Rodrigo Cuevas anuncia su fin de gira en Madrid

El artista asturiano amplía gira con nuevas fechas en España, Portugal, Francia y Bélgica, y suma conciertos de ‘Al pie del llar’, que le llevará al Museo del Louvre con las entradas agotadas.

Rodrigo Cuevas pondrá el broche final a su gira «La Belleza» con un concierto en el Movistar Arena de Madrid el 22 de octubre de 2027. El artista asturiano anuncia nuevas fechas de una gira que recorrerá España y diferentes ciudades europeas antes de su despedida.

Rodrigo Cuevas ya tiene fecha y lugar para despedir su actual etapa sobre los escenarios. El músico asturiano ha anunciado que el próximo 22 de octubre de 2027 ofrecerá un concierto en el Movistar Arena de Madrid con el que pondrá punto final a «La Belleza», la gira de presentación de su último trabajo discográfico, «Manual de Belleza».

La actuación en la capital será el cierre de un recorrido que se prolongará durante aproximadamente año y medio y que llevará al artista por escenarios de España, Portugal, Francia y Bélgica. Una gira que ha ido incorporando nuevas actuaciones y que culminará con una de las citas más destacadas de su calendario.

Las entradas para el concierto del Movistar Arena están a la venta desde el lunes 26 de octubre a través de la página web oficial del artista, rodrigocuevas.sexy.

El anuncio llega después de varios meses de conciertos en los que Rodrigo Cuevas ha continuado desarrollando su particular propuesta escénica, una combinación de música tradicional, electrónica, humor y una puesta en escena en la que la interacción con el público ocupa un lugar fundamental.

«La Belleza» comenzó su recorrido en abril de 2026 con dos actuaciones en el Pabellón de la Magdalena de Avilés. Desde entonces, el espectáculo ha pasado por ciudades como A Coruña, Barcelona, León, Madrid, Tarragona, Valencia, Alicante, Ibiza, Oviedo y Sevilla, además de participar en diferentes festivales y celebraciones populares.

La acogida de esta nueva gira también se ha traducido en varios conciertos con las entradas agotadas, entre ellos la primera noche de Avilés, su paso por el Kursaal de Donostia, La Mar de Músicas de Cartagena, el Palacio de Festivales de Santander y el Otoño Musical Soriano.

Antes de terminar 2026, Rodrigo Cuevas continuará llevando «La Belleza» a nuevos escenarios. Los días 9 y 10 de noviembre actuará en Portugal dentro del Misty Fest, con conciertos en el Capitólio de Lisboa y la Casa da Música de Oporto, respectivamente. Posteriormente, el 28 de noviembre, llegará al CAEM de Salamanca.

El calendario de 2027 arrancará el 4 de enero en el Auditorio Baluarte de Pamplona y continuará el 16 de enero en el Bizkaia Arena BEC! de Bilbao. A continuación, el artista viajará a Francia para ofrecer tres conciertos consecutivos: el 20 de enero en el Théâtre Sénart de Lieusaint, el 21 en la Maison de la Musique de Nanterre y el 22 en La Ferme du Buisson de Noisiel.

La gira regresará después a España con actuaciones en el Auditori de Girona el 30 de enero, Moonlight de Málaga el 6 de febrero, Inverfest de Zaragoza el 27 de febrero y el festival CoraSons de Santiago de Compostela el 13 de marzo. El 8 de abril será el turno de Bruselas, donde actuará en La Madeleine.

Además, Rodrigo Cuevas tiene previsto realizar una gira por Latinoamérica durante el mes de mayo, antes de afrontar la recta final de «La Belleza». Las dos últimas fechas anunciadas tendrán lugar en grandes recintos: el 15 de octubre en el Roig Arena de València y el 22 de octubre en el Movistar Arena de Madrid, donde se despedirá definitivamente de este espectáculo.

Paralelamente, el músico continúa ampliando las actuaciones de «Al pie del llar», otro de sus proyectos en directo, que este año ya ha pasado por el FIACmx de León, en México, el Geofest de Fuenteodra, en Burgos, y el FLEM de Magaluf.

Entre sus próximas citas con este formato se encuentran la gala benéfica del 20 de noviembre en el Auditori Josep Carreras de Vila-seca y una actuación especialmente singular el 12 de diciembre en el Auditorium Michel Laclotte del Museo del Louvre de París. Este último concierto, incluido en el «Grand Week-end Espagne» organizado por el museo, ya ha agotado todas sus entradas.

Reconocido con el Premio Nacional de las Músicas Actuales en 2023, Rodrigo Cuevas continúa consolidando una trayectoria marcada por su capacidad para reinterpretar la tradición desde una perspectiva contemporánea. Su propuesta artística ha conseguido acercar el folclore a nuevos públicos sin renunciar a la experimentación ni a una identidad escénica propia.

Con el concierto del Movistar Arena de Madrid ya anunciado, «La Belleza» comienza a dibujar el final de una etapa que todavía tiene numerosos escenarios por recorrer. Una despedida que llegará en octubre de 2027 y que pondrá el cierre a uno de los proyectos más ambiciosos de la carrera del artista asturiano.

Fin de gira

• 22 de octubre de 2027 – Movistar Arena, Madrid

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Chvrches tienen nuevo single, Overthinker, segundo adelanto de su próximo álbum

Chvrches publicaran su nuevo álbum de estudio a principios del próximo año, pero mientras tanto han desvelado otro de los singles que forman parte del mismo, Overthinker.

