Desde Trànsit Projectes (gestión, producción y comunicación de proyectos culturales), #plantauno (centro de investigación en cultura), la Red Sures (Programa de movilidad y residencias internacionales para gestorxs culturales) y el Laboratorio Nómada (espacio de reflexión, construcción y acción política desde el campo de las ideas alrededor de la cultura), nos unimos a la programación de los distintos eventos, participando en diferentes espacios de debate, presentación de proyectos, conversación, desarrollo de prospectivas, análisis y puesta en común. Todo esto alrededor de las temáticas que están marcando no solo la agenda cultural internacional, sino definiendo también los retos, las líneas de investigación, las acciones políticas e institucionales, las reivindicaciones independientes, y los procesos de mediación, gestión y producción a través de la cultura y de sus ecosistemas: derechos culturales, economía creativa, desarrollo sostenible, ciudadanía y cultura, diversidad cultural, tecnología y cultura, cultura y paz, cultura y desarrollo, cultura y derechos humanos, ecosistemas culturales locales, conocimientos tradicionales, migración, alteridades, movilidad, etc.

Una conversación cruzada que es también una oportunidad para continuar muchísimos otros diálogos surgidos del trabajo de los agentes culturales que actúan en sus territorios de origen, pero que igualmente, tejen lazos, redes y procesos a nivel iberoamericano y global. Desde nuestras organizaciones y proyectos queremos celebrar y compartir esta oportunidad uniendo a nuestras diferentes participaciones en los foros mencionados, una serie de encuentros de programación propia que buscan convocar a amigxs, colaboradorxs, usuarixs, referentxs y cómplices, y a sus respectivas comunidades y ecosistemas propios. Es por eso que abrimos nuestros espacios de trabajo e investigación, situados en el corazón del Districte Cultural de L’Hospitalet de Llobregat, al suroeste de Barcelona, para continuar los intercambios abiertos en los foros oficiales de Mondiacult, compartir con el ecosistema cultural hispanoaméricano algunos de nuestros proyectos, alianzas y espacios de complicidad con el resto de España y América Latina y sobre todo, como solemos insistir desde #plantauno: tejer relaciones y cultivar afectos juntxs alrededor de la materia que nos ocupa, el trabajo cultural a favor del acceso y la activación de situaciones locales.

Os compartimos aquí, entonces, nuestra agenda de participación en Mondiacult, Ágora Cívica, Encuentro Cultura y Ciudadanía y Culturopolis; así como la agenda propia de actividades que llevaremos a cabo en nuestro centro de investigación en cultura #plantauno.

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Agenda propia de actividades en el marco de MONDIACULT Barcelona 2025:

(¿Por qué?)

Ya es genética nuestra necesidad de ordenar la memoria en bibliotecas, dice el crítico cultural y escritor barcelonés, pero también, y sobre todo, de compartirla, agregaríamos nosotras. De ponerla en común y construir, alrededor de esa práctica, comunidades diversas, de conocimientos y de vínculos, de relaciones tejidas en el encuentro de saberes y entusiasmos, que se activan, muy probablemente, traspasando los límites. Los límites físicos, de edificios, instituciones, diseños de programación y usos, catálogos, formatos y tendencias; pero también conceptuales, de prácticas, de disciplinas, de espacios de trabajo e influencia, de relación con el entorno y sus personas… Nosotras queremos habitar ese límite; encontrar juntas maneras diversas de ensancharlo, para que rodee nuestra feliz y entusiasta idea de la biblioteca, y podamos también, juntas, imaginar todo tipo de alternativas para formar parte de ella…

(¿Qué?)

Bibliotecas (im)posibles es un programa de encuentros, a modo de grupo de estudio e investigación, para explorar formas de colaboración, intercambio, relación y correspondencia entre el trabajo cultural y el dispositivo biblioteca. Relaciones que incluyan a todo su universo de actores, participantes, tejidos, dinámicas y retos… En un momento histórico en el que nuestra convivencia con los soportes de transmisión de conocimiento e información parece protagonizar el cambio más acelerado de las últimas décadas. En medio de una conversación, abierta hace ya por lo menos quince años, acerca del devenir, el futuro o la transformación de la plataforma biblioteca… queremos especular, imaginar, investigar, conocer, conversar y proponer acerca de nuestros desafíos comunes, y de las #ideasdeproyecto que pueden surgir cruzando saberes, experiencias e inquietudes. Nos interesan las bibliotecas como espacios de aprendizaje, pero también como entornos ideales para el trabajo con el territorio. Pensamos e imaginamos todas las bibliotecas posibles como plataformas para la convivencia con la comunidad, pero también como los recursos fundamentales para relacionarnos culturalmente con los interrogantes del siglo XXI. 

(¿Cómo?)

4 encuentros a lo largo de un año no natural, de noviembre de 2024 a noviembre de 2025, que producimos con la ayuda de por Laura Fraile (@laurafrailev) en las instalaciones de #plantauno, con la presencia de expertxs, buenas prácticas, iniciativas singulares y estímulos conceptuales y reflexivos para explorar las relaciones posibles (e imposibles) entre las bibliotecas y el trabajo cultural. Desde todas las perspectivas que podamos imaginar, hasta componer una suerte de biblioteca de bibliotecas: bibliotecas que curan, bibliotecas que cuidan, bibliotecas que generan comunidades; bibliotecas que mutan, bibliotecas que se mueven, bibliotecas encerradas y abiertas; bibliotecas personales y colectivas; bibliotecas efímeras y bibliotecas históricas; bibliotecas para jugar y bibliotecas para fabricar; bibliotecas de personas, bibliotecas de objetos, bibliotecas de paisajes, bibliotecas biológicas; bibliotecas ficticias, bibliotecas imaginadas, bibliotecas destruídas y reconstruidas, bibliotecas de todxs…

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Encuentro 01 (21/11/2024 | 10:30 a 14:00h.)

Bibliotecas que cuidan; bibliotecas que generan comunidades; bibliotecas que mutan.

Participan:

1- BIBLIOTECAS QUE…

Julián Figueres. Bibliotecario de la Biblioteca Gabriel García Márquez, con amplia experiencia laboral en el campo de las bibliotecas públicas. Impulsor del proyecto Radio Maconda, la veu de les biblioteques de Barcelona; ex-director de la Biblioteca Vapor Vell en el distrito de Sants-Montjuïc de Barcelona.

(Bibliotecas que generan comunidades).

Virginia Cierco. Directora de la biblioteca Sant Pau del barrio de El Raval de Barcelona, que acumula reconocimientos por su labor de cohesión social. Medalla d’Honor de Barcelona, 2019 por su labor participativa a favor de la integración y la convivencia de la comunidad de El Bon Pastor.​ Impulsora del proyecto de clubs de lectura en el patio “Disidències a la fresca”, participante del grupo Interseccionalitat en bibliotecas.

(Bibliotecas que cuidan).

Elsa Sánchez Becerra. Diseñadora industrial e ilustradora especializada en diseño de espacios y proyectos editoriales infantiles. Actualmente cursa el Máster de Biblioteca Escolar y Promoción de la Lectura en la UAB. Elsa trabaja proyectos que promueven decisiones de diseño conscientes de su impacto en la calidad de vida de las personas, en sus palabras, «la biblioteca emerge no sólo como un refugio, sino también como el corazón y el núcleo de la escuela y la comunidad, un lugar de encuentro, aprendizaje y cohesión social.»

(Bibliotecas que mutantan).

2-INTERROGANDO NUESTRA(S) IDEA(S) DE BIBLIOTECA

Acción performativa y de participación para interrogar nuestras prácticas y compartir perspectivas, ideas y especulaciones a partir del libro 2.300 preguntes per a tu i la teva acció en els àmbits social, educatiu i artístic. con Josep Maria Aragay.

Josep Maria Aragay. Educador Social y Musicoterapeuta especializado en el uso socioeducativo y comunitario de las artes. Profesor de creatividad en el Grado de Animación Sociocultural del Departamento de Carreras Sociales en la Universidad de París Est-Créteil. Colaborador de los másters en Mediación Artística y Musicoterapia de la Universidad de Barcelona. Integrante del grupo GIAS en “Lenguajes artísticos y acción social” de la Facultad Pere Tarrés de la Universidad Ramón Llull. Creador y responsable del proyecto Basket Beat y autor de 2.300 preguntes per a tu i la teva acció en els àmbits social, educatiu i artístic. 

Inscríbete aquí

Encuentro 01 (21/11/2024 | 10:30 a 14:00h.) en #plantauno: Av. Fabregada 22, P-1, L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona (cómo llegar)

Por Alexandre Barbalho (Brasil) y Tomás Peters (Chile)

Mondiacult 1982 definió gran parte del marco de trabajo global sobre políticas culturales en las últimas cuatro décadas. En su declaración se estableció la definición de cultura que la UNESCO ha promovido desde entonces y se generaron discusiones tan centrales como derechos, democratización y diversidad cultural. Luego de cuatro décadas de esa convención se han ampliado, por una parte, los esquemas teórico-analíticos de las políticas culturales y, por otra, se ha acelerado la complejización de la sociedad contemporánea luego de, por ejemplo, la pandemia por Covid-19 y las crisis políticas y militares mundiales. En efecto, en todos estos años no sólo se han radicalizado las históricas condiciones estructurales del campo cultural latinoamericano —precarización laboral de las/os trabajadoras/os culturales, reducción de sus ingresos económicos, disminución de los presupuestos públicos en cultura, cierre temporal y/o desaparición de espacios de circulación artística, desplazamiento de las/os artistas hacia otras áreas laborales, etcétera —, sino también se han producido cambios significativos en las lógicas de participación cultural por parte de la población. Hoy, debido a la digitalización cultural de la mano de plataformas tecnológicas, nuestros hábitos culturales son muy distintos. Y esto tiene, ciertamente, consecuencias para la democracia. 

