ÁTM-Music

PENSAMIENTOS SOBRE LOS BIOPICS MUSICALES

2026-03-14T21:49:00.003+01:00

En la entrada de hoy voy a exponer algunos pensamientos sobre los biopics musicales, esto es, sobre películas biográficas sobre figuras de la música y artistas.

Ha habido biopics sobre artistas desde hace bastante tiempo (se me vienen a la mente el de The Doors -con Val Kilmer haciendo de Jim Morrison- o Dreamgirls, sobre The Supremes), pero, desde que en 2019 Rami Malek encarnara a Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody (Bryan Singer, 2018) y consiguiera ganar el Oscar a Mejor Actor-, éstos parecen haber experimentado un gran crecimiento.

En estos tiempos, donde parece que Hollywood se ha quedado sin ideas originales (remakes, reimaginaciones de personajes, segundas partes de series exitosas….), los biopics suponen una parte considerable del argumento de muchos de los largometrajes estrenados en la actualidad (Marilyn Monroe, Judy Garland, Audrey Hepburn, la reciente serie Love Story…). Casi se podría decir que si una figura artística relevante o que ha dejado huella en la cultura pop no tiene su biopic, se le asignará uno de oficio. Como he dicho, esto se debe a la falta de originalidad reciente (el factor nostálgico también influye) y su elemento dinamizador del estrellato de las carreras actorales (Rami Malek, Austin Butler, Thimothée Chalamet).

Desde que Rami Malek ganara el Oscar, protagonizar un biopic musical puede traducirse en una candidatura casi segura en los premios. Y ello no es posible sin la falta de empeño y campañas para conseguirlo. Si no esclarece el camino para la ronda de premios, al menos, suele poner al actor o actriz en el mapa.

El biopic sobre Elvis (Baz Luhrmann, 2022), con un Austin Butler que cambió su propia voz para interpretar al Rey del Rock o su posado en la Met Gala, junto a Priscilla, Lisa Marie y Riley Keough, tejieron una campaña, acompañada de cierta emotividad y conexiones mágicas (Elvis y Austin Butler perdieron a su madre con la misma edad). Estos destellos hicieron casi indudable su nominación a los Oscar (que ganó Brendan Fraser). Aparte de estos lazos emotivos que suelen utilizarse para provocar emoción y conmover al público en su favor, el imitar fielmente la voz del cantante que se interpreta se ha vuelto un must. Este elemento se une a una gran caracterización y a la imitación de los ademanes de los artistas (estudio de gestos, miradas y andares), clave para que sea considerado buena interpretación.

Sin embargo, desde hace unos años, el género de los biopics -tan sobreexplotado-ha venido añadiendo, cada vez más figuras, a las que retratar (incluso se ha convertido en habitual preguntar por qué actor les gustaría que les encarnara en entrevistas). Desde ese biopic pendiente sobre los Bee Gees (con Bradley Cooper haciendo de Barry y Rami Malek de Robin) o el desechado sobre Carole King, hasta el de Bob Dylan, papel para el que Thimothée Chalamet se preparó durante 5 años y para el que se sirvió de algunos de los profesionales que asesoraron a Austin Butler. Con esto, el objetivo estaba claro. Thimothée ya era uno de los actores jóvenes con más gancho para la Generación Z, pero también para la crítica y, como él ha dicho en este tiempo, esforzándose por dar grandes interpretaciones en cada proyecto (la sombra de Marty Supreme es alargada en estas declaraciones). Sin embargo, A Complete Unknown es un biopic que no conmueve tanto como lo hacen las piezas musicales que interpretan Thimothée y Monica Barbaro y que se mueve en un ámbito argumental reducido.

Después de lograr la nominación, el foco en el próximo biopic musical se puso en Jeremy Allen White, el actor de Shameless y protagonista de The Bear, que se ha ganado un hueco y que ha recogido en los Emmys los frutos de su interpretación en la serie. Su actuación como Bruce Springsteen parecía darle un papel protagonístico en la gran pantalla, que podría expandir su carrera en este sentido (Jeremy ha protagonizado otras películas desde su boom en The Bear, como Iron Claws ). De nuevo, algunos rasgos entre biopics musicales se repiten: Springsteen ha formado parte de la campaña de promoción de la película, centrada en la grabación de Nebraska tras el éxito de The River.

El largometraje comienza con Bruce (Jeremy Allen White) cantando Born To Run, en la que parece que canta Springsteen pero no. Antes de su estreno ya se dijo que Springsteen había visto el montaje final y dudaba de si la voz que escuchaba era la suya o la de Jeremy. Esto añade credibilidad a una performance, que como en todos estos artistas carismáticos, debe rodear todos los gestos y maneras (el andar de Jeremy con la chaqueta de cuero, las muecas al cantar…). Sin embargo, a nivel cinematográfico y argumental, estas películas se quedan más cojas. Los planos suelen ser básicos y monótonos. En el de Bob Dylan y en Deliver Me From Nowhere cuesta tocar los pensamientos de los protagonistas y se repiten algunos clichés (acompañado de pobreza en los personajes femeninos). El carisma de una actuación no se ve recompensado en la película. En A Complete Unknown, se retrata con el carácter errático de Bob Dylan, rasgo asociado a los genios.

Existe un esfuerzo en estas películas por poner el foco en la imitación extrema, hasta la voz. Se ha vuelto un verdadero requisito para los biopics, como si un actor en estos casos no pudiera dar una buena interpretación sin dar su voz. Algo que resulta paradójico con que la razón del biopic esté en el retrato de las figuras más geniales y únicas. Voces fueras de lo común, pero que exigen ser imitadas por el actor.

P.D.: Me gustaría haber escrito más este mes y haber publicado alguna entrada más. He tenido bastante trabajo últimamente y no he podido pasarme por aquí todo lo que hubiera querido. Aprovecho esto para decir que creo que la inspiración viene y va, pero lo importante es que no abandone (y, para mí, creer en que va a regresar siempre).

Muchas gracias a todos!

PORTADAS QUE EVOCAN TEXTURAS (TOP 10/MIS FAVORITAS)

2026-03-14T21:47:00.000+01:00

Objeto del post de hoy son portadas de discos que recrean texturas o que, de forma espontánea, recuerdan materiales, tejidos… Aportar textura es un símbolo de originalidad y de trascender el espacio limitado para la portada de un disco y el cartón que cubre el disco de vinilo.

Voy a exponer aquí mis favoritas:

1- L’Imboscata- Franco Battiato (1996)

La portada de este disco es el resultado de reproducir el centro de la pintura La batalla de las Pirámides de Antoine-Jean Gros (cuadro de 1810). El cuadro, de composición piramidal, muestra a Napoleón arengando sus tropas en Egipto. El pintor francés fue discípulo de Jacques-Louis David e influyó en Géricault, por lo que se pueden apreciar ciertas similitudes en sus obras. La portada del disco de Battiato añade al cuadro una tipografía gruesa, en azul cobalto, que parece ser manuscrita y que no desentona con la pintura. En este álbum se encuentra una de las canciones más bellas de Battiato, La Cura, una declaración de amor sincera y poética. La portada aporta magnanimidad al disco y simbolizaba un cambio de rumbo en el sonido del artista.

2- In Questo Mondo Di Ladri- Antonello Venditti (1988)

La segunda portada es también de un artista italiano, el cantautor Antonello Venditti. Esta portada la descubría hace dos meses, cuando escuchaba Ricordati Di Me, uno de los temas más conocidos del artista romano. La portada recrea los libros de recortables infantiles para jugar con el título del disco (En este mundo de ladrones). La generalización del título se ve reflejada en la portada: el disfraz de ladrón, de preso, aparece como algo que puede ponerse y quitarse. El disco tiene el mismo título que una de las canciones del mismo y se habla de ladrones como personas corrompidas moralmente.

3-Notes On A Conditional Form-THE 1975

Las portadas de The 1975 siempre han estado muy estudiadas y elegidas. Desde el neón blanco y negro del disco homónimo hasta el homenaje a Mondrian de A Brief Inquiry Into Online Relationships, pasando por el rosa neón de I Like It When You Sleep. Para Notes On A Conditional Form (2020), Matty Healy -líder y vocalista de la banda- explicaba para Pitchfork su admiración por la portada de papel de arena de The Return of the Durutti Column y su intento de conseguir esa trascendencia física, que impide el mero cartón impreso. El resultado fue una portada que jugaba con el color beige y el negro, realizando dibujos geométricos, y su combinación con el amarillo fluorescente. Gran parte del artwork de esta era estuvo marcado por el blanco y negro (vídeos de If You’re Too Shy, Let Me Know y de Guys).

4-The Return of the Durutti Column-The Durutti Column (1980)

La icónica portada de papel de arena del disco de The Durutti Column sigue siendo, hoy en día, una de las más creativas y más inspiradoras. Junto a ésta, la portada de Metal Box de Public Image Ltd es también un ejercicio de originalidad, donde el vinilo venía en una caja de metal.

5- Colección de Canciones Sencillas- Lorena Álvarez

Una de las portadas más originales y únicas en este aspecto es la de Colección de Canciones Sencillas de Lorena Álvarez, que siempre tiene portadas muy cuidadas (como la de su disco de 2025, un paño bordado). Esta portada consiste en una carpeta de cartón antigua con gomas y aporta una sensación de casa y de cierta nostalgia. El cuaderno que ofrece en su web como merch y que sigue la estética de la portada me parece todo un acierto.

6- Let It Roll- Midland

La banda de country Midland en 2019 su disco Let It Roll. Con algunas canciones tratando sobre amores fugaces en la noche, la elección de la purpurina rosa encaja con el sonido del disco. Es cierto que podría haberse mejorado con la adición de algún material y no sólo la impresión de una imagen de purpurina.

7- Mecano- Álbum homónimo

Para terminar, una portada bastante singular es la del primer disco de Mecano. La portada se forma por un dibujo de la esfera cuadrada de un reloj realizado por Carlos Martín Llorente.

MISCELÁNEA #0

2026-03-14T21:42:00.001+01:00

Hoy inauguro una nueva sección -que no se si repetiré-. Esta sección incluye mis opiniones sobre libros, películas, música que he ido consumiendo estos meses y sobre los que tengo algo que decir. Disponible aquí y en Substack.

1)Un adiós-Bárbara Arena

Terminé el año con esta corta novela, la primera de Bárbara Arena. Llevo varios años siguiendo su cuenta de Twitter (@BuArena) -tiene los mejores tweets sobre la belleza- (aquí pongo algunos de los que más me gustan) . Lo que más se aprecia de Bárbara Arena en sus redes sociales es su forma de analizar la realidad y en esta novela, se perciben notas reconocibles de ese análisis. Es muy rápida de leer. Ideal para devorar en una tarde.

Bu@BuArena

uno tiene que luchar para mantener su capacidad de percibir belleza

11:55 AM · Sep 7, 2023 · 64,8 MIL Vistas

2 Respuestas · 210 Reenvíos · 882 Me gusta

Bu@BuArena

ayer en una comida me sentaron al lado de un hombre guapísimo y una amiga me sacó estas dos fotos mirándole mientras hablaba

como dijo una sabia (yo), ante la belleza a uno solo le queda el asombro y la derrota

9:38 AM · Jan 28, 2025 · 56,1 MIL Vistas

4 Respuestas · 8 Reenvíos · 715 Me gusta

2)De Profundis-Oscar Wilde

Larga carta que Oscar Wilde escribió desde prisión. Aunque tiene un destinatario concreto, la carta reflexiona sobre la vida, la belleza, el significado de la existencia y el amor. Es difícil escribir una carta con concretos reproches sentimentales y que pueda ser leída después, sin romper el papel. Además, es interesante ver la relación que establece Wilde entre él y el arte, cómo lo antepone a todo y lo prioriza.