Chvrches presentan «Overthinker», un nuevo single que anticipa la llegada de «All The King’s Men», su quinto álbum de estudio. El grupo escocés publicará el disco el 22 de enero de 2027, poniendo fin a casi seis años de espera desde su anterior trabajo.

Chvrches continúan preparando su regreso discográfico y lo hacen con el lanzamiento de «Overthinker», una nueva canción que formará parte de su esperado quinto álbum de estudio, «All The King’s Men». La banda liderada por Lauren Mayberry vuelve a situarse en el centro de la actualidad musical con un tema que supone otro paso hacia la publicación de su primer disco en casi seis años.

El nuevo trabajo llegará el próximo 22 de enero de 2027 y será el sucesor de «Screen Violence», publicado en 2021. Desde entonces, los integrantes de Chvrches han desarrollado diferentes proyectos, mientras sus seguidores esperaban noticias sobre la continuidad de una de las formaciones más reconocibles del synth pop de la última década.

«Overthinker» se presenta como una de las nuevas piezas de esta etapa, con una propuesta musical que apuesta por una composición compleja y que amplía las primeras pistas sobre el sonido del próximo álbum. El lanzamiento permite seguir descubriendo el rumbo creativo de la banda antes de conocer el conjunto de canciones que formarán parte de «All The King’s Men».

Coincidiendo con el estreno del single, Chvrches ofrecieron un concierto íntimo en Glasgow en el que interpretaron «Overthinker» en directo por primera vez. La actuación tuvo además un invitado especial: Simon Neil, vocalista y guitarrista de Biffy Clyro, que estuvo presente en esta cita celebrada en la ciudad escocesa.

El concierto sirvió para acercar esta nueva etapa del grupo a su público en un formato más reducido, lejos de los grandes escenarios que han acompañado buena parte de su trayectoria internacional. Glasgow, ciudad de origen de Chvrches, se convirtió así en el escenario elegido para presentar en vivo una de las canciones de su próximo disco.

La publicación de «All The King’s Men» supondrá un nuevo capítulo para el trío formado por Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty. Desde sus primeros lanzamientos, la banda ha desarrollado una identidad musical en la que conviven los sintetizadores, las melodías pop y una producción electrónica que se ha convertido en una de sus principales señas de identidad.

Su discografía comenzó con «The Bones of What You Believe» en 2013, al que siguieron «Every Open Eye» en 2015, «Love Is Dead» en 2018 y «Screen Violence» en 2021. Cuatro álbumes con los que Chvrches consiguieron consolidarse dentro de la escena alternativa internacional y construir un repertorio que ha evolucionado con cada publicación.

Ahora, después de este largo periodo sin un nuevo álbum de estudio, la formación escocesa prepara una nueva etapa que también estará acompañada de su regreso a los escenarios. El grupo ha anunciado una gira para 2027 con conciertos en Reino Unido, Irlanda y Norteamérica, donde presentará las canciones de su próximo trabajo.

Con «Overthinker» ya disponible, la cuenta atrás para el regreso discográfico de Chvrches continúa. El próximo 22 de enero llegará «All The King’s Men», un álbum que permitirá descubrir cómo ha evolucionado el sonido de la banda desde «Screen Violence» y qué dirección tomará su música después de casi seis años sin publicar un nuevo larga duración.

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Quentin Gas & Los Zíngaros estrenan single, Gitano andalú, primer adelanto de su próximo álbum

Quentin Gas & Los Zíngaros anuncian que su aplaudido álbum de estudio «El mundo se quema» tendrá continuación con el anuncio de la salida de su cuarto trabajo.

Quentin Gas & Los Zíngaros regresan con «Gitano andalú», el primer adelanto de su cuarto álbum de estudio, que llevará por título «El sur soy yo». Un nuevo trabajo con el que la formación sevillana abre una etapa marcada por una mayor implicación creativa de su líder.

Quentin Gas & Los Zíngaros vuelven a la actualidad musical con dos novedades importantes. La banda ha confirmado que su próximo disco se titulará «El sur soy yo» y, para acompañar el anuncio, ha compartido «Gitano andalú», una canción que permite descubrir las primeras pistas sobre la dirección sonora de este nuevo proyecto.

El álbum será el cuarto trabajo de estudio de la formación y llegará para dar continuidad a «El mundo se quema», publicado en 2024. Aunque todavía no se ha anunciado una fecha concreta de lanzamiento, el grupo ya ha adelantado que se trata de uno de los proyectos más personales de Quentin Gas, quien ha asumido un papel especialmente importante en todo el proceso de creación.

En esta ocasión, el músico sevillano no solo firma la totalidad de las composiciones, sino que también se ha encargado de la producción y los arreglos del disco. Una implicación que apunta a una obra especialmente vinculada a su manera de entender la música y a las inquietudes que han acompañado su trayectoria artística.

El primer resultado de este trabajo puede escucharse en «Gitano andalú», una composición que mantiene la personalidad de Quentin Gas & Los Zíngaros y que reúne algunas de las influencias que han definido su propuesta. La canción combina elementos de las grandes formaciones musicales de los años setenta, una interpretación vocal cercana a la figura del crooner y estructuras relacionadas con el rock progresivo.

Esta mezcla de estilos vuelve a situar a la banda en un territorio musical difícil de encasillar, donde conviven diferentes tradiciones sonoras y una particular manera de acercarse a la música de raíz. En «Gitano andalú», todos esos elementos aparecen al servicio de una canción que funciona también como una declaración de identidad.