En un reciente informe de la Unión Europea titulado “Cultura y democracia: la evidencia. Cómo la participación de ciudadanos en actividades culturales mejora el compromiso cívico, la democracia y la cohesión social”, se demuestra que existe una correlación clara y positiva entre las tasas de participación de los ciudadanos en actividades culturales y los indicadores de compromiso cívico, democracia y cohesión social. Esta constatación, ya argumento común en América Latina hace décadas, nos obliga a repensarla en un contexto de urgencia. En efecto, el último informe de Latinobarómetro manifiesta la preocupación por el estado de la democracia en América Latina: según ellos, estaríamos viviendo una recesión de los valores democráticos. Algo similar informó el periódico The Economist hace pocos meses, al situar a Chile y Argentina, entre otros países de la región, en la categoría de “democracias defectuosas”. Si existe una relación entre participación cultural y democracia, entonces debemos resituar el problema. 

Realizada nuevamente en México, Mondiacult 2022 reunió a la mayoría de los ministros de cultura de los países miembros de la UNESCO y, en su declaración final, se establecieron los lineamientos mundiales para las próximas décadas sobre política cultural, economía creativa y desarrollo sostenible. Al mismo tiempo, se revisaron experiencias globales y se buscó alcanzar un acuerdo mundial sobre cómo reforzar el sector cultural de los diversos países miembros de la UNESCO a través del reconocimiento de que la cultura es un bien público mundial. Sin embargo, se habló tangencialmente sobre el decreciente apoyo que nuestras sociedades están dándole a la democracia. Todo este escenario exige desplegar preguntas abiertas sobre el futuro de las políticas culturales en América Latina. El trabajo cultural cambia, las lógicas de acceso a las artes también; el rol de los Estados se transforma y sus planes y programas se reformulan en su función territorial/local/global; las formas creativas se adaptan a los formatos digitales y el capitalismo global establece nuevas reglas de operatividad. Esta complejidad pareciera exhibir que el futuro de las políticas culturales en América Latina es cada vez más difícil de administrar. Es más, la trayectoria que venían dando desde 1990 pareciera no seguir un horizonte de reforzamiento democrático, sino que de administración de recursos e, incluso, de reducción de la institucionalidad cultural lograda en estas décadas, como en el caso de Argentina.

Hoy más que nunca se requiere analizar críticamente los acuerdos y recomendaciones de Mondiacult 2022, así como también la noción de cultura como bien público mundial. En América Latina no existe un consenso sobre la propuesta de la UNESCO, sino más bien una actitud de sospecha y de necesario redireccionamiento político. El escenario social que está viviendo nuestra región está desbordando las sugerencias de acción de un encuentro internacional como Mondiacult u otras declaraciones del tipo. Junto con apoyar el ecosistema cultural, fomentar la economía creativa y asegurar el desarrollo sostenible del sector, se necesitan de acuerdos mundiales que busquen la protección de los avances institucionales que los Estados han hecho en el ámbito cultural. La cultura es un bien público mundial, pero también lo son los ministerios o secretarias de cultura de cada país. Su trabajo en los contextos locales es un motor de participación cultural y, por ende, de democracia. Y esa es una tarea que se requiere reforzar ya. 

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* Alexandre Barbalho y Tomás Peters son autores de RGC Ediciones, juntos coordinaron el especial de la Revista Gestión Cultural “MONDIACULT y después. El futuro de las políticas culturales en América Latina” que puede descargarse en acceso abierto en bit.ly/mundiacult

El primer intento ha sido #plantauno_AMB_FUTURX. Un encuentro para reflexionar y conversar mucho alrededor de las intersecciones entre música y tecnología; poniendo especial atención en los retos y los temas más agitados de la actualidad alrededor de la disciplina, de sus creadorxs y de su industria. Algo en lo que nuestras queridas amigas de  @futurx__ son todas unas especialistas: comunidades, públicos, seguidores, colectividades, co-trabajo, amistad… pero también formas de monetización, post-economía de la creación, alcance, comunicación… tecnología, postproducción, inteligencia artificial… y claro, retos, temores, dilemas éticos, interrogantes y prospectivas…

Os compartimos aquí dos registros distintos cruzados de lo acontecido en #plantauno aquel día. En primer lugar una relatoría a cargo de @narravegante, escritor y gestor cultural, (colaborador de la casa en los últimos meses de la pasada temporada), que recoge todo lo ocurrido aquel día y nos ofrece un planteamiento sigular, del estado actual de estos cruces entre música y tecnología en Latinoamérica. A ello aunamos una muestra visual del registro en directo que hizo el equipo curatorial de #plantauno, y que dió como resultado, un compendio de frases, casi a la manera de sentencias o twitts, que ilustran muy bien lo que surgió de todas nuestras conversaciones…

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#plantauno AMB Futurx, un encuentro para compartir ideas sobre música y tecnología en español

Por Ricardo Elías, #plantauno

“Si les gusta esa mierda, no merecen ser mis amigos” esa fue la frase que hace algunas semanas lanzó el músico puertorriqueño Bad Bunny(1), a raíz de la difusión de una canción de reggaetón con su voz, pero creada con Inteligencia Artificial. Una frase de enfado en respuesta al hecho de que se haya realizado el experimento sin su autorización, pero también, y es quizá lo que resulta más interesante, como una reacción frente al rápido avance de las nuevas tecnologías y sus infinitas posibilidades.

El disgusto del Bunny, o más bien su sorpresa, fuera de toda discusión respecto a la legitimidad del exabrupto, evidencia cómo el avance de la tecnología en el mundo de la música ha logrado descolocar a sus creadores. Todo desbarajuste plantea, a su vez, numerosas interrogantes. En este sentido, quizás, la primera tenga que ver con cómo esto readecuará el terreno musical del mañana. Una pregunta abierta que sigue respondiéndose día a día, conforme avanza la maquinaria tecnológica.

Precisamente este fue uno de los temas centrales de AMB, el nuevo programa de #plantauno, que el pasado 7 de noviembre tuvo su primera edición bajo el título Redefiniendo los ecosistemas musicales del futuro, un evento que contó con la complicidad especial de Nicolás Madoery (@nicolasmadoery), director de Futurx (@futurx__) (2), primera comunidad latinoamericana de aprendizaje e intercambio sobre música y tecnología basada en la web3.

Durante la jornada, numerosos agentes, profesionales, creadores, gestores, productores y un público general con marcado interés en todo lo referente al universo de la música, se reunieron en #plantauno para imaginar y reflexionar acerca de las impensadas posibilidades que brindará la música en el futuro que ya comenzó.

El lado bonito de la tecnología

En su libro Cultura de la influencia, Tomás Balmaceda, Miriam De Paoli y Juan Marenco señalan que “la digitalización, en tanto introducción de tecnología digital en nuestros entornos, trae consigo una transformación profunda y de raíz que parte de una certeza: el cambio es la única constante en esta realidad volátil que nos toca vivir (…) El cambio no puede consistir simplemente en adaptarse: debe ser transformación con sentido”.

Entonces, ¿cuánto de miedo y cuánto de desconocimiento hay frente a las nuevas tecnologías?; ¿es que acaso nos asusta pensar que quedaremos fuera de juego?

El primer panel de AMB llevó por título Comunidades digitales en la industria musical, y su foco estuvo puesto en la creación de espacios online, y en cómo se relacionan estos espacios con el mundo de la música, cuya concepción suele vincularse a lo analógico, al control de lo tangible. Lilian Cázares (@lilianrcazares) (3) abordó esta disyuntiva desde su experiencia como consultora de marketing para músicos, donde muchas veces se ha visto obligada a tener que luchar por ‘quitarle’, al marketing, la etiqueta del enemigo y mostrar que se trata de una herramienta de gran ayuda a la hora de visibilizar buenas ideas. “A veces llegas al mundo del arte solo sabiendo de arte, y otros se aprovechan de eso. Por esta razón es necesario que el artista se eduque también en otras áreas”, explicó, “para que pueda descubrir el lado bonito de la tecnología”. Nicolás Madoery, por su parte, recomendó salir de aquella lógica en la que “solo existe una forma de hacer las cosas”, insistiendo en que es el momento de atreverse a pensar nuevos modelos con los recursos tecnológicos que van surgiendo a diario, dejar de verlos como una amenaza.

En Post economía de creadores en la música la brújula giró hacia los desafíos que plantea hoy la Inteligencia Artificial. Arnau Sabaté (@arnausabate), CEO de GUZZU (4), plataforma nacida para que los creadores de música lancen productos digitales, comentó que estamos en un momento donde existe una avalancha tanto de contenidos como de plataformas, y resulta muy difícil destacar.

Para el espectador del encuentro, escuchando a los inquietantes abordajes de algunos panelistas, a ratos podría dar la impresión de que los avances tecnológicos hubieran surgido para complicarlo todo y, a su vez, para ofrecer soluciones. Si antes les resultaba imposible a los músicos dar a conocer sus proyectos sin pertenecer a una disquera, en los tiempos actuales nada les impide poder acceder a más público gracias a las nuevas alternativas… pero las reglas del juego ya no son las mismas.

Fue en este punto de la charla donde Miquel Curanta (@mcuranta), Diego Rincón (@revmusic.co), Arnau Sabaté y Mila Rodríguez (@milarodmed) se preguntaron: ¿cuáles serán los referentes del futuro en la música?, para entonces aventurar algunas respuestas, como la creación de música de calidad para nichos específicos y la fidelización de pequeñas comunidades. “Tal vez habrá que olvidarse de la vieja idea de los públicos masivos y girar hacia la búsqueda de públicos más selectos y fidelizados”, propusieron.

