Starchild & The New Romanticが2025年3月にリリースしたアルバム『Beauty of a Black Cauldron, Vol.1 & 2』、これがとても良くて最近やたらとリピートしている。1年も前にリリースされていたのに全然気がつかなかったし、調べてみたらフィジカルでのリリースはされていないようだ。

Starchild & The New Romanticとは

ブリンドン・クック

Starchild & The New Romanticはブリンドン・クック（Bryndon Cook）によるソロ・プロジェクトである。彼は1992年（93年説もあり）にアメリカ、メリーランド州で生まれ10代をアトランタで過ごす。その頃にギターを独学で習得し、プリンスやシャーデー、ジョージ・クリントンに多大なる影響を受けたそうだ。

この「Starchild & The New Romantic」という名称、「Starchild」はパーラメントのアルバム『マザーシップ・コネクション』に登場するキャラクター「スター・チャイルド」からとっている。そして「The New Romantic」は80年代のデュラン・デュランやスパンダー・バレエなどのニュー・ロマンティック・ムーヴメントを指しいていて、ブリンドン曰く「黒人音楽の歴史 × 80 年代のロマンティック感性」をミックスした音楽を目指して名付けたとのこと。

俺は一応この名前を知っていて、それは2018年にリリースされた1stアルバム『Language』がリリースされた頃にTwitterのフォロワーさんから紹介してもらって聴いていた。その時はプリンスの影響下にあるミュージシャンといった認識で、確かにそれっぽいなんてちょっとした盛り上がりはあったものの、その時はそれぐらいで終わってしまった。

しかしあれから7年で3枚のアルバムを出しているということは、継続的に活動をしているわけで、単なる「プリンスのフォロワー」みたいな見方で片づけてしまってはブリンドン・クックの本質を見落としているのではないかと思い、彼のキャリアを探ってみた。

プロ・ミュージシャンになる転機となったデヴ・ハインズとソランジュとの仕事

ブリンドンは大学生の頃に、自主制作で音源を作成してSoundCloudにアップロードしたりしていたが、それはあくまでもアマチュアとしての活動だった。

そんなある日、すでにブラッド・オレンジ（Blood Orange）として活動していたデヴ・ハインズ（Dev Hynes）がTwitterでメールアドレスを公開していたのを見て、彼はデモ音源を送った。それがきっかけとなり、1年後（2012年頃）にはデヴから声がかかり、Blood Orange の曲でラップで参加する機会を得た。

デヴ・ハインズ

そして彼にとってさらなる転機が訪れる。ビヨンセの妹であるソランジュ（Solange）のツアーにギタリスト/バックアップシンガーとして参加。これはデヴ・ハインズがかつてソランジュのツアーメンバーだったが、そのあとを引き継ぐ形での参加となった。

2016年にはブラッド・オレンジのアルバム『Freetown Sound』、ソランジュのアルバム『A Seat at the Table』への参加。2017年にはデヴ・ハインズとのユニット、VeilHymnによる曲のリリース（「Hymn」1曲のみ）、そしてこの年のソランジュのツアーではバンドリーダーとミュージックディレクターとして参加している。

特にソランジュのライヴでは、ブリンドンはバンドメンバーの動きの統制まで行い、ソランジュの音楽的ビジョンとステージ上の世界観を、演奏面から具体的な形へと落とし込む重要な役割を担っていた。映像はその時のライヴの模様で、ギターで参加しているのがブリンドンである。

ソロキャリアについて

ブラッド・オレンジやソランジュのサポートを経て、ブリンドンはいよいよ2018年にStarchild & The New Romantic名義での1stアルバム『Language』をリリース。タイトルは単なる言葉ではなく、距離やすれ違いの中で感情をどう伝えるかという点がテーマとなっている。

Language

本作は、ブリンドンが「クィア」であることも含めて語られることが多い。海外のインタビューでも、彼が自身のアイデンティティを前提にポップ・ミュージックを制作していることが紹介されている。クィアであることを声高に主張するのではなく、その立場から自然にラヴソングを紡いでいる点が評価されている。

