Covers fallen häufig langweilig aus. Oft fehlt der Mut zur Veränderung, wodurch sie ihren Originalen zu sehr ähneln und das schlechteste passiert, was einem Cover passieren kann: Der Vergleich mit dem Original! Bei Sufjan Stevens-Covers verhält sich das interessanterweise anders.

Auf Seven Swans Reimagined wurde es vorgemacht, Glowbug macht es mit “That was the worst Christmas ever!” auf ihrer aktuellen (und kostenlosen) EP Lights In The Snow perfekt nach und anderen vor: Nämlich ein Cover so zu verändern, dass eigener Charakter entstehen aber Wiedererkennung dennoch passieren kann! So schlecht ist, zumindest für uns, Weihnachten dann doch nicht.

Songs for Christmas – wie wir dieses Album lieben! Allerdings: Diesmal meinen wir nicht jenes von Sufjan Stevens, sondern jenes der Branches, einer “fun-folk-force” Formation aus Los Angeles.

Gemeinsam mit den Amerikanern hören wir auf the death cat ein drittes Mal “O Come, O Come, Emmanuel” – und im Vergleich zu Joshua James und Golau Glau könnte es anders nicht wieder sein. Gemäß “fun-folk-force” versteckt sich in der oberflächlichen Ruhe dieser Folk-Nummer nämlich tatsächlich auch Freude und Power. Tief versteckt, aber doch.

Und so schließt sich allmählich der Kreis der “O Come, O Come, Emmanuel”-Versionen, womit am Ende bleibt: Rejoice! Rejoice! Until the Son of God appears!

Es hat nur wenig mit Hail Mary zu tun, warum “Now And At The Hour Of Our Death” von The Brilliance so perfekt in die Adventszeit passt.

Warum ist das so? “Now And At The Hour Of Our Death” endet nicht dort, wo es “Hail Mary” tut, sondern geht weiter und findet genau dort Seelenheil, wo es seit Weihnachten und Ostern zu finden ist:

Holy mother of God, pray for us, pray for us […]
Oh merciful God, forgive us, forgive us […]
Oh Son of God, rescue us, rescue us […]
Now and at the hour of our death, Amen!

Während uns “Hail Mary” also im regnerischen Herbst zurücklässt, dürfen wir mit “Now And At The Hour Of Our Death” im Adventschnee toben und gemeinsam mit dem Frühling erwachen. Brilliant, The Brilliance!

Found on old hard drive. Break me off a piece of that Kit-Kat bar.

Gefunden hat er die Nummer “Give A Little Love” bzw. “GiveALittleLove” (um sich nicht selbst mit Noah And The Whale zu verwechseln?), wahrscheinlich ein Outtake von All Delighted People. Wie dem auch sei. Es handelt sich auf jeden Fall um eine der besondereren Nummern in seinem Tumblr Ghetto auf Soundcloud, in dem er diese und andere (Augenmerk: “Silver & Gold”, eine Rohversion von “Justice Delivers Its Death”) Fundstücke sammelt. “Give A Little Love” wirkt stilistisch wie eine Kurzversion von “Impossible Soul”. Also von Auto-Tune und Chor bis hin zum groovigen Outro ist in knapp fünf Minuten Spielzeit alles vertreten.

Trotz (musikalischem) Ghetto: Wir kommen ab heute öfters vorbei!

Das amerikanische Musiker-Ehepaar Jenny & Tyler veröffentlichte mit “For Freedom” eine EP, deren sämtliche Erlöse dem Kampf gegen Human Trafficking zugute kommen – absolut hörens- und unterstützenswert! Unterstützenswert weil … das ist selbsterklärend, hörenswert alleine wegen der Covers “The Scientist” von Coldplay und “I still haven’t found what I’m looking for” von U2.

Die EP kann über iTunes gekauft werden.

