Ya puede decirse que estamos en época de festivales. Ya se han celebrado El Viña Rock, el SOS 4.8 y el Sonisphere, y están por llegar el Primavera Sound, el BBK Live, el Azkena Rock, el FIB, el Low Cost, el Arenal Sound…

Es por ello que inventos como esta máquina, capaz de rellenar los vasos de cerveza automáticamente y desde abajo de forma rápida y sencilla, pueden ser una gran inversión por parte de los organizadores para acelerar el ritmo de las barras entre concierto y concierto. ¡Festivales! ¡¡Al loro!!:

Lo malo (o bueno, según se mire…) es que el mayor ritmo de ingesta de alcohol que proporciona este invento puede hacer que algunos asistentes acaben como los dos colegas que Javi nos enseñó el otro día…

Seguimos la tanda de reseñas de esta semana con la crítica a “Santacruz”, el segundo álbum de los andaluces Supersubmarina, otro grupo que, como Love Of Lesbian, forma parte de la facción más comercial del indie patrio. Pero tranquilos, que en esta ocasión vamos a ser más benevolentes que con el desilusionante “La Noche Eterna. Los Días No Vividos”.

Lo primero que llama la atención de “Santacruz” es el sensible giro que Supersubmarina le ha dado a su sonido y a su actitud: en “Electroviral”, su debut, escuchábamos una banda fresca que tocaba guitarras limpias, mientras que en este nuevo disco los jienenses han optado por mostrarse más seriotes y apostar por sonidos más densos y guitarras más contundentes sin dejar de lado, eso sí, sus características melodías pop. Una de las explicaciones a este nuevo sonido la encontramos en Tony Doogan, el productor con el que ha trabajado y en cuyo currículum se encuentran las grabaciones de álbumes y canciones de bandas como Mogwai, Snow Patrol, Belle & Sebastian, Hefner o Teenage Fanclub, entre otras (con este dato las cosas cuadran más).

Este cambio no les ha sentado ni mejor ni peor: simplemente Supersubmarina han tratado de no repetirse mostrando una cara más ‘madura’ de su música y, en mi opinión, mantienen el nivel. Vale que sus nuevos temas son menos directos y festeros y por ese lado el grupo pierde parte del gancho que tiene, pero piezas como “Canción De Guerra”, “Santacruz” o “Tu Saeta”, que van creciendo poco a poco, me parecen realmente buenas, las mejores del disco. Lo mismo ocurre con las baladas “Para Dormir Cuando No Estés” (muy Vetusta Morla) o la intensa “De Las Dudas Infinitas”, canciones más lentas y atmosféricas pero bonitas y bien desarrolladas.

Y aunque como ya hemos comentado el tono de “Santacruz” es en líneas generales más oscuro e introspectivo (y no es para menos porque las letras tratan temas como el desamor, la ruptura, la rabia…), Supersubmarina no se han atrevido a culminar lo que algunas canciones del álbum apuntan y han incluido temas más movidos que enlazan con sus anteriores trabajos. En este apartado se encuentran los dos singles que se han extraído del disco hasta el momento, “En Mis Venas” y “Hermética”, una canción guitarrera en la línea de lo que Supersubmarina nos enseñó en su EP “Realimentación”.

Pero para canciones marchosas “El Baile De Los Muertos”, un tema de crítica social directamente emparentado con el estilo más desenfadado de “Electroviral”; y el cierre más optimista y popero formado por la positiva “Cometas” (con coros algo horteras), la happy “Tecnicolor” y “Hogueras”, estas dos últimas de ritmo muy contagioso.

Como crítica al disco comentaría su cierta linealidad: muchas melodías son algo parecidas, y al compartir casi todas las canciones el mismo tono solemne (en gran parte acentuado por la manera de cantar algo impostada y engolada del vocalista) en los últimos temas llegas a dispersarte, porque además tampoco son los mejores.