La letra refuerza ese carácter reivindicativo con versos como «soy gitano andalú, carnavalero antifascista», una afirmación que resume parte del mensaje de la composición. A través de ella, Quentin Gas & Los Zíngaros reivindican la libertad de mostrarse sin complejos, la identidad personal y la posibilidad de dejar atrás etapas anteriores para afrontar otras nuevas.

El título elegido para el álbum, «El sur soy yo», también parece avanzar algunas de las ideas que recorrerán este próximo trabajo. Una afirmación que sitúa la identidad y las raíces en el centro del discurso artístico del músico sevillano, aunque habrá que esperar a escuchar el resto de las canciones para conocer el alcance completo de esta propuesta.

El anuncio llega después de una etapa especialmente positiva para la formación. Su anterior disco, «El mundo se quema», publicado en 2024, tuvo un recorrido destacado que terminó llevando a Quentin Gas & Los Zíngaros hasta los Premios MIN, donde consiguieron una nominación en la categoría de Mejor Álbum de Música de Raíz.

Tras aquel reconocimiento, el grupo también compartió «Sentencia», una colaboración con Iñigo Bregel, integrante de Los Estanques, que volvió a poner de manifiesto su interés por explorar diferentes conexiones musicales.

Ahora, con «El sur soy yo» en el horizonte, Quentin Gas & Los Zíngaros preparan la continuación de una discografía en la que la experimentación, las raíces andaluzas y la mezcla de géneros han ocupado siempre un lugar destacado.

Mientras se conocen nuevos detalles sobre la publicación del álbum, «Gitano andalú» se convierte en la primera carta de presentación de esta nueva etapa, una canción que combina ambición musical y reivindicación personal para anticipar lo que está por llegar.

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Vega anuncia «L’appel du vide», primer adelanto de su nuevo álbum

La artista además de anunciar el lanzamiento de su nuevo single, anuncia nueva gira el próximo  2027 con la que celebrará 25 años de trayectoria sobre los escenarios.ç

Vega prepara su regreso discográfico con «L’appel du vide», el primer single de su próximo álbum, que llegará el 13 de noviembre. La artista celebra así sus 25 años de trayectoria musical y anuncia una nueva gira para 2027.

Vega comienza a desvelar los primeros detalles de su próximo trabajo discográfico, un lanzamiento que coincidirá con la celebración de sus veinticinco años de carrera. La cantante y compositora cordobesa ha anunciado «L’appel du vide», la primera canción de esta nueva etapa, que estará disponible en todas las plataformas digitales a partir del próximo 13 de noviembre de 2026 y que ya se puede reservar mediante presave.

El nuevo single supone el punto de partida de un proyecto con el que la artista vuelve a ponerse en manos de Ricky Falkner, productor con el que ya ha trabajado anteriormente y que estará al frente de esta nueva aventura musical. Una colaboración que refuerza la continuidad de su universo sonoro, aunque por el momento no se han dado a conocer más detalles sobre el título del álbum ni su fecha de publicación.

«L’appel du vide» se presenta como una composición que explora las contradicciones del amor, especialmente esos momentos en los que el deseo de permanecer junto a alguien convive con el impulso de escapar. Una canción que, según ha explicado la propia Vega, crece progresivamente hasta alcanzar un desenlace de gran intensidad emocional.

Uno de los elementos más particulares de este nuevo lanzamiento se encuentra en su construcción rítmica. La artista ha utilizado los latidos de su propio corazón como base de la canción, grabándolos mediante un fonendoscopio digital para transformarlos posteriormente en un bucle que acompaña toda la composición.

La propia Vega explica el origen y el significado de este recurso sonoro: «Se trata de un canto en forma de fuga que crece hasta llegar al clímax. Apela al amor que se escapa y duda a la vez. El beat que marca toda la canción, que se oye desde el principio hasta el final es el latido de mi corazón recogido con un fonendo digital que he utilizado para crear el loop. Un corazón que se desboca y quiere saltar por los aires.»

Con esta propuesta, la cantante convierte un elemento tan íntimo como el sonido de su corazón en una parte fundamental de la música, estableciendo una conexión directa entre el contenido emocional de la letra y la propia estructura de la canción.

El próximo disco también marcará una nueva etapa en la trayectoria profesional de Vega. Desde 2013, la artista ha desarrollado su carrera de manera autogestionada a través de su sello La Madriguera Records, manteniendo el control creativo de sus publicaciones y apostando por un modelo independiente.

Ahora, sin abandonar ese camino, ha decidido incorporar nuevos colaboradores a su proyecto. Tras anunciar el pasado mes de junio su incorporación a Artica Agency, compañía que se encargará de su management y contratación de conciertos, Vega contará también con Mushroom Pillow para la edición de su próximo trabajo, que verá la luz a través de La Madriguera Records.

La nueva etapa discográfica tendrá además su correspondiente presentación sobre los escenarios. Vega ha confirmado una gira que comenzará en febrero de 2027 su nueva gira y que, por el momento, contempla conciertos en trece ciudades españolas. Se trata de una primera tanda de actuaciones a la que se irán incorporando nuevas fechas.

Con veinticinco años de canciones a sus espaldas, Vega se prepara para abrir otro capítulo de su carrera. El primer paso llegará el 13 de noviembre con «L’appel du vide», una canción que permitirá descubrir hacia dónde se dirige su próximo álbum y que anticipa un 2027 especialmente activo para la artista.