3)Magic Farm - Amalia Ulman

Vi esta película en verano. Fue la primera obra de Amalia Ulman que vi y me gustó mucho. Es una película ácida en su estética -de colores chillones- y en su retrato.

Los personajes están tan inmersos en su superficialidad que no son capaces de ver lo que les rodea. Huyen del foco periodístico sin darse cuenta. Para mí, la imagen clave es el plano de la maleta de Chloë Sevigny con el bolso Miu Miu para un viaje en una aldea de Argentina.

Es una película que se hace desde una perspectiva crítica de ciertos canales de Youtube y sus documentales, populares en los 2010s o mediados de esta década.

4)There’s Always More Than I Could Say-Sigrid.

En verano escribí sobre el single Fort Knox en mi blog y escuché el disco cuando se publicó, pero no volví a él. Hace una o dos semanas, volví a escucharlo y tiene muy buenos puntos. Sigrid se sigue moviendo muy bien por el indie-pop alegre -que ha marcado su catálogo con hits- en Do It Again o Hush Baby , pero regala momentos más guitarreros (Have You Ever Heard This Song Before o Eternal Sunshine).

ROMY MARS Y LA ESTÉTICA DEL 2016.

2026-01-25T19:17:00.004+01:00

Sobre la nostalgia compartida por el 2016.

Ha empezado el año y la tendencia de rememorar el 2016 está en pleno auge. Esta nostalgia parece estar muy relacionada con Internet. La tendencia se basa en la nostalgia compartida por los filtros de Snapchat y las tendencias de moda tan presentes en Instagram en ese año.

Todo esto hace que nos preguntemos el porqué de este auge de recordar fotográficamente el 2016. Mi opinión es que fue un año en el que gran parte de la Generación Z estuvo más presente de forma online u observó el mundo desde Internet por primera vez. Adolescentes de 15 años (en mi caso) accediendo casi por primera vez a la cultura pop y de Internet (Snapchat, esplendor de la app de WeHeartIt, de Coachella y de tendencias muy marcadas). Esto se unió a una generación joven de celebrities y artistas que se sumaban a estas tendencias y que publicaban o compartían mucho por redes sociales. Todos recordamos el collar chocker en las cantantes y en las tiendas, pero también fue una época marcada por el marquismo (Obey, Vans, Supreme…).

En esta nostalgia por el 2016, que, en algunos casos, lleva a su mitificación, Romy Mars representa la continuación de la estética de 2016. Romy Mars es la hija de Sofia Coppola y de Thomas Mars (líder de la banda Phoenix). Con 19 años y una carrera musical en ciernes, Romy Mars parece seguir esa estética añorada del 2016, pero con toques actuales. Con una habitación o sala de juegos decorada con artículos de Supreme, Romy Mars continúa ese marquismo del 2016, con un gusto por el streetwear (chándal, gorras de ala ancha y redecilla), que compagina con artículos de lujo y de alta costura. En el videoclip de A-Lister -su canción más exitosa hasta la fecha y muy pegadiza-, Romy lleva un vestido de novia corto con las zapatillas Adidas Stan Smith, otro elemento que recuerda al 2016. Si uno mira el Instagram de Romy Mars, parece que casi viva en verano. Su universo estético (con muñecos Labubus, Sylvanians, vapers rosas, bikinis, sudaderas) hace que se combinen elementos eminentemente actuales (Labubus, Sylvanians), con otros más propios de 2016, como el mencionado marquismo, con letreros de Supreme o un monopatín rosa de Celine. En otras ocasiones, Romy comparte conjunto de cosas que podrían aparecer en WeHeartIt perfectamente (como la publicación que aparece justo debajo).

@romymars

romy🩵🩵☠️🧞‍♀️🦋🫧🎱👜🍦 on Instagram: "🍡🫧🏴‍☠️🪺☔️"

No es raro ver que Romy comparte las publicaciones de Kylie Jenner en sus historias y es que, estéticamente, existen elementos comunes, al igual que ocurre con Addison Rae.

@romymars

romy🩵🩵☠️🧞‍♀️🦋🫧🎱👜🍦 on Instagram: "chilling w my friends …

El universo estético de Romy Mars se completa con toques de estética girly. Lo rosa, lo pastel, las flores también tienen su protagonismo.

@romymars

romy🩵🩵☠️🧞‍♀️🦋🫧🎱👜🍦 on Instagram: "Sorry this one I like …

DISCOS Y MOMENTOS DEL AÑO.

2026-01-25T19:14:00.000+01:00

Otra entrada que publiqué antes en Substack que en el blog.

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Discos que me han acompañado este 2025.

Para terminar el año, he decidido escribir sobre los discos que más he escuchado este año, aquellos que salieron y a los que he ido regresando a lo largo de todo 2025.

No sé hacer muchas listas de música. Me cuesta ordenar y seguramente no haya escuchado muchos de los proyectos importantes del año. Los discos que comento en esta entrada son mis favoritos o con los que más he conectado por alguna razón. Este es mi regalo navideño para todos los que me leéis. Muchas gracias y espero poder seguir escribiendo mucho en 2026.

El primero de los lanzamientos que voy a comentar es el de Oklou, con Choke Enough. El primer tema que llamó mi atención fue Take Me By The Hand, con Bladee. Me parece una canción de enamoramiento, que va a la esencia, sencilla y sin artificios. Con el disco he conectado más a finales de verano y en noviembre. Se ha vuelto un confort album, que puedo escuchar siempre y siempre me agrada. Es un viaje casi onírico (en el buen sentido, muy dreamy). Escribí sobre este disco en septiembre, sobre su alineación visual con los colores fríos.

En enero se publicó el single de Tamino y Mitski, Sanctuary, sobre el que escribí en verano. Es, como dije en mi post sobre Perfume Genius, uno de mis momentos pop favoritos del año. Pasando a Perfume Genius, he conectado este año más con su música como nunca antes. Si ya tenía gemas en su catálogo (Slip Away, On the floor), el disco de este año, Glory, ha añadido It’s A Mirror, No Front Teeth o In a Row. Perfume Genius ha regalado algunos de los mejores sencillos del año.

Cercana la primavera, caí en el universo de Guitarricadelafuente. Sobre este proyecto escribí en mayo en No-Cosign y sigo manteniendo que es un disco cohesivo y con un lenguaje propio que mezcla imágenes sobre lo nuevo y lo antiguo. También he descubierto a Wolf Alice este año, con el himno de fuerza Bloom Baby Bloom. Algún día puede que escriba sobre su disco The Clearing.

En mayo llegó Fancy That de PinkPantheress. Aunque, al principio, solamente conecté con Stateside, el lanzamiento de la mixtape me hizo disfrutar de casi todos los temas. Romeo, Stars son auténticos hits y se encuadran en el mundo y2k sónico y estético que Pink ha sabido tan bien dibujar. En septiembre me compré el CD con el zine y el resultado es una de esas revistas dosmileras de las que había cuando era pequeña, donde salían las estrellas Disney con esta estética, frases catchy y mezcla de dibujos y corazones de purpurina con fotos reales. Me recuerda a un álbum de cromos que tenía de Hello Kitty donde la gatita posaba y siempre había dibujos de destellos. El zine es una pieza de colección auténtica.

Fotografía del zine de PinkPantheress tomada por mí

Otro de mis momentos musicales de este año ha sido Addison Rae, el nuevo icono pop que se necesitaba. Aunque sus singles Diet Pepsi y Aquamarine fueron lanzados en 2024, la sucesión de singles en 2025 ha sido completamente memorable -una de las mejores-. El lanzamiento del disco me hizo darle su lugar a Aquamarine y a High Fashion y, pese a que no hubiera estado mal tener alguna canción inédita más, Addison es un buen proyecto. In the rain y Times like these encajan en él. Otro ejemplo pop que me ha gustado -y que también está relacionado con Addison Rae- es 12 to 12 de Sombr, el tema más cool dentro de su álbum y del pop mainstream masculino de este año.

Todo el año he disfrutado de la música de Teo Planell. En enero lanzaba Allá donde quiera que estés, que no está incluido en su disco Demian, pero a la que creo que volveré. Los singles del disco, Me Vas A Matar y Radio han estado también muy en bucle. Son temas pop adictivos.

Durante el verano, debo destacar Yamaha de Dijon -dentro de Baby-, canción ideal para bailar en la cocina, y también el disco de remixes dance de Teo Lucadamo. Chapoteos de piscina y ese EP crean una combinación perfecta. Mi favorita es Con Este Swing, Con Este Electro.

Para terminar, en este otoño volví a proyectos queridos de años anteriores y a Oklou. Aun así, conecté con Rose Gray, una propuesta despreocupada, dance con la que ha creado su marca. Pese a no ser un disco, Chains Of Love de Charli XCX ha sido uno de mis temas más en bucle de noviembre-diciembre. Esta balada recoge lo que es capaz de hacer Charli en nuevos registros y deja con ganas del álbum de banda sonora , que estará disponible el 14 de febrero.

Como dije al inicio, son los proyectos que más me han marcado. He ido escuchando muchos más, pero éstos son los que creo que recordaré más de este año. Quería desearos un feliz y próspero 2026 a todos los que me leéis. Gracias por el apoyo recibido este año!!

ZARA LARSSON- UP CLOSE (REVIEW DEL DOCUMENTAL).

2026-01-25T19:10:00.001+01:00

El pasado mes de noviembre se lanzó en Prime Video el documental sobre la artista sueca Zara Larsson.

Estos documentales suelen enfocarse en la trayectoria del artista, presentando un arco narrativo bastante similar al de los biopics musicales: origen o inicios del artista (acentuando las dificultades), estrellato y legado. Excepciones a este arco se encuentran en el documental de Céline Dion y en el de los Bee Gees (How Can You Mend A Broken Heart), que se centran en otros aspectos del artista: la enfermedad y la personalidad de Céline -como explicaba de forma brillante Juan Sanguino en Twitter- y el rechazo en los ochenta a los Bee Gees y el reto que supuso para su carrera. El documental Zara Larsson-Up Close podría ser también una excepción a ese habitual arco narrativo, ya que se centra en la ambición de Zara Larsson (desde que era niña) y en querer el éxito, temas que aborda en su nuevo álbum, especialmente en la destacable Saturn’s Return.

Normalmente, los documentales de artistas no tan consagrados vienen de la mano de la promoción de algún elemento de su obra. En este caso, el documental sirve para postular Midnight Sun, el último disco de la cantante, como ese proyecto con el que ha logrado conseguir dibujar su identidad artística.

La ambición se muestra como hilo conductor del documental que nos lleva a los orígenes del estrellato de Zara Larsson (su participación en distintos talent shows durante su infancia) hasta el dar por sentado el éxito -punto de inflexión en la carrera de Zara Larsson- y su afán de seguir persistiendo en su sueño, hacer un nuevo disco hasta que sea un éxito.