ここで言うクィアとは、単なる性的指向ではなく、男性らしさの固定的なイメージに寄りかからず、弱さや繊細さ、装飾性をそのまま肯定する姿勢を指す。ファルセットやロマンティックな響きを通じて、従来の“男らしさ”に収まらない感情表現が提示されている点に共通するものがある。

以前聴いた際に感じたプリンスのフォロワー的な印象も、そうした部分があてはまるのかもしれない。プリンスのような挑発性とは違い、より内省的で繊細な方向へと向かっているのが特徴である。

2020年には2ndアルバム『Forever』をリリース。1stのロマンティックなR&B路線を引き継ぎつつ、親密なメロディやファルセットはそのままに、全体の構築は落ち着きを帯びていると思う。

Forever

そして2025年の『Beauty of a Black Cauldron Vol. 1&2』では、より実験的な方向へと踏み込んでいる。ポップ・ソングとしての明快な展開よりも、ムードが持続する構成が目立つ。クィア性は引き続き前提としてあるのだろうけど、より身体的な感覚として音楽の中に溶け込んでいるかのようで、冒頭にも書いたけど本当に良いアルバムだ。

まとめ

中性的なR&Bを出発点にしながら、実験性を強めていくその歩みは、近年のオルタナティブR&Bの流れとも重なる。ブリンドンのこれまでの歩みを踏まえ、さらにはデヴ・ハインズやソランジュとの仕事を経て培われた感覚が、現在の音楽へとつながっているのだろう。

昨今はSNSで瞬間的に消費されてしまうし、彼のように特に有名なヒット曲があるわけではないとなると、話題に挙がるのが限定的になってしまうので、なかなか情報が入ってこない。なので自分もあまり深追いしてこなかったが、これまで点と点で情報があったものの、調べてみてそれが線となって繋がるといろいろ面白いなと思った。今後もチェックしていきたい1人である。

結構長い間更新をさぼっていまして、久々の更新が年末のまとめとなりました。四の五の言わずさっそく発表します。

2024年最も多く聴いたミュージシャン

1. mei ehara
2. Horsegirl
3. Kirinji
4. Led Zeppelin
5. Clairo

mei eharaについてはアルバムの方で述べるとして、それで上半期だけで言ったら絶対にHorsegirlだろうと思っていたんですけどね。今年は良い「新譜」をたくさん聴きましたよ。Kirinjiは特に理由はないけどヘヴィ・ローテーションしていました。レッド・ツェッペリンは間違いなく『Becoming Led Zeppelin』を観た影響です。映画以来1stから3rdまで何度も聴きましたので。そしてクレイロは去年に引き続き、特に今年前半はよく聴いていました。

2025年最も多く聴いたアルバム

1. mei ehara / All About McGuffin
2. Horsegirl / Phonetics On and On
3. Clairo / Charm
4. Kirinji / Steppin’ Out
5. Estelle / Stay Alta

mei eharaの３枚目となる『All About McGuffin』は待ちに待ったアルバムでした。2020年リリースの『Ampersands』をコロナ禍中に知り、とても気に入って聴いていたのですが、単発でシングルの発表が何度かあったものの、アルバムの情報が出ず待ち焦がれていたのでした。10月にはすでに今年のベストはこのアルバムと決定していました、その当時でリリースから1か月程度だったけど。

あとは順当といったところでしょうか。

最近はずっとブログへのモチベーションが上がらず、YouTubeばかり見たりしています。と言っても音楽関係はあまり見ていないのですが、唯一見ているのがこのチャンネルです。

ロック好きおじさん

私の好きな音楽の話を垂れ流すだけの独り言チャンネルだと思ってください

www.youtube.com

では、今年の更新はこれにて終わり。また来年（気が向いたら更新します）。

渋谷陽一が亡くなった。74歳。

長らく入院していてそれから状況が全く分からず、たまにどうしているのかと思っていたが、とうとう元気な様子を聞くことなく・・・。

渋谷陽一といえばやはり「ロッキング・オン」だし、金曜日の「サウンド・ストリート」だ。どちらも高校生の頃から愛読し、聴いて、ロックとはなんぞやみたいなことを考えさせられたりした。