Gira 2027

• 19.02 BILBAO
• 20.02 GIJÓN
• 26.02 VALLADOLID
• 27.02 ALICANTE
• 05.03 GRANADA
• 13.03 VALENCIA
• 02.04 HUESCA
• 03.04 BARCELONA
• 09.04 SEVILLA
• 17.04 MURCIA
• 30.04 MÁLAGA
• 07.05 LEÓN
• 08.05 SANTIAGO

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Miguel Rivera presenta «Tierra en ti», último adelanto de su nuevo álbum

Miguel Rivera estrena «Tierra en ti», una canción de carácter acústico con la que completa los adelantos de su próximo trabajo discográfico.

Miguel Rivera continúa desvelando las canciones que formarán parte de su próximo álbum y lo hace con «Tierra en ti», el último single antes de la publicación del disco. El músico presenta una composición que recupera una idea que llevaba años acompañándolo y que ahora encuentra su lugar dentro de esta nueva etapa creativa.

La canción tiene su origen en «Sistemas Binarios», el libro que el artista publicó en 2020 y en el que exploraba diferentes inquietudes personales a través de la escritura. Uno de aquellos textos ha servido como punto de partida para construir «Tierra en ti», una pieza que gira alrededor del deseo, la conexión emocional y la necesidad de vivir el presente sin dejarse arrastrar por todo lo que sucede a nuestro alrededor.

En esta ocasión, Rivera pone el foco en esos momentos en los que las emociones consiguen imponerse al ruido cotidiano. La canción habla de dejarse llevar, de entregarse a una sensación y de encontrar, aunque solo sea durante unos instantes, un espacio en el que todo lo demás pierde importancia. Una temática que conecta con el carácter introspectivo de sus composiciones y con su manera de trasladar experiencias y pensamientos personales al terreno musical.

Desde el punto de vista sonoro, «Tierra en ti» destaca por ser la canción más acústica del nuevo disco. Una elección que permite que la composición respire de una manera diferente y que sitúa la interpretación y el contenido emocional en el centro de la propuesta. Frente a otras posibilidades de producción, este nuevo adelanto apuesta por una aproximación más orgánica.

La producción vuelve a contar con Lost Twin, músico y productor que ha desarrollado una trayectoria vinculada a diferentes territorios de la música contemporánea. A lo largo de su carrera ha trabajado con artistas como María José Llergo, C. Tangana, Tote King, Erik Urano, Vicente Navarro o Rocío Márquez, aportando su particular visión sonora a proyectos de estilos muy diversos.

Con «Tierra en ti», Miguel Rivera completa una serie de lanzamientos que han permitido conocer algunas de las canciones de su próximo trabajo. Anteriormente había compartido «Una Casa Nueva», «Desde el rincón donde nadie me ve», «A veces el viento» y «Ruedan por los raíles», esta última junto a Rocío Márquez, una de las voces más destacadas del flamenco contemporáneo.

Estos adelantos han ido mostrando diferentes facetas del nuevo repertorio del artista, en el que la escritura y la búsqueda de nuevas formas de expresión ocupan un lugar importante. La relación entre literatura y música, especialmente presente en «Tierra en ti», añade otra dimensión a un proyecto que continúa desarrollando su universo creativo.

El próximo 30 de octubre llegará finalmente el nuevo disco de Miguel Rivera, una publicación que permitirá escuchar el conjunto de canciones y descubrir cómo encajan entre sí los diferentes adelantos presentados hasta ahora. Mientras llega ese momento, «Tierra en ti» funciona como la última puerta de entrada a esta nueva etapa del músico.

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Tulsa prepara su nuevo disco, el octavo de su carrera

Tulsa ya trabaja en su octavo álbum de estudio, un nuevo trabajo que llegará de la mano de Oso Polita y que dará continuidad a «Amadora», publicado en 2023.

Tulsa ya trabaja en el que será su próximo álbum de estudio. El proyecto musical liderado por Miren Iza prepara su octavo trabajo discográfico, un nuevo capítulo en una trayectoria de más de dos décadas que llegará de la mano de Oso Polita, el sello de Last Tour.

La artista donostiarra se encuentra actualmente inmersa en el proceso de grabación de las canciones que darán forma al sucesor de «Amadora», publicado en 2023. Aunque por el momento no se han desvelado detalles sobre su título, fecha de lanzamiento o dirección sonora, la noticia confirma que Tulsa tiene nueva música en camino y que su regreso discográfico ya está en marcha.

Este próximo lanzamiento llegará después de una de las etapas más importantes de su carrera. Con «Amadora», Miren Iza volvió a demostrar su capacidad para construir canciones que van mucho más allá de lo estrictamente musical, explorando las relaciones humanas, las emociones y las contradicciones personales desde una perspectiva profundamente íntima. El disco fue reconocido entre los mejores trabajos de 2023 consolidando su posición como una de las compositoras más singulares de la escena independiente nacional.

El universo de «Amadora» también encontró una segunda vida fuera de los escenarios musicales gracias a su adaptación teatral, escrita y dirigida por María Velasco, reconocida con el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2024. Ese mismo año, Tulsa recibió el Premio Nacional de Músicas Actuales, un reconocimiento que puso en valor una trayectoria marcada por la independencia creativa y una manera muy personal de entender la composición.

