogan e a condição de prisioneiro dentro daquele grupo.

Ruju utiliza esse conflito para construir um paralelo bastante atual. A história questiona como jovens podem admirar figuras claramente violentas e repugnantes apenas porque elas aparentam força, carisma ou se apresentam como vítimas do sistema, ignorando completamente as atrocidades que cometem.

Apesar desse subtexto mais contemporâneo, a estrutura da aventura permanece totalmente clássica. Os vários núcleos da trama vão se aproximando gradualmente até culminarem em um confronto final bem interessante. O roteiro mantém um ritmo rápido e evita excesso de explicações, deixando que os personagens conduzam boa parte da narrativa.

A arte de Giuseppe Prisco contribui muito para o resultado. Seu traço é expressivo e atmosférico, especialmente nas cenas envolvendo os personagens indígenas. Carvalho Vermelho ganha enorme presença visual através dos desenhos. Mesmo sendo um homem idoso, ele transmite imponência o tempo inteiro, e Prisco consegue mostrar perfeitamente o peso da idade em seus movimentos sem jamais diminuir sua força.

Os cenários também merecem destaque. As cenas noturnas utilizam sombras e hachuras, criando uma ambientação quase melancólica e sombria. Em outras páginas, o desenhista aposta em quadros mais abertos e contemplativos, valorizando a paisagem e reforçando o clima típico dos grandes westerns.

Curiosamente, Tex e Carson acabam funcionando quase como personagens coadjuvantes dentro da trama. Embora estejam presentes o tempo inteiro, o foco emocional da narrativa está claramente em Carvalho Vermelho e em sua jornada de vingança.

Ainda assim, Ruju entende perfeitamente a essência da dupla. Tex continua sendo o ranger durão, sarcástico e explosivo de sempre. As famosas tiradas irônicas aparecem em praticamente todas as sequências de ação, resgatando aquele espírito clássico do personagem que resolve problemas no soco, na bala e na provocação verbal. “Sem tempo irmão“, para se preocupar em parecer moderno ou sofisticado, apenas querendo resolver a situação.

Carson, por sua vez, segue roubando cenas graças à personalidade extremamente carismática. Sua relação com Carvalho Vermelho rende alguns dos melhores momentos da história, especialmente quando o velho chefe insiste em agir sozinho, colocando todos em perigo e testando a paciência do eterno “Cabelo de Prata”.

O principal problema da aventura continua sendo algo recorrente em Tex: a quase completa invencibilidade do protagonista. Em diversos momentos, Tex atravessa tiroteios praticamente sem sofrer consequências, reduzindo bastante a tensão dos confrontos. O personagem chega a enfrentar inimigos de peito aberto em algumas cenas, eliminando adversários sem grande dificuldade.

Mesmo assim, Ruju consegue construir um clímax eficiente no desfecho da história. Encurralados por Chogan e seus homens no alto de um monte, Tex, Carson, Carvalho Vermelho e os jovens sequestrados precisam sobreviver com pouca munição, sob uma chuva torrencial e praticamente sem rota de fuga. A solução encontrada através de uma caverna subterrânea cria um dos momentos mais tensos da trama, cena que acabou sintetizada na capa de Claudio Villa para a edição #637.

No fim das contas, a sensação é mesmo de uma “aventura de transição”. Uma história menor em escala, confortável e segura, especialmente porque serve de preparação para a gigantesca saga envolvendo Mefisto, que ocupará as sete edições seguintes da revista até Tex #644. Mas isso está longe de ser um defeito.

“Flechas Mortais” e “Vingança Vermelha” funcionam justamente porque entendem aquilo que Tex faz melhor: um western direto e eficiente, baseado em vingança, conflitos indígenas, perseguições e personagens fortes. É uma excelente porta de entrada para novos leitores que chegam pelo novo formato da edição e encontram uma trama dinâmica e bem construída. E também uma leitura extremamente agradável para veteranos, pois a história traz o espírito clássico da série.

E, às vezes, o básico bem feito ainda é tudo que um grande western precisa.

Insones: O mangá que transforma noites sem dormir em poesia cotidiana

2026-05-23T20:16:48.965-03:00

Insones – Caçando estrelas depois da aula, publicado no Brasil pela Panini é um mangá que não canso de indicar e comentar. Entre tantos mangás românticos cheios de exageros, triângulos amorosos e conflitos dramáticos, poucos conseguem encontrar beleza justamente nas pequenas coisas do cotidiano. É exatamente isso que torna esta uma obra tão especial.

Com o título original Kimi wa Houkago Insomnia, a obra da mangaká Makoto Ojiro aposta em uma premissa interessante, uma narrativa calma, divertida e acolhedora, que fala sobre conexões humanas e conta a história de dois adolescentes unidos pela dificuldade de dormir.

Acompanhamos Ganta Nakami, um estudante colegial dedicado, porém socialmente deslocado, um efeito direto de sua constante insônia. Incapaz de dormir à noite, ele vive exausto e isolado, até que encontra um refúgio inusitado: o antigo local do clube de astronomia de sua escola, uma sala abandonada com um telescópio.

Lá, surpreende-se ao encontrar Isaki Magari, uma colega popular e energética que também sofre de insônia e encontrou nesse mesmo lugar um porto-seguro para descansar. A partir desse encontro casual, os dois começam a compartilhar o espaço, e suas noites insones passam a ter significado, não mais solitárias, mas preenchidas por conversas, companheirismo e descobertas.

O espaço acaba se transformando em um refúgio particular e, eventualmente, no ponto de partida para um pequeno clube de astronomia e fotografia. O mangá consegue transformar momentos cotidianos em cenas carregadas de emoção. A história não tenta acelerar acontecimentos ou criar grandes reviravoltas, pelo contrário, ela abraça um ritmo mais lento, típico das obras slice of life, permitindo que os personagens se conheçam aos poucos e desenvolvam uma relação natural e extremamente sincera.

O romance também foge bastante dos clichês mais comuns do gênero. Em vez de rivalidades artificiais ou personagens exageradamente idealizados, a relação entre Isaki e Nakami cresce através da convivência, das conversas noturnas e da sensação compartilhada de vulnerabilidade. Existe um toque de timidez e falta de jeito em praticamente todas as interações entre eles, mas é justamente isso que faz tudo parecer tão genuíno.

Outro ponto que chama atenção em Insones é a forma como os personagens são desenhados. Diferente de muitos mangás românticos tradicionais, aqui os adolescentes parecem adolescentes de verdade. Os traços não tentam transformar os protagonistas em figuras perfeitas ou excessivamente “bonitas”. Há sobrancelhas desalinhadas, expressões engraçadas, olheiras e corpos mais naturais, algo que reforça ainda mais a sensação de realismo presente na obra.

Essa preocupação com o real também aparece nos cenários, especialmente pala ambientação se passar na cidade de Noto (Oeste do Japão) adicionando um charme especial. O trabalho visual de Makoto Ojiro impressiona especialmente nas paisagens urbanas e nas cenas noturnas. Ruas vazias, céu estrelado, chuva, postes iluminando a madrugada e ambientes silenciosos criam uma atmosfera que quase dá pra sentir. Em vários momentos, os cenários lembram fotografias reais adaptadas para o traço do mangá, o que combina perfeitamente com a temática da fotografia presente na narrativa.

Existe um sentimento constante de melancolia em Insones, mas nunca de uma forma pesada ou desesperadora. A obra entende que crescer envolve ansiedade, insegurança e medo do futuro, mas também encontra beleza nesses momentos de fragilidade. O resultado é uma história extremamente acolhedora, capaz de transmitir conforto mesmo quando aborda temas mais sensíveis.

Além do romance, o mangá também fala sobre juventude, saúde emocional, solidão e a importância de encontrar alguém que compreenda nossas dificuldades sem precisar de muitas explicações. Tudo isso é tratado de maneira muito delicada, sem discursos exagerados ou dramatizações forçadas.

A narrativa ainda se destaca pelo uso de “cenas silenciosas”, momentos em que praticamente não há diálogos e o leitor apenas observa os personagens, os ambientes e as emoções transmitidas pelos olhares ou pela composição visual. São sequências que reforçam o clima contemplativo de Insones e ajudam a criar uma conexão emocional muito forte com os protagonistas.

Mesmo sendo uma história tranquila, o mangá nunca se torna parado e sempre existe algo interessante acontecendo, seja um novo passeio noturno, uma sessão de fotos, uma conversa íntima ou apenas um instante simples compartilhado entre os personagens.

Outro mérito da obra é não transformar tudo em um conto perfeito. Problemas aparecem, inseguranças permanecem e algumas situações machucam bastante emocionalmente. Ainda assim, essas dificuldades fazem parte da experiência e ajudam a dar profundidade à história. Insones entende que a juventude pode ser bonita e dolorosa ao mesmo tempo.

No primeiro volume a trama se aprofunda bastante em apresentar Ganta e Isaki, e também a formação do clube de astronomia. Nas edições seguintes mais e mais personagens vão entrar no clube e a trama vai evoluindo naturalmente, sem ser monótona, mas uma leitura muito gostosa onde a cada capítulo vamos nos apegando mais e mais na história de todos. A astrologia e a fotografia também são levadas em conta, onde acabamos aprendendo junto aos personagens sobre estes dois assuntos.

O mangá já foi concluído no Brasil em 14 volumes. A obra também ganhou uma adaptação em anime, que ajudou a ampliar ainda mais sua popularidade e manteve boa parte da atmosfera calma e emocional do mangá original. Em 2023 foi lançado um live-action (filme) baseado no mangá com Daiken Okudaira como Ganta e Nana Mori como Isaki.

Insomniacs After School - Anime

Live action lançado em 2023.

Insones é uma leitura perfeita para quem gosta de slice-of-life com toques de reflexão existencial, relacionamentos sinceros e uma atmosfera noturna envolvente. Para quem já passou noites em claro perdido em pensamentos, a obra transforma essa sensação de isolamento em algo profundamente humano, entre memórias, inseguranças e sonhos sobre o futuro.

Aprendendo a Cair: HQ emocionante que retrata luto, deficiência e empatia

2026-05-19T09:35:47.534-03:00

Nem toda história precisa apostar em reviravoltas mirabolantes ou cenas de impacto para chocar o leitor. Algumas encontram sua força justamente nos pequenos gestos, no silêncio e nas dores cotidianas. “Aprendendo a Cair” do autor alemão Mikaël Ross tem uma narrativa profundamente humana sobre solidão, medo e necessidade de pertencimento.

A HQ, lançada no Brasil pela Nemo em 2020, tem 128 páginas coloridas e formato europeu com tradução de Renata Silveira.

Acompanhamos Noel, um jovem de 22 anos com deficiência intelectual. Ele vive com sua mãe em Berlim a qual ele chama carinhosamente de “Mamãezinha”. Os dois sempre estão grudados e o leitor é apresentado a uma relação marcada por carinho, rotina e afeto. Noel está comemorando seu aniversário, cercado pelas pequenas coisas que ama: marshmallows queimados, bem torrados, quase carbonizados, música e a companhia da mãe.

Somos apresentados à deficiência de Noel aos poucos e muito natural, na maneira como ele observa o mundo, organiza pensamentos e se comunica. Isso é fruto de uma vivência que Mikaël fez em Neuerkerode, uma vila alemã totalmente inclusiva, onde vivem cerca de 800 pessoas com deficiência intelectual, cuidadas por uma equipe de mil profissionais. Mikaël visitou a vila ao longo de dois anos para absorver as histórias e o cotidiano dos moradores. A vila foi fundada em 1868 pelo pastor evangélico Gustav Stutzer, pelo médico Oswald Berkhan e pela filha de um banqueiro, Luise Löbbecke.

Para comemorar os 150 anos do lugar, a comunidade encomendou uma história em quadrinhos para celebrar a data e Ross aproveitou a oportunidade para realizar sua primeira HQ autoral. Foi durante o convívio de Ross na vila que nasceu o protagonista, Noel, que condensa a história de mais de 70 moradores do lugar.

Back in Black

A noite do aniversário de Noel com sua mãe parece perfeita. Como presente, ele ganha uma guitarra elétrica e ingressos para ver sua banda favorita, AC/DC. Tudo transmite conforto e felicidade. Até que, no silêncio da madrugada, Noel escuta um som seco, de queda vindo do banheiro. Ela sofre um derrame e cai de cabeça. "Em um segundo, a vida de Noel muda completamente. Ele, que nunca precisou tomar decisões sozinho, se vê forçado a descobrir como chamar uma ambulância", comenta Mikaël.

A sequência que Noel encontra sua mãe é angustiante. Acompanhamos com aflição a confusão mental do protagonista, sua dificuldade para entender a situação e o desespero de tentar pedir ajuda enquanto luta para lembrar o próprio endereço. É um momento desesperador que Ross nos mostra sem recorrer a exageros. O horror surge da vulnerabilidade de Noel ao não conseguir compreender totalmente o que está acontecendo com a pessoa mais importante de sua vida.

O plot principal da história surgiu de um desabafo real, que Ross ouviu de um jovem em uma discoteca na vila: o pai do rapaz havia caído da escada, ido para o hospital e nunca mais se recuperou. "Essa é a premissa do livro: a sua vida está perfeitamente bem e, no segundo seguinte, você está por sua conta", reflete o autor.

O título original alemão da HQ é “Der Umfall”, algo como “A Queda”. E nos EUA, a edição publicada pela Fantagraphics tem o título “The Thud”, referenciando à onomatopeia da queda, da batida do corpo da mãe no piso do banheiro. Na edição brasileira, a queda da mãe de Noel ganhou a onomatopeia “Carplaf”, que remete à onomatopeia clássica brasileira para queda de uma pessoa, “Plaft!”.

Mas... o título da edição brasileira, ao chegar ao final da história vai fazer um enorme sentido e emocionar muito ao leitor que acompanhou toda a jornada de Noel.

Capa da edição americana publicada pela Fantagraphics em 2021.

E agora?

Depois que a ambulância leva sua mãe embora, ele simplesmente vaga pela cidade até adormecer em um banco de praça. É nesse ponto que “Aprendendo a Cair” começa a revelar sua verdadeira força narrativa.

Ross faz o leitor acompanhar a tentativa de Noel em compreender a mudança brusca em sua vida. Sem ter para onde ir, ele acaba sob a tutela do Estado sendo encaminhado para Neuerkerode. O impacto da mudança é sentido em cada página, porque a narrativa permanece quase sempre presa à perspectiva de Noel. O leitor não recebe explicações externas ou análises psicológicas detalhadas. Tudo é vivido da maneira como ele próprio interpreta as situações.

A estrutura da HQ ajuda bastante nessa imersão. Ross divide a história em pequenos capítulos centrados nos personagens que Noel conhece na vila. Cada um deles possui uma forma muito particular de compreender o mundo. Valentin, por exemplo, transforma praticamente tudo em números e cálculos. Penelope demonstra gentileza logo no primeiro encontro, e isso basta para que Noel a enxergue como uma princesa.

Já Irma, uma das moradoras mais antigas da comunidade, carrega memórias traumáticas do período nazista, lembrando uma época em que pessoas com transtornos mentais eram perseguidas e desumanizadas. Irma é inspirada em Hana, uma senhora de 90 anos que Ross conheceu em Neuerkerode. Inicialmente, recusava-se a falar com ele por trauma e medo de homens. Com o tempo, Ross descobriu que Hana havia sobrevivido ao nazismo escondendo-se na floresta ao redor da vila.

Por falar em nazismo, Ross comenta que o Holocausto começou com o extermínio de pessoas com deficiência, onde o próprio conceito das câmaras de gás foi testado. Crianças e adultos de Neuerkerode eram levados em ônibus com janelas pintadas para que ninguém visse o interior, sendo assassinados em outros centros por meio de superdosagem de medicamentos. Os dois irmãos de Hana foram levados por esses ônibus.

Não é tarde para aprender

“Aprendendo a Cair” nunca abandona seu tom acolhedor e humano, mas também não ignora o peso histórico e social que envolve o tratamento dado a pessoas neurodivergentes ao longo das décadas. Ainda assim, Ross evita transformar a obra em um estudo histórico ou sociológico. Seu interesse está nas pessoas. Nos pequenos gestos, nos medos cotidianos, nas amizades improváveis e nas diferentes formas de interpretar a realidade, cada um do seu jeito.

Entre os personagens mais marcantes está Valentin, colega de Noel na casa comunitária. Obcecado por ordem e rotina, ele anda sempre com um graveto que chama de “Varana”, um objeto de conforto que carrega para todos os lados. Quando o perde após um ataque de raiva durante uma noite de jogos, Noel decide ajudá-lo a encontrar outro no meio da floresta.

É durante essa busca que surge mais uma cena muito emocionante da HQ. Os dois encontram um pássaro morto caído no chão. Noel, ainda incapaz de aceitar completamente a situação da mãe, olha para o animal e diz que ele “está dormindo”, assim como sua “Mamãezinha”. Para ele, a mãe não morreu nem está próxima disso: ela apenas está em coma e logo voltará para casa.

A cena funciona como um retrato delicado do luto e da negação. Sem discursos explicativos, a HQ mostra como Noel tenta organizar emocionalmente um trauma que ainda não consegue processar.

O tom da arte

Visualmente, Mikaël aposta em um estilo cartunesco bastante expressivo, que lembra em alguns momentos o trabalho de Joann Sfar e Christopher Blain (O gato do Rabino, Blueberry e Gus). Os personagens possuem traços simples, quase caricaturais, mas carregam enorme personalidade. As expressões faciais e corporais dizem muito sobre seus estados emocionais e Ross usa exageros visuais de maneira inteligente para enfatizar ansiedades, medos e peculiaridades de cada um.

A própria cor também funciona como ferramenta narrativa. Em boa parte da HQ, a paleta é propositalmente limitada e chapada, mas em determinados momentos Ross introduz cores mais vivas e intensas para transmitir desorientação emocional ou sobrecarga sensorial. É um recurso discreto, mas bastante eficiente.

Ross comenta que a HQ trouxe um desafio físico, pois inspirado por artistas de um ateliê, o autor decidiu não usar tintas e coloriu a HQ usando apenas lápis de cor. O processo levou um ano de trabalho intenso e doloroso. Ao contrário do pincel, o lápis de cor exige pressão constante, o que castigou as mãos do autor e o forçou a usar áreas em branco estrategicamente, contando com a ajuda de um colorista digital no Photoshop para os fundos.

Outro detalhe curioso é a presença recorrente de músicas e referências da banda AC/DC ao longo da história. Em teoria, isso poderia soar deslocado diante de um tema tão delicado, mas Ross incorpora esses elementos de forma natural, usando-os como parte da personalidade e das referências afetivas dos personagens.

Let there be rock

A HQ trata sobre deficiência intelectual e neurodivergência e prima em não tratar os personagens com pena ou infantilização. "Aprendendo a cair" fala sobre pessoas tentando encontrar estabilidade em meio ao caos emocional, seja através de um graveto chamado “Varana”, de uma manta usada como capa de conforto ou da esperança de que alguém amado ainda possa voltar para casa. É uma leitura dolorosa em vários momentos, mas também extremamente gentil. Daquelas histórias que não precisam de muito para deixar uma marca profunda no leitor.

Mikael Ross constrói uma narrativa humana, sensível e acessível, capaz de ir muito além do público tradicional dos quadrinhos. É uma obra que merece ser lida também por pais, educadores e por qualquer pessoa interessada em compreender melhor uma realidade cada vez mais presente e necessária de ser discutida com empatia.

Ross e a busca pela sua própria voz

Ross consolidou seu talento ilustrando os roteiros do escritor belga Nicolas Wouters. Dessa parceria nasceram duas obras marcantes: “Les Larmes”, uma narrativa pintada em aquarela que acompanha dois amigos com personalidades opostas enfrentando diferentes encruzilhadas na vida, enquanto um ascende, o outro entra em declínio. E “Totem”, baseado nas memórias reais de Wouters, a HQ explora o universo dos escoteiros na Bélgica.

Totem (2016)

"Totem" entrelaça a dura experiência dos acampamentos com o luto real do roteirista, que perdeu o irmão na mesma época. Após “Totem”, Ross se viu sem rumo. Não queria mais ilustrar histórias de outros autores, precisava descobrir sua própria voz e a busca por um projeto autoral o levou a Neuerkerode. “Aprendendo a Cair” foi um estrondoso sucesso, sendo lançada em mais de 11 países.

Cuphead e sua divertida experiência nos quadrinhos

2026-05-14T10:25:07.469-03:00

O universo de Cuphead sempre pareceu destinado a existir além dos videogames. Desde seu lançamento, o título desenvolvido pelo StudioMDHR chamou atenção não apenas pela dificuldade brutal, mas principalmente pela identidade visual inspirada nos desenhos animados das décadas de 1920 e 1930. Com traços “rubber hose”, animação artesanal e referências diretas à era de ouro dos cartoons norte-americanos, o jogo rapidamente virou um fenômeno cultural que ultrapassou o público tradicional dos games.

Cuphead (2017)

A expansão da marca para outras mídias só engrandeceu a obra. A excelente série animada The Cuphead Show! (2022), produzida pela Netflix, foi um passo natural nesse processo. Mas antes mesmo de consolidar sua presença no streaming, Cuphead encontrou nos quadrinhos um terreno surpreendentemente fértil para explorar melhor seus personagens, seu humor nonsense e seu visual nostálgico.

Publicadas pela Dark Horse Comics em 2020, as HQs da franquia mostram que o charme de Cuphead nunca esteve apenas no visual do game, nas batalhas contra chefes irritantes ou no prazer em vencê-los. Existe ali um universo cartunesco forte o bastante para sustentar histórias próprias e os dois primeiros volumes deixam isso bastante claro.

Uma adaptação que entende a essência do jogo

O maior receio em adaptar Cuphead para os quadrinhos era óbvio: como transportar para páginas estáticas um jogo cuja identidade depende tanto de movimento, exagero visual e ritmo frenético? A resposta encontrada pela equipe criativa funciona melhor do que se imaginava.

Os roteiros de Zack Keller (que escrevia histórias de terror para a Dark Horse) apostam em aventuras episódicas curtas, enquanto a arte de Shawn Dickinson reproduz com enorme fidelidade a estética dos desenhos clássicos. O resultado lembra mais uma coletânea de tiras e curtas animados antigos do que uma adaptação convencional de videogame.

O volume 1 – Comic Capers & Curios (algo como Trapalhadas Cômicas e Curiosidades), desde as primeiras páginas já demonstra uma preocupação constante em sugerir movimento. A composição dos quadros funciona muito bem criando sensação de fluidez com muitos personagens em movimento. Eles parecem que estão prestes a sair correndo das páginas a qualquer instante.

A tentativa de reproduzir o aspecto envelhecido das antigas películas também chama atenção. As páginas recebem texturas granuladas e pequenos efeitos que simulam filmes antigos. Em alguns momentos, o acabamento pode causar certo estranhamento inicial, quase como se o papel estivesse “sujo”, mas a escolha faz sentido dentro da estética retrô, que faz parte da identidade visual do game.

Histórias curtas, caos absoluto e humor nonsense

As HQs não tentam adaptar a campanha do game, ao invés disso funcionam como coletâneas de histórias independentes protagonizadas por Cuphead, Mugman (Xicrinho e Caneco) e vários personagens secundários conhecidos pelos fãs. Essa estrutura episódica beneficia bastante a leitura, pois nos quadrinhos há espaço para desenvolver personalidades, interações e piadas com mais calma do que no jogo.

As histórias são um deleite para os fãs e para quem também não conhece a obra. Em “Graveyard Gauntlet” (Desafio no Cemitério), por exemplo, após o Vovô Chaleira pedir que eles não fossem ao cemitério, Cuphead com sua personalidade desafiadora, claro que vai e leva o irmão junto. Lá encontram os fantasmas em uma grande festa e participam junto, com muito movimento e muitos personagens nos quadros. Um excelente início.