A pesar de que en este universo temático, lo online nos remite a un mundo de pantallas y de conexiones intangibles, uno de los conceptos que más se repitió fue el colectivo, y cómo estos colectivos están planteando interrogantes indispensables frente al avance tecnológico en su estado salvaje. No solo respecto a la música, sino también respecto a otras disciplinas. El llamado fue a crear y fomentar colectivos. En palabras de Miquel Curanta: “una gota sola no es más que una gota, pero cuando varias gotas se unen forman un arroyo o un mar”.

En la tercera parte y final de AMB, Nicolás Madoery y Berenice Llorens (@berenicellorens), presentaron el Reporte IA + música en Latinoamérica (5), donde el eje fue la Inteligencia Artificial generativa. Presentado en BIME Bilbao 2023, este estudio no solo expuso cuestiones teóricas respecto del impacto de la IA en la música latinoamericana, también profundizó en torno a la experimentación. En colaboración con Amplify DAI (6), se creó la voz de una cantora utilizando SO Vits, un software generativo de clonación de voz con audios de diez mujeres fundamentales: Violeta Parra, Chavela Vargas, Mercedes Sosa, Gilda, Elsa Soares, Selena Quintanolla, Rita Lee y Tita Merello, entre otras.

¿Qué habría pensado Violeta Parra al escuchar la clonación de su propia voz?, nos preguntamos. Tal vez hubiera reaccionado del mismo modo que Bud Bunny, sentenciando que ninguno de los participantes de AMB merecíamos ser incluídos en su lista de amigos… o tal vez hubiera surgido frente a sus ojos un universo inagotable de recursos creativos. Escenas similares se han vivido en otras épocas. Basta recordar cuando se inventó el fonógrafo en los albores de 1900, el primer sistema capaz de grabar y reproducir sonido sin tener que recurrir a la movilización de todos los integrantes de una orquesta cada vez que se quería oír música. Probablemente entonces se generó el mismo nivel de inquietud, de confusión; probablemente muchos lo vieron como un atentado al sentido profundo de la creación musical y otros más, como una puerta abierta a la experimentación creativa…

(1)- https://elpais.com/cultura/2023-11-08/bad-bunny-carga-contra-una-cancion-creada-con-ia-si-les-gusta-esa-mierda-no-merecen-ser-mis-amigos.html   | (2)- https://futurx.net/ | (3)- https://www.liliancazares.com/ | (4)- https://www.guzzu.io/ | (5)- https://futurx.net/ia-musica-latam/ (6)- https://amplifydai.com/

En el marco de su visita a Barcelona, conversamos con él alrededor de su trayectoria; su labor como director de la colección CulturaS en la editorial Gedisa; su perspectiva sobre el rol social de la cultura (y las relaciones de esta con su entorno) pero, sobre todo, acerca del tema de su más reciente publicación Emergencias Culturales, publicada en España por la mencionada editorial Gedisa, con la colaboración de Trànsit Projectes s y en la que esta conversación figura como prólogo. El libro recoge una investigación realizada a cuatro manos junto a Mariana Martínez Matadamas, que analiza cómo se han transformado las relaciones entre instituciones, artistas, trabajadores culturales y públicos a raíz del estallido de la pandemia provocada por la covid-19. Una sacudida que, en palabras de Canclini, ha representado todo un estado de emergencia para ellas. 

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Cambiar las instituciones desde dentro: un momento muy desafiante para los mediadores culturales. 

Una conversación con Néstor García Canclini, por Trànsit Projectes

1- Trànsit Projectes: Permíteme comenzar mostrándote una imagen. Es una fotografía antigua, fechada en 1940. Pertenece a la Hulton Press Library Collection, el antiguo archivo de la revista fotográfica británica Picture Post. Se trata, la describo para las lectoras, de la biblioteca del Holland House de Londres. La casa de los duques de Holanda, que hoy, es el bello Holland Park en el barrio de Kensington. El edificio, como ves, está totalmente destruído, se encuentra así tras haber sufrido los bombardeos del blitz alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Te la muestro por dos cosas. La primera, porque una versión a gran escala de esta imágen, preside la sala de reuniones de Trànsit Projectes, la organización dedicada a la gestión cultural a la que pertenezco y que, en alianza con la editorial GEDISA, organiza la conferencia que impartirás esta tarde en Barcelona.

La segunda razón, que es en realidad por la que la traigo a colación, se explica por lo que la escena retratada es capaz de simbolizar. Está la devastación causada por la barbarie de la guerra pero, al mismo tiempo, está también algo que prevalece después de la catástrofe.. Todo se ha derrumbado pero, curiosamente, lo único que sigue en pie son las estanterías de la biblioteca repletas de volúmenes. Y los hombres que husmean entre ellas, como si nada más ocurriera alrededor. No creo que haga falta decir mucho más al respecto de la fotografía, pero me parece una muy buena forma de entrar a tu más reciente libro EMERGENCIAS CULTURALES, de próxima publicación en España, y del que hablaremos mucho durante esta conversación. 

En EMERGENCIAS CULTURALES, dedicas un apartado a situar a las lectoras en los dos polos de lo que significa la palabra emergencia. Aquello que está en un límite de la destrucción, de la amenaza, de la desaparición quizá, y por el otro, el de la posibilidad de renacer, de reinventarse, de emerger entre las ruinas. Tu has hecho un análisis que pretende ser una fotografía del estado de la cuestión de las instituciones culturales, de sus creadores y sus comunidades, (en México, Brasil y más recientemente en España), en esta especie de mundo arrasado por la experiencia de la pandemia, así que, finalmente, te pregunto: ¿Cuál es esa emergencia de la que hablas, puedes describirla? Y también, ¿qué posibilidades atisbas tú de un renacimiento; de un emerger distinto de esas instituciones en emergencia (o de otras nuevas que no hemos imaginado aún)?

Néstor García Canclini: Me gustó desde el comienzo que la palabra emergencia, tuviera esa ambivalencia, ese juego de sentidos que no son contradictorios pero se refieren de maneras diferentes a la cultura. Históricamente los procesos culturales han sido pensados de muchas maneras, y en culturas y continentes distintos, también con enormes diferencias. Por un lado se ha fantaseado con las artes y la cultura como creadoras de un lenguaje universal, de reconciliación. Una obra musical, por ejemplo, se suponía que debía ponernos en un diálogo con nosotros y los otros sin importar las condiciones de formación del gusto, de educación, las diferencias de clase, procedencia, género, etc. Sin embargo, sabemos desde hace mucho tiempo, gracias en parte a la sociología y a la historia social de la artes, que esto no es así, las artes son también lugares de elaboración simbólica más o menos compensatoria, y de fractura social entre grupos. Este doble sentido se manifiesta muy concretamente en muchas emergencias culturales. La última es la de la pandemia, pero algo que hacemos en la investigación que realizamos en Brasil y México, pero con un horizonte más amplio, fue recordar que la cultura ha vivido muchas veces entre viudos, podríamos decir. Entre quienes decían murió el teatro porque apareció el cine, murió el cine porque apareció la televisión; pero luego ni el cine, ni el teatro, ni la radio, ni otros medios de comunicación y de organización institucional de lo social, desaparecieron. Se reformularon con la aparición de otros formatos, estilos comunicativos y necesidades o demandas sociales. Ese es un tipo de emergencia que ha sido frecuente, casi incesante en el desarrollo de la vida cultural y artística. Pero algunas otras emergencias tienen larga duración, o al menos dan un tiempo amplio para recuperarse. Los regresos revitalizan las escenas de distintas décadas. Entonces, más que una desaparición, menos aún un progreso, lo que encontramos son reencuentros con el pasado y expectativas de futuro en las que se imagina esta tarea básica de la actividad artística y del trabajo cultural.

«Los regresos revitalizan las escenas de distintas décadas… más que una desaparición, menos aún un progreso, lo que encontramos son reencuentros con el pasado y expectativas de futuro en las que se imagina esta tarea básica de la actividad artística y del trabajo cultural».

2- Trànsit Projectes: Hablas de posibilidades de futuro, no parecerían muy alentadoras en este presente post pandémico. Tu retrato del estado de las instituciones culturales, como decíamos antes, se centra en México y Brasil aunque, en la charla de hoy, hablarás un poco también sobre el caso de España, tres territorios que conoces muy bien, y que, también, pueden servir para hacer un retrato muy interesante del mundo actual. Con gobiernos populistas a su manera, que han barrido con institucionalidades culturales históricas, pienso en recintos, en programas de apoyo a creadores, en espacios de convivencia, en fondos e inversiones en materia cultural, cada uno a su manera, pero en los tres territorios hay esta degradación desde el poder administrativo, una devaluación respecto del papel de la cultura… Es una práctica global, podríamos decir, a los nombres de López obrador y Bolsonaro podríamos agregar los Trump o hasta los Elon Musk, la pregunta sería: ¿Nos han quitado las instituciones? ¿Es ahí donde se podría justificar su devaluación (y su emergencia)? o ¿Se han muerto ellas de muerte natural?; ¿Tenemos una oportunidad de refundarlas? 

