La Fábula: el amarre sobre la hierba seca

Hay campos que parecen una página en blanco y son, en realidad, un pergamino a punto de leerse. El de La Fábula es de pasto seco, un amarillo cansado de esperar la lluvia, y alrededor los árboles hacen de testigos que han jurado no declarar. Samurai planta ahí su primer single como se plantan los conjuros, sin prisa y con la certeza de que lo importante ya está escrito. Porque eso es la canción, un amarre: un hechizo que te ata a la historia de otro y que no se deshace con el último acorde.

La historia empieza con un vaquero que cruza el bosque a caballo con las alforjas cargadas de tabaco, romero y whisky, el botiquín de cualquier errante, donde el vicio, la hierba que cura y el trago que anestesia viajan en el mismo costal. Lo llaman Canserbero, y el apodo pesa más de lo que aparenta. Cerbero era el perro que guardaba la puerta del inframundo, y este hombre vigila una frontera que nadie más ve, la que separa lo que uno se permite de lo que acabará pagando. Se pasa los días custodiando un límite que, tarde o temprano, tiene que cruzar él mismo. Porque a todos se nos ha ido alguna vez de las manos aquello que pensábamos que no era tan transcendental. 

Y entonces aparece la bruja. En el videoclip no necesita aspavientos, porque más que una hechicera es una jueza, o quizá esa voz que todos llevamos dentro y que solo habla cuando ya es tarde. El amor te hace libre, decían, pero lo dicen quienes nunca han tenido que rendir cuentas por haberlo usado mal. La sentencia no llega con fuego ni con rayos, llega como llegan los castigos de verdad, en forma de olvido: la condena es no poder volver a pronunciar el nombre de aquella a quien se hirió. Ese corazón fue bendecido sin derecho, dice la letra, y la pena es vivir con el dolor de haberlo hecho tan mal. Es una crueldad exquisita, porque no le quitan el amor, se lo dejan sin dueño.

La cámara lo entiende y se queda quieta. Los primeros planos (la lágrima, la mirada que no se aparta, el gesto de dolor y de contacto) hacen el trabajo de un duelo a mediodía en el que nadie desenfunda y, aun así, alguien ya ha perdido. Todo el horizonte del campo, que debería ser promesa de libertad, funciona al revés: cuanta más tierra hay a la vista, menos sitio queda para esconderse.

Lo más inquietante de la canción es su ternura. La voz es delicada y la atmósfera acústica, casi de fogata, y sobre ese lecho amable se posa una letra que habla de castigo y de memoria. Es el truco viejo de las nanas antiguas, que arrullan mientras cuentan algo terrible, y Samuraï lo recupera para decir que el amor no redime por decreto. A veces lo único que hace es sacar a la luz lo que debíamos y nunca pagamos.

El final vuelve la vista hacia el principio. Antes de la culpa hubo inocencia, un amar sin cálculo, y de ahí se pasa a la imagen que cierra el círculo: sangre y rosales con las espinas clavadas. Una fábula se sostiene sobre su moraleja, y esta no consuela. Dice que la inocencia no sirve de coartada y que la herida, como el rosal, sigue creciendo aunque dejemos de mirarla.

En esta ocasión, Samurai ha optado por limpiar su voz y dejar de lado ese rasgado tan característico que suele usar para transmitir rabia, seguramente sea una decisión de producción muy intencionada.

Al tratarse de una «fábula» y de un «amarre», cantar una historia tan vengativa y trágica con una voz más controlada, limpia o incluso dulce genera un contraste brutal. Le da un aire mucho más teatral, como el tono que usaría una bruja lanzando un hechizo o alguien contando un cuento oscuro a la luz del fuego. En lugar de sonar desesperada o rota por la traición, suena a alguien que tiene el control absoluto de la condena que está imponiendo.

La Fábula es la primera de las doce cláusulas de Amarre, un contrato que se firmará en primavera de 2027, cuando el campo vuelva a verdear. Hasta entonces, conviene leer la letra pequeña antes de seguir camino.

Redacción: Paola Córcoles

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Letra de En mi cabeza de La Casa Azul: significado de la canción y análisis

Hay pensamientos que nunca llegan a convertirse en conversaciones. Miedos que aparecen cuando nadie mira, recuerdos que siguen ocupando espacio y versiones de nosotros mismos que apenas mostramos a los demás. «En mi cabeza», de La Casa Azul, aborda esa distancia entre la imagen que proyectamos y lo que sucede en nuestro interior, con una letra que entrelaza inseguridad, nostalgia amorosa y dudas sobre la propia identidad.

La canción puede leerse como una confesión sobre esa vida íntima que permanece oculta incluso para las personas más cercanas. En ella conviven el recuerdo de una relación que parecía tenerlo todo por delante y un malestar que no depende únicamente de esa historia. El amor forma parte del conflicto, pero la letra también habla de algo más profundo: la dificultad de sentirse en paz con uno mismo.

¿Qué significa «En mi cabeza» de La Casa Azul?

