La agrupación venezolana de rock y metal experimental, Guaica, ha anunciado oficialmente el lanzamiento de su segundo álbum, titulado Jaguar Dreams. Y para celebrarlo, el quinteto ofrecerá un exclusivo concierto en formato showcase que promete sumergir a los asistentes en una atmósfera tribal y multicultural única, consolidando su posición como una de las propuestas más vanguardistas del circuito independiente.

Jaguar Dreams de Guaica, que ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales desde el pasado 21 de mayo de 2026, y representa un proceso de maduración de casi cuatro años de gestación de forma independiente. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo de forma meticulosa entre agosto de 2022 y marzo de 2026, dividiéndose entre las instalaciones de Guaica Estudio y Saeztudio en la ciudad de Caracas. Toda la arquitectura musical fue compuesta por Abraham Levy, quien además asumió las riendas de la ingeniería de sonido, mezcla y masterización, contando con la destacada co-producción del experimentado Eduardo Sáez en el track promocional «Espiral«.

A lo largo de sus siete composiciones (que incluyen títulos como «Om«, «Espiral«, «Caribbean Sunset» y «Universo Aborigen«), la banda rompe por completo los moldes convencionales de la música extrema. En esta entrega, la agrupación (integrada por Abraham Levy, Marco Infante, Ángel Villarroel, Héctor Arias y Alexander Franco) sorprende al emplear guitarras limpias y carentes de distorsión en la mayoría de las piezas, entrelazándolas de forma orgánica con el ritmo tradicional Maksum proveniente del Medio Oriente y el Norte de África. Esta base rítmica se enriquece con matices de flamenco, math rock, drum and bass, rock progresivo y percusión afrolatina, logrando un híbrido conceptual que el grupo define como «Experimental AfroCaribe«, honrando así las raíces aborígenes y africanas.

La cita para disfrutar de la experiencia en vivo de Jaguar Dreams está programada para el próximo jueves 04 de junio de 2026 en los espacios del Hard Rock Cafe Caracas, ubicado en la 4ta Transversal de Los Palos Grandes, a partir de las 7:00 p.m. El concierto tendrá un carácter sumamente significativo, ya que estará enmarcado de forma oficial en la conmemoración de los 20 años de trayectoria de la plataforma comunicacional Cresta Metalica, aliados históricos de la movida underground nacional y co-productores del evento. Las entradas de reserva tienen un valor de $10 dólares.

Para asegurar una velada memorable de principio a fin, el encuentro contará con una potente descarga de rock clásico de la mano de la emblemática banda venezolana Electrocirkus como invitados especiales. La alineación capitaneada por la poderosa voz de Deborah Emperatriz, Federico Capocci en la guitarra, Pablo Fernandes en el bajo, Eduardo Viloria en los teclados y Eduardo Sáez en la batería, repasará lo mejor de su celebrada discografía. Además, durante la jornada, los coleccionistas y melómanos caraqueños tendrán la oportunidad única de adquirir en formato físico el nuevo CD de Guaica, así como la mercancía oficial exclusiva inspirada en el arte onírico del álbum, diseñado de forma conjunta por Abraham Levy y Cesar Moreno.

La agrupación venezolana Scape presentó oficialmente su tercera producción discográfica, su nuevo álbum titulado Abstracted. El anuncio se llevó a cabo en las instalaciones de la Mega Sala Digital Movistar en Caracas, un espacio que sirvió de vitrina no solo para exponer los detalles de este lanzamiento que ya se encuentra disponible en plataformas digitales, sino para develar formalmente el nuevo quinteto que asume las riendas del proyecto.

El nuevo disco Abstracted marca una notable evolución respecto a sus trabajos previos, el álbum homónimo Scape (2023) y su EP debut Omega (2022). En esta oportunidad, la banda apuesta por un sonido más pesado, directo y moderno, estructurado en canciones más cortas pero sin desprenderse de esa marcada identidad inspirada en el rock clásico de los años 80. La gran novedad de esta producción es el predominio del idioma inglés en la gran mayoría de sus cortes, una decisión estratégica orientada a la internacionalización del proyecto.

«Nuestros dos primeros trabajos fueron grabados en español, así que ahora asumimos el reto de cantar en inglés para abrirnos hacia la conquista de nuevas fronteras», afirmó el vocalista, guitarrista y cofundador Fabio Genovesi, quien destacó el arduo trabajo de adaptación gramatical. Asimismo, el proceso de composición reflejó el uso inteligente de las herramientas actuales; el pianista y cofundador Pedro Rojas participó de forma remota a través de plataformas digitales desde los Estados Unidos, donde culmina sus estudios de producción musical, de cara a incorporarse próximamente a la gira promocional por varias ciudades del territorio nacional.

La reestructuración de Scape añade una profunda riqueza armónica gracias a la inclusión de nuevos rangos vocales. Alhena Genovesi, quien ha liderado la dirección estética y el concepto gráfico de la banda desde su fundación en 2021, se suma ahora formalmente como voz de soporte. Junto a ella, se integra la cantante Heileing Castillo; tanto Castillo como Fabio Genovesi y el baterista Diego Cabrujas comparten filas en el Rock Sinfónico Simón Bolívar, aportando una sólida formación técnica que eleva el tratamiento de los arreglos vocales influenciados por las grandes producciones de la era ochentera.

Durante el encuentro con los medios, el baterista Diego Cabrujas fijó una posición contundente en torno al debate actual sobre el uso de herramientas automatizadas en el arte: «La Inteligencia Artificial no va a poder reemplazar la capacidad creativa del ser humano para hacer música. Hacer música es un proceso en equipo con tus amigos que debes disfrutar. Si empleas la IA para que te lo haga todo, se pierde la interacción». No obstante, aclaró que la agrupación se mantiene al día con las innovaciones técnicas para aprovecharlas en el estudio sin perder el alma humana de sus composiciones.

Con un palmarés que ya incluye haber sido ganadores del Wacken Metal Battle nacional y representar al país en las finales sudamericanas en Bogotá, Scape reafirma su posición como una de las mejores propuestas de la movida local. Los interesados en seguir el desarrollo de esta nueva etapa pueden interactuar con ellos a través de su cuenta de Instagram oficial ó disfrutar de sus contenidos en su canal de YouTube.

La reconocida banda venezolana de rock alternativo, Viniloversus, ha sorprendido gratamente a su fanaticada con la publicación de su nuevo sencillo titulado Destruirse. Esta canción ya se encuentra disponible en las principales plataformas musicales y se suma a la lista de adelantos promocionales junto a Vértigo, El Avión y el tema homónimo que conformarán La Frontera, el próximo álbum de estudio de la agrupación. La placa discográfica, que constará de 10 canciones, tiene pautado su lanzamiento oficial para el miércoles 27 de mayo bajo el respaldo del sello Cusica Records, prometiendo una interesante exploración de nuevas sonoridades sin perder la esencia que los ha caracterizado.