Néstor García Canclini: Así como decíamos que casi todas las crisis de las culturas y las artes han tenido temporalidades diferentes, pero en general más prolongadas que las de la pandemia, hay que pensar también que esta crisis en particular, muy radical, es cierto, no sólo hizo vacilar a cada una de las industrias y disciplinas culturales en sí mismas, sino que, sobre todo, lo que entró en una crisis sin precedentes fue el conjunto de los espacios cerrados vinculados a estas actividades. De pronto no había teatros abiertos, no había salas o festivales de música, no había cines o aulas, ni muchos otros espacios habituales de experiencia presencial de lo cultural y de convivencia alrededor de la cultura, porque también una plaza o un parque pueden ser pensados como lugares culturales. Así, tuvimos que reformular, en cierto sentido, lo que entendíamos por cultura, en un extremo de manera íntima, confinada, desde la casa, y usando la mayoría de las veces las pantallas televisivas, de los ordenadores y aún de los celulares, como mejor podíamos. Esto cedió a las grandes corporaciones, a las plataformas, un espacio que no habían conquistado, aunque iban avanzando en su influencia. En el otro extremo de esa reclusión, en lo cercano, lo familiar, lo hogareño, tuvimos una posibilidad de apertura a lo global mucho mayor que en el pasado, y con una aparente democratización o redistribución, porque, sólo con una pantalla y un servidor de youtube podíamos acceder a contenidos que no habíamos podido tener a nuestra disposición en otro momento. Aún así, se hizo patente en poco tiempo que esa redistribución o reorganización del campo cultural, estaba en realidad atravesada por nuevas desigualdades. Surgieron grandes preguntas: ¿quién podía tener acceso al streaming, a según qué plataformas? o ¿cómo las plataformas se reubicaban también en esta nueva conquista de los públicos?, o ¿cómo formaban a esos públicos en un nuevo entrenamiento para el acceso? En pocos meses tuvimos que aprender a relacionarnos con los bienes y mensajes culturales en otras claves, con otros hábitos. No se forman hábitos de una semana para la otra, pero aparecieron una multiplicación de recursos, de soportes. Se fueron creando actitudes nuevas, y aún los de más edad, fuimos adquiriendo esas prácticas, no necesariamente en relación con un mayor nivel educativo. Hubo una desestabilización de jerarquías, la creación de nuevas desigualdades, es un aprendizaje vertiginoso y muy significativo respecto a los puntos de conflicto y contradicción en las escenas y los circuitos culturales, que no eran tan patentes antes…

«Esta crisis en particular, no sólo hizo vacilar a cada una de las industrias y disciplinas culturales en sí mismas, sino que, sobre todo, lo que entró en una crisis sin precedentes fue el conjunto de los espacios cerrados vinculados a estas actividades».

3- Trànsit Projectes: Ya que estás tocando explícitamente el tema de lo digital, me interesaría que nos acerquemos a uno de los planteamientos más rotundos que haces a este respecto en EMERGENCIAS CULTURALES. Ahí te preguntas abiertamente, si no serán las plataformas las nuevas instituciones culturales, o si el acceso al consumo cultural en lugares públicos será sustituído por el streaming. Es en cierto modo algo que tú ya has tratado en otros libros respecto al tema de la lectura, pienso en Lectores, espectadores e internautas. Las transformaciones de los hábitos, llamémoslos aquí, de consumo, de los cambios en las prácticas de los públicos y lo que va quedando o ganándose por el camino. ¿Qué pasa, entonces, con este cambio? ¿Son o pueden ser realmente las plataformas las nuevas instituciones? ¿Es ahí a dónde hay que volcarse? ¿Y el rol del que cura, del que prescribe, del que incluso, aunque la palabra nos haga ruido ahora, legítima?  y, al mismo tiempo, esa transformación que tú ya has monitoreado, por así decir, en el ámbito del mundo del libro, ¿nos puede servir de espejo, respecto a la que se le viene al mundo de las instituciones culturales?

Néstor García Canclini: Vivimos, se ha dicho muchísimas veces, una época de convergencia de los lenguajes culturales, antes había una industria editorial que se encargaba de lo impreso en papel, otra industria audiovisual que trabajaba con el cine, las pantallas televisivas; y otra industria musical, separadas, se unían en algunos productos como las películas, que de alguna manera combinan todo eso, pero la organización industrial estaba fragmentada. Ahora, al tener todos estos recursos, palabras, imágenes, sonidos, en la pantalla de nuestro móvil, todo se cruza. Sabemos cuántas experiencias han hecho primero los artistas pero también los gestores culturales, para entrelazar esos lenguajes y formatos, y sin embargo subsisten industrias relativamente separadas. Especialmente la industria editorial ha demostrado poca flexibilidad para reubicarse en ese escenario. Los contratos que firman las editoriales con los autores, piden que cedamos nuestros derechos para todos los formatos impresos en papel, digitales, y los que puedan existir a futuro, pero en la práctica, cuando uno ve cómo actúan las editoriales, siguen pensando sobre todo en librerías, o en algunos países como Estados Unidos, en las bibliotecas, que van a comprar un 10 o 20 por ciento de la edición en automático, para tener bibliotecas muy nutridas, muy al día… y hay un acomodamiento laborioso, mejor o más dúctil en inglés, más lento en castellano, para incorporar esos nuevos circuitos virtuales de acceso y de descargas. Hay muchas trabas, muchos divorcios, mucho desentendimiento; malestar entre autores, editores, libreros. Este es uno más de los tantos malestares que estas transiciones aceleradas nos provocan. Sin embargo, estamos en un momento muy desafiante para los mediadores culturales, para los centros que tienen inserción local y que quieren comunicarse internacionalmente; ahora tienen la capacidad práctica de estar hablando con destinatarios de sus mensajes en países de todo el mundo, y a veces hasta en lenguas distintas. La diferencia entre industrias sigue siendo significativa aunque con este enorme cruce de lenguajes y formatos.

Ahora, refiriéndonos explícitamente a nuestra investigación en México y Brasil, vimos que se nos imponía la conclusión de que las plataformas digitales ya cumplen muchas funciones de las antiguas instituciones, casi nunca las sustituyen enteramente, lo que sí vemos es que si una institución se caracteriza por institucionalizar, valga la redundancia, la vida social, organizarla con ciertas reglas de comunicación de los productos culturales, de acceso, de transmisión… esas funciones han pasado, en gran parte, a ser compartidas con las plataformas. Entonces, esas instancias, que son grandes aparatos empresariales, también son instituciones, cumplen funciones similares. Son espacios donde se organiza la vida social, con otras reglas, o compartiendo parte de las viejas con nuevos dispositivos de comercialización o de subordinación de las obras artísticas, literarias, musicales, cinematográficas, a una expansión acelerada e inestable, de la relación de los públicos con esos bienes. Esto tiene muchas consecuencias sobre algo que en cualquier centro cultural o en cualquier institución, no sólo en el museo, es muy importante, que es la memoria…

«Es un momento muy desafiante para los mediadores culturales, para los centros que tienen inserción local y que quieren comunicarse internacionalmente; ahora tiene la capacidad práctica de estar hablando con destinatarios de sus mensajes en países de todo el mundo y a veces hasta en lenguas distintas».

4- Trànsit Projectes: Nosotras percibimos, a veces con bastante desconsuelo, que eso que pasa a nivel institucional, ocurre también en términos de percepción social. Parecería que como en ningún otro tipo de actividad, hay que encontrar maneras de justificar la actividad cultural más allá del interés. Hay una devaluación de la percepción de la importancia de la cultura y sus instituciones también por parte de la sociedad, de las personas, de los públicos posibles. Parece no haber razones incluso para echar de menos esas posibles pérdidas… Por otro lado, venimos de un frenazo dramático de nuestros sistemas e inercias a causa de una pandemia. Ya se dijo entonces, que la cultura era necesaria, que la cultura nos sanaba o salvaba o ayudaba sobremanera a sobrellevar el confinamiento, por ejemplo. Al mismo tiempo vimos campañas para intentar no perder por completo el tejido, pienso en la Red de Emergencia Cultural en Costa Rica, en una propuesta de ley de emergencia cultural en Argentina, incluso aquí, en España, la campaña más reciente del Ministerio de Cultura y Deporte, dice: Es el año del renacimiento cultural. ¿Cómo vencer esa devaluación? ¿Cómo colarse a la fiesta de los nuevos intereses o motivaciones -pienso en los públicos más jóvenes-? ¿Cómo reivindicar la importancia de la cultura y claro, de sus espacios, instituciones, lugares…?

Néstor García Canclini: Me parece que hay varias cuestiones implicadas, que deberíamos tratar de manera separada. Es inevitable, ante todo, precisar un poco de qué estamos hablando cuando decimos cultura o incluso, procesos culturales; si es que nos referimos a aquello que se exhibe en las instituciones llamadas culturales, sin duda, pero también de otras maneras que tiene de manifestarse, el desarrollo cultural. Si miramos, por ejemplo, no sólo a la moda, sino a la manera en que va vestida la gente por la calle, a cada momento encontramos, desde hace décadas, que el arte contemporáneo está circulando. Con el arte Op o con el Pop, hubo una exploción de entrecruzamientos con el mundo de la moda, personas que no sabían quién era Julio Le Parc o Víctor Vasarely o Robert Rauschenberg pero usaban ropas que aludían a lo que ellos habían experimentado o inventado en sus cuadros y en sus obras lumínicas. No importaba mucho que supieran de dónde venía, ya lo recibían, lo vivían, les gustaba, y eso genera una transmisión de saberes, de estilos, de sensibilidades, que andan por las calles. Sin duda eso es cultura. Implica modos de posicionarse en relación con el cuerpo, el cuerpo mío y de los otros, los lugares por los que transitamos, la comodidad o la perturbación del cuerpo, la búsqueda de esas perturbaciones o el registro en esos cuerpos de esas nuevas instancias. Lo que a veces se ha llamado, no muy afortunadamente, el ‘pobrismo’ en la vestimenta, rasgar los jeans, ciertos cortes de pelo etc… Se parece bastante a lo que ví esta semana en el MACBA, una exposición en la que están estilizadas ciertas formas de habitar la calle por los llamados homeless, pero que están dentro de un museo, que es también, por cierto, una gran obra de un arquitecto famoso. Entonces, van y vienen los procesos culturales, no están solo contenidos en las instituciones, ni las instituciones le están cediendo tampoco todo el espacio a lo que va aconteciendo en la vida pública. Una reformulación, ya sabemos, de los museos, desde hace mucho tiempo antes de la pandemia, es cómo vincularse con el barrio, donde está el MACBA o el CCCB, o instituciones más pequeñas que tienen interés por la memoria, por la historia cultural, por la comunidad que los rodea, pero también se proyectan más allá y tratan no solamente que la gente venga al museo, a la sala de conciertos, sino situarse en espacios no previsibles para esa marca. Está también la competencia entre los medios, entre las empresas, que estimula esto, de manera que es necesario pensar de forma integral todo el escenario. Sabemos que hay problemáticas específicas, cómo se sostiene una editorial, cómo se sostiene un museo, a quiénes les pides fondos, cómo eso condiciona lo que se va a exhibir o a ofrecer en un libro, y a su vez, la cultura no es sólo eso.