La frase «En mi cabeza yo soy diferente» presenta la idea central de la canción. Existe una diferencia entre la persona que los demás conocen y la que aparece en soledad. Cuando desaparece la mirada ajena, también se debilita la obligación de ser agradable, estar disponible o transmitir alegría.

Los primeros versos describen a alguien menos amable, más ausente y atravesado por una insatisfacción persistente. Ese sentimiento de no tener suficiente puede interpretarse como una dificultad para encontrar calma: incluso cuando aparentemente todo está en su sitio, algo sigue faltando.

La cabeza se convierte así en el lugar donde conviven una identidad escondida y una vida que nadie más percibe. No necesariamente porque exista una voluntad de engañar, sino porque las emociones más difíciles no siempre encuentran una forma de expresarse.

Una vida interior que nadie imagina

«En mi cabeza yo tengo otra vida» amplía esa separación entre lo visible y lo íntimo. La letra sugiere que una persona puede compartir su tiempo con los demás mientras atraviesa, por dentro, una experiencia completamente distinta.

El agotamiento y la sensación de estar perdida introducen una vulnerabilidad que contrasta con cualquier apariencia de normalidad. Quien habla parece llevar tiempo sosteniendo pensamientos que el entorno desconoce, sin encontrar un punto firme desde el que ordenar lo que siente.

También resulta significativo que la letra alterne formas masculinas y femeninas. Esa variación permite escuchar la confesión desde distintas voces y reconocer el mismo conflicto en experiencias diferentes. El texto no obliga a atribuir todos sus sentimientos a un único personaje.

«Tú ibas a ser para mí»: el futuro que no llegó

El estribillo desplaza la atención hacia una relación recordada desde las expectativas que despertó. «Tú ibas a ser para mí» expresa la distancia entre lo que parecía destinado a suceder y lo que finalmente ocurrió.

La construcción verbal contiene una promesa interrumpida. Había una idea de futuro, una confianza en la relación y una sensación de que todavía quedaba mucho por vivir. El recuerdo conserva esa luz compartida, aunque el presente ya no responda a ella.

La combinación de invencibilidad e inconsciencia también admite una lectura retrospectiva. Lo que entonces podía sentirse como una certeza absoluta aparece ahora acompañado por el reconocimiento de que quizá no se comprendían todas las dificultades. La intensidad del vínculo no bastaba para conocer su desenlace.

Por eso el recuerdo sigue teniendo tanta fuerza: también se añora la vida que se imaginó junto a esa persona.

El miedo a la muerte y la falta de certezas

En la segunda parte, la canción entra de forma más directa en la inquietud existencial. La oscuridad deja espacio al miedo a la muerte, a las dudas y a un vacío que aparece de manera intermitente.

Ese detalle evita presentar el malestar como una emoción uniforme. Hay momentos en los que puede quedar en segundo plano y otros en los que vuelve a ocuparlo todo. La noche funciona como el escenario donde los pensamientos encuentran menos distracciones y se vuelven más difíciles de apartar.

La búsqueda de una piedra angular para la propia vida refuerza esa necesidad de estabilidad. La voz de la canción parece necesitar algo que dé sentido y sostenga el conjunto, pero no consigue identificarlo. El conflicto amoroso queda entonces integrado en una incertidumbre más amplia sobre cómo vivir y dónde encontrar seguridad.

«Yo fui siempre así»: aceptación y necesidad de comprensión

La insistencia en que esa forma de ser ya existía introduce uno de los matices más importantes del texto. El malestar no nace por completo de la relación recordada: había dudas y vacíos anteriores.

«Porque aunque no te guste yo fui siempre así» puede escucharse como una afirmación de identidad, pero también como una petición de comprensión. Hay cierta firmeza en reconocer lo que uno es y, al mismo tiempo, una vulnerabilidad evidente ante la posibilidad de que el otro lo rechace.

La canción no ofrece una resolución clara. Los recuerdos siguen en la mente y la diferencia entre la vida interior y la imagen pública permanece hasta el final. Ahí reside buena parte de su capacidad para conectar: en expresar lo difícil que resulta explicar quiénes somos cuando ni siquiera nosotros tenemos todas las respuestas.

Letra de «En mi cabeza» de La Casa Azul

En mi cabeza yo soy diferente
Cuando estoy solo y no mira la gente
Soy menos amable y estoy más ausente
Nunca tengo suficiente
Aunque no te guste yo fui siempre así

En mi cabeza yo tengo otra vida
Que nadie percibe, que nadie imagina
Estoy agotada y me siento perdida

Porque en mi cabeza
Porque en mi cabeza
Porque en mi cabeza

Tú ibas a ser para mí
Tú ibas a ser para mí
Nuestra luz era increíble
Todo por vivir
Tú ibas a ser para mí
Éramos invencibles, inconscientes
Y sigue todo aquí en mi mente
Porque aunque no te guste yo fui siempre así

En mi cabeza yo soy diferente
Cuando oscurece me aterra la muerte
La duda me invade y el miedo me puede
Y este, un vacío intermitente
Que, aunque no te guste, siempre estuvo ahí

En mi cabeza me siento distinta
Soy menos alegre y estoy intranquila
No encuentro la piedra angular de mi vida

Porque en mi cabeza
Porque en mi cabeza
Porque en mi cabeza

Tú ibas a ser para mí
Tú ibas a ser para mí
Nuestra luz era increíble
Todo por vivir
Tú ibas a ser para mí
Éramos invencibles, inconscientes
Y sigue todo aquí en mi mente
Porque aunque no te guste yo fui siempre así

Aaaah
Aaaah
Aaaah

(Look up the number)
(Go!)