Já em “Mugman and the Promenade Predicament” (Caneco e a Confusão no Calçadão), Mugman atravessa distraidamente o caminho de chefes famosos enquanto lê um livro, derrotando criaturas perigosas quase sem perceber. É uma inversão divertida para quem sofreu horas tentando vencer esses mesmos inimigos no game.

A HQ também aproveita muito bem personagens secundários, especialmente os chefões. Figuras como Baronesa Von Bon Bon, King Dice, a sereia Cala Maria, Werner Werman e o Capitão Brineybeard reaparecem em versões mais cômicas e menos ameaçadoras, funcionando como caricaturas exageradas, exatamente como acontecia nos desenhos animados.

Outro destaque é a participação de Ms. Chalice, personagem que mais tarde ganharia importância no DLC The Delicious Last Course. Sua presença reforça como o universo de Cuphead consegue expandir naturalmente suas histórias sem depender exclusivamente da estrutura do game.

A revista é em formatinho com 72 páginas com capa cartão e é uma delícia de ler. São histórias curtas, mas Shawn não teve preguiça em desenhar vários personagens em cena nem os cenários. A revista conta até com atividades como a de aprender a desenhar o Diabo!

O segundo volume mostra que a fórmula realmente funciona

Se o primeiro encadernado serve como teste para descobrir se Cuphead funcionaria nos quadrinhos, O volume 2 – “Cartoon Chronicles & Calamities” (Crônicas cartunescas & Calamidades) deixa claro que a proposta encontrou seu tom.

A coletânea mantém a mesma estrutura de aventuras independentes, mas parece ainda mais confortável com seus personagens e com o ritmo cômico. A leitura lembra muito os antigos “funny pages”, páginas de quadrinhos publicados em jornais.

As aventuras são rápidas, leves, absurdas e feitas puramente para divertir. É curioso perceber como os quadrinhos conseguem destacar justamente aquilo que muitas vezes fica escondido no videogame. Sem a tensão constante dos chefes e do “game over”, sobra espaço para apreciar melhor o carisma dos personagens, as expressões exageradas e o humor nonsense que sempre esteve presente no universo da franquia.

Entre as histórias que se destacam no Volume 2 está a primeira que conta com Glumstone, o Gigante (ou Monty Turrão), que é um chefão da DLC The Delicious Last Course. A história do Vovô Chaleira na cidade é um espetáculo visual incrível. Tem um What If... (E se...) Cup Head e Mugman tivessem perdido as almas para o Diabo, será que o bicho ruim ia aguentar estes endiabrados?

Além de uma história curta com o Chef Saltbeaker, chefão da DLC e outra história divertidíssima com a Baronesa Von Bon Bom e sereia Cala Maria.

De inocentes não tem nada

Apesar da aparência inocente, os quadrinhos de Cuphead também brincam com uma ambiguidade interessante. Na superfície, tudo parece bastante “family friendly”. Não há violência explícita pesada, palavrões ou conteúdo adulto direto. O humor segue a tradição caricata dos desenhos antigos, cheio de exageros, confusões e situações absurdas.

Mas as histórias também não possuem necessariamente um caráter educativo. Os personagens frequentemente tomam decisões ruins, aprendem pouco com seus erros e terminam suas aventuras exatamente tão caóticos quanto começaram.

A única grande “moral” herdada do jogo continua sendo a mesma: jamais aposte sua alma no cassino do Diabo. Fora isso, o humor trabalha muito mais com nonsense, paródia e exagero cartunesco do que com lições edificantes. Essa característica aproxima a HQ tanto das animações clássicas da primeira metade do século XX que não se preocupavam em nada com o politicamente correto. Mas pelo menos aqui, as tramas são mais evoluídas, sem estereótipos ou preconceito.

Uma homenagem apaixonada à era de ouro da animação

O universo criado pelo StudioMDHR possui personalidade suficiente para sobreviver em diferentes formatos, seja nos videogames, na animação ou nos quadrinhos. O grande diferencial da franquia está no carisma de seus personagens, na consistência visual e na capacidade de transformar a estética dos desenhos clássicos em algo surpreendentemente atual, qualidades que as HQs conseguem preservar com enorme eficiência.

Por isso, os quadrinhos parecem funcionar para um público amplo: crianças podem gostar das cores, do humor físico e das trapalhadas. Adultos provavelmente vão apreciar ainda mais as referências visuais, o clima retrô e a homenagem constante à história da animação. E os fãs do jogo ou da animação da Netflix irão adorar estas histórias que expandem a experiência de Cuphead.

Além das três temporadas de The Cuphead Show! Na Netflix, a franquia também ganhou três edições em quadrinhos, dois livros e dois Art Books, um do game e um da série animada. Até hoje, todos os materiais impressos permanecem inéditos no Brasil.

Livros de Cuphead escritos por Ron Bates.

Alix, o Intrépido: a estreia de um herói clássico dos quadrinhos europeus

2026-05-11T10:34:00.000-03:00

Publicada originalmente em 1948 na revista Tintim, “Alix, o Intrépido” marcou a estreia de um dos maiores heróis dos quadrinhos europeus. Criada por Jacques Martin, a série nasceu ambiciosa ao unir aventura clássica, intrigas políticas e uma reconstrução histórica extremamente detalhada, elementos que transformariam Alix em um dos pilares da tradição franco-belga.

No Brasil, As Aventuras de Alix foram publicadas pela editora portuguesa Edições 70. Trouxe 19 edições publicadas de 1981 a 1990. A edição conta com 66 páginas coloridas, capa cartão e formato europeu.

A trama acompanha Alix, um jovem gaulês vendido como escravo ainda criança. Alix é lançado em uma sucessão vertiginosa de acontecimentos tentando fugir de sua condição. Ele atravessa diferentes territórios do mundo antigo, passando por experiências extremas: é adotado por um governador em Rodes, participa de corridas de quadrigas, torna-se gladiador e, por fim, acaba sob a proteção de Júlio César. Tudo isso ocorre dentro desta primeira história, marcada por ritmo acelerado e constante sensação de perigo.

A história tem início em Khorsabad (atual Iraque) e se desenrola ao longo do vasto território do Império Romano, situando-se historicamente em 53 a.C., durante o chamado Primeiro Triunvirato, período em que Roma era influenciada por três figuras centrais: Júlio César, Pompeu e Crasso. Esse pano de fundo não é meramente decorativo, ele estrutura uma intrincada trama política na qual Alix, ainda que jovem e vulnerável, torna-se peça-chave.

Um dos grandes méritos da obra está na forma como Martin equilibra aventura e contexto histórico. Diferentemente de narrativas puramente escapistas, “Alix, o Intrépido” investe em uma ambientação detalhada: arquitetura, vestimentas, armas e até cortes de cabelo são cuidadosamente representados, evidenciando um trabalho de pesquisa minucioso.

Jacques Martin tinha um cuidado quase obsessivo com perspectiva e cenografia. Em muitos álbuns, cidades inteiras parecem “reconstruídas” diante do leitor. Essa atenção ao realismo contribui para a imersão do leitor e antecipa o que se tornaria uma marca registrada da série. Apesar de que personagens e acontecimentos, mesmo que bem calcados no período histórico não representassem a história real.

Embora Martin tenha colaborado com Hergé (criador de Tintin) e adotado elementos da chamada “linha clara”, seu estilo aqui se aproxima mais da estética dinâmica e realista de Alex Raymond (Flash Gordon). O uso frequente de grades rígidas, muitas vezes com até 16 quadros por página, reforça o ritmo ágil da narrativa, permitindo que múltiplas ações ocorram simultaneamente sem comprometer a clareza visual.

O resultado é uma leitura envolvente, que evita momentos de estagnação. As situações de risco, as reviravoltas constantes e o jogo político mantêm a tensão elevada do início ao fim. No centro de tudo, está o carisma de Alix: um protagonista que, mesmo diante da adversidade extrema, demonstra coragem, inteligência e um forte senso de justiça.

“Alix, o Intrépido” estabelece as bases de uma saga que atravessaria décadas, consolidando-se como um dos pilares dos quadrinhos históricos europeus. É uma obra que não apenas entretém, mas também revela o potencial dos quadrinhos como meio de reconstrução e interpretação do passado, sem abrir mão da emoção e do espetáculo narrativo.

Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925)

Entre tantas referências históricas para a construção de Alix, Jacques Martin reconheceu em entrevistas que uma das principais inspirações veio do filme Ben-Hur de 1925, dirigido por Fred Niblo. Martin, que nasceu em 1921 disse que ficou impactado com as cenas apoteóticas do filme mudo da época.

Logo na primeira página incluiu uma referência de quando Alix deixa cair pedras de uma sacada na chegada dos Romanos a Khorsabad, semelhante à cena em que o governador da Judeia chega à Jerusalém em Ben-Hur.

Outra cena inspirada no filme foi a corrida de quadrigas, impressionante para a época em que foi filmada. Martin disse que pensava que Alix teria vida curta, por isso incluiu já no início todos os elementos que podia, além da rápida evolução do personagem que de garoto sem qualquer experiência, logo está lutando com espadas e correndo de quadrigas como ninguém.

Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925)

É bom saber que o ritmo narrativo de Alix é mais contemplativo e literário do que o das HQs modernas. Alix tem muito texto, diálogos expositivos e uma narrativa bastante clássica. Isso transformou a série quase numa “aventura arqueológica ilustrada”. Muitos leitores conheceram civilizações antigas através das HQs de Alix como a Roma republicana, o Egito ptolomaico, a Grécia antiga, Fenícia, Mesopotâmia, Gália e Cartago.

“Alix, o Intrépido” permanece impressionante não apenas por sua importância histórica, mas pela ambição rara de transformar os quadrinhos em uma verdadeira máquina de viajar no tempo. Jacques Martin entendia a aventura como espetáculo, mas também como descoberta. A série abriu para gerações de leitores as portas da Antiguidade clássica e mais de sete décadas depois de sua estreia, Alix continua sendo uma das maiores expressões da tradição franco-belga e um marco fundamental das HQs históricas europeias.

Alix e sua longa trajetória

Alix teve 20 volumes publicados por Jacques Martin fazendo roteiro e desenhos sozinho até 1996. A partir de 1998, Martin começou a ter a saúde debilitada e a perder a visão, então a série continuou mas começou a contar com colaboradores da edição 21 a 28. Com o falecimento de Martin em 2010, as aventuras continuaram, sendo publicados os volumes 29 a 41 de 2010 a 2023.

Além da série regular, a série conta com derivados como “As Viagens de Alix”, 35 edições que retratam a cultura e a geografia da antiguidade com ilustrações inspiradas nas aventuras de Alix. “Alix conta”, uma série em três volumes que apresenta biografias de grandes personagens da antiguidade como Alexandre o Grande, Cleópatra e Nero.

A partir de 2012 começou a ser publicada a série “Alix, Senador”, com roteiro de Valérie Mangin e desenhos de Thierry Démarez. Uma série mais sóbria e mais realista que a original, mostrando Alix como um Senador romano no ano 12 a.C.

Jacques Martin, o Intrépido

Antes de chegar à revista Tintim, Jacques Martin teve uma trajetória bastante complicada. Ele nasceu em Estrasburgo (Alsácia, Leste da França), em 1921 e cresceu no período turbulento da Segunda Guerra Mundial. Fascinado por desenho e arquitetura, tentou entrar no mercado editorial francês ainda nos anos 1940.

Jacques Martin

Trabalhou em pequenos estúdios e produziu histórias curtas para editoras menores. Uma de suas primeiras séries foi “Le Hibou Gris”, ainda bastante influenciada pelos quadrinhos de aventura americanos que admirava como Alex Raymond (Flash Gordon), Milton Caniff (Terry e os Piratas) e o próprio Hergé (Tintim), com quem em 1948 finalmente conseguiu se encontrar.

Hergé, que naquele momento estava expandindo os Studios Hergé para atender à crescente demanda da revista Tintim, ficou impressionado com Martin principalmente com a precisão do desenho, o domínio da perspectiva, a construção de cenários e a clareza narrativa.

Jacques Martin e Hergé

Martin então foi contratado inicialmente como colaborador técnico e desenhista assistente, ajudando em cenários, veículos, pesquisa visual e finalização de páginas. Jacques colaborou em álbuns como Tintim Rumo a Lua, Explorando a Lua, O Caso Girassol, Tintim no Tibete, entre outros.

Página de Tintim Rumo a Lua, com colaboração de Jacques Martin e Bob De Moor.

Uma das características da revista Tintim era a de constantemente buscar criar novos personagens seriados capazes de acompanhar o sucesso de Tintim. O editor Raymond Leblanc queria transformar a revista em um grande polo de aventuras franco-belgas.

Martin acabou propondo uma história ambientada na Antiguidade Romana, algo relativamente incomum na época. Em vez de ficção científica ou aventura contemporânea, ele queria misturar ação, política, arqueologia e rigor histórico. A proposta chamou atenção porque tinha uma identidade muito própria.

Assim nasceu Alix e Hergé teve papel fundamental nesse processo.

Hergé e a equipe dos Studios Hergé

Além de apoiar Martin internamente, Hergé enxergava em Alix algo que complementava Tintim sem imitá-lo diretamente. Hergé também incentivou Martin a simplificar parte do traço, aproximando-o da “linha clara” para melhorar a legibilidade.

Mesmo assim, Jacques Martin manteve várias características próprias como quadros muito detalhados, cenários monumentais e uma narrativa densa. “Alix, o Intrépido” rapidamente se destacou e o personagem ganhou popularidade pois oferecia algo diferente do restante da publicação. Isso consolidou Martin como um dos principais autores da revista ao lado de nomes como: Edgar P. Jacobs (Blake & Mortimer), Bob de Moor (Cori, O Grumete) e Paul Cuvelier (Corentin).

Poucos anos depois do sucesso inicial de Alix, Jacques criou o personagem Guy Lefranc. A primeira aventura da série, A Grande Ameaça (“La Grande Menace”), começou a ser publicada em 1952 na revista Tintim e depois saiu em álbum em 1954. Sua intenção era trabalhar também com aventuras contemporâneas que abordavam o clima da Guerra Fria, thrillers de espionagem, ficção científica e jornalismo investigativo.

O protagonista, Guy Lefranc, é um jornalista aventureiro que acaba constantemente envolvido em conspirações internacionais, ameaças tecnológicas e conflitos geopolíticos.

Jacques Martin. 1921-2010

No Escuro: como Mana Cerace se tornou um dos vilões mais aterrorizantes de Dylan Dog

2026-05-08T08:48:00.001-03:00

Dylan Dog #29 – No Escuro (Mythos, 1ª série) é uma daquelas histórias que ajudam a explicar por que Dylan Dog se tornou um dos maiores ícones do horror nos quadrinhos mundiais. É a estreia de Claudio Chiaverotti nos roteiros da série e contando com desenhos de Pietro Dall’Agnol, a HQ apresenta um dos vilões mais assustadores de toda a série: Mana Cerace, também conhecido como Philip Crane. Uma criatura que parece saída de um cruzamento entre o Bicho-Papão, o Monstro do Armário e Freddy Krueger, da Hora do Pesadelo (1984).

O grande diferencial de Mana Cerace está justamente em sua relação com o escuro. Ele não é apenas um assassino brutal, mas uma manifestação do medo infantil das sombras. Quanto maior o pavor de suas vítimas, mais forte ele fica. É um conceito simples, mas extremamente eficiente, que transforma cada apagão de luz em um momento de tensão para o leitor.

A trama começa quando Kelly, ainda criança, é colocada de castigo pelo pai após respondê-lo de forma malcriada. Sozinha em seu quarto completamente escuro, ela vê seu medo ganhar forma da pior maneira possível. Das trevas surge Mana Cerace: uma figura verde, deformada, grotesca e armada com uma faca. Em uma sequência traumática, a criatura assassina o pai da menina diante de seus olhos, deixando marcas psicológicas que a acompanharão pela vida inteira.

Anos depois, já adulta, Kelly percebe que o pesadelo voltou. Convencida de que Mana Cerace está novamente atrás dela, procura Dylan Dog para tentar sobreviver ao retorno do monstro. O desespero é tanto que ela paga o investigador adiantado e ainda oferece mais dinheiro do que o combinado, numa tentativa quase desesperada de garantir salvação. Só que a presença de Dylan não impede a escalada de violência. Pessoas próximas a Kelly começam a morrer brutalmente. Primeiro o namorado, depois uma amiga. A sensação é de que ninguém está seguro enquanto Cerace continua à espreita.

A situação piora quando a tia de Kelly passa a enxergar Dylan como um farsante aproveitador, afastando a sobrinha do investigador. Ainda assim, Dylan e o inspetor Bloch seguem investigando o caso, tentando compreender como enfrentar uma criatura que parece existir justamente nos espaços onde a lógica deixa de funcionar.

É então que Mana Cerace passa a perseguir também Dylan e Groucho, levando a trama para a icônica convenção de sósias. Groucho participa do evento cercado por imitadores do Gordo e o Magro, dos The Blues Brothers e outras figuras populares da cultura pop. O que começa quase como uma cena cômica rapidamente se transforma em horror quando Cerace invade o local para atacar Groucho.

A perseguição culmina numa tensa sequência nos telhados do prédio, com Dylan enfrentando o monstro em meio ao medo constante de ser dominado pelas sombras. A cena é tão marcante que acabou eternizada na belíssima capa de Claudio Villa, uma das artes mais lembradas da fase clássica da série.

Chiaverotti constrói a narrativa com um equilíbrio impressionante entre terror, ação e humor. Mesmo mergulhada em um clima sufocante, a HQ nunca abandona completamente o sarcasmo característico de Groucho, o que ajuda a dar ainda mais ritmo à leitura. As piadas surgem naturalmente no meio do caos, sem quebrar a tensão, algo que poucos roteiristas conseguem fazer tão bem dentro de Dylan Dog.

Os desenhos de Dall’Agnol também têm papel fundamental no impacto da história. O artista investe pesado no splatter, destacando toda a brutalidade de Mana Cerace, mas o que realmente chama atenção é a expressividade dos personagens. O medo estampado nos rostos é convincente o suficiente para fazer o leitor sentir a tensão junto a eles. Cada olhar assustado, cada hesitação diante da escuridão e cada reação desesperada ajudam a vender a ideia de que ninguém ali está realmente seguro.

Além disso, o uso do preto e branco é excepcional. Dall’Agnol transforma o escuro em uma presença viva dentro da HQ. As sombras parecem engolir os personagens a qualquer momento, criando um clima constante de insegurança. É claustrofóbico. O leitor passa a ficar tão desconfortável quanto os protagonistas sempre que as luzes piscam ou se apagam.

Freddy Kruegger é interpretado pelo ator Robert Englund, que viveu o personagem oito vezes incluindo Freddy vs. Jason em 2003.

Não por acaso, Mana Cerace acabou se tornando uma espécie de Freddy Krueger do universo de Dylan Dog. O personagem retornou várias vezes ao longo da série e ganhou uma mitologia própria bastante rica. Chiaverotti inclusive criou para o vilão uma canção infantil macabra, claramente inspirada na música usada em A Hora do Pesadelo, reforçando ainda mais a conexão entre as duas figuras.

A HQ ainda reserva um detalhe especialmente perturbador ao mostrar um pequeno fragmento do passado de Philip Crane. Em uma rápida cena, vemos o futuro assassino ainda criança brincando na rua, já com traços físicos que remetem diretamente a Krueger. É uma imagem breve, mas poderosa, que sugere que o horror já fazia parte dele desde muito cedo.

Canção “Il Buio” que está na história. Letra de Claudio Chiaverotti e

aqui interpretada por Anto n.i.o:

E aqui a música no filme A Hora do Pesadelo, versão dublada.

Mais do que apenas uma boa história de terror, “No Escuro” é uma HQ que entende perfeitamente como trabalhar o medo do desconhecido e a vulnerabilidade humana diante daquilo que não consegue explicar. E talvez seja justamente por isso que Mana Cerace permaneça até hoje como um dos inimigos mais memoráveis e assustadores que Dylan Dog já enfrentou.

Dylan Dog: “No Escuro” foi publicado originalmente em Dylan Dog #34, no auge da chamada “Dylan Dog Mania”, período em que o personagem se transformou em um verdadeiro fenômeno cultural na Itália. O sucesso era tão grande que o Investigador do Pesadelo já inspirava festivais dedicados exclusivamente à série, reunindo centenas de fãs, artistas e nomes importantes ligados ao universo do horror.

Em 1992, durante o Dylan Dog Horror Fest 3, o convidado de honra foi ninguém menos que Robert Englund, eternizado como Freddy Krueger. O ator aproveitou bastante sua passagem pela Itália, interagindo com os fãs tanto do icônico vilão quanto do próprio Dylan.

Esta história sairá no Dylan Dog Omnibus #6, previsto para Junho ou Julho.

Versão da capa descartada por Claudio Villa.

Robert Englund em 1992 no Dylan Dog Horror Fest 3.

Englund chegou a ganhar um desenho de Angelo Stano, tomando um drink em um bar em Milão.

Mecânica Celeste: Muito além de um jogo de queimada disputando a liberdade

2026-05-05T09:22:00.000-03:00

Em Mecânica Celeste, a premissa chama atenção logo de cara: um mundo pós-apocalíptico onde o destino de territórios inteiros pode ser decidido numa partida de queimada. Sim, é isso mesmo. Mas parar por aí seria reduzir demais o que a HQ realmente entrega. Por trás dessa ideia inusitada, a narrativa mergulha em temas como sobrevivência, relações humanas, estruturas de poder e o peso das decisões coletivas em um cenário onde tudo está em jogo.

Publicada originalmente pela editora francesa Dargaud, a obra é assinada por Merwan Chabane, que cuida de tudo: roteiro, arte e cores ao longo de mais de 200 páginas. Lançada no Brasil pela Comix Zone, com tradução de Fernando Paz, a HQ levou cerca de cinco anos para ficar pronta, sendo dois deles de produção intensa. E isso se reflete na densidade da história. Segundo o próprio autor, a ideia nasceu de uma inquietação bem contemporânea: aquela sensação constante de apreensão diante do futuro.

Só que, ao contrário de muitas histórias do gênero pós-apocalíptico, Mecânica Celeste não segue pelo caminho mais sombrio ou desesperador. Merwan opta por uma história com humor, energia e até certa leveza. Existe um distanciamento irônico ali, como se o autor observasse esse futuro com um misto de crítica e brincadeira. O resultado é um mundo que ainda é a Terra, mas tão transformado que parece quase irreconhecível.

A história começa com a fuga de Juba, perseguido por não ter pago um pedágio de passagem em uma fronteira, o que já deixa claro que estamos diante de um mundo regido por regras duras e, muitas vezes, violentas. Esse cenário logo se expande para Pan, uma região em ruínas onde a natureza está retomando seu espaço. Prédios abandonados, veículos largados e vegetação tomando conta de tudo criam uma ambientação bem típica do pós-apocalipse, mas com personalidade própria.

Merwan situa a narrativa em 2068, usando como base a região da Floresta de Fontainebleau, em Paris. Locais reais, como o Château de Fontainebleau e antigas centrais nucleares, aparecem reinventados dentro desse novo contexto. A inspiração vem, segundo o autor, de visitas a amigos em áreas mais afastadas, lugares que funcionavam como refúgio da correria do mundo moderno.

Château de Fontainebleau

É nesse cenário que conhecemos Aster, a protagonista. Ela vive em uma casa construída nas árvores e tem uma relação próxima com Wallace, com quem divide tanto a rotina quanto boa parte do desenvolvimento emocional da trama. Logo no início, acompanhamos eles andando pelo território tentando sobreviver em um ambiente moldado pelas consequências da guerra.

Aqui, a escassez dita o ritmo da vida. Os personagens precisam sair constantemente em busca de recursos básicos, comida, materiais e itens essenciais como iodo (para evitar os efeitos da radiação) ou até balas de canhão, usadas como moeda de troca por energia elétrica. Nesse contexto, os laços entre os personagens vão se aprofundando. O que começa como amizade evolui aos poucos, ganhando camadas mais complexas à medida que o passado de cada um começa a interferir nas escolhas do presente.