Me gustaría destacar que, así como esto modifica la idea de institucionalidad cultural, nos cambia la noción clásica de comunidades ligadas a un territorio exclusivamente, como son las comunidades étnicas, casi siempre, y otras comunidades barriales en las ciudades, eso es importantísimo, lo sigue siendo, y nada indica que lo digital lo vaya a extinguir, y a la vez están estas otras comunidades se habla ya, desde los años 80 del siglo pasado, de las comunidades transnacionales de consumidores, de internautas, de televidentes, y están las comunidades nacionales, que si están arraigadas en comunidades locales, pueden ser mucho más que esas comunidades locales. 

«Van y vienen los procesos culturales, no están solo contenidos en las instituciones, ni las instituciones le están cediendo todo el espacio a lo que va aconteciendo en la vida pública…».

5- Trànsit Projectes:  Me interesa mucho que aludas a tus recientes visitas al Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, incluso al Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona; y que hagas referencia también a esta cuestión importantísima, de la relación que la institución cultural guarda o debe guardar con lo que ocurre fuera de la institución, pero también a la relación con los propios intereses a los que la institución debe obedecer, etc. Hace algunos meses, justamente el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, organizó una conversación entre Bernd Scherer, director de la Haus der Kulturen der Welt de Berlín, Mathieu Potte-Bonneville, director del Departamento de Cultura y Creación del Centro Pompidou, y Judit Carrera, directora de CCCB, titulada Las culturas del futuro. Ahí, Bernd Scherer, compartía una experiencia muy singular, incluso por su capacidad de responder de forma muy veloz a la situación actual. Una experiencia que consistía en abrir las puertas del Haus der Kulturen de Berlín a refugiados ucranianos a partir del recrudecimiento de la guerra con Rusia. El centro está a escasos 500 metros de una estación de tren donde estaban llegando refugiados y ellos ofrecieron el centro (casi paralizando otras formas de actividad) para acogerlos momentáneamente, para que descansaran y recibieran ayuda antes de ir a otros sitios de refugio. “Las instituciones culturales han de practicar al 100% la solidaridad”, decía su director. Porque “Algunas veces el arte no es suficiente, la cultura no es suficiente”, decía. Permíteme entonces agitar lo hablado antes y pensar en el lado contrario de esa posible reivindicación de la institución cultural. ¿Está en esa ampliación del foco la respuesta a las posibilidades de construir o reconstruir unas nuevas instituciones culturales? ¿El futuro posible pasa por aquí? y, al mismo tiempo, ¿esa devaluación y emergencia institucional, está dada por el alejamiento de esas instituciones culturales de las causas y problemas de la sociedad? ¿Cómo se enfrentan las instituciones culturales al panorama actual? ¿Deben o no ser neutrales? 

Néstor García Canclini: La investigación que hicimos en Brasil y también el contraste con lo sucedido en México durante la pandemia, nos desafió de muchas formas. Nos asombró en primer lugar, porque las cifras duras de los apoyos recibidos en un país y en otro, eran aparentemente contradictorias con respecto a los estereotipos internacionales, lo que uno lee en la prensa digamos. Quiero decir: Brasil igual a Bolsonaro, igual a gobierno autoritario, igual a degradación del Ministerio de Cultura y Secretaría, igual a disminución de los fondos, etc. Por otro lado México, con un gobierno, el de Morena, que ha hablado mucho de culturas comunitarias, que anunció explícitamente que su gobierno iba a apoyar muchos programas dirigidos a ellas, pero que sin embargo, no ha brindado ningún o casi ningún apoyo a los trabajadores de la cultura durante la pandemia. Una disminución efectiva del 25% o 30% para cultura respecto de lo que había en 2016 y un largo etcétera. ¿Cómo se explica esto? Ese fue uno de los objetivos principales de partida de la investigación, partir de la sorpresa, del contraste, y buscar claves… 

Cuento rápido algo que voy a explicar más esta noche en la conferencia:

Lo que sucedió en Brasil fue que, ya al mes de haber comenzado el reconocimiento oficial de la pandemia, apenas en el mes de abril, se formaron grupos en redes de más de 20 mil artistas y trabajadores culturales, gestores, que fueron organizándose y conversando para ver cómo se podía conseguir una renta mensual para los artistas, apoyo para los centros culturales que, aunque habían cerrado temporalmente, tenían que mantener ciertas actividades, cierto equipamiento; o quizá tenían que conseguir otros recursos que los habilitaran para entablar comunicaciones a distancia. Descubrieron que había unos fondos dormidos de unos 3 billones de reales, que son unos 550 millones de euros, que no se querían utilizar para cultura, pero que era posible valerse de ellos. No fueron al Poder Ejecutivo ni a la Secretaría de Cultura, sino que fueron al Congreso. Comenzaron a cabildear con legisladores de muchos partidos, el Congreso era plural en ese momento en Brasil, no tenía una mayoría Bolsonaro, y empezaron a escribir, en las redes, en la conversación digital, una ley, que se llamó Aldir Blanc, en homenaje a un músico muy popular, muerto durante la pandemia. Así, se consiguió que se destinara esa cantidad de fondos muy alta para que fuera entregada a los municipios, con la condición de que tuvieran un Consejo de Cultura Local. De los 6400 municipios que hay en Brasil aproximadamente, sólo unos 450 tenían Consejo de Cultura Local, así que muchos se apresuraron a crearlo para poder recibir los fondos, ya eso generó, en medio de la reclusión de la pandemia, un proceso de agrupamiento local, de construcción de una institucionalidad más participativa, y la invención de lo que se podía hacer con ese dinero en estas condiciones hostiles. La ley se aprobó con un solo voto de oposición. Se comenzó a aplicar con dificultad, porque no había entrenamiento suficiente en muchísimos artistas para llenar los formatos de solicitud. Hubo por parte del ejecutivo, cabe decir, de la Secretaría de Cultura, el entorpecimiento administrativo que pudieron lograr para que el proceso fuera lento y difícil… Finalmente se fue consiguiendo, más del 70% de los municipios recibieron los fondos, y movilizaron la escena, en medio de un panorama de cierres de museos, salas de conciertos, centros culturales locales, etc.

Después de un año decidieron hacer la ley Aldir Blanc II, para que esto se convirtiera no sólo en un fondo de emergencia, si no en un programa con continuidad. Se escribió el aprendizaje de esa primera experiencia, algunos cambios, etc. Bolsonaro la vetó, con argumentos jurídicos bastante retorcidos, pero la reescribieron, le cambiaron el nombre, se llamó ahora Paulo Gustavo, en honor a un humorista fallecido también durante la pandemia, y lograron que se aprobaran nuevos fondos con una duración más larga. Hay algunos hechos que sucedieron que muestran que fue mucho más que esa movilización en redes. Ese esfuerzo participativo interrumpió sucesivos cortes presupuestarios, convirtiéndose en la mayor inversión en una política pública para esta área en Brasil, y en toda América Latina; porque si bien algunos países como Argentina, Chile, Perú y otros, tuvieron apoyos pequeños a situaciones de emergencia cultural, no hubo ningún país en América Latina con una inversión así. ¿Qué fue lo que hizo posible esta diferencia de Brasil? Algo muy evidente, que hay que subrayar, es que desde 2004, cuando se nombró a Gilberto Gil Ministro de Cultura, él promovió los llamados Puntos de Cultura; centros locales, que recibieron apoyo gubernamental para lo que necesitaran, pero atendiendo a las necesidades locales. Se llegó a tener entonces, más de 6 mil puntos de cultura, el 60 o 70% siguen existiendo, aún cuando gobiernos posteriores o Secretarios de Cultura o Ministros posteriores a Gilberto Gil o a Luca Ferreiro los hayan desalentado. Esa organización de base siguió existiendo y fue la clave para que, en la emergencia de la pandemia, se movilizaran. Esa es una clave, menciono algo más porque no es menor: Brasil es un país muy federal, ahí por ejemplo se compraron las vacunas de forma separada según cada Estado (el equivalente aquí a las Comunidades Autónomas), según decisiones políticas y sanitarias diferentes. Hay Estados como el de Bahía, que lo estudiamos especialmente, donde el gobernador sigue siendo el PT, bajo Bolsonaro, pero la articulación institucional pública, hace que pueda haber políticas diferentes en distintas zonas del país, sin que todo se caiga o surja al mismo tiempo. De ahí la importancia de lo comunitario entendido como formas de organización local que se movilizan también en las redes, y como forma de organización descentralizada, del poder cultural o de administración de los fondos para o con la cultura. Habría otros factores, pero para hacer un resúmen, esto fue lo que hizo la gran diferencia de Brasil, y la sorpresa de que sucediera en ese país tan dolido por una pésima política nacional de atención sanitaria. No sé si te he respondido, pero creo que el ejemplo, ilustra bien ese espíritu de esos ejemplos que tú proponías, y de lo que había detrás de ellos.