En mi cabeza yo soy diferente
(Yo soy diferente)

Porque en mi cabeza
Porque en mi cabeza
Porque en mi cabeza

Tú ibas a ser para mí
(Tú ibas a ser para mí)
Tú ibas a ser para mí
(Tú ibas a ser para mí)
Nuestra luz era increíble
Todo por vivir
Tú ibas a ser para mí (para mí)
Para mí, para mí, para mí
Y sigue todo aquí en mi mente
Porque aunque no te guste yo fui siempre así

En mi cabeza yo soy diferente
(Diferente)
Cuando estoy solo
(Cuando estoy sola)
Y no mira la gente

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Los Estanques presentan «Esa boca de cristal – Cap.II», adelanto de su próximo álbum

Alejándose de su lado más sesentero, la banda cántabra explora la neopsicodelia con este nuevo single «Ese boca de cristal – Cap.II».

Los Estanques continúan descubriendo las canciones de su próximo trabajo con «Esa boca de cristal – Cap. II», un nuevo single con el que la banda presenta el segundo capítulo de «NO» y explora un sonido más atmosférico y contemporáneo.

Después de abrir esta nueva etapa, Los Estanques siguen dando pistas sobre el camino que tomará su próximo disco. Lo hacen ahora con «Esa boca de cristal – Cap. II», una canción que pone el foco en las relaciones sentimentales marcadas por el chantaje emocional y en las consecuencias que puede provocar quedar atrapado dentro de una dinámica de este tipo.

El tema habla de cómo la violencia pasiva puede instalarse poco a poco dentro de una relación hasta terminar convirtiéndola en una especie de pozo del que resulta complicado escapar. Una temática que Los Estanques trasladan a su particular universo musical mientras continúan ampliando los límites de una propuesta que nunca ha tenido demasiados problemas para escapar de las etiquetas.

Precisamente, una de las principales novedades de «Esa boca de cristal – Cap. II» aparece en su apartado sonoro. En esta ocasión, el grupo se distancia de su vertiente más vinculada a los sonidos de los años sesenta para adentrarse en terrenos más atmosféricos y modernos.

Un nuevo movimiento dentro de lo que ellos mismos han bautizado como «Pop libre», un concepto que sirve para entender una música en la que las fronteras entre géneros se vuelven cada vez menos importantes. Los Estanques vuelven así a demostrar que la experimentación y los cambios de dirección forman parte de la propia identidad del proyecto.

«Esa boca de cristal – Cap. II» supone además el regreso de la banda a sus lanzamientos propios después de una etapa especialmente marcada por las colaboraciones.

Uno de los proyectos más destacados de los últimos años fue «Burbuja cómoda y elefante inesperado», el álbum publicado junto a Anni B Sweet en el que ambos universos encontraron numerosos puntos en común. Más recientemente llegó «Lágrimas de plomo fundido», su trabajo junto a El Canijo de Jerez, otra colaboración que volvió a mostrar la facilidad de Los Estanques para llevar su sonido hacia territorios diferentes.

Tras estas experiencias compartidas, la banda vuelve ahora a centrarse en su propio universo con «NO», un nuevo disco del que poco a poco vamos conociendo sus primeros capítulos.

Con «Esa boca de cristal – Cap. II», Los Estanques presentan una nueva pieza de ese puzle y anticipan un trabajo en el que parece que volverán a jugar con diferentes sonidos, texturas y formas de entender el pop. Una nueva etapa con la que el grupo continúa defendiendo precisamente esa idea de libertad creativa que ha terminado convirtiéndose en una de sus principales señas de identidad.

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La Casa Azul estrena «En mi cabeza», junto a Dani Dicostas

Un hit europop ultrabailable que supone el quinto adelanto de «Fauna y Flora Subacuática», el esperado nuevo disco de La Casa Azul.

La Casa Azul continúa desvelando su próximo trabajo con «En mi cabeza», un nuevo single en el que Guille Milkyway cuenta con la colaboración de dani dicostas y que sirve como quinto adelanto de «Fauna y Flora Subacuática».

Cada nueva canción de La Casa Azul llega acompañada de esa particular mezcla de expectación y curiosidad por descubrir hacia dónde llevará Guille Milkyway esta vez su inconfundible universo pop. La respuesta llega ahora con «En mi cabeza», una canción que vuelve a viajar directamente desde ese particular «Planeta Rosa» en el que parece habitar el proyecto.

Para este nuevo lanzamiento, La Casa Azul une fuerzas con Dani Dicostas, cuya voz se integra de manera natural en el imaginario sonoro de Guille Milkyway. No es, además, la primera vez que sus caminos se cruzan. En 2020, Milkyway ya realizó una remezcla de «Si te vas», una de las primeras canciones publicadas por dani dicostas.