Desde sus comienzos a finales de los años noventa como integrante de Electrobikinis, formación femenina de punk pop, hasta el nacimiento de Tulsa, Miren Iza ha recorrido un camino musical en constante transformación. Su debut bajo este nombre llegó en 2007, año en el que también obtuvo una nominación al Grammy Latino como artista revelación.

A lo largo de sus siete discos publicados, Tulsa ha desarrollado un lenguaje propio en el que conviven el pop, el folk, el blues y las atmósferas del dream pop. Sus composiciones, construidas a menudo como pequeños relatos, han encontrado inspiración en referentes tan diversos como Mari Trini, Karen Dalton, Bessie Smith o Beach House, aunque siempre filtrados a través de una identidad artística reconocible.

Su inquietud creativa también la ha llevado al terreno cinematográfico, participando en bandas sonoras como la de «Los exiliados románticos», película de Jonás Trueba reconocida con la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga, o el mediometraje «Ignonauta», dirigido por Raúl Santos.

Coincidiendo con la preparación de este nuevo álbum, Tulsa ha anunciado su incorporación al catálogo de contratación de Last Tour.

Con su octavo disco ya en preparación, Tulsa abre una nueva etapa creativa después del reconocimiento cosechado con «Amadora». Queda por descubrir qué nuevos territorios explorará Miren Iza en unas canciones que, por ahora, todavía no tienen fecha de publicación anunciada.

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Letra de Dos cruces de Los Planetas: significado de la canción y análisis

Hay lugares a los que regresamos sabiendo que ya no encontraremos lo que dejamos en ellos. Una calle, una plaza o una noche pueden conservar el recuerdo de una relación mucho después de que sus protagonistas hayan tomado caminos distintos. «Dos cruces», la canción que recuperan Los Planetas, habla de ese amor terminado que continúa presente en la memoria y de la tristeza de dos personas que se quisieron sin llegar a comprenderse.

La banda granadina ha publicado su versión este 23 de octubre como primer adelanto de su próximo álbum. Recupera así el clásico bolero de 1952 asociado al compositor Carmelo Larrea, cuya letra convierte una historia de separación en un lamento por lo que pudo haber sido.

Sevilla, el barrio de Santa Cruz y la plaza de Doña Elvira dibujan el escenario de ese recuerdo. Frente a esos lugares concretos aparece una imagen simbólica: dos cruces clavadas en el monte del olvido. A través de ellas, la canción representa el final de una relación y el duelo por un sentimiento que no consiguió encontrar su lugar en la vida de quienes lo compartían.

¿Qué significa «Dos cruces» de Los Planetas?

«Dos cruces» puede interpretarse como una canción sobre la pérdida de un amor correspondido que no logró sostenerse. La voz protagonista recuerda una relación en la que existió un sentimiento compartido, pero cuyo desenlace estuvo marcado por la separación y la falta de entendimiento.

Esa combinación explica buena parte de su tristeza. El recuerdo conserva la certeza de que ambos se quisieron y, al mismo tiempo, la conciencia de que aquello no fue suficiente para permanecer juntos.

Las dos cruces representan simbólicamente esos amores terminados: el de una persona y el de la otra. La letra les da una forma visible, como si cada sentimiento necesitara una señal que recordase su existencia después de desaparecer la relación.

Desde esta lectura, la canción habla tanto del desamor como de la dificultad de aceptar una historia que terminó dejando preguntas pendientes.

Sevilla como testigo de un amor perdido

El comienzo sitúa el recuerdo en una Sevilla nocturna, iluminada por la luna y envuelta en silencio. La ciudad aparece como testigo de la intimidad de los amantes, un espacio que conserva aquello que ocurrió entre ellos.

La imagen de la noche callada crea una sensación de recogimiento. Durante ese instante recordado, parece que nada interrumpe la relación y que el mundo queda reducido a las dos personas que se quieren.

Sin embargo, todo se cuenta desde un presente en el que ya están separadas. Esa distancia transforma la escena: la belleza de lo vivido también hace más dolorosa su ausencia.

Sevilla permanece mientras la relación pertenece al pasado. La ciudad se convierte así en un lugar al que se puede volver físicamente, aunque resulte imposible recuperar la experiencia que se vivió en ella.

Un amor sin pecado y una separación sin explicación

La descripción del sentimiento como un amor sin pecado presenta la relación desde la inocencia. La voz que recuerda reivindica la sinceridad de lo que compartieron, sin señalar una traición ni explicar una culpa concreta.

Después aparece el destino como responsable de la separación. Esa referencia permite expresar la sensación de que algo ajeno a los deseos de ambos terminó imponiéndose.

La letra no detalla qué sucedió. No sabemos si hubo distancia, circunstancias personales, decisiones incompatibles o dificultades para mantener la relación. Esa ausencia de una explicación concreta deja el centro de la canción en las consecuencias emocionales.

También puede leerse como una forma de asumir lo ocurrido cuando todavía cuesta comprenderlo. Atribuir el desenlace al destino ofrece una explicación para una pérdida que el protagonista sigue recordando con desconcierto.

Qué representan las dos cruces

Las cruces introducen una imagen funeraria para hablar del final del amor. Dentro de la letra, pueden entenderse como las señales de una muerte simbólica: la de los sentimientos o la de la posibilidad de seguir compartiéndolos.

El hecho de que sean dos resulta significativo. Aunque existió una relación común, cada persona tuvo su propia manera de vivirla, sus expectativas y su dolor.

La canción concede un lugar a ambas experiencias. El protagonista reconoce que la pérdida también pertenece a la otra persona, aunque solo podamos escuchar su voz.