«Hablamos de un proceso de agrupamiento local, de construcción de una institucionalidad más participativa, que movilizó la escena, en medio de un panorama de cierres de museos, salas de conciertos, centros culturales locales, etc. Esa organización de base siguió existiendo y fue la clave para hacer frente a la emergencia de la pandemia».

6- Trànsit Projectes: Viro un poco el volante hacia otro de los aspectos de tu perfíl que me sobre el que me interesa mucho conversar. Digamos que no sólo has sido un observador del mundo editorial (otra de las institucionalidades culturales en emergencia en el contexto actual) sino que participas de él activamente. Y me refiero no sólo a tu participación como autor, sino también como editor. Sin ir más lejos, diriges la colección CulturaS en Gedisa, que, para nosotras, tengo que decírtelo, es todo un faro. Entre otras cosas porque no es tan sencillo encontrar materiales que puedan considerarse realmente susceptibles de ser parte de una genealogía posible o un banco de referencias teóricas, más allá de los manuales, para quienes nos movemos en el mundo de la gestión cultural. Tú provienes del mundo de la antropología y de la comunicación, pero te has convertido para el sector en uno de esos referentes, por trabajos, obviamente como Culturas Híbridas, o ahora, estoy seguro, por aproximaciones como la que haces en Emergencias Culturales, pero también, por esta otra faceta que realizas con la serie CulturaS de GEDISA. Háblanos un poco de esa colección emblemática para quienes no la conozcan. ¿Qué es; en qué consiste; cómo la creaste; en qué se ha convertido? y, claro, ¿Cuáles son los títulos que están por venir?

Néstor García Canclini: Gedisa me invitó, hace más de 20 años, a crear una colección, ‘CulturaS’, con la ese destacada en el logo, dentro de la editorial. En ese momento había un auge de los estudios culturales muy hegemonizados por los Cultural Studies estadounidenses, que en realidad tienen su fuente muy anterior en Gran Bretaña con Raymond Williams y otros autores que hemos leído con enorme utilidad, pero que no tenían un antecedente fuerte en América Latina. Lo hemos conversado mucho con algunos de los que fueron considerados iniciadores de los estudio culturales y de la teorización sobre cultura más innovadora en los años 70, hasta los 90 y la actualidad, Renato Ortiz, a quien invitaron una vez a Stanford y le pidieron que hablara como representante Estudios Culturales en América Latina, y él dijo, ‘yo no hago Estudios Culturales, o la hacía sin darme cuenta que pertenecía a esa corriente’, efectivamente los hizo, hizo estudios innovadores respecto a la industria cultural. O Jesús Martín Barbero, de origen español, formado en parte aquí, pero que vivió casi toda su vida en Colombia, y que nutrió muchísimo el pensamiento latinoamericano. Más jóven Gustavo Lins Riberino, un notable antropólogo y especialista en culturas transnacionales y globalización, brasileño que ahora vive en México. Entonces, fuimos reuniendo autores de distintos países latinoamericanos y algunos excelentes especialistas de otra región. Publicamos también un libro de Étienne Balibar, sobre ciudadanía, culturas, violencias, identidades y civilidad para una cultura política global; un libro de Georges Yúdice, y otro de Yúdice con Toby Miller, ambos son anglosajones, pero muy conocedores de la escena latinoamericana, con una capacidad de diálogo internacional… Toby está ahora viviendo y enseñando en Madrid, Yúdice viene a cada rato a Europa. Fuimos armando una colección de autores, algunos mucho más jóvenes, algunas tesis de doctorado rehechas, con un enorme valor de investigación pero adecuadas a la lectura como libro. Me parece una tarea que sigue siendo necesaria, los estantes de los llamados Estudios Culturales en las librerías de Buenos Aires, de México, de Barcelona o de Madrid, se han ido encogiendo, y a la vez tenemos una explosión de experiencias nuevas, como la que estamos contando en Emergencias Culturales, y otras parecidas acontecidas durante la pandemia, que necesitan ser reflexionadas. Las condiciones en las que hoy producimos, circulamos y accedemos a los bienes culturales son distintas, y hacia allí estamos encaminando las reflexiones. Se está haciendo este trabajo, la cantidad de tesis que estamos dirigiendo los autores que estamos en la colección, aún hoy, muestran que hay un trabajo sobre los nuevos desafíos también. Cuando empezamos la colección los estudios sobre feminismo eran potentes, pero no tenía la energía y la diseminación mundial que hoy presentan y los hace insoslayables, más otros movimientos de género que no se encuadran exactamente bajo el nombre de feminismo. Estamos planeando títulos al respecto, también sobre los procesos de descolonización que están experimentando una nueva etapa. No es la del momento en que surgió la palabra descolonización con Frantz Fanon y otros africanos y asiáticos, sino una etapa nueva que está preguntándose más cómo deconstruir estructuras perdurables más allá de que los países sean independientes y voten a sus gobernantes, y así… la emergencia ambiental y ecológica está presente; tenemos un tema también que apareció, relacionado con lo de las instituciones y los movimientos comunitarios, el del derribo de monumentos, una de las formas más emblemáticas de institucionalizar la historia, de darle una solidez de piedra, o de bronce, sin embargo derribados, porque son de conquistadores españoles, ingleses, estadounidenses, holandeses… y en su lugar emergen muchas veces las antimonimentas… Todo esto existía de forma tímida o con poco eco social hace 30 años y hoy es insoslayable, esas son las líneas por las que podríamos esperar nuevos títulos.

«Me parece una tarea que sigue siendo necesaria, los estantes de los llamados Estudios Culturales en las librerías de Buenos Aires, de México, de Barcelona o de Madrid, se han ido encogiendo, y a la vez tenemos una explosión de experiencias nuevas, como la que estamos contando, durante la pandemia, que necesitan ser reflexionadas; las condiciones en las que hoy producimos, circulamos y accedemos a los bienes culturale son distintas». 

7- Trànsit Projectes: Comenzamos hablando sobre libros, sobre una biblioteca destruida, permíteme que terminemos también, aludiendo a los libros, a los libros y a las palabras. Hay una idea de Paul Celan que me interesa mucho, y a la que nosotras volvemos continuamente cuando, entre otras cosas, miramos la fotografía que te mostraba al inicio de esta conversación. Y que de alguna forma contradice el comprensible pesimismo de Adorno y aquello de que “No hay poesía después de Auswitch”. Celan decía, respecto justamente al momento posterior a la catástrofe y a la emergencia, algo así como que, a pesar de la aparente destrucción, algo sobrevivió en medio de las ruinas de la sociedad, esa destrucción que se llevó todo por delante nos dejó una única estructura, algo accesible y cercano: el lenguaje.

Me gustaría terminar aludiendo justamente a un vocabulario. Hablamos de lenguaje y hablamos entonces de comunicación, pero también de relato. De capital simbólico y de historias, narraciones, etc. No sé si sea muy naif pensarlo así, pero la reconstrucción, es posible también desde la enunciación, desde el relato que construyamos a partir de ahora. Nosotras hace tiempo que intentamos reconstruir nuestro vocabulario, como una forma de reconstruir también nuestra actividad, tratando por ejemplo, pasar de palabras que antes usábamos mucho en el marco de lo que hacemos, a otras que describan mejor las intenciones, necesidades y los retos del presente. Dejamos por ejemplo de hablar de expendeduría cultural y comenzamos a hablar de sostenibilidad, dejamos de hablar de participación y comenzamos a pensar más (siguiendo al poeta Eduard Escofet) en corresponsabilidad, dejamos de hablar de empoderamiento desde la cultura, para, siguiendo aquí a la filósofa Marina Garcés, de emancipación. ¿Podrías compartirnos alguna o algunas palabras posibles que nos ayuden a seguir reconstruyendo nuestro vocabulario y nuestro relato? ¿Cuáles serían esas nuevas o viejas palabras en las que debemos pensar para sobrellevar la emergencia?

Néstor García Canclini: Estoy de acuerdo en considerar el lenguaje como una dimensión específica indispensable para hacernos cargo de lo que ya está sucediendo en la sociedad, los debates sobre el lenguaje en clave de ’a’, de ‘o’, de ‘e’ son uno de los muchos sitios donde esto está debatiéndose, practicándose de maneras novedosas. Esto es diferente según cada país. Me parece que uno de los balances evidentes, dada la importancia que ha adquirido en las cuestiones de género, el debate lingüístico, es tomar consciencia de que ha sido, un poco más fácil, cambiar el uso de las letras, que las relaciones económicas y los salarios entre hombres y mujeres… Sobre el tema de las palabras, la palabra  interculturalidad está bastante ligada a mi trabajo, sin ir más lejos, uno de los libros emblemáticos de la colección CulturaS, en Gedisa, se llamó ‘Conflictos interculturales’, y fue el resultado de una reunión hecha con autores de varios países, de España, de Estados Unidos, de América Latina, en el Centro Cultural de España, en la Ciudad de México, tratando de abordar la idea de la interculturalidad desde otro lugar, más interdependiente, global pero también en tensión, y desde una visión múltiple que cruzara literaturas, artes, visiones antropológicas, espacios de convivencia múltiples, globalizados y diversas. Ahí hay una aportación al vocabulario que creo todavía vigente. Volviendo al tema específico del lenguaje, no hay duda de que está ocupando hoy un lugar clave en la reformulación de lo que pensamos y actuamos, de una manera diferente a otros momentos, y estamos de nuevo exigidos a redefinir cómo es, para decirlo con una expresión de los semiólogos o semióticos de los años 60 y 70, los vínculos entre lo textual y lo extra textual. Lo importante, sin embargo, es preguntarnos ¿qué es lo que resolvemos cuando cambiamos la manera de referirnos a algo? Volviendo al tema del género y el lenguaje inclusivo, en los Estados Unidos hay un uso mucho más fuerte en lo discursivo respecto al  uso del lenguaje coloquial, la interpelación al otro, a la otra, al otre, es una área muy fecunda, pero mirando todo lo que no cambia en Estados Unidos, con el paso de presidentes, de distintos signos,  republicanos, demócratas, las esperanzas que se pusieron en Obama y en otros, y, ya sabemos cómo se frustraron… tengo la impresión de que hay que estar muy atentos, a qué es lo que podemos cambiar a través del lenguaje y la cultura, y qué necesita otro tipo de acciones, por ejemplo, cambiar la manera de organizarnos en comunidades, la maneras físicas, materiales, económicas, de solidaridad y de participación, y, desde luego, cambiar las instituciones, en estado de emergencia o no, y cambiarlas desde dentro, por supuesto.