En cuanto a sus orígenes, el documental trata su victoria en Got Talent en 2008 (con 11 años), su famosa interpretación de My Heart Will Go On y cómo Zara creía que se le abrirían muchas puertas después de eso. Los objetivos de Zara niña y Zara adulta siguen siendo los mismos: triunfar en los Estados Unidos, ganar un Grammy… Sin embargo, Zara Larsson se ha enfrentado a obstáculos en ese camino.

En la adolescencia, Zara consigue un contrato discográfico con el que publica Uncover, su primer tema y un éxito rotundo. Luego llegarían los hits Lush Life (que ha regresado en estas últimas semanas al top 100 de Spotify) y Never Forget You, con el artista, compositor y productor británico MNEK. Estos dos temas triunfaron en Europa y en Estados Unidos, pudiendo actuar en los famosos talk shows americanos y en las galas de premios de Nickelodeon o de la MTV. A su vez, las dos pistas hicieron que tuviera una base de fans y que canción que sacaba entrara directa al top 40 de Reino Unido (I Would Like debutó en el número 2 en Reino Unido y la colaboración con Tinie Tempah llegó también al top 5). Todo parecía andar encaminado y en 2017 lanza su disco debut, So Good, propulsado por el éxito veraniego de la canción para la Eurocopa de 2016. Un disco con algunos temas más R&B y que buscaba afianzarse en el mercado americano, como muestra la colaboración con Ty Dolla Sign.

El siguiente paso en la carrera de Zara Larsson fue Poster Girl (2021), disco influido por el el pop-disco de Dua Lipa y que no incluía singles anteriores (aquí debo hacer mención al infravalorado All The Time). Esta era es definida por Zara Larsson como una época de presión y de no saber cuál es su sonido ni su propuesta artística. Todo lo segura que se encuentra en el plano social, con sus convicciones políticas -incluso con las repercusiones negativas que han traído para su carrera-, contrasta con la poca certeza en su dirección artística.

Pese a que el documental está grabado en 2024, cuando Zara Larsson estaba de gira con su disco Venus (2024), no se hace mención alguna a este disco o a su concepto en el documental. La única referencia es a que Kelly Clarkson versionó uno de los singles del disco (You Love Who You Love). El documental sólo se centra en Midnight Sun, seguramente, porque es el disco donde Zara Larsson ha encontrado su voz, lo que quiere decir y cómo decirlo. Midnight Sun es un disco bailable y, como ella dice, un disco despreocupado, pero que puede abordar temas serios sin tener que abandonar lo divertido. Sin embargo, llama la atención la nula referencia en el documental al éxito viral del vídeo de los delfines con Symphony1 (colaboración entre Clean Bandit y Zara Larsson lanzada originalmente en 2017) y, por ende, al universo estético de Midnight Sun.

En el verano de 2024 se hizo viral un vídeo con dos delfines saltando, mientras sonaba Symphony de fondo. Los delfines saltan felices, eufóricos, rodeados de un universo de chapoteos, arcoíris y días soleados. El éxito en redes sociales hizo que Zara Larsson incorporara el meme a sus shows y gran parte del vídeo del tema Midnight Sun lleva a la realidad el universo del meme, lo que se une con la estética Y2K, la flor de hibisco, los tonos amarillos y rosados, el maquillaje propio de una Winx…

La inclusión en su concierto del meme de los delfines muestra un elemento que vemos en el documental: Zara Larsson está muy pendiente de lo que se dice de ella en redes, algo que otras estrellas negarían siempre. Zara aparece revisando sus hashtags en Instagram, revisando todos los días sus oyentes mensuales (se actualiza a las cuatro en punto reconoce) y siempre aparece haciendo scroll en su móvil. Las tomas de Zara Larsson en su vida diaria son siempre con su móvil en la mano, ya sea para hacer videollamadas con sus seres queridos o buceando en internet.

Lo más destacable del documental es esa búsqueda del éxito y lo incansable que es en su lucha. Pese a ese empeño y esfuerzo del artista por conseguir un disco propio, la cantante reconoce que no le gusta mucho ensayar o las pruebas de sonido. Esto da pie a comentar la magia de Zara Larsson sobre el escenario, que domina, con coreografías perfectamente ejecutadas y con un talento vocal prodigioso. Zara Larsson es capaz de cantar a cappella y de servir vocals incesantemente.

Otro aspecto en el que se debería haber ahondado un poco más es en su dúo con MNEK para Midnight Sun. Zara quería que MNEK fuera productor ejecutivo del disco y, sin duda, parece un elemento clave en el resultado de los proyectos.

El documental no aporta mucho en su edición. Apenas hay entrevistas -como suele ser propio- a los miembros cercanos y se utiliza la tipografía e imágenes de las ciudades lo más sobrias posibles. El reportaje no exprime lo carismática y divertida que Zara Larsson ha demostrado ser en sus redes sociales todos estos años y muestra una imagen un tanto dulcificada de la compañía discográfica.

A excepción de un globo de delfín hinchable que aparece sobre el césped del backstage de uno de los festivales en los que Zara Larsson actúo.

THE MAVERICKS.

2026-01-25T19:06:00.004+01:00

Escribí esta entrada a principios de diciembre de 2025 y la publiqué en Substack (perdón por el retraso en ponerla por aquí). Llevaba varios años queriendo escribir sobre The Mavericks. Éste es mi pequeño homenaje a Raúl Malo.
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THE MAVERICKS, EL COUNTRY DE LOS 90 Y SU ÁLBUM En Español.
The Mavericks son un grupo de country formado en 1989 en Miami. Después de un primer trabajo lanzado de forma independiente, en 1994 lanzaron su álbum debut, What A Crying Shame, al que le seguiría Music For All Occasions en 1995. Ambos conjuntos recogen un sonido propio y capturan el esplendor que experimentó el género en la década de los 90.
Debo decir que estos dos trabajos me han acompañado toda mi infancia y casi toda mi vida, dado el gusto de mi padre por el country.
Pese a poder ser un grupo conocido dentro del género, su trabajo me parece digno de un mayor reconocimiento.

What A Crying Shame, al igual que Music For All Occasions, tratan principalmente el amor y la ruptura. En general, se abordan desde una perspectiva cercana al sentimiento, con pesar y desazón, aunque existe lugar para momentos más animados, como en There Goes My Heart o la Honky-Tonk The Things You Said To Me.

Las letras se presentan con honestidad, a veces, como pensamientos (en la title-track What A Crying Shame) y en otras, llenas de dramatismo. Esto ocurre en la estelar Here Comes The Rain, por la que ganaron el Grammy a Mejor Interpretación Country en grupo en 1996. El estribillo es una expresión bastante intensa de la sensación de ruptura, momento de gran oscuridad y resulta bastante poética.

Here comes the rain
Falling down on me
I’m showered in pain
Nothing remains
Of what used to be
Here comes the night
Dark as my soul
There’s no end in sight
No shining light
No love to hold
Here comes the rain

Los dos álbumes despliegan toda la instrumental del country tradicional, que hacía tan rico al country de los 90, y se rodean de los elementos temáticos del género (el honky tonk bar, las luces de neón, las referencias a la town…)

La cuarta pista de What A Crying Shame, I Should Have Been True, es una gran balada, que podría ser adaptada al pop perfectamente. Esta balada me recuerda a la versión country que hizo Sturgill Simpson de la canción ochentera The Promise de la banda británica When In Rome. Estos vínculos entre el country y el pop son habituales para The Mavericks que, en los dos álbumes citados, incluyen covers de canciones más pop, llevándolas a su terreno. En Music For All Occasions versionaron Somethin’ Stupid de Frank & Nancy Sinatra y, en What a Crying Shame, All That Heaven Will Allow de Springsteen.

Uno de los rasgos por los que la música de The Mavericks destaca es, aparte de su calidad compositiva y sonido propio, la voz de su líder, Raúl Malo. Su voz es aterciopelada y viste las canciones. Además, tiene rango y potencia como para abarcar distintos estilos. En este sentido, el vocalista tiene raíces cubanas, algo que se ha reflejado a lo largo de su obra. En 2013 incluyeron, por primera vez, una canción en español y la necesidad de un proyecto enteramente en español quedaba pendiente.

En 2020 el grupo lanzó su primer trabajo enteramente en castellano, denominado En Español. Este trabajo incluye versiones de grandes canciones de la música latina y alguna propia -la metafórica Suspiro Azul-. La voz de Raúl Malo se luce por completo en este proyecto y constituye un elemento sin el que quedaría vacío. Una voz a la altura del objeto del disco. El álbum abre con La Sitiera (canción original de Rafael López González) para después versionar el gran tema de Julio Solís, Sombras Nada Más, o a Andrea Bocelli (Cuando Me Enamoro) y Julio Iglesias (Me Olvidé de Vivir). La selección de temas no sólo embellece el conjunto, sino que además las aportaciones, a nivel instrumental, homenajean la música latina sin perder la propia personalidad y sonido del grupo.

LLEGANDO TARDE A ROSE GRAY

2025-11-19T20:51:00.002+01:00

Rose Gray es una artista británica que publicó su primer álbum en enero de este año, Louder, Please. El disco llegaba después de 2 EPs anteriores, ligados también a la música dance.

Louder, Please recibió elogios por parte de la crítica y la ha puesto en el mapa como estrella/diva pop. El álbum es un conjunto pop, con muchos toques de EDM, un disco ligero y también muy británico, lo que se debe en parte a que Rose trabajara, antes de iniciar su carrera como solista, en el conocido club Fabric de Londres. Referencias concretas (Hackney Wick) y sonidos de la noche londinense lo convierten en un disco con un escenario concreto, el club y las noches de fiesta fugaces.

La portada está basada en la superposición, que parece estar tan de moda en 2025. Haim, Oklou, Perfume Genius han conseguido portadas muy dignas y reconocibles siguiendo esta técnica.

La edición estándar del disco tenía temática playera y, por ende veraniega, (pese a lanzarse a mediados de enero) y tenía ese toque de playa realista del fotógrafo Martin Parr. En contraposición, la Edición Deluxe sigue la estela, pero en edición invierno. En la portada, aparece Rose Gray escuchando música en su walkman retro y gritando (louder, please!), mientras, en un plano más alejado, aparece una pareja besándose. Ciertamente, es un disco sobre el deseo, por lo que se entiende el protagonismo de las parejas. Las portadas consiguen su propósito, son evocadoras y proporcionan un marco a cada edición.

El disco sirve un buen puñado de hits bailables. Free, Just Two (donde recuerda a Kylie Minogue), Tectonic son algunos de los mejores momentos del disco. Es un proyecto hecho para el disfrute en la pista de baile, con ligereza y diversión. La versión deluxe añade unos cuantos remixes de club, pero también temas inéditos (April y la destacable Lotus) y colaboraciones (con Melanie C, Shygirl y Jade). Respecto a la colaboración con Jade, es cierto que existen muchas similitudes y puntos de unión en ambas artistas: los sonidos (en Free, por ejemplo), la temática, ciertos vocals…Pero la adición de la ex-integrante de Little Mix no aporta mucho a Angel Of Satisfaction. Este tema constituye un momento destacado en el disco, pero el verso de Jade no suma mucho (solamente el juego con la referencia al single debut, Angel Of My Dreams). Este tema podría haber sido firmado por Jade, ya que va desde los violines al dance.