Una alianza junto al guitarrista Emerson Swinford

Para el apartado técnico y creativo de Destruirse, Viniloversus contó con una colaboración de altísimo nivel con la que . El tema cuenta con la participación activa en la composición del guitarrista estadounidense Emerson Swinford, ampliamente conocido dentro de la industria por su trabajo al lado del legendario cantante británico Rod Stewart. El baterista y miembro fundador de la banda, Orlando «Mangan» Martínez, detalló que entabló una estrecha amistad con Swinford en Carolina del Norte, Estados Unidos, lo que abrió la oportunidad idónea para estructurar este junte. La base instrumental de la canción fue grabada completamente en vivo por el propio Martínez en la batería junto a Juan Víctor Belisario en el bajo.

Posteriormente, el vocalista Rodrigo Gonsalves se encargó de desarrollar la línea lírica y la melodía vocal sobre esa potente base rítmica y los arreglos de guitarra aportados por Swinford. El resultado es una pieza con un marcado carácter de rock and roll directo que generó una identificación inmediata entre todos los integrantes de Viniloversus. Para complementar este importante lanzamiento, la canción llega acompañada de un videoclip oficial que fue rodado en las calles de Madrid, España, bajo la dirección del realizador audiovisual Carlos «Topo» Maseda, sumando una propuesta visual dinámica que encaja con el ritmo acelerado del corte promocional.

La evolución de Viniloversus y la proyección global de Cusica Records

Con más de dos décadas de trayectoria desde su formación en Caracas en el año 2004, la banda nominada al Latin Grammy y creadora de álbumes fundamentales como El día es hoy, Si no nos mata y Control, demuestra con este nuevo sencillo una notable capacidad de reinvención. Los adelantos de su próximo disco reflejan un esfuerzo consciente por romper sus propios moldes y cruzar límites estilísticos, poniendo a convivir la experiencia de toda su carrera con influencias frescas que inyectan una nueva vitalidad a su registro, manteniendo intacto el pulso y la honestidad que define su propuesta artística en este 2026.

Este lanzamiento consolida además el catálogo de Cusica Records, sello discográfico independiente que inició operaciones oficialmente en septiembre de 2025 a través de una alianza estratégica con The Orchard, la prestigiosa plataforma de distribución digital perteneciente a Sony Music Entertainment. Diseñada con el firme propósito de impulsar la proyección internacional del talento venezolano y respaldar el desarrollo de propuestas emergentes, la disquera continúa sumando éxitos en su portafolio tras haber presentado en abril su primer lanzamiento internacional junto a la agrupación mexicana Boca Paila, demostrando el sólido crecimiento de su infraestructura en la región.

Surverial, el proyecto unipersonal del músico venezolano Daniel Núñez (ex Sick Feel) estrenó el pasado 08 de mayo su nuevo single titulado Obscene Esthete, una pieza que encapsula la evolución técnica y el crudo enfoque conceptual que la propuesta ha venido desarrollando. Este lanzamiento no solo amplía su catálogo discográfico, sino que muestra un lado más oscuro y moderno dentro de la escena extrema actual.

El renacer de un proyecto forjado en la constancia

Surverial dio sus primeros pasos en el año 2008 a través de maquetas autoproducidas y autogestionadas por el propio Núñez (conocido en los créditos de producción como Daniel N. Sarabia), logrando consolidarse como una banda completa entre 2012 y 2015. Lamentablemente, circunstancias asociadas a la compleja realidad del país, decisiones internas y el doloroso fallecimiento de uno de sus guitarristas obligaron al proyecto a entrar en un extenso letargo. Tras una década de silencio, su fundador ha retomado el timón en 2025 bajo un formato solista, asumiendo la composición total, la grabación, el concepto artístico de temas contundentes como este Obscene Esthete, el resultado de años de maduración y experiencias acumuladas.

Esta nueva etapa en solitario pretender sentar las bases de una futura alineación completa. El objetivo final de Núñez es poder llevar estas complejas composiciones de estudio a los escenarios, ofreciendo presentaciones a la altura de las circunstancias. Hasta la fecha, Surverial ha publicado de manera oficial un total de diez canciones: tres sencillos iniciales, dos paquetes de temas agrupados de tres canciones cada uno, y este último lanzamiento comienza a encender las alarmas de los medios especializados.

La dualidad existencial a través de la distorsión moderna

En el plano estrictamente musical, las influencias de Surverial beben directamente del groove metal, nu metal y metalcore, incorporando sin temor, matices técnicos heredados del death metal más extremo. El núcleo de Obscene Esthete se sumerge en el nihilismo y el existencialismo, explorando las respuestas de la condición humana ante la decadencia y la eterna confrontación entre lo bello y lo grotesco.

Toda esta intrincada labor de producción musical, mezcla, masterización y diseño lírico fue realizada de manera íntegra por el propio Daniel Núñez. La letra de la canción expone visiones metafóricas sobre el destino inevitable, la pérdida del alma y la falsedad social. Los que deseen adentrarse en este viaje sonoro e interactuar directamente con la propuesta, pueden acceder al enlace oficial de Surverial o seguir las actualizaciones diarias en su cuenta de Instagram oficial.

La cantautora venezolana Elena se prepara para cautivar una vez más a su audiencia hispanohablante con el lanzamiento de su nuevo single de estudio, titulado Los Días Locos. Esta canción marca el punto de partida de un periodo artístico renovado y lleno de madurez. Con una propuesta musical sumamente fresca que transita con soltura entre el pop rock emocional y los tintes modernos del alternativo y electro-pop. La artista explora las complejidades de los sentimientos humanos, ofreciendo una crónica honesta y vulnerable sobre la intensidad de los romances efímeros que marcan nuestras vidas de forma indeleble.

Las sesiones de grabación destinadas a capturar las voces principales se llevaron a cabo en el continente europeo, específicamente en Suiza, dentro de un entorno íntimo y de gran cercanía denominado la Suite de Hielo. Esta atmósfera permitió a Elena transmitir una sensibilidad única en cada nota, logrando plasmar la dualidad perfecta que existe entre el deseo ardiente del encuentro y la amargura inevitable de la despedida de un amor fugaz.

Los arreglos de los instrumentos y la consolidación instrumental se fraguaron en territorio sudamericano, específicamente en Caracas, Venezuela. Detrás de la intrincada arquitectura sonora que da vida a este lanzamiento se encuentra el galardonado músico y productor venezolano Kreils García, cuya destacada trayectoria en la industria fue avalada a nivel global tras alzarse con el prestigioso Premio del Comité a la Mejor Canción en el importante Festival Sanremo Senior 2025. García asumió con total maestría las riendas de la composición, mezcla y masterización en las instalaciones de la Suite de Fuego, dotando al tema de una identidad contemporánea que navega con comodidad entre el pop latino, rock alternativo y ciertos matices nostálgicos de la rock-balada clásica.