彼がいなかったらきっと俺はレッド・ツェッペリンもプリンスもここまでのめり込まなかったかもしれないし、「ジャーニーとかライオネル・リッチーなんかが売れてるようじゃダメ」という彼の産業ロック論にも感化されなかったかもしれない。

「ロッキング・オン」では時々他誌にケンカを売ってた（パチパチロックンロールとかミュージック・マガジン）のも面白かったし、渋松対談も大好きだった。

そういえば松村雄策が亡くなった際の、渋谷のブログ記事は今でもたまに読みに行ったりしている。

松村雄策、亡くなる (渋谷陽一の「社長はつらいよ」)－rockinon.com｜https://rockinon.com/blog/shibuya/201840

rockinon.com

これを読むと、この2人は本当に仲が良かったんだなと思ったし、松村に先に逝かれたときの渋谷の気持ちを思うとなかなか悲しいものがある。

今度はあの世で渋松対談をやってほしい。

そして「サウンド・ストリート」の最終回、レッド・ツェッペリン特集。「こんばんは、渋谷陽一です」の一言のあと、「天国への階段」から始まったのがまた良かった。これを聴いて、俺は自分でコンピレーションを組む時は超代表曲から始めるようになってしまった。

俺は本当はロックのもの書きになりたいと思っていた、だけど「ロッキング・オン」に投稿される文章のようなものは書けないと思って諦めた。だからいまもこうして駄文を書いているんだけど。

渋谷陽一がいなかったら、俺はここまでロックを聴いてはいなかったかもしれない。そんな彼がいなくなったのはとても残念だ。本当にありがとうございました。安らかに眠ってください。

いまとても気に入っている曲がある。それがタイトルにあるEl Michels Affair（エル・ミッシェルズ・アフェア）というグループの “Say Goodbye”という曲。ヴォーカルにFlorence Adooni（フローレンス・アドーニ）をフィーチャーしている。

どちらも初めて知る名前なのだが、よくよく調べると、El Michels Affairのメイン・メンバーであるLeon Michels（レオン・ミッシェルズ）はClairo（クレイロ）の『Charm』のプロデューサーだった。

これよりちょっと前には、El Michels Affair feat. Clairo で “Anticipate”という曲がリリースされていて、これで初めてEl Michelsを意識したのだった。

続いて、冒頭に書いた “Say Goodbye”がリリースされ、この曲がとても気に入っているってわけだ。

彼らは「シネマティック・ソウル」といった映画のサントラみたいな雰囲気のアルバムをリリースしていたり、WU-TANG CLAN（ウータン・クラン）を生演奏でカバーしたりとか、いくつかのアルバムを聴いてみたけど、一癖も二癖もあるがなんかジワジワとくるものがある。

そんな彼らのアルバム『24 Hr Sports』が9月にリリースされるようだが、これが楽しみでしょうがない。上記2名をフィーチャリングしているのはもちろんだが、他にもノラ・ジョーンズとか坂本慎太郎までもが参加しているという。一体どんなアルバムになるのだろうか、とても気になってしょうがない。

７月４日のアメリカ独立記念日に併せて、プリンスの「アメリカ」の12インチバージョンがサブスク解禁されている。

この曲は1985年の『アラウンド・ザ・ワールド・イン・ア・デイ』に収録された曲で、12インチバージョンは21分の長さがある。

当時、NHK-FMの「クロスオーバー・イレブン」でこれをフルでオンエアしてくれてテープに収めたけど、高校生だった俺はこの21分バージョンの良さがわからず、1回か2回聴いて消してしまった。なにせアルバムに収録された部分プラス、延々とインストゥルメンタル・パートが続くだけで、要は退屈に感じてしまったというのが理由だ。

40年ぶりに聴いたけど、いま聴くと21分なんてあっという間だなと思うぐらい面白い。

ところで、次のプリンスのボックスセットとして『アラウンド・ザ・ワールド・イン・ア・デイ』が噂されているが、是非聴きたいものだね。どんな未発表曲が大量に収録されるのだろうか。これと『パレード』はぜひボックス化してほしい。