«Tengo la impresión de que hay que estar muy atentos a qué es lo que podemos cambiar a través del lenguaje y la cultura, y qué necesita otro tipo de acciones, por ejemplo, cambiar la manera de organizarnos en comunidades, la maneras físicas, materiales, económicas, de solidaridad y de participación, y, desde luego, cambiar las instituciones, en estado de emergencia o no, pero cambiarlas desde dentro».

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Si estás interesada, puedes saber más sobre el libro  EMERGENCIAS CULTURALES LATINOAMERICANAS (o adquirirlo) en la página web de la editorial Gedisa AQUÍ

Proponemos algunas líneas no excluyentes: 

• Activismos, arte y medio ambiente,  Experiencias exitosas. ¿En qué pueden ayudar las artes visuales, escénicas y literarias a la reflexión sobre nuestras prácticas con el ambiente?
• Políticas culturales y gestión sostenible. ¿Cuáles son los desafíos de los gobiernos locales/nacionales en la construcción de políticas culturales sostenibles? ¿Qué políticas culturales se necesitan para abordar la crisis ambiental y ecológica? ¿Cómo se pueden implementar prácticas culturales sostenibles en la gestión de instituciones culturales?
• La preservación del patrimonio cultural y natural en tiempos de crisis ambiental. Experiencias exitosas. ¿Qué tipo de líneas deben abordar las instituciones, museos y gestores culturales para abordar las problemáticas de preservación del patrimonio cultural y natural? 
• Participación comunitaria y cultura viva. Experiencias activas ¿Qué prácticas y visiones de las comunidades locales pueden aportar en la gestión sostenible del patrimonio cultural y natural? ¿Qué iniciativas de participación comunitaria existen en este sentido?
• Industrias culturales y desarrollo sostenible. ¿En qué puede aportar el sector de las industrias culturales y creativas a los ODS? 

Coordinación: Jordi Baltà y Àngel Mestres (Trànsit Projectes), Nicolás Sticotti (RGC Ediciones)

Fecha de cierre de la convocatoria: 24 de septiembre de 2023

Pautas para los artículos:

Extensión: Cada artículo podrá tener una extensión máxima de 5000 palabras y una mínima de 2500 palabras.

Formato: Los artículos deberán ser entregados en un archivo en formato word, con tipografía arial tamaño 11 e interlineado simple. En caso de incluir notas al pie, deberán ser colocadas todas juntas al final. Se recomienda que los títulos de los artículos sean cortos y concisos.

Bibliografía: Se sugiere reducir las citas bibliográficas a la bibliografía efectivamente citada.

Bio de autores: Se deberá enviar una breve semblanza de cada autor/a para incluir en la publicación (máximo 600 caracteres)

Imágenes: Se deberá enviar una fotografía de cada autor/a para incluir en la publicación, junto con una o dos imágenes que sean representativas del artículo y cuenten con la autorización para ser incluidas en la publicación.

Correo para envío de los trabajos: info@rgcediciones.com.ar

El informe se suma a las numerosas iniciativas que en los últimos años han demostrado el compromiso de los sectores culturales con la sostenibilidad medioambiental. En este sentido, según una investigación del proyecto Perform Europe, se observa un “cambio de mentalidad” entre los profesionales y las organizaciones culturales, que incorporan cada vez más criterios ambientales en su actuación, por motivos de orden ético, educativo, jurídico o económico, según el caso. Se trata, en cualquier caso, de una transición compleja, y a menudo las medidas adoptadas son puntuales y aisladas, sin representar una transformación estructural.

El informe de EDN identifica seis grandes áreas de intersección entre la danza contemporánea y la sostenibilidad medioambiental, que en algunos casos se podrían hacer extensivas a otras disciplinas artísticas. Se trata de los ámbitos siguientes:

1. Narrativas y temáticas relacionadas con la sostenibilidad. Desde siempre ha habido creaciones artísticas que han explorado la naturaleza y su relación con la sociedad. Actualmente son muchos los creadores que se inspiran en el malestar del planeta, la destrucción medioambiental o el impacto que las formas contemporáneas de producción y consumo tienen en la sociedad y en el sistema natural. También hay centros de producción y programación de danza que apoyan estas tendencias a través de ciclos o festivales, residencias de creación, etc. En conjunto, se trata de iniciativas que aprovechan el potencial de la cultura de vehicular ideas complejas y presentarlas al público.
2. Un nuevo equilibrio entre la creación, producción y presentación de obras. El compromiso con la sostenibilidad conduce a modificar la “obsesión con lo nuevo” que es propia de los sistemas productivos contemporáneos, apreciando más aquello ya existente: en este sentido, puede ser conveniente exhibir más veces las obras ya hechas, más que tener que hacer nuevas creaciones de forma recurrente. También conlleva dar más espacio a las actividades educativas y de participación comunitaria, incorporar principios propios de la economía circular (reciclar, reutilizar o compartir recursos) en la producción de espectáculos, y dar más importancia a los criterios cualitativos que a lo cuantitativo en la evaluación de procesos.
3. Movilidad: sostenibilidad ambiental, desarrollo profesional y justicia social. Hay cada vez más conciencia de la necesidad de replantear las formas de movilidad internacional (giras, residencias, encuentros profesionales, etc.) a causa de sus impactos medioambientales. Al mismo tiempo, para muchos bailarines y coreógrafos, operar a nivel internacional es una exigencia por motivos creativos y económicos, lo que obliga a considerar las distintas circunstancias personales y territoriales que se esconden detrás de la movilidad. Por ello, el informe plantea diez criterios para repensar las pautas de movilidad internacional, invitando a aplicarlos de forma contextualizada: combinar formatos presenciales y digitales, favorecer la movilidad sostenible siempre que sea posible, alargar las estancias y sacar el máximo provecho de ellas, considerar la movilidad de los públicos, etc.
4. La transformación de las organizaciones. Existen numerosas guías para acompañar a las organizaciones de las artes escénicas en la adopción de criterios de sostenibilidad ambiental, abordando cuestiones como los edificios y la energía, las compras, el transporte, la comunicación, o la evaluación interna. Sin embargo, para muchas organizaciones no es fácil saber por dónde empezar, ni tratarlo como una prioridad. Por ello, además de resumir algunas de las directrices existentes, el informe da orientaciones para avanzar: crear una cultura de cambio positivo y realista, buscar una asesoría externa, activar el conocimiento interno, o establecer un grupo de trabajo.
5. Colaboraciones y relaciones comunitarias para la adaptación. La transformación necesaria en las organizaciones y sus actividades se puede beneficiar de las colaboraciones con agentes de otros sectores (medioambiente, tecnología, transporte, educación, etc.) o con otras organizaciones culturales (en forma de redes, plataformas, etc.). También puede implicar fortalecer los vínculos con las comunidades del entorno más próximo.

Nuevas políticas públicas y mecanismos de apoyo. A nivel europeo, se observa que los países donde ha habido más avances en la transformación de las organizaciones culturales en términos de sostenibilidad medioambiental son aquellos donde ha habido políticas más decididas en esta dirección. Por ello, el informe ofrece orientaciones para las administraciones públicas, que pueden adoptar legislación, políticas y estrategias en este terreno, incorporar la sostenibilidad como criterio básico o como incentivo en las líneas de financiación, proporcionar formación e información, favorecer el intercambio de recursos y materiales, y modificar sus sistemas de medición y seguimiento.

Teniendo en cuenta estos aspectos, el informe concluye con algunas recomendaciones tanto para la EDN como para otras organizaciones del ámbito de la danza, y para las administraciones públicas a nivel europeo, estatal, regional y local. De entrada, EDN se ha comprometido a incorporar a su actuación las orientaciones presentadas en el informe y, junto a las organizaciones que configuran su red, ha publicado un documento de campaña con los principios que guiarán su trabajo futuro.

El informe Environmental Sustainability in Contemporary Dance: Emerging Issues, Practices and Recommendations está disponible en inglés en: https://www.ednetwork.eu/news/edn-publication-2022

***També pots llegir aquest post en català aquí

El prestigioso escritor, antropólogo y crítico cultural Néstor García Canclini, probablemente, uno de los intelectuales que más ha pensado y discutido el concepto de cultura y sus dimensiones híbridas, populares, industriales y territoriales, viene a #plantauno para rondar estas y otras preguntas. Lo hace en conversación con Alfons Martinell, especialista en políticas culturales, cooperación y desarrollo, y uno de los referentes en materia de formación de gestores culturales en España.