«En mi cabeza» se convierte así en el quinto adelanto del próximo disco de La Casa Azul, uno de los regresos discográficos más esperados del proyecto. El nuevo álbum llevará por título «Fauna y Flora Subacuática» y tendrá una publicación diferente a la habitual, ya que verá la luz dividido en dos entregas.

La primera será «Fauna Subacuática», cuyo lanzamiento está previsto para el próximo 27 de noviembre de 2026. Habrá que esperar algo más para escuchar la segunda parte, «Flora Subacuática», que estará disponible a partir del 5 de febrero de 2027. Dos lanzamientos que terminarán dando forma a esta nueva etapa de La Casa Azul y que posteriormente tendrán también su correspondiente presentación sobre los escenarios.

Con «En mi cabeza», Guille Milkyway continúa construyendo un disco que amplía ese universo en el que melodías luminosas, electrónica y pop se encuentran con emociones mucho menos sencillas de lo que puede parecer en una primera escucha. La presencia de dani dicostas aporta además una nueva dimensión a una canción que encaja perfectamente dentro del particular imaginario de La Casa Azul.

La publicación del nuevo material llegará acompañada de una intensa actividad en directo. La Casa Azul actuará el 3 de octubre en Gran Canaria dentro del SUM Festival y el 10 de octubre en La Manga, Cartagena, como parte del cartel del Hermosa Fest.

Ya en 2027 llegarán dos de las citas más importantes de esta nueva etapa. El 5 de marzo, La Casa Azul actuará en el Movistar Arena de Madrid, mientras que el 19 de marzo será el turno del Sant Jordi Club de Barcelona. Ambos conciertos servirán como presentación oficial de «Fauna y Flora Subacuática».

Además, en mayo de 2027 el proyecto viajará hasta Ciudad de México para participar en Sonorama Ribera México. Un calendario al que todavía se sumarán nuevas fechas y que acompañará el lanzamiento de uno de los trabajos más esperados de La Casa Azul.

Fechas

• 3 de octubre – GRAN CANARIA
  SUM Festival
• 10 de octubre – LA MANGA (CARTAGENA)
  Hermosa Fest
• 5 de marzo 2027 – MADRID
  Movistar Arena
  Presentación oficial del nuevo disco «Flora y Fauna Subacuática»
• 19 de marzo 2027 – BARCELONA
  Sant Jordi Club
  Presentación oficial del nuevo disco «Flora y Fauna Subacuática»
• Mayo 2027 – CIUDAD DE MÉXICO
  Sonorama Ribera México

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Mucho regresa con nuevo single, Se puede bailar incluso cuando el diablo está llamando a tu puerta, adelanto de su próximo álbum

Mucho está de vuelta con «Se puede bailar incluso cuando el diablo está llamando a tu puerta», el primer adelanto de su nuevo álbum «¿puede Martí bajar a jugar?».

­Mucho critica la transformación de Madrid en “Se puede bailar incluso cuando el diablo está llamando a tu puerta”

Mucho comienza a desvelar las canciones de su regreso con “Se puede bailar incluso cuando el diablo está llamando a tu puerta”, un tema que dirige su mirada hacia Madrid y los cambios experimentados por la ciudad durante los últimos años. La canción formará parte de “¿Puede bajar Martí a jugar?”, su nuevo álbum después de siete años de silencio.

Mucho vuelve a utilizar la música como espacio para contar aquello que le rodea. En “Se puede bailar incluso cuando el diablo está llamando a tu puerta”, Martí Perarnau IV construye una crítica directa a la gestión política de Madrid y a una transformación de la ciudad que observa desde una relación marcada tanto por el agradecimiento como por el desencanto.

«Ahora, cada vez que voy a Madrid, me provoca una sensación, por un lado, de agradecimiento por lo que me ha dado en mis años de formación musical, y por otro de hastío al ver cómo esta ciudad va borrando cualquier tipo de amabilidad, para que nuestra vida sea más difícil y solo nos dediquemos a producir».

La canción nació precisamente durante uno de esos regresos a Madrid. Mucho viajaba desde su pueblo para asistir a un concierto cuando la entrada a la capital y su paisaje provocaron las primeras ideas del tema.

«Esta canción la escribí en un viaje de mi pueblo a Madrid. Iba a un concierto. Estaba atardeciendo y tuve que parar cuando se veían ahí las torres de Mordor. Me paré en una gasolinera porque me vino… Me la provocó tener un poco de depresión por ir a Madrid».

Esa sensación encuentra su reflejo también en la producción. La voz aparece distorsionada y acompañada por sintetizadores, generando una presencia que parece moverse entre lo humano y lo digital. Un tratamiento que contrasta con la propia forma en la que se ha construido tanto el sencillo como el álbum al que pertenece.

“¿Puede bajar Martí a jugar?” ha sido desarrollado desde un planteamiento analógico y pausado, alejado de las prisas. El campo, una libreta para recoger las primeras ideas del día y el tiempo para experimentar han formado parte de un proceso creativo en el que la producción adquiere tanta importancia como las propias canciones.