Por otro lado, Don’t Speak French es otra de las pistas que más convencen. Es sensual y es un buen hit pop.

Louder, Please encuentra en su sonido entre pistas de baile y encuentros breves que hacen que sea un disco con numerosos hits.

ARTHUR RUSSELL Y SU INFLUENCIA

2025-11-09T19:41:00.001+01:00

Artistas como Christine and The Queens, Kanye West -que sampleó el tema Answers Me en 30 Hours de The Life Of Pablo-, Ralphie Choo, Sufjan Stevens, Dev Hynes o Rosalía (que también sampleó la misma pista que Kanye en Maldición) han compartido la música de Arthur Russell. Sin embargo, pese a ser bastante influyente, su obra permanece todavía algo oculta y desperdigada.

Arthur Russell nació en Oskaloosa, una pequeña ciudad de Iowa. Desde pequeño, comenzó a estudiar música, especializándose en el chelo y el piano. A los 18 años, se muda a San Francisco y estudia música india -donde entra en contacto con la filosofía budista que impregnará su obra- y, a los 22, se traslada a Nueva York, ciudad con la que frecuentemente se le asocia.

Existe algo de misterio a la hora de acercarse a Arthur Russell. Ese misterio ha sido acentuado por el difícil acceso a su completo catálogo. En parte, esto se debe a que Arthur Russell publicó música bajo distintos pseudónimos y creó varias bandas (Loose Joints, Dinosaur L, Indian Ocean, Felix, The Necessaries...). Esto hace que la carrera de Arthur Russell esté llena de dinamismo y carácter errático, del paso de un proyecto a otro. Por otro lado, su temprana muerte en 1992, a causa del sida, también ha influido en la difusión de su catálogo. A fecha de su muerte, se habían publicado, como álbumes de estudio bajo su nombre, únicamente, Tower Of Meaning (1983) y World Of Echo (1986). Su muerte provocó el lanzamiento, a modo póstumo, del material que está hoy en día en las plataformas de streaming y en formato físico. También trajo un redescubrimiento y reivindicación de su obra, con la crítica musical difundiendo su música. Pero su muerte también ha provocado que el acercamiento y conocimiento de su persona se haga desde la distancia por el oyente.

A mediados de los años setenta, poco después de su llegada a Nueva York, Russell entra en contacto con The Kitchen, siendo su director musical en los años 1974 y 1975 y actuando allí. The Kitchen es un local, creado en 1971, de apoyo a artistas emergentes y un espacio de cultura. Durante su etapa de director, Russell combinó performances de artistas minimalistas y electrónicos con bandas punk. Esto es muestra de su concepción de la música, de la heterogeneidad con la que se acercaba y la que también prima en su obra. Frecuentemente, se le relaciona con su faceta electrónica, pero en su obra también se encuentran sonidos folk.

Siguiendo más o menos un orden cronológico, Russell formó parte de la banda The Flying Hearts desde 1975 hasta 1979, de la que únicamente tenemos Ballad of The Lights, con toques country, disponible en plataformas. Durante ese tiempo, también se grabó Instrumentals, proyecto que pretendía recoger una actuación de música en directo durante 48 horas, pero que solamente fue tocada a trozos. Esta pieza está dividida en dos volúmenes y su primera parte alcanza una duración de 25 minutos aproximadamente. Pese a su extensión, la grabación se hace muy placentera y crea paisajes sonoros.

También a mediados de los setenta, Arthur Russell entra en contacto con los Talking Heads. De esta unión creativa nace la versión acústica de Psycho Killer, que fue compartida junto a la reedición del disco debut del grupo en 2024.

En esos mismos años, Arthur Russell empieza a tontear con la música disco, lo que se traduce en casi una etapa en su obra. Sus canciones disco en la escena neoyorquina le generan éxito en los clubes y sorprende que no trascendieran más allá. Aquí publica los temas bajo los pseudónimos antes mencionados (Dinosaur L., Loose Joints) y, aunque domina el disco, se pueden apreciar los elementos de vanguardismo, como la adición del violonchelo en la bailable Kiss Me Again. Lo mismo ocurre con Loose Joints, pero con elementos funk.

En este punto es necesario destacar que en los tiempos complicados -marcados por el rechazo y la estigmatización- para las personas LGTBIQ+ durante los años 70 y 80, Arthur Russell, a través de su música, relató sus experiencias. Esto se subraya aún más en sus canciones disco, en cómo entendía que debía ser su producción y en la inclusión de letras explícitas (Go Bang). Todo esto ha hecho que, mirando atrás, Arthur Russell aparezca como figura importante del Queer disco.

Durante la década de los 80, Arthur Russell continuó haciendo música,-como el disco Event Horizon de The Necessaries (1982), con gran protagonismo de las guitarras y con más aire de banda-, piezas que quedarían inacabadas e inéditas y que han sido objeto de publicación tras su muerte. Esto describe a Arthur Russell como un artista prolífico, siempre interesado por saber más y hacer más, una inquietud que le llevó a ahondar distintos géneros durante su carrera. Es por ello que podría decirse que existe un The Vault en su obra, como ya existe para Prince, con cientos de canciones inéditas, que van viendo , muy poco a poco, la luz. La diferencia radica en que este término se suele usar para canciones que se escribieron pensadas para un determinado disco y que el artista finalmente no incluyó. En el caso de Arthur Russell, hablamos de proyectos enteros que no salieron en vida del compositor. Antes de entrar en esos trabajos, Arthur Russell publicó Tower Of Meaning (1983) y World Of Echo en 1986.

El primer conjunto se compone de 7 partes y fue creado para la representación teatral de la obra trágica Medea de Eurípides a principios de los años 80. El carácter teatral y dramático de las piezas las llena de epicidad y solemnidad.

Con un fuerte carácter inmersivo y distorsionado, World Of Echo se mueve en lo profundo, como evoca su portada, y quizás por ello haya conectado con artistas en el siglo XXI. Si se escucha Being It, es fácil ver la influencia de Russell en artistas como Mk.gee.

Tras su muerte, la difusión de su obra ha tenido lugar, mayoritariamente, a cargo de Audika Records, compañía creada para compartir la música y legado de Arthur Russell, que ha publicado varias reediciones de material del artista en los últimos años, que se comportan como álbumes y conjuntos coherentes en sí mismos del artista (Calling Out Of Context, Love Is Overtaking Me, Iowa Dream, Picture of Bunny Rabbit, entre otros).

Uno de esos proyectos recopilados fue el electrónico Calling Out Of Context (2004), que contiene uno de los temas estrella de Arthur Russell, That’s us/Wild Combination, que sume al oyente casi en trance. En cuanto a la letra, es una declaración de amor, que se rodea de elementos aparentemente sencillos (la noche, la luz, la mañana…), pero que se dirige hacia lo importante("it's a walk in the morning"//"with this our love to see by its own light") y de la que se desprende una sensación de permanencia en el tiempo de ese amor.

En 2008 se publica Love Is Overtaking Me (gracias Javi Nuño por recomendármelo), un disco de carretera, que vive en la mañana o en el atardecer, con un sonido folk y cercano a Bob Dylan que pilla de sorpresa cuando se conoce la trayectoria por sonidos electrónicos de las primeras etapas de su carrera. Frente al caos, existe una pureza en querer estar con el otro que se dibuja en este disco.

Aparte de su obra, Arthur Russell también creó precedente a la hora de grabar su música, hecho que conecta directamente con el efecto que produce. Peter Zummo, colaborador de Arthur Russell, contó que, en la grabación de World Of Echo, Russell hacía tomas de largas horas de duración de la misma canción para luego unirlas en una sola capa. Todo esto da lugar a la distorsión que se escucha en mucha de su música, como el efecto deformado del violonchelo para que suene como una guitarra eléctrica.

La inmersión en distintos géneros, la adición a todos ellos de personalidad musical propia y su forma de producir hacen de Arthur Russell un artista que debe descubrirse y al que regresar, un artista avanzado para su tiempo -musical, social y políticamente- y siempre a la vanguardia, que ha sido y es influencia para muchos de los artistas actuales.

MIGUEL-CAOS.

2025-11-02T18:56:00.000+01:00

El cantante de R&B californiano Miguel lanzó el pasado viernes su nuevo álbum, CAOS, después de 8 años de silencio y de bastantes cambios respecto al concepto de lo que sería su siguiente proyecto.

Sobre la discografía de Miguel y esta nueva era, que parecía que nunca iba a llegar a materializarse, he escrito varias veces en mi blog.

El disco consta de 12 canciones e incluye Always Time, la balada lanzada el año pasado, que parecía tratar sobre su divorcio y que ya inició la estética en rojo, color de esta era. El proyecto deja de lado otros singles compartidos, como Give It To Me o la colaboración con Lil Yatchty, Number 9.

El disco de Miguel tiene un patente giro hacia sus raíces, que se muestra en el título, escrito en español (CAOS) y contiene varios temas con letras en español. Esto no es nuevo para Miguel, que ya incluyó referencias y letras en español, dadas sus raíces mexicanas, en anteriores trabajos (Caramelo duro, Destinado a Morir). Este elemento no se trata sólo de un elemento de conexión con dichas raíces, sino que añade un factor político y social al proyecto. En el segundo mandato de Trump y con la ICE deteniendo a latinos sinrazón, Miguel se posiciona y lanza El Pleito, uno de los temas incluidos en CAOS. Debe decirse aquí, que estos 8 años parecen haber empeorado la dicción del cantante, que era más limpia en Wildheart. El Pleito tiene un carácter existencial, social (hay también un guiño a la situación de Gaza) y familiar. Sin embargo, la canción no acaba de cuajar, la letra parecen notas en un cuaderno y las rimas con la misma palabra la deslucen (“como mi sombra/boxeo de sombra”), aunque queda algo mejor en la línea final (“no crucé la frontera/la frontera nos cruzó”).

La primera pista, de título homónimo al del disco, repite una estrofa en español con aire de mantra, que se acentúa por la percusión (“La vida es fría, el frío es dolor, el dolor, crecimiento/Y cada semilla que crece, ve llover como siempre/Vendrá la lluvia, y el sol atraviesa las nubes /Cuando termina, viene la lluvia, el sol atraviesa las nubes/ Y el sol atraviesa las nubes”). La pista gira en torno a sobreponerse o seguir viviendo en las dificultades, que Miguel prefiere a vivir en lugar de una vida insulsa, “sin color”. Pese a ese carácter existencial, en el estribillo parece rendirse a las pasiones terrenales, como lo hace también en The Killing o en Triggered, donde parece hacer una referencia a su tema Banana Clip, de su álbum de 2017, War & Leisure.

CAOS es un disco oscuro, con una producción que añade crudeza y que gravita entre los toques rock (The Killing, Nearsight, Perderme…) y la producción salida de Kaleidoscope Dream de New Martyrs. Temáticamente, predomina el carácter existencial, fruto de la reflexión de Miguel sobre cómo seguir su carrera artística estos años y sus cambios personales. El disco recupera algunos conceptos que se podían relacionar con el proyecto fallido de Viscera: el dolor, la ira, que se repiten en el álbum.

Entre los mejores momentos del conjunto, se encuentran New Martyrs (un tema clásico de Miguel en todos los aspectos), Nearsight, RIP, que continúa el existencialismo, pero con una producción que aprovecha la musicalidad de “when the weight bears down” y que concluye con las dudas (“This could be heaven or hell/ I’m tryna figure it out/But it hurts to be human”). La percusión la convierte en hit y se entiende que la haya cantado en el show de Jimmy Kimmel.