Los fanáticos de los sonidos alternativos encontrarán en Los Días Locos de Elena, un refugio sonoro lleno de matices comerciales pero con un profundo trasfondo artístico. La madurez con la que la intérprete aborda las relaciones sentimentales en la actualidad demuestra que su propuesta ha dejado de ser una simple promesa para convertirse en una realidad sólida dentro del panorama del pop hecho en Latinoamérica.

Los entusiastas de las buenas composiciones pueden sumergirse en este viaje sonoro escuchando el material directamente a través del perfil oficial de la artista en Spotify o disfrutando de su atractiva propuesta audiovisual mediante el canal en la plataforma YouTube. Este lanzamiento constituye un gran acontecimiento dentro de su discografía y promete ser el primero de muchos éxitos en esta ruta que emprende con determinación.

El conocido taller de Music Business titulado «De Panager a Manager» ha anunciado de manera oficial la apertura de las inscripciones para su cuarto y último módulo de formación. En esta oportunidad, el programa de capacitación estará enfocado de forma exclusiva en las áreas de producción de eventos y espectáculos en vivo, abordando detalladamente cada uno de los elementos logísticos, los retos técnicos y los factores operativos que los organizadores y equipos de trabajo deben afrontar en el día a día del mercado actual.

Una jornada de aprendizaje con importantes referentes de la industria nacional

La cita formativa está pautada para el próximo sábado 06 de junio de 2026, a partir de las 10:00 AM, teniendo como sede las instalaciones de Chapis Club, un espacio ubicado en la Torre La Primera, en El Rosal, en el municipio Chacao de Caracas. Para esta sesión de cierre sobre producción de eventos, la organización ha estructurado un panel de ponentes de alto nivel y amplia trayectoria en el circuito nacional. Entre los especialistas destaca la participación de Félix Allueva, presidente de la Fundación Nuevas Bandas, quien dictará cátedra sobre el diseño y conceptualización de festivales de gran escala.

El bloque académico de «De Panager a Manager» se complementará con la ponencia de Carlos Sánchez, director de Melomaniac Venezuela, quien desglosará las complejidades detrás del booking y la contratación de agrupaciones para festivales de rock y metal. Asimismo, José Luis Ventura, de Ventura Espectáculos, compartirá su experiencia en el sector del Show Business, mientras que el mánager Avi Azagury profundizará en la segunda parte de su cátedra de Music Management. Además del aprendizaje teórico, los organizadores informaron que al culminar las ponencias se llevará a cabo un showcase con las presentaciones en vivo de Stefan Licheri, Elik Band y Carolanngel, ofreciendo una vitrina directa para el talento emergente.

Incentivos y herramientas reales para el ecosistema musical

Debido a la naturaleza del espacio y para garantizar una experiencia de aprendizaje personalizada, los cupos para este taller enfocado en la producción de eventos e industria musical serán estrictamente limitados, manteniendo un valor de inversión fijado en diez dólares. Como un incentivo adicional para los participantes inscritos, la producción del evento realizará una serie de sorteos diseñados para impulsar proyectos musicales reales, incluyendo horas de estudio y pases para grandes encuentros del circuito corporativo del entretenimiento.

Entre los incentivos destaca la rifa de Dos Entradas para la esperada segunda edición del Caracas Music Biz 360, magno evento empresarial pautado para celebrarse en el mes de septiembre de este año. De igual manera, los alumnos optarán por la mezcla y masterización profesional de un sencillo a cargo del productor Luis Flores, dos sesiones de ensayo de tres horas en los espacios de RP Studios y una sesión de grabación de tres horas en las instalaciones de Saeztudio. Para asegurar la reserva de plaza u obtener mayor información logística, los interesados pueden comunicarse directamente a través de las plataformas digitales de los organizadores del taller de Music Business.

Para más info, haz clic aquí.

 

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La promotora Extreme Gore Productions ha anunciado de manera oficial el tour «Evil Death Over Venezuela», una gira programada para llevarse a cabo durante el mes de julio de 2026. Tras el éxito alcanzado hace poco más de un año con la visita de los españoles Avulsed, la productora redobla su apuesta en esta oportunidad al traer por primera vez a los escenarios venezolanos a dos propuestas brutales de la escena emergente de Colombia: Saturnal Necropolis y Ruido Estridente.

Evil Death Over Venezuela abarcará el occidente, centro y oriente del territorio nacional. Las fechas oficiales para el mes de julio han quedado distribuidas de la siguiente manera:

• Viernes 3 de julio: Mérida
• Sábado 4 de julio: Valencia
• Domingo 5 de julio: Maracay
• Viernes 10 de julio: Puerto La Cruz
• Sábado 11 de julio: Caracas
• Domingo 12 de julio: Cúcuta (Colombia) – Fecha exclusiva de cierre fronterizo

Extreme Gore Productions han informado que los detalles específicos relacionados con las locaciones exactas de cada ciudad, el valor de las entradas y los nombres de las bandas nacionales invitadas que completarán el cartel de cada fecha, se irán revelando de manera progresiva a través de los afiches oficiales y los canales en redes de las distintas productoras aliadas.

El peso estelar de esta gira recae en dos agrupaciones colombianas pertenecientes al circuito independiente. Por un lado, Saturnal Necropolis, agrupación de death metal originaria de Medellín y fundada en el año 2023. El grupo se ha posicionado rápidamente dentro del género gracias a un sonido denso y oscuro que rinde tributo directo a la época dorada del movimiento. Aprovecharán esta travesía para promocionar los temas de su aclamado EP debut titulado «Nuclear Solitude» (2023).

Por el otro costado del cartel, la banda de black/thrash Ruido Estridente, nacida en la localidad de Marinilla en 2021, aportará toda la velocidad y estridencia de su propuesta. Sus líricas profundizan en temáticas complejas sobre la muerte, la oscuridad y la hipocresía social, elementos plasmados en un catálogo de composiciones muy activo. Durante el tour, presentarán las piezas en vivo correspondientes a sus trabajos de larga duración «Vestigios Sepulcrales» (2024) y su más reciente producción de estudio, «El Demonio Es El Humano» (2025).

Se invita a toda la comunidad rockera a respaldar estas iniciativas autogestionadas que sostienen la cultura extrema en la región. Pronto, más info.

La guitarra instrumental se viste de gala de la mano del músico venezolano Felix Martin, quien ha sorprendido con la publicación de su nuevo sencillo titulado Merengue. Con una trayectoria que desafía los límites tradicionales del jazz fusión y el rock, el músico radicado en la ciudad de Los Ángeles estrena una propuesta que marca el inicio formal de una nueva e interesante etapa dentro de su ecléctica discografía, caracterizada por la comunión entre la complejidad polifónica y el sabor inconfundible de las raíces caribeñas.