En definitiva pienso que Supersubmarina han cumplido con “Santacruz”, un disco que está bien (a secas), es interesante y funciona en conjunto. El grupo se muestra más serio y su sonido es más envolvente, y aunque han perdido algo de ese toque fresco que impulsó su carrera y no hay hits claros, han ganado en profundidad.

Quizás era el momento de dar un saltito de calidad, de ofrecer un ‘algo más’, pero bueno, mantienen el nivel y se encuentran en buena disposición para codearse con grupos similares, así que no van por mal camino.

Lenny Kravitz se encuentra inmerso en una gira europea y esta noche actuará en el Velódromo Luis Puig de Valencia a partir de las 19:30. El concierto del rockero neoyorkino servirá para presentar al público su último disco, “Black And White America”, además de para repasar los temas más clásicos de su discografía.

Hace tres años Lenny Kravitz también vino a Valencia y casi llenó el velódromo. En esta ocasión ha vendido poco más de la mitad de las entradas según la organización, algo lógico si nos atenemos a los precios desorbitados que ha puesto el músico para su concierto: entre 45 y 145 euros. Ni que fuera U2 o los Rolling…

En fin, aunque musicalmente Lenny esté en horas bajas quienes vayan se lo pasarán bien (y a lo mejor tienen la oportunidad de verle luciendo alguno de sus estrafalarios complementos), y quienes no… pues nos quedaremos en casa escuchando alguno de sus temas, como este “Are You Gonna Go My Way”:

Tras alcanzar inesperadamente el éxito y convertirse en el grupo de masas que ahora mismo son y que les ha llevado a dar una gira ininterrumpida de casi tres años de duración por todo el territorio nacional, Love Of Lesbian publicaron la semana pasada “La Noche Eterna. Los Días No Vividos”, su séptimo disco de estudio.

Este nuevo álbum, que tiene formato de doble CD, era la ocasión idónea para que Love Of Lesbian diera un golpe sobre la mesa y siguiera ofreciendo calidad junto a la nueva faceta mediática de sus canciones. ¿Lo habrán logrado…?

La respuesta es no. Tras su racha de tres buenos discos, (curiosamente los grabados en castellano) Love Of Lesbian no han podido mantener la inspiración en “La Noche Eterna. Los Días No Vividos”. Mi impresión es que han querido aprovechar el momento y tener en el mercado nuevos temas cuanto antes para volver a salir de gira y seguir petándola, cosa muy lícita debido a la atención que captan en estos instantes pero que ha afectado negativamente a la calidad de sus canciones.

El álbum suena como una versión mala de “1999”. Sigue habiendo canciones bailongas y delirantes y también temas más intimistas, pero ya no transmiten lo mismo, principalmente debido al mayor problema del disco: las melodías no enganchan, son normaluchas y farragosas en la mayoría de las ocasiones, y eso para un grupo de pop es su condena. Y cuando no es la música son las letras las que espantan al oyente, ya que en esta ocasión el grupo se muestra más histriónico que nunca y se pasan de ‘graciosillos’ y caricaturescos en sus versos, rozando y alcanzando muchas veces la cutrez.

¿Qué podemos rescatar del nuevo disco de Love Of Lesbian? La apertura con “La Noche Eterna” mola. Es una canción larga, difícil y que requiere más de una escucha, pero está bien estructurada y su crescendo en intensidad y dramatismo está logrado, al igual que el de “Oniria E Insomnia”. Pero los temas que verdaderamente más me han gustado han sido “Belice”, donde el grupo experimenta con sintetizadores más que nunca, y “Pizzigatos”, un divertido cuentecito protagonizado por un siamés vividor y su sufridora novia que, aunque no llega a su mismo nivel, es el “Me Amo” o la “Marlene” del disco.

Al final resulta que “Los Seres Únicos”, “El Hambre Invisible” y “Wio, Antenas Y Pijamas”, los tres adelantos que nos enseñó el grupo antes de publicar “La Noche Eterna…”, son de los temas más potables del disco pese a que no terminan de arrancar más que un “psé, está bien, pero…”.