El escapismo también es recurrente en el conjunto, como en la pista final, donde existen algunas similitudes melódicas y temáticas con su célebre tema Coffee, aunque no logra igualarlo.

CAOS puede llegar a hacerse algo monótono y tiene algunas letras menos logradas, sobre todo, en la dimensión social.

Miguel es una de las figuras más interesantes del R&B -excluyendo a Frank Ocean o The Weeknd, que han trascendido su consideración a mucho más allá del género-. Sus vocals, sus matices temáticos y su mezcla de sonidos le han procurado una identidad propia, pese a que en CAOS no alcancen su máximo esplendor.

Miguel visitará España el 4 de mayo (Sala La Riviera, Madrid) y el 5 de mayo (Razzmatazz, Barcelona).

UN REPASO A PARCELS

2025-10-26T10:30:00.003+01:00

Descubrí a la banda australiana Parcels en 2019 y desde entonces he venido siguiendo bastante todos sus lanzamientos.

Parcels es una banda australiana afincada en Berlín -lo que les ayudó a encontrar su sonido-, que emergió en 2017, gracias a su tema Overnight, coproducido por Daft Punk. Daft Punk acudió a un concierto del grupo en París y el dúo francés les invitó a trabajar juntos en el estudio. El resultado fue ese Overnight, donde queda bastante patente el sello de los franceses, pero también se mezclan caracteres que permanecerían en la música de Parcels, como el aire setentero, el groove funk y las letras a menudo concisas. Las escasas colaboraciones del dúo crearon expectación por el tema, que dio fama a la banda y les consiguió entrar en el mercado musical francés.
En 2017 sacaron su segundo EP, con temas como Older, Myenemy o Hideout para ya en 2018 volver con su primer álbum de estudio, de título homónimo. En esta ocasión, la portada era más sesentera. Sin embargo, el álbum gravita entre las influencias setenteras calmadas (Tieduprightnow) hasta los 80s, como en Withorwithout. El álbum funciona bastante como conjunto, siendo ligero pese a reinar una sensación de desazón en las letras y contiene muchos temas adictivos.
En línea con esa portada sesentera, la promo del disco vino de la mano de una performance en Colors, donde todos los componentes aparecen casi uniformados y donde el vocalista principal, Jules Crommelin, parece George Harrison (ya le podían haber fichado para el Biopic futuro de los Beatles). Porque, si hay algo que define a Parcels, fuera de su propio sonido, es la estética cuidada y sus actuaciones en directo.
Esta refinación estética se debe en parte a la dirección de Carmen Crommelin, que ha trabajado en muchos de los proyectos de la banda y logra una imagen pulcra y exacta de lo que pretenden conseguir.
La segunda característica que mencionaba antes son sus actuaciones en directo. Parcels ha hecho de sus conciertos no sólo un espacio de contacto con el público, sino un espacio donde lucir su repertorio. La banda conoce bien sus temas y sabe elevarlos en directo. Es por ello que el grupo australiano ha sacado dos álbumes en directo. El primero fue publicado en la pandemia, grabado en los estudios Hansa de Berlín y también cuenta con una dirección artística impoluta. En directo, los temas de Parcels pasan a ser muy dinámicos y el grupo explota su disfrute. Si el primer álbum ya hacía muy entretenidos los arreglos de los temas de los EPs y del primer disco, el segundo disco en vivo incorporó arreglos en directo que conducían los temas al dance, al club y al house. Este disco no fue grabado en Berlín, sino en el teatro/club Le Palace de París. Parcels sabe llevar a su público casi a la euforia en sus conciertos y muestra de ello es la pista Ascend, donde incorporan el "Let's go Paris!", que en su día sirvió para animar al público, pero que hoy se añade a la mezcla y se integra en ella perfectamente.
Volviendo a los álbumes de estudio, el segundo disco se tituló Day/Night y salió a la venta a finales de 2021. Este disco era más extenso (19 pistas, frente a las 12 del primer trabajo) y daba más vaivenes emocionales y sónicos que el primero.
La preocupación estética continuó en este segundo disco, donde la banda optó por una de mis cosas preferidas, que son los vídeos musicales conectados. La tríada de singles (Somethinggreater, Famous y theworstthing) se publicaron con tres vídeos musicales conectados. Tres vídeos rodados en apartamentos Haussmanianos de París y con la banda ataviada en Gucci. El primero, el del hit Somethinggreater, inicia la trilogía con tres parejas y los restantes miembros de la banda (excepto el batería) entrando en el edificio parisino. Todos llevan lo necesario para una fiesta en el piso, donde uno de los integrantes de las parejas es el protagonista entre conversaciones y besos. El vídeo termina con el protagonista mirando por la ventana hacia otro de los apartamentos, que será el escenario del segundo vídeo. Éste se centra en el batería de la banda, Toto, que baila la disco Famous, mientras se intercalan escenas de la fiesta del otro apartamento y donde la simplicidad de Toto bailando con un niño parece vencer el glamour y encanto de la fiesta. El tercero (theworstthing) retrata sesiones de terapia de todos los personajes del primer vídeo para luego volver al apartamento del segundo vídeo.
En otoño del año pasado Parcels comenzó su nueva etapa con el lanzamiento de Leaveyourlove, donde se recuperan los ritmos funk, la ligereza y la concisión a la hora de abordar el enamoramiento ("I only want you as you are"). Este disco continúa con los títulos y vídeos conectados. Estéticamente, Parcels ha optado por una imagen más sencilla. Tanto los vídeos como su escenario se centran en ellos, los instrumentos y se adorna con un fondo blanco o con paneles monocolor. Parece que lo que se persigue es dar importancia a ellos y su interacción como banda. Por ejemplo, el vídeo para Yougotmefeeling se basó en la idea de ir probándose ropa unos de los otros. El resultado es que estos visualisers pueden caer en un anuncio de Zara, los vídeos de campañas que aparecen en las pantallas de detrás de los mostradores. Sólo que aquí puede que la ropa sea de Loewe, marca que les ha vestido en la gira.
Pasando a la música, el tercer disco de la banda, LOVED, ha sido publicado el pasado viernes 12 de septiembre. Es un disco, en general, mucho más festivo y alegre que Day/Night, aunque sigue habiendo cierta introspección y desazón, fruto de rupturas e incertidumbres. Dentro de esa parte festiva, Yougotmefeeling es una de las piezas más coloridas del disco, adictiva y pegajosa, que culmina en el minuto 2:19. Siguiendo esta línea, se encuentra el primer sencillo (Leaveyourlove), Thinkaboutit y Leaves. El disco y los vídeos tienen un aire de dinamismo, improvisación y de arreglos grabados en directo que conecta con la esencia de Parcels como grupo.
En la parte más boscosa (como la portada) y sombría se encuentran Sorry, Summerinlove o Safeandsound, en la que parece que van a arrancar a gritar "And when I'm back in Chicago I feel it", pero también caben canciones de mañana más reflexivas, como Finallyover. Todo para terminar con Iwanttobeyourlightagain, que recuerda a The 1975 y marca un final nostálgico.
El tercer disco de la banda es un recordatorio de que el grupo sigue disfrutando juntos y que sus canciones coloridas -no por ello no reflexivas- siguen siendo disfrutables. Aunque puede que falte un poco del brillo de los anteriores proyectos, Parcels pone el foco, una vez más, en el directo.

TRISTÁN!- ESTOY AMÁNDOTE TAN FUERTE (con GUITARRICADELAFUENTE)

2025-10-22T20:59:00.001+02:00

Antes de empezar con la entrada de hoy, quería decir que hace tiempo que no me paso por aquí. Algún que otro cambio profesional ha hecho que no haya podido escribir todo lo que me hubiera gustado este mes. También es cierto que he estado escribiendo algunos artículos que espero que vean la luz pronto. En concreto, están pendiente de publicarse dos artículos, uno sobre el reciente disco de Parcels y sus vídeos musicales (asunto sobre el que quería escribir desde hace algún tiempo) y otro, sobre Arthur Russell. Este último es un mero primer acercamiento a su obra, que es mucho más extensa de lo que relato.

Una vez dicho esto, pasamos al post de hoy:

Hace poco más de una semana TRISTÁN! publicó su primer disco (Tristán!, Ahora Con Reloj), un proyecto que llega a escasas semanas del lanzamiento de su amigo y colaborador Teo Planell, sobre el que he escrito alguna vez en el blog.

TRISTÁN! forma parte del colectivo Rusia-idk, del que son miembros también Ralphie Choo y Rusowsky. Por lo tanto, no es raro ver sus nombres en los créditos de los proyectos de otras personas del sello artístico y tampoco ver colaboraciones entre todos para otros artistas. Y es que, en el último tiempo, Teo Planell, Roy Borland, Azuleja, Tristán y Ralphie han formado casi un grupo artístico y de composición, que no sólo se ayudan entre sí, sino que componen para con otros artistas. Así tenemos la title-track del disco de Teo Planell, que está compuesta junto a Ralphie Choo, o las colaboraciones entre Teo Planell y Tristán! (entre las que se encuentra El Mundo Delante de Ti, que también aparece en Demian de Teo Planell), . También a veces se suma a este grupo Teo Lucadamo, que también ha participado en el primer LP de Teo Planell.

Tristán! y Teo Planell colaboraron este año en la composición del disco de Guitarricadelafuente (Futuros Amantes, Tramuntana, Los chicos del club). Sobre este trabajo escribí ya una entrada en el blog y también en las Recomendaciones de mayo para No-Cosign. Es uno de los proyectos del año y guarda muchas gemas, como Futuros Amantes o Tramuntana. Ahora, Guitarrica interviene , pero para el disco de Tristán!, en Estoy Amándote Tan Fuerte. La balada sigue el universo estético y sonoro de Spanish Leather, que se refleja también en la letra. El estribillo hace referencia a fiebre de sábado noche, que ya aparecía en Los chicos del Club e incorpora notas propias del léxico de Spanish Leather (hardcore, impulso matador o la referencia al sudor).

MIGUEL- NEW MARTYRS (RIDE 4 U)

2025-09-08T20:49:00.000+02:00

El pasado viernes Miguel publicó el tercer tema de lo que, por fin, será su quinto álbum de estudio, Caos y que llegará el 23 de octubre, día del cumpleaños del cantante californiano. Parece ser que el disco contendrá el single del año pasado Always Time y la otra pista adelantada esta semana, que sólo ha podido ser escuchada registrándose en la web del artista (s1c.la), fruto de problemas con la discográfica.

El tema adelantado en la web actúa como introducción al disco y combina inglés y español. Tiene un aire a rito religioso, pero con ritmos latinos, guitarra acústica, falsete y tintes existencialistas que parecen rodear el concepto del disco. Sin embargo, New Martyrs es un tema más clásico de Miguel, en cuanto a las melodías, los vocals y a nivel temático. Antes de entrar en materia, hay que señalar que este sencillo sí ha sido lanzado en las plataformas digitales.