Der Umzugsstress ist schuld daran, dass die Auflistung der besten Alben und Songs aus 2012 etwas länger auf sich haben warten lassen. Mit einigen Tagen Verspätung ist es nun aber endlich soweit … hier die 10 besten Songs auf 2012!

10. Kishi Bashi ~ Manchester

24 Scrobbles

9. The Modern Post ~ Grace Alone

25 Scrobbles

8. Sam Billen ~ Saltine

27 Scrobbles

7. The Welcome Wagon ~ Remedy

28 Scrobbles

6. Catch Bees ~ Holiday Home

29 Scrobbles

5. Zachary Lucky ~ Back In The Fall

30 Scrobbles

4. Rosie Thomas ~ Where Were You?

34 Scrobbles

3. Wayfarer ~ What Wondrous Love is This?

35 Scrobbles

2. Sufjan Stevens ~ Christmas Unicorn

36 Scrobbles

1. Max Richter ~ Spring 2

47 Scrobbles

Alle Jahre wieder – und so auch heuer: Eine Auflistung der besten Alben des Jahres 2012. Die Spielregeln bei der Auswahl waren dabei gleich wie in den Jahren zuvor. Die Top 10 wurden objektiv anhand von last.fm-Scrobbles gemessen, wodurch die Auswahl nicht nur subjektiv und aus einem momentanen Gefühl heraus erfolgte. Selbst Alben, die zu Jahresbeginn begeisterten, gerieten somit bei der Auswahl nicht in Vergessenheit. Stichtag für das Zählen der last.fm-Scrobbles war dabei der 1. Jänner 2013, 16:00 Uhr. Und das kam 2012 bei uns heraus …

10. Young Oceans ~ Young Oceans

117 Scrobbles

9. Bright Moments ~ Natives

119 Scrobbles

8. Kishi Bashi ~ 151a

138 Scrobbles

7. Sam Billen ~ Places

140 Scrobbles

6. Message to Bears ~ Folding Leaves

145 Scrobbles

5. Johann Johannsson ~ Copenhagen Dreams

150 Scrobbles

4. The Welcome Wagon ~ Precious Remedies Against Satan’s Devices

154 Scrobbles

3. Catch Bees ~ Newman’s Open Choir

159 Scrobbles

2. Max Richter ~ Vivaldi: The Four Seasons Recomposed

296 Scrobbles

1. Sufjan Stevens ~ Silver & Gold

396 Scrobbles

Während eines Umzugs kann der eigene Musikgeschmack schon mal auf den Kopf gestellt werden. Zumindest ein bisschen. Denn nach dem Packen der sechzigsten Umzugskiste, dem wiederholten Schichten dieser in mannshohe Stapel, dem Zerlegen einer Vielzahl an Möbel und der notwendigen Organisation zwischen all diesen Dingen, braucht man schon Musik, die einem auch nach Tagen des gleichen Prozedere noch Kraft, Motivation und Ausdauer gibt. Einer freundlichen last.fm-Recommendation sei Dank, dass man auf Spotify bei Michael Ketterer hängen geblieben ist. Und somit nicht beim Umzug.

Love/War/Solar System ist das bis dato einzige Werk von Michael Ketterer, einem amerikanischen Jugend- und Musikpastor aus Tennessee. Seine Musik auf Love/War/Solar System erinnert dabei weder an Kirche oder Lobpreis, ist sie doch mehr ein Mix aus elektronifiziertem Pop und Rock. Anfangs mag dieser Mix schnell etwas unbeholfen klingen, denn erst mit der Zeit verknüpfen sich Stile und Intentionen werden greifbar. Ähnliches gilt für die Texte. Anfangs noch abstrakt (“There’s a love war in the solar system”), werden sie schnell unmissverständlich: “You keep me from falling cause you are the vine and I am the branches”.

In dieser Ton- und Textart treibt Michael Ketterer sein Erstlingswerk voran. Und damit auch einen Umzug. Love/War/Solar System ist der sprichwörtliche Zug, auf den es aufzuspringen gilt. Hauptsächlich dafür verantwortlich: Die wichtige zweite Nummer eines Albums – in diesem Fall “Keep On Burning”.