Musicalmente, Mucho mira también hacia finales de los noventa y comienzos de los dos mil, cuando guitarras eléctricas, cajas de ritmos y sintetizadores encontraron numerosos puntos de encuentro dentro de la música alternativa y las pistas de baile.

Sin embargo, el músico lleva esas referencias hacia un terreno deliberadamente deteriorado. Parte de esa identidad apareció incluso de manera accidental al descubrir las posibilidades de un altavoz averiado.

«Descubrí que tenía un altavoz estropeado y cuando pasaba el sonido por ahí sonaba con una distorsión increíble: tenía la sensación de que el sonido salía por ahí en forma de escombros».

Esos “escombros” terminan funcionando como una de las claves sonoras de esta nueva etapa. Mucho regresa en 2026 después de siete años de silencio con “¿Puede bajar Martí a jugar?”, un álbum en el que el pop se construye desde la distorsión, el ruido y la experimentación, y donde la producción deja de ser únicamente una herramienta para convertirse en una parte fundamental de la narración.

Foto de portada: Vicente Soler

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Fontaines D.C estrenan single, Tongue, segundo adelanto de su próximo álbum

«Tongue» es el segundo adelanto del próximo álbum de estudio de Fontaines D.C que se publicará con el título «Dopamine Chamber».

Fontaines D.C. continúan descubriendo su próximo trabajo con “Tongue”, segundo adelanto de “Dopamine Chamber”. El nuevo álbum de los irlandeses llegará el 16 de octubre, pocos días antes de sus conciertos en Madrid y Barcelona.

Fontaines D.C. siguen avanzando hacia la publicación de su próximo álbum. Labanda irlandesa acaba de estrenar “Tongue”, una nueva canción que se convierte en el segundo adelanto de “Dopamine Chamber”, su esperado nuevo trabajo discográfico.

El álbum verá la luz el próximo 16 de octubre a través de XL Recordings y estará formado por once canciones. “Tongue” permite conocer una nueva pieza de un disco que abrirá otra etapa dentro de la trayectoria del grupo y que llegará acompañado de una gira que tendrá dos paradas en nuestro país apenas unos días después de su lanzamiento.

El estreno del sencillo se produce además poco después de que Fontaines D.C. hayan revelado el listado completo de canciones de “Dopamine Chamber”. Entre ellas aparece una colaboración especialmente llamativa: Rosalía participará en “Where Is Gone?”.

La presencia de la artista catalana supone además una novedad dentro de la discografía de Fontaines D.C., ya que será la primera vez que un artista invitado aparece en uno de los álbumes de estudio de la formación irlandesa.

La expectación alrededor de “Dopamine Chamber” se trasladará rápidamente de las plataformas a los escenarios. Fontaines D.C. presentarán las nuevas canciones en España durante el mismo mes de octubre con dos de los conciertos más importantes de esta nueva etapa.

La primera parada será el 22 de octubre en el Movistar Arena de Madrid. Dos días después, el 24 de octubre, la banda actuará en el Sant Jordi Club de Barcelona. Para esta segunda cita ya no quedan entradas, mientras que el concierto madrileño todavía mantiene entradas disponibles.

La llegada de “Tongue” continúa así completando el camino hacia un disco que concentra buena parte de las miradas de cara al tramo final de 2026. Después de revelar su primer adelanto, Fontaines D.C. empiezan a mostrar con mayor claridad el contenido de un trabajo compuesto por once canciones y en el que la colaboración con Rosalía aparece como una de sus principales sorpresas.

Con el lanzamiento fijado para el 16 de octubre y dos grandes conciertos programados inmediatamente después, octubre se convertirá en un mes especialmente intenso para Fontaines D.C. y sus seguidores en España.

Fechas de Fontaines D.C. en España

• 22 de octubre de 2026 · Madrid · Movistar Arena
• 24 de octubre de 2026 · Barcelona · Sant Jordi Club · Entradas agotadas

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Siloé anuncia «Terrorismo Emocional 2027 Deluxe Tour»

La banda vallisoletana da un nuevo salto con un nuevo tour de gran formato que pondrá en circulación más de 300.000 entradas y pasará por España, Europa y Latinoamérica.

Siloé prepara para 2027 la gira más ambiciosa de su trayectoria con más de 15 primeras fechas y más de 300.000 entradas que se pondrán a la venta durante el recorrido. “Terrorismo Emocional 2027 Deluxe Tour” llevará a la banda por España, Europa y Latinoamérica con un espectáculo completamente renovado.

Siloé continúa ampliando el universo de “Terrorismo Emocional” y ya prepara el siguiente gran paso de su carrera. La banda ha anunciado “Terrorismo Emocional 2027 Deluxe Tour”, una nueva gira que arrancará con más de 15 conciertos confirmados y que irá incorporando nuevas ciudades y fechas durante los próximos meses.

El recorrido llevará al grupo a algunos de los recintos más importantes en los que ha actuado hasta ahora y tendrá una dimensión claramente internacional. España, diferentes ciudades europeas y Latinoamérica formarán parte de una gira para la que se pondrán a la venta más de 300.000 entradas.