New Martyrs ha sido escrita y producida totalmente por Miguel y aborda un tema ya conocido en el repertorio de Miguel, la visión de dos amantes equivocados frente al mundo, que ya se tocó en Wildheart. La diferencia es que aquí se añade el matiz "Bonnie & Clyde", la pareja va a cometer un crimen juntos y lo que necesita Miguel para seguir adelante con el plan es que su compañera le apoye ("I ride for you", que, curiosamente, está escrito siguiendo la tipografía usual de Prince de cambiar ciertas palabras por números o letras). Aparte de estos dos ejes temáticos, existe un tercero más social y del que se extrae el título. Los dos amantes no cometen los crímenes solamente como modo de vida, sino que pretenden cambiar la realidad con ello, es decir, cambiar la sociedad llena de desigualdades de nuestros días y obtener lo que de otro modo la sociedad les ha quitado ("give me what's mine or we're gonna take it"). Por ello, se añaden las frases "this love can't be silent when the system isn´t equal" y "how much can I lose without changing who I am" en el puente, que recuerda el tema ya tratado en Candles In The Sun ("say we're created equal/ but that ain't how we treat each other) o en Wildheart, sobre ser uno mismo frente a las miradas y el no encajar.

Este crimen causará la división en la sociedad entre los que los considerarán unos sin ley y los que los considerarán un ejemplo de actuales mártires. Esta dimensión de la canción se relaciona con la portada del sencillo, donde se ve a Miguel recreando una de las fotografías de Luigi Mangione la noche del asesinato al CEO de UnitedHealthCare.

SIGRID-FORT KNOX

2025-09-01T20:23:00.001+02:00

El pasado 19 de agosto la artista noruega Sigrid publicó el segundo single de su tercer disco, que estará disponible el 24 de octubre.

Ya en julio Sigrid volvió con Jellyfish, más meditativa y que -creo- se entenderá mejor en el contexto sonoro del disco, pero que no tiene la fuerza de los himnos pop habituales de Sigrid. Sin embargo, esto sí que se encuentra en Fort Knox, que sustituye a Jellyfish y actúa como un verdadero comeback single. Este bop trata sobre una ruptura y la necesidad de encerrar su corazón como la reserva de oro del gobierno estadounidense de Fort Knox, con alta seguridad para evitar ser dañado. La fuerza de este segundo single recuerda al segundo sencillo de su anterior álbum, Burning Bridges, otra gema de perfección pop que lanzó Sigrid en 2021.

Fort Knox no sólo tiene esa contundencia de otros hits de Sigrid (Strangers, Dont Feel Like Crying, Plot Twist), sino que su estribillo hablado conecta con la parte de liberación de la canción. En ese estribillo no tan melódico puede haber algo de innovación y sentido del humor ("Did I love you?/ I didn't mean to") para Sigrid, que también, en esta nueva era, cambia su armario combinando sus característicos pantalones vaqueros sin cinturón con camiseta blanca por faldas de tenista.

En suma, Fort Knox es otro hit de perfección pop escandinava que debería quedarse en el repertorio de Sigrid y que recuerda a esa Sigrid que cantaba a capela el estribillo de Strangers en los festivales.

PERFUME GENIUS-GLORY

2025-08-22T19:39:00.000+02:00

Hace unos años, siempre veía las respuestas al tweet del youtuber canadiense Todd In The Shadows, que preguntaba a sus seguidores cuáles habían sido los mejores 20 o 15 (no recuerdo) segundos de música pop en el año. Muchas respuestas se dirigían a la mejor música comercial de ese año y, por ende, pop. Este año yo he pensado mis candidatos. Uno que encajaría con una de esas respuestas serían 20 segundos del puente de la épica The Subway de Chappel Roan, lanzada a principios de este mes o el estribillo de High Fashion o Headphones On de Addison Rae. Otra elección sería Sanctuary de Tamino y Mitski, de la que ya he escrito en el blog. Puede que no haya nadie que eligiera ésta, pero es una de mis personal favourites. En tercer lugar, elegiría los segundos 4:00 a 4:15 de No Front Teeth de Perfume Genius (con la preciosa voz de Aldous Harding), de quien vengo a escribir en esta entrada.

Con una carrera de más de 10 años, a finales de marzo de este año se publicaba el séptimo disco del artista estadounidense, Glory. El inicio del recorrido de este nuevo álbum comenzó con el lanzamiento, el 15 de enero, del primer sencillo, It's A Mirror. A este le siguió el ya mencionado No Front Teeth y Clean Heart, configurándose una muy buena selección -y sucesión- de los sencillos para presentar el álbum. Estos sencillos han venido acompañados por una gran portada para el disco, que está muy en línea con los vídeos musicales y con la estética del proyecto. La portada está marcada por la superposición, al igual que la de los discos de Haim y Oklou de este año, y por un juego de luces y colores, que la hace bastante memorable.

Volviendo a los sencillos, tanto It's A Mirror como No Front Teeth, transmiten vulnerabilidad e inseguridad (pensamientos intrusivos, reflexiones sobre el duelo, la adicción), y culminan o despliegan su plenitud al final de la pieza. Además, los tres singles abren el disco, sucediéndose al igual que lo han hecho los avances del proyecto (coincide el orden de las pistas con los singles seleccionados), creando un buen inicio de disco, casi mágico, como el sonido de la celesta de Clean Heart. Después de estas tres pistas, el disco baja, se derrite como la cera de una vela y ganan el intimismo y las baladas, aunque las potentes guitarras se recuperan en In a Row.

Visualmente, se combina una luz diurna, casi amarilla, con el potente azul del cartel del disco y del vinilo. El álbum está plagado de pensamientos de Perfume Genius durante estos últimos años (especialmente, desde la pandemia), que lo combustionan como el gasoil que aparece en el vídeo de It's A Mirror.

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— ÁTM (@itsangela_atm) April 24, 2025

ALGUNAS REFLEXIONES SOBRE LOS CONCIERTOS EN ESTADIOS

2025-08-01T23:21:00.000+02:00

En julio de 2023 acudí al concierto de The Weeknd en Madrid, en el estadio Wanda Metropolitano. Con mi entrada en pista, no podía ver mucho al artista canadiense (también es verdad que la gran figura de Soroyama lo impedía). Lo bueno de este concierto, a nivel visual, es que contaba con una pasarela que recorría toda la pista de forma longitudinal y eso hacía que pudieras tener más cerca al artista. Además, había algunas pantallas adicionales -casi al final de la pista- que permitían ver lo que ocurría en el escenario a los asistentes con entrada en las gradas del fondo.

En cuanto al sonido, debo decir que la acústica me pareció bastante mejorable. El sonido no se escuchaba de forma nítida. Para empezar, a The Weeknd le acompañaban, como “banda”, un baterista y Mike Dean, que tocaría los sintetizadores. Ahora, ¿se escuchaba cuando tocaban? La respuesta es no. Todo funcionaba como una sola pista en la que no se distinguía lo pregrabado de los instrumentos tocados en vivo. Incluso, cuando Abel dedicó unas palabras a los dos músicos y les dio las gracias -momento en que se les enfocaba mientras tocaban- no se escuchaba la batería. A esto se une que hubo momentos en que la voz de The Weeknd se escuchaba mejor que en otros. El día siguiente al concierto supe, por tweets, que The Weeknd había hablado en español (lo había intentado), había cantado La Fama (su colaboración con Rosalía) en mitad de otra pieza y que había leído mensajes de los fans en pancartas. Todo esto resultó inapreciable para -creo- que la mayoría de los asistentes y esto se debe, una vez más, a la mala acústica de estos recintos de gran capacidad.

Por todo esto, no me ha sorprendido que los conciertos celebrados este año en el estadio hayan tenido la misma suerte. Asistentes a los conciertos de Dellafuente, Lola Índigo y Aitana se quejaban de que no se oía cuando hablaban o cantaban. El poder escuchar las canciones en directo (con arreglos nuevos) es una de las razones por las que se elige ir a un concierto y también para sentirse más conectado con el artista.

Fotografía del escenario del concierto de The Weeknd en Madrid con la muñeca de Soroyama, realizada por Celia Cancio

Es necesario recordar por qué y cómo se ha instalado la fiebre por tocar (con la esperanza de llenarlos) en estadios. La apertura del nuevo estadio Bernabéu de Madrid dio un nuevo recinto para celebrar conciertos y, entre ellos, tuvieron lugar el concierto de Manuel Carrasco, el de Duki (al que le costó llenarlo), Taylor Swift y las cuatro noches de Karol G en el estadio. Esto animó a artistas nacionales a querer hacer un concierto en este estadio también, todo por el poder decir "he llenado el Estadio Bernabéu" (con capacidad parac 60.000 personas). Esta lucha de egos llevó a Aitana a anunciar una fecha -que luego serían dos, como explicaba esta semana el artículo de eldiario.es de Francisco Gámiz- y a Lola Índigo también. Ambas son artistas que no suelen tener problema en llenar arenas, como el Wizink o el Palau Sant Jordi. Sin embargo, con los Bernabéus, parecía competirse por quién hacía más rápido el famoso sold out, aun cuando se reserven entradas para sacarlas a la venta posteriormente. Con los problemas del ruido en el Bernabéu, se vio imposible celebrar esos esperados conciertos, debiendo buscar alternativas, que, en muchos casos, fueron anunciadas con poco margen, teniendo en cuenta que se cambiarían las fechas y muchos fans ya habrían reservado alojamiento para esos días. Finalmente, se optó por hacer una “gira de estadios”, principalmente distribuida entre Madrid y Barcelona, donde la venta de todas las entradas ha costado mucho más. Como mencionaba el artículo antes referido, el afán por hacer sold out llevó a hacer ofertas de llevarse 4 entradas por el precio de 2, y a apurar hasta el último momento para intentar conseguirlo. Ayer Aitana anunciaba sold out, cuando hasta hace unos días no lo había alcanzado. Con estas dificultades, uno piensa que solo se trata de alimentar el ego y el caché del artista.

Pasando a otro tema, estos shows se presentan bajo la premisa de que llevan mucho tiempo de preparación y un gran presupuesto detrás. Un presupuesto que se ve en numerosos bailarines, pero que, al final, no dista mucho de lo esperable de un show de estos artistas en un Wizink.

A nivel visual, por muchas pantallas o torres, el escenario volvía a quedar alejado de la gran parte del público y, en el caso de Lola Índigo, una torre de sonido tapaba la vista de la pantalla. Es por ello que, entre tanta inversión, parece olvidarse lo importante: poder ver y escuchar a tu artista favorito. En este sentido, también encontramos ejemplos internacionales, como el concierto de Dua Lipa en el Hipódromo San Siro de Milán, dando un concierto para 90000 personas, con un escenario poco preparado para estos recintos.

Precisamente, en Italia también existe esta fiebre por hacer estadios. Este año Elodie ha preparado su gira por este tipo de recintos, costándole meses vender todas las entradas. En este país ha surgido el debate sobre en qué momento de tu carrera hacerlo. Por una parte, hay artistas que prefieren hacerlo en su peak, como Elodie (aunque este año no haya sido su mejor comercialmente) o Achille Lauro (que anunció recientemente el sold out en el Estadio Olímpico de Roma). Por otra, otros artistas piensan en el estadio cuando ya son más que consolidados, como han hecho Ceesare Cremonini, Elisa o Laura Pausini.