Bei einer solch treibenden Nummer in den Laufsprechern verwundert es dann nicht, dass ein Umzug schnell vorangeht – vom Einpacken bis zum Auspacken, vom Abbau bis zum Aufbau. Und ja, da der Umzug nun vorbei ist, wird es hoffentlich auch kein weiteres 7-Wochen-Blog-Post-Loch auf the death cat mehr geben …

Jon Brion schreibt keine Hits. Zumindest nicht für sich selbst und genau deshalb kennt man Jon Brion zwangsläufig auch nicht. Jon Brion kennt man dann, wenn man gerne die Musik amerikanischer Independent Musiker wie Fiona Apple, Rufus Wainwright oder Evan Dando, die Brion produzierte, hört oder gerne ins Kino geht. Gerade da erlebte der amerikanische Multi-Instrumentalist als Komponist zahlreicher Soundtracks vor allem im letzten Jahrzehnt eine gewisse Hochzeit, zeichnete er doch gleich für die Musik mehrerer erfolgreicher kleinerer Streifen verantwortlich. So entstammten seiner Feder u.a. Magnolia (1999), Punch-Drunk Love (2002), Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), I ♥ Huckabees (2004), The Break-Up (2006) sowie Synecdoche, New York (2008). Dabei immer wieder zu erkennen: Brion’s wunderbarer musikalischer Mix aus sanften Rhythmen, einfachen Streichern, eingängigen Melodien und markanten Harmonien – und manchmal auch Disharmonien.

Nicht umsonst wird Jon Brion als Multi-Instrumentalist beschrieben, nein, er lebt diese Gabe auch aus – auf seinen Alben spielt und bei seinen wenigen Konzerten tritt er meist solo auf. Was anfangs verschlossen und wenig zugänglich wirkt, hat einen entscheidenden Vorteil: Brion’s Musik wirkt eigentlich immer wie aus einem Guss, wie eine Geschichte, mit klarer Handlung, klarem Anfang, klarem Ende. Das wiederum macht Brion zugänglich, denn er bildet oft die Konstante – spezielle dann, wenn seine Musik die Untermalung für zu einem Großteil wirre Streifen, wie Punch-Drunk Love oder I ♥ Huckabees ist. Kein noch so nach Träume im Fieberwahn erinnerndes Drehbuch kann so schlimm, kein schauspielerischer Beinbruch so groß sein, dass sie nicht von Brion’s musikalischer Medizin geheilt werden könnten. Beispielhaft dafür ist Brion’s letzte Filmmusik, wo er mit ParaNorman gar einen Animationsfilm dank seines musikalischen Feinschliffs aufwertete. Und die rund dreiminütige Titelmelodie “Norman’s Walk” fasst eindrücklich zusammen, was Jon Brion als Musiker auszeichnet. Nur stehenbleiben sollte man als Zuhörer bei dieser einen Nummer nicht …

Wäre es nicht ohnehin anlässlich des Weihnachtsfestes, man wäre verleitet zu sagen: “Das ist ja wie Weihnachten!”. Sufjan Stevens beschert uns nach 2006 ein weiteres mal mit einer musikalischen Weihnachtsbox und diese macht anno 2012 nicht den Anschein, als würde sie hinsichtlich Idee, Umsetzung und Aufmachung (Stichwort: Tattoos) der Vorgängerin Songs for Christmas nachstehen. Ganz im Gegenteil: Sie wird vom aktuellen Schaffensuniversums unseres liebsten Amerikaners genau um jene Fabeln, Mythen und Wesen angereichert, die dieser wohl in der jüngeren Vergangenheit bei seinen galaktischen Rundreisen durchs Planetarium und in Form von The Age Of Adz im Mikrokosmos eines Royal Robertson erlebt hat. Was dabei herauskommt? Ein Christmas Unicorn! Das liegt schließlich in der Natur der Sache.