Las cruces funcionan, además, como un pequeño monumento a lo desaparecido. Marcan un final, pero también impiden que aquello quede completamente borrado. Al nombrarlas, la canción vuelve a recordar el amor que representan.

El monte del olvido: querer dejar atrás lo que todavía duele

Frente a los lugares reconocibles de Sevilla, el monte del olvido pertenece al terreno de la metáfora. Puede leerse como el espacio imaginario al que van a parar las relaciones terminadas, las promesas incumplidas y las vidas que ya no llegarán a compartirse.

Sin embargo, existe una tensión entre ese olvido y la propia canción. El protagonista recuerda la ciudad, la noche y el sentimiento con suficiente intensidad como para volver a contarlos.

El amor ha quedado atrás, pero sigue ocupando un lugar en su memoria. Por eso, el olvido puede entenderse aquí como la distancia que separa el presente de lo vivido, más que como una desaparición completa del recuerdo.

Las cruces refuerzan esa contradicción: están colocadas en un lugar destinado a olvidar y, aun así, sirven para conservar la huella de lo perdido.

Dos amores que terminaron sin comprenderse

La falta de comprensión es uno de los elementos que más profundidad aporta al estribillo. La canción presenta a dos personas que se quisieron y que no consiguieron entenderse.

Esa idea permite reconocer una experiencia frecuente en las relaciones: compartir un sentimiento no implica tener las mismas necesidades, saber comunicarse o imaginar un futuro compatible.

La letra no reparte responsabilidades ni concreta qué dejó de comprender cada uno. Mantiene abierta una herida que puede estar relacionada con lo que no supieron decir, escuchar o aceptar.

Desde esa perspectiva, el dolor también nace de una posibilidad frustrada. Saber que hubo amor puede hacer más difícil asumir el final, porque deja la pregunta de si las cosas habrían sido distintas de haberse entendido mejor.

Volver al barrio de Santa Cruz y a la plaza de Doña Elvira

En la segunda parte, el recuerdo adquiere un movimiento concreto: el protagonista regresa a los lugares asociados a la relación. El barrio de Santa Cruz y la plaza de Doña Elvira se convierten en puntos de encuentro entre el presente y el pasado.

Volver activa la memoria. El entorno hace reaparecer una experiencia que parecía lejana y provoca incredulidad ante todo lo sucedido.

La sensación de que parece mentira que aquello pasara puede leerse de dos maneras. Expresa el asombro de haber vivido una felicidad que ahora resulta distante, pero también la dificultad de aceptar que haya terminado.

Los lugares conservan una continuidad que la relación ha perdido. Esa diferencia vuelve especialmente doloroso el regreso: reconocer el escenario permite comprobar con más claridad la ausencia de la otra persona.

Las promesas de amor que se pierden en el aire

Las promesas introducen el futuro que los amantes imaginaron juntos. Su pérdida amplía el duelo más allá de los momentos compartidos: también desaparece aquello que esperaban vivir.

La imagen del aire transmite fragilidad y dispersión. Las palabras que en su momento parecían firmes han quedado sin un destino en el que cumplirse.

Esto no obliga a entenderlas como promesas falsas. Dentro de la canción, pueden haber sido sinceras cuando se pronunciaron y haber perdido su sentido con el cambio de las circunstancias o con la separación.

Ahí reside otra de las tristezas de la letra: recordar que hubo un momento en el que ambos creyeron posible una vida que finalmente no ocurrió.

Un estribillo que vuelve como el recuerdo

La repetición de las dos cruces devuelve continuamente la canción a su imagen central. Después de recordar el comienzo del amor y de regresar a los lugares compartidos, el protagonista alcanza la misma conclusión: la relación ha terminado.

Ese movimiento puede interpretarse como una representación del duelo. Los recuerdos cambian de forma, aparecen detalles distintos, pero el pensamiento vuelve una y otra vez a la pérdida.

El estribillo también pasa de una imagen general a una identificación íntima. Esos dos amores tienen dueños: pertenecen a quien canta y a la persona a la que se dirige.

«Dos cruces» encuentra su fuerza en esa mezcla de sencillez y dolor. Una ciudad conserva el escenario, la memoria mantiene las escenas y las cruces señalan el final. Entre todo ello permanece la tristeza de haberse querido sin haber sabido encontrar una manera de seguir juntos.

Letra de «Dos cruces» de Los Planetas

Sevilla tuvo que ser
con su lunita plateada
testigo de nuestro amor
bajo la noche callada.
Y nos quisimos tú y yo
con un amor sin pecado
pero el destino ha querido
que vivamos separados.

Están clavadas dos cruces
en el monte del olvido
por dos amores que han muerto
sin haberse comprendido.
Están clavadas dos cruces
en el monte del olvido
por dos amores que han muerto
que son el tuyo y el mío.

En el barrio de Santa Cruz
en plaza de Doña Elvira
hoy he vuelto a recordar
y me parece mentira
que todo aquello pasó.
Todo quedó en olvido
nuestras promesas de amores
en el aire se han perdido.

Están clavadas dos cruces
en el monte del olvido
por dos amores que han muerto
sin haberse comprendido.
Están clavadas dos cruces
en el monte del olvido
por dos amores que han muerto
que son el tuyo y el mío.