Lo cierto es que se ha instalado una fiebre por hacer estadios, que llega en momentos precoces de las carreras de los artistas y que perjudica la calidad técnica de los conciertos, su esencia y su capacidad de servir una buena performance,

TAMINO-SANCTUARY (FT. MITSKI)

2025-07-08T12:12:00.001+02:00

El 23 de enero de este año se lanzó Sanctuary, tercer single del -también- tercer disco (Every Dawn’s a Mountain) de Tamino, artista del que ya he hablado varias veces en este blog.

Sanctuary es la segunda colaboración con una artista femenina de Tamino. La primera fue Sunflower con la cantante belga Angèle y que formó parte de Sahar, segundo álbum del artista belga-egipcio. Sunflower era oscura, con cierto pesar o desencanto y orquestal. En cambio, Sanctuary es musicalmente más esperanzadora.

Respecto al origen de esta colaboración, es necesario destacar que ésta no era la pieza inicialmente elegida, sino que Tamino había enviado otra canción anteriormente, pero que parece que quedó descartada por Sanctuary.

Sanctuary es una canción diurna, con gran musicalidad y bella. Tamino tiene como referente artístico la naturaleza (la pradera, el laberinto de las estrellas...), que aparece como morada del poeta y escenario de la canción, pero también como insuficiente y elemento confuso. De esa desorientación, sólo se puede escapar acudiendo a lo humano, al amor y al convencimiento.

La lengua materna de Tamino no es el inglés, por lo que muchas veces esto se traduce en el uso de palabras bastante precisas y que dan mucha riqueza a la letra (western prairie).

En Sanctuary, las guitarras acústicas se funden con la voz de Mitski, delicada y que brilla en esta canción. Tamino comienza la pieza cantando dos estrofas, a las que sigue Mitski -con otras dos- para luego terminar en el diálogo de los dos artistas que, pese a hacerse las mismas preguntas, se complementan uno al otro. Es una canción sin estribillo, pero a la que no le hace falta.

En conclusión, Sanctuary se va abriendo en su grandeza a lo largo de la escucha.

Más abajo podéis acceder a una de mis playlists, donde se encuentra Sanctuary.

Tamino visitará España el 22 y 23 de septiembre, con conciertos en Barcelona (Sala Razzmatazz) y Madrid (Sala La Riviera) respectivamente.

ADDISON RAE: NUEVO ICONO POP. PALETA SONORA Y ESTÉTICA.

2025-06-16T19:31:00.001+02:00

No podía despedir junio sin hablar de uno de los fenómenos pop más importantes del año. Aunque su llegada se remonta a agosto de 2024 -con el lanzamiento del primer single, Diet Pepsi-, este año ha servido para completar el proyecto artístico de Addison Rae, que ha publicado este mes su álbum debut.

La tiktoker de Luisiana (al igual que Britney Spears) lanzó su primer single, Obsessed, en 2021 y su EP (AR) en agosto de 2023, que contenía cortes para un supuesto primer disco, pero que, finalmente, resultó en esa pequeña colección de canciones.

Desde el lanzamiento de Diet Pepsi, Addison ha conseguido el apoyo y los likes de varios artistas pop actuales (Troye Sivan, Clairo, Rosalía, Chappel Roan…), pero, en especial, habría que aludir a Charli XCX, que la apoyó desde el primer momento, convirtiéndola casi en su protegée. La inclusión del verso de Charli en 2 Die 4 fue la razón del lanzamiento de AR, según apuntaba Addison en el Popcast de The New York Times. Además, Charli XCX incluyó a Addison en el universo Brat con el remix de Von Dutch y la invitó a actuar en el concierto del Sweat Tour en el Madison Square Garden.

A todo esto se une el mayor momento de esplendor (comercial, de relevancia mediática y de aprobación por el público) que está experimentando Charli XCX en su carrera, lo que ha permitido visibilizar aún más sus ideas artísticas y su creencia en el proyecto de Addison.

Continuando con los singles, Diet Pepsi dejaba clara la influencia de Lana del Rey (la yuxtaposición de detalles, la alusión a la juventud y al verano americano) y de Britney, una de las referencias más evidentes, pero sin concurrir en la mera imitación.

El desarrollo de su música ha venido acompañado de una paleta sonora y estética. Addison ha combinado la pulidez en sus vídeos musicales con portadas casi kitsch y referencias pop dosmileras. Incluso sus looks de streetwear están en sintonía con el proyecto. De todo esto se desprende un contraste entre la inocencia y estilo naif ,y una clara determinación a la hora de ejecutar el proyecto.

Y después de Diet Pepsi vinieron Aquamarine y High Fashion, que fueron menos escuchados -pero que golpean igual-, y que compartían una colección de referencias e influencias. Respecto a las letras, se pasa del enamoramiento caprichoso de Diet Pepsi a la locura por la alta costura de High Fashion ("You know I'm not an easy fuck "//"But, when it comes to shoes, I'll be a slut") y a las referencias personales de Headphones On. Por último, llegaba Fame Is A Gun, con un videoclip sacado de la MTV y tremendamente adictiva.

Pasando al álbum, el disco ha sido compuesto por Addison y tres mujeres (Elvira AnderfjÄrd, Luka Kloser y Tove Burnman) y hecho en Suecia, cuna, en muchos casos, de la perfección pop.

El disco contiene 12 pistas, entre las que se incluyen los seis previos singles, incluido Times Like These, que fue lanzado el día de publicación del álbum. Teniendo dos interludios, puede parecer, de primeras, que el álbum cojea de nuevos temas. Sin embargo, aunque no hubiera estado mal tener un par de temas más, las canciones inéditas funcionan en el álbum y se integran en su conjunto sonoro. La reflexiva Times Like These o las dreamy In The Rain y Summer Forever completan el disco.

Todas estas referencias, que van desde el primer tiktok de Addison Rae promocionando Diet Pepsi -que parece sacado de 2015 (gorra de béisbol, camiseta XL de baloncesto)- hasta la sofisticación pop, continúan en su puesta en escena. Las pequeñas presentaciones en vivo que ha realizado (en Nueva York el día del lanzamiento del disco, y en Londres) continúan la estética heredera de Britney Spears mezclada con la de la película Spring Breakers de Harmony Korine, también citada recientemente por Charli XCX y que parece estar experimentando un resurgimiento (al menos, a nivel estético).

COMENTARIO SOBRE ANTONIO Y CLEOPATRA DE SHAKESPEARE: LA DEMONIZACIÓN DE LA MUJER EN LA OBRA.

2025-06-05T22:54:00.000+02:00

Hoy publico una entrada diferente. Por primera vez, no escribo sobre música. Se trata de un comentario que hice en 2022 sobre el retrato de Cleopatra y de la mujer en la obra Antonio y Cleopatra de Shakespeare.

Lo volví a leer esta semana y sigo creyendo en lo que escribí, así que me apetecía publicarlo y hoy aparecerá en el apartado "miscelánea". Dejo por aquí mi perfil de Goodreads, donde me podéis encontrar.

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Antonio y Cleopatra

Antonio y Cleopatra se engloba dentro de las tragedias romanas de Shakespeare, junto con Coriolano y Julio César. Aunque se duda de su fecha exacta de creación, parece que se escribió entre 1606 y 1609, unos años después de Julio César (1599). En ambas, hay luchas internas en los personajes y se apela a actuar con sentido de estado: En Julio César, para defender al pueblo romano de la tiranía ,y en Antonio y Cleopatra para hacer reaccionar a Marco Antonio, que debe regresar y luchar con Octavio Augusto contra Pompeyo y así salir de la vida de placeres que disfruta junto a Cleopatra.

En esa oposición, ya se muestra la visión de Cleopatra reflejada en la obra. Cleopatra aparece como el elemento que aparta a Antonio de ser el Antonio afamado de Roma, gran combatiente y con un honor reforzado después del asesinato de Julio César. La reina de Egipto es representada como la perdición de Marco Antonio que, con su universo de lujo alejandrino y de placeres sexuales, pervierte a Antonio. Muchos de estos ataques hacia Cleopatra se derivan de su condición de mujer, que es asociada a lo largo de la obra con la debilidad y con la maldad. Así se refleja en la Escena VII del acto III, en la que se comenta ,entre soldados, que “esta guerra no se apoya en la razón. Nuestro jefe sólo obedece órdenes, nosotros somos hombres en manos de mujeres”. Alusiones a la debilidad y, por ello, a la sentimentalidad de las mujeres se suceden en la obra, como en la Escena II del acto IV, donde se expresa el pavor de los hombres al llanto o expresión de sentimiento (“por pudor, no nos metamorfoseemos en mujeres”, dice Enobarbo).

La mujer es sinónimo de pusilanimidad y se contrapone a la concepción de hombre valiente y sensato, siempre capaz de tomar las decisiones adecuadas en momentos difíciles. El hombre no se deja dominar por las circunstancias. En consecuencia, el Antonio que yace en el lecho de Cleopatra es un insulto a la hombría y al honor, como se dice textualmente en la Escena X del acto III. El hombre enamorado, encarnado por Antonio, se postra ante la reina de Egipto y obedece a su voluntad, enfatizando aún más la oposición entre el hombre que siente y la hombría romana. Las equivocadas decisiones de Antonio en la guerra se contemplan como parte del conjuro o hechizo que Cleopatra ha cernido sobre el general romano y, por ello, su condena siempre deberá hacerse aludiendo a la maldad de la mujer, que ha evaporado la cordura e inteligencia de Antonio.

El buen hombre romano es comedido con sus emociones y el llanto parece reservarse para ocasiones especiales, como se refleja en la escena II del acto III, donde Enobarbo y Agripa discuten sobre si Octavio llorará al ver marchar a su hermana Octavia, entregada en casamiento con Marco Antonio. Enobarbo cree que el llanto no estaría justificado, perjudicando a su hombría, mientras Agripa responde aludiendo al llanto y los sollozos de Marco Antonio ante la muerte de Julio César. Este llanto se presenta como válido por Agripa, que añade “también lloré hasta yo”.

El casamiento entre Antonio y Octavia simboliza enormemente la concepción y objetificación de la mujer en Roma, siendo un lazo entre dos de los hombres más poderosos de Roma. Ella será su lazo de paz, sin importar su consentimiento en ningún momento. Shakespeare no ahonda en este personaje, reduciéndola a un objeto y a pocas expresiones, siempre de extrema corrección para crear en ella la imagen de mujer respetable romana, en oposición a Cleopatra.

Si nos centramos más en la figura de Cleopatra, vemos que su maldad no es sólo contemplada desde Roma, sino que es asumida incluso por Antonio, que puede pasar del amor al odio en unos instantes. Antonio, además, asocia su personal fortuna con Cleopatra, que aparece como amuleto en los triunfos y como causa de todos sus males, si la suerte le abandona. Escena ejemplificativa es la duodécima del acto cuarto, ya en Filipos , en la batalla contra Octavio, Antonio culpa de su suerte en la guerra a la magnate de Egipto: (“¡Todo está perdido! ¡Esa egipcia innoble me ha traicionado! Mi flota ha cedido al enemigo; y allí están todos juntos bebiendo y arrojando sus gorros al aire como amigos separados largo tiempo. ¡Tres veces puta!”). En esta escena también la llama bruja, reforzando la idea de Cleopatra como vil hechicera y su carácter sobrenatural.