Este corte promocional, que ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming, representa la primera composición en este formato tradicional de la República Dominicana realizada por el artista. Para materializar esta visión, el guitarrista recurrió a su habitual y sorprendente arquitectura de trío de cuerdas, ejecutando su intrincada técnica de tapping a través de una guitarra de 16 cuerdas de doble diapasón, acompañado con maestría por Joan Torres en un bajo de 10 cuerdas y Nic Kubes en la batería, sumando además arreglos de metales y percusión latina por primera vez en su carrera.

La producción técnica de Merengue estuvo bajo el cuidado del ingeniero Moisés D. Bello, quien se encargó de los procesos de mezcla y masterización. El estreno del nuevo sencillo viene respaldado por un videoclip que los fanáticos pueden disfrutar desde ya, haciendo clic aquí. Este audiovisual fue rodado en los paisajes urbanos del centro de Los Ángeles y captura la energía e interacción de los músicos en directo, traduciendo visualmente la velocidad y precisión matemática que requiere interpretar una pieza de este nivel técnico.

La portada de la canción se inspira directamente en las diversas vertientes del arte latinoamericano, mostrando un colorido contraste entre las emblemáticas casitas construidas en las laderas de los cerros de nuestro continente, las rutilantes playas caribeñas dominicanas, el grafiti callejero de las grandes metrópolis y una curiosa estética de robots vintage. El propio Felix Martin ha manifestado que este proceso creativo nació de una profunda fascinación por el folclor de la región, resultando en una obra que se siente sumamente divertida, bailable y estimulante para los oyentes que buscan propuestas frescas dentro de la escena instrumental contemporánea.

Tras culminar una extensa agenda de conciertos por múltiples escenarios de Europa, Asia y Norteamérica, el venezolano Felix Martin promete que Merengue es apenas el primer escalón de una serie de publicaciones que continuarán explorando los paisajes sonoros tradicionales de Venezuela, República Dominicana y Cuba. Cada una de estas futuras entregas estará pasada por el filtro de las estructuras progresivas modernas y la inconfundible impronta técnica del músico.

Visita el portal oficial de Felix Martin.

Los caraqueños Anorexia Isan ha lanzado recientemente GOG, su esperado nuevo álbum. Tras un proceso que se extendió por tres años, la banda venezolana liderada por John Bustamante finalmente ha puesto en circulación esta pieza discográfica bajo el respaldo del sello Wolf Entertainment. Este trabajo marca un retorno consciente a las influencias que definieron la identidad del grupo en sus inicios, rescatando la crudeza del grunge y la franqueza del rock alternativo de finales de los ochenta y principios de los noventa.

El título de esta obra, GOG, se nutre de referencias literarias y teológicas de gran calado. Por un lado, remite a la figura bíblica apocalíptica de Gog de Magog, aquel ser que lidera la destrucción en el fin de los tiempos para dar paso a un renacimiento lleno de paz. Por otro, conecta con la narrativa del escritor J.J. Benítez, quien utiliza el nombre para identificar a un asteroide cuya colisión con la Tierra en 2027 provocaría un cataclismo necesario para el «reseteo» del mundo. Esta dualidad entre el fin y el inicio es el eje central sobre el cual Anorexia Isan construye las líricas de su nuevo álbum, explorando cómo las relaciones personales tóxicas pueden destruir nuestro ser, pero al mismo tiempo nos obligan a resucitar y transformarnos en alguien nuevo.

La propuesta visual del disco también refuerza este mensaje. El arte representa a un ser terrenal con el poder de resetear vidas, personificado en una figura femenina que simboliza un desamor capaz de arruinar el mundo personal de un individuo. Sin embargo, la banda aclara que este concepto es universal y no distingue géneros; cualquier mortal puede ser ese catalizador de cambio que nos empuja a comenzar de cero tras la tormenta. Es esta carga emocional y simbólica lo que convierte a GOG en una experiencia que trasciende lo puramente musical para convertirse en un viaje introspectivo de redención.

Las grabaciones se llevaron a cabo en el estudio The Lair, en Caracas, entre los años 2023 y 2026. El proyecto, iniciado originalmente tras la salida de su anterior disco «BLOOM«, mutó significativamente durante el proceso. Lo que inicialmente se pensó como una pieza orquestal terminó convirtiéndose en un sonido mucho más directo y crudo. Los tres años de presentaciones ininterrumpidas de Anorexia Isan moldearon el carácter de los músicos, resultando en composiciones que ellos mismos definen como «Canciones que nos habría gustado escuchar en la radio en el pasado».

La alineación que dio vida a este material cuenta con el mencionado John Bustamante en las voces, bajo, guitarras y teclados, acompañado por Benjamín Amarú González en las cuerdas eléctricas y acústicas, y Marcial Robaina en la batería. Juntos, han logrado capturar un sonido que recuerda la honestidad del álbum debut «Decybelia» (2016). Este nuevo lanzamiento de Anorexia Isan nos demuestra que la banda ha sabido capitalizar su crecimiento personal y artístico para entregar una placa que se siente clásica y contemporánea al mismo tiempo.

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El reconocido ex vocalista de Arkangel y Sexto Sonar, Joad Manuel Jiménez, ha publicado oficialmente Retrospective, un ambicioso álbum recopilatorio que busca resumir y celebrar su trayectoria musical. Este material, que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, representa la primera vez que el cantante venezolano reúne en una sola antología personal los momentos más destacados de su carrera, acompañados de gratas sorpresas inéditas.

Para entender la magnitud de este lanzamiento, es necesario mirar hacia atrás y evaluar el peso específico que el cantante ha tenido en la escena sudamericana. A través de este nuevo trabajo, Joad Manuel Jiménez nos invita a recorrer las etapas fundamentales que forjaron su carácter interpretativo, recordando su paso vital por agrupaciones clave como Arkangel, Sexto Sonar y Centurión. Sin embargo, el propio artista ha dejado claro que Retrospective es mucho más que un simple compilado de viejas glorias. En sus propias palabras, este disco nació a partir de una idea sencilla pero rápidamente se transformó en una necesidad imperiosa; es una forma honesta de brindar y agradecer por todo lo vivido en el pasado, para poder cerrar un ciclo simbólico y seguir adelante hacia su presente y futuro artístico.

El contenido de esta obra está meticulosamente estructurado. La antología se divide en cuatro bloques sonoros bien diferenciados que transitan de manera fluida desde la crudeza y velocidad del heavy metal más clásico, hasta las complejidades rítmicas del metal progresivo y las atmósferas del metal experimental. A lo largo de sus 17 canciones, los oyentes podrán disfrutar de registros de grabaciones en vivo que capturan la energía pura del escenario. Además, como plato fuerte para los nostálgicos, se incluye una reinterpretación totalmente renovada del himno de Arkangel «Castillo sobre el Mar«. Esta nueva versión, producida en colaboración con el talentoso Luis Loyo (Gillman), rinde un merecido homenaje a la legendaria agrupación que marcó un acontecimiento trascendental dentro de la historia del metal venezolano y latinoamericano.