En cuanto a lo negativo, me gustaría apedrear públicamente tres canciones. La primera es “Si Tú Me Dices Ben, Yo Digo Affleck”, un fallido intento de hacer un pelotazo al estilo de “Algunas Plantas” o “El Club De Fans De John Boy”. Bueno, lo de fallido es relativo, porque la gente lo bailará y las quinceañeras berrearán como locas lo de “¡Qué sexys son!”, pero la letra da pena y los efectos de voz del estribillo son de garrafón y no hacían falta. El título se lo perdono, porque aunque es un chiste malo por aquí somos muy amantes del humor absurdo.

Los otros dos espantos son precisamente los temas que cierran el disco, “Radio Himalaya” y “Los Toros En La Wii (Fantástico)”. Dan vergüenza ajena y, por si acaso el disco no era lo suficientemente flojo hasta el momento, estas dos ‘perlas’ acaban dejando un sabor de boca horroroso.

En fin, que Love Of Lesbian han patinado a lo bestia y han puesto fin a su racha de grandes discos en castellano. “La Noche Eterna. Los Días No Vividos” aparte de ser un disco innecesariamente largo, es aburrido y mediocre. La mitad de temas sobran, y de la otra mitad la mayoría son un coñazo, por lo que pocas cosas positivas pueden decirse de un álbum que suena a algo desgastado, forzado, sin brillo. Decepción total.

Iggy Pop publicó hace un par de semanas “Après”, un álbum de versiones en el que profundiza aún más en esa faceta de crooner que inició con “Préliminaires”, su anterior disco en solitario.

Puede que en un principio choque este radical cambio de estilo en Iggy Pop, pero no es más que el resultado de un proceso lógico: La ‘iguana de Detroit’ lleva tiempo mostrando interés por el jazz y la chanson francesa, géneros que se adaptan mejor al estilo de vida tranquilo y hogareño que lleva desde hace años, así que es lógico que sus últimas embestidas discográficas hayan ido en esta dirección. Además Iggy ya no es un chaval, y aunque encima de un escenario sigue teniendo la misma actitud y la energía de un toro, la edad pasa factura y físicamente no está igual que en los ’70. Por lo tanto, es natural, cabal y consecuente que, cuando no esté dando conciertos de punk salvaje con The Stooges, prefiera relajarse.

Dicho esto, ahora hay que ser realistas con “Après”: es flojo y aburre. Este nuevo acercamiento de Iggy a la música melódica es todavía más pronunciado y explícito que el que dio con “Préliminaires”, pero mientras aquel era más ecléctico, orgánico y entretenido a pesar de su irregularidad, este nuevo trabajo de Iggy es lineal y en muchas ocasiones no aporta nada ni mejora las canciones originales que reinterpreta.

En contra de lo que pudiera parecer en un principio, los temas en francés son los que mejor se adaptan a la grave, profunda y solemne tesitura de Iggy. “Et Si Tu N’existais Pas”, “La Javanaise” y “Les Passantes” son canciones que le quedan bien y que sabe defender con dignidad y estilo.

Sin embargo, cuando intenta compararse con pesos pesados como Édith Piaf o Frank Sinatra le sale el tiro por la culata. “La Vie En Rose” y “Only The Lonely” le vienen grande, muuuy grande; tanto que incluso osa acortarlas.