La reina de Egipto asume la cultura de la debilidad de la mujer en su personalidad. En varias ocasiones, Cleopatra alude a gobernar como un hombre como sinónimo de reinar con sensatez y tino, dejando de lado las pasiones. Es así como surge su doble faz: Irresistible sexualmente para los hombres, despertando el deseo de los más poderosos hombres de Roma y firme reina de Egipto, creadora de un imperio e indominable, incluso en su muerte, por parte de los hombres (ya fuera su hermano Ptolomeo u Octavio Augusto).

La Cleopatra de Shakespeare recibe influencias de la Medusa griega (ser mitológico griego con cabellos plagados de serpientes y que , con su mirada, convertía a los humanos en piedra), que alcanzan su culmen con la muerte de Cleopatra por la mordedura de serpiente. También Shakespeare se sirve de Dido, citada en la misma obra (Escena XIV del acto cuarto). Estas refuerzan la maldad de Cleopatra y ,al igual que Dido, es considerada la causa de que los hombres pierdan su sentido y olviden las cuestiones de estado que deben atender. De este modo, se crea una dinastía de mujeres (Eva, Dido, Medusa…) viles que, con sus encantos, hechizan a los hombres, y donde cualquier rasgo de inteligencia, suspicacia o ambición se reviste de una capa de maldad y de brujería que ha perseguido a la mujer hasta nuestros días.

PINKPANTHERESS- FANCY THAT.

2025-05-25T21:03:00.003+02:00

El 9 de mayo salió a la venta la nueva mixtape de PinkPantheress, Fancy That. Incluye 9 temas, en los que se engloban los singles Tonight y Stateside.

Primero, se lanzó, a principios de abril, Tonight, que se volvió bastante viral en redes sociales. En segundo lugar, llegó Stateside.

Frente a la exacerbada moda actual por la estética y sonido de los dos mil, PinkPantheress muestra que está en su identidad artística: La portada, los videoclips, los samples (Panic! at the Disco, Basement Jaxx y Sugababes, entre otros) crean un conjunto nada forzado. Y a esa identidad se une la cultura pop dosmilera británica, presente en la portada (que se asemeja a la de Alright, Still de Lily Allen) y en el título, que nos da una pista del sonido del disco: despreocupado, ligero y desenfadado, pero con melodías y estribillos -e, incluso, los adlibs- tan pegadizos como un chupa-chups de chicle de cereza.

Por otro lado, en las letras, tenemos a la PinkPantheress más directa (Tonight) cantando sobre el deseo, pero que también deja espacio para algunas dudas e inseguridad (Stateside).

En conclusión, Fancy That es un proyecto que cumple lo que pretende ser, afianza, aún más, la faceta de productora de PinkPantheress y sirve unos buenos hits dance.

LOYLE CARNER Y LA PATERNIDAD.

2025-05-14T21:00:00.003+02:00

El rapero británico publicó el viernes pasados dos canciones de su próximo disco, que saldrá a la venta el 20 de junio y se llamará hopefully!

A principios de abril, Loyle lanzó dos temas, in my mind y all i need, que supusieron su regreso, después del lanzamiento de Hugo en el último trimestre de 2022.

En in my mind quedaba marcada la inspiración en Fontaines D.C. Sin embargo, estas dos últimas pistas son más clásicas, dentro del repertorio de Loyle Carner, bailando más hacia el jazz rap.

En Hugo, Loyle Carner no sólo hacía crítica social (Plastic hablaba de un mundo artificial y dominado por las apariencias, mientras que Nobody Knows toca el racismo), sino que introducía un nuevo tema, la paternidad. Esta paternidad inundaba el disco como un elemento de cohesión, que servía para hacer crítica social ("because my kid will maybe have them blue eyes/ And he won't understand the pain that's in mine"), pero que también llevaba a Loyle a replantearse su relación con su padre. El disco se llama Hugo porque es el nombre del coche de su padre, con el que aprendió a conducir en la pandemia, después de reconciliarse con él. Esto lleva a analizar la relación con su padre, con todas sus dificultades, dejando la estelar "You can't hate the roots of the tree/ And not hate the tree/ So how can I hate my father/ without hating me?".

Ahora, casi tres años más tarde, la paternidad regresa a la pluma de Loyle Carner en about time y en lyin. Ésta última contiene un estribillo que parece una nana a su hijo y que Loyle canta con suma ternura, para luego rapear sobre los tiempos oscuros y sobre no estar preparado para afrontar la paternidad.

About time también trata el tema, pero desde una perspectiva más reflexiva y centrada en sí mismo, cambiando el enfoque respecto a Hugo. El coro se centra en su cambio personal para poder ser mejor padre. El "Just to give it to him" da un toque dulce final. En los versos, parafrasea hate repitiendo el dicho"they say "it is what it is, I say "it was what it was"" y reflexiona sobre la ambición ("don´t you tell me that you wouldn´t do the same") para acabar con la idea del estribillo: La perfección moral y de la conducta para ser mejor padre, que parece que también le llevará a ser mejor artista: "I just sit here and right my wrongs/ The only way I get to write these songs".

MIGUEL INICIA UNA NUEVA ERA BAJO EL CONCEPTO DE 'CAOS'.

2025-05-04T20:49:00.001+02:00

Hace unas semanas escribí sobre Miguel y las posibilidades de una nueva era. Esta semana, la maquinaria parece (por fin) haberse iniciado, abandonando el concepto de Viscera y adoptando uno nuevo: "Caos".

Acompañado de un Reel, donde se muestra a distintos personajes, presentadores y políticos (Obama, Joe Biden, Kevin Spacey, entre otros) decir la palabra "Caos", Miguel anunciaba lo que parece el inicio de esta nueva era.

Este inicio también ha venido de la mano de una entrevista y reportaje fotográfico para la revista Rouge Fashionbook, donde Miguel ha descrito el disco como su más íntimo, lo que permitirá a sus fans no sólo conectar con su música, sino también con él. Esta idea de querer trascender el ámbito musical también se muestra en una de sus últimas publicaciones de Instagram, donde se lee "I voted Caos".

El vídeo contiene fragmentos tanto en inglés como en español, lo que hace pensar que Miguel reconectará, de nuevo -como ya hizo en temas como Caramelo Duro, Destinado a morir o las versiones en español de su álbum War & Leisure-, con sus raíces mexicanas.

Veremos en qué se materializa esta nueva era y esperamos que venga con nuevo disco.

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TEO PLANELL- ME VAS A MATAR.

2025-04-27T19:58:00.000+02:00

Esta semana Teo Planell ha presentado el primer single de su esperado primer disco, Me vas a matar.

Con un aire más oscuro que Allá donde quiera que estés, Me vas a matar continúa con sus habituales letras poéticas y tono íntimo, y explora una historia de amor que parece acabada, pero sobre la que el artista reflexiona y piensa en alto.

En Me vas a matar las guitarras se funden con los sintetizadores, que llegan a recordar a Somebody Else de The 1975 (minuto 0:50).

El sencillo viene acompañado de vídeo inspirado por el documental de Taika Waititi, Lo que hacemos en las sombras (2014). Además de reflejar la preocupación estética y de carta de presentación visual, los vídeos musicales de Teo Planell -que, recientemente, ha estado organizando sesiones en el Pequeño Cine Estudio de Madrid (Paris, Texas o Taste of Cherry han sido las películas elegidas)-vienen mostrando su interés por el cine, complementando así el lanzamiento de los temas.

Como primer adelanto del futuro álbum, Me vas a matar deja la puerta abierta a los diferentes sonidos que pueda haber en el disco, enseñando una cara más oscura y explorando varios temas (arrepentimiento, paso del tiempo, enamoramiento...).

GUITARRICADELAFUENTE- FUTUROS AMANTES Y TRAMUNTANA.

2025-04-20T20:17:00.000+02:00

Guitarricadelafuente ha presentado en este último mes dos singles de su segundo disco, Spanish Leather, que saldrá a la venta el 16 de mayo.

Después de Full Time Papi, que actuaba como carta de presentación del disco, los dos siguientes singles son, cada uno, un largo poema y reflejan dos historias de amor. Más pasajera y llena de deseo en Futuros Amantes y una entrega al enamoramiento, en Tramuntana.

Futuros Amantes, inspirado en el relato Bel Ami de Guy de Maupassant, dibuja ese contraste entre futuro y pasado que se muestra en el estribillo ("futuros amantes"/ "Como los de antes") y que también se crea con las imágenes entre lo viejo y el nuevo mundo ("He visto morir el sol y el pueblo hacia la carretera"// "Vivir la vida nueva"). Frente al primer single, Futuros Amantes vuelve a concentrarse en la guitarra y voz.

Por otro lado, Tramuntana es la última pieza del disco, orquestal y que consigue crear la atmósfera de hechizo de la que habla la canción. Como carta final del álbum, es un himno a la entrega y a la rendición, tema que parece unir los tres adelantos y que orbitan en el dejarse llevar por nuevos caminos.

LO MEJOR DE 2024.

2025-04-13T20:08:00.001+02:00

Hoy publico por aquí un texto que escribí para otra publicación, pero que al final no fue seleccionado, así que he decidido compartirlo, aunque ya haya pasado mucho tiempo (casi en mayo de 2025!).

Hay años en los que no es tan fácil marcar proyectos como los grandes del año, pero 2024 sí ha sido uno de ellos o, al menos, me parecía más fácil escribir sobre ellos. Este texto, escrito en tono celebrador, no es exhaustivo, ni pretende serlo y, seguramente, me habré dejado muchos discos relevantes por el camino, pero éste es mi resumen de lo mejor de 2024:

Quién hubiera pensado que el verde fluorescente iba a ser el color del año en 2024. Incluso en papelería, el subrayador verde fluorescente sucumbió hace unos años por el verde pastel…Sin embargo, Charli xcx ha marcado el 2024 con su disco de club, de música dance y que deja de lado ese prejuicio de que la música dance es vacía, por convertir Brat en un diario, a su manera, con letras donde refleja inseguridades y dudas, a veces, de una de las formas más realista, cruda y directa, como en el remix de ‘Girl, so confusing’ con Lorde. Brat ha demostrado saber cómo definir una era -cuyo antecedente más reciente puede haber sido Motomami de Rosalía- y, mediante una pared verde fluorescente, impactar. Brat ha quedado y quedará en el imaginario colectivo y ha dado fuerza a la necesidad de statement visual en la cultura pop.

Aparte de Brat, el verde fluorescente ha sido el color de otro proyecto de lo mejor del año: Romance de Fontaines D.C o así lo veía Grian Chatten cuando escribía las canciones. Es difícil pensar en cómo pintar el enamoramiento, pero quizás Favourite de Fontaines D.C. sea una de las formas en las que suena el enamoramiento, con algunas notas de juventud.

Dos mil veinticuatro ha sido también el año de revelación de Mk.gee. Aunque ya era conocido como guitarrista de Dijon, Two Star and Dream Police es uno de los discos del año y delicioso de escuchar. Su mezcla de géneros particular -con toques R&B y de balada ochentera y su dominio de la guitarra eléctrica -hace que sea un trabajo coherente y que vive en un universo en sí mismo. Dentro de la oscuridad de texturas que ofrece, resulta placentero sumergirse en su oscuridad -como la de la portada- una y otra vez.

Por último, este año ha sido también el del regreso de Justice y la gigante producción de Hyperdrama, pero también el de la euforia, tras el gris duelo, de Wild God (el single) de Nick Cave and the Bad Seeds.