イギリスのFar Out Magazine（ファーアウト・マガジン）というカルチャー全般を掘り下げているサイトに「デヴィッド・ボウイが嫌った5人のミュージシャン（Five musicians that David Bowie hated）」という記事が載っていた。英語だとニュアンスが伝わりにくいから、Google Notebooklmを使って要約してみた。

元記事はこちら

Five surprising musicians David Bowie always hated

David Bowie loved a lot of music, from industrial to jazz, but there was still a lot that he didn't have time for. Join ...

faroutmagazine.co.uk

デヴィッド・ボウイの広範な音楽的嗜好とは裏腹に、彼が特定のアーティストに対して個人的または芸術的な理由で不満を抱いていたという記事でここでは5人のミュージシャンを挙げている。個々のミュージシャンの解説は抜きにして、ボウイが嫌っていたという理由を載せておく。

ゲイリー・ニューマン

ボウイはゲイリー・ニューマンが自分のスタイルを模倣していると認識し、感情を害していたという。1980年には、ボウイがニューマンを『ケニー・エヴェレット・クリスマス・ショー』から降板させたという出来事もあったようだ。さらにはボウイのアルバム『スケアリー・モンスターズ』に収録された “Teenage Wildlife”ではニューマンを批判した歌詞が歌われている。

「ニューマンがやったことは見事だったが、繰り返しであり、一度聞けば同じ情報が何度も流れてくる」と言ったとか。

これに対してゲイリー・ニューマンは、当時のボウイが「より傷つきやすく、被害妄想的」で、自身の人気が上昇していたことからボウイの側に「嫉妬の要素」があったと考えていたそうだ。

アクセル・ローズ（ガンズ・アンド・ローゼズ）

こちらは音楽的な理由ではなく、ちょっとしたいざこざがあったようだ。ガンズのギタリスト、スラッシュの自伝によると、1989年のある夜、ボウイとローズはエヴァリー・ブラザーズの娘で当時ローズのガールフレンドだったエリン・エヴァリーを巡って喧嘩をしたそうだ。

ガンズが “It’s So Easy” のPVを撮影していた際に、ボウイが寄ってエリンに対してちょっかいをだしたことにローズが怒り、「殺してやる、ブリキ男！」と叫んだと報道されたそうだ。

エルトン・ジョン

ボウイは1976年に『ローリング・ストーン』誌でエルトン・ジョンのことを「ロック界のリベラーチェ、見せかけのクイーン」と厳しく評したそうだ。これに傷ついたエルトンは、最初は仲が良かったのに疎遠になったと語っていた。

さらにボウイは「私は新しいタイプの気取り屋の学校を創設した責任があると思っている――彼らは誰だか分かっているだろう。そうだろ、エルトン？」と痛烈な皮肉を残している。

※解説
「ロック界のリベラーチェ」：リベラーチェとは、きらびやかな衣装、豪華な装飾品、そして過剰ともいえる派手なステージ演出で知られたアメリカの有名なピアニスト。ロック界のリベラーチェとはエルトンを形容した言葉で、音楽的な本質よりもショーマンシップや外見の派手さに偏っていると批判している。「本物のロックではなく、見世物に近い」というニュアンスが含まれいるようだ。

「見せかけのクイーン」：「クイーン」は派手な同性愛者の男性を指すスラングだが、問題は「見せかけの（token）」という部分。”Token”には「名ばかりの」「形式的な」といった意味があり、エルトン・ジョンがロック界における「派手な同性愛者」という役割をステレオタイプ的に演じているだけで、その自己表現に深みや本質がないと言っている。

「私は新しいタイプの気取り屋の学校を創設した責任があると思っている」：これはボウイの自負心の表れで、グラム・ロックや中性的なパフォーマンス、そして演劇的なパフォーマンスを指していて、「気取り屋」というのは後に続く者たちを軽蔑的に言っている。後半の「創設した責任」とはボウイが先駆者だということを宣言しているということになる。

「彼らは誰だか分かっているだろう。そうだろ、エルトン？」：自分が創設者で後は模倣しているだけ、その代表格が、まさにお前のことだ、とエルトン・ジョンに直接的に言っているということ。