De sus versiones en inglés destaca “I’m Going Away Smiling” de Yoko Ono, pero la pifia a lo bestia con la preciosa “Everybody’s Talkin’”, que le queda sonrojante y muy alejada de sus posibilidades como vocalista. El resto de temas, entre los que se encuentra “Michelle” de The Beatles, ni fu ni fa…

En resumen considero que “Après” es tan solo una anécdota en la dilatada trayectoria de Iggy Pop, un divertimento que le ha apetecido grabar al americano y ya está. Es un disco flojo, con pocos destellos y monótono. En contadas ocasiones Iggy se pone a la altura de los artistas a los que versiona, dejando claro que bastante ha de pulir si quiere continuar en este estilo tan extremadamente clásico que sinceramente no va con él. Estuvo más acertado en “Préliminaires”, así que tal vez en aquella interesante mezcla de jazz, blues y rock que grabó en 2009 puede hallarse la fórmula más pausada que anda buscando, porque en cantar peor temas de artistas clásicos no le auguro mucho futuro…

The Flaming Lips, a quienes vimos en directo en el pasado SOS 4.8, son una banda extravagante como pocas. Si hace unos meses se les ocurrió hacer una canción de 24 horas (titulada “7 Skies H3”), ahora quieren batir el record Guinness del mayor número de conciertos en ciudades diferentes a lo largo de 24 horas.

La marca a superar la ostenta por el momento el rapero americano Jay-Z, que dio nada menos que 7 conciertos en un día en 2006. Al menos The Flaming Lips no se han ido por las ramas y se lo han puesto ‘asequible’: el objetivo que se han marcado es realizar una actuación más hasta completar un total de 8 conciertos (lo que quiere decir que, de media, han de dar uno cada 3 horas).

La locura ideada por Wayne Coyne, líder de The Flaming Lips, ya tiene ruta: comenzará en Memphis y, siguiendo el curso del río Mississippi, concluirá en su desembocadura, en New Orleans, donde darán el último de esos ocho conciertos que han programado. Para desplazarse la banda viajará en un autobús especial al que han bautizado como “The Magical Mystery Merry Prankster Bus”.

La rayada tendrá lugar el próximo 27 de junio y, por si fuera poco, esta mini-gira será retransmitida en streaming a través de la web de O Music Awards, un portal musical en el que además la banda está nominada en la categoría de ‘Genios Digitales’… (pa’ mear y no echar gota).

En fin, imagino que lo conseguirán y también que los conciertos serán más sencillitos que los shows que normalmente organizan, porque si tienen pensado realizar todos sus numeritos en cada una de las escalas de su viaje (confeti, pelotas gigantes, humo, pantallas…) lo van a tener realmente complicado para mantenerse en pie al llegar a New Orleans xD

¡Noticias frescas, noticias breves! Ayer Aerosmith puso fin a su letargo musical y Steven Tyler a sus tonterías con “Legendary Child”, el primer single de su próximo disco de estudio, que se titulará “Music From Another Dimension” y saldrá a la venta el 28 de agosto. Escuchemos el tema:

Sinceramente me esperaba menos. Si sois seguidores de Aerosmith, por estilo esta canción os recordará a la época ‘comercial-pero-aún-rockera’ de “Get A Grip” y no es para menos, pues “Legendary Child” se trata de la ‘reconstrucción’ de un descarte de aquel álbum, que a mi juicio fue la última publicación decente del grupo (y de eso hace ya 19 años…).

No me gusta demasiado que Steven medio-rapee en las estrofas recordando a la apertura de “Eat The Rich” y que el puente a ese estribillo tan “Sweet Emotion” sea tan convencional y blandito, pero es innegable que el tema, aunque no llegue al nivel de las mejores canciones del grupo, tiene gancho y es potente, sobre todo por su contundente final conducido por la guitarra de Joe Perry.

En fin, que no entusiasma pero tampoco decepciona, que es lo que más me temía a estas alturas. “Legendary Child” no está mal y, en lo más profundo de mi pensamiento, le doy esperanzas al nuevo disco de Aerosmith. Ojalá hagan como Van Halen con su reciente “A Different Kind Of Truth” y se marquen un discazo en su regreso…

… ese lugar que odias por igual cuando te lo pierdes o cuando asistes al evento, pero pese a la agonía es de donde mejor te lo puedes pasar.