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Contenta, de Santiago Lorenzo: elogio de la planicie

Blackie Books

Hay escritores que persiguen lo extraordinario como quien corre detrás de un autobús que ya se ha ido, y luego está Santiago Lorenzo, que prefiere sentarse en la marquesina, encender un pitillo y contarnos, con una precisión casi de relojero, cómo se desconcha la pintura del banco. Con Contenta (Blackie Books), el autor de Los asquerosos y Tostonazo vuelve a demostrar que no hay materia prima más fértil que la que todos despreciamos: lo feo, lo aburrido, lo monótono, lo directamente miserable. Y vuelve a elevarlo a cotas de una lucidez narrativa que ya quisieran para sí muchos de los que firman novelas con pretensiones de catedral.

La premisa es de una sencillez desarmante. Cecilia, autónoma de las de facturar poco y sufrir mucho, recibe el encargo de un ayuntamiento para rodar un vídeo de promoción turística del municipio. El problema, y aquí arranca la maquinaria lorenziana, es que el pueblo es feo. Feo sin paliativos, feo sin épica, feo con esa fealdad de nave a medio terminar, de calle mal asfaltada y de bar con tragaperras que conoce cualquiera que haya cruzado la meseta. ¿Cómo se vende lo invendible? ¿Cómo se filma un paraíso donde solo hay planicie? Esa pregunta, aparentemente menor, se convierte en el motor de un libro que habla, en realidad, de casi todo.

Porque Contenta es, ante todo, una radiografía de la España que no sale en los telediarios salvo cuando arde o se vacía. La de la precariedad como estado natural, la de la vivienda como lujo inalcanzable, la de los autónomos que hacen malabares con las cuotas mientras el mes se les hace eterno. Lorenzo no sermonea ni levanta pancartas; simplemente coloca a Cecilia en ese paisaje y deja que el desasosiego vaya filtrándose como la humedad en una pared de pueblo. Y ese desasosiego, ese malestar sordo y persistente, es el verdadero eje narrativo de la novela, la corriente subterránea sobre la que flota todo lo demás.

Lo prodigioso es cómo el autor convierte la quietud en tensión. En ese municipio de apenas unos miles de almas, lejos de los focos y del ruido de las grandes capitales, la rutina se impone a los sueños de una vida mejor con la contundencia de una apisonadora. El conformismo no es aquí una derrota, sino un modo de existir: aguantar, no moverse, dejar que los días pasen iguales. Pero bajo esa superficie de calma chicha laten cosas mucho más turbias. Rencores heredados, cuentas pendientes, odios atávicos que nadie nombra pero que todos huelen, y unas buenas dosis de revancha y venganza que asoman cuando menos se espera. Contenta guarda algún que otro giro imprevisto que descoloca al lector y le recuerda que en los sitios donde nunca pasa nada es precisamente donde más cosas se cuecen a fuego lento.

Y luego está la prosa. Esa voz inconfundible, castiza y sabia, capaz de arrancarte una carcajada en una línea y dejarte un nudo en la garganta en la siguiente. Lorenzo maneja el humor como un cirujano el bisturí: nunca para burlarse de sus criaturas, siempre para entenderlas mejor. Hay en su mirada una compasión enorme hacia la gente corriente, hacia los perdedores sin aspaviento, hacia quienes simplemente intentan llegar a fin de mes sin perder del todo la dignidad. Por primera vez, además, esa mirada se posa sobre una protagonista femenina, y Cecilia, cansada hasta el tuétano, desencantada pero tozuda, es uno de los personajes más vivos y entrañables de toda su obra.

El título, por supuesto, es pura ironía. Cecilia apenas está contenta en ningún momento, y quizá ahí resida la gran lección del libro: que la felicidad, en estos tiempos y en estos lugares, tiene más de resignación que de alegría. Pero leer a Santiago Lorenzo sí que produce contento, y del bueno. Contenta es una novela pequeña en apariencia y enorme en el fondo, un libro que confirma a su autor como el gran cronista de la España sin brillo. Imprescindible.

Redacción: Juan A. Ruiz-Valdepeñas

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Los Planetas estrenan single, Dos Cruces, versión de un clásico bolero

Los Planetas comparten «Dos cruces», primer adelanto de su próximo disco, revisión del clásico bolero de Carmelo Larrea y Gunther Manuel Salinger.

Los Planetas están de vuelta con nueva música. La banda granadina ha estrenado hoy, viernes 23 de octubre, «Dos cruces», una particular reinterpretación del conocido bolero compuesto por Carmelo Larrea y Gunther Manuel Salinger en 1952. El lanzamiento supone el primer adelanto de su próximo álbum y marca el comienzo de una nueva etapa discográfica para una de las formaciones más influyentes de la música independiente española.

Después de más de tres décadas de trayectoria, Los Planetas continúan explorando nuevas posibilidades musicales sin renunciar a una identidad que los ha convertido en un referente del indie nacional. En esta ocasión, el grupo recupera una composición con más de setenta años de historia para trasladarla a su propio universo sonoro, demostrando una vez más su capacidad para encontrar conexiones entre estilos y épocas aparentemente alejados.

«Dos cruces» no resulta completamente desconocida para los seguidores de la banda. Durante los últimos meses, Los Planetas ya habían incorporado esta versión a algunos de sus conciertos, ofreciendo al público un primer acercamiento a una interpretación que ahora llega oficialmente a las plataformas digitales. Su publicación permite descubrir con mayor detalle una propuesta que recupera la esencia emocional del bolero original y la transforma a través del particular lenguaje musical de los granadinos.