Dank “Christmas Unicorn” dürfen wir uns an Sufjan’s neuer Weihnachtsbox “Silver & Gold” bereits im Oktober freuen, denn bis das verfrühte Weihnachtsgeschenk im Weihnachtsvorverkauf über virtuelle Ladentische geht, dürfen wir den letzten und – Trommelwirbel – 58. (in Worten: achtundfünfzig) Track der Weihnachtsbox schon heute hören. Und das oft. Sehr oft sogar. Denn kurzweiliger, abwechslungsreicher, unterhaltsamer als dieses Weihnachtseinhorn können knappe 13 (in Worten: dreizehn) Minuten gar nicht sein. Wir stimmen ein, wenn es anderswo heißt:

“Christmas Unicorn” sounds exactly as the first page of a Google image search of “Christmas Unicorn”

Pointierter als das Musik-Magazin Beats Per Minute könnte man diese knappe Viertelstunde gar nicht umschreiben, mit der Sufjan wiederholtes Hören fast erzwingt. Denn ähnlich vielschichtig wie Sufjan das angesprochene “The Age Of Adz” mit dem fast schon legendären “Impossible Soul” beendet, ganz ähnlich vielschichtig geht das Weihnachtseinhorn seinen Weg, vollzieht dabei mehrere Sprünge und wechselt oftmals seine Farben. Was es grundsätzlich zu erzählen hat, hat es schon nach wenigen Minuten getan. Diese handeln von seinen vielen Gesichtern und davon, wie es eigentlich so gar nicht in diese Welt passt …

But I’ve seen others in the uniform
of a unicorn just like me.
We are legions wide and we chose no sides,
we are masters of mystique.

Traurig würde man meinen. Wäre da nicht dieses andere Einhorn, welches ausgerechnet zu Weihnachten auftaucht und Frieden stiftet, weil es genau gleich wie alle anderen Einhörner ist. “It’s alright, I love you” bleibt dann mal schnell nur noch zu sagen – und das gerade dann, wenn zu Joy Divisions “Love will tear us apart” ausgeholt wird. Hier prallen dann Welten zusammen, Universen. Und diese Weiten werden vom “Christmas Unicorn” überwunden. Wunderbar, so fantastisch soll Weihnachten sein!

Es ist eigentlich kaum vorstellbar, dass sich Sam Billen mit seinem neuen Album Places nicht selbst überrascht hat. Als Hörer ist man es nämlich: Überrascht. Super-überrascht gewissermaßen, denn Sam Billen gelingt mit seinem Letztwerk eine derart gelungene Stilwandlung, wie man sie nur selten erlebt. Aus dem eher rauhen Folk-Barden, der über Kickstarter schon mal Geld für ein Weihnachtsalbum gesammelt hat, wurde ein Künstler, dessen filigrane Kompositionen ihren Vorbildern von Bon Iver und Dear Reader um nichts nachstehen.

Auch Places ist ein Kickstarter-Projekt. Dort wird folgendes verrarten:

Peerless Mastering will be adding the finishing touches to the album. They’ve mastered albums by Bon Iver, The Magnetic Fields, Spoon, etc. Need I say more?

Nach einer ersten Erkenntnisreaktion (Achso! Naja, ach dann!) merkt man schnell, das die bloße Anlehnung an etwas Großem noch lange nichts Großes hervorbringen muss. Zu oft wird aus der Anlehnung nämlich nur eine billige Kopie, die Gratwanderung zwischen Inspiration und Imitation wird gar zu selten gemeistert. Umso erstaunlicher ist dann schon, dass ausgerechnet eine DYI-Produktion eben nicht zur billigen Kopie, sondern zum perfekten Ableger wird.