Más allá de los escenarios rockeros, la carrera de Joad Manuel Jiménez siempre ha estado caracterizada por una notable versatilidad. Reconocido unánimemente como una de las voces más sólidas y educadas del metal venezolano, su formación no se limitó a la distorsión. Durante dos décadas, integró el prestigioso Coro de Voces Oscuras de la Universidad Central de Venezuela (UCV), donde forjó el rigor del canto coral académico que luego aplicaría magistralmente al rock. Curiosamente, ha sabido equilibrar esta pasión desbordante por la música con su profesión como Ingeniero Agrónomo y, más recientemente, con una destacada faceta como comunicador y periodista musical.

Actualmente radicado en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, el vocalista colabora de forma muy activa con la reconocida revista Efecto Metal. Desde esa trinchera periodística, ha tenido el privilegio de entrevistar a gigantes de la industria global de la talla de James LaBrie (Dream Theater), Chuck Billy (Testament), Andreas Kisser (Sepultura) y David Ellefson (ex Megadeth).

El resultado de toda esa experiencia decantada es, precisamente, el álbum Retrospective, una obra que ya está lista para ser descubierta por las nuevas generaciones y atesorada por los seguidores de siempre. Clic aquí.

La agrupación caraqueña Instakill, ha decidido conmemorar sus cuatro años de actividad con el lanzamiento oficial de su nuevo EP titulado Predator Blood Live Session. Esta producción, grabada íntegramente en directo, sirve como el preámbulo perfecto para lo que será su Tour 2026, que promete llevar a la banda a diversas plazas del territorio nacional.

Como ya dijimos, el pasado mes de marzo, la banda venezolana alcanzó un año más de formación ininterrumpida. Y para celebrarlo los integrantes se trasladaron a las emblemáticas instalaciones de Estudios Cusica, ubicadas en el sector de Los Chorros, con la misión de encapsular esa energía que los caracteriza en tarima.

La elección de Estudios Cusica para la grabación de Predator Blood Live Session no fue un hecho fortuito. Instakill buscaba un sonido que respetara la fidelidad de sus presentaciones en vivo, huyendo de las producciones excesivamente procesadas. Entre las piezas seleccionadas se encuentran «Horizonte» y «Furia«, además de «South American Dreams«, una canción que ha sido fundamental en su crecimiento y que se perfila como su próximo sencillo de estudio.

El grupo también ha incluido composiciones recientes como «Murdering The Past» y «Plagas en Casa«. El cierre del círculo llega con el tema homónimo «Predator Blood«, una pieza que le otorga el nombre definitivo a esta sesión.

El lanzamiento oficial del EP Predator Blood Live Session está pautado para el viernes 22 de mayo de 2026. La distribución se realizará a través de las principales plataformas digitales. Este movimiento busca calentar los motores para el «Hits Nu Metal Tour 2026», que los llevará por Caracas, Valencia y Maracay.

La agrupación venezolana de black metal, Noctis Imperium, marca un precedente en su trayectoria al cumplir 21 años de actividad y celebrarlo con el lanzamiento oficial en plataformas digitales del tema Resistencia 666. Una pieza que no solo rescata un himno histórico, sino que reafirma el compromiso de la banda con el metal venezolano y su legado de lucha constante ante las adversidades.

La canción elegida para esta conmemoración pertenece originalmente a la banda Resistencia, una de las formaciones que cimentó las bases del movimiento pesado en el país durante los años ochenta. Al interpretar Resistencia 666, los integrantes de Noctis Imperium buscan conectar ese pasado heroico con la realidad punzante del siglo XXI. Según los propios músicos, este himno les habla de forma directa en un momento donde la existencia en el planeta se percibe bizarra e incierta, marcada por situaciones personales complejas y la pérdida inevitable de seres queridos.

El mensaje del sencillo es tajante y no deja lugar a dudas: «Debes resistir«. Esta consigna se convierte en el motor de la canción, dedicada especialmente a todos aquellos que atraviesan momentos de oscuridad pero deciden seguir mirando hacia adelante sin detenerse por el agotamiento. La lucha por mantener una identidad propia es lo que ha definido a este grupo durante sus 21 años de carrera, y con este tributo al metal venezolano, logran sintetizar todas las influencias que han moldeado su carácter sónico a lo largo del tiempo, honrando a quienes abrieron el camino.

En lo que respecta a la ejecución técnica, el tema Resistencia 666 fue registrado en los Estudios La Cabaña, ubicados en Puerto La Cruz, estado Anzoátegui. La producción corrió a cargo de los propios Noctis Imperium. La labor de mezcla y masterización fue realizada por Isaías Guilarte.

Otro elemento destacable es el aporte del guitarrista invitado Gustavo Coz. Por otro lado, la estética visual y artística corrió a cargo de Máriel ML.

Actualmente Noctis Imperium están compuestos por Isa en la voz y guitarra, Máriel ML en la guitarra y el piano, Daniel ‘Cuerpo’ Haddad en el bajo y los coros, y Keiv Campos en la batería.

Arch Enemy se encuentra en el ojo del huracán tras las acusaciones de una supuesta infracción de copyright señalada por el guitarrista brasileño Kiko Loureiro, el centro de la disputa es el nuevo sencillo de los suecos «To The Last Breath«. Según diversos reportes y el propio testimonio del exintegrante de Megadeth, existen similitudes melódicas innegables con su composición «Talking Dreams«, una pieza instrumental que forma parte de su aclamado disco solista Theory of Mind, publicado originalmente en 2005.

La respuesta contundente de Michael Amott ante las acusaciones

Ante el revuelo generado en redes sociales y foros especializados, la directiva de Arch Enemy ha salido al paso para desestimar cualquier intención de plagio. Michael Amott, guitarrista y líder de la agrupación, fue enfático al declarar que cualquier parecido entre su canción y la de Kiko Loureiro es puramente casual. Según Arch Enemy, la estructura y el fraseo de «To The Last Breath» surgieron de manera orgánica durante las sesiones de composición de su nuevo material discográfico. Michael Amott destacó que, aunque respeta profundamente la carrera de Kiko Loureiro, no estaban familiarizados con ese tema específico del brasileño al momento de entrar al estudio de grabación, calificando las coincidencias como parte del «lenguaje común» del género.

Por su parte, el equipo legal de la banda sueca ha reforzado esta postura, indicando que no existe base jurídica para una demanda por copyright. Argumentan que las progresiones utilizadas en el metal melódico a menudo comparten escalas y resoluciones similares, lo que puede llevar a situaciones de criptomnesia o coincidencias rítmicas. Para los integrantes de Arch Enemy, este episodio ha sido un malentendido que se ha magnificado debido a la rapidez con la que se difunden las comparaciones en plataformas digitales, pero aseguran que la integridad de su obra permanece intacta y que el enfoque principal debe seguir siendo el lanzamiento de su próxima gira mundial.