La elección de esta canción encaja con una trayectoria en la que Los Planetas han mostrado un interés constante por explorar diferentes tradiciones musicales. Desde sus primeros trabajos hasta sus incursiones en el flamenco y otras expresiones populares, el grupo ha demostrado que su identidad artística no depende de permanecer dentro de los límites de un único género.

En «Dos cruces», esa búsqueda vuelve a encontrar un punto de conexión con algunas de las emociones que han definido su repertorio. La pérdida, el desamor, la nostalgia y la ausencia, elementos centrales de la composición original, también forman parte del imaginario de una banda que ha convertido las relaciones personales y sus contradicciones en una fuente recurrente de inspiración.

La versión de Los Planetas apuesta por una interpretación pausada y envolvente, en la que la intensidad emocional se construye desde la contención. Lejos de reproducir literalmente los códigos del bolero clásico, el grupo lleva la canción hacia una atmósfera más cercana a su propio sonido, conservando el carácter melancólico de la composición mientras le otorga una personalidad diferente.

El estreno de «Dos cruces» adquiere una relevancia especial al tratarse del primer avance del próximo trabajo discográfico de Los Planetas. Aunque todavía no se han anunciado el título, la fecha de publicación ni el repertorio completo del álbum, esta primera canción abre una puerta hacia la dirección musical que podría tomar la banda en su siguiente lanzamiento.

La recuperación de una composición de 1952 también refleja una manera de entender la música alejada de las tendencias inmediatas. Los Planetas vuelven a mirar hacia el pasado para encontrar nuevas formas de expresión, reivindicando la vigencia de canciones capaces de conectar con diferentes generaciones.

Con «Dos cruces», disponible en plataformas digitales, Los Planetas dan el primer paso hacia su próximo disco. Un regreso que demuestra que, después de más de treinta años de carrera, la formación granadina sigue encontrando nuevas maneras de ampliar su universo musical sin perder aquello que la hace reconocible.

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A Mares estrena «Caballo de fuego», de la mano de Víctor Cabezuelo

La compositora murciana presenta el primer adelanto de su próximo EP, con producción de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly) y mezcla de Manuel Cabezalí (Havalina).

La artista murciana A Mares inicia una nueva etapa musical con el lanzamiento de «Caballo de fuego», el primer adelanto de su próximo EP. La canción cuenta con la producción de Víctor Cabezuelo, integrante de Rufus T. Firefly, y la mezcla de Manuel Cabezalí, de Havalina, dos nombres destacados de la escena independiente nacional que acompañan a la compositora en este nuevo capítulo de su trayectoria.

Detrás de A Mares se encuentra Patricia Zamora, compositora, letrista y guitarrista que continúa desarrollando una propuesta musical en la que las emociones personales conviven con las guitarras distorsionadas y las atmósferas envolventes. Tras publicar su trabajo debut en 2025, la artista regresa con una canción que amplía su universo sonoro y anticipa una evolución hacia sonidos más intensos y experimentales.

«Caballo de fuego» aborda la ansiedad, el miedo y la necesidad de encontrar fuerzas para superar los momentos difíciles. A través de una composición cargada de sensibilidad, A Mares plantea un recorrido emocional que parte de la incertidumbre y avanza hacia la búsqueda de una nueva etapa. La canción transforma las experiencias negativas en una expresión de resistencia y superación, utilizando la música como vehículo para canalizar sentimientos que, en ocasiones, resultan difíciles de expresar.

En el apartado sonoro, el nuevo single combina guitarras contundentes, pasajes ambientales y melodías melancólicas que construyen una atmósfera marcada por los contrastes. La influencia del grunge, el rock alternativo y el dream pop de los años noventa está presente en una propuesta que encuentra referencias en artistas y bandas como PJ Harvey, Mazzy Star, The Cranberries, The Smashing Pumpkins o Mitski.

La producción de Víctor Cabezuelo aporta una nueva dimensión al sonido de A Mares, reforzando el protagonismo de las guitarras y las texturas atmosféricas. A este trabajo se suma la mezcla de Manuel Cabezalí, cuya experiencia dentro del rock alternativo español contribuye a dar forma a una composición que combina momentos de fragilidad con otros de mayor intensidad instrumental.

El estreno de «Caballo de fuego» llega acompañado de una cita importante para la artista. Este viernes 23 de octubre, A Mares ofrecerá su primer concierto en Madrid junto a su banda, dentro del ciclo Radar Joven, impulsado por el Ayuntamiento de Madrid. La actuación tendrá lugar en Independance Club, donde compartirá escenario con Jordana B, en una noche dedicada a algunas de las propuestas emergentes de la escena musical.

La cita permitirá descubrir en directo una faceta de su proyecto en la que las guitarras y la intensidad emocional adquieren especial protagonismo, trasladando al escenario las diferentes texturas que caracterizan sus composiciones.

Además de su trayectoria musical, Patricia Zamora desarrolla su actividad profesional como tatuadora y cuenta con formación en Diseño y Tecnologías Creativas. Su vinculación con diferentes disciplinas artísticas forma parte de una identidad creativa que continúa tomando forma a través de sus canciones.

Con «Caballo de fuego», A Mares da un nuevo paso en su trayectoria y abre el camino hacia un próximo EP con el que seguirá explorando los límites entre el rock alternativo, el dream pop y la canción de autor. Un lanzamiento que confirma su interés por construir un sonido propio, donde la vulnerabilidad y la fuerza encuentran un punto de encuentro a través de la música.

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