Sam Billen singt, musiziert, produziert und vermarktet selbst. All das scheint irgendwie problemlos jenem simplen Statement zu entstammen, welches seine Website schmückt: Sam Billen makes music heißt es dort. Nicht mehr und nicht weniger. Und wenn “Places” noch dazu the closest I’ve come to expressing my deepest emotions – struggles and joys – in my music ist, also auch den Künstler, der uns ein tolles Werk beschert hat, beschert, dann ist das doch wirklich erstaunlich, oder? Denn von wunderbaren Nummern wie “Saltine”, “Choices”, “Oh Yeah Oh Yeah” haben wir alle was.

Es hat lange gedauert, um einen Zugang zu Jóhann Jóhannsson zu finden. Nämlich mehr als 300 last.fm-Scrobbles um genau zu sein. Geholfen hat dabei letztens Endes sein neues Album, der Soundtrack zum Film Copenhagen Dreams. Zwar war und ist auch schon sein Soundtrack von 2011, The Miner’s Hymns, hörenswert, aber erst mit “Copenhagen Dreams” knüpft Jóhannsson genau dort an, womit er 2010 mit seinem Album And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees schon mal angeklopft hat – an kurze, markante, dadurch einprägsame Kompositionen, deren Charakteristik stellvertretend für seine gesamte Musik ist: Elegant, eindringlich und “positiv melancholisch”.

Interessanterweise führte dieser “leichtere, da kürzere” Zugang zu Jóhann Jóhannsson dazu, dass auch seine epischen Werke, wie die eben bereits angesprochenen “Miner’s Hymns”, plötzlich wieder zu Dauerbrennern in der Playlist wurden. Die Unterschiedlichkeiten seiner beiden letzten Soundtracks lassen sich aber nicht nur auf deren Gesamtlänge und die Länger der einzelnen Stücke (die variieren nämlich von 0:55 bis 14:23 Minuten) reduzieren. Auch Intention und Intensität der “Miner’s Hymns” und von “Copenhagen Dreams” unterscheiden sich derart, dass man überraschenderweise als Hörer wirklich überrascht ist. Denn nicht selten neigen Filmmusik-Komponisten dazu, sich selbst zu wiederholen. Immer und immer wieder. Über viele Soundtracks hinweg, ungeachtet der Machart des Films.

Jóhann Jóhannsson, der Isländer mit dem eigentlich doch recht lustigen Namen hat nicht nur zwei tolle Scores abgeliefert, sondern auch zwei Independent-Filmproduktionen Türen geöffnet. Während die Bekanntheit beider Casts verschwindend klein ist, hat sich Jóhannsson bereits mehr als nur einen Namen in der Instrumental-Szene gemacht. Und nichts ist besser, als über etwas Vertrautes etwas Neues kennenlernen. Wir hoffen also, dass die beiden Filme auch in Österreich zu sehen sind …

Möchte man als Künstler eine Nummer covern, so würde die Wahl vieler wohl lange nicht auf eine Nummer der isländischen Ambient-Popper von Sigur Rós fallen. Minutenlanger isländischer, manchmal gar fiktiver Gesang und eine ausgefallenen Instrumentierung machen die Vorlage nämlich nicht unbedingt leicht zugänglich. Der Amerikaner Scott Mercado aka Manuok hat sich ein Sigur Rós-Cover aber dennoch zur Aufgabe gemacht. Und das erfolgreich wie wir meinen!

Die Wahl Mercados fiel dabei ausgerechnet auf “Untitled”. Wer das 2002er-Werk der Isländer kennt, der weiß, dass “Untitled” alleine noch nicht unbedingt etwas heißt. Untitled war 2002 alles: Der Name des Albums, der Name der Songs, das Aussehen des Albums. Erst bei genauem Hinhören verrät das Cover, zu finden auf Manuoks Letztwerk The Old Horse, mit “Untitled 1″, also der ersten Nummer des Albums, seinen Ursprung. Und im Gegensatz zum Sigur Rós ist es vor allem eines – gegensätzlich. Denn Manuok lässt “The Old Horse” so enden, wie Sigur Rós niemals sein wird: Kurz, kurzweilig und beinahe Englisch. So gelingt Scott Mercado eher ein neuer Song, als ein Cover. Das nennen wir dann eine Win-Win-Situation.