ポール・マッカートニー

ボウイは1996年に「ビートルズのようなバンドはかつて大きな影響力を持っていたが、現在ではその影響はほとんど感じられない」と発言。ビートルズについては尊敬はしていて、ジョン・レノンを「最大の指導者」と呼んでいたが、「ポールの作品はあまり好きではない」と言っていたそうだ。

ザ・ジーザス・アンド・メリー・チェイン

ボウイは1987年の『ミュージシャン』誌のインタビューで、このバンドを「ひどい」、「ルーなしのヴェルヴェッツのよう」と酷評。バンドのシンガーであるジム・リードは幼少期からボウイを崇拝しており、ボウイの厳しい言葉はショックだったのではないかと。

以上が、Google Notebooklmに要約してもらった内容だけど、これを読んでみてボウイが嫌っているというよりは「批判している」と言った方が合っているような気がする。特にポール・マッカートニーやジザメリの場合はどこにも「嫌い」要素がないと思うのだが。アクセル・ローズに至ってはどちらかというとアクセルに嫌われたんじゃないのか！？

恐らく「ボウイが嫌った」と見出しにした方が注目されると思ったんだろうなライターは。それは俺がこうして取り上げるぐらいだから見出しをそのようにしたのは正解かもしれないね。

エルトン・ジョンのところにだけ解説を加えたのは、単純にどういうことなんだろう？と思ったからで、かなり辛辣なことを言ってるなと思った。エルトン・ジョン自身はそのように言われて相当ショックをうけたようだけど、後に許したものの和解には至らなかったと書かれていた。

まあ、記事としては面白いなと思った。またこの手のがあったら取り上げてみたいね。

スライ・ストーンが亡くなった。82歳。1966年にスライ・アンド・ザ・ファミリー・ストーンを結成し活動してきた。

俺が音楽を聴き始めた80年代にはすでに過去の人となっていて、たまに誰かのアルバムにゲスト参加するぐらいだったので、リアルタイムでは何も経験していないに等しい。だから特にここで書くようなことはない。

90年代前半だっただろうか、池袋のWaveでスライの『Fresh』の輸入盤CDを購入した。確かその頃ってこのアルバムのミックスが異なるとかなんとかそんな話があって、いまじゃ覚えていないけど、そういう理由で購入してみたのだと思う。

池袋から自宅まで電車に乗って約1時間、家についてさあCD聴くぞと思ってケースを開けたら・・・CDが入っていない！あれはとにかくビックリした。あるわけないのにCDケースを裏返して見てしまったぐらい。翌日仕事の帰りにまたWaveに行って交換してもらったが、どうやら店頭で流したものの、CDを戻さずパッケージだけ棚に戻していたらしい。輸入盤っていまみたいにシュリンクされていなかったからそういうことも起こり得たのだろうな。

ただ、20代前半の俺にはこのアルバムはやや難解だったようだ。先に『Stand!』を聴いたほうがよかったのかもしれない。

そんなことをふと思い出した。合掌。

イギリス出身のR&Bシンガー、エステルの6枚目となるアルバム。このブログでは取り上げたことがないが、実は俺はこの人の初期のアルバムがかなり好きなのである。とりわけ2枚目の『Shine』というアルバムには、カニエ・ウエストをフィーチャーした”American Boy“という、彼女の最大のヒット曲が入っていて、俺の好きな2000年代の曲のひとつでもある。

初期の2枚はR&Bだけでなくラヴァーズ・ロック風の曲もあって、アメリカのR&B歌手とはひと味違ったタイプだったのが良かったのだけど、その後がアメリカ寄りになってしまった印象があって、俺としてはあまりパッとしなかった。前作は前から彼女が作りたかったラヴァーズ・ロックなアルバムではあったけどそれも刺さらなかった。

そこから7年ぶりとなったのが本作。その前に予告編的なEPがサブスクには上がっていて、それを聴いたときに「おっ！」となったのだが、今回のアルバムは1曲目が始まった瞬間に「これは良い！」と思い、最後まで聴いてそれを確信した。