El anuncio llega además en un momento de importante crecimiento para Siloé fuera de nuestro país. Antes de comenzar esta nueva etapa, el grupo afrontará en diciembre de 2026 su primera gira europea, cuyas entradas ya se encuentran completamente agotadas.

La banda también viajará a México en noviembre de 2026 para acompañar a Morat como grupo invitado en sus conciertos en el Palacio de los Deportes. La cita permitirá a Siloé presentar sus canciones ante miles de personas en uno de los grandes recintos de Ciudad de México y servirá como otro paso dentro de su expansión por Latinoamérica.

Todo este recorrido desembocará en “Terrorismo Emocional 2027 Deluxe Tour”, una gira con la que el grupo pretende trasladar el proyecto a una escala mayor sin abandonar algunos de los elementos que han marcado sus conciertos durante los últimos años.

Para conseguirlo, Siloé está trabajando en un espectáculo completamente renovado y pensado específicamente para grandes recintos. La nueva producción acompañará el crecimiento de la gira, aunque mantendrá el peso del directo y la cercanía con el público como algunos de sus principales elementos.

“Terrorismo Emocional” se convierte así en el punto de partida de una nueva etapa para una banda que durante los últimos años ha ido aumentando progresivamente tanto el tamaño de sus conciertos como su comunidad de seguidores.

La gira de 2027 permitirá además comprobar hasta dónde puede llegar esa evolución fuera de España. Después de agotar las entradas de su primera gira europea y de su próxima visita a México junto a Morat, Siloé prepara ahora un recorrido mucho más amplio que combinará fechas nacionales con conciertos internacionales.

El registro para acceder al Early Access está disponible desde el 30 de septiembre. La venta general de entradas para “Terrorismo Emocional 2027 Deluxe Tour” comenzará el próximo 7 de octubre.

Por el momento, Siloé ha avanzado más de 15 fechas para esta primera fase de la gira, aunque la banda ya ha confirmado que el calendario continuará creciendo durante los próximos meses con nuevos conciertos en España, Europa y Latinoamérica.

Fechas

• 30.01.2027 · ALICANTE · BALTIMORE LIVE-MARMARELA
• 13.02.2027 · BARCELONA · SANT JORDI CLUB
• 19.02.2027 · LISBOA · CAPITÓLIO
• 20.02.2027 · PORTO · CASA DA MÚSICA
• 12.03.2027 · MADRID · MOVISTAR ARENA — AMPLIACIÓN DE AFORO
• 13.03.2027 · MADRID · MOVISTAR ARENA — AMPLIACIÓN DE AFORO
• 24.04.2027 · MURCIA · PLAZA DE TOROS
• 07.05.2027 · ZARAGOZA · PRÍNCIPE FELIPE
• 15.05.2027 · AVILÉS · PABELLÓN MAGDALENA
• 05.06.2027 · ALBACETE · ESPACIO IFAB
• 11.06.2027 · FUENGIROLA · MARENOSTRUM FUENGIROLA
• 12.06.2027 · CÓRDOBA · CÓRDOBA LIVE
• 23.07.2027 · BADAJOZ · ALCAZABA ÁRABE
• ??.08.2027 · ARANDA DE DUERO · SONORAMA RIBERA 30º ANIVERSARIO
• 14.08.2027 · SAN FERNANDO · BAHÍA SOUND
• 24.09.2027 · GRANADA · PLAZA DE TOROS
• 09.10.2027 · VALENCIA · ROIG ARENA
• 30.10.2027 · PAMPLONA · NAVARRA ARENA

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Reseña Jane Birkin

Marisa Meltzer
Circe

La biografía que Marisa Meltzer dedica a Jane Birkin, nueva entrega de la loable línea con la que Circe rescata a grandes figuras femeninas de la cultura, se propone desmontar un espejismo persistente: el de la musa convertida, durante décadas, en simple proyección de la mirada ajena. Icono admirado, copiado y fotografiado del Swinging London, la memoria colectiva la ha ido reduciendo a un bolso de cuero, una cesta de mimbre y un jadeo eterno en «Je t’aime… moi non plus».

Meltzer, periodista neoyorquina de largo recorrido (Elle, Teen Vogue, The Wall Street Journal) y autora de volúmenes de cultura pop como Girl Power, opta por un tono ágil, cómplice y deliberadamente ameno, a medio camino entre la crónica de época, el perfil de revista y la educación sentimental. Recorre la infancia acomodada en Marylebone, el estallido de Blow-Up, el matrimonio precoz con John Barry, el salto a Francia y la tormentosa, fértil y mitificada relación con Serge Gainsbourg. Llega así a una mujer que, a fuerza de diarios, películas y canciones, peleó por ser algo más que la mitad de una pareja.