Kiko Loureiro y la defensa de su legado instrumental

La otra cara de la moneda la presenta Kiko Loureiro, quien decidió publicar un video comparativo en sus canales oficiales para evidenciar los puntos de contacto entre ambas composiciones. El guitarrista brasileño, conocido también por su impecable técnica y su paso por Angra, manifestó que no busca generar un conflicto destructivo, pero sí proteger la autoría de sus obras. En su análisis, Kiko Loureiro destaca que la melodía principal de «To The Last Breath» sigue un patrón casi idéntico al de su tema «Talking Dreams«, lo que despertó las alarmas de sus seguidores en todo el mundo. A pesar de la firme negativa de los suecos, el músico ha insistido en que es necesario reconocer la línea que separa la influencia de la copia directa.

Este incidente representa un momento importante en la carrera de ambos artistas para este 2026, ya que pone sobre la mesa el debate sobre la originalidad en una industria cada vez más saturada de contenido. Mientras Arch Enemy se prepara para defender su posición en los tribunales si fuera necesario, Kiko Loureiro continúa recibiendo el apoyo de una comunidad que valora la transparencia creativa. La resolución de este caso podría sentar un precedente relevante sobre cómo se manejan los derechos de autor en el metal contemporáneo, especialmente cuando dos titanes del instrumento se encuentran en posiciones opuestas respecto a la creación de una melodía. Por ahora, el tema sigue disponible en todas las plataformas, acumulando millones de reproducciones bajo la sombra de la duda legal.

 

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El legendario guitarrista Chris Poland ha manifestado públicamente su intención de asistir a uno de los conciertos de la gira de despedida de Megadeth. A pesar de las décadas de altibajos, disputas legales y reconciliaciones intermitentes que han marcado su relación con el líder de la banda, Dave Mustaine, Chris Poland aseguró que hará todo lo posible por estar presente en esta despedida definitiva de los escenarios. Este anuncio no solo representa un acto de respeto profesional, sino que cierra un círculo emocional en la historia de una de las agrupaciones más influyentes del género a nivel global.

Un legado compartido entre el jazz y el thrash metal

La historia de Chris Poland con Megadeth es fundamental para entender la evolución técnica del metal en los años ochenta. Su llegada a la banda para los álbumes Killing Is My Business… and Business Is Good! y el icónico Peace Sells… but Who’s Buying? introdujo una sofisticación armónica y un fraseo influenciado por el jazz-fusión que separó a la agrupación de sus contemporáneos. Durante años, la química entre Chris Poland y Dave Mustaine fue el motor de una propuesta sonora agresiva pero elegante. Sin embargo, las tensiones personales y los problemas de adicción de la época terminaron por fracturar esa alianza, convirtiendo su relación en un constante vaivén de declaraciones y distanciamientos.

En recientes declaraciones, Poland enfatizó que el tiempo ha sanado muchas de esas heridas del pasado. Al referirse a la gira final, el guitarrista destacó que es un acontecimiento de gran magnitud que no desea ignorar. «Me haré un tiempo para Dave Mustaine«, afirmó con contundencia, dejando claro que su prioridad es celebrar la carrera de su antiguo compañero y la vigencia de las canciones que ayudó a crear. Este reencuentro, aunque sea desde el público o tras bastidores, simboliza un cambio necesario para una de las duplas creativas más recordadas por los fans del thrash metal.

El cierre de un capítulo histórico para el metal mundial

La noticia sobre la gira de despedida de Megadeth ha generado una atmósfera de nostalgia en toda la comunidad. Dave Mustaine, quien ha superado batallas contra el cáncer y diversos cambios en la alineación, parece estar decidido a despedir a la banda con la mayor dignidad posible. Para Chris Poland, participar de alguna manera en esta última etapa es una forma de honrar su propio pasado y el impacto cultural de temas como «The Conjuring» o «Wake Up Dead«, donde sus solos dejaron una huella imborrable. La madurez demostrada por ambos músicos sugiere que, más allá de los negocios, prevalece el reconocimiento mutuo por lo construido en conjunto.

Este acercamiento se suma a otros gestos de reconciliación que han ocurrido en los últimos años dentro del entorno de Megadeth. Poland, quien también regresó brevemente como músico de sesión para el álbum The System Has Failed en 2004, siempre ha mantenido un vínculo espiritual con el sonido de la banda. Ahora, ante la inminencia del retiro de los escenarios de Mustaine y compañía, el guitarrista busca asegurar que no queden palabras sin decir.

La agrupación alemana ANTIROPE, ha captado la atención de la prensa especializada al confirmar los detalles de su próxima producción discográfica titulada Bring Me To Zero. Este trabajo, que será editado bajo el prestigioso sello Eclipse Records, representa una apuesta ambiciosa dentro del panorama del metal alternativo contemporáneo. Con un lanzamiento programado para el 1 de mayo de 2026, la banda alemana se prepara para ofrecer una experiencia auditiva que desafía las convenciones del género, combinando una pesadez primitiva con paisajes sonoros hipnóticos que prometen resonar en los oídos más exigentes del circuito internacional.

El sonido de ANTIROPE se asienta firmemente en una base de influencias legendarias, tomando la densidad característica de Black Sabbath y la aspereza melancólica de Soundgarden. Sin embargo, en Bring Me To Zero, la banda de Munich evita caer en el simple tributo y opta por forjar una identidad propia donde los riffs afinados en tonos bajos colisionan con texturas psicodélicas. Esta propuesta de metal alternativo se nutre también de la expansión hipnótica de Neurosis, logrando una atmósfera que es a la vez física y etérea. El resultado es un álbum que se siente moderno y fresco, pero que mantiene ese respeto por la oscuridad clásica que define a los grandes nombres del estilo.

Una evolución sonora con raíces profundas y texturas psicodélicas

La producción de Bring Me To Zero no solo destaca por su composición, sino también por el equipo humano que la respalda. Editado por Eclipse Records y distribuido mundialmente a través de The Orchard, el álbum cuenta con la participación del veterano Juergen ‘Bam Bam’ Weihler en la batería. Su incorporación, tras haber formado parte de agrupaciones icónicas como Bonfire y Megaherz, aporta una solidez rítmica innegable que eleva la potencia de las canciones. La destreza de Weihler complementa perfectamente el enfoque de la banda, permitiendo que la pesadez de los temas fluya de manera orgánica a lo largo de toda la placa.

Uno de los puntos más comentados de este lanzamiento es la audaz decisión de ANTIROPE de incluir una versión del clásico de Cream, “Sunshine of Your Love”. Lejos de ser una copia fiel, la banda reimagina esta pieza fundamental de la historia del rock a través de su particular lente de metal alternativo. Esta versión se transforma en algo mucho más oscuro, hipnótico y físico, honrando la obra original de finales de los años 60 pero dotándola de una fuerza industrial y moderna que encaja perfectamente con el tono general de Bring Me To Zero. Es una muestra de la confianza del grupo para tomar riesgos creativos significativos y establecer una firma sonora contundente.