リリースされたのが5/23ぐらいのようで、これを書いている時点では海外のメディアもほとんど取り上げていないところに「過去の人」っぽい扱いを感じてしまうが、数少ない記事によると今回のアルバムは「内省と再調整を経て生まれたアルバム」だとエステル自身が語っている。

Estelle announces new album 'Stay Alta' - TotalNtertainment

GrammyⓇ Award-winning international artist Estelle announced the release of her sixth studio album, Stay Alta, set for M...

www.totalntertainment.com

恐らく、自身のキャリアとかやってきた音楽を見直す必要があったと考えていたのかもしれない。それで出た結論が「喜びを選ぶこと」。そしてそれがダイレクトに楽曲に反映されているかのような印象を受ける。「自分自身が踊りたくなるアルバム」とも語っているし。

1. Outside
2. Oh I
3. Greatful
4. Love On Love
5. Roses (Now’s The Time)
6. Like He Is
7. Fire
8. Stay Alta
9. Let It Drop
10. On Time “Honey Honey”
11. New Direction
12. Start Over

１曲目から気分が上がってくる曲でガンガン攻めてくるところが良い、最後まで一気に聴けるのは、終盤に”New Direction”を持ってきているからなのだろうか。この曲が先にリリースされていたEPのタイトル曲で、エステル・カムバック！と思わせてくれたので、今回のキラー・チューンでもある。

しばらくはこのアルバムをリピートするだろう。すでにここ数日で10回以上は聴いているし。

ステレオラブ、15年ぶりの新譜がリリースされた。2021年、2022年と立て続けに”Switched On”シリーズのコンピレーションをリリースしていたので、あまりそういう意識がなかったが、純粋なオリジナル・アルバムは確かに出ていなかったな。

1. Mystical Plosives
2. Aerial Troubles
3. Melodie Is A Wound
4. Immortal Hands
5. Vermona F Transistor
6. Le Coeur Et La Force
7. Electrified Teenybop!
8. Transmuted Matter
9. Esemplastic Creeping Eruption
10. If You Remember I Forgot How To Dream Pt.1
11. Flashes From Everywhere
12. Colour Television
13. If You Remember I Forgot How To Dream Pt.2

最初に2曲目に収録されている “Aerial Troubles”がリリースされたときは、曲は「ああ、ステレオラブだな」とは思ったものの、アルバム正直そんなに期待はしていなかった。しかし一聴して「これは良い！」と思った。2回目、3回目と聴いてもやっぱり良い。

前作にあたる（つまり15年前の）『Not Music』が俺にはあまり響かなかったので、もう彼らがもっていたケミストリーのようなものは無いんだろうななんて思ったりしていたのだが、それが以前よりも深みを増したというか、そんな印象を受ける。

ゲストミュージシャンはシカゴのバンド、ビッチン・バハス（Bitchin Bajas）のクーパー・クレインとロブ・フライ、同じくシカゴに拠点を置くレーベル、International Anthemに所属するベン・ラマー・ゲイ、そしてメンバーのティム・ゲインがステレオラブとは別に立ち上げたバンド、キャヴァーン・オブ・アンチマター（Cavern of Anti-Matter）のホルガー・ザップなんかも参加していているようだ。こういったコラボレーションがアルバムの質をより高いものにしているのではないかと思う。

やはりステレオラブって唯一無二の存在だよなって、このアルバムを聴いて実感している。今回のカムバックは、この先も彼らなりのペースで良質なアルバムが聴けるのではないかと期待してしまう。

Little Barrie（リトル・バーリー）というバンドは初めて知ったのだが、2000年結成のイギリスのバンドで、かつてはイエスのスティーヴ・ハウの息子、ヴァージル・ハウがドラマーとして在籍していたそうだ。

そのヴァージル・ハウは2017年に亡くなってしまい、バンドはそこから活動を休止していたが、2020年にジャズ・ドラマーのマルコム・カットと組んで、連名でのアルバムをリリース。今回の”Electric War”はその第2弾にあたる。

ヴォーカル曲もあるが、どちらかというと演奏主体。ジャムセッションから発展させたような感じの曲が多く、適度な緊張感が個人的には心地良い。このアルバムをうまく説明するほど語彙が豊富ではないので、とりあえず何曲か貼っておく。