Pinche aquí para ver el vídeo

Video visto en finofilipino.com

La calidad de Slash como guitarrista es incuestionable, pero su discreto debut en solitario de hace un par de años y su cierta tendencia a activar el piloto automático no me hacían depositar demasiadas ilusiones en su nuevo álbum…

Sin embargo, cuando a Slash le da por ejercer del buen músico que es, llegan agradables sorpresas como “Apocalyptic Love”. El segundo disco del guitarrista que mejor sabe lucir una chistera es una auténtica locomotora, toda una inyección de rock duro. Una vez más parece que escuchamos aquello de “bienvenidos a la jungla”…

Hay tres motivos por los que “Apocalyptic Love” mejora con creces “Slash”:

1. Myles Kennedy. El anterior disco de Slash era ‘casa de Tócame Roque’; por allí circulaban mil y un cantantes (incluida Fergie de los Black Eyed Peas…) y las diferencias entre unos y otros era notoria. En esta ocasión Slash ha decidido únicamente trabajar con Myles Kennedy, el vocalista de Alter Bridge, y el resultado ha sido óptimo.

2. Coherencia. Como consecuencia directa de los diversos artistas invitados que participaban en el primer disco de Slash, la continuidad del álbum se veía negativamente afectada porque había cambios de estilo, voces que no encajaban… “Apocalyptic Love” está mucho más conjuntado y su hard-rock guitarrero permanece inalterable a lo largo de toda su duración.

3. Inspiración. Slash se mostró bastante insípido en su debut, pero en “Apocalyptic Love” está acertadísimo: grandes solos, riffs pegadizos, canciones potentes… Mucho mejor.

El primer single que se extrajo del disco, “You’re A Lie”, cumple pero no es precisamente de las mejores canciones de “Apocalyptic Love”, en cuyo tracklist encontramos desde trallazos salvajes como la veloz “One Last Thrill” o la contundente “Hard & Fast” hasta temas más lentos como “Not For Me” o la intensa balada “Far And Away”, con un crescendo previsible pero efectivo.

Instrumentalmente, la canción más completa es sin duda “Anastasia”, un temazo en el que Slash da un curso de guitarra express en sus seis minutos de duración. El americano también demuestra su gran estado de forma en “Standing In The Sun”, “Halo” o en el solo de la simpática “We Will Roam”, temas en los que se explaya de lo lindo con su Les Paul.

El único defecto del disco es quizás su excesiva duración, ya que al ser tan contundente y guitarrero llega a saturar un poco al final. Tal vez habiendo sido más selectivo y habiendo extraído los temas más flojos (“No More Heroes” y “Bad Rain” me parecen prescindibles) le habría salido a Slash un disco más concreto y acertado de lo que ya es.

¿Qué es a veces lo mejor de no tener expectativas en algo? Que llegue Slash y te arree un disco tan entretenido y rockero como “Apocalyptic Love”, haciendo arrepentirte de tu poca fe y disipando los pesimistas presagios que tenías en torno a él.

El guitarrista recupera con atino en su segundo trabajo en solitario el espíritu del mítico “Appetite For Destruction”, no de una forma tan salvaje y brillante (ese disco es perfecto e irrepetible) pero sí igual de directa y desenfadada. No se sale en ningún momento de los esquemas y estructuras más tópicos del hard-rock americano, pero eso sí, los ejecuta a la perfección (no en vano él es uno de los máximos exponentes del género en las últimas tres décadas).

En definitiva, con el digno y notable “Apocalyptic Love” Slash se resarce de su mediocre debut y hace que, escuchando sus nuevas canciones, cantadas estupendamente por Myles Kennedy, queramos hacer de nuevo air guitar con sus solos.