Su mayor virtud es el uso constante de los diarios de la propia Birkin, que sitúan en primer plano una voz autoirónica, frágil y cotidiana. Esa voz desactiva la solemnidad del mito y recuerda que tras la francesa de adopción, que nunca dominó del todo el idioma, hubo una madre de tres hijas (Kate Barry, Charlotte Gainsbourg y Lou Doillon) empeñada en seguir siendo vigente y divertida. Las páginas sobre la muerte de Kate Barry, en 2013, son las más conmovedoras: la escritura se despoja de artificio y golpea con una verdad desnuda.

Meltzer sabe, además, que Birkin fue tanto imagen como artista, y ahí el oficio de cronista de la moda y la cultura juvenil resulta especialmente fértil: el flequillo, la androginia desenfadada, las camisetas holgadas, las sandalias, la cesta y, cómo no, el célebre bolso que Hermès bautizó con su nombre tras un encuentro fortuito en un avión. Es la ironía suprema para una mujer cuya identidad fue engullida durante años por su propio accesorio. La biografía se inscribe con inteligencia en la nostalgia actual por aquellas décadas de desparpajo estético, sin renunciar a preguntarse qué precio pagó quien fue, para tantos, un icono antes que una persona.

Conviene, sin embargo, señalar las costuras del enfoque. La mirada de revista, tan eficaz para seducir al lector no iniciado, arrastra riesgos evidentes: la tentación de anteponer la anécdota al análisis y de tratar la obra como decorado de la biografía, no como territorio artístico con entidad propia. Hablamos de la sofisticación pop de aquel primer disco de 1969, de la inquietante Histoire de Melody Nelson y de su paso por el cine de Varda, Tavernier o Resnais. Existe también el peligro de leer un universo hondamente francés (la chanson, el cine de autor, la gauche caviar) con las gafas de la cultura pop anglosajona. Y a ello se suma la paradoja de una biografía que quiere liberar a Birkin de su condición de musa mientras Gainsbourg, magnético e inevitable, amenaza con comerse el relato.

Aun así, el balance es favorable. El libro cumple la función más noble de toda biografía divulgativa: despertar en el lector la urgencia de buscar las películas (de Muerte en el Nilo a Jane B. por Agnès V.), rescatar los discos y reconsiderar una voz frágil y susurrada que ha envejecido mejor que la de muchas contemporáneas. En suma, un retrato cálido, legible y emotivo, más pop que erudito, que no agota a Birkin pero devuelve el pulso a una figura a la que el bolso, por fin, ya no eclipsa.

Redacción: Juan A. Ruiz-Valdepeñas

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Azkena Rock Festival desvela el cartel de su 25 edición con nombres como Patti Smith, Bad Religion o Wilco

El festival celebrará su 25ª edición los días 17, 18 y 19 de junio de 2027 en Mendizabala (Vitoria-Gasteiz).

Azkena Rock Festival ya tiene cartel completo para celebrar sus 25 años de historia. Patti Smith, Bad Religion, Marilyn Manson, Slash y Wilco aparecen entre los grandes nombres de una edición que tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de junio de 2027 en Mendizabala, Vitoria-Gasteiz.

Azkena Rock Festival 2027 alcanzará una cifra especialmente significativa. El festival celebrará su 25ª edición con cerca de 60 artistas y una programación que vuelve a recorrer diferentes generaciones y formas de entender el rock.

Patti Smith, Bad Religion, Marilyn Manson, Slash y Wilco encabezan un cartel en el que también encontramos nombres como Dave Alvin & The Guilty Ones, Beth Hart, Billy Talent, John Garcia, Billy Bragg, Michael Monroe plays Hanoi Rocks, Rival Sons y The Waterboys, entre muchos otros.

La programación vuelve a responder a la identidad que Azkena Rock Festival ha construido durante estas dos décadas y media. El rock clásico, el hard rock y el punk compartirán espacio con el grunge, el stoner y el heavy metal, además del garage, el noise y el indie rock. El country, el blues, el folk y la música americana también tendrán presencia durante las tres jornadas.

La edición de 2027 incorporará además una importante novedad dentro de Mendizabala. El festival estrenará Strawhouse, un nuevo escenario de dimensiones más reducidas inspirado en los antiguos graneros comunitarios.

Este espacio estará especialmente dedicado a la música acústica y a propuestas relacionadas con el folk, el country y el blues. Con un planteamiento más íntimo y rústico, Strawhouse ampliará los diferentes ambientes que el público podrá encontrar dentro del recinto durante el fin de semana.

También regresará Trashville, uno de los espacios que se ha convertido en parte reconocible de Azkena Rock Festival y que volverá a concentrar algunas de las propuestas más imprevisibles y salvajes de su programación.

Con estas novedades, la organización plantea el 25 aniversario no solo como una nueva edición del festival, sino también como una celebración de la historia construida alrededor de Mendizabala desde sus primeras ediciones.

Azkena Rock Festival ha mantenido durante este tiempo una relación especialmente estrecha con Vitoria-Gasteiz. La ubicación del recinto, rodeado de zonas verdes y próximo al centro de la ciudad, permite además integrar los conciertos con la propia experiencia de pasar el fin de semana en la capital alavesa.