El encuentro surge en el marco de una relación de más de trece años entre Trànsit Projectes y la editorial Gedisa, casa de publicación de algunos de los títulos más emblemáticos de Néstor García Canclini y actual director de la Serie Culturas de dicha editorial, que, además, celebra en este 2022 su 45 aniversario.

Trànsit Projectes, #plantauno y Editorial Gedisa te invitan a participar de esta conversación y a tomar una copa juntas, para brindar por el final de una temporada más de #prototiparproyectos #compartirconocimiento #tejerrelaciones y #cultivarafectos.

Puedes reservar tus entradas aquí (evento presencial)

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***Emergencias culturales latinoamericanas: instituciones, creadores y comunidades en Brasil y en México. Universidad de São Paulo Instituto de Estudios Avanzados Cátedra Olavo Setubal de Arte, Cultura y Ciencia. Néstor García Canclini, et.al. (2022).

Nosotrxs llevamos mucho tiempo pensando alrededor de lo mismo, y, (al menos creemos que vale la pena intentarlo) hemos encontrado una respuesta posible; es por eso que desde Trànsit Projectes y #plantauno, con el apoyo de (por ahora) 7 instituciones culturales de 7 países distintos, lanzamos #sures, nuestro primer programa de residencias internacionales para generar movilidad de lxs gestorxs culturales de países del sur (de América Latina, Estados Unidos y Europa), y realizar estancias cortas en Barcelona para impulsar sus #ideasdeproyecto.

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A lo largo de 2022 activamos 7 convocatorias desde Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, México y Sur de EEUU para gestorxs culturalxs que quieran realizar una estancia corta en #plantauno (Barcelona) e impulsar sus #ideasdeproyecto culturales. Las residencias sures_ están dirigidas a estudiantes, investigadores, profesionales, integrantes de un colectivo o cualquier tipo de agente cultural, educativo y social con un proyecto cultural en marcha, que residan en alguno de los países de las organizaciones aliadas a sures_.

La finalidad de esta convocatoria es apoyar técnica y conceptualmente a lxs agentes culturales seleccionados. #plantauno L’H-Barcelona ofrece un espacio de trabajo para estos gestorxs culturales desde donde desarrollar, investigar, reunirse, crear red y prototipar formatos para la implementación de sus proyectos.

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sures_ es posible gracias a la colaboración, el trabajo en red y los recursos de un conjunto de organizaciones vinculadas con la gestión, la producción y la formación cultural dispersas por todo el territorio latinoamericano, y el impulso de Trànsit Projectes, Ceps Projetes Socials, e ITD Innovación, Transferencia y Desarrollo, tres organizaciones con sede en Barcelona con amplia experiencia en el sector sociocultural de Iberoamérica y Europa, que aportan su equipo de expertos, sus recursos y su red de aliados para acompañar a los agentes culturales residentes durante su estancia en #plantauno. Espacio de Investigación en cultura.

A la oferta de acogida de Trànsit Projectes y #plantauno se une la red de aliados sures_, sin cuya colaboración el programa no sería posible. Espacios y organizaciones de muy variada dimensión e índole de trabajo: un laboratorio de proyectos y procesos de innovación y colaboración en cultura (Enjambre, Argentina), una empresa de carácter curatorial e interdisciplinar comprometida con la sostenibilidad del sector (Kontundente, Colombia), una instancia del gobierno estatal que trabaja para garantizar los servicios educativos y culturales (Secretaría de Educación y Cultura de Sonora, México), un espacio de desarrollo social a través del arte y la cultura (Martadero, Bolivia), un centro cultural situado en un eje industrial que acompaña, apoya y exhibe todas las disciplinas del arte contemporáneo (Matucana 100, Chile), un espacio/galería independiente dedicada a la experimentación, la investigación y el diálogo artístico (Oasis RJ, Brasil), un colectivo de habla hispana enfocado en diseñar y potenciar momentos de conexión significativa entre personas, proyectos e ideas en la frontera sur de Estados Unidos de América (Node Point,US). 

Todxs nosotrxs somos sures_ y trabajamos para articular movilidades que promuevan el cultivo de los afectos, el conocimiento compartido, las comunidades de aprendizaje, las redes geniales y la movilidad, para ayudar a que las ideas de proyecto de agentes y gestores culturales independientes crezcan, se conecten y sean sostenibles. Si quieres saber más sobre estas convocartorias consulta https://sures.info/

***Las diferentes convocatorias están siendo lanzadas por los socios en los países de origen. El procedimiento para aplicar es el mismo para todos los países, sólo debes estar atento a que la convocatoria de tu territorio se active.

***Convocatorias abiertas actualmente: México (hasta el 5/6/2022), Chile (hasta el 5/6/2022), Bolivia (hasta el 3/7/2022)

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La Universidad Desconocida es un extenso libro de poemas firmado por Roberto Bolaño y publicado de manera póstuma por la editorial Anagrama en el año 2007. Su título está tomado, a su vez, de un relato breve de Alfred Bester, escritor de ciencia ficción nacido en Nueva York en 1913. Para Bolaño, el libro representa aquello que él mismo definió como su verdadera etapa de formación: el camino recorrido por su persona y su trabajo en los muchos años de intentos por hacerse poeta. «Creo que en la formación de todo escritor hay una universidad desconocida que guía sus pasos, –afirmó–, la cual, evidentemente, no tiene sede fija ni programa, es una universidad móvil, pero común para todos.» 

El destino de esa antología ha acabado siendo mítico, pues por avatares de la industria cultural, la institución legal de los derechos de autor y las disputas familiares, no se ha vuelto a editar. Los pocos ejemplares que el mitómano o el lector inquieto pueden todavía conseguir, alcanzan precios que, en iberlibro, oscilan entre los 100 y los 650 euros. Pero aquí no son importantes ni las demandas del mercado, ni las disputas de las familias literarias, ni la figura de Roberto Bolaño. Aquí lo que importa es esa intuición informal y desinstitucionalizada del trayecto que uno hace persiguiendo sus propios intereses. Y la forma en que dicho interés deriva en hallazgos continuos que se vuelven un pretexto para aprender, para escuchar y para seguir buscando.

La Universidad des_conocida es el proyecto académico informal de #plantauno. Un ¿programa? que recoge las intuiciones de la universidad bolañeana (y habría que decir también, besteriana) y que busca, a su manera, evadir todos los supuestos institucionales de la formación reglada para concentrarse en el placer de la escucha, y en la reivindicación de los saberes sin ambición futura ni regulación curricular.

Si el Plan Bolonia y sus derivaciones posteriores buscaron transformar el contenido de los estudios a las demandas del mercado, la propuesta de La Universidad des_conocida es justamente la contraria. Evitar el beneficio más allá del libre tránsito por las ideas compartidas, sin necesidad de estar adjuntas a un currículo específico. La Universidad des_conocida busca entonces, simplemente, compartir los saberes de lo improductivo. 

Una universidad, imaginamos nosotras, desordenada en su contenido, caprichosa en sus abordajes, abiertamente obsesionada con las humanidades; innecesaria, inclasificable, incongruente e incluso inútil. Y lo más importante, gratuita y en abierto.

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(Cómo). La Universidad des_conocida reúne a una docena de pensadores, creadores, escritores e intelectuales de lo suyo, que, de forma simultánea a sus actividades profesionales y/o creativas, practican la disciplina del magisterio. Lo que implica que están familiarizados con el formato/ género clase. Pues se les invita, justamente, para eso, para impartir una clase, aislada, descontextualizada, algunas veces ya puesta en práctica en los programas, instituciones o academias en las que participan, otra veces, inédita como clase pero respaldada por su especialización, conocimiento y procesos personales de investigación en marcha. La consigna es impartir clase en #plantauno. Una clase sin metodología; una clase sin manuales; una clase sin deberes; una clase sin créditos; una clase sin dinámicas de participación; una clase sin lista de asistencia; una clase sin tasas universitarias; y lo más importante: gratuita y en abierto.

(Con quién). 12 pensadorxs, creadorxs, escritorxs y profesorxs del panorama local/ nacional /internacional versionan o proponen clases sobre cultura contemporánea en #plantauno: _1 Marc Caellas & Esteban Feune de Colombi; _2 Andrea Valdés; 3_ Iván de la Nuez; _4 Jorge Carrión; _5 Marilena De Chiara; _6 Marta Rebón; _7 Juan Pablo Villalobos; _8 Pol Guasch; _9 Albert Lladó; _10 Marta Segarra; _11 Mario Hinojos; _12 Marc Rodrigo (Colectivo Ameno). Puedes consultar le programa completo de clases y la nómina de profesores, además de apuntarte a las sesiones que te interesen aquí: http://launiversidaddesconocida.org

(Cuándo). Durante 12 martes (no consecutivos) entre la última semana de marzo (29/03 y la penúltima semana de julio (19/07), #plantauno programará una clase abierta y presencial de entre 90 a 120 minutos (los profesores deciden), con límite de aforo (35 alumnos), para la que no hará falta ningún requisito más que apuntarse para reservar la plaza, dedicarse a escuchar, tomar notas, compartirlas (*) y, si acaso se quiere, preguntar y dialogar.

(*) La Universidad des_conocida es un proyecto gratuito y en abierto, lo único que te pedimos a cambio es que, durante las clases a las que asistas, tomes notas (en un soporte que la organización te proporcionará) y que, una vez terminada la sesión, nos sedas una copia de tus apuntes para compartirlos con la comunidad de #plantauno.

***Las sesiones de clase NO SE TRANSMITIRÁN ONLINE EN DIRECTO, pero serán grabadas y liberadas posteriormente a través de nuestras redes y canales.