Ahora sólo una petición: que alguien le diga a Slash cómo hacer portadas menos horteras, por favor… xD

2012 es el año de Alan Turing, científico y matemático inglés cuyo trabajo fue fundamental para el posterior desarrollo de la informática y la inteligencia artificial. Es por ello que los estrambóticos Hidrogenesse, cuya música tiene un componente electrónico muy importante, le han dedicado su tercer disco de estudio titulado “Un Dígito Binario Dudoso. Recital Para Alan Turing”. De este modo se suman a la celebración del centenario del nacimiento de Alan Turing al mismo tiempo que desarrollan una breve y brillante ‘ópera-pop’ que nos da a conocer a través de ocho canciones la vida de este personaje.

El álbum empieza con “El Beso” con el que Hidrogenesse despierta de la muerte a Alan Turing para anunciarle que el gobierno británico, que en su momento condenó su homosexualidad, pidió perdón públicamente en 2009 por la persecución y mal trato que sufrió el científico en vida.

Carlos y Genís retoman la vida íntima de Turing en dos temas más: en “Christopher”, donde escuchamos a Alan Turing hablar con su mejor amigo de la juventud (y primer amante) en una épica canción que perfectamente podría formar parte de una obra de teatro en Broadway; y en “Enigma”, donde haciendo alusión a la maquina de cifrado alemana cuyo código Turing descifró, aprovechan para contrastar y denunciar que las autoridades de la época anunciaron públicamente la orientación sexual del científico y, por el contrario, ocultaron sus descubrimientos (“los méritos públicos son secretos; los detalles personales son públicos.”).

En el núcleo del disco Hidrogenesse nos frecen las dos mejores canciones: “Love Letters”, con un pegadizo estribillo y un ritmo contagioso a más no poder, y “Captcha Cha-Cha”, el hit incuestionable del disco, un temazo dedicado al sistema ideado por Turing para diferenciar máquinas y personas consistente en la introducción de una secuencia de caracteres distorsionados que, en teoría, solo un humano puede reconocer de forma ordenada y correcta (viendo esta imagen seguro que sabéis de lo que os hablo).

Ya en la recta final del álbum nos encontramos con “Un Dígito Binario Dudoso”, tema básicamente instrumental que da nombre al disco; una nueva versión de “Un Mystique Determinado” (uno de los primeros temas de Hidrogenesse) y, por último, “Historia Del Mundo Contada Por Las Computadoras”, una canción con una letra genial cantada en primera persona por ‘un ordenador’.

Ya lo comentamos en la reseña que hicimos de su gran concierto en el pasado SOS 4.8: por sus pintas y la temática extravagante de muchas de sus canciones Hidrogenesse pueden parecer una broma de mal gusto, pero si os arriesgáis a atravesar esa barrera y prestáis atención sin prejuicios a su música y sus letras os encontraréis un dúo enormemente creativo, diferente, original y lleno de calidad.

En “Un Dígito Binario Dudoso. Recital Para Alan Turing” Hidrogenesse elaboran su disco más conceptual y ‘serio’ hasta la fecha. A lo mejor no tiene tantos ramalazos divertidos como “Animalitos” (en gran parte porque la temática no lo requiere), pero en conjunto es su álbum más coherente y completo porque han encontrado en la vida de Alan Turing un hilo conductor tan interesante como inspirado. Además el álbum goza de un sonido impecable, menos animoso que en directo pero con una producción cuidadísima y llena de detalles.

Y por si fuera poco, Hidrogenesse vuelven a poner de manifiesto que llevan el pop en las venas: sus melodías son perfectas y tan pegadizas que, si escucháis el disco, no tardaréis nada en absoluto en entonar versos como “Des-pier-ta A-lan…”, “¡¡Oooh-oh-oh-oh, Christopher!!”, “Manchester University Computer Love”, “¡Eniiigmaaa!”, “¿Qué quieres de mí después de Waterloo?” o “¡Captcha cha-cha-cha! ¡Captcha cha-cha-cha!… ¡¡Turing Test To Tell Computer And Humans Apart!!”.

Gran disco y gran homenaje a Alan Turing el de Hidrogeensse. Yo sólo espero una cosa más de este álbum: ¡¡El musical!!