Azkena Rock Festival celebrará su 25 aniversario los días 17, 18 y 19 de junio de 2027 en Mendizabala, Vitoria-Gasteiz. Tanto la venta exclusiva destinada a asistentes de anteriores ediciones como la venta general con precio promocional ya se encuentran disponibles.

CARTEL AZKENA ROCK 2027

16 HORSEPOWER · AMERICAN AQUARIUM · BAD RELIGION · BARRRK · BETH HART · BILLY BRAGG · BILLY TALENT · BRATAKUS · CALA VENTO · CHERRY POPPIN’ DADDIES · COCKNEY REJECTS · DAVE ALVIN & THE GUILTY ONES · FOXY SHAZAM · GIRLS AGAINST BOYS · GRAN CAÑÓN · JOHN GARCIA · MARILYN MANSON · MARTE LASARTE · MICHAEL MONROE plays Hanoi Rocks · OLD 97’s · PARKER BARROW · PATTI SMITH QUARTET · RIVAL SONS · SLASH FT. MYLES KENNEDY & THE CONSPIRATORS · SUPER 400 · THE BEVIS FROND · THE BIRD EXPERIENCE · THE CLAYTON · THE DRONES · THE SOUTHERN RIVER BAND · THE WATERBOYS · TWIN TEMPLE · WILCO

Trashville allstars & Friends 

BÁRBARA Y REY · BLIND RAGE & VIOLENCE · BOB LOG III · DEAD ELVIS & HIS ONE MAN GRAVE · DEMENTED ARE GO · LES GREENE · LOS STRAITJACKETS · MICKY Y LOS COLOSOS DEL RITMO · OLD TIME SPOOKS · REVEREND BEAT MAN & MILAN SLICK · TEAR DUNGEON · THE BANK ROBBERS · THE CYBORGS · THE URBAN VOODOO MACHINE · WILD BILLY CHILDISH & CTMF

Strawhouse

DAVE HAUSE · DEKE DICKERSON · HAYSEED DIXIE · JERRON «BLIND BOY» PAXTON · JOANA SERRAT · LILLY HIATT · NICK LOWE · PETER BRUNTNELL · THE COMPLETE RECORDINGS OF HEZEKIAH PROCTER · TULSA

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Sean Frutos estrena single, Un lugar donde quedarme, otro avance de su próximo álbum

Tras publicar “Lo volvería a hacer” y «En la fuente», Sean Frutos sigue desgranando los temas que formarán parte de su debut en solitario con el single «Un lugar donde quedarme».

Sean Frutos continúa avanzando en su nueva etapa con “Un lugar donde quedarme”, una canción marcada por las guitarras y la intensidad emocional. El tema se convierte en el tercer adelanto de su primer álbum en solitario, que llegará el próximo 13 de noviembre.

Después de más de dos décadas como vocalista, compositor y letrista de Second, Sean Frutos sigue dando forma a su nueva trayectoria en solitario. El músico murciano acaba de publicar “Un lugar donde quedarme”, una canción que amplía el sonido mostrado en sus anteriores adelantos y que pone el foco en esa sensación de haber encontrado finalmente el sitio —o la persona— en el que uno quiere permanecer.

El nuevo tema habla de arriesgarse dentro de las relaciones y de ese momento en el que desaparecen algunas de las dudas porque sentimos que hemos llegado al lugar adecuado. Una búsqueda convertida en una especie de geografía emocional en la que el amor aparece como refugio, pero también como salto hacia lo desconocido.

Musicalmente, “Un lugar donde quedarme” muestra una de las caras más eléctricas de esta nueva etapa de Sean Frutos. Las guitarras distorsionadas adquieren un peso importante dentro de una composición intensa que conserva la importancia de las melodías y los textos que han caracterizado buena parte de su trayectoria.

La canción ha sido producida por Jorge Guirao y el propio Sean Frutos, mientras que Lalo Gómez-Vizcaíno se ha encargado de la mezcla y Miguel Ángel González de la masterización. En la grabación participan además Jorge Guirao en guitarras, bajos, teclados y bases, Madbel al piano y sintetizadores y Pablo Roda a la batería.

“Un lugar donde quedarme” se convierte en el tercer avance de su primer álbum después de “Lo volvería a hacer” y “En la fuente”. Esta última llegó el pasado mes de junio mostrando un registro más atmosférico, construido alrededor de guitarras, pianos y sintetizadores, mientras que el nuevo sencillo aumenta el peso de las guitarras y la energía. ([Indies.es][2])

El álbum supondrá el primer trabajo de Sean Frutos después de la disolución de Second a finales de 2023. Su publicación está prevista para el próximo 13 de noviembre.

Pocos días después llegará uno de los momentos más importantes de esta nueva etapa. Sean Frutos presentará su proyecto el 21 de noviembre en el Teatro Circo de Murcia, el mismo escenario que acogió los conciertos de despedida de Second. Las entradas para la cita están completamente agotadas.

Con “Un lugar donde quedarme”, Sean Frutos añade así una tercera pieza al puzle de su debut en solitario y continúa definiendo un proyecto que parte inevitablemente de todo lo construido durante su etapa con Second, pero que busca desarrollar una identidad propia de cara a su primer álbum.

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