Un homenaje oscuro y la incorporación de una leyenda en la batería

Para aquellos que buscan un adelanto de lo que Eclipse Records pondrá en circulación, ya se encuentran disponibles los videoclips de los sencillos «Zero» e «Intervention«. Estos temas sirven como la carta de presentación ideal para el concepto global de la obra, mostrando la capacidad de la banda para transitar entre lo agresivo y lo atmosférico con una naturalidad asombrosa. El esfuerzo invertido en Bring Me To Zero refleja el compromiso de los músicos con la excelencia, llevando su sonido desde los estudios de Munich hasta las plataformas de streaming globales, asegurando que cada detalle técnico esté a la altura de las expectativas de sus seguidores.

La agrupación italiana de power metal, Vision Divine ha confirmado el lanzamiento de su nuevo EP titulado A Clockwork Reverie. El cual verá la luz el próximo 22 de mayo a través del prestigioso sello Scarlet Records. Este material no solo representa una nueva entrega discográfica, sino que marca el regreso triunfal del aclamado vocalista Michele Luppi y el virtuoso tecladista Oleg Smirnoff. Con esta obra, la banda busca reafirmar su estatus como un pilar del power metal y el metal progresivo, ofreciendo una mezcla poderosa de técnica, melodía y una producción sonora de vanguardia.

El retorno triunfal de Michele Luppi y Oleg Smirnoff

La reunión de la alineación clásica ha generado entusiasmo entre los seguidores de Vision Divine alrededor del mundo. Tras su paso por Whitesnake como corista y tecladista, Michele Luppi regresa a casa para aportar su distintiva voz y sensibilidad melódica a A Clockwork Reverie. Junto a él, el regreso de Oleg Smirnoff en los teclados asegura ese sonido icónico que definió la identidad de la banda en sus años de mayor esplendor. Este nuevo lanzamiento no es simplemente un ejercicio de nostalgia; es una declaración de principios donde el grupo re-imagina su legado con una actitud contemporánea y una energía renovada, demostrando que su capacidad creativa sigue intacta después de décadas de trayectoria.

Desde el punto de vista musical, A Clockwork Reverie captura la esencia que hizo de Vision Divine un punto de referencia para los amantes del género. La banda ha logrado equilibrar la complejidad técnica con ganchos melódicos memorables, algo que se evidencia en las siete pistas que conforman este trabajo. El EP se siente como un puente perfecto entre la era clásica del Power Metal y las exigencias de la producción moderna, manteniendo la frescura que los fans de bandas como Labyrinth, Kamelot y Queensrÿche han sabido apreciar históricamente en sus composiciones. Es, en esencia, una reafirmación de quiénes son hoy, sin dar la espalda a las raíces que los consolidaron en la cima del metal europeo.

Una producción técnica impecable para la era moderna

La excelencia técnica de A Clockwork Reverie es el resultado de un trabajo minucioso en los estudios de grabación. La producción fue liderada por Olaf Thorsen junto al propio Michele Luppi, asegurando que la visión artística de Vision Divine se mantuviera fiel a sus estándares. La mezcla fue realizada por Simone Mularoni y Luppi en los reconocidos Domination Studio, conocidos por su trabajo con agrupaciones como Michael Romeo y Twilight Force. Finalmente, la masterización corrió a cargo de Luppi en su MiLu’s RockLab II. Todo este proceso garantiza un sonido potente y nítido que permite apreciar cada detalle instrumental, desde los riffs aplastantes de guitarra hasta las atmósferas envolventes de los teclados, consolidando un producto final de alta factura bajo el sello Scarlet Records.

Además de material inédito, el EP incluye versiones actualizadas de clásicos de la banda como «Identities«, «God Is Dead» y «The 25th Hour«, todas en su edición 2026. Con un tiempo total de duración de 34:02 minutos, este lanzamiento se presenta en diversos formatos físicos, incluyendo mini-CD y ediciones limitadas en vinilo de color azul transparente, pensadas especialmente para los coleccionistas. Con la mirada puesta en el futuro, Vision Divine ya se prepara para encabezar el Warriors Of Steel Festival en Noruega, marcando el inicio de una nueva etapa que promete devolver al Power Metal italiano el protagonismo que merece en la escena global.

El arte de portada, diseñado por Augusto Silva.

La agrupación venezolana de rock alternativo establecida en USA: Sun City Riot, ha captado la atención de la crítica global con el relanzamiento de su EP Imaginary. Como parte de una estrategia de expansión para este 2026, la banda no solo busca revitalizar su catálogo previo, sino que se prepara para el lanzamiento de un nuevo sencillo promocional titulado «Lights«. Esta propuesta promete consolidar el sonido contundente que han venido gestando desde la ciudad de Miami, fusionando la energía del grunge con la precisión del rock clásico.

La producción de Imaginary estuvo a cargo del legendario Bob St. John, figura de peso histórico que ha trabajado con gigantes de la música como Duran Duran, Collective Soul, Extreme y Steven Tyler. Gracias a su aporte, el disco logró una receptividad asombrosa, siendo incluido en más de 150 listas de reproducción a nivel mundial. El alcance de Sun City Riot ha traspasado fronteras físicas, logrando que sus cinco canciones resuenen en 82 países de América y Europa. Un logro que posiciona al talentoso líder de la banda, Raúl Ramírez, en el radar de los principales influencers y críticos del género.

El EP Imaginary se caracteriza por una construcción sonora robusta, donde las influencias del metal y el punk se entrelazan de forma orgánica. Según los productores involucrados, la clave de su éxito reside en la autenticidad de sus riffs y en la capacidad de conectar con una audiencia global a través de letras escritas en inglés, sin perder esa esencia visceral que caracteriza a los músicos formados en la vibrante escena de Caracas.

Para complementar este ciclo de éxitos, la banda presentará durante la primera mitad de abril de 2026 su nuevo single, «Lights«. Esta canción, escrita por el propio Raúl Ramírez hace algunos años, ha demostrado tener un magnetismo especial en sus presentaciones en vivo. La grabación se llevó a cabo en los prestigiosos Big Up Records Club Studios de Miami, contando con la dirección técnica de Darío Adames, reconocido ex baterista de Caramelos de Cianuro. El tema cuenta además con la mezcla y masterización de Arturo Banus, quien ha trabajado con nombres de la talla de La Vida Bohème y Stratuz, garantizando un acabado profesional que exprime al máximo la potencia del rock venezolano moderno.

Más allá de la técnica, este lanzamiento está cargado de una fuerte carga emocional para Raúl Ramírez, quien fue el ganador del reality internacional «Batalla de las Américas» en 2009 y finalista del Festival Nuevas Bandas con su anterior proyecto, 3som. Acompañado por Carlos Barrios en la guitarra líder, Carlos Benítez en la batería e Iván Santiago en el bajo, el músico busca que «Lights» sea el vehículo que lo traiga de vuelta a los escenarios de su tierra natal.