Noah Gundersen macht Musik bisher nur im Kleinformat – und zwar in Form einfach eingespielter EPs wie “Family”. Unterstützt wird er dabei nur von Schwester Abby, die mit Violine und Hintergrundgesang einen Kontrastpunkt (beziehungsweise eine Vielzahl an Kontrastpunkten) zu Noahs eigenem Gesang und seinem Gitarrenspiel setzt. Das funktioniert gut. Sehr gut sogar. Nämlich auf die eindringlichste aller Arten.

Wenn Noah Gundersen singt, dann ist das nur eingeschränkt als Musik zu bezeichnen. Zumindest dann, wenn man Musik als Inszenierung versteht, denn Noah Gundersen inszeniert nicht, er sinniert – mit jedem Wort seiner Texte, mit jeder Emotion in seinen Melodien. Darum hören wir auf “Family” Zeilen wie …

David:

i want to hunt like David,
i want to kill me a giant man,
i want to slay my demons
but i’ve got lots of them, i’ve got lots of them

Fire:

When the devil came to visit me,
he said “Son, i am your enemy”
– fear me!
But it came to my surprise
i was drawn by the fire

Garden:

But wait, oh wait,
see how the morning breaks
It’s the simplest of love songs,
but it’s all our hearts can take
and though we lose our stake
heaven is where we make it,
even in the smallest places, can a garden grow

Auf der Bandcamp-Seite von Noah Gundersen ist die Rede davon, dass diesen Herbst ein “ordentliches Studioalbum” aus seinen EPs entstehen wird. Eigentlich wünschen wir uns das nicht, denn die Gefahr zu verlieren, was wir und über 10.000 andere Facebook-Fans durch seine EPs bisher gewonnen haben, ist einfach viel zu groß.

Irgendwo zwischen (Modern/Contemporary) Jazz, Instrumental, Post-Rock und Minimalism, irgendwo zwischen dieser und jener Musikrichtung, da findet sich das Portico Quartet aus Großbritannien. Viel interessanter aber als die Musikrichtungen, aus denen die vier Musiker schöpfen, ist die Musik, die sie tatsächlich machen, denn nur darum geht es schließlich.

Bereits die beiden letzten Alben Knee-Deep In The North Sea (2008) und Isla (2010) haben uns ein paar Lieblingstitel beschert. Auf der neuesten Platte – Portico Quartet (2012) – ist ein solcher Lieblingstitel “Ruins“. Hört man die Musik, dann ist das wie ein Blick auf eine Landschaft, in der die Augen zum Ruhen kommen, von einem Detail zum nächsten schweifen, von den Farben, vom Wind, vom Rhythmus getragen. Weite wäre vielleicht das richtige Wort dafür. Wohltuende Weite.

Kleiner Tipp: Wem “Ruins“ gefällt, kann den Titel übrigens gratis auf der Website der Band herunterladen.

2012 hat ihn endlich: Jenen kraftvollen, mitreißenden Song, den man normalerweise im selben Jahr kein zweites Mal mehr findet. Er kommt von Austra und heißt “Lose It”. Und man kann sich wahrhaft in ihn verlieren.

Es ist schwer zu begründen, was “Lose It” vom neuen Album Feel It Break zu diesem Ohrwurm macht. Da gibt es einerseits diesen treibenden Beat, der mitreißt, weil er in keiner Sekunde nachlässt. Anderseits ist da die Stimme von Katie Stelmanis mit ihrem weiten, weitreichenden Umfang, der einen Bogen zwischen inbrünstigem Gesang und klassischer Distanz zu spannen vermag. Emotionalen Zusatz bieten Stelmanis’ einstimmige Mehrstimmigkeit, also ihre eigene, vielfach ineinander gemischte Stimme, und die Rätsel, welche durch die Lyrics aufgegeben werden. Insbesondere letztere wirken anfangs bestenfalls unvollständig, da sie kaum zu deuten sind. Letztendlich sind es aber wohl genau sie, die “Lose It” auch auf lange Sicht Reiz verleihen. Denn ohne klar ersichtliche Bedeutung, bleiben sie lange für uns Hörer reizvoll zu drehen und zu wenden und zu deuten, um ihnen selbst diese Bedeutung zu geben.

Don’t wanna lose you, don’t wanna lose.
My face screams, my face screams,
my face screams without an emotion.

In the darkness comes, another, another.
Hold her by the thumbs, the other, the other.

Alles klar, oder? Ein Bild sagt aber bekanntlich mehr als tausend Worte. Das musikalische Highlight des Jahres sollte also besser selbst angehört und bebildert werden.

Der Name der Jars Of Clay-EP lässt doch ziemlich genau auf ihren Inhalt schließen und mag auf den ersten Blick nicht sonderlich einfallsreich klingen. Ebenso ihr Cover. Es wirkt mit seinem einfachen Motiv und seiner kindlichen Farbwahl bestenfalls kurzfristig entstanden. Das verwundert insbesondere deshalb, weil Reinvent, Remember, Replay selbst alles hat, was dem Cover fehlt: Einfallsreichtum, Kreativität, Besonderheit. Und all das, obwohl es sich nur um Coverversionen eigener Songs handelt.

Nun ja, zugegebenermaßen handelt es sich bei den fünf Nummern nicht um irgendwelche Coverversionen, sondern um jene von Nummern, die bereits im Original zu den absoluten Top-Songs von Jars Of Clay gehörten. Neben neueren Nummern wie “All my Monsters” vom Letztwerk interpretieren die Amerikaner mit “Crazy Times” und “Tea and Sympathy” genauso Klassiker vom elegischen Much Afraid, einem ihrer ersten Werke. Was die Nummern dabei “reinvented” macht lässt sich schnell erhören. Jars Of Clay haben die Einfachheit und kindliche Gestaltung des Cover direkt auch in ihre Musik einfließen lassen. Reinvent, Remember, Replay wurde durch den viel direkteren Zugang in inhaltlicher wie musikalischer Hinsicht auf ihren Kern (auf das Notwendigste?) reduziert und wirken als Songs darum so authentisch und unmittelbar, wie schon seit ihrem Erstlingswerk aus dem Jahr 1995 nicht mehr. Und an diese Zeit erinnern wir uns wohl alle gerne – Stichwort: “Love Song For A Savior” – zurück …

Viel passiert in den viereinhalb Minuten von “Drifters” eigentlich nicht. Bläser setzen ein, Bläser gestalten die Break, Bläser lassen “Drifters” ausklingen. OK, es sind ziemlich schöne Bläser. Posaunen und Trompeten. Rund um sie lauscht man Zeilen von Kelly Pratt aka Bright Moments. Sie bringen die Bedeutung von “Drifters” zum Ausdruck. Mit diesen Worten zum Beispiel:

Is it Tuesday or Saturday today? We will always be drifting with the tide again

Eine Nummer also, die einfach, aber genau in dieser Einfachheit großartig gemacht ist und immer wieder neu fasziniert. Ganz ohne Langeweile.

Drifters? Kelly Pratt meint schlichtweg, dass es uns im Leben hin und her bewegt, bildlich wie Treibholz im Wasser, und das Wann, die Zeit, dabei keine Rolle spielt, weil wir sie nicht beeinflussen können. Es ist interessant sich das vor Augen zu führen, denn es stellt sich die Frage, was es dann ist, was unser Leben bestimmt. Worin treiben wir? “Drifters” selbst hält sich dazu bedeckt. Es bleibt also die Frage, die wir selbst beantworten müssen. Wer hat eine Antwort?