Paralelamente à história de Aster e Wallace, a HQ constrói o retrato de uma comunidade tentando se organizar em meio ao caos. O povoado onde vivem é liderado por Eddy, uma figura de autoridade constantemente pressionada por decisões difíceis, daquelas que não afetam só indivíduos, mas todo mundo ao redor. Liderar, aqui, não tem nada de glamouroso: é um fardo pesado, cheio de escolhas irreversíveis.

Eddy é pai de Wallace, Juba e Fetta, que trabalha com a mãe no posto de trocas da comunidade. Esse núcleo familiar tem um papel central na trama e acaba influenciando diretamente o rumo da história, especialmente quando Aster começa a assumir um protagonismo cada vez maior. Ela, aliás, é uma estrangeira, alguém que vive à margem daquele grupo. Foi encontrada ainda bebê por Eddy, em um cesto à deriva no rio, uma clara referência à história bíblica de Moisés.

Em determinado momento, a HQ traz uma reflexão interessante: Eddy compara a formação dos metais com a construção das sociedades humanas. A ideia é simples, mas potente: grandes pressões podem gerar estruturas fortes, enquanto a acomodação leva à fragilidade. A fala quase entrega o que vem pela frente, mas, mais do que isso, funciona como um comentário direto sobre como é preciso uma ruptura, até uma revolução para fortalecer uma sociedade.

Claro que não faltam ameaças externas. Grupos invasores, piratas, que surgem como antagonistas interessados nos poucos recursos disponíveis. Mas também a chegada de uma comunidade vizinha que está se expandindo populacional e tecnologicamente, chamada Fortuna. É então que o conflito ganha uma dimensão ainda maior quando entra em cena o elemento mais original da HQ: a tal da “Mecânica Celeste”.

Mais do que um jogo, trata-se de uma tradição que carrega um peso político enorme. Quando tudo parece perdido, é a ela que as sociedades em disputa recorrem. O destino de um povo inteiro passa a depender de uma disputa.

O jogo segue regras bem conhecidas basicamente, uma versão de queimada. Dois times com sete jogadores (os chamados paladinos) se enfrentam em diferentes arenas. O objetivo é eliminar os adversários com uma bola ou “orbe” e vencer uma melhor de três. Simples na teoria, mas com consequências gigantescas: se Pan vencer, conquista sua liberdade, se perder, terá que ceder metade de sua produção, o que, na prática, significa sua ruína.

O título da obra ganha ainda mais sentido aqui. “Mecânica celeste” é o ramo da ciência que estuda o movimento dos corpos no espaço, planetas, luas, estrelas e tem na gravidade um de seus pilares. Merwan usa esse conceito de forma criativa dentro do jogo, explorando movimento, peso e trajetória tanto nas ações dos personagens quanto na construção visual das cenas.

Aster, em especial, se destaca nesse aspecto. Seu jeito de jogar é quase intuitivo, explorando o próprio corpo, a elasticidade e até a bola como forma de defesa. Mesmo sem experiência, ela se adapta rapidamente e chama atenção, tanto dos personagens quanto de quem acompanha a partida dentro da própria história. Aos poucos, ela se consolida como o coração emocional da narrativa.

Seu passado, revelado gradualmente, ajuda a explicar por que ela é vista de forma diferente. E sua jornada coloca em destaque um conflito forte entre pertencimento e identidade. Juba também tem seu papel importante, ainda que funcione um pouco como um recurso narrativo para explicar as regras do jogo e conectar Pan com o mundo exterior. Sua busca por reconhecimento, especialmente do pai e do antigo time acaba influenciando suas atitudes dentro e fora das partidas.

Fetta é outra personagem bem trabalhada, movida inicialmente por ciúmes de Aster, o que mostra como, mesmo diante de algo tão sério, motivações pessoais continuam pesando. Wallace que à princípio quer ficar na sua, vai sendo arrastado pela trama. Uma espécie de mini jornada do herói que culmina com ele e Aster tento que decidir a partida.

A HQ trabalha muito bem essas tensões, mostrando como vitórias e derrotas tem impactos profundos. Num mundo onde recursos são escassos e confiança é rara, saber em quem acreditar vira uma questão central.

É verdade que, em alguns momentos, a estrutura da competição pode parecer previsível, especialmente para quem já está acostumado com histórias esportivas. Mas isso não chega a ser um problema. A força da obra está na construção dos personagens, no impacto emocional, especialmente durante as partidas da Mecânica e, principalmente, no visual impressionante.

Merwan comentou que um dos maiores desafios foi fechar a história. O final precisava amarrar tudo, conflito, identidade, transformação e isso se traduz também visualmente, com um jogo de escalas entre acontecimentos pequenos e grandiosos. A ideia é clara: até os menores gestos podem ter impactos enormes.

Mecânica Celeste é uma obra sobre reconstrução, do mundo, das relações e da forma como olhamos para o futuro. Em vez de se render ao medo, ela propõe se jogar de cabeça na mudança. E faz isso de um jeito criativo, humano e cheio de personalidade.

A capa faz uma referência à famosa obra francesa do iluminismo “La Liberté guidant le peuple” (A Liberdade guiando o povo) 1830, de Eugène Delacroix. A liberdade na história é conquistada através da bola, ou melhor, da Mecânica Celeste.

Continuação:

Mecânica Celeste foi lançada originalmente em 2019, e cinco anos depois Merwan lançou uma continuação que promete expandir a história. “Aster of Pan: The Source”. Merwan continua a jornada da protagonista e aprofunda a construção do mundo. A história começa poucos dias após os acontecimentos do primeiro volume, onde acompanhamos Aster e seu grupo retornando a Pan.

No caminho eles encontram uma pequena comunidade, conhecida como “A Fonte” (The Source), responsável por preservar fragmentos de conhecimento do mundo anterior ao colapso. Fortuna continua sendo a grande vilã, e agora está em busca de um disquete que pode conter implicações políticas enormes para toda a região. O conflito continua e ganha novas camadas.

Entre os novos elementos da trama, o autor destaca o uso de armas baseadas em ondas cerebrais pela Federação de Fortuna, mas aponta que o verdadeiro tema central é mais íntimo: a paternidade.

Pato Gigante de Gabriel Dantas traz um olhar sensível sobre adolescência e amadurecimento

2026-05-02T12:56:00.001-03:00

Gabriel Dantas é um daqueles quadrinistas raros que conseguem captar, com precisão quase desconcertante, a delicada transição entre a adolescência e a vida adulta. Seu olhar é atento aos detalhes mais sutis desse período instável, em que tudo parece provisório e definitivo ao mesmo tempo. Em suas histórias, os personagens não são construções idealizadas: são presenças quase reais, que respiram as incertezas, atravessam impasses e tropeçam nas dúvidas que marcam o cotidiano.

É esse tipo de narrativa que encontramos em Pato Gigante, HQ publicada pela Ugra Press em 2022. A obra reúne 173 páginas de tiras originalmente publicadas no Instagram do autor (@bifedeunicornio), entre novembro de 2020 e dezembro de 2021, além de 25 páginas inéditas produzidas especialmente para a edição. O resultado é um retrato contínuo e sensível da rotina da adolescente Letícia, acompanhada por seu inusitado melhor amigo: um pato gigante.

1) Ele é um bom amigo;

A premissa pode soar excêntrica à primeira vista, mas rapidamente se revela um dispositivo narrativo poderoso. Acompanhamos Letícia em seu processo de amadurecimento, atravessando descobertas, paixões, frustrações e confusões típicas dessa fase da vida. O Pato Gigante, mais do que um elemento fantástico, funciona como confidente e conselheiro, uma presença constante que a ajuda a organizar pensamentos e sentimentos. Em tempos em que o diálogo interno é tão importante quanto o externo, ter “com quem conversar” faz toda a diferença.

A origem do personagem, aliás, nasce de maneira despretensiosa. O próprio Gabriel conta que costumava publicar rascunhos no Twitter sempre que estava à toa, compartilhando ideias cruas, sem filtro. Foi nesse fluxo criativo espontâneo que surgiram Letícia e o Pato, ainda sem desenvolvimento. Algum tempo depois, ao ganhar um iPad de sua avó, produziu a primeira tira de Pato Gigante e nunca mais parou. Desde então, os personagens passaram a acompanhá-lo sempre.

Embora a estrutura de publicação no Instagram sugira episódios fragmentados, cada página, ou conjunto delas funciona como um recorte de algo maior. Aos poucos, uma narrativa consistente se forma, especialmente no que diz respeito às relações de Letícia. Não há pressa em explicar quem é quem ou em situar o leitor. O foco está nas dinâmicas entre os personagens. É na convivência, nos diálogos e nas entrelinhas que tudo se constrói.

Com o tempo, nomes e vínculos vão se encaixando naturalmente. Isa, por exemplo, melhor amiga de Letícia, surge desde o início como alguém apaixonada por ela, estabelecendo uma camada emocional importante para a história. Em outro momento, conhecemos Dani, um garoto excêntrico que solta um exagerado “Miaaauuu” como se fosse irresistível e é justamente esse tipo de detalhe que dá leveza e autenticidade ao universo criado por Dantas. Há também outros personagens que carregam suas próprias complexidades, como um amigo que enfrenta uma relação difícil e violenta com o pai.

A narrativa avança em um constante vai e vem de encontros e experiências, onde sentimentos se transformam, se intensificam ou simplesmente se dissolvem. É nesse movimento que percebemos o amadurecimento dos personagens. Esse arco emocional encontra um ponto alto na despedida do Pato Gigante.

Dantas não deixa de explicar a origem do Pato. Que ele foi um presente da avó de Letícia, criado desde pequeno até atingir proporções… gigantes. Mas chega o momento em que ele decide partir, conhecer o mundo e viver novas experiências. A cena de despedida é um dos momentos mais tocantes da HQ e sintetiza um de seus principais temas: amar também é saber deixar ir. Isso não significa o fim do afeto, apenas sua transformação. A amizade permanece, mesmo que os caminhos sigam separados.

4) É muuuuito, muito, muito, muito bom mesmo de abraçar;

Visualmente, o traço de Gabriel Dantas pode ser, à primeira vista, rotulado como simples ou até juvenil por olhares mais apressados. Mas a sensibilidade de seu estilo é, na verdade, perfeito para a proposta da obra, permitindo que a emoção e a sutileza das relações ganhem protagonismo. Há uma maturidade narrativa impressionante por trás da aparente simplicidade dos desenhos, algo que poucos autores conseguem equilibrar com tanta naturalidade.

Pato Gigante também se destaca por abordar temas que ainda geram resistência em certos públicos, como questões de gênero, identidade e sexualidade. O mérito de Gabriel está justamente na forma como trata esses assuntos: sem didatismo excessivo, sem alarde, sem transformá-los em “problemas”. Eles simplesmente fazem parte da vida dos personagens, como devem ser. Essa abordagem contribui para ampliar perspectivas e reforça a importância de tratar tais temas com naturalidade.

Pato Gigante se firma como uma HQ importante não apenas pelo que conta, mas pela forma como conta. É uma obra que convida à empatia, à escuta e à compreensão, qualidades cada vez mais necessárias. Gabriel Dantas não oferece respostas fáceis, mas entrega algo talvez mais valioso: a sensação de que não estamos sozinhos ao tentar entender o que sentimos.

2) Voa para qualquer lugar do universo;

A relação de Gabriel com os quadrinhos vem de muito cedo. Em entrevistas, ele conta que sua obsessão pelos quadrinhos começou aos quatro anos, quando teve contato com as histórias da Maurício de Sousa, especialmente com a personagem Magali. A partir daí, passou a criar suas próprias histórias, muitas vezes em versões artesanais, dobrando e grampeando papéis. Diferentemente de muitos artistas que começam reproduzindo personagens conhecidos, Dantas desde o início investiu em criações autorais, construindo uma identidade própria.

Gabriel Dantas. Imagem @ugra_press

Sua profissionalização começou cedo, aos 13 anos em Natal (RN), onde mora. Dantas frequentava um curso de inglês e viu uma loja de quadrinhos abrir ao lado da escola, um acontecimento que mudaria seu percurso. O espaço rapidamente se tornou seu refúgio e principal ponto de socialização, a ponto de trocar as aulas pelo convívio com outros artistas. Foi ali que se inseriu na cena independente potiguar, formando parcerias e fortalecendo sua presença no meio.

Ao longo da carreira, participou de diversas coletâneas, como na Revista Pé de Cabra, El Perro Feo, Café Espacial e a coleção Ugrito. Também construiu uma sólida produção autoral, com títulos como Eu não preciso de mais nada (2021), Insustentável Vida das Abelhas (2022), Tudo que eu fiz sozinho eu fiz errado (2023), Meu Gato de Tapa Olho (2024) e Abandonado por Elena (2024). Em 2025, reuniu parte de suas tiras na coletânea Bife de Unicórnio: Só o Filé, publicada pela Comix Zone.

Lily e o Caçador - Ken Parker em uma história sobre afeto e humanidade no limite da vida

2026-04-28T09:25:00.002-03:00

“Lily e o Caçador” é, sem exagero, um dos grandes momentos de toda a trajetória de Ken Parker. Aqui, vemos de perto a essência do personagem: um homem moldado pela dureza da vida, mas que nunca perde a capacidade de se conectar, até mesmo com uma pequena cachorrinha que, ironicamente, acaba salvando sua vida duas vezes.

Com roteiro de Giancarlo Berardi e arte de Ivo Milazzo, a história mistura drama, lirismo e um olhar profundamente humano sobre a sobrevivência. Publicada originalmente na edição #25 de Ken Parker e recentemente pela Mythos em Ken Parker #13, ela continua sendo uma daquelas leituras que ficam com você por muito tempo.

Mais Forte que a Amizade

A trama começa de forma simples. Ken, coloca suas raquetes de neve e sai para verificar suas armadilhas nas montanhas geladas de Montana. Em uma delas, ele encontra algo inesperado, uma cadelinha vira-lata, toda desgrenhada, mas com um olhar impossível de ignorar. No começo, ela resiste. Mas basta um gesto de cuidado para que ali nasça uma amizade das mais bonitas. Ken a leva até o Forte Shaw para tratar os ferimentos em sua pata.

Ken estava trabalhando como guia para o Exército e também como caçador, garantindo carne fresca para o forte. O lugar, aliás, existiu de verdade: o Forte Shaw foi criado em 1867 para proteger mineradores e colonos de possíveis ataques de tribos indígenas, especialmente os Dakotas, durante a expansão para o oeste.

E é justamente aí que entra uma das críticas afiadas de Berardi. O capitão responsável pelo forte nem sequer ganha nome, ele funciona mais como símbolo de um Exército despreparado, cheio de autoridade e pouca compreensão do território e dos povos nativos. É um detalhe simples, mas cheio de significado, do qual Parker não deixa de jogar na cara do Capitão.

A criação de Lily tem uma origem bem especial: foi inspirada na cachorrinha do próprio Milazzo, chamada Lilla, resgatada na frente de uma escola e que viveu por 13 anos. O título da história também é uma homenagem direta à animação “A Dama e o Vagabundo”, clássico da Disney lançado em 1955 conhecido na Itália como “Lilli e il Vagabondo”.

Ivo Milazzo e Lilla, sua cachorrinha com quem conviveu por 13 anos.

Mais Forte que a Vida

A virada da história vem com um ataque dos Dakota ao Forte. Ken é gravemente ferido por lanças e flechas e fica à beira da morte, perdido no inverno brutal de 1875. É nesse momento que Lily deixa de ser apenas companhia e se torna sua salvação. Ela enfrenta lobos, luta com todas as suas forças, chegando a matar um deles e prova uma lealdade impressionante. Mais do que isso: demonstra inteligência e instinto de sobrevivência dignos de qualquer protagonista.

Os dois refugiam-se em uma caverna. Febril e à beira do delírio, Ken protagoniza uma das sequências mais marcantes da HQ. Berardi cria um “quadrinho dentro do quadrinho”, enquanto Milazzo muda completamente o estilo gráfico, evocando iluminuras medievais (ornamentações que decoravam manuscritos entre os séculos XI e XV). Nesse sonho, Ken revisita sua infância, reencontra a mãe, Lucy Parker, e mergulha em uma fantasia inspirada na lenda do Rei Arthur, onde ele próprio se transforma no cavaleiro “Parkelot”.

É uma metáfora rica sobre identidade, memória e destino, carregada com muito humor. O Mago Merlin, por exemplo, deixa a varinha mágica em um urinol sob sua poltrona.

Esta é a primeira vez que vemos a mãe de Ken. Ela volta a surgir nas histórias “Lar doce Lar” (KP #30) e “O Grande Espetáculo” (Ken Parker #33 - Mythos). Além de aparecer no especial “Nos Tempos de Pony Express” (Ken Parker Especial - Vol. 2 – Tapejara). Além disso, aqui é a segunda vez que um sonho é retratado na série. A primeira vez foi em “Chemako” (Ken Parker #3 – Mythos), ambos ligados a ferimentos sofridos pelo personagem.

Mais Forte que a Fome

Mas, o coração da história está mesmo na relação entre Ken e Lily. A HQ trata esse vínculo com muita delicadeza, elevando a conexão entre humano e animal a um nível quase filosófico. Em vários momentos, Ken conversa com Lily como se estivesse diante de alguém que realmente o entende e, de certa forma, está.

O mais impressionante é que nada disso soa forçado, pelo contrário. Ivo Milazzo desenha Lily com um realismo quase desconcertante: cada gesto, cada expressão, cada reação carrega emoção. Em vários momentos, parece possível entender exatamente o que passa pela cabeça dela. Esse nível de verdade só nasce de uma observação atenta, como a que ele teve ao se basear na cadelinha Lilla, captada aqui com sensibilidade e precisão raras.

Milazzo também transita com naturalidade entre o lirismo e a brutalidade. Nas cenas mais escuras, a intensidade salta aos olhos: pequenos fachos de luz, da fogueira ou da lua recortam a escuridão e guiam o olhar para o que realmente importa, seja no silêncio da noite ou no interior opressivo de uma caverna.

As sequências de ação carregam uma forte dramaticidade, com muitos detalhes nas expressões dos personagens. O desespero no olhar de Ken, quando está correndo perigo, com dor, ou vendo a morte chegar, é emocionante, quase real e provoca aflição ao leitor.

Mas uma das cenas mais extremas, que marcam a leitura de “Lily e o Caçador” para todo o sempre, é quando os dois estão na caverna e Parker, consumido pela fome, chega a cogitar matar Lily para sobreviver. Não é crueldade, é desespero puro, o limite da condição humana. E justamente por isso, a cena é tão impactante e tensa.

Mais forte que a Vingança

A HQ também traz referências ao cinema, especialmente a Jeremiah Johnson (Mais forte que a vingança, de Sidney Pollack, 1972), inspiração reconhecida para a criação do personagem. O visual de Ken barbudo, as roupas de pele, até o cachecol vermelho usado na capa e o clima de isolamento, tudo ecoa ao filme. Há até uma cena praticamente recriada: o encontro com um homem congelado na neve segurando um rifle. Até mesmo o bilhete no corpo e a questão do homem ter morrido após um urso quebrar suas pernas, é usado.

Jeremiah Johnson (Mais forte que a vingança, de Sidney Pollack, 1972)

Lily adora dançar, e outro detalhe curioso é quando Ken canta “Alabama Bound” para ela, uma canção que remonta a “I Hab Leff Alabama”, de 1849, e que só foi gravada décadas depois, em 1909, pela Prince’s Band.

Mais Forte que a Lembrança

“Lily e o Caçador” é, facilmente, uma das melhores histórias de Ken Parker. Brilha pelo roteiro, pela arte e até pela capa. E mais do que isso: marca a série ao colocar, pela primeira vez, um animal como figura central da narrativa. Para muita gente, é a história definitiva para entender por que Ken Parker é tão cultuado. Porque aqui não estamos só diante de uma história de faroeste, mas de uma reflexão profunda sobre fragilidade, empatia e conexão.

E o final… bom, o final é daqueles que ficam. Melancólico, inevitável, mas perfeito. Depois de garantir que Ken está fora de perigo, Lily segue seu próprio caminho, à liberdade, em uma referência clara a “O Chamado da Floresta”, de Jack London. Fica o vazio, claro, mas também a certeza de que aquele encontro mudou os dois. E, com certeza, o leitor também.

Batman: O Impostor - Quando Família Soprano encontra The Batman

2026-04-25T20:32:00.000-03:00

O mito do Batman sempre se destacou por sua capacidade de se reinventar, atravessando gerações com diferentes tons, abordagens e leituras. Essa flexibilidade ajuda a explicar por que o personagem permanece relevante: à medida que o mundo muda, Gotham City também se transforma, refletindo as angústias e complexidades de cada época. Se em versões mais antigas o herói podia parecer mais leve, foi com autores como Alan Moore e Frank Miller que o universo do Cavaleiro das Trevas mergulhou de vez em narrativas sombrias, violentas e profundamente psicológicas.

Durante anos, parecia que esse caminho já havia sido levado ao limite. No entanto, a chegada de Mattson Tomlin mostrou que existem novas camadas do personagem a serem exploradas. Antes da estreia de The Batman (2022), dirigido por Matt Reeves e estrelado por Robert Pattinson, Tomlin, que também assina o roteiro do longa desenvolveu, ao lado do artista Andrea Sorrentino (Gideon Falls), a minissérie Batman: O Impostor. Publicada no Brasil pela Panini Comics em 2021, a obra integra o selo DC Black Label e aposta em uma narrativa independente, marcada por uma abordagem mais madura, violenta e psicológica.

The Batman (2022) tem roteiro de Matt Reeves e Peter Craig, com contribuições de Mattson Tomlin. O filme foca no segundo ano de atuação de Bruce Wayne, abordando a corrupção em Gotham e a perseguição ao Charada. O roteiro foi publicado em formato de livro pela Insight Editions. Imagem: Warner Bros. Pictures

A trama acompanha um Batman ainda em início de carreira, que se vê diante de um caso perturbador: um assassino está utilizando sua identidade para executar criminosos em público, distorcendo completamente o significado do símbolo do Morcego.

Em resposta, o DPGC - Departamento de Polícia de Gotham City organiza uma força-tarefa para capturá-lo, enquanto Bruce Wayne passa a ser observado de perto pela detetive Blair Wong, que se aproxima dele sem desconfiar de sua verdadeira identidade. O relacionamento entre os dois é um dos pontos altos da trama onde o inexperiente Bruce tenta se aproximar e fugir simultaneamente da detetive.

Ainda que compartilhe o mesmo espírito sombrio do filme de Reeves, a HQ não funciona como um prelúdio canônico, mas sim como uma obra autônoma que dialoga com essa visão mais realista do herói. A história trabalha múltiplos elementos: o mistério do impostor, a corrupção do símbolo do Batman, e a saúde mental de Bruce.

O mundo apresentado é talvez o mais plausível já visto nas histórias do personagem. A polícia não é burra, por exemplo, consegue rastrear Batman com relativa facilidade, destruindo suas tirolesas e confiscando seus equipamentos mal escondidos. Os confrontos físicos têm consequências reais, com um Batman constantemente ferido e vulnerável. Até mesmo seus aliados são afetados: o comissário Gordon acaba afastado da cidade, enquanto decisões equivocadas do Batman permitem que criminosos retornem às ruas. A ausência de Alfred Pennyworth, que abandona Bruce ainda jovem, reforça ainda mais esse cenário, ao apresentar Wayne isolado, sem qualquer base emocional estável.

Essa versão do personagem se distancia da figura clássica do bilionário carismático para assumir contornos mais perturbadores. Aqui, Bruce é retratado como um indivíduo com tendências sociopatas, marcado por obsessão e incapaz de lidar com suas próprias emoções. A sensação constante é a de acompanhar um herói que, mesmo no início de sua jornada, já parece caminhar para o colapso.

É nesse ponto que a influência da série Família Soprano (1999) se torna evidente. A presença da Dra. Leslie Thompkins, que obriga Bruce a participar de sessões de terapia para evitar que sua identidade seja revelada, insere na narrativa uma dinâmica semelhante à da série, utilizando o espaço clínico como ferramenta para explorar conflitos internos. Esses momentos são potencializados pela arte de Sorrentino, que transforma as páginas em representações visuais dos medos e angústias que permeiam Gotham, elevando o impacto emocional da história.

A maioria dos episódios de Família Soprano contém cenas entre Tony Soprano (James Gandolfini) e sua terapeuta, Jennifer Melfi (Lorraine Bracco). Essas cenas oferecem ao público um vislumbre dos pensamentos e sentimentos de Tony sem recorrer a uma narração de voz interna. Imagem: HBO

Visualmente, a HQ abandona o espetáculo tradicional das histórias de super-heróis e opta por uma abordagem mais experimental, fugindo da quadrinização comum. As cenas de ação são intensas, próximas e caóticas, com personagens ofegantes, feridos e constantemente à beira do limite. Essa escolha reforça a proposta de realismo e contribui para a construção de um ambiente opressivo, onde cada confronto carrega peso e consequência.

Ao colocar Bruce diante de personagens que compartilham traumas semelhantes, a narrativa evidencia diferentes respostas ao sofrimento, explorando desde a queda para o lado mais violento até tentativas de reconstrução. Nesse processo, O Impostor não busca celebrar o herói, mas questioná-lo. Ao enfatizar sua agressividade e os danos colaterais de suas ações, a obra sugere que o Batman pode ser tão problemático quanto os criminosos que enfrenta, ainda que mantenha traços de determinação que sustentam seu papel como herói.

O resultado é uma HQ que dialoga com um filme noir, como The Batman, tanto na estética quanto na construção narrativa, oferecendo uma leitura densa e provocativa. Batman: O Impostor talvez não seja uma obra que agrade a todos os públicos, especialmente aos fãs do Morcego, mas se consolida como uma interpretação relevante para quem busca compreender o personagem para além do mito, explorando suas fragilidades, contradições e limites humanos.

Hirayasumi expande a força dos coadjuvantes em segundo volume sensível e envolvente

2026-04-23T09:25:00.000-03:00

Já falei do primeiro volume de Hirayasumi AQUI, e não tinha como deixar passar as edições seguintes sem comentar também. Esse é aquele tipo de mangá “gostoso” de ler, que não depende de grandes acontecimentos, mas sim da beleza das pequenas coisas do dia a dia. E, no segundo volume, essa proposta não só continua firme como fica ainda mais refinada, consolidando a obra de Keigo Shinzo como uma das leituras mais sensíveis do cotidiano que temos hoje.

Seguimos acompanhando Hiroto Ikuta, um homem de 29 anos que desafia expectativas sociais ao viver sem emprego fixo, sem grandes ambições materiais e, ainda assim, plenamente satisfeito com a vida. Ele mora em uma casa antiga que herdou de uma senhora, a “vovó” Hanae Wada e divide esse espaço com sua prima, Natsumi, que se muda para Tóquio para estudar arte.

Nascimento da mangaká Natsumi

Aqui, Natsumi ganha ainda mais destaque. Sua amizade com Akari, colega de faculdade, se desenvolve de forma muito natural. As duas passam a trabalhar juntas em um restaurante chinês, o que aproxima ainda mais essa relação. E é nesse convívio que Natsumi começa a se abrir, compartilhando seu sonho de se tornar mangaká.

Ela dá seus primeiros passos de verdade: envia uma história para um concurso e acaba sendo publicada. Pode parecer algo simples, mas o mangá trata esse momento com o peso emocional certo. Acompanhamos não só a conquista, mas também todo o processo, as dúvidas, as inseguranças e a ansiedade.

É muito interessante ver esse “nascimento” da artista acontecendo. Natsumi, que no começo parecia imatura e até ingrata em alguns momentos, vai ganhando camadas. Morar longe de casa, lidar com responsabilidades e encarar seus próprios erros fazem com que ela amadureça de forma orgânica. Nada forçado, tudo no tempo dela e isso faz toda a diferença.

Hideki e o medo de mudar

Outro personagem que ganha espaço é Hideki, melhor amigo do Hiroto. Ele está prestes a ser pai, mas claramente não sabe muito bem como lidar com isso. Em vez de abraçar essa nova fase, tenta se agarrar à vida que levava antes.

Hiroto, com aquele jeito tranquilo mas direto, dá uns bons “choques de realidade” no amigo. E funciona. Tem uma cena muito boa em que Hideki dá carona para Natsumi, e os dois acabam conversando sobre o passado de Hiroto, incluindo o motivo pelo qual ele largou a carreira de ator.

Esse ponto é aprofundado em um flashback bem bonito com a vovó. Vemos os dois assistindo a um filme estrelado pelo próprio Hiroto, e ele explicando por que desistiu da carreira: simplesmente não conseguia lidar com as pressões da profissão. Não era pra ele. É um momento simples, mas que diz muito, tanto sobre o personagem quanto sobre a relação dos dois. Fica claro que o laço entre os dois não surgiu do nada, e ajuda a entender por que ela confiou sua casa a ele.

Yomogi rouba a cena

Se tem alguém que realmente brilha neste volume, é Yomogi. A corretora imobiliária que vive esbarrando com Hiroto funciona quase como um contraponto direto ao estilo de vida dele. Ela tem uma carreira sólida, uma vida aparentemente estruturada… mas só na superfície. Porque, por dentro, dá pra ver que tem algo fora do lugar. E isso fica ainda mais evidente quando ela entra em contato com o Hiroto, alguém que vive com muito menos, mas parece muito mais satisfeito.

O reencontro dos dois, logo no começo do volume, é cheio de constrangimento. Ela vai até a casa dele por questões de trabalho, mantém o profissionalismo, mas o clima é estranho. E Hideki e Natsumi, claro, percebem na hora que tem algo ali e ficam só observando, curiosos.

A dinâmica entre Hiroto e Yomogi é feita de pequenos encontros e desencontros. Tem um momento ótimo em que ele a convida para almoçar, ela claramente quer ficar (a fome entrega), mas decide ir embora mesmo assim. É nesse tipo de detalhe que Hirayasumi acerta em cheio: relações que vão sendo construídas aos poucos, sem pressa, sem exageros, mas cheias de significado.

Festival de Tanabata: cotidiano que vira espetáculo

O reencontro entre Hiroto e Yomogi mais marcante acontece durante o Festival de Tanabata, que reúne praticamente todo o elenco. E aqui o mangá também brilha visualmente. Os detalhes são incríveis: os quimonos de Natsumi e Akari, as decorações feitas à mão, o movimento das pessoas… tudo contribui para criar um ambiente vivo. Até coisas simples, como mensagens de celular, recebem atenção especial.

Mais do que um pano de fundo, a cidade funciona quase como um personagem. Hiroto enxerga Tóquio de forma leve, como um espaço de possibilidades. Já outros personagens sentem o peso da cidade, como algo opressivo. Essa diferença de percepção enriquece muito a narrativa.

É durante esse festival que Yomogi começa a rachar. Descobrimos que o gato dela, que vivia com sua mãe, morreu recentemente. E esse detalhe, aparentemente pequeno, carrega um peso emocional enorme.

Quando Hiroto puxa conversa de forma leve, sem saber do ocorrido, acaba tocando numa ferida aberta. E ela explode. Desconta tudo nele. Mas o mais interessante não é a explosão em si, e sim o que vem depois. Porque isso força Yomogi a encarar sentimentos que ela vinha evitando. O pedido de desculpas que vem depois não resolve tudo, mas mostra que algo mudou. Uma barreira caiu. E isso já é muita coisa em se tratando da personagem.

O que é “lar”, afinal?

Um dos temas mais fortes desse volume é a ideia de lar. E não só como espaço físico, mas como sentimento. Yomogi aparece sozinha em um apartamento moderno, cercada pelas luzes da cidade, uma imagem bonita, mas fria. Em contraste, suas lembranças a levam para momentos simples, na casa da família, com afeto de verdade.

Já Hiroto e Natsumi, vivendo numa casa antiga, meio bagunçada, dividindo um bolo amassado e rindo, transmitem algo completamente diferente: calor, conexão, pertencimento. E aí o mangá faz aquela pergunta silenciosa que fica com o leitor: o que é lar pra você?

O volume fecha reforçando uma ideia muito bonita: as memórias, principalmente as boas, ajudam a gente a seguir em frente. Natsumi desenhando no presente ecoa a criança que mostrava seus mangás pro primo. Hideki lembra da juventude com Hiroto e começa a repensar sua vida adulta e Yomogi revive momentos com seu gato e sua família.

Não é nostalgia vazia. É reconhecer que essas experiências moldam quem a gente é.

A força do simples

No fim das contas, o segundo volume de Hirayasumi reafirma por que este slice of life funciona tão bem. Não tem grandes reviravoltas, nem drama exagerado. O que tem é vida acontecendo. Com um traço delicado e uma narrativa paciente, Keigo Shinzo constrói uma história sobre pertencimento, amadurecimento e propósito. Personagens imperfeitos, em momentos diferentes da vida, tentando cada um do seu jeito encontrar seu lugar.

E talvez o maior mérito do mangá seja esse: em um mundo acelerado, ele convida o leitor a desacelerar. A prestar atenção. A sentir. Porque, no fim, é nas coisas mais simples que mora o que realmente importa.

As Vozes da Água: Sclavi mergulha na esquizofrenia e na solidão contemporânea

2026-04-21T17:23:00.000-03:00

As Vozes da Água é uma obra singular dentro da carreira de Tiziano Sclavi, conhecido por sua habilidade em explorar o terror psicológico e existencial na série Dylan Dog. Aqui, no entanto, o autor radicaliza sua abordagem ao construir uma narrativa que abandona quase por completo qualquer amarra tradicional de linearidade, conduzindo o leitor por uma experiência sensorial e emocional densa, muitas vezes desconcertante.

Com arte de Werther Dell’Edera, reconhecido pelo trabalho em Something Is Killing the Children (Boom! Studios), As Vozes da Água publicada no Brasil pela Editora Lorentz, propõe uma leitura que dificilmente se esgota em uma única vez, exigindo releituras para que suas múltiplas camadas possam ser assimiladas.

Desde suas primeiras páginas, a história estabelece um clima opressivo: sob uma chuva persistente que parece não ter fim, acompanhamos o protagonista, Stavros, vagando por uma cidade cinzenta e emocionalmente estagnada, enquanto é assombrado por vozes cuja origem nunca se esclarece completamente. A dúvida inicial, se essas manifestações são fruto de sua esquizofrenia, diagnosticada logo no início, ou se representam algo mais amplo, rapidamente deixa de ser apenas um elemento narrativo e passa a estruturar toda a experiência da leitura. Sclavi não está interessado em oferecer respostas, mas em dissolver as perguntas, criando uma sensação constante de instabilidade em que realidade e alucinação se entrelaçam.

Diferentemente de muitas histórias de Dylan Dog, nas quais o não-dito serve como um recurso para manter o mistério e provocar interpretações, em As Vozes da Água a ausência de respostas é o próprio núcleo da narrativa. Trata-se de um gesto deliberado que busca aproximar o leitor da experiência subjetiva de alguém que vive com transtornos psíquicos severos, especialmente no que diz respeito à incapacidade de distinguir o que é real do que é imaginado. O resultado é uma leitura que pode ser tão frustrante quanto fascinante, pois obriga o público a compartilhar da mesma sensação de impotência e desorientação em que vive o protagonista.

Estruturada em capítulos curtos, a HQ de 96 páginas possui um ritmo de leitura ágil, quase compulsivo, mas essa aparente fluidez contrasta com o peso das reflexões que se acumulam ao longo da narrativa. A chuva constante funciona não apenas como elemento atmosférico, mas como metáfora de um estado emocional sufocante, enquanto os encontros de Stavros com outras pessoas revelam um retrato impiedoso da sociedade contemporânea.

São figuras marcadas pela solidão, por relações superficiais e por uma indiferença quase absoluta ao que ocorre ao seu redor. Em um dos momentos mais perturbadores, essa apatia atinge níveis absurdos quando nem mesmo a presença de elementos extraordinários, como a aparição de possíveis seres extraterrestres é capaz de provocar quaisquer reações, como se a alienação já tivesse ultrapassado qualquer limite de percepção.

Sclavi também insere, de maneira sutil, uma crítica contundente à lógica burocrática da vida moderna ao retratar o trabalho de Stavros em uma companhia de seguros. Inserido em um ambiente padronizado, cercado por fileiras de trabalhadores igualmente resignados, o protagonista se torna apenas mais uma peça substituível dentro de uma engrenagem. A mensagem é clara: longe de oferecer realização, o trabalho, nesse contexto, atua como um mecanismo de alienação, esvaziando o indivíduo de sentido e singularidade.

Ainda assim, em meio a essa atmosfera opressiva e por vezes desesperadora, As Vozes da Água encontra espaço para momentos de delicada beleza. Sclavi sugere que o medo da morte, embora paralisante, é também desproporcional e, em certa medida, inútil, enquanto aponta para a simplicidade da vida como uma possível fonte de afeto genuíno. Esses instantes não anulam o peso da narrativa, mas funcionam como breves respiros que tornam a experiência ainda mais humana e, paradoxalmente, mais dolorosa.

A arte de Dell’Edera desempenha papel fundamental na construção desse universo. Seu traço, caracterizado por linhas finas, com muita hachura, alterna entre o minimalismo e o detalhamento preciso, conforme a necessidade da cena. Os elementos visuais não apenas ilustram a narrativa, mas a expandem, criando uma fusão entre o estado mental de Stavros e o ambiente que o cerca. A arte, parecendo que não está arte-finalizada oferece uma integração tão eficaz que, em diversos momentos, torna-se impossível separar o que pertence ao mundo físico daquilo que emerge da psique do personagem.

A capa, dominada por tons de azul evoca melancolia, apresentando Stavros invertido, como uma gota prestes a cair, sugerindo tanto dissolução quanto a inevitabilidade.

As Vozes da Água não é uma leitura confortável, nem pretende ser. É uma obra que desafia, confunde e, em muitos momentos, inquieta profundamente, mas que justamente por isso se revela poderosa, consolidando-se como um dos trabalhos mais densos e introspectivos de Sclavi. Uma HQ que, como as vozes que ecoam em sua trama, continua reverberando muito depois de sua última página e como a água, seu fluxo pode tomar formas diferentes em uma próxima leitura.

Os Ignorantes: um impulso ao aprendizado sobre vinhos e quadrinhos

2026-04-18T17:06:00.000-03:00

Eu nunca imaginei que aprenderia tanto sobre vinho, vida no campo e quadrinhos quanto com esses “ignorantes”. Na HQ "Os Ignorantes: Relato de duas iniciações", lançado no Brasil pela WMF Martins Fontes em 2014, o quadrinista Étienne Davodeau propõe uma troca de saberes com Richard Leroy, viticultor do Vale do Layon, na França, uma experiência que revela, com sensibilidade, como dois universos aparentemente distantes podem se enriquecer mutuamente.

Unidos pela curiosidade e pela disposição de aprender o desconhecido, os dois firmam um pacto: mergulhar no universo um do outro. A experiência se desenvolve como um verdadeiro laboratório humano e criativo. Leroy recebe Davodeau em seu vinhedo, enquanto o quadrinista conduz o enólogo pelo universo das HQs, uma arte até então inexplorada por ele.

Ainda que a proposta seja de uma troca equilibrada, a narrativa acaba sendo mais dominada pelo universo do vinho, algo compreensível diante da própria natureza do trabalho de Davodeau, que exige repetição e longas horas para a produção das 272 páginas desta HQ.

Esse protagonismo do vinho, no entanto, está longe de ser um problema. Pelo contrário: transforma a obra em um guia acessível e profundamente envolvente sobre o processo de produção vinícola ao longo de um ano inteiro. Da poda das videiras em janeiro até a colheita e fermentação, cada etapa é detalhada com clareza e sensibilidade.

Leroy revela-se um personagem fascinante. Altamente exigente em seu trabalho, surge como uma figura não apenas técnica, mas com uma grandiosa filosofia que sustenta seu trabalho. Considerado um produtor atípico dentro do setor, ele enxerga o vinho como algo que vai além de uma simples bebida alcoólica. Sua abordagem valoriza o processo, o território e a autenticidade, inserindo-se em um movimento mais amplo de renovação da viticultura, especialmente no Vale do Loire, região conhecida como “Jardim da França”.

Davodeau acaba construindo, com a ajuda de Leroy, uma introdução abrangente ao mundo do vinho, desmistificando sua linguagem frequentemente associada à elitização. Um exemplo marcante dessa abordagem surge na participação do produtor Jean-François Ganevat, que relativiza a obsessão por vinhos de longa guarda (vinhos que evoluem na garrafa por mais de 20 anos) ao afirmar preferir aqueles que proporcionam prazer imediato, ainda que por um período mais curto.

A honestidade é um dos pilares da obra que ao invés de apresentar o universo do vinho de forma idealizada, como frequentemente ocorre em produções sobre o tema, Os Ignorantes aposta na experiência real, com suas imperfeições e nuances. Davodeau bota a mão na massa, na terra pra falar a verdade e aprendemos tudo através de sua experiência real. Leroy, inclusive, destaca que foi justamente essa abordagem direta e despojada do quadrinho que permitiu capturar a essência humana do trabalho no campo.

Se o vinho ocupa o centro da narrativa, a incursão de Leroy pelo universo das histórias em quadrinhos também reserva momentos valiosos. Davodeau apresenta ao amigo alguns dos grandes nomes da nona arte europeia, como Jean-Pierre Gibrat (Matteo), Emmanuel Guibert (O Fotógrafo) e Marc-Antoine Mathieu (Prisioneiro dos Sonhos), além de contar com uma colaboração especial de Lewis Trondheim (Lapinot) na HQ.

As reações de Leroy às obras são particularmente interessantes por sua espontaneidade: ele não se conecta com as HQs de Lorenzo Mattotti (O Rumor da Geada), por exemplo, mas passa a apreciá-lo ao conhecer suas pinturas, uma mudança de perspectiva que revela a força do contato direto com diferentes formas de arte. Já com Moebius (Incal), essa conexão simplesmente não acontece.

Essa troca de impressões, sem filtros ou pretensões, reforça um dos maiores méritos de Os Ignorantes: seu tom acolhedor e genuinamente curioso. A obra não busca impor conhecimento, mas compartilhá-lo de forma orgânica, convidando o leitor a participar dessa jornada de descobertas. A arte de Davodeau, com seus traços elegantes e uso refinado de tons de cinza, contribui para essa imersão, oferecendo uma leitura visual fluida e agradável.

Outro aspecto central da narrativa é a valorização do tempo. Seja no amadurecimento de um vinho ou na formação de um olhar crítico, tudo exige paciência. Ao provar um vinho produzido durante sua própria experiência nas vinhas, um Anjou branco biodinâmico de 2010, Davodeau percebe que sua relação com a bebida mudou. Ainda que não possua o repertório de um especialista, ele se sente diretamente conectado ao resultado final, compreendendo, na prática, o caminho percorrido até chegar à taça.

Como toque final, a HQ apresenta uma lista dos quadrinhos lidos e dos vinhos degustados ao longo da experiência, ampliando o convite para que o leitor também explore esses universos. Entre eles está o Les Noëls de Montbenault 2010, vinho produzido durante o período retratado na obra e que, atualmente, alcança preços superiores a 200 libras (cerca de R$ 1.349) no mercado internacional.

Les Noëls de Montbenault 2010, vinho produzido durante o período retratado na obra.
Foto: tiritinyam.blogspot.com

Os Ignorantes reafirma seu próprio título: trata-se de uma obra sobre ignorância no melhor sentido possível, aquela que impulsiona a curiosidade e abre espaço para o aprendizado. Ao registrar essa jornada com franqueza e sensibilidade, Davodeau não apenas documenta o universo do vinho, mas também oferece uma reflexão sobre o ato de aprender, errar e, sobretudo, experimentar.

O leitor acaba fazendo parte desse grupo de Ignorantes e sai da HQ com muito conhecimento. Os Ignorantes não é apenas uma HQ sobre vinho ou quadrinhos, mas sobre o prazer de aprender, compartilhar e descobrir novos mundos. Uma experiência que transforma um gole de leitura em algo memorável.

Richard Leroy e Étienne Davodeau. Foto de Éditions Futuropolis

Superman: Herói para Todos homenageia o Homem de Aço com espetáculo visual

2026-04-16T09:17:00.000-03:00

Se tem uma coisa que gosto do escritor Dan Jurgens é que volta e meia ele faz uma história do Superman recapitulando tudo da vida do super-herói. Um resumão! Isto é ótimo para quem lê HQs de Super Heróis onde geralmente a cronologia é uma bagunça.

“Superman Herói para Todos” se insere exatamente nessa proposta. A obra é ao mesmo tempo uma porta de entrada acessível para novos leitores e uma homenagem respeitosa ao legado do herói. Publicada pela Panini Comics em formato gigante, com 80 páginas e capa cartão, a edição se destaca pelos impressionantes desenhos de Bruno Redondo (Asa Noturna), potencializados ao máximo pelo tamanho ampliado da HQ, que valoriza cada detalhe de sua arte.

Jurgens insere esta história durante a era DC Renascimento, longe dos acontecimentos atuais das séries regulares da DC.

Após conter a invasão de um robô gigante à Metrópolis, Superman desaparece e a Terra é invadida em grandes proporções por dois vilões clássicos do Azulão. Um é o Superciborgue (Hank Henshaw) e o outro é Máxima, rainha conquistadora do planeta Almerac. No fundo ela nutre uma mágoa por Superman tê-la rejeitado.

Enquanto o planeta sucumbe, os heróis tentam resistir, mas são rapidamente derrotados. Em meio ao caos, Lois Lane permanece em Metrópolis ao lado do Batman, investigando o paradeiro do Superman. Paralelamente, os pais de Clark fogem com o neto Jonathan Kent, retratado aqui ainda quando criança.

A narrativa então se fragmenta entre passado e presente, apresentando uma realidade alternativa em que elementos fundamentais da história do Superman foram distorcidos: seu pai morre tragicamente, Clark é influenciado por Lex Luthor a ir para Metrópolis, onde anos depois se torna Editor Chefe do Planeta Diário, enquanto Lois está casada e com filhos, de Luthor!

Esta parte lembra a aclamada HQ "Para o Homem que Tem Tudo" (1985), escrita por Alan Moore e ilustrada por Dave Gibbons. Na trama, Batman, Robin e Mulher-Maravilha visitam a Fortaleza da Solidão no aniversário do herói, encontrando-o preso a uma planta parasita alienígena, a "Clemência Negra". A planta induz uma alucinação onde ele vive seu maior desejo: uma vida em Krypton que nunca foi destruída.

Mas neste caso, a ilusão contradiz tudo em que Clark acredita, se revelando uma ilusão criada pelos invasores para manter Superman aprisionado, neutralizando a única ameaça real ao domínio da Terra. Quando o herói finalmente se liberta, Jurgens assume também os desenhos e conduz seu famoso “resumão” da carreira do personagem. Relembra eventos icônicos como sua chegada à Terra, morte e retorno, casamento e até fases mais controversas, como a transformação elétrica. Elementos recentes da fase Renascimento também são incorporados, incluindo o retorno de Jor-El, o período da família Kent em Hamilton e o nascimento de Jonathan.

Apesar da proposta de celebrar o legado do personagem em uma grande homenagem, a execução não é perfeita. O título sugere um Superman “para todos”, mas a humanidade aparece pouco representada, reduzida a uma família simbólica que surge na conclusão da história, em meio a batalha final onde o Superman e Máxima estavam detonando a cidade. Só para fazer uma cena bonitinha.

Existem capas da série regular feitas por Jorge Jimenez que sabem mostrar como o Superman realmente é o herói para todos. Ele na escola com as crianças, ele voando pela cidade e todos felizes com sua presença e proteção.

A história da HQ tenta falar que sem o Superman a Terra está fadada a cair, o que não é verdade, pois existem muitos super-heróis que já resolveram crises piores. Torre de Babel, Ponto de Ignição e A Noite Mais Densa são alguns exemplos. A história está mais para Superman Herói para todos os heróis, já que sem ele, eles não dão conta da ameaça.

Ainda assim, o roteiro demonstra controle ao evitar que o montante de personagens transforme a narrativa em um desfile desordenado de participações especiais. Tudo converge para reforçar o papel do Superman como eixo moral e emocional, uma constante na abordagem de Jurgens.

“Superman: Herói para Todos” se estabelece como uma obra de celebração, uma síntese afetiva da trajetória do herói, carregada de nostalgia e apelo visual. No entanto, a pressa em condensar tantos elementos compromete seu impacto narrativo. É uma leitura agradável e visualmente deslumbrante, mas que dificilmente se firmará entre as histórias mais memoráveis do Homem de Aço.

Tributo ao próprio autor

“Superman Herói para Todos” é um tributo pessoal à própria carreira de Dan Jurgens, especialmente pelas escolhas dos vilões. Máxima teve um romance com o Superman durante a saga Armageddon 2001, em 1991, saga esta desenhada por Jurgens com roteiros de Dennis O'Neil e Archie Goodwin.

E o Superciborgue (Hank Henshaw) foi um vilão criado por ele que teve grande participação no Retorno do Superman e sempre que tem chance o traz de volta. Quando assumiu a revista Action Comics na fase Renascimento, além de Apocalypse (outra criação de Jurgens), o roteirista trouxe o Superciborgue também.

Jurgens começou a trabalhar com o Superman no fim dos anos 1980, após a reformulação promovida por John Byrne, assumindo rapidamente um papel central nos títulos do Homem de Aço. Seu momento mais emblemático veio nos anos 1990, quando escreveu e desenhou a clássica saga A Morte do Superman. A história tornou-se um fenômeno editorial global e redefiniu o alcance midiático dos quadrinhos de super-heróis.

Arte original da Morte do Superman, referenciada abaixo por Redondo em Superman Herói para todos.

Após esse arco, Jurgens continuou profundamente envolvido com o personagem, participando de fases importantes que ajudaram a consolidar o universo do herói ao longo da década. Após um período afastado, retornou em 2010 durante a fase Renascimento, para trazer de volta uma versão mais clássica do herói, alinhada à essência tradicional do Superman, após o fim dos Novos 52.

A arte é o grande Tesouro da edição

Apesar de sua importância, o roteiro de Jurgens oscila em Herói para Todos, mas o mesmo não pode ser dito da arte. O grande destaque da edição é o trabalho do espanhol Bruno Redondo, com arte-final do brasileiro Caio Felipe. Beneficiado pelo formato “Treasury Edition”, tabloide, semelhante a clássicos como “Superman vs. Muhammad Ali” e "Superman Paz na Terra". Redondo entrega páginas amplas, dinâmicas e visualmente impressionantes. Seu traço equilibra um realismo estilizado com forte influência cinematográfica, criando composições fluidas que valorizam movimento e grandiosidade.

Cada página parece pensada para impressionar e Bruno faz belíssimas Splash Pages do Super e de outros heróis, que valem a pena admirar. A arte da capa, homenageia a imagem clássica do filme Superman (1978) com Christopher Reeve voando ao lado da Terra. Dessa vez com o Super dando uma piscada para o planeta.

A colorização do brasileiro Adriano Lucas complementa a obra com cores vibrantes e uso estratégico de retículas nas sequências do passado, trazendo o clima de uma revista antiga do Superman.

Verão do Superman

Na época do lançamento do filme Superman (2025) de James Gunn com David Corenswet no papel principal, a DC Comics lançou uma iniciativa editorial chamada Summer of Superman (Verão do Superman), já que o filme foi lançado em julho, verão no hemisfério norte.

A HQ “Superman Herói para todos” (Hero for All, no original) que faz parte dessa iniciativa, foi adiantada pela Panini Comics e lançada em Dezembro de 2025, mas as outras HQs que compõem a fase terão início somente agora, em abril de 2026. Coincidentemente próxima ao Dia do Superman, comemorado em 18 de abril, celebrando o lançamento da primeira aparição do personagem em Action Comics #1 em 1938.

Com uma abordagem mais acessível do personagem, Superman: Herói para Todos é uma HQ concebida justamente para atrair novos leitores, especialmente aqueles que tiveram contato com o herói por meio do novo filme. No entanto, como a edição brasileira chegou às bancas bem depois do lançamento, a Panini Comics optou por suprimir o conteúdo especial relacionado ao longa presente na versão original.

Sem esse vínculo direto com o cinema, Herói para Todos preserva um forte apelo nostálgico, apostando em uma estética que dialoga diretamente com leitores mais antigos. Por outro lado, para o público iniciante, alguns elementos podem soar deslocados em relação à continuidade atual, como a representação de Jonathan Kent ainda criança, diferente das histórias mais recentes, nas quais o personagem já aparece em uma fase mais madura, atuando como Superboy.

Absolute Mulher Maravilha: Deuses, Bruxas e sacrifícios

2026-04-13T08:36:00.000-03:00

O chamado “Universo Absolute”, da DC Comics, consolida-se como um dos movimentos editoriais mais bem-sucedidos recentes da indústria de quadrinhos. O êxito não se deve apenas à ousadia de reimaginar personagens consagrados como Batman e Superman, mas, sobretudo, à qualidade das histórias apresentadas, capazes de dialogar tanto com leitores veteranos quanto atrair um público novo.

Nesse contexto, a releitura da Mulher-Maravilha, conduzida pela roteirista Kelly Thompson (Aves de Rapina, Capitã Marvel) e pelo desenhista Hayden Sherman (Batman: Padrões Sombrios), surge como um dos projetos mais interessantes da linha. Ao mesmo tempo em que preserva elementos essenciais da personagem, a série propõe uma reformulação estrutural que altera profundamente sua origem, seu ambiente e, consequentemente, suas motivações.

Kelly Thompson ancora a narrativa na mitologia grega e magia, mas a partir de uma inversão radical: esta Diana não é formada em um paraíso, e sim forjada no inferno, sob a tutela da bruxa Circe. Sherman constrói uma identidade visual que combina delicadeza e brutalidade, evocando tanto a estética de contos de fadas e Dark Fantasy, quanto influências de obras como o mangá Berserk.

Ainda assim, o traço mais marcante da personagem permanece: sua humanidade. Diante de uma origem marcada por sofrimento, esta Diana demonstra compaixão, senso moral e um profundo compromisso com a justiça, chegando a tratar até mesmo criaturas demoníacas com empatia.

Publicada no Brasil pela Panini Comics em edições de 64 páginas, a série já concluiu seu primeiro arco, intitulado “A Última Amazona”.

Sem paraíso

A clássica Themyscira, símbolo de equilíbrio, sabedoria e formação é citada, mas não aparece nesta origem da personagem. A ausência das amazonas não apenas redefine a trajetória da personagem, mas também introduz uma série de questionamentos que permeiam a narrativa: o que teria ocorrido com esse povo? Teriam sido destruídas, punidas ou simplesmente apagadas por forças divinas? A interferência de deuses como Apolo, deus do Sol e responsável por levar Diana ainda bebê para Circe, sugere um pano de fundo mais complexo, ainda em construção.

Mas o grande objetivo, segundo Thompson, não era simplesmente mudar a origem da personagem, mas colocá-la em um contexto onde suas escolhas, e não apenas sua herança, fossem determinantes. Essa mudança reverbera em todo o universo simbólico da obra. Elementos tradicionais da mitologia grega permanecem presentes, mas são reorganizados sob uma lógica mais sombria e imprevisível.

Circe e a construção de um vínculo inesperado

Na ausência de uma figura materna amazona, geralmente atribuída à Rainha Hipólita das Amazonas, é Circe quem assume esse papel. Inicialmente apresentada como uma entidade fria e indiferente, Circe passa por um processo gradual de transformação à medida que convive com a jovem Diana.

O que começa como desinteresse evolui para um vínculo afetivo genuíno, enquanto Diana, por sua vez, reconhece nela uma figura materna. Essa relação, construída de maneira progressiva, adiciona densidade emocional à narrativa e redefine a dinâmica entre heroína e sua antagonista na versão regular.

Circe é uma das maiores vilãs da Mulher Maravilha. Ganhou destaque no arco "A Bela e as Feras” na fase pós-Crise (1988), compreendendo as edições 15 a 19, escritas e desenhadas por George Pérez.

Ela também aparece na série animada Liga da Justiça Sem Limites (2004), logo no quinto episódio da primeira temporada, intitulado: “Essa porquinha”. Na história, a Mulher Maravilha é transformada em uma porca e Batman e Zatanna precisam reverter o feitiço.

Na mitologia grega, Circe é uma poderosa feiticeira, frequentemente descrita como uma divindade menor, conhecida por transformar homens em animais por meio de poções mágicas em sua ilha, Eea. Sua representação mais famosa aparece na Odisseia, de Homero, quando transforma os companheiros de Odisseu em porcos. Ao longo dos séculos, consolidou-se como uma figura ambígua: ao mesmo tempo ameaçadora e sedutora, capaz de crueldades, mas também de gestos de hospitalidade e orientação, como quando ajuda o próprio Odisseu a seguir sua jornada.

Circe oferecendo uma taça a Ulisses, por John William Waterhouse (1891)
Imagem: Gallery Oldham. Reino Unido

Essa imagem da “bruxa” carrega também um peso histórico. Na Antiguidade e, mais tarde, durante a Idade Média, o rótulo de bruxa funcionava frequentemente como instrumento de violência de gênero e controle social, associado à marginalização de mulheres que fugiam das normas patriarcais, fossem curandeiras, parteiras ou simplesmente mulheres independentes. A perseguição às chamadas bruxas, portanto, não se limitava à superstição, mas em dinâmicas de poder e exclusão.

É a partir desse repertório que Kelly Thompson reconstrói sua versão de Circe. Na série, a personagem surge já marcada por punições dos deuses, relegada ao esquecimento no submundo, embora ainda detenha habilidades valiosas à eles. Nesse contexto, sua relação com a jovem Mulher-Maravilha ganha contornos inesperados: o inferno, inicialmente hostil, transforma-se gradualmente em lar.

Como a própria Thompson sugere, trata-se de uma dinâmica em que ambas se alimentam emocionalmente de amor e essa transformação é refletida visualmente no ambiente. A caverna árida e desolada vai se tornando um espaço de acolhimento, marcado por afeto e pertencimento. É nesse espaço que se forma, em grande parte, a identidade dessa nova Diana.

Uma nova estética e novas ferramentas

Hayden Sherman busca no visual da Mulher-Maravilha uma estética mais diretamente ligada ao imaginário helênico, algo que nem sempre aparece com tanta força nas versões modernas da personagem. Em vez de apostar no tradicional apelo pin-up, Sherman constrói uma Diana que remete a esculturas e cerâmicas da Grécia Antiga, com linhas mais limpas, postura imponente e uma elegância quase clássica.

Há uma valorização do corpo como forma heroica, mas sem exageros. Sua altura e presença geram imponência, olhando de cima para baixo para figuras importantes como generais de exércitos, que se apequenam diante de Diana.

A reformulação também se manifesta no campo visual e funcional da personagem. O traje abandona a estilização clássica em favor de uma abordagem mais prática e utilitária, incorporando elementos como armadura, capa de pele e capacete. Além de cavalgar um Pégaso em uma versão esquelética reforçando o tom sombrio da narrativa.

Além disso, a personagem passa a dispor de múltiplos laços, uma espada de proporções exageradas e um conjunto de recursos mágicos que ampliam significativamente seu repertório. Entre esses elementos, destaca-se o braço direito robótico, resultado de um sacrifício e a bolsa druídica, utilizada como um pequeno portal, onde guarda armas e feitiços.

Este é outro ponto importante, que é a relação da personagem com o místico. Esta Mulher-Maravilha continua sendo uma princesa e uma amazona, mas agora também é uma bruxa. Em versões anteriores, Diana estava ligada ao místico, mas raramente o manipulava diretamente como aqui.

A introdução de práticas de magia, incluindo o uso de uma linguagem específica para encantamentos, que mistura grego e palavras ocultas, amplia o escopo narrativo e diferencia essa interpretação das anteriores. No entanto, a obra estabelece uma regra clara: a magia tem custo. Cada utilização implica consequências, o que adiciona peso dramático às escolhas da protagonista e reforça a ideia de sacrifício como elemento central.

Como bruxa, Diana venera Hécate, a deusa grega da magia, bruxaria e deusa das encruzilhadas. Em seu ombro direito há uma enorme tatuagem vermelha e no ombro um círculo, símbolo da Deusa. Essa simbologia se expande ainda mais na escolha das cores dessa nova Mulher Maravilha. O vermelho e o preto que definem o visual da personagem evocam as cores da Deusa.

Hécate domina os céus, terra e submundo, atuando como guia de almas e protetora das fronteiras entre mundos. Algo como a própria Diana, que transita entre o mundo dos humanos, dos deuses e das amazonas.

A última Amazona

Kelly Thompson define a solidão como o eixo central desta nova Mulher-Maravilha. Trata-se de uma personagem construída a partir da ausência de seu povo, as Amazonas. O que reforça de maneira contundente a ideia de “última” ou “única” amazona, já sugerida no subtítulo do arco inicial, e atribui um peso muito maior a cada uma de suas decisões.

A história se abre com um evento de escala quase apocalíptica: uma gigantesca pirâmide invertida surge flutuando próximo à costa de Gateway City e passa a vomitar hordas demoníacas sobre a cidade. É nesse cenário que Diana faz sua estreia, enfrentando criaturas infernais em sequências intensas, violentas e visualmente impactantes.

A estrutura do roteiro alterna entre passado e presente. No presente, acompanhamos a chegada da heroína à cidade e sua tentativa de conter algo que parece apenas o prenúncio de um ser ainda mais devastador: o Tetracida, um monstro gigante com características fortemente influenciadas pelo horror cósmico lovecraftiano. Ele vem com a intenção de destruir a humanidade, primeiramente os colocando uns contra os outros.

Já no passado, mergulhamos em sua origem: ainda bebê, Diana surge inesperadamente na chamada Ilha Selvagem, no Submundo, sob o olhar desconfiado de Circe e sob ameaça constante de criaturas que tentam matá-la. Isso só a fortalece. Em certo momento, Steve Trevor aparece nas praias da ilha e Diana decide ajudá-lo.

Os confrontos no presente cumprem bem o papel de apresentar a versão adulta da personagem, uma guerreira que maneja mais de um laço, nenhum deles o da verdade. Também entram em cena figuras que orbitarão sua trajetória, conhecidas do universo clássico mas aqui reimaginadas, como Etta Candy, sua irmã Gia e Barbara Minerva (que aqui ainda não é a Mulher Leopardo).

Em ambos os eixos, um conceito se impõe como fio condutor: o sacrifício. A magia, elemento fundamental da trama, faz com que Diana pene para conseguir reunir materiais para enfrentar o Tetracida ou devolver Steve Trevor para o mundo da superfície. O roteiro explora bem essa lógica, inserindo consequências que tornam o percurso da personagem mais difícil e, por isso mesmo, mais interessante.

Nesse contexto, até elementos aparentemente mais leves ganham nova função. A transformação de Etta em uma espécie de bruxa moderna, dona de uma loja de ingredientes exóticos que abastecem a bolsa druídica de Diana, pode soar conveniente, mas se encaixa organicamente nesse universo em que o místico permeia todas as camadas da realidade.

A liberdade e as referências de Hayden Sherman

Em Absolute Mulher-Maravilha, o desenhista, Hayden Sherman destacou em entrevistas que a editora deu liberdade quase total, como se fosse uma HQ autoral independente, mas sob a supervisão dos editores. Sherman explica que suas influências vão desde a ficção científica clássica, como Flash Gordon, até a sofisticação gráfica de artistas como Al Williamson (Contos da Crypta). No entanto, talvez o elemento mais evidente dessa mistura esteja na incorporação de referências da cultura pop japonesa e dos videogames.

Berserk de Kintaro Miura.

A própria concepção da personagem evidencia essa fusão. A nova Diana empunha uma espada de proporções exageradas, ideia de Kelly Thompson, que remete à espada Dragon Slayer de Guts, do mangá Berserk. A própria armadura de Diana, preta e com pontas, também lembram a de Guts. São detalhes estéticos, que segundo Sherman comunicam imediatamente sobre o mundo e o tipo de história que está sendo contada.

Esse diálogo entre referências diversas também se manifesta na construção das páginas. O artista destaca sua admiração por quadrinhos europeus e pela forma como certos autores transformam cada página em uma composição quase autônoma, capaz de funcionar como obra visual independente. Essa preocupação com a dimensão estética da narrativa, onde cada quadro carrega peso próprio reforça a proposta de afastamento do padrão industrial mais rígido das comics americanas.

Uma reinvenção bem-sucedida

Ao final, Absolute Mulher Maravilha se afirma como um dos exemplos mais bem-sucedidos dessa nova fase da DC. Ao combinar magia, drama emocional e reinvenção bem feita, a obra demonstra que ainda há espaço para explorar personagens clássicos sem recorrer à repetição. Aposta na transformação de elementos já clássicos como a própria mitologia grega e da Mulher Maravilha, em uma trama complexa sobre escolhas, que definem esta nova heroína.

Dakota 1880: No tempo das Diligências com Lucky Luke

2026-04-10T10:57:00.000-03:00

O cowboy que “atira mais rápido que a própria sombra” atravessou décadas como um dos maiores ícones dos quadrinhos franco-belgas, mas raramente foi revisitado com tanta consistência quanto em Dakota 1880. O álbum, assinado por Appollo e Brüno, parte de uma ambição clara: não apenas homenagear Lucky Luke, mas investigá-lo em profundidade, explorando suas origens, suas ambiguidades e o contexto histórico que sustenta a construção de sua lenda.

Inserido na coleção “Lucky Luke por...”, que reúne releituras do personagem por autores como Mathieu Bonhomme e Guillaume Bouzard, o álbum se afasta das abordagens mais leves e humorísticas para adotar um tom mais sóbrio, realista e, em diversos momentos, melancólico. Desde o título, estabelece-se um diálogo direto com Arizona 1880, a primeira história publicada de Lucky Luke, criada por Morris em 1946. É também uma aventura que envolve uma diligência. No entanto, ao invés de apostar na nostalgia, a obra constrói uma verdadeira arqueologia narrativa: um retorno ao passado que busca compreender como o mito começou a se formar.

Em sintonia com o espírito de René Goscinny, que redefiniu o personagem ao lado de Morris, Appollo insere o cowboy solitário em um mundo onde a ficção cruza constantemente com fatos reais. O álbum se estrutura em sete histórias curtas que, embora autônomas, compõem uma narrativa contínua, costurada pela viagem de diligência de Luke e Hank Bully rumo à Califórnia.

Lucky Luke: Dakota 1880 foi lançado pela editora portuguesa A Seita em novembro de 2025. O álbum conta com 64 páginas coloridas e acabamento em capa dura, reforçando sua proposta de ser não apenas uma releitura, mas uma obra de peso dentro do universo do personagem.

Um western de silêncio e contemplação

A abertura do álbum já estabelece o tom com uma sequência quase silenciosa. Uma diligência avança pelas paisagens nevadas de Dakota do Norte, envolta por um frio implacável. É um início profundamente cinematográfico, em que a narrativa se constrói pela força das imagens e da atmosfera, dispensando explicações e confiando no olhar do leitor para ditar o ritmo.

É nesse cenário que surge um jovem Lucky Luke. Com um rifle Winchester, o lenço vermelho e o inseparável chapéu branco, ele já exibe precisão e habilidade. Mas aqui, Luke ainda não é um mito: é um homem em formação, moldado pelas estradas que percorre, pelos encontros que o transformam e pelas experiências que o marcam.

Ao longo do percurso, Lucky Luke cruza com uma galeria diversa de personagens, alguns inspirados em figuras reais, outros típicos do imaginário do Velho Oeste: viajantes, artistas, sobreviventes. Cada encontro revela uma nova camada do protagonista, ampliando sua complexidade. Logo no primeiro episódio, na fronteira do Canadá com Dakota, ele se depara com Louis Riel.

Na vida real, Riel foi um líder político canadense e uma das principais vozes do povo Métis, grupo de ascendência indígena e europeia que habitava o interior do Canadá. Defensor dos direitos e da identidade cultural de seu povo, ele liderou movimentos de resistência contra o governo canadense, chegando a criar um governo provisório Métis em 1870. Em 1880, encontrava-se exilado nos Estados Unidos, contexto histórico que a HQ aproveita para promover esse encontro ficcional com Lucky Luke, reforçando a proposta do álbum de entrelaçar mito e história em uma mesma narrativa.

Louis Riel. Líder do Povo Métis.
Foto: Library and Archives Canada

Baldwin: o homem que transforma vida em lenda

Um dos elementos mais instigantes da obra é a escolha do narrador. Baldwin, um jovem descendente de escravizados libertos após a Guerra Civil Americana, acompanha parte da jornada e se torna testemunha direta e indireta das histórias de Lucky Luke. Ao lado de sua avó, a carismática Grandma Gumbo, ele atravessa um país em transformação, marcado por promessas não cumpridas e desigualdades persistentes.

No futuro, Baldwin se tornará escritor, transformando essas vivências em matéria-prima para as chamadas dime novels, publicações populares que ajudaram a consolidar o imaginário do Oeste americano. Appollo explora essa ideia com inteligência ao final da HQ, sugerindo que Baldwin teria sido uma figura real que conviveu com Lucky Luke e que seus relatos teriam servido de inspiração para Morris criar o personagem.

Fotografias, capas de livros e referências visuais são utilizadas para sustentar essa brincadeira, construindo uma ficção dentro da ficção. O resultado é uma solução narrativa elegante e metalinguística: o mito de Lucky Luke surge como produto de uma construção literária baseada em acontecimentos supostamente reais.

As dime novels ou “romances de dez centavos”, eram publicações de grande circulação, focadas sobretudo em histórias de aventura. O termo ganhou força a partir da década de 1860, quando os editores Erastus e Irwin Beadle lançaram a série “Beadle’s Dime Novels”, que se tornaria referência para esse tipo de literatura popular.

Antes disso, porém, Baldwin ainda é apenas um menino em viagem com a avó. O nome “Grandma Gumbo” carrega uma referência direta à tradição culinária crioula e cajun da Louisiana. O gumbo é um prato feito com ingredientes como quiabo, camarão, linguiça e frango, cozidos lentamente. Mais do que um detalhe pitoresco, essa origem reforça o vínculo cultural da personagem e sua luta por sobrevivência: ela deixa Nova Orleans e passa a cozinhar para garimpeiros e aldeias, perseguindo um sonho que nasce de uma promessa feita durante a guerra.

Essa promessa remete às medidas anunciadas pelo general da União William Tecumseh Sherman por meio das Ordens Especiais de Campo nº 15, em 1865, que previam a distribuição de terras a famílias negras recém-libertas, os famosos “40 acres e uma mula”. A expectativa era assentar cerca de 18 mil famílias, e parte dessas terras chegou a ser redistribuída sob jurisdição militar. No entanto, no pós-guerra, as políticas federais e estaduais passaram a priorizar o trabalho assalariado em vez da posse de terra, e praticamente todas as áreas foram devolvidas aos antigos proprietários brancos.

William Tecumseh Sherman.
Foto: Library of Congress.

Grandma Gumbo buscava essa promessa, e no meio do caminho acabou encontrando Lucky Luke, enforcado. O ajudou a se recuperar e tempos depois ela chega a casa de um parente, local que resolve permanecer. Baldwin cresce, mas herda da avó o impulso de seguir adiante. Ao retomar a estrada, reencontra Lucky Luke, agora já trabalhando em uma diligência. A partir daí, seus caminhos se cruzam novamente, e os dois seguem juntos rumo à Califórnia.

O pistoleiro mais rápido do Oeste

Com o objetivo de aprofundar ainda mais a construção do mito do Oeste e, por consequência, do próprio Lucky Luke, Appollo insere o personagem em uma competição de tiro ao alvo. É nesse contexto que surge Annie Oakley, outra figura histórica que atravessa a narrativa e reforça o diálogo constante entre ficção e realidade.

Annie, conhecida por sua impressionante habilidade com o rifle desde muito jovem, começou a caçar ainda na infância para ajudar a sustentar a família em um período de grandes dificuldades. Vendendo sua caça para restaurantes, transformou necessidade em talento. Na adolescência, já superava atiradores consagrados, como Frank Butler, e acabaria se tornando uma das grandes atrações do espetáculo de Buffalo Bill, o famoso Wild West Show. Ali, consolidou sua fama, percorrendo os Estados Unidos e conquistando multidões com sua precisão extraordinária.

Annie Oakley.
Imagem: The Bettmann Archive

Na HQ, porém, Annie ainda é uma menina quando cruza o caminho de Lucky Luke em Cross Creek. Durante um concurso de tiro, Luke toma a decisão de abrir mão de sua própria posição para permitir que Annie brilhe. O gesto, longe de ser apenas um detalhe, reforça a dimensão ética do personagem e evidencia um traço fundamental dessa releitura, a ideia de que o mito de Lucky Luke não se constrói apenas por feitos individuais, mas também pela forma como ele impacta e transforma a trajetória daqueles que encontra pelo caminho.

Um Oeste menos romantizado e mais crítico

Embora dialogue com elementos clássicos do velho Oeste, Dakota 1880 se destaca justamente por não romantiza-los. Longe da idealização, o álbum constrói um cenário atravessado por conflitos sociais, desigualdades e disputas por poder e território. Appollo opta por um Oeste mais áspero e historicamente consciente, em que o mito é constantemente colocado à prova.

A relação de Lucky Luke com os povos indígenas é um dos pontos mais reveladores dessa abordagem. Se, em um primeiro momento, ele reproduz atitudes típicas de seu tempo, aos poucos passa a reconhecer os nativos como povos livres e legítimos habitantes daquelas terras, demonstrando incômodo diante da lógica expansionista que culminaria na criação das reservas. Esse pensamento é construído com sutileza, um processo de aprendizado que acompanha o próprio amadurecimento do personagem.

A narrativa também abre espaço para discutir a condição dos escravizados negros libertos, como já sugerido na trajetória de Grandma Gumbo e ensaia críticas ao capitalismo predatório e às dinâmicas de exploração econômica. Tudo isso surge de maneira orgânica, integrado ao fluxo da história, sem quebrar o ritmo ou soar didático.

Outro aspecto que diferencia o álbum é a atenção dada às personagens femininas. Em um universo tradicionalmente dominado por homens, Dakota 1880 apresenta mulheres diversas, com trajetórias próprias e papéis relevantes. Entre elas, destaca-se uma jovem prostituta que incendeia o bordel onde era explorada, em uma sequência intensa e carregada de tensão. Nesse momento, Lucky Luke assume uma postura mais dura, quase vingadora, demonstrando empatia por aquelas que enfrentam violência e opressão.

Cultura do Oeste e referências ao cinema Western

Além de figuras históricas, Appollo cria personagens que funcionam como sínteses de movimentos culturais do período. É o caso dos poetas briguentos que cruzam o caminho de Luke e Hank na diligência. Figuras excêntricas que mais tarde partem para Chicago com a ambição de fundar uma editora de poesia, em clara alusão ao efervescente ambiente literário que a cidade desenvolveria nas décadas seguintes.

Na última história, o autor também presta homenagem ao cinema de faroeste ao acompanhar a jornada de um fotógrafo itinerante. Curly Wilcox, personagem fictício que representa os pioneiros da fotografia no Oeste americano, responsáveis por registrar e, em certa medida, construir o imaginário visual da época.

Seu nome é uma referência a Marshal Curly Wilcox, personagem icônico interpretado por George Bancroft no filme clássico “No Tempo das Diligências” (Stagecoach, 1939), de John Ford, filme que ajudou a consolidar o western como um dos pilares do cinema americano. Ele é um xerife durão, mas justo, do Território do Arizona, conhecido por prender Ringo Kid (aqui interpretado por John Wayne) e garantir a segurança da diligência para Lordsburg.

No caminho, Cody se junta a três homens interessados no dinheiro da recompensa, liderados por um fora da lei interpretado por Claude Akins. A travessia pelo deserto rapidamente se transforma em um jogo de tensão e desconfiança, onde alianças são frágeis e a violência pode explodir a qualquer momento.

Tirando Lucky Luke e Hank Bully, que são os condutores, a HQ conta a história de 9 pessoas,
como no filme "No Tempo das Diligências".

Outro detalhe que remete ao cinema é o local que eles param para se reabastecerem, a Comanche Station. Referência ao filme Comanche Station (1960), conhecido no Brasil como “Cavalgada Trágica”. Para não deixar dúvidas que é uma referência Brüno faz um panorama do local idêntico à cena do filme. Este é um dos grandes westerns da chamada “fase final” do gênero clássico, dirigido por Budd Boetticher e estrelado por Randolph Scott.

Na trama, Randolph Scott interpreta Jefferson Cody, um homem solitário que vaga pelo Oeste em busca de sua esposa, capturada anos antes por indígenas. Durante sua jornada, ele resgata Nancy Lowe (vivida por Nancy Gates), uma mulher branca mantida pelos comanches, e decide levá-la de volta ao marido, que oferece uma recompensa por sua recuperação.

Cena de Comanche Station (1960).

O traço de Brüno e as cores de Croix

Nos desenhos, Brüno aposta em um estilo de linha clara que, à primeira vista, parece simples, mas revela grande sofisticação na composição. O desenho privilegia a legibilidade e a fluidez narrativa, evitando excessos e confiando na força do enquadramento e do ritmo visual. Alguns leitores clássicos podem estranhar as expressões mais contidas dos personagens, ou se vierem com a expectativa de encontrar uma obra semelhante à de Bonhomme, mas essa escolha estética se alinha perfeitamente à proposta da HQ.

O resultado é um Oeste mais seco, silencioso e pouco sentimental. As cores de Laurence Croix potencializam essa atmosfera ao trabalhar a paleta de forma dramática e funcional: tons azulados dominam os ambientes gelados, enquanto amarelos e laranjas aquecem as paisagens áridas. Já em momentos de maior tensão, o contraste com preto e vermelho intensifica o peso emocional das cenas.

Um Lucky Luke mais humano

Dakota 1880 é um álbum que surpreende. Quando se chega ao final, o leitor sente o impacto da trama que acabara de ler. Mais do que um herói lendário, Luke é um observador que aprende, muda e, em muitos momentos, questiona. Essa humanização, aliada a uma narrativa consistente e a um sólido pano de fundo histórico, transforma o álbum em uma das releituras mais interessantes do personagem.

Mais de um século depois de 1880 e décadas após sua criação, o Velho Oeste de Lucky Luke ainda tem muito a dizer.

Banksy em quadrinhos: entre o mito, o mercado e o muro

2026-04-07T20:11:00.001-03:00

A editora londrina Prestel Publishing lançou em 2022, a HQ Banksy: A Graphic Novel, uma proposta ambiciosa: transformar em narrativa biográfica a trajetória de um artista cuja identidade permanece desconhecida. Afinal, Banksy é possivelmente o nome mais famoso da arte urbana mundial e, ao mesmo tempo, um completo enigma. É justamente esse paradoxo que orienta o trabalho do roteirista Francesco Matteuzzi e do desenhista Marco Maraggi.

Em vez de seguir o caminho de uma biografia tradicional, Matteuzzi opta por uma construção narrativa indireta. A história é conduzida por dois personagens fictícios, Claire e Adam, jovens fascinados pela arte de rua que funcionam como mediadores para o leitor. Em Londres, Claire está tentando gravar um documentário e tentando flagrar Banksy em ação fazendo alguma de suas obras, quando encontra Adam grafitando uma parede. A polícia chega e os dois são detidos pela polícia.

Como consequência, recebem uma medida socioeducativa que os obriga a limpar pichações e grafites pela cidade. É nesse contexto que Claire propõe a Adam que a ajude com seu documentário sobre Banksy. Enquanto percorrem as ruas londrinas, Claire e Adam revisitam a trajetória do artista, comentando suas obras, métodos e impacto cultural.

Ao longo desse percurso, a HQ apresenta ao leitor não apenas o caráter politicamente engajado da arte de Banksy e as causas que ele abraça, mas também sua projeção global, das intervenções urbanas às exposições em museus e leilões milionários. Ainda que a identidade real do artista continue um mistério, a escolha por essa estrutura narrativa reforça sua principal mensagem: a arte é acessível, coletiva e pertence a todos.

Organizada em capítulos temáticos com títulos: “Arte versus __”. A narrativa estrutura sua análise a partir dos conflitos que atravessam a obra de Banksy. Em “Arte versus Multinacionais”, o artista é situado no contexto dos movimentos antiglobalização e das críticas ao capitalismo contemporâneo. Já “Arte versus Muros” volta o olhar para seus métodos de atuação, destacando o uso de estênceis previamente preparados, que permitem intervenções rápidas, precisas e, sobretudo, difíceis de rastrear.

Na sequência, “Arte versus Complacência” amplia o debate ao discutir o papel da arte como instrumento de transformação social, uma ideia que dialoga diretamente com o percurso de Claire e Adam. Por fim, “Arte versus Arte” investiga a relação ambígua de Banksy com o circuito institucional, evidenciando como ele transita entre a crítica ao mercado e sua inserção nele.

Banksy usa ratos em suas peças como símbolo de rebeldia. Sua ideia é de que os ratos vivem às margens da sociedade, mas ainda existem, resistem e ocupam espaço. Maraggi usa um rato carregando uma carruagem de abóbora nesta página referenciando a peça que Banksy expôs em sua Dismaland, um parque onde ele colocou várias de suas peças. Na escultura em questão, uma carruagem capotada com uma princesa morta, faz referência à morte da Princesa Diana, falecida após o veículo em que estava capotar ao ser perseguida por paparazzis.

Imagem: Reuters

A parte visual de Marco Maraggi, responsável também pelas cores da edição, busca ao invés de reproduzir diretamente as obras de Banksy, uma limitação ligada aos direitos autorais para publicação, recriar atmosferas, situações e imagens que evocam os trabalhos do artista. O foco é não fazer uma cópia, mas sim sugestões visuais das obras.

Um dos exemplos mais emblemáticos é a releitura de Napalm (2004), em que Banksy subverte uma fotografia icônica ao posicionar a menina vietnamita, vítima de um ataque durante a Guerra do Vietnã, entre Ronald McDonald e Mickey Mouse. O resultado é uma imagem de forte impacto, que sintetiza críticas ao consumo global e à cultura corporativa. Na HQ, Francesco Matteuzzi e Maraggi enriquecem a narrativa com curiosidades e bastidores, como o destino da própria garota retratada, que mais tarde se tornaria embaixadora da UNESCO.

Napalm (2004). A obra original foi adquirida por Damien Hirst.

Outro episódio marcante recupera as intervenções de Banksy em 2005, na Palestina, especialmente as obras realizadas no chamado “Muro da Segregação”. Ao tentar ressignificar visualmente a barreira que separa territórios palestinos e israelenses, o artista esbarrou em uma reação direta dos moradores locais, que rejeitam qualquer tentativa de “embelezar” aquilo que, para eles, é antes de tudo um símbolo de opressão. Passagens como essa ajudam a alimentar o mito em torno de Banksy, algo que a HQ não busca desmontar, mas incorporar à sua própria narrativa.

Muro da Segregação, 2005.

No plano ficcional, Claire e Adam percorrem esse mapa simbólico visitando intervenções, registrando imagens e, aos poucos, se envolvendo de forma mais ativa com a arte que investigam. A trajetória de Adam, que vai da ignorância à ação, oferece um arco narrativo claro, ainda que por vezes pouco convincente. A relação entre os dois, frequentemente estruturada como um processo de aprendizado, cumpre bem a função didática, mas carece de maior densidade dramática. Em alguns momentos, os diálogos soam mais como um veículo direto das ideias de Francesco Matteuzzi do que como uma troca orgânica entre personagens.

Arremessador de Flores, 2005.

O estilo gráfico de Maraggi estabelece um diálogo direto com a arte de Banksy ao incorporar elementos como o uso de linhas finas, cenários detalhados e traços que remetem à quadrinhos mais underground. Por outro lado, a opção por uma paleta de cor dominada por tons de pêssego provoca certo estranhamento, principalmente pelo seu uso contínuo ao longo das 128 páginas que pode se tornar cansativo.

Menina com um balão, 2012. A obra foi originalmente exibida em Southbank, em Londres, com uma citação que dizia "sempre há esperança".

Apesar dessas limitações, o resultado final é consistente. Matteuzzi e Maraggi constroem um retrato amplo, informativo e envolvente de Banksy, um artista cuja trajetória, por definição, escapa a registros convencionais. Ao apostar em uma abordagem que mistura ficção e experimentação, a HQ não pretende substituir uma biografia tradicional, mas se afirma como uma leitura relevante, capaz de reunir fatos, contexto e reflexões sobre a obra e o impacto do artista ao longo de sua carreira.

Pulp Fiction, 2002.

Em 2018, Banksy colocou uma de suas obras à venda em um leilão na famosa Sotheby's, em Londres. Quando o estêncil batizado de "A Menina com Balão" foi arrematado por 1,4 milhão de libras (cerca de R$ 5 milhões), um dispositivo eletrônico foi acionado no quadro e o desenho foi picotado por um cortador de papel escondido. O próprio Banksy fez piada de sua atitude postando no Instagram uma foto do momento em que a obra se autodestruía . Ele escreveu "Está indo, indo, foi...".

Quando Somebody Saaave o Superman: o resgate do Homem de Aço no Renascimento

2026-04-05T16:43:00.000-03:00

O ano era 2016, e a série do Superman dos Novos 52 tinha naufragado. Era um herói mais jovem, impulsivo e não muito inspirador, sem o peso simbólico do clássico. Mesmo com um começo promissor com Grant Morrison, a troca frequente de equipes criativas, a descaracterização do personagem e histórias fracas afastaram muitos leitores, fazendo com que as vendas despencassem.

A DC Comics então chamou três autores com a missão de reposicionar completamente o Superman. Na verdade, trazer de volta o Superman clássico de antes da saga Ponto de Ignição. Peter J. Tomasi, Patrick Gleason e Dan Jurgens foram os responsáveis por salvar o herói, liderando a fase Renascimento do herói. Na revista Superman, Tomasi e Gleason humanizaram o personagem, que agora é pai, sem precisar enfraquecê-lo por isso. Na verdade mostrou que o Superman é mais forte principalmente por ser pai, marido e exemplo, sem medo de parecer antiquado.

Peter J. Tomasi, Patrick Gleason e Dan Jurgens

Enquanto Jurgens, responsável por fases memoráveis do Superman como A Morte e O Retorno do Superman e O Casamento do Superman, assumiu a revista Action Comics. Ele trabalhou um lado mais clássico e épico, com conexões com a mitologia do personagem e consolidando o Superman como figura central do Universo DC.

Jurgens foi essencial para arrumar a casa. Escreveu durante o evento Convergência a história que reintroduziu o Superman clássico ao lado de Lois e do filho, Jonathan, posteriormente desenvolvida na minissérie Superman: Lois e Clark. Eles viviam no mesmo universo dos Novos 52, porém incógnitos para não chamar atenção de ninguém. Porém o Superman volta e meia, com sua barba e uniforme preto, acabava dando uma força em algumas situações necessárias.

Foi com este gatilho que conseguiram trazer de volta o Superman, pois o do Novos 52 chegou a morrer, virando poeira mesmo, pra nunca mais voltar. Mesmo assim, o mundo não era mais o mesmo. Como inserir os antigos Clark e Lois em um mundo que já tinha Clark e Lois, e eles sendo bem diferentes? Até mesmo a questão com Lex Luthor, que agora é um herói! Várias coisas precisavam ser resolvidas.

Mesmo sem ser perfeita, essa fase reconectou o personagem com leitores antigos e novos, e provou que o Superman ainda funciona, e muito, desde que seja tratado como o que ele sempre foi: um símbolo de esperança… mas, acima de tudo, humano.

A fase foi publicada no Brasil pela Panini a partir de 2016, na 3ª série da revista Superman e na revista Action Comics. As duas foram lançadas em papel LWC, após anos da revista Superman ser publicada em papel jornal.

Um uniforme entre tradição e atualização

Uma das mudanças mais visíveis do período foi o novo uniforme do personagem. Segundo Gleason, o processo de criação não foi imediato, mas resultado de trocas constantes com a editora. A proposta inicial partiu do próprio artista, que recebeu a tarefa de desenvolver o design, mas apesar da liberdade criativa, algumas diretrizes foram claras, entre elas, a ausência da tradicional cueca, ou calção, por cima da calça. Uma decisão editorial que já vinha sendo adotada nos Novos 52. Ainda assim, a equipe optou por não transformar o uniforme em um elemento central da trama. Tomasi destacou que a prioridade estava na história e nos personagens, não em explicar a origem de cada detalhe visual.

As botas no início não chamaram atenção, se mantendo azuis como o uniforme, mas logo elas voltaram a ficar vermelhas. Gleason explica que buscou um Superman mais próximo da tradição clássica, com postura, expressão e linguagem corporal que transmitissem segurança e empatia. Elementos como o olhar, o sorriso e a forma de se portar foram pensados para reforçar a ideia de um herói confiável, acessível e inspirador.

A distinção entre Clark Kent e Superman também foi trabalhada com cuidado. Mesmo sendo fisicamente imponente em ambas as identidades, Clark apresenta gestos mais contidos e discretos, enquanto Superman assume uma presença mais firme e segura.

A principal diferença entre o Superman do Renascimento e sua versão anterior, dos Novos 52, está na maturidade. Enquanto o personagem mais jovem era impulsivo e reagia de forma imediata às situações, a nova encarnação demonstra maior controle, experiência e estratégia, qualidades que influenciam diretamente em sua atuação como herói.

Dan Jurgens e o renascimento do Superman

Jurgens já trabalhava o Superman na minissérie Lois e Clark, com os dois vivendo em uma cidade pequena da Califórnia, com a identidade de White e criando Jonathan. Parece estranho, mas essa ideia foi essencial. Um plano B muito bem elaborado para dar frutos a longo prazo. Caso o Superman dos Novos 52 desse certo, continuaria, senão, aconteceria a substituição. Segundo Jurgens, a boa recepção da abordagem do Superman pai foi fundamental para que a DC o convidasse a assumir Action Comics durante o Renascimento.

Com a proposta editorial de resgatar elementos essenciais que historicamente fizeram o personagem funcionar, Jurgens não perdeu tempo e já no primeiro arco, chamado “Estrada para o Apocalypse” trouxe de volta o grande responsável pela morte do Superman. Isso enquanto Superman precisava lidar com desconfiança com a faceta heroica de Lex Luthor, personagem que se redimiu e criou um laço de amizade com o Superman dos Novos 52.

Luthor aqui usa uma armadura e honra o Superman com seu “S” no peito, tentando ocupar o lugar do falecido protetor de Metrópolis. É um arco com muita violência, ação desenfreada e a cereja do bolo foi a inserção de um Clark Kent misterioso, trabalhando no Planeta Diário, que ninguém sabia quem era, mas que seguia sua vida como se nada tivesse acontecido.

Apocalypse causa um rastro de destruição, como de costume, e o Superman se coloca em seu caminho fazendo de tudo para detê-lo. A Mulher Maravilha, do Universo dos Novos 52, ex namorada do antigo Superman, vem para ajudar na batalha e também proteger Lois e Jonathan, que se tornam alvos do monstro. Após muita luta, Superman usa o velho truque de enviar o que não se pode derrotar para a Zona Fantasma.

Novo Clark, Lois e Lex Luthor herói?

Durante os Novos 52 aconteceram coisas inimagináveis para a história do Superman, que a DC precisou queimar os neurônios para resolver na fase Renascimento. Uma delas foi a identidade de Clark Kent ter sido exposta ao mundo, por Lois Lane!

Como jornalista do Planeta Diário, Lois era apenas uma colega de trabalho de Clark. Era uma relação profissional e distante, com pouquíssima carga romântica. Nesta fase, a Mulher Maravilha foi quem se tornou interesse amoroso do Superman. Relação estabelecida logo no início da fase, principalmente na revista da Liga da Justiça de Geoff Johns.

Ainda nos Novos 52, a saga intitulada no Brasil de “Dura Verdade” e “Verdade sombria”, Clark perde parte de seus poderes, se tornando uma espécie de vigilante e uma figura pública vulnerável. Depois que o Superman morre e todo o mundo sabe sua identidade, como convencer as pessoas que existe um Clark Kent vivendo normalmente em Metrópolis, e pior, com um Superman vivinho da silva também, e os dois não são a mesma pessoa pois são vistos juntos.

No segundo arco de Action Comics, Jurgens começa a resolver isso, confrontando Superman e o misterioso Clark Kent. Longe da ação desenfreada do início, agora temos o foco em uma trama mais investigativa. Superman conversa com Clark na Fortaleza da Solidão do antigo Superman, nas montanhas do Himalaia e percebe que não há nada errado com ele. Que realmente se tratava de Clark Kent, mas que nunca havia se tornado Superman. Porém, com ele vivo, o Superman não poderia usar sua identidade em Metrópolis.

Como se não bastasse o imbróglio com Clark, a situação da Lois também era bem complicada. Ela se tornou uma super heroína. Após a morte do Superman dos Novos 52, uma energia residual é liberada que concede poderes à Lois Lane e Lana Lang. Lois decide assumir o papel de Superwoman.

No entanto, seus poderes são instáveis e perigosos e ela sofre uma sobrecarga de energia semelhante à que matou o Superman, entra em colapso e morre. Uma morte rápida e trágica, mas o grande público não sabia que Superwoman e Lois Lane eram as mesmas pessoas. Isso abriu espaço para a Lois, mãe de Jonathan, assumir seu lugar no Planeta Diário. Lana assume o papel de Superwoman após a morte da Lois dos Novos 52.

No arco seguinte, “Homens de Aço”, Superman vive um dilema. Luthor tenta provar que pode ser um herói, ainda que, com métodos e motivações questionáveis. Luthor é sequestrado por alienígenas que julgam por premonição. Eles preveem que Luthor assumirá o lugar de Darkseid e se tornará um ser pior que o vilão.

Superman então parte para resgatá-lo, mas ainda com o pé atrás se deve ou não fazer isso. É uma discussão sobre redenção e confiança, afinal, como confiar em Lex Luthor? Muitos arcos à frente, essa história de Luthor e Apokolips volta e temos o desfecho dessa “amizade” entre os dois.

A Action Comics traz histórias interessantes, mas o que atrapalha é a quantidade de artistas diferentes que ilustram as histórias. Temos artistas de qualidade como Doug Manhke e Tyler Kirkham e outros mais questionáveis como Stephen Segovia e Patch Zircher.

Tomasi e Gleason e o fortalecimento de Superman através da família

Enquanto Jurgens seguia na Action Comics, com foco em Metrópolis e na resolução de problemas vindos da fase Novos 52, na revista Superman estava a dupla Peter J. Tomasi e Patrick Gleason. Os autores apresentaram uma resposta firme, criativa e corajosa para esta fase, colocando o herói no centro de uma narrativa familiar. Gleason contribui significativamente não apenas como roteirista, mas também como artista, oferecendo um traço dinâmico, expressivo e adequado ao tom mais emocional da obra.

A presença de outros desenhistas ao longo da fase traz diversidade estética, com participações de nomes como Sebastián Fiumara e Jorge Jimenez. Em alguns casos, porém, essa alternância prejudica a identidade visual, gerando a sensação de quebra da narrativa, mas grande parte das histórias tem arte de Gleason.

Desde os primeiros arcos, fica claro que a proposta não é apenas revisitar o Superman tradicional, mas expandi-lo. Principalmente colocando o filho, Jon Kent no papel central, uma criança de dez anos que muitas vezes divide o protagonismo com o pai. Impulsivo, curioso e essencialmente bondoso. Aqui, a família vai morar em Hamilton, uma cidade ao norte do estado de Nova York, assumindo a identidade: Smith. Diferente da fase Lois e Clark, onde eles moravam na California com a identidade: White.

O primeiro arco “O filho do Superman” estabelece bem como será o Superman daqui pra frente. Jon começa a manifestar seus poderes de forma instável e perigosa e Clark tenta ensiná-lo a controlar sua força. Aqui, o vilão é o Erradicador, que questiona a ligação de Jon com a herança Kryptoniana de Superman, acreditando que Jon deve abandonar seu lado humano e abraçar apenas seu lado Kryptoniano.

Ao evitar retratar Jon como uma criança perfeita, Tomasi e Gleason constroem um arco de amadurecimento convincente. O garoto erra, enfrenta culpa e questiona se está à altura do símbolo que carrega. Nesse processo, Superman deixa de ser apenas um salvador e se torna também mentor, um pai que ensina pelo exemplo, reforçando valores que a própria narrativa questiona se ainda fazem sentido no mundo contemporâneo. Aqui também é acolhido o cachorro Krypto na família, que vivia na Fortaleza da Solidão isolado.

Se Clark Kent é o símbolo, Lois Lane é o eixo que sustenta essa dinâmica. Jornalista investigativa, mãe e parceira, ela desempenha um papel tão heroico quanto o do próprio Superman, muitas vezes enfrentando perigos sem qualquer poder. A personagem equilibra a vida familiar com sua carreira, além de ser a figura que enxerga simultaneamente o homem e o mito em Clark. É também ela quem mantém a coesão da família, funcionando como ponto de estabilidade em meio ao caos externo.

O segundo arco, “Em nome do pai”, tem início a ligação entre Jonathan Kent e Damian Wayne, filho do Batman. Jon é ingênuo, poderoso e de coração puro. Enquanto Damian é bem treinado, arrogante e estratégico. A relação entre Jon e Damian, no título derivado Super Filhos, reforça o crescimento de uma amizade, contrastando dois modelos distintos de criação e visões de mundo.

No arco seguinte, “Multiplicidade”, acontece aqueles momentos de revista de Super Heróis que muda totalmente o foco da história para que os personagens possam interagir com outros personagens da Editora. Clark é puxado para mais uma aventura no Multiverso envolvendo várias versões do Superman, entre eles o Superman presidente, Calvin Ellis.

O vilão Profecia está capturando Supermans de diferentes Terras, o que faz a Liga da Justiça Encarnada entrar em ação e convocar o herói para ajudar. Esta história não envolve Jon Kent, sendo um intervalo na ótima trama familiar que se desenrolava.

Como um passe de mágica (editorial), tudo se resolve

Chegamos finalmente ao arco que organiza tudo, “Superman Renascido”. É um crossover entre as revistas Superman de Tomasi/Gleason e Action Comics de Jurgens. A grande jogada é trazer o Mister Mxyzptlk, em uma abordagem criativa e marcante, que organiza a casa de forma literalmente mágica.

É o duende da quinta dimensão que estava por trás do misterioso Clark Kent, e é a partir dele que a realidade é manipulada resultando em uma fusão das versões do Superman dos Novos 52 com o pré-Ponto de Ignição, criando uma continuidade unificada.

As memórias são integradas e elementos como os pais de Clark Kent mortos, e o filho Jonathan Kent, são mantidos. O romance do Superman dos Novos 52 com a Mulher Maravilha é apagado, principalmente das lemranças de Diana. Depois vem o arco “Aurora Sombria” onde a família, com a ajuda do Batman descobrem que a cidade de Hamilton não é tão segura quanto eles pensavam.

Com o fim do Clark Kent/Mxyzptlk, e os acontecimentos em Hamilton, a família volta a morar em Metrópolis. Nas edições seguintes Clark descobre quem é o Senhor Oz, uma figura que vinha arquitetando ameaças ao Superman desde o começo da fase Renascimento. É alguém que vai impactar na fase do Superman escrita por Brian Michael Bendis, fazendo algo que os fãs não curtiram tanto. Mas isso é outra história.

Sem Cueca mas com dignidade

Superman carregou por décadas a fama de ser um personagem difícil de escrever. Poderoso demais, correto demais, previsível demais, com cueca demais. Críticas recorrentes que desafiam roteiristas a encontrarem novas camadas para o Homem de Aço.

Assim, o Superman apresentado em Renascimento é a versão que viveu histórias marcantes, agora inseridas em um universo reconfigurado. Ao priorizar a dimensão humana do herói e explorar sua vida como pai, a série reforça a ideia de que não existem personagens “chatos”, mas sim abordagens pouco inspiradas.

Ao final, o saldo é positivo. Trata-se de uma fase que, embora não apresente narrativas boas do início ao fim, compensa com momentos marcantes, boas caracterizações e uma proposta clara de renovação. Para novos leitores, funciona como porta de entrada para o Superman que lemos hoje, um grande sucesso, diga-se de passagem, angariando cada vez mais fãs. E para veteranos, uma nova fase do herói clássico que amavam acompanhar, com uma nuance incrível que é o lado familiar e humano muito bem explorados.

Em um mercado frequentemente marcado por tons mais cínicos, a aposta em um Superman otimista e humano se mostrou não apenas uma escolha criativa e um posicionamento editorial, mas um lembrete de que, mesmo após décadas de histórias, ainda há espaço para redescobrir o significado de ser Superman.

Essa fase deu origem à série Superman & Lois (2021) que teve quatro temporadas. Aqui, o mesmo conceito de um Superman e Lois vivendo em uma cidade pequena, dessa vez Smallville, para criar seus dois filhos, Jonathan e Jordan.

Predador versus Wolverine: Rivalidade e sobrevivência em confronto brutal

2026-03-31T10:09:00.000-03:00

A minissérie Predador versus Wolverine inaugurou uma série de crossovers entre personagens da Marvel e os adquiridos da 20th Century Fox, pela Disney. No Brasil, a história foi publicada em um encadernado pela Panini Comics com 136 páginas. A edição brasileira tem tradução de Yuri A. O. Primitz e a capa é de Marco Checchetto.

Com roteiro de Benjamin Percy, que na época escrevia a mensal de Wolverine, a história se inspira em várias HQs para abordar o passado de Wolverine, mas da parte do Predador, Percy se inspira em apenas dois filmes. Aliens vs. Predador (2004) e o Predador original de 1987. Ele explora principalmente armas, naves, visual e acontecimentos misturando estes dois filmes com a trajetória de Logan.

A arte foi dividida entre vários artistas para refletir as diferentes fases da trajetória de Logan. Ken Lashley assume o presente, Greg Land (com arte-final de Jay Leisten) ilustra o jovem Wolverine, Andrea Di Vito desenha o período na Equipe X, Hayden Sherman fica responsável pela fase do Projeto Arma X, Kei Zama retrata o treinamento com Muramasa no Japão e Gavin Guidry cuida da etapa em que Logan está no Instituto Xavier, em Westchester.

A paleta de cores também varia de acordo com o período das histórias para dar identidade a cada capítulo. Conta com Juan Fernandez, Frank D’Armata, Matthew Wilson e o brasileiro Alex Guimarães.

"Se sangra, podemos matá-lo" (Dutch - Predador 1987)

A história acompanha uma série de confrontos entre Logan e um Yautja, raça alienígena conhecida como Predadores, por diversas eras do mutante. Ela começa no presente, em uma floresta do Canadá, já no meio de uma nova caçada do Predador ao Wolverine. Este já bastante ferido e acuado, busca fugir de seu perseguidor.

O primeiro encontro dos dois acontece ainda no início do século XX, quando Logan vivia nas florestas congeladas do Alasca, de modo selvagem. Ainda jovem, este Wolverine é inspirado nos acontecimentos após a HQ Wolverine: Origem, de Paul Jenkins e arte de Joe Kubert. Logan se envolve em um conflito aparentemente banal ao ser contratado por um garimpeiro chamado Tucker, que alega ter o filho sequestrado.

A arte de Greg Land e Jay Leisten lembra os desenhos detalhados de Kubert para a minissérie Origem, mas também usa muitos elementos do filme X-Men Origens: Wolverine (2009), principalmente quando mostra flashbacks da infância de Logan.

Em paralelo, o Yautja chega à Terra e recupera uma arma de um membro de sua espécie congelado no gelo, um Shuriken. Aqui temos um dos primeiros elementos inseridos por Benjamin Percy que remete à mitologia dos filmes. O Shuriken é uma arma constituída por seis lâminas retráteis, afiadas o suficiente para dividir um Xenomorfo (Alien) ao meio. A arma foi desenvolvida pelo diretor Paul W. S. Anderson para o filme Alien vs. Predator (2004), para substituir o Disco Inteligente de Predador 2 (1990). Fez isso porque considerava o disco parecido com um frisbee e o Shuriken uma alternativa mais letal.

Alien vs. Predator (2004)

Quando Logan chega a uma cabana onde estariam os supostos sequestradores, descobre que se tratava de uma armadilha. Após encontrar animais esfolados e membros de uma tribo Athabasca mortos, Logan massacra os supostos criminosos, apenas para descobrir que foi manipulado. O próprio Tucker o trai, antes de ser morto pelo Predador, que estava testemunhando toda a batalha e decide marcar Logan como uma presa, o desafiando.

O primeiro confronto termina sem um vencedor: Wolverine acredita ter vencido ao atrair o inimigo para o ataque de um urso, mas o Yautja sobrevive e leva a cabeça do urso como troféu. Logan, por sua vez, fica com o shuriken.

Percy começa a construir algo mais interessante na trama: uma filosofia de caça. Para Wolverine, a violência pode até ser necessária, mas nunca deixa de ser trágica. Ele entende o que faz, mas não romantiza. Por isso, olha com certo desprezo para o modo como os Yautja caçam, acumulando troféus e dependendo de tecnologia. Em um momento irônico, ele compara os Predadores a caçadores humanos que abatem animais com rifles modernos e ajuda externa, uma crítica direta à ideia de mérito na caça.

"Ok, vamos ver as estatísticas. Sete homens mortos... despedaçados.” (Detetive Mike Harrigan - Predador 2 1990)

Décadas depois, já sob o codinome Wolverine, Logan reencontra o mesmo adversário durante uma missão da Equipe X na América do Sul. Aqui, Logan já tem a memória apagada e não lembra do inimigo, mas carrega consigo o Shuriken da primeira batalha contra o Yautja. Desta vez, o Predador retorna com seu clã, ampliando a escala do conflito. Mesmo sofrendo perdas, Wolverine, Maverick e Dentes-de-Sabre conseguem dizimar boa parte dos inimigos e arquitetam uma armadilha para os alienígenas em um templo, utilizando explosivos e o Shuriken como isca. Ainda assim, o Yautja original sobrevive.

Como este capítulo se passa em uma floresta tropical, faz referência ao primeiro filme, Predador (1987), e o desenhista Andrea Di Vito recria a cena da minigun, apelidada no filme de “Old Painless”. Mas dessa vez quem metralha a floresta para atingir os inimigos é Dentes-de-Sabre.

Predador (1987)

A história então avança para a época em que Logan estava no Programa Arma X, sofrendo o processo de enxerto do adamantium em seus ossos. O Yautja descobre e fica obcecado pelo metal. Em uma das passagens mais marcantes da HQ, o Predador invade uma instalação do programa e rouba o corpo de Logan para ficar com seu esqueleto. Para evitar um confronto ele usa ácido deixando o crânio de Logan exposto.

A tentativa de fuga do alienígena fracassa após um ataque aéreo, permitindo que Wolverine se recupere e escape. O capacete do Predador é recuperado e estudado pelos cientistas do programa, servindo de inspiração para o famoso dispositivo de controle usado em Logan. Toda essa parte dialoga diretamente com a clássica HQ Arma X, de Barry Windsor-Smith, inclusive na forma como Hayden Sherman desenha os cabos e equipamentos que prendem o personagem.

Weapon X (1993)

"Eu não tenho tempo para sangrar" (Blain - Predador 1987)

A perseguição continua no Japão, durante o treinamento de Logan com o lendário ferreiro Muramasa. O Predador reaparece usando o crânio do urso como troféu, reforçando o caráter ritualístico da caça. O duelo entre Logan e o Yautja termina rapidamente, mostrando a vantagem momentânea do alienígena, antes de ambos serem interrompidos por um ataque do Tentáculo.

Muramasa é um lendário e imortal ferreiro japonês na Marvel, conhecido por forjar lâminas místicas com partes de sua própria alma, resultando em armas com sede de sangue. Ele criou uma lâmina especial para Wolverine usando sangue e um fragmento da alma de Logan, capaz de anular fatores de cura e cortar adamantium. O personagem é inspirado no renomado ferreiro japonês Sengo Muramasa que viveu no período Muromachi (séculos XIV-XVI), famoso por forjar katanas de qualidade excepcional, extremamente afiadas e, segundo a lenda, amaldiçoadas.

A HQ se encaminha para sua reta final, mas antes o Predador encontra Logan no Instituto Xavier. Ao se entregar para proteger seus aliados, especialmente Vampira que havia sido feita de refém pelo Yautja. Longe da escola, Logan acaba sendo ajudado no confronto por Dani Moonstar, Noturno, Kitty Pryde e Vampira, enquanto o Yautja escapa utilizando tecnologia de camuflagem.

"Vá para o helicóptero!" (Dutch - Predador 1987)

O confronto final nos leva de volta à floresta canadense. Dessa vez, Wolverine inverte o jogo e passa a caçar o caçador. Há uma clara homenagem à cena clássica de Arnold Schwarzenegger como Dutch em Predador (1987), mas Percy subverte a expectativa: Logan usa um truque ainda mais extremo, arrancando o próprio olho para montar uma armadilha usando lama.

Predador (1987)

Percy adiciona aqui mais um elemento da mitologia dos predadores, que é quando o Yautja usa o Punhal Cerimonial para a última batalha contra Wolverine. O punhal é utilizado apenas como último recurso ou para retirar troféus de inimigos derrotados. Apareceu pela primeira vez em Alien vs. Predador, quando o Yautja conhecido como Celtic tentou finalizar o Xenomorfo Grid.

Alien vs. Predador (2004)

Wolverine conduz o confronto final com frieza estratégica. O embate é brutal e equilibrado, culminando em um ataque suicida do Yautja, que ativa um dispositivo de autodestruição com a intenção de eliminar ambos, como no filme original.

Mas, dias depois, Wolverine sobrevive à explosão graças ao seu fator de cura. Logan reconhece que sentirá falta do adversário, um inimigo que, ao longo de décadas, deixou de ser apenas uma ameaça para se tornar uma presença constante, um desafio que dava sentido à sua existência.

Muitos podem não gostar de crossovers, mas este aqui é realmente interessante. Não só pela arte incrível, mas também por não apostar no espetáculo vazio de, “o que aconteceria se fulano enfrentasse ciclano?”, mas sim na construção de um conflito com peso emocional e filosófico. A minissérie se destaca como uma surpresa tanto para fãs de Wolverine quanto para admiradores do universo dos Predadores.

Curiosidade:

Em 1993, a série em quadrinhos Alien vs. Predator: Deadliest of the Species, contou com roteiro de Chris Claremont. Entre várias referências à cultura pop, o autor incluiu na sala de troféus da nave “Big Mama”, os crânios de Batman, Ciclope e as garras de Wolverine.

Dylan Dog Gigante #11 – Horror Cult Movie

2026-03-26T11:10:00.000-03:00

Uma das marcas registradas de Dylan Dog é o amor por filmes de terror, principalmente aqueles bons e velhos Filmes B, cheios de exagero, sangue e frases de efeito. E é justamente isso que move essa história, que gira em torno da franquia fictícia Bloody Evil. O astro desses filmes é Dutch Dillon, um brutamontes que parece uma mistura de Arnold Schwarzenegger com Bruce Willis, só que com ainda menos paciência.

Dylan Dog Gigante tem roteiro de Pasquale Ruju e desenhos de Maurizio Di Vincenzo. A capa, de Angelo Stano traz uma bela representação da personalidade de Dylan Dog, assistindo seus filmes de terror à vontade com os monstros.

A HQ começa mostrando um filme da série, Bloody Evil, onde o mundo já foi pro ralo: é tudo tomado por monstros e zumbis, e Dutch vai abrindo caminho na base da porrada, tentando salvar quem dá e sobreviver como pode. Tem ação o tempo todo, violência sem freio e aquele festival de frases clichês. Vamos acompanhando trechos do filme com o roteiro nas legendas, por exemplo: “câmera em plano aberto. Dillon no centro e sol ao fundo. Música triste”.

Esses momentos dos filmes vão sendo intercalados com o cotidiano do Dylan: assistindo TV, conversando com o Groucho, encontrando Bloch em um Pub… aquela rotina clássica. O resultado é uma mistura bem interessante de cinema e quadrinho. Só que a coisa começa a escalar quando o diretor da franquia, John Munro, descobre que o estúdio decide não dar continuidade à franquia Bloody Evil, que chegaria ao 8º filme. Munro então resolve se matar com uma motosserra. A partir daí, um cinema local organiza um festival em homenagem a ele, exibindo os sete filmes da série ao longo da semana.

Claro que Dylan, fã assumido, vai ao festival. Lá ele acaba fazendo amizade com um grupo de crianças fãs de terror (o que combina muito com o personagem), além de cruzar com um crítico de cinema, o produtor da franquia e até uma atriz protagonista de um dos filmes. Passamos a acompanhar não só as cenas na tela, mas também as reações da plateia. Aquela coisa de comentar o filme, levantar pra comprar pipoca, conversar no intervalo… tudo bem natural.

Em determinado momento a história dá uma virada: em um dos filmes, a tela simplesmente engole as pessoas, jogando todo mundo dentro daquele universo apocalíptico. A partir daí, eles passam a viver o caos ao lado do Dutch Dillon. É como “O Último Grande Herói”, com o Schwarzenegger, só que ao contrário. Ao invés do herói sair da tela, é o público que entra.

Aqui é engraçado porque o crítico de cinema é o que age com mais ceticismo, enquanto os outros embarcam na ação. Ele fala mal das falas dos personagens, das cenas e até puxa um Flashback para contar a origem do Apocalipse Zumbi que estão vivendo.

Os desenhos do Di Vincenzo estão excelentes, especialmente nas cenas de ação dos filmes, que têm um ritmo muito bom e seguram bem a leitura. O problema é que 236 páginas acabam sendo demais pro Ruju. A ideia é ótima, essa mistura de cinema splatter com bastidores, linguagem de roteiro, reação do público e crítica, é bem criativa. Só que, no meio do caminho, a história começa a perder fôlego e a se encher de barrigas que prolongam demais a trama.

E quando chega no final, vem um plot twist bem bizarro. O Ruju gasta várias páginas tentando explicar tudo e amarrar as pontas, mas a sensação é que o leitor já está mais cansado do que curioso. Dá aquela vontade de só chegar logo ao fim.

Mesmo assim, tem coisas que funcionam muito bem. A interação de Dylan com as crianças é ótima, tratando os pequenos de igual pra igual. E tem um momento específico que vale destaque: uma página que mostra o roteiro descrevendo a cena… e dentro dessa cena, outro roteiro. Uma espécie de meta-meta linguagem que resume bem a proposta maluca (e interessante) da HQ.

Imbatível: o super-herói que usa os quadrinhos a seu favor

2026-03-24T08:23:00.002-03:00

Criar algo realmente original no universo dos super-heróis hoje em dia não é tarefa fácil. Muita coisa parece repetida, heróis surgem aos montes há décadas e, no meio disso tudo, o público vai se afastando aos poucos. Aí surge, lá na França, Imbatível, de Pascal Jousselin e dá aquela chacoalhada boa no gênero. Aqui, o herói não vence pela força bruta nem por poderes cósmicos, mas por algo muito mais inusitado: ele usa a própria linguagem dos quadrinhos para resolver os problemas, com muita criatividade.

Publicado no Brasil pela Nanabooks, Imbatível pode até enganar à primeira vista. O traço é cartunesco, simples, até meio estereotipado, daquele tipo que muito leitor de super-heróis bateria o olho e seguiria em frente.

O próprio protagonista, já é uma figura muito estranha por si só, com uma camisa amarela com uma grade de quadros, uma máscara, uma pequena capa e uma barriga saliente. Só que basta começar a leitura pra perceber que tem algo muito diferente acontecendo. O poder do protagonista não está nos músculos, mas na capacidade de atravessar os quadros da página, influenciando o passado, presente e futuro da história, com muita criatividade.

Imbatível literalmente interage com a estrutura da HQ. Em uma cena, por exemplo, ele já sabe o que vai acontecer no quarto quadro e, ainda no segundo, lança um objeto que vai atingir o vilão “no futuro”. Em outra, uma âncora cai de um quadro sobre o seguinte, mudando completamente o rumo da ação. É como se a lógica tradicional dos quadrinhos fosse desmontada e remontada com precisão e muito senso de humor.

A graça está justamente em ver até onde Pascal Jousselin leva essa ideia. A cada página, ele inventa um jeito novo de brincar com a mecânica dos quadrinhos, sempre surpreendendo. O resultado é uma obra que combina humor, inteligência e uma criatividade visual raríssima. É daquelas leituras que divertem, instigam e ainda escancaram o quanto a nona arte tem possibilidades praticamente infinitas. E o melhor: não é algo pensado para virar filme, série ou game. Funciona exatamente porque é quadrinho, porque nasce e se resolve ali, na página, tirando o máximo proveito desse formato. Um prato cheio, inclusive, pra conquistar novos leitores, principalmente os mais jovens.

Na França, Imbatível virou um baita sucesso. Começou a sair no Journal de Spirou em 2013 e já ganhou três volumes encadernados pela Dupuis. No Brasil, por enquanto, saíram dois, o último em 2022 e sem previsão de ser lançado o terceiro, infelizmente.

Começando Imbatível #01 - Justiça e Legumes Frescos

A edição é composta por histórias curtas, algumas com uma página só, outras com mais. Logo no começo, em uma cena doméstica, Imbatível está na cozinha quando vê, no quadro de baixo, um assalto acontecendo. Em vez de sair correndo ou agir do jeito convencional, ele simplesmente “desce” pro outro quadro e resolve a situação antes mesmo do bandido entender o que está acontecendo.

Tem também momentos em que ele é ameaçado com uma arma, mas continua tranquilo, afinal, já viu como aquilo vai terminar. Um tiro disparado em um quadro pode ter efeito no seguinte. Um disparo “pra cima” pode acertar algo no quadro acima. Com esse domínio da página, ele desarma criminosos, destrói armas e resolve tudo explorando a própria estrutura da narrativa.

Em outra situação, o prefeito pede ajuda pra recuperar uma obra roubada. Enquanto ele ainda está explicando o problema, a pintura já começa a aparecer “vindo do futuro” e é entregue ao herói antes mesmo da missão começar. O prefeito fica sem entender nada mas, para o Imbatível, tudo acontece ao mesmo tempo dentro da página.

A série ainda apresenta outros personagens que brincam com elementos dos quadrinhos. Um vilão usa balões de fala como arma, mudando textos, prendendo pessoas e transformando palavras em ataque. Já um aprendiz, chamado “2D”, manipula perspectiva, achatando o espaço e aproximando objetos distantes só que, como ainda está aprendendo, acaba causando mais confusão do que ajudando.

Outro personagem vai além e atravessa páginas inteiras, não só quadros. A cabeça dele aparece na página seguinte enquanto o corpo ficou na anterior, obrigando o leitor a acompanhar duas ações ao mesmo tempo.

E tem ainda momentos em que a própria edição entra na brincadeira. Em uma história, um ácido “derrete” a página que fica realmente destruída na edição física. É o tipo de detalhe que reforça o quanto a HQ brinca com sua própria materialidade.

Continuando Imbatível #2 - Super Herói da Proximidade

No segundo volume, Jousselin pega tudo isso e vai ainda mais longe. A estrutura segue com histórias curtas, mas algumas são um pouco mais longas, o que permite explorar melhor certas ideias. Personagens do primeiro volume voltam com novas funções. Um vilão preso, por exemplo, usa a habilidade de atravessar páginas pra tentar fugir chegando a pegar ferramentas em outras páginas pra ajudar no plano.

Também há uma história que mostra a infância do protagonista, dando pistas de como ele aprendeu a lidar com esse poder desde cedo. Não é exatamente uma origem clássica, mas acrescenta uma camada interessante ao personagem.

No Volume #2, uma página poster se desdobra para mostrar a história de duas realidades interagindo ao mesmo tempo.

Entre as novidades, aparecem ideias ainda mais malucas: uma personagem que vive a narrativa ao contrário, um vilão que divide a realidade em dois universos (um azul e outro vermelho), páginas com duas linhas narrativas paralelas… tudo isso sempre explicado visualmente, sem complicar a leitura.

Um dos arcos mais longos entra de vez na brincadeira com o gênero. A mãe do presidente dos Estados Unidos (numa referência clara ao período de Barack Obama) vai até a França pedir ajuda, já que os heróis americanos não deram conta de uma nova ameaça.

Esses heróis, claramente inspirados em ícones dos quadrinhos dos EUA, aparecem derrotados, hospitalizados, incapazes de reagir. A história ainda brinca com a linguagem ao diferenciar as falas de franceses e americanos por tipos de fonte diferentes como se fossem idiomas distintos. Só o presidente transita entre os dois estilos.

A antagonista desse arco manipula cores, alterando completamente o ambiente e tornando todos os personagens monocromáticos. A solução do conflito depende da combinação dos poderes dos heróis franceses, o domínio dos quadros, da perspectiva e dos balões de fala, reforçando a ideia de que sua força reside na compreensão da linguagem dos quadrinhos, algo que os heróis americanos, dentro da lógica da história, não dominam.

O Grande Nada

No trecho final da segunda edição, “O Grande Nada”, a história fica ainda mais conceitual. Um alienígena com poderes parecidos com os de Imbatível entra em cena, e a história começa a explorar a sarjeta, aquele espaço em branco entre os quadros.

Aqui, esse espaço vira literalmente um vazio absoluto. Tudo que cai ali desaparece, como se saísse da própria história. Durante a batalha, personagens são jogados nesse “nada”, e o herói precisa agir rápido pra salvá-los. É uma ideia simples, mas que amplia completamente a noção de espaço dentro dos quadrinhos. Até o que normalmente é invisível vira parte da ação.

Um herói que só existe nos quadrinhos

Em um cenário cheio de adaptações e franquias multimídia, a obra de Pascal Jousselin lembra algo essencial: os quadrinhos ainda têm um território enorme pra explorar. E, quando alguém resolve brincar com isso de verdade, o resultado pode ser tão inventivo quanto irresistível. Imbatível!

Pascal Jousselin, criador da série Imbatível

O estilo de Jousselin costuma ser descrito como simples e cartunesco, mas isso é proposital. A clareza visual ajuda o leitor a acompanhar ideias complexas que envolvem tempo, espaço e sequência narrativa. Ou seja, o traço “limpo” funciona como suporte para a invenção formal.

Jousselin também é frequentemente associado a uma linha de quadrinhos que valoriza a inteligência do leitor e a exploração das possibilidades da mídia, mais do que grandes sagas ou continuidade tradicional. Ele trabalha muito com histórias curtas justamente para testar conceitos, quase como pequenos “experimentos” em cada página.

Hoje, ele é visto como um dos autores contemporâneos que melhor exploram o potencial único dos quadrinhos enquanto linguagem, mostrando que ainda há muito espaço para inovação dentro de um meio que pode parecer esgotado.

O Martírio de Joana Dark Side: Da fogueira ao feminicídio

2026-03-22T14:59:00.000-03:00

O mês de março, marcado pelo Dia Internacional da Mulher, vai muito além de homenagem: é um momento de lembrar, refletir e encarar de frente histórias de mulheres que desafiaram o mundo ao seu redor, muitas vezes pagando caro por isso. Entre elas, se destaca a figura forte e simbólica de Joana d'Arc, uma personagem real cuja vida mistura fé, coragem e uma tragédia que ainda ecoa nos dias de hoje.

Realizada pelo quadrinista Wagner Willian (de Silvestre e Bulldogma), a HQ “Martírio de Joana Dark Side”, lançada em 2018 pela Editora Texugo, parte justamente dessa inquietação. A obra revisita os últimos dias de Joana com base no filme A Paixão de Joana d'Arc, dirigido por Carl Theodor Dreyer, mas não se limita a adaptar: ela provoca, distorce e questiona. Em vez de contar toda a trajetória da santa, Wagner recorta o julgamento, um dos episódios mais documentados da história e reconstrói esse momento sob outra perspectiva, mexendo principalmente no desfecho.

O autor não aceita passivamente o final trágico de Joana. Em entrevistas, ele deixa claro que a motivação de fazer este quadrinho veio também do presente. Em um cenário em que os casos de feminicídio continuam crescendo e se tornando parte assustadoramente comum das notícias, a história de Joana deixa de ser apenas um episódio medieval e passa a soar como algo muito atual. A execução dela, no século XV, não foi só política ou religiosa, foi também a punição de uma mulher que ousou sair do lugar que lhe foi imposto.

Para Wagner, Joana não é só mártir: é símbolo. E mais do que isso, é uma mulher que, na HQ, ganha a chance de reagir. A ideia de reescrever o final não é gratuita, é quase um grito contra a repetição histórica da violência. Se lá atrás ela foi silenciada pelo fogo, hoje outras tantas mulheres continuam sendo silenciadas de formas diferentes, mas igualmente brutais.

O martírio das Joanas

A HQ amplia o olhar ao estabelecer um paralelo entre o martírio de Joana e o da atriz Renée Jeanne Falconetti (creditada também como Maria Falconetti), protagonista do filme de 1928. Falconetti ficou marcada por uma atuação intensa e visceral que marcou a história do cinema. Resultado de um processo de filmagem extenuante conduzido por Dreyer, que buscava extrair o máximo de realismo emocional. O quadrinho incorpora essa dimensão ao retratar também os bastidores dessa entrega artística, incluindo o próprio diretor como uma figura simbólica entre os algozes. A atuação de Falconetti resultou em um trabalho revolucionário, porém com sérios danos psicológicos à atriz, que nunca mais voltou a atuar em um filme.

Renée Jeanne Falconetti tinha 32 anos quando atuou como Joana D'arc.

Para entender o peso disso tudo, vale lembrar quem foi Joana d’Arc. Nascida na França do século XV, em plena Guerra dos Cem Anos, ela era uma jovem camponesa que dizia ouvir vozes divinas. Em uma época em que mulheres não tinham espaço nem na política nem na guerra, ela simplesmente atravessou todas essas barreiras. Vestiu armadura, liderou tropas francesas e foi peça-chave na libertação de Orléans. Virou símbolo de esperança. Mas também virou alvo.

O problema nunca foi só a guerra, foi o fato de ser uma mulher ocupando um espaço proibido. Capturada, Joana foi julgada por um tribunal eclesiástico formado por homens, membros da Igreja Católica. Seu processo foi cheio de interesses políticos, manipulações e, principalmente, medo. Medo do que ela representava. Em 1431, aos 19 anos, foi condenada à fogueira. Um martírio que, olhando hoje, carrega todos os sinais de uma punição exemplar contra uma mulher que ousou demais.

Entrada de Jeanne d'Arc à Orléans, de Jean-Jacques Scherrer (1887)

A força do Dark Side

A HQ de Wagner, visualmente, recria quase quadro a quadro o filme de 1928: os rostos, os closes intensos, o olhar desesperado e ao mesmo tempo desafiador da atuação de Falconetti. Mas o autor também insere novos diálogos, novas situações e assume um papel crítico: ele não está apenas reproduzindo a história, está questionando quem a contou e como ela foi construída.

O quadrinho, com suas 76 páginas, ainda dialoga com outras obras, como O Processo de Joana d'Arc, de Robert Bresson, além dos próprios registros do julgamento. Mas o diferencial está na liberdade que o formato permite: Wagner expande, recria e dá novas camadas a algo que parecia já definido pela história. E talvez o ponto mais incômodo e necessário esteja justamente nessa conexão com o presente.

Da fogueira à estatística

Joana d’Arc foi julgada por suas roupas, por seu cabelo, por sua postura, por não se comportar como esperavam de uma mulher. Foi chamada de herege e bruxa. Séculos depois, o discurso muda de forma, mas não de essência. Mulheres continuam sendo julgadas, controladas e, em muitos casos, mortas por romperem expectativas impostas. O feminicídio, hoje, é a face mais brutal dessa mesma lógica.

Nesse sentido, o martírio de Joana deixa de ser apenas um fato histórico e passa a ser um espelho desconfortável. A fogueira virou estatística, mas a raiz do problema continua ali: a violência contra mulheres que ousam existir fora do lugar que lhes foi designado.

Ao subverter o final, (ressaltando aqui, um final espetacular!) Wagner Willian faz mais do que uma releitura, ele propõe uma ruptura. Questiona a ideia de que certas histórias precisam terminar em tragédia (para o lado da mulher). E, principalmente, sugere que talvez já tenha passado da hora de mudar o roteiro.

Relembrar Joana d’Arc não é só revisitar o passado. É olhar para o presente com mais atenção. É perceber que a história dela não acabou, ela só mudou de cenário. E talvez o mais importante seja isso: entender que ainda existem muitas Joanas por aí. Algumas resistindo. Outras sendo silenciadas. E todas merecendo, no mínimo, não ter o mesmo destino.

O autor está relançando a HQ com o nome "Ode à Joana Dark Side", que está em pré-venda exclusiva na loja Comic Boom. A edição agora conta com 128 páginas, nova capa, novos diálogos e novas artes. A edição está sendo publicada pela Gengibre Editora, antiga editora Texugo de Wagner.

Omarginal!: quando a cultura local vira resistência e notícia

2026-03-20T08:17:00.001-03:00

Um jornal independente tem como principal compromisso o leitor e a realidade ao seu redor. Isso significa liberdade para investigar, questionar e publicar, mesmo quando os temas esbarram em interesses econômicos ou políticos da própria região.

À margem do que o grande público consome, muitas vezes por veículos com viés político, maior alcance e financiamento, inclusive público, o jornal independente ocupa um espaço essencial: o da autonomia. É nele que a sociedade encontra espaço para debater o que realmente importa, sem filtros, sem suavizações e sem a necessidade de atender conveniências externas.

É nesse contexto que surge Omarginal!. Um jornal independente que atua na região de Tubarão e Laguna, em Santa Catarina, com a proposta de dar visibilidade à cultura em suas mais diversas formas. Mais do que informar, o veículo se dedica a valorizar a arte, a literatura e a pluralidade de expressões, fortalecendo a identidade local. Temas que, com frequência, são relegados a notas de rodapé na grande mídia.

Entre essas expressões, os quadrinhos também encontram espaço. E é aí que entra o Tem Preguiça Não, convidado a integrar o jornal com uma coluna dedicada à nona arte. A estreia aconteceu na quinta edição, que trouxe como tema central “Sustentabilidade como expressão cultural”. Nela, o TPN destaca a HQ “Boca de Siri”, de Paulo Moreira, uma narrativa que mistura humor e fantasia para tratar do impacto ambiental causado pela expansão da orla de uma praia na Paraíba.

A matéria foi publicada no caderno “Margem Crônica”, que também reúne tiras de Luiz Simonetti e Idézio Jr., ampliando o diálogo entre crítica, narrativa e experimentação gráfica.

Fernando Faísca, editor do Omarginal! e Leonardo Fraga do Tem Preguiça Não.

Mas o alcance do Omarginal! vai além, principalmente pelo esforço do editor Fernando Faísca que faz, mantém e divulga o jornal nas mais diversas frentes. Assim, o jornal se aprofunda em temas que atravessam o tecido social das comunidades que cobre. Isso ganha evidência na capa e contracapa, com gravuras de Daniela Rinaldi, artista cuja trajetória é contada por Nathaly Julian no texto “O chamado das aves: arte, ciência e sustentabilidade”. Médica veterinária, Rinaldi transforma seu vínculo com as aves em arte por meio da xilogravura, gravura em relevo e linoleogravura.

A edição também traz reportagens e artigos que dialogam diretamente com desafios contemporâneos. Rai Berti discute o desperdício de alimentos como uma das grandes questões atuais, enquanto Silvana Silva, em “Cultura em sintonia com o mundo”, reflete sobre a importância de alinhar projetos culturais aos Objetivos de Desenvolvimento Sustentável (ODS) da ONU.

A Associação Comunitária Rural de Imbituba (ACORDI) ganha destaque em reportagem de João Pacheco de Souza, que aborda a valorização dos saberes tradicionais em um momento crucial para o município, às vésperas da definição de um novo Plano Diretor e sob forte pressão imobiliária.

Eduardo dos Santos Henrique revisita os 10 anos do Parque Linear de Tubarão, discutindo tanto sua importância para o bem-estar da população quanto o descaso do poder público e a baixa valorização por parte da iniciativa privada. A urbanização também entra em pauta no artigo “Para além da beleza”, de Bárbara V. Delgado e Georgios E. G. Anastasiadis, que propõem uma reflexão sobre a verticalização das cidades e a necessidade de espaços públicos de qualidade.

O meio ambiente aparece como eixo central em diversas matérias. A APA da Baleia Franca é abordada por Eduardo Delgado e Helder Remor de Souza como um território de resistência e convivência entre ecossistemas e comunidades. E o boto de Laguna é tema dos textos de Samira Effting e Arnaldo Russo, que analisam a relação histórica entre pescadores artesanais e o boto-pescador e questionam sua sustentabilidade nos dias atuais.

A edição ainda destaca o Festival Ocupa Arte Urbana, realizado em Laguna, e traz a tira “Exclamações Sociais de uma sociedade não tão sociável”, de Idézio Jr., em que capivaras refletem, com ironia, sobre o mundo ao seu redor.

Ativo também nas redes sociais e com site próprio, o Omarginal! reforça sua vocação colaborativa e independente. Livre de amarras corporativas ou de grandes anunciantes, o jornal abre espaço para uma diversidade de vozes e perspectivas, enriquecendo o debate público e fortalecendo a democracia em nível local.

Como todo veículo independente, sua existência depende do apoio direto dos leitores. E é justamente essa relação, mais próxima, mais transparente, que sustenta não apenas o jornal, mas a própria ideia de uma comunicação verdadeiramente livre.

Com distribuição gratuita, o jornal pode ser encontrado em diversos locais como na Casa Aurora em Laguna, ou na Biblioteca Pública de Imbituba.

Os leitores podem contribuir através do pix: redacao@omarginal.com.br

Gonzo: a vida caótica de Hunter S. Thompson em quadrinhos

2026-03-18T10:00:00.000-03:00

Poucos jornalistas foram tão difíceis de explicar e ao mesmo tempo tão impossíveis de ignorar quanto Hunter S. Thompson. Criador do chamado Jornalismo Gonzo, ele transformou a reportagem em algo visceral, subjetivo e perigoso, onde o repórter não apenas observa a história, mas se joga dentro dela como um personagem principal.

Em 2010, essa trajetória turbulenta ganhou uma versão em quadrinhos: Gonzo: A Graphic Biography of Hunter S. Thompson. Publicada pela Abrams ComicArts, a HQ foi escrita por Will Bingley e ilustrada por Anthony Hope-Smith. Com cerca de 180 páginas, a obra continua inédita no Brasil, mas para quem ama jornalismo e a obra de Thompson, não resisti e fui atrás dela.

Mas é preciso deixar algo claro sobre esta HQ: não há espaço para uma biografia minuciosa. Em vez disso, Bingley constrói algo mais próximo de uma narrativa febril, como se o próprio Thompson estivesse contando sua história, com o mesmo ritmo frenético e as mesmas distorções de perspectiva que marcaram seu estilo.

O resultado é o retrato de um gênio apaixonado e rebelde que arrancou rápido demais no início de uma corrida de longa distância. Um homem que explodiu criativamente muito cedo e passou as décadas seguintes convivendo com o peso do próprio comportamento autodestrutivo.

O jornalismo que virou um estilo de vida

O chamado Jornalismo Gonzo surgiu nos anos 1970 como uma ruptura radical com a ideia de neutralidade jornalística. No gonzo, o repórter abandona a distância profissional e mergulha de cabeça na história, escrevendo em primeira pessoa e misturando observação, exagero, humor ácido e experiências pessoais.

A origem do termo gonzo tem diversas versões, uma delas é de que a palavra é uma gíria da Irlanda usada para designar o último homem que acaba em pé em uma bebedeira. O jornalista que batizou este estilo foi Bill Cardoso, que utilizou “gonzo” em referência a um texto de Hunter Thompson.

Hunter S. Thompson e Oscar Zeta Acosta. A passagem deles por Las Vegas (1971) rendeu a história do livro Medo e Delírio em Las Vegas.

Há uma discussão acadêmica em torno do gonzo que coloca em discussão o seu valor para o jornalismo. Para muitos, o estilo não é objetivo, é parcial demais e ignora todas as regras sérias do jornalismo. Apesar disso, o estilo tem seguidores até hoje e entre outros aspectos, o gonzo é a porta de entrada de jovens estudantes para o jornalismo investigativo.

Gonzo + Thompson: Feitos um para o outro

Hunter vivia ultrapassando limites. Trapaceava, mentia, bebia, se drogava e ainda assim produzia textos que pareciam mais literatura do que reportagem. Uma mistura explosiva de observação social, crítica política e caos narrativo. Seus textos conquistaram leitores em todo os Estados Unidos, mas também criaram uma legião de inimigos.

A HQ reflete esse espírito. A biografia é tão áspera e direta quanto o próprio trabalho do jornalista. Não poupa ninguém, principalmente o próprio biografado. A narrativa utiliza diálogos reais e trechos retirados dos textos de Thompson. Na maior parte do tempo, busca reconstruir os fatos com certo realismo, especialmente quando apresenta seus pensamentos rápidos, criativos e suas opiniões afiadas sobre a política e a sociedade americana.

Em alguns momentos, no entanto, a obra também parece beber diretamente da estética da adaptação cinematográfica de “Medo e Delírio em Las Vegas (1998), dirigida por Terry Gilliam e estrelada por Johnny Depp, amigo pessoal de Thompson.

Benício Del Toro e Johnny Depp no filme Medo e Delírio em Las Vegas.

Uma vida em velocidade máxima

A leitura flui rapidamente, alternando entre humor e o terror existencial que acompanhou a vida de Thompson. A história começa em Louisville, onde ele passou a juventude e chegou a ser preso ainda nos anos 1950. A partir daí, o quadrinho acompanha suas aventuras que o levariam a se tornar uma figura central no jornalismo americano.

Mostra o período em que viveu em Porto Rico, onde escreveu seu primeiro romance, “Rum: Diários de um jornalista bêbado”. Quando escreveu o artigo esportivo: "O Kentucky Derby é Decadente e Depravado" sobre uma famosa corrida de cavalos realizada desde 1875 em sua cidade natal, Louisville. O artigo, que mistura crítica social e grotesco humano marcou o nascimento do "jornalismo gonzo".

Após trabalhar em vários veículos de comunicação e ser demitido, Thompson foi contratado pela revista Rolling Stone, a maior porta-voz da contracultura nos Estados Unidos. Seu artigo de estreia foi sobre sua campanha para se eleger xerife da cidade de Aspen, no Colorado, famosa pelas pistas de esqui e frequentada pelos ricos e famosos. Ele concorreu pelo partido “Freak Party” e entre suas propostas estava a descriminalização do uso de drogas na cidade e a transformação de todas as ruas da cidade em ciclovias. Ele perdeu a eleição por poucos votos.

Na Rolling Stone, em 1971 ele publica uma série de artigos que viria a se tornar seu livro mais famoso: “Medo e Delírio em Las Vegas: Uma Jornada Selvagem ao Coração do Sonho Americano.” Trata-se de uma narrativa em primeira pessoa de seu alter ego, Raoul Duke, que viaja até a famosa “Cidade do Pecado” para cobrir uma corrida de motocross e uma convenção de promotores públicos sobre drogas, em companhia do bizarro advogado samoano Dr. Gonzo (inspirado no advogado mexicano Oscar Zeta Acosta). O resultado foi uma jornada de autonhecimento e conexão espiritual em busca do Sonho Americano.

A HQ também não foge das passagens mais sombrias. Um dos episódios retratados é a convivência de Thompson com o grupo de motociclistas Hells Angels, experiência que resultou no livro Hell's Angels e também em ameaças e inimizades duradouras.

Hunter escreveu suas matérias em um dos períodos mais turbulentos da história recente dos Estados Unidos: a Guerra do Vietnã, o Assassinato de John F. Kennedy e o Movimento pelos Direitos Civis nos Estados Unidos. Nesse contexto, Thompson se transforma em um correspondente político radical. Seus ataques constantes ao governo de Richard Nixon ajudam a consolidar sua reputação de jornalista perigoso e absolutamente imprevisível.

Durante o final dos anos 1960 e início dos anos 1970, Thompson mergulhou completamente na cultura de festas, drogas e excessos, vivendo quase como uma estrela do rock. Para muitos marginalizados, ele se tornou um herói. Para quem estava próximo, tornou-se uma pessoa cada vez mais difícil de conviver.

Um retrato sem glamour

Uma das maiores qualidades da HQ está na arte de Anthony Hope-Smith. Seus desenhos em preto e branco são crus e angulosos, evitando qualquer tentativa de glamourizar a vida caótica do jornalista. Busca ser realista mas ao mesmo tempo não abandona a ideia de que se trata de um quadrinho, com um traço mais econômico e simples, especialmente em alguns cenários. Hope-Smith consegue evidenciar através de seus desenhos o desgaste emocional e físico de Thompson ao longo dos anos.

Ao usar o próprio Thompson como guia narrativo, a HQ cria momentos de inesperado calor humano ao mostrar acontecimentos íntimos do jornalista. O livro se concentra principalmente nos anos 1970 e vai até seu suicídio em 2005, que na HQ é apenas sugerido, e felizmente não mostrado.

O restante de sua vida, as décadas de 1980, 1990 e 2000 é tratado em apenas algumas páginas, mostrando o declínio do escritor sob o domínio das drogas e do álcool, bem como sua incapacidade de recuperar a energia e o entusiasmo que marcaram seus livros mais famosos. Infelizmente Thompson perdera a relevância em um mundo onde valores mudavam rapidamente e ele próprio se recusava a mudar.

Como norte-americano, Thompson tornou-se ao mesmo tempo um fora da lei, um fanático por mudanças radicais e um arauto de um futuro pouco ortodoxo para o país. Sempre mergulhava suas palavras em veneno e apontava diretamente para aqueles que desprezava. Ninguém escapava da fúria de seu texto, especialmente aqueles que oprimiam os que defendiam suas próprias liberdades, valores e objetivos pessoais. O jornalista mantinha uma atitude de “não dou a mínima para quem se importa” e isso fazia parte do rolo compressor que era Hunter S. Thompson.

Gonzo é uma HQ que tenta humanizar um homem que passou a vida tentando transcender o que um ser humano pode fazer consigo mesmo, tanto em sua arte e ofício quanto em sua personalidade, ao mesmo tempo generosa e egoísta. É um bom resumo de um dos escritores mais interessantes do século XX, mas está longe de ser abrangente e tampouco dá ao leitor uma verdadeira noção do gênio presente nas palavras de Hunter Thompson.