Para conocer más sobre este proyecto y estar al tanto de los próximos lanzamientos, puedes seguir a la banda en sus plataformas oficiales: YouTube, Instagram y el perfil personal de Raúl Ramírez.

La agrupación venezolana UltraZonido vuelve al radar nacional con un lanzamiento que destila identidad «San Ruperto«, este nuevo single se presenta como una oda al rock y a la cotidianidad de Caracas. Un tributo necesario a uno de los íconos más recordados del transporte público capitalino de las décadas de los 80 y 90. Con esta pieza, la banda no solo rescata una melodía con historia, sino que la proyecta hacia el futuro con una producción de altísimo nivel técnico que captura la esencia vibrante del asfalto venezolano.

El asfalto convertido en una oda de Rock and Roll

La canción rinde homenaje a la empresa Transporte San Ruperto, cuyos autobuses eran figuras omnipresentes en la ruta que conectaba el CCCT con Caricuao. Bautizada en honor al patrono de la parroquia La Pastora, esta línea de transporte se convirtió en un símbolo de supervivencia urbana para miles de caraqueños. «San Ruperto» narra con un toque de humor y mucha fuerza el drama de la espera en las paradas, transformando la mística figura del autobús en un «santo» al que se le implora para poder llegar a casa. Musicalmente, el tema es una amalgama perfecta de Rock and Roll, Pop Rock y Hard Rock, logrando un equilibrio entre la energía cruda de la calle y una lírica profundamente emotiva.

La génesis de este tema se remonta a más de tres décadas atrás, gestada originalmente en la Promoción XXIV del Liceo Urbaneja Achelpohl. Rafael Pire, Emiliano Montes y Raúl Rosa-Brussin fueron los arquitectos de una letra que hoy, de la mano de UltraZonido, cobra una nueva dimensión. La estructura musical cierra con una transición magistral de salsa-rock, un guiño directo al ADN caribeño que define la identidad de Caracas. Este giro final no es solo un recurso sonoro, sino un reconocimiento a las historias vividas entre los asientos de aquellos autobuses y a la cultura callejera que ha moldeado al músico venezolano.

Innovación técnica y el sello de UltraZonido 2.0

El proceso de grabación se llevó a cabo entre mayo y octubre de 2025 en las instalaciones de La Santa Mónica Estudios, bajo la mirada atenta de la propia banda y la co-producción de Víctor Hugo Mendoza y Claudio Leoni. Este lanzamiento marca un paso trascendental en la etapa que la banda denomina «UltraZonido 2.0«, caracterizada por una renovación en su formación y un dinamismo técnico superior.

La alineación actual, compuesta por Rafael Pire (Voz/Guitarra), Carlos Ramírez (Bajo), Julio Bolívar (Batería/Coros) y Carlos Ferrer Orta (Guitarra), demuestra una sinergia envidiable que se refleja en cada compás de «San Ruperto«. El arte visual del sencillo, creado por Carlos Ferrer Orta, captura visualmente el caos y la devoción que inspira la canción, mientras que el video lyric desarrollado por Letra Sonora ofrece un viaje visual por las rutas que marcaron a una generación.

Puedes disfrutar del video lyric oficial en el siguiente haciendo clic aquí. Para seguir de cerca los próximos pasos de la banda, visita sus redes oficiales en Facebook, X (Twitter), Instagram y su canal de YouTube.

Monarca, el proyecto liderado por el guitarrista venezolano Jesús Moncada, ha presentado oficialmente su sencillo titulado «En El Vientre de la Bestia«. Pieza que busca posicionarse como una de las propuestas más crudas y honestas del metal venezolano actual. Combinando la agresividad con una lírica de profunda protesta social contra las injusticias y la tortura a personas inocentes.

Como ya mencionamos, es fruto de la visión artística de Jesús Moncada, quien fuera miembro fundador y guitarrista de la recordada banda Atrofia. Tras años de trayectoria, Moncada decidió en 2022 dar vida a Monarca con el objetivo de producir música bajo su propia autoría. Las influencias de bandas como Sepultura, Slayer, Obituary y Megadeth son palpables en la estructura de este nuevo estreno musical, donde los riffs pesados y la velocidad del thrash metal se entrelazan.

Sin embargo, Monarca es mucho más que un proyecto solista: Para consolidar su identidad sonora, ha sumado a figuras conocidas del metal venezolano. La potencia vocal de «En el Vientre de la Bestia» cuenta con la colaboración especial de Luis González, vocalista de la banda Derian, cuya voz aporta la intensidad necesaria para transmitir el mensaje de la canción. Asimismo, el proyecto integra a Pedro Silvestre (ex-Enduro y actual Blackened), conformando una alineación que garantiza una ejecución de primer nivel.

Lo que también distingue a «En el Vientre de la Bestia» es su carga conceptual. Lejos de las temáticas genéricas, este estreno musical se convierte en un manifiesto que denuncia los horrores vividos en los centros de tortura alrededor del mundo. La letra expone el sufrimiento de quienes pagan injustamente en la sombra, haciendo un llamado urgente a la sociedad para no guardar silencio.

Actualmente, Monarca cuenta con seis canciones totalmente consolidadas y otras cuatro en proceso de producción, lo que sugiere que pronto podremos disfrutar de un álbum de larga duración. Con un sonido directo y cargado de mensaje, Jesús Moncada y sus colaboradores están trazando un camino que promete refrescar la oferta del rock pesado nacional. El sencillo ya se encuentra disponible en YouTube y plataformas digitales.

El popular músico venezolano Alfredo Herrera, acaba del lanzar un nuevo single y videoclip titulado «Como el viento«. Una pieza de rock instrumental que no solo fortalece la carrera del músico, sino que eleva los estándares de la guitarra eléctrica en la región. Este músico (reconocido como Mejor Guitarrista en los Premios Melomaniac 2025) presenta una obra que destaca más allá de la simple ejecución veloz, por su excelente producción audiovisual.

Con esta nueva entrega, Alfredo Herrera demuestra por qué es considerado uno de los exponentes más destacados de su generación. Tras el éxito obtenido con iniciativas previas como su «Live Art Session«, se ha aventurado en una producción audiovisual que captura la esencia del desplazamiento y la fluidez del aire.

Para elevar esta composición a su máximo potencial, el guitarrista originario de Acarigua, estado Portuguesa, se ha rodeado de músicos de calidad que aportan una base sólida y dinámica. La participación de Victor León en el bajo y Franchescoly Martínez en la batería crea una química orgánica que permite que el tema respire y crezca en intensidad de manera natural.

El video oficial que ya se encuentra disponible en YouTube. No te pierdas este nuevo paso en la carrera de Alfredo Herrera, un músico con muchas historias aún por contar a través de